Rönesans, veya Rönesans(fr. rönesans), - Avrupa halklarının kültür tarihinde bir dönüm noktası. İtalya'da, 13.-14. yüzyılların başında, diğer Avrupa ülkelerinde - 15.-16. yüzyıllarda yeni eğilimler ortaya çıktı. Rönesans figürleri bir kişiyi - onun iyiliği ve kişiliğin özgürce gelişme hakkı - en yüksek değer olarak kabul etti. Bu dünya görüşüne "hümanizm" (Latince humanus'tan - "insan", "insan") adı verildi. Hümanistler, antik çağda uyumlu bir insan idealini aradılar ve antik Yunan ve Roma sanatı, sanatsal yaratıcılıkları için bir model görevi gördü. Antik kültürü "canlandırma" arzusu, adını bütün bir döneme verdi - Rönesans, Orta Çağ ile Yeni Çağ arasındaki dönem (17. yüzyılın ortasından günümüze).

Rönesans'ın dünya görüşü, müzik de dahil olmak üzere sanatı en iyi şekilde yansıtır. Bu dönemde, Orta Çağ'da olduğu gibi, önde gelen yer vokal kilise müziğine aitti. Polifoninin gelişimi, polifoninin ortaya çıkmasına neden oldu (Yunanca "polis" - "sayısız" ve "arka plan" - "ses", "ses"). Bu tür polifoni ile eserdeki tüm sesler eşittir. Çokseslilik sadece işi karmaşıklaştırmakla kalmadı, aynı zamanda yazarın metni kişisel olarak anladığını ifade etmesine izin verdi, müziğe daha fazla duygusallık verdi. Çok sesli bir beste, bestecinin derin bilgisi ve virtüöz becerisi gerektiren katı ve karmaşık kurallara göre oluşturulmuştur. Çokseslilik çerçevesinde kilise ve seküler türler gelişti.

Hollandalı polifonik okul. Hollanda, modern Belçika, Hollanda, Lüksemburg ve Kuzeydoğu Fransa topraklarını içeren kuzeybatı Avrupa'da tarihi bir bölgedir. 15. yüzyıla kadar Hollanda yüksek bir ekonomik ve kültürel düzeye ulaşmış ve müreffeh bir Avrupa ülkesine dönüşmüştür.

Rönesans müziğinin en büyük fenomenlerinden biri olan Hollanda polifonik okulu burada kuruldu. 15. yüzyıl sanatının gelişimi için farklı ülkelerden müzisyenlerin iletişimi, yaratıcı okulların karşılıklı etkisi önemliydi. Hollanda okulu İtalya, Fransa, İngiltere ve Hollanda geleneklerini özümsedi.

Önde gelen temsilcileri: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (yaklaşık 1400 - 11/27/1474, Cambrai), Fransız-Flaman besteci, Hollanda okulunun kurucularından biri. Hollanda müziğinde çok seslilik geleneğinin temelleri Guillaume Dufay (1400-1474 dolaylarında) tarafından atılmıştır. Flanders'ın (Hollanda'nın güneyinde bir eyalet) Cambrai şehrinde doğdu ve erken yaşlardan itibaren kilise korosunda şarkı söyledi. Buna paralel olarak, gelecekteki müzisyen kompozisyonda özel dersler aldı. Dufay, gençliğinde ilk bestelerini yazdığı İtalya'ya gitti - baladlar ve motifler. 1428-1437'de. Roma'daki papalık şapelinde şarkıcı olarak görev yaptı; bu yıllarda İtalya ve Fransa'ya gitti. 1437'de besteci kutsal emirler aldı. Savoy Dükü (1437-1439) mahkemesinde, ciddi törenler ve tatiller için müzik besteledi. Dufay asil insanlar tarafından çok saygı gördü - hayranları arasında örneğin Medici çifti (İtalyan Floransa şehrinin yöneticileri) vardı. [İtalya ve Fransa'da çalıştı. 1428-37'de Roma ve diğer İtalyan şehirlerinde papalık şapellerinin şarkıcısıydı, 1437-44'te Savoy Dükü ile görev yaptı. 1445'ten beri canon ve Cambrai'deki katedralin müzik faaliyetlerinin başı. Halk polifonisi ve Rönesans'ın hümanist kültürü ile ilişkili laik (3-, 4 sesli Fransız şansonları, İtalyan şarkıları, baladlar, rondo) türlerinin yanı sıra manevi (3-, 4 sesli kitleler, motifler) ustası. Avrupa müzik sanatının başarılarını özümseyen D. sanatı, Avrupa polifonik müziğinin daha da gelişmesi üzerinde büyük bir etkiye sahipti. Aynı zamanda müzikal yazının reformcusuydu (D., beyaz başlı notaların tanıtımıyla tanınır). D.'nin Roma'da yayınlanan tüm eserleri (6 cilt, 1951-66).] Dufay, besteciler arasında kütleyi bütünleyici bir müzik kompozisyonu olarak bestelemeye başlayan ilk kişiydi. Kilise müziği yaratmak için olağanüstü bir yetenek gereklidir: soyut, soyut kavramları somut, maddi araçlarla ifade etme yeteneği. Zorluk, böyle bir kompozisyonun bir yandan dinleyiciyi kayıtsız bırakmaması ve diğer yandan ibadetten uzaklaşmaması, duaya daha derinden odaklanmaya yardımcı olmasıdır. Dufay'ın kitlelerinin çoğu ilhamlıdır, içsel yaşamla doludur; bir an için ilahi vahiy perdesini kaldırmaya yardımcı olurlar.

Çoğu zaman, bir kitle yaratırken, Dufay, kendisinin eklediği iyi bilinen bir melodi aldı. Bu tür borçlanmalar Rönesans'ın karakteristiğidir. Kitlenin, tapanların çok sesli bir eserde bile kolayca tanıyabilecekleri tanıdık bir ezgiye dayandırılması çok önemli görüldü. Gregoryen ilahinin bir parçası sıklıkla kullanıldı; laik işler dışlanmadı.

Kilise müziğine ek olarak, Dufay laik metinler üzerine motifler besteledi. Onlarda ayrıca karmaşık bir polifonik teknik kullandı.

Josquin Despres (1440-1521). 15. yüzyılın ikinci yarısının Hollanda polifonik okulunun temsilcisi. Josquin Despres (yaklaşık 1440-1521 veya 1524), gelecek neslin bestecilerinin eserleri üzerinde büyük etkisi oldu. Gençliğinde Cambrai'de kilise korosu olarak görev yaptı; Okegyom'dan müzik dersleri aldı. Yirmi yaşında, genç müzisyen İtalya'ya geldi, Milano'da Sforza Dükleri (daha sonra büyük İtalyan sanatçı Leonardo da Vinci burada görev yaptı) ve Roma'daki papalık şapelinde şarkı söyledi. İtalya'da Despres muhtemelen müzik bestelemeye başladı. XVI yüzyılın en başında. Paris'e taşındı. O zamana kadar, Despres zaten biliniyordu ve Fransız kralı Louis XII tarafından mahkeme müzisyeni görevine davet edildi. 1503'ten beri Despres tekrar İtalya'ya, Ferrara şehrine, Duke d "Este'nin mahkemesine yerleşti. Despres çok beste yaptı ve müziği en geniş çevrelerde hızla tanındı: hem asalet hem de halk tarafından sevildi. sıradan insanlar Besteci sadece kilise eserleri değil, aynı zamanda laik de yarattı.Özellikle, bir dans ritmi ve hızlı tempo. Kilise müziğinde, Despres laik eserlerin özelliklerini getirdi: taze ", canlı tonlama katı ayrılmayı ihlal etti ve bir neşe ve dolgunluk hissi uyandırdı. Ancak, orantı duygusu besteciye asla ihanet etmedi. Despres'in polifonik tekniği Sofistike ile ayırt edilmez. Eserleri zarif bir şekilde basittir, ancak yazarın güçlü zekası içlerinde hissedilir. Bu, yaratımlarının popülaritesinin sırrıdır.

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Guillaume Dufay'ın genç çağdaşları Johannes (Jean) Okeghem (1425-1497 dolaylarında) ve Jacob Obrecht idi. Dufay gibi, Okegem de Flanders'lıydı. Hayatı boyunca çok çalıştı; müzik bestelemeye ek olarak, şapelin başı olarak görev yaptı. Besteci on beş kütle, on üç motif, yirmiden fazla şanson yarattı. Okegyom'un çalışmaları, katılık, konsantrasyon ve pürüzsüz melodik çizgilerin uzun bir açılımı ile karakterizedir. Çoksesli tekniğe büyük önem vermiş, kütlenin tüm parçalarının bir bütün olarak algılanması için uğraşmıştır. Bestecinin yaratıcı tarzı şarkılarında da görülebilir - neredeyse laik hafiflikten yoksundurlar, karakterleri daha çok motifleri ve bazen de kitle parçalarını andırır. Johannes Oegem hem yurtiçinde hem de yurtdışında saygı gördü (Fransa Kralı'na danışman olarak atandı). Jakob Obrecht, Hollanda'nın çeşitli şehirlerinin katedrallerinde koro şefiydi, şapelleri yönetti; birkaç yıl boyunca Duke d "Este in Ferrara (İtalya) mahkemesinde görev yaptı. Yirmi beş ayin, yirmi motet, otuz şansonun yazarıdır. Obrecht, seleflerinin başarılarını kullanarak birçok yeni şey getirdi. Çoksesli gelenek Besteci geleneksel kilise türlerine hitap etse bile müziği zıtlıklarla dolu, cesur.

Yaratıcılığın çok yönlülüğü ve derinliği Orlando Lasso. Hollanda Rönesans müziğinin tarihi, çağdaşları tarafından "Belçikalı Orpheus" ve "Müzik Prensi" olarak adlandırılan Orlando Lasso'nun (gerçek adı ve soyadı Roland de Lasso, yaklaşık 1532-1594) eseriyle tamamlanır. Kement Mons'ta (Flanders) doğdu. Çocukluğundan itibaren kilise korosunda şarkı söyledi ve cemaatçilere harika bir sesle vurdu. İtalyan şehri Mantua'nın Dükü Gonzaga, yanlışlıkla genç bir şarkıcıyı duydu ve onu kendi kilisesine davet etti. Mantua'dan sonra, Kement Napoli'de kısa bir süre çalıştı ve ardından Roma'ya taşındı - burada katedrallerden birinin şapelinin başkanlığını aldı. Yirmi beş yaşına geldiğinde, Lasso zaten bir besteci olarak biliniyordu ve besteleri müzik yayıncıları arasında talep görüyordu. 1555'te, motifler, madrigaller ve chanson içeren ilk eser koleksiyonu yayınlandı. Kement, selefleri (Hollandalı, Fransız, Alman ve İtalyan besteciler) tarafından yaratılan en iyi şeyleri inceledi ve deneyimlerini çalışmalarında kullandı. Olağanüstü bir kişilik olan Lasso, kilise müziğinin soyut doğasını aşmaya, ona bireysellik kazandırmaya çalıştı. Bu amaçla besteci bazen tür ve gündelik motifleri (türküler, dans temaları) kullanmış, böylece kilise ve seküler gelenekleri bir araya getirmiştir. Kement, çok sesli tekniğin karmaşıklığını büyük bir duygusallıkla birleştirdi. Özellikle madrigallerde başarılıydı, karakterlerin ruh halinin ortaya çıktığı metinlerde, örneğin, Aziz Petrus'un Gözyaşları "(1593) İtalyan şair Luigi Tranzillo'nun ayetlerine. Besteci genellikle bir için yazdı. çok sayıda ses (beş ila yedi), bu nedenle eserlerini gerçekleştirmek zordur.

1556'dan beri Orlando Lasso, şapeli yönettiği Münih'te (Almanya) yaşıyordu. Hayatının sonlarına doğru müzik ve sanat çevrelerinde otoritesi çok yüksekti ve ünü tüm Avrupa'ya yayıldı. Hollanda polifonik okulunun Avrupa müzik kültürünün gelişimi üzerinde büyük etkisi oldu. Hollandalı besteciler tarafından geliştirilen polifoni ilkeleri evrensel hale geldi ve 20. yüzyıl bestecileri eserlerinde birçok sanatsal teknik kullandı.

Fransa. Fransa için XV-XVI yüzyıllar önemli bir değişim dönemi oldu: İngiltere ile Yüz Yıl Savaşı (1337-1453) XV yüzyılın sonunda sona erdi. devletin birleşmesi tamamlandı; 16. yüzyılda ülke Katolikler ve Protestanlar arasında din savaşları yaşadı. Mutlak monarşiye sahip güçlü bir devlette, mahkeme kutlamalarının ve halk festivallerinin rolü arttı. Bu, sanatın, özellikle de bu tür eylemlere eşlik eden müziğin gelişimine katkıda bulundu. Önemli sayıda icracıdan oluşan vokal ve enstrümantal toplulukların (şapeller ve eşler) sayısı arttı. İtalya'daki askeri kampanyalar sırasında Fransızlar, İtalyan kültürünün başarılarıyla tanıştı. İtalyan Rönesansının fikirlerini derinden hissettiler ve kabul ettiler - hümanizm, dış dünyayla uyum arzusu, hayattan zevk alma.

İtalya'da müzikal Rönesans öncelikle kitle ile ilişkilendirildiyse, o zaman Fransız besteciler kilise müziği ile birlikte laik polifonik şarkıya - chanson'a özel önem verdiler. Fransa'da buna ilgi, Clement Janequin'in (1485-1558 dolaylarında) bir müzikal oyun koleksiyonunun yayınlandığı 16. yüzyılın ilk yarısında ortaya çıktı. Türün yaratıcılarından biri olarak kabul edilen bu bestecidir.

Başlıca koro programı Clement Janequin (1475-1560) tarafından yapılmıştır. Çocukken, Janequin memleketi Châtellerault'da (Orta Fransa) bir kilise korosunda şarkı söyledi. Gelecekte, müzik tarihçilerinin önerdiği gibi, Hollandalı usta Josquin Despres ile veya maiyetinden bir besteci ile çalıştı. Rahipliği alan Janequin, naip (koro yönetmeni) ve orgcu olarak çalıştı; sonra Guise Dükü tarafından hizmet etmeye davet edildi. 1555'te müzisyen, Kraliyet Şapeli'nin şarkıcısı ve 1556-1557'de oldu. - kraliyet mahkemesi bestecisi. Clement Janequin iki yüz seksen şanson yarattı (1530 ile 1572 arasında yayınlandı); kilise müziği yazdı - kitleler, motifler, mezmurlar. Şarkıları genellikle doğada resimseldi. Dinleyicinin zihninin önünde savaş resimleri ("Marignano Savaşı", "Kira Savaşı", "Metz Savaşı"), av sahneleri ("Avlanma"), doğa görüntüleri ("Kuş Şarkısı", "Bülbül" vardır. ", "Lark" ), günlük sahneler ("Kadınların sohbeti"). Çarpıcı derecede parlak olan besteci, "Paris'in Çığlıkları" chanson'ında Paris'teki günlük yaşamın atmosferini aktarmayı başardı: satıcıların ünlemlerini metne ("Süt!" - "Börekler!" - "Enginar!" - " Balık!" - "Maçlar!" - "Güvercinler!" - "Eski ayakkabılar!" - "Şarap!"). Janequin, bireysel sesler ve karmaşık polifonik cihazlar için neredeyse uzun ve akıcı temalar kullanmamış, yoklamaları, tekrarları ve onomatopoeia'yı tercih etmiştir.

Fransız müziğinin bir başka yönü, Reform'un pan-Avrupa hareketi ile ilişkilidir.

Kilise ayinlerinde Fransız Protestanlar (Huguenotlar) Latince ve çok sesliliği terk ettiler. Kutsal müzik daha açık, demokratik bir karakter kazandı. Bu müzik geleneğinin en parlak temsilcilerinden biri, İncil metinlerine ve Protestan ilahilerine dayanan mezmurların yazarı Claude Goudimel'di (1514 ve 1520-1572 arasında).

Chanson. Fransız Rönesansının ana müzik türlerinden biri chanson'dur (fr. chanson - "şarkı"). Kökenleri halk sanatında (destansı masalların kafiyeli dizeleri müziğe ayarlanmıştır), ortaçağ ozanları ve trouveurs sanatındadır. İçerik ve ruh hali açısından, chanson çok çeşitli olabilir - aşk şarkıları, her gün, eğlenceli, hiciv vb. Vardı. Besteciler halk şiirlerini ve modern şiiri metin olarak aldı.

İtalya. İtalya'da Rönesans'ın başlamasıyla birlikte, çeşitli enstrümanlarda çalınan günlük müzik yayıldı; müzik severlerin çevreleri ortaya çıktı. Profesyonel alanda, en güçlü okullardan ikisi kuruldu: Roma ve Venedik.

Madrigal. Rönesans sırasında seküler türlerin rolü arttı. XIV yüzyılda. madrigal İtalyan müziğinde ortaya çıktı (geç Latin matrisinden - "ana dilde bir şarkı"). Halk (çoban) türküleri temelinde oluşturulmuştur. Madrigaller, genellikle enstrümantal eşliksiz, iki veya üç sesli şarkılardı. Modern İtalyan şairlerinin aşkı anlatan dizelerine yazılmışlar; gündelik ve mitolojik konularda şarkılar vardı.

15. yüzyılda besteciler neredeyse bu türe yönelmediler; ona olan ilgi ancak 16. yüzyılda yeniden canlandı. 16. yüzyılın madrigalinin karakteristik bir özelliği, müzik ve şiir arasındaki yakın bağlantıdır. Müzik, şiirsel kaynakta anlatılan olayları yansıtarak metni esnek bir şekilde takip etti. Zamanla, hassas iç çekişleri, gözyaşlarını vb. Gösteren tuhaf melodik semboller gelişti. Bazı bestecilerin eserlerinde sembolizm felsefiydi, örneğin Gesualdo di Venosa'nın madrigalinde "Ölüyorum, talihsiz" (1611).

Türün altın çağı, XVI-XVII yüzyılların başında düşer. Bazen, şarkının performansıyla aynı anda arsa çalındı. Madrigal, operanın görünümünü hazırlayan madrigal komedinin (bir komedi oyununun metnine dayanan bir koro kompozisyonu) temeli oldu.

Roma polifonik okul. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Roma okulunun başı, Rönesans'ın en büyük bestecilerinden Giovanni Pierluigi da Palestrina'ydı. İtalya'nın Palestrina şehrinde doğdu, ardından soyadını aldı. Palestrina, çocukluktan itibaren kilise korosunda şarkı söyledi ve yetişkinliğe ulaştığında, Roma'daki Aziz Petrus Bazilikası'nda orkestra şefi (koro lideri) görevine davet edildi; daha sonra Sistine Şapeli'nde (Papa'nın mahkeme şapeli) görev yaptı.

Katolikliğin merkezi olan Roma, birçok önde gelen müzisyeni kendine çekti. Farklı zamanlarda Hollandalı polifonik ustalar Guillaume Dufay ve Josquin Despres burada çalıştı. Gelişmiş besteleme teknikleri bazen hizmet metninin algılanmasına müdahale etti: zarif ses ağının arkasında kayboldu ve aslında kelimeler duyulmuyordu. Bu nedenle, kilise yetkilileri bu tür eserlere karşı temkinli davrandılar ve Gregoryen ilahilere dayalı monofoni geri dönüşünü savundular. Kilise müziğinde çok sesliliğin kabul edilebilirliği sorunu, Katolik Kilisesi Trent Konseyi'nde (1545-1563) bile tartışıldı. Papa'ya yakın olan Palestrina, Kilise liderlerini bestecinin tekniğinin metnin anlaşılmasına engel olmayacağı eserler yaratma olasılığına ikna etti. Kanıt olarak, karmaşık polifoniyi her kelimenin net ve etkileyici sesiyle birleştiren "Papa Marcello'nun Kütlesi" (1555)'ni besteledi. Böylece müzisyen, profesyonel polifonik müziği kilise yetkililerinin zulmünden "kurtardı". 1577'de besteci, Katolik Kilisesi'nin kutsal ilahilerinin bir koleksiyonu olan kademeli reformu tartışmaya davet edildi. 80'lerde. Palestrina kutsal emirler aldı ve 1584'te doğrudan Papa'ya bağlı bir müzisyenler derneği olan Müzik Ustaları Derneği'ne üye oldu.

Palestrina'nın çalışmaları parlak bir dünya görüşü ile doludur. Yarattığı eserler, çağdaşlarını hem en yüksek beceri hem de nicelik ile etkiledi (yüzden fazla kütle, üç yüz motif, yüz madrigal). Müziğin karmaşıklığı, onun algısına hiçbir zaman engel teşkil etmemiştir. Besteci, bestelerin karmaşıklığı ile dinleyiciye erişilebilirliği arasındaki altın ortalamayı nasıl bulacağını biliyordu. Palestrina, ana yaratıcı görevi ayrılmaz bir büyük çalışma geliştirmede gördü. İlahilerindeki her ses bağımsız olarak gelişir, ancak aynı zamanda geri kalanlarla tek bir bütün oluşturur ve genellikle sesler, güzelliklerinde çarpıcı olan akorların kombinasyonlarını oluşturur. Çoğu zaman, üst sesin melodisi, çok sesliliğin "kubbesini" özetleyerek, diğerlerinin üzerinde yükselir; tüm sesler pürüzsüz ve gelişmiştir.

Giovanni da Palestrina'nın sanatı, gelecek neslin müzisyenleri tarafından örnek ve klasik olarak kabul edildi. 18. ve 18. yüzyılın birçok seçkin bestecisi onun besteleri üzerinde çalıştı.

Rönesans müziğinin bir başka yönü, kurucusu Adrian Villaart (1485-1562 dolaylarında) olan Venedik okulunun bestecilerinin eserleri ile ilişkilidir. Öğrencileri, orgcu ve besteci Andrea Gabrieli (1500 ile 1520 arasında - 1586'dan sonra), besteci Cyprian de Pope (1515 veya 1516-1565) ve diğer müzisyenlerdi. Palestrina'nın eserleri netlik ve katı kısıtlama ile karakterize edilirse, Willart ve takipçileri muhteşem bir koro tarzı geliştirdiler. Surround ses, tını çalma elde etmek için, tapınağın farklı yerlerinde bulunan kompozisyonlarda birkaç koro kullandılar. Korolar arasında yoklamaların kullanılması, kilise alanını benzeri görülmemiş etkilerle doldurmayı mümkün kıldı. Bu yaklaşım bir bütün olarak çağın hümanist ideallerini - neşesi, özgürlüğü ve Venedik sanat geleneğinin kendisiyle - parlak ve olağandışı her şeye olan arzusuyla yansıtıyordu. Venedikli ustaların çalışmalarında müzik dili de daha karmaşık hale geldi: cesur akor kombinasyonları, beklenmedik armonilerle doluydu.

Rönesans'ın çarpıcı bir figürü, laik madrigalin en büyük ustalarından biri olan Venosa şehrinin prensi Carlo Gesualdo di Venosa'ydı (1560-1613 dolaylarında). Hayırsever, ud sanatçısı ve besteci olarak ün kazandı. Prens Gesualdo, İtalyan şair Torquato Tasso ile arkadaştı; her iki sanatçının da edebiyat, müzik ve güzel sanatlar konularını tartıştığı en ilginç mektuplar kaldı. Gesualdo di Venosa, Tasso'nun birçok şiirini müziğe dönüştürdü - çok sayıda sanatsal madrigal bu şekilde ortaya çıktı. Geç Rönesans'ın bir temsilcisi olarak besteci, duyguların ilk sırada olduğu - fırtınalı ve öngörülemez olan yeni bir madrigal türü geliştirdi. Bu nedenle, eserleri ses seviyesindeki dalgalanmalar, iç çekişlere ve hatta hıçkırıklara benzer tonlamalar, keskin sesli akorlar ve zıt tempodaki değişikliklerle karakterizedir. Bu teknikler Gesualdo'nun müziğine etkileyici, biraz tuhaf bir karakter kazandırdı; çağdaşları etkiledi ve aynı zamanda çekti. Gesualdo di Venosa'nın mirası yedi çok sesli madrigal koleksiyonundan oluşur; manevi kompozisyonlar arasında - "Kutsal ilahiler". Bugün bile müziği dinleyiciyi kayıtsız bırakmıyor.

Enstrümantal müzik türlerinin ve biçimlerinin gelişimi. Enstrümantal müzik, yeni türlerin, özellikle de enstrümantal konçertoların ortaya çıkmasıyla da kendini gösterir. Keman, klavsen, org yavaş yavaş solo enstrümanlara dönüştü. Onlar için yazılan müzik, sadece besteci için değil, icracı için de yetenek göstermeyi mümkün kıldı. Her şeyden önce, birçok müzisyen için yavaş yavaş başlı başına bir amaç ve sanatsal değer haline gelen virtüöziteye (teknik zorluklarla başa çıkma yeteneği) değer verildi. 17-18. yüzyıl bestecileri genellikle sadece müzik bestelemekle kalmayıp aynı zamanda virtüöz de çalgı çalıyor ve pedagojik faaliyetlerde bulunuyorlardı. Sanatçının refahı büyük ölçüde belirli müşteriye bağlıydı. Kural olarak, her ciddi müzisyen ya bir hükümdarın ya da zengin bir aristokratın mahkemesinde (asilliğin birçok üyesinin kendi orkestraları veya opera evleri vardı) ya da bir tapınakta yer almaya çalıştı. Üstelik çoğu besteci, kilise müziği yapımını laik bir patronun hizmetiyle kolayca birleştirdi.

İngiltere. İngiltere'nin Rönesans dönemindeki kültürel yaşamı, Reform ile yakından bağlantılıydı. 16. yüzyılda Protestanlık tüm ülkeye yayıldı. Katolik Kilisesi baskın konumunu yitirdi, Anglikan Kilisesi, Katolikliğin bazı dogmalarını (temel hükümlerini) tanımayı reddeden devlet oldu; manastırların çoğu ortadan kalktı. Bu olayların müzik de dahil olmak üzere İngiliz kültürü üzerinde etkisi oldu. Oxford ve Cambridge üniversitelerinde müzik bölümleri açıldı. Soyluların salonlarında, klavyeli enstrümanlar geliyordu: virginal (bir tür klavsen), portatif (küçük) bir organ, vb. Evde müzik çalmaya yönelik küçük besteler popülerdi. O zamanın müzik kültürünün en önde gelen temsilcisi, müzik yayıncısı, orgcusu ve bestecisi William Byrd (1543 veya 1544-1623) idi. Bird, İngiliz madrigalinin atası oldu. Eserleri sadeliği (karmaşık polifonik cihazlardan kaçındı), metni takip eden formun özgünlüğü ve armonik özgürlüğü ile dikkat çekiyor. Tüm müzikal araçlar, ortaçağ titizliği ve kısıtlamasının aksine, yaşamın güzelliğini ve sevincini doğrulamaya çağrılır. Madrigal türünde bestecinin birçok takipçisi vardı.

Kuş ayrıca manevi eserler (kitleler, mezmurlar) ve enstrümantal müzik yarattı. Bakire için bestelerde türküler ve dansların motiflerini kullandı.

William Byrd, müzik koleksiyonlarından birinin önsözünde, besteci yazdığı müziğin gerçekten "en azından biraz hassasiyet, rahatlama ve eğlence taşımasını" istediğini yazdı.

Almanya. Alman müzik kültürünün Reform hareketi ile bağlantısı. 16. yüzyılda, Almanya'da ülkenin dini ve kültürel yaşamını önemli ölçüde değiştiren Reform başladı. Reformcular, ibadetin müzik içeriğinde değişiklik yapılması gerektiğine ikna oldular. Bu iki nedenden kaynaklanıyordu. XV yüzyılın ortalarında. kilise müziği türlerinde çalışan bestecilerin çoksesli becerileri olağanüstü bir karmaşıklığa ve inceliğe ulaştı. Bazen, seslerin melodik zenginliği ve uzun ilahiler nedeniyle cemaatçilerin çoğunluğu tarafından algılanamayan ve ruhsal olarak deneyimlenemeyen eserler yaratıldı. Buna ek olarak, hizmet Latince yapıldı, İtalyanlar tarafından anlaşılabilir, ancak Almanlara yabancı.

Reform hareketinin kurucusu Martin Luther (1483-1546), kilise müziğinde bir reformun gerekli olduğuna inanıyordu. Müzik, ilk olarak, cemaatçilerin ibadete daha aktif katılımına katkıda bulunmalıdır (bu, çok sesli besteler yapılırken imkansızdı) ve ikincisi, İncil'deki olaylara (hizmetin Latincede yürütülmesi tarafından engellenen) empatiye yol açmalıdır. Böylece, kilise şarkı söylemeye şu gereksinimler getirildi: melodinin sadeliği ve netliği, hatta ritim ve net bir ilahi biçimi. Bu temelde, Alman Rönesansının kilise müziğinin ana türü olan Protestan ilahisi ortaya çıktı. 1522'de Luther Yeni Ahit'i Almanca'ya çevirdi - bundan sonra ana dilde ibadet etmek mümkün oldu.

Luther'in kendisi ve arkadaşı Alman müzik teorisyeni Johann Walter (1490-1570), koraller için melodi seçiminde aktif rol aldı. Bu tür melodilerin ana kaynakları, yaygın olarak bilinen ve anlaşılması kolay halk manevi ve laik şarkılardı. Luther'in kendi bestelediği korallerden bazıları için melodiler. Bunlardan biri olan "Rab bizim kayamızdır", 16. yüzyıldaki din savaşları sırasında Reform'un sembolü olmuştur.

Meistersingers ve sanatı. Rönesans'ın Alman müziğinin bir başka parlak sayfası, Meistersingers'ın (Almanca: Meistersinger - "usta şarkıcı") - zanaatkarların çevresinden şairler ve şarkıcılar ile ilişkilidir. Profesyonel müzisyenler değillerdi, ama her şeyden önce ustalardı - silah ustaları, terziler, camcılar, kunduracılar, fırıncılar, vb. Bu tür müzisyenlerin şehir birliği, çeşitli el sanatlarının temsilcilerini içeriyordu. 16. yüzyılda, birçok Alman şehrinde Meistersinger dernekleri vardı.

Meistersingers, şarkılarını katı kurallara göre besteledi, yaratıcı inisiyatif birçok kısıtlamayla kısıtlandı. Yeni başlayan birinin önce bu kurallara hakim olması, sonra şarkı söylemeyi öğrenmesi, ardından diğer insanların melodilerine şarkı sözü bestelemesi ve ancak o zaman kendi şarkısını yaratması gerekiyordu. Ünlü Meistersingers ve Minnesingers ezgileri örnek ezgiler olarak kabul edilmiştir.

16. yüzyılın seçkin bir usta şarkıcısı. Hans Sachs (1494-1576) bir terzi ailesinden geldi, ancak gençliğinde ebeveyn evini terk etti ve Almanya'yı dolaşmaya gitti. Gezileri sırasında genç adam bir kunduracı zanaatını öğrendi, ama en önemlisi halk sanatıyla tanıştı. Sachs iyi eğitimliydi, antik ve orta çağ edebiyatını çok iyi biliyordu ve İncil'i Almanca tercümesinden okudu. Reform fikirleriyle derinden doluydu, bu nedenle sadece laik şarkılar değil, aynı zamanda manevi şarkılar da yazdı (toplamda yaklaşık altı bin şarkı). Hans Sachs ayrıca bir oyun yazarı olarak ünlendi ("Rönesans'ın Tiyatro Sanatı" makalesine bakın).

Rönesans'ın müzik aletleri. Rönesans sırasında, müzik aletlerinin kompozisyonu önemli ölçüde genişledi, mevcut yaylara ve rüzgarlara yeni çeşitler eklendi. Bunların arasında, sesin güzelliği ve asaleti ile şaşırtan bir yaylı tel ailesi olan viyolalar tarafından özel bir yer işgal edilir. Form olarak, modern keman ailesinin (keman, viyola, çello) enstrümanlarına benziyorlar ve hatta hemen öncülleri olarak kabul ediliyorlar (18. yüzyılın ortalarına kadar müzik pratiğinde bir arada var oldular). Ancak bir fark var ve önemli bir fark var. Viyolaların bir rezonans dizeleri sistemi vardır; kural olarak, ana olanlar kadar vardır (altı ila yedi). Rezonans eden tellerin titreşimleri viyola sesini yumuşak, kadifemsi yapar, ancak enstrümanı bir orkestrada kullanmak zordur, çünkü çok sayıda tel nedeniyle hızla akordu bozulur.

Uzun bir süre, viyola sesi müzikte bir gelişmişlik modeli olarak kabul edildi. Viyola ailesinde üç ana tip vardır. Viola da gamba, icracının dikey olarak yerleştirdiği ve yanlardan ayaklarıyla sıkıştırdığı büyük bir enstrümandır (İtalyanca gamba kelimesi "diz" anlamına gelir). Diğer iki çeşit - viola da braccio (ondan. braccio - "önkol") ve viol d "amour (fr. viole d" amour - "aşk viyola") yatay olarak yönlendirildi ve çalındığında omzuna bastırıldı. Viola da gamba ses aralığı açısından çelloya, viyola da braccio kemana ve viol d'amour viyolaya yakındır.

Rönesans'ın koparılmış enstrümanları arasında, ud (Polonya lutnia, Arapça "alud" - "ağaç" dan) ana yeri kaplar. 14. yüzyılın sonlarında Orta Doğu'dan Avrupa'ya geldi ve 16. yüzyılın başlarında bu enstrüman için çok büyük bir repertuar vardı; Önce ud eşliğinde şarkılar söylendi. Ud kısa bir gövdeye sahiptir; üst kısım düzdür ve alt kısım bir yarım küreye benzer. Perdelerle bölünmüş geniş boyuna bir boyun takılır ve enstrümanın başı neredeyse dik açıyla geriye doğru bükülür. Dilerseniz ud şeklinde bir kaseye benzerliğini görebilirsiniz. On iki tel çiftler halinde gruplanır ve ses hem parmaklarla hem de özel bir plaka - bir mızrap ile çıkarılır.

XV-XVI yüzyıllarda çeşitli klavye türleri ortaya çıktı. Bu tür enstrümanların ana türleri - klavsen, klavikor, cembalo, virginal - Rönesans müziğinde aktif olarak kullanıldı, ancak gerçek altın günleri daha sonra geldi.

Rönesans'ın müzik kültüründe, birçok tanımlayıcı yenilikçi özellik ayırt edilebilir.

İlk olarak, birçok laik şarkı ve dans türünün her yerde bulunmasıyla ifade edilen seküler sanatın hızlı gelişimi. bunlar italyancafrottolalar ("halk şarkıları, frottola kelimeleri - kalabalık), villanelles ("köy şarkıları"),kaktüs , kanzon (kelimenin tam anlamıyla - şarkılar) ve madrigals, İspanyolcavillancico (villadan - köy), Fransızca şarkılar chanson, AlmancaYalan , İngilizce baladlar diğer. Varlığın sevincini yücelten, bir insanın iç dünyasıyla ilgilenen, yaşamın gerçeği için çabalayan tüm bu türler, doğrudan tamamen Rönesans dünya görüşünü yansıtıyordu. Etkileyici araçları için, halk müziğinin tonlamalarının ve ritimlerinin geniş kullanımı tipiktir.

Rönesans sanatında laik çizginin doruk noktası -madrigal . Türün adı "ana dilindeki (yani İtalyanca) şarkı" anlamına gelir. Latince gerçekleştirilen madrigal ve kutsal müzik arasındaki farkı vurgular. Türün gelişimi, iddiasız tek sesli bir çobanın şarkısından, rafine ve rafine bir lirik metne sahip 5-6 sesli bir vokal-enstrümantal parçaya dönüştü. Madrigal türe yönelen şairler arasında Petrarch, Boccaccio, Tasso sayılabilir. Besteciler A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi madrigalin dikkate değer ustalarıydı. İtalya'da ortaya çıkan madrigal hızla diğer Batı Avrupa ülkelerine yayıldı.

Çok sesli şarkının Fransızca versiyonuna denir.şanson . Madrigalden, gerçek, gündelik hayata, yani türe daha yakın olmasıyla ayırt edilir. Chanson'ın yaratıcıları arasında -Clement Jeannequin , Rönesans'ın en ünlü Fransız bestecilerinden biri.

İkincisi, çağın önde gelen müzik tarzı haline gelen koro polifonisinin en yüksek çiçeklenmesidir. Görkemli ve uyumlu, kilise hizmetinin ciddiyetine mükemmel şekilde uyuyordu. Aynı zamanda, çok seslilik, sadece manevi türlerde değil, aynı zamanda seküler türlerde de baskın ifade biçimiydi.

Koro polifonisinin gelişimi, öncelikle Hollanda (Fransız-Flaman) okulunun bestecilerinin çalışmaları ile ilişkilendirildi: Guillaume Dufay, Johannes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Orlando Kement (yaklaşık 1532-1594) birçok Avrupa ülkesinde çalıştı. Gerçekten olağanüstü olan yeteneği herkesi fethetti ve memnun etti. Orlando Lasso'nun engin çalışmasında, Rönesans'ın tüm müzik türleri temsil edilir (laik müziğin maneviyata üstünlüğü ile). En popüler eserleri arasında İtalyan ev şarkıları türünde yazılmış "Echo" var. Kompozisyon, iki koronun renkli bir yan yana gelmesi üzerine kuruludur ve bir yankı etkisi yaratır. Metin bestecinin kendisine aittir.

Yüksek Rönesans'ın müzikteki en büyük temsilcisi Orlando Lasso ile birlikte İtalyanFilistin (tam adı Giovanni Pierlui gi da Palestrina, yaklaşık 1525-1594). Palestrina'nın hayatının çoğu, sürekli olarak kilisede çalışmakla ilişkilendirildiği Roma'da geçti, özellikle St. Peter. Müziğinin ana kısmı kutsal eserler, öncelikle kitleler (bunlardan yüzden fazla var, aralarında ünlü “Papa Marcello Ayini” özellikle öne çıkıyor) ve motifler. Bununla birlikte, Palestrina isteyerek laik müzik - madrigals, canzonettes besteledi. Palestrina'nın koro a sarre için bestelerillaRönesans polifonisinin klasik bir örneği haline geldi.

Çok sesli bestecilerin çalışmaları, Rönesans müziğinin ana türünün gelişmesinde öncü rol oynadı -kitleler . Orta Çağ'da ortaya çıkan Kitle türü,XIV- XVIYüzyıllar boyunca, ayrı, farklı parçalarla temsil edilen örneklerden uyumlu bir döngüsel formun kompozisyonlarına geçerek hızla dönüşmüştür.

Kilise takvimine bağlı olarak, ayin müziğinde bazı kısımlar çıkarılmış ve diğer kısımlar eklenmiştir. Kilise hizmetinde sürekli olarak bulunan beş zorunlu bölüm vardır. VBence ve V - « Kyrieeleison» (“Tanrım, merhamet et”) ve« Agnusdei» (« Tanrı Kuzusu") - af ve merhamet için bir dua dile getirildi. İçindeII ve IV - « gloria"("Zafer") ve " kutsal» (« Kutsal") - övgü ve şükran. Orta kısımda,inanç» (« İnanıyorum”), Hıristiyan inancının ana ilkelerini açıkladı.

Üçüncüsü, enstrümantal müziğin artan rolü (ses türlerinin açık bir şekilde baskın olması). Avrupa Orta Çağları neredeyse profesyonel enstrümantalizmi bilmiyorsa, Rönesans'ta ud (o zamanın en yaygın müzik aleti), organ, viyola, vihuela, bakire, uzunlamasına flütler için birçok eser yaratıldı. Hala vokal kalıplarını takip ediyorlar, ancak enstrümantal çalmaya olan ilgi zaten belirlendi.

Dördüncüsü, Rönesans döneminde, çalışmaları ülkelerinin folkloruna dayanan aktif bir ulusal müzik okulları (Hollandalı polifonistler, İngiliz virginalistler, İspanyol vihuelalistler ve diğerleri) oluşumu vardı.

Son olarak, müzik teorisi, çok sayıda dikkate değer teorisyen öne sürerek çok ileri adım attı. Bu FransızcaPhilip de Vitry , tezin yazarı Arsnova» (« Yeni polifonik üslubun teorik doğrulamasının verildiği Yeni Sanat); İtalyanJosephfo Carlino armoni biliminin yaratıcılarından biri; İsviçrekamaşma , melodi doktrininin kurucusu.

FEDERAL EĞİTİM AJANSI

SEI HPE "Mari Eyalet Üniversitesi"

İlkokul Fakültesi

uzmanlık: 050708

"Pedagoji ve İlköğretim Yöntemleri"

Bölüm: "İlköğretim pedagojisi"

Ölçek

"Rönesans Müziği"

Yoshkar-Ola 2010

Rönesans dönemi (Rönesans), her türlü sanatın en parlak döneminin ve figürlerinin eski geleneklere ve biçimlere çekiciliğinin zamanıdır.

Rönesans, Avrupa'nın farklı ülkelerinde eşit olmayan tarihsel ve kronolojik sınırlara sahiptir. İtalya'da 14. yüzyılda başlar, Hollanda'da 15. yüzyılda başlar ve Fransa, Almanya ve İngiltere'de işaretleri en açık şekilde 16. yüzyılda kendini gösterir. Aynı zamanda, farklı yaratıcı okullar arasındaki bağların gelişmesi, ülkeden ülkeye taşınan, farklı şapellerde çalışan müzisyenler arasındaki deneyim alışverişi, zamanın bir işareti haline geliyor ve tüm dünyada ortak olan eğilimler hakkında konuşmamıza izin veriyor. çağ.

Rönesans'ın sanat kültürü, bilime dayalı kişisel bir başlangıçtır. 15-16. yüzyıl polifonistlerinin alışılmadık derecede karmaşık becerileri, virtüöz teknikleri, günlük dansların parlak sanatı, laik türlerin karmaşıklığı ile bir arada var oldu. Lirik-dramatiklik, eserlerinde giderek daha fazla ifade kazanıyor.

Gördüğümüz gibi, Rönesans dönemi müzik sanatının gelişimi tarihinde zor bir dönemdir, bu nedenle bireysel kişiliklere gereken özeni göstererek onu daha ayrıntılı olarak düşünmek mantıklı görünüyor.

Müzik tek dünya dilidir, tercüme edilmesine gerek yoktur, ruh içindeki ruhla konuşur.

Averbakh Berthold.

Rönesans müziği veya Rönesans müziği, Avrupa müziğinin gelişmesinde yaklaşık 1400 ile 1600 arasındaki dönemi ifade eder. İtalya'da müzik sanatı için yeni bir dönemin başlangıcı XIV.Yüzyılda geldi. Hollanda okulu 15. yüzyılda şekillendi ve ilk zirvelerine ulaştı, ardından gelişimi genişledi ve etkisi bir şekilde diğer ulusal okulların ustalarını ele geçirdi. Rönesans'ın işaretleri, 16. yüzyılda Fransa'da açıkça ortaya çıktı, ancak yaratıcı başarıları önceki yüzyıllarda bile büyük ve tartışılmazdı.

16. yüzyıla gelindiğinde Almanya, İngiltere ve diğer bazı ülkelerde sanatın yükselişi Rönesans yörüngesine dahil edilmiştir. Yine de, zamanla, yeni yaratıcı hareket bir bütün olarak Batı Avrupa için belirleyici oldu ve Doğu Avrupa ülkelerinde kendi tarzında yanıt verdi.

Rönesans müziğinin kaba ve sert seslere tamamen yabancı olduğu ortaya çıktı. Uyum yasaları ana özünü oluşturdu.

Lider pozisyon hala işgal edildi manevi müzik, kilise hizmeti sırasında sondaj. Rönesans'ta, ortaçağ müziğinin ana temalarını korudu: Rab'be ve dünyanın Yaratıcısına övgü, dini duyguların kutsallığı ve saflığı. Bu tür müziğin temel amacı, teorisyenlerinden birinin dediği gibi, "Tanrı'yı ​​memnun etmektir."

Kitleler, motifler, ilahiler ve mezmurlar müzik kültürünün temelini oluşturmuştur.

Kitle - Latin ayininin Katolik ayininin parçalarının bir koleksiyonu olan, metinleri tek sesli veya çok sesli şarkı söylemek için müziğe ayarlanmış, müzik aletleri eşliğinde veya olmadan, kutsal ibadetlerin müzik eşliğinde Roma Katolik Kilisesi ve Protestan kiliseleri, örneğin İsveç Kilisesi'nde yüksek bir yönde.

İbadetlerin dışında da konserlerde müzik değeri taşıyan kitleler icra edilir; dahası, daha sonraki zamanlarda birçok ayin, ya bir konser salonundaki performans için ya da bir tür kutlama vesilesiyle özel olarak bestelenmiştir.

Gregoryen ilahisinin geleneksel melodilerine geri dönen kilise kitlesi, müzik kültürünün özünü en açık şekilde ifade ediyordu. Orta Çağ'da olduğu gibi, kütle beş bölümden oluşuyordu, ancak şimdi daha görkemli ve büyük ölçekli hale geldi. Dünya artık insana o kadar küçük ve gözlemlenebilir görünmüyordu. Dünyevi zevkleriyle sıradan yaşam, günahkar olarak görülmeyi çoktan bıraktı.

Mote (fr. müziksiz çok sesli ilahi itibaren mot- kelime) - Batı Avrupa Orta Çağ ve Rönesans müziğindeki merkezi türlerden biri olan polifonik bir deponun vokal polifonik çalışması.

Marş (eski Yunanca ὕμνος), birini veya bir şeyi (başlangıçta bir tanrı) öven ve yücelten ciddi bir şarkıdır.

Mezmur (Yunanca ψαλμός "övgü şarkısı"), r.p. mezmur, pl. Mezmurlar (Yunanca ψαλμοί), Yahudi (İbranice תהילים‎) ve Hıristiyan dini şiiri ve duasının (Eski Ahit'ten) ilahileridir.

Eski Ahit'in 19. kitabı olan Zebur'u oluştururlar. Mezmurların yazarlığı geleneksel olarak Kral Davud'a (MÖ 1000) ve İbrahim, Musa ve diğer efsanevi şahsiyetler de dahil olmak üzere diğer bazı yazarlara atfedilir.

Toplamda, Mezmur, dualara, övgülere, şarkılara ve öğretilere bölünmüş 150 mezmur içerir.

Mezmurlar folklor üzerinde büyük bir etkiye sahip olmuş ve birçok atasözünün kaynağı olmuştur. Yahudilikte ilahiler eşliğinde ilahiler söylenirdi. Her mezmurda, kural olarak, performans yöntemi ve “model” (Gregoryen ilahide tonlama kelimesi olarak adlandırılır), yani karşılık gelen melodi belirtildi. Zebur Hıristiyanlıkta önemli bir yer tutmuştur. Mezmurlar ilahi hizmetler sırasında, ev duaları sırasında, savaştan önce ve düzende hareket ederken söylenirdi. Başlangıçta, kilisedeki tüm topluluk tarafından söylendi. Mezmurlar a capella söylendi, sadece evde enstrüman kullanımına izin verildi. Performansın türü ezberci-mezmursaldı. Bütün mezmurlara ek olarak, onlardan bireysel, en anlamlı ayetler de kullanıldı. Bu temelde, bağımsız tezahüratlar ortaya çıktı - antifon, kademeli, yol ve hallelujah.

Yavaş yavaş, laik eğilimler kilise bestecilerinin eserlerine nüfuz etmeye başladı. İçeriğinde hiç de dini olmayan türküler temaları, kilise ilahilerinin çok sesli dokusuna cesurca işlenir. Ama şimdi o dönemin genel ruhuna ve havasına ters düşmüyordu. Aksine, müzikte ilahi ve insan inanılmaz bir şekilde birleştirildi.

Kutsal müzik 15. yüzyılda zirveye ulaştı. Hollanda'da. Burada müziğe diğer sanat türlerinden daha fazla saygı duyuldu. Hollandalı ve Flaman besteciler yeni kurallara öncülük etti polifonik(çok sesli) performans - klasik " katı stil". Hollandalı ustaların en önemli kompozisyon tekniği, taklit- aynı melodinin farklı seslerde tekrarı. Önde gelen ses, ana tekrarlayan melodi - cantus Firmus ("değişmeyen melodi") ile emanet edilen tenordu. Bas tenorun altında, alto ise yukarıda geliyordu. En yüksek, yani her şeyden önce yükselen sese çağrıldı soprano.

Matematiksel hesaplamaların yardımıyla, Hollandalı ve Flaman besteciler, müzik aralıklarını birleştirme formülünü hesaplamayı başardılar. Yazmanın temel amacı, uyumlu, simetrik ve görkemli, içsel olarak eksiksiz bir sağlam yapı oluşturmaktır. Bu okulun en parlak temsilcilerinden biri olan Johannes Okeghem (c. 1425-1497), matematiksel hesaplamalara dayanarak 36 ses için bir motet oluşturdu!

Hollanda okuluna özgü tüm türler Okeghem'in çalışmasında temsil edilir: kütle, motet ve chanson. Onun için en önemli tür kitledir, olağanüstü bir çoksesli olduğunu kanıtlamıştır. Okeghem'in müziği çok dinamik, melodik çizgisi geniş bir aralıkta hareket ediyor, geniş bir genliğe sahip. Aynı zamanda, Okeghem yumuşak tonlama, en saf diyatonik ve eski modal düşünce ile karakterizedir. Bu nedenle, Okeghem'in müziği genellikle "sonsuzluğa yönelik", biraz bağımsız figüratif bir ortamda "yüzen" olarak karakterize edilir. Metinle daha az ilgili, ilahiler açısından zengin, doğaçlama, etkileyici.

Okeghem'in yazılarından çok azı günümüze ulaşmıştır:

yaklaşık 14 kütle (11 tamamen):

· Requiem Missa pro Defunctis (dünya müzik edebiyatı tarihindeki ilk çok sesli ağıt);

9-13 (çeşitli kaynaklara göre) motifler:

20'den fazla chanson

36 ses için ünlü "Deo gratias" moteti de dahil olmak üzere, Ökegem'in mülkiyeti sorgulanan birçok eser vardır. Bazı anonim şanslar, stildeki benzerlik temelinde Okegem'e atfedilir.

Okeghem'in on üç kütlesi, Chigi kodeksi olarak bilinen 15. yüzyıldan kalma bir el yazmasında korunmaktadır.

Kitleler arasında dört parçalı kütleler baskındır, iki beş parçalı kütle ve bir sekiz parçalı kütle vardır. Ockeghem halk ("L'homme armé"), kendi ("Ma maistresse") melodilerini veya diğer yazarların melodilerini (örneğin, Benchois "De plus en plus") kitlelerin teması olarak kullanır. Ödünç temaları olmayan kitleler vardır ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

Motetler ve chanson

Okeghem'in motifleri ve chanson'ları, kitlelerine doğrudan bitişiktir ve esas olarak ölçeklerinde onlardan farklıdır. Motetler arasında muhteşem, şenlikli eserler ve daha katı manevi koro kompozisyonları var.

En ünlüsü, dokuz sesli dört beste için yazılmış ve bu nedenle 36 sesli olarak kabul edilen şenlikli şükran moteti "Deo gratias" dır. Aslında, bir öncekinin bitişinde bir sonrakinin başlangıcı ile hafif örtüşmelerle birbiri ardına gelen dört dokuz parçalı kanondan (dört farklı konuda) oluşur. Overdub'larda 18 ses var, motette gerçek 36 ses yok.

Daha az ilgi çekici olmayan, kült ve laik nitelikte iki binden fazla eser yaratan Hollandalı besteci Orlando Lasso'nun (c. 1532-1594) eseridir.

Kement, zamanının en üretken bestecisidir; büyük miktarda miras nedeniyle, eserlerinin (çoğu görevlendirilmiştir) sanatsal önemi henüz tam olarak takdir edilmemiştir.

Yalnızca 60'tan fazla kitle, bir ağıt, 4 döngü tutkusu (tüm evangelistlere göre), Kutsal Hafta görevlileri (Maundy Perşembe, İyi Cuma ve İyi Cumartesi'nin sponsorlukları özellikle önemlidir), 100'den fazla muhteşem dahil olmak üzere vokal türlerinde çalıştı. , ilahiler, foburdonlar, yaklaşık 150 Fransızca. chanson (onun chanson'ı "Susanne un jour", Susanna hakkında İncil'deki hikayenin bir başka deyişle, 16. yüzyılın en popüler oyunlarından biriydi), İtalyanca (villanelles, moresques, canzones) ve Almanca şarkılar (140'tan fazla Lieder), yaklaşık 250 madrigal.

Kement, hem ayinle ilgili (Kutsal Yazı metinleri dahil) hem de özgürce oluşturulmuş farklı dillerdeki metinlerin en ayrıntılı gelişimi ile ayırt edilir. Kavramın ciddiyeti ve draması, genişletilmiş ciltler, “Aziz Petrus'un Gözyaşları” (1595'te yayınlanan Luigi Tranzillo'nun şiirlerine 7 sesli ruhsal madrigaller döngüsü) ve “Davut'un Penitential Psalms of David” (1571 el yazması) kompozisyonunu ayırt eder. Bavyera sarayının müzikal eğlencesi de dahil olmak üzere yaşam hakkında değerli ikonografik materyal sağlayan G. Milich'in illüstrasyonlarıyla süslenmiş folyo formatında.

Ancak, laik müzikte Lasso, mizaha yabancı değildi. Örneğin, “Şölenlerde üç kişiye içki dağıtılır” (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) chanson'ında Vagantes'in hayatından eski bir anekdot yeniden anlatılır; ünlü "Matona mia cara" şarkısında bir Alman askeri, İtalyanca kelimeleri karıştırarak bir aşk serenatı söylüyor; "Ut queant laxis" marşında şanssız solfej taklit edilir. Kement'in bir dizi parlak kısa parçası çok anlamsız ayetler üzerine yazılmıştır, örneğin, “Bir hanımefendi kaleye ilgiyle baktı / Doğa mermer bir heykele baktı” (En un chasteau ma dame ...) ve bazıları şarkılar (özellikle adetler) müstehcen kelimeler içerir.

laik müzik Rönesans çeşitli türlerle temsil edildi: madrigaller, şarkılar, kanzonlar. "Kilisenin hizmetkarı" olmayı bırakan müzik, şimdi Latince değil, ana dilde ses çıkarmaya başladı. Laik müziğin en popüler türü madrigallerdi (İtalyan Madrigal - ana dilde bir şarkı) - lirik bir aşk şiiri metni üzerine yazılmış çok sesli koro besteleri. Çoğu zaman, ünlü ustaların şiirleri bu amaç için kullanıldı: Dante, Francesco Petrarch ve Torquato Tasso. Madrigaller profesyonel şarkıcılar tarafından değil, her bölümün bir şarkıcı tarafından yönetildiği bir amatörler topluluğu tarafından yapıldı. Madrigalin ana ruh hali hüzün, melankoli ve melankoli olmakla birlikte neşeli, hareketli besteler de vardı.

Modern müzik kültürü araştırmacısı D.K. Kirnarskaya'nın notları:

Madrigal, Rönesans'ın tüm müzik sistemini alt üst etti: kitlenin eşit ve uyumlu melodik plastisitesi çöktü ... müzikal bütünün temeli olan değişmeyen cantus Firmus da ortadan kayboldu ... olağan geliştirme yöntemleri " katı yazı” ... her biri metinde yer alan şiirsel fikri mümkün olduğunca anlamlı bir şekilde aktarmaya çalışan bölümlerin duygusal ve melodik karşıtlıklarına yol açtı. Madrigal sonunda "katı stil"in zayıflatıcı güçlerinin altını oydu.

Müzik aletlerinin eşlik ettiği şarkı, laik müziğin daha az popüler türü değildi. Kilisede çalınan müziğin aksine, şarkıların icrası oldukça basitti. Kafiyeli metinleri açıkça 4-6 satırlık kıtalara bölünmüştü. Şarkılarda, madrigallerde olduğu gibi metin büyük önem kazandı. icra edildiğinde çok sesli şarkı söylemede şiirsel dizeler kaybolmamalıdır. Fransız besteci Clement Janequin'in (c.1485-1558) şarkıları özellikle ünlüydü. Clement Janequin, Pierre Ronsard, Clement Marot, M. de Saint-Gele, anonim şairlerin şiirlerine, çoğu 4 sesli olmak üzere yaklaşık 250 şans yazdı. 40 şansa daha gelince, modern bilim Janequin'in yazarlığına itiraz ediyor (ancak bu tartışmalı müziğin kalitesini düşürmez). Seküler çok sesli müziğinin ana ayırt edici özelliği programlı ve resimseldir. Dinleyicinin zihninin önünde, savaş ("Marignano Savaşı", "Renty Savaşı", "Metz Savaşı"), av sahneleri ("Kuş Şarkısı", "Bülbül Şarkısı", "Lark"), her gün sahneler ("Kadınların sohbeti"). Janequin, sokak satıcılarının çığlıklarının duyulduğu ("Süt!" - "Börekler!" - "Enginar!" - "Balık!" - "Maçlar" adlı chanson'da Paris'teki günlük yaşamın atmosferini canlı bir şekilde aktarıyor. !" - "Güvercinler!" - "Eski ayakkabılar!" - "Şarap!"). Doku ve ritimdeki tüm ustalıkla, Janequin'in armoni ve kontrpuan alanındaki müziği çok geleneksel olmaya devam ediyor.

Rönesans başlangıcı işaret etti profesyonel besteci yaratıcılığı. Bu yeni eğilimin çarpıcı bir temsilcisi kuşkusuz Palestrina'dır (1525-1594). Mirası, birçok kutsal ve laik müzik eserini içerir: 93 ayin, 326 ilahi ve motif. Petrarch'ın sözlerine göre iki cilt laik madrigalin yazarıdır. Uzun bir süre Roma'daki Aziz Petrus Bazilikası'nda koro şefi olarak çalıştı. Yarattığı kilise müziği, duyguların saflığı ve yüceliği ile ayırt edilir. Bestecinin laik müziği, olağanüstü maneviyat ve uyumla doludur.

Rönesansı oluşumuna borçluyuz enstrümantal müzik bağımsız bir sanat formu olarak Şu anda, bir dizi enstrümantal parça, varyasyon, prelüd, fantezi, rondo, toccata ortaya çıkıyor. Müzik aletleri arasında org, klavsen, viyola, çeşitli flüt türleri özellikle popülerdir ve 16. yüzyılın sonlarında. - keman.

Rönesans, yeni müzik türlerinin ortaya çıkmasıyla sona erer: solo şarkı, oratoryo ve opera. Daha önce tapınak müzik kültürünün merkezi olsaydı, o zamandan beri opera binasında müzik çalıyor. Ve bu böyle oldu.

XVI yüzyılın sonunda İtalyan şehri Floransa'da. yetenekli şairler, oyuncular, bilim adamları ve müzisyenler bir araya gelmeye başladı. Hiçbiri daha sonra herhangi bir keşif düşünmedi. Yine de tiyatro ve müzik sanatında gerçek bir devrim yapmak kaderinde olan onlardı. Antik Yunan oyun yazarlarının eserlerinin prodüksiyonlarına devam ederek, kendi görüşlerine göre antik dramanın doğasına karşılık gelen kendi müziklerini oluşturmaya başladılar.

Üyeler kameralar(bu topluma çağrıldığı gibi) mitolojik karakterlerin monologlarının ve diyaloglarının müzik eşliğinde dikkatlice düşündü. Aktörlerin sözlü bölümleri gerçekleştirmeleri istendi ezberci(okuma, şarkı söyleme). Söz, müzikle ilgili olarak öncü bir rol oynamaya devam etse de, onların yakınsaması ve armonik kaynaşması için ilk adım atıldı. Böyle bir performans, bir kişinin iç dünyasının zenginliğini, kişisel deneyimlerini ve duygularını büyük ölçüde aktarmayı mümkün kıldı. Bu tür vokal parçalar temelinde ortaya çıktı aryalar- bir opera da dahil olmak üzere bir müzik performansında tamamlanmış bölümler.

Opera binası hızla sevgiyi kazandı ve sadece İtalya'da değil, diğer Avrupa ülkelerinde de popüler oldu.

kullanılmış literatür listesi

1) Genç Bir Müzisyenin Ansiklopedik Sözlüğü / Comp. V.V. Medushevsky, O.O. Ochakovskaya. - M.: Pedagoji, 1985.

2) Dünya sanat kültürü. Kökenlerden XVII yüzyıla: ders kitabı. 10 hücre için. Genel Eğitim insani kurumlar / G.I. Danilova. - 2. baskı, klişe. – M.: Bustard, 2005.

En çarpıcı fenomen, o zamanlar yaygın olan, hümanist eğilimlerin ruhuyla dolu seküler vokal türleriydi. Müzik sanatının profesyonelleşmesi, gelişimlerinde özel bir rol oynadı: müzisyenlerin becerileri büyüdü, şarkı söyleme, org çalma ve müzik teorisinin erken yaşlardan itibaren öğretildiği şarkı söyleme okulları düzenlendi. Bütün bunlar, yüksek beceri, profesyonel beste ve icra teknikleri ustalığı gerektiren katı stil polifonisinin kurulmasına yol açtı. Bu stil çerçevesinde, seslerin maksimum bağımsızlığını korurken, ses yönlendirme ve ritmik düzenleme konusunda oldukça katı kurallar vardır. Kilise müziği, katı bir üsluptaki ustaların eserlerinde büyük bir yer tutsa da, manevi metinler üzerindeki eserlerle birlikte, bu besteciler birçok laik çok sesli şarkı yazdılar. Özellikle ilgi çekici olan, laik vokal türlerinin müzikal ve şiirsel görüntüleridir. Metinler canlı ve alakalı içeriklerdir. Aşk sözlerine ek olarak, mükemmel profesyonel polifonik yazma tekniği ile birleştirilen hicivli, anlamsız, dithyrambik metinler son derece popülerdi. İşte günlük şarkı sözlerinin bir örneği olan bazı Fransız chanson metinleri "Kalk, sevgili Colinette, bir içki içmeye gitme zamanı; kahkaha ve zevk - işte benim arzum bu. Bırakın herkes neşeye teslim olsun. Bahar geldi . ..", "Zenginlik lanetlensin, elimden aldı arkadaşım: Aşkına sahip çıktım, diğeri - servet, aşk işlerinde samimi aşk az değer.

Rönesans kültürü önce İtalya'da, ardından diğer ülkelerde ortaya çıktı. Tarih, ünlü müzisyenlerin ülkeden ülkeye sık sık hareketleri, bir veya başka bir şapeldeki çalışmaları, farklı milletlerden temsilcilerin sık sık iletişimi vb. Hakkında bilgileri korumuştur. Bu nedenle, Rönesans dönemi müziğinde bir gözlemliyoruz. Bestecilerin farklı ulusal ekoller tarafından yarattıkları eserler arasında anlamlı bir ilişki vardır.

16. yüzyıla genellikle "dans çağı" denir. İtalyan Rönesansının hümanist ideallerinin etkisi altında, nihayet kilise yasaklarının barajı kırıldı ve "dünyevi", dünyevi sevinçlere duyulan özlem, eşi görülmemiş bir dans ve şarkı unsurları patlaması olarak kendini gösterdi. 16. yüzyılda şarkı ve dansın popülerleşmesinde güçlü bir faktör. oynanan müzik basma yöntemlerinin icadı: çok sayıda yayınlanan danslar bir ülkeden diğerine dolaşmaya başladı. Her ulus ortak tutkuya katkıda bulundu, böylece danslar kendi topraklarından koparak kıtayı dolaştı, görünüşlerini ve hatta bazen isimlerini değiştirdi. Onlar için moda hızla yayıldı ve hızla değişti.

Aynı zamanda, Rönesans, geniş dini hareketlerin (Çek Cumhuriyeti'nde Husitizm, Almanya'da Lutheranizm, Fransa'da Kalvinizm) dönemiydi. O zamanın dini hareketlerinin tüm bu çeşitli tezahürleri, genel Protestanlık kavramıyla birleştirilebilir. Çeşitli ulusal hareketlerde Protestanlık, halkların müzik kültürlerinin ortaklığının gelişmesinde ve güçlenmesinde, ayrıca özellikle halk müziği alanında büyük rol oynamıştır. Nispeten dar bir insan çevresini kucaklayan hümanizmin aksine, Protestanlık, halkın geniş kesimlerine yayılan daha kitlesel bir akımdı. Rönesans müzik sanatında en çarpıcı fenomenlerden biri Protestan korodur. Almanya'da Katolik ibadetinin gereçlerinin aksine Reform hareketinin etkisi altında ortaya çıktı, özel bir duygusal ve anlamsal içerikle ayırt edildi. Luther ve Protestanlığın diğer temsilcileri müziğe büyük önem verdiler: "Müzik insanı neşelendirir, öfkeyi unutturur. Kendine olan güveni ve diğer eksiklikleri giderir... Gençlik sürekli müziğe alışmalıdır, çünkü o her şeye hünerli, uygun insanlar yetiştirir. " Bu nedenle, Reform hareketinde müzik bir lüks değil, bir tür "günlük ekmek" olarak kabul edildi - Protestanlığın teşvik edilmesinde ve geniş kitlelerin manevi bilincinin oluşmasında büyük rol oynamaya çağrıldı.

TÜRLER:

vokal türleri

Bir bütün olarak tüm dönem, vokal türlerinin ve özellikle vokal türlerinin açık bir baskınlığı ile karakterize edilir. polifoni. Sıkı bir tarzda alışılmadık derecede karmaşık bir polifoni ustalığı, gerçek burs, virtüöz tekniği, parlak ve taze bir günlük yayma sanatı ile bir arada var oldu. Enstrümantal müzik biraz bağımsızlık kazanır, ancak vokal formlara ve günlük kaynaklara (dans, şarkı) doğrudan bağımlılığı ancak bir süre sonra aşılacaktır. Başlıca müzik türleri sözlü metinle ilişkili kalır. Rönesans hümanizminin özü, frottoll ve vilanelle tarzında koro şarkılarının kompozisyonuna yansıdı.
Dans türleri

Rönesans'ta günlük dans büyük önem kazanır. İtalya, Fransa, İngiltere, İspanya'da birçok yeni dans formu var. Toplumun farklı katmanlarının kendi dansları vardır, performans tarzlarını, balolarda, akşamlarda, şenliklerde davranış kurallarını geliştirirler. Rönesans dansları, geç Orta Çağ'ın gösterişsiz branilerinden daha karmaşıktır. Yuvarlak danslı ve lineer sıralı kompozisyonlu danslar, karmaşık hareketler ve figürler üzerine kurulu eşleştirilmiş (düet) danslarla değiştiriliyor.
Volta - İtalyan kökenli çift dansı. Adı, "dönmek" anlamına gelen İtalyanca voltare kelimesinden gelir. Boyut üçlü, hız orta derecede hızlı. Dansın ana kalıbı, beyefendinin kendisiyle dans eden bayanı havada hızlı ve keskin bir şekilde döndürmesidir. Bu kaldırma genellikle çok yüksek yapılır. Beyefendiden büyük bir güç ve el becerisi gerektirir, çünkü hareketlerin keskinliğine ve bazı aceleciliğine rağmen, yükseliş net ve güzel bir şekilde yapılmalıdır.
galliard - İtalya, İngiltere, Fransa, İspanya, Almanya'da yaygın olan İtalyan kökenli eski bir dans. Erken galliardların hızı orta derecede hızlıdır, boyut üçlüdür. Galliard genellikle, bazen tematik olarak bağlandığı pavandan sonra gerçekleştirildi. Galliards 16. yüzyıl üst seste bir melodi ile melodik-armonik bir dokuda sürdürülür. Galliard ezgileri Fransız toplumunun geniş kesimlerinde popülerdi. Serenatların performansı sırasında, Orleans öğrencileri lavta ve gitarlarda galliard melodileri çaldılar. Çanlar gibi, galliard da bir tür dans diyaloğu karakterine sahipti. Beyefendi hanımıyla birlikte koridorda dolaştı. Adam soloyu icra ettiğinde, bayan yerinde kaldı. Erkek solo, çeşitli karmaşık hareketlerden oluşuyordu. Ondan sonra tekrar bayana yaklaştı ve dansı sürdürdü.
pavana - 16.-17. yüzyılların saray dansı. Tempo orta derecede yavaş, zaman işareti 4/4 veya 2/4. Farklı kaynaklarda kökeni hakkında bir fikir birliği yoktur (İtalya, İspanya, Fransa). En popüler versiyon, güzel akan bir kuyrukla yürüyen bir tavus kuşunun hareketlerini taklit eden bir İspanyol dansıdır. Bas dansına yakındı. Pavanların müziğine çeşitli tören alayları yapıldı: yetkililer, soylu gelini kiliseye görerek şehre girdiler. Fransa ve İtalya'da pavane bir mahkeme dansı olarak kurulur. Pave'nin ciddi doğası, saray toplumunun görgü ve hareketlerinin zarafet ve zarafetiyle parlamasına izin verdi. Bu dansı halk ve burjuvazi yapmadı. Pavane, minuet gibi, kesinlikle rütbelere göre yapıldı. Kral ve kraliçe dansa başladı, sonra soylu bir hanımla dauphin girdi, sonra prensler vb. Cavaliers pavane'yi bir kılıçla ve pelerinlerle gerçekleştirdi. Hanımlar, hareketler sırasında yerden kaldırmadan ustaca kullanılması gereken ağır uzun trenlerle tören kıyafetleri içindeydiler. Trenin hareketi, hareketleri güzelleştirdi, pavane ihtişamını ve ciddiyetini verdi. Kraliçenin arkasında, yakın hanımlar bir tren taşıyordu. Dans başlamadan önce, salonun etrafında dolaşması gerekiyordu. Dansın sonunda, çiftler reveranslı ve fiyonklu çiftler tekrar salonu dolaştı. Ancak beyefendi şapkayı takmadan önce sağ elini hanımın omzunun arkasına, sol elini (şapkayı tutan) beline koyup yanağından öpmek zorunda kaldı. Dans sırasında bayanın gözleri yere indirildi; sadece zaman zaman erkek arkadaşına baktı. Pavane, çok popüler olduğu İngiltere'de en uzun süre korunmuştur.
Allemande - 4 vuruşta Alman kökenli yavaş bir dans. "Düşük", zıplamayan danslara aittir. Sanatçılar birbiri ardına çift oldu. Çift sayısı sınırlı değildi. Beyefendi hanımefendiyi ellerinden tuttu. Kolon salonun etrafında hareket etti ve sona geldiğinde katılımcılar (ellerini ayırmadan) yerinde bir dönüş yaptı ve dansa ters yönde devam etti.
Courant italyan kökenli bir saray dansıdır. Zil basit ve karmaşıktı. İlki, ağırlıklı olarak ileriye doğru gerçekleştirilen basit, kayma adımlarından oluşuyordu. Karmaşık çan doğada pantomimiktir: üç bey, üç bayanı dansa katılmaya davet etti. Hanımlar salonun karşı köşesine götürülerek dans etmeleri istendi. Hanımlar reddetti. Beyler, bir ret aldıktan sonra ayrıldı, ancak tekrar geri döndü ve hanımların önünde diz çöktü. Ancak pandomim sahnesinden sonra dans başladı. İtalyan ve Fransız türlerinin çanları farklıdır. İtalyan çanları, melodik-armonik bir dokuda basit bir ritimle 3/4 veya 3/8 zamanlı canlı bir danstır. Fransızca - ciddi bir dans ("tarz dansı"), pürüzsüz bir gururlu alayı. 3/2 beden, orta tempolu, iyi gelişmiş polifonik doku.
sarabande - 16. - 17. yüzyılların popüler dansı. İspanyol kadın kastanyet dansından türetilmiştir. Başlangıçta şarkı eşlik etti. Ünlü koreograf ve öğretmen Carlo Blasis, eserlerinden birinde sarabandenin kısa bir tanımını veriyor: "Bu dansta herkes kayıtsız olmadığı bir bayan seçer. Müzik bir işaret verir ve iki sevgili bir dans yapar, asil, Ancak ölçüldüğünde, bu dansın önemi en ufak bir zevke müdahale etmez ve alçakgönüllülük ona daha fazla zarafet verir; herkesin gözü, hareketleriyle aşkın tüm aşamalarını ifade eden çeşitli figürler sergileyen dansçıları zevkle takip eder. Başlangıçta, sarabandenin temposu orta derecede hızlıydı, daha sonra (17. yüzyıldan beri) karakteristik ritmik bir desenle yavaş bir Fransız sarabandesi ortaya çıktı: ...... Anavatanında sarabande müstehcen danslar kategorisine girdi ve 1630. Kastilya Konseyi tarafından yasaklandı.
oyun - İngiliz kökenli bir dans, en hızlı, üç parçalı, üçüzlere dönüşüyor. Başlangıçta, giga bir çift dansıydı, denizciler arasında komik bir doğanın solo, çok hızlı bir dansı olarak yayıldı. Daha sonra enstrümantal müzikte eski bir dans takımının son parçası olarak görünür.

Özet: Rönesans Müziği

FEDERAL EĞİTİM AJANSI

SEI HPE "Mari Eyalet Üniversitesi"

İlkokul Fakültesi

uzmanlık: 050708

"Pedagoji ve İlköğretim Yöntemleri"

Bölüm: "İlköğretim pedagojisi"

Ölçek

"Rönesans Müziği"

Yoshkar-Ola 2010

Rönesans dönemi (Rönesans), her türlü sanatın en parlak döneminin ve figürlerinin eski geleneklere ve biçimlere çekiciliğinin zamanıdır.

Rönesans, Avrupa'nın farklı ülkelerinde eşit olmayan tarihsel ve kronolojik sınırlara sahiptir. İtalya'da 14. yüzyılda başlar, Hollanda'da 15. yüzyılda başlar ve Fransa, Almanya ve İngiltere'de işaretleri en açık şekilde 16. yüzyılda kendini gösterir. Aynı zamanda, farklı yaratıcı okullar arasındaki bağların gelişmesi, ülkeden ülkeye taşınan, farklı şapellerde çalışan müzisyenler arasındaki deneyim alışverişi, zamanın bir işareti haline geliyor ve tüm dünyada ortak olan eğilimler hakkında konuşmamıza izin veriyor. çağ.

Rönesans'ın sanat kültürü, bilime dayalı kişisel bir başlangıçtır. 15-16. yüzyıl polifonistlerinin alışılmadık derecede karmaşık becerileri, virtüöz teknikleri, günlük dansların parlak sanatı, laik türlerin karmaşıklığı ile bir arada var oldu. Lirik-dramatiklik, eserlerinde giderek daha fazla ifade kazanıyor.

Gördüğümüz gibi, Rönesans dönemi müzik sanatının gelişimi tarihinde zor bir dönemdir, bu nedenle bireysel kişiliklere gereken özeni göstererek onu daha ayrıntılı olarak düşünmek mantıklı görünüyor.

Müzik tek dünya dilidir, tercüme edilmesine gerek yoktur, ruh içindeki ruhla konuşur.

Averbakh Berthold.

Rönesans müziği veya Rönesans müziği, Avrupa müziğinin gelişmesinde yaklaşık 1400 ile 1600 arasındaki dönemi ifade eder. İtalya'da müzik sanatı için yeni bir dönemin başlangıcı XIV.Yüzyılda geldi. Hollanda okulu 15. yüzyılda şekillendi ve ilk zirvelerine ulaştı, ardından gelişimi genişledi ve etkisi bir şekilde diğer ulusal okulların ustalarını ele geçirdi. Rönesans'ın işaretleri, 16. yüzyılda Fransa'da açıkça ortaya çıktı, ancak yaratıcı başarıları önceki yüzyıllarda bile büyük ve tartışılmazdı.

16. yüzyıla gelindiğinde Almanya, İngiltere ve diğer bazı ülkelerde sanatın yükselişi Rönesans yörüngesine dahil edilmiştir. Yine de, zamanla, yeni yaratıcı hareket bir bütün olarak Batı Avrupa için belirleyici oldu ve Doğu Avrupa ülkelerinde kendi tarzında yanıt verdi.

Rönesans müziğinin kaba ve sert seslere tamamen yabancı olduğu ortaya çıktı. Uyum yasaları ana özünü oluşturdu.

Lider pozisyon hala işgal edildi manevi müzik, kilise hizmeti sırasında sondaj. Rönesans'ta, ortaçağ müziğinin ana temalarını korudu: Rab'be ve dünyanın Yaratıcısına övgü, dini duyguların kutsallığı ve saflığı. Bu tür müziğin temel amacı, teorisyenlerinden birinin dediği gibi, "Tanrı'yı ​​memnun etmektir."

Kitleler, motifler, ilahiler ve mezmurlar müzik kültürünün temelini oluşturmuştur.

Kitle - Latin ayininin Katolik ayininin parçalarının bir koleksiyonu olan, metinleri tek sesli veya çok sesli şarkı söylemek için müziğe ayarlanmış, müzik aletleri eşliğinde veya olmadan, kutsal ibadetlerin müzik eşliğinde Roma Katolik Kilisesi ve Protestan kiliseleri, örneğin İsveç Kilisesi'nde yüksek bir yönde.

İbadetlerin dışında da konserlerde müzik değeri taşıyan kitleler icra edilir; dahası, daha sonraki zamanlarda birçok ayin, ya bir konser salonundaki performans için ya da bir tür kutlama vesilesiyle özel olarak bestelenmiştir.

Gregoryen ilahisinin geleneksel melodilerine geri dönen kilise kitlesi, müzik kültürünün özünü en açık şekilde ifade ediyordu. Orta Çağ'da olduğu gibi, kütle beş bölümden oluşuyordu, ancak şimdi daha görkemli ve büyük ölçekli hale geldi. Dünya artık insana o kadar küçük ve gözlemlenebilir görünmüyordu. Dünyevi zevkleriyle sıradan yaşam, günahkar olarak görülmeyi çoktan bıraktı.

Mote (fr. müziksiz çok sesli ilahi itibaren mot- kelime) - Batı Avrupa Orta Çağ ve Rönesans müziğindeki merkezi türlerden biri olan polifonik bir deponun vokal polifonik çalışması.

Marş (eski Yunanca ὕμνος), birini veya bir şeyi (başlangıçta bir tanrı) öven ve yücelten ciddi bir şarkıdır.

Mezmur (Yunanca ψαλμός "övgü şarkısı"), r.p. mezmur, pl. Mezmurlar (Yunanca ψαλμοί), Yahudi (İbranice תהילים‎) ve Hıristiyan dini şiiri ve duasının (Eski Ahit'ten) ilahileridir.

Eski Ahit'in 19. kitabı olan Zebur'u oluştururlar. Mezmurların yazarlığı geleneksel olarak Kral Davud'a (MÖ 1000) ve İbrahim, Musa ve diğer efsanevi şahsiyetler de dahil olmak üzere diğer bazı yazarlara atfedilir.

Toplamda, Mezmur, dualara, övgülere, şarkılara ve öğretilere bölünmüş 150 mezmur içerir.

Mezmurlar folklor üzerinde büyük bir etkiye sahip olmuş ve birçok atasözünün kaynağı olmuştur. Yahudilikte ilahiler eşliğinde ilahiler söylenirdi. Her mezmurda, kural olarak, performans yöntemi ve “model” (Gregoryen ilahide tonlama kelimesi olarak adlandırılır), yani karşılık gelen melodi belirtildi. Zebur Hıristiyanlıkta önemli bir yer tutmuştur. Mezmurlar ilahi hizmetler sırasında, ev duaları sırasında, savaştan önce ve düzende hareket ederken söylenirdi. Başlangıçta, kilisedeki tüm topluluk tarafından söylendi. Mezmurlar a capella söylendi, sadece evde enstrüman kullanımına izin verildi. Performansın türü ezberci-mezmursaldı. Bütün mezmurlara ek olarak, onlardan bireysel, en anlamlı ayetler de kullanıldı. Bu temelde, bağımsız tezahüratlar ortaya çıktı - antifon, kademeli, yol ve hallelujah.

Yavaş yavaş, laik eğilimler kilise bestecilerinin eserlerine nüfuz etmeye başladı. İçeriğinde hiç de dini olmayan türküler temaları, kilise ilahilerinin çok sesli dokusuna cesurca işlenir. Ama şimdi o dönemin genel ruhuna ve havasına ters düşmüyordu. Aksine, müzikte ilahi ve insan inanılmaz bir şekilde birleştirildi.

Kutsal müzik 15. yüzyılda zirveye ulaştı. Hollanda'da. Burada müziğe diğer sanat türlerinden daha fazla saygı duyuldu. Hollandalı ve Flaman besteciler yeni kurallara öncülük etti polifonik(çok sesli) performans - klasik " katı stil". Hollandalı ustaların en önemli kompozisyon tekniği, taklit- aynı melodinin farklı seslerde tekrarı. Önde gelen ses, ana tekrarlayan melodi - cantus Firmus ("değişmeyen melodi") ile emanet edilen tenordu. Bas tenorun altında, alto ise yukarıda geliyordu. En yüksek, yani her şeyden önce yükselen sese çağrıldı soprano.

Matematiksel hesaplamaların yardımıyla, Hollandalı ve Flaman besteciler, müzik aralıklarını birleştirme formülünü hesaplamayı başardılar. Yazmanın temel amacı, uyumlu, simetrik ve görkemli, içsel olarak eksiksiz bir sağlam yapı oluşturmaktır. Bu okulun en parlak temsilcilerinden biri olan Johannes Okeghem (c. 1425-1497), matematiksel hesaplamalara dayanarak 36 ses için bir motet oluşturdu!

Hollanda okuluna özgü tüm türler Okeghem'in çalışmasında temsil edilir: kütle, motet ve chanson. Onun için en önemli tür kitledir, olağanüstü bir çoksesli olduğunu kanıtlamıştır. Okeghem'in müziği çok dinamik, melodik çizgisi geniş bir aralıkta hareket ediyor, geniş bir genliğe sahip. Aynı zamanda, Okeghem yumuşak tonlama, en saf diyatonik ve eski modal düşünce ile karakterizedir. Bu nedenle, Okeghem'in müziği genellikle "sonsuzluğa yönelik", biraz bağımsız figüratif bir ortamda "yüzen" olarak karakterize edilir. Metinle daha az ilgili, ilahiler açısından zengin, doğaçlama, etkileyici.

Okeghem'in yazılarından çok azı günümüze ulaşmıştır:

yaklaşık 14 kütle (11 tamamen):

· Requiem Missa pro Defunctis (dünya müzik edebiyatı tarihindeki ilk çok sesli ağıt);

9-13 (çeşitli kaynaklara göre) motifler:

20'den fazla chanson

36 ses için ünlü "Deo gratias" moteti de dahil olmak üzere, Ökegem'in mülkiyeti sorgulanan birçok eser vardır. Bazı anonim şanslar, stildeki benzerlik temelinde Okegem'e atfedilir.

Okeghem'in on üç kütlesi, Chigi kodeksi olarak bilinen 15. yüzyıldan kalma bir el yazmasında korunmaktadır.

Kitleler arasında dört parçalı kütleler baskındır, iki beş parçalı kütle ve bir sekiz parçalı kütle vardır. Ockeghem halk ("L'homme armé"), kendi ("Ma maistresse") melodilerini veya diğer yazarların melodilerini (örneğin, Benchois "De plus en plus") kitlelerin teması olarak kullanır. Ödünç temaları olmayan kitleler vardır ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

Motetler ve chanson

Okeghem'in motifleri ve chanson'ları, kitlelerine doğrudan bitişiktir ve esas olarak ölçeklerinde onlardan farklıdır. Motetler arasında muhteşem, şenlikli eserler ve daha katı manevi koro kompozisyonları var.

En ünlüsü, dokuz sesli dört beste için yazılmış ve bu nedenle 36 sesli olarak kabul edilen şenlikli şükran moteti "Deo gratias" dır. Aslında, bir öncekinin bitişinde bir sonrakinin başlangıcı ile hafif örtüşmelerle birbiri ardına gelen dört dokuz parçalı kanondan (dört farklı konuda) oluşur. Overdub'larda 18 ses var, motette gerçek 36 ses yok.

Daha az ilgi çekici olmayan, kült ve laik nitelikte iki binden fazla eser yaratan Hollandalı besteci Orlando Lasso'nun (c. 1532-1594) eseridir.

Kement, zamanının en üretken bestecisidir; büyük miktarda miras nedeniyle, eserlerinin (çoğu görevlendirilmiştir) sanatsal önemi henüz tam olarak takdir edilmemiştir.

Yalnızca 60'tan fazla kitle, bir ağıt, 4 döngü tutkusu (tüm evangelistlere göre), Kutsal Hafta görevlileri (Maundy Perşembe, İyi Cuma ve İyi Cumartesi'nin sponsorlukları özellikle önemlidir), 100'den fazla muhteşem dahil olmak üzere vokal türlerinde çalıştı. , ilahiler, foburdonlar, yaklaşık 150 Fransızca. chanson (onun chanson'ı "Susanne un jour", Susanna hakkında İncil'deki hikayenin bir başka deyişle, 16. yüzyılın en popüler oyunlarından biriydi), İtalyanca (villanelles, moresques, canzones) ve Almanca şarkılar (140'tan fazla Lieder), yaklaşık 250 madrigal.

Kement, hem ayinle ilgili (Kutsal Yazı metinleri dahil) hem de özgürce oluşturulmuş farklı dillerdeki metinlerin en ayrıntılı gelişimi ile ayırt edilir. Kavramın ciddiyeti ve draması, genişletilmiş ciltler, “Aziz Petrus'un Gözyaşları” (1595'te yayınlanan Luigi Tranzillo'nun şiirlerine 7 sesli ruhsal madrigaller döngüsü) ve “Davut'un Penitential Psalms of David” (1571 el yazması) kompozisyonunu ayırt eder. Bavyera sarayının müzikal eğlencesi de dahil olmak üzere yaşam hakkında değerli ikonografik materyal sağlayan G. Milich'in illüstrasyonlarıyla süslenmiş folyo formatında.

Ancak, laik müzikte Lasso, mizaha yabancı değildi. Örneğin, “Şölenlerde üç kişiye içki dağıtılır” (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) chanson'ında Vagantes'in hayatından eski bir anekdot yeniden anlatılır; ünlü "Matona mia cara" şarkısında bir Alman askeri, İtalyanca kelimeleri karıştırarak bir aşk serenatı söylüyor; "Ut queant laxis" marşında şanssız solfej taklit edilir. Kement'in bir dizi parlak kısa parçası çok anlamsız ayetler üzerine yazılmıştır, örneğin, “Bir hanımefendi kaleye ilgiyle baktı / Doğa mermer bir heykele baktı” (En un chasteau ma dame ...) ve bazıları şarkılar (özellikle adetler) müstehcen kelimeler içerir.

laik müzik Rönesans çeşitli türlerle temsil edildi: madrigaller, şarkılar, kanzonlar. "Kilisenin hizmetkarı" olmayı bırakan müzik, şimdi Latince değil, ana dilde ses çıkarmaya başladı. Laik müziğin en popüler türü madrigallerdi (İtalyan Madrigal - ana dilde bir şarkı) - lirik bir aşk şiiri metni üzerine yazılmış çok sesli koro besteleri. Çoğu zaman, ünlü ustaların şiirleri bu amaç için kullanıldı: Dante, Francesco Petrarch ve Torquato Tasso. Madrigaller profesyonel şarkıcılar tarafından değil, her bölümün bir şarkıcı tarafından yönetildiği bir amatörler topluluğu tarafından yapıldı. Madrigalin ana ruh hali hüzün, melankoli ve melankoli olmakla birlikte neşeli, hareketli besteler de vardı.

Modern müzik kültürü araştırmacısı D.K. Kirnarskaya'nın notları:

Madrigal, Rönesans'ın tüm müzik sistemini alt üst etti: kitlenin eşit ve uyumlu melodik plastisitesi çöktü ... müzikal bütünün temeli olan değişmeyen cantus Firmus da ortadan kayboldu ... olağan geliştirme yöntemleri " katı yazı” ... her biri metinde yer alan şiirsel fikri mümkün olduğunca anlamlı bir şekilde aktarmaya çalışan bölümlerin duygusal ve melodik karşıtlıklarına yol açtı. Madrigal sonunda "katı stil"in zayıflatıcı güçlerinin altını oydu.

Müzik aletlerinin eşlik ettiği şarkı, laik müziğin daha az popüler türü değildi. Kilisede çalınan müziğin aksine, şarkıların icrası oldukça basitti. Kafiyeli metinleri açıkça 4-6 satırlık kıtalara bölünmüştü. Şarkılarda, madrigallerde olduğu gibi metin büyük önem kazandı. icra edildiğinde çok sesli şarkı söylemede şiirsel dizeler kaybolmamalıdır. Fransız besteci Clement Janequin'in (c.1485-1558) şarkıları özellikle ünlüydü. Clement Janequin, Pierre Ronsard, Clement Marot, M. de Saint-Gele, anonim şairlerin şiirlerine, çoğu 4 sesli olmak üzere yaklaşık 250 şans yazdı. 40 şansa daha gelince, modern bilim Janequin'in yazarlığına itiraz ediyor (ancak bu tartışmalı müziğin kalitesini düşürmez). Seküler çok sesli müziğinin ana ayırt edici özelliği programlı ve resimseldir. Dinleyicinin zihninin önünde, savaş ("Marignano Savaşı", "Renty Savaşı", "Metz Savaşı"), av sahneleri ("Kuş Şarkısı", "Bülbül Şarkısı", "Lark"), her gün sahneler ("Kadınların sohbeti"). Janequin, sokak satıcılarının çığlıklarının duyulduğu ("Süt!" - "Börekler!" - "Enginar!" - "Balık!" - "Maçlar" adlı chanson'da Paris'teki günlük yaşamın atmosferini canlı bir şekilde aktarıyor. !" - "Güvercinler!" - "Eski ayakkabılar!" - "Şarap!"). Doku ve ritimdeki tüm ustalıkla, Janequin'in armoni ve kontrpuan alanındaki müziği çok geleneksel olmaya devam ediyor.

Rönesans başlangıcı işaret etti profesyonel besteci yaratıcılığı. Bu yeni eğilimin çarpıcı bir temsilcisi kuşkusuz Palestrina'dır (1525-1594). Mirası, birçok kutsal ve laik müzik eserini içerir: 93 ayin, 326 ilahi ve motif. Petrarch'ın sözlerine göre iki cilt laik madrigalin yazarıdır. Uzun bir süre Roma'daki Aziz Petrus Bazilikası'nda koro şefi olarak çalıştı. Yarattığı kilise müziği, duyguların saflığı ve yüceliği ile ayırt edilir. Bestecinin laik müziği, olağanüstü maneviyat ve uyumla doludur.

Rönesansı oluşumuna borçluyuz enstrümantal müzik bağımsız bir sanat formu olarak Şu anda, bir dizi enstrümantal parça, varyasyon, prelüd, fantezi, rondo, toccata ortaya çıkıyor. Müzik aletleri arasında org, klavsen, viyola, çeşitli flüt türleri özellikle popülerdir ve 16. yüzyılın sonlarında. - keman.

Rönesans, yeni müzik türlerinin ortaya çıkmasıyla sona erer: solo şarkı, oratoryo ve opera. Daha önce tapınak müzik kültürünün merkezi olsaydı, o zamandan beri opera binasında müzik çalıyor. Ve bu böyle oldu.

XVI yüzyılın sonunda İtalyan şehri Floransa'da. yetenekli şairler, oyuncular, bilim adamları ve müzisyenler bir araya gelmeye başladı. Hiçbiri daha sonra herhangi bir keşif düşünmedi. Yine de tiyatro ve müzik sanatında gerçek bir devrim yapmak kaderinde olan onlardı. Antik Yunan oyun yazarlarının eserlerinin prodüksiyonlarına devam ederek, kendi görüşlerine göre antik dramanın doğasına karşılık gelen kendi müziklerini oluşturmaya başladılar.

Üyeler kameralar(bu topluma çağrıldığı gibi) mitolojik karakterlerin monologlarının ve diyaloglarının müzik eşliğinde dikkatlice düşündü. Aktörlerin sözlü bölümleri gerçekleştirmeleri istendi ezberci(okuma, şarkı söyleme). Söz, müzikle ilgili olarak öncü bir rol oynamaya devam etse de, onların yakınsaması ve armonik kaynaşması için ilk adım atıldı. Böyle bir performans, bir kişinin iç dünyasının zenginliğini, kişisel deneyimlerini ve duygularını büyük ölçüde aktarmayı mümkün kıldı. Bu tür vokal parçalar temelinde ortaya çıktı aryalar- bir opera da dahil olmak üzere bir müzik performansında tamamlanmış bölümler.

Opera binası hızla sevgiyi kazandı ve sadece İtalya'da değil, diğer Avrupa ülkelerinde de popüler oldu.

kullanılmış literatür listesi

1) Genç Bir Müzisyenin Ansiklopedik Sözlüğü / Comp. V.V. Medushevsky, O.O. Ochakovskaya. - M.: Pedagoji, 1985.

2) Dünya sanat kültürü. Kökenlerden XVII yüzyıla: ders kitabı. 10 hücre için. Genel Eğitim insani kurumlar / G.I. Danilova. - 2. baskı, klişe. – M.: Bustard, 2005.

3) Rönesans müziği arşivinden materyaller: http://manfredina.ru/