В российском живописном искусстве натюрморт практически всегда был второстепенным жанром. А назвать отечественного художника-натюрмориста смогут только искушенные искусствоведы. Но, так или иначе, натюрморт как самостоятельный жанр стал развиваться в 19 веке. Первыми «ласточками» стали небольшие акварели и гуаши Ф.П. Толстого и работы И.Т. Хруцкого. Это были классические европейские натюрморты с пышными букетами садовых цветов и корзинами фруктов. При всем их художественном обаянии эти работы имели весьма ограниченное значение для развития российской живописи.

Интерес к натюрморту как к самостоятельному жанру живописи появляется в 80-х годах 19 столетия . Важное место здесь принадлежит картинам И.И. Левитана (1860-1900) . Они, как правило, просты по замыслу и не велики по размеру, и представляют букеты привычных садовых или полевых цветов. В натюрморте «Лесные фиалки и незабудки» (1889) художник чутко предал хрупкость ночных фиалок и воздушность голубых незабудок, их гармонию с простой деревенской кринкой. Близки по мотиву «Одуванчики» и «Белая сирень». Первые выдержаны в теплой гамме, которая очень органично смотрится с глиной молочной кринки и желтыми головками цветов. Эти натюрморты Левитана достаточно традиционны: букеты изображены на нейтральном фоне и изолированы от окружающего пространства. Смысл этих картин очень прост - максимально точно передать прелесть выбранной натуры. Однако в эти же время в творчестве В. А. Серова и К.А. Коровина стали проявляться новые веяния, зародившиеся на полотнах французских импрессионистов . Импрессионисты старались связать натюрморт с окружающей средой, и сюжетно, и живописно. Для этого «мертвую натуру» выносят в пленэр, связывают с пейзажем или соединяют с интерьером комнаты. При помощи натюрморта пытаются создать отражение мироощущения человека, его настроения и жизненного уклада.

Все эти тенденции заметны на картине Коровина «За чайным столом» (1888). На полотне изображено дружеское общество на даче В.Д. Поленова . Картина написана на террасе загородного дома. Художник пытается передать ощущение летнего дня, прелесть дружеской беседы. Свежесть, исходящая от зелени и молодых лиц, создается в определенной степени и натюрмортом - контрастом красных налитых ягод в белой тарелке, молоком в высоких прозрачных стаканах, белизной свежей скатерти. Эмоциональное единство картины прежде всего достигается живописным решением полотна. Все изображенное написано с учетом окружающей световоздушной среды. На знаменитой картине Серова «Девочка с персиками » (1887) натюрморт с персиками на переднем плане на первый взгляд не играет важной роли в композиции полотна. Все внимание художника устремлено на В. Мамонтову, а фрукты только дополняют созданный образ. Но персики помогает Серову решить важную художественную задачу. Фрукты, по замыслу художника, служат цветовым ключом к колористическому построению картины. Серов подбирает для персиков собственный желтый цвет и противопоставляет его с белизной скатерти, с зеленью кленовой листвы и желтизной света, льющегося из окна в сад. Художник различает лимонно-желтые, зеленоватые и золотисто-желтые тона на неровных боках плодов. Осязаемый свет летнего дня, который словно формирует персики, определяет весь эмоциональный и живописный строй картины.

В этих работах Серов и Коровин открывают новый этап в развитии русского натюрморта. Аналитический характер этих картин принципиально отличается от существовавшей на тот момент концепции салонного натюрморта. Главным достоинством таких работ считалось максимальное сходство изображения с предметом. Также высоко ценилось этюдная легкость манеры или тщательная отделка живописной поверхности. Наиболее точно все эти принципы воплощены на большой картине К. Е. Маковского «В мастерской художника» (1881) . Работа поражает «натюрмортным» нагромождением деталей: экзотических фруктов, богатых тканей, антикварных редкостей. Огромная собака и маленький мальчик кажутся не живыми существами, а простыми экспонатами этой выставки предметов роскоши. Новая же концепция натюрморта предполагала всестороннее расширение границ жанра и слиянию его с портретом, пейзажем, интерьерной и бытовой живописью. Натюрморт перестает быть простым изображением «мертвой природы» и превращается в средство раскрытия образа.

Новые веяния заметны в известной картине В.Д. Поленова «Больная» (1886) . Интерьер и фигура героини погружены в глубокую тень - они лишь фон, а смысл происходящего раскрывается при помощи компактной группы предметов, которая ярко освещена лампой с зеленым абажуром. Этот натюрморт очень содержателен. Полуобгорелый абажур выхватывают из темноты смятые подушки и простыни, стеклянный графин, стакан с водой, пузырьки с лекарствами и рецепты врача. Слева заметны потрепанные книги в красной и голубой обложке, возможно это домашние лечебники или альбомы, которыми развлекали больную. Подобная композиция является символом того, что вся жизнь этой больной сосредоточена вокруг этого стола и стоящих на нем предметов. На работе натюрморту отдана активная роль в создании настроения. Также достаточно характерен натюрморт, который выдвинут на первый план, в картине К.Маковского «Алексеич» . На картине фигура человека изображена уже на заднем плане, за натюрмортом. Образ благодушного старика раскрывается в той искренней радости, с которой он предвкушает свое одинокое чаепитие. Горбушка хлеба, кипящий самовар, варенье в стеклянной банке, бережно укрытая полотенцем коробка с сахаром и чаем - все это создает ощущение покоя и тепла, которое искренне радует неприхотливого человека.

Как самостоятельный жанр живописи натюрморт возник в XVII веке в работах фламандских и голландских художников. До этого времени признавалась лишь его утилитарная, декоративная функция и исключалась возможность придания изображению более глубокого, философского смысла.

Для ранних натюрмортов характерна аллегория, главным композиционным элементом которой нередко становился человеческий череп – символ быстротечной и бренной жизни, неизбежно сменяющейся смертью. Изображенное на картине стекло являлось воплощением мыслей о хрупкости бытия, а курительная трубка напоминала о сиюминутности и неуловимости земных наслаждений. Но и в этот период внимание художников к живописной «мертвой природе»: цветам, фруктам, предметам быта - не ослабевало.

В начале XVIII века натюрморт как самостоятельный, но «низший» жанр возник и в России. И если первоначально он рассматривался в качестве учебной постановки, то уже спустя столетие стал обретать большую смысловую наполненность. Подлинный и живой интерес к нему появляется в конце XIX - начале XX веков, когда натюрморты русских художников становятся воплощением нового видения и понимания жанра. Созданные полотна отражают поиск живописцами неиспользованных ранее возможностей в области сюжета и композиции, формы и цвета.

Одно из главных имен, связанных с жанром русского натюрморта, принадлежит И.И. Левитану, который неоднократно обращался к теме «мертвой природы». Но если его работы еще достаточно традиционны, то натюрморты известных художников К.А. Коровина и В.А. Серова написаны уже под влиянием новых взглядов и становятся средством передачи мироощущения отдельного человека.

Иллюстрацией этого утверждения служит картина К.А. Коровина «За чайным столом», в которой границы жанра практически стираются. Изображение посуды и других предметов трапезы искусно соединяется с пейзажем, портретом, интерьером. Примечателен и натюрморт с фруктами «Девочка с персиками» кисти В.А. Серова. Фрукты на нем, оставаясь по сути аксессуаром, являются определяющим элементом для всего живописного и эмоционального сюжета картины.

Другими яркими представителями жанра в разное время были И.Э Грабарь, К.С. Петров-Водкин, П.П. Кончаловский, И.И. Машков, А.Т. Зверев, Р.Р. Фальк.

И в современном искусстве натюрморт не теряет актуальности, оставляя мастерам простор для творческого вдохновения.

Индивидуальный и предельно личный взгляд на жанр получает воплощение в картинах Г.А. Лемана: гармонически-прекрасных, воздушных, практически невесомых.

Наравне с пейзажами, натюрморт в творчестве художника занимает одно из важных мест. Он рождается как результат пристального и постоянного наблюдения живописцем натуры, внимательного выбора мотивов и смыслов, неутомимой готовности воплощать на полотне ускользающую красоту окружающего мира. Каждая картина художника наполнена свежестью, благоуханностью, воздухом и солнечным светом, отчего в душе поселяется легкое и радостное чувство.

Натюрморты с цветами

Для Г.А. Лемана натюрморты с цветами – совершенно особое и вместе с тем личное направление в творчестве. Картины написаны исключительно на даче мастера в Тарусе в Калужской области, куда он на протяжении многих лет приезжает отдыхать и работать.

Есть у каждого натюрморта и своя маленькая семейная история. Все изображенные на полотнах цветы выращены заботливыми руками супруги художника – Татьяны Георгиевны Леман, вместе с которой Георгий Александрович счастливо прожил более полувека.

Внимание мастера сосредоточено именно на цветах, окружающих человека в течение всей жизни и символизирующих для него что-то значимое, личное.

Для Г.А. Лемана это не просто праздник природных красок и оттенков, но сокровищница дорогих воспоминаний и чувств. Яркие, насыщенные и пастельные, нежные цвета, пышные весенне-летние и осенние букеты воскрешают в памяти счастливые и добрые моменты, которыми полна жизнь каждого человека.

Георгий Леман "Осенний букет" 2005 год.
натюрморт маслом на холсте

Натюрморт Г.А. Лемана «Осенний букет» написан в 2005 году во время одной из поездок художника на дачу в Тарусе. Взгляду зрителя открывается две плоскости картины: теплый оранжево-коричневый фон, на котором выделяются красные и желтые головки цветов, и прохладная бело-голубая поверхность стола с сочными фруктами и стеклянным кувшином для букета.

Ничто не отвлекает внимания зрителя от созерцания уютного осеннего мотива. Букет несколько небрежен, а одно из яблок сорвано вместе с зеленой веточкой, что создает впечатление, будто их всего мгновение назад принесли в комнату. В этой легкой неаккуратности присутствует естественность и особая домашняя прелесть, которой так хочется любоваться.

Натюрморт - это жанр, который приобрёл известность в западном искусстве к концу XVI века и с тех пор остается важным жанром. Натюрморт классифицируются по изображению обычных предметов, которые могут быть натуральными, как например, цветы, фрукты и т. д. или искусственными, как например, очки, музыкальные инструменты и т. д. Ниже представлен список 10 самых знаменитых натюрмортов известных художников включая Шардена, Поля Сезанна, Ван Гога и Джорджио Моранди.

№10 Серия натюрмортов, Художник Том Вессельман

Движение поп-арт возникло в 50-х годах XX века, и использует узнаваемые образы из популярной культуры. Среди самых популярных произведений поп-арта находится серия натюрмортов Тома Вессельмана. Его натюрморты изображают элементы современного мира, а не фрукты и овощи предыдущего поколения художников этого жанра. Эта работа (Натюрморт #30) представляет собой сочетание живописи, скульптуры и коллажа торговых знаков, которые Том увидел на улице.

№9 Ванитас со скрипкой и стеклянным шаром

Художник: Питер Клас

О некоторых знаковых художниках, создававших картины в жанре натюрморта.

Введение

Термин «натюрморт» используется для дефиниции картин, изображающих неодушевленные объекты (от латинского «мертвая природа»). Причем объекты могут быть как естественного происхождения (плоды, цветы, мертвые животные и насекомые, черепа и прочее), так и созданные человеком (различная утварь, часы, книги и свитки бумаги, ювелирные украшения и так далее). Зачастую в натюрморт включается некоторый скрытый подтекст, переданный через символическое изображение. Работы аллегорического характера относятся к поджанру «ванитас» .

Натюрморт как жанр получил наибольшее развитие в Голландии в 17-ом веке как способ протеста против официальной церкви и навязывания религиозного искусства. В дальнейшей истории живописи работы голландцев того времени (Утрех, Лейден, Делфт и других) оказали огромное влияние на развитие искусства: композицию, перспективу, использование символики в качестве элемента повествования. Несмотря на свою значимость и интерес со стороны публики, по мнению академий искусств , натюрморт занимал в общей иерархии жанров последнее место.

Рэйчел Рюйш

Рюйш - один из самых известных голландских реалистов и авторов натюрморта. Композиции этой художницы содержат массу символики, разнообразных моральных и религиозных посылов. Ее фирменный стиль представляет собой комбинацию темного фона, дотошной проработки деталей, нежной окраски и изображении дополнительных, придающих интерес, элементов(насекомых, птиц, рептилий, хрустальных ваз).

Хармен ван Стенвейк

Работы этого голландского реалиста прекрасно демонстрируют натюрморты в стиле ванитас, иллюстрирующие суету земной жизни. Одной из самых знаменитых картин является «Аллегория тщеславия человеческой жизни», в которой показан человеческий череп в лучах солнечного света. Различные предметы композиции отсылают к идеям неотвратимости физической смерти. Детализация и уровень реализма картин Стенвейка достигается за счет использования тонких кистей и техники нанесения краски.

Поль Сезанн

Известный своими пейзажами, портретами и жанровыми произведениями, Сезанн внес вклад и в развитие натюрморта. После того, как интерес к импрессионизму пропал, художник начал исследовать фрукты и природные объекты, экспериментировать с объемными фигурами. Эти исследования помогли создать перспективу и объем в натюрмортах не только с помощью классических методов, но и путем мастерского использования цвета. Все рассмотренные Сезанном направления в дальнейшем были дополнительно изучены Жоржем Браком и Пикассо при разработке аналитического кубизма . В погоне за целью создать что-то «постоянное», художник предпочитал писать одни и те же объекты, а невероятно длительный процесс создания натюрморта приводил к тому, что фрукты и овощи начинали гнить и разлагаться задолго до завершения картины.

Хем

Ученик Давида Байи, голландский реалист Хем известен великолепными натюрмортами с большим числом деталей, нагруженными композициями, обилием насекомых и прочих декоративных и символичных элементов. Нередко художник использовал в работах религиозные мотивы, подобно Яну Брейгелю и Федерико Борромео.

Жан Батист Шарден

Сын плотника Жан Шарден приобрел свое трудолюбие и тягу к порядку именно благодаря отцу. Картины мастера зачастую спокойны и трезвы, ведь он стремился к гармонии тона, цвета и формы, во многом достигаемой благодаря работы с освещением и контрастами. Желание чистоты и порядка выражается также в отсутствии аллегорий в композициях.

Франс Снейдерс

Автор натюрмортов и сцен с животными эпохи барокко был невероятно плодовитым мастером, а его способность изобразить текстуру кожи, меха, стекла, металла и прочих материалов была непревзойденной. Снайдерс был также выдающимся анималистом, часто изображая в своих натюрмортах мертвых животных. Позже он становится официальным живописцем эрцгерцога Альберта Австрии, что вылилось в создание еще большего числа шедевров.

Франсиско де Сурбаран

Сурбаран - известный автор картин на религиозную тему - является одним из величайших создателей натюрмортов. Окрашенные в строгих испанских традициях, его работы имеют качество, не зависящее от времени, и безупречную простоту. Как правило, они представляют небольшое число объектов на затемненном фоне.

Конор Уолтон

Из современных авторов внимания заслуживает Конор Уолтон. Вклад ирландского художника в развитие натюрморта можно отчетливо увидеть в работах «Сокрытое: апельсины и лимоны» (2008), «Натюрморт с большими Орхидеями»(2004). Труды мастера точны и выполнены с исключительным использованием света, помогающим передать текстуры различных поверхностей.

Лучшие натюрморты обновлено: Ноябрь 14, 2017 автором: Глеб