Baroková epocha sa nazýva v odbore Taliansko XVII storočia. Tento štýl, ktorý sa stal jednou z dominantných v európskom maľbe, sa vyznačuje zmyselnou plnosťou svetonázoru, dynamiky umeleckých riešení. S zvláštnou úplnosťou odhalila vo veľkom meradle mestských, architektonických a malebných súboroch. Multipisoint z talianskeho umenia je určené rôznymi miestnymi umeleckými tradíciami, ale ako v renesančnej ére zostáva obraz umelca v centre pozornosti.

Pietro a Corton, architekt a umelec, vstúpili do histórie umenia ako autora slávnych cyklov obrazov, zdobela paláce Ríma a Florencie. Jeho zloženie "RETURN AGARI" je vynikajúcou vzorkou majstrov Majstra, ktorý sa zaviazal, že dáva barokový štýl s takmer klasickým prísnosťou riešenia.

Barokový štýl prosperujúci je spojený s prácou Neapol Luke Jordano, ktorý pracoval v rôznych mestách Talianska a ovplyvnil mnohých umelcov. Vo svojej práci boli dynamika pohybu a vnútorné patos obzvlášť úplne odhalil v oltárnych obrazoch, v cykloch monumentálnych okrasných plátov a nástenných malieb. Kefy tohto vynikajúceho majstra v múzejnom stretnutí patria k niekoľkým dielam, čo umožňuje posúdiť rozsah jej datovania. Je to plátno pre alegorické, evanjelium a mytologické príbehy - "Trest by Marcia", "Manželstvo v Cana Galilee", "Trament of St. Lawrence. Najlepšie z nich, bezpochyby, je zloženie "Láska a zlozvyky Spravodlivosť."

Viacnásobné diela sú prezentované v expozícii v Neapole School označenej totožnosťou rozvoja. Politicky neapolský vice kráľovstva bol pod pravidlom španielskej koruny, ktorý uložil svoju pečiatku a na rozvoj umenia. Obrázok Bernardo Cavallino "exil ilodora z chrámu", v ktorom akademické tradície boli zvláštnite, a práca Andrea Vakkaro ("Maria a Maria") a Domenico Gorjul ("Prenos trupu Testhament King David v Jeruzaleme") naznačujú Rozmanitosť umeleckých vyhľadávaní v oddelených školách.

Barokový štýl dal silný impulz pre rozkvet na krajinu, zátišie, žánrové maľby v ich jedinečnej národnej talianskej verzii.

Na prelome XVII-XVIII storočia, úloha prekonávania akadelizmu, ktorá sa zmenila na súbor rozptyľovaných vzorcov. V Bologni, táto podmienku akademickej tradície, Giuseppe Maria Cresmen, šikovne používanie hry osvetlenia, v novom spôsobom rieši náboženské ("Svätej rodiny") a mytologické pozemky ("nymfy, odzbrojenie AMUR"), plnenie ich živým ľudský pocit. Genoese Alessandro MAYA, ktorý pracoval v Miláne, Florencii, Bologni, spoliehali sa na malebné tradície XVII storočia, vyvinul romantické trendy. Grotesque funkcie sú neoddeliteľné v nezvyčajnom, napísané kompozíciami nervóznym zdvihom s scénami zo života mníchov a putovacích hercov ("krajina s mníchmi", "smútok nuns", "spoločnosť"). A dokonca aj život-potvrdzujúci mytologickú tému "Vakhanlia" v interpretácii pána je naplnená pocitom hlbokej melanchólie. Tento plátno umelec splnil v spolupráci so spaľovaním, autorom architektonických ruín.

Obdobie nového výťahu spadá do XVIII storočia, keď je štýl rokoka je schválený na talianskej pôde, ktorých vlastnosti sú maľované diel rôznych žánrov - portrét (Sagrathi "mužský portrét", Luigi Crescents "Portrét dievčatá Kôš kvetov "), obraz scén každodenného života (dlhý odtlačok" stretnutie prokurátora so svojou ženou "), maľbami na pozemkoch z starovekej histórie a mytológie (Crowat" Hľadanie Mojžiš ", Pittonová" Smrť sebaona ", Sebastian Ricci "Sotnik pred Kristom"). Posledné jasné obdobie v histórii talianskeho umenia je spojené s Benátkami, ktoré pokročili v XVIII storočia, celý pleiada maliarov najvyššej úrovne. Špeciálne miesto medzi nimi je oprávnene obsadené Jambattistic Tapolo, vynikajúci maliar svojho času, uznávaný majster monumentálneho dekoratívneho maľby, ktorý dostal mnohé objednávky z krajín Európy. Jeho kefy patria do oltárskej kompozície "Madonna s dieťaťom a svätým", ako aj slobodne vykonané náčrty "Smrť Didona" a "Dvaja svätí".

V sekcii XVIII storočia, diela rímskej maliarskej panini ("Benedikt XIV navštívi Trevi Fountain"), ktorý v žánri krajiny s motívmi zrúcaniny boli predchodcom takého vysokocenného v Rusku, Francúza Juber Robert.

V Benátkach, ktorého očarujúca krása nechala nikomu ľahostajná, je vytvorený špeciálny smer obrazu na šírku - obraz mesta s palácami, kanálmi, štvorcami vyplnenými malebným davom Motley. Cantelto plátno, Bernardo Bellotto, Mariesa, patriaci do žánru architektonických lídrov, fascinovať iluzórne presnosť obrazu, zatiaľ čo Francesco Camera funguje sa nazýva krajina-Capricho, nie toľko reality, ako poetický obraz mesta ponúka pozornosť.

Janantonio Guard na rozdiel od mladšieho brata Francesca získal slávu ako majstra kompozícií s číslami na biblických, mytologických a historických témach. Expozícia predstavuje svoj obrázok "Alexander Macedonian na telo perzského kráľa Daria", uznané ako skutočné majstrovské dielo majstra. Vo veku karnevalu a brilantného rozkvukovania hudby, Masterfully pomocou jazyka textúr a farieb, stráž vytvára nezabudnuteľný obrazový symfónia, prenikol živým pohybom ľudského pocitu. Na tejto vysokej poznámke je doba najväčšieho prosperujúceho talianskeho umenia končí, ktorého začiatok položená renesančná epocha.

Zobraziť celý text

Taddeo di Bartolo Taddeo di Bartolo
Narodil sa asi 1362 v Siene (?), Zomrel v roku 1422. Sienskaya škola. Možno študoval na Jacomo Di Mino de Pelicala; Zažil vplyv Andrea Banny a najmä Barbolo di. Pracoval v Siene, San Jiñano, Janov, Pisa, Perugia, Volič.
Sv. Pavla
Strom, tempera 22,5x17.5. GE 9753. Časť limitu. Na knihe v rukách sv. Paul: AD ROMA / NOS (RIMANTS).
"St. Paul "bol uvedený v práci neznámeho Siensky umelca XIV storočia, zatiaľ čo M. Laklot (orálne) ho nezradil, celkom presvedčivo, Taddeo di Bartolo.
U malého fragmentu, rovinného roztoku foriem, v kombinácii s nasýtenou chuťou, prejavuje plaku. Umelec, jemne cítiť farbu, porovnáva červený plášten, vyšívaný pozdĺž okraja zlata ornamentu, s červeno-bradami a Pavla vlasmi, s povrchom studeného meča.
Zatvorte analógiu pustičného obrazu je limit zo stĺpcov. X. L. Mojžiš v New Yorku (Hra: Berenson 1968, PI. 477).
Limit New Yorku obsahuje päť obrázkov, z ktorých sú obzvlášť blízko sv. Paul, ktorý je v strede, a postava sv. Andrei. Podobne poloha hlavy, očkovanie, obočie, ústa, vrásky na čele. Rovnaké ozdoby na okraji plášťa a Nimbi. Pôvod: Post, v roku 1954 z oddelenia East Ge. Skoršie: Nevýhody. Predpoklad.

V príručkách a katalógoch Hermostava stredu XIX storočia. Práce predchádzajúce renesancii nie sú uvedené. Niet divu, že v roku 1859, A. I. Somov, poznamenal: "Staroveká Florentine School, Rhodonacham všetkých miestnych škôl Talianska, neexistuje v našej hermitácii."

Madonna z scény "Zvestovanie"
Strom, tempera 122 × 41. GE 5521. Pár do GE 5522. Top je zaoblený.
Na podstavci podpis: LVCE OPV
Anjel z "Zvestovanie" scény
Strom, tempera 122 × 41. GE 5522. Pár do g'e 5521. Top je zaoblený.
ECHMANGELIE Z LUKE, I, 26-38.
Zdá sa, že obrazy boli tripty klapky. Tento záver môže byť vykonaný na základe zloženia: v porovnaní so skriňami sa nezhoduje na sľubnom riešení, čím predpokladá, že predpokladať prítomnosť spojovacieho spojenia, to znamená centrálnu časť oltára.
Keď obraz príde, práca neznámej talianskeho umelca
XV storočia Potom sa podpis pokúsil dešifrovať ako názov Lombard Master Luke Chiverkio. Teraz existujúce pripísanie urobil Vsevolozhskaya (1972) na základe štylistickej podobnosti s takýmito dielami Lukášskeho Bauda, \u200b\u200bas "Baby Worship" (mestské múzeum, Savona), "Vianoce Krista" (Múzeum Poľska Petzoli, Miláno). "Vianoce Krista" je datovaná 1501 a je vybavený rovnakým krátkym podpisom ako spájka Hermivage. Umelec teší takýto podpis v neskorom období kreativity. Analogicky s Milánom obrazom je možné datovať aj pustovnícke práce 1500-1501.
Pôvod: Post, v roku 1925 zo Shuvalovského paláca-Museum v Leningradu. Skoršie: Nevýhody. Shuvalov Grafy v St. Petersburg.

Takže to bolo len s Florentine, ale aj s inými talianskymi školami. Bolo vysvetlené skutočnosťou, že pred začiatkom XX storočia, to znamená, že po 150-ročnej existencii múzea, oficiálne vedenie takmer nevykazovalo záujem o tzv. "Primitíva".
Termín "primitívy" sa spotrebuje vo vzťahu k najskorším dielam talianskej maľby. Definícia je podmienená a nie celkom úspešná; V tomto prípade to neznamená elementalitu, jednoduchosť. Namiesto toho je potrebné obrátiť sa na inú hodnotu talianskeho slova - koreň, počiatočný. Potom sa zistí, že je potrebné mať na pamäti, že základ, tieto pôvody, odkiaľ umenie renesancie postupne vznikol.
Hermitage má primárne primárne vďaka ruským zberateľom, najmä zbierka Stroganov - Pavel Sergeevich a Gregory Sergeevich. Láska bratov do umenia bola dedičná: ich predok A. S. Stroganov, patronov a vášnivého kolektora, pomohli Catherine II na nábor pourus.
G1. S. Stroganov stále uprostred minulého storočia bol odnesený dielami skorého renesancie. Popis jeho stretnutia v Petrohradu, riaditeľka Berlínskeho múzea, profesor G. F. Wengen zdôraznil, že P. S. Stroganov "patrí k počtu vzácnych zberateľov, ktorí ... oceňujú duchovný obsah obrazoviek XIV a XV storočia." Po smrti
P. S. STROGANOVA V roku 1912, Hermitage bola prevedená na "uctievanie dieťaťa" Filipín "Lippi, ktorý zaujíma hodnotné miesto na stálej expozícii talianskeho umenia.
Stretnutie S. STROGANOVA bolo v Ríme, kde žil mnoho rokov. Grigory Sergeevich dokonale pochopil v maľbe: on sám určil autora "Madonna z" Zverejňovanie "scény, volajú meno Simon Martini. Tento krídlo DIPTYCH, ako aj relikvidná Frand Angeliko, boli prezentované s Hermitage v roku 1911 dedičmi G. S. Stroganov, ktorí mu navrhli, aby mu múzeum najviac patrilo.
V roku 1910, tvorba malého úseku primitívov bola uľahčená skutočnosťou, že niektoré obrázky boli odovzdané z Ruského múzea do Hermitage, kúpil na iniciatíve princa Gagarina v 60. rokoch. XIX storočia Pre múzeum v St. Petersburg Akadémia umenia. Teraz už bolo možné povedať: "V hale VI, ... tri alebo štyri primitíva, z ktorých jeden typ Jotto, naozaj úžasné ... Táto éra talianskej maľby nebola vôbec prezentovaná ... odteraz Učitelia čítajú históriu umenia podľa našich vzoriek môžu začať, že nie je s Beato Angeliko, ale z veľmi výskytu talianskej maľby. "

St. Jacob Jr.
Strom, olej. 68.7x43. GE 4109. Časť polyptickej.
Na Nimbe: Sanctvs IACOBVS je obrazom obrazu v zozbieranom grónom G. S. Stroganov, Wagen (1864), ktorý ho opisuje, nazývaný Senior Jakob znázornený. Avšak, on nemá jeden z hlavných atribútov Senior JACOB - umývadlo, pútnického symbolu. Skôr Jacob Jr., ktorý bol prirovnávaný podľa typu Krista; To je on a pustičný obraz. Atribúty - Zamestnanci a kniha - typická pre JACOB mladší.
Wagen (1864) napísal, že nebol známy
umelec Niccolo Orvietanne - Pod týmto názvom bol obrázok uvedený v mačke. G. S. STROGANOVA - a dodal, že prenos Nunkarn sa podobá Niccolo Aluno. Nemecký výskumník zaznamenal talent autora "SV. Jacob "a ako spravodajca a ako farebný.
Hark (1896) pripisoval obraz Burgówon a pripisoval ho neskorým štádiom masterovej práce. Veril, že názov NPCCO Ordes môže byť názov zákazníka, nie umelec.
Pridelenie Burgreon je potvrdené porovnaním s takýmito obrazmi pána ako "St. Elizabeth s St. Francis "a" St. Peter Martyr s St. Christofore "(Ambrospahan, Miláno). Typ SV. Jacob je rovnaký. Čo v St. Francis, a kučeravé vlasy a ornament pozdĺž okraja plášťa sa opakujú v obraze sv. Christopher. Hermitage Sash môže byť datovaná OK. 1500. Pôvod: Post, v roku 1922 Pz Stroganovský palác-múzeum v Petrogradu. Skoršie: Nevýhody. Count G. S. Stroganova v Petrohrade. Hermitage katalógy: mačka. 1958. S. 69; Mačka. 1976, s. 76.

Crowning Mary.
Strom, tempera 120x75. GE 6662.
Plot dátumy späť do "zlatej legendy" Jacopo Áno VORADZHIN (približne 1230-1298). Corona Scene Merip sa objavuje v talianskom umení v roku 1270/80 a stáva sa obľúbenou témou benátskej maľby XIV storočia. Vyvinula sa určitá kompozičná schéma: Kristus a Mary Squeeze na tróne, po ktorom nasleduje obloha a anjeli. Toto všetko je v obraze Hermitage, kde je však Kristus reprezentovaný bez koruny (zriedka sa stretol s motívom), ale so žezlom v rukách. Korunná Madonna súčasne vnímala a ako slávnosť. Maryho modlitbové gesto prináša predmet príhovorov na scénu.
Obraz vstúpil do Hermitage ako prácu neznámej talianskeho umelca XIV. V mačke. 1958 a 1976 vstúpili do práce Katerino Venetciano (?). Pallukkini (1964) pripustil, že "Koronácia Madonna" sa môže vzťahovať na začiatku aktivít Donato, ktoré stále napodobňujú Paolo Venetgano.
Picture Hermitage je Stylisticky blízko ako diela, ktoré vykonáva Katerino ("Korunovacia Mária", Akadémia, Benátky; "Korunovacia Mária", Triptych, Akadémia, Benátky) a tí, ktorí boli vytvorení spolu s Donato ("Korunovacia Mária", Galera Kuernp - Stampalia, Benátky). Avšak, typy osôb (najmä anjelov), vysoko označené byzantskej tradícii, sú nútení predpokladať, že práca môže byť skôr bližšie k dielam Katerina Venetziana.
Pôvod: Post, v roku 1923 z časových adresárov Hermitage: Cat. 1958, str. 109; Mačka. 1976, s. 101.

Zakladatelia humanizmu, opúšťajúce korene v XIII storočia, boli Francesco Petrack (1304-1374) a Giovanni Boccaccio (1313-1375). Spoliehanie sa na staroveku, nový svetielka zaplatil svoje oči na osobu. Humanizmus teda proti cirkvi-bogoslovský vzťah k svetu. Avšak, pre XIV storočia. Vyznačuje sa určitou medzerou medzi humanistickou myšlienkou a umenie, ktoré ešte neurobili sekulárne. Tu humanizmus dostane ovocie len s nástupom skorého renesancie (XV storočia).
XIV. pod znakom boja mesta proti feudlovemu; Je to mestá, ktoré sa stali ohniskom novej kultúry. V roztrhnenej Taliansku zostala v priebehu storočia-starej histórie (až do stredu XIX storočia), v období Tryteno5, vedúca úloha v politickej, hospodárskej sfére kultúry patrila do Florencie.
Otec západného európskeho maľby sa často označuje ako JOTTO (1267-1337). Niekedy, v porovnaní so svojou prácou, považujeme za akýkoľvek Florentine maliar XIV storočia, niekedy títo majstri sú vo všeobecnosti nazývaní "Jottisti", hoci vplyv jedného, \u200b\u200bdokonca aj najviac génia, umelec sa nemôže stať rozhodujúcim na celý storočie. Je však ťažké preceňovať inováciu spoločnosti JOTTO, ktorá sa rozhodne rozpadla s arbitrážou spojení a Dohovorom o mieste pôsobenia byzantského maľby. Medzi dielami JOTTO a divákom sú nové vzťahy iné ako v predchádzajúcom období umenia, keď ikona, mozaika alebo freska uzavrela myšlienku rozsahu, nepochopiteľnosti božstva, a teda obrazové uskutočnenie existovalo podľa svojich vlastných zákonov , nie na základe konkrétnych skutočností.
Jotto sa najprv podarilo dať náboženské príbehy o presvedčenie o živote. V jeho laconických maľbách vytvorených vo Florencii, Padua, Assisi rozprávanie neboli rozvinuté, nie v lietadle, ale v hĺbke a konajúce tváre trápenia alebo sa radovali ako obyčajné smrteľníci. Takéto obraz nemohlo pretrepať súčasníkmi.
Po JOTTO bolo možné vyplniť nové detaily a rozvíjať rozhodnutia, ktoré im boli ponúkané, ustúpiť od jeho hľadania, nájsť zabudnutie v gotických retrospects, ako sa to stane na pokraji XIV-XV storočia, ale nebolo možné zmeniť väčšia línia vývoja maľby.
Jotto predovšetkým monumentalist, je to veľmi malé. Na ich držanie môže byť hrdí len niekoľko múzeí sveta. Hermitage, bohužiaľ, nepatrí k tomuto číslu.
V našom múzeu je prezentovaná Florentine maľba, počnúc uprostred XIV storočia. Toto je okamih, kedy sa po niekoľkých skúsených katastrofách - ekonomická kríza, povstania, strašná epidémia moru 1348.- Prehodnotenie hodnôt dochádza: Zvýšená religiozita diktovala návrat k "ikonu". Jottov ľudstvo na chvíľu zopakoval miesto rozptyľovanej slávnosti a tuhosti svätých, v ktorých sa majstri snažili zdôrazniť význam a vysokú hierarchickú pozíciu, ktorú ich obsadili v nebeských sféroch. Žiadny majster Florennant XIV storočia. Nemôžu byť porovnateľné od spoločnosti DIA Otto. Na začiatku Quatropenta (1401-1428) sa objaví len nový reformátor Mazacho (1401-1428), jedného zo zakladateľov skorého renesancie. A čím ďalej rezanejšie prevrat, ktorý sa stal na prelome dvoch storočiek - XIV a XV, ak si pripomínate, že spolu s maľovaním, Mazacho existoval štýl medzinárodnej gotiky, rafinovaných a sofistikovaných, ktorí prišli z súdu - rytieri severného Európa, ktorá v jednom meste s týmto umelcom pokračovala v práci neskoro nasledovníkov Jotto, a taký majster ako Bichci di Lorenzo (1373-1452), oveľa posilnený Mazach. Ako keby si nevšimla, že posuny, ku ktorým došlo vo Florentine Art, stále pripomínajú ploché postavy svätých elegantných aplikácií na pozadí Richata Tkaniny.
Pre všetky nezávislosti Florentine School sa obdivovala impulzy z iných umeleckých centier a stal sa pre zdroj expozície.

Ukrižovanie s Maria a Johnom
Strom, tempera 62x31. GE 277. V gotickom ráme.
"Križovanie" sa vzťahuje na relatívne malý počet diel umelcom, ktorý sa uskutoční s miniatúrnou starostlivosťou. Napriek tomu, že údaje sú prezentované na zlatom pozadí, Pietro sa dosiahne ich umiestnením určitej hĺbky priestoru. Stručná kompozícia sa vykladá emocionálne pri prevode hlbokého, ale obmedzeného zármutku Márie a Jána. Menej časté na datovanie umelca s maľovaním Jotto sa cítil v nejakej masívnosti obrázkov.
Nad Crucifixom je v trojuholníkovej dokončenie, pelikán je zobrazený, kŕmenie mláďatá s krvou - symbolom redemant obete Krista (pozri: Reau L. Iconographie de 1'Art Chřív. Paríž, 1955, 1, s. 95 ).
Obraz vstúpil do Hermitage ako prácu neznámeho Siensky umelec XIV storočia, v mačke. 1912-1916 zahrnuté s rovnakým atribútom, v mačke. 1958 - Ambrogo Lorentzetti School. Autorstvo Pietro Lorentzetti zistilo, že Vsevolozhskaya (1981) na základe štylistického porovnania s pravej krídle Triptych (Múzeum, Dijon) a ukrižovanie Pietro (Poľsko Petzol Museum, Miláno). "Ukrižovanie s Máriou, Johnom a Maria Magdalina" (Národný Pinakotek, Siena, Inv. Č. 147, 82 × 42.5) Na zloženie, proporcie sú úzke analógie na pustovník obrazu; Obrázok ukrižovaného Krista sa opakuje v oboch prípadoch takmer nezmenený. V mačke. 1976 "Crucifix" podľa analógie s oltárom z Dijonu 1335-1340. Na základe porovnania s "Crucifix" z Národného Pinakotek v Siene sa zdá byť presvedčivejšie k dnešnému dňu pustovníckeho obrazu druhej polovice 1320s (pozri: Mostra di Opere d'Arte Restaurate Nelle Province di Siena E Grosetto. Genova, 1981, s. 47).
Pôvod: Post, v roku 1910 načasovania. Skoršie: Max v Petrohrade, získané pre AH viceprezident Prince G. Gagarin, Hermitage katalógy: mačka. 1912-1916, číslo 1944; Mačka. 1958. S. 123; Mačka. 1976, s. 106 Literatúra: Vsevolozhskaya 1981, № 3

Existovali úzke vzťahy medzi Florenciou a druhým hlavným mestom Toskánska - Siena. V určitom zmysle tieto dve školy s antipómami. Vo Florencii s jeho neustálym túžbou po demokratických slobôd, monumentálne umenie, ktoré hovorili jazykom, jednoduchým a jasným, záujem o vesmír. V podmienkach aristokratického námorníka, monumentálne obrazy preferované stroje, hľadali eleganciu, dekoratívnosť, farebnú harmóniu. Sylen ľahšie Florence pigetované gotické lekcie.
Najväčší majster Siena School z prvej polovice XIV V.- Simona Martini (približne 1284-1344) v jeho temperamente bol prenikavým textami v maľbe. Podobne ako nikto iný, Simone sa podarilo urobiť riadok prenosu na prenos nielen formy, ale aj sentiment. V dielach Martini je farba označená bohatstvom jemne vybraných kombinácií typicky vidieť slávnostné.
Výstava ukazuje zadržiavanie DIPTYCH s obrazom Madony z scény "Zverievanie" Simone. Podľa V. N. Lazarev, ".. To je vzácna ikona, ktorá je jednou z perál hermitnej zostavy. Čistota ich lyrického zvuku a na spevákoch ich línií je možné zhodovať s najlepším sonetom Petrarcha. "
Spolu so Simonom Martini, Lorenzetti Brothers, Pietro (pracoval s 1306-1348) a Amrajom (USS. 1321-1348). Možno, že obaja sa stali obeťami "čiernej smrti", ktorá trvala viac ako polovicu obyvateľov Toskánska. Tam je predpoklad, že bratia viedli veľkú dielňu, ktorej diela boli široko slávy v Siene. Spoliehanie sa na úspechy Florentinians, Lorentzetti poslal pozornosť na sľubnú expanziu priestoru, pri presnom spôsobe vyjadrenia myšlienok v umeleckých obrazoch; Obaja rozlišovali schopnosť viesť lyxický príbeh, vytvoriť fascinujúci príbeh na základe dojmov okolitého života. Stojí za zmienku, že Ambrodzho preukázal v "alegórii dobrej dosky", jeden zo slávnych fresiek v Palazzo Pubblkelo, nie tak častý pre maliarov tej doby záujem o staroveku.
V druhej polovici Kretena, Siena nedával jediného umelca Simone Martiniho alebo Lorentzetti Brothers. Počas tohto obdobia pracoval NCCCO di SOCHSTSO (1340-1360-E), ktorých tvorivosť bola "objavená" len v 30. rokoch. storočia. Práce tohto pána sú trochu, a tým dôležitejšie, že nadácie Hermitage sú relatívne nedávno objavené Madonnou s dieťaťom "Piccoloova práca. Po tom, čo zažil vplyv Martini a Lorentzetti, S. Sotszo, nepochybne, mali kontakty s Florentine Kultúra, čo potvrdzuje vec na našom stretnutí. V ňom, plasticita, rovnovážna kompozícia, monumentárnosť obrázkov sú organicky kombinované s čisto viditeľným farebným gamutom, jemným a svetlým.
Jeden z prvých zástupcov medzinárodnej gotiky v Siena - Bartolo di Fredi (pracoval s 1353-1410) -wekovodilom aktívne pracoval na workshope. Opisujúcu zvláštnosti tohto paneurópskeho štýlu pokraji dvoch storočí, A. Ershi napísal: "Dlhodobosť šľachty sa odráža v minulosti nielen v predmete objednaných obrazov, ale aj v štýle maľby, pretože Bol som vzkriesený už v úpadku gotiky. Umenie čakali na chválu romantického (v počiatočnom zmysle slova) vnímanie života, ktorým čelí minulosti - na rytierske romány; Čakali na odškodnenie, odmenu za stratené v reálnej životnej polohe a často viedli k nesplným preháňaniam. V dôsledku toho sa kult úžasného luxusu, idealizácie, vedome skreslenej reality a štylizovaným jazykom, - to znamená, že všetko, čo charakterizuje medzinárodnú gotiku. "

Madonna s dieťaťom; Štyri svätí
Strom, tempera 40x16. GE 6665, Parná miestnosť do GE 6666.
Ľavý diptych spájk.
Na zvitku v rukách Johna pol-Half-menovitý nápis: EC1 / VOX / ..NA / Ti. / ES / RT.s (/ SE / OKEČNÍKA V DIZEKE). Evanjelium z Matthewa, 3, 3.
CRUCIFIX; Štyri svätí
Strom, tempera 40 × 16. GE 6666, Parná miestnosť do GE 6665.
Právo detekcia DIPTYCH.
Medzi svätcami na ľavej strane DIPTYCH môže byť identifikovaný SV. Nikolay, St. Christopher, Ján Krstiteľa. Na pravej strane - St. Francis a St. Elena.
Likhachev (1911) považovaný za diptych taliansky diel XIV storočia, Talbot Ricce (1940) - Práca Benátskej školy XIII storočia, Lazarev (1954, 1965) bola pripísaná skupine pamiatok, "zaberanie samostatného miesta benátskej maľby prvej polovice XIV storočia. " A spojil ho s dielami majstrov, počiatočným bodom tvorivosti, ktorý bol miniatúrny obraz. V diptyji sú spojené byzantské funkcie (typ Madony s dieťaťom hraním na rukách, inline usporiadanie obrázkov) s gothickou (predĺženie proporcií). Lazarev priniesol hermojový záhyb s ikonami s scénmi zo života Krista: Jeden z nich je uložený v mestskom múzeu v Terste, druhý v štátnom múzeu západného a východného umenia v Kyjeve.
Pallukkini (1964), konvenčne nazývaný umelec "Majster LENINYRAD DIPTYCH," nevidel spojenie medzi pustovníckou prácou a ikonou z Trieste, ale súhlasil s tým, že diptych bol vytvorený v jednej posteli s obrázkom z Kyjeva, ako aj Triptych z archeologického múzea v Rýchle leto.
V mačke. 1958 A 1976 DIPTYCH bol uvedený na prácu neznámeho umelca Rimini XIII storočia.
Pôvod: Post, v roku 1923 z načasovania. Skoršie: Nevýhody. N. P. Likhacheva v St. Petersburg.
Hermitage katalógy: mačka. 1958, str. 141; Mačka. 1976, s. 116.

Typickým príkladom medzinárodnej gotiky na výstave slúži ako polypthypty, vykonané, prípadne v najbližšom okolí jedného z najvýznamnejších prívržencov tohto štýlu, Gentitan Da Fabryano (asi 1370-1427), ktorý pracoval v rôznych centrách Talianska. Krehová krehkosť obrysov zdôrazňuje tvar piatich sofistikovaných-elegantných svätých na žiarivej pozadí a farba gama oltára je nádherné prekvapenie farebných kombinácií.
Po aktivitách JOTTO sa Byzantská tradícia zmenila na jeden z najkonzervatívnejších podmienok Kreitto. Ale to bola ona, ktorá tvrdohlavo nasledovala benátska maľba XIV storočia.
Bohatá Patrician Republic, "Pearl of Jadrana", vďaka obchodným trasám spojeným na západ s východom. Jeho konštantné kontakty s Byzanciou viedli k tomu, že estetika byzantskej maľby Benátky vnímali ľahko a organicky, ako niečo, a nie z vonku. Grécki majstri neustále pracovali v meste, najmä oni pracovali najmä na mozaikových dekoráciách katedrály San Marca.
Medzi benátskymi umelcami bol kreatívne interpretovaný byzantský dedičstvo Paolo Venetciana (pracoval 1333-1358). Možno niektorí nasledovníci Paolo robia "vzory Krista v chráme Jeruzalem". Ak porovnáte tento fragment s dielami Florentine a Sienskaya School, cíti sa, pokiaľ sme sa ponorili do stredovekých obrázkov a názorov. Toto je práca, podľa nášho názoru, slúži ako vizuálne ilustrácie na presnej charakteristike stredovekého myslenia M. Dvorakik. Takže stelesnenie "non-milosrdenstva božského myslenia" je na obrázku vzorov Krista, ktorý Katzheno vo svojom vzťahu s okolitými ľuďmi a budovou chrámu, popíjajú tento pomer, chápete, že je to Kristus je po celom všetkom, bez všetkého vo všetkom. "
Takéto uskutočnenie nekompenzovateľnosti božskej myšlienky je vo filmových vzoroch Krista, ktorý je vyjadrený vo svojom vzťahu s okolitými ľuďmi a budovou chrámu. Vyhodnotenie tohto pomeru, pochopíte, že je to Kristus, ktorý je potrebný pre každého, pod všetkým, mimo všetkého, vo všetkom.
Vyjadrenie ikony Hermitage bola oceňovaná v historickej literatúre: "V súčasnosti nepoznám ďalšiu takúto prácu, ktorá by sa mohla porovnať s malou radou, jedinou časťou konzervovanej polyptickej s obrazom Krista medzi múdrymi mužmi, Uložené v rezervách Hermitage: jedinečný fragment v druhu expresívnej sily, takmer Chimabuevskaya, "napísal R. Pallukkini.
Keď sa zoznámte s dielami benátskej školy, vystavenej na výstave - a všetky z nich sa vzťahujú hlavne na druhú polovicu - začiatok XV storočia, - potom sa má prekvapiť, ako rýchlo na konci XV - Začiatok storočia XVI - Benátky dohovoruli a v mnohých smeroch a pred najlepšou školou Quatrocheto - Florencia.
Je zrejmé, že v súčasnosti nie sú plne identifikované zvláštnosti a význame maľby maľby XIV storočia. Naďalej existuje, že PISA je v tomto čase do umenia iných miest. Ale hlavné prekvitanie maľby PISA prežilo v predchádzajúcom XIII storočí. Je to v tomto období, že jedným z najstarších pamiatok na výstave je kríž zobrazujúci "Crucifix" Ugolino di Tédich (pracoval v druhom poschodí. XIII storočia). Tento kríž potvrdzuje, že na základe Toskánska PPZU absorboval a transformoval sa na obaly byzantských foriem.
Začiatok skorého renesancie je pomerne spojený s podporou diskrétnych talianskych majstrov v starožitnom umení. Ale ďaleko od jednej staroveku bol zdrojom oživenia. Bez prípravy cestoval v XIV storočí, vznik nového systému myslenia, nové umenie by bolo nemožné. Renesancia absorbovala nielen starožitnosť, ale aj naturalizmus gotiky a tradície byzantského maľby. Bez ohľadu na to, ako by Byzancia transformoval rôzne formy, "postava muža, ktorý stál v centre záujmu starých umelcov, zostalo pre byzantíny, hlavný predmet obrazu."
Hoci Tretono nebola "neohrozená", ako sa objavilo Vzarn. Taliansko malo prejsť toto storočie otvoriť novú stránku v histórii umenia, ktorá je s nami spojená s najvyššími úspechmi ľudského génia.
Táto expozícia nemohla byť vykonaná bez obrovskej práce v reštauráciách Hermitage. Používam prípad, aby som ich vyjadril, najmä T. D. Chizova, jeho hlboké zhodnotenie. Oni, odstránenie starých záznamov a viacvrstvového laku, vrátili tam obrázky. Tam, kde to bolo možné, nedotknutá sviežosť a lesk farieb.

FOPPA, Vincenzo Foppa, Vincenzo
Narodil sa v Bresche asi 1430, zomrel v roku 1515/16 v Miláne. Lombardská škola. Testoval vplyv Donat de'bardi, Manteny, Bellini, Bramte. Pracoval v Pavia, Bresche, Bergamo, Miláno.
St. Stephen
Strom, tempera 89 × 34. GE 7772, Parná miestnosť do GE 7773.
Polyptych Sash.
Na Nimbe: Sancvs Stefanvs Promar- TIRVS.
Archanjel Michael
Strom, tempera 91 × \u200b\u200b34. GE 7773, Parná miestnosť do GE 7772.
Polyptych Sash.
Na Nimble: Sanctvs Mich .. .Gelvs prevádzka. ..
Polyptichova krídlo patrí do raného štádia aktivít FOPP, jedného z najväčších predstaviteľov Lombardskej školy počas svojho prechodu z gothického k umeniu renesancie. V tejto práci sa umelec pokúsil spojiť tradičné lekcie Lombardového umenia s pokročilými trendmi Holandskej maľby. V ikonografickom vzťahu, pokojné postavy svätých ľahko zapadajú do obvyklého systému, zatiaľ čo problém svetla vnímané čerstvé a priamo. So záujmom zvláštne pre Holandsko, FOPPA prenáša hier svetla na kovové brnenia Archanjela Michail a jeho mäkšie plachtenie na ostrých záhyboch dalmatiky St. Stephen.
Ako doktor (1986), krídlo Hermitage bola súčasťou tej istej polyptickej ako dvoch dosiek s obrazom Jána Krstiteľa a St. Dominica zo súkromného zhromaždenia v Bergame. Veľkosti fragmentov sú rovnaké zlatých okresov. Je obzvlášť významné, že nízke parapet, ktorý stojí každý svätý, sa nachádza na jednej úrovni. Zdá sa, že umelec naznačuje jedno miesto pre všetky čísla. Je zrejmé, že v centre polyptichu bola Madonna s dieťaťom, ktorú John Krstiteľ označuje.
Lekári hovory ako prototyp pre tvar sv. Stephen "St. Stephen »Donato De'Bardi (Cycon Chicken Mozzoni, Miláno, hrať: Zeri F. Diari di Lavoro 2. Torino, 1976, Obr. 41).
Lekár dátumy všetkých chlopní asi 1462 a správne v nich poznámky kombinácia pešiakovej tradície s holandskými trendmi, vnímanými mladými FOPP v dôsledku štúdia vzoriek Donat de'bardi.
Sash vstúpil do Hermivage ako prácu neznámeho Lombardného umelca XV storočia, potom sa začali zvážiť práca! Biggon kruh. V mačke. 1958 A 1976 sú zahrnuté ako diela školy FPPA. Toto pripísanie uskutočnilo Vsevolozhskaya (1981) na základe porovnania s polyptich di Santa Maria Della Grazia (Brera, Miláno, Inv. Č. 307) a "St. Catherine a St. Agnes "(Walters Art Gallery, Baltimore, Inv. 37.706). Vsevolozhskaya najprv upozornil na podobnosť medzi Hedgets a Svätým Dominica "od súkromného colury. v bergame.
Pôvod: Post, v roku 1921 cez GMF. Skoršie: Nevýhody. N. K. Roerich v Petrohrade; Katedrála Plukovník Mojardini vo Florencii (podľa predtým existujúceho nápisu na obrate jednej z chlopní).
Hermitage katalógy: mačka. 1958, str. 203; Mačka. 1976, s. 146.
Literatúra: Vsevolozhskaya 1981, č. 33. 34; Medica M. Quattro Tavol na un Polittico di Vincenzo Foppa.- Paragone, 1986, 431-433, s. 12-14.

Fungai, Bernardino Fungai, Bernardino
Narodil sa v roku 1460 v Siene, zomrel v roku 1516. Sienskaya škola. Študoval na Giovanni di Paolo, zažil vplyv Francesco Di Georgho, Pietro di Domenico, Perugino, Signorelli. Pracoval hlavne v Siene.
Veľký dobytok Skypion African
Strom, olej, tempera. 62x166. GE 267. Casson Board.
Pod číslami názvov aktérov: Sponvs; Lvceivs; Scipio; LVCEI FILIA. Nad obrázkom: leliv.
Plot je požičiavaný z "rímskej histórie" z Tita Líbya. Podľa Líbye, veliteľ veliteľa! Cornelius Scipion (235-185 pnl), nazývaný African, po tom, čo si vzal nového Kartagénu, vrátil zajatcovú dievčinu na jej firmické aliancie, a výkupné, navrhnuté jeho rodičia na dcéru podal všetky svadobné dary.
Po tradícii, ktorá bola založená na maľbe Kasson (truhly pre skladovanie Dowry), Fungai kombinoval tri rôzne epizódy na jednej scéne. V centre Szipipionu, africký vracia nevestu na ženskú ženín, vľavo od aduts hlási hlavy jazdcov, ktorí im boli poskytnuté k dispozícii veľkorysé veliteľa, vpravo - bojovníci vedú zajatcov k Skypionu.
Akcia sa rozvíja na pozadí podrobnej krajiny, ktorá vydáva vplyv uhalovej školy. Obrázok na PieTALIANA A Pietroburgo .- 'L'Arte, 1912, FASC. 2, s. 123-124; Warriors 1922, s. 75; WEIGELT S. DIE SIENESESSCHE MALEREI DES VIERZENTENTENTA JAHRHUN-DERTS. Firenze - Mtinchen, 1930, S. 73, 111; Marie R., dodávka. 1924, 2, s. 90-92; Lazarev 1959, s. 284-285, cca. 264; Talianska maľba XIII-XVIII stáročia. 1964, № 2; Berenson 1968, r. 119; Vsevolozhskaya 1981, № 4, 5
kroky boli uvedené v práci neznámeho umbrijského umelca. V mačke. 1922 bol zahrnutý ako práca kruhu Pinturik - Kyuo. Fungai by mohla zažiť vplyv Pinturikko, keď pracoval v Siene v 1508-1512. Na základe účinkov pinturikocho je stena Cassona datovať neskoré obdobie kreativity Fungai - 1512-1516. Teraz existujúce pripísanie všetkých výskumných pracovníkov (orálne) O. Sirens.
Pár k "veľkorysosti Scypion African" Casson Board "Smrť Sophophyux" je uložená v GMI. Obe kompozície sú postavené podľa jedného princípu a centrálne obrázky sa opakujú takmer úplne. Pôvod: Post, v roku 1902 zo stĺpcov. F. RUS-Sova v Petrohrade
Hermitage katalógy: mačka. 1907-1912, č. 1892; Mačka. 1958, str. 206; Mačka. 1976, s. 147-148 Výstavy: 1922 Petrograd, č. 48 Literatúra: Thieme U.- Becker F. Allgemei- NES Lexikon der Bilddenden Kunstler. Leipzig, 1916, S. 587; Warriors 1922, s. 77; Borenius T. UnPablisched CasPone panely III.- The Burlington Magazine, 1922, apríl, P. 189-190; SCHU- Prinesie P. Cassoni. Truhen und Truhenbilder der Italienischen Fruhrenaissance. Leipzig, 1923, 1, S. 138, 355; Berenson 1932, s. 211; Marie R., dodávka. 1937, 16, s. 481; Pigler A. Barockthemen. Eine Auswahl von Verzeichnissen Zur Iconographie des 17. und 18. Jahrhundets. Budapešť, 1956, 2, S. 404; Talianska maľba XIII-XVIII stáročia. 1964, № 29, 30; Berenson 1968, s. 150; Vsevolozhskaya 1981, č. 45; Taliansky Cassoni z umeleckých zbierok sovietskych múzeí. Leningrad, 1983, № 15-19

Paolo Venetsiano (Maestro Paolo), nasledovník
Paolo Veneziano (Maestro Paolo)
56. Vzory Krista v chráme Jeruzalem
Strom, tempera 25x18.5. GE 6670. Fragment polyptických. Evanjelium Lukáša, 2, 42-52 Po zákonoch byzantského maľby, umelec nevytvára uzavretý priestor, v ktorom sa akcia uskutočňuje. Kristus je zobrazený v rovnakom čase v chráme a mimo neho - dominuje všetkým a všetkým. Neexistuje žiadny a nemôže byť jediným bodom, s ktorým by bola scéna vnímaná, pretože je zameraný na toľko, koľko do vnútornej vízie, ktorá ho považuje za. Ale s všeobecnými trendmi charakterizujúcimi byzantským smerom v benátskej maľbe XIV storočia, majster mimoriadne expresne transfers prevádza žiarovku vášne - zúfalstvo, ktoré zvládli starší, s. 3; Venturi L. Saggio Sulle Opere d'Arte Italiana A Pietroburgo.- L'Arte, 1912, FASC. 2-3, str. 123; REGACH S. Repertore de la Renaissance (1280-1580). Paríž, 1922, 5, s. 314; Meiss 1951, s. 169; Meiss M. Poznámky k tromi prepojeným Sieniese Styles.- The Art Bulletin, 1963, 45, marec, s. 47; KLESS 1967, S. 249; De benediktis 1979, s. 24, z toho, z ktorých frakcie Krista prekročili múdrosť, pozornosť, s ktorou Maria a Jozefová počúvali slová Krista.
Lazarev (orálne) určil obraz ako prácu Lorenzo Venetsiano; v mačke. 1958 A 1976 Práca je zahrnutá ako práca Paolo Venetsiano (?). Pallukkini (1964), ktorý prvýkrát uverejnil fragment, tiež veril, že jeho autor bol spojený s Paolo Venetsiano a pracoval na začiatku druhej polovice
XIV. Umelec nepochybne detekuje body kontaktu s Paolo Venetsiano, a najmä s hlavnou polyptickou z Akadémie v Benátkach (Inv. Č. 16), v súvislosti s ktorým Pallukini poukázal na (1964). Avšak, na rozdiel od tvorcu benátskej polyptickej, autor hermovage fragmentu zostal cudzinec na inovácie gotického štýlu. Pôvod: Post, v roku 1923 z načasovania. Skoršie: až do 1914 usadených. N. P. Likhacheva v Petrohrade katalógy Hermitage: Cat. 1958, str. 148; Mačka. 1976, s. 120.
Literatúra: Pallucchini 1964, R. 56.

Neznámy umelec Florentine School na konci XIV-Canction XV storočia.
Scény z životy Krista a Márie
Strom, tempera 42x54 (v ráme 50x61,5]. GE 4158
Top Row: Zvestovanie (evanjelium z Lukášu, 1, 26-38); Stretnutie Mary s Elizabeth (Luke Gospel, 2, 39-56); Vianoce Krista (evanjelium z Lukášu, 2, 6-7); Prináša do chrámu (evanjelium z Lukáša, 2, 22-8); Metódy Krista v chráme Jeruzalem (evanjelium z Lukáša, 2, 41-52); Modlite sa o miske (evanjelium z Matthew, 26, 36-44; z Marka, 14, 32-42; z Lukáša, 22, 39-46). Stredný riadok: Bacheliness Krista (evanjelium z Marka, 15, 15; z Jána, 19, 1); Certifikát Krista (evanjelium z Matthewa, 27, 28-30; z Marka, 15, 17-19; z Jána, 19, 2-3); Krížové nosenie (evanjelium z Matthewa, 27, 31-32; z Marka, 15, 20; z Lukáša, 23, 26; od Jána, 19, 16-17); Ukrižovanie s Maria a Johnom.
Nižší rozsah: Vzkriesenie Krista; Vzostup Krista (evanjelium z Marka, 16, 19; z Lukáša, 24, 51); Zostup sv. Duch (akty apoštolov, 2, 1-4); Vzostup Madony (La CXVII, 1), Korunovačná Madonna (La CxVII, 1).
V pätnástich scénach (päť v každom riadku), umelec trochu naivným spôsobom, s láskou k dôkladnému a zábavnému príbehu predstavil rôzne epizódy z histórie Krista a Márie.
Súdosť podľa spôsobu vykonávania, tento menší majster pracoval vo Florencii na konci XV storočia. Nepochybne zažil vplyv Baldovineti, Rosselly, Domenico Gilladayo, Botticelli. Napríklad stena s potermi viditeľnými za ňou je motív, vzostupne na množstvo diel Baldovinetti. Obrázok Márie vo všeobecnosti je blízko Madonne v "Zvestovanie" Baldovinetti (Uffizi, Florencia).

St. Bernardpn Siensky
Strom, tempera 41 × 31 (v gotickom ráme 49 × 36). GE 4767. Časť polyptickej.
Na zvitku v ruke sv. Bernardine: Pater ManifeVi nomen Tuum Hminbs (Otče, otvoril som svoje meno ľuďom). Evanjelium z Jána, 17, 6.
V mačke. 1922 a na mačke. 1957 a 1976 Saint nebol identifikovaný. Zobrazené sv. Bernardine Siensky v rúchu rádovo, Francis, člen, z ktorých sa stal v roku 1402. Iconographicky, toto je TPP staršieho Monk-Askta, v tomto prípade je uznávaný jedným z jeho atribútov: na zvitoku nápisu so slovami z evanjelia Jána (Pozri: Kaf- tal G. Saints v talianskom umení. Ikonografia svätých v stredných a južných talianskych školách maľby. Florencia, 1965, s. 198).
V mačke. 1922 Obrázok bol pripisovaný severobušnému umelcovi (?) Koniec storočia XV. Zdá sa, že autorom hermitage fragmentu by mohol byť Siena Master, ktorý pracoval v strede XV storočia, a to nielen preto, že jedna z najobľúbenejších svätých Siena je znázornená, ale aj preto, že výklad obrazu a foriem dáva Dôvod predpokladať, že autor obrazu by mohol prísť do kontaktu s kruhom Sano di Pietro.
Pôvod: Post, v roku 1920
Hermitage katalógy: mačka. 1958, str. 142; Mačka.
1976, s. 116.
Výstavy: 1922 Petrograd, č. 15 Literatúra: Warriors 1922, s. 76.

Scény zo života sv. Juliani di stĺpec
Strom, tempera 73 × 64.5 (veľkosť každej značky 28 × 30). GE 6366. Časť polyptickej.
V ľavom hornom mozgu nad hlavami nuns: Beare / GVLiana. Nad hlavou Krista: IC.xc. V pravom hornom mozgu medzi anjelom a sv. Juliana: BEA / TA GVLI / ANA. Nad Skupinou, v ktorej sa nachádza Juliana: Beata / Gvliana. V dolnom pravej strane značky nad zosnulým Juliana: Gvliana Hulita.
Pallukkini (1964) navrhol, že hermovačný fragment bol ľavou časťou polyptickej, ktorá bola predtým v kostole sv. Biangio a Cataldo na ostrove Juddecke a centrálna časť z neho bola doska s postavou sv. Juliana (Súkromný Z. z., Benátky, hry: Pallucchini 1964, Obr. 599).
Znázornené niekoľko epizód z histórie sv. Juliana. Julian di Collanthova (1186-1262) - historický, zakladateľ a prvé kolo kláštora sv. VIJO a Kataldo na ostrove Juddecke. Začiatok kultu Svätého odkazuje na koniec XIII storočia.
V hornom ľavom mozgu, svätý chlieb z Krista, ktorý stratil mníšky z hladu. V pravej hornej značke sa postava Juliana zopakuje dvakrát: Plays anjela o hojení nun, zlomil ruku o náhrobku, a tu sama vylieči mladého muža. Umelec ho zobrazil, ktorý držal tretie, rozbité ruky. V dolnom mozgu je vpravo zobrazená konštrukcia kláštora. Posledná epizóda sa vzťahuje na posmrtnú históriu svätého. Po tom, čo jej telo bolo pochované v cintoríne kostol kláštora, bol viditeľný tajomný svetlo nad hrobou. Sarkofág sa otvoril v roku 1290 a zistil, že pozostatky Giuliana sa nedotýkajú uhasí, jej telo bolo prevedené do kláštora, a ľudia, ktorí prichádzajú do hrobky, začali sa liečiť. Predstavuje sa manželský pár s chorým dieťaťom.
Pozemok fragmentu bol správne definovaný Pallukkinom (1984), ktorý pripisoval obraz na Donato Master - relatívne konzervatívny umelec kruhu Paolo Venetsiano a datoval jej 1360s. Predtým, v Hermitage "Scény zo života sv. Juliana ", ktorá dostala ako práca neznámej talianskeho umelca XIV storočia, bola zaradená do mačky. 1958 ako "scény zo života sv. Julites »Práca Paduan Master Judo di Giovanni de Menabio (?). V. Lazarev (orálne) zistilo, že obrázok Hermitage by mal byť vylúčený z Paolo Venetciana. Rovnaký názor bol dodržiavaný Muraro (1970).
Pôvod: Post, v roku 1923 z načasovania. Skoršie: Nevýhody. N. P. Likhacheva v Petrohrade katalógy Hermitage: Cat. 1958, str. 94; Mačka. 1976, s. 116.

Neznámy umelec benátskej školy XIV V.
St. Philip a SV. Elena
Strom, tempera 64 × 39. GE 6704. Pár do GE 6705
Na pozadí zlata pri svätých Namibov: .s / F / I / LI / P SCA / LE / NA.
Lawrence a St. Elizabeth
Strom, tempera 64 × 39. GE 6705. Pár do GE 6704
Na zlatom pozadí v blízkosti mieni svätých: S / L / A / VR / EN / CI / VS S / EL. / BE / TA.
Čísla svätých boli vyrobené umelcom, snahou o monumentálnu, čistý zvuk jasných farieb. Sharp Contours zdôrazňujú pevnú interpretáciu záhybov.
Existuje skupina prác, medzi ktoré patria "svätí" zo stĺpcov. Hermitage. Sú napísané, zrejme, umelec spojený s workshopom (mozaikou) s katedrálou San Marco (Lazarev 1954, 1965). Medzi tieto diela patria "strašný súd" (Múzeum umenia, Worcester, Massachusetts), "Francis Assisi, neznámy svätý, St. Catherine, St. Nikolai "(Galerai Sabauda, \u200b\u200bTurín). Pallukkini (1964) Konvenčne nazýval umelca "Majster Scary Court", Schpataya, že je to jeden z najzaujímavejších jedincov Benátskej školy druhého štvrťroka XIV storočia.
Lazarev (1965) umožnil možnosť, že "hrozný súd" a "svätí" z Hermitage a Galera Sabauda boli pôvodným oltárom. Devis (1974) nevidel dosť dôvodu pre takýto predpoklad.
Analogicky s "hrozným súdom" (pozri: Devízie z roku 1974), môžu byť hermovage fragmenty uskutočniť medzi 1325 a 1350.

Neznámy umelec benátskej školy z prvej polovice XV V.
Madonna s dieťaťom, St. Francis Assisian a St. Vintsy Ferrer
Strom, tempera GE 6663. 180 × 169,5 na Knihe St. Vinzenta: TEXT / EDEUS / ETDAT / EILLIHO / NORES./ quia / Venit / Horaim / Dicii / EIUS. (Bojujte s Bohom a dajte mu slávu, za hodinu súdu prišla). Zjavenie Jána, 14, 7. nad hlavou Madony pod záložným rámom pozostatkov gréckeho nápisu s červenou farbou: pán 0V (Matka Boží). Okamžite maľované ťahy sú skúšobná paleta umelca, ktorá vytlačila farebné kombinácie. V dolnej časti rámu - srsť benátskej matteo a medio; Srsť ramien vstúpil do kruhu, na zachovalej časti poľa - motív "belich kožušiny". Dve kruhy na stranách kabátu ARMS vpísať názov Matteo Áno Medio: MTTV DMO. V štádiu trónu na pravej strane osoby oddelenej od nás po stáročia, poškriabali vzor plachetnice.
Podobný typ zloženia - Madonna s dieťaťom na tróne a svätých, stojí okolo neho, dostal meno "Svätý rozhovor" ("Sacra ConvercAzione"). Obraz bol vydaný z reálnej situácie, bez konkrétnej motivácie, ako niečo nadčasové, večné. Centrálna hodnota (ako na obrázku Hermitage) môže byť pridelená veľkosťou, ktorá zdôraznila jej primát s významom; (Číslo by mohlo byť iné) - ako ekvivalent. Podobný typ zloženia naplneného novým obsahom bude existovať v celej ére oživenia.
V mačke. 1958 Svätý v pravej časti obrazu bol nesprávne pomenovaný Dominic. Text z "Zjavenia Jána" o knihe a gesto, ktorý poukazuje na Krista v Priateľke, svedčí o tom, že je reprezentovaný SV. Winezzene Ferrer (pozri: Kaftálne G. Saints v talianskom umení. Ikonografia svätých v stredných a južných talianskych školách maľby. Florencia, 1965; pozri tiež: Kaftálny 1978).
Likhachev (1911) považoval ikonu so vzácnym modelom Citon-Benátskej školy XIV storočia. Schweinfurt (1930) bol naklonený skutočnosť, že obraz môže byť zahrnutý do počtu benátskych diel XIV storočia. Zároveň si všimol veľmi úzky vzťah medzi benátskymi umelcami a Talianska-Byzantskými dielňami v Benátkach. Bettini (1933) dodal, že ikona je plánovaná medzi benátskymi a úverovými tradíciami.
Lazarev (1954, 1959) pripisoval obraz dielne Katerino a Donato, datovania 1370s. Pallukkini (1964) vysvetlil rozdiel, ktorý videl spôsobom medzi centrálnymi a vedľajšími postavami, skutočnosť, že Madonna by mohla byť vykonaná Donato, a svätí možno Katerino.
J. Fiocco (orálne) pripisoval obraz Jacobello di Bonom. S týmto priradením je obraz zahrnutý v mačke. 1958 a v mačke. 1976 - Ako práca neznámeho benátskeho umelca
XIV.
Múzeum Corrella v Benátkach ukladá ikonu s obrazom Madony s dieťaťom na tróne (61x48), opakuje sa kompozične centrálnej časti práce pustovníka. Katalóg múzea pripísaného umelcovi Creto-Benátskej školy začala začiatkom XV storočia. (Pozri: Mariacher S. II Museo Corrir di Venezia. Di- pinti dal xiv al xv secolo. Venezia, 1957, s. 131-132).
V mačke. Willamsen v Kodani je "Madonna s dieťaťom", ktorá je v blízkosti centrálnej časti hermitage maľby. 1325 Datas Back (pozri: Willumsen J. E. La Jeunesse du Peintre El Greco. Essai Sur La Transformácia de l'Artiste Byzantin en peintre Europeen. Paríž, 1927, 1, str. 75).
Pallukkini (1964) veril, že ikona z korekcie múzea opakuje hermovage factifilnejším a dekoratívnejším spôsobom a ikonu z tábora. Willamsen, zase, je opakovanie verzie z múzea Correll.
Obrázok z Hermitage mohol byť sotva vytvorený skôr ako prvá polovica XV storočia, ako to správne dal jej kaftálny (1978). Základom pre takéto datovania môže byť obrazom SV. Winster Ferrera (1350-1419), kanonizovaný v roku 1455. Mohol by byť zobrazený pred kanonizáciou, ale sotva v živote už v obraze svätého postavenia na tróne Madony.
Stvoriteľ ikonej hermostavu teda opakoval predtým stanovenú zloženie s obrazom Madony s dieťaťom a prácou z múzea Correll a nevýhody. Willlamsen sa predchádza, a neopakuje centrálnu časť práce Hermitage.

Zázrak s hosťami
Strom, tempera 15x35. GZ 7657. Časť limitu.
Pri zadávaní pustičného pozemku boli obrazy definované ako žánru a pod názvom "obchod" bol zaradený do mačky. 1958.
Správne dekódovanie pozemku patrí do Gukovského (1965, 1969). Ako zdroj, obrátil sa na "zobrazenie jedného z divov tela Krista" - knihu uverejnená vo Florencii na konci XV storočia. A teraz známe v troch kópiách (jedna - v knižnici Corsini, Rím, dva - v tábore. Trivulzio, Miláno). Kniha sa skladá zo šestnástich stránok a je druh "scenára" jedného z tých myšlienok, ktoré sa často hrali vo Florencii v renesančnej epoche.
Na obrázku Hermitage sú znázornené tri epizódy. Na ľavej strane Gulslmo Jambekkari, pitie vína, stráca v presnosti peňazí. V pravej časti príde manželka Gullymo na židovský Roshchik, aby si kúpil šaty stanovené so svojím manželom. Roshovist Manuel požaduje, aby ho žena priviedla do života (Cloud pre spoločenstvo). Je okamžite reprezentovaný ako Manuel popáleniny priniesol žiť na pekárni, hádanky ju s mečom, a zázrak sa stane: oblak, symbolizujúci telo Krista, začína krvácať.
Gravírovanie na strome ilustrujúcej "image jedného z divov tela Kristovho", ktorý Gukovsky v porovnaní s hermovage fragmentom je veľmi blízko pravej časti obrazu, takže navrhol, že gravírovanie slúžilo ako prototyp Malebné rozhodnutie (Hra: GOUKOVSKY 1969, obr. 2).
Gukovsky uvažoval, že vďaka malej veľkosti by táto práca mohla byť limitom malého prenosného oltára, ale skôr slúžil dekoráciu nábytku.
Podľa Gukovského bol autorom "zázrak z hosťa" buď zaúčtovaný, alebo niekoho od umelcov jeho dielne. To je však v rozpore s porovnaním s limitom na sprisahanie "Znesvätenie hotelov" (Národná galéria, Urbino). Čistota a novinka v stavebnom priestore v presnosti je veľmi odlišná od konzervatívnejších riešení priestoru v produkcii pustovníka. Pôvod: Post, v roku 1933 z tábora. B. N. Chicherina v Leningrad.
Hermitage katalógy: mačka. 1958, str. 142; Mačka. 1976, s. 117.
Literatúra: Gukovsky M. A. Takzvaný "obchod" Hermitage a jeho pravdepodobného autora. Prámiky vedeckých správ zasadnutia, venované výsledkom práce štátnej pustovnice za rok 1965. L, -m., 1966, str. 39-41; GOUKOVSKY M. A. ZÁZNAMOVANIE HERMITAGE A JEHO MOŽNÉHO AUTROUNGU .- The Art Bulletin, 1969, 101, s. 170-173

Majster triptych Imole
Pracoval v prvej polovici storočia XV. Emilia. Testoval vplyv benátskych majstrov a Lombardovho miniaturistov. Skupina diel tohto Master, v blízkosti Antonio Alberti, bol zvýraznený Padovani na základe podobnosti s triptych "Madonna s dieťaťom, St. Christina a Peter Martyr "zo stĺpcov. Pinakoteki Imola (pozri: Padovani 1976, s. 49-50).
Madonna s dieťaťom, John BAPTIST ANTONLE ABBAT
Strom, tempera 43,5 × 29.5. GE 9751 v dolnej časti práva na Madonna koruna nezrozumiteľný falošný podpis a dátum MSS. V ľavom hornom rohu na zvitku proroka Izaiáša: IAE ..ppfte. V pravom hornom rohu na zvitku proroka Davida: Davt PPFTE. Na knihe v rukách Boha otca: ego súčet / lux mn / di qui sekvencie / mi n..ambu / lat i te / nebr; s. (Som svetlo sveta, ktorý ma nasleduje, nebude chodiť v tme). Evanjelium Jána, 8, 12. Na zvitku v rukách Jána Krstiteľa: Esse Agnus dei (CE Baránka Boží). Evanjelium z Jána, 1,
29, 36. Na rovnakom rolovaní, pozostatky listov jeho mena: OGHAH.
Podpis a dátum odkazuje na XIX storočia, čo dokazuje prítomnosť zinočnatých proteínov v nátere. V spodnej časti pod vrstvou laku, na ktorom je podpis a dátum, neopakujú sa.
Kompozícia je postavená tak, že okrasné trojdielne rámovanie oddeľuje proroci z iných znakov; Ukázalo sa teda, že proroci Izaiáša a Dávida predchádzajú Kristovi a zároveň predpovedajú svoj vzhľad na svet.
Boží otec poukazuje na dieťa, vysvetliť gesto, ktorým sú evanjelické čiary nakreslené, nakreslené na knihe.
Obrázok prišiel ako práca neznámeho severno-malského umelca XV storočia. Môže byť definovaný ako práca Majstra triptych Imoly, ako zistí úzko podobnosť s mnohými maľbami, ktoré mu boli pripísané. Toto je "Vianoce" (v roku 1910 bol Antique Paolini v Ríme, hrať: Padovani 1976, obr. 38); "Vitajte magnies" (Z. z. Kister, Crazlingen, Hra: Padovani 1976, obr. 39); "Madonna himfenia" (pokladník di Risparmio, Ferrara, hra: Padovani 1976, obr. 33).
Nielen individuálne detaily sa opakujú, ale je oveľa dôležitejšie, vo všetkých týchto prácach je jediný štýlový začiatok. Provinčný umelec, ktorý bol majstrom triptych Imoly, ktorý pracoval už v prvej polovici storočia XV, uprednostňoval mimoriadne propagačné riešenie priestoru. Čísla sú neoddeliteľné v prísnom zvislosti, mierne zmäkčené miernym sklonom hlavy, tvár je ťahaná tvrdo a opatrne. Často sa zavádza Ruby-Red ako farebný prízvuk (v obraze pustovníka - to sú rúcha Božieho otca a baptista).
Dátum - 1430s, - navrhované vyprázdňovanie pre "Vianoce" a "uctievanie magi", analógiou, môže byť prijatý pre "Madonna s dieťaťom a svätým".

Majster manželských pár DaTini Maestro dei Coniugi DaTini
Pracoval v druhej polovici XIV storočia. Florentine School.
Požehnanie Krista
Strom, tempera Postroj. 43 (TDDO). GE 270. Horná časť maľovaného kríža.
V XIV CENTOU V Toskánsku a, najmä vo Florencii, maľované kríže s obrazom Crucifixu boli rozšírené. Často na vrchole boli zdobené medailónami s poloobrazom požehnania Krista. Takéto stretnutie malo tiež pustovnú tondo. Ikonograficky požehnanie Krista označuje typ typu Pantokratcher (pozri: Lexikon der Christlichen Ikonografie. ROM, Freiburg; Basel; Wien, 1968, 1, S. 392-394).
Tondo vstúpil do Hermitage ako prácu neznámeho toskánskeho majstra XIV storočia. Kruh Jotto. Podľa informácií uvedených v mačke. 1922, Ainalov pripisoval Mod Tommazo Gottino a Lipgart - Bernardo Duddy. LAZAREV (1928) veril, že práca bola vykonaná pod priamym vplyvom spoločnosti Jotto a datoval ho 20 rokov XIV storočia.
V mačke. 1958 a 1976 fragment zadaný ako práca Jotto School: Ambrogo di Bon Done (?). Corti (1971) publikoval Hermitage Tddo ako prácu neznámych Florentských majstrov druhej polovice
XIV. Boskovic (1975) to zahrnoval v zozname Pietro Nellie Obrázky. S týmto priradením Tartuferi súhlasil (1984). Ako analógia, on priniesol medailón s obrazom požehnania Krista, posledný "Crucifix" z kostola San Donato v Piezho, Piere, Škola Pietro Nellie. Berúc na vedomie oveľa kvalitnejší obraz Hermitage, Tartuferi poukázal na podobnosť pri interpretácii vlasov, oblečenia a ozdoby. Na tomto základe navrhol, aby majstri postupovali z jedného prototypu, navyše, možno z jedného výkresu.
Belleosi (1984) pripisoval Hermitage Tondo k umelcovi, ktorého konvenčne nazýval "Majster večeru DATINI" v obraze "Trojice" (Capitol Museum, Rím), na ktorom je obchodný kabát z Prato, Francesco DaTini a on sám, jeho manželka a recepcia Dcéra je znázornená kľhovým hriadeľom na úpätí krížovej. Pre kapitolskú maľbu, Belleosi ponúkol dátum asi 1400. Podľa jeho názoru "Majstrovia manžela Husice Figh Datini" by mohli byť buď Tommaso del Mazzo, ktorý spolupracoval s Pietro Nelly, a neskôr - asi 1391 - od Niccolo di Pietro Jerini, alebo Giovanni di Tano víla, pracoval pre rodinu DATINI. Podobnosť medzi Bohom o Otcovi na mieste Capitol a požehnanie Krista na Hermitage Tordo je taká veľká, že patriace oboch skutkov v tom istom pánovi pochybností nespôsobuje. Zdá sa, že hypotéza Belleosy je celkom presvedčivá. Pôvod: Post, v roku 1910 načasovania. Skoršie: Mach v Petrohrade
Hermitage katalógy: mačka. 1958, str. 93; Mačka. 1976, s. 91.
Výstavy: 1922 Petrograd, č. 3 Literatúra: Prokhorov 1879, č. 2; Warriors 1922, s. 76; Lasareff 1928, r. 25-26; CORTI G. Sul Com- Merím Dei Quadri A Firenze Verso La Fine Del Secolo XIV.- CommentaRi, 1971, 22, s. 86; BOS-KOVITY 1975, s. 420; Tartuferi A. DUŠENIE CROGI DI-PINTE POCO POZISAL DEL TRECENO FIORENTINO.- ARTE CRISTIANA, 1984, GENNAIO - FEBBRAIO, s. 6; 12 NOTA 16; Bellosi L. TRE Poznámka v Margine A Uno Studio Sull'arte a Prato.- Prospettiva, APRILE 1983 - Gennaio 1984, 33-36, s. 46.

Mária Korunovačnej Márie z kostola Church
Maestro dell'incoronazione Kristová cirkev
Pracoval v druhej polovici XIV storočia. Florensk School. Tento podmienený názov bol navrhnutý úradníkom (1981) pre práce neznámeho nasledovníka Brothers Brothers, ktorí zoskupeli okolo "Korunovace Mary" z kostola Cirkvi v Oxforde.
Korunovačný marin
Strom, tempera 78,5x49.7. GE 265. Horné zaoblené
Na Johnovi: ECC / E / AG / NVS / VOX (CE AG / NVS / VOX (CE) [Blanting v púšti]). Evanjelium z Jána, 1, 29; Z Matthewa, 3, 3. Na dne dosky medzi erbom Florentine Rodiny Seriborp a Gerandsca: Ave. Gratia. Plena Domin ... (Radujte sa, milostivý! Pane ...). Evanjelium z Lukáša, 1,
28. Na zadnej strane dosiek, nápis, ktorý je v súčasnosti čítaný len v infračervených lúčoch: Les Armes ... Sent de la Maison de Seristori ... Autress Sont de Gherardeschi de Florencia. Ecole de Toscan (toto je erb Serristory domov, ďalšie Gerandsca z Florencie. Toskánska škola).
Horná polkruhová doska, ktorá zobrazuje kríž s Maria, John, St. Francis a St. Dominica bola pripojená na základe neskoršieho rámca.
Centrálna kompozícia predstavuje korunováciu mary podľa typu, ktorá sa vyvinula vo florentskom maľbe druhej polovice XIV storočia. To zodpovedá umiestneniu postavy Kristovho a Márie sediaceho (bez viditeľného trónu) na pozadí bohato zdobenej tkaniny, akútne dokončenie koruny, izolácie hlavných hercov od svätých určitých podmienených, ku ktorému je pripojený.
Podľa officon (1981) sú v koronlačnej scéne storočia storočia. Paul, St. Matthew, neznámy svätý, St. Bartolomew, Ioapn Baptist, St. Louis Toulouse (na ľavej strane kompozície); sv. Andrei, St. Peter, St. Catherine, dvaja svätí Bishop, St. Jacob (v pravej strane kompozície), dvaja muzitský anjel.
Obraz prišiel ako práca neznámeho florentského umelca XIV. Lazarev (1959) zistil, že by sa mohol pripísať školám Bjonde. Offner (1981) pripisoval jej majstrovi Coronaling Mary z kostola Church. Najbližšia analógia obrazu Hermitage je "Korunovačná Madonna" z bývalého. Katedrála Luigzhp Bellini vo Florencii (Hra: Offner 1981, obr. 53). V oboch obrazov sa opakujú typ osôb, vzorov tkanín, hudobné nástroje v rukách anjelov.
Pôvod: Post, v roku 1899, Dar bývalý. Riaditeľ Hermitage I. A. Vsevolozhsky. Skoršie: Nevýhody. Barona P. K. Meyendorf v Petrohrade.
Hermitage katalógy: mačka. 1900-1916, č. 1851 Literatúra: Lazarev 1959, s. 296, cca. 311; Offner 1981, r. tridsať

Majster z Fuceccio.
Pracoval v strede XV storočia. Florentine School. Pseudonym pre tohto umelca, z ktorých najčastejšie zahrnuli zoznam diel Francesco d'Antoniom, navrhol van Marle (pozri: Marie R., Van. 1937, 16, s. 191-192). Zažil vplyv včasných diel mazachových a Sienskych maliarov. Spolupracoval s Paolo Schiavom. Niekedy sú majstri z Fuceccio spojené s majstrom Cassonu Deli Adimari.
Madonna s dieťaťom a dvoma anjelmi
Strom, tempera 49 × 35. GE 4113 Pri vstupe do Hermitage bol obrázok zahrnutý do inventára ako kus Giovanni Broketya da Kamenino.
"Madonna s dieťaťom a dvoma anjelmi" tvorí úzku analógiu práce súvisiacu s prácou majstra Fuceccio. Vo svojich obrazoch, úplne špeciálny typ ženského tváre s rovným nosom, malým, špinavo definovanými ústami, a kolo, ako jablko, brada ("Madonna s dieťaťom a anjelmi", umiestnenie neznáme, hry: FREMANTLE 1975, NO , 1142; "Madonna s dieťaťom a anjelmi", hrať. Tamže., Nie. 1143; v druhom prípade sa zopakuje gesto dieťaťa, ktoré drží matku na krk). Čísla anjelov, zlepšovanie rúk na hrudi, ich milosť a jemnosť kontúry potvrdzujú kontakt majstra s vzorkami videného umenia.
Pôvod: Post, v roku 1922 z Múzea Stroganovského paláca v Petrogradu.

Majster z Marredy
Na konci storočia XV. Florentine School. Pseudonym bol navrhnutý spoločnosťou Dzerna na základe skupiny diel v kostole Badia del Bogo v blízkosti Marradi (pozri: Zeri F. La Mostra "Arte v Valdesa Ceriado" .- Bolettino d'Arte, 1963, 48, Luglio - SetteMbre, s. 249, poznámka 15). Majster z Marrei je umelec okruhu Domenico Girondayo, ktorý pracoval asi 1475 vo Florencii a okolí. Nakláňali cassons, ukazujúce body kontaktu s umením Bartolomeo di Giovanni. V neskoršom štádiu kreativity (asi 1490) zažil Piero della Francesca vplyv Piero.
Madonna v Glave
Teploty plátna 80 × 48. GE 4129 Madonna je zastúpená v sláve, v Mandorreli, obklopenom Cheruvimovom. Ikonografický podobný typ kompozície je úzko uzavretý s "Vzostup Madonna", keď Maria bola často zobrazená aj sedí, v prísne čelnej polohe, s modlitebnými rukami, v Priamo-podporovanom anjelov (napríklad freska Antonio Venetsiano "Ascension Madonna", kláštor San TommAZO, Pisa).
Obrázok vstúpil do Hermitage ako prácu neznámeho Florentine Mastery druhej polovice XV storočia.
Teraz sa existujúce pripísanie bolo navrhnuté orálne nezávisle od M. Laklot a E. Faima.
Najbližšia analógia Madonne v sláve je obrázok na tom istom pozemku tábora. Inštitút Kurto v Londýne (Hra: Fahya E. Niektoré skoré talianske obrázky v Gambier-Parry Collection.- Burlington Magazine, 1967, marec, s. 135, Ill. 31). Podobnosť malebného spôsobu sa prejavuje v interpretácii tváre Madony, pri prevode kruhového, hustého mraky a Mandorla vo forme tenkých zlatých lúčov, pri interpretácii záhybov oblečenia. Manarská pozícia na obrázku Hermitage sa však líši od Madonskej Madony, ktorá predstavuje London Montáž.
Pôvod: Post, v roku 1926 z Stroganovského paláca-Museum v Leningradu

St. Christopher
Strom, tempera 108 × 46. GE 5504. Dokončenie namontovaného. Polyptych Sash.
Na sfére v ruke v detskom dieťati: Ázia / Afrika / Evropa.
Podľa legendy, St. Christopher utrpel dieťa Krista cez rieku. Umelec ukazuje záujmy záujmu charakteristické z neskorých nasledovníkov JOTTO: zobrazuje rôzne rýb, ktoré sú vybavené vo vode (symbolizujú zlé sily), ukazujú, spolu s jedením a korčule, fantastické zubné ryby s plutvom, pripomínajúci vtáčie krídlo . Dieťa zostať na ramene sv. Christopher, schmatol prameň jeho vlasov.
Na výstave 1922 "St. Christopher "bol vystavený ako práca neznámeho (sever-thalian?) Umelca stredu XIV storočia. V katalógu tej istej výstavy stanovisko Lipgarta, ktorý považoval fragment práce kruhu Gaddiho. Warriors (1922) tiež vzali prácu do Toskálnej školy, pýtali sa ho kruhom Jotto.
Snáď práva M. Gregory (orálne, 1985), vyjadrujúce predpoklad, že Lorenzo di Bičcchi by mohol byť autorom tohto krídla; To nie je v rozpore s pripísaním lipgartu.
Určitú štýlovú blízkosť "St. Christopher "objavuje" sv. Mikhail "Na krídlo oltára z kostola Santa Maria Assunta, Loro Chuffenna (Hra: Fremantle 1975, obr. Č. 848). Podobnosť možno poznamenať vo formulácii obrázku a pri interpretácii foriem, najmä nôh, mierne priesvitu cez krátke oblečenie. V oboch prípadoch je znázornený krátky plášť s zvláštnym vzorom záhybov v spodnej časti.
Hermitage fragment bol vytvorený umelcom, ktorý dobre poznal svoje remeslo: On zručne hľadá dojem z objemu obrázkov, trochu tuhé, ale jasne simuluje tvár, vlasy, rúcha. To všetko nie je v rozpore s lorenzo spôsobom, ale štylistické vyrovnávanie umenia neskorých nasledovníkov Jotto neumožňuje konečne trvať na tom, že v mene Lorenzo di Beachi. Pôvod: Post, v roku 1919 z oddelenia ochrany pamiatkov. Skoršie: Nevýhody. A. K. RUDANOVSKY V Petrohradu Výstavy: 1922 Petrograd, č. 17 Literatúra: Warriors 1922, s. 76.

Madonna s dieťaťom, svätými anjelmi
Strom, tempera 52 × 36.5 (v gotickom ráme - 92x54, rámovanie je pokryté novým zlatom). GE 5505.
Na zvitoku v ruke Johna: Esse AG ... (CE LAMB]). Evanjelium z Jána, 1, 29, 36
Madonna je znázornená sedí na tróne s dieťaťom v rukách, v blízkosti trónu na pravej strane kompozície sú reprezentované sv. Peter, Archanjel Mikhail, St. Elizabeth and Angel; Vľavo - SV. Christopher, Ján BAPTIST, St. Catherine a Angel. V hornej časti - Krista na hroznom súde.
Obrázok, ktorý vstúpil do múzea ako prácu neznámeho majstra Siena zo začiatku XIV storočia, objaví podobnosť s dielami pripisovanými buď Pietro Jiorentzetti, alebo takzvaným majstrom Diafónskeho oltára. Pod týmto pseudonymom DIO (pozri: Dewald E. T. Pietro Lorenzetti.- Art Štúdie, 1929, s. 154-158) zoskupené množstvo diel, Stylisticky Close Tryptih z múzea v Dijone (44x50). Predtým boli predovšetkým pripisované Pietro Lorenzetti a neskôr mnohí vedci naďalej považovali oltár jeho práce (pozri: Laclotte M. de Giotto A Bellini. Les Primitifs Itariens Dans Les Musees de France. Mai - Juillet 2e ed. Edície Des Musees Nationaux, 1956, s. 11-12). V mačke. 1922 Treba poznamenať, že podľa Liparight je autorom Permitánia Pietro Lorenzetti. Lazarev (1959) veril, že je to včasná práca pána Dijonského oltára. V mačke. 1958 "Madonna s dieťaťom, svätými a anjelmi" je zahrnutý ako práca pána Dijonského oltára a na mačke. 1976 - ako patriaci do kruhu Pietro Lorentzetti.
Ušiel som na kvalitu, pustovnícka práca je do značnej miery (kompozitná, podľa typu, chápania priestoru) pripomína iné ako Dijon Altar, "Madonna s dieťaťom, svätými a anjelmi" (Múzeum Poľska Petzoli, Miláno, 55x26), "Madonna s baby" (Zb Burnson, Florencia) Pietro Lorenzetti a Madonna s dieťaťom, svätými a anjelmi "(Walters Art Gallery, Baltimore); Väčšina výskumníkov pripisuje Baltimore obraz Pietro Lorenzetti.
Zdá sa, že je možné pripísať PermitAge Obrázok do kruhu Pietro Lorentzetti a svitaním na konci 1330s - začiatok 1340s.

St. Romuald.
Strom, tempera 122.5x42.5. GE 271, parná miestnosť do GE 274. Časť polyptickej.
Apoštol Andrey
Strom, tempera 122x42. GE 274, Parná miestnosť do GE 271. Časť polyptickej.
V roku 1910 boli zaradené tri fragmenty do Hermitage, ktoré v mačke. 1912 boli zahrnuté ako diela neznámej Florence Master XIV storočia.
Dva dosky - "apoštol Andrey" a "St. Romuald "- zostal v Hermitage, tretí -" Madonna s dieťaťom a anjelmi "- v roku 1924 bola prevedená do GMII (PNV. 176, 164 × 92).
Hoci v mačke. 1912 Všetky tri časti polyptickej sú reprodukované v blízkosti, nie je známe, či sa rozpoznajú, že predstavujú jeden oltár obraz. V budúcnosti, Lazarev (1928, r. 31), ktorý určil Moskvový obraz ako dielo kresťanov, nepovažoval krídlo s obrazom svätých ako patriacich k tej istej polyptickej. Neskôr (1959) bol pripísaný svojim školám Nerda di Šion, možno Jottino. V súlade s pripísaním Lazarev boli do mačky zahrnuté klapky. 1958 Ako pracovať Nerda di Šion s otázkou.
K malému oeuvre kresťanskému offfonu (Offner R. R. LAY SVETLO NA GIOVANI DEL BIONDO A NICCOLO DI TOMMASO.- Mitteilun- GEN DES Kunsthistorischen Inštitúty v Flo-Renz, 1956, 7, S. 192.) Pridané dva obrázky - "St . Bartolomew "a" St. Dominic "z Múzea Bandini v Fyezolu (122 × 42,6 každý).
Nakoniec, DZHERI (1961) správne pripísané christom hermovage pracuje a na základe článku offline plne zrekonštruovaného päťdielného polyptych, ktorého centrálna časť je v GMI, dve ľavé klapky v hermovage, dve pravá Múzeum Bandini. Skutočnosť, že tvoria jeden celok, dokazujú nielen formálne momenty - rovnaké rozmery bočných chlopní, ornament tkaniny pod nôh svätých, trojvrstvové šírenie obrázkov do stredu, ale tiež Štylistické črty umenia Giovanni di Bartholomeo. Mierne predĺžené obrázky, v ktorých však nie je nič z krehkosti gotiky, sa líšia v sochárskej jasnosti objemov a takmer úplne naplní priestor. Záhyby oblečenia ležia v geometricky aplikovanom rytme. Logická rovnováha poznamenala nielen kompozitnú konštrukciu, ale aj farebný roztok polyptickej. Oblečenie sv. Romuald a St. Dominica, zatvorenie oltára, sú oslobodené (Dominica je stále tvarovaná čiernym plášťom) a elegantným brokátom SV. Bartolomew je harmonizovaný so zelenom-ružovým oblečením sv. Andrei.
Dzheri (1961) verili, že to bolo zobrazené nie sv. Romuald a St. Benedikt. St. Romold - zakladateľ objednávky KAMALDULOV, ktorý nasledoval po pravidlách rádov sv. Benedikt. Obaja by mohli byť reprezentované v bielom mníške s personálmi knihy v rukách. Pôvod: Post, v roku 1910 načasovania. Skoršie: Max v Petrohradu, získané pre MACH viceprezidentom Ah Knyazh, G. Gagarin v roku 1860.
Hermitage katalógy: mačka. 1912, № 1976, 1975; Mačka. 1958, str. 140; Mačka. 1976, s. 89-90 Výstavy: 1920 Petrograrad; 1922 Petrograde, č. 9, 10 (Svätí na výstave katalóg nie sú menované nesprávne - St. Jacob a St. Bernardine).

Madonna s dieťaťom na tróne, sv. Nikolai, St. Laurentia, Ján Krstiteľ sv. Jacob mladší
Strom, tempera 132 × 162. GE 6443. Päťčkové útesy.
V štádiu trónu podpis: Iohas v ..Tholfe Fecit. Na zvitoku Jána BAPTIST: ECCE / AGN / DEI / QUI / TOLI ../PEC.../ (CE Baránka Boží, ktorí berie na seba hriech [z sveta)). Evanjelium z Jána, 1, 29 Napriek podpisu nebol autorom polyptickej farby okamžite definovaný; Návaly farebnej vrstvy na trhliny prechádzajúce cez stred podpisu, komplikované čítanie. Len si prečítajte iba prvé slovo - Giovanni a posledný - urobil (FECIT).
Po prijatí do múzea bola polyptych definovaná ako práca toskánskych majstrov XIV storočia, potom Giovanni Menabop.
Existujú tri predplatné diela Giovanni di Bartolomeo: Polyptih "Evanjelista John a ôsmich scén z jeho života" (Kostol San Giovanni Furichivitas, Pistoia, dátumy. 1370); "Madonna s dieťaťom a šiestimi anjelmi" (mestské múzeum, piring), "Madonna s dieťaťom" (Coll. Rivuti, Biella, dátumy 1390).
V súčasnej dobe, Hermitage Polyptih, ktorý detekuje štýlovú blízkosť k dielam kresťanov, môže byť pridaná do tejto skupiny práce, ale to, čo je obzvlášť dôležité - podpis na to sa zhoduje s podpisom umelca na polyptickej polyptickej. Štylistické porovnanie ukazuje, že Hermitage Polyptih bol vytvorený o niečo neskôr ako Phneasky, možno v druhej polovici 1380. rokov. Artist sa snažil o prísne rovnovážne geometrizované formy P na čistenie sonoróznych farebných kombinácií.

Ukrižovanie s Maria a Johnom
Strom, tempera 85,5x52,7 (v gotickom ráme-103 × 57,7). GE 4131 na znamenie kríža: i.n.r.I. Nižšie na ráme: Pater Noster Qvies Incielis San-TiFi (náš otec, v nebi). Evanjelium z Matthewa, 6, 9
V ručnom katalógu zbierky grófa P. S. STROGANOVA (1864) "Crucifix" bol uvedený v práci neznámeho nasledovníka Jotto XIV storočia.
M. I. SHCHERBACHEVA (ústne) pripisoval obraz Giovanni Dal Ponte; Toto atribúty sa odráža v mačke. 1958 a 1976.
Autor "Crucifix" nie je Giovanni Dal Ponte, ktorý zažil silný vplyv Lorenzo Monaku a vyvinul gotické tradície vo Florencii maľbe a Niccolo di Pietro Jerini. Tento umelec podľa Lazarev "robí tradíciu JOT-TESKOV v XV storočí. Podobne ako žiadny iný, prispievať k jej degenerácii do akademického systému, bez života a schematického "(Lazarev
1959, s. 92).
Ide o obmedzenia repertoáru umelca v oblasti zloženia, typov a gest, uľahčil definíciu mena autora pustovníckej práce, čo je priama analógia na "ukrižovanie s Máriou a Johnom a St. Francis "(Národný Pinakotek, Siena, Inv. Č. 607, 122 × 64).
Najvýznamnejší rozdiel medzi Leningradovou a Siena obrazmi je znížená na skutočnosť, že v poslednej Madoni a John nestojí, ale sedia na úpätí kríža a postavu sv. Sv. Francis, objímanie ukrižovania.
Niccolo di Pietro Jerini pôsobí ako neskorý nasledovník Jotto. Conventalita priestoru a zlaté pozadie s ním sa obzvlášť jasne kontrastuje s podčiarknutým roztokom objemu.
Boskovic datoval Siena obraz 1390-1395 (Boskovits 1975, r. 415). Rovnaké datovanie je možné akceptovať a pre pustovnú prácu patriacu k splatnej správe, ktorá je odlišná vo farbe a jasné kreslenie. Pôvod: Post, v roku 1926 z Múzea Stroganovského paláca. Skoršie: Nevýhody. Count P. S. Stroganova, zakúpené v roku 1855 v Ríme v Troy za 200 frankov.
Hermitage katalógy: mačka. 1958, str. 90; Mačka. 1976, s. 89.
Literatúra: Kusodiyev T. "ukrižovanie s Maria a Johnom" Niccolo di Pietro Jerini. - SGE, 1984, [vydanie] 49, s. 4-5
Giovanni di Bartolomeo Christiani Giovanni di Bartolomeo Cristiani
Pracoval v roku 1367-1398, narodený v Pistatám. Florentine School. Testoval vplyv Mazo di Banko a Nerda di Campon.

Evanjelista Matthew (?), St. Nikolai (?), St. Victor (?), St. Louis Toulouse, Evanjelistická značka
Strom, tempera 94 × 29 (veľkosť každej krídla). GE 5501.
Päť materských polypties. Všetky päť dosiek má jedno číslo inventára.
Nie je známe, ako sa polyptypty pozreli na počiatočnú formu a celé krídlo nás dosiahlo. V tejto práci - vo formulácii obrázkov, v milosti, s akým pohyby hláv a rúk sa prenášajú, v závislosti na bohato ornamented tkanivá, v extrémne nádhernej farebnej schéme - sú jasne viditeľné znaky medzinárodnej gotiky.
Benua v predslove k mačke. 1922 napísal o spolupatriči z piatich svätých "Niektoré prvej triedy majstra z kruhu vplyvu pohanov Áno Fabrpano (možnosť možnosti, že sme dielom samotného Majstra)" "nie je vylúčená. Toto stanovisko sa zdá byť celkom presvedčivé, najmä po nedávno vyrobenej rekonštrukcii, v dôsledku čoho otvorené chromatické bohatstvo a jemnosť chuti.
Gentilné da Fabryano (asi 1370-1427) bol jedným z najväčších predstaviteľov štýlu medzinárodnej gotiky. Pracoval v oblasti značky, Benátky, BRESCHE, Florencie, Siena, Ríma.
V mačke. 1922 ukazuje názory rôznych výskumných pracovníkov o autorstve práce na hustote. Zhardansky hovoril v prospech sám, Ainalov - Umbrian Bopfins. Lipgart veril, že polyptih by mohol byť vytvorený Pietro di Domenico Montepulnia. Warriors (1922) sa objavili do kruhu Gentile Da Fabryano.
V mačke. 1958 a 1976 Polypties sú zahrnuté ako práca neznámeho umelca Dalmato-Benátskej školy XV storočia, čo naznačuje, že táto práca je blízko kruhu benátskeho pána Michele Dzhambono, ktorý zažil vplyv pohanov a Fabrpano.
Samozrejme, myšlienka blízkosti Dzhambono priniesla polypthypys tohto umelca z mestského múzea do Fano alebo Polyptychovej krídla s obrazom sv. Jacob (predplatné) zo stĺpcov. Akadémia v Benátkach. V týchto dielach existuje určitá podobnosť s obrázkami pustovníka vo formulácii obrázkov na konfigurácii stojana a pri interpretácii záhybov, ale iný typ osôb a samotné tvary sú squat a ťažké.
Názvy dvoch svätyne nie sú pochybnosti: je to sv. Louis Toulouse (alebo Anjui) je francúzsky biskup v plášti, zdobený kráľovskými ľaliami, a s korunou na nohách, ako aj evanjelistická značka, v blízkosti, ktorý je viditeľný malý lev.
Definícia zvyšku svätých je kontroverzná. Svätý s kolíkom v rukách v mačke. 1958 a 1976 s názvom Victor. Ale žiadny z talianskych svätých s týmto menom mal atribút mlyna. Zriedkavý francúzsky Saint-Victor Marseilskpi by mohol byť zastúpený s hrdosťou, ale on bol zobrazený vo forme rytiera s bannerom, ktorý sa podobá jeho vzhľadu sv. George. Medzi svätými, uctievajúcimi sa v Taliansku, Panteleimon môže byť zastúpený s hrdlom. Zvyčajne sa však zdôraznilo, že najprv liečiteľa, a v jeho rukách tento tmavý vlasy mladý muž držal krabicu s pilulkami ako sv. Mow a sv. Damian.
Podľa kompozitnej logiky, pár sv. Značka by mala byť niekto z evanjelistov. Vzhľadom k tomu, okrem pera a knihy, svätý nemá iné atribúty, je s najväčšou pravdepodobnosťou - Matúš: keď boli zobrazené všetky štyri evanjelisti, Matúš, spravidla, držal knihu.
Svätý biskup je pomenovaný v mačke. 1958 A 1976 Nikolai, ktorý je celkom možné, aj keď pre úplnú dôveru nie je dosť obyčajných pre Nicholas z Golden Balls.
Pôvod: Post, v roku 1919. Skoršie: Nevýhody. A. A. Waykov v Petrohrade.
Hermitage katalógy: mačka. 1958, str. 142; Mačka. 1976, s. 117.
Výstavy: 1920 Petrograd, s. päť; 1922 Petrograd, č. 23-27.
Literatúra: Warriors 1922, s. 76.
Spomenuté 1392 až 1411. Študent svojho otca, Niccolo di Pietro Jerini, pracoval v jeho dielne. Vyskúšali vplyv Spinello Aretino, s ktorým spolupracovala a Lorenzo Monaco. Pracoval hlavne vo Florencii a San Jimignane, ako aj v Corton.

Vianočné Vianoce
Canvas (preložené zo stromu v roku 1909 I. Vasilyev), tempera. 213 × 102. GE 4153.
Na Nimbe Madonna: QVIA EX ORTVS EST SOL IVSTICIE CRIST (pre slnko slnko vstalo z vás). Na zriedení šaty: ETS BenedikTVS FRV (požehnané ovocie). Na zápästiach rukávov: TYI IHS ([pšenica] tvoja - Ježiš). Evanjelium Lukáša, 1, 42. Na zvitku v rukách anjelov: Gloria v Esciss deo (sláva vo vysokom Bohu). Evanjelium z Lukáša, 19, 38; Evanjelium z Lukáša, 2, 8-20.
V regióne Stroganovského paláca 1922 (č. 409) bol obrázok uvedený na prácu neznámeho nemeckého umelca. Je zrejmé, že táto myšlienka priniesla báječnú atmosféru, v ktorej sa akcia prebieha, a trochu ťažké v niektorých prípadoch (Joseph oblečenie) interpretácia záhybov pripomínajúcich drevené nite.
Pri zadávaní hermovage bol obrázok pripísaný na severo-rozmrazenú školu konca
XV - Skoré XVI stáročia. A v mačke. 1958 Zahrnuté ako pripisované spoločnosti Spunkottti, umelec Piedmont School. Nakoniec D. Romano (1970) nazval názov skutočného tvorcu práce - Gandolfino a Rogeto - a dal obraz s vysokým hodnotením.
Po tradícii, ktorá prevládala v škole Piemont, Gandolfino zaobchádza s Vianoc Kristov ako scénu, prebiehajúc medzi troskami v prítomnosti malých anjelov.
Dupaliovaná architektúra s antickými prvkami môže jednoducho symbolizovať pohanstvo, kresťanstvo prichádza nahradiť. Latinské nápisy zahrnuté do ornamentu maryho šaty a nakreslené na zvitku v rukách stúpajúcich anjelov, oslavujú novorodenca. Umelec ukazuje veľký záujem o detail (najmä naplnenú peňaženku na páse sv. Jozefa), mnohí z nich sú obdarené symbolickým významom. Joseph drží zamestnancov s Abdamperom vo forme Salamandra - jedného zo symbolov Krista (evanjelium z Lukáša, 12, 49). Staroveká predstava o nezraniteľnosti Salamandra v ohni a jeho intimity viedla k tomu, že v odbore renesancie začali vnímať ako neosobné chôdze (pozri: Lexikon der Christlichen Ikonografie. ROM; Freiburg; Basel; Wien, 1972, 4, S. 11). REPEK - náznak pôvodného hriechu, ktorý je určený na vykúpenie Krista.
Rozhodnutím zloženia, obrázkov a architektúry je obrázok Hermitage v blízkosti práce na tom istom pozemku z kostola Santa Maria Nova v ASTE.
Pôvod: Post, v roku 1926 z Múzeum Stroganovského paláca v Leningradu.
Hermitage katalógy: mačka. 1958, str. 181: Mačka. 1976, s. 83.
Výstavy: 1984 Leningrad, č. 2 Literatúra: Romano G. Casalse del Cinquecento. L'Avvento del Manierismo v Una Citta Padana. Torino, 1970, s. 22.

Madonna s detskými a anjelmi
Plátno (trans. Zo stromu v roku 1860 Taburtesov), tempera. 94,5 × 82.5. GE 276.
Na Nimbe Madonna: Ave Maria Gratia Plena Do ... (Radujte sa, Marne, milostivý, Pane s tebou]). Evanjelium z Luke, I, 28. Na Nimbe Baby: Vere Filio Aisum AUU (TRUE SON, SLORY). Na zvitku v rukách dieťaťa: ego S / UM LUX / MUNDI / VERITAS / ET VITA (Svetlo svet ... Pravda a život). Evanjelium z Jána, 8, 12; 14, 6.
V type osôb Madona a anjelov, v rytmickej prísnej zložení, niet pochýb o tom, že vplyv Simone Martini sa cíti. Pochopenie formulára je však odlišné, objem sú simulované nie tak jemne, obrys sa stáva jasnejší a prevládajúci. Obraz bol naplánovaný na mačku. 1916 (pod č. 1999) ako práca neznámeho florentského umelca XIV storočia, ale vstúpil do tohto adresára.
Shcherbacheva (1941) správne zistil, že práca bola vytvorená Siena Master
XIV. So svojím autorom považovala Chekcarelli a datovania "Madonna s dieťaťom a anjelmi" 1350s. Zdá sa, že názor M. Laklot a M. Lonjon, ktorý (ústne), zvážiť obraz práce Bartolo di Fredi.
Bartolo di Credit Attribution je potvrdené porovnaním s dielami umelca ako "St. Lucia "(Metropolitné múzeum, New York) a" Vitajte Workilácia "(Národný Pinakotek, Syen). Štýl môže byť datovaný OK. 1390.
Pôvod: Post, v roku 1910 načasovania. Skôr: Mach v Petrohradu, získané pre MACH podpredsedom Ah Knyazh, G. Gagarin v roku 1860.

Madonna s dieťaťom, svätými a anjelmi.
Na zadnej strane dosky: ukrižovanie s Maria P John
Strom, tempera 151x85. GE 8280. Top je pouľitý.
Na krokoch podpisu trónu: Antonivs de-Florentia. Na Nimbe Mary: Ave Maria Gratia (Raduj sa, Maria, milostivá). Evanjelium z Lukáša, 1, 28.
Na Nimble Krstiteľa: S Iovanes Wat ... na zvitku v ruke sv. John: Esse Angn .. (CE AGN [ES]). Evanjelium z Jána, 1, 29, 36. Na NIM sv. Biskup (nepočuteľný): s lož .. .vs ..pis. Na zadnej strane dosiek: na kríži: Inri. Na Nimbe Mary: Pango Maria. Na Nimbe John: Iovanes Vang ... v trojuholníkovom konci na mieste Zvestovania: Ave. Maria. Gratia. Plena (Radujte sa, Maria, milostivá).
Obrázok je Horgwy, ktorý veriaci prenášajú počas náboženských procesov.
Na prednej strane v trojuholníkovej záver - požehnanie Krista obklopený Serafimovom. Na zadnej strane nohy úpätí krížového krucifixu okrem tradičných obrázkov - Mary n John - Dvaja viac mníchov sú prezentované v bielych šalátoch s kapucňou pokrývajúcimi ľudí, aby boli v slotoch viditeľné iba oči. Na pleciach každého z nich - Biber pre sebacalináciu. DZHERI (1980), založené na obrázkoch mníchov, verili, že KAPUCHIN'S HORUGWE patril.
Nad ukrižovaním v trojuholníkovému záveru je umiestnená scénu zvestovania, z ktorých je zloženie úplne opakovať prácou FRA Angelika na tom istom pozemku z farského kostola Monte Carlo v Toskánsku.
Napriek prítomnosti podpisu zostáva nejasné, kto bol autorom Hermitage Horugwi. Tam bolo niekoľko umelcov, ktorí sa nazývali Antonio a Firenz. Shcherbačov (1957) navrhol, že autorom ikony bol Antonio a Firenz, ktorý pracoval na konci XV - Skoré XVI storočia. (Zomrel okolo 1504-1506). V roku 1472 sa tento Florentinssk Majster presťahoval do Benátok. Zostať na severe Talianska Shcherbačov vysvetlil kombináciu funkcií pochádzajúcich z Mazacho, Mazolino, Fra Angeli, Kastano s čisto benátskej závislosti na bohatstvo okrasných motívov, sonoróznej farebnej palety, zlaté pozadie.
FIOKKO (1957) veril, že charakter maľby vám nedovoľuje, aby ste sa dostali korugvy ďaleko za hranice 1440. videl v Antonio a Frenza umelca, ktorý zažil vplyv Kastano II, ktorý pracoval ako mozaikista v strede XV storočia. v Benátkach.
DZHERI (1960) v porovnaní s ikonou Hermitage s triptych "Madonna s dieťaťom, St. Biskup p sv. Catherine "(Bernso-On. Florencia), identifikácia Antonio a Firenz od Antoppo di Yakopo, spomenutá v zozname Hydia Luke v roku 1415, a potom v dokumentoch 1416, 1433, 1442. Z tohto dôvodu je to najpresvedčivší názor DZHERI. Podporila spoločnosť Gukovsky (1981). Pôvod: Post, v roku 1936 prostredníctvom LGZK. Skoršie: Nevýhody. M. P. Botkin v St. Petersburg.

Talianske umenie a maľovanie

História talianskeho umenia je umenie Talianska včas a priestor. Po etruskskej civilizácii a najmä po Rímskej republike a ríši, ktorá v tejto časti sveta obsadili dominantné postavenie v tejto časti sveta, Taliansko v renesančnom epoche zaujalo ústredné miesto v európskom umení. Taliansko tiež preukázalo európska umelecká nadvláda v XVI a XVII stáročia vďaka umelecké smerovanie baroka. Znova získala silnú prítomnosť na medzinárodnej umeleckej scéne od stredu XIX storočia, vďaka týmto oblastiam, ako je McCYAYOLI, futurizmus, metafyzika, newsgtytto, spacializmus, umenie viery a trans-gang.

Talianske umenie ovplyvnilo niektoré hlavné smery v priebehu storočí, vďaka nemu sa objavili mnoho skvelých tvorcov, vrátane umelcov a sochárov. Dnes, Taliansko zaberá dôležité miesto na medzinárodnej umeleckej scéne, existuje niekoľko veľkých umeleckých galérií, múzeí a výstav; Medzi významné umelecké centrá tejto krajiny patrí jeho kapitál - Rím, ako aj Florencia, Benátky, Miláno, Neapol, Turín a ďalšie mestá.

"TRIUMPH GALATEI" RAFAEL

Etruscan Art

Etrubulárne bronzové figúrky a terakotové pohrebné reliéfy sú príkladmi silných tradícií centrálneho Talianska, ktorý oslabil v čase, keď Rím začal vybudovať svoje impérium na tomto polostrove. Etruscan maľby, uchovávané do nášho času, sú v podstate taveniny steny z pohrebov, najmä z Tarquinia. Toto je najdôležitejším príkladom Dorimského výtvarného umenia Talianska, známeho vedca.

Fresky sú vyplnené technikou maľby na vrchole čerstvej omietky, bolo to urobené, aby sa omietka vysychala, obraz sa stal súčasťou omietky a neoddeliteľnou súčasťou steny, ktorá jej pomáha zostať tak dobrá (a skutočne , takmer všetky konzervované etrusan a rímske maľby sú reprezentované iba freskami). Farby boli vytvorené z kameňov a minerálov rôznych farieb, ktoré sa rozbili a zmiešali navzájom, malé kefy boli vyrobené zo živočíšnej vlny (aj tie najlepšie kefy boli vyrobené z vlny voly). Z polovice IV storočia Bc. Začalo sa použitie osvetlenia pre obraz hĺbky a objemu. Niekedy sú scény zobrazené z každodenného života, ale najčastejšie ide o tradičné mytologické scény. Koncepcia pomeru sa neobjavuje v žiadnom zo zachovaných fresky a často nájdeme obrazy zvierat alebo ľudí s niektorými nepatrnými časťami tela. Jedným z najznámejších etrucanových fresiek je maľba hrobky levice v Tarquinia.

Rímske umenie

Rím pod cisárom Konstantine, Foto: Campus Martius, Public Domain

Etruscans boli zodpovední za výstavbu skorých monumentálnych budov Ríma. Rímske chrámy a domy s veľkou presnosťou opakované etruskské modely. Prvky etrusanového vplyvu na rímske chrámy zahŕňali pódium a zamerali sa na fasádu na úkor ďalších troch strán budovy. Veľké domy Etrusan boli zoskupené okolo centrálnej haly v mnohých smeroch, ako aj Rímske veľké mestské domy neskôr postavené okolo Atrium. Vplyv etrusan architektúry sa postupne oslabila počas časov republiky v dôsledku vplyvov (najmä gréckej) z iných častí sveta. Architektúra ETROČKOV spadol pod vplyvom Grékov, takže keď Rimania prijali grécke štýly, nestali sa cudzincom pre ich kultúru. V dňoch republiky, to bolo pravdepodobne neustálym rozvojom architektonických trendov najmä z Helenistického sveta, ale po páde Syracuse v 211 Bc. Grécke umelecké diela sa naliali do Ríma. V II Century BC, tok týchto diel a čo je dôležitejšie, grécki majstri naďalej vstúpiť do Ríma, ktorý mal rozhodujúci vplyv na rozvoj rímskej architektúry. Do konca republiky, keď VitRuvius napísal svoju vedeckú prácu na architektúre, grécke teóriu architektúry a príklady architektonickej práce prevládali nad všetkým ostatným.

Ako Empire rozširuje, rímska architektúra sa rozšírila do veľkých oblastí, použila sa pri vytváraní verejných budov a niektorých veľkých súkromných budov. V mnohých oblastiach, prvky štýlu, najmä dekorácií, padli pod vplyvom miestnych chutí, ale architektúra zostala rozpoznateľná Roman. Štýly miestnej architektúry do jedného stupňa alebo iného boli ovplyvnené rímskou architektúrou av mnohých regiónoch sa rímske a miestne prvky nachádzajú v kombinácii v tej istej budove.

Prvým storočím bol Rím najväčším a najviac rozvinutým mestom po celom svete. Starovekí Rimania prišli s novými technológiami na zlepšenie systémov sanitárnej kontroly mesta, ciest a budov. Vyvinuli systém akvaduktov, ktorí doručili čerstvú vodu do mesta cez rúrky a vybudovali kanalizáciu, odstránila odpad z mesta. Najbohatší Rimania žili vo veľkých domoch so záhradami. Väčšina obyvateľov však žila v bytovom domoch z kameňa, betónu alebo vápenca. Rimania vyvinuli nové technológie a použité materiály, ako je napríklad sopečná pôda z pozuoli - dediny neďaleko Neapolu - aby sa ich cement silnejší a silnejší. Tento cement im umožnil vybudovať veľké betónové bytové budovy, nazývané insy.

Socha známa ako "August Port Prima, licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported

Nástenné výkresy zdobené doma bohatý. Záhradné krajiny boli často zobrazené v obrazoch, udalostiach z gréckej a rímskej mytológie, historických scén alebo scén z každodenného života. Rimania zdobeli podlahy s mozaikou - kresby alebo vzory vytvorené z malých farebných dlaždíc. Ornate Blooped maľby a mozaiky pomohli robiť izby rímskych domov vizuálne viac a jasnejšie, a tiež dať majiteľa bohatstvo.

V kresťanskej epoche neskorého ríše, v 350-500. AD, nástenná maľba prekvitaná, mozaikové dekorácie stropov a podláh a pohrebných sôch, zatiaľ čo sochárstvo plnej veľkosti pre kruhové preskúmanie a malebné panely postupne zmizli, s najväčšou pravdepodobnosťou, z náboženských dôvodov. Keď Konstantin utrpel hlavné mesto ríše v Byzancii (premenované na Constantinople), východné trendy začali ovplyvňovať rímske umenie, čím sa narodí byzantský štýl neskorého ríše. Keď Rím bol zničený v storočí, remeselníci sa presťahovali do a našli prácu vo východnom hlavnom meste. Takmer 10 000 pracovníkov a remeselníci pracoval na vytváraní Cirkvi sv. Sophie v Konštantínople, bol to posledný akordový rímsky umelecký umelecký, ktorý tiež nariadil vytvoriť slávnu mozaiku.

Stredoveké umenie

V stredoveku, talianske umenie zahŕňalo najmä architektonické dekorácie (fresky a mozaiky). Byzantské umenie v Taliansku bolo veľmi formálne a nádherné dekorácie s štandardizovanou kaligrafiou a ovplyvňovaním farby a zlata. Až do XIII storočia, umenie v Taliansku bolo takmer úplne regionálne, spadol pod vplyvom vonkajších európskych a východných trendov. Po cca. 1250. Umenie rôznych regiónov vyvinul všeobecné charakteristiky, preto bola pozorovaná určitá jednota a hlboká originalita.

Byzantské umenie

Po páde svojho západného kapitálu existovala Rímska impérium ďalších 1000 rokov pod vedením Konštantínopolu. Byzantine Masters sa podieľali na dôležitých projektoch v celom Taliansku a budú pozorované byzantské štýly v maľbe sú pozorované až do XIV storočia.

Gotické umenie

Gotické obdobie predstavuje prechod zo stredovekého umenia na oživenie, je charakterizované štýlmi a názormi, ktoré sa vyvíjajú pod vplyvom Dominikánu a františkánskych kláštorných rádov založených Svätou Dominickou a Svätým Francis Assisi.

Bol to čas náboženských sporov v Cirkvi. Poradie františkánov a dominikánov bolo založené ako pokus o vyriešenie týchto sporov a vrátiť katolícku cirkev späť k základom. Čoskoro roky františkánov si osobitne pamätali na milosrdenstvo sv. Františka a Dominikáni si pamätajú ako poradie, na ktorom najväčšiu zodpovednosť za vznik inkvizície.

Gotická architektúra vznikla v severnej Európe a šíri ju na juh do Talianska.

Umenie renesancie

V stredoveku, umelci a sochári sa snažili dať svoje diela náboženský charakter. Chceli divákov, aby sa zamerali na hlboký náboženský zmysel pre ich obrazy a sochy. Ale umelci a sochári renesancie, ako aj spisovatelia tejto éry, sa snažili vykresliť ľudí a prírody realistické. Stredoveké architekti navrhli obrovské katedrály, aby zdôraznili veľkosť Boha a pokorného ľudského ducha. Architekti renesancie navrhol budovy, ktorých proporcie boli založené na proporciách ľudského tela a ich dekorácie napodobňovali starobylé vzory.

Umenie 1300 a začiatkom 1400s

Na začiatku 1300s sa Florentine Artist Jotto stal prvým umelcom zobrazujúcim prírodou realistickou. Vytvoril nádherné fresky (maľba na surovej omietku) pre kostoly v Assisi, Florencii, Padova a Ríme. Jotto sa pokúsil vytvoriť realistické postavy, ktoré ukazujú skutočné emócie. Porovnal mnohé z jeho postavy v reálnych podmienkach.

Nádherná skupina Florentských architektov, umelcov a sochárov vytvorila svoju prácu na začiatku 1400s. Medzi nimi boli umelcom Mazaccho, sochár Donatello a Architekt Filippo Brunand.

Najlepšou prácou Mazacho bola séria fresky, ktorú vytvoril približne v roku 1427 v kaplnke Brankachci Kostol Santa Maria del Carmin vo Florencii. Tieto fresky realisticky demonštrujú biblické scény emocionálnych napätí. V týchto prácach MAZACCHO použil systém brunien na vytvorenie lineárnej perspektívy.

Donatello vo svojich sochách sa snažil vykresliť dôstojnosť ľudského tela realistické a často dramatické detaily. Jeho majstrovské diela zahŕňajú tri sochy biblického hrdinu Dávida. Vo verzii dokončenom v roku 1430, David Donatello je zobrazený ako elegantný, nahý mladý muž, zobrazený cez momenty potom, čo zabil obrovský Goliath. Práca, ktorej výška je asi 5 stôp (1,5 metra), bola prvá veľká voľná stojaca socha nahej osoby vytvorená v západnom umení od staroveku.

Brunsko bol prvým architektom renesancie, oživený starobylým štýlom rímskej architektúry. Vo svojich projektoch používal oblúky, stĺpy a iné prvky klasickej architektúry. Jednou z jeho najznámejších budov je krásna a harmonicky postavená Capella Pazzi vo Florencii. Táto kaplnka, ktorá začala v roku 1442 a skončila okolo roku 1465, bola jednou z prvých budov postavených v novom štýle renesancie. BRUNTELLESKI bol tiež prvým tvorcom renesancie, ktorý zvládol lineárny pohľad - matematický systém, s ktorými by umelci mohli demonštrovať priestor a hĺbku na rovný povrch.

Umenie neskorých 1400 a začiatkom 1500s

Výnimoční zástupcovia umenia z 1900 rokov a začiatkom 1500 rokov boli traja majstri. Bola to Michelangelo, Rafael a Leonardo da Vinci.

Michelangelo bol vynikajúci maliar, architekt a básnik. Okrem toho bol pomenovaný najväčší sochár v histórii. Michelangelo bol majstrom ľudského tela. Napríklad, jeho slávna socha šéfa ľudu izraelských ľudí Mojžišov (1516) vytvára extrémny dojem fyzickej a duchovnej moci. Tieto vlastnosti sa prejavujú aj vo fresky na biblických a klasických príbehoch, ktoré Michelangelo napísal na strope SISTINE kaplnky vo Vatikáne. Tieto fresky písané od 1508 do 1512 patria k počtu najväčších diel veku renesancie.

"David" Michelangelo

Palazzo pitty

Galéria Akadémie výtvarných umení

Národné múzeum Bargegello

Národné múzeum San Marca

Národné archeologické múzeum Florencie

Múzeum opery del Duomo

Palazzo Vecchio

Museum Orsanmikele

Držanie spracovateľských drahokamov

Palazzo Rosso

Palazzo Bianco

Skutočný palazzo

Pinakotek Brera

Múzeum Polandi Pezzoli

Mäkký hrad

PINAKOTEK AMBROSIANA

Národné archeologické múzeum v Neapole

Urban Museum of Padova

G. Palermo

Palazzo Abatellis

Národná galéria Parma

Nadácia MATESANI ROCCA

Perugia

Národné múzeum Umbria

Národné múzeum San Matteo

Mestské múzeum Prato

Múzeum katedrály

Reggio di Calabria

Národné múzeum veľkého Grécka

Múzeá Capitol

Centrum MontteMartini

Národné rímske múzeum

Galéria DORIA PAMPHILI

Palazzo Barberini

Palazzo Corsini

Národné múzeum etruscov

Hrad Svätého anjela (Castel Sant Angelo)

Galéria downturn

Národný Pinakotek Siena

Verejnosť palazzo

Múzeum katedrály Siena (Múzeum diel podľa Duomo)

Galéria sabauda

Palazzo Real (Kráľovský palác)

Palazzo Madama

Urbino

Národná galéria Marke

Benátky

Galéria akadémie

Ka "D" Oro

Skol San Rocco

Skol di San Georgeo Deli Schiavony

Niektoré perly talianskeho umenia

"Storm" Georgeon

Štátna hermovage, spolu s mestskými múzeami Pavia, drží najviac rozsiahlej retrospektívnej maľby Talianska, ktorá zahŕňa viac ako sedemdesiat diel

Štát Hermitage 19. novembra 2011 - 22. január 2012
Bylinná hala zimného paláca

V rámci roka Talianska v Rusku a Rusku v Taliansku je výstava "talianska maľba XIX storočia sa koná v Taliansku v erbe zimného paláca. Z neoklasicizmu k symbolike, "organizované štátom Múzeum Hermivage v spojení s mestskými múzeami Pavia. Expozícia je najvýznamnejšou retrospektívou maľby Talianska začiatku storočia a zahŕňa viac ako sedemdesiat prác, ktorých polovica pochádza zo zhromaždenia galérie umeleckých múzeí XIX Century z mestských múzeí Pavia. Okrem toho, expozícia zahŕňa diela z galérie moderného umenia Florencie, Milána, Turína, Janov. Hodnota výstavy je ťažké preceňovať, pretože posudzovaná lehota je prakticky známa Ruskom divákovi (v stretnutí Hermitage - o niečo viac ako šesťdesiat obrázkov talianskych umelcov z neostavy).

Na príklade najlepších vzoriek maľby XIX storočia, výstava demonštruje celé spektrum štýlov a smerov, v ktorých taliansky umelci pracovali: klasicizmus, romantizmus, historizmus, mccyaolyli, symbolizmus.

Hlavné vlastnosti talianskeho klasikalizmu boli položené v práci Antonio Canova. Lombard Artist Aplip Apianii bol adresovaný typu zvýšených a idylických obrazov na mytologických témach, ako príklad, ktorý plánuje "Juno, oblečený v milách" slúži. Rovnaký starožitný kanon vznešeného harmónie - v plátna "Paríž" a "Geeby" Gaspare Landy. Heroická vetva neoklasicizmu je obraz "Smrť Caesar" Vincenzo Camucchini vo svojom čase.

Odvolanie na epizódy a hrdinov národnej histórie, výhodne už opísané v literatúre, je charakteristická pre väčšinu maľby XIX storočia, počnúc romantizmom. Hlavným umelcom tejto oblasti je Francesco Haica. V maľbe "Zosúladenie Ottone II s matkou Adelaide Burgundsky" reprodukoval významnú, ale málo známej udalosti talianskej stredovekej histórie. V "Venus hrá s holubicami" stelesňovali s vlastnosťami slávnej baleríny Carlotta Shabra, v "tajnej donose" ukázal benátsky, krásny a krutý.

Romančná umelci dobrovoľne zobrazovali vynikajúce osoby, hrdinovia rigors na chvíľach slávy alebo pádu. Príklady takých prác: "Galilee pred Súdnym dvorom inkvizície" Christiano Bandy, "Christopher Columbus vrátiť sa z Ameriky (Christopher Columbus v reťazí)" Lorenzo Delleani, "Lord Byron na gréckych brehu" Gacomo Trekura.

Romantika oživí záujem o "mladšie" žánre maľby - obraz interiérov budov a mestských druhov (olovo). V Canvas "Kostol Santa Maria della Salute v Benátkach", Kaffa Ippolito experimentuje s vizuálnym vnímaním a ľahkými efektmi.

Hľadanie romantics pokračoval v 1860s Tuscan McCyalyoli: Giovanni Fattori, Silvestro nohy, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbeat, Odora Borust, Vincenzo Cabyanka. Umelci navrhli štýlový spôsob, ktorý nahradil tradičné svetlo kontrastnej kombinácie miest ("McCAJA"). V novej technike McCYAYOLI boli reprezentované žánrové scény každodenného života: "spevňový storno" a "angažovaný, alebo nevesta a ženích" Silvestro Legged, "Dátum v lese" Telemaco Signorini. Krajina na obrázkoch "Rotonda Kalnyni Palmieri" Brush Giovanni Fattoria a "Zobraziť Castiglioncello" Giuseppe Abbeat je zaujímavý, pretože umelci pracovali na pleniacich.

Trendy symboliky sú vyslovené v TripThinkh Georgeo Kytetka "Man's Mystery": Umelec sa vyhýba jasným charakteristikám znakov, uprednostňuje chladný divák s ezoterickými symbolmi a spoločnou magnetickou atmosférou.

V poslednom desaťročí Storočia XIX, európski umelci experimentujú s novými prostriedkami expresivity. V Taliansku, Angelo Morbelley vyvíja techniku \u200b\u200bsamostatného rozmazania (divízňa), ktorého príklad je obrázok na sociálnej téme "pre 80 CZCZIMO!". Divízňa bola tiež Giuseppe Pelitsa da Woldedo, symbolicky stelesnená ideály vysokého humanizmu v maľbe "Horovod".

Výstava "Talianska maľba XIX storočia. Z neoklasicizmu k symbolike "je odpoveďou na veľkú výstavu, otvorenú v marci 2011 v Castello Wiscontoo" Leonardski z Foppa do Jammeterino: Obrazy z Hermitage a mestských múzeí Pavie, "v ktorom sa zúčastnilo dvadsaťdva plátno z zhromaždenia Hermitage.

Kurátorská výstava zo strany štátu Hermitage - Natalia Borisovňa Demin, výskumník oddelenia západoeurópskeho výtvarného umenia, z mestských múzeí Pavie - Suzanna Dzatti, riaditeľ mestských múzeí Pavia.

Vedecký katalóg v ruštine a taliansky (vydavateľstvo Squira, Miláno - Ženeva) bol uverejnený na otvorenie výstavy (vydavateľstvo Squra, s článkami Fernando Mazzokki, profesorom University of Milan, Farreco, Guardian mestských múzeí Pavia a Suzanne Dzatti.

Pozor! Všetky materiály a databázy webových stránok aukcie, vrátane ilustrovaných odkazov prác predávaných na aukciách, sú určené na použitie výlučne v súlade s čl. 1274 Občianskeho zákonníka Ruskej federácie. Použitie na komerčné účely alebo s porušením pravidiel stanovených Občianskym kódexom Ruskej federácie nie je povolené. Stránka nezodpovedá za obsah materiálov reprezentovaných tretími stranami. V prípade porušenia práv tretích strán, správa lokality si vyhradzuje právo ich odstrániť z lokality a z databázy na základe odvolania oprávneného orgánu.

• 31.01.2020 Začiatočná cena každej dávky tejto aukcie nezávisí od jeho odhadu a je presne 100 USD
• 30.01.2020 Marron zozbieral svoju zbierku viac ako 20 rokov, pozostáva z 850 umeleckých diel, predtým odhadovaných na 450 miliónov dolárov
• 30.01.2020 Sochárstvo Stav z múzea gétu v decembri 2019 bol zmenený na "prácu neznámeho pána"
• 29.01.2020 Kurz musel byť zrušený po sťažnostiach o tom, že je príliš zameraný na európsku "Biele dejiny umenia" a študovať umenie umelcov mužov
• 29.01.2020 Organizátori najkomplexnejšej retrospektívnej kreativity Salvadora DALI ponúkajú verejnosti dvesto diel umelca a bohatý vzdelávací program

• 31.01.2020 Celkové príjmy predstavovali takmer 2,5 milióna rubľov. Kupujúci - od Moskvy do Magadanu
• 24.01.2020 S kladivom, viac ako 50% katalógových miest sa uskutočnilo, kupujúci z Perm do Minska
• 23.01.2020 V katalógu - tridsať bodov: jedenásť malebných diel, pätnásť listov originálnej a jednej vytlačenej grafiky, jedna práca v zmiešanej technike, jedna porcelánová doska a jeden fotoalbum
• 20.01.2020 Katalóg prvého v roku 2020, aukcia aukcie a DPI predstavovala 547 pozemkov - maľovanie a grafiku, sklo, porcelán, keramiku, striebro, smalt, šperky atď.
• 17.01.2020 V nových rukách opustili o niečo menej ako polovicu všetkých množstiev katalógu. Medzi kupujúcimi - Moskva, Odintovo, Minsk a Perm

• 31.01.2020 V histórii konverzácie sa niečo môže zdať naivné, druhé - nájsť aplikáciu v praxi účastníkov trhu. Nepochybne jedna vec: V akejkoľvek profesii by znalosti každej úspešnej osoby mali byť založené na šťastí a chybách svojich predchodcov
• 03.12.2019 Hlavné údaje o troch hlavných ponukách "ruského týždňa" a trochu o tom, ako sa naše prognózy splnili
• 03.12.2019 Tento rok sa Salón konal na novej platforme, v obývacej izbe a o mesiac neskôr, než je obvyklé
• 28.11.2019 Návšteva workshopu umelca - udalosť, potenciálne schopná zmeniť život vlastníka štúdia a jeho hosťa. Nie je to plne obchodné stretnutie, ale určite nie na bežnej priateľskej návšteve. Dodržiavanie viacerých nekomplikovaných pravidiel umožní v tejto situácii
• 26.11.2019 Po štvrtýkrát, na návrh VKHNRTS pomenovaných po akademickom I. E. GRABAR, zverejňujeme falošné odborné stanovisko, údajne vydané odborníkmi centra. Buď opatrný!
• 17.12.2019 Výstava sa otvára 19. decembra v hlavnej budove múzea, na Petrovke, 25, - pokúsiť sa zaujať nový pohľad na rozsiahle múzeum montáže domáceho umenia: 20 známych špecialistov z rôznych profesionálnych sfér
• 12.12.2019 6. apríla 2020 značky 500 rokov od smrti jedného z najväčších umelcov renesancie. V predvečer rozsiahlych udalostí, ktoré sa budú konať v budúcom roku, Berlínska umelecká galéria otvára výstavu Madonnovej práce Rafael Santi

N.a. belown

Umenie 18. storočia (v talianskom Nettacheno) bolo poslednou etapou storočia-starý vývoj veľkého klasického umenia Talianska. Toto je čas neúplnej popularity talianskych umelcov. Petersburg, Madrid, Paríž, Londýn, Viedeň, Varšava - neexistoval jednotný európsky kapitál, kde by talianski majstri pozvali, kdekoľvek, napĺňajú objednávky Royal Yards a šľachty, nefungovali ako architekti a sochárky, fresky alebo divadelné dekorácie , krajiny alebo portrétisti.

Takže široká rezonancia talianskej umeleckej kultúry v tomto období by nesprávne vysvetlila skutočnosti, že jej majstri sa stali na ceste zásadne nových umeleckých objavov, ako to bolo v renesančnej epoche av 17. storočí. Namiesto toho sa dá povedať, že talianski majstri niekedy horší v zmysle historických vyhliadok na ich úspechy umelcom z iných krajín, ako je Francúzsko a Anglicko. Okrem toho boli talianski architektom a maliari bližšie bližšie, ako umelci ostatných národných škôl sú spojené s povahou figurativity a jazykom foriem predchádzajúcich majstrov, 17. storočia. All-neuropean úspech Talianov podporil mimoriadne vysokú celkovú úroveň ich umenia, ktorá absorbovala storočia-staré plodné tradície veľkých predchádzajúcich éry, potom veľmi rozvinuté rozvoj všetkých druhov plastických umení a prítomnosti veľkého počtu nadaných majstrov v Taliansku.

Najcennejšie úspechy talianskeho umenia z 18 V. Sú spojené nielen s architektúrou a monumentálnym dekoratívnym maľbou, kde taký veľký majster zohral kľúčovú úlohu, ako tapolo, ale aj s rôznymi žánrami maľby stojan (predovšetkým s architektonickou krajinou), s divadelným dekoratívnym umením a grafikou . Okrem ideológov, hlavných výhod jasného a obrazového odrazu epochy, jeho hlavné výhody boli vo výnimočne vysokej umeleckej kvalite, Virtuoso Obrazové zručnosti, vďaka ktorej prestíž brilantnej talianskej Maestri zostala extrémne vysoká.

Jedným z dôvodov rozsiahlej šírenia talianskych majstrov v Európe bol tiež skutočnosťou, že nemohli v plnej miere nájsť použitie vo svojej vlasti. Vyčerpané vojnami, Taliansko sa zmenilo od konca 17 - začiatkom 18 V. Nielen v politicky roztrieštenom, ale aj v takmer zničenej krajine. Jej južná časť bola podriadená španielskym bourbonom; Toskánska spravovala členovia domu Habsburgu, Lombardsko bolo v rukách Rakúska. Feudálne objednávky, ktoré dominovali pozemky patriace k duchoveniu a aristokracii, rast cien, nízke mzdy pracovníkov zamestnaných vo výrobkoch, -all, spôsobili nespokojnosť a fermentáciu masy, ktoré sa naliali do neorganizovaných zlých povstaní, ktoré nemohli mať úspech v podmienkach podriadenosti krajiny do cudzinca a kvôli svojej hospodárskej zaostalosti. Iba benátska republika a pápežský región s jej hlavným mestom rímom si zachovali svoju štátnu nezávislosť. Bolo to Benátky a Rím, ktorý hral najvýznamnejšiu úlohu v duchovnom a umeleckom živote Talianska z 18. storočia.

Hoci v porovnaní s brilantným rozkvetom 17. storočia, talianska architektúra z 18. storočia zistí určitý pokles, dal veľa zaujímavých rozhodnutí. Dokonca aj v zložitých ekonomických podmienkach tohto storočia sa Taliani zachovali takýto obsiahnutý vo vášeň pre výstavbu obrovských majetakovaných štruktúr, ako aj monumentálny jazyk architektonických foriem. A napriek tomu, v brilancii jednotlivých oslávených pamiatok tejto doby, druh zotrvačnosti sa cíti skôr než zotrvačnosť predchádzajúcej veľkolepého rozsahu stavebnej činnosti, a nie organickým dodržiavaním podmienok reálnej reality. Táto závislosť na minulosti, vyslovovaná v Taliansku je silnejšia ako v mnohých ďalších národných umeleckých školách Európy, najmä tu ovplyvnená, najmä v prevládajúcej úlohe barokového štýlu, veľmi pomaly ustupuje pred výkrikami novej klasickej architektúry.

Tesné, v podstate neoddeliteľná komunikácia s architektúrou 17 V. Zvlášť viditeľné v pamiatkach Ríma. Roman Arch z prvej polovice 18. storočia. Ušetrite veľkú škálu mestského plánovania ich myslenia. Skromnejšie ako predtým, ekonomické príležitosti sa použili na vytvorenie samostatných veľkých štruktúr, ktoré primerane dokončili množstvo známych architektonických komplexov a súborov.

V 18. storočí, fasády dvoch slávnych predčasného kresťanského bazalku Rím - San Giovanni v Lathersan (1736) a Santa Maria Maggiore (1734-1750), ktoré zaberajú dominantné postavenie v architektúre oblasti susediace s nimi. Staviteľ laterálnej baziliky fasády - Alessandro Galilee (1691- 1736) ako predbežná príprava pre neho zvolila fasádu rímskej katedrály sv. Peter vytvorený Carlo Madelnaya. Ale na rozdiel od toho, vydal viac umeleckého rozhodnutia o podobnej téme. Vo svojej dvojpodlažnej fasáde s obrovskými obdĺžnikovými a klenutými otvormi a kolosálnym zatykačom polovice kolonge a pilaster, a nie v madnaye, prísnosti a jasnosť masívnych architektonických formulárov ostro tieňovaný nepokojný pohyb svadobnej fasády obrovského sochy. Vonkajší vzhľad kostola Maria Maggiore, fasády, ktorá bola postavená projekt Ferdinanda Fuga (1699-1781), svedčí o úľave a upokojiť barokové architektonické formy. Fuge bol tiež staviteľom a elegantným paláckým deldom (1737) - vzorka architektúry rímskeho paláca 18. storočia. A konečne, fasáda kostola Santa Croce v Jeruzalemme uvádza príklad jasne individuálneho riešenia barokovej fasády cirkevov v aspekte, ktorá od času Jesu fascinuje mnoho talianskych architektov.

V Rímskom oblúku tohto času je možné splniť príklad oblasti, čo je druh otvorenej lobby pred budovou kostola. To je veľmi malé vo veľkosti, aby sa SanonyOSIO, kde na rozdiel od curvilinear obrysu okolitých tehlových fasád, rozmarnej milosti jeho foriem, ktorá stojí bližšie k ROCOCO ako baroka, pôsobivé kamenné pole fasády kostola Sant inyazio , postavený v predchádzajúcom storočí, je veľkolepé.

Najzaujímavejšie pamiatky Ríma patrí k slávnemu španielskemu schodisku, postavené architektmi Alessandro Ski (1668-1729) a Francesco de Sanctis (cca 1623-1740). Princíp malebného terasovitého zloženia, vyvinutý barokovými architektmi pri vytváraní súborov Palace-Park, sa prvýkrát používal v mestskom rozvoji. Bashed cez strmý svah, široké schodisko sa kombinuje do holistického súboru umiestneného na úpätí kopca Španielska námestia s diaľnicami prechádzajúcimi cez oblasť umiestnenú na vrchole tohto kopca pred dvojpáčkou fasádnej fasády kostola San Trinita dei Monti. Veľká kaskáda krokov, potom zlúčenie do jedného rýchleho toku, potom rozvetvený na oddelených pochodoch, ktoré bežia zhora nadol na dno komplexného zakriveného lôžka, sa vyznačuje výnimočným maľbou a bohatstvom priestorových aspektov.

Dekoratívne trendy neskorého barokového triumfu v slávnej Trevi fontáne (1732-1762) vytvorené architektmi Niccolo Salvi (cca 1697-1751). Čerpacia fasáda Palazzo Poly sa používa ako pozadie pre obrovskú funkciu fontány a vnímaná ako druh architektonickej scenérie, neoddeliteľne spojené s sochárkou a rýchlo hĺbkovou vodou tokov.

Ako jedna z najzaujímavejších štruktúr v južných regiónoch Talianska, Kráľovský palác v Caserte neďaleko Neapolu, postavený Luigi Vavitelli (1700-1773). Táto ambiciózna veľkoplošná budova je z hľadiska obrana KARA s Cruciformom pretínaním zborom, ktoré tvoria štyri veľké nádvorie. Na mieste križovatky zboru je umiestnená kolosálna lobby vložka, v ktorej sú z rôznych strán obrovské vybavenie a majestátne predné schody.

V historickej historickej sľubnej forme, architektúra vyvinutá v severných regiónoch Talianska - v Piemonte a Lombardiu, kde sa v ekonomike a kultúre jasne zistia progresívne trendy. Najväčším architektom tu bol Philippo Yuvara (1676-1736), rodák z Sicílie, ktorý pracoval v Turíne, Ríme a ďalších mestách a dokončil svoju kreatívnu cestu v Španielsku. Yuvara je autorom mnohých rôznych budov, ale vo všeobecnosti vývoj jeho práce vyplýva z bujného skladalne komplexných štruktúr k väčšej jednoduchosti, obmedzení a jasnosti architektonického jazyka. Jeho skorý štýl predstavuje fasádu Palazzo Madama v Turíne (1718-1720). Viac ľahšie a slobody v tzv. Loveckému hradu Hubniji v blízkosti Turín (1729-1734) - obrovský palác krajiny, extrémne zložitý a náladový v jeho pláne (ktorý je pripisovaný francúzsky architekt BOFRAN). Silne predĺžené nízke krídla paláca kontrast s vysokým centrálnym telesom nastaveným v ich križovatke, korunované bizarnou kopule, nad ktorou sa postava zväzku rastie. Ďalšia slávna budova Yuvara je mimoriadne veľkolepá na vysokom kopci kláštora a kostola Super v Turíne (1716-1731) - na jeho vyhlásenie predpovedal klasicizmus.

Vo svojich vyplnených formách je klasicizmus jasne vyjadrený v práci Milan Architect Giuseppe Piermarini (1734-1808), z mnohých budov, z ktorých najznámejšie - divadlo della rock v Miláne (1778). To je jedna z prvej v európskej architektúre divadelných budov, určená pre obrovské množstvo divákov (haly má viac ako tri a pol tisíc ľudí), ktoré potom skončili v architektonických a technických vlastnostiach modelu pre mnoho operných divadiel nového času.

Od roku 1680. Benátska republika vyčerpaná vojnami, stratila svoju nadvládu v Stredozemnom mori v boji proti Turci, začal stratiť svoj majetok na východe a jeho hospodársky úpadok sa stal jasným a nevyhnutným. Okrem toho, aristokratické a mrazové formy štátneho prístroja viedli k akútnemu sociálnemu rozporovi a opakované pokusy o buržoáznú demokratickú časť benátskej spoločnosti zmenia tento režim prostredníctvom radikálnych projektov svojej reorganizácie. Hoci tieto pokusy nemali významný úspech, nemalo by sa domnievať, že Benátky úplne vyčerpali svoje schopnosti. Tu bola pripojená nová buržoázia, vrstva inteligencie pestovala, vzhľadom na kultúru benátskej nettato, bola naplnená komplexnými a protichodnými javmi. Zvlášť svetlý príklad v tomto ohľade môže slúžiť tak veľa maľovania ako literatúry a dramatiky času.

Benátky si zachovali špeciálnu lepenie života len na nej, čo je 18 V. Tiež som získal nejaký druh horúčkovitého charakteru. Dovolenka, karnavals, masquerády, keď všetky triedy v meste boli vyrovnané a pod maskou nebolo možné odlíšiť Patricia z Plebia, pokračoval takmer po celý rok a priťahoval dav cestujúcich, medzi ktorými boli králi, zástupcovia šľachty, Hudobníci, umelci, umelci, spisovatelia, spisovatelia a len dobrodruhovia.

V paríži s Parížom, Benátky satón v literárnom, divadlom a hudobnom živote 18. storočia. Rovnako ako v 16. storočí, takže teraz zostalo dôležité centrum typografie. Tam bolo sedemnásť dramatických a operných divadiel, hudobných akadémií, štyroch ženských prístreškov na siroty "konzervatórium", sa zmenili na vynikajúce hudobné a hlasové školy. S jeho hudobnými triumfmi, Benátky prekročili Neapol a Rím, vytvorili neprekonateľné školy hre Organ a husle, uvedenie medzinárodného hudobného sveta tej doby s ich úžasnými spevákmi. Vynikajúci skladatelia a hudobníci tu žili. Benátky divadlá boli preplnené, cirkevné služby, kde boli kláštorné zbory a mníšky spievali, navštívili ako divadlá. V Benátkach a Neapole bol tiež vyvinutý realistický komiksový operátor, ktorý odrážal mestský život a morálku, bol tiež vyvinutý spolu s dramatickým divadlom. Vynikajúci majster tohto žánru GaulPped bol blízky v duchu svojej tvorivosti k najväčšiemu dramatiku z 18. storočia. Carlo Goldoni, nová etapa v histórii Európskeho divadla bola spojená s nižším menom.

Goldoni v koreni transformoval komediálne masky, nový obsah v ňom, čo mu dáva nový dizajn fázy rozvojom dvoch hlavných dramatických žánrov: komédia morálky z buržoázne-ušľachtilého života a komédia z života ľudí. Napriek tomu, že Goldoni sa vykonáva ako nepriateľa aristokracie, jeho hry sa tešilo v Benátkach v rovnakom čase s veľkým úspechom, kým nebol vyhnaný z benátskej scény s jeho ideologickým súperom - dramatik a básnik, ochudobnený benátsky gróf Carlo Gotszi. Ten sa opäť zmenil vo svojich divadelných a romantických hrách (Felabach) - "Láska pre tri pomaranče", "princezná Turandot", "Kráľ Jeleň" - dedičstvo improvizačnej komédie masky. Hlavná úloha pri rozvoji talianskej drámy však patrila nie, ale komédia Goldoni, ktorých realistická kreativita bola spojená s novými vzdelávacími nápadmi.

Divadelné umenie Benátok sa odráža aj na povahe svojej architektúry a najmä dekoratívnej maľby. Rozvoj prinajmenšom je najmenej spojený s obrovským dopytom po nádherných divadelných dekoratívnych maľbách cirkví a najmä palácov nielen v Benátskom. Taliansko, ale aj mimo Taliansko. Ale spolu s týmto smerom v benátskej maľbe, vývoj a množstvo ďalších žánrov boli vyvinuté: domáci žánru, mestská krajina, portrét. Podobne ako opery Galdpi a komédií z Goldeni, odrážali každodenný život a sviatky benátskeho života.

Klčani medzi umením a 18 storočiami v Benátkach je práca Sebastian Ricci (1659-1734). Autor mnohých monumentálnych a strojových kompozícií, bolo z veľkej časti sa spoliehalo na tradíciu Paolo Veronese, z toho jeho diela, ako je "Madonna a dieťa a svätí" (1708; Benátky, kostol San George Maggiore) L "Gegious Skypion "(Parma, University), dokonca aj v ikonografických vzťahoch vzostupne do 16. storočia. Aj keď vznikol hold oficiálnej barokovej paraštikete, vo svojich výtvorách existuje viac zvierat a atraktívnosti ako väčšina talianskych maliarov tohto smeru. Temmesramentný malebný spôsob, svetlé farby v kombinácii so zvýšeným divadelným obrazom obrázkov to robili populárne nielen v Benátkach, ale aj mimo neho, najmä v Anglicku, kde pracoval so svojím synovcom a študentom - krajina Playman Marco Ricci (1679-1729).

Ten zvyčajne napísal krajiny v kompozíciách Sebastian Ricci a takáto spoločná práca oboch majstrov bola veľkým obrazom "alegorického hrobu vojvodu Devonpropngra" (Birmingham, The Barberra Institute), ktorý sa podobá veľkolepému scenériu a divadelnému scenérie. Krajinné diela sám Marco Ricci sú romantické kompozície vyrobené v širokom malebnom spôsobom; Môžu chytiť niektoré vlastnosti komunity s scenériou Salvator Rosa a MAYA.

Počiatočná fáza benátskej maľby je 18 V. Predstavuje prácu Giovanni Battista Piazzetta (1683-1754). Študoval z Bolonského maliara Giuseppe Maria Kresses, ktorý vnímala svoj živú zvláštny list listom s rozsiahlym využívaním osvetlenia. Čerstvý a silný vplyv Realizmu Caravaggio sa prejavuje aj v jeho maľbách. Piaztette je zdržanlivý a sofistikovaný vo svojej palete, v ktorom hlboká, niekedy ako farby na farbenia - gaštan-červená, hnedá, čierna, biela a sivá. V jeho oltárskom obraze v Cirkvi Jesuati v Benátkach - "St. Wincent, Hyacinth a Lorenzo Bertrando (cca. 1730), s tromi postavami Sainch, ktoré sa nachádzajú na vrstve smerom nahor, - čierne, biele a šedé chitons jeho postavy tvoria farebný gamut-zarážajúci a jemnú monochromatickosť.

Ostatné kompozície na náboženských témach - "St. Jacob, vedený realizáciou "a stropom benátskej cirkvi San Giovanni E Paolo (1725-1727) - vykonal aj umelec v širokom malebnom spôsobe. Piazzette-interpret prechodný čas; Pafos svojich obrazov na náboženských príbehoch a zároveň plnohodnotným realizmom a vitalizáciou obrázkov, hlboké svetlo, spirituality a mobilitu všetkých malebných tkanín, šťavnaté horúcimi farbami a niekedy aj vynikajúcimi farebnými kombináciami - všetko, čo čiastočne prináša svoje umenie Smer talianskej školy 17. storočia. ktorý bol zastúpený Fetty, Lissa a Strozzi.

Piazzalety patrí k mnohým žánrovým maľbe, ale sú v nich slabo vyjadrené domáci začiatok, ich obrazy sú vždy používané romantickým oparom a fóliou s tenkým poetickým pocitom. Dokonca aj taký čisto žánrový interpretácia biblického pozemku, ako napríklad v jeho "REBECA NA WELL" (Milan, Brera), získava pyazette romantický odtieň. Hádzanie späť do strachu na okraj kamenného bazéna, stlačením brilantného medenej kanvice na prsia, revivar s strašidelním sa pozerá na služobníka Abraháma, ktorý ponúka jej perlovú vlákno. Jeho tieňovaná postava v gaštan-hnedej oblečenie kontrastuje s lesklými zlatými, zlatými ružovými a bielymi tónmi tvoriacimi farebnú siluetu rue. Rezané kravské hlavy, psy a ťavy na ľavej strane obrazu, malebné postavy roľníkov za rebelom (jeden z nich s pastierkou) robia odtieň pastorálnej na obrázku.

Najznámejšie žánrové kompozície Piazzetta sa týka "Fortune Teller", (Benátky, Akadémia). On tiež vlastní niekoľko portrétov.

Kreativita Piazetta však nie je vyčerpaná len jeho obrazmi. Je autorom nádherných výkresov, medzi ktorými existujú prípravné náčrty a hotové kompozície vykonávané ceruzkou a kriedou. Väčšina z nich sú ženy a samce hláv znázornené v FAS, potom v profile alebo tri-štvrtých otočení, obchodované v objemovom čiernom spôsobom, zarážajúce na mimoriadnu vitalitu a okamžitú presnosť zachyteného vzhľadu ("samec v okrúhlom klobúku", "Zmumers a bubeník", Benátky, Akadémia, CM.illustikácia).

Veľká škála monumentálneho dekoratívneho umenia Nettachno je primárne spojená s názvom Giovanni Battista Tapolo (1696-1770), ktorého štýl bol vytvorený pod vplyvom svojho učiteľa Piazzetta a Sebastian Ricci. Pomocou obrovskej celoživotnej slávy, TAPOLO pracoval nielen v Taliansku, ale v Nemecku av Španielsku. Jeho skladby boli tiež zdobené kráľovskými palácami a majetkami v Rusku 18. S ktorým použil najlepšie tradície dekoratívneho maľby renesancie a 17. storočia, Thipolo je mimoriadne posilnené v jeho diele divadelnej a veľkolepej strane, pričom ho kombinuje so živým vnímaním reality. Bez straty jej pocitov TAPOLO kombinoval akútny pocit skutočných javov s princípmi dohovoru, ktoré sú charakteristické pre monumentálne dekoratívne maľovanie. Tieto interpenetračné navzájom začali identifikovať originalitu svojho umeleckého jazyka. Funkcie života pravdy v obraze jednotlivých podujatí a znakov však neboli kombinované v diele Thipolu s hĺbkovým psychologickým zverejnením umeleckých obrázkov, ktoré vo všeobecnosti viedli k známej opakovateľnosti individuálnych techník a bola obmedzená na strane jeho umenia.

Fertilita umelca bola nevyčerpateľná; Jeho brilantná kreatívna aktivita trvala viac ako polstoročie. Thiepolo's kefy patrí do obrovského množstva fresky, oltárnych obrázkov, strojov, mnohých výkresov; Bol tiež jedným z nádherných majstrov leptania.

Príkladom skorého obdobia aktivity Thipolo, ktorý začal pracovať okolo roku 1716, môže slúžiť ako fresky v Benátskej cirkvi Deli Scaltzi -

"Apotéza sv. Teresa "(1720-1725), kde najprv zavádza svoje nové priestorovo dekoratívne riešenia, rad strojov strojov na mytologických témach (medzi nimi veľký tkanina" únos sabineanok ", cca. 1720; hermostage) a najmä desať obrovských dekoratívnych panelov Napísal umelec zdobiť palác benátskej Patricia Dolphino (cca 1725).

Päť handričiek z tejto série - "Triumf of cisára", "putíc scény v tábore porno", "Coreran pod múrmi Ríma" a ďalšie - sú v stretnutí Hermitage. Silný a expresívny prenos hrdinských grafov, plastov, životne presvedčivých výkladov obrázkov, priestorovej malebnej kompozície, postavenej na jasných farebných kontrastoch s použitím čiernobielych efektov, označujú skoré dozrievané majstrovstvo Thipolo.

Do roku 1726, fresky zahŕňajú arcibiskupský palác v Udine, napísaný hlavne na biblické témy. Tridsaťročný TAPOLO vykonáva v nich už ako skúsený umelec s nádhernou farebnou schopnosťou, príkladom toho, ktorý "fenomén Angel Sarre" môže slúžiť ako "fenomén troch anjelov Abrahám" a najmä freska "Abrahámovu obetu" ; \\ T Podpočet a gestami biblických znakov sa podobajú bujnému výkonu.

Pokiaľ ide o maľovanie stojan, Tapolo vytvára žiadne menej pôsobivé dekoratívne kompozície, napríklad napísané koncom roku 1730. Veľký trojdielny obraz pre kostola San Adzivise v Benátkach - "Cesta na Kalvárii", "Bacheling of Calvary", "Bacheling of Calvary" a "Svadobné otáčanie", kde sú jasné a brilantné farby nahradené pochmúrnymi a hlbokými farbami, kompozícia sa stáva priestorovým a dynamickejšia a dôležitá presvedčenie jeho obrázkov je vyjadrená ešte silnejšia ako v fresky.

Brilantný rozkvet na dekoratívny talent TAPOLO pochádza od začiatku 1740 rokov, keď píše niekoľko mytologických obrazov, medzi nimi "triumf amfitrity" (Drážďany) - more bohyňa, pokojne odpočíva na voze v tvare a Shell, ktorý kone a námorné božstvá sa rýchlo ponáhľajú tyrkysovým zeleným vlnám. V celkovom gurmánnom farebnom rozsahu, svetlé miesto je zvýraznené vietor natiahnutý ako plachta, červený amphitrite plášť.

V 1740-1750s. Tapolo vytvára jeden jedným nádhernými dekoratívnymi cyklami, oltármi a malými maľbami. Rodina benátskeho patricikárskeho, ako aj kláštorov a kostolov, súťažiť medzi sebou v túžbe pracovať jeho kefou.

Digeively High Citrion Plafone Umelec zmenil na bezedné nebeské priestory s rozrezanými mrakmi, kde sa nad hlavou roztrhali ľahké anjeli a svätí. Náboženské a mytologické pozemky boli nahradené nádhernými festivalmi, svadbami, feirasmi a triumfmi. Vo svojich kompozíciách dosiahol umelec úžasné účinky "Denné" osvetlenie pomerom bielych tónov s bledými modrými a sivými poltónmi a hlboké priestorové pauzy oddeľujúce architektonické formy a prúdy ľudských údajov z seba vytvorili pocit osvetlenia vzduchu a beztiažosť. Tenká, jemná harmónia svojich farieb, živým pocitom farby, dynamika kompozícií, nevyčerpateľnej fantasy, odvážneho riešenia najťažších sľubných úloh - všetky to ohromení súčasníci Thipolo v rovnakej miere, že nás teraz prekvapí.

Medzi rokmi 1740-1743 Sú to napísané obrovské nafúknuté kompozície pre benátskej cirkvi Jesuati, Skalti Deli, Scales del Carmina a ďalšie. Kostol Skalti Deli, najviac ambiciózne vo veľkosti a väčšine majestátnej fresky, ktorý sa vykonáva v týchto rokoch, spolu s stĺpcom umelca Mengozi, ktorý bol kvadratistom, to bol maliar, ktorý vystúpil okrasné časti a architektonický obraz v kompozíciách tipolo. Vnútorná výzdoba cirkvi, vybudovaná zldenou v 17. storočí, sa rozlišovala čistý barokový pomp, ekvivalent nádhernej prírube Thipolo s obrovskou kompozíciou "prenesené do Madonna House v Loreto" (tento strop bol zničený 1918). Natieranie stropu, ako keby pokračoval v reálnom architektonickom prevedení kostolových stien, zarámil obrovský fresky, postavený na porovnaní svetelných plánov rôznych intenzity a hĺbky, ktorá vytvorila ilúziu nekonečného nebeského priestoru, osvetlené svetlom. Obraz sa rozvíjal takmer rovnobežne s lietadlom stropu, a nie vo svojej hĺbke, pretože 17 V dekorácie urobili. Umiestnením hlavnej scény "prevodu" nie do stredu plafónu, ale na jeho okraji a opustenie zvyšku priestoru sa takmer nevypočul, a dosahuje úplnú ilúziu rýchleho letu vzduchu hmotnosti ľudských postavičiek. Niektoré z obrázkov sú oddelené od centrálnej scény a sú umiestnené na pozadí rámovania fresky, ako je napríklad postava, operifikujúca herézu a padajú na hlavu na diváka. Týmito účinkami sa zdá, že umelec spojí nebeskú scénu so skutočným interiérom Cirkvi. Takéto malebné podvody pohľadov odpovedali na povahu benátskeho uctievania služby z 18. storočia, čo bol druhom padákovej cirkevnej výkonnosti, pričom sa vyskytla väčšia ako sekulárne, a nie náboženské pocity.

V čase po roku 1745, nádherné fresky tapolo v benátskej Palazzo Labia zahŕňajú, kde je umelec najbližšie v kontakte s dekoratívnymi princípmi Veroniec. Na dvoch fresky nachádzajúcich sa na opačných stenách sály BOLSHOI, "Sviatok Anthony a Cleopatra" a "Stretnutie Anthony a Cleopatra" sú zobrazené. Strop predstavuje množstvo alegorických údajov.

Vstup do priestrannej sály Palazzo Labia, prehliadač stráca pocit reálneho architektonického priestoru, pretože jeho limity sú scénické scénické dekorácie, ktoré obrátili steny benátskeho paláca na luxusné divadelné podívané. Thiepolo šikovne použil priestor na stenu medzi dvoma dverami a dvomi oknami nad nimi, čím sa kombinuje skutočnú architektúru s iluzónom. V scéne "PIR", kroky, na ktorých chrbtica na diváka zobrazuje trpaslík, viesť k širokej mramorovej terase s kolonáde korintského štýlu a zborom, pod obkľúčením egyptskej kráľovnej a rímsky veliteľ. Cleopatra, chcieť dokázať jeho pohŕdanie bohatstva, hodí neoceniteľnú perál do pohára s ocotom, kde by sa mala rozpustiť bez stopy. Pomer ľudských obrázkov s perspektívou konštrukciou scény sa prenáša bezchybne. Kompozícia nasýtená svetlom a vzduchom je postavená na dvoch pretínajúcich sa uhlopriečkoch, čo vedie hĺbku diváka; Viewer, ako keby sa pozval, aby sa pripojil k terase a zúčastniť sa na sviatok. Zaujímavé je, že uprostred fresiek nie je naplnený číslami, priemysel tu dáva veľkolepú priestorovú pauzu.

Pokiaľ je tento fresco naplnený pokojom, takže všetky čísla v "stretnutí Anthony a Cleopatra" sú pokryté pohybom. Bez toho, aby sa dosiahol cieľ byť verná historická pravda, TAPOLO otočí svojich hrdinov skôr v herci, oblečený v rovnakej benátskej móde 16 storočí. Tieto epizódy z histórie Anthony a Cleopatra predstavovali takýto vďačný materiál pre kreatívnu fantáziu Thipolo, ktorú opustil mnoho svojich možností v jeho monumentálnych a strojoch. Toto sú "sviatok Anthony a Cleopatra" v múzeách Melbourne, Štokholm a Londýna, "Stretnutie Anthony a Cleopatra" v Edinburghu a Paríži.

V 50-60s, malebné majstrovstvo TAPOLO dosiahne obrovskú výšku. Jeho farba sa stáva nezvyčajne rafinovaným a nadobúda jemných odtieňov smotany, zlata, bledo šedej, ružovej a lilac.

Do tohto obdobia zahŕňajú jeho fresky v biskupskom paláci vo Würzburgu (pozri umenie Nemecka). Práca tam už tri roky, medzi 1751-1753, TAPOLO vytvára nádherné dekoratívne obrazy, plne ich koordinuje s architektonickým zámerom paláca. Ich pompézny divadelný charakter sa stretáva s fantastickým a trochu slabým architektonickým a sochárskym výzdobím Imperial Hall. Plafón zobrazuje Apollo na voze, ponáhľa sa nad mrakmi Beatrice Burgundy na jej fialcock Friedrich Barbarossa. Podobný motív sa opakovane stretol s dekorami 17. storočia. (Urmcino, Luke Jordano a iné), ale nikde nedosiahol také územné pokrytie, takú žiarivú atmosféru, takú brilanciu pri prenose pohybu mysľavých obrázkov.

Nad odkvapom krátkej steny haly, šikovne pomocou osvetlenia, Tapolo umiestni fresku zobrazujúce manželstvo Barbarossa. V zložitej interiérovej kompozícii s motívmi v duchu Veronese predstavuje preplnenú svadobnú ceremoniálu napísanú v Sonic a radostné tóny - modro-modrá, malina, žltá, zelená, strieborná.

Okrem týchto fresiek, Tapolo maľoval obrovský, asi 650 metrov štvorcových. m, pander cez palácové schodisko, kde zobrazovala Olympus. Zdá sa, že neúmyselný povrch stropu, zdá sa, že "zlomil", premene sa do nekonečného nebeského priestoru. Umiestnením Apollonu medzi prepravné mraky, vyobrazil personál rôznych častí sveta okolo stien - Európa vo forme ženy obklopenej alegorickými postavami vied a umenia (jednotlivé postavy boli portrét; medzi nimi sa zobrazil, Jeho syn Giovanni Domenico a asistenti), Amerika, Ázia a Afrika s obrazmi zvierat a zvláštnych architektonických motívov. Tento strop je tiež jedným z vrcholov dekoratívneho umenia z 18. storočia.

Po návrate do Benátok, TAPOLO, ktorý bol v Zenithovej sláve, sa stáva prezidentom Benátskej akadémie maľby a riadi svoje aktivity na dva roky.

K najlepším tvorom dekoratívneho génia, Tapolo zahŕňa svoje fresky v Vicenze vo Villa Valmaran, patriaci do roku 1757, kde umelec pracoval so študentmi a jeho syn Giovanni Domenico Tapolo (1727-1804). V maľbe tejto vily, kde Tapolo apeluje na nové dekoratívne riešenia, jeho štýl získa špeciálne zjemnenie a nádheru. Umelec teraz buduje svoje kompozície rovnobežne s rovinou steny, vracia sa opäť k tradíciám veroniek. Stena lietadla sa zmení na starožitný perista, cez stĺpy, ktorých stĺpiky s výhľadom na krásnu krajinu. Veľké priestorové pauzy medzi postavami, množstvom svetla, bielej, citrón-žltej, bledo ružovej, jemnej fialovej, svetlohnedej, smaragdové zelené tóny jeho palety dáva malebný súbor Valmaran Villas Clear a Radostné postavy, naplnené Živé Život potenciál starožitných obrázkov a renesančnej poézie.

V fresky hlavnej sály vily - tzv. Palazzo - zachytil scénu, "obetovanie ingrácie" a súvisiace epizódy. Tri ďalšie haly boli natreté freskami na témy požičaných z "Iliada" Homer, "Enidendes" Vergil a renesančné básne, "zúrivý Rolanda" Ariosto a "oslobodený Jeruzalem" Tasquato Tasso. Vo všetkých týchto scénach, veľa pohybu, ľahkosti, milosti a emocionality, navrhnutá drámami literárnych príbehov vybraných TAPOLO.

Zaujímavé je, že veľký nemecký básnik Goethe, na návšteve tejto vily, okamžite zaznamenal prítomnosť dvoch štýlov - "sofistikované" a "prirodzené". Ten sa vyjadruje najmä v práci Giovanni Domenico Tapolo, ktorý v roku 1757 namaľoval množstvo izieb v blízkosti s vilou "Guest House" (tzv. Pre dlhú dobu, otec a syn Thipolo išli pod jedným menom; Teraz sa jasne rozhodli znaky kreatívneho vzhľadu mladých Tapolo. Takže v jeho freskách je Valmaran Villa silnejšia ako žánre-domáci začínajúci na rozdiel od štýlu svojho otca. Toto sú jeho maľba "roľnícka obed" alebo "roľníci na dovolenke" so širokou krajinou pozadia alebo krásna "zimná krajina" zobrazujú dve svieži oblečený benátsky. Na iných stenách sú epizódy karnevalu, ktoré slúžia ako svetlé ilustrácie pre podniky benátskeho života 18. storočia. Tion a mladší patrí aj žánrové maľby v Palazzo Redzoniku v Benátkach. Niektoré z jeho žánrových prác sa však považujú za splnené spolu s otcom. Medzi jeho najlepšie úspechy patrí séria techniky brilantného umenia, ktorého hárok zobrazuje akúkoľvek epizódu Jozefa letu a Márie s dieťaťom do Egypta.

Giovanni Battista Itpolo sám je tiež známy ako portrétista. Jeho portréty Antonio Riccobono (OK. 1745; Rovigo, Concordi Academy), Giovanni Querini (OK. 1749; Benátky, Múzeum Kerinikya) je veľmi svetlé a expresívne podľa charakteristiky.

Okolo roku 1759, TAPOLO napísal veľký oltár obraz "St. Prietok este z moru "(katedrála v este), vytvorená skôr v inej farebnej žily, a nie jeho svetskými kompozíciami. Hlboké tmavé zdieľané tóny zdôrazňujú dramatické napätie tejto scény, ktorých obrazy sú vytvorené pod vplyvom veľkého benátskeho maliara 16 v. Tintoretto.

Posledné roky života Thipolo sa strávi v Madride, uznesením španielskeho kráľa Charles III, maľba svojich tarazíkov jeho paláca. Obrovské fresky "triumfy španielskej monarchie" (1764-1766) je napísané na strope trónovej miestnosti. Rovnako ako v Würzburgu, strop je transformovaný do nebeského priestoru orámovanými kompozíciami na obrázkoch, personifikujúce španielske kolónie a provincie. Avšak, to je vykonaná rovnejším spôsobom ako skoré dekoratívne cykly.

Špeciálna oblasť tvorivosti TAPOLO to robí brilantným v kresbách umenia. Vykonaný Sanginou alebo perím s rozmazaním, sa líšia v zovšeobecnení svojich foriem, intenzívnej dynamiky a - so všetkou povrchovou plynulosťou grafického spôsobu - veľká dramatická expresivita. Často slúžia ako prípravné náčrty pre jednotlivé časti svojich veľkých kompozícií, niekedy majú nezávislú hodnotu. Jeho výkresy mužských hláv, prenášané nezvyčajne plastové, sú označené zmyslom pre vitality a vzácne pozorovanie. Tiež spĺňa akútne a expresívne karikatúry na duchovenstvo, v benátskej kopčeky, na postavách komédií masky.

V technike leptania, TAPOLO vykonal rôzne mytologické, alegorické a romantické scény, ktorých význam je takmer žiadnym zverejňovaním. Majú obrazy astrológov, ľudí vo východných rúchoch, cigánov, bojovníkov. Vyznačujú sa extrémne malebným čiernym a bielym spôsobom, tieto lepty mali dobre známy vplyv na harmonogram najväčšieho španielskeho maliara na prelome 18-19 storočí. Francisco Goya.

Jeho čas pripojený, TAPOLO nemohol vstať v jeho práci na vysoké meradlo ľudstva, hĺbky a integrity, ktorá bola charakteristická pre veľkých majstrov renesančnej éry. Vzhľad mnohých jeho hrdinov je založený na pozorovaniach o živote, príklad toho, ktorého množstvo jeho ženských postáv môže slúžiť - Cleopatra, Armida, Amphitrit, - takmer vždy vzostupne k rovnakému skutočnému prototypu - dcéru benátskeho gondolla Christine, ale nerozlišuje skutočný vnútorný význam. Zmysluplná strana jeho jasného a slávnostného umenie je inkarnovaná nie tak moc v expresivite jednotlivých obrázkov a znakov ako v celom komplexe obrazových motívov, v ich úžasnom bohatstve a sofistikovanosti.

Maľovanie Tapolo nebol správne ocenený o 19 V., pretože nebolo zďaleka od umeleckých úloh, o ktorých sa rozhodlo v odbore tohto storočia. Len neskôr, Tapolo vzal hodné miesto v histórii umenia ako jeden z brilantných majstrov z 18. storočia, ktorý vytvoril svoj vlastný štýl a malebný dekoratívny systém, ktorý ukončil storočia-starý vývoj monumentálnej maľby klasických umeleckých erasov .

Pre taliansku maľbu 18 V. Bol charakterizovaný tým, že ju rozdeľuje žánrom. Domácnosť žánru, krajina, portrét dostal v ňom veľa distribúcie a umelci sa špecializovali vo svojej forme umenia. Tak, benátsky umelec Pietro dlho (1702-1785) zvolených jeho špecifikácii obrazu malých galvantných scén, návštev, maskerády, koncertov, hazardných domov, tanečné lekcie, ľudová zábava, charlatáni, vzácne zvieratá. Nie je to vždy pravá kresba, niekedy celkom elementárny v farebnom riešení, malá veľkosti dlhej "tanečnej lekcie" (Benátky, akadémia), "cez WC (Benátky, Palazzo Redzonic)," Rhinzh "(ibid) - Značný úspech. Jeho naratívna maľba, ktorú Goldoni zavolala sestrou jeho múzy, priniesla nám zvláštny a poetický duch "storočí", neopatrný uličkový život, intrigy, ľahkú dĺžku a zábavu, ktorá je zvláštna pre Benátky tohto času.

Taliansky portrét bol zastúpený majstrov, z ktorých najvýznamnejší bol Giuseppe Gizandi, nazývaný nasledovné (po prechode na Monk) FRA Galgario (1655-1743). Natívne Bergamo, pracoval na dlhú dobu v Benátkach, kde študoval prácu Georgeona, Torian a Veronese. Jeho kefy patria k mnohým, najmä mužským portrétom, ktoré kombinujú externú reprezentatívnosť a metódy psychologických charakteristík, ktoré sú súčasťou barokových portrétov, s milosťou, milosťou a eleganciou, charakteristikou 18. storočia. Nádherná farebná farebná, ktorá sa naučila najlepšie tradície benátskej maľby, GISLANDA PORTRAKTY K NÁŽIVOU NA NÁVHOVANEJ KOMPANY, ROZHODNÝCH TRIGHULÁLNYCH KMOKU A ROZHNUTÝCH, Vyšívaných zlatými kamerovými kamerovými, s použitím jasne malinov, fialových, zelených a žltých tónov v ich maľbe. Ale nikdy nezakrýval túto veľkosť realistickej podstaty portrétu obrazu, každá z jeho portrétov je hlboko individuálna, či je to mužský portrét, kde je model veľmi jasne načrtnuté - kavalír s neúmyselnou tvárou, plné zmyselné pery a veľký nos (Milan, Polandi-Pezzoli Museum), alebo elegantný portrét počítania Wiletati do rastu, alebo self-portrét, napísané v tme "rembrandt" tóny, alebo rozkošný portrét chlapec (1732; Hermitage).

Alessandro Long (1733-1813) - Son Pietro Long - je známy hlavne ako portrétista. Dodáva sa jeho modely predného, \u200b\u200bslávnostného vzhľadu, snaží sa im dať charakteristiku cez okolité predmety nábytku. Taká je portrét slávneho skladateľa Domenico Chimaroza (Viedeň, Lichtenštajnsko). Je znázornený v nádhernom saténovom plášti, s skóre v rukách, obrátil sa na diváka, arogantný a krásny, ale bez hlbokej expresivity, orámovaný bielou parochňou. Vedľa neho na stole - Viola D Amur, Husle, Flaute, Horn a Inkwell s perím. Portrét Goldeni (Benátky, Múzeum Correll) napísané v tom istom duchu: Slávny draobil je znázornený v šachu oblek obklopený atribútmi jeho Profesia.

Benátsky umelec Rosalba Carrier (1675-1757) začal svoje aktivity ako miniaturist, ale široko známy svojimi početnými portrétmi vykonávanými pastami. Jej chuť bola vyznamenaná veľkou citlivosťou a niektorými vyblednutými tónmi, čo bolo vysvetlené špecifickosťou pastelovej technológie. Všetok jeho život napísal portréty a poetickú alegóriu. Bez toho, aby sa dosiahol ciele na dosiahnutie úplnej podobnosti, bolo mimoriadne osevení na jeho modely, čo im dáva sentifikácia-aristokratický charakter, vďaka ktorým sa tešil obrovský úspech medzi európskou šľachticou 18 V. A bol zvolený členom francúzskej a benátskej akadémie.

Mestským krajinným krajinám však bol najvýznamnejším javom medzi rôznymi žánrami benátskym maľovaním z 18. storočia, tzv. Vedenie (to znamená pohľad), ktorý kombinoval prvky architektonického obrazu a samotnej krajiny.

Benátsky druh maľby bol predovšetkým sľubným obrazom, reprodukciou skutočných motívov panorámu mesta. Každý z lantistov však boli obsiahnuté vo svojom umeleckom jazyku a ich malebnej vízii, preto napriek známej opakovateľnosti a požičiavanie motívov od seba neboli nikdy nudné a to isté. Milovníci v kráse Benátok, stali sa jej skutočnými biografmi a portrétistami, vysielanie jemného poetického kúzla jej vzhľadu, zachytávanie v nespočetných maľbách, výkresoch a rytinách námestia, kanály zničené gondoly, násypky, paláce, slávnostné chôdze a chudobné štvrte .

Origins of benátskych lídrov by sa mali hľadať v maľovaní 15. storočia, v dielach pohanských Bellini a Witter Carpaccio, ale potom mestská krajina nehrala nezávislú úlohu a slúžila ako umelec len pozadie pre slávnostné kroniky a naratívne kompozície.

Na začiatku 18. storočia. Luca Carlevaris vytvára typ benátskej mestskej krajiny, ktorá sa však v porovnaní s dielami nasledujúcich lightistov dosť primitívne. Originálnym majstrom v tejto oblasti bol Antonio kanál, prezývaný Canalatto (1697-1768).

Syn a študent divadelného umelec Bernardo kanál, Antonio opustil Benátky do Ríma a stretol sa tam s dielami rímskych krajinných hráčov a divadelných dekorátorov, najmä Panni a Bibbien Family. Jeho štýl sa rozvíja veľmi skoro a neprestupuje výrazné zmeny na ceste svojho vývoja. Už v ranom diele Kayaletta "Skol del Carita" (1726) boli jasne vyjadrené zásady jeho umeleckého vnímania. Tam je malý pohyb vo svojej mestskej krajine, nie je nič iluzórne, volatilné a nestarné, ale sú veľmi priestorové; Farebné tóny tvoria plány rôznych intenzitách, uvoľnených v ich kontraste svetla. Kanaletto píše druhy Lagun, mramorové benátske paláce, kamenné čipky arkádovej a lodžií, hrdzavé-červené a sivasté-ružové steny domov odráža v bohatých zelených alebo modravých vodných kanáloch, pre ktoré posúvajú zlaté gondoly a zametajú lode rýb a Ľudia dav na nábrežiach môžeme vidieť idiot naobli v bielych parochňach, mníchov v Sutanov, cudzinci a pracovní ľudia. S presnými, takmer riadiacimi výpočtami skupiny Canaltto malé žáner Miceszenty; V nich je životne dôležitý, niekedy je to dokonca výrazné a mimoriadne zreteľné pri prenose častí.

"Veľký kanál v Benátkach" (Florencia, Uffizi), "Námestie v prednej časti kostola San Giovanni E Paolo v Benátkach" (Dresden), "yard Kamenotes" (1729-1730; Londýn, Národná galéria) patrí do najlepších práce CALLTETTO. Z jeho obrazov v sovietskych múzeách je potrebné nazvať "recepciu francúzskeho veľvyslanectva v Benátkach" (Hermitage) a "Odchod DWIN na Harry s Jadranským morom" (Múzeum výtvarného umenia. A. S. Pushkin).

Nákupom širokej slávy z 30. rokov. Ako umelec, ktorý nevie, že v jeho žánri, bol Canaletto pozvaný v roku 1746 do Londýna, kde podľa rádov anglických pacientov napísal niekoľko mestských krajiniek, v ktorom jeho chuť, bez jasnej a plastovej čiernej a bielej Osvetlenie, stráca svoju bývalú politiku a rozmanitosť, stáva sa sofistikovanejšími a miestnymi. Ide o "pohľad na Whiteholl", "London City pod oblúkom Westminster Bridge", "Dovolenka na Thames" a niekoľko ďalších.

Okrem maľby, Canteltto venoval veľkú pozornosť gravírovaniu, ktorá medzi rokmi 1740-1750. Dostal brilantný rozvoj v Benátkach. Takmer všetky benátske krajiny - Marco Ricci, Luca Carlevaris, Canaletto, Bellotto - boli hlavnými majstrami leptania. Čo sa stalo s väčším plátnom cannózne - pohyb, spiritualitu všetkých malebných tkanín, - úplne vykonaná v jeho leptach, ktoré boli naplnené skutočným poetickým pocitom. Pomocou workshopu lineárnej techniky, ktorá hľadá hlboké a mäkké čiernobiele prechody pomocou tenkého paralelného vyliahnutia rôznej intenzity, CantelTo súčasne nútení na "Pracovný" papier, prerušenie mierne zvlnených horizontálnych dotyk s ľahkými vertikálmi alebo tieňom svetlých miest. A nebesia, a mraky plávajúce na nich, ako keby sa prispôsobili svetelným vánkom a vodou, a stromy ožívajú na jeho rytinách. Rýchle a odvážne kontúry, runaway dotýkajú životnú autenticitu a realitu svojho "portu v Dolo" - malá plocha na brehu vodnej panvy, podľa ktorého sa mladý pár pohybuje - kavalír v parochne a cales, vedúci K ruke k dámu v bujnej WC, ktorá je nedobrovoľne spôsobená v pamäti Viewer Romantické obrázky Manon Lesko a Cavaller de Gromate z príbehu Abbot Preview.

Bernardo Bellotto (1720-1780) - synovec a žiak z Cantelta - bol tiež jedným z vynikajúcich svetiel z 18. storočia. Jasné sľubné distribúciu plánov, extrémne veľká, takmer fotografická presnosť pri reprodukcii prírody, trochu stresovaný povrch jeho obrazov dáva nejaký bez života spôsobený do určitej miery, do ktorého Belldotto rozšírila odrazy komory-obscury vo svojich dielach. Jeho lídri mesta sa nerozlišujú zemepisnou šírkou umeleckej zovšeobecnosti, majú malú náladu, pohyb, vzdušnosť, ale predstavujú veľkú umeleckú a dokumentárnu hodnotu. Okrem Talianska on od roku 1746 do roku 1766 pracoval na nádvorí vo Viedni a Drážďanoch, a od roku 1768 bol súdnym maliarom v Poľsku, kde vytvoril mnoho druhov Varšavy. V dôkladnosti obrázkov detailov možno predpokladať, že tieto vedie vedú viac alebo menej správnu myšlienku architektúry, mestskej krajiny a života tohto času.

Benátska maľba NetSecho bliká ďalší názov - Francesco Guard (1712-1793), vynikajúci umelec, informoval veľké farebné tradície benátskej maľby takmer 19. storočia.

Bol študentom svojho staršieho brata, Giovanni Antonio Guard (1698/99-1760) - nadaný maliar, z toho, ktorý pracoval takmer polovicu svojho života. Senior Guard, ktorý vytvoril niekoľko oltárnych obrazov: "Smrť sv. Joseph "(Berlín); "Madonna s dieťaťom a svätým" (Cirkev v Vigo "AnyUnya), samozrejme, s účasťou mladšieho brata, svojím spôsobom v kontakte s Sebastian Ricci a Piazzetta.

Pre skoré práce, Guard Francesco obsahuje niekoľko oltárnych obrazov - "ukrižovanie" (Benátky, súkromné \u200b\u200bzhromaždenie), "smútok" (Mníchov). Najvýznamnejšou prevádzkou tohto obdobia je však maľba tela v kostole Arkanlow Raphael v Benátkach s obrazom scén z TOVIA (cca. 1753). Počet pozemkov a kompozitných motívov pre túto maľbu si požičiavajú umelca z iných talianskych maliarov, ale tučné a neobvyklé farebné riešenie ho premení do práce docela originálne. Diaľkové, akoby blikajúce krajiny, prekonanie žiariacej ružovej, fialovej, červenej, citrónom, zlaté-oranžovej, sivej a modrej tóny, krehkosti a vibráciách tieňov, uctievanie, takmer kamienku farbiacich porovnaní sa vyznačuje jeho obrazovým systémom. Medzi všetkými benátskymi majstrami je strážca väčšinou, ktorá ukazuje tendenciu k prenosu vzdušného prostredia, nepolapiteľných atmosférických zmien, ľahkú hru slnečného žiarenia, mokré slovo lagun, maľované do najlepších farebných odtieňov. Svetlo, ako keby tremble fúka, ochranná kefa nielen položila formulár, ale tiež dosiahol mimoriadnu mobilitu a spiritualitu celého obrazového povrchu obrazu ako celku.

Rovnaké roky sa týka obrazu "Alexander pred telom Darius" (GMIA. A. S. Pushkin), ktorá je bezplatná kópia z maľby talianskeho maliara zo 17 storočí. Langetti. Je ťažké si predstaviť viac neklasickejšie interpretáciu starovekého pozemku. Avšak, vyskladnená maľba strážcu a autentický vír jeho svetlom modrej, červenej, tmavohnedej, nazelenalý farebné škvrny nezakrývajú jasný kompozitný konštrukčný vzor vo forme elipsy, ktorá pretína diagonálne umiestnené telo Darius - Sémantické stredisko zloženia.

Ale najdôležitejšia strana tvorivosti strážcu je spojená s rozvojom krajiny maľby, keď je zo 1740 rokov. Pod vplyvom marieka a Canteltu, ktorých výkresy, ktorého kopíroval na dlhú dobu, začal pracovať v oblasti architektonickej krajiny. Po Canalatte, Guardi, zároveň sa snažil prekonať lineárny a sľubný dizajn.

V roku 1763, pri príležitosti začiatku vlády nového trávenia ALVISE IV MOINY, poznačeného množstvom brilantných festivalov, strážca napísal dvanásť veľkých benátskych vedení, takmer presne s použitím kompozície Cantelta pre svoje obrazy, vyryté Brownon . Takéto požičiavanie, ako vidíme, stretol sa v malebnej praxi Guardi opakovane, ale to neznižuje dôstojnosť svojich obrazov; Interpretácia vzduchovej farby strážcu transformovala suchých spoľahlivých vodcov v obrazoch Benátok, kompletný chvenie, pohyb a život.

Strážca bol veľkým maliarom majstrom. Jeho hlavná technika - kresby s perom, niekedy pomliaždenou vodou. V nich hľadal primárne pohyb a okamžité dojmy. Skoršie výkresy sú označené rociálnymi motívmi, zaoblenými čiarami, rozmarnými a flexibilnými pohybmi je prehnané, oveľa väčšie zovšeobecnenie sa objavuje neskôr; Rozmazané v Masáre a bridlita im dáva neporovnateľný obraz. Mnohé z nich sú vyrobené priamo z prírody - bežiace mraky, pohyb vody, plachtenie gondoly sú chytení v nich, ich nesprávne úvahy, temperamentné a odvážne obraty obrázkov. Budovy, schody, Loggias, Colonnades sú naplánované nedokončené, Bravura, ktorí sa navzájom približujú lezeckými ťahmi. A vzduchová milosť benátskej architektúry a jej štruktúry preniesla umelca s úžasným zmyslom pre riadok, v tom istom čase prerušovaný a zovšeobecnený.

Najviac charakteristické umelecké techniky strážcu v jeho maľbe zahŕňajú bezplatné variácie na rovnakej obľúbenej téme, tzv Caprichecio. Nájde všetky nové a nové motívy pre jeho konštantný "model", píše Benátky, ktoré neopustil všetok svoj život, v rôznych hodinách dňa, otvárali všetky nové farebné nuansy, čo dáva svoju scenériu, potom romantický vzhľad, potom maľba do smutných tónov lyrickej meditácie.

V 1770s, strážca dosiahol vrchol jeho zručnosti. Tenké a slobodné škvrny, ktoré píše štvorce, kanály, ulice, riediace budovy, na okraji a zlé štvrtiny Benátok, jeho odľahlé nádvorie, púštne lagúny, pokojnú uličku, neočakávane končiac so širokým tieňovaným oblúkom, z oblúka, ako je obrovský transparentný Drop, visí sklenený lucerny, ako keby sa topil v pestúnskom večernom vzduchu ("mestský vzhľad"; Hermitage). V podstate, stráž má transformovaný typ dekoratívnych malebných lídrov? Kto dominoval benátskym maľovaním v polovici 18. storočia, v krajine najjemnejšieho lyrického zvuku, napodobňovali hlboko osobné skúsenosti.

Do roku 1782 patria dve veľké série "slávností", ktoré vykonáva strážca na oficiálnych príkazoch. Prvá z nich pozostávala zo štyroch plátnov, ktoré sa venovali pobytu PIA VI v Benátskej republike, druhá bola napísaná na počesť návštevy dediča ruským trónom Grand Duke Paul Petrovich v Benátkach a zahŕňala päť obrazov. Štyri z nich boli zachované - "Ball v Divadle San Benedetto" (Paríž), "Slávnostný koncert" (Mníchov), "Banket" (Paríž), "Dovolenka v St. Square Mark "(Benátky).

"Slávnostný koncert" je jedným z najhraniteľnejších diel umelca. Na tomto obrázku to bolo zachytené nepolapiteľmi, čo bolo obzvlášť neodmysliteľné v majstrovstve strážneho, - preniesol ducha glientového festivalu z 18. storočia. Zdá sa, že počuje samotnú hudbu, ktorá letí s ľahkými luky husľového ženského orchestra. V mäkkej blikaní sviečok, osvetlenie vysokej guľôčky, ako keby mával vlny s teplým vzduchom; Modrá, červená, žltá, hnedá, strieborná sivá tóny flash luxusné dámy toalety napísané vírivým tremble svetelným farebným škvrnám. Svetlo blows kefového krytu je brzdí tváre, parochne a klobúky, potom transparentné, potom pastrosvetové škvrny označujú obrázky.

V roku 1784, stráž, plnenie oficiálneho poriadku prokurátora republiky, píše obraz "Zdvíhanie balóna v Benátkach" (Berlín), zobrazujúci udalosť, mimoriadny pre tento čas. Pomocou obvyklého motívu, strážca kladie zatienenú kamennú baldachýnu v popredí, pod ktorou sú zvedaví diváci preplnené, a v ráme stĺpcov je možné vidieť ružovú zatiahnutú oblohu s kyvným balónom.

Vo svojich neskorších prácach sa strážca prišla k najväčšej zovšeobecnenie a strucovaniu obrazových fondov. V jednom z posledných vynikajúcich obrazov umelcom, "benátska lagúna" (cca 1790; Miláno, Múzeum Poľsko Petzoli), vykonané v farebných farbách, ale najbohatší v odtieňoch farebného rozsahu, nie je znázornená, okrem Pre opustený zátoky s niekoľkými gondolami a tečúcou mokrým vzduchom, v ktorom sú obrysy viditeľných kostolov a palácov ako tavenie.

Skromný, bez vonkajšieho efektu Malé maľby strážcu nebola dostatočne odhadovaná naraz a zostali v tieni vedľa plného trblietania a nádheru diel Thipolo. Neskôr sa objavilo len mnoho desaťročí, skutočná dôležitosť jej práce bola odhalená, ktoré nie sú len vynikajúcimi pamiatkami Nettaste, ale aj predvídavosť mnohých úspechov realistickej krajiny v odbore 19. storočia.

Súčasne s benátskou školou, ktorá slúžila ako iné školy Talianska.

Najväčším zástupcom Neapolskej školy bol Francesco Solima (1657-1747), vo svojom štýle spojenom s neskorými maľbami 17. storočia. Po zažili vplyvu Lanfranko, Luke Jordano, Pietro a Corton a Petach, Solman pracoval hlavne v oblasti dekoratívnej maľby, maľovanie fresiek Neapolitan cirkvi (San Paolo Maggiore, San Domainnko Maggiore, Jazu Nuovo). Jeho kefy tiež patria k oltárskym obrazom, maľbám na náboženských a alegorických témach a portrétoch.

Veľkolepý scénický spôsob soľných s tmavými hnedými škvrnami kontrastnými so žltými a lilac tónmi a červenými šokmi, jeho dynamické kompozície súčasne nesú odtlačok zvláštneho chladu ako vo výsledku činných osôb, ktorých impulz je zbavený vášnivý patos, ktorý rozlíšil obraz barokových majstrov. Predchádzajúce storočie, a v príchute, kde spoločný dáždnik-sivý tónový papuče.

Medzi jeho študentmi by sme mali zaznamenať JUSEPPE BONITO (1707-1789). Pracujte najprv v duchu solimen, Bonito neskôr sa odohral od neho smerom k žánru domácnosti, ale nemohol sa konečne zlomiť so zásadami dekoratívneho štýlu. Pozemky z jeho obrazov, svetlé, ale trochu chladné vo farbe, sú hlavne karnevalové scény.

V prvej polovici 18. storočia Medzi rôzne umelecké smery Talianska, bolo jasné, že žánrovo demokratické v jej obsahu. Tento smer, ktorý dostal názov pittura della reality od výskumných pracovníkov (reálne svetové maľovanie), kombinované mnoho majstrov, ktorí aplikujú na obraz každodenného života a si vybrali pozemky z ich obrazov s rôznymi domácnosťami a bežnými scénmi. Súčasne s Bonitom, Neapolitan Gaspary Traversary (pracoval medzi 1732 a 1769) - svetlý a zaujímavý umelec, ktorý bol ovplyvnený umením Caravaggio. Rozlišuje sa ostrým svetlom, reliéfnym modelom tvaru, živej, ostré kompozície, temperamentných otočení obrázkov. Jeho najlepšie práce patria k "zraneným" (Benátky, zbierka mosadze), "tajný list" (Neapol, Capodimont Museum), "Kreslenie lekcie" (Viedeň).

Majstri tohto smeru tiež nájdeme v Lombardii, vrátane Bergamo a Brescia. Medzi nimi, Gakomo Francesco Chipper, alebo Todeskin, samozrejme, nemecký, ale celý jeho život pracoval v Taliansku a Lkopo Cheruti (pracoval v druhom štvrťroku 18. storočia). Prvým je autorom mnohých nerovných v kvalite žánrových obrazov zobrazujúcich obuvníkov, hudobníkov, hráčov v kartách, ženy v práci. Yakopo Cherti bol najvýznamnejším zástupcom tohto smeru. Herci jeho obrazov sú takmer vždy pracujúci ľudia. Medzi jeho najlepšie diela patrí "Bundoch" - žena, ktorá vymaže spodné prádlo v kamennom bazéne; Jej tvár s obrovskými smutnými očami adresovanými divákovi (Brescia, Pinakotek). "Žovateľka Negro", "Mladý muž s trubicou", "Žena, Fucked Basket" - Tieto snímky prenášajú živé pozorovanie sa vyznačujú veľkou silou a zmyslom pre umeleckú pravdu. Z ostatných maliarov pešiak pracoval Francesco Londonio v Miláne. V Ríme v prvej polovici 18. storočia. Antonio Amorosi je pridelený, autor scén zo života uchopenia.

Všeobecne platí, že rozvoj tohto smeru v Taliansku bol krátkodobý - jeho demokratické trendy nenašli dlhodobú reakciu a podporu v sociálnom a umeleckom prostredí času.

Rímsky život Rím nebol menej nasýtený ako v Benátkach. Od začiatku 18. storočia sa Rím stal skutočným medzinárodným umeleckým centrom, kde boli nielen umelecké, NUYA vedci, archeológovia, najväčších historikov a spisovateľov v tom čase.

Vykopávky starovekého Ríma, Herculaneum, Pompeje, chrámy Pesteum v južnom Taliansku sa začali pred očami ľudí v čase pokladov starého umenia, ktorý sa stal prístupným zariadením. Vozovec k duchu romantických objavov a prekvapení je Taliansko nezastaviť Manila pre seba a mladých umelcov všetkých krajín a národností, pre ktorých sa cesta do Ríma stala váženým sen, a získanie rímskej ceny - najvyššie ocenenie po rokoch učňovského vzdelávania v stenách akadémií. Veľmi významná úloha pri oboznámenie s históriou starovekého umenie zohrali diela slávneho nemeckého historického umenia z Winelman, vášnivým nadšencom starovekej kultúry, očitých svedkov veľkých archeologických objavov, opis toho, ktorý venoval množstvo jeho Tvorba. Najviac zovšeobecnenejšou z nich bola jeho kniha "História umenia staroveku" (1764), kde sa prvýkrát vysledoval celkový vývoj vývoja gréckeho umenia, ktorého postava Winkelman definoval pojmy "ušľachtilého jednoduchosti a pokojnej veľkosti " Napriek množstvu chýb a nesprávnych odhadov sociálnej a ideologickej podstaty gréckeho umenia, myšlienka, o ktorej by Winkelman mohol dostať hlavne z rímskych kópií z gréckych originálov, jeho kniha bola skutočným objavom pre ľudí z 18. storočia.

Nie je preto prekvapujúce, že talianski umelci rímskej školy nemohli odovzdať staroveké motívy v ich práci. Jedným z nich bol Pompeo Batoni (1708-1787), ktorý napísal niekoľko kompozícií na mytologických a náboženských pozemkoch, vyznačujú sa určitou sofistikovanosťou obrázkov a studenou farbou, - "Fetida dáva Achilla na upbinging" (1771), "Hercules Na križovatke "(1765) (Obaja - Hermitage)," Sušenie Magdalénu "(Drážďany, obrazová galéria).

V Rímskom živote Rímska zohrávala francúzska akadémia tiež veľkú úlohu, ktorá zozbierala mladých maliarov okolo neho, ktorej umelá činnosť bola živšie a plodná, ako bez života, umelo-programová tvorivosť rímskych neoklassicistov, na čele s nemeckým maliarom Raphaelom Mengs. Od francúzskych majstrov v Ríme, maliari Vieen, Gubert Robert, Fragonar, Syufarira, David, sochára Fračník, Architekt Souflo a niekoľko ďalších. Okrem toho bola kolónia nemeckých umelcov. Mnohí z francúzskych majstrov vyvinuli motívy klasickej krajiny, už na 17 V. Najväčší francúzski maliari, ktorí žili v Taliansku, - Pussen a Claude Lorren. V tomto žánru, na par s francúzskym, venetickým Francesco Tsukakarelli (1702-1788), autorom idylických krajín, ako aj zástupca rímskej školy, známej v jeho čase, "Ruinopizer" Giovanni Paolo Panni (1697- \\ t 1764), ktorý zobrazoval nielen rímske vodcov, ale aj rôzne vynikajúce udalosti svojho času, ako aj interiérov cirkví.

Majestátne zrúcaniny Colosseum, chápané kolonády v Pompeiy a Pestem, Mauzóleme, Obeliski, reliéfy, sochy poskytli nekonečné vystavenie umeleckej predstavivosti a prilákal maľby, navrhované osoby a rytvery, ktorí vykonávali voľné skladby na starožitných motívoch, v kombinácii s obrazom scén z každodenného života. "Rím, dokonca aj zničený, učí," Guber Robert napísal na jednom z jeho obrazov. Tieto krajiny si užili obrovský úspech medzi rímskou a francúzskou šľachticou a podobne ako benátskych vodcov, boli v odbore 18. storočia rozšírené.

Ale najvýznamnejším javom v oblasti tohto žánru bolo dielo slávneho majstra architektonického kreslenia, archeológ a rytec Giovanni Battist Piransmi (1720-1778), inšpirovaný jeho architektonickými fantázie, celé generácie umelcov a architektov. Venetský pre narodenie, žil takmer celý svoj život v Ríme, kde mal "neprekonateľnú túžbu preskúmať a vidieť tie známe mestá, kde sa toľko veľkých vecí uskutočnilo, a čerpá svoje pamiatky - svedkovia veľkej minulosti," ako jeho životopis píše.

Štúdie Talianska hlboko vášne štúdie architektonického dedičstva Talianska, Plurány, sa tiež oboznámili s prácou veľkej a rozvetvenej rodiny divadelných architektov a dekorátorov Bibbien - prisťahovalcov z Bologna, ale ktorí pracovali ako väčšina z najviac Sethenate Masters okrem Talianska v rôznych mestách Európy - Baireit, Viedeň, Praha a ďalšie. Ich ošetrovanie a doktrína sľubného ilúzie, ako aj dekoratívnej práce Andrea pozozzo,

Panni, valeriani bratia, mal na neho veľký vplyv. V dielach pirázy je neskorý rímsky barokový spôsob takmer blízky štýlu vznikajúceho klasiky. Záujem o divadelné a dekoratívne kompozície prispeli k zakorenenia v jeho dielach anonymného sľubného vnímania priestoru a hlbokého kontrastného osvetlenia.

Jeden z jej včasných diel publikovaných v rokoch 1745 a 1760, je apartmán od štrnástich veľkých gravítkov "Tomnov" ("Carceri") zobrazujúci nekonečné viacpodlažné klenuté priestory prekrížené nosníky, schody, galérie, zdvíhacie mosty, kde v kontrastoch Z Groky a svetiel visiacich z stropov blokov, páky, laná, kolesá, reťaze sú bizardne zmiešané s troskami starovekých stĺpcov, friezov a bas-reliéfmi. Tieto fantastické kompozície sú pravdepodobne inšpirované modernou divadelnou scenériou PIRASSA, sa líšia v prchavých, ale napriek tomu architektonicky kryštalizovaný priestor je jasne načrtnutý v ich detailoch.

Architektonický jazyk Piracheus sa nemohol aktívne vyjadriť v skutočnej výstavbe Talianska tej doby. "Moderný architekt nemá iného výjazdu, ako vyjadriť svoje vlastné nápady medzi obrázkami sám," napísal piráza, vytvára svoju "imaginárnu architektúru" v samostatnej leptej sérii. Jeho hlavné cykly sú venované majestátnym zariadeniam starovekého Grécka a Ríma.

Nehráčim presnú archeologickú rekonštrukciu pamiatok starovekej architektúry, pyransémi okrem slobodného tlmočenia ich obklopil špeciálnym romantickým halo, ktorý spôsobil ostré výčitky a útočí na neho z moderných vedcov a archeológov. Jeho lepty sú skôr pamätné pamiatky veľkej minulosti Ríma, ktorým uctieval nepokojným vášňou.

V roku 1747, Pirachea vydáva sériu leptních "Typy Ríma", v ktorom dosahuje mimoriadnu monumentálnu architektonické obrazu kvôli maximálnemu prístupu zobrazených budov do popredia zobrazených na to isté s veľmi nízkym uhlom pohľadu. Malé postavy ľudí sa zdajú byť v porovnaní s obrovskými stĺpmi a oblúkmi. Pracujte vždy v technike leptania, pirasemi zmäkčili kontúry hlbokých čiernych a zamatových tieňov, ktoré pripájajú mimoriadnu maľbu na všetky jeho kompozície. V obrazoch rímskych mostov, najmä zdôrazňuje silu starovekých rímskych budov, ktorý prenáša svoju hrdú veľkosť. Rovnaká nálada preniká do leptania "hradu sv. Anjel v Ríme. "

Monumentálny štvorfabumu "Rímske starožitnosti" sa vyznačuje výraznou zemepisnou šírkou materiálu, publikovaná v roku 1756. Patrí k najpozoruhodnejším výtvorom Pirasei, jeho posledný apartmán leptní s druhmi starovekého gréckeho chrámu poseidonu v Pestem. Gravírnacia ihla Piransei vytvára zázraky tu, čo dáva týmto kompozíciami najhlbší obraz v dôsledku harmonického rozloženia svetla a mäkkých čiernych a veľlvenských tieňov. Rozmanitosť hľadísk je tu pozoruhodný: Obrie Colonnades sa objavujú pred divákom v rôznych uhloch, plány na dlhé vzdialenosti sú nepriechodné v mäkkom a teplom vzduchu, v popredí, slobodnom a ľahkom, bez všetkého neporiadku, charakteristika Predtým pyransemi sa úspešne vyplní stavebné ročník - pod sedem z riediacich stĺpcov umelcovia sú umiestnené a milovníci starožitnosti. Časť nedokončených gravdaní tohto cyklu po smrti Piranets dokončil svojho syna Francesco (cca 1758/59-1810), ktorý dal grafickým spôsobom svojho otca.

Umelecké výsledky dosiahnuté majstrov rímskej školy v 18. storočí boli vo všeobecnosti menej významné ako úspech Benátok. Ale jej hlavná zásluha bola propagandou myšlienok starého umenia. A oni, na druhej strane, keď dostali novú sociálnu poukázal, nasýtený hlbokým obsahom a vysokým civilným patosom, slúžili ako silnú stimul pre tvorivosť pokročilých európskych majstrov predvečer novej epochy, ktorá otvára francúzsku buržoáznú revolúciu 1789.