Renesans. Abstrakcyjna kultura muzyczna renesansu Komunikat o kulturze muzycznej renesansu

renesans, lub renesans(fr. renesans), - punkt zwrotny w dziejach kultury narodów europejskich. We Włoszech nowe trendy pojawiły się na przełomie XIII-XIV wieku, w innych krajach europejskich - w XV-XVI wieku. Postacie renesansowe uznały człowieka - jego dobro i prawo do swobodnego rozwoju swojej osobowości - za najwyższą wartość. Ten światopogląd nazywa się „humanizmem” (od łacińskiego humanus - „ludzki”, „humanitarny”). Humaniści szukali ideału harmonijnego człowieka już w starożytności, a starożytna sztuka grecka i rzymska służyła im jako wzór twórczości artystycznej. Chęć "odrodzenia" kultury antycznej dała nazwę całej epoce - Renesansowi, okresowi między średniowieczem a New Age (od połowy XVII wieku do współczesności).

Sztuka, w tym muzyka, najpełniej odzwierciedla światopogląd renesansowy. W tym okresie, a także w średniowieczu prym wiodła wokalna muzyka kościelna. Rozwój polifonii doprowadził do pojawienia się polifonii (od greckiego „polis” – „liczne” i „tło” – „dźwięk”, „głos”). W tego typu polifonii wszystkie głosy w utworze są równe. Polifonia nie tylko skomplikowała dzieło, ale pozwoliła autorowi wyrazić osobiste rozumienie tekstu, nadając muzyce wielką emocjonalność. Polifoniczna kompozycja powstała według ścisłych i skomplikowanych zasad, wymagających od kompozytora głębokiej wiedzy i umiejętności wirtuozowskich. Gatunki kościelne i świeckie rozwijały się w ramach polifonii.

Holenderska szkoła polifoniczna. Holandia to historyczny region w północno-zachodniej Europie, który obejmuje terytoria współczesnej Belgii, Holandii, Luksemburga i północno-wschodniej Francji. Do XV wieku. Holandia osiągnęła wysoki poziom gospodarczy i kulturalny i stała się zamożnym krajem europejskim.

To tutaj ukształtowała się holenderska szkoła polifoniczna - jeden z największych fenomenów muzyki renesansowej. Dla rozwoju sztuki w XV wieku ogromne znaczenie miała komunikacja między muzykami z różnych krajów i wzajemne oddziaływanie szkół twórczych. Szkoła holenderska przyswoiła sobie tradycje Włoch, Francji, Anglii i Holandii.

Jej wybitni przedstawiciele: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (ok. 1400 - 27.11.1474, Cambrai), kompozytor francusko-flamandzki, jeden z założycieli szkoły holenderskiej. Podwaliny pod tradycję polifoniczną w muzyce holenderskiej położył Guillaume Dufay (ok. 1400-1474). Urodził się w Cambrai we Flandrii (prowincja na południu Holandii) i od najmłodszych lat śpiewał w chórze kościelnym. Równolegle przyszły muzyk pobierał prywatne lekcje kompozycji. W młodości Dufay wyjechał do Włoch, gdzie napisał swoje pierwsze kompozycje – ballady i motety. W latach 1428-1437. służył jako śpiewak w kaplicy papieskiej w Rzymie; w tych samych latach podróżował do Włoch i Francji. W 1437 kompozytor otrzymał święcenia kapłańskie. Na dworze księcia Sabaudii (1437-1439) komponował muzykę obrzędową i świąteczną. Dufay był bardzo szanowany przez osoby szlacheckie – wśród jego wielbicieli była na przykład para Medyceuszy (władcy włoskiego miasta Florencja). [Pracował we Włoszech i Francji. W latach 1428-37 był śpiewakiem kaplic papieskich w Rzymie i innych miastach włoskich, w latach 1437-44 służył u księcia Sabaudii. Od 1445 kanonik i kierownik działalności muzycznej katedry w Cambrai. Mistrz gatunków duchowych (3-, 4-głosowych mszy, motetów), a także świeckich (3-, 4-głosowych chanson francuskich, pieśni włoskich, ballad, ronda) związanych z polifonią ludową i humanistyczną kulturą renesansu. Sztuka Dantego, która wchłonęła zdobycze europejskiej sztuki muzycznej, miała wielki wpływ na dalszy rozwój europejskiej muzyki polifonicznej. Był także reformatorem notacji muzycznej (D. przypisuje się wprowadzanie nut z białymi główkami). Kompletne dzieła zebrane D. opublikowane w Rzymie (6 tomów, 1951-66).] Dufay był pierwszym z kompozytorów, który zaczął komponować Mszę jako integralną kompozycję muzyczną. Tworzenie muzyki kościelnej wymaga niezwykłego talentu: umiejętności wyrażania abstrakcyjnych, niematerialnych pojęć za pomocą konkretnych, materialnych środków. Trudność polega na tym, że taka kompozycja z jednej strony nie pozostawia słuchacza obojętnym, a z drugiej nie odwraca uwagi od służby Bożej, pomaga głębiej skupić się na modlitwie. Wiele mas Dufay jest natchnionych, pełnych wewnętrznego życia; wydają się pomagać na chwilę otworzyć zasłonę Boskiego objawienia.

Często przy tworzeniu Mszy Dufay brał znaną melodię, do której dodawał własną. Takie zapożyczenia są charakterystyczne dla renesansu. Za bardzo ważne uznano, aby msza była oparta na znanej melodii, którą wierni mogli łatwo rozpoznać nawet w utworze polifonicznym. Często używano fragmentu chorału gregoriańskiego; Nie wykluczono również dzieł świeckich.

Oprócz muzyki kościelnej Dufay komponował motety do tekstów świeckich. W nich również zastosował złożoną technikę polifoniczną.

Josquin Despres (1440-1521). Przedstawiciel holenderskiej szkoły polifonicznej drugiej połowy XV wieku. był Josquin Despres (ok. 1440-1521 lub 1524), który wywarł wielki wpływ na twórczość kolejnego pokolenia kompozytorów. W młodości służył jako chór kościelny w Cambrai; pobierał lekcje muzyki u Okegema. W wieku dwudziestu lat młody muzyk przybył do Włoch, śpiewał w Mediolanie z książętami Sforzów (później służył tu wielki włoski artysta Leonardo da Vinci) oraz w papieskiej kaplicy w Rzymie. We Włoszech Despres prawdopodobnie zaczął komponować muzykę. Na samym początku XVI wieku. przeniósł się do Paryża. W tym czasie Despres był już znany i został zaproszony na stanowisko nadwornego muzyka przez francuskiego króla Ludwika XII. Od 1503 Despres ponownie osiadł we Włoszech, w mieście Ferrara, na dworze księcia d'Este, Despres dużo komponował, a jego muzyka szybko zdobyła uznanie w najszerszych kręgach: kochała ją zarówno szlachta, jak i pospólstwo. Kompozytor tworzył nie tylko dzieła kościelne, ale także świeckie, w szczególności zwrócił się ku gatunkowi włoskiej pieśni ludowej – frottola (wł. frottola, od frotta – „tłum”), która charakteryzuje się tanecznym rytmem i szybkim tempem ., żywa intonacja złamała surowy dystans i wywołała uczucie radości i pełni bytu....

Johannes Okegem (1430-1495), Jakub Obrecht (1450-1505). Młodszymi współcześni Guillaume Dufay byli Johannes (Jean) Okegem (około 1425-1497) i Jacob Obrecht. Podobnie jak Dufay, Okegem pochodził z Flandrii. Całe życie ciężko pracował; oprócz komponowania muzyki pełnił funkcję kierownika kaplicy. Kompozytor stworzył piętnaście mszy, trzynaście motetów, ponad dwadzieścia chanson. Dzieła Okegema charakteryzują się surowością, skupieniem i długotrwałym rozwojem płynnych linii melodycznych. Przywiązywał dużą wagę do techniki polifonicznej, dążył do tego, aby wszystkie części mszy były postrzegane jako jedna całość. W jego pieśniach odgaduje się także twórcze pismo kompozytora - są one niemal pozbawione świeckiej lekkości, charakterem bardziej przypominają motety, a czasem nawet fragmenty mszy. Johannes Okegem cieszył się szacunkiem w kraju i za granicą (został mianowany doradcą króla Francji). Jakub Obrecht był chórzystą w katedrach w różnych miastach Niderlandów, prowadził kaplice; przez kilka lat służył na dworze księcia d'Este w Ferrarze (Włochy).Jest autorem dwudziestu pięciu mszy, dwudziestu motetów, trzydziestu chanson. Wykorzystując dorobek swoich poprzedników, Obrecht wniósł wiele nowych rzeczy tradycję polifoniczną, jego muzyka pełna jest kontrastów, śmiałych nawet wtedy, gdy kompozytor zwraca się do tradycyjnych gatunków kościelnych.

Wszechstronność i głębia kreatywności Orlando Lasso. Dopełnieniem historii muzyki holenderskiego renesansu jest dzieło Orlando Lasso (prawdziwe imię i nazwisko Roland de Lasso, ok. 1532-1594), nazywanego przez współczesnych „belgijskim Orfeuszem” i „księciem muzyki”. Lasso urodził się w Mons (Flandria). Od dzieciństwa śpiewał w chórze kościelnym, uderzając w parafian wspaniałym głosem. Gonzaga, książę włoskiego miasta Mantua, przypadkowo słysząc młodego śpiewaka, zaprosił go do własnej kaplicy. Po Mantui Lasso pracował przez krótki czas w Neapolu, a następnie przeniósł się do Rzymu – tam otrzymał stanowisko kierownika kaplicy jednej z katedr. W wieku dwudziestu pięciu lat Lasso był już znany jako kompozytor, a jego dzieła cieszyły się zainteresowaniem wydawców muzycznych. W 1555 roku ukazał się pierwszy zbiór utworów, zawierający motety, madrygały i chanson. Lasso przestudiował wszystko, co najlepsze, co stworzyli jego poprzednicy (kompozytorzy holenderscy, francuscy, niemieccy i włoscy) i wykorzystał ich doświadczenie w swojej twórczości. Jako osoba niezwykła, Lasso starał się przezwyciężyć abstrakcyjny charakter muzyki kościelnej, nadać jej indywidualność. Kompozytor wykorzystywał w tym celu niekiedy motywy gatunkowe (tematyka pieśni ludowych, tańców), zbliżając w ten sposób tradycje kościelne i świeckie. Lasso łączył złożoność techniki polifonicznej z wielką emocjonalnością. Szczególnie odnosił sukcesy na madrygałach, w których tekstach ujawniał się stan ducha bohaterów, np. Łzy św. Piotra” (1593) do wierszy włoskiego poety Luigiego Tranzillo. liczba głosów (od pięciu do siedmiu), więc jego utwory są trudne do wykonania...

Od 1556 roku Orlando Lasso mieszkał w Monachium (Niemcy), gdzie kierował kaplicą. Pod koniec życia jego autorytet w kręgach muzycznych i artystycznych był bardzo wysoki, a sława rozeszła się po całej Europie. Holenderska szkoła polifoniczna miała wielki wpływ na rozwój kultury muzycznej Europy. Zasady polifonii wypracowane przez kompozytorów holenderskich stały się uniwersalne, a wiele technik artystycznych zostało wykorzystanych w ich twórczości przez kompozytorów już w XX wieku.

Francja. Dla Francji wieki XV-XVI stały się erą ważnych zmian: wojna stuletnia (1337-1453) z Anglią zakończyła się pod koniec XV wieku. zjednoczenie państwa zostało zakończone; w XVI wieku kraj doświadczył wojen religijnych między katolikami a protestantami. W silnym państwie z monarchią absolutną rosła rola uroczystości dworskich i świąt ludowych. Przyczyniło się to do rozwoju sztuki, w szczególności muzyki towarzyszącej takim wydarzeniom. Wzrosła liczba zespołów wokalno-instrumentalnych (kaplic i małżonków), które składały się ze znacznej liczby wykonawców. Podczas kampanii wojennych we Włoszech Francuzi zapoznali się z dorobkiem kultury włoskiej. Głęboko odczuli i zaakceptowali idee włoskiego renesansu - humanizmu, pragnienie harmonii z otaczającym ich światem, cieszenia się życiem.

O ile we Włoszech renesans muzyczny kojarzony był przede wszystkim z mszą, to kompozytorzy francuscy, obok muzyki kościelnej, zwracali szczególną uwagę na świecką pieśń polifoniczną – chanson. Zainteresowanie nią we Francji pojawiło się w pierwszej połowie XVI wieku, kiedy ukazał się zbiór utworów muzycznych Klemensa Janekina (ok. 1485-1558). To właśnie ten kompozytor uważany jest za jednego z twórców gatunku.

Główne utwory programowe chóralne Clementa Janequina (1475-1560). Jako dziecko Jeannequin śpiewał w chórze kościelnym w swoim rodzinnym mieście Chatellerault (środkowa Francja). Później, według historyków muzyki, studiował u holenderskiego mistrza Josquina Despreza lub kompozytora z jego otoczenia. Po otrzymaniu święceń kapłańskich Zhaneken pracował jako kierownik chóru i organista; następnie został zaproszony na nabożeństwo przez księcia Guise. W 1555 muzyk został śpiewakiem Kaplicy Królewskiej, a w latach 1556-1557. - kompozytor nadworny królewski. Clement Jeannequin stworzył dwieście osiemdziesiąt chanson (opublikowany w latach 1530-1572); pisał muzykę kościelną - msze, motety, psalmy. Jego piosenki były często obrazowe. Obrazy bitewne („Bitwa pod Marignano”, „Bitwa pod Rentą”, „Bitwa pod Metz”), sceny myśliwskie („Polowanie”), obrazy natury („Śpiew ptaków”, „Słowik” , "Skowronek" ), sceny codzienne ("Kobiece paplaniny"). Z niezwykłą plastycznością kompozytorowi udało się oddać atmosferę codzienności Paryża w piosence „Screams of Paris”: wprowadził do tekstu okrzyki sprzedawców („Mleko!” – „Pies!” – „Karczochy!” – „Ryba!” – „Zapałki!” – „Gołębie!” – „Stare buty!” – „Wino!”). Janequin prawie nie stosował długich i płynnych tematów dla pojedynczych głosów i skomplikowanych technik polifonicznych, preferując apele, repetycje, onomatopeje.

Inny kierunek muzyki francuskiej związany jest z ogólnoeuropejskim ruchem reformacyjnym.

W nabożeństwach francuscy protestanci (hugenoci) porzucili łacinę i polifonię. Muzyka sakralna nabrała bardziej otwartego, demokratycznego charakteru. Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli tej tradycji muzycznej był Claude Gudimel (w latach 1514-1520-1572) - autor psalmów do tekstów biblijnych i śpiewów protestanckich.

Chanson. Jednym z głównych gatunków muzycznych francuskiego renesansu jest chanson (francuski chanson - „piosenka”). Jej początki sięgają sztuki ludowej (rymowane wersety epickich legend zostały przeniesione do muzyki), sztuki średniowiecznych trubadurów i truwerów. Pod względem treści i nastroju chanson mógł być bardzo zróżnicowany – były pieśni miłosne, codzienne, humorystyczne, satyryczne itp. Kompozytorzy brali za teksty wiersze ludowe i poezję współczesną.

Włochy. Wraz z nadejściem renesansu we Włoszech rozpowszechniło się codzienne muzykowanie na różnych instrumentach; powstały kręgi melomanów. Na polu zawodowym powstały dwie najpotężniejsze szkoły: rzymska i wenecka.

Madrygala. W okresie renesansu wzrosła rola gatunków świeckich. W XIV wieku. madrygał pojawił się w muzyce włoskiej (od pozlnelat. matricale – „pieśń w języku ojczystym”). Powstał na podstawie pieśni ludowych (pasterskich). Madrygały były pieśniami na dwa lub trzy głosy, często bez akompaniamentu instrumentalnego. Zostały napisane na wierszach współczesnych włoskich poetów, które opowiadały o miłości; były pieśni o tematyce codziennej i mitologicznej.

W XV wieku kompozytorzy prawie nigdy nie zwracali się ku temu gatunkowi; zainteresowanie nim odrodziło się dopiero w XVI wieku. Cechą charakterystyczną XVI-wiecznego madrygału jest ścisły związek muzyki z poezją. Muzyka elastycznie podążała za tekstem, odzwierciedlając wydarzenia opisane w poetyckim źródle. Z biegiem czasu rozwinęły się osobliwe symbole melodyczne, oznaczające czułe westchnienia, łzy itp. W twórczości niektórych kompozytorów symbolika była filozoficzna, na przykład w madrygale Gesualdo di Venosa „Umieram nieszczęśliwy” (1611).

Rozkwit gatunku przypada na przełom XVI-XVII wieku. Czasami, jednocześnie z wykonaniem piosenki, rozgrywała się jej fabuła. Madrigal stał się podstawą komedii madrygałowej (kompozycja chóralna oparta na tekście dramatu komediowego), która przygotowała pojawienie się opery.

Rzymska szkoła polifoniczna. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Kierownikiem szkoły rzymskiej był Giovanni Pierluigi da Palestrina, jeden z największych kompozytorów renesansu. Urodził się we włoskim mieście Palestrina, od którego imię otrzymał swoje nazwisko. Od dzieciństwa Palestrina śpiewał w chórze kościelnym, a po osiągnięciu dorosłości został zaproszony na stanowisko dyrygenta (lidera chóru) w Bazylice św. Piotra w Rzymie; później służył w Kaplicy Sykstyńskiej (nadwornej kaplicy papieskiej).

Rzym, centrum katolicyzmu, przyciągał wielu czołowych muzyków. W różnych okresach pracowali tu holenderscy mistrzowie, polifoniści Guillaume Dufay i Josquin Despres. Rozwinięta przez nich technika kompozytorska czasami zakłócała ​​percepcję tekstu nabożeństwa: ginął on za kunsztownym przeplataniem się głosów i właściwie nie było słychać słów. Dlatego władze kościelne nieufnie podchodziły do ​​takich utworów i opowiadały się za powrotem monofonii opartej na chorałach gregoriańskich. Kwestia dopuszczalności polifonii w muzyce kościelnej była dyskutowana nawet na Soborze Trydenckim Kościoła Katolickiego (1545-1563). W pobliżu Papieża Palestrina przekonywała przywódców Kościoła o możliwości tworzenia dzieł, w których technika kompozytorska nie będzie kolidować z rozumieniem tekstu. Jako dowód skomponował Mszę papieża Marcello (1555), która łączy złożoną polifonię z czystym i wyrazistym brzmieniem każdego słowa. W ten sposób muzyk „ocalił” profesjonalną muzykę polifoniczną przed prześladowaniami władz kościelnych. W 1577 roku kompozytor został zaproszony do omówienia stopniowej reformy – zbioru śpiewów sakralnych Kościoła katolickiego. W latach 80. Palestrina została wyświęcona, aw 1584 roku została członkiem Towarzystwa Mistrzów Muzyki - stowarzyszenia muzyków bezpośrednio podległych Papieżowi.

Kreatywność Palestriny jest przepojona jasnym nastawieniem. Tworzone przez niego dzieła zadziwiały współczesnych zarówno najwyższą kunsztem, jak i ilością (ponad sto mszy, trzysta motetów, sto madrygałów). Złożoność muzyki nigdy nie była przeszkodą w jej odbiorze. Kompozytor potrafił znaleźć kompromis między wyrafinowaniem kompozycji a ich przystępnością dla słuchacza. Palestrina widziała główne zadanie twórcze w opracowaniu integralnego dużego dzieła. Każdy głos w jego pieśniach rozwija się niezależnie, ale jednocześnie tworzy z resztą jedną całość, a często głosy składają się na niezwykle piękne kombinacje akordów. Często melodia górnego głosu unosi się nad innymi, zarysowując „kopułę” polifonii; wszystkie głosy są płynne i rozwinięte.

Muzycy kolejnego pokolenia uważali twórczość Giovanniego da Palestrina za wzorcową, klasyczną. Na jego twórczości studiowało wielu wybitnych kompozytorów XVII-XVIII wieku.

Inny kierunek muzyki renesansowej wiąże się z twórczością kompozytorów szkoły weneckiej, której założycielem był Adrian Villart (ok. 1485-1562). Jego uczniami byli organista i kompozytor Andrea Gabrieli (w latach 1500-1520 - po 1586), kompozytor Cyprian de Pope (1515 lub 1516-1565) i inni muzycy. Podczas gdy dzieła Palestriny charakteryzują się przejrzystością i ścisłą powściągliwością, Willart i jego zwolennicy wypracowali wspaniały styl chóralny. Aby uzyskać dźwięk przestrzenny, grając barwy, w swoich kompozycjach wykorzystali kilka chórów, rozmieszczonych w różnych miejscach świątyni. Zastosowanie apeli między chórami pozwoliło na wypełnienie przestrzeni kościelnej niespotykanymi dotąd efektami. Takie podejście odzwierciedlało także humanistyczne ideały epoki jako całości - z jej pogodą ducha, wolnością i samą wenecką tradycją artystyczną - z jej dążeniem do wszystkiego, co jasne i niezwykłe. W twórczości weneckich mistrzów język muzyczny również stał się bardziej skomplikowany: wypełniony był odważnymi zestawieniami akordów, nieoczekiwanymi harmoniami.

Uderzającą postacią renesansu był Carlo Gesualdo di Venosa (ok. 1560-1613), książę miasta Venosa, jeden z największych mistrzów świeckiego madrygału. Zyskał sławę jako filantrop, lutnista, kompozytor. Książę Gesualdo przyjaźnił się z włoskim poetą Torquato Tasso; wciąż istnieją ciekawe listy, w których obaj artyści poruszają zagadnienia literatury, muzyki i sztuk pięknych. Tasso Gesualdo di Venosa transponował wiele wierszy na muzykę - tak powstało szereg wysoce artystycznych madrygałów. Jako przedstawiciel późnego renesansu kompozytor wypracował nowy typ madrygału, w którym na pierwszym miejscu znalazły się uczucia – gwałtowne i nieprzewidywalne. Dlatego jego utwory charakteryzują się zmianami głośności, intonacji, podobnymi do westchnień, a nawet szlochów, ostro brzmiących akordów, kontrastujących zmian tempa. Techniki te nadały muzyce Gesualda wyrazisty, nieco dziwaczny charakter, zadziwiały, a jednocześnie przyciągały współczesnych. Na spuściznę Gesualdo di Venosa składa się siedem zbiorów madrygałów polifonicznych; wśród dzieł duchowych - "Sacred Chants". Jego muzyka nie pozostawia dziś słuchacza obojętnym.

Rozwój gatunków i form muzyki instrumentalnej. W muzyce instrumentalnej pojawiły się także nowe gatunki, przede wszystkim koncert instrumentalny. Skrzypce, klawesyn, organy stopniowo przekształciły się w instrumenty solowe. Napisana dla nich muzyka pozwoliła pokazać talent nie tylko kompozytorowi, ale i wykonawcy. Doceniana była przede wszystkim wirtuozeria (umiejętność radzenia sobie z trudnościami technicznymi), która stopniowo dla wielu muzyków stała się celem samym w sobie i wartością artystyczną. Kompozytorzy XVII-XVIII wieku zwykle nie tylko komponowali muzykę, ale także po mistrzowsku grali na instrumentach i prowadzili działalność pedagogiczną. Dobro artysty w dużej mierze zależało od konkretnego klienta. Z reguły każdy poważny muzyk starał się o miejsce na dworze monarchy lub zamożnej arystokraty (wielu członków szlachty miało własne orkiestry lub opery), albo w świątyni. Co więcej, większość kompozytorów z łatwością łączyła muzykowanie kościelne z nabożeństwem dla świeckiego patrona.

Anglia. Życie kulturalne Anglii w okresie renesansu było ściśle związane z reformacją. W XVI wieku w całym kraju rozprzestrzenił się protestantyzm. Kościół katolicki utracił swoją dominującą pozycję, Kościół anglikański stał się państwowym, które odmówiło uznania niektórych dogmatów (podstawowych przepisów) katolicyzmu; większość klasztorów przestała istnieć. Wydarzenia te wpłynęły na kulturę angielską, w tym na muzykę. Otwarto wydziały muzyczne na uniwersytetach w Oxfordzie i Cambridge. W salonach szlacheckich grano na instrumentach klawiszowych: virginel (rodzaj klawesynu), przenośnych (małych) organach itp. Popularne były drobne kompozycje przeznaczone do domowego grania. Najwybitniejszym przedstawicielem ówczesnej kultury muzycznej był William Bird (1543 lub 1544-1623) – wydawca muzyczny, organista i kompozytor. Bird stał się przodkiem angielskiego madrygału. Jego prace wyróżnia prostota (unikał skomplikowanych technik polifonicznych), oryginalność formy podążającej za tekstem oraz swoboda harmoniczna. Wszystkie środki muzyczne mają na celu afirmację piękna i radości życia, w przeciwieństwie do średniowiecznej surowości i powściągliwości. Kompozytor miał wielu zwolenników w gatunku madrygałów.

Bird tworzył także utwory duchowe (msze, psalmy) oraz muzykę instrumentalną. W swoich kompozycjach na Virginel wykorzystywał motywy z pieśni i tańców ludowych.

Kompozytorowi bardzo zależało na tym, by pisana przez niego muzyka „szczęśliwie niosła choć odrobinę czułości, relaksu i rozrywki” – tak napisał William Bird w przedmowie do jednej ze swoich kolekcji muzycznych.

Niemcy. Związek niemieckiej kultury muzycznej z ruchem reformacyjnym. W XVI wieku w Niemczech rozpoczęła się reformacja, która znacząco zmieniła życie religijne i kulturalne kraju. Przywódcy reformacji byli przekonani o potrzebie zmian w muzycznej treści kultu. Wynikało to z dwóch powodów. Do połowy XV wieku. polifoniczna umiejętność kompozytorów zajmujących się gatunkami muzyki kościelnej osiągnęła niezwykłą złożoność i wyrafinowanie. Niekiedy powstawały utwory, które ze względu na bogactwo melodyczne głosów i rozwlekłe śpiewy nie były w stanie dostrzec i duchowo przeżyć większości parafian. Ponadto nabożeństwo odbywało się po łacinie, zrozumiałej dla Włochów, ale obcej Niemcom.

Założyciel ruchu reformacyjnego Marcin Luter (1483-1546) uważał, że potrzebna jest reforma muzyki kościelnej. Muzyka, po pierwsze, powinna sprzyjać aktywniejszemu uczestnictwu parafian w nabożeństwie (nie było to możliwe przy wykonywaniu utworów polifonicznych), a po drugie powinna wzbudzać empatię dla wydarzeń biblijnych (co utrudniało prowadzenie nabożeństwa po łacinie). Tym samym na śpiew kościelny nałożono następujące wymagania: prostota i klarowność melodii, równy rytm, klarowna forma śpiewu. Na tej podstawie powstał śpiew protestancki - główny gatunek muzyki kościelnej niemieckiego renesansu. W 1522 roku Luter przetłumaczył Nowy Testament na język niemiecki – odtąd możliwe stało się odprawianie nabożeństw w ich ojczystym języku.

Sam Luter, a także jego przyjaciel, niemiecki teoretyk muzyki Johann Walter (1490-1570), brali czynny udział w doborze melodii do chorałów. Głównym źródłem takich melodii były ludowe pieśni duchowe i świeckie - powszechnie znane i łatwe do zrozumienia. Luter sam skomponował melodie do niektórych chorałów. Jedna z nich „Pan naszym wsparciem” stała się symbolem reformacji w okresie wojen religijnych XVI wieku.

Meistersingers i ich sztuka. Kolejna jasna strona niemieckiej muzyki renesansowej wiąże się z twórczością Meistersingera (niem. Meistersinger - „mistrz śpiewak”) - śpiewaków poetów spośród rzemieślników. Nie byli to zawodowi muzycy, ale przede wszystkim rzemieślnicy – ​​rusznikarze, krawcy, szklarze, szewcy, piekarze itp. W miejskim związku takich muzyków byli przedstawiciele różnych rzemiosł. W XVI wieku stowarzyszenia Meistersinger istniały w wielu miastach w Niemczech.

Meistersingers komponowali swoje piosenki według ścisłych zasad, twórcza inicjatywa była krępowana wieloma ograniczeniami. Początkujący musiał najpierw opanować te zasady, potem nauczyć się wykonywać piosenki, potem komponować teksty do cudzych melodii i dopiero wtedy mógł stworzyć własną piosenkę. Za melodie uważano melodie słynnych meistersingers i minnesingers.

Wybitny Meistersinger XVI wieku Hans Sachs (1494-1576) pochodził z rodziny krawieckiej, ale w młodości opuścił dom rodzinny i wyjechał w podróż po Niemczech. Podczas swoich wędrówek młodzieniec nauczył się rzemiosła szewskiego, ale przede wszystkim poznał sztukę ludową. Sachs był dobrze wykształcony, doskonale znał literaturę starożytną i średniowieczną, czytał Biblię w tłumaczeniu na język niemiecki. Był głęboko przesiąknięty ideami reformacji, pisał więc nie tylko pieśni świeckie, ale także duchowe (łącznie około sześciu tysięcy pieśni). Hans Sachs zasłynął także jako dramaturg (patrz artykuł „Sztuka teatralna renesansu”).

Instrumenty muzyczne renesansu. W okresie renesansu skład instrumentów muzycznych znacznie się poszerzył, dodano nowe odmiany do już istniejących strun i instrumentów dętych. Wśród nich szczególne miejsce zajmują altówki - rodzina smyczkowych strun, uderzająca swoim pięknem i szlachetnością brzmienia. Formą przypominają instrumenty współczesnej rodziny skrzypiec (skrzypce, altówka, wiolonczela), a nawet uważane są za ich bezpośrednich poprzedników (współistniały w praktyce muzycznej do połowy XVIII wieku). Jednak różnica i znacząca nadal istnieje. Altówki mają system rezonujących strun; z reguły jest ich tyle, ile głównych (od sześciu do siedmiu). Wibracje rezonujących strun sprawiają, że altówka brzmi miękko, aksamitnie, ale instrument ten jest trudny do wykorzystania w orkiestrze, gdyż szybko się rozstraja ze względu na dużą liczbę strun.

Dźwięk altówki przez długi czas był uważany za przykład wyrafinowania w muzyce. Istnieją trzy główne typy w rodzinie altówek. Viola da gamba to duży instrument, który wykonawca ustawia pionowo i zaciska z boków stopami (wł. gamba oznacza „kolano”). Dwie inne odmiany - viola da braccio (z wł. braccio - "przedramię") i viol d "cupid (fr. Viole d" amour - "viola of love") były zorientowane poziomo, a podczas grania były dociskane do ramienia. Viola da gamba jest bliska wiolonczeli pod względem zakresu brzmienia, viola da braccio jest bliska skrzypcom, a viol d „amorek jest blisko altówki.

Wśród renesansowych instrumentów szarpanych główne miejsce zajmuje lutnia (polska lutnia, od arabskiego „alud” – „drzewo”). Do Europy przybył z Bliskiego Wschodu pod koniec XIV wieku, a na początku XVI wieku istniał ogromny repertuar dla tego instrumentu; przede wszystkim śpiewano pieśni przy akompaniamencie lutni. Lutnia ma krótki korpus; górna część jest płaska, a dolna przypomina półkulę. Do szerokiej szyjki przymocowana jest podstrunnica, a główka instrumentu jest wygięta do tyłu prawie pod kątem prostym. Jeśli chcesz, możesz zobaczyć podobieństwo do miski w przebraniu lutni. Dwanaście strun pogrupowanych jest w pary, a dźwięk wydobywany jest zarówno palcami, jak i specjalną płytką – kostką.

W XV-XVI wieku powstały różne rodzaje klawiatur. Główne rodzaje takich instrumentów - klawesyn, klawikord, klawesyn, klawesyn, dziewilec - były aktywnie wykorzystywane w muzyce renesansu, ale ich prawdziwy rozkwit nastąpił później.

Estetyka renesansu kojarzy się z wielką rewolucją, jaka dokonuje się w tej epoce we wszystkich dziedzinach życia publicznego: w ekonomii, ideologii, kulturze, nauce i filozofii. Rozkwit kultury miejskiej, wielkie odkrycia geograficzne, które ogromnie poszerzyły horyzonty człowieka, przejście od rzemiosła do manufaktury należą do tego czasu.

Rewolucyjny rozwój sił wytwórczych, dezintegracja stanu feudalnego i stosunków sklepowych, które krępowały produkcję, prowadzą do emancypacji jednostki, stwarzają warunki do jej swobodnego i powszechnego rozwoju. Niewątpliwie wszystko to nie mogło nie wpłynąć na charakter światopoglądu. W okresie renesansu następuje radykalne załamanie średniowiecznego systemu światopoglądowego i formowanie się nowej, humanistycznej ideologii. Proces ten znajduje odzwierciedlenie również w estetyce muzycznej. Już XIV wiek obfitował w symptomy przebudzenia nowego estetycznego światopoglądu. Sztuka i estetyka Ars nova, traktatów Johna de Groheo i Marchetta z Padwy, stopniowo zburzyły tradycyjny system średniowiecznej teorii muzyki. Podważono tu teologiczny pogląd na muzykę, oparty na rozpoznaniu pewnego niepojętego sensu muzyki niebieskiej. Jednak wielowiekowa tradycja średniowiecznej teorii muzyki nie została całkowicie zniszczona. Minęło kolejne stulecie, zanim estetyka muzyczna w końcu uwolniła się od tradycyjnych ram, które ją krępowały.

Estetyka muzyczna renesansu w interpretacji pytania o cel muzyki opiera się na realnej praktyce, charakteryzującej się niezwykłym rozwojem muzyki w życiu publicznym. W tym czasie w miastach Włoch, Francji, Niemiec powstały setki kręgów muzycznych, w których entuzjastycznie uczą się kompozycji lub gry na różnych instrumentach muzycznych. Posiadanie muzyki i znajomość jej stają się niezbędnymi elementami kultury świeckiej i świeckiej edukacji. Słynny włoski pisarz Baldazare Castiglione w swoim traktacie „O dworzanach” (1518) pisze, że człowiek nie może być dworzaninem „jeśli nie jest muzykiem, nie umie czytać muzyki z widzenia i nie wie nic o różnych instrumentach ”. O niezwykłej dominacji muzyki w życiu cywilnym XVI wieku świadczy ówczesne malarstwo. W licznych obrazach przedstawiających życie prywatne szlachty nieustannie spotykamy setki osób zajmujących się muzyką: śpiewem, grą, tańcem, improwizacją itp.

Najwcześniejsza kultura renesansu powstała i rozwinęła się we Włoszech. Wiek renesansu to tu potężny rozwój poezji i muzyki ludowej, w której główną rolę odgrywają najbogatsze tradycje pieśniarstwa w takich gatunkach jak lauda, ​​frottola i vilanella. Kacchia stała się nie mniej popularnym gatunkiem w codziennej muzyce miejskiej, prezentując zazwyczaj soczystą scenę gatunkową z wykorzystaniem dominujących intonacji w tekście i muzyce - aż po krzyki handlarzy i sprzedawców. Kacchii często towarzyszył okrągły taniec. Ballada włoska jest także szeroko rozpowszechnionym gatunkiem tekstów pieśni i tańca, związanym z solowym i chóralnym wykonawstwem (we Francji w tym czasie gatunek viirele miał podobne cechy). Intonacje pieśni ludowej, pewna waga zasady melodycznej, inwencja faktury - te cechy świeckiej muzyki codziennej przenikają także do muzyki sakralnej, aż do mszy polifonicznych.

Melodyczno-melodyczny charakter muzyki wiązał się z tym, że we Włoszech szybko rozwinęły się tradycje muzykowania solowego i zespołowego na smyczkowych instrumentach strunowych. Ogólnie rzecz biorąc, szerokie rozpowszechnienie muzyki instrumentalnej przyczyniło się do powstania magazynu homofonicznego i funkcjonalnej harmonii.

Zanim skrzypce pojawiły się w kręgach muzycznych Włoch (w ostatniej ćwierci XVI w.) i zaczęła się rozwijać produkcja skrzypiec mistrzów Cremony Amatiego, Stradivariego, Guarneriego i innych, lutnia (najsłynniejszy kompozytor-lutnista jest Francesco Milano), altówka, gitara hiszpańska, teorba (duża lutnia basowa).

Umiejętność gry na skrzypcach ukształtowała się po raz pierwszy w twórczości B. Donatiego, L. Viadana, G. Giacomelliego (słynął z umiejętności długiego smyczkowania i techniki legato). Nowy krok w rozwoju gry na skrzypcach wiąże się z twórczością C. Monteverdiego, który rozwija technikę pasażową, wykorzystuje tremolo, pizzicato, wzbogaca dynamikę o kontrasty biegunowe pp i ff.

Wielkie ożywienie nastąpiło na polu gry na organach i klawesynach. Od lat 40. W XVI wieku gwałtownie wzrosła liczba zbiorów organów i pojawiła się cała plejada wybitnych organistów – Villaert, Andrea i Giovanni Gabrieli, Claudio Merulo, Cavazzoni. Ci mistrzowie kładą podwaliny włoskiej sztuki organowej i tworzą gatunki muzyki instrumentalnej – richercar, canzona, toccata.

W wykonaniu klawesynowym w szerokim zakresie wykorzystywane są tańce codzienne, aranżacje popularnych pieśni świeckich. Wybitnym kompozytorem-improwizatorem organowym i clavier był Girolamo Frescobaldi, w którego twórczości pojawiły się całe zbiory muzyki klawesynowej - cykle taneczne.

Włoską szkołę kompozytorską reprezentuje również działalność profesjonalnych polifonistów - Adriana Villaerta i jego uczniów Cipriana de Rore, Andrei i Giovanni Gabrieli, Giovanniego Pierluigiego da Palestrina. Ich spuścizna twórcza jest różnorodna i składa się głównie z wokalnych utworów polifonicznych - dziesiątek mszy, madrygałów duchowych i świeckich, motetów, które wykonywał głównie chór a cappella.

Silny rozwój polifonii w Holandii tłumaczy się bogactwem polifonii ludowej i obecnością specjalnych szkół-akademików dla śpiewaków (metriz) przy katedrach bogatych holenderskich miast.

Do holenderskiej szkoły polifonicznej należało kilka pokoleń kompozytorów. Ich działalność odbywała się nie tylko w Holandii, która w tym czasie obejmowała tereny współczesnej Belgii, Luksemburg, południowo-zachodnią Holandię i północną Francję (stąd inna nazwa szkoły - francusko-flamandzka). Główni przedstawiciele szkoły holenderskiej pracowali owocnie w Rzymie (Dufay, Obrecht, Joskin) i innych miastach (Villaertes, Rohr - w Wenecji, Isaac - w Austrii i Niemczech, Benshua - w Dijon na dworze burgundzkim).

Szkoła holenderska uogólniła wielowiekowy rozwój polifonii we wszystkich krajach europejskich. Chociaż muzyka kościelna niewątpliwie zajmowała czołowe miejsce w twórczości tych mistrzów, nie zajmowali

mniej, obok dzieł duchowych, kompozytorzy napisali wiele świeckich pieśni polifonicznych, które odzwierciedlały bogaty świat idei i uczuć charakterystycznych dla renesansu.

Najbardziej monumentalnym gatunkiem twórczości holenderskich polifonistów była msza, w której dokonała się kwintesencja zasad ścisłej polifonii. Działalność każdego mistrza ujawnia jednak nowatorskie cechy związane z poszukiwaniem wyjścia poza ustalone kanony wyrazu. Oparcie się na istniejącym materiale pieśniowo-tanecznym, wzajemne oddziaływanie gatunków duchowych i świeckich prowadzi do stopniowego wydzielania głosu melodycznego w polifonii, do powstania akordowego myślenia wertykalnego i funkcjonalnego.

Zwieńczeniem XVI-wiecznej holenderskiej polifonii była twórczość Orlando Lasso. To w jego twórczości koncentrowały się najszersze zainteresowania gatunkowe renesansu: hołdował niemal wszystkim formom wokalnym swoich czasów – madrygałowi, mszy, motecie, francuskiej chanson, a nawet niemieckiej pieśni polifonicznej. Dzieła kompozytora pełne są żywych obrazów, mają jasną melodię, urozmaicony reliefowy rytm, konsekwentnie rozwijany plan harmoniczny, co zapewniało ich niezwykłą popularność (były wielokrotnie wykorzystywane przez innych kompozytorów do aranżacji lutniowych i organowych).

Rozwój trendów renesansowych i kształtowanie się francuskiej kultury narodowej zarysowano już w XIV wieku. Wybitnymi przedstawicielami sztuki wczesnego renesansu w muzyce francuskiej byli Philippe de Vitry i Guillaume de Machaut, którzy pozostawili po sobie wielką spuściznę w gatunkach virel, le, rondo ballad.

Głęboko żywotny i realistyczny był najbardziej charakterystyczny dla francuskiej sztuki muzycznej gatunek chanson, czyli polifoniczna forma pieśni z tekstem świeckim i zazwyczaj melodiami ludowymi. To właśnie w tym gatunku najdobitniej przejawiały się nowe cechy renesansu w treści, fabule i cechach środków wyrazu.

Francuski chanson z XV-XVI wieku jest rodzajem „encyklopedii” francuskiego stylu życia tamtych czasów. Jego treść jest zróżnicowana i może być narracyjna, liryczna, intymna, smutna, komiczna, opisowa, szarmancka. Charakterystyczna jest również różnorodność ich skal - od kilku taktów do 42 stron.

Prostota i bezpośredniość środków wyrazowych, cykliczność konstrukcji z pewnymi zakończeniami na D i T, technika solówki, którą podchwytuje cały zespół – to typowe cechy gatunku, którego muzyka przypomina niekiedy folk. taneczna, liryczno-epicka melodia czy radosna, uliczna piosenka miejska – pierwowzór przyszłego wodewilu. Muzyka chanson charakteryzuje się naciskiem na podstawę rytmiczną, czasami charakteryzuje się wersem lub okrągłym kształtem, do akompaniamentu można użyć instrumentów ludowych.

Najwybitniejszym kompozytorem francuskiego renesansu był Clement Jannequin, w którego twórczości znalazły odzwierciedlenie zarówno subtelne teksty miłosne (w pieśniach do tekstów poety Ronsarda), jak i ekspresja nastrojów smutku i żalu oraz pełne zabawy sceny ludowej zabawy. życie i ruch. Jego spuścizna zwraca szczególną uwagę na duże programowe pieśni chóralne fantasy, pełne pomysłowości i dowcipnych odkryć w dziedzinie pisarstwa chóralnego. W nich Zhaneken barwnie przedstawił życie i codzienność swoich czasów. Najbardziej znane to „Bitwa”, „Polowanie”, „Ptasia pieśń”, „Ulica okrzyków Paryża”.

Oprócz ponad 200 piosenek Janeken napisał zarówno motety, jak i msze. Ale w dziedzinie muzyki dla kultu katolickiego śmiało posługuje się ludowymi melodiami, intonuje teksty duchowe do fanfar muzyki wojskowej, wprowadza rytmy taneczne.

W dużej mierze takie traktowanie ludowego materiału pieśni i tańca było charakterystyczne dla wielu kompozytorów renesansu, którzy łączyli w swojej twórczości zainteresowanie gatunkami duchowymi i świeckimi, co doprowadziło do ostatecznego wyodrębnienia muzyki świeckiej w sferę niezależności artystycznej i profesjonalizm.

W XIX wieku historyk Jules Michelet po raz pierwszy użył koncepcji renesansu. Omawiani w artykule muzycy i kompozytorzy należeli do okresu, który rozpoczął się w XIV wieku, kiedy średniowieczna dominacja kościoła została zastąpiona kulturą świecką z jej zainteresowaniem osobą ludzką.

muzyka renesansowa

Kraje europejskie weszły w nową erę w różnym czasie. Nieco wcześniej powstali we Włoszech, ale w kulturze muzycznej dominowała szkoła holenderska, gdzie po raz pierwszy przy katedrach stworzono specjalne metrizy (schroniska) dla kształcenia przyszłych kompozytorów. W tabeli przedstawiono główne gatunki tamtych czasów:

Większość renesansu w Holandii to Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.

Wielcy Holendrzy

Johannes Okegem kształcił się w Metrisse de Notre Dame (Antwerpia), a w latach 40. XV wieku został chórzystą chóru na dworze księcia Karola I (Francja). Następnie kierował kaplicą dworu królewskiego. Dożywszy sędziwego wieku, pozostawił po sobie wielką spuściznę we wszystkich gatunkach, stając się wybitnym polifonistą. Rękopisy jego 13 mszy dotarły do ​​nas pod nazwą kodeks Chigi, z których jeden jest przeznaczony na 8 głosów. Wykorzystywał nie tylko cudze, ale i własne melodie.

Orlando Lasso urodził się na terenie współczesnej Belgii (Mons) w 1532 roku. Jego talent muzyczny przejawiał się we wczesnym dzieciństwie. Chłopak został trzykrotnie uprowadzony z domu, aby uczynić go świetnym muzykiem. Całe dorosłe życie spędził w Bawarii, gdzie występował jako tenor na dworze księcia Albrechta V, a następnie kierował kaplicą. Jej wysoce profesjonalny zespół pomógł przekształcić Monachium w muzyczne centrum Europy, które odwiedzało wielu znanych kompozytorów renesansu.

U niego przyjeżdżały takie talenty jak Johann Eckard, Leonard Lechner, Włoch D. Gabrieli. . Swoje ostatnie schronienie znalazł w 1594 r. na terenie monachijskiego kościoła, pozostawiając po sobie wielką spuściznę: ponad 750 motetów, 60 mszy i setki pieśni, wśród których najpopularniejszą była Susanne un jour. Jego motety („Proroctwa Sybilli”) wyróżniały się nowatorstwem, ale znany był również z muzyki świeckiej, w której nie brakowało humoru (Vilanella O bella fusa).

Szkoła włoska

Wybitni kompozytorzy renesansowi z Włoch, oprócz tradycyjnych nurtów, aktywnie rozwijali muzykę instrumentalną (organy, instrumenty smyczkowe, clavier). Najbardziej rozpowszechnionym instrumentem stała się lutnia, a pod koniec XV wieku pojawił się klawesyn - prekursor fortepianu. Na bazie elementów muzyki ludowej rozwinęły się dwie najbardziej wpływowe szkoły kompozytorskie: rzymska (Giovanni Palestrina) i wenecka (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi wziął nazwę Palestrina pod nazwą miejscowości pod Rzymem, gdzie się urodził i pełnił w głównym kościele funkcję chórmistrza i organisty. Data jego urodzin jest bardzo przybliżona, zmarł jednak w 1594 roku. W ciągu swojego długiego życia napisał około 100 mszy i 200 motetów. Jego Msza Papieża Marcellusa wzbudziła podziw Papieża Piusa IV i stała się przykładem katolickiej muzyki sakralnej. Giovanni jest najwybitniejszym przedstawicielem śpiewu wokalnego bez akompaniamentu muzycznego.

Andrea Gabrieli Wraz ze swoim uczniem i siostrzeńcem Giovanni pracował w kaplicy św. Marka (XVI w.), „malując” śpiew chóru przy dźwiękach organów i innych instrumentów. Szkoła wenecka skłaniała się bardziej w stronę muzyki świeckiej, a kiedy na scenie teatralnej Andrea Gabrieli wystawił Edypa Sofoklesa, powstała muzyka chóralna, przykład polifonii chóralnej i zwiastun przyszłości opery.

Cechy szkoły niemieckiej

Zaawansowana ziemia niemiecka Ludwig Senfl, najlepszy polifonista XVI wieku, który jednak nie dorównał mistrzom niderlandzkim. Pieśni poetów-śpiewaczy spośród rzemieślników (meistersingers) są także szczególną muzyką renesansu. Kompozytorzy niemieccy reprezentowali śpiewające korporacje: blacharzy, szewców, tkaczy. Zjednoczyli się na całym terytorium. Wybitnym przedstawicielem Norymberskiej Szkoły Śpiewu był Hans Sachs(lata życia: 1494-1576).

Urodzony w krawieckiej rodzinie, przez całe życie pracował jako szewc, uderzając erudycją oraz zainteresowaniami muzycznymi i literackimi. Czytał Biblię w interpretacji wielkiego reformatora Lutra, znał starożytnych poetów i cenił Boccaccia. Jako muzyk ludowy Sachs nie opanował form polifonii, ale stworzył melodie magazynu pieśni. Były bliskie tańca, łatwe do zapamiętania i miały określony rytm. Najsłynniejszym utworem była Srebrna melodia.

Renesans: muzycy i kompozytorzy Francji

Kultura muzyczna Francji przeżywa prawdziwy renesans dopiero w XVI wieku, kiedy w kraju przygotowywano grunt społeczny.

Jednym z najlepszych przedstawicieli jest Klemens Jannequin... Wiadomo, że urodził się w Chatellerault (koniec XV wieku) i z chłopięcego śpiewaka stał się osobistym kompozytorem króla. Z jego twórczego dziedzictwa przetrwały jedynie świeckie pieśni opublikowane przez Attenyana. Jest ich 260, ale prawdziwą sławę zyskały te, które przeszły próbę czasu: „Ptasia pieśń”, „Polowanie”, „Skylark”, „Wojna”, „Screams of Paris”. Były one stale przedrukowywane i wykorzystywane przez innych autorów do powtórek.

Jego pieśni były polifoniczne i przypominały sceny chóralne, w których oprócz onomatopei i kantowanego prowadzenia głosu pojawiły się okrzyki, które odpowiadały za dynamikę utworu. Była to odważna próba znalezienia nowych sposobów obrazowania.

Znani francuscy kompozytorzy to Guillaume Cotlet, Jacques Mauduy, Jean Baif, Claude Lejeune, Claude Gudimel , nadał muzyce harmonijną strukturę, która przyczyniła się do przyswojenia muzyki przez szeroką publiczność.

Kompozytorzy renesansu: Anglia

XV wiek w Anglii był pod wpływem prac John Dubstale i XVI - William Byrd... Obaj mistrzowie skłaniali się ku muzyce sakralnej. Bird zaczynał jako organista w katedrze w Lincoln, a zakończył karierę w Royal Chapel w Londynie. Po raz pierwszy udało mu się połączyć muzykę i przedsiębiorczość. W 1575 roku we współpracy z Tallisem kompozytor uzyskał monopol na publikację utworów muzycznych, co nie przyniosło mu zysku. Ale zajęło dużo czasu obrona ich praw własności w sądzie. Po śmierci (1623) w oficjalnych dokumentach kaplicy nazywany był „przodkiem muzyki”.

Co pozostawił po sobie renesans? Byrd, oprócz zbiorów wydawanych (Cantiones Sacrae, Gradualia), zachował wiele rękopisów, uznając je za nadające się tylko do kultu domowego. Opublikowane później madrygały (Musica Transalpina) wykazywały wielki wpływ autorów włoskich, ale kilka mszy i motetów weszło do złotego funduszu muzyki sakralnej.

Hiszpania: Cristobal de Morales

Najlepsi przedstawiciele hiszpańskiej szkoły muzycznej przeszli przez Watykan, przemawiając w papieskiej kaplicy. Poczuli wpływ pisarzy holenderskich i włoskich, więc tylko nielicznym udało się zdobyć sławę poza swoim krajem. Renesansowi kompozytorzy z Hiszpanii byli polifonistami tworzącymi utwory chóralne. Najwybitniejszym przedstawicielem jest Cristobal de Morales(XVI w.), który prowadził metrysę w Toledo i przygotował niejedną uczennicę. Zwolennik Josquina Despresa, Cristobal wprowadził specjalną technikę do wielu kompozycji zwaną homofonią.

Do najbardziej znanych należą dwa requiem autora (ostatnie pięciogłosowe) oraz Msza Armed Man. Pisał także dzieła świeckie (kantatę na cześć zawarcia traktatu pokojowego w 1538 r.), ale dotyczy to jego wcześniejszych dzieł. Kierując pod koniec życia kaplicą w Maladze, pozostał autorem muzyki sakralnej.

Zamiast konkluzji

Renesansowi kompozytorzy i ich twórczość przygotowali rozkwit XVII-wiecznej muzyki instrumentalnej i pojawienie się nowego gatunku - opery, gdzie zawiłość wielu głosów została zastąpiona prymatem jednego prowadzącego główną melodię. Dokonali prawdziwego przełomu w rozwoju kultury muzycznej i położyli podwaliny pod sztukę współczesną.

Najbardziej uderzającym zjawiskiem były szeroko rozpowszechnione w tym czasie świeckie gatunki wokalne, nasycone duchem nurtów humanistycznych. Szczególną rolę w ich rozwoju odegrała profesjonalizacja sztuki muzycznej: rosły umiejętności muzyków, organizowano szkoły śpiewu, w których od najmłodszych lat uczyli śpiewu, gry na organach i teorii muzyki. Wszystko to doprowadziło do aprobaty polifonii stylu ścisłego, wymagającego wysokich umiejętności, profesjonalnego opanowania warsztatu kompozytorskiego i wykonawczego. W ramach tego stylu funkcjonują dość surowe zasady prowadzenia głosu i organizacji rytmicznej przy zachowaniu maksymalnej niezależności głosów. Chociaż muzyka kościelna zajmowała ważne miejsce w dziełach mistrzów stylu ścisłego, obok dzieł o tekstach duchowych, kompozytorzy ci stworzyli wiele świeckich pieśni polifonicznych. Szczególnie interesujące są muzyczne i poetyckie obrazy świeckich gatunków wokalnych. Teksty wyróżniają się żywotnością i trafnością treści. Oprócz tekstów miłosnych niezwykle popularne były teksty satyryczne, frywolne, dytyrambiczne, które połączono z doskonałą profesjonalną techniką pisania polifonicznego. Oto kilka tekstów francuskiego chanson, które są przykładem poezji codziennej „Wstawaj, kochana Colinette, czas iść na drinka; dążę do śmiechu i przyjemności. Niech wszyscy poddadzą się radości. Nadeszła wiosna.. .", "Niech bogactwo zostanie przeklęte, zabrało mi przyjaciela: objąłem w posiadanie jej miłość, a drugi - bogactwo, szczera miłość w romansach jest niewiele warta. "

Kultura renesansu pojawiła się najpierw we Włoszech, a następnie w innych krajach. Historia zachowała informacje o częstym przemieszczaniu się słynnych muzyków z kraju do kraju, o ich pracy w jednej lub w drugiej kaplicy, o częstym porozumiewaniu się przedstawicieli różnych narodowości itp. Dlatego w muzyce okresu renesansu obserwujemy znaczący związek między utworami kompozytorów różnych szkół narodowych.

XVI wiek jest często określany mianem „wieku tańca”. Pod wpływem humanistycznych ideałów włoskiego renesansu zapora kościelnych zakazów została ostatecznie przełamana, a pragnienie „ziemskich”, ziemskich radości objawiło się bezprecedensową eksplozją elementów tańca i śpiewu. Silny czynnik popularyzacji pieśni i tańca w XVI wieku. wynalezienie metod drukowania muzyki odegrało rolę: tańce publikowane w dużych nakładach zaczęły wędrować z jednego kraju do drugiego. Każdy naród przyczynił się do wspólnego hobby, więc tańcząc, odrywając się od ojczystej ziemi, podróżował po kontynencie, zmieniając swój wygląd, a czasem nazwę. Moda na nich szybko się rozprzestrzeniła i szybko się zmieniła.

Jednocześnie renesans był czasem szerokich ruchów religijnych (husyci w Czechach, luteranizm w Niemczech, kalwinizm we Francji). Wszystkie te różnorodne przejawy ruchów religijnych tamtych czasów można połączyć ogólną koncepcją protestantyzmu. Protestantyzm w różnych ruchach narodowych odegrał ważną rolę w rozwoju i umacnianiu wspólnych kultur muzycznych narodów, przede wszystkim w dziedzinie muzyki ludowej. W przeciwieństwie do humanizmu, który obejmował stosunkowo wąski krąg ludzi, protestantyzm był bardziej masowym trendem, który rozprzestrzeniał się wśród szerokich warstw ludzi. Jednym z najbardziej uderzających zjawisk w sztuce muzycznej renesansu jest śpiew protestancki. Powstał w Niemczech pod wpływem ruchu reformacyjnego, w przeciwieństwie do atrybutów kultu katolickiego, wyróżniał się szczególną treścią emocjonalną i semantyczną. Luter i inni przedstawiciele protestantyzmu przywiązywali wielką wagę do muzyki: „Muzyka sprawia, że ​​ludzie radują się, zapominają o złości. Eliminuje pewność siebie i inne braki… Muzyki trzeba ciągle uczyć, bo wykuwa ona zręcznych, odpowiednich dla wszystkich ludzi ”. Tak więc muzyka w ruchu reformacyjnym była uważana nie za luksus, ale za rodzaj „chleba powszedniego” – wezwano ją do odegrania dużej roli w propagandzie protestantyzmu i kształtowaniu świadomości duchowej szerokich mas.

GATUNEK MUZYCZNY:

Gatunki wokalne

Cała epoka jako całość charakteryzuje się wyraźną przewagą gatunków wokalnych, a w szczególności wokalu polifonia... Niezwykle złożone mistrzostwo polifonii o surowym stylu, autentyczna nauka, wirtuozowska technika współistniały z jasną i świeżą sztuką rozpowszechniania na co dzień. Muzyka instrumentalna zyskuje pewną samodzielność, ale jej bezpośrednia zależność od form wokalnych i źródeł codziennych (taniec, śpiew) zostanie przezwyciężona dopiero nieco później. Główne gatunki muzyczne pozostają związane z tekstem werbalnym. Istota humanizmu renesansowego znalazła odzwierciedlenie w komponowaniu pieśni chóralnych w stylu Frottol i Vilanell.
Gatunki taneczne

W okresie renesansu duże znaczenie nabrał taniec codzienny. Wiele nowych form tanecznych pojawia się we Włoszech, Francji, Anglii, Hiszpanii. Różne warstwy społeczeństwa mają własne tańce, kształtują sposób ich wykonywania, zasady zachowania podczas balów, wieczorów, festynów. Tańce renesansowe są bardziej złożone niż proste przekleństwa późnego średniowiecza. Tańce z tańcem okrągłym i kompozycją o liniowej randze zastępowane są tańcami parzystymi (duetowymi), zbudowanymi na złożonych ruchach i figurach.
Volta - taniec parowy pochodzenia włoskiego. Jego nazwa pochodzi od włoskiego słowa voltare, które oznacza „zawrócić”. Rozmiar jest trzytaktowy, tempo jest umiarkowanie szybkie. Głównym wzorem tańca jest to, że dżentelmen zwinnie i gwałtownie podkręca tańczącą z nim damę w powietrze. Ta wspinaczka jest zwykle pokonywana bardzo wysoko. Wymaga od dżentelmena dużej siły i zręczności, gdyż mimo ostrości i pewnej żywiołowości ruchów podniesienie musi być wykonane wyraźnie i pięknie.
Galliard - stary taniec pochodzenia włoskiego, rozpowszechniony we Włoszech, Anglii, Francji, Hiszpanii, Niemczech. Tempo wczesnych galiardów jest umiarkowanie szybkie, rozmiar trzytaktowy. Galliarda często wykonywana była po pawanie, z którą czasami była kojarzona tematycznie. Galiardy XVI wiek utrzymany w fakturze melodyczno-harmonicznej z melodią w głosie górnym. Melodie Galliarda były popularne wśród szerokiej części społeczeństwa francuskiego. Podczas serenad studenci z Orleanu grali melodie galiardowe na lutniach i gitarach. Podobnie jak dzwonek, galiard miał charakter swoistego tanecznego dialogu. Cavalier przeszedł przez salę ze swoją damą. Kiedy mężczyzna wykonał solo, dama pozostała na miejscu. Męskie solo składało się z różnych złożonych ruchów. Potem ponownie podszedł do pani i kontynuował taniec.
Pawana - taniec boczny z XVI-XVII wieku. Tempo jest umiarkowanie wolne, 4/4 lub 2/4 taktu. Różne źródła nie zgadzają się co do jego pochodzenia (Włochy, Hiszpania, Francja). Najpopularniejszą wersją jest taniec hiszpański imitujący ruchy pawia chodzącego z pięknie opadającym ogonem. Był blisko tańca basowego. Przy muzyce pawan odbywały się różne uroczyste procesje: wjazd władz do miasta, odprowadzenie szlachetnej panny młodej do kościoła. We Francji i we Włoszech pavana jest uznawana za taniec dworski. Uroczysty charakter pawany sprawił, że dworskie towarzystwo lśniło wdziękiem i wdziękiem w swoich obyczajach i ruchach. Lud i burżuazja nie wykonywały tego tańca. Pavane, podobnie jak menuet, wykonywano ściśle według rangi. Król i królowa rozpoczęli taniec, potem do tańca weszli delfin i szlachetna dama, potem książęta itd. Kawalerowie wykonywali pavanę z mieczem iw draperiach. Panie były w formalnych strojach z ciężkimi długimi okopami, które trzeba było umiejętnie dzierżyć podczas ruchów, nie podnosząc ich z podłogi. Ruch trenu czynił ruchy pięknymi, nadając pawanie blasku i powagi. Dla królowej służebnice pań prowadziły pociąg. Przed rozpoczęciem tańca miał obejść halę. Pod koniec tańca pary ponownie spacerowały po sali z ukłonami i dygnięciami. Ale przed założeniem kapelusza pan musiał położyć prawą rękę na plecach kobiety, lewą (trzymającą kapelusz) na jej talii i pocałować ją w policzek. Podczas tańca oczy pani były spuszczone; tylko od czasu do czasu spoglądała na swojego kawalera. Najdłużej pawana zachowała się w Anglii, gdzie była bardzo popularna.
Allemande - powolny taniec pochodzenia niemieckiego w 4-beatach. Należy do masywnych tańców „niskich”, wolnych od skoków. Wykonawcy stawali się parami jeden po drugim. Liczba par nie była ograniczona. Pan trzymał damę za ręce. Kolumna poruszała się po sali, a gdy dotarła do końca, uczestnicy wykonali obrót w miejscu (bez rozdzielania rąk) i kontynuowali taniec w przeciwnym kierunku.
Courant - taniec dworski pochodzenia włoskiego. Dzwonek był prosty i złożony. Pierwsza składała się z prostych, strugających kroków, wykonywanych głównie do przodu. Złożony dzwonek miał charakter pantomimiczny: trzech panów zaprosiło do tańca trzy panie. Panie zostały zabrane do przeciwległego rogu sali i poproszone do tańca. Panie odmówiły. Panowie, otrzymawszy odmowę, wyszli, ale potem wrócili ponownie i uklękli przed paniami. Dopiero po scenie pantomimy zaczął się taniec. Istnieją różnice między dzwonkami typu włoskiego i francuskiego. Włoski dzwonek to żywy taniec 3/4 lub 3/8 metra z prostym rytmem o fakturze melodyczno-harmonicznej. Francuski - uroczysty taniec ("taniec manier"), płynna, dumna procesja. Rozmiar 3/2, umiarkowane tempo, dobrze rozwinięta faktura polifoniczna.
Sarabanda - popularny taniec XVI - XVII wieku. Pochodzi z hiszpańskiego tańca kobiecego z kastanietami. Początkowo towarzyszył mu śpiew. Słynny choreograf i nauczyciel Carlo Blazis w jednym ze swoich dzieł podaje krótki opis sarabandy: „W tym tańcu każdy wybiera damę, której nie jest obojętny. Muzyka daje sygnał, a dwoje kochanków wykonuje taniec, szlachetny, mierzona jednak waga tego tańca bynajmniej nie przeszkadza w przyjemności, a skromność dodaje mu jeszcze więcej wdzięku; oczy wszystkich z radością podążają za tancerzami, którzy wykonują różne figury, wyrażają swoim ruchem wszystkie fazy miłości.” Początkowo tempo sarabandy było umiarkowanie szybkie, później (od XVII w.) pojawiła się powolna francuska sarabanda z charakterystycznym rytmicznym wzorem: …… W swojej ojczyźnie sarabanda w 1630 r. zaliczała się do kategorii tańców obscenicznych. został zakazany przez Radę Kastylii.
Gigu - taniec pochodzenia angielskiego, najszybszy, triolowy, zamieniający się w triolę. Początkowo gigue był tańcem w parach, ale wśród żeglarzy rozpowszechnił się jako solowy, bardzo szybki taniec o komicznym charakterze. Później pojawił się w muzyce instrumentalnej jako ostatnia część dawnej suity tanecznej.

Renesans, czyli renesans, to okres w dziejach kultury Europy Zachodniej i Środkowej, obejmujący około XIV-XVI wiek. Okres ten otrzymał swoją nazwę w związku z odrodzeniem zainteresowania sztuką antyczną, która stała się ideałem dla postaci kultury nowej epoki. Kompozytorzy i teoretycy muzyki - J. Tinctoris, J. Tsarlino i inni - studiowali starożytne greckie traktaty muzyczne; w twórczości Josquina Despresa, porównywanego do Michała Anioła, według współczesnych „odradza się utracona doskonałość muzyki starożytnych Greków, która pojawiła się pod koniec XVI i na początku XVII wieku. opera kierowała się prawami starożytnego dramatu.

Zajęcia z teorii muzyki. Z ryciny z XVI wieku.

JP Palestrina.

Rozwój kultury renesansowej wiąże się z powstaniem wszystkich aspektów życia społecznego. Narodził się nowy światopogląd - humanizm (z łac. humanus - „człowiek”). Emancypacja sił twórczych doprowadziła do szybkiego rozwoju nauki, handlu, rzemiosła, w gospodarce ukształtowały się nowe, kapitalistyczne stosunki. Wynalezienie druku przyczyniło się do upowszechnienia edukacji. Wielkie odkrycia geograficzne i heliocentryczny system świata Kopernika zmieniły ideę Ziemi i Wszechświata.

Sztuki piękne, architektura i literatura osiągnęły bezprecedensowy rozkwit. Nowa postawa znalazła odzwierciedlenie w muzyce i zmieniła jej wygląd. Stopniowo odchodzi od norm średniowiecznego kanonu, styl jest zindywidualizowany, po raz pierwszy pojawia się samo pojęcie „kompozytora”. Zmienia się faktura utworów, liczba głosów wzrasta do czterech, sześciu i więcej (np. znany jest kanon 36-głosowy, przypisywany największemu przedstawicielowi szkoły holenderskiej J. Okegemowi). W harmonii dominują konsonanse, użycie dysonansów jest ściśle ograniczone specjalnymi zasadami (patrz Konsonans i dysonans). Tworzą się tonacje durowe i molowe oraz system rytmów taktowych, charakterystyczny dla muzyki późniejszej.

Wszystkie te nowe środki posłużyły kompozytorom do oddania szczególnej struktury uczuć człowieka renesansu – wzniosłego, harmonijnego, spokojnego i majestatycznego. Związek między tekstem a muzyką staje się bliższy, muzyka zaczyna przekazywać nastrój, czyli jak mówiono wówczas afekty tekstu, poszczególne słowa są często ilustrowane specjalnymi środkami muzycznymi, takimi jak „życie”, „śmierć”. ”, „miłość” itp.

Muzyka renesansowa rozwijała się w dwóch kierunkach - kościelnym i świeckim. Główne gatunki muzyki kościelnej – msza i motet – to polifoniczne utwory polifoniczne na chór, zarówno bez akompaniamentu, jak i z towarzyszeniem zespołu instrumentalnego (zob. Muzyka chóralna, polifonia). Spośród instrumentów pierwszeństwo miały organy.

Rozwojowi muzyki świeckiej sprzyjał rozwój amatorskiego muzykowania. Muzyka rozbrzmiewała wszędzie: na ulicach, w domach mieszczan, w pałacach szlachty. Pierwsi wykonawcy koncertu wirtuozowskiego wystąpili na lutni, klawesynie, organach, altówce i różnego rodzaju fletach podłużnych. W pieśniach polifonicznych (madrigale – we Włoszech, chanson – we Francji) kompozytorzy mówili o miłości, o wszystkim, co się w życiu dzieje. Oto tytuły niektórych utworów: „Deer Hunt”, „Echo”, „Battle of Marignano”.

W XV-XVI wieku. wzrasta znaczenie sztuki tańca, pojawiają się liczne traktaty i praktyczne podręczniki choreografii, kolekcje muzyki tanecznej, w tym popularne tańce tamtych czasów - taniec basowy, branle, pavana, galiard.

W okresie renesansu powstały narodowe szkoły muzyczne. Największą z nich jest holenderska (francusko-flamandzka) szkoła polifoniczna. Jej przedstawicielami są G. Dufay, K. Jannequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Inne szkoły narodowe to włoska (J.P. Palestrina), hiszpańska (T.L. de Victoria), angielska (W. Bird), niemiecka (L. Zenfl).

Epoka renesansu kończy się wraz z pojawieniem się nowych gatunków muzycznych: pieśni solowej, oratorium, opery, których prawdziwy rozkwit następuje w następnym stuleciu (patrz muzyka zachodnioeuropejska XVII-XX w.).

muzyka renesansowa

1.Muzyka rozbrzmiewała wszędzie: na ulicach i placach, w domach mieszczan, w pałacach szlacheckich dygnitarzy i królów. Muzyka wraz z gramatyką, retoryką i poezją została zaliczona do tzw. „nauk humanistycznych”.

Wiodącą pozycję nadal zajmowała muzyka sakralna grana podczas nabożeństw.

Stopniowo zaczynają przenikać dzieła kompozytorów kościelnych trendy świeckie... W polifoniczną tkankę śpiewów kościelnych śmiało wprowadza się tematykę pieśni ludowych, które nie mają w sobie nic z treści religijnej. Ale teraz nie było to sprzeczne z ogólnym duchem i nastrojem epoki. Wręcz przeciwnie, w muzyce boskość i ludzkość zostały połączone w niesamowity sposób.

2. Największy rozkwit muzyki sakralnej osiągnął w XV wieku. w Holandii.

Tutaj muzyka była czczona bardziej niż inne formy sztuki. Kompozytorzy holenderscy i flamandzcy jako pierwsi opracowali nowe zasady polifoniczny (polifoniczne) wykonanie - klasyczne „ścisły styl”.

Najważniejszą techniką kompozytorską mistrzów holenderskich było imitacja - powtarzanie tej samej melodii różnymi głosami. Głosem wiodącym był tenor, któremu powierzono główną powracającą melodię.

3. Początkiem był renesans profesjonalna kreatywność kompozytora

Muzyka Holendra Orlando Lasso(1532-1594), łączy improwizację i nienaganną logikę.

Wprowadził wiele nowatorskich technik do ulubionego gatunku motetu.

Jest właścicielem próby opanowania gatunek muzyczny pasje. Lasso stworzył Pasje dla wszystkich czterech Ewangelii. Nie było w nich śpiewu solowego, a pięciogłosowy chór otworzył drogę do gatunku sztuki operowej. Jednym z muzycznych arcydzieł kompozytora było: piosenka „Echo.

4. Giovanni Pierluigi Palestrina(1525-1594)

Nazywany jest ostatnim wielkim polifonistą. Pracował w katedrze św. Piotra w Rzymie i był oficjalnym kompozytorem papieskim. Jego sztuka pozbawiona jest zmysłowych namiętności, pełna harmonii i piękna.

Jest najjaśniejszym przedstawicielem szkoły muzyki klasycznej we Włoszech.

Jego spuścizna obejmuje wiele dzieł muzyki sakralnej i świeckiej: 93 msze, 326 hymnów i motetów.

5.In Niemcy istotne były utwory muzyki sakralnej w ich ojczystym języku. Sam Marcin Luter pisał chorały dla całej wspólnoty zakonnej. Ich proste melodie zyskały popularność wśród ludzi, a zawodowi kompozytorzy stworzyli później swoje polifoniczne aranżacje. (J.S.Bach)

Były również popularne gatunki miniatury polifonicznej:

dyrygent, motet.

Mogli wprowadzać teksty w swoim ojczystym języku.

Najpopularniejszą formą muzykowania był śpiew chóralny.

6. Zaczęło się pojawiać świeckie gatunki chóralne:

Ballat a(piosenka taneczna)

Chanson (piosenka polifoniczna)

i włoski madrygał.

7. Najpopularniejszym gatunkiem muzyki świeckiej stał się madrygały(włoski madrygał – pieśń w języku ojczystym) – polifoniczne kompozycje chóralne napisane na tekst lirycznego poematu o treści miłosnej.

Najczęściej w tym celu wykorzystywano wiersze słynnych mistrzów: Dantego, Francesco Petrarca i Torquato Tasso. Madrygały były wykonywane nie przez profesjonalnych śpiewaków, ale przez cały zespół amatorów, w którym każdą część prowadził jeden śpiewak. Główny nastrój madrygału to smutek, tęsknota i smutek, ale nie zabrakło też radosnych, żywych kompozycji.

Madrigalżył od 1520 do 1620s. Idea madrygału była rewolucyjna dla renesansu. postaw sobie zadanie przetłumaczenia tekstu poetyckiego na muzykę. Więc madrygał można warunkowo nazwać romansem XVI wieku.

8. Równie popularnym gatunkiem muzyki świeckiej był: piosenka przy akompaniamencie instrumentów muzycznych. W przeciwieństwie do muzyki granej w kościele piosenki były dość proste do wykonania. Ich rymowany tekst był wyraźnie podzielony na 4-6-wierszowe strofy. W pieśniach, podobnie jak w madrygałach, znaczenie nabierał tekst. Wykonywane wiersze poetyckie nie powinny ginąć w śpiewie polifonicznym.

Szczególnie znane były pieśni francuskiego kompozytora Clementa Janequina (1485-1558), który zasłynął umiejętnością odtwarzania głosów żywej natury w muzyce.

9. W drugiej połowie XVI w. burza rozwój instrumentalizmu... Rozwijają się rodziny instrumentów smyczkowych i dętych, poszerza się ich asortyment, rozszerza się muzyka świecka i domowa

Pojawić się nowe gatunki instrumentalne:

preludium ( przed meczem) - element wprowadzający

bogatszy samochód (praca wykwintna) - pismo polifoniczne,

kancona (piosenka bez słów) - zwiastun fugi.

10 ... Istnieje potrzeba publicznego wykonywania muzyki.

Powstaje koncert.

Pierwszy pojawia się w Londynie – płatny iw Wenecji – dotowany przez magistrat miasta.

Epoka renesansu kończy się wraz z pojawieniem się nowych gatunków muzycznych: pieśni solowej, oratorium i opery.

Jeśli wcześniej świątynia była centrum kultury muzycznej, to od tego czasu muzyka zaczęła brzmieć w operze.

Promowano rozwój muzyki wynalazek druku muzycznego.