Kolor w malarstwie impresjonistycznym. Najlepsze obrazy impresjonistów z tytułami i zdjęciami

Dla mnie styl impresjonizmu to przede wszystkim coś przewiewnego, efemerycznego, nieubłaganie wymykającego się. To ta niesamowita chwila, którą oko ledwo udaje się utrwalić i która potem pozostaje na długo w pamięci jako chwila najwyższej harmonii. Mistrzowie impresjonizmu słynęli z umiejętności łatwego przenoszenia tej chwili piękna na płótno, nadawania mu namacalnych doznań i subtelnych wibracji, które powstają wraz z całą rzeczywistością podczas interakcji z obrazem. Kiedy patrzy się na prace wybitnych artystów tego stylu, zawsze jest pewien posmak nastroju.

Impresjonizm(od wrażenia - wrażenia) to ruch artystyczny, który powstał we Francji pod koniec lat 60. XIX wieku. Jej przedstawiciele starali się uchwycić świat realny w jego ruchliwości i zmienności w jak najbardziej naturalny i bezstronny sposób, aby przekazać swoje ulotne wrażenia. Szczególną uwagę zwrócono na przenoszenie koloru i światła.

Słowo „impresjonizm” pochodzi od nazwy obrazu Moneta Impresja. Wschód słońca, prezentowany na wystawie w 1874 roku. Mało znany dziennikarz Louis Leroy w swoim artykule w czasopiśmie nazwał artystów „impresjonistami”, aby wyrazić swoją pogardę. Jednak nazwa utknęła i straciła swoje pierwotne negatywne znaczenie.

Pierwsza ważna wystawa impresjonistów odbyła się od 15 kwietnia do 15 maja 1874 w pracowni fotografa Nadara. Zaprezentowanych zostało 30 artystów, łącznie - 165 prac. Młodym artystom zarzucano „niekompletność” i „niechlujstwo malarstwa”, brak smaku i sensu w ich twórczości, „próbę prawdziwej sztuki”, buntownicze nastroje, a nawet niemoralność.

Czołowi przedstawiciele impresjonizmu to Alfred Sisley i Frederic Basil. Wraz z nimi Edouard Manet i wystawiali swoje obrazy. Joaquin Sorolla jest również uważany za impresjonistę.

Pejzaże i sceny z życia miejskiego – bodaj najbardziej charakterystyczne gatunki malarstwa impresjonistycznego – malowano „na plenerze”, tj. bezpośrednio z życia, a nie na podstawie szkiców i szkiców przygotowawczych. Impresjoniści przyglądali się uważnie przyrodzie, zauważając kolory i odcienie, które zwykle są niewidoczne, takie jak błękit w cieniu.

Ich artystyczna metoda polegała na rozłożeniu złożonych tonów na ich składowe czyste kolory widma. Uzyskano kolorowe cienie i czyste, drgające światło malowanie. Impresjoniści nakładali farbę oddzielnymi pociągnięciami, czasami używając kontrastowych tonów w jednym obszarze obrazu. Główną cechą malarstwa impresjonistycznego jest efekt żywego migotania kolorów.

Aby przekazać zmiany w kolorze przedmiotu, impresjoniści zaczęli preferować kolory, które wzajemnie się wzmacniają: czerwony i zielony, żółty i fioletowy, pomarańczowy i niebieski. Te same kolory dają efekt spójnego kontrastu. Na przykład, jeśli przez chwilę popatrzymy na czerwony, a potem na biały, wyda nam się on zielonkawy.

Impresjonizm nie budził problemów filozoficznych i nawet nie próbował wnikać w kolorową powierzchnię codzienności. Zamiast tego artyści skupiają się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu czy kącie widzenia. Ich obrazy przedstawiały tylko pozytywne aspekty życia, nie dotykając dotkliwych problemów społecznych.

Artyści często malowali ludzi w ruchu, podczas zabawy lub relaksu. Podejmowali tematy flirtu, tańca, przebywania w kawiarniach i teatrach, rejsów statkiem, na plażach iw ogrodach. Sądząc po obrazach impresjonistów, życie to ciągła seria małych świąt, przyjęć, przyjemnych rozrywek poza miastem lub w przyjaznym otoczeniu.

Impresjonizm pozostawił w malarstwie bogatą spuściznę. Przede wszystkim jest to zainteresowanie problematyką kolorystyczną i niestandardowymi technikami. Impresjonizm wyrażał chęć unowocześnienia języka artystycznego i zerwania z tradycją, jako protest przeciwko żmudnej technice mistrzów szkoły klasycznej. Cóż, teraz możemy podziwiać te wspaniałe dzieła wybitnych artystów.

Dziś arcydzieła artystów impresjonistów są przez nas postrzegane w kontekście sztuki światowej: dla nas już dawno stały się klasyką. Jednak nie zawsze tak było. Zdarzało się, że ich obrazy nie były wpuszczane na oficjalne wystawy, były krytykowane w prasie, nie chciały kupować nawet za symboliczną opłatą. Były lata rozpaczy, potrzeby i niedostatku. I walczą o możliwość namalowania świata tak, jak go widzieli. Większość zajęło wiele dziesięcioleci, aby zrozumieć i dostrzec, zobaczyć siebie ich oczami. Jak wyglądał świat, w który impresjonizm wdarł się na początku lat 60. XIX wieku, jak radosny wiatr, który niósł przemiany?

Przewroty społeczne końca XVIII wieku, rewolucje we Francji i Ameryce przekształciły samą istotę kultury zachodniej, która nie mogła nie wpłynąć na rolę sztuki w szybko zmieniającym się społeczeństwie. Artyści, przyzwyczajeni do porządku społecznego panującej dynastii lub kościoła, nagle odkryli, że zostali bez klientów. Szlachta i duchowieństwo, główni odbiorcy sztuki, przeżywali poważne trudności. Nastała nowa era, era kapitalizmu, który całkowicie zmienił zasady i priorytety.

Stopniowo w powstających republikach i demokratycznych potęgach wyrosła zamożna klasa średnia, w wyniku czego zaczął rozkwitać nowy rynek sztuki. Niestety przedsiębiorcom i kupcom z reguły brakowało dziedzicznej kultury i wychowania, bez których nie można było właściwie docenić różnorodności alegorii fabuły czy umiejętnego wykonania, które od dawna fascynowały arystokrację.

Nie wyróżniający się arystokratycznym wychowaniem i edukacją przedstawiciele klasy średniej, którzy stali się konsumentami sztuki, zmuszeni byli początkowo skoncentrować się na rozważaniach krytyków prasowych i oficjalnych ekspertów. Stare akademie sztuki, które są kustoszami klasycznych podstaw, stały się głównymi arbitrami w sprawach wagi artystycznej. Nie jest paradoksalne, że niektórzy młodzi i dociekliwi malarze, którzy mieli dość konformizmu, zbuntowali się przeciwko formalnej dominacji akademizmu w sztuce.

Jednym z istotnych bastionów akademizmu tamtych czasów były patronowane przez władze wystawy sztuki współczesnej. Takie wystawy nazwano Salonami - zgodnie z tradycją nawiązującą do nazwy sali w Luwrze, gdzie niegdyś wystawiali swoje obrazy artyści dworscy.

Udział w Salonie był jedyną szansą na zainteresowanie prasy i klientów swoimi pracami. Auguste Renoir w jednym ze swoich listów do Duranda-Ruela mówi o obecnym stanie rzeczy: „W całym Paryżu nie ma prawie piętnastu wielbicieli, którzy potrafią rozpoznać artystę bez pomocy Salonu, i osiemdziesiąt tysięcy osób, które nie nabyć nawet centymetra kwadratowego płótna, jeśli artysta nie wejdzie do Salonu.

Młodzi malarze nie mieli innego wyjścia, jak tylko pojawić się na Salonach: na wystawie usłyszeli niepochlebne słowa nie tylko jurorów, ale także bardzo szanowanych malarzy, takich jak Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Edouard Manet, którzy byli faworyci młodych ludzi, otrzymując w ten sposób impuls do przyszłej kreatywności. Ponadto Salon był niepowtarzalną okazją do pozyskania klienta, bycia zauważonym, ułożenia kariery artystycznej. Nagroda Salonu była dla artysty rękojmią uznania zawodowego. Odwrotnie, jeśli jury odrzuciło nadesłaną pracę, było to równoznaczne z estetycznym zawieszeniem.

Często proponowany do rozpatrzenia obraz nie odpowiadał zwykłym kanonom, za co jury Salonu go odrzuciło: w środowisku artystycznym epizod ten wywołał skandal i sensację.

Jednym z artystów, których udział w Salonie niezmiennie wywoływał skandal i wzbudzał niepokój u akademików, był Edouard Manet. Wielkiemu skandalowi towarzyszyły pokazy jego obrazów „Śniadanie na trawie” (1863) i „Olimpia” (1865), tworzonych w niezwykle surowy sposób, zawierających estetykę obcą Salonowi. A w obrazie „Incydent na walce byków”, zaprezentowanym na Salonie w 1864 roku, wpłynęła na to pasja artysty do pracy Goi. Na pierwszym planie Manet namalował leżącą postać torreadora. Tłem obrazu była arena rozciągająca się w głąb lądu i rzędy zniechęconych, osłupiałych widzów. Tak ostra i wyzywająca kompozycja wywołała wiele sarkastycznych recenzji i komiksów prasowych. Zraniony krytyką Manet rozdarł swój obraz na dwie części.

Należy zauważyć, że krytycy i karykaturzyści nie wstydzili się dobierać słów i metod, aby boleśniej urazić artystę, zmusić go do jakichś wzajemnych działań. "Artysta odrzucony przez Salon", a później "Impresjonista", stały się ulubionym celem dziennikarzy, którzy zarabiają na publicznych skandalach. Nieustająca walka Salonu z malarzami innych pojęć i grawitacji, zmęczonych ścisłymi granicami przestarzałego akademizmu, dobitnie oznaczała poważny upadek, który dojrzewał w tym czasie w sztuce drugiej połowy XIX wieku. Konserwatywne jury Salonu z 1863 r. odrzuciło tak wiele obrazów, że cesarz Napoleon III uznał za konieczne osobiste wsparcie kolejnej, równoległej wystawy, aby widz mógł porównać przyjęte prace z odrzuconymi. Ta wystawa, która zyskała miano „Salon Wygnańców”, stała się niezwykle modnym miejscem rozrywki – ludzie chodzili tu śmiać się i być dowcipnym.

W celu ominięcia akademickiego jury, odpowiedni malarze mogli także stworzyć niezależne wystawy indywidualne. Pomysł na wystawę jednego artysty jako pierwszy ogłosił malarz-realista Gustave Courbet. Zgłosił serię swoich prac na Wystawę Światową w Paryżu w 1855 roku. Komisja selekcyjna zatwierdziła jego pejzaże, ale odrzuciła obrazy z programu tematycznego. Następnie Courbet, wbrew zwyczajowi, wzniósł w pobliżu Wystawy Światowej osobisty pawilon. Chociaż wiekowy Delacroix był pod wrażeniem szerokiego stylu malowania Courbeta, w jego pawilonie było niewielu widzów. Podczas Wystawy Światowej w 1867 roku Courbet z wielkim triumfem wznowił to doświadczenie – tym razem wszystkie swoje prace zawiesił w osobnym pomieszczeniu. Édouard Manet, wzorem Courbeta, podczas tej samej wystawy otworzył własną galerię, aby retrospektywnie zaprezentować swoje obrazy.

Tworzenie osobistych galerii i prywatne publikowanie katalogów wiązało się z wymiernymi wydatkami środków – nieporównywalnie większymi niż te, które często posiadają artyści. Jednak incydenty z Courbetem i Manetem skłoniły młodych malarzy do zaplanowania zbiorowej wystawy artystów nowych trendów, które nie zostały zaakceptowane przez oficjalny Salon.

Oprócz przemian społecznych istotny wpływ na sztukę XIX wieku miały także badania naukowe. W 1839 r. Louis Daguerre w Paryżu i Henry Fox Talbot w Londynie zademonstrowali samodzielnie zbudowane aparaty fotograficzne. Tuż po tym wydarzeniu fotografia zwolniła artystów i grafików z obowiązku prostego upamiętniania ludzi, miejsc i wydarzeń. Zwolnieni z obowiązku kopiowania obiektu wielu malarzy rzuciło się w sferę przenoszenia własnej, subiektywnej ekspresji na płótno emocji.

Fotografia dała początek innym poglądom w sztuce europejskiej. Soczewka, o innym kącie widzenia niż ludzkie oko, tworzyła fragmentaryczne przedstawienie kompozycji. Zmiana kąta ujęcia pchnęła artystów do nowych wizji kompozycyjnych, które stały się podstawą estetyki impresjonistycznej. Jedną z głównych zasad tego nurtu była spontaniczność.

W tym samym 1839 roku, kiedy powstała kamera, Michel Eugène Chevreul, chemik z laboratorium paryskiej manufaktury gobelinów, po raz pierwszy opublikował logiczną interpretację postrzegania koloru przez ludzkie oko. Tworząc barwniki do tkanin, zadbał o to, aby były trzy podstawowe kolory - czerwony, żółty i niebieski, po zmieszaniu powstają wszystkie inne kolory. Przy pomocy koła kolorów Chevreul udowodnił, jak rodzą się odcienie, co nie tylko doskonale zilustrowało trudną naukową ideę, ale także przedstawiło artystom działającą koncepcję mieszania kolorów. Z kolei amerykański fizyk Ogden Rude i niemiecki naukowiec Hermann von Helmholly uzupełnili ten wynalazek o osiągnięcia w dziedzinie optyki.

W 1841 roku amerykański naukowiec i malarz John Rand opatentował swoje blaszane tuby do nietrwałych farb. Wcześniej artysta, wyjeżdżając do pisania w plenerze, był zmuszony najpierw mieszać potrzebne mu farby w warsztacie, a następnie wlewać je do szklanych pojemników, które często biją, lub do bąbelków z wnętrzności zwierząt, które szybko wyciekały. Wraz z pojawieniem się tub Rand, artyści mają tę przewagę, że zabierają ze sobą całą różnorodność kolorów i odcieni na plener. To odkrycie w dużej mierze wpłynęło na bogactwo barw artystów, a dodatkowo skłoniło ich do wyjścia z warsztatów do natury. Wkrótce, jak zauważył pewien dowcipniś, na wsi było więcej pejzażystek niż chłopów.

Pionierami malarstwa w plenerze byli artyści ze szkoły Barbizon, która swoją nazwę wzięła od wioski Barbizon w pobliżu lasu Fontainebleau, gdzie stworzyli większość pejzaży.

Jeśli starsi malarze szkoły Barbizon (T. Rousseau, J. Dupre) w swojej twórczości opierali się jeszcze na dziedzictwie heroicznego pejzażu, to przedstawiciele młodszego pokolenia (Ch. Daubigny, C. Corot) obdarzyli ten gatunek z cechami realizmu. Ich płótna przedstawiają krajobrazy obce akademickiej idealizacji.

W swoich obrazach Barbizonowie starali się odtworzyć różnorodność stanów natury. Dlatego malowali z natury, starając się uchwycić w nich bezpośredniość ich percepcji. Jednak stosowanie w malarstwie przestarzałych metod i środków akademickich nie pomogło im osiągnąć tego, co później udało się impresjonistom. Mimo to wkład artystów szkoły Barbizon w kształtowanie się gatunku jest niepodważalny: opuszczając pracownie na świeżym powietrzu, zaproponowali malowaniu pejzażowemu nowe drogi rozwoju.

Jeden ze zwolenników malowania w naturze, Eugene Boudin, poinstruował swojego młodego ucznia Claude'a Moneta, co należy robić na świeżym powietrzu - pośród światła i powietrza, aby malować to, co kontempluje. Ta zasada stała się podstawą malarstwa plenerowego. Monet wkrótce przedstawił swoim przyjaciołom, Augustowi Renoirowi, Alfredowi Sisleyowi i Fredericowi Basilowi, nową teorię: malować tylko to, co obserwuje się z określonej odległości i w określonym świetle. Wieczorami w paryskich kawiarniach młodzi malarze radośnie dzielili się swoimi pomysłami iz pasją dyskutowali o swoich nowych odkryciach.

Tak powstał impresjonizm - rewolucyjny nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku. Malarze, którzy wkroczyli na drogę impresjonizmu, starali się w swoich pracach w sposób bardziej naturalny i prawdziwy uchwycić otaczający ich świat i codzienną rzeczywistość w ich nieskończonej ruchliwości i nietrwałości, wyrazić ulotne doznania.

Impresjonizm był odpowiedzią na zdominowany przez sztukę w tamtych latach stagnację akademizmu, chęć wyzwolenia malarstwa z beznadziejnej sytuacji, w której popadło z winy artystów Salonu. To, że sztuka współczesna podupada, powtarzało wielu postępowych ludzi: Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Charles Baudelaire. Impresjonizm był rodzajem terapii szokowej dla „cierpiącego organizmu”.

Wraz z pojawieniem się młodych malarzy rodzajowych, Edouarda Maneta, Auguste Renoira, Edgara Degasa, do malarstwa francuskiego wdarł się wiatr zmian, dając bezpośredniość kontemplacji życia, przedstawienie ulotnych, jakby nieoczekiwanych sytuacji i ruchów, iluzorycznej niestabilności i nierównowagi formy, fragmentaryczna kompozycja, nieprzewidywalne punkty widzenia i kąty .

Wieczorami, gdy artyści nie mieli już okazji malować swoich płócien z powodu słabego oświetlenia, opuszczali pracownie i siadali za namiętnymi sporami w paryskich kawiarniach. Tak więc kawiarnia Guerbois stała się jednym z niezmiennych miejsc spotkań garstki artystów, którzy zjednoczyli się wokół Edouarda Maneta. W czwartki odbywały się regularne spotkania, aw inne dni można było tam spotkać grupę ożywionych, rozmawiających lub kłócących się artystów. Claude Monet tak opisał spotkania w Café Gerbois: „Nie może być nic bardziej ekscytującego niż te spotkania i niekończące się zderzenie poglądów. Wyostrzyły nasze umysły, pobudziły nasze szlachetne i szczere aspiracje, dały nam zastrzyk entuzjazmu, który podtrzymywał nas przez wiele tygodni, aż do całkowitego uformowania się pomysłu. Wychodziliśmy z tych spotkań w dobrym nastroju, ze wzmocnioną wolą, z myślami wyraźniejszymi i jaśniejszymi.

W przededniu lat 70. XIX wieku impresjonizm zakorzenił się również we francuskim krajobrazie: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley jako pierwsi opracowali spójny system plenerów. Malowali swoje płótna bez szkiców i szkiców w plenerze bezpośrednio na płótnie, uosabiając w swoich obrazach iskrzące się światło słoneczne, bajeczną obfitość kolorów natury, rozpad przedmiotów przedstawionych w otoczeniu, wibracje światła i powietrza , zamieszki odruchów. Do osiągnięcia tego celu bardzo przyczynił się szczegółowo zbadany przez nich system kolorów, w którym naturalny kolor został rozłożony na kolory widma słonecznego. Aby stworzyć niezwykle jasną, delikatną kolorową fakturę, artyści nałożyli na płótno czysty kolor oddzielnymi pociągnięciami, podczas gdy w ludzkim oku oczekiwano optycznego mieszania. Technika ta, później przekształcona i teoretycznie uargumentowana, stała się centralnym elementem innego wybitnego dążenia artystycznego - puentylizmu, zwanego "dywizjonizmem" (od francuskiego "dzielnik" - dzielić).

Impresjoniści wykazywali wzmożone zainteresowanie powiązaniami między obiektem a otoczeniem. Przedmiotem ich skrupulatnej twórczej analizy była przemiana koloru i charakteru przedmiotu w zmieniającym się otoczeniu. Aby zrealizować ten pomysł, wielokrotnie przedstawiano ten sam obiekt. Dzięki dodatkowi czystego koloru w cieniach i refleksach czarna farba prawie opuściła paletę.

Krytyk Jules Laforgue tak mówił o fenomenie impresjonizmu: „Impresjonista widzi i przekazuje naturę taką, jaka jest, to znaczy tylko z urzekającymi wibracjami. Rysunek, światło, objętość, perspektywa, światłocień - wszystko to jest oddalająca się klasyfikacja. Okazuje się, że wszystko jest determinowane przez wibracje koloru i musi zostać odciśnięte na płótnie przez wibracje koloru.

Dzięki zajęciom plenerowym i spotkaniom w kawiarniach 27 grudnia 1873 r. „Anonimowi, rzeźbiarze, rytownicy itp.” - więc początkowo nazywali siebie impresjonistami. Pierwsza wystawa Towarzystwa odbyła się wiosną rok później w Galerii Handlowej Nadara, eksperymentalnego fotografa, który również sprzedawał sztukę współczesną.

Debiut miał miejsce 15 kwietnia 1874 roku. Wystawę zaplanowano na miesiąc, czas zwiedzania - od dziesiątej do szóstej i, co również było nowością, od ósmej do dziesiątej wieczorem. Bilet wstępu kosztował jednego franka, katalogi można było kupić za pięćdziesiąt centymów. Początkowo wystawa wydawała się być wypełniona zwiedzającymi, ale tłum zajmował się tam tylko kpiną. Niektórzy żartowali, że zadanie tych artystów można wykonać ładując pistolet różnymi tubkami z farbą, następnie strzelając w płótno i kończąc na podpisie.

Zdania były podzielone: ​​albo wystawa nie była w ogóle traktowana poważnie, albo była krytykowana do dziewiątek. Ogólny odbiór można wyrazić w poniższym, sarkastycznym, aspirującym artykule „Wystawa impresjonistyczna”, podpisanym przez Louisa Leroya, opublikowanym w formie felietonu. Oto opis dialogu autora z odznaczonym medalami akademikiem-pejzażystą, którzy wspólnie przechodzą przez sale wystawy:

„... Przyjechał tam nieroztropny artysta, nie zakładając nic złego, spodziewał się zobaczyć tam płótna, które można znaleźć wszędzie, wskazujące i bezużyteczne, bardziej bezużyteczne niż wskazujące, ale niedaleko od pewnych standardów artystycznych, kultury formy i szacunku dla starych mistrzów.

Niestety, forma! Niestety, starzy mistrzowie! Nie będziemy ich już czytać, mój biedny przyjacielu! Zmieniliśmy wszystko!”

Na wystawie pojawił się także pejzaż Claude'a Moneta, przedstawiający poranek w zatoce spowitej mgłą - malarz nazwał go „Wrażenie. Wschód słońca” (wrażenie). Oto komentarz jednego z bohaterów satyrycznego artykułu Louisa Leroy na tym płótnie, który nadał nazwę najbardziej sensacyjnemu i znanemu ruchowi w sztuce XIX wieku:

„...- Co tu jest narysowane? Zajrzyj do katalogu. - „Wrażenie. Wschód słońca". - Wrażenie - tak jak się spodziewałem. Pomyślałem sobie tylko, że skoro jestem pod wrażeniem, to trzeba w nim przekazać jakieś wrażenie… i jaki luz, jaka płynność wykonania! Tapeta w oryginalnym stopniu przetworzenia jest doskonalsza niż ten pejzaż morski ... ”.

Osobiście Monet nie był w żaden sposób przeciwny takiej nazwie techniki artystycznej, którą stosował w praktyce. Główną istotą jego twórczości jest właśnie uchwycenie i uchwycenie nieuchwytnych chwil życia, nad którymi pracował, dając początek niezliczonym cyklom obrazów: „Haks”, „Topole”, „Katedra w Rouen”, „Stacja Saint-Lazare” , „Staw w Giverny”, „Londyn. Budynek Parlamentu i inne. Inny przypadek, Edgar Degas, który lubił nazywać siebie „niezależnym”, ponieważ nie brał udziału w Salonie. Jego ostry, groteskowy styl pisarski, stanowiący wzór dla wielu zwolenników (wśród których szczególnie wyróżniała się Toulouse-Lautrec), był nie do przyjęcia dla akademickiego jury. Obaj malarze stali się najaktywniejszymi organizatorami kolejnych wystaw impresjonistów, zarówno we Francji, jak i za granicą - w Anglii, Niemczech i USA.

Natomiast Auguste Renoir, występując na pierwszych wystawach impresjonistów, nie tracił nadziei na podbój Salonu, co roku wysyłając na swoje wystawy dwa obrazy. Charakterystyczną dwoistość swoich działań tłumaczy w korespondencji ze swoim towarzyszem i patronem Durand-Ruelem: „...Nie popieram bolesnych opinii, że dzieło jest godne lub niegodne, w zależności od miejsca, w którym jest pokazywane. Krótko mówiąc, nie chcę marnować czasu i złościć się na Salon. Nie chcę nawet udawać złości. Po prostu myślę, że musisz rysować jak najszybciej, to wszystko. Gdyby mi zarzucono, że jestem pozbawiony skrupułów w swojej sztuce lub z absurdalnej ambicji wyrzekam się swoich poglądów, przyjąłbym takie zarzuty. Ale ponieważ nie ma nic nawet bliskiego, nie ma potrzeby robić mi wyrzutów”.

Nie uważając się za oficjalnie zaangażowanego w reżyserię impresjonistów, Edouard Manet uważał się za malarza realistycznego. Jednak nieustanne bliskie relacje z impresjonistami, odwiedzającymi ich wystawy, niepostrzeżenie przekształciły styl malarza, zbliżając go do impresjonisty. W ostatnich latach życia kolory w jego obrazach rozjaśniają się, kreska jest zamaszysta, kompozycja jest fragmentaryczna. Podobnie jak Renoir, Manet czekał na przychylność oficjalnych znawców sztuki i chętnie brał udział w wystawach Salonu. Ale wbrew swojej woli stał się idolem paryskich artystów awangardowych, ich niekoronowanym królem. Mimo wszystko uparcie szturmował Salon ze swoimi płótnami. Dopiero przed śmiercią miał szczęście zdobyć oficjalną lokalizację Salonu. Znalazłem to i Auguste'a Renoira.

Opisując kluczowe postaci impresjonizmu, brzydko byłoby nie przypomnieć choćby fragmentarycznie osoby, za pomocą której wielokrotnie hańbiony ruch artystyczny stał się znaczącym artystycznym nabytkiem XIX wieku i podbił cały świat. Ten człowiek nazywa się Paul Durand-Ruel, kolekcjoner, marszand, który wielokrotnie znalazł się na skraju bankructwa, ale nie porzucił swoich prób ustanowienia impresjonizmu jako nowej sztuki, która nie osiągnęła jeszcze zenitu. Organizował wystawy impresjonistów w Paryżu i Londynie, aranżował osobiste wystawy malarzy w swojej galerii, organizował aukcje, po prostu pomagał artystom finansowo: bywało, że wielu z nich nie miało pieniędzy na farby i płótna. Dowodem żarliwej wdzięczności i czci artystów są ich listy do Duranda-Ruela, których pozostało wiele. Osobowość Duranda-Ruela jest przykładem inteligentnego kolekcjonera i dobroczyńcy.

„Impresjonizm” to pojęcie względne. Wszyscy malarze, których zaliczamy do tego ruchu, przeszli szkolenie akademickie, które polegało na skrupulatnym dopracowaniu szczegółów i gładkiej, błyszczącej powierzchni malarskiej. Szybko jednak woleli od zwykłych tematów i wątków nakazanych przez Salon, obrazów w kierunku realistycznym, odzwierciedlającym rzeczywistą, codzienność. Następnie każdy z nich pisał przez pewien czas w stylu impresjonizmu, starając się obiektywnie przekazać przedmioty na swoich obrazach w różnych warunkach oświetleniowych. Po takim impresjonistycznym etapie większość z tych awangardowych artystów zwróciła się ku niezależnym badaniom, zyskując zbiorową nazwę „postimpresjonizm”; później ich praca przyczyniła się do powstania XX wieku abstrakcjonizmu.

W latach 70. XIX wieku Europa uzależniła się od sztuki japońskiej. Edmond de Goncourt w swoich notatkach mówi: „… Pasja do sztuki japońskiej… obejmowała wszystko - od malarstwa po modę. Na początku była to mania takich ekscentryków jak mój brat i ja, później dołączyli do nas artyści impresjoniści. Rzeczywiście, w obrazach ówczesnych impresjonistów często utrwalano atrybuty kultury japońskiej: wachlarze, kimona, ekrany. Z japońskiego grawerunku uczyli się także metod stylistycznych i rozwiązań plastycznych. Wielu impresjonistów było zapalonymi kolekcjonerami japońskich grafik. Na przykład Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas.

W sumie tzw. impresjoniści w latach 1874-1886 wystawili 8 wystaw w nierównych odstępach czasu; połowa z 55 malarzy, którzy należeli do Towarzystwa Anonimowego, ze względu na różne okoliczności, pojawiła się dopiero w I. Wyjątkowym uczestnikiem wszystkich 8 wystaw był Camille Pissarro, który wyróżniał się spokojnym, spokojnym usposobieniem.

W 1886 odbyła się ostatnia wystawa impresjonistów, ale jako metoda artystyczna nadal istniała. Malarze nie porzucili ciężkiej pracy. Chociaż poprzednie partnerstwo, jedność, nie było już dostępne. Każdy utorował sobie drogę. Historyczne konfrontacje zakończyły się, zakończyły triumfem nowych poglądów i nie było potrzeby łączenia sił. Chwalebna jedność artystów impresjonistów rozdarła się i nie mogła się powstrzymać od rozłamu: wszyscy byli boleśnie odmienni nie tylko w temperamencie, ale także w poglądach, w przekonaniach artystycznych.

Impresjonizm jako kierunek zgodny ze swoim czasem nie omieszkał opuścić granic Francji. Podobne pytania zadawali malarze z innych krajów (James Whistler w Anglii i USA, Max Lieberman i Lovis Corinth w Niemczech, Konstantin Korovin i Igor Grabar w Rosji). Fascynację impresjonizmem natychmiastowym ruchem, płynną formą przejęli także rzeźbiarze (Auguste Rodin we Francji, Paolo Trubetskoy i Anna Golubkina w Rosji).

Dokonując rewolucji w poglądach współczesnych, poszerzając swój światopogląd, impresjoniści utorowali w ten sposób drogę do późniejszego powstania sztuki i pojawienia się nowych aspiracji i idei estetycznych, nowych form, które nie trzeba było długo czekać. Neoimpresjonizm, postimpresjonizm, fowizm, które wyrosły z impresjonizmu, stymulowały później także powstawanie i rozwój nowych trendów i trendów estetycznych.

Impresjonizm to ruch artystyczny, który pojawił się w latach 70-tych. XIX wiek w malarstwie francuskim, a następnie przejawił się w muzyce, literaturze, teatrze.

Impresjonizm w malarstwie zaczął nabierać kształtu na długo przed słynną wystawą z 1874 roku. Edouard Manet jest tradycyjnie uważany za założyciela impresjonistów. Był bardzo zainspirowany klasycznymi dziełami Tycjana, Rembrandta, Rubensa, Velazqueza. Manet wyrażał swoją wizję obrazów na swoich płótnach, dodając „wibrujące” pociągnięcia, które tworzyły efekt niekompletności. W 1863 roku Manet stworzył „Olympię”, co wywołało wielki skandal w środowisku kulturalnym.

Obraz na pierwszy rzut oka wykonany zgodnie z tradycyjnymi kanonami, ale jednocześnie niósł już nowatorskie trendy. O Olimpii napisano około 87 recenzji w różnych publikacjach paryskich. Spadło na nią wiele negatywnej krytyki - artystka została oskarżona o wulgarność. I tylko kilka artykułów można nazwać życzliwymi.

Manet w swojej pracy wykorzystywał technikę nakładania pojedynczej warstwy farby, co dało efekt plam. Następnie ta metoda nakładania farb została przyjęta przez artystów impresjonistów jako podstawa obrazów na obrazach.

Charakterystyczną cechą impresjonizmu było najsubtelniejsze utrwalenie ulotnych wrażeń, w szczególny sposób odwzorowujące światło otoczenia za pomocą złożonej mozaiki czystych barw, pobieżnych dekoracyjnych kresek.

Ciekawe, że na początku poszukiwań artyści posłużyli się cyjanometrem - przyrządem do określania błękitu nieba. Czarny kolor został wykluczony z palety, zastąpiony innymi odcieniami kolorystycznymi, co pozwoliło nie zepsuć słonecznego nastroju obrazów.

Impresjoniści skupili się na najnowszych odkryciach naukowych swoich czasów. Teoria koloru Chevrela i Helmholtza sprowadza się do tego, że promień słońca rozszczepia się na kolory składowe i odpowiednio dwie farby nałożone na płótno wzmacniają efekt malarski, a po zmieszaniu farb tracą swoją intensywność.

Estetyka impresjonizmu ukształtowała się po części jako próba zdecydowanego uwolnienia się od konwencji klasycyzmu w sztuce, a także uporczywej symboliki i zamyślenia późnoromantycznego malarstwa, które zapraszało wszystkich do obejrzenia zaszyfrowanych idei, wymagających uważnej interpretacji. . Impresjonizm domagał się nie tylko piękna codziennej rzeczywistości, ale utrwalenia barwnej atmosfery, bez szczegółów i interpretacji, przedstawiając świat jako ciągle zmieniające się zjawisko optyczne.

Artyści impresjonistyczni opracowali kompletny system plenerowy. Prekursorami tej cechy stylistycznej byli malarze pejzażyści wywodzący się ze szkoły Barbizon, których głównymi przedstawicielami byli Camille Corot i John Constable.

Praca w otwartej przestrzeni dała więcej możliwości uchwycenia najmniejszych zmian kolorów o różnych porach dnia.

Claude Monet stworzył kilka serii obrazów na ten sam temat, na przykład „Katedra w Rouen” (seria 50 obrazów), „Hacks” (seria 15 obrazów), „Staw z liliami wodnymi” itp. Główny wskaźnik z tych serii nastąpiła zmiana światła i kolorów w obrazie tego samego przedmiotu, pisanego o różnych porach dnia.

Kolejnym osiągnięciem impresjonizmu jest opracowanie oryginalnego systemu malarskiego, w którym złożone tony są rozkładane na czyste kolory przekazywane osobnymi pociągnięciami. Artyści nie mieszali kolorów na palecie, ale woleli nakładać pociągnięcia bezpośrednio na płótno. Ta technika nadała obrazom szczególny niepokój, zmienność i ulgę. Dzieła artystów były wypełnione kolorem i światłem.

Wystawa 15 kwietnia 1874 w Paryżu była wynikiem okresu formowania się i prezentowania szerokiej publiczności nowego nurtu. Ekspozycja została umieszczona w pracowni fotografa Felixa Nadara na Boulevard des Capucines.

Nazwa „Impresjonizm” powstała po wystawie, na której znalazł się obraz Moneta „Impresja. Wschód słońca". Krytyk L. Leroy w swojej recenzji w Sharivari podał żartobliwy opis wystawy z 1874 roku, podając jako przykład pracę Moneta. Inny krytyk, Maurice Denis, zarzucał impresjonistom brak indywidualności, uczuć i poezji.

Na pierwszej wystawie swoje prace pokazało około 30 artystów. Była to największa liczba w porównaniu z kolejnymi wystawami do 1886 roku.

Nie sposób nie wspomnieć o pozytywnych opiniach rosyjskiego społeczeństwa. Rosyjscy artyści i krytycy demokratyczni, zawsze żywo zainteresowani życiem artystycznym Francji - I. V. Kramskoy, I. E. Repin i V. V. Stasov - wysoko ocenili osiągnięcia impresjonistów od pierwszej wystawy.

Nowy etap w historii sztuki, który rozpoczął się wystawą z 1874 roku, nie był nagłą eksplozją tendencji rewolucyjnych - był kulminacją powolnego i konsekwentnego rozwoju.

Pomimo tego, że wszyscy wielcy mistrzowie przeszłości przyczynili się do rozwoju zasad impresjonizmu, bezpośrednich korzeni nurtu najłatwiej odnaleźć w dwudziestu latach poprzedzających wystawę historyczną.

Równolegle do wystaw w Salonie rozmachu nabierały wystawy impresjonistów. Ich prace pokazywały nowe trendy w malarstwie. Był to zarzut wobec kultury salonowej i tradycji wystawienniczych. W przyszłości impresjonistycznym artystom udało się przyciągnąć na swoją stronę wielbicieli nowych trendów w sztuce.

Wiedza teoretyczna i sformułowania impresjonizmu zaczęły kształtować się dość późno. Artyści woleli więcej praktyki i własne eksperymenty ze światłem i kolorem. W impresjonizmie, przede wszystkim malarskim, można prześledzić spuściznę realizmu, wyraźnie wyraża on antyakademicką, antysalonową orientację i instalację obrazu otaczającej rzeczywistości tamtych czasów. Niektórzy badacze zauważają, że impresjonizm stał się specjalną odnogą realizmu.

Niewątpliwie w sztuce impresjonistycznej, jak w każdym nurcie artystycznym powstającym w okresie przełomu i kryzysu dawnych tradycji, splatały się różne, a nawet sprzeczne tendencje, przy całej swej zewnętrznej integralności.

Główne cechy tkwiły w tematyce prac artystów, w środkach artystycznego wyrazu. Książka Iriny Vladimirovej o impresjonistach zawiera kilka rozdziałów: „Krajobraz, przyroda, wrażenia”, „Miasto, miejsca spotkań i pożegnań”, „Hobby jako sposób na życie”, „Ludzie i postacie”, „Portrety i autoportrety” , "Martwa natura". Opisuje również historię powstania i lokalizację każdego dzieła.

W okresie rozkwitu impresjonizmu artyści odnaleźli harmonijną równowagę między obiektywną rzeczywistością a jej postrzeganiem. Artyści starali się uchwycić każdy promień światła, ruch wiatru, zmienność natury. Aby zachować świeżość obrazów, impresjoniści stworzyli oryginalny system malarski, który później okazał się bardzo ważny dla rozwoju sztuki w przyszłości. Pomimo ogólnych trendów w malarstwie, każdy artysta znalazł własną ścieżkę twórczą i główne gatunki malarstwa.

Klasyczny impresjonizm reprezentują tacy artyści jak Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Bazille, Berthe Morisot, Edgar Degas.

Rozważ wkład niektórych artystów w kształtowanie się impresjonizmu.

Edouard Manet (1832-1883)

Manet pierwsze lekcje malarstwa otrzymał od T. Couture'a, dzięki czemu przyszły artysta nabył wiele niezbędnych umiejętności zawodowych. Z powodu braku należytej uwagi nauczyciela wobec uczniów Manet opuszcza pracownię mistrza i zajmuje się samokształceniem. Zwiedza wystawy w muzeach, na jego twórczą formację duży wpływ mieli dawni mistrzowie, zwłaszcza hiszpańscy.

W latach 60. XIX wieku Manet napisał dwie prace, które ukazują podstawowe zasady jego artystycznego stylu. Lola z Walencji (1862) i Flecista (1866) ukazują Maneta jako artystę, który poprzez oddanie koloru ujawnia charakter modela.

Jego pomysły na technikę pędzla i stosunek do koloru zostały przejęte przez innych malarzy impresjonistów. W latach 70. XIX wieku Manet zbliżył się do swoich zwolenników i pracował w plenerze bez czerni na palecie. Pojawienie się impresjonizmu było wynikiem twórczej ewolucji samego Maneta. Najbardziej impresjonistyczne obrazy Maneta to W łodzi (1874) i Claude Monet w łodzi (1874).

Manet namalował też wiele portretów różnych świeckich dam, aktorek, modelek, pięknych kobiet. W każdym portrecie została przekazana wyjątkowość i indywidualność modela.

Tuż przed śmiercią Manet pisze jedno ze swoich arcydzieł – „Bar Folies-Bergère” (1881-1882). Ten obraz łączy kilka gatunków jednocześnie: portret, martwa natura, scena domowa.

NN Kalitina pisze: „Magia sztuki Maneta polega na tym, że dziewczyna opiera się otoczeniu, dzięki czemu jej nastrój jest tak wyraźnie ujawniony, a jednocześnie jest częścią, bo całe tło, niejasno domyślane, nieokreślone, wzburzone, jest również rozdzielony na niebiesko-czarne, niebiesko-białe, żółte odcienie.

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet był niekwestionowanym przywódcą i twórcą klasycznego impresjonizmu. Głównym gatunkiem jego malarstwa był pejzaż.

W młodości Monet lubił karykaturę i karykaturę. Pierwszymi wzorami jego pracy byli jego nauczyciele, towarzysze. Jako próbki użył karykatur w gazetach i magazynach. Skopiował rysunki w Golois E. Karża, poety i karykaturzysty, przyjaciela Gustave'a Coubreta.

W college'u Monet uczył Jacques-Francois Hauchard. Ale trzeba zauważyć, że wpływ na Moneta z Boudin, który wspierał artystę, udzielał mu rad, motywował go do kontynuowania pracy.

W listopadzie 1862 w Paryżu Monet kontynuował studia w Paryżu u Gleyre'a. Dzięki temu Monet poznał w swoim studio Basila, Renoira, Sisleya. Młodzi artyści przygotowywali się do wstąpienia do Szkoły Sztuk Pięknych, szanując swojego nauczyciela, który za lekcje zabierał niewiele i dawał łagodne rady.

Monet tworzył swoje obrazy nie jako opowieść, nie jako ilustrację idei lub tematu. Jego malarstwo, podobnie jak życie, nie miało jasnych celów. Widział świat bez skupiania się na szczegółach, na pewnych zasadach, poszedł do „wizji krajobrazowej” (termin historyka sztuki A. A. Fiodorowa-Dawidowa). Monet dążył do bezfabularności, fuzji gatunków na płótnie. Środkiem realizacji jego innowacji były szkice, które miały stać się gotowymi obrazami. Wszystkie szkice zostały zaczerpnięte z natury.

Malował łąki, wzgórza, kwiaty, skały, ogrody, wiejskie ulice, morze, plaże i wiele więcej, zwracał się ku obrazowi natury o różnych porach dnia. Często malował to samo miejsce w różnym czasie, tworząc ze swoich prac całe cykle. Zasadą jego pracy nie był obraz obiektów na obrazie, ale dokładna transmisja światła.

Oto kilka przykładów prac artysty – „Pole maków pod Argenteuil” (1873), „Żaba” (1869), „Staw z liliami wodnymi” (1899), „Stogi pszenicy” (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir jest jednym z wybitnych mistrzów portretu świeckiego, ponadto pracował w gatunkach pejzażu, sceny domowej, martwej natury.

Osobliwością jego pracy jest zainteresowanie osobowością osoby, ujawnienie jej charakteru i duszy. W swoich płótnach Renoir stara się podkreślić poczucie pełni bytu. Artystę przyciąga rozrywka i święta, maluje bale, spacery ich ruchem i różnorodnymi postaciami, tańczy.

Najbardziej znane dzieła artysty to „Portret aktorki Jeanne Samary”, „Parasole”, „Kąpiel w Sekwanie” itp.

Co ciekawe, Renoir wyróżniał się muzykalnością i jako dziecko śpiewał w chórze kościelnym pod kierunkiem wybitnego kompozytora i pedagoga Charlesa Gounoda w Paryżu w katedrze Saint-Eustache. C. Gounod zdecydowanie zalecał chłopcu studiowanie muzyki. Ale jednocześnie Renoir odkrył swój talent artystyczny - od 13 roku życia nauczył się już malować porcelanowe naczynia.

Lekcje muzyki wpłynęły na ukształtowanie się osobowości artysty. Wiele jego prac nawiązuje do tematów muzycznych. Odzwierciedlały grę na pianinie, gitarze, mandolinie. Są to obrazy „Lekcja gitary”, „Młoda Hiszpanka z gitarą”, „Młoda dama przy fortepianie”, „Kobieta grająca na gitarze”, „Lekcja gry na fortepianie” itp.

Jan Fryderyk Bazyli (1841-1870)

Według zaprzyjaźnionych artystów Basil był najbardziej obiecującym i wybitnym impresjonistą.

Jego prace wyróżniają się jasną kolorystyką i duchowością obrazów. Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley i Claude Monet mieli wielki wpływ na jego twórczą drogę. Mieszkanie Jeana Frederica dla początkujących malarzy było rodzajem pracowni i mieszkania.

Bazylia malowana głównie w plenerze. Główną ideą jego twórczości był wizerunek człowieka na tle przyrody. Jego pierwszymi bohaterami na obrazach byli jego przyjaciele-artyści; wielu impresjonistów bardzo lubiło malować się nawzajem w swoich pracach.

Frédéric Bazille wyznaczał w swojej twórczości kierunek realistycznego impresjonizmu. Jego najsłynniejszy obraz, Zjazd rodzinny (1867), jest autobiograficzny. Artysta przedstawia na nim członków swojej rodziny. Praca ta została zaprezentowana w Salonie i uzyskała aprobującą ocenę publiczności.

W 1870 artysta zginął w wojnie prusko-francuskiej. Po śmierci artysty jego przyjaciele-artyści zorganizowali trzecią wystawę impresjonistów, na której eksponowane były również jego płótna.

Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro jest jednym z największych po C.Moniecie przedstawicieli malarzy pejzażowych. Jego prace były stale wystawiane w ekspozycjach impresjonistów. W swoich pracach Pissarro wolał przedstawiać zaorane pola, chłopskie życie i pracę. Jego obrazy wyróżniała struktura form i klarowność kompozycji.

Później artysta zaczął malować i malować o tematyce miejskiej. N. N. Kalitina zauważa w swojej książce: „Patrzy na ulice miasta z okien górnych pięter lub z balkonów, nie wprowadzając ich do kompozycji”.

Pod wpływem Georgesa-Pierre'a Seurata artysta zajął się puentylizmem. Ta technika polega na nakładaniu każdego uderzenia z osobna, tak jak w przypadku kropek. Ale twórcze perspektywy w tej dziedzinie nie zostały zrealizowane, a Pissarro powrócił do impresjonizmu.

Najbardziej znane obrazy Pissarro to Boulevard Montmartre. Popołudnie, słonecznie”, „Pasaż operowy w Paryżu”, „Miejsce teatru francuskiego w Paryżu”, „Ogród w Pontoise”, „Żniwa”, „Sianokosy” itp.

Alfred Sisley (1839-1899)

Głównym gatunkiem malarstwa Alfreda Sisleya był pejzaż. W jego wczesnych pracach widoczny jest głównie wpływ K. Corota. Stopniowo, w trakcie wspólnej pracy z C. Monetem, J. F. Basilem, P. O. Renoirem, w jego pracach zaczynają pojawiać się jasne kolory.

Artystę pociąga gra światła, zmiana stanu atmosfery. Sisley kilkakrotnie zwrócił się do tego samego krajobrazu, uwieczniając go o różnych porach dnia. W swoich pracach artysta stawiał na zmieniający się z każdą sekundą obraz wody i nieba. Artyście udało się osiągnąć doskonałość za pomocą koloru, każdy odcień w jego pracach niesie ze sobą pewną symbolikę.

Najsłynniejsze z jego dzieł: „Zaułek wiejski” (1864), „Mróz w Louveciennes” (1873), „Widok na Montmartre z Wyspy Kwiatów” (1869), „Wczesny śnieg w Louveciennes” (1872), „Most w Argenteuil” (1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas to artysta, który swoją twórczą karierę rozpoczął od studiów w Szkole Sztuk Pięknych. Inspirował się artystami włoskiego renesansu, co wpłynęło na jego twórczość w ogóle. Na początku Degas malował obrazy historyczne, na przykład „Spartańskie dziewczyny rzucają spartańskiej młodzieży wyzwanie na konkurs. (1860). Głównym gatunkiem jego malarstwa jest portret. W swoich pracach artysta odwołuje się do tradycji klasycznych. Tworzy prace naznaczone silnym wyczuciem swojego czasu.

W przeciwieństwie do swoich kolegów, Degas nie podziela radosnego, otwartego spojrzenia na życie i rzeczy tkwiące w impresjonizmie. Artystce bliżej do krytycznej tradycji sztuki: współczucia dla losu zwykłego człowieka, umiejętności widzenia dusz ludzi, ich wewnętrznego świata, niekonsekwencji, tragedii.

Dla Degas przedmioty i wnętrze otaczające człowieka odgrywają ważną rolę w tworzeniu portretu. Oto kilka prac jako przykład: „Desiree Dio z orkiestrą” (1868-1869), „Portret kobiety” (1868), „Para Morbilli” (1867) itp.

Zasadę portretowania w twórczości Degasa można prześledzić przez całą jego karierę. W latach 70. XIX wieku artysta przedstawia w swoich dziełach społeczeństwo Francji, w szczególności Paryż, w pełnej krasie. W kręgu zainteresowań artysty - życie miejskie w ruchu. „Ruch był dla niego jednym z najważniejszych przejawów życia, a zdolność sztuki do jego przekazywania była najważniejszym osiągnięciem współczesnego malarstwa” – pisze N.N. Kalitina.

W tym czasie powstały takie obrazy jak „Gwiazda” (1878), „Miss Lola w cyrku Fernanda”, „Wyścigi Epsom” i inne.

Nową rundą twórczości Degasa jest jego zainteresowanie baletem. Pokazuje kulisy życia balerinek, opowiada o ich ciężkiej pracy i ciężkim treningu. Ale mimo to artyście udaje się znaleźć zwiewność i lekkość w przekazywaniu swoich obrazów.

W baletowym cyklu obrazów Degasa widoczne są osiągnięcia w dziedzinie przepuszczania sztucznego światła z footlightu, mówią o talencie kolorystycznym artysty. Najbardziej znane obrazy to „Niebiescy tancerze” (1897), „Klasa tańca” (1874), „Tancerka z bukietem” (1877), „Tancerze w różu” (1885) i inne.

Pod koniec życia, z powodu pogorszenia się wzroku, Degas próbuje swoich sił w rzeźbie. Jego obiektami stają się te same baletnice, kobiety, konie. W rzeźbie Degas stara się przekazać ruch, a żeby docenić rzeźbę, trzeba spojrzeć na nią pod różnymi kątami.

„Nowy świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”

Henri Kahnweiler

XIX wiek. Francja. W malarstwie wydarzyło się coś nie do pomyślenia. Grupa młodych artystów postanowiła potrząsnąć 500-letnią tradycją. Zamiast wyraźnego rysunku użyli szerokiego „niechlujnego” pociągnięcia pędzla.

I całkowicie porzucili zwykłe obrazy, przedstawiające wszystkich z rzędu. I panie o łatwej cnocie i panowie o wątpliwej reputacji.

Publiczność nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Byli wyśmiewani i skarceni. A co najważniejsze, nic od nich nie kupili.

Ale opór został złamany. A niektórzy impresjoniści doczekali swojego triumfu. To prawda, że ​​mieli już ponad 40 lat. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Inni czekali na uznanie dopiero pod koniec życia, jak Camille Pissarro. Ktoś do tego nie dotrzymał, jak Alfred Sisley.

Jakiego rewolucjonisty zrobił każdy z nich? Dlaczego opinia publiczna tak długo ich nie akceptowała? Oto 7 najsłynniejszych francuskich impresjonistów na świecie.

1. Edouard Manet (1832-1883)

Edwarda Grzywa. Autoportret z paletą. 1878 Kolekcja prywatna

Manet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją.

Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. Był człowiekiem świata. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.

Ale czekał bardzo długo na uznanie. Publiczność w najgorszym razie chciała zobaczyć greckie boginie lub martwe natury, aby wyglądały pięknie w jadalni. Manet chciał malować współczesne życie. Na przykład kurtyzany.

Rezultatem było „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie dam łatwej cnoty. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.

Edwarda Grzywa. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż

Porównaj jego „Śniadanie na trawie” z „Rzymianami w upadku” Thomasa Couture'a. Obraz Couture zrobił furorę. Artysta natychmiast stał się sławny.

„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgarność. Kobietom w ciąży absolutnie nie zalecano patrzenia na nią.

Thomas Couture. Upadek Rzymian. 1847 Musée d'Orsay, Paryż. artchive.ru

W malarstwie Couture dostrzegamy wszystkie atrybuty akademizmu (malarstwa tradycyjnego XVI-XIX w.). Kolumny i posągi. Lud apolliński. Tradycyjne stonowane kolory. Manieryzm postaw i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innych ludzi.

„Śniadanie na trawie” Maneta to inny format. Przed nim nikt tak łatwo nie portretował kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu ówczesnych mężczyzn spędzało w ten sposób swój wolny czas. To było prawdziwe życie prawdziwych ludzi.

Kiedyś przedstawiał szanowaną damę. Brzydki. Nie mógł jej schlebiać pędzlem. Pani była rozczarowana. Zostawiła go we łzach.

Edwarda Grzywa. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paryż. wikimedia.commons.org

Więc kontynuował eksperymenty. Na przykład kolorem. Nie próbował przedstawiać tak zwanego naturalnego koloru. Jeśli widział szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, to przedstawiał ją jako jasnoniebieską.

To oczywiście zirytowało opinię publiczną. „W końcu nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się takim błękitem jak woda w Manet” – żartowali.

Edwarda Grzywa. Argenteuil. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych, Tournai, Belgia. wikipedia.org

Ale fakt pozostaje. Manet zasadniczo zmienił cel malowania. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty, który pisze, jak mu się podoba. Zapomnij o wzorach i tradycjach.

Innowacje długo mu nie wybaczały. Uznanie czekało dopiero pod koniec życia. Ale już go nie potrzebował. Umierał boleśnie na nieuleczalną chorobę.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Kolekcja prywatna

Claude Monet można nazwać podręcznikowym impresjonistą. Ponieważ był wierny temu kierunkowi przez całe swoje życie.

Malował nie przedmioty i ludzi, ale jednobarwną konstrukcję rozświetleń i plam. Oddzielne pociągnięcia. Drżenie powietrza.

Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. Metmuseum.org

Monet malował nie tylko naturę. Był również dobry w pejzażach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .

W tym obrazie jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany za pomocą rozmytego obrazu.

Uwaga: odległe drzewa i postacie wydają się być we mgle.

Claude Monet. Bulwar des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX w.), Moskwa

Przed nami zatrzymany moment tętniącego życiem Paryża. Brak inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór kresek. Taka bezfabularność i efekt „zamrożonej klatki” to główna cecha impresjonizmu.

W połowie lat 80. artyści byli rozczarowani impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale bezmyślność wielu uciskanych.

Tylko Monet nadal trwał, wyolbrzymiając impresjonizm. To rozwinęło się w serię obrazów.

Ten sam krajobraz przedstawiał dziesiątki razy. O różnych porach dnia. O różnych porach roku. Aby pokazać, jak bardzo temperatura i światło mogą zmienić ten sam widok nie do poznania.

Tak więc były niezliczone stogi siana.

Obrazy Claude'a Moneta w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891 Po prawej: Stóg siana (efekt śniegu), 1891

Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. A nie szary czy czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejny z ich wynalazków.

Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobytem materialnym. Po 40 już zapomniał o biedzie. Mam dom i piękny ogród. I robił to dla przyjemności przez wiele lat.

Przeczytaj o najbardziej kultowym obrazie mistrza w artykule

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling i Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest

Impresjonizm to najbardziej pozytywny obraz. A najbardziej pozytywnym wśród impresjonistów był Renoir.

W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nie użył nawet czarnej farby. Tylko radość istnienia. Nawet najbardziej banalny Renoir wygląda pięknie.

W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Krajobrazy były dla niego mniej znaczące. Na obrazach jego przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.

Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie dla wioślarzy. 1880-1881 Phillips Collection, Waszyngton, USA. wikimedia.commons.org

Nie znajdziesz w Renoir i zamyśleniu. Bardzo się cieszył, że dołączył do impresjonistów, którzy całkowicie odmówili poddanych.

Jak sam powiedział, w końcu ma okazję malować kwiaty i nazywać je po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj o nich żadnych historii.

Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolem w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis, Madryt. arteuam.com

Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im głupsza i naiwniejsza była piosenka, tym lepiej dla niego. Męczyła go męska paplanina. Nic dziwnego, że Renoir jest znany z nagich obrazów.

Modelka na obrazie „Akt w słońcu” wydaje się pojawiać na kolorowym abstrakcyjnym tle. Ponieważ dla Renoira nie ma nic drugorzędnego. Oko modelki lub obszar tła są równoważne.

Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 ​​​​Musée d'Orsay, Paryż. wikimedia.commons.org

Renoir żył długo. I nigdy nie odkładaj pędzla i palety. Nawet gdy jego ręce były całkowicie spętane przez reumatyzm, przywiązywał pędzel do ramienia liną. I malował.

Podobnie jak Monet, na uznanie czekał po 40 latach. A moje obrazy widziałam w Luwrze, obok dzieł sławnych mistrzów.

Przeczytaj o jednym z najbardziej uroczych portretów Renoira w artykule

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana, Lizbona, Portugalia. kultura.pl

Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować na świeżym powietrzu (na zewnątrz). Nie znajdziesz przy nim celowo rozjaśnionej palety.

Wręcz przeciwnie, kochał wyraźną linię. Ma dużo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.

Mimo to zawsze stawiany jest na równi z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.

Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu obiektów. Postacie zaskoczone. Oto główne atrybuty jego obrazów.

Zatrzymywał chwile życia, nie pozwalając bohaterom opamiętać się. Spójrz przynajmniej na jego „Orkiestrę Operową”.

Edgara Degasa. Orkiestra Operowa. 1870 Musée d'Orsay, Paryż. commons.wikimedia.org

Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk stoi do nas tyłem. A w tle balerinki na scenie nie mieściły się w „ramie”. Ich głowy są bezlitośnie „odcinane” krawędzią obrazu.

Dlatego jego ulubieni tancerze nie zawsze są przedstawiani w pięknych pozach. Czasami po prostu się rozciągają.

Ale taka improwizacja jest urojona. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał skład. To tylko efekt stopklatki, a nie prawdziwa stopklatka.

Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelburne'a, Wermouth, USA

Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Ale choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy się nie ożenił. Nikt go nigdy nie widział z damą.

Brak prawdziwych wątków w jego życiu osobistym dodawał jego obrazom subtelnego i intensywnego erotyki.

Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org

Należy pamiętać, że na zdjęciu „Gwiazda baletu” narysowana jest tylko sama baletnica. Jej koledzy za kulisami są ledwo dostrzegalni. Tylko kilka nóg.

Nie oznacza to, że Degas nie dokończył obrazu. Taki jest odbiór. Skup się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, nieczytelna.

Przeczytaj o innych obrazach mistrza w artykule.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edwarda Grzywa. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottana Moneta, Paryż.

Bertha Morisot rzadko znajduje się w czołówce wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że to niezasłużone. Właśnie w niej znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli podoba Ci się ten styl, pokochasz jej pracę całym sercem.

Morisot pracowała szybko i żywiołowo, przenosząc swoje wrażenie na płótno. Postacie wydają się rozpływać w przestrzeni.

Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabre, Montpellier, Francja.

Podobnie jak Degas, często pozostawiała pewne szczegóły niedokończone. A nawet części ciała modelu. Nie możemy odróżnić rąk dziewczyny na obrazie „Lato”.

Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „niechlujnym” malarstwem. Wciąż była kobietą. W tamtych czasach dama miała marzyć o małżeństwie. Potem każde hobby zostało zapomniane.

Dlatego Bertha długo odmawiała zawarcia małżeństwa. Dopóki nie znalazła mężczyzny, który z szacunkiem traktował jej zawód. Eugene Manet był bratem malarza Edouarda Maneta. Posłusznie nosił sztalugi i farby dla swojej żony.

Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottana Moneta, Paryż.

Ale to było jeszcze w XIX wieku. Nie, Morisot nie nosił spodni. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchów.

Nie mogła sama iść do parku, aby pracować bez towarzystwa bliskiej jej osoby. Nie mogłam siedzieć sama w kawiarni. Dlatego jej obrazy to osoby z kręgu rodzinnego. Mąż, córka, krewni, nianie.

Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Narodowe Muzeum Walii, Cardiff.

Morisot nie czekał na rozpoznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc, nie sprzedając prawie żadnej swojej pracy za życia. Na jej akcie zgonu w rubryce „zawód” była kreska. Nie do pomyślenia było nazywanie kobiety artystką. Nawet jeśli naprawdę była.

Przeczytaj o obrazach mistrza w artykule

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay, Paryż. wikipedia.org

Camille Pissarro. Niekonfrontacyjny, rozsądny. Wielu uważało go za nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie wypowiadali się źle o Pissarro.

Był wiernym wyznawcą impresjonizmu. W rozpaczliwej potrzebie, z żoną i pięciorgiem dzieci, nadal ciężko pracował w swoim ulubionym stylu. I nigdy nie przestawałem się na malowanie salonowe, aby stać się bardziej popularnym. Nie wiadomo skąd miał siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.

Aby w ogóle nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze, które były skwapliwie wyprzedane. A prawdziwe uznanie przyszło mu po 60 latach! Wtedy wreszcie mógł zapomnieć o potrzebie.

Camille Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay, Paryż

Powietrze na obrazach Pissarra jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.

Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk natury, które na chwilę pojawiają się i znikają. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.

Camille Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay, Paryż

Jego najsłynniejsze prace to widoki Paryża. Z szerokimi bulwarami, próżnym pstrokatym tłumem. W nocy, w dzień, przy różnej pogodzie. Pod pewnymi względami nawiązują do serii obrazów Claude'a Moneta.

Impresjonizm (fr. impresjonizm, od wrażenie- wrażenie) - nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele starali się opracować metody i techniki, które umożliwiły najbardziej naturalne i wyraziste uchwycenie realny świat w swojej mobilności i zmienności, aby przekazać ich ulotne wrażenia. Zwykle termin „impresjonizm” oznacza kierunek w malarstwie (ale jest to przede wszystkim zespół metod), choć jego idee przeniknęły także do literatury i muzyki, gdzie impresjonizm pojawił się również w pewnym zestawie metod i techniki tworzenia utworów literackich i muzycznych, w których autorzy starali się przekazać życie w zmysłowej, bezpośredniej formie, jako odzwierciedlenie swoich wrażeń

Zadaniem artysty w tym czasie był jak najbardziej prawdopodobny obraz rzeczywistości, niepokazujący subiektywnych odczuć artysty. Jeśli zlecono mu portret formalny, to trzeba było pokazać klienta w korzystnym świetle: bez zniekształceń, głupiej mimiki itp. Jeśli była to opowieść religijna, to trzeba było wywołać uczucie czci i zdumienia. Jeśli krajobraz - to pokaż piękno przyrody. Jeśli jednak artysta pogardzał bogaczem, który zlecił wykonanie portretu, albo był niewierzący, to nie było wyboru i pozostawało tylko wypracować własną unikalną technikę i mieć nadzieję na szczęście. Jednak w drugiej połowie XIX wieku fotografia zaczęła się aktywnie rozwijać, a malarstwo realistyczne zaczęło stopniowo odsuwać się na bok, gdyż już wtedy niezwykle trudno było oddać rzeczywistość tak wiarygodnie, jak w fotografii.

Pod wieloma względami wraz z pojawieniem się impresjonistów stało się jasne, że sztuka może mieć wartość jako subiektywna reprezentacja autora. W końcu każda osoba inaczej postrzega rzeczywistość i reaguje na nią na swój sposób. Tym ciekawiej jest zobaczyć, jak rzeczywistość odbija się w oczach różnych ludzi i jakie emocje przeżywają w tym samym czasie.

Artysta ma niesamowitą ilość możliwości wyrażania siebie. Co więcej, samo wyrażanie siebie stało się znacznie swobodniejsze: weź niestandardową fabułę, temat, opowiedz coś innego niż tematy religijne lub historyczne, użyj własnej unikalnej techniki itp. Na przykład impresjoniści chcieli wyrazić ulotne wrażenie, pierwszą emocję. Dlatego ich praca jest niejasna i jakby niedokończona. Zrobiono to po to, aby pokazać natychmiastowe wrażenie, gdy przedmioty nie nabrały jeszcze kształtu w umyśle, a widoczne były tylko nieznaczne przelewy światła, półtony i rozmyte kontury. Osoby krótkowzroczne mnie zrozumieją) wyobraź sobie, że nie widziałeś jeszcze całego obiektu, widzisz go z daleka lub po prostu nie zaglądasz, ale już tworzysz jakieś wrażenie na jego temat. Jeśli spróbujesz to przedstawić, prawdopodobnie skończysz z czymś w rodzaju obrazów impresjonistycznych. Coś jak szkic. Dlatego okazało się, że dla impresjonistów ważniejsze było nie to, co jest przedstawiane, ale jak.

Głównymi przedstawicielami tego gatunku w malarstwie byli: Monet, Manet, Sisley, Degas, Renoir, Cezanne. Osobno, jako swojego poprzednika należy odnotować Umlyama Turnera.

Mówiąc o fabule:

Ich obrazy przedstawiały wyłącznie pozytywne aspekty życia, niewpływające na problemy społeczne, takie jak głód, choroby, śmierć. To później doprowadziło do rozłamu wśród samych impresjonistów.

Schematy kolorów

Impresjoniści przywiązywali dużą wagę do koloru, zasadniczo odrzucając ponure odcienie, zwłaszcza czerń. Taka dbałość o kolorystykę ich prac sprawiła, że ​​sam kolor zajął bardzo ważne miejsce w obrazie i skłonił przyszłe pokolenia artystów i projektantów do zwracania uwagi na kolor jako taki.

Kompozycja

Kompozycja impresjonistów przypominała malarstwo japońskie, stosowali złożone schematy kompozycyjne, inne kanony (nie złoty podział czy środek). Ogólnie rzecz biorąc, struktura obrazu stawała się coraz częściej asymetryczna, bardziej złożona i interesująca z tego punktu widzenia.

Kompozycja impresjonistów zaczęła mieć bardziej samodzielne znaczenie, stała się jednym z tematów malarstwa, w przeciwieństwie do klasycznego, gdzie częściej (ale nie zawsze) pełniła rolę schematu, według którego każda praca była wybudowany. Pod koniec XIX wieku stało się jasne, że to ślepy zaułek, a sama kompozycja może nieść pewne emocje i wspierać fabułę obrazu.

Poprzednicy

El Greco - ponieważ stosował podobne techniki nakładania farby, a kolor nabrał od niego symbolicznego znaczenia. Wyróżniał się też bardzo oryginalnym manierą, indywidualnością, do której dążyli również impresjoniści.

Grawerowanie japońskie - bo zyskało wielką popularność w tamtych latach w Europie i pokazało, że obraz można budować według zupełnie innych zasad niż klasyczne kanony sztuki europejskiej. Dotyczy to kompozycji, użycia koloru, szczegółów i tak dalej. Również w japońskich i ogólnie orientalnych rysunkach i rycinach sceny z życia codziennego były przedstawiane znacznie częściej, co było prawie nieobecne w sztuce europejskiej.

Oznaczający

Impresjoniści pozostawili jasny ślad w sztuce światowej, rozwijając unikalne techniki malarskie i wywierając ogromny wpływ na wszystkie kolejne pokolenia artystów swoimi jasnymi i zapadającymi w pamięć dziełami, protestując przeciwko klasycznej szkole i wyjątkowej pracy z kolorem.Dążąc do maksymalnej bezpośredniości i dokładności w Po przeniesieniu widzialnego świata zaczęli malować głównie w plenerze i podnieśli rangę studium z natury, które niemal wyparło tradycyjny rodzaj malarstwa, starannie i powoli tworzonego w pracowni.

Konsekwentnie doprecyzowując swoją paletę, impresjoniści uwolnili malarstwo od ziemistych i brązowych werniksów i farb. Warunkowa, „muzealna” czerń w ich płótnach ustępuje miejsca nieskończenie różnorodnej grze refleksów i kolorowych cieni. Niezmiernie rozszerzyli możliwości sztuki, ukazując nie tylko świat słońca, światła i powietrza, ale także piękno londyńskich mgieł, niespokojną atmosferę życia wielkiego miasta, rozproszenie jego nocnych świateł i rytm nieustannego ruchu.

Dzięki samej metodzie pracy w plenerze pejzaż, w tym odkryty przez nich krajobraz miejski, zajmował w sztuce impresjonistów bardzo ważne miejsce. Nie należy jednak zakładać, że ich malarstwo charakteryzowało jedynie „krajobrazowe” postrzeganie rzeczywistości, za co często im wyrzucano. Zakres tematyczny i fabularny ich twórczości był dość szeroki. Zainteresowanie człowiekiem, a zwłaszcza współczesnym życiem Francji, było nieodłączne od wielu przedstawicieli tego nurtu w szerokim znaczeniu. Jego afirmujący życie, zasadniczo demokratyczny patos wyraźnie sprzeciwiał się burżuazyjnemu porządkowi świata.

Jednocześnie impresjonizm i, jak zobaczymy później, postimpresjonizm to dwie strony, a raczej dwa kolejne etapy czasowe tej fundamentalnej zmiany, która wyznacza granicę między sztuką współczesności i nowoczesności. W tym sensie impresjonizm z jednej strony dopełnia rozwój wszystkiego po sztuce renesansu, której naczelną zasadą było odzwierciedlenie otaczającego świata w wizualnie wiarygodnych formach samej rzeczywistości, z drugiej zaś jest początek największego przewrotu w historii sztuki po renesansie, który położył podwaliny pod jakościowo nową scenę artystyczną -

sztuka XX wieku.