Картины женщин в разные эпохи. Истории женщин с картин известных художников

29.04.2019

Искусство первобытного общества и Древнего Египта

Не будем брать во внимание примитивное общества. На найденных наскальных изображениях женщина представала дородной, с грузными формами. Очевидным было стремление передать в первую очередь основное ее предназначение - материнство.

Женщины, которыми восхищались мужчины Древнего Египта, в изобразительном искусстве представали изящными красавицами со светлой, не опаленной солнцем кожей.

Средневековье и греховность женщины

В Средние века женщина ассоциировалась с грехом, а использование косметики осуждалось церковными законами.

Когда люди смотрят на произведения Мэри Джейн Анселл, для всех остается загадкой, как можно передать чудесные изображения героинь, вдохнув жизнь в каждую из них. Ценителей современного искусства ее картины потрясают, и многим кажется, что это не искусно выполненное художественное полотно, а настоящая фотография современной прелестницы.

Каждое произведение искусства, вызывающее особые чувства у зрителей, - это воплощение души художника, а магия известных картин, созданных несколько веков назад, очаровывает современников и по сей день.

В начале ХХ века в нашем календаре появился новый праздник, название которого звучало как революционный лозунг: «Международный женский день солидарности трудящихся женщин в борьбе за равенство прав».
К счастью, со временем этот день приобрел совсем иной смысл, и для нас 8 марта - праздник женской красоты и очарования.

Желая совместить историческое с приятным, мы собрали несколько картин милых, кокетливых и сильных тружениц от великих художников - вечных пленников женской красоты и добродетелей!

Алексей Венецианов, уроженец Москвы,впервые побывал в деревне в 35 лет, когда после свадьбы молодожены отправились проведать родителей жены в Тверскую губернию.

Художник был так очарован природой, что у него тут же возникло желание поселиться среди русских просторов и он покупает имение в Сафоновке.

Именно здесь он пишет картину «На пашне». Все творчество Венецианова пронизано поэзией,его картины, посвященные крестьянскому быту,идеализируют деревенскую жизнь.

В картины Венецианова с детства была влюблена Зинаида Серебрякова. В ее ранних картинах чувствуется незримая связь с творчеством русского бытописателя. Крестьянки Венецианова сто лет спустя словно продолжают жить на ее картинах.

Деревенские девушки у художницы величавые, с царственной осанкой, они неторопливо делают повседневную работу - истинная поэзия духовности!

Зинаида Евгеньевна Серебрякова." Жатва "
1915, 177×142 см.

Картины «Жатва» и «Беление холста» относят к лучшим произведениям Зинаиды Серебряковой. Они были написаны в родовом имении Нескучное в Харьковской губернии, где с 1898 года семья Серебряковых проводила лето и осень.

В 1914 году после продолжительного путешествия по Северу Италии Зинаида приехала в Нескучное и сразу принялась за работу над картиной «Жатва».

Изучение творчества художников итальянского Возрождения, только недавно увиденных в музеях и галереях, ощущается в классически построенной композиции, а монументальность форм подчеркивает красоту женских фигур на фоне пейзажа с пшеничными полями, неровно уходящими за горизонт.
Эти картины считают последними идиллическими картинами дореволюционной России.

Зинаида Евгеньевна Серебрякова." Беление холста "
1917, 141.8×173.6 см.

Кружева, пудра, помада - все, что прелестнице надо...

Французские дамы тоже трудятся, не покладая рук, на картинах художников. В эпоху рококо самой модной профессией городских жительниц была работа модистки.

Элегантные и роскошные наряды, корсеты, вышивки и кружева составляли все женские помыслы, ведь нужно было поспевать за законодательницей мод мадам Помпадур!

И фантазии юных дев воплощали мастерицы на все руки - модистки. Франсуа Буше на картине «Модистка» словно украдкой заглядывает в комнату и подглядывает за дамами, которые обсуждают будущую модель.

Франсуа Буше. " Модистка "
53×64 см.

В XVIII веке в эпоху Просвещения во Франции в искусстве было принято восхвалять и утверждать достоинства третьего сословия, а в живописи хорошим тоном считалась простота и естественность.

Жан-Батист Грёз в картине «Прачка» не только изображает грациозную и очаровательную юную труженицу - таким образом он воспевает трудолюбие.

В России во второй половине XVIII века Грёз стал модным художником, дворянская знать наперебой заказывала ему портреты, сама императрица Екатерина ІІ по совету Дидро приобрела у художника картину «Паралитик» .

Безусловно, такая популярность творчества Грёза не прошла незаметно для русской живописи, его картины имели большое влияние на русский портрет.

Жан-Батист Грёз." Прачка "
1761, 32×40 см.

Мастерицы-кружевницы

«Русским Грёзом» называли Василия Тропинина за очаровательные женские портреты. Он впервые в русской живописи создал новый тип жанрового портрета - поэтический образ девушки за работой.

Юные красавицы на картинах «Кружевница» и «Золотошвейка», занятые своей работой, на минутку отрывают взгляд от своей работы и лукаво смотрят на зрителя.

Василий Андреевич Тропинин. " Золотошвейка "
1826, 64×81 см.

Тропинин был крепостным художником и только в возрасте 47 лет получил вольную. Символично, что именно 1823 год - год написания «Кружевницы», приносит художнику и свободу, и официальное признание.

В этот год он впервые показывает свои работы в Академии художеств, и художника удостаивают звания «назначенного в академики». Так интимный портрет горожанки принес свободу и успех его творцу.

Тропинин." Кружевница "

Хранительница домашнего очага

Домашнее хозяйство всегда было на женских плечах и кухонные хлопоты - прямая обязанность. Для некоторых это благословение, а для многих - морока. Для героини картины «Кухарка» Бернардо Строцци - это долг и священнодействие.

Можно задавать себе много вопросов, глядя на картину. Например, почему молоденькая девушка потрошит птицу в нарядном платье и бусах? Большая ли у нее семья, ведь на ужин предполагается изрядное количество блюд?

Кто изображен на картине - может,художник изобразил свою жену и поэтому она так ласково смотрит на зрителя? Такой вариант вполне возможен: картина на бытовой сюжет у Строцци - большая редкость и для супруги он вполне мог сделать исключение.

Бернардо Строцци." Кухарка "
1625, 185×176 см.

Автор картины - итальянский художник эпохи барокко с примечательной биографией. Авантюрный характер Строцци отразился на всей его деятельности: в юности он вступил в орден капуцинов и стал священником, затем учился живописи в мастерской генуэзского художника Сорри и одновременно работал корабельным инженером на генуэзском флоте.

Позже художник сбежал из монастыря и скрывался от преследований монахов в Венеции. Но занятий живописью Строцци не оставлял никогда. Основной его темой были портреты,религиозные и мифологические сцены, а на творческую манеру большое влияние оказала живопись Караваджо.

«Профессия» пастушки некогда была очень популярна и художники к ней часто обращались. Трогательный образ немолодой пастушки находим в творчестве Ван Гога, который с особой теплотой и любовью писал простых деревенских жителей.

Взгляните на колорит картины: желтые пшеничные поля - цвет солнца и тепла, мягко противопоставлен синей накидке пастушки, - частый прием в работах художника,но он не вызывает тревожных чувств, как на других его картинах.

Ван Гог оттенками цвета необыкновенно точно передает свои чувства. Какие бы вихри не бушевали вокруг, женщина спокойна и покорна нелегкой судьбе… И наше главенствующие и искреннее чувство при виде этой картины - «сопереживание».

Винсент Ван Гог. " Пастушка "
1889, 52.7×40.7 см.
Художник создал эту работу во время лечения в Сан-Реми на юге Франции. В этот период 1889-1890 годы он изучал творчество основателя барбизонской школы Жана Франсуа Милле, и за это время сделал копии с 23 его картин, среди них и «Пастушка» (хотя трудно картину Ван Гога назвать копией).

Винсент так пишет своему брату о своем занятии:
«Уверяю тебя, что мне страшно интересно делать копии, и, поскольку сейчас у меня нет моделей, я при помощи этих копий не заброшу работу над фигурой.
Я использую черно-белые репродукции Делакруа и Милле, как если бы это были реальные жизненные сюжеты. А затем я импровизирую цвет, хотя конечно не совсем так,как если бы делал это сам, а стараясь припоминать их картины.
Однако это „припоминание“, неясная гармония их красок… и есть моя интерпретация».

Сравнивая картины двух художников, кажется, что Ван Гог написал пастушку в своем воображении.

Милле "Пастушка"1, Милле "Пастушка" 2.

Жан Батист Шарден наблюдал за жизнью простых горожан и писал сюжеты из их повседневной жизни. От картины «Прачка» веет тихим домашним уютом, где все согрето заботами хозяйки.

Пока мама стирает, сын занят своей нехитрой забавой. Детские образы всегда присутствуют на картинах Шардена, подчеркивая любовь матери к ребенку. Демонстрация этих отношений помогают ему создавать душевную атмосферу тепла и скромной, но значительной и наполненной жизни горожан.

Женский труд на картинах художника приравнивается к благородной работе, сделанной с особым старанием и любовью.

Жан Батист Симеон Шарден. " Прачка "

Передовицы соцтруда - мы новый мир построим!

Новые профессии осваивают женщины в советской стране. У нас они не просто какие-то западные модистки-модницы - советская женщина может и метро построить!

В графической серии 1930-х годов Александра Самохвалова портреты девушек-метростроек воплотили идеал социалистического труда.

Задор, молодая энергия, оптимизм и сила бьют через край в этих работах - мы построим новую страну. Вот она со сверлом, с лопатой,красивая, сильная и счастливая, ей все по плечу!

Художник включился в идейный путь страны, он искренне верит во всеобщее созидание на благо светлого будущего. А душевные порывы художника - материя вполне осязаемая, лишь взгляните на работы!

Картины известных художников хранят секреты людей, изображенных на них. Мы предлагаем вам прогуляться по виртуальной картинной галерее и изучить истории женщин с картин. Эти истории могут быть романтическими, мистическими или просто забавными.

Это произведение искусства - одно из самых знаменитых полотен живописца - впервые было представлено на суд зрителей в Италии, где благосклонно принялось критиками. Карл Брюллов был первым художником России, прославившемся в чопорной Европе. Долгое время предполагалось, что эта картина - портрет молодой графини Юлии Самойловой, которую художник очень любил и часто изображал на своих полотнах. К примеру, в картине «Последний день Помпеи» сразу три персонажа обладают чертами лица Юлии Самойловой. Однако при сравнении картины «Всадница» с портретами графини, которые Брюллов писал позже, становится ясно, что на картине не Юлия Самойлова. Но кто же? В одной из своих картин Карл Брюллов изобразил графиню Самойлову со своей воспитанницей Джованниной, в другой картине он нарисовал ту же графиню с приемной дочерью Амацилией. Исследователи творчества Брюллова пришли к выводу, что на картине изображены именно эти девочки, которых воспитывала графиня. Но картины известных художников обычно несут в себе какую-то загадку. Чтобы разгадать загадку из этой картины, нужно присмотреться к собачке в ошейнике, которую художник изобразил возле маленькой девочки. На ошейнике написана фамилия ее владелицы - Самойлова.

Вроде бы то, как создавалась картина «Аленушка» уже давно известно всем. Полагается, что Васнецов в образе печальной героини русских былин изобразил девушку, с которой судьба его свела в деревне Ахтырка. Говоря об этом полотне, многие приводят цитату самого Васнецова, где он признается, что образ Аленушки уже давно поселился в его голове, но окончательный вариант портрета сформировался, когда в деревне Ахтырка он познакомился с простой девушкой. Но так ли это? В одной из записок художника можно прочесть истинную историю написания картины. Васнецов признается, что, хоть у него уже и был эскиз картины, написанной с этой простой девушки, но это не натурно-жанровая вещь. Художника на самом деле вдохновляли глаза Веруши Мамонтовой. Он признавался, что глаза именно этой девушки мерещатся ему повсюду и поселились в его душе. Кто такая Веруша Мамонтова? Безусловно, ее образ знаком любителям живописи, ведь именно она нарисована на картине Серова «Девочка с персиками». Теперь, зная откровения художника, в Аленушке можно легко найти черты лица Веруши Мамонтовой.

Иногда картины известных художников удивляют тем, откуда взялся подобный сюжет, иногда источники вдохновения бывают неожиданными. Это можно сказать об истории написания полотна «Неравный брак». Один аристократ из Москвы решил записать мемуары, где рассказывал обо всех своих родственниках, в том числе и о своем дяде Сергее Варенцове. В 1862 году этот дядя, будучи молодым человеком, вдруг влюбился в миленькую дочь купца Рыбникова - Софию. И влюбился так сильно, что даже посватался, но ему отказали. Расчетливый отец девушки не захотел отдавать дочку замуж за юного и легкомысленного повесу, а предпочел отдать ее руку престарелому и не бедному купцу Корзинкину (интересно, что «престарелому» жениху тогда было 38 лет). По злому стечению обстоятельств молодому Варенцову пришлось исполнять роль шафера на этой свадьбе. Художник Василий Пукирев настолько проникся этой историей и терзаниями любящего сердца, что создал это полотно. Благодаря этой картине Василий Пукирев получил звание профессора, а также хорошие деньги: полотно сразу купил коллекционер живописи Борисовский, а уже у него его перекупил Третьяков. Правда, полотно Пукиреву пришлось немного переделать, потому что Варенцов на этой картине узнал в шафере себя. Художник так точно изобразил Варенцова в своем произведении, что благодаря популярности картины его несчастливую любовь стала обсуждать вся Москва. В итоге Пукиреву пришлось переписать лицо шафера и теперь, глядя на картину, публика видит на заднем плане изображение лица самого Пукирева.

Картина «Портрет М. И. Лопухиной» работы Владимира Боровиковского

Эта картина создавалась в 1797 году и являет собой романтический женский образ. Уже не один век она восхищает взоры публики, а знатоки живописи считают ее одой сентиментализму. Картины известных художников часто сопровождаются мистическими небылицами. Такая небылица связана и с этой картиной. Изображение 18-летней красавицы - первая в истории России картина, овеянная мистицизмом. Девушка, изображенная на портрете, была дочкой графа Ивана Толстого. В год написания портрета она обвенчалась со Степаном Лопухиным, служившим в администрации Павла I. Сразу после венчания муж заказал Боровиковскому портрет своей любимой жены. Брак продлился недолго, потому что спустя 3 года после венчания юная княгиня скончалась от болезни - чахотки. Картину с портретом дочери безутешный отец выкупил у зятя и повесил у себя в доме. Нужно сказать, что граф Толстой был магистром масонской ложи и увлекался мистикой. Пошли слухи о том, что граф с помощью магии смог вызвать дух своей умершей дочки и вдохнуть его в картину Боровиковского. Бытует небылица - любая девушка, взглянувшая на портрет, обязательно умрет. Даже приводились «очень достоверные факты», что портрет погубил не менее десятка молодых девушек. К счастью для потомков, Третьяков не верил в мистику и спустя столетие купил картину, которую теперь миллионы зрителей могут увидеть в галерее его имени.

Картины известных художников отличает то, что в своих произведениях они воспевают женский идеал. Даже изображая Мадонну, художники всех времен без зазрения совести писали портреты своих возлюбленных, многие из которых были женщинами не самого знатного происхождения. Например, исследователи творчества Рафаэля рассказывают, что художник повстречал на одной из улиц Рима дочку бедного пекаря - Форнарину. Художник влюбился в нее. Рафаэль, который тогда уже был широко известен и занимал высокую ступень на социальной лестнице, купил девушку у ее отца и снял для нее роскошный дом. Художник действительно считал ее идеалом красоты и прожил с ней до самой своей смерти целых 12 лет. Но говорят, что сама красавица не отличалась верностью своему благодетелю и наставляла ему рога как с учениками художника, так и с теми, кто заказывал картины. После смерти Рафаэля из-за репутации этой женщины папа Римский даже не захотел отпеть его, потому что Форнарина стояла рядом. Несмотря на все это именно лик Форнарины мы видим на картине «Сикстинская мадонна». Рафаэль также наделил ее лицом многих других Мадонн, написанных его рукой.

Портрет в живописи - это жанр изобразительного искусства, при котором художники добиваются не столько внешнего сходства, сколько стараются отразить внутренний характер изображаемого человека. Портрет может быть индивидуальным и коллективным, мастер-художник создает образ, типичный для определенной эпохи.

История жанра

Как сложился во времена античного искусства. На острове Крит при раскопках было найдено множество фресок с изображениями женщин. Другие памятники искусства относятся к Египту, там обнаружили деревянные доски с изображенными на них портретами в технике энкаустики (это такие краски на основе воска). Во времена Средневековья портрет в живописи существовал лишь для изображения дарителей и был частью общей художественной композиции на религиозную тематику.

Расцвет живописи выпал на эпоху Возрождения. Художники Ренессанса проповедовали гуманистические идеи и взяли за основу мир отдельного человека, пейзажам и интерьеру отводилась скромная роль фона. Шедевром того времени стала «Джоконда», а ее автор Леонардо да Винчи прославился на века.

Огромный вклад в развитие жанра внес Тициан, он создал целую галерею портретов своих современников. Автопортреты таких художников, как Ян ван Эйк и Альбрехт Дюрер являются примерами для многих художников-портретистов.

Женский портрет в живописи

Вечной темой искусства является изображение образа женщины. Каждая эпоха рисовала свой идеал женщины, а ее характер привлекал особое внимание многих художников. Глядя на портрет тех времен, мы можем видеть, как на внешность и внутренний мир влияют те или иные события общественной жизни, искусство, литература, мода.

Искусство России в общем, и портрет в живописи в частности, показывают, как на протяжении веков изменялся идеал женской красоты. Связано это с изменением мировоззрения, привычек, обычаев, со сменой систем правления, поколений.

Образы женщин

К концу 18 века русский портрет в живописи достигает наивысшего расцвета. И одной из самых главных и популярных тем становится изображение женского очарования. На полотнах нам предстают женщины кокетливые и обольстительные. А на портретах художников-иностранцев русские дамы и барышни выглядят куклами, они жеманничают и игриво улыбаются, и этим одна похожа на другую.

Русские художники И.П. Аргунов, Д.Г.Левицкий, В.Л. Боровиковский видят женщину по-иному. Они вносят психологическое оживление, конкретность характера в женский портрет. В живописи стараютсяпередать живую и настоящую картину нравов, вкусов и моды эпохи женского всевластья. Мы видим весь спектр женских характеров: надменную холодную красоту и нежную мягкую мечтательность, кокетство и скромность, душевное обаяние и суровую скрытность с замкнутостью. Но властвовать в сердцах мужчин - это главное.

Новые идеалы

Эпоха романтизма 19 века призвана показать в женщине особую чувствительность и тонкие движения души. Творчество Карамзина, Жуковского оказало огромное влияние на художников начала века, например, О.А. Кипренского. Их полотна отразили все черты романтизма в жанре портрет.В живописи и музыке, а также поэзии этого времени востребованы мотивы личных лирических переживаний, таинственной красочности родной старины (особой популярностью пользовалась романтическая опера А.Н.Верстовского «Аскольдова могила» 1835 год).

Но уже к середине века возвышенность и мечтательность женских образов исчезает без следа. По картинам этого периода можно изучать модные веяния. Тщательно выписаны перья на шляпах, драгоценности, кружева, увлекаясь деталями, художники часто забывают о самом персонаже. В образах светских красавиц царит надменность, и уже нет той сердечности и простоты.

Но некоторые художники начала века, в частности, Венецианов и Тропинин, в поиске "живых" образов обращаются к простому народу. Возникло движение «простонародного» женского портрета, создается идеализированный образ женщины-труженицы.

Картины К.С. Петрова-Водкина

Новый век характеризуется поиском новых форм в жанре портрет. В живописи (6 класс школы на уроках ИЗО подробно изучает тему «Женские образы») художники обращаются к прошлому и будущему в поисках женского идеала. Тема материнства и женственности занимает большое место в творчестве В. Петрова-Водкина. В произведении «Мать» художник добился полного раскрытия темы. Его картина - это гимн семейному счастью и святости любви. В образе матери мы чувствуем нравственную силу, чистоту и возвышенность, прижимая ребенка к себе, она напоминает мадонну.

Картина «Богоматерь. Умиление злых сердец» написана им в годы первой мировой войны, она является душевным откликом художника на кровавые события тех времен. Он создал возвышенный и трепетный образ, который по глубине воздействия является одним из самых сильных в его творчестве.

Образ женщины менялся из эпохи в эпоху, но сохранил главные непреходящие черты: красоту, нежность, материнство.