Arti e mestieri moderni. Un'opera d'arte decorativa popolare: tipi Indice php showtopic arti e mestieri popolari

L'arte decorativa popolare nel nostro paese è una parte organica della cultura popolare. Le immagini poetiche, le emozioni insite in lui sono care e comprensibili a tutte le persone. Infonde un senso di bellezza, aiuta a formare una personalità armoniosamente sviluppata. Basandosi su tradizioni artistiche di lunga data, l'arte decorativa ha un effetto positivo sull'educazione di una persona del futuro. Le opere create dai maestri della gente sono un riflesso dell'amore per la terra natale, la capacità di vedere e comprendere la bellezza del mondo circostante.

Le principali varietà di arte decorativa

Per molti secoli la produzione domestica nelle famiglie contadine e, a partire dai secoli XVIII-XIX, l'artigianato, ha fornito a città e villaggi una varietà di utensili in terracotta, legno e metallo, tessuti stampati, giocattoli in ceramica e legno, tappeti, ecc. e allegria su legno, figurine Dymkovo e fischietti in argilla, scatole laccate dipinte Lukutin. Ognuno di questi oggetti è un'opera d'arte decorativa popolare. L'oro in legno - la pittura di Khokhloma - è di grande interesse in Russia e all'estero.

C'erano mestieri originali nell'Estremo Oriente, nel Nord della Russia, in Siberia e nel Caucaso. La lavorazione dei metalli in Daghestan Kubachi, la pittura su ceramica a Balkhara e l'intaglio del legno con Untsukul d'argento hanno guadagnato fama. L'arte decorativa popolare, i cui tipi sono molto diversi, è rappresentata in diverse parti del nostro vasto paese.

Pizzo di Vologda - arte decorativa popolare

Il pizzo di Vologda ha guadagnato popolarità nelle capitali europee alla fine del XVIII secolo. E ai nostri giorni, molti stranieri credono erroneamente che il pizzo in Russia sia tessuto solo a Vologda. In effetti, anche Yelets, Kirishi, Vyatka hanno motivo di essere orgogliosi dei loro prodotti. Quasi tutti hanno le loro caratteristiche uniche. Quindi, i lacci colorati di Mikhailov sono molto interessanti. Nel nostro paese, non hanno guadagnato meno popolarità di quelli di Vologda. Tuttavia, come centinaia di anni fa, le persone vanno a Vologda per un miracolo bianco come la neve.

intaglio traforato

L'intaglio traforato adorna piccoli oggetti in osso: scatole, cofanetti, pendenti, spille. Un'opera d'arte decorativa popolare - pizzo d'osso - è così che viene poeticamente chiamata la scultura traforata.

I più diffusi sono tre tipi di ornamento in caso di taglio su osso:

• Geometrico: un plesso di linee rette e curve.
• Verdura.
• Rocaille - stilizzazione della forma di una conchiglia.

La tecnica dell'intaglio traforato viene utilizzata per creare composizioni basate su ornamento e trama. La materia prima è un normale osso di vacca.

Il lavoro fine sull'intaglio traforato richiede strumenti speciali: lime ad ago, incisori, rivetti, seghetti alternativi.

perline

Le perline possono essere orgogliose di secoli di storia, come le perline stesse. Gli abitanti dell'antico Egitto furono i primi a padroneggiare la complessa arte di tessere collane basate su piccole sfere di vetro colorato e con esse decorarono anche abiti. Tuttavia, la produzione di perline fiorì davvero nel X secolo. Per molti anni gli abitanti di Venezia hanno custodito con cura i segreti dell'artigianato. Borse e borsette, scarpe, vestiti e altri oggetti eleganti erano decorati con perline lussuose.

Quando le perline sono apparse in America, hanno sostituito i materiali tradizionali usati dai nativi. Qui hanno finito culle, cesti, orecchini, tabacchiere.

I popoli dell'estremo nord decoravano con ricami di perline stivali di pelliccia alta, cappotti di pelliccia, finimenti di renne e cappelli.

batik

Batik: pittura fai-da-te di tessuti con composti di fissaggio. La tecnica si basa sull'osservazione che la colla di gomma, la paraffina, quando applicata su un tessuto, non consente il passaggio della vernice.

Esistono diverse varietà di batik: nodulare, caldo, shibori, freddo.

Il nome "batik" è indonesiano, che significa "disegna", "schiudere", "coprire con gocce".

Questo dipinto è stato utilizzato dai popoli dell'India e dell'Indonesia sin dai tempi antichi. Batik è arrivato in Europa nel 20° secolo.

la pittura

La pittura è una delle forme più antiche di arte decorativa. Per secoli è stata una parte organica della cultura e della vita originaria della gente. Questo tipo di arte decorativa è molto diffuso.

Ecco alcuni tipi di pittura:

• La pittura di Zhostovo è un noto mestiere russo apparso nel XIX secolo nel villaggio di Zhostovo, non lontano da Mosca. Appartiene ai mestieri più popolari in cui viene creata la pittura popolare russa. I famosi vassoi Zhostovo sono dipinti a mano. Molto spesso, i mazzi di fiori sono raffigurati su uno sfondo nero.
• La pittura di Gorodets è un mestiere apparso a metà del 19° secolo nella città di Gorodets. Il dipinto è luminoso e conciso. I suoi temi sono figurine di cavalli, scene di genere, motivi floreali. Porte decorate, persiane, mobili, ruote girevoli.
• La pittura di Khokhloma è uno dei più antichi mestieri popolari. Ha avuto origine nel XVII secolo a Khokhloma, non lontano da Nizhny Novgorod. Pittura Khokhloma - pittura decorativa di oggetti in legno, realizzata su uno sfondo dorato in nero, rosso, meno spesso verde. Dopo aver disegnato il motivo, il prodotto viene rivestito con una composizione speciale e trattato tre volte in forno, che consente di ottenere un colore dorato miele unico. Tradizionali per Khokhloma sono fragole, rami e fiori di sorbo e rosso. Animali, pesci e uccelli compaiono spesso nelle composizioni, trasformando ciò che è stato realizzato in una vera e propria opera d'arte decorativa popolare. Oro di legno: così viene spesso chiamato il dipinto di Khokhloma.

Facciamo conoscenza con vari mestieri usati nella scuola materna per lo sviluppo dei bambini.

Giocattolo Dymkovo

I prodotti degli artigiani Kirov convincono con motivi luminosi, proporzioni e forme non standard. Tutti sono deliziati da dame-francihi, pony, galli, capre eleganti, meravigliosamente decorate e dipinte. I primi giocattoli Dymkovo apparvero nel 1811. Le bambole di argilla con dipinti sono state vendute durante le vacanze di Vyatka. I giocattoli di argilla sono stati realizzati da artigiani del villaggio di Dymkovo. Lo hanno fatto con le loro famiglie.

Ora a Kirov opera una fabbrica che produce giocattoli Dymkovo.

Giocattolo Filimonov

Non meno famoso è il centro dell'artigianato popolare nel villaggio di Filimonovo vicino a Tula, dove nascono meravigliosi giocattoli di argilla. Persone e animali realizzati da artigiani si distinguono per la loro forma bizzarra e la grande espressività. Queste sono contadine, dame, soldati, mucche, cavalieri, pecore. I giocattoli Filimonovo non possono essere confusi con gli altri, poiché portano le loro caratteristiche uniche sotto forma di modellismo e pittura. Giocano con tutti i colori dell'arcobaleno.

Un bambino che vede un giocattolo Filimonovo che ha un colore e una forma fuori dagli standard risveglia la creatività.

Giocattolo Kargopol

Kargopol è un'antica città i cui abitanti sono stati a lungo impegnati nella ceramica. Per lo più preparavano piatti, ma alcuni artigiani erano impegnati in giocattoli di argilla. È vero, nel 1930 la pesca cadde in declino. Il restauro delle officine Kargopol ha avuto luogo nel 1967.

I giocattoli Kargopol sembrano più severi sullo sfondo dei luminosi giocattoli Dymkovo e Filimonovo. La gamma di colori è marrone, nero e verde scuro. Ci sono molte immagini divertenti qui, semplici, ma allo stesso tempo che respirano calore e umorismo. Queste sono contadine, uomini barbuti, bambole con ruote che girano.

Piatti di Gzhel

Non lontano da Mosca si trova il villaggio di Gzhel. Dal XIV secolo qui si pratica la ceramica. Tra i piatti prodotti dai kvassnik ci sono piatti e giocattoli, dipinti con colori marrone e verde giallastro per la ceramica. Ora i prodotti in porcellana prodotti a Gzhel sono famosi in tutto il mondo. La ragione di ciò è l'unicità della forma e del modello. La porcellana Gzhel si distingue per la pittura blu realizzata su sfondo bianco. È vero, il blu non è uniforme. Se guardi da vicino, puoi trovare le sfumature e i mezzitoni più sottili, evocando pensieri sull'azzurro del cielo, sull'acqua del fiume e del lago. Oltre ai piatti, a Gzhel vengono prodotti giocattoli e piccole sculture. Tutto ciò che fanno i maestri colpisce per l'armonia del contenuto e della forma. Questa è una vera opera di arte decorativa popolare. Tutti sognano di acquistare Gzhel.

Arte decorativa nella scuola materna

L'arte degli artigiani popolari è una proprietà non solo per gli adulti. È anche importante per i bambini, che possono giocare con entusiasmo sia con le bambole in legno che con i giocattoli di argilla degli artigiani di Kirov. L'arte del popolo suscita l'interesse dei bambini per l'originalità delle idee, la figuratività e la brillantezza. È comprensibile ai bambini, poiché il suo contenuto è semplice e conciso, ma allo stesso tempo apre al bambino la bellezza del mondo che lo circonda. Ecco le amate immagini fiabesche di animali, che sono fatti di argilla o legno, e ornamenti con fiori, bacche e foglie, visti più di una volta nella vita. I maestri coinvolti nella fabbricazione di giocattoli di argilla dipingono spesso le loro opere con un ornamento di forme geometriche: strisce, anelli, cerchi. Questi disegni trovano comprensione anche nei bambini. Tutti i prodotti in argilla e legno negli asili nido non sono solo decorazioni d'interni. Guidati da un insegnante esperto, i bambini li guardano attentamente, disegnandoli e scolpendoli sulla base di campioni di prodotti popolari.

L'arte decorativa popolare all'asilo entra nella vita dei bambini, portando loro gioia, ampliando i loro orizzonti e avendo un impatto positivo sul gusto artistico. Nelle istituzioni educative prescolari dovrebbe esserci un numero sufficiente di artigianato. Ciò consente di decorare gli interni dei gruppi, aggiornandoli dopo un po'. I prodotti artistici vengono mostrati ai bambini quando si tengono conversazioni sugli artigiani. Tutti questi articoli devono essere conservati negli armadi dell'ufficio pedagogico. Devono essere costantemente riforniti e distribuiti tra le zone di pesca. I bambini più piccoli devono acquistare giocattoli divertenti, giocattoli di legno cesellato. I ragazzi del gruppo centrale sono più adatti a Filimonov e Kargopol. Tutti i tipi di giocattoli popolari, compresi quelli in argilla e in legno, sono disponibili per i bambini più grandi.

La modellazione decorativa in un asilo prevede la creazione di piatti per bambini, varie figurine sui temi dei giocattoli popolari. Inoltre i bambini potranno realizzare piccole decorazioni per bambole, souvenir per mamme, nonne e sorelle per la festa dell'8 marzo.

Sotto l'influenza delle lezioni con l'artigianato popolare, i bambini sono più profondamente e interessati alle illustrazioni sui temi dei giocattoli russi, con la ricchezza dei loro temi, stimolano l'immaginazione del bambino durante la modellazione, rendendo più ricca la sua conoscenza del mondo che lo circonda. Le lezioni con l'uso dell'arte popolare come illustrazioni offrono l'opportunità di sviluppare la mente dei bambini.

Tuttavia, un effetto positivo da ciò si ottiene solo se i bambini vengono introdotti sistematicamente e sistematicamente agli oggetti delle arti e dei mestieri. Sulla base delle conoscenze acquisite, creano opere decorative con le proprie mani. Sono invitati a riprodurre un'opera di arte decorativa popolare (qualsiasi). Una foto, se l'opera stessa non è disponibile, aiuterà il bambino a immaginare cosa disegnerà o scolpirà.

Il desiderio dei bambini di impegnarsi nella creazione di oggetti belli è in gran parte determinato dall'attenzione dell'educatore a questi problemi. Deve avere informazioni sull'artigianato popolare, essere consapevole della storia del loro aspetto. Se l'insegnante sa a quale artigianato popolare questo o quel giocattolo può essere attribuito e sa raccontare cose interessanti sugli artigiani che realizzano questi giocattoli, i bambini saranno interessati e avranno il desiderio di essere creativi.

Belle arti nelle classi elementari

L'arte decorativa popolare nelle attività di progettazione degli studenti più piccoli consente ai bambini di tornare alle origini della cultura popolare, al patrimonio spirituale. Nel mondo moderno, lo studio delle ricchezze della cultura nazionale è il compito più importante dell'educazione morale dei bambini, trasformandoli in patrioti del loro paese. L'anima della nazione si incarna nell'artigianato popolare, si risveglia la memoria storica di generazioni. È impossibile educare una personalità a tutti gli effetti, sviluppare il suo potenziale morale, il gusto estetico dei bambini, se parlare di creatività si riduce a un ragionamento astratto. Del resto le opere degli artigiani sono l'illustrazione delle migliori qualità di un carattere popolare: è il risveglio del rispetto per la propria storia e delle proprie tradizioni, l'amore per la patria in generale e per il luogo in cui si è nati in particolare, la modestia , ricerca della bellezza, un senso di armonia.

Come organizzare il processo educativo in modo tale che l'amore per la patria non sia solo una bella frase, ma corrisponda davvero all'essenza interiore delle nuove generazioni? Cosa si può fare se non ci sono spettacoli che rivelino in modo chiaro e figurato il tema del patriottismo? Questo problema, ovviamente, richiede un approccio integrato. deve essere affrontato sistematicamente.

Affinché il bambino capisca cosa è in gioco, si propone di considerare un'opera di arte decorativa popolare (qualsiasi) nella lezione. Un esempio di tale lavoro aiuterà a capire il problema.

L'era moderna richiede un appello alle origini stesse dell'arte. Conservazione, valorizzazione dell'arte popolare, sviluppo delle sue tradizioni: compiti così difficili sono affrontati da insegnanti, educatori, artisti.

Arti visive al liceo

Man mano che crescono, i bambini iniziano a capire sempre di più cos'è un'opera d'arte decorativa popolare. Anche il grado 6 studia sistematicamente questo problema.

Il programma di lavoro per lo studio delle belle arti nel 6° anno prevede tre tipi principali di attività creativa:

1. Lavoro visivo (pittura, disegno).
2. Arte decorativa (ornamenti, dipinti, applicazioni).
3. Osservazione del mondo circostante (conversazione).

Queste varietà consentono ai bambini di familiarizzare con le sfere della creatività artistica. Già nel corso della conoscenza, diventa chiaro quanto queste aree siano strettamente interconnesse e quanto notevolmente si completino a vicenda nel processo di risoluzione dei compiti fissati dal programma. È necessario sottoporre ogni opera di arte decorativa popolare a un'analisi dettagliata. Il grado 6 è il momento di sviluppare il gusto artistico.

Le arti visive vengono insegnate a scuola in stretto collegamento con altre materie. Utilizza le conoscenze ottenute grazie allo studio della letteratura, della musica, della lingua russa, della storia, della tecnologia, della biologia. Questo permette di comprendere il significato pratico delle lezioni d'arte, la loro necessità vitale. Nel corso della letteratura viene studiato anche un argomento come "Il lavoro dell'arte decorativa popolare". Il saggio (voto 6) consente allo studente di dimostrare la conoscenza della materia. I bambini valutano i prodotti degli artigiani popolari al suo interno. Devono redigere un piano di lavoro e descrivere un'opera di arte decorativa popolare (qualsiasi). Saranno sufficienti 5-6 frasi per ogni elemento del piano.

Arti decorative popolari e Russia

Sia il Tatarstan che altre regioni della Russia sono state colpite dall'arte popolare. L'arte decorativa tartara è luminosa e sfaccettata. Ha le sue radici nei tempi antichi del paganesimo - VII-VIII secoli. Nel Khanato di Kazan e nella Bulgaria del Volga, lo sviluppo dell'arte è andato in linea con le tradizioni islamiche. La direzione principale era diversa Questo tipo di modello è ampiamente manifestato in vari tipi di arte tartara. Gli ornamenti adornano ricami, intagli in legno e pietra, ceramiche, gioielli e calligrafia. Lo stile zoomorfo era ampiamente utilizzato nei prodotti dei maestri pagani della Bulgaria.

Una caratteristica dell'arte decorativa russa è il suo carattere di massa. In Russia, l'arte decorativa è per lo più anonima. I mobili Gambs e i gioielli Faberge sono l'eccezione piuttosto che la regola. Artigiani senza nome hanno creato capolavori di pittura, tessitura, piatti e giocattoli. La produzione artistica della Russia può essere orgogliosa di creare grandi valori in vari campi.

Le prime prove dell'elevato sviluppo della produzione di fabbro e gioielli si possono trovare tra gli Sciti e le tribù che vivevano in territori che si estendevano dal Mar Nero alla Siberia. Qui il vantaggio è stato dato allo stile animale degli Sciti. Gli slavi settentrionali, che erano in contatto con gli abitanti della Scandinavia, includevano nell'ornamento frammenti di corpi umani e animali, che sono intrecciati in modo intricato. Negli Urali, le tribù ugro-finniche realizzavano amuleti con immagini di orsi e lupi, fatti di legno, pietra o bronzo.

In tutta la Russia c'erano molti laboratori di pittura di icone. A Palekh, nella regione di Ivanovo, sono state sviluppate le migliori trame di racconti popolari e canzoni su lacca nera. Dall'antica Bisanzio ci è giunta l'arte della filigrana di cesellare, granulare, niello, traforare intagliato su legno e osso. Nel XVII secolo, l'arte decorativa si sviluppò in una produzione artistica sviluppata. Questo è lo smalto dipinto di Rostov, Nizhny Novgorod che intaglia su capanne, annerimento su argento a Veliky Ustyug. Le opere dei maestri popolari dell'arte decorativa decoravano palazzi e templi.

Ai tempi di Pietro il Grande, le cose dell'Europa occidentale andavano di moda: mobili imbottiti, maioliche. Dal 18 ° secolo, gli specchi iniziarono ad essere ampiamente utilizzati. MV Lomonosov ha imparato l'arte di produrre vetro, specchi e smalti di mosaico. Architetti di talento del XVIII e dell'inizio del XIX secolo svilupparono progetti per la decorazione decorativa d'interni. Alcuni architetti di quell'epoca iniziarono la loro carriera creativa con lavori di decorazione, come Rossi e Voronikhin. La corte imperiale e la più alta nobiltà della Russia fornirono alle imprese private numerosi ordini, che riuscirono a raggiungere le vette dell'eccellenza. Tali imprese includono le fabbriche di maioliche e porcellane di Kuznetsov, la fabbrica di porcellane Popovsky.

Lo studio dell'arte popolare e dell'artigianato popolare mostra che la divulgazione delle opere d'arte popolare nel modo migliore colpisce sia gli adulti che i bambini. Ciò fa emergere il gusto estetico, contribuisce all'emergere di bisogni spirituali, provoca un senso di orgoglio nazionale e di umanità. Dopotutto, gli incredibili oggetti colorati sono creati da artigiani popolari, persone che la natura ha dotato di talento, immaginazione e gentilezza.

Cosa sono le arti e i mestieri

L'arte decorativa e applicata è un fenomeno culturale complesso e sfaccettato. Copre molti tipi di artigianato popolare associati alla creazione di prodotti artistici che hanno uno scopo pratico nella vita di tutti i giorni e alla lavorazione artistica di oggetti utilitari (utensili, mobili, tessuti, strumenti, veicoli, abbigliamento, gioielli, giocattoli, ecc.) . L'arte decorativa e applicata convive con la gente, radicata nell'antica antichità e sviluppandosi oggi.

Le opere d'arte e artigianato sono solitamente strettamente legate all'ambiente architettonico e spaziale, all'insieme (sulla strada, nel parco, all'interno) e tra loro, formando un complesso artistico. Originario dell'antichità, l'arte e l'artigianato è diventata una delle aree più importanti dell'arte popolare. La sua storia è legata all'artigianato artistico, all'industria artistica, alle attività di artisti professionisti e artigiani, e dall'inizio del XX secolo. - con design artistico e design.

Molti eccellenti esempi di arte decorativa e applicata si possono trovare nei musei d'arte, storici, di storia locale ed etnografici, oltre che in libri, album e sulle pagine di riviste. Ogni mostra di arte popolare è sempre una scoperta del mondo della bellezza e della saggezza. I prodotti realizzati da artisti antichi e moderni suscitano invariabilmente l'ammirazione dei visitatori e alcuni hanno il desiderio di seguire l'esempio degli artigiani popolari.

È importante che tutti coloro che entrano in contatto con le opere d'arte e artigianato non rimangano spettatori oziosi, ma si impegnino ad essere ricercatori, cercando ogni volta di capire con quali metodi artistici e tecnici il maestro è stato in grado di raggiungere la perfezione. Molto di ciò che ognuno di voi cercherà di fare amorevolmente con le proprie mani lo consegnerà alle persone intorno a voi.

Considera le arti e i mestieri sulle pagine del libro di testo. Come e per quale scopo gli antichi decoravano oggetti e strumenti per la casa?

Analizza il simbolismo degli ornamenti su varie opere d'arte e artigianato. Quali informazioni portano le forme e le decorazioni di questi oggetti?

Ascolta melodie e melodie popolari. Quali articoli mostrati sullo spread si abbinano con stile?

Ricamo

Fin dall'antichità il ricamo è stato una decorazione del focolare, dava gusto ai vestiti, veniva usato su tovaglie, tovaglioli, tende e asciugamani, ed era la base di arti e mestieri in Ucraina e Russia.

Qualsiasi casalinga potrebbe, con l'aiuto del ricamo, dare conforto alla sua casa, decorare i vestiti dei suoi cari, incarnare le sue idee artistiche, poiché questo tipo di arti e mestieri era accessibile a tutti.

I ricami di popoli diversi sono pieni di varietà e originalità di motivi e colori, poiché sono stati creati per secoli e dipendevano dalla storia e dalla cultura dei popoli. Dato che a quei tempi non esistevano riviste di moda dove trovare uno schema per tutti i gusti, le persone attribuiscono un certo significato al ricamo.

Il ricamo non era solo un bell'elemento nell'abbigliamento, ma svolgeva anche un ruolo importante come talismano. Se hai prestato attenzione ai ricami, probabilmente hai notato che i motivi geometrici sono i più comuni tra gli ornamenti. Così, ad esempio, l'antico simbolo del sole, della fertilità e del principio femminile, che porta fortuna e prosperità, era raffigurato in ricami a forma di rombo. Il simbolo dell'acqua personificava la vitalità ed era applicato sotto forma di linee ondulate. Gli ornamenti orizzontali portavano il simbolo della Terra e denotavano la prosperità del focolare familiare.

Se hai notato, in alcuni ricami l'ornamento raffigura un cerchio, all'interno del quale è ricamata una croce, un tale elemento di ricamo simboleggia il sole e funge da talismano che rimuove il male da una persona. Ma la croce ricamata nel motivo significa purificazione spirituale, poiché è un simbolo del fuoco.

Gli ucraini preferivano gli ornamenti degli asciugamani, che erano di natura vegetale, e anche l'immagine di uccelli e animali era comune. Nella combinazione di colori, preferivano principalmente utilizzare i colori rosso, nero e blu.

I motivi floreali nei ricami non erano solo inventati, ma avevano anche un significato specifico. L'immagine nell'ornamento delle foglie di quercia simboleggiava la forza e il viburno era considerato un simbolo di bellezza. I papaveri ricamati sui vestiti significavano fertilità e memoria familiare, e i grappoli d'uva portavano felicità e gioia nella vita familiare. La pervinca ricamata era un simbolo di fedeltà, ma le rose erano un simbolo di giovinezza e amore.

Anche negli ornamenti ucraini puoi trovare spesso immagini di colombe, rondini, galli, cavalli e altri animali e uccelli. Tali ricami fungevano da amuleti, proteggendo una persona da varie forze e spiriti maligni.

Ricamo ucraino

Una parte integrante del guardaroba maschile e femminile degli ucraini è sempre stata una camicia ricamata. L'ornamento sulla maglia caratterizzava una certa zona. Secondo questi schemi, era facile distinguere gli abitanti di Poltava dalla popolazione della regione di Podolsk e gli ornamenti Hutsul differivano da quelli di Polissya. Una caratteristica distintiva di queste camicie ricamate non erano solo i motivi, ma anche la tecnica di esecuzione e i colori.

In Ucraina, il ricamo era prevalentemente femminile. Hanno dedicato ogni minuto libero a questo mestiere. Ricamavano durante le riunioni congiunte, mentre trascorrevano le lunghe serate invernali, e anche dopo il lavoro sul campo, durante un breve riposo, puoi spesso vedere una donna ucraina che fa il ricamo.

Le ragazze ucraine mettono amore e anima nella creazione di ornamenti sui loro vestiti e la camicia ricamata che indossavano era una caratteristica della sua abilità e diligenza.

Con l'acquisizione dell'indipendenza in Ucraina, l'amore delle persone per le loro tradizioni iniziò a rinascere. Di recente, i vyshyvanka ucraini hanno ricominciato a guadagnare popolarità. È diventata una tendenza della moda non solo tra i connazionali, ma anche ben oltre i suoi confini. Persone con camicie ricamate si trovano ovunque. Sembra appropriato, sia in occasione di eventi cerimoniali, sia in occasione dei lauree scolastiche, alle celebrazioni di matrimoni o alle manifestazioni.

Il ricamo artistico incarna le migliori tradizioni della nostra gente e ha trovato mille estimatori di questo bellissimo tipo di arti e mestieri.

Compiti artistici e creativi

Raccogli informazioni sulla storia di uno dei famosi mestieri popolari, prepara un album, uno stand, una presentazione al computer, presentalo ai compagni di classe.

> Realizza uno schizzo di un murale basato su alcuni mestieri popolari russi: Zhostovo, Gorodets, Khokhloma, ecc. (opzionale), su uno dei temi: "Stagioni", "Mattino", "Racconto nella foresta",
"Segale d'oro", ecc.

> Prepara una mostra di arti e mestieri di diversi generi con i tuoi compagni di classe. Pensa all'accompagnamento musicale, raccogli campioni di creatività verbale popolare (estratti di fiabe, leggende, proverbi, detti, ecc.). Condurre un tour di questa esposizione per gli studenti più giovani, i genitori, gli ospiti delle scuole.

Che cos'è, Antica Russia? In un kokoshnik e un prendisole ricamato d'argento? O magari in calzoncini e con la barba? Non...
L'antica Russia è l'ampiezza dell'anima, è infiniti campi verdi, è arte popolare, che ancora stupisce per la sua complessità e, allo stesso tempo, per la semplicità della forma. Ricordo la prima volta che vidi la Chiesa dell'Intercessione, completata senza un solo chiodo. Cupole ideali si innalzavano armoniosamente sopra la foresta. O forse questa è la Russia, quella Russia, di cui si parlava nei libri, che era temuta e rispettata. Può darsi. Tuttavia, oggi voglio presentarti la sala più interessante del Museo Russo: la Sala delle Arti Decorative e Applicate.

La collezione della sala è una delle più grandi in Russia. La mostra principale appartiene ai secoli XVII - XIX. Diverse sale sono adibite a mostre. Qui puoi vedere oggetti per la casa dell'antica Russia, costumi popolari, miniature artistiche e capanne decorate incredibilmente belle.

Il costume popolare femminile di quel tempo è una fonte inestinguibile di idee per artisti e designer. Guarda come si abbinano armoniosamente i motivi, come sono eleganti e allo stesso tempo modesti la camicia e il prendisole.

Sono stato particolarmente felice dei copricapi di mercanti e nobildonne. I Kokoshnik sono ricamati con perle, fili d'oro e d'argento, pietre preziose. Anche sotto vetro si nota il peso notevole di questi prodotti. Ma la dimensione è tutta un'altra storia. Nei film e nelle produzioni teatrali, i copricapi femminili della Russia sono piuttosto in miniatura rispetto ai loro predecessori.

I costumi femminili sono realizzati in broccato, seta e damasco. Da qualche parte hanno conservato motivi pagani e da qualche parte riflettono le tradizioni artistiche dell'artigianato. Ci sono molte meno vesti da uomo nel museo. Sì, e il costume da uomo consisteva in una camicia, pantaloni, una cintura e un copricapo.

Gli articoli per la casa sopravvissuti fino ad oggi sono di grande valore. Non ci sono pervenuti così tanti oggetti di artigianato in legno per la cucina, giocattoli e miniature divertenti.

Anche nel Museo Russo c'è una collezione di filatoi del XIX-XX secolo. È stato creato da maestri delle province di San Pietroburgo, Novgorod, Olonets e Arkhangelsk. Gli artigiani del nord realizzavano i filatoi per le loro mogli e figlie. Quindi, la figlia ha ricevuto il primo filatoio da suo padre durante l'infanzia. Il secondo filatoio dopo il matchmaking e il terzo - da suo marito.

Nell'arte popolare russa c'è un approccio speciale al design della propria casa. I maestri hanno cercato di creare vere opere d'arte utilizzando una varietà di ornamenti artistici.

Yesenin ha scritto: "... la musica e l'epica sono nate insieme attraverso il segno dell'albero - ci fa pensare a questo non come un fatto accidentale di un'affermazione mitica, ma come una rappresentazione rigorosa e misurata dei nostri lontani antenati. Prova di ciò è il nostro ornamento domestico inspiegabile e irrisolto.
Tutti i nostri pattini sui tetti, galli sulle persiane, colombe sul portico principe, fiori sul letto e biancheria intima, insieme agli asciugamani, non sono un semplice schema, questa è una grande epopea significativa dell'esito del mondo e del destino di uomo.

E in effetti, le capanne russe non sono solo abitazioni decorate con motivi. Questo è un vero e proprio magazzino di antiche conoscenze, che, a volte, non è facile da svelare.

Arti decorative e applicate, sezione d'arte; copre una serie di rami della creatività che si dedicano alla creazione di prodotti artistici destinati principalmente all'uso quotidiano. Le sue opere possono essere: utensili vari, mobili, tessuti, strumenti, veicoli, ma anche abiti e ogni tipo di decorazione. Insieme alla suddivisione delle opere d'arte decorativa e applicata secondo la loro destinazione pratica nella letteratura scientifica della seconda metà dell'Ottocento. è stata approvata la classificazione delle industrie per materiale (metallo, ceramica, tessile, legno) o per tecnica (scultura, pittura, ricamo, stampa, fusione, goffratura, intarsio, ecc.). Questa classificazione è dovuta al ruolo importante del principio costruttivo-tecnologico nelle arti e mestieri e al suo collegamento diretto con la produzione. Risolvere insieme, come l'architettura, compiti pratici e artistici, arti e mestieri allo stesso tempo appartiene alle sfere della creazione di valori sia materiali che spirituali. Le opere di questo tipo di arte sono inseparabili dalla cultura materiale della loro epoca contemporanea, sono strettamente legate al modo di vivere che le corrisponde, con l'una o l'altra delle sue caratteristiche etniche e nazionali locali, e le differenze sociali e di gruppo. Costituendo una parte organica dell'ambiente soggetto con cui una persona entra in contatto quotidiano, le opere d'arte e artigianato con i loro pregi estetici, la struttura figurativa, il carattere influenzano costantemente lo stato d'animo di una persona, il suo umore, sono un'importante fonte di emozioni che influenzano il suo atteggiamento nei confronti del mondo che lo circonda.

Saturando esteticamente l'ambiente che circonda una persona, le opere di questo genere ne sono allo stesso tempo assorbite, per così dire. sono solitamente percepiti in connessione con il suo disegno architettonico e spaziale, con altri oggetti in esso inclusi oi loro complessi (un servizio, un set di mobili, un costume, un set di gioielli). Pertanto, il contenuto ideologico delle opere di arte decorativa e applicata può essere compreso nel modo più completo solo con un'idea chiara (reale o ricreata mentalmente) di queste relazioni tra l'oggetto, l'ambiente e la persona.

L'architettura di un oggetto, determinata dalla sua destinazione, dalle capacità progettuali e dalle proprietà plastiche del materiale, gioca spesso un ruolo fondamentale nella composizione di un prodotto artistico. Spesso nelle arti e mestieri, la bellezza del materiale, le proporzioni proporzionate delle parti e la struttura ritmica servono come unico mezzo per incarnare il contenuto emotivo e figurativo del prodotto (ad esempio, vetreria o altri materiali non colorati senza decorazioni) . Qui si manifesta chiaramente il significato speciale per l'arte decorativa e applicata dei mezzi puramente emotivi e non pittorici del linguaggio artistico, il cui uso lo rende legato all'architettura. Un'immagine emotivamente significativa è spesso attivata da un'associazione-immagine (confronto della forma di un oggetto con una goccia, un fiore, la figura di una persona, un animale, i suoi singoli elementi, con qualche altro oggetto - una campana, una balaustra , eccetera.). Anche il decoro, che appare sul prodotto, influisce in modo significativo sulla sua struttura figurativa. Spesso è grazie al suo arredamento che un oggetto per la casa diventa un'opera d'arte. Possedere una propria espressività emotiva, un proprio ritmo e proporzioni (spesso contrastanti in relazione alla forma, come, ad esempio, nei prodotti dei maestri Khokhloma, dove la forma modesta e semplice della ciotola e l'elegante e festosa pittura della superficie sono diversi nel loro suono emotivo), il decoro modifica visivamente la forma e allo stesso tempo si fonde con essa in un'unica immagine artistica.

Per creare un decoro, sono ampiamente utilizzati ornamenti ed elementi (separatamente o in varie combinazioni) di belle arti (scultura, pittura, raramente grafica). I mezzi delle belle arti e dell'ornamento servono non solo a creare decorazioni, ma a volte penetrano anche nella forma di un oggetto (particolari di mobili a forma di palmette, volute, zampe di animali, teste; vasi a forma di fiore, frutto, figura di uccello, bestia, uomo). A volte un ornamento o un'immagine diventa la base per la formazione di un prodotto (motivo a traliccio, pizzo; motivo di tessitura, tappeto). La necessità di coordinare l'arredamento con la forma, l'immagine - con la scala e la natura del prodotto, con il suo scopo pratico e artistico porta alla trasformazione dei motivi pittorici, alla convenzionalità dell'interpretazione e del confronto degli elementi della natura (ad esempio , una combinazione di motivi a zampa di leone, ali d'aquila e testa di cigno nel disegno di una gamba di un tavolo). ).

Nell'unità delle funzioni artistiche e utilitaristiche del prodotto, nella compenetrazione di forma e decoro, principi fini e tettonici, si manifesta la natura sintetica dell'arte decorativa e applicata. Le sue opere sono progettate per la percezione con la vista e il tatto. Pertanto, rivelando la bellezza della trama e delle proprietà plastiche del materiale, l'abilità e la varietà dei metodi della sua lavorazione acquisiscono il significato di mezzi particolarmente attivi di influenza estetica nell'arte decorativa e applicata.

La pittura

Pittura, un tipo di belle arti, opere d'arte che vengono create utilizzando vernici applicate su qualsiasi superficie solida. Come altri tipi di arte, la pittura svolge compiti ideologici e cognitivi e funge anche da sfera per la creazione di valori estetici oggettivi, essendo una delle forme altamente sviluppate del lavoro umano.

La pittura riflette e alla luce di determinati concetti valuta il contenuto spirituale dell'epoca, il suo sviluppo sociale. Influenzando potentemente i sentimenti e i pensieri del pubblico, costringendo quest'ultimo a sperimentare la realtà rappresentata dall'artista, funge da efficace mezzo di educazione sociale. Molte opere pittoriche hanno valore documentario e informativo.

A causa della visibilità dell'immagine, la valutazione della vita dell'artista, espressa nel suo lavoro, acquisisce una capacità di persuasione speciale per lo spettatore. Creando immagini artistiche, la pittura utilizza il colore e il disegno, l'espressività dei tratti, che assicura la flessibilità del suo linguaggio, le consente, con una completezza inaccessibile ad altri tipi di belle arti, di riprodurre sul piano la ricchezza colorata del mondo, il volume degli oggetti, la loro originalità qualitativa e carne materiale, la profondità dello spazio raffigurato, l'ambiente luce-aria. La pittura non solo incarna direttamente e visivamente tutti i fenomeni visibili del mondo reale (compresa la natura nei suoi vari stati), mostra ampie immagini della vita delle persone, ma si sforza anche di rivelare e interpretare l'essenza dei processi che si svolgono nella vita e nell'interiorità mondo di una persona.

L'ampiezza e la completezza della copertura della realtà a disposizione di questo tipo di arte si riflette anche nell'abbondanza di generi ad essa inerenti (storico, quotidiano, battaglia, animalesco, ecc.).

Di proposito, per natura dell'esecuzione e delle immagini, distinguono: pittura monumentale-decorativa (murali, plafoni, pannelli), partecipando all'organizzazione dello spazio architettonico, creando un ambiente ideologicamente ricco per una persona; cavalletto (dipinti), di natura più intima, di solito non associato a nessun luogo particolare; scenografie (schizzi di scene e costumi teatrali e cinematografici); iconografia; miniatura (illustrazioni di manoscritti, ritratti, ecc.).

Secondo la natura delle sostanze che legano il pigmento (colorante), secondo i metodi tecnologici di fissaggio del pigmento sulla superficie, pittura a olio, pittura con idropitture su gesso - grezzo (fresco) e secco (a secco), tempera , pittura a colla, pittura a cera, smalto, pittura, pitture ceramiche (leganti - vetri fusibili, fondenti, smalti - sono fissati mediante cottura su ceramica), pitture ai silicati (legante - vetro solubile), ecc. Mosaico e vetro colorato sono direttamente collegati ad esso , decidendo come la pittura monumentale, i compiti pittorico-decorativi. Per l'esecuzione dei dipinti vengono utilizzati anche acquerello, guazzo, pastello e inchiostro.

Il principale mezzo espressivo della pittura - il colore - con la sua espressione, la capacità di evocare varie associazioni sensoriali, esalta l'emotività dell'immagine, determina le ampie possibilità visive e decorative di questo tipo di arte. Nelle opere, forma un sistema integrale (colore). Di solito viene utilizzata l'una o l'altra serie di colori correlati e le loro sfumature (gamut colorato), sebbene esistano anche dipinti con sfumature dello stesso colore (monocromatico). La composizione del colore (il sistema di localizzazione e le relazioni delle macchie di colore) fornisce una certa unità cromatica dell'opera, influenza il corso della sua percezione da parte dello spettatore, essendo una parte della sua struttura artistica specifica dell'opera. Un altro mezzo espressivo della pittura - il disegno (linea e chiaroscuro) - organizza l'immagine ritmicamente e compositivamente insieme al colore; la linea delimita i volumi tra loro, è spesso la base costruttiva della forma pittorica, consente la riproduzione generalizzata o dettagliata dei contorni degli oggetti, rivelandone gli elementi più piccoli.

Architettura

Architettura (lat. architectura, dal greco architéktón - costruttore), architettura, un sistema di edifici e strutture che formano un ambiente spaziale per la vita e le attività delle persone, così come l'arte stessa per creare questi edifici e strutture secondo le leggi della bellezza. L'architettura è una parte necessaria dei mezzi di produzione e dei mezzi materiali di esistenza della società umana. Le sue immagini artistiche svolgono un ruolo significativo nella vita spirituale della società. Le qualità funzionali, costruttive ed estetiche dell'architettura (utilità, forza, bellezza) sono correlate.

Le opere di architettura sono edifici con uno spazio interno organizzato, insiemi di edifici, nonché strutture che servono a progettare spazi aperti (monumenti, terrazze, terrapieni, ecc.).

Il soggetto di un'organizzazione mirata è lo spazio di un'area popolata nel suo insieme. La creazione di città, paesi e la regolazione dell'intero sistema insediativo si sono distinti in un'area speciale, inscindibilmente legata all'architettura - urbanistica.

Il mezzo più importante per la soluzione pratica della funzione e dei compiti ideologici e artistici dell'architettura è l'attrezzatura da costruzione. Determina la possibilità e la fattibilità economica dell'attuazione di determinati sistemi spaziali. Le proprietà estetiche delle opere di architettura dipendono in gran parte dalla soluzione costruttiva. L'edificio non dovrebbe solo essere, ma anche avere un aspetto solido. Il materiale in eccesso dà l'impressione di eccessiva pesantezza; l'insufficienza visibile (apparente) del materiale è associata a instabilità, inaffidabilità e provoca emozioni negative. Nel corso dello sviluppo della tecnologia edilizia, nuovi principi di composizione architettonica, corrispondenti alle proprietà di nuovi materiali e strutture, possono entrare in conflitto con le tradizionali visioni estetiche. Ma man mano che il design si diffonde e viene ulteriormente dominato, le forme da esso definite non solo cessano di essere percepite come insolite, ma si trasformano anche in una fonte di impatto emotivo ed estetico nella coscienza di massa.

I cambiamenti qualitativi nelle attrezzature per l'edilizia, la creazione di nuove strutture e materiali hanno influenzato in modo significativo l'architettura moderna. Di particolare importanza è la sostituzione dei metodi di costruzione artigianali con quelli industriali, associati ai processi generali di sviluppo della produzione, con la necessità di aumentare il ritmo della costruzione di massa e richiedendo l'introduzione di standardizzazione, strutture e parti unificate.

I principali mezzi per creare un'immagine artistica in architettura sono la formazione dello spazio e dell'architettura. Quando si crea una composizione tridimensionale (compresa l'organizzazione interna delle strutture), vengono utilizzati i principi di simmetria o asimmetria, sfumature o contrasti quando si confrontano gli elementi, le loro varie relazioni ritmiche, ecc. Di particolare importanza in architettura sono la proporzionalità delle parti e del tutto tra loro (un sistema di proporzioni) e la proporzionalità di una struttura e delle sue forme individuali rispetto a una persona (scala). Il numero di mezzi artistici dell'architettura include anche la trama e il colore, la cui diversità è raggiunta da vari metodi di elaborazione della superficie dell'edificio. Un sistema artistico ed espressivo olistico di forme di opere di architettura che soddisfa requisiti funzionali e costruttivi è chiamato composizione architettonica.

Una stabile comunanza dei tratti caratteristici della forma artistica dell'architettura e del suo programma ideologico e contenutistico forma il suo stile. Le caratteristiche più importanti dello stile si manifestano nel sistema di organizzazione funzionale e spaziale delle strutture, nella loro architettura, proporzioni, plasticità, decoro.

Scultura

Scultura (latino sculptura, da sculpo - scolpisco, ritaglio), scultura, plastica (greco plastike, da plasso - scolpisco), una forma d'arte basata sul principio di un'immagine tridimensionale, fisicamente tridimensionale di un oggetto . Di norma, l'oggetto dell'immagine nella scultura è una persona, meno spesso - animali (genere animale), ancora più raramente - natura (paesaggio) e cose (natura morta). Collocare una figura nello spazio, veicolarne il movimento, la postura, il gesto, la modellazione di luci e ombre che esalta il rilievo della forma, l'organizzazione architettonica del volume, l'effetto visivo della sua massa, i rapporti di peso, la scelta delle proporzioni, specifiche in ogni caso, la natura della silhouette sono i principali mezzi espressivi di questa forma d'arte. Una forma scultorea tridimensionale è costruita nello spazio reale secondo le leggi dell'armonia, del ritmo, dell'equilibrio, dell'interazione con l'ambiente architettonico o naturale circostante e sulla base delle caratteristiche anatomiche (strutturali) di un particolare modello osservato in natura.

Esistono due tipi principali di scultura: la scultura rotonda, che è collocata liberamente nello spazio, e il rilievo, in cui l'immagine si trova su un piano che ne fa lo sfondo. Le opere della prima, che richiedono solitamente una veduta circolare, comprendono: una statua (una figura in crescita), un gruppo (due o più figure che compongono un unico insieme), una statuetta (una figura significativamente più piccola delle dimensioni naturali) , un busto (l'immagine di un torso umano), un busto (l'immagine del torace di una persona), ecc.

In base al contenuto e alle funzioni, la scultura è suddivisa in monumentale-decorativa, da cavalletto, ecc. piccola scultura. Sebbene queste varietà si sviluppino in stretta interazione, ognuna di esse ha le sue caratteristiche. Monumentale-decorativo: la scultura è pensata per uno specifico ambiente architettonico-spaziale o naturale. Ha un carattere pubblico pronunciato, si rivolge alle masse di spettatori, e si colloca principalmente nei luoghi pubblici - nelle strade e nelle piazze della città, nei parchi, sulle facciate e negli interni degli edifici pubblici. La scultura monumentale e decorativa è progettata per concretizzare l'immagine architettonica, per completare l'espressività delle forme architettoniche con nuove sfumature. La capacità della scultura monumentale e decorativa di risolvere grandi compiti ideologici e figurativi si rivela con particolare completezza in opere che si chiamano monumentali e che comprendono solitamente monumenti cittadini, monumenti e strutture commemorative. La maestosità delle forme e la durabilità della materia si coniugano in esse con l'esultanza del sistema figurativo, l'ampiezza della generalizzazione. La scultura da cavalletto, non direttamente collegata all'architettura, è più intima. Sale di mostre, musei, interni residenziali, dove può essere visto da vicino e in ogni dettaglio, sono il suo ambiente abituale. Si determinano così le caratteristiche del linguaggio plastico della scultura, le sue dimensioni, i generi preferiti (ritratto, genere quotidiano, nudo, genere animalesco). La scultura da cavalletto, in misura maggiore rispetto a quella monumentale e decorativa, è caratterizzata da un interesse per il mondo interiore di una persona, da un sottile psicologismo e dalla narrativa. La scultura di piccole forme comprende una vasta gamma di opere destinate principalmente agli interni residenziali e per molti aspetti si fonde con l'arte e l'artigianato.

Lo scopo e il contenuto di un'opera scultorea determinano la natura della sua struttura plastica, che, a sua volta, influenza la scelta del materiale scultoreo. La tecnica della scultura dipende in gran parte dalle caratteristiche naturali e dai metodi di lavorazione di quest'ultima. Per la modellazione vengono utilizzate sostanze morbide (argilla, cera, plastilina, ecc.); mentre gli strumenti più comuni sono anelli di filo e pile. Le sostanze solide (vari tipi di pietra, legno, ecc.) vengono lavorate tagliando (intagliando) o intagliando, rimuovendo parti non necessarie del materiale e rilasciando gradualmente, per così dire, una forma tridimensionale in esso nascosta; per la lavorazione di un blocco di pietra vengono utilizzati un martello (maglio) e una serie di strumenti di metallo, per la lavorazione del legno, principalmente scalpelli e trapani sagomati. Sostanze in grado di passare dallo stato liquido allo stato solido (metalli vari, gesso, cemento, plastica, ecc.) vengono utilizzate per colare le sculture utilizzando stampi appositamente realizzati.

Teatro

Teatro (dal greco théatron - luogo di spettacoli; spettacolo), una specie di arte. Il teatro è una forma di coscienza sociale, è inseparabile dalla vita delle persone, dalla loro storia e cultura nazionale. Il teatro raggiunge solitamente un'impennata artistica quando, intriso delle idee avanzate dell'epoca, combatte per ideali umanistici, rivela in modo profondo e veritiero la complessità del mondo interiore di una persona, le sue aspirazioni.

La riflessione artistica della vita, l'affermazione di certe idee, visioni del mondo e ideologie avviene nel teatro attraverso un'azione drammatica eseguita dagli attori davanti al pubblico. La lotta dei personaggi, la divulgazione di conflitti sociali e psicologici che influenzano il destino delle persone, le loro relazioni sono al centro dello spettacolo, della performance. La specificità del teatro richiede l'unità emotiva e spirituale del palcoscenico e del pubblico, la presenza di interessi comuni tra i creatori dello spettacolo e il pubblico. Il teatro è di grande importanza in materia di educazione estetica, morale e politica. Per questo ha ricchi mezzi di generalizzazione artistica, espressività e influenza sul pubblico di massa.

La base dello spettacolo teatrale è il dramma. Il teatro traduce un'opera letteraria nel regno dell'azione scenica e dell'immaginario teatrale specifico; i personaggi ei conflitti del dramma sono incarnati in persone e azioni viventi. La parola, la parola è il mezzo più importante di cui si dota il teatro di prosa. Nel teatro, anche la parola è soggetta alle leggi dell'azione drammatica. In alcuni casi, trasforma il discorso in un mezzo di caratterizzazione quotidiana del personaggio, in altri rivela complessi conflitti di coscienza e psicologia del personaggio attraverso il tessuto verbale del ruolo. Il discorso sul palco può assumere la forma di una lunga affermazione (monologo), scorrere come una conversazione con un partner (dialogo), essere indirizzato allo spettatore o suonare come il riflesso di un eroe, il suo "monologo interiore", ecc.

Il teatro è un'arte collettiva. Una performance è un'opera che ha l'unità artistica, l'armonia di tutti gli elementi. Viene creato sotto la direzione del regista e secondo le intenzioni del regista, attraverso gli sforzi congiunti di attori, scenografi, compositori, coreografi e molti altri. La performance si basa sull'interpretazione del regista dell'opera, sul suo genere, sulla decisione stilistica. L'azione della performance è organizzata nel tempo (tempo, ritmo, sali e scendi della tensione emotiva) e nello spazio (sviluppo delle pedane sceniche, principio del suo utilizzo, messa in scena, scenografia, movimento, ecc.).

Il principale portatore dell'azione teatrale è l'attore, nel cui lavoro si incarna l'essenza del teatro: la capacità di catturare il pubblico dell'arte. lo spettacolo della vita che scorre direttamente davanti ai loro occhi, il processo creativo della sua incarnazione. L'immagine dell'attore viene creata sulla base dello spettacolo e della sua interpretazione da parte del regista - regista dello spettacolo. Ma anche nel sistema di una performance rigorosamente organizzata, l'attore rimane un artista indipendente, capace di ricreare un'immagine umana viva sulla scena, trasmettendo la complessità e la ricchezza della psicologia umana usando i mezzi a sua disposizione solo. Il lavoro su se stessi e sul ruolo nel processo delle prove, secondo K. S. Stanislavsky, sono due aspetti indissolubilmente legati dell'attività dell'attore.

Spesso un attore crea un'immagine sul palco che è dissimile dalla sua, in ruoli diversi cambia esternamente e internamente. Quando incarna l'aspetto, il carattere del personaggio, l'esecutore usa i mezzi dell'espressività plastica e ritmica, l'arte della parola, le espressioni facciali e il gesto. La storia del teatro mondiale conosce attori che possedevano una maestria virtuosa della trasformazione esteriore.

Nel teatro musicale, l'azione si incarna attraverso la drammaturgia musicale, che si basa sulle leggi generali del dramma: la presenza di un conflitto centrale chiaramente espresso che si rivela nella lotta delle forze opposte, una certa sequenza di fasi nella divulgazione di drammi. intento. In ciascuno dei tipi di arte scenica musicale, questi schemi generali trovano una specifica rifrazione secondo la natura dei loro mezzi espressivi: nell'opera, l'azione che si svolge sulla scena è espressa dalla musica, cioè dal canto di i personaggi, oltre che dal suono dell'orchestra; nel balletto, un ruolo analogo al canto nell'opera appartiene alla danza e alla pantomima. Allo stesso tempo, in entrambi i casi, la musica è il principale mezzo di generalizzazione, legando insieme tutti gli elementi del dramma. Nell'operetta, che è una specie di opera con dialoghi parlati, il canto distico e la danza sono di grande importanza. Nel genere musicale vengono utilizzati i mezzi espressivi delle arti drammatiche, operistiche e coreografiche, della musica pop e di tutti i giorni.

Musica

La musica (dal greco musike, letteralmente - l'arte delle muse), un tipo di arte che riflette la realtà e colpisce una persona attraverso sequenze sonore significative e appositamente organizzate, costituite principalmente da toni. La musica è un tipo specifico di attività sonora delle persone. Con altre varietà (discorso, segnalazione sonora strumentale, ecc.), È unito dalla capacità di esprimere pensieri, emozioni e processi volitivi di una persona in una forma udibile e fungere da mezzo per comunicare le persone e controllarne il comportamento. Allo stesso tempo, differisce significativamente da tutte le altre varietà di attività sonora umana. Pur mantenendo una certa somiglianza con i suoni della vita reale, il suono musicale differisce fondamentalmente da loro per la loro rigida intonazione e organizzazione temporale (ritmica). Questi suoni sono inclusi nei sistemi storicamente stabiliti, che si basano sui toni. In ogni brano musicale, i toni formano il proprio sistema di connessioni verticali e sequenze orizzontali: la sua forma.

Nel contenuto della musica, gli stati e i processi emotivi (così come le aspirazioni volitive) giocano un ruolo dominante. Il loro posto di primo piano nel contenuto musicale è predeterminato dal suono (intonazione) e dalla natura temporale della musica, che le consente, da un lato, di fare affidamento sull'esperienza secolare delle persone che rivelano esternamente le proprie emozioni e le trasmettono ad altri membri della società, principalmente e principalmente attraverso suoni precisi e, d'altra parte, - esprimere adeguatamente l'esperienza emotiva come un movimento, un processo con tutti i suoi cambiamenti e sfumature, sali e scendi dinamici, le transizioni reciproche delle emozioni e le loro collisioni.

Tra i diversi tipi di emozioni, la musica incarna principalmente gli stati d'animo. Anche gli aspetti emotivi delle qualità intellettuali e volitive dell'individuo (ei relativi processi) sono ampiamente rappresentati nel contenuto musicale. Ciò consente a questo tipo di arte di rivelare non solo lo stato psicologico delle persone, ma anche i loro caratteri. Nell'espressione più concreta (ma non tradotta nel linguaggio delle parole), sottilissima e "contagiosa" delle emozioni, la musica non ha eguali. È su questo che si basa la diffusa definizione di “linguaggio dell'anima” (A. N. Serov).

Nella ricerca di una portata più ampia del mondo delle idee filosofiche e sociali, i compositori spesso vanno oltre la cosiddetta musica pura (strumentale non programmata), riferendosi alla parola come portatrice di uno specifico contenuto concettuale (musica vocale e strumentale a programma , vedi Musica in programma), nonché per mettere in scena l'azione. Grazie alla sintesi con la parola, l'azione, ecc., si formano nuovi tipi di immagini musicali, che si associano stabilmente nella coscienza pubblica ai concetti e alle idee espresse da altri componenti della sintesi, per poi passare alla musica “pura” come portatori degli stessi concetti e idee. Per esprimere i pensieri, i compositori usano anche simboli sonori (canti o melodie che sono sorti nella pratica sociale, esistenti in un determinato ambiente sociale, che sono diventati "emblema musicali" di qualsiasi concetto) o creano i propri, nuovi "segni musicali" (per esempio, leitmotiv). Di conseguenza, il contenuto di M. comprende un vasto e continuamente arricchito cerchio di idee.

Il contenuto di diversi tipi è disponibile per la musica: epico, drammatico, lirico. Allo stesso tempo, tuttavia, a causa della sua natura non pittorica, i testi gli sono più vicini.

L'incarnazione materiale del contenuto della musica, il modo della sua esistenza è la forma musicale - quel sistema di suoni musicali in cui si realizzano le emozioni, i pensieri e le rappresentazioni figurative del compositore. Anche presi separatamente, i suoni musicali hanno già possibilità espressive primarie. Ciascuno di essi è in grado di evocare una sensazione fisiologica di piacere o dispiacere, eccitazione o calma, tensione o scarica, nonché sensazioni sinestetiche (pesantezza o leggerezza, calore o freddo, oscurità o luce, ecc.) e le più semplici associazioni spaziali.

In ogni brano musicale, dai singoli elementi della sua forma, nel processo della loro combinazione e subordinazione, si forma una struttura generale, costituita da diverse strutture private. Questi ultimi includono strutture: melodica, ritmica, armonica, materica, timbrica, dinamica, ecc. Di particolare importanza è la struttura tematica, i cui elementi sono temi musicali (insieme a vari tipi e fasi del loro cambiamento e sviluppo). Nella maggior parte degli stili musicali, sono i temi i vettori materiali delle immagini musicali.

La musica ha una sua struttura. Quindi, in una cultura musicale sviluppata, la creatività è rappresentata da molte varietà che possono essere differenziate secondo vari criteri. 1) Per tipo di contenuto: lirico, epico, drammatico, ma anche eroico, tragico, umoristico, ecc.; in un altro aspetto: musica seria e musica leggera. 2) Per scopo esecutivo: vocale e strumentale; in un aspetto diverso - solista, ensemble, orchestrale, corale, misto (con eventuale ulteriore specificazione di composizioni: ad esempio, per un'orchestra sinfonica, per un'orchestra da camera, per il jazz, ecc.). 3) Per sintesi con altri tipi di arte e con la parola: musica teatrale, musica da ballo, software strumentale, melodramma (lettura su musica), musica vocale con parole. Musica al di fuori della sintesi - vocalizzazioni (canto senza parole) e strumentale "puro" (senza programma). A sua volta, il primo è diviso in spettacolare e concerto, il secondo - in massa-domestico e rituale. Ciascuna delle quattro varietà risultanti (gruppi di genere) può essere ulteriormente differenziata.

Cinematografia

La cinematografia, una sorta di arte, le cui opere sono create con l'ausilio di riprese di eventi reali, appositamente messi in scena o ricreati mediante l'animazione degli eventi della realtà.

Nella cinematografia, le proprietà estetiche della letteratura, delle arti teatrali e visive e della musica sono sintetizzate sulla base dei suoi mezzi espressivi intrinseci, di cui i principali sono la natura fotografica dell'immagine, che consente di ricreare qualsiasi immagine di realtà con la massima certezza e montaggio. La mobilità della fotocamera e la varietà delle ottiche utilizzate nelle riprese consentono di presentare nell'inquadratura grandi spazi e grandi masse di persone (piano generale), piccoli gruppi di persone nelle loro relazioni (piano di mezzo), un ritratto umano o un dettaglio separato (primo piano). Grazie a ciò è possibile distinguere entro i confini della cornice gli aspetti più essenziali ed esteticamente significativi dell'oggetto raffigurato. La combinazione di inquadrature nel montaggio serve come espressione del pensiero dell'autore, crea continuità nello sviluppo dell'azione, organizza la narrazione visiva e rende possibile, attraverso il confronto delle singole parti. intende interpretare metaforicamente l'azione, forma il ritmo del film.

La creazione di un'opera d'arte cinematografica, di regola, è un complesso processo creativo e produttivo, che combina il lavoro di artisti di diverse specialità: uno sceneggiatore (sceneggiatore); il regista, che determina l'interpretazione e l'attuazione dell'idea e dirige il lavoro degli altri partecipanti alla produzione; attori che incarnano le immagini dei personaggi; un operatore che caratterizza l'azione attraverso l'interpretazione compositiva, tonale e cromatica dei fotogrammi; un artista che trova una descrizione pittorica dell'ambiente d'azione e dei costumi dei personaggi (e nell'animazione, le caratteristiche esteriori dei personaggi); compositore, ecc.

Durante lo sviluppo della cinematografia, si sono formati 4 tipi principali di essa: cinematografia artistica (di finzione), che incarna opere di drammaturgia cinematografica o opere adattate di prosa, drammaturgia, poesia per mezzo delle arti dello spettacolo; la cinematografia documentaria, che è un tipo speciale di giornalismo figurativo, basato principalmente sulla registrazione diretta della realtà su pellicola; cinematografia animata, personaggi grafici "animatori" o pupazzi; cinematografia divulgativa, utilizzando i mezzi di questi 3 tipi per promuovere la conoscenza scientifica.

Le possibilità dell'epica, del lirismo e del dramma sono disponibili per la cinematografia artistica, ma nei film che hanno un carattere narrativo, ci sono sempre caratteristiche che li avvicinano al dramma, in particolare al conflitto drammatico. La cinematografia documentaria ha tutta l'ampiezza delle possibilità dei generi giornalistici della letteratura e del giornalismo. Combina sia opere di giornalismo cinematografico figurativo che film informativi (reportage cinematografico). Le immagini di animazione grafica e tridimensionale vengono create riprendendo fasi successive immobili del movimento di personaggi disegnati o fantoccio. Presta particolare attenzione alla realizzazione di film per bambini. La cinematografia scientifica popolare introduce gli spettatori alla vita della natura e della società, alle scoperte e alle invenzioni scientifiche, ricrea il corso delle ricerche creative di scienziati e maestri d'arte e mostra chiaramente i processi fisici, chimici e biologici. Per risolvere questi problemi utilizza sia mezzi puramente didattici che artistico-figurativi, a seconda del tema e dello scopo del film.

I generi cinematografici che erano relativamente chiaramente delimitati nelle prime fasi dello sviluppo del cinema (melodramma, film d'avventura, fumetto, ecc.) stanno cambiando, tendendo a fondersi, compenetrarsi o addirittura disintegrarsi. Le aspirazioni innovative dei direttori della fotografia determinano la combinazione in un'opera di tratti caratteristici della prosa, del dramma e dei testi.

ARTE DECORATIVA E APPLICATA, una forma d'arte, la creazione di prodotti che uniscono funzioni artistiche e utilitarie. Le opere d'arte e di artigianato sono associate ai bisogni quotidiani delle persone, formano parte integrante dell'ambiente umano. La base e la fonte di arti e mestieri è l'arte popolare. La sfera delle arti e dei mestieri comprende i prodotti delle arti e dei mestieri tradizionali, dell'industria artistica e dell'arte d'autore professionale. Il termine "arte applicata" ha origine nel 18° secolo in Inghilterra e veniva applicato principalmente alla creazione di prodotti per la casa (stoviglie per dipingere, tessuti, rifiniture di armi). Nel 20° secolo, il termine "arti e mestieri" è stato approvato nella storia dell'arte russa come designazione per la sezione delle arti decorative, che comprende anche l'arte teatrale e decorativa e il design.

Una caratteristica specifica delle opere d'arte e artigianato è il legame inestricabile tra l'utilitario e l'artistico, l'unità di utilità e bellezza, funzione e decorazione. L'utilità permette di classificare le opere d'arte e artigianato in base alla loro destinazione pratica (utensili, mobili, utensili, ecc.); la funzione di un oggetto determina chiaramente il suo schema costruttivo. La qualità che conferisce all'oggetto di arte decorativa e applicata lo status di opera d'arte è la decoratività. Si realizza non solo nel decorare un oggetto con alcuni particolari particolari (decor), ma anche nella sua struttura compositiva e plastica generale. L'arredamento ha una sua espressività emotiva, ritmo, proporzioni; è in grado di cambiare forma. Il decoro può essere scultoreo-rilievo, pittoresco-dipinto, grafico-scolpito (vedi anche Incisione); usa sia un ornamento (comprese iscrizioni decorative - geroglifici, calligrafia, scrittura slava, ecc., Che rivelano il significato delle immagini), sia vari elementi e motivi pittorici ("albero del mondo", uccelli e animali, piante, ecc.) secondo con un certo sistema decorativo e stilistico (vedi anche Bukrany, Griffin, Rose, Sphinx). Nel sistema lamellare delle arti e dei mestieri c'è la possibilità di utilizzare la cosiddetta forma pura come antitesi a qualsiasi arredamento: può manifestarsi nella bellezza intrinseca del materiale, rivelandone le qualità strutturali, plastiche, cromatiche, armonia di proporzioni, eleganza di silhouette e contorni.

Nave. Ceramica dipinta. 3° millennio aC. Yangshao (Cina). Museo delle Arti Decorative e Applicate (Vienna).

Un'altra caratteristica fondamentale delle arti e dei mestieri è la sintesi, che implica la combinazione di diversi tipi di creatività (pittura, grafica, scultura) e diversi materiali in un'unica opera. Sintetico nella sua natura intima, un'opera d'arte e artigianato è spesso coinvolta nella sintesi delle arti, in un insieme di oggetti artistici, e può dipendere dall'architettura (mobili, sculture decorative, pannelli, arazzi, tappeti, ecc.). Come risultato di questa dipendenza, arti e mestieri di tutte le epoche hanno seguito con sensibilità e chiarezza i cambiamenti di stile e moda.

Nelle arti e nei mestieri, l'immagine di una cosa è determinata dal rapporto tra la sua forma estetica e lo scopo funzionale. Da un lato c'è il concetto di natura utilitaristica e non figurativa delle arti e dei mestieri come "fare cose": un compito puramente pratico non implica la creazione di un'immagine a tutti gli effetti (ad esempio, l'obiettivo della ceramica o del cesto la tessitura non è raffigurare le cose, ma creare la cosa stessa). Tuttavia, altri esempi (ceramiche antropomorfe, ecc.), portanti un principio mimetico, consentono di parlare dell'immaginario come del compito primario della creatività nell'arte decorativa e applicata, manifestato principalmente in associazioni e analogie (la forma di un oggetto può assomigliare a un bocciolo di fiore, una goccia, la figura di una persona o di un animale, un'onda del mare, ecc.). Il dualismo tra compiti estetici e funzionali determina la specificità figurativa delle arti e dei mestieri (limitazione della concretezza delle immagini, tendenza all'abbandono del chiaroscuro e della prospettiva, uso dei colori locali, piattezza delle immagini e delle sagome).

L'arte decorativa e applicata come tipo di attività artistica è associata al lavoro manuale del maestro, che è emerso come un ramo di produzione autonomo. Un'ulteriore divisione sociale del lavoro porta alla sostituzione della produzione artigianale con la produzione di macchine (manifatture, fabbriche, impianti); il design funzionale e la decorazione diventano il lavoro di diversi specialisti. È così che nasce l'industria dell'arte, dove trovano il loro posto i metodi dell '"arte applicata": la decorazione di prodotti con pittura, intaglio, intarsio, goffratura, ecc.

La questione del rapporto tra lavoro manuale e meccanico nella fabbricazione di oggetti di arte decorativa e applicata era particolarmente acuta nella seconda metà del XIX secolo, nel contesto del problema della "spersonalizzazione" (nelle parole di W. Morris ) dalla produzione di mestieri artistici e teorie di limitata applicazione popolari in quest'epoca macchine come prerequisiti per la rinascita delle tradizioni nazionali. Contrastando l'artigianato popolare e la produzione di massa, Morris allo stesso tempo suggerisce modi della loro sintesi, che consente di creare un nuovo tipo di arti e mestieri. Il design, che è diventato un nuovo tipo di attività artistica nel campo della produzione industriale (di massa) dalla metà del XIX secolo, ha limitato le arti e i mestieri principalmente alla creazione di piccole serie di artigianato (vedi anche Produzione artistica) .

Tipologia. Ogni campo delle arti e dei mestieri ha un'ampia varietà di forme; la loro evoluzione è direttamente correlata allo sviluppo della tecnologia, alla scoperta di nuovi materiali, al cambiamento delle idee estetiche e della moda. Le opere d'arte e di artigianato si differenziano per funzionalità, forma e materiale.

Uno dei più antichi tipi di arti e mestieri è la tavola. Le sue forme variavano a seconda del materiale (legno, metallo, terracotta, porcellana, ceramica, vetro, plastica) e dello scopo (rituale, domestico, da pranzo, decorativo; vedi anche Vasi artistici). L'arte decorativa e applicata comprende anche: accessori di culto (gonfaloni, stipendi, lampadas - nel cristianesimo; vasi musulmani per abluzioni, tappeti da preghiera "namazlyk", ecc.; candelabri giudaici menorah; troni buddisti di loto e bruciaincenso del tempio); oggettistica per interni (mobili, lampadari, vasi, specchi, strumenti da scrittura, cofanetti, ventagli, tabacchiere, piastrelle, ecc.); utensili per la casa (rotoli, rulli, balze, rubelli, fusi, ecc.); opere di glittica; Gioielleria d'arte; mezzi di trasporto (carri, carri, carrozze, slitte, ecc.); arma; tessuti (vedi anche batik, ricamo, pizzo, tacco, tessitura; i tessili comprendono anche tappeti, arazzi, arazzi, kilim, stuoie di feltro, ecc.); Abiti; in parte - piccola plastica (principalmente un giocattolo).

I materiali utilizzati nei prodotti delle arti decorative e applicate sono altrettanto diversi. I più antichi sono in pietra, legno, osso. I legni duri erano usati per costruire abitazioni, per realizzare mobili, prodotti per la casa [pino, quercia, noce (nell'arte del Rinascimento), betulla della Carelia (nell'era del classicismo e dell'impero russo), acero (soprattutto nell'era moderna), mogano, pera] ; varietà morbide (ad esempio tiglio) - per la fabbricazione di piatti, cucchiai. Dal 17° secolo, i legni esotici importati iniziarono ad essere usati in Europa.

Le tecniche di lavorazione dell'argilla come la modellazione e lo stampaggio a mano libera sono state determinanti nella creazione di prodotti in argilla nelle fasi iniziali. Nel 3° millennio aC apparve un tornio da vasaio, che permetteva la fabbricazione di piatti dalle pareti sottili.

La ceramica (argilla cotta) comprende terracotta (normale e laccata), maiolica, semi-maiolica, maiolica, opaca, porcellana, biscotto, la cosiddetta massa di pietra. Le principali modalità di decorazione della ceramica sono le modanature, la brunitura, la lucidatura, la pittura a colori, l'incisione, la smaltatura, ecc.

I tessuti sono stati ampiamente utilizzati sin dall'era neolitica. Esempi eccezionali di arti decorative e applicate sono i tessuti di lino multicolore dell'antico Egitto, nella tecnica del tacco batik - copto; Tessuti di seta cinesi, mussole indiane, damaschi veneziani.

I maestri delle arti e dei mestieri usavano spesso pietre ornamentali preziose, semipreziose e colorate: diamanti, rubini, smeraldi, zaffiri, giada, lapislazzuli e corniola, malachite, diaspro, ecc. (l'ambra appartiene anche ai materiali ornamentali). Tra i vari tipi di lavorazione hanno dominato a lungo i cabochon (pietre tonde), poi sono comparse le pietre sfaccettate. Esistono tecniche complesse: il cosiddetto mosaico fiorentino (immagini di marmo e pietre semipreziose), il mosaico russo (incollare la superficie arrotondata dei vasi con lastre di pietre colorate), ecc.

Scatola con l'immagine del crocifisso e degli angeli. Legno, argento, smalto. 1° quarto del 13° secolo. Limoges (Francia). Eremo (San Pietroburgo).

Tra i metalli si distinguono preziosi (oro, argento, platino), non ferrosi (rame, stagno), leghe (bronzo, elettr, peltro), nonché acciaio, ghisa e alluminio. Insieme ai metalli nobili, quasi tutte le civiltà antiche lavoravano rame, bronzo e successivamente ferro. L'oro e l'argento erano originariamente i metalli principali nelle arti e nei mestieri e la loro carenza è stata compensata da varie tecniche (argento galvanico e doratura; dalla metà del XIX secolo - galvanica). Le principali tecniche di lavorazione dei metalli sono il niello, la granulazione, la cesellatura, la pallinatura, la colata artistica, la forgiatura artistica, la basma (un tipo di tecnica di gioielleria che imita la cesellatura), la goffratura.

Una tecnica speciale e allo stesso tempo un materiale è lo smalto, i cui esempi più antichi si trovano in Cina. Lo smalto, di regola, veniva utilizzato come parte integrante di complesse opere di arte decorativa e applicata (ad esempio, la tecnica di coprire le immagini incise su metallo con smalto trasparente multicolore o la pittura decorativa con colori a smalto).

Salario del cosiddetto Vangelo di Lorsch. Avorio. IX secolo Aquisgrana. Victoria and Albert Museum (Londra).

Secondo i suoi parametri tecnologici, il vetro si divide in trasparente e opaco, incolore e colorato, ecc. Esistono anche forme originali fatte di vetro soffiato a bocca libera (vetri veneziani "alati"), cristallo inglese molato, cristallo pressato (apparso in 1820 negli USA), vetro stratificato colorato o lattiginoso, vetro filigranato, inciso, intagliato lucido o colorato. Le tecniche di lavorazione del vetro comprendono la doratura intervetro, la pittura, il millefiori, l'incisione artistica, l'iridescenza.

La culla delle vernici artistiche è l'Antico Oriente. In Europa sono conosciuti fin dal XVI secolo; nel XVII secolo gli artigiani olandesi iniziarono a dipingere scatole di legno con ornamenti dorati su fondo nero. Successivamente, in molti paesi sorse la produzione di vernici dipinte. I prodotti laccati in cartapesta sono apparsi in Europa nel 18° secolo e hanno raggiunto il loro apice di popolarità nel 19° secolo, soprattutto in Inghilterra, Germania e Russia. Nel 20° secolo, la Russia è diventata il principale centro dell'arte della lacca (Fedoskino, Palekh, Kholuy e Mstyora).

L'uso della tartaruga e dell'avorio iniziò nell'antichità; poi il loro uso fu ripreso nell'arte europea nel medioevo e, soprattutto, alla fine del 18° secolo (tabacchiere e scatole da tè inglesi e francesi, intaglio di ossa di Kholmogory). La madreperla è diventata di moda nella prima metà del XIX secolo per decorare oggetti in cartapesta e lacca e per rifinire le posate.

Saggio storico. I primi oggetti lavorati artisticamente apparvero nel Paleolitico. Durante il Neolitico si diffuse la ceramica. Culture diverse creano vasi con soluzioni artistiche grafiche virtuosistiche, trama espressiva sacrale e mitologica, ceramiche dipinte con motivi ornamentali e di altro tipo (ad esempio, vasi cinesi del periodo neolitico, V-3° millennio a.C.; ceramiche di Susa, IV millennio a.C.; ceramiche trypillian , fine III millennio a.C.).

Le più antiche civiltà orientali nello sviluppo delle arti e dei mestieri raggiunsero lo stesso livello elevato che nel campo dell'architettura e della scultura (lavorazione artistica della pietra, del metallo, del legno, della gioielleria, dell'intaglio dell'avorio, ecc.). I gioiellieri dell'Antico Egitto, Mesopotamia padroneggiavano le varie tecniche più raffinate per la lavorazione dei metalli preziosi. L'antica arte orientale ha prodotto esempi insuperabili di ceramica smaltata policroma; in Egitto sono stati prodotti prodotti in maiolica (a base di silice): dettagli architettonici, sculture, collane, ciotole e calici. Gli Egizi (insieme ai Fenici) realizzarono anche oggetti in vetro (intorno al III millennio aC); il periodo di massimo splendore delle officine del vetro, come altri mestieri, cade nel Nuovo Regno (vasi di varie forme in vetro blu o policromo, ecc.). I mobili egizi erano realizzati con legno di ebano locale (ebano) e specie importate (cedro, cipresso), decorato con inserti in maiolica blu e nera, ricoperto di foglia d'oro e intarsiato con avorio e pittura (alcune delle sue forme successivamente hanno fortemente influenzato lo stile dell'Impero europeo ). In molte parti della Cina sono stati trovati vasi a pareti sottili (ciotole, vasi, brocche e calici) che si distinguono per originalità stilistica, varietà di forme e bizzarre immagini zoomorfe. In India, la civiltà urbana altamente sviluppata dell'età del bronzo ha lasciato dietro di sé oggetti per la casa espressivi, ceramiche dipinte, tessuti scoperti durante gli scavi a Mohenjo-Daro e Harappa. Nell'Iran occidentale, nel Luristan, si sviluppò una cultura, rappresentata dai bronzi del Luristan.

L'originalità delle arti e dei mestieri del mondo egeo (vedi cultura egea) ha influenzato l'arte di altri paesi (Egitto del Nuovo Regno, Medio Oriente): gioielli, calici e ciotole cesellati, rhyton. Il tipo principale di artigianato artistico è la ceramica (policromia con un motivo stilizzato, motivi vegetali, con immagini di animali marini e pesci). Tra le più alte realizzazioni nella storia delle arti decorative e applicate c'è la ceramica greca antica - in primis i vasi laccati a figure rosse e nere, dove la forma è organicamente connessa con la trama pittorica e l'ornamento, ha una chiara tettonica, ricchezza del ritmo di linee e proporzioni (vedi Pittura del vaso). Ceramiche e gioielli di fattura greca furono esportati in molti paesi del mondo, grazie ai quali le tradizioni artistiche greche furono ampiamente ampliate. Nelle arti e nei mestieri delle tribù nomadi dell'Asia e dell'Europa, dei Traci, dei Celti e di alcune tribù ugro-finniche, si svilupparono varie forme dello stile animale; a metà del I millennio dC, la sua forma peculiare compare presso i tedeschi, le tradizioni dello stile animale sono state conservate nell'arte medievale.

Gli Etruschi, essendo sotto la forte influenza greca, seppero creare una cultura altrettanto distintiva con le loro ceramiche "buccero", terrecotte dipinte e gioielli. La loro brama di lusso dimostrativo incarnato in oggetti di arte decorativa e applicata è stata trasmessa ai loro successori: gli antichi romani. Hanno preso in prestito dagli Etruschi la ceramica a rilievo, la decorazione dei tessuti, dai Greci - forme e ornamenti. Nell'arredamento romano c'è molto di eccessivo, privo di gusto greco: ghirlande lussureggianti, bucrani, grifoni, amorini alati. Nell'era dell'impero entrarono di moda i vasi in pietre semipreziose (agata, sardonice, porfido). La più alta conquista dell'arte e dell'artigianato romano fu l'invenzione della soffiatura del vetro (I secolo aC), la produzione di vetri trasparenti, mosaici, incisi, a due strati, a imitazione di cammei e dorati. Tra i prodotti in metallo ci sono vasi d'argento (ad esempio il tesoro di Hildesheim), lampade in bronzo (trovate durante gli scavi della città di Pompei).

La stabilità delle tradizioni contraddistingue le culture dell'Estremo Oriente e dell'India nel suo insieme, dove in epoca medievale sono stati preservati tipi e forme caratteristiche di arti decorative e applicate (ceramiche e vernici in Giappone, legno, metallo e prodotti tessili in India, batik in Indonesia ). La Cina è caratterizzata da immagini e tradizioni stabili di taglio della pietra, ceramica e gioielli, una varietà di materiali: seta, carta, bronzo, giada, ceramica (principalmente l'invenzione della porcellana), ecc.

Nell'antica America (precolombiana) c'erano diverse civiltà (Olmec, Totonacs, Maya, Aztechi, Zapotechi, Incas, Chimu, Mochica, ecc.), Che avevano un'elevata cultura materiale. I principali mestieri erano la ceramica, la lavorazione artistica della pietra, comprese le pietre semipreziose, utilizzando la tecnica originale del mosaico turchese su legno, tessuti e gioielli. La ceramica è una delle migliori realizzazioni dell'antica arte americana, a differenza di altre che non conoscevano il tornio da vasaio (urne funerarie degli zapotechi, vasi toltechi, vasi policromi mixtechi, vasi con ornamenti Maya incisi, ecc.).

Un tratto caratteristico dell'arte medievale dei paesi del Medio Oriente, del Nord Africa (Maghrib) e delle regioni d'Europa abitate da arabi è la brama di colorito, per decorazioni di pregio, ornamenti geometrici (con motivi floreali stilizzati ad astrazione, cfr. Arabesco); nelle arti decorative e applicate dell'Iran si è conservata anche la tradizione pittorica. I principali tipi di arti decorative e applicate dei paesi musulmani erano la ceramica, la tessitura, la produzione di armi e beni di lusso. La ceramica (principalmente ornamentale, ricoperta da un lampadario o dipinto policromo su fondo bianco e colorato) è stata prodotta in Iraq (Samarra), Iran (Susa, Ray), Egitto medievale (Fustat), Siria (Rakka), Asia centrale (Samarcanda, Buchara). Le ceramiche ispano-moresche (faience di Valencia) hanno avuto una grande influenza sulle arti e mestieri europei del XV e XVI secolo. La porcellana cinese blu-bianca influenzò le ceramiche dell'Orda d'Oro, dell'Iran, ecc. Nel XVI secolo fiorì la maiolica policroma turca di Iznik. La cultura musulmana ha anche lasciato molti esempi di vetri artistici, metalli (decorati con incisioni, cesellature, smalti) e armi. Il mondo islamico ha tradizionalmente utilizzato i tappeti più dei mobili; sono stati prodotti in molti paesi (nel Caucaso, India, Egitto, Turchia, Marocco, Spagna, Asia centrale); Il posto di primo piano nella tessitura dei tappeti appartiene all'Iran. In Egitto producevano tessuti a traliccio di lana multicolore, tessuti di lino e tacchi; in Siria, in Spagna al tempo del Califfato di Cordova e artigiani arabi in Sicilia - seta, broccato; in Turchia (a Bursa) - velluto; in Iran (a Baghdad) - tendaggi di seta; a Damasco - i cosiddetti tessuti di Damasco.

Bisanzio divenne l'erede di molti mestieri artistici dell'antichità: lavorazione del vetro, arte del mosaico, intaglio dell'osso, ecc., E anche magistralmente padroneggiato di nuovi: la tecnica dello smalto cloisonné, ecc. Oggetti di culto e (sotto l'influenza delle culture orientali) oggetti di lusso si diffuse qui; di conseguenza, lo stile delle arti e dei mestieri bizantini era raffinato, decorativo e opulento allo stesso tempo. L'influenza di questa cultura si estese agli stati d'Europa (compresa l'antica Russia), nonché al Transcaucaso e al Medio Oriente (in Russia, le reminiscenze di questa influenza furono conservate fino allo stile russo-bizantino del XIX secolo).

In Europa, nuove forme di arti e mestieri si svilupparono durante il Rinascimento carolingio sotto l'influenza di Bisanzio e dei paesi del mondo arabo. Nella cultura dell'epoca romanica, i monasteri e le corporazioni corporative urbane svolgono un ruolo importante: si praticava l'intaglio della pietra e del legno, la fabbricazione di manufatti in metallo, le porte forgiate e gli utensili domestici. In Italia, dove le tradizioni della tarda antichità continuarono a essere conservate, si svilupparono l'intaglio in osso e pietra, l'arte del mosaico e della glittica e l'arte della gioielleria; in tutte queste aree i maestri hanno raggiunto la più alta perfezione. Il gotico ereditò molti mestieri caratteristici di quell'epoca; le caratteristiche dello stile gotico erano chiaramente manifestate nei prodotti in avorio e argento, negli smalti, negli arazzi e nei mobili [compresi i forzieri nuziali (in Italia - cassone, decorati con intagli e dipinti)].

Nell'antica Russia, risultati speciali appartenevano all'arte della gioielleria, all'intaglio del legno e della pietra. I tipi caratteristici di mobili russi erano cofanetti, tavoli-torri, teche, cassapanche, tavoli. Gli autori delle composizioni pittoresche a forma di "motivo a erba" erano pittori di icone - "firmatori", dipingevano anche casse, tavoli, tavole per torte di pan di zenzero, scacchi, carri dorati, ecc.; la "scultura" decorativa del 17° secolo era chiamata "erbe friazh". Utensili, piatti, piastrelle, oggetti religiosi sono stati prodotti nelle officine di Kiev, Novgorod, Ryazan, Mosca (laboratori patriarcali, Camera d'argento, dalla seconda metà del 17° secolo - l'Armeria del Cremlino di Mosca), Yaroslavl, Kostroma, anche nei monasteri di Kirillo-Belozersky, Spaso-Prilutsky, Sergiev Posad. Dalla seconda metà del XVII secolo iniziò il rapido sviluppo dell'artigianato popolare nelle arti decorative e applicate russe (produzione di piastrelle, intaglio e pittura del legno, tessitura e tessitura di merletti, oreficeria e ceramica).

Nel Rinascimento l'artigianato artistico acquisisce un carattere fondamentalmente autoriale e prevalentemente laico. Appaiono nuovi tipi di arti e mestieri, si fanno rivivere generi e tecniche dimenticate fin dall'antichità. I cambiamenti più significativi stanno avvenendo nella produzione di mobili (armadi con pannello frontale ribaltabile, panca con schienale e braccioli, ecc.); l'arredamento utilizza un ordine classico e un ornamento caratteristico: le grottesche. Tessitura della seta di Genova, Firenze e Milano, vetri veneziani, maioliche italiane, glyptics, oreficeria (B. Cellini), lavorazione artistica dei metalli ["stile lobato" in argento olandese e tedesco (famiglia Jamnitser)], smalti, vetri e ceramiche francesi ( produzione di Saint-Porcher, maestro B. Palissy).

L'arte decorativa e applicata dell'era barocca è caratterizzata da uno sfarzo speciale e dalla dinamica delle composizioni, una connessione organica tra tutti gli elementi e i dettagli (stoviglie e mobili), la preferenza è data a forme voluminose e grandi. Nella produzione di mobili (armadi, armadi, cassettiere, credenze, ecc.), legni levigati, accessori in bronzo dorato e mosaici fiorentini, intarsi (bronzo posato, intarsi in ebano, metallo, madreperla, tartaruga, ecc.) sono stati utilizzati.- nei prodotti dell'officina di A. Sh. Bul). Le manifatture di arazzi d'Europa furono influenzate dall'arte dei tappeti fiamminga (manifatture di Bruxelles); Genova e Venezia erano famose per i loro tessuti di lana e il velluto stampato. La maiolica di Delft è nata a imitazione del cinese. In Francia si stanno sviluppando la produzione di porcellane morbide, maioliche (Rouen, Moustier) e ceramiche (Nevers), tessuti (manifattura a Lione), la produzione di specchi e arazzi.

In epoca rococò (XVIII secolo), nelle forme e nelle decorazioni degli oggetti predominano linee fragili e intricate asimmetriche. In Inghilterra si producono argenteria (P. Lamery), candelabri, ecc.. In Germania, tra i prodotti in metallo, si trovano magnifiche forme rocaille (I. M. Dinglinger). Ci sono nuove forme di mobili: un ufficio (scrivania, tavoli da ufficio e cilindro da ufficio), vari tipi di tavoli, una sedia bergere morbida e imbottita con lo schienale chiuso, una toeletta in 2 parti; pannelli pittorici, intarsi, intarsi sono usati per la decorazione. Compaiono nuovi tipi di tessuti (moiré e ciniglia). In Inghilterra, T. Chippendale realizza mobili in stile rococò (sedie, tavoli e librerie), utilizzando motivi gotici e cineserie. All'inizio del 18° secolo, a Meissen (Sassonia) fu aperta la prima manifattura europea di porcellane (scultore I. Kendler). Lo stile cineserie penetra sia nelle porcellane europee (Meissen, Chantilly, Chelsea, Derby, ecc.), sia in quelle russe (fabbrica di porcellane imperiali vicino a San Pietroburgo), così come nei tessuti, nei vetri e nei mobili ((vernici francesi dei fratelli Martin). Negli anni '70 del Seicento apparve in Inghilterra una nuova composizione di vetro al piombo (il cosiddetto cristallo inglese); la tecnica della sua produzione era ampiamente diffusa nella Repubblica Ceca, in Germania e in Francia.

Le arti ei mestieri dell'epoca del classicismo della seconda metà del 18° secolo, poi e dell'Impero, furono influenzati dagli scavi archeologici nelle città di Ercolano e Pompei (vedi stile pompeiano). Lo stile creato dai fratelli Adam (Inghilterra), che affermava l'unità dell'arredamento esterno e dell'arredamento interno, diede nuova vita alle arti e ai mestieri, in particolare ai mobili (opere di J. Heplwhite, T. Sheraton, T. Hope, fratelli Jacob, J. A Riziner), gioielli in plastica (bronzo dorato alla francese di P.F. Tomir), argenti artistici (tazze e piatti di P. Storr), tappeti e tessuti, gioielli d'arte. Semplicità e chiarezza contraddistinguono i decanter in vetro della Cork Glass Company, i vasi baccarat e i lampadari a cascata di cristallo. Nella porcellana, alla fine del XVIII secolo, Meissen cedette lo status di principale produttore di porcellane europee alla porcellana francese di Sèvres e iniziarono a creare esemplari eccezionali nelle fabbriche di Vienna, San Pietroburgo e Berlino. In Inghilterra compare la fabbrica di J. Wedgwood "Etruria", che produce ceramiche a imitazione di cammei e vasi antichi. In Russia, molti importanti architetti sono stati coinvolti nella creazione di opere di arte decorativa e applicata (A. N. Voronikhin e K. I. Rossi hanno progettato mobili e vasi, M. F. Kazakov e N. A. Lvov hanno progettato lampadari).

Nell'era del Biedermeier, le opere d'arte e artigianato riflettevano il desiderio di una vita confortevole, che ha portato alla comparsa di mobili semplici e confortevoli dalle forme arrotondate e non sofisticate di tipi di legno locali (noce, ciliegio, betulla), eleganti brocche in vetro sfaccettato e bicchieri con pittura elegante (opere di A. Kotgasser e così via). Il periodo dell'eclettismo (metà del XIX secolo) si manifestò nella diversità stilistica degli stili storici utilizzati, nonché nell'unificazione di approcci e tecniche artistiche. Il Neo-Rococò è stato ispirato dall'arredamento dell'arte del 18° secolo; in Russia si è manifestata nei prodotti in porcellana della fabbrica A. G. Popov con la sua pittura floreale policroma su fondo colorato. La rinascita del gotico (neogotico) era dovuto al desiderio degli artisti di portare uno stile romanticamente sublime nell'arte decorativa e applicata e solo indirettamente riproducevano motivi veramente gotici; piuttosto, furono presi in prestito elementi di ornamento piuttosto che forme dell'arte gotica (vetro boemo di D. Biman, opere in porcellana e vetro per il palazzo di Nicola I "Cottage" a Peterhof). Lo stile vittoriano in Inghilterra si rifletteva nella creazione di mobili pesanti e nell'uso diffuso delle sue "forme piccole" (mensole, portaombrelli, tavoli da gioco, ecc.). La porcellana non smaltata che imita il marmo divenne di nuovo popolare. Nuovi tipi e tecniche sono apparsi nel vetro (principalmente in vetro boemo): vetro flash colorato laminato, vetro opaco cammeo e vetro nero (chialite) che imitano le pietre preziose di litialyl. Dalla metà degli anni '40 dell'Ottocento, in Francia, presso le vetrerie di Baccarat, Saint-Louis e Clichy, e successivamente in Inghilterra, Boemia e Stati Uniti, è apparsa una nuova direzione (la creazione di fermacarte millefiore, ecc.). La fusione di elementi di vari stili determina lo sviluppo del mobile e l'emergere di nuove tecnologie e materiali industriali: forme in legno incollato e curvato (M. Thonet), cartapesta, legno intagliato e ghisa.

La protesta contro l'eclettismo, avviata nel Regno Unito dalla Arts and Crafts Society, contribuì alla formazione dello stile Art Nouveau alla fine del XIX secolo; ha offuscato i confini tra arti decorative, applicate e belle e ha assunto forme diverse in molti paesi. L'arredamento Art Nouveau è spesso paragonato a motivi ornamentali di forme naturali; linee curve, contorni ondulati, disegni asimmetrici erano ampiamente utilizzati (mobili di V. Horta, L. Majorelle, E. Guimard, vetro artistico stratificato colorato con motivi floreali e paesaggistici di E. Galle, O. Daum, L. Tiffany, gioielli di R. Lalique). Gli artisti della Secessione viennese, come lo scozzese C. R. Mackintosh, al contrario, usavano simmetria e forme rettilinee contenute. Le opere di J. Hoffmann, spesso realizzate in collaborazione con G. Klimt (mobili, vetri, metalli, gioielli), si distinguono per eleganza e raffinatezza. Nella produzione europea di porcellane, i dipinti sottosmalto della Manifattura Reale di Copenaghen hanno preso il posto di primo piano. Nella modernità russa, nel suo ramo romantico-nazionale, si è manifestato lo stile neo-russo, in particolare nelle attività del circolo artistico Abramtsevo (opere di V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, E. D. Polenova), il laboratorio Talashkino della principessa M. K. Tenisheva, laboratori della scuola Stroganov.

La più recente storia delle arti e dei mestieri inizia non solo con la rinascita dell'artigianato (W. Morris e altri), ma anche con la comparsa a cavallo tra il XIX e il XX secolo in tutta Europa e negli Stati Uniti di un nuovo tipo di attività creativa - design e il suo ulteriore sviluppo attivo negli anni '20 (Bauhaus, Vkhutemas). Il design Art Déco è diventato la base di quasi tutti gli interni domestici che coltivavano lusso e comfort discreti (forme geometriche, ornamenti stilizzati e semplificati, mobili rettilinei impiallacciati in modo esotico, stoviglie funzionali e vasi di fiori).

L'arte russa dopo il 1917 si sviluppò su una nuova base ideologica ed estetica.

Gli artisti cercarono attraverso l'arte di trasmettere lo spirito dell'epoca (le cosiddette porcellane di propaganda), di creare un ambiente razionale complesso per la popolazione generale. Dalla fine degli anni '50, nelle arti e nei mestieri sovietici, insieme allo sviluppo attivo dell'industria artistica (fabbriche di porcellane di Leningrado, Verbilok, fabbrica di porcellane Dulevo, fabbrica di maioliche di Konakovo, fabbrica di vetro di Leningrado, fabbrica di cristalli Gusevsky, ecc.) e artigianato popolare ( Ceramica Gzhel, pittura Zhostovo, ceramica Skopinskaya, giocattolo Dymkovo, ecc.; vedi Artigianato artistico), anche l'arte dell'autore ha raggiunto un livello elevato.

Lo sviluppo delle arti e dei mestieri nel XX secolo è dovuto alla coesistenza e compenetrazione di principi tradizionali e avanguardistici. Le sottili possibilità espressive di nuovi materiali, l'imitazione e la citazione creativa acquisirono grande importanza. Nell'era del postmodernismo, sorge un atteggiamento speciale nei confronti di un manufatto decorativo come entità autonoma, che è manifestamente "non interessata" a servire una persona, alienata da essa. Di conseguenza, ciò ha portato a una "crisi di autoidentificazione" delle arti e dei mestieri, causata dall'emergere della concorrenza delle arti correlate (in primis il design). Tuttavia, questa crisi apre paradossalmente nuove prospettive per le arti e i mestieri in termini di espansione e revisione della propria specificità figurativa, padroneggiando nuovi generi e materiali (plastica ceramica, fibra di vetro, plastica tessile, mini-tappezzeria, mosaici in cornice di legno, ecc.) .

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T. L. Astrakhantseva.