“Certo, potrei fare a meno dei fiori, ma mi aiutano a mantenere il rispetto per me stesso, perché dimostrano che non sono incatenato mani e piedi dalle preoccupazioni quotidiane. Sono la prova della mia libertà." (Rabindranath Tagore)

Che pensiero interessante e profondo: i fiori - e la libertà dell'individuo! Ancora più sorprendente è ciò che l'uomo dice a riguardo. Scrittore, poeta, compositore, artista, personaggio pubblico, premio Nobel per la letteratura... Ha trovato il tempo per godersi la bellezza dei fiori e sentirsi libero!

Sei mesi di freddo in Russia sono tanti! Giardini innevati, campi e foreste, cieli grigi... Il bisogno di sentire la pienezza della vita ha sempre spinto le persone a creare analoghi delle meravigliose creazioni della natura che possono deliziare il cuore e l'anima tutto l'anno.

Ecco perché l'arte popolare russa è così luminosa e festosa. E non è un caso che nel 19 ° secolo, nel centro della Russia, sia nato un altro meraviglioso mestiere, che è stato chiamato, come spesso accade in questi casi, dalla sua "residenza": Zhostovo! È improbabile che nel nostro paese ci sia una persona nella cui memoria non sorgeranno immediatamente mazzi di fiori luminosi, quasi favolosi, se sente questa parola! Composizioni floreali - su un vassoio di metallo. E devo dire che la libertà che il genio di Tagore ha notato quando ha a che fare con i fiori si manifesta più chiaramente nella creazione dei famosi bouquet di Zhostovo.

Un rappresentante di una delle famose dinastie di artisti Zhostov - Larisa Goncharova (esempi del lavoro del maestro). Una dinastia in qualsiasi campo di attività è la storia di un dato caso. Rivolgendosi a una famiglia, impari la storia secolare dello sviluppo di un intero mestiere. Quindi, parlando dei segreti dell'artigianato, Larisa ha detto che la pittura è un'improvvisazione: l'autore stesso non sa cosa accadrà, la mano va “automaticamente”!

Che Maestro devi essere, perché questi fiori ammalianti, che brillano dal profondo dei boccioli di una luce magica, “suonano” tremolanti sulla superficie laccata, come note di virtuosa improvvisazione musicale! La squisita bellezza dei fiori creati dai Goncharov è piena di un significato speciale che ci trasmette l'atmosfera di una festa esultante o di una contemplazione imparziale.

Ammirando la perfezione dell'incarnazione di ciò che è stato concepito, godendo della libertà e della leggerezza ariosa nell'immagine dei bouquet, inizi a capire che una volta un oggetto utilitario è diventato a lungo un simbolo dell'arte e che la pittura di Zhostovo è la sua forma indipendente.

Il villaggio di Zhostovo, che è molto vicino alla capitale, è stato per diversi secoli un simbolo dell'artigianato russo unico. Negli ultimi decenni del 20° secolo, i nuovi russi, stanchi del trambusto della città e del deterioramento dell'ecologia, scelsero il villaggio. A proposito, anche Gerda di The Snow Queen, a noi nota fin dall'infanzia, o meglio, la popolare attrice teatrale e cinematografica Elena Proklova, che l'ha interpretata, ha vissuto per molti anni in questo villaggio vicino alla foresta, godendosi la progettazione del paesaggio, crescendo frutta e verdura biologica. Non è sfuggita alla tentazione di imparare a dipingere i vassoi!

Sullo sfondo della sempre crescente "città dei palazzi", le case dei vecchi tempi diventavano sempre più basse, "crescevano" nella loro terra natale, aggrappandosi sempre più in profondità, come se avessero paura di essere sradicate. E c'erano delle ragioni per questo.

All'inizio c'erano delle voci, ma non volevo crederci. Come poteva l'antico mestiere popolare, di cui lo stato era così orgoglioso, diventare proprietà privata? Passò un po' di tempo e le voci divennero un fatto compiuto. La Banca è diventata proprietaria della leggendaria pesca di Zhostovo (non faremo pubblicità aggiuntiva per essa, soprattutto perché il proprietario della banca può venderla!). E tutto è andato secondo il solito schema. La banca ha promesso di preservare l'artigianato popolare e il famoso Museo dei vassoi di Zhostovo, ma ha iniziato ad affittare il territorio e le aree della fabbrica. Ci sono ora una trentina di imprese non legate all'industria dei vassoi. I trenta giovani maestri rimasti in fabbrica si accalcano in quattro piccole stanze riservate ai laboratori di pittura. Ora lavorano "per il proprietario". Tutti i grandi artisti, i vecchi maestri, i veri creatori hanno lasciato l'artigianato e il lavoro a casa. Di recente, hanno praticamente cessato la collaborazione con la fabbrica.

Il vassoio come oggetto per la casa è noto fin dall'antichità, ma dall'inizio del 19° secolo, a causa della crescita delle città, l'emergere di numerosi alberghi, osterie, ristoranti, i vassoi iniziarono ad essere richiesti in grandi quantità e furono usati non solo per lo scopo previsto, ma anche per decorare gli interni. Mazzi di fiori luminosi, nature morte, scene in cui si beve il tè o si cavalca una troika sono i tradizionali soggetti dei dipinti sui vassoi che adornavano le pareti di tali stabilimenti.

I vassoi Zhostovo appartengono alla direzione, che ha il nome comune "vernici russe". In primo luogo, alla fine del XVIII secolo, apparve la pittura in miniatura lacca su cartapesta. Il villaggio di Danilkovo vicino a Fedoskino, i villaggi di Zhostovo e Ostashkovo erano noti per la produzione di cofanetti, tabacchiere, scatole, bicchieri per matite, portasigarette, album, biscotti, portafogli - oggetti decorati con dipinti in miniatura. Gli artisti in quel momento si rivolgevano a famose opere di pittura da cavalletto, incisioni, interpretando liberamente le quali creavano le loro opere. Nata in linea con le miniature in lacca, la produzione di vassoi emerse gradualmente come un commercio indipendente. Il punto di partenza è il 1807, quando l'officina di Philip Nikitich Vishnyakov iniziò a lavorare a Zhostovo. Sebbene la fondazione dell'artigianato sia associata al nome di un altro Vishnyakov - Osip Filippovich. Entro la metà del 19 ° secolo, c'erano già dodici laboratori nel distretto: Belyaev, Mitrofanov, Zaitsev, Leontiev e altri. L'artigianato si sviluppò e i vassoi iniziarono a essere realizzati non solo in cartapesta, ma anche in ferro. Indubbiamente, a questo proposito, l'influenza del noto centro di produzione di vassoi a Nizhny Tagil dal 18° secolo.

Se all'inizio i proprietari lavoravano alla pari con i lavoratori, negli anni '70 e '80 dell'Ottocento si stavano trasformando sempre più in imprenditori. Durante questi anni, c'erano più di 240 lavoratori assunti nell'industria dei vassoi vicino a Mosca. Di solito tre persone lavoravano su un vassoio: un fabbro che faceva uno stampo, uno stuccatore che preparava la superficie e un pittore che dipingeva il vassoio. Dopo l'asciugatura, il primer lo ha ricoperto di vernice.

All'inizio del 20 ° secolo, dopo aver imparato tutte le cose più interessanti che erano nella produzione di vassoi di San Pietroburgo, Nizhny Tagil, in miniature di lacca vicino a Mosca, pittura da cavalletto, pittura su porcellana e altri tipi di arte, gli artisti di Zhostov formarono il loro proprio stile, basato, tuttavia, in primo luogo, sullo sviluppo delle proprie tradizioni locali. È stato sviluppato un sistema, un canone pittorico professionale, inerente all'arte di Zhostov fino ad oggi. Nella sequenza delle tecniche di scrittura Zhostovo a più strati, viene fissato un alfabeto particolare, che viene assorbito dai maestri, che viene chiamato "con latte". Dipingere, ombreggiare, posare, evidenziare, disegnare, rilegare: questi sono i "passi" che hanno portato dalle sagome generalizzate di fiori e foglie del dipinto alla creazione delle composizioni più complesse con i minimi dettagli della rilegatura, che combina i fiori in mazzi di fiori e lo collega allo sfondo. E solo dopo aver padroneggiato questo alfabeto "perfettamente bene", avendo imparato a "parlare puramente le parole più complesse", l'artista riceve la tanto attesa Libertà. Ora la mano del Maestro ha il diritto di guidarlo lungo i suoi stessi sentieri di giardini magici, dove vivono gli uccelli del paradiso e, improvvisando magistralmente, creano nuovi bouquet di favolosa bellezza.

Comunicando con noti maestri di vari mestieri russi, ho notato che tutti loro hanno talento non solo nella loro professione principale, ma spesso in molte altre aree di attività. Alcuni anni fa, Nikolai Gushchin, artista popolare russo, capo artista dell'artigianato di Nizhny Novgorod "Artista Khokhloma", ha partecipato al festival dell'isola di Buyan a Sochi. Ha impressionato i partecipanti non solo con le opere portate in mostra, con la pittura di talento, che ha mostrato durante la master class, ma anche ... con un meraviglioso dono di un ballerino! Come ha ballato al banchetto! Non molti uomini possono vantare tali capacità. E ancora una cosa: gli occhi dell'artista strappano costantemente dalla realtà circostante gli elementi necessari alla creatività e ogni creatore ha il suo. Ricordo come, venendo a trovarmi, Gushchin trovò immediatamente nuove idee per i suoi dipinti: nel primo minuto di camminata in giardino, raccolse un fiore poco appariscente. Guardando ammirato i riccioli dell '"erba", ha detto che non li aveva visti nella corsia centrale e li avrebbe sicuramente usati nei suoi dipinti. Avvolse con cura il filo d'erba e se lo mise in tasca. I fiori sono il motivo più popolare dei dipinti nell'artigianato artistico russo.

Così si sviluppano le tradizioni. Ogni artista porta il suo nei canoni stabiliti, ciò che ha visto e sperimentato. Ogni autore ha il suo stile personale. Per la natura dei tratti, i professionisti distinguono facilmente le "mani" dei maestri e, notando l'individualità nutrita dal lavoro e dal talento, spesso danno definizioni che non sono affatto termini di storia dell'arte. "Ballando" chiamano con entusiasmo un colpo dell'artista onorato della Russia Larisa Goncharova, la maestra della pittura di Zhostovo. Larisa canta come dipinge i suoi famosi fiori (o scrive come canta!).

Diploma di lavoro di Larisa Goncharova al Liceo Artistico. Kalinina è stata molto apprezzata dalla commissione e inviata a VDNKh, e Larisa ha ricevuto il premio del Comitato centrale di Komsomol.

Da bambina, Larisa era impegnata nella coreografia, ma dopo aver ricevuto la professione di artista, per molti anni ha cantato nell'ensemble di folclore Rus e ha fatto tournée. Ed è anche una stilista nata, può cucire un bellissimo vestito per se stessa durante la notte. Prova a ripetere: un abito in taffetà con rifiniture a "coniglio" e dipinto con i fiori di Zhostovo è un'esclusiva!

Un carattere positivo, brillanti inclinazioni artistiche hanno trovato un riflesso naturale nel dipinto. Da qui la diffamazione “danzante”!

Artista alla quarta generazione, fin dall'infanzia Larisa ha potuto osservare tutte le fasi della creazione dei famosi vassoi Zhostovo, correndo da sua madre al lavoro (fortunatamente, la fabbrica di pittura decorativa Zhostovo si trovava vicino alla casa!), anche se non lo era per niente seguirà le sue orme. Ma mia madre era una donna saggia e seppe guidarla gradualmente lungo la retta via. È qui che i geni hanno ovviamente giocato un ruolo. Dopotutto, lo stesso Timofey Maksimovich Belyaev, che negli anni '30 dell'Ottocento aveva il suo laboratorio di produzione di vassoi a Zhostovo, era il bisnonno della madre di Larisa Goncharova, Nina Nikolaevna, artista popolare russa, vincitrice del Premio di Stato. I. E. Repina.

La storia della pesca prebellica ci ha lasciato solo nomi maschili. Ma il 1941 capovolse la vita del paese e iniziò a scrivere la propria storia in tutte le aree e sfere della vita. Gli uomini furono portati al fronte. E per la prima volta, in modo che l'artigianato di Zhostovo, che aveva già più di 100 anni, non morisse, sei ragazze di 13-14 anni furono portate in fabbrica. Tra loro c'era Nina Belyaeva (poi marito di Goncharov). L'infanzia militare al lavoro è un articolo separato. Puoi scrivere romanzi e fare film! Nina Nikolaevna ha raccontato come loro, bambine, trascinassero su se stesse i tronchi dalla foresta per riscaldare la produzione e dipingessero lattine di cibo in scatola, poiché non c'era ferro (tutto il metallo andava in difesa). Difficile che in quegli anni Nina potesse presentare le sue opere nelle collezioni museali e nelle migliori sale espositive del mondo! Ovviamente: non importa quali pareti, pavimenti, vasi e barattoli dipingono le mani di tuo figlio. È importante - chi "mette" questa mano. Le ragazze sono state istruite dal maestro più anziano Andrei Pavlovich Gogin, che ha svolto un ruolo eccezionale nella storia di Zhostovo. Fu Gogin che negli anni '20 del secolo scorso divenne un attivo organizzatore dell'artel, sulla base del quale creò molte opere eccezionali e insegnò a numerosi studenti l'abilità tradizionale. È stato uno di quelli le cui attività hanno contribuito a sopravvivere alla crisi che ha interrotto letteralmente il lavoro di tutti i mestieri popolari all'inizio del XX secolo. Nel 1928, gli artel si fusero in uno: "Metalpodnos", che nel 1960 fu ribattezzato Fabbrica di pittura decorativa di Zhostovo. Tutte queste fasi furono la vita di Andrei Pavlovich e dopo la guerra, dal 1948 al 1961, guidò l'arte come direttore artistico e capo artista. A quel tempo, il team di artisti di Zhostov doveva ancora superare i tentativi delle agenzie governative sovietiche iniziati negli anni '20 e '30 per cambiare l'attuale direzione dello sviluppo del mestiere introducendo una semplice dichiarazione di realismo. Tali innovazioni potrebbero distruggere un'intera tendenza nell'arte della Russia. Ma i principali artigiani hanno saputo resistere a questo, indirizzando l'attuazione di nuove idee per approfondire l'artigianato tradizionale.

Nel suo lavoro, Gogin ha sperimentato sia la forma dei vassoi che gli schemi compositivi, utilizzando intarsi in madreperla, sfondi colorati e dorati. Il suo dono lirico è rimasto invariato, che ha trasmesso alla sua allieva, Nina Goncharova. Da più di mezzo secolo crea opere che ci deliziano con la loro perfezione.

È stato a lungo dimostrato che una persona che non vive nella zona in cui l'artigianato ha avuto origine e si è sviluppato non ne diventerà mai il rappresentante, non sarà in grado di sviluppare tradizioni. L'arte dell'artigianato popolare russo è veramente viva solo nella sua terra natale e ne è ispirata. Nonostante ciò, in diverse parti del nostro paese e in molti paesi del mondo ci sono persone che sono appassionatamente attratte dalla bellezza dell'arte russa e sognano di padroneggiare almeno le basi dell'artigianato. Pertanto, i nostri artisti sono invitati in diversi paesi, si organizzano scuole, si tengono masterclass. Larisa viaggia spesso all'estero, insegnando agli stranieri. Tutti possono imparare le basi della pittura di Zhostovo, ma non tutti possono essere artisti di questo dipinto. Gli stranieri studiano perché per loro è una novità. Per molti, la conoscenza dell'arte russa è stata limitata per molti anni alle bambole nidificanti. Per alcuni ora è intrattenimento, per altri è affari. L. Goncharova ha insegnato in Australia, Taiwan. Ha avuto la possibilità di visitare l'America più di una volta: studi d'arte in 8 stati hanno organizzato le sue masterclass. E una volta che un tale corso di perfezionamento sui vassoi di pittura si è trasformato in uno spettacolo reale e unico: si è tenuto sullo sfondo di un'esibizione di un gruppo folcloristico, i cui membri erano vestiti con eleganti costumi russi colorati. Ha cantato anche Larisa, alternando le sue esibizioni all'allenamento. In un abito lussuoso, era seduta su un vassoio sullo sfondo dell'ensemble! Le donne americane sono corse a vedere come la cantante-artista cambia i vestiti in un minuto, cambia il suo vestito: lo spettacolo è stato mozzafiato!

"L'estero ci aiuterà" è una frase così familiare a tutti. Classico. I frequenti viaggi dei nostri artisti all'estero per lunghi periodi in questi anni lo confermano senza umorismo. Condizioni di lavoro e di vita, salari: c'è incommensurabilmente più alto! Anche se no, è solo possibile "misurarlo", ma tu non vuoi! I soldi fanno bene: un artigiano trova soddisfazione non solo da ciò che il pane e burro può comprare. Il denaro è una “misurazione”, una valutazione del creatore: “Sono ben pagato, il che significa che apprezzano il mio talento, le opere che ho creato. Quindi ho ottenuto qualcosa! Non invano ha studiato e lavorato sodo! Si scopre che il denaro è un incentivo per lavorare ulteriormente! Ed ecco la frase: "Un artista deve avere fame" ... Fatevi morire di fame, signori!

Il tempo sta cambiando, Zhostovo dipinge, rispondendo alle tendenze della moda, decora ai nostri tempi non solo i vassoi tradizionali, ma anche altri oggetti interni: armadi, tavoli, cassapanche, cofanetti ... e persino secchi! Ci sarebbero ordini: puoi dipingere sia le scarpe che un vestito. Ed è davvero bellissimo. Alcuni anni fa a Mosca c'era una mostra "Tutto sull'ordine mondiale". Gli organizzatori hanno ordinato a Larisa Goncharova di dipingere un computer. Si è rivelato essere un manufatto meraviglioso e insolito!

Eppure, artigiani di talento fanno del loro meglio per preservare il vassoio Zhostovo come fenomeno della cultura russa. E i Fiori di Goncharov, con il loro sottile lirismo e la squisita bellezza della pittura, strappano le catene quotidiane dalle nostre mani e dai nostri piedi e ci danno una sensazione di libertà e gioia!

Natalia Tsyghikalo

M.: litografia di V. Tityaev, . 39 l. Tiratura 220 copie. Sulla copertina dell'editore, eseguita con la tecnica del collage, sono presenti due adesivi: testo: Mirskontsa /A. Kruchenykh/V. Khlebnikov e al centro: un collage di carta colorata di N. Goncharova [fiore]. 18,7x15 cm Tutte le litografie (inchiostro) sono stampate su un lato del foglio. Collezione collettiva litografata di futuristi russi. Qui Natalya Sergeevna Goncharova (1881-1962) è stata la creatrice del primo collage di libri al mondo. È qui che sta il valore di questa edizione litografata.

Copertina, testo in alto - in basso:

Mirkontsa /A. Kruchenykh/V. Khlebnikov;

al centro: un collage di carta colorata di N. Goncharova [fiore].

La cosa più interessante di questa raccolta è che per la prima volta è stato inserito un collage sulla copertina. Una tecnica così straordinaria nella progettazione del libro è stata utilizzata da Natalia Goncharova. Un adesivo in carta colorata a forma di fiore occupa un posto dominante nello spazio di copertina. Oggi si conoscono circa 12 diverse versioni della copertina di questa edizione. I collage differiscono significativamente su tutte le copie del libro. Nel loro design vengono utilizzati diversi tipi di carta, il più delle volte nera, verde o dorata, con motivi in ​​rilievo e marmorizzati. Anche il fiore stesso cambia forma e si trova nella parte inferiore o superiore della foglia. Il collage è una tecnica nell'arte, incollando materiali che differiscono da esso per colore e consistenza su qualsiasi base. Un collage è anche chiamato un'opera realizzata con questa tecnica. Viene utilizzato principalmente nella grafica e nei poster per esaltare l'espressività emotiva della trama dell'opera, l'inaspettato accostamento di materiali dissimili. Come esperimento formale, il collage è stato introdotto nella pittura da rappresentanti del cubismo, del futurismo e del dadaismo. E più tardi, già negli anni '20-'40, si è chiaramente mostrato come metodo artistico di fotomontaggio in un poster.

M. Larionov. Testo in alto: Com'è difficile resuscitare i morti...;

finale: Fig. [composizione radiosa];

in basso: a sinistra: litografia / V. Tityaeva Mosca, a destra: M. Larionov

M. Larionov. [Signora a tavola], in alto a destra: Larionov

M. Larionov. [Akhmet], a sinistra dell'immagine: AX/ME;

in basso: a sinistra: lett. V. Tityaeva / Mosca; a destra: Larionov

Testo: AKHMET/ LA CIOTOLA CONTIENE...

M. Larionov. [Rumore della strada], in alto a destra: Larionov. M.

M. Larionov. Testo: Le spade nere sono forgiate...

M. Larionov. [Profilo di persona e suoni], in alto a destra: Larionov;

in fig. lettere incluse: 033

N. Goncharova. Il testo della poesia “al becchino” (rat ta tat...);

a destra e sotto il testo: fig. [fiori]; monogramma in basso a destra: NG

N. Goncharova. Il testo della poesia "sogno" (le magliette sono sedute...);

a destra e sotto il testo: fig. [fiori].

N. Goncharova. [Paesaggio urbano], sotto l'immagine a destra: Natalia Goncharova.

N. Rogovin. [Una mucca, una barca con rematori, un cane e un volto umano].

N. Rogovin. [Figure], a destra: N. Rogovin.

N. Goncharova. [Donna seduta con i capelli arruffati], in basso a sinistra: Goncharova.

A. Kruchenykh. Testo: sanno che si salutano, me lo metterei sulla spalla...;

centro: fig. N. Goncharova [cervo].

N. Goncharova. [Scheletro sotto un albero], in basso a destra: Natalia Goncharova.

N. Goncharova. [Bestia ringhiante], in basso a sinistra: N Goncharova

A. Kruchenykh. Testo: ma poi la terra è diventata morta e rugosa...;

centro: fig. N. Goncharova [barche a vela].

N. Goncharova. [Animali sotto un albero], in basso a sinistra: N. Goncharova.

N. Goncharova. Testo: salva il taglio delle forbici...;

centro: finale [fiore], a destra: Goncharova;

sotto la foto: divertimento / divertimento.

N. Rogovin. Testo: O Dostoevskij / mo; a sinistra del testo e in basso a destra:

Riso. [figure umane].

M. Larionov. [Gallo e coltello], a sinistra della foto. lungo il bordo del foglio: Or. n. 8c;

In alto a sinistra: Larionov, sotto la fig. testo (in riflessione speculare):

Il nostro cochet è molto preoccupato...

M. Larionov. [figure umane],

A sinistra della foto. lungo il bordo del foglio: Larionov,

sotto la foto testo: L'universo si chiama mondo, lei è mezza morta...

M. Larionov. Testo: Dalle canzoni dei Gaidamak...;

finale [uccello volante con un ramoscello nel becco], in basso a destra: Larionov

N. Goncharova. [Soldati], in basso a destra: Natalia Goncharova.

N. Goncharova. [Vila e Goblin].

N. Goncharova. Testo: Da “Fork e Lashgo”...;

a destra ai margini e sotto l'immagine: fig. [fiori]; in alto a destra: NG.

N. Rogovin. Testo: Tiratore il cui campo era stretto...; marginale a destra: fig. [Diana].

M. Larionov. Testo: Sii formidabile come Pagina...;

finale [disegno radiante], in basso a destra: ML

M. Larionov. Testo: MIP DALLA FINE...;

Il retro della copertina, in basso a sinistra della stampante, metodo: prezzo 70 copechi.

Fonti bibliografiche:

1. Polyakov, n. 16;

2. Il libro d'avanguardia russa/1910-1934 (fondazione Judith Rothschild, n. 14),R. 88-89;

3. Marco. da. 41-42;

4. Khachaturov. da. 88;

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7 Compton. R. 12, 19, 72-74; 90-92, col. pi 2-3;

8. Rozanov, n.4881;

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10. Prenota. l., n. 33950;

11. Ratti, 59;

12. Tarasenkov. da. 197;

La prima collezione litografica collettiva di futuristi russi. Oltre ai disegni, sono stati riprodotti in modo litografato i brani poetici e in prosa di Khlebnikov e Kruchenykh (nella descrizione è indicato l'autore della decisione artistica della pagina). Alcuni di essi sono stati stampati da A. Kruchenykh utilizzando un alfabeto di composizione per bambini (contrassegnato da un asterisco nella descrizione). I dorsi della copertina sono in carta spessa, le pagine di testo e illustrazioni sono stampate su carta lucida sottile.

N. Rogovin (Nikolai Efimovich). Pittore e grafico.

Ha vissuto a Moscasu Ostozhenka, nella sua casa.

Era vicino alla cerchia di M.F. Larionov.

Ha partecipato alle mostre "Jack of Diamonds" (1910-1911),

"Unione della Gioventù" (1911), "Coda d'asino" (1912), "Target" (1913).

In epoca sovietica, la sua area di interesse si spostò sull'architettura.

I disegni di Larionov e Rogovin sono disegnati in maniera primitivista, particolarmente degno di nota è il tentativo di utilizzare le possibilità espressive dell'arte primitiva e infantile (schede n. 5, 28, 30). Larionov, insieme ai fogli primitivisti, fornisce esempi dello stile "luchista" (fogli n. I, 3, 7, ecc.). Interessante anche la prima esperienza di Tatlin nell'illustrare un libro. L'immagine di uno spettacolo circense con una testa tagliata, interamente costruita su linee rapide "terribili", si è rivelata un equivalente di grande successo delle famose battute di Khlebnikov "Sii formidabile come un Opage ...". Il foglio n. 9 di Larionov è percepito come un'illustrazione di versi di una poesia del poeta Lotov, citato da Larionov nella raccolta "Coda d'asino e bersaglio" ("Oz zz zz z o", p. 140). Il maggior numero di disegni apparteneva a N. Goncharova. Oltre alle illustrazioni pagina per pagina per Il viaggio intorno al mondo di Kruchenykh, ha creato una serie di disegni ornamentali (ad esempio i fogli n. 10 e 11) che “decorano” la pagina con il testo. La raccolta sarebbe stata pubblicata alla fine di novembre, poiché è stata annotata nel Book Chronicle nella prima decade di dicembre. A dicembre è uscita anche la prima “recensione” del libro [Blue Magazine]. Copertina di ogni copia. invece dei disegni, è stato decorato con un adesivo di carta colorato realizzato da N. Goncharova. Esistono tre tipi di carta: il più delle volte nera (come nella copia descritta), verde (col. Cl. Leclanche-Boule, Parigi) e oro, con motivo a rilievo. Ci sono 5 copie nella collezione del Museum of Modern Art di New York. collezione con copertina diversamente disegnata, in un caso il collage era realizzato in carta con il cosiddetto motivo marmoreo. L'adesivo stesso ha la forma di un fiore. In esso sono chiaramente indicati il ​​calice del fiore, lo stelo e le foglie dirette in direzioni diverse. Nel nostro caso, il "fiore" si trova in diagonale e con la sua silhouette ricorda una barchetta di carta per bambini (le "foglie" posizionate simmetricamente sono date come un'unica massa), è posizionato sotto un adesivo su cui è stampata l'intestazione. Un'altra versione [Kovtun, Compton] suggerisce una soluzione diversa: il “fiore” si trova nella parte superiore della copertina, sopra il titolo, e la sua forma è decisamente verticale. Sono noti tre disegni preparatori di N. Goncharova per le litografie n. 22, 24 e 34, che si trovano in una collezione privata a Mosca. Una copia appartenuta a V. Bart si trova nella Biblioteca Nazionale della Russia. Parte delle litografie di Goncharova e Larionov di questa collezione è stata stampata su carta spessa e inclusa nella raccolta "16 Disegni di Natalia Goncharova e Mikhail Larionov".

La differenza tra i principi creativi di Larionov e Goncharova non ha impedito a entrambi gli artisti di esibirsi insieme. Il primo esperimento di questo tipo è stato condotto da loro nella collezione di A. Kruchenykh e V. Khlebnikov "Mirskonets". Vi hanno preso parte anche N. Rogovin e V. Tatlin, ma la maggior parte dei disegni apparteneva a Larionov e Goncharova. I disegni di Larionov si distinguevano per la massima diversità stilistica. Accanto al luchista “Street Noise” e “Lady at the Table”, con il famoso “Akhmet” sostenuto nello spirito del primitivismo “infantile”, sono state collocate due composizioni, a testimonianza della massima approssimazione dell'artista al mondo del primitivo immagini. Entrambi suscitano il più vivo interesse da parte dei ricercatori e sono spesso da questi interpretati come una prova indiscutibile degli approfonditi “studi archeologici” dell'artista. Secondo E. Parton, il primitivismo di Larion deve il suo sviluppo agli interessi archeologici. Il primo disegno è un profilo interpretato in modo primitivo di un cantore con la mascella inferiore allungata e contrassegnato - nella forma delle lettere "033" - suoni emessi dalla bocca. Parton la legge come l'immagine di uno sciamano primitivo che cambia aspetto sotto l'influenza dello spirito che lo ha abitato. Il secondo disegno è costituito da figurine interpretate schematicamente che denotano persone che corrono. Le strisce, disegnate in disordine su tutto il margine della pagina, sono percepite sia da E. Parton che da S. Compton come un'imitazione di intagli caratteristici dell'arte rupestre. L'affidamento all'"iconografia" primitiva in queste opere di Larionov è indiscutibile: basta guardare la sagoma di una figura femminile posta nel secondo disegno con gli arti "mozzati" tipici dell'arte paleolitica. Ma d'altra parte, è impossibile ignorare completamente, come fanno entrambi i ricercatori, il fatto che i disegni sono illustrazioni associate a poesie specifiche. Quindi, nel primo caso, il disegno è correlato in modo associativo con le linee di Kruchenykh:

I Vecchi Credenti stanno bussando dall'interno con il fuoco di un attizzatoio - dal suo estratto "Si forgiano spade nere...".

La seconda composizione è collegata a un piccolo frammento di Khlebnikov, il cui inizio:

L'universo si chiama Miria bambini a metà e maledicono i morenti -

posizionato sul foglio stesso a lato dell'immagine. La visione della morte imminente codificata in queste righe trova la sua continuazione nel disegno di Larionov - nelle stelle che cadono dal cielo, nel "ruggito di spade" raffigurato sul lato sinistro della composizione, nel fischio di proiettili, il cui volo è indicato da linee intersecanti, ecc. Il secondo posto nel numero di disegni nella collezione apparteneva a N. Goncharova. L'artista ha illustrato il frammento in prosa del "Viaggio intorno al mondo" di Kruchenykh. Oltre ai disegni pagina per pagina, uniti in una “serie” per lei tradizionale, vanno annotate anche due pagine di testo che comprendono: nel primo caso l'immagine di un cervo, nel secondo barche a vela che galleggiano lungo il fiume. In contrasto con il “Game in Hell”, dove l'immagine e il testo, incontrandosi sulla stessa pagina, entravano in conflitto convivenza tra loro, qui troviamo un esempio di una soluzione più armonica. Uno dei motivi è che le figure poste nel testo erano prive di uno sfondo scuro, le loro linee erano quindi sullo stesso piano delle linee del testo. Ha anche svolto il suo ruolo che i disegni, come l'intera collezione nel suo insieme, fossero eseguiti con inchiostro, il che predeterminava il loro carattere tratteggiato.

S. Krasitsky. A proposito di contorto. All'inizio delle gesta gloriose.

Goo linguaggio volgare

le mie grida sono autoproclamate

nessuna prefazione necessaria

Sto tutto bene anche abusivo!

A. Kruchenykh su se stesso

Sei il più testardo di noi, per prendere esempio da te.

B. Pasternak

Il "buka della letteratura russa", l'"enfant terrible" del futurismo russo, il "gesuita futurista della parola", Alexei Kruchenykh è una delle figure chiave e, forse, la figura più consistente dell'avanguardia russa nel suo aspirazioni radicali. Si può affermare con sicurezza che nessuno degli scrittori russi del 20° secolo ha incontrato un malinteso così stabile tra i contemporanei, non è stato sottoposto a critiche così sprezzanti e, in definitiva, a una valutazione così ingiusta, come Kruchenykh. Inoltre, questo malinteso (o provocatorio non riconoscimento), con un evidente interesse per le attività del poeta, non fu solo una reazione momentanea e rapidamente superata, ma si protrasse per diversi lunghi decenni e, di fatto, attraversò diverse epoche letterarie. Tuttavia, questo tipo di "reazione di rifiuto" difficilmente può essere spiegato solo da ragioni ideologiche (come lo era nel periodo sovietico), ma è anche dovuto a molte proprietà immanenti dell'opera di Kruchenykh, la posizione fondamentalmente "estrema" a cui aderì in tutto il suo percorso creativo di oltre mezzo secolo. La fama di marginale senza speranza, grafomane instancabile, sperimentatore irresistibile, polemista frenetico che sembrava incapace di immaginare la sua permanenza nell'arte al di fuori di uno stato di permanente contesa e rovesciamento delle autorità (che spesso creava l'impressione di assoluta autosufficienza di questa disputa, per così dire, una disputa "in quanto tale") è tutto ciò che ha reso la posizione dei Kruchenykh molto vulnerabile e, per così dire, destinata alla condanna, al ridicolo e al rifiuto. Senza un intenso desiderio di comprendere, di approfondire l'essenza, il significato, il pathos dell'opera del poeta, senza "fiducia metodologica" (nelle parole di P. Florensky) nell'attività dell'autore, tanto necessaria quando si fa riferimento al patrimonio letterario dei Kruchenykh (per l'eccezionale specificità del materiale), senza rendersi conto che è impossibile avvicinare la sua poesia come "solo poesia", poiché durante la lettura è necessario tenere conto di molte condizioni aggiuntive, sviluppando così un metodo di lettura speciale - senza tutto questo, una percezione più o meno adeguata del fenomeno Kruchenykh è davvero impossibile. E in questo senso, la reazione della maggioranza dei critici all'opera del "più selvaggio" (per autodeterminazione) dei poeti sembra essere, nel complesso, naturale e logica. Tuttavia, ora, con la possibilità di una considerazione più olistica del percorso della letteratura russa (o di una sua parte molto significativa) nel XX secolo, fino alle ultime tendenze, diventa evidente non solo la natura autosufficiente della Le sperimentazioni poetiche di Kruchenykh come fenomeno storico e culturale di un certo periodo, periodo classico dell'avanguardia russa, ma anche certamente promettente, e per certi versi visionaria, delle sue attività. Ciò vale anche per l'influenza, diretta o indiretta, sull'opera dei poeti della prossima generazione, e il fatto che Kruchenykh sia stato uno dei primi a posare e a suo modo abbia cercato di risolvere la questione di principi completamente nuovi per l'esistenza della letteratura come arte della parola nel contesto di realtà sorte proprio nel XX secolo, sul rapporto della letteratura con altri tipi di arte e altri ambiti dell'esistenza umana.

contorto, Alexey Eliseevich è nato nel 1886 in una famiglia di contadini nel villaggio di Olivskoye, Vavilov volost, provincia di Kherson. Dopo essersi diplomato all'Odessa Art College, nel 1906 ha conseguito il diploma di insegnante di arte grafica. L'educazione artistica e la pittura professionale per la futura pratica letteraria dei Kruchenykh saranno di eccezionale importanza; per il futurismo russo, emerso in pochi anni come un gruppo affiatato, questo diventerà generalmente il fenomeno più importante, poiché uno dei principi cardine della pratica letteraria dei "budetlyan" (il sinonimo russo della parola "futuristi" proposto da V. Khlebnikov) sarà l'orientamento della letteratura ai principi metodologici dell'ultima pittura, espressi nell'appello di Khlebnikov: "Vogliamo che la parola segua audacemente la pittura". Apparentemente, la conoscenza a Odessa (circa 1904-1905) con David Burliuk divenne importante per il destino creativo dei Kruchenykh (fatidico quanto le successive conoscenze con il futuro "padre del futurismo russo" Vladimir Mayakovsky, Benedikt Livshits e alcuni altri partecipanti al movimenti futuristi). Nel frattempo, prima della formazione vera e propria di una rumorosa compagnia futuristica avvenuta nella primavera del 1912, Kruchenykh partecipa alle mostre d'arte Impressionisti (San Pietroburgo) e Corona (Kherson), agisce come artista a stampa, pubblica un numero di opere sulla pittura e anche di narrativa. La prima opera poetica dei Kruchenykh apparve sul quotidiano Kherson Vestnik all'inizio del 1910. La poesia "Kherson theatrical encyclopedia" non è molto diversa da molti altri feuilleton poetici tipici della stampa periodica. Ma conoscendo l'ulteriore destino creativo del suo autore, è già possibile considerare alcuni dei contorni della posizione letteraria dei Kruchenykh: consapevolezza e affermazione di sé nella polemica, lotta contro gli stereotipi, uno sguardo ai fenomeni della vita e ai fenomeni dell'arte , diretto, per così dire, dal lato, dal bordo, dal lato, in una prospettiva speciale, inaspettata, insolita. Rimarrà sempre fedele a tale posizione (cambiando costantemente l'angolo di osservazione). Un decennio e mezzo dopo, B. Pasternak, caratterizzando questo credo estetico "estremo", "di confine" dei Kruchenykh, scriverà, riferendosi a lui: "Il tuo ruolo in esso (nell'arte) è curioso e istruttivo. Sei al limite. Fatti da parte e ne sei fuori, cioè in un crudo filisteo, che ha più stranezze di quanto si pensi comunemente. Sei un pezzo vivente della sua frontiera concepibile. È abbastanza difficile parlare degli "insegnanti" letterari di Kruchenykh, degli autori che hanno influenzato maggiormente il suo lavoro. Lui stesso non ha parlato apertamente delle sue predilezioni letterarie né in teoria né in memorie, e questo non ci si poteva aspettare da uno di quelli che ha gettato praticamente tutta la letteratura precedente e moderna "dal piroscafo della modernità". Tuttavia, come è noto, lo sviluppo di tendenze e tradizioni esistenti può manifestarsi dialetticamente nella loro negazione, repulsione da esse e tentativi di superarle. Sì, e una cosa sono le richieste perentorie di manifesti e dichiarazioni, un'altra è la pratica letteraria (dopotutto, B. Livshits ha ammesso nelle sue memorie che in quel momento "dormiva con Pushkin sotto il cuscino": "... sono solo ?Non continuava e in sogno a disturbare coloro che lo dichiaravano più incomprensibile dei geroglifici?”). Kruchenykh, come nessuno dei futuristi russi, si distinse per la costante e intensa attenzione alla letteratura russa. Un'altra cosa è che sceglie ancora una volta un approccio speciale e specifico ad esso (ad esempio, dal punto di vista della lotta degli scrittori russi con il "diavolo", negli aspetti della "shiftology" o dell'erotismo anale): da un lato , questo ha suggerito uno sguardo nuovo e fresco, sembrerebbe che tutti lo sappiano da tempo, ma d'altronde avrebbe dovuto contribuire a screditare i classici o i più importanti scrittori contemporanei (in primis i simbolisti) e l'affermazione di l'ultima arte, anche nella persona di se stessa ("Gli scrittori russi sono stati sostituiti da creatori di discorsi - bayachi future people"). Nel caso di Kruchenykh, le sue simpatie letterarie possono apparentemente essere giudicate da quale degli scrittori divenne più spesso oggetto dei suoi attacchi in opere poetiche e teoriche. Di particolare interesse, naturalmente, per "l'inizio di tutti gli inizi". E già nel primo libro di versi dei Kruchenykh, il poema "Game in Hell" (1912), creato in collaborazione con V. Khlebnikov, che lo stesso autore ha descritto come "un ironico, realizzato sotto la stampa popolare, presa in giro dell'arcaico diavolo”, l'appello degli autori alla tradizione Pushkin è evidente (anche R. Jacobson ne ha scritto in seguito). Successivamente, in "Abstract Rot", Kruchenykh offrirà la sua versione di "Eugene Onegin", suddivisa in due righe; anche più tardi, Pushkin si sarebbe rivelato un alleato dei Kruchenykh nello sviluppo della sua teoria della "shiftologia". È noto l'interesse dei futuristi russi per il mondo irrazionale, illogico e assurdo delle opere di Gogol. È più volte menzionato nelle opere di Kruchenykh Lermontov. Tra i contemporanei di Kruchenykh, Fyodor Sologub ottiene il massimo (secondo Kruchenykh - "Sologubeshka"): "la locusta risvegliata (spiriti maligni) afferrò assonnata Salogub e, masticandole le labbra, lo vomitò e uscì dalla sua bocca rugosa, sciolta e rasata”; “Non per niente in alcune province uccidere da soli significa dedicarsi alla masturbazione! "Al "First in Russia Evening of Speech Makers", tenutasi a Mosca nell'ottobre 1913, Kruchenykh (si può presumere che sia abbastanza sincero) chiamò Ardalyon Peredonov dal romanzo "The Petty Demon", l'unico tipo positivo nella letteratura russa , perché "ha visto altri mondi è impazzito". E forse è l'influenza di Sologub (intonazione, motivi, linguaggio - una lingua così caratteristica) che è palpabile nelle poesie dei Kruchenykh, incluse nei libri "Old Love" (M.,) e "Forest Boom " (San Pietroburgo,). Tuttavia, egli stesso in seguito ammise che nei suoi primi esperimenti poetici era impegnato a "oliare le paludi della regione di Sologub". Per il futurismo russo, soprattutto per il più radicale e militante dei suoi gruppi - i cubo-futuristi in genere, era caratteristico realizzarsi e affermarsi principalmente attraverso la negazione. Tendenze nichiliste, esteriormente distruttive, soprattutto all'inizio, dominavano nella pittura, nella letteratura, nelle opere teoriche, nella pratica comportamentale dei "budetlyan". Così le principali immagini simboliste sono sostituite nella poesia dei futuristi dal “cielo morto”, dai “vermi” stelle, dalla luna “pidocchio” di David Burliuk, dal sole conquistato e dal mondo morente di Alexei Kruchenykh, lo “sputatore” stelle e la "nuvola nei pantaloni" di Vladimir Mayakovsky. Invece dell'ideale "femminilità eterna" - un Inca "semplice glorioso" o "Masha con la faccia rossa" (o in generale la proclamazione del "vile disprezzo per donne e bambini"). E anche - scuse per "amante dei maiali", libri pubblicati su carta da parati o carta da regalo, discorsi scandalosi e provocatori, che spesso finiscono con scandali e l'intervento di un poliziotto, aspetto provocatorio (volti dipinti, carote all'occhiello, "giallo" di Mayakovsky giacca", ecc.). ). L'arte ha così superato la linea che tradizionalmente la separava dalla vita, si è intromessa nella vita nel modo più decisivo, ha influenzato la vita, è diventata parte della vita. La creazione della vita, una trasformazione decisiva e rivoluzionaria della realtà - tale era il super-compito del futurismo - l'obiettivo, ovviamente, come credevano gli stessi "budetlyani", giustifica i mezzi. E non importa quale sia stata la reazione dello spregevole laico (risate, irritazione, indignazione, disgusto arrogante, desiderio di tenere a freno i "cavalieri dell'asino verde" con l'aiuto della legge) - la cosa principale è che questa reazione è stata. "Mi piace l'orrore. Chukovsky, Redko e Philosophovs davanti agli "svinofili", - scrisse Kruchenykh. - Sì, abbiamo spinto la tua bellezza e la tua mente, la tua donna e la tua vita, chiamaci ladri, noiosi, teppisti! .. "E così tanto nella pratica futuristica è stato fatto secondo i principi" Tu! "e" Nate! "; da qui l'antropocentrismo chiaramente ipertrofico di molti futuristi (un altro principio è "io!"), E sebbene questo "principio" sia solitamente giustamente associato alla personalità di V. Mayakovsky, senza dubbio, era rappresentato anche nel lavoro dei suoi collaboratori, compresi e tra i Kruchenykh, sebbene in una forma molto particolare, determinata da qualità personali e compiti da risolvere. In generale, nel complesso, il gruppo dei "budetlyani" era, a quanto pare, un insieme molto impressionante composto da figure colorate, a ciascuna delle quali - sia nell'arte che, per così dire, nella vita - era assegnato un ruolo individuale che contrastava con altri. E ora è difficile determinare con certezza quale fosse nella posizione, nel comportamento di questo o quel futurista una vera e sincera manifestazione di qualità personali e quale fosse il risultato di un lavoro consapevole e propositivo per creare un'immagine, ponderata o spontanea gioco per il pubblico, spavalderia, bullismo - in linea di principio, non importa, e questo stesso pubblico era meno che mai preoccupato per la questione della "sincerità" dei futuristi. In numerosi reportage giornalistici, nelle fotografie che li hanno catturati, nelle memorie, sono rimasti per sempre: imponenti, con un occhio solo, con una lorgnette tra le mani, il cinico e indistruttibile David Burliuk; potente, pronto, a quanto pare, a schiacciare tutto sul suo cammino, Vladimir Mayakovsky a voce alta, il "bel ventiduenne"; Velimir Khlebnikov, un genio tranquillo, apparentemente estraneo a tutto ciò che è mondano, rimanendo costantemente nel suo mondo interiore e battendo intensamente gli enigmi di una scala universale. E poi (di nuovo - accanto, di lato, non al centro) - agile, irrequieto, irrequieto, una specie di astuto "ragazzo divertente" del famoso poema Khlebnikov, e anche con un cognome così espressivo - Kruchenykh. Lo chiamano "pigofilo" - e lui è d'accordo. Lo chiamano pazzo, lo chiamano per mandarlo in un manicomio - lui stesso va felicemente "a Udelnaya" e proibisce di leggere i suoi libri "sano di mente". Ma se Kruchenykh evocava una risata, era spesso una risata tesa, nervosa, al limite del senso di pericolo, persino di paura. Inoltre, videro in lui una delle personificazioni indicative del futurismo, uno dei volti del "Coming Ham" (nelle parole di D. Merezhkovsky). E lo hanno preso abbastanza sul serio.

Goncharova NS "Donne con rastrello" 1907 Olio su tela

"Pavone sotto il sole splendente" 1911 Olio su tela. 129 x 144 cm.
Galleria statale Tretyakov

Descrizione dell'immagine

L'artista ha raffigurato lo stesso pavone in 10 stili (nello stile "egiziano", sotto forma di "ricamo russo", futuristico, cubista, ecc.). È stata creata un'intera serie chiamata "Possibilità artistiche sul pavone". Era il suo simbolo, il simbolo della sua arte.

Il pavone era vicino a Goncharova, perché è un profondo simbolo olistico. Ad esempio, nell'arte romana, potrebbe significare il trionfo delle figlie dell'imperatore. In Oriente, il pavone era l'espressione dell'anima, che traeva la sua forza dai principi dell'unità. Nel cristianesimo, il pavone era considerato un'immagine di fede nell'immortalità e nella risurrezione, e il suo piumaggio dai "mille occhi" indicava l'onniscienza. Il piumaggio multicolore alludeva alla bellezza del mondo (in Cina) e l'atto stesso della creazione nell'Islam è un simbolo dell'Universo).

Il pavone può essere percepito come un segno dell'unità dell'Essere. Il suo simbolismo è associato a quelle antiche culture sincretiche che l'artista ha tanto amato. Nella versione egizia, la testa e il collo del pavone sono raffigurati di profilo e la coda, secondo i canoni dell'arte egizia, è rivolta frontalmente. Allo stesso tempo, sembra disteso sul piano di uno sfondo scuro, risaltando per il suo piumaggio unico. Sembra essere coperto non di piume, ma di colori vivaci, che colpiscono lo spettatore in modo più fisiologico.

Un'energia davvero primordiale è incarnata in colori vivaci, che ricordano simili incarnazioni delle emozioni umane nell'arte popolare russa. Presumibilmente, questo dipinto rifletteva la passione del giovane artista per i dipinti di Gauguin con il loro colorato esotismo e la libertà della vita naturale.

Goncharova NS "Tosatura delle pecore" 1907 Olio su tela

"Ciclista" 1913 Olio su tela. 78x105 cm.
Museo Statale Russo, San Pietroburgo, Russia

Descrizione dell'immagine

L'immagine trasmette accuratamente la rapida velocità di movimento. I segnali stradali sfarfallano oltre un ciclista in corsa e si fondono in uno solo. Il rapido movimento delle ruote si trasmette attraverso la loro ripetuta ripetizione una accanto all'altra.

E l'uomo stesso, chinandosi sul volante, si stratifica, diventa subordinato all'idea generale: la velocità. Questi sono i principali segni del futurismo: lo spostamento dei contorni, la ripetizione dei dettagli e l'inclusione di frammenti incompiuti. Decomponendo le forme del mondo visibile, Goncharova, tuttavia, è riuscita a creare un'immagine olistica delle dinamiche nella vita di un individuo.

Questa immagine incarna l'estetica del ventesimo secolo: un secolo di progresso tecnologico e un ritmo di vita accelerato.

La prima rivoluzione russa del 1905 è già avvenuta. Alla vigilia della prima guerra mondiale, iniziata nel 1914, la turbolenta situazione della società fu sottilmente catturata dall'artista ed espressa in una trama innocente: una figura condizionale di un uomo in bicicletta.

Questo è uno dei migliori dipinti dell'artista nello stile del cubo-futurismo. Il successivo lavoro di Goncharova è andato nello spirito del nuovo stile inventato da M. Larionov "Rayonism".

Khorovod 1910 Olio su tela Museo di Storia e Arte, Serpukhov, Russia

Arcangelo Michele 1910 Olio su tela 129,5 x 101,6 cm

Goncharova NS "Liturgia, S. Andrej" 1914

Goncharova NS "La Vergine col Bambino." Descrizione del dipinto

L'immagine è realizzata nello spirito dell'iconografia russa. L'artista utilizzava schemi e tecniche tradizionali e allo stesso tempo non era vincolata da alcun limite.

La Madre di Dio è raffigurata in vesti gialle con pieghe marroni. Sulla sua mano sinistra siede un bambino, che tiene con la sua destra. Contrariamente alle tradizioni ortodosse, il bambino non guarda né lei né lo spettatore. Un semplice sfondo blu è pieno di piante verdi interpretate in modo primitivo e figure di angeli. L'interpretazione condizionale del volto della Madre di Dio è completata dalla sua colorazione non tradizionale, tipica del rayonismo.

La libera trasformazione plastica delle figure degli angeli e del Cristo bambino è completata dalla sonorità dei colori vivaci, che allontana l'immagine dai canoni della pittura di icone e la colloca in un posto degno tra le conquiste di persone che la pensano allo stesso modo.

Goncharova NS "Falciatura" 1910

Goncharova NS "Raccolto" 1911

Goncharova NS "Piccola stazione" 1911

"Aeroplano sopra il treno" 1913 Olio su tela. 55 x 83 cm
Museo Statale di Belle Arti della Repubblica del Tatarstan, Kazan, Russia

Goncharova NS "Gatti" 1913

Goncharova NS "Danze contadine" 1911

Goncharova NS "Fiori" 1912

Goncharova NS "Lavandaie" 1911

Goncharova NS "Dinamo" 1913

"Ritratto di Larionov" 1913 Olio su tela. Museo Ludwig, Colonia, Germania

Goncharova NS Nutbumort con una tigre, 1915

Goncharova NS "Piantare patate" 1908-1909

Goncharova NS "Len" 1908

Goncharova NS Colonne di sale, 1908 Descrizione del dipinto

Il dipinto è caratterizzato da grande architettura, complicazione e composizione a più figure, varietà di angoli, libertà nella costruzione delle forme.

Usando la tecnica della "storia pittoresca", Goncharova prende la leggenda biblica di Lot come base della composizione, ma la racconta con una digressione.

Il punto di attrazione per l'interpretazione cubista è il momento della trasformazione della figura umana in un cristallo di sale sullo sfondo della città rovesciata.

Nell'interpretazione di Goncharov, tutti i partecipanti alla scena si sono trasformati in pilastri: Lot, sua moglie e le figlie, anche i loro futuri figli.

Molte tecniche pittoriche e plastiche derivano dal precedente dipinto "Il Dio della fertilità", ovvero l'interpretazione del viso, in particolare la doppia rima degli occhi, la linea delle sopracciglia che passa nel naso, la testa piantata sulle spalle, le braccia sottili e gambe, gravi deformazioni delle proporzioni, predominanza di forme 4-carbone.

Nello sviluppo pittorico della superficie si delinea anche un nuovo elemento, a forma di “coda di rondine” nell'immagine di Lot. Qui non si è ancora sufficientemente rivelato né funzionalmente né pittoricamente, ma nelle opere successive troverà il suo posto.

Goncharova NS "La fanciulla di pietra" 1908

Goncharova NS "Contadine" 1910

Goncharova NS "Negra nuda". Descrizione dell'immagine

Questo dipinto è un buon esempio del primitivismo di Goncharova. Respira la superenergia del movimento della natura e il dinamismo del dipinto stesso. Allo stesso tempo, è vicina sia a Picasso che a Matisse.

Nell'interpretazione dei piedi, delle mani, e soprattutto nella forma e nell'impostazione della testa, si avverte la vicinanza plastica della Driade e dell'amicizia di Picasso. Il tratto sfumato sul viso evoca associazioni con la "Danza con i veli".

L'influenza di Matisse è evidente nel raggruppamento della figura raffigurata in una danza frenetica, che permette di mostrarla contemporaneamente da diverse angolazioni, contrasti cromatici (una figura nera su sfondo rosa cremisi), nell'espressione del movimento, il concisione della figura nel minimo spazio e superrilievo dei contorni, nell'ottimismo delle immagini.

Goncharova ammorbidisce il taglio cubista e raggiunge una maggiore plasticità dell'immagine, rispetto alle fratture emotive delle figure sulle tele dei suoi idoli. La popolarità dell'immagine è stata facilitata dall'espansione culturale della popolazione dei paesi conquistati, che ha travolto i paesi d'Europa. La passione per le nuove forme è stata colta dagli artisti russi seguendo le loro controparti europee.

Goncharova NS "Vuoto". Descrizione dell'immagine

Questa immagine è un'eccezione e un'innovazione allo stesso tempo. Nell'opera di Goncharova, per la prima volta in quasi tutta la pittura d'avanguardia russa, appare una struttura astratta sotto forma di anelli concentrici multicolori di forma irregolare.

Questa struttura, che ha una forma biologica, proteica, è instabile nei contorni, si restringe e si espande in ampiezza e profondità, simile a una sostanza materiale sconosciuta, un'esplosione di energia. È pieno, come sempre con Goncharova, del respiro della vita, tuttavia, la vita di un livello diverso: la vita della materia pensante.

Il ritmo e l'alternanza di anelli blu e bianchi di dimensioni decrescenti con la larghezza mutevole del nastro di fitta trama liscia crea il proprio spazio, scorrendo all'interno di queste forme, scorrendo attorno a un altro spazio, formato da una pittoresca massa di colore nero-verde-lilla con una texture opaca. Lo spazio circostante diventa permeabile, nonostante la proprietà della struttura opaca scura di assorbire tutta la luce.

Goncharova viola la fisica del colore e la fisica della materia, distruggendo l'unità e la densità materiale create dai pigmenti coloranti introducendo elementi di pittura bianca che ricordano le luci speculari. Il piano dell'intero campo pittorico del quadro sembra perdere i suoi confini materiali. E la composizione è pronta a superarle, diventando, per così dire, un'illustrazione della posizione su 4 dimensioni: "L'immagine è scorrevole, dà la sensazione di quella che può essere definita la 4a dimensione: senza tempo ed extra-spaziale ... ".

Volume materiale: vernici, loro consistenza, ad es. "pieno" - raffigura "vuoto": "pieno" dà origine a "vuoto", il volume diventa una categoria di spazio. L'immagine può sembrare puramente astratta. Se pensi alla conoscenza teosofica, puoi immaginare che la macchia bianca centrale sia come la designazione di un tunnel che conduce a un altro mondo, a un immaginario "vuoto". Questo è un colore ultraterreno. Gli anelli blu sono una specie di passaggio attraverso questo tunnel verso un altro mondo.

Il tema della transizione verso un altro mondo non è la prima volta che viene sollevato nelle opere degli artisti. Tunnel simili erano presenti nelle opere di altri artisti fantasma. Un esempio lampante è "La nascita dell'anima umana" nel 1808 del romantico tedesco F.O. Runge.

Goncharova NS "Angeli che lanciano pietre contro la città." Descrizione dell'immagine

Uno dei 9 dipinti espressivi del ciclo generale denominato "Raccolto".

In questa immagine, Goncharova costruisce la propria immagine religiosa del mondo. La cima di questo mondo è il divino mondo celeste. Tutto sulla terra è fatto sotto i suoi auspici e gli angeli guerrieri intervengono direttamente nella vita terrena, opponendosi al tecnismo e all'urbanistica e allo stesso tempo custodiscono seminativi e giardini. Si costruiscono così le opposizioni “città-villaggio” e “naturale-tecnico”.

Inoltre, l'idea di punizione, punizione celeste, destino, destino, in generale, stati d'animo apocalittici, correlati ai simboli cristiani, è forte. L'immagine è stata creata dall'artista durante il periodo delle ricerche creative: rayonismo, futurismo: tutto questo era avanti. Solo il primitivismo e la partecipazione al "Jack of Diamonds" hanno finora costituito l'esperienza creativa di Goncharova. Quindi questa tela in stile neoprimitivista è considerata una delle migliori.

Come molti altri, questo dipinto ha un eccezionale merito decorativo. In particolare si notano i movimenti ritmici di linee e macchie, si manifesta chiaramente l'accentuata attrazione verso il piano - la terra. Tutto ciò ha enfatizzato il desiderio di Goncharova di forme monumentali.

Goncharova NS "Foresta gialla e verde". Descrizione dell'immagine

Uno di una serie di "paesaggi radiosi". Tutto in questa foto è offuscato da scorci di raggi che si intersecano, dietro di loro i contorni degli alberi sono appena intuibili. Al centro della composizione ci sono 2 tronchi che salgono, toni opachi di blu e marrone. Un'intensa macchia di giallo nella chioma dell'albero, da cui emergono raggi, toni densi di verde e blu scuro raggiungono la profondità assoluta del colore.

Alte corone di alberi - tutte in travi che si intersecano. Anche nel denso tono bruno della terra, scorci di fasci di luce lampeggiano. Questo porta al paesaggio un suono agitato e ottimista, ma irreale, quasi mistico.

Si ritiene che questo paesaggio sia una semplice illustrazione delle costruzioni filosofiche di P.D. Uspensky "Tertium Organum. La chiave dei misteri del mondo. Il misticismo e l'esoterismo si intrecciarono nel suo percorso di vita con l'occulto e la guarigione. L'innovativo modello dell'Universo proposto dal filosofo, in cui non ci sono 3, ma 4 dimensioni, compreso il tempo. Ha anche chiesto la creazione di un mondo basato sull'idea della sintesi di Psicologia ed Esoterismo, che ha portato al più alto livello di comprensione e consapevolezza della vita umana.

È nata il 16 agosto 1881 nel villaggio di Ladyzhino, nella regione di Tula. Natalia è cresciuta nella famiglia di un architetto. Questa famiglia apparteneva all'antica famiglia dei Goncharovs.

Affascinata dall'arte, Goncharova iniziò i suoi studi presso la Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, che durò dal 1901 al 1909. All'inizio Natalia si dedicava principalmente alla scultura e in seguito si interessò alla pittura. Il primo mentore dell'artista principiante fu K.A. Korovin. Allo stesso tempo, furono molto apprezzate anche le opere scultoree dell'artista.

I primi lavori di Goncharova erano dipinti nello spirito dell'impressionismo. Queste tele sono state esposte con successo alle mostre del World of Art e del Moscow Art Theatre. Successivamente, ha ricevuto un invito da S.P. Diaghilev. Ha invitato l'artista alle prime armi a partecipare al Salon d'autunno a Parigi.

Durante questo periodo, Goncharova dipinse principalmente strade con vecchi edifici, parchi cittadini con colori pastello. Le caratteristiche della visione del mondo, tracciate in queste tele, parlano chiaramente dell'influenza sull'artista dell'opera dei maestri del gruppo Nabis. Tuttavia, il dolce lirismo che contraddistingueva l'opera del primo periodo cedette ben presto il passo a un consistente neoprimitivismo.

Mentre ancora studiava alla scuola Goncharova, ha incontrato M.F. Larionov. Presto questa conoscenza porterà a una calda relazione e Larionov diventerà il marito dell'artista. Insieme a lui, Goncharova ha partecipato a varie mostre russe ed europee. L'impennata creativa del giovane artista fu associata al 1906, quando Goncharova fece i conti con i dipinti nello spirito del primitivismo. L'artista è attratto dal tema dell'arte contadina. Cerca di conoscere l'essenza della creatività delle persone in tutta la sua profondità.

Successivamente, Goncharova lavorerà in altri stili, utilizzando attivamente le tradizioni di epoche diverse. In questo momento compaiono i dipinti "Madre", "Danza rotonda", "Raccolta del pane", "Evangelisti".

Nel 1913, Goncharova ha lavorato duramente alle illustrazioni per opere letterarie, comprese le pubblicazioni di S.P. Bobrova, AE Kruchenykh, V.V. Khlebnikov. Dal 1914, l'artista ha disegnato produzioni teatrali, come The Golden Cockerel. Nel tardo periodo della creatività Goncharova crea molte opere che supportano l'idea di arte non oggettiva. In questo momento compaiono i dipinti "Gigli radianti", "Orchids".

Nel 1915 Goncharova e suo marito partirono per la Francia. Qui la vita dell'artista si concluderà il 17 ottobre 1962.

Natalia Goncharova- Artista, pittore, grafico, artista teatrale, illustratore di libri russo. Rappresentante dell'avanguardia russa dei primi anni '10, uno dei più brillanti scenografi del XX secolo.

Natalya Sergeevna Goncharova è nata il 3 luglio 1881 nel villaggio di Ladyzhino, nella regione di Tula. Apparteneva all'antica famiglia nobile dei Goncharov, era la moglie di una prozia Aleksandr Sergeevič Puškin.

Sergei Mikhailovich, Il padre di Natalia era un architetto, un rappresentante dell'Art Nouveau di Mosca. Madre Ekaterina Il'inichna- la figlia di un professore dell'accademia teologica di Mosca. L'artista ha trascorso la sua infanzia nella provincia di Tula, dove suo padre possedeva diversi villaggi e tenute, che le hanno instillato l'amore per la vita rurale. È a questo che gli storici dell'arte associano la decoratività del suo lavoro maturo.

Nel 1891, quando la ragazza aveva 10 anni, la famiglia si trasferì a Mosca.

Formazione scolastica

A Mosca, Natalya Goncharova è entrata nella palestra femminile, che si è laureata nel 1898 con una medaglia d'argento.

Nonostante la sua inclinazione per il disegno, in gioventù Goncharova non ha preso seriamente in considerazione la possibilità di diventare un'artista.

Nel 1900 si iscrisse ai corsi di medicina, ma abbandonò gli studi dopo tre giorni. Nello stesso anno ha studiato per sei mesi presso la Facoltà di Storia dei Corsi Superiori Femminili.

Successivamente si interessò molto all'arte e un anno dopo entrò alla Scuola di Pittura, Scultura e Architettura di Mosca, nella classe di scultura di S. Volnukhin e P. Trubetskoy.

Nel 1904 ricevette una piccola medaglia d'argento per il suo lavoro, ma abbandonò presto gli studi.

Natalya Sergeevna Goncharova Foto: Commons.wikimedia.org

Incontro con il marito

Durante gli studi alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, Goncharova ha incontrato il suo futuro marito: un pittore Michele Larionov. L'incontro con lui ha cambiato la vita e le intenzioni della ragazza: inizia a scrivere molto ea cercare il proprio stile. Fu Larionov a consigliarle di non perdere tempo con la scultura e di dedicarsi alla pittura. “Apri gli occhi ai tuoi occhi. Hai un talento per il colore e sei in forma", ha detto.

Nel 1904, Goncharova tornò ai suoi studi, ma si trasferì nello studio di pittura a Costantino Korovin. I primi lavori di Goncharova erano dipinti nello spirito dell'impressionismo. La ragazza non abbandonò la scultura e nel 1907 ricevette un'altra medaglia.

Nel 1909, Natalia decide finalmente di abbandonare gli studi. Smette di pagare le tasse universitarie e viene espulsa dalla scuola.

Dopo aver collegato la sua vita a Mikhail Larionov, ha condiviso le sue aspirazioni e opinioni artistiche. Goncharova si cimenta in molti ambiti della pittura: cubismo ("Ritratto di M. Larionov", 1913) e primitivismo ("Lavare la tela", 1910).

In questo momento, l'artista è stato attratto dal tema dell'arte contadina. Cerca di conoscere l'essenza della creatività delle persone. Goncharova torna alle arti e ai mestieri: scrive disegni per carte da parati, disegna fregi di case.

Riproduzione del dipinto "Lavare la tela" di Natalia Goncharova. 1910 Una foto: « Notizie RIA »

Dal 1908 al 1911 tenne lezioni private nello studio d'arte del pittore. Ilya Mashkov.

illustrazione

L'artista ha partecipato alle attività della Società Futurista, collaborando con Velimir Khlebnikov e Alexey Kruchenykh. L'amicizia con i futuristi l'ha portata a dedicarsi alla grafica per libri. Nel 1912, Goncharova progettò i libri di Kruchenykh e Khlebnikov "Mirskonets", "Game in Hell". È stata una delle prime artiste grafiche di libri in Europa a utilizzare la tecnica del collage.

Mostre

Il 24 marzo 1910, nei locali del circolo letterario e artistico della Società per l'estetica libera, Goncharova organizzò la sua prima mostra personale, che comprendeva 22 dipinti. La mostra è durata solo un giorno: a causa del dipinto presentato "Il modello (su sfondo blu)" Goncharova è stato accusato di pornografia, diverse opere sono state confiscate. Il tribunale l'ha presto assolta.

Nel 1911, insieme a Larionov, organizzò la mostra Il fante di quadri e nel 1912 La coda d'asino. Avanti - "Obiettivi", "N. 4". L'artista era un membro della Munich Blue Rider Society. Goncharova ha attivamente sostenuto numerose azioni e imprese di quel tempo.

Nel 1912, alla famosa mostra "Coda d'asino", Natalya Goncharova espose un ciclo di 4 dipinti "Evangelisti". Quest'opera fece infuriare i censori con la sua rappresentazione non banale dei santi.

Nel 1914 si tenne una grande mostra personale delle opere di Goncharova, furono esposte 762 tele. Ma c'è stato anche uno scandalo: 22 opere sono state rimosse, dopo di che i censori sono andati in tribunale, accusando Goncharova di blasfemia.

Nel 1915 ebbe luogo l'ultima mostra delle opere di Goncharova in Russia. Nel mese di giugno Diaghilev invita Goncharova e Larionov a lavorare a tempo indeterminato nelle sue "stagioni russe", lasciano la Russia.

Emigrazione

Goncharova e Larionov arrivarono in Francia, dove la coppia rimase fino alla fine della loro vita. La rivoluzione ha impedito loro di tornare in Russia.

Si stabilirono nel Quartiere Latino di Parigi, dove l'intero colore dell'emigrazione russa amava visitare. Goncharova e Larionov hanno organizzato balli di beneficenza per i pittori principianti. Visitavano spesso la loro casa. Nikolai Gumiliov e Marina Cvetaeva.

Goncharova ha lavorato molto a Parigi, i suoi cicli "Pavoni", "Magnolie", "Fiori spinosi" parlano di lei come di una pittrice matura. Marina Cvetaeva ha scritto: “Come funziona Natalya Goncharova? Primo, sempre, secondo, ovunque, terzo, tutto. Tutti gli argomenti, tutte le dimensioni, tutti i metodi di realizzazione (olio, acquarello, tempera, pastello, matita, matite colorate, carboncino - che altro?), tutti i settori della pittura, prende tutto e dona ogni volta. Lo stesso fenomeno della pittura come fenomeno della natura.

Natalia Goncharova. Pavone sotto il sole splendente, 1911 Foto: Commons.wikimedia.org

Tuttavia, Goncharova ha dedicato la maggior parte delle sue energie al lavoro in teatro. Fino alla morte di Diaghilev nel 1929, è stata una delle principali artiste della sua impresa. Ha disegnato i balletti "Spanish Rhapsody" (su musica M. Ravel), "L'uccello di fuoco" (su musica I. Stravinskij), "Bogatyrs" (alla musica A. Borodina), l'opera Koschey l'Immortale (in musica N. Rimsky-Korsakov).

Negli anni Cinquanta, Natalya Sergeevna dipinse numerose nature morte e tele del "ciclo spaziale".

Negli anni Sessanta vi fu una rinascita di ampio interesse per l'arte di Larionov e Goncharova, le loro mostre si tennero in molti paesi e città d'Europa e d'America. Nel 1961, un'importante retrospettiva delle opere di Larionov e Goncharova fu organizzata a Londra dall'Arts Council of Great Britain.

Natalya Goncharova morì a Parigi il 17 ottobre 1962. Fu sepolta nel cimitero di Ivry-sur-Seine.

Dopo la sua morte, il Museo d'Arte Moderna di Parigi ha dedicato a lei e a Larionov un'importante retrospettiva.