Le principali creazioni di Rembrandt harmenszoon van rijn. Dipinti famosi di Rembrandt van Rijn

Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə (n) soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - artista, disegnatore e incisore olandese, grande maestro del chiaroscuro, il più grande rappresentante dell'età d'oro della pittura olandese. È stato in grado di incarnare nelle sue opere l'intera gamma di esperienze umane con una tale intensità emotiva, che le belle arti non conoscevano prima di lui. Le opere di Rembrandt, estremamente diverse nel genere, aprono allo spettatore il mondo spirituale senza tempo delle esperienze e dei sentimenti umani.

Rembrandt Harmenszon ("figlio di Harmen") van Rijn nacque il 15 luglio 1606 (secondo alcune fonti, nel 1607) nella numerosa famiglia del ricco proprietario di mulini Harmen Gerritszon van Rijn a Leida. La famiglia della madre, anche dopo la rivoluzione olandese, è rimasta fedele alla fede cattolica.

A Leida, Rembrandt frequentò una scuola di latino all'università, ma mostrò il massimo interesse per la pittura. All'età di 13 anni fu mandato a studiare belle arti con il pittore storico di Leida Jacob van Svanenbürch, cattolico per fede. I ricercatori non sono stati in grado di trovare le opere di Rembrandt relative a questo periodo, quindi la questione dell'influenza di Svanenbürch sulla formazione dello stile creativo di Rembrandt rimane aperta: oggi si sa troppo poco di questo artista di Leida.

Nel 1623, Rembrandt studiò ad Amsterdam con Peter Lastman, che completò uno stage in Italia e si specializzò in soggetti storici, mitologici e biblici. Tornato a Leida nel 1627, Rembrandt, insieme al suo amico Jan Lievens, aprì il proprio laboratorio e iniziò a reclutare studenti. Per diversi anni ha guadagnato ampia popolarità.

La dipendenza di Lastman dalla variegatura e dai dettagli nelle performance ha avuto un enorme impatto sul giovane artista. Si vede chiaramente nelle sue prime opere sopravvissute - "La lapidazione di S. Stefano" (1629), "Una scena dalla storia antica" (1626) e "Il battesimo dell'eunuco" (1626). Rispetto alle sue opere mature, sono insolitamente colorate, l'artista si sforza di scrivere attentamente ogni dettaglio del mondo materiale, per trasmettere il più fedelmente possibile l'ambientazione esotica della storia biblica. Quasi tutti gli eroi appaiono davanti allo spettatore vestiti con fantasiosi costumi orientali, scintillanti di gioielli, che creano un'atmosfera di maestà, splendore, festa ("Allegoria della musica", 1626; "David davanti a Saul", 1627).

Le opere finali del periodo - "Tobia e Anna", "Balaam e l'asino" - riflettono non solo la ricca immaginazione dell'artista, ma anche il suo desiderio di trasmettere le esperienze drammatiche dei suoi eroi nel modo più espressivo possibile. Come altri maestri barocchi, inizia a comprendere l'importanza del chiaroscuro accuratamente scolpito per trasmettere emozioni. I suoi insegnanti in relazione al lavoro con la luce erano caravaggisti di Utrecht, ma era ancora più guidato dalle opere di Adam Elsheimer, un tedesco che lavorò in Italia. I dipinti più caravaggisti di Rembrandt sono "La parabola del ricco irragionevole" (1627), "Simeone e Anna nel tempio" (1628), "Cristo in Emmaus" (1629).

A questo gruppo si affianca il dipinto "L'artista nel suo studio" (1628; forse questo è un autoritratto), in cui l'artista si è catturato nello studio nel momento in cui contempla la propria creazione. La tela su cui si sta lavorando viene portata in primo piano nel quadro; in confronto, l'autore stesso sembra essere un nano.

Uno dei problemi irrisolti nella biografia creativa di Rembrandt è il suo richiamo artistico con Lievens. Lavorando fianco a fianco, hanno più volte affrontato lo stesso soggetto, come Sansone e Dalila (1628/1629) o La resurrezione di Lazzaro (1631). In parte, entrambi erano attratti da Rubens, che allora era conosciuto come il miglior artista di tutta Europa, a volte Rembrandt prendeva in prestito i reperti artistici di Lievens, a volte era esattamente il contrario. Per questo motivo la distinzione tra le opere di Rembrandt e Lievens del 1628-1632 presenta alcune difficoltà per gli storici dell'arte. Tra le sue altre opere famose - "L'asino di Valaam" (1626).

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Resmbrandt è nato a Leida, figlio di un proprietario di un mulino piuttosto ricco. Prima ha studiato alla Scuola latina, e poi brevemente all'Università di Leiden, ma lo ha lasciato per studiare pittura, prima con un maestro locale poco conosciuto, e poi con l'artista di Amsterdam Peter Lastman.

Dopo un breve studio, Rembrandt parte per la sua città natale per dipingere autonomamente nel proprio laboratorio. Questo è il momento della formazione dell'artista, quando era affezionato all'opera di Caravaggio. Durante questo periodo, dipinse molti ritratti dei membri della sua famiglia: madre, padre, sorella e autoritratti. Già in questo momento presta particolare attenzione all'illuminazione e alla trasmissione delle esperienze spirituali dei suoi modelli. Il giovane artista ama vestirli con abiti vari, drappeggiarli con splendidi tessuti, trasmettendo perfettamente la loro consistenza e il loro colore.

Nel 1632 Rembrandt partì per Amsterdam, centro della cultura artistica olandese, che naturalmente attirò il giovane artista. Qui raggiunge rapidamente la fama, ha molti ordini. Allo stesso tempo, continua a migliorare le sue capacità con entusiasmo. Gli anni '30 - il momento della massima gloria, il cui percorso è stato aperto per il pittore dal suo grande dipinto "Lezione di anatomia" commissionato. Tutte le pose e le azioni nella foto sono naturali, ma prive di eccessivo naturalismo.

Nel 1634, Rembrandt sposò una ragazza di una famiglia benestante - Saskia van Eilenborch - e da quel momento in poi entrò nei circoli patrizi. Inizia il periodo più felice della vita dell'artista: amore reciproco appassionato, benessere materiale, molti ordini. Il pittore scrive spesso alla sua giovane moglie: "Flora", "Autoritratto con Saskia in ginocchio". Ma la felicità non durò a lungo. Nel 1642, Saskia morì, lasciando il suo giovane figlio Tito.

La depressione morale e la passione per il collezionismo che colse Rembrandt lo portarono gradualmente alla rovina. Ciò è stato facilitato dal cambiamento dei gusti del pubblico, trascinato da un light painting accuratamente prescritto. Rembrandt, che non ha mai ceduto ai gusti dei suoi clienti, era interessato ai contrasti di luce e ombra, lasciando la luce in un punto, il resto del quadro era in ombra e in ombra parziale. Gli ordini si stavano riducendo. La nuova fidanzata della sua vita Hendrickje Stoffels e suo figlio Titus fondano un'azienda che vende dipinti e oggetti d'antiquariato per aiutare l'artista. Ma i loro sforzi furono vani. Le cose stavano peggiorando. All'inizio del 1660 Hendrickje morì, e dopo pochi anni morì Tito.

Tuttavia, nonostante tutto, l'artista continua a lavorare. Durante questi anni particolarmente difficili, crea una serie di opere notevoli: "Syndics", "Il ritorno del figliol prodigo", che colpisce per il dramma interiore.

Il più grande artista morì in estrema povertà il 4 ottobre 1669. I contemporanei hanno reagito freddamente a questa perdita. Ci sono voluti quasi duecento anni perché il potere del realismo di Rembrandt, la profonda psicologia delle sue tele e la sua straordinaria abilità pittorica elevassero il suo nome dall'oblio e lo collocassero nei ranghi dei più grandi nomi del mondo.

Flora è la dea italiana dei fiori e della giovinezza. Il culto della Flora è uno dei culti agricoli più antichi d'Italia, in particolare della tribù dei Sabini. I romani identificavano Flora con il greco Cloruro e celebravano in suo onore in primavera i cosiddetti floraia, durante i quali si facevano allegri giochi che assumevano talvolta un carattere sfrenato. Le persone si decoravano e gli animali con fiori, le donne indossavano abiti luminosi.
Nell'arte antica, Flora era raffigurata come una giovane donna che reggeva fiori o che spargeva fiori.

L'intera tela è permeata di sincera gioia! L'autoritratto raffigura gli sposi che fanno un'allegra festa. Rembrandt, enorme in confronto alla sua snella moglie, la tiene sulle ginocchia e solleva un calice di cristallo di vino spumeggiante. Sembrano essere colti di sorpresa, in un'atmosfera intima che batte al limite della vita.

Rembrandt, in un ricco completo militare con una fionda dorata e uno stocco al fianco, sembra un dandy raiter che si diverte con una ragazza. Non è imbarazzato che un simile passatempo possa essere considerato un segno di cattivo gusto. Sa solo che sua moglie è amata, e quindi bella nel suo lussuoso corpetto, gonna di seta, magnifico copricapo e preziosa collana, e che tutti dovrebbero ammirarla. Non ha paura di apparire né volgare né vanitoso. Vive in un regno di sogni e gioia, lontano dalle persone, e non gli viene in mente che può essere censurato. E tutti questi sentimenti sono trasmessi dall'espressione innocente del volto splendente dell'artista stesso, che sembra aver raggiunto tutte le benedizioni terrene.

L'immagine esprime la gioia della vita, la consapevolezza della giovinezza, la salute e il benessere.

Dopo la morte di Saskia, un'altra donna entrò nella vita di Rembrandt, un modesto servitore Hendrickje Stofffels, che rallegrava la solitudine del padrone. Le scriveva spesso, ma nei titoli delle opere in cui fungeva da modella, non menzionava mai il suo nome.

La storia del patriarca biblico Giuseppe è raccontata nel libro della Genesi.
Anche nella casa paterna di Giacobbe e Rachele, il loro amato figlio Giuseppe appare come un sognatore. Il padre individua Giuseppe tra i fratelli, ed essi, invidiosi della sua posizione speciale e dei suoi bei vestiti, vendono Giuseppe come schiavo a uomini di carovane diretti in Egitto.
In Egitto, Giuseppe serve come schiavo del ricco nobile Potifar, il capo delle guardie del corpo del faraone. Potifar affida a Giuseppe tutta la sua casa, ma la moglie di Potifar ne viola la castità e Giuseppe fugge, lasciando i suoi vestiti nelle mani della donna. La moglie di Potifar, innamorandosi di Giuseppe, e non raggiungendo la reciprocità, lo accusa di stupro.
Nella prigione dove fu mandato Giuseppe, con lui ci sono il panettiere e il coppiere del re. Giuseppe interpreta i loro sogni, secondo i quali il fornaio sarà giustiziato e il maggiordomo sarà perdonato in tre giorni. La profezia di Giuseppe si sta adempiendo, e il coppiere lo ricorda quando i sacerdoti egizi trovano difficile interpretare il sogno del faraone di sette vacche grasse divorate da sette magre e circa sette spighette buone divorate da quelle magre. Convocato dal carcere, Joseph interpreta il sogno come un presagio del fatto che dopo i prossimi sette anni di un buon raccolto, arriveranno sette anni di grave fallimento del raccolto. Consiglia al faraone di nominare un confidente per fare scorta durante la carestia.
Il faraone nomina Giuseppe come suo confidente, gli concede il suo anello, gli dà un nome egiziano e come sua moglie - l'egiziana Asenef, figlia di un sacerdote di Eliopoli.

Sansone amava girovagare per il paese e un giorno finì nella città di Thimnath. Lì si innamorò perdutamente di una maestosa donna filistea e desiderava sposarla. Corse a casa e chiese ai suoi genitori di sposare la sua amata. I vecchi si strinsero la testa inorriditi: il loro figlio aveva causato loro molto dolore, e ora, oltre a tutto, si era messo in testa di sposare una donna straniera, figlia di un filisteo. Sansone, tuttavia, ha mantenuto la sua posizione. I genitori non avevano niente da fare: sospirando pesantemente, obbedivano al capriccio del loro eccentrico figlio. Sansone è diventato uno sposo e da allora ha visitato spesso i genitori della sposa.
Una volta, mentre Sansone stava camminando svelto lungo il sentiero tra i vigneti, un giovane leone ruggente gli sbarrò la strada. L'uomo forte fece a brandelli il leone e, come se nulla fosse, andò da Timnaf, senza raccontare a nessuno la sua avventura. Tornato a casa, fu sorpreso di vedere che uno sciame di api stava nidificando nella bocca del leone ucciso e che molto miele si era già accumulato. Sansone ha portato il favo ai suoi genitori senza dire una parola dove l'ha preso.
A Timnafa, il matchmaking è andato bene, c'è stata una grande festa, tutti si sono congratulati con gli sposi e hanno fissato il giorno del matrimonio. Secondo l'usanza filistea, la celebrazione del matrimonio dura sette giorni.
Alla festa, i genitori della sposa, temendo la straordinaria forza di Sansone, gli assegnarono trenta giovani filistei forti come compagni di matrimonio. Sansone, guardando le "guardie" con un sorriso, le invitò a risolvere l'enigma. Era necessario risolverlo entro la fine del matrimonio, il settimo giorno.
L'indovinello suonava così: "Dal mangiatore è uscito il veleno e dal forte è uscito il dolce". Naturalmente, nessuno poteva risolvere questo enigma, poiché nessuno sapeva che stavamo parlando di api che mangiano nettare (le api "mangiano"), di miele ("cibo") e di un leone forte. Allo stesso tempo, Sansone ha fissato le condizioni: se viene risolto, riceveranno 30 magliette la stessa quantità del vestito superiore e, in caso contrario, lo pagheranno lo stesso.
I Filistei sbalorditi meditarono su questo strano indovinello per tre giorni. Disperati, andarono dalla giovane moglie e minacciarono che se non avesse avuto la risposta all'enigma da suo marito, avrebbero bruciato sia loro stessi che la casa di suo padre. I Filistei in realtà non volevano pagare a Sansone una ricca somma di denaro.
Con astuzia e affetto, la moglie scoprì dal marito la risposta all'enigma e il giorno dopo i Filistei diedero la risposta corretta. L'infuriato Sansone non aveva altro da fare che saldare il debito concordato, ei suoi genitori erano molto poveri. Poi uccise 30 Filistei e diede in debito le loro vesti. Lo stesso Sansone, rendendosi conto che sua moglie lo aveva tradito, sbatté la porta e se ne andò di nuovo dai suoi genitori.

Artemide (Artemide) - figlia di Zeus e Leto, sorella di Apollo. Originariamente venerato come una dea del mondo animale e vegetale. È la "signora delle bestie", Tavropol (protettrice dei tori), Limnatis (palude), un orso (in questa forma era adorata a Bavron). Più tardi - la dea della caccia, delle montagne e delle foreste, la patrona delle donne in travaglio.
Artemide chiese a Zeus la verginità eterna. Sessanta Oceanidi e venti ninfe furono le sue costanti compagne di caccia, partecipanti ai suoi giochi e alle sue danze. La sua funzione principale è quella di custodire le usanze stabilite, i sacrifici agli dei, per la cui violazione punisce severamente: invia un terribile cinghiale al regno calidonio e serpenti mortali al letto matrimoniale del re Admet. Protegge anche il mondo animale, chiamando a rispondere Ercole, che ha ucciso la cerva di Kerine con le corna d'oro, e chiede un sanguinoso sacrificio in cambio della sacra cerva uccisa da Agamennone - sua figlia Ifigenia (sull'altare sacrificale, Artemide segretamente sostituita da persone la principessa con una cerva, e trasferì Ifigenia a Taurida sua sacerdotessa).
Artemide è la protettrice della castità. Lei patrocina Ippolita, che disprezza l'amore, trasforma Atteone, che ha visto accidentalmente la dea nuda, in un cervo, che è stato sbranato dai suoi stessi cani, e la ninfa Calipso, che ha rotto il suo voto, in un orso. Ha risolutezza, non tollera la rivalità, usa le sue frecce ben puntate come arma di punizione. Artemide, insieme ad Apollo, distrusse i figli di Niobe, che si vantava della madre degli dei Leto con i suoi sette figli e sette figlie; la sua freccia colpì Orione, che osò competere con la dea.
In quanto dea della vegetazione, Artemide è associata alla fertilità.Questo culto si è diffuso soprattutto ad Efeso (Asia Minore), dove in suo onore fu costruito il tempio di Artemide (una delle "sette meraviglie del mondo"), incendiato da Erostrato. Artemide era venerata qui come una dea che allatta, "duro lavoro"; lei è la patrona delle Amazzoni.
Artemide era anche venerata come dea della guerra. A Sparta, prima della battaglia, veniva sacrificata una capra alla dea, e ad Atene ogni anno, nell'anniversario della battaglia di Maratona (settembre-ottobre), venivano deposte sugli altari cinquecento capre.
Artemide si avvicinava spesso alla dea del mese (Ecate) o alla dea della luna piena (Selene). C'è un mito su Artemide-Selene, innamorata del bel Endimione, che desiderava l'eterna giovinezza e l'immortalità e le riceveva in un sonno profondo. Ogni notte la dea si avvicinava alla grotta del monte Cario Latm, dove il giovane dormiva e ne ammirava la bellezza.
L'attributo della dea è una faretra dietro la schiena, nelle sue mani un arco o una torcia; è accompagnata da una cerva o da un branco di cani da caccia.
A Roma, Artemide è identificata con la divinità locale Diana.

L'artista ha ritratto Saskia, sua moglie, a immagine di Giunone. Giunone è l'antica dea romana del matrimonio e della nascita, della maternità delle donne e del potere produttivo femminile. La protettrice dei matrimoni, la custode della famiglia e dei regolamenti familiari. L'attributo principale di questa dea è un velo, un diadema, un pavone e un cuculo. Rembrandt ha un pavone nell'angolo in basso a sinistra dell'immagine.

Nella mitologia biblica, Baldassarre fu l'ultimo re babilonese e la caduta di Babilonia è associata al suo nome. Nonostante l'assedio della capitale da parte di Ciro, il re e tutti gli abitanti, avendo una ricca scorta di viveri, poterono abbandonarsi con noncuranza ai piaceri della vita.
In occasione di una festa minore, Baldassarre fece una festa magnifica, alla quale furono invitati fino a mille nobili e cortigiani. Le ciotole da tavola erano vasi preziosi scelti dai conquistatori babilonesi da vari popoli conquistati, tra l'altro, e vasi costosi dal tempio di Gerusalemme. Allo stesso tempo, secondo l'usanza degli antichi pagani, furono glorificati gli dei babilonesi, che si rivelarono vittoriosi prima e saranno sempre vittoriosi, nonostante tutti gli sforzi di Ciro e dei suoi alleati segreti, gli ebrei, con il loro Jehovah .
Ma ora, nel bel mezzo della festa, una mano umana è apparsa sul muro e ha cominciato a scrivere lentamente alcune parole. Vedendola, "il re cambiò volto, i suoi pensieri si confusero, i legami dei suoi lombi si indebolirono e le sue ginocchia cominciarono a battersi l'un l'altra per il terrore". I saggi convocati non erano in grado di leggere e spiegare l'iscrizione. Quindi, su consiglio della regina, invitarono l'anziano profeta Daniele, che mostrò sempre una saggezza straordinaria. E lesse davvero l'iscrizione, che in lingua aramaica recitava brevemente: "Mene, tekel, uparsin." data ai Medi e ai Persiani. "
Quella stessa notte, continua la storia biblica, Baldassarre, il re dei Caldei, fu ucciso.

Tobi è un israelita, distinto dalla giustizia nel suo paese natale e non ha lasciato il pio governo assiro e generalmente ha sopportato una serie di prove, inclusa la cecità, che si è conclusa per lui e la sua progenie con la piena benedizione di Dio. Suo figlio, Tobia, guarì con l'aiuto di un angelo.

Dio apparve ad Abramo e a sua moglie Sara sotto forma di tre viaggiatori, tre bei giovani (Dio padre, Dio figlio e Dio Spirito Santo). L'anziana coppia ha mostrato loro generosa ospitalità. Avendo accettato il trattamento, Dio ha annunciato agli sposi un miracolo: nonostante la loro profonda vecchiaia, avranno un figlio, e da lui uscirà un popolo grande e forte, e in lui saranno benedetti tutti i popoli del mondo.

Uno degli episodi più misteriosi dell'Antico Testamento.
Quando Giacobbe viene lasciato solo, appare Qualcuno (è considerato un angelo) e combatte con lui tutta la notte. L'angelo non riesce a vincere Giacobbe, poi gli tocca la vena della coscia e la danneggia. Tuttavia, Giacobbe supera la prova e riceve un nuovo nome: Israele, che significa "colui che combatte con Dio e prevarrà sugli uomini".
Ecco perché, in una certa misura, le posizioni di Giacobbe e dell'angelo, che abbracciano piuttosto che combattere, sono naturali e giustificate.

La trama è tratta dal Vangelo, ma l'artista raffigura la vita quotidiana della gente comune. Solo gli angeli che scendono nel crepuscolo di una povera dimora ci ricordano che questa non è una famiglia normale. Il gesto della mano della madre, il rilancio del baldacchino per guardare il bambino addormentato, la concentrazione nella figura di Giuseppe: tutto è profondamente pensato. La semplicità della vita e l'aspetto delle persone non rendono il quadro con i piedi per terra. Rembrandt sa vedere nella vita di tutti i giorni non ciò che è superficiale e ordinario, ma ciò che è profondo e duraturo. Il silenzio pacifico della vita lavorativa, la santità della maternità emana da questa tela.

Il re ebreo Seoul cercò di distruggere il giovane David, temendo che avrebbe preso il suo trono. Avvertito dal suo amico, il principe Jonathan, il conquistatore di Goliath David dice addio a Jonathan alla pietra di Azaille (il significato ebraico è separazione, separazione). Jonathan è severo e sobrio, il suo volto è triste. David disperato cade sul petto del suo amico, è inconsolabile.

Secondo la Bibbia, Betsabea era una donna di rara bellezza. Il re Davide, camminando sul tetto del suo palazzo, vide Betsabea che faceva il bagno. Suo marito, Uria, è in quel momento lontano da casa, in servizio nell'esercito di Davide. Betsabea non cercò di sedurre il re. Ma Davide fu sedotto dalla bellezza di Betsabea e ordinò che fosse portata a palazzo. Come risultato della loro relazione, rimase incinta e diede alla luce un figlio, Salomone. Più tardi, Davide scrisse al comandante dell'esercito in cui combatteva Uria, una lettera in cui ordinava di mettere Uria dove ci sarebbe stata "la battaglia più potente, e ritirarsi da lui in modo che fosse sconfitto e morto".
In effetti, ciò accadde, e successivamente Davide sposò Betsabea. Il loro primo figlio ha vissuto solo pochi giorni. David in seguito si pentì di ciò che aveva fatto.
Nonostante la sua alta posizione come la più amata delle mogli di Davide, Betsabea prese posto nell'ombra e si comportò in modo dignitoso. Davide incoronò re Salomone figlio di Betsabea. Betsabea era una donna saggia e confidava sempre in Dio. In relazione a David, divenne una moglie fedele e amorevole e una buona madre per i suoi figli: Salomone e Nathan.

Uno degli ultimi dipinti di Rembrandt. Questo è un profondo dramma psicologico. La tela con un potere tremendo suona un richiamo all'umanità profonda, all'affermazione della comunità spirituale delle persone, alla bellezza dell'amore dei genitori.

Raffigura una storia biblica di un figlio dissoluto che, dopo lunghe peregrinazioni, tornò alla casa di suo padre. L'intera stanza è immersa nell'oscurità, solo padre e figlio sono illuminati intensamente. Il figlio con la testa rasata da detenuto, cencioso, con un tacco nudo, dal quale era caduta una scarpa bucata, cadde in ginocchio e si premette contro il padre, nascondendogli il viso sul petto. Il vecchio padre, accecato dal dolore nell'attesa del figlio, lo sente, lo riconosce e lo perdona, benedicendolo.

L'artista trasmette in modo naturale e veritiero tutta la potenza dell'amore di suo padre. Nelle vicinanze ci sono figure insensibili di spettatori, che esprimono sorpresa e indifferenza: sono membri della società che prima ha corrotto e poi condannato il figliol prodigo. Ma l'amore paterno trionfa sulla loro indifferenza e ostilità.

La tela è diventata immortale grazie ai sentimenti umani universali espressi in essa: l'amore vigile senza fondo, l'amarezza della delusione, della perdita, dell'umiliazione, della vergogna e del rimorso.

Questo è il miglior lavoro di Rembrandt negli anni '30.

L'immagine è dedicata al tema eterno dell'amore. La trama si basa sul mito della figlia dello zar Akrisiy Danae. L'oracolo predisse ad Acrisio che sarebbe morto per mano di suo nipote, poi il re imprigionò sua figlia in una torre per sempre, ma l'onnipotente Zeus si trasformò in una pioggia d'oro e in questa forma penetrò in Danae e divenne il suo amante. Ebbero un figlio, Perseo, e poi di nuovo, per ordine di Aryxius, Danaus, insieme a suo figlio in una cassa, furono gettati in mare. Ma Danae e suo figlio non morirono.

L'artista raffigura il momento in cui Danae attende felice Zeus. La vecchia serva tira indietro la tenda del suo letto e un bagliore dorato si riversa nella stanza. Danae, in attesa della felicità, si alza per incontrare la pioggia dorata. Il velo si è addormentato e ha messo a nudo un corpo non più giovane, pesante, lontano dalle leggi della bellezza classica. Tuttavia, affascina con la verità della vita, la morbida rotondità delle forme. E sebbene l'artista si riferisca a un tema della mitologia antica, l'immagine è chiaramente scritta nello spirito del realismo.

Rembrandt ha scritto molto sui temi dei racconti biblici, ed erano tutti a modo suo, aggiornati nei contenuti. Spesso dipingeva immagini contrarie alla logica: illuminazione, vernici, tutto solo secondo la sua idea. L'artista mostra la stessa indipendenza nel modo di vestire i suoi personaggi. Li ha vestiti con abiti strani - e Saskia, e Giunone, e altri ...
Lo stesso è con la coppia nel dipinto "La sposa ebrea". Il nome è strano, perché la tela raffigura una coppia sposata e la moglie è incinta.
Sullo sfondo di una vegetazione indistinta, si indovina parte del grande muro e del paesaggio urbano. Una coppia vestita di rosso e oro sta in piedi davanti a una lesena. Due volti e quattro mani un uomo si china verso una donna il cui sguardo è rivolto a se stessa, ai suoi pensieri. La sua mano destra, che tiene i fiori, è appoggiata sul suo stomaco. In faccia - la serietà ingenua della moglie, impegnata solo con la presenza di un'altra vita in se stessa. L'uomo le abbraccia le spalle con la mano sinistra. La mano destra poggia sull'abito all'altezza del petto, dove la mano sinistra della donna lo tocca. Le dita si toccano. Tocco leggero. L'uomo guarda la mano della donna che tocca la sua.

Nel dipinto, Rembrandt abbandonò completamente l'ideale classico di una figura femminile nuda. Qui ha ritratto Hendrickje, la sua seconda moglie, che si spoglia prima di fare il bagno, contrariamente a tutti i canoni di bellezza. Una veste dorata giace in riva all'acqua, e una dolce giovane donna, alzando timidamente la camicia, entra nell'acqua fredda. Sembra emergere dall'oscurità bruna, la sua timidezza e la sua modestia si leggono sia nel suo viso facilmente scritto che nelle mani che sorreggono la sua camicia.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606 - 1669) - pittore, disegnatore e incisore olandese. La creatività è intrisa del desiderio di una comprensione profonda e filosofica della realtà e del mondo interiore di una persona con tutta la ricchezza delle sue esperienze emotive.

Realistico e umanistico nella sua essenza, segnò l'apice dello sviluppo dell'arte olandese nel XVII secolo, incarnando alti ideali morali, fede nella bellezza e dignità della gente comune in una forma artistica brillantemente individuale e perfetta.

Rembrandt. Disegno "Capanne sotto il cielo che prefigurano una tempesta" (1635)

Il patrimonio artistico di Rembrandt si distingue per un'eccezionale varietà: ritratti, nature morte, paesaggi, scene di genere, dipinti di soggetto biblico, mitologico e storico. Rembrandt era un maestro insuperabile del disegno e.

Rembrandt. Acquaforte "Mulino" (1641)

Il futuro grande artista è nato in una famiglia di mugnai. Dopo un breve studio all'Università di Leida nel 1620, si dedicò all'arte. Studiò pittura con J. van Swanenbürch a Leiden (dal 1620 al 1623) e P. Lastman ad Amsterdam nel 1623. Nel periodo dal 1625 al 1631 lavorò a Leida. Un esempio dell'influenza di Elastman sul lavoro dell'artista è un dipinto " Allegoria della musica", Scritto da Rembrandt nel 1626.

Rembrandt "Allegoria della musica"

Nelle immagini" Apostolo Paolo"(1629 - 1630) e" Simeone nel tempio"(1631) Rembrandt usò per primo il chiaroscuro come mezzo per migliorare la spiritualità e l'espressività emotiva delle immagini.

Rembrandt "Apostolo Paolo"

Durante questi anni, Rembrandt ha lavorato molto sul ritratto, studiando le espressioni facciali del volto umano. La ricerca creativa dell'artista in questo periodo si esprime in una serie di autoritratti e ritratti dei membri della famiglia dell'artista. Così si ritraeva Rembrandt all'età di 23 anni.

Rembrandt "Autoritratto"

Nel 1632, Rembrandt si trasferì ad Amsterdam, dove presto sposò una ricca patrizia, Saskia van Eilenbruch. Gli anni '30 del 17 ° secolo per l'artista sono anni di felicità familiare e un enorme successo artistico. La coppia di famiglia è raffigurata nella foto" Il figliol prodigo nell'osteria"(1635).

Rembrandt "Il figliol prodigo in una taverna" (1635)

Allo stesso tempo, l'artista dipinge la tela" Cristo durante una tempesta sul mare di Galilea"(1633). Il dipinto è unico in quanto è l'unico paesaggio marino dell'artista.

Rembrandt "Cristo durante una tempesta sul mare di Galilea"

La pittura " Lezione di anatomia del Dr. Tulpa”(1632), in cui l'artista ha risolto il problema del ritratto di gruppo in un modo nuovo, conferendo alla composizione una facilità realistica e unendo le persone nel ritratto in un'unica azione, ha portato a Rembrandt una vasta fama. Ha ricevuto molti ordini, numerosi studenti hanno lavorato nel suo laboratorio.

Rembrandt "Lezione di anatomia del dottor Tulpa"

Nei ritratti su misura di ricchi borghesi, l'artista ha trasmesso con cura i tratti del viso, i più piccoli dettagli dell'abbigliamento, la lucentezza dei gioielli di lusso. Lo puoi vedere sulla tela" Ritratto di Burgravio", Scritto nel 1633. Allo stesso tempo, i modelli hanno spesso ricevuto una caratteristica sociale appropriata.

Rembrandt "Ritratto di un Burgravio"

Più liberi e diversi nella loro composizione sono i suoi autoritratti e i ritratti di persone care:

• » Auto ritratto", Scritto nel 1634. Al momento, la tela è in mostra al Louvre.

Rembrandt "Autoritratto" (1634)

• » Saskia sorridente". Il ritratto fu dipinto nel 1633. Oggi si trova nella Galleria d'Arte di Dresda.

Rembrandt "Saskia sorridente"

Queste opere si distinguono per la vivace spontaneità ed esaltazione della composizione, lo stile pittorico libero, maggiore, pieno di luce, i colori dorati.

Un'audace sfida ai canoni e alle tradizioni classiche nell'opera dell'artista è riconducibile all'esempio della tela” Rapimento di Ganimede", Scritto nel 1635. Al momento, l'opera si trova nella Galleria d'Arte di Dresda.

Rembrandt "Il ratto di Ganimede"

Dipinto "Dane"

La monumentale composizione è una vivida incarnazione delle nuove visioni estetiche dell'artista". Danae(Scritto nel 1636), in cui discute con i grandi maestri del Rinascimento italiano. L'artista è andato contro i canoni generalmente accettati dell'immagine, e ha creato un bellissimo dipinto che è andato oltre le idee allora di vera bellezza.

La figura nuda di Danae, lontana dagli ideali classici della bellezza femminile, Rembrandt si è esibita in un'audace immediatezza realistica, e l'artista ha contrapposto la bellezza ideale delle immagini dei maestri italiani con la sublime bellezza della spiritualità e il calore del sentimento intimo di una persona.

Rembrandt "Danae" (1636)

Sottili sfumature di esperienze emotive sono state espresse dal pittore nei dipinti" David e Jonathan"(1642) e" Sacra Famiglia"(1645). Le riproduzioni di alta qualità dei dipinti di Rembrandt possono essere utilizzate per la decorazione in molti stili.

Nel 1656, Rembrandt fu dichiarato insolvente e tutte le sue proprietà furono vendute a un'asta pubblica. Fu costretto a trasferirsi nel quartiere ebraico di Amsterdam, dove trascorse il resto della sua vita.

Rembrandt "La Sacra Famiglia" (1645)

Dipinto "Il ritorno del figliol prodigo".

Un freddo malinteso dei borghesi olandesi circondò Rembrandt negli ultimi anni della sua vita. Tuttavia, l'artista ha continuato a creare. Un anno prima della sua morte, iniziò a creare la sua brillante tela" Il ritorno del figliol prodigo"(1668 - 1669), che incarnava tutte le questioni artistiche e morali - etiche.

In questo dipinto, l'artista crea un'intera gamma di sentimenti umani complessi e profondi. L'idea principale del dipinto è la bellezza della comprensione umana, della compassione e del perdono. Il climax, la tensione dei sentimenti e il momento di risoluzione delle passioni che lo segue sono incarnati in pose espressive e gesti meschini e laconici di padre e figlio.

Rembrandt "Il ritorno del figliol prodigo"

Gli anni '40 e '60 del XVII secolo furono il periodo di massimo splendore dell'arte olandese. Il lavoro di Rembrandt incarna le migliori qualità dell'arte olandese: il potere del riflesso realistico della realtà, una profonda individualizzazione di immagini e fenomeni; porta le caratteristiche della vera democrazia. Enorme profondità di contenuti ideologici, alta spiritualità delle immagini, abilità insuperabile. Rembrandt differisce dagli altri pittori olandesi per l'ampiezza del soggetto; possiede le più alte realizzazioni in quasi tutti i generi pittorici - nei dipinti di soggetto biblico e mitologico, nel genere storico, nel ritratto, nel paesaggio e nella natura morta (non lavorò - ad eccezione di alcuni dipinti giovanili - solo nel campo della pittura di genere). I suoi successi sono ugualmente grandi in pittura, incisione e disegno.

Il tema dell'arte è la vita umana reale, il mondo interiore di una persona, la diversità delle sue esperienze; Il profondo sentimento umano di Rembrandt attraversa tutti i fenomeni del mondo reale, trasforma l'ordinario e il quotidiano in immagini di grande bellezza. Gli eroi sono persone di forti sentimenti sinceri, grande ricchezza spirituale, che sono riuscite a preservare le migliori qualità umane anche nelle condizioni di vita più severe. Molto spesso l'artista trova i suoi eroi tra la gente comune che più di tutte ha sofferto l'oppressione sociale. Democrazia profonda di Rembrandt art. Consapevolezza del valore duraturo di una persona. Le contraddizioni dell'epoca danno origine alle tragiche collisioni delle sue opere, ma la fede in una persona lo protegge da conclusioni pessimistiche.

1625-1632 - Periodo creativo di Leida. Cerca l'indipendenza creativa ("Changer", 1627; "Samson and Dalilah", 1628). "Apostolo Paolo", 1629 - una delle prime opere su un argomento che occupa un posto molto ampio nell'opera di Rembrandt: dà un'immagine individuale di un eroe, lasciato, per così dire, solo con se stesso e immerso nel pensiero. Grandezza, dignità, nobiltà spirituale. L'attenzione dello spettatore non è sopraffatta dai dettagli; L'artista subordina tutti i mezzi all'espressione della cosa principale: grande forza spirituale, illuminazione interiore di una persona. Il chiaroscuro è il principale mezzo di espressione figurativa, non solo scolpisce forma e volume, ma crea anche umore, colorazione emotiva. In questi anni Rembrandt lavorò anche a un ritratto, studiò le espressioni facciali e mosse i primi passi nell'arte dell'acquaforte.

1632 - Rembrandt si trasferisce ad Amsterdam. Il primo pezzo - "Lezione di anatomia del Dr. Tulpa", 1632. Porta l'artista al riconoscimento universale negli ambienti borghesi. Invece di composizione statica e disunione delle figure - una singola azione. 1634 - Rembrandt sposa una ricca patrizia Saskia van Eilenburg.

Le ricerche nella tecnica del ritratto sono sintetizzate in un'opera famosa "Autoritratto con Saskia in ginocchio", 1636. Allegria, energia. Ritratto + pittura di genere + parabola del figliol prodigo (l'artista rappresenta il figliol prodigo).

"Dane" 1636 - parallelo alla Danae di Tiziano. La rappresentazione dell'individualità umana: il corpo è dipinto in modo molto vitale, con attenzione ai dettagli intimi, il viso è brutto. Il compito è trasmettere l'alta verità della vita.

"La veglia notturna", 1642 - un'opera a cavallo tra il primo periodo e il periodo della creatività matura. Questo è un ritratto di gruppo dei fucilieri del Capitano Banning Cock. Movimento, eccitazione particolare, agitazione. Ambito monumentale. In quest'opera Rembrandt si oppone ai canoni consolidati dei ritratti di gruppo, l'artista cerca di rendere più naturale e dinamica la consueta scena statica convenzionale. Un tentativo di un'immagine generalizzata della società, una valutazione dell'epoca storica. Sembrava incomprensibile e assurdo allo spettatore che in questa scena apparissero degli estranei, specialmente una bambina con un vestito giallo dorato, che si accalcava nella folla di uomini bellicosi. Tutto qui ha causato smarrimento e irritazione del pubblico, e possiamo dire che il conflitto tra l'artista e la società inizia e si approfondisce da questo quadro. Con la morte di Saskia nello stesso 1642, Rembrandt rompe naturalmente con i circoli patrizi a lui estranei.

Gli anni 40-50 sono il periodo della maturità creativa. Non è stata solo la vita esteriore di Rembrandt a cambiare, è cambiato prima di tutto lui. Questo è il tempo della formazione del suo sistema creativo, da cui molto passerà al passato e in cui verranno acquisite altre qualità inestimabili. In questo periodo ricorre spesso a opere precedenti per rifarle in modo nuovo. È il caso, ad esempio, di "Danae", che scrisse nel 1636. Negli anni '40 e '50, l'abilità di Rembrandt stava crescendo costantemente. Sceglie per interpretare gli aspetti più lirici, poetici dell'esistenza umana, quella umana, che è eterna, tutta umana: l'amore materno, la compassione. La materia più grande gli è data dalle Sacre Scritture, e da essa, scene della vita della santa famiglia, trame della vita di Tobia. Non ci sono effetti esterni nelle opere di questo periodo. Rembrandt raffigura una vita semplice, gente comune, come nella tela "Sacra Famiglia": solo gli angeli che scendono nel crepuscolo di una povera dimora ci ricordano che questa non è una famiglia qualunque.

Negli ultimi 16 anni, Rembrandt è stato rovinato, ha perso tutti i suoi cari, i suoi cari e persino i suoi studenti lo tradiscono. Ma questi anni sono pieni di un'attività creativa straordinariamente forte, a seguito della quale vengono create immagini pittoresche, di eccezionale carattere monumentalità e spiritualità, opere profondamente filosofiche e altamente etiche. Tutto è sgomberato dal transitorio, dall'accidentale, i dettagli sono minimizzati, i gesti, le posture, le inclinazioni della testa sono attentamente pensate e comprese, le figure sono ingrandite, vicine al piano frontale della tela. I principali mezzi espressivi non sono linee e masse, ma luce e colore. Lo schema dei colori è dominato da sfumature di rosso e marrone che bruciano dall'interno. Il colore acquista sonorità e intensità. Rembrandt sapeva creare un ritratto-biografia; mettendo in evidenza solo il viso e le mani, esprimeva tutta la storia della vita ("Ritratto di vecchio in rosso", 1654 circa).

L'epilogo dell'opera di Rembrandt può essere considerato il suo famoso dipinto "Figliol prodigo"(1668-1669 circa), in cui l'altezza etica e l'abilità pittorica dell'artista erano più pienamente manifestate. La trama della parabola biblica sul figlio dissoluto, dopo molte peregrinazioni, tornato a casa di suo padre, attirò Rembrandt anche prima, come dimostrano una delle sue prime acqueforti e diversi disegni. In questo gruppo - nella figura di un giovane lacero che cadde in ginocchio e pose le mani sul vecchio dalla testa rasata - l'ultima tensione dei sentimenti, lo shock emotivo, la felicità del ritorno e del guadagno, l'amore dei genitori senza fondo, ma anche il amarezza della delusione, perdita, umiliazione, vergogna e rimorso. Questa disumanità rende la scena comprensibile a persone diverse di tutti i tempi e le conferisce l'immortalità. L'unità del colore è particolarmente sorprendente qui. Dai toni rosso-arancio dello sfondo, tutto questo è un unico flusso pittorico, percepito come espressione di un unico sentimento.

Il lavoro di Rembrandt

1. Autoritratti

Durante la sua vita, Rembrandt ha realizzato circa ottanta autoritratti: dipinti, stampe e disegni. Per lui fu una sorta di autobiografia, anche se poi i ritratti furono venduti. Uno dei primi è “Autoritratto” dal Rijksmuseum di Amsterdam, dove un pittore disordinato ventiduenne scruta il suo volto, cercando di trasmettere con l'aiuto del chiaroscuro la prima risvegliata consapevolezza di sé come artista.

Riso. 1. "Autoritratto" intorno al 1628

Nell'autoritratto del 1629, un raggio luminoso illumina un volto imberbe e indagatore, ombreggiato da un colletto di pizzo. Ma l'autoritratto dello stesso anno, conservato all'Aia, è più ufficiale. Nel piccolo dipinto "Un artista nel suo studio" (1629), che è stato a lungo attribuito a Gerrit Dow, vediamo la bottega di Leida di Rembrandt, con un tavolo, un cavalletto, una tavolozza e un mortaio per macinare i colori. L'artista si è raffigurato insolitamente lontano dall'immagine, come se volesse dare allo spettatore un'idea di come lui stesso vede e capisce la pittura.

Nei ritratti più maturi, a volte viene espressa l'anima dell'artista e talvolta il suo vestito è accuratamente scritto. "Autoritratto" del 1640, un dipinto insolitamente raffinato e armonioso, catturò il trentaquattrenne Rembrandt, che prese una posizione forte ad Amsterdam. Punti di riferimento per l'artista furono il "Ritratto di nobile" di Tiziano, oggi conservato a Londra, e a quel tempo nella collezione dell'amico di Rembrandt l'ebreo portoghese Alfonso Lopez, e il "Ritratto di Baldassar Castiglione" di Raffaello. In avvicinamento ai maestri italiani, si avverte la sfida di Rembrandt, come se sottolineasse con un insolito abito del XVI secolo la sua vicinanza spirituale con i suoi grandi predecessori. Si dipinge in costume, secondo l'usanza della sua bottega, dove erano conservati i più svariati abiti per modelli elencati negli inventari - "Autoritratto" del 1658 dalla collezione di New York di Frick. Ma gli piace anche ritrarre se stesso nei panni di un mercante di Amsterdam con catena, ciondoli e rifiniture di pelliccia, o di un artista consapevole del proprio ruolo e della propria posizione nella società, come in "Autoritratto al cavalletto" (1660) o in un altro autoritratto con una tavolozza e nappe dalla Kenwood House di Londra, - vestiti modesti, un semplice berretto bianco in testa, un'espressione volitiva e intelligente sul viso rugoso. E lo sguardo è imperioso, fiero ed è diventato molto stanco negli ultimi anni, offuscato da disagi materiali e guai familiari.

Riso. 2. "Autoritratto" 1660

L'insolito Autoritratto di Colonia, dipinto intorno al 1665, espressivo e imparziale, mostra Rembrandt ancora capace di sorridere. Gli ultimi due autoritratti del 1669, conservati a Londra e L'Aia, uno con le mani giunte, l'altro in un turbante multicolori su lunghi capelli grigi, trasmettono l'amarezza e la delusione di un uomo che è stato messo in secondo piano dal suo ex studenti, un uomo che nel 1641 era considerato "Uno dei pittori più importanti del suo tempo".

2. Primo periodo di creatività

Rembrandt ha iniziato il suo viaggio a Leidan: le sue prime opere indipendenti risalgono alla metà degli anni '20; dal 1632 fino alla fine della sua vita, Rembrandt lavorò ad Amsterdam, il principale centro artistico del paese. La seconda metà degli anni '20 e '30 è stata l'epoca della ricerca da parte di Rembrandt del proprio percorso e del proprio metodo creativo.

Rembrandt studia la realtà, cerca di padroneggiarne i vari aspetti (come testimoniano i suoi disegni), ma il suo interesse primario è il carattere umano individuale e la varietà delle manifestazioni della vita spirituale.

L'attenzione alla vita interiore di una persona determina l'originalità dei primi dipinti di trama di Rembrandt (Tobia e sua moglie, 1625 - 1626, Apostolo Paolo in prigione, 1627). L'enfasi sull'esperienza psicologica dell'evento, che Rembrandt vuole vedere attraverso gli occhi dei suoi partecipanti, è particolarmente pronunciata in Cristo in Emmaus (c. 1629). L'artista mostra la reazione dei personaggi: eccitazione, paura, shock. Ma, come nei primi autoritratti, gli affetti emotivi sono ancora inequivocabili e forzati, le posture ei gesti sono troppo dimostrativi.

Nelle opere della fine degli anni '20 - primi anni '30, il ruolo della luce come mezzo per migliorare l'espressività emotiva di una scena è già rivelato. In The Apostle Paul, l'illuminazione enfatizza l'umore dell'eroe. In Cristo in Emmaus, l'opposizione di luce e ombra trasmette la subitaneità e la forza del sentimento che attanagliava gli apostoli.

La pittura storica divenne, insieme alla ritrattistica, l'area principale del lavoro di Rembrandt. Le trame dell'Antico e del Nuovo Testamento hanno permesso di dare al contenuto dell'opera una scala figurativa e il suo significato - un carattere generalizzante. Rivolgersi a temi religiosi e mitologici non ha significato per Rembrandt un rifiuto della veridicità della vita dell'immagine, - al contrario, mira a coniugare il reale, il terreno, il concreto con quello spirito alto e significato universalmente significativo che è contenuto nella leggenda .

Tuttavia, lo stile pittorico del primo periodo è controverso. Non sempre Rembrandt riesce a coniugare organicamente sublimità e affidabilità, la maestà dei sentimenti e la cruda verità della realtà. Così, in "Cristo in Emmaus" il contrasto tra il luogo comune (l'aspetto popolare dei personaggi e la quotidianità dell'entourage) e l'evento miracoloso è troppo netto.

Rifiutando le convenzioni e l'idealizzazione ampollose, Rembrandt deeroina i personaggi delle leggende religiose e mitologiche, ma allo stesso tempo enfatizza eccessivamente il prosismo della natura e le basse passioni (Samson's Wedding, 1635). D'altra parte, il sublime è ancora identificato per Rembrandt con l'elevazione esterna del palcoscenico, con le sue patetiche e tempestose dinamiche - nelle opere della metà e della seconda metà degli anni '30, non è un caso che l'influenza dell'arte italiana e si riflette il barocco fiammingo ("Il sacrificio di Abramo", 1634; Sansone").

La brama di Rembrandt per lo splendore spettacolare e le collisioni drammatiche - così come la sua spavalderia, il desiderio di sfatare le solite norme e ideali artistici - era in gran parte associata al desiderio di allontanarsi dal prosaismo e dai limiti borghesi del modo stabilito di vita borghese. Dal mondo della vita quotidiana, è attratto dal mondo dell'eroismo e della fantasia. Negli anni '30 dipinge spesso se stesso e i suoi cari in costumi "storici", in abiti magnifici e fantastici ("Saskia in forma di Flora", 1634; autoritratti dal Petit Palais, da Berlino e dal Louvre, 1634) . Questi, come vengono chiamati, ritratti immaginari sembravano incarnare un certo sogno di una bella persona, di un'immagine elevata al di sopra della realtà quotidiana.

Durante questo periodo, Rembrandt non è solo alla ricerca del proprio ideale di vita e di uomo, ma crea anche opere che prefigurano il suo percorso futuro. La Deposizione dalla Croce (tra il 1633 e il 1639) fu scritta sotto l'influenza della celebre composizione di Rubens, ma la trama è interpretata da Rembrandt come una scena da camera: questo permette allo spettatore di sentirsi come qualcosa di personalmente legato a lui, chiamandolo personalmente a lui una tragedia umana: la morte di una persona tormentata Cristo e il dolore dei suoi cari. La luce che taglia l'oscurità dà origine a una sensazione di silenzio intenso, intensità dei sentimenti, grandezza del dramma.

Negli anni '30, Rembrandt era il pittore più popolare di Amsterdam. Successo, fama, benessere materiale vengono da lui. Gli studenti affollano il suo laboratorio.

Rembrandt eseguì molti ritratti su commissione in questo momento. Sono dipinti con grande forza plastica, trasmettono perfettamente la somiglianza, catturano la caratteristica nell'aspetto, ma Rembrandt non ha ancora trovato la sua strada nella ritrattistica. Eppure, forse non è un caso che Rembrandt, ritrattista per la natura del suo talento, è stato nell'opera di questo genere - un ritratto di gruppo della corporazione dei tiratori di Amsterdam - che è riuscito a incarnare l'ideale dell'eroismo, senza cadere negli estremi della patetica teatrale e dell'affilatura grottesca, per ottenere una fusione organica di elevazione poetica, colorata con un tocco di fantasia, e vitalità reale ("Night Watch", completata nel 1642).

L'idea dell'artista era insolita: ha aggiunto personaggi di fantasia ai ritratti di diciotto clienti e li ha collegati con un motivo della trama: la performance di una compagnia che emerge da sotto l'arco e attraversa il ponte sul canale. Le figure ei volti sono ora nascosti da un'ombra, poi strappati alla luce intensa del giorno. Nel gruppo di tiratori, vediamo i passanti che si accalcano, inclusa una ragazza con un vestito giallo dorato, come una luce brillante che tremola in questa energica folla maschile.

La combinazione di immagini di ritratto con figure senza nome, la dinamica della composizione gli ha dato una grande persuasione di vita. Ma l'unicità di "Night Watch" è che non è solo un ritratto di gruppo, ma anche una scena di folla. Il motivo del movimento, le esibizioni dei tiratori, la maestosa architettura dello sfondo, i variopinti costumi, i contrasti di luce e ombra e, infine, le enormi dimensioni del dipinto creano l'impressione di una solenne processione, un significativo evento pubblico. "Night Watch" è diventata una composizione monumentale, dove è chiaramente espresso il tema dell'entusiasmo patriottico e del trionfo dello spirito civico. Rembrandt lo riafferma quando pathos civico e ideali democratici dalla realtà olandese e dall'arte olandese. Il dipinto "Night Watch" divenne, per così dire, l'immagine dell'Olanda repubblicana, il ritratto di gruppo acquisì il significato di un quadro storico.