Lavori di Kandinsky. Impressione, improvvisazione, composizione
Kandinsky, forse, soprattutto, il pensatore, e poi l'artista. Riconosceva solo la direzione in cui una configurazione saturata può muoversi e inesorabilmente perseguitala, inviando un esempio ad altri creatori d'avanguardia. L'essenza dell'astrazione di Kandinsky è trovare una sintesi universale di musica e pittura, considerata parallela con la filosofia e la scienza.
Vasily Kandinsky è nato a Mosca nel 1866. Dalla prima infanzia, fu sorpreso da una varietà di colori in natura, ed era costantemente interessato all'art. Nonostante i successi nello studio dell'economia e sulla destra, ha rifiutato una carriera promettente nel campo delle scienze sociali per seguire la vocazione creativa.
Una mostra di Claude Monet, che ha visitato un giovane artista, è diventato un impulso decisivo che lo ha ispirato a dedicarsi allo studio della bella arte. Quando entrava in una scuola d'arte a Monaco, Kandinsky aveva già 30 anni. Non è nemmeno accettato la prima volta, ha continuato un allenamento indipendente.
Due anni vasily vasilyevich trascorsi in una scuola d'arte, dopo di che è stato seguito un periodo di vagabondaggio. L'artista ha visitato i Paesi Bassi, la Francia, l'Italia e la Tunisia. A quel tempo, ha creato immagini sotto la forte influenza del postmellismo, rivivendo la sua infanzia in Russia nei paesaggi creativi che hanno importanza idealistica per l'artista. Si è sistemato nella città di Murnau, vicino a Monaco di Baviera e ha continuato lo studio dei paesaggi, dotandoli con linee energetiche e colori audaci e audaci.
Kandinsky ha riflesso sulla musica, cercando di trasmettere le sue caratteristiche astratte in altri tipi di arte. Nel 1911, un gruppo di artisti della mentalità simile guidata da Kandinsky fu formata a Monaco di Baviera. Hanno chiamato " Blue Rider "-" der Blaue Reiter" Tra i partecipanti c'erano così conosciuti espressionisti tedeschi come il marchio di agosto e Franz. Il gruppo ha pubblicato Almanacco con le proprie opinioni sull'arte moderna e ha tenuto due mostre, dopo di che si è rotto all'inizio della prima guerra mondiale nel 1914.
La transizione verso l'uso dei principali elementi visivi ha segnato l'inizio del periodo drammatico nel lavoro di Kandinsky e divenne i cruditori dell'aspetto dell'arte astratta. Ha concepito un nuovo stile, noto al momento come astrazione lirica. L'artista attraverso il disegno e il disegno imitano il corso e la profondità del lavoro musicale, la pironesità rifletteva il tema della profonda contemplazione. Nel 1912 ha scritto e pubblicò uno studio fondamentale " Su spirituale nell'arte».
Nel 1914, Kandinsky doveva tornare in Russia, ma non ha cessato di sperimentare. Ha anche partecipato alla ristrutturazione delle istituzioni d'arte russa dopo la rivoluzione. Ma il vero significato della sua innovazione ingegnosa è diventato ovvio solo nel 1923 dopo essere tornato in Germania e si unì al Corpo di insegnamento " Bauhauss."Dove ha fatto amicizia con un'altra creativa avanguardia - Paul Clee.
Kandinsky ha lavorato su una nuova formula visiva costituita da linee, punti e forme geometriche combinate che rappresentano i suoi studi visivi e intellettuali. L'astrazione lirica si è spostata verso una composizione scientifica più strutturata.
Dopo dieci anni di fruttuosi lavori nel 1933, le autorità naziste hanno chiuso la scuola Bauhauss. Kandinsky fu costretto a trasferirsi in Francia, dove ha trascorso il resto della sua vita.
Per gli ultimi undici anni, il genio russo ha dedicato una ricerca permanente della grande sintesi delle sue idee astratte e dei risultati visivi. Tornò a intenso colore e testi, ancora una volta confermando le sue opinioni originali sulla vera natura della pittura. Il grande artista ha adottato la cittadinanza francese e ha creato una serie di famose opere d'arte nella sua nuova patria. Morì nel 1944 nella città di Neuya di età compresa tra 77 anni.
Le nuove autorità naziste nel 1937 proclamò il lavoro di Vasily Kandinsky, così come le opere dei suoi contemporanei Mark Stegal, Paul Clee, Franz Mark e Petya Mondriana, "arte degenerativa", e due anni dopo, più di mille dipinti e migliaia di Gli schizzi sono stati bruciati pubblicamente nell'atrio della caserma dei pompieri di Berlino. Ciononostante, la forza convincente delle opere artistiche di culto di Vasily Kandinsky non è morta in termini storici e uscì il vincitore sulla scena della storia dell'arte.
Pittura Vasily Kandinsky:
1. "Sequenza", 1935
Questo è praticamente un lavoro musicale segnato in ritardo nel lavoro di Kandinsky. Campi chiusi con elementi sparsi della composizione che fluiscono in determinate forme. L'artista è tornato alle sue fonti astratte.
2. "Blue Rider", 1903
Questa foto è stata ispirata per creare uno dei gruppi più influenti nella storia dell'art - Der Blaue Reiter. Questo primo lavoro è scritto sull'orlo dell'astrazione.
3. "Cestini da spiaggia in Olanda", 1904
Paesaggio preso in prestito da un viaggio nei Paesi Bassi. Nella scena, presumibilmente l'effetto dell'impressionismo.
4. "Autunno a Murnau", 1908
Una graduale transizione per l'astrazione è segnata dall'espressionismo nel paesaggio.
5. "Akhtyrka. Chiesa rossa ", 1908
Il paesaggio russo, in cui l'artista ha sollevato il suo longoleggio a casa.
6. "Montagna", 1909
Quasi un paesaggio completamente astratto con piccoli contorni, assunse la collina e le figure umane.
7. "Primo acquerello astratto", 1910
Questo lavoro ha un valore storico come il primo acquerello completamente astratto Kandinsky.
8. "Improvvisazione 10", 1910
L'improvvisazione nella figura e nel colore fornisce istruzioni, ma non rivela completamente e non specifica le immagini. Astrazione precoce.
9. "lirico", 1911
Nel suo dipinto, l'artista spesso ha fatto affidamento sulle idee musicali, quindi il carattere lirico delle sue macchie è nato in modo naturale. Questa è una delle sue "poesie artistiche".
10. "Composizione IV", 1911
C'è una storia che Kandinsky pensò di aver completato l'immagine, ma non appena il suo assistente la trasformò accidentalmente con l'altra parte, la prospettiva e l'impressione generale della tela è stata cambiata, il che lo ha reso bello.
11. "Improvvisazione 26 (canottaggio)", 1912
Kandinsky ha spesso chiamato i suoi dipinti sul modo di opere musicali - improvvisazione e composizione.
12. "Improvvisazione 31 (Battaglia Sea)", 1913
Esempio tipico di astrazione lirica con il colore forte ed il contenuto emotivo.
13. "Piazze con cerchi concentrici", 1913
Già una vera astrazione profonda. Quindi, Kandinsky ha condotto uno studio nel campo del colore e della geometria.
14. "Composizione VI", 1913
Dopo ampi preparati per scrivere questa immagine, Kandinsky lo ha terminato per tre giorni, ripetendo come mantra per l'ispirazione della parola tedesca "Uberflut", che significa inondazione.
15. "Mosca", 1916
Durante il suo soggiorno a Mosca durante la guerra, Kandinsky ha colpito il tumulto della grande città. È piuttosto un ritratto della capitale del paesaggio, riflettendo tutto il suo potere e la sua turbolenza.
Record vendita della pittura "composizione suprematica" (1916) dalla leggendaria serie di Kazimir Malevich presso l'Asta House of Christie nel maggio 2018 è stata una ragione per cui raccogliere insieme i risultati dei prezzi delle vendite di artisti russi. Quali importi massimi pagati in diversi anni compratori per Valentina Serov, Mark Shagal, Nikolai Roerich, Vasily Kandinsky, Natalia Goncharova?
Glow della passione all'Asta di Christie era seria. Oltre alla lotta diretta per la "composizione suprematica" degli storici dell'arte e dei proprietari di gallerie, hanno aspettato se il lavoro del registro dei prezzi di Kandinsky abbia battuto le vendite di artisti russi stabiliti dal lavoro di Mark Rotko nel 2012? Il record è rimasto lo stesso: il prezzo della "domanda" è una differenza di 1 milione di dollari.
1. Mark Rotko.
Il primo posto nella lista dei più costosi artisti russi del sesto anno è occupato dalla famosa pittura principale del campo di colore Mark Rothko. La sua tela "arancia, rossa, gialla", scritta dall'artista nel 1961, è stata venduta all'asta di Christie l'8 maggio 2012 per $ 86,88 milioni. Gli intenditori artistici di Rotko votano regolarmente il dollaro completo per il desiderio di unirsi al fenomeno di questo misterioso artista. Il dipinto "arancione, rosso, giallo" è anche famoso per diventare il lavoro più costoso della arte del dopoguerra e dell'arte contemporanea venduta alle aste aperte.
Mark Rothko. Arancione, rosso, giallo
1961, 236.2 × 206,4 cm
2. Kazimir Malevich.
"Composizione suprematica" (1916) Dalla leggendaria serie Casimir Malevich è diventata il lotto più costoso sulla vendita di Christie's, lo scorso 15 maggio 2018. Quindi, Malevich rimase il numero 2 nei primi 10 artisti russi più costosi: sebbene il prezzo del suo lavoro più costoso sia aumentato da $ 60 milioni all'asta nel 2008 a 85,8 milioni di dollari nel 2018, e solo 1 milione non abbastanza da Malevich si diresse la lista.
L'immagine ha acquisito la Galleria Privata "Levy Gorlfi", stabilendo un nuovo soffitto dei prezzi per le opere di astratto russo.
Kazimir Severinovich Malevich. Composizione suprematica
1916, 88,5 × 71 cm
Apparendo alle aste, il lavoro di Kazimir Malevich creane sempre un'eccitazione. Quindi è stato nel 2015, quando un acquirente sconosciuto ha acquisito all'asta di Sotheby a New York, la misica tela del Suprematismo (1922). Per il dipinto appartenente agli eredi dell'artista, è stato pagato $ 37,7 milioni.
Kazimir Severinovich Malevich. Suprematismo mistico
1922, 100.5 × 60 cm
Nello stesso periodo del 2015, il 24 giugno, il massimo massimo è stato rotto, che è stato pagato per Malevich all'asta aperta. Per il quadro "suprematismo". La 18 ° costruzione "(1915), che è stata venduta anche dagli eredi di Malevich, alle zie di Sotheby a Londra, un acquirente sconosciuto ha pagato $ 33,8 milioni.
Kazimir Severinovich Malevich. Suprematism 18a costruzione
1915, 53.3 × 53,3 cm
3. Vasily Kandinsky.
Il 21 giugno 2017, Vasily Kandinsky è stato venduto per 41,8 milioni di dollari nella "pittura con linee bianche di Sotheby. Ha rotto il record della stessa asta: 20 minuti prima di questa tela "Murnau. Paesaggio con una Green House "(1909)" Astrazione padre "è stata venduta per $ 26,4 milioni. Queste due opere sono contrassegnate da punti di svolta sia nel lavoro dell'artista che nell'intera arte del XX secolo, ed entrano in un piccolo numero di dipinti significativi del Kandinsky rimanendo in mani private.
Vasily Kandinsky. Pittura con linee bianche
1913, 119,5 × 110 cm
Vasily Kandinsky. Murnau. Paesaggio con casa verde
1909
Il record per le vendite di dipinti Kandinsky si è tenuta dal 2012, quando il suo quadro "Schizzo per l'improvvisazione n. 8" è stato venduto all'asta di Christie a New York per 23 milioni di dollari.
Vasily Kandinsky. Schizzo per "Improvisation 8"
1909, 98 × 70 cm
E fino al 2012, l'immagine più costosa di Vasily Kandinsky era "FuGue" (1914). Per lei, il 17 maggio 1990, Sotheby's Auction House è stata pagata $ 20,9 milioni di dollari svizzeri Ernst Beeiler.
Vasily Kandinsky.
1914, 129,5 × 129,5 cm
4. Segna Shagal.
La vendita serale delle opere di impressionisti Sotheby's il 14 novembre 2017, uno dei primi dipinti di Shagal "Valblown" (1928) è stato venduto per un record $ 28,5 milioni con una stima da 12 milioni a 18 milioni di dollari. La guerra dei tassi tra tre candidati è durata più di dieci minuti. Nella foto (Les Amoureux), l'artista si è raffigurato con la sua musa e la prima moglie di Bianco Rosenfeld. La tela è stata acquisita poco dopo il completamento attraverso la Galleria Bernheim Jeune & Cie Paris. Con e poi, è rimasto in possesso di una famiglia.
Mark Zakharovich Chagall. Gli amori
1928
Il precedente "soffitto" per i dipinti di trading aperti di Shagal è stato raggiunto nel 1990. Poi all'asta di Sotheby a New York, un uomo d'affari giapponese e un collezionista zelante del lavoro di Mark Shagal, Hironori Aoki, comprato una foto dell'anniversario (1923). La nuova perla della collezione giapponese (circa 30 picks stegal) lo costa circa $ 14 milioni.
Mark Zakharovich Chagall. Anniversario
1915, 80,8 × 100.3 cm
5. Haim Souttin.
L'11 maggio 2015 all'asta di Christie a New York, la Khaim Soutine Sutin ("Le Bœuf"), scritta intorno al 1923, è stata venduta per $ 28,2 milioni, non superando il cima della stima di 30 milioni di creato nel periodo dal 1923 Al 1925, la tela è uno dei nove dipinti con tori, scritti da Sunic dalla natura. Solo tre dipinti di questa serie sono di proprietà privata.
Haim Solomonovich Sutin. Transha.
1923, 81 × 60 cm
6. Alexey Yalvsky.
Al momento della vendita del dipinto di Alexei Shvsky "Schocol in un cappello dal petto largo", gli specialisti hanno chiamato questa transazione "successo degli investitori". Se nel 2003 l'immagine acquisita su Sotheby per $ 8,3 milioni, quindi all'asta della stessa casa d'asta il 5 febbraio 2008, il prezzo di Schokko è decollato più di 2 volte e ammontava a quasi 18,6 milioni di dollari. Poi molti hanno sottolineato la capacità dei prezzi di crescere rapidamente simultaneamente con interesse per il lavoro dell'artista. Forse dopo l'esposizione nel museo russo, che ha aperto il lavoro della Repubblica di Yale al pubblico in generale, l'interesse per il suo lavoro tra i collezionisti russi crescerà ancora di più.
Alexey Georgievich Shvsky. Shokko in un cappello a testa larga
1910, 75 × 65,1 cm
7. Valentin Serov.
"Ritratto di Maria Zetlin" (1910), scritto dal famoso pittore russo, è stato venduto a Christie's il 24 novembre 2014. L'importo accettato per l'immagine è poco più di $ 14,5 milioni - è diventato un record di "offerta russa" specializzata, che Christie spende regolarmente a Londra.
Valentin Aleksandrovich Serov. Ritratto di Maria Zetlina
1910, 109 × 74 cm
8. Nikolai Roerich.
La vendita del dipinto di Nikolai Roerich "Madonna Laborsis" (1931) è diventata una registrazione di vendita di opere di pittori russi d'aste Bonhams Bonhams. Il 5 giugno 2013 a Londra, questo lotto è andato con un martello per $ 12 milioni. Fino ad allora, il prezzo massimo di Nikolai Roerich era di circa $ 3,4 milioni (2007). E ora 6 anni dopo, Bonhams è stato esposto da una cosa molto conosciuta, anche shriptomatica, che dagli anni '30 non era disponibile per il pubblico in generale. Nonostante il fatto che una copia ridotta di Madonna Laboris è posta nel Museo di Rhnery di New York, possesso dell'originale e della storia, il lavoro ha sicuramente influenzato gli alti risultati del trading.
Nikolai Konstantinovich Roerich. Madonna Laboris (procedimenti della Madonna)
1931, 8.4 × 12,4 cm
9. Natalia Goncharov.
L'unico nome femmina che è caduto nella lista dei dieci artisti russi più costosi è "Amazon Avengard" Natalia Goncharov. Negli ultimi anni gli ultimi anni, il suo lavoro "fiori" (1912) rimane il più costoso tra i dipinti di artisti russi implementati all'asta aperta. Il lavoro è stato venduto all'asta di Christie a Londra il 24 giugno 2008, quasi 10,9 milioni di dollari, superando leggermente la cima della stima.
Natalia Sergeevna Goncharov. Fiori
1912, 72,7 × 93 cm
10. Nikolay Feshin.
Completa i primi dieci dei più costosi artisti russi Nikolai Fein e il suo quadro "Little Cowboy". Con un risultato di $ 10,8 milioni, la tela è stata venduta all'asta di MacDougall a Londra il 2 dicembre 2010 - il lotto più costoso dell'arte russa, mai venduta da questa casa d'asta. Oltre a questo, l'immagine era il massimo del lotto di tutta la settimana russa di quell'anno a Londra. Con la stima superiore della stima di 700 mila sterline, il "piccolo cowboy" ha causato un'enorme eccitazione ed è stata acquistata da un collezionista dalla Russia.
Nikolai Ivanovich Feshin. Little Cowboy.
1940, 7,6 × 5,1 cm
Preparato sui materiali delle pubblicazioni di Artinvestment.ru, Sothebys.com, Christies.com, MacDougallauction.com, Bonhams.com, Tass.ru, le sue pubblicazioni di Arthiva. Titolo Illustrazione: Collage Dalle opere di Mark Rotko "Arancione, rosso, giallo" (1961), Kazimir Malevich "Composizione suprematica" (1916), Vasily Kandinsky "Immagine con linee bianche" (1913).
Artista russo, teorico d'arte e poeta, uno dei leader della prima linea della prima metà del 20 ° secolo; Entrò nei fondatori dell'arte astratta.
Nato a Mosca il 22 novembre (4 dicembre) 1866 nella famiglia di un commerciante; Apparteneva alla natura dei mercanti senza senso, i discendenti della corteccia siberiana. Nel 1871-1885 viveva con i suoi genitori a Odessa, dove nel Gymnasio cominciò a impegnarsi a musica e pittura. Dal 1885 ha studiato all'Università di Mosca, sognando la carriera di un avvocato, ma ca. 1895 decise di dedicarsi all'art. Due punti hanno determinato la sua scelta: prima, le impressioni delle antichità medievali russe e del folclore artistico, ottenute nella spedizione etnografica sulla provincia di Vologda (1889), in secondo luogo, visitando la mostra francese a Mosca (1896), dove è stato scioccato dal Immagine K. Pila di fieno Monet. Nel 1897 arrivò a Monaco di Baviera, dove dal 1900 fu impegnato nell'accademia delle Arti locali sotto la guida di F.Fon. Viaggiato molto in Europa e in Nord Africa (1903-1907), dal 1902 viveva principalmente a Monaco, e nel 1908-1909 nel villaggio di Murnau (Alpi bavaresi). Entrando organicamente al mercoledì della Boemia modernista tedesca, ha anche funzionato come organizzatore attivo: ha fondato il Gruppo Falang (1901), "New Monaco Art Association" (1909; insieme a A.G.Velensky et al.) E infine, "Blue Horseman" (1911; insieme con F. Lark e altri). - Società che è diventata un importante legame di collegamento tra simbolismo e avanguardia. Pubblicato lettere artistiche e critiche pubblicate da Monaco di Baviera nelle riviste "Il mondo dell'arte" e "Apollo" (1902, 1909), ha partecipato alle mostre del Vault Bubnovaya.
Dal primato, già abbastanza luminoso e succoso dipinti impressionistici, si rivolse a Brixer, fioritura e "folk" da colorare composizioni, dove i motivi caratteristici della modernità nazionale russa con il suo romantico di leggende medievali e la cultura antica del maniero sono stati riassunti (Monaco di Baviera , 1907, Lenbachhaus, Monaco di Baviera; Signore a Krinolines, 1909, Galleria Tretyakov). Nel 1910, ha creato le prime improvvisazioni pittoriche astratte e ha completato il trattato sullo spirituale nell'arte (il libro è stato pubblicato nel 1911 in tedesco). Considerando la principale arte interiore, il contenuto spirituale, riteneva che fosse meglio espresso dagli effetti psicofisici diretti di pura consonanza e ritmi colorati. Nel cuore delle sue "impressioni" successive, "improvvisazioni" e "composizioni" (come lo stesso di Kandinsky distinte i cicli delle sue opere) si trova l'immagine di un eccellente paesaggio di montagna, poiché si scioglieva tra le nuvole, in cosmica Esistenza, come emergere del contemplazione dell'autore-Viewer. Matura dei dipinti di petrolio e acquerelli sono costruiti a causa del gioco libero dei punti di colore, punti, linee, personaggi individuali (tipo di cavaliere, torri, tavolozze, cupola della chiesa, ecc.). La maggior parte dell'attenzione, il Master ha sempre pagato un programma, inclusa l'incisione del legno. Nei suoi poemi di album poetici tedeschi, i suoni (Klänge, 1913) hanno cercato di conoscere l'interconnessione ideale di immagini grafiche visive gratuite con il testo. Gli oggetti della sintesi delle Arti mettono nell'idea di un suono giallo, progettato per combinare colore, luce, movimento e musica (compositore Fagartman, il gioco, il cui testo è stato collocato nell'Almana del cavaliere blu , 1912, non è stato effettuato a causa dell'inizio della prima guerra mondiale).
Nel 1914 tornò in Russia, dove viveva principalmente a Mosca. Una specie di "apocalittica", l'aspirazione della trasformazione universale-in-art, caratteristica delle sue astrazioni, acquisisce sempre più carattere inquietante e drammatico durante questo periodo (Mosca. Piazza rossa, 1916, Galleria Tretyakov; Valigia, Ibid., Twilight. , Museo russo; grigio ovale, galleria d'arte, ekaterinburg; tutte le opere - 1917). Nel 1918 ha rilasciato un filmato autobiografico. Unito attivamente alle attività pubbliche e umanitarie e di ricerca, faceva parte del Commissariato popolare, l'Istituto di Cultura Artistica (Inhuk) e l'Accademia d'arte russa delle Scienze dell'Arte (Rakhn), insegnata nelle altissime laboratori tecnici e tecnici (VHutemas), tuttavia, Irritato da Sgabbelli ideologici, la Russia sinistra per sempre dopo è stata inviata un viaggio d'affari a Berlino (1921).
In Germania, insegnata a Bauhaus (dal 1922, a Weimara e Dessau), era principalmente impegnata nella teoria generale della formazione; delineato la sua esperienza pedagogica nel punto del libro e la linea sull'aereo pubblicato in tedesco nel 1926. Le sue fantasie cosmologiche (la serie grafica di piccoli mondi, 1922) sta guadagnando un carattere geometrico più razionale durante questo periodo con i principi del suprematismo e del costruttivismo, Ma mantenendo la sua decorazione luminosa e ritmica (in piazza nera, 1923; diversi giri, 1926; entrambi i dipinti - nel Museo di S.Guggenheim, New York). Nel 1924, il Maestro si è formato insieme con Yalvsky, L. Finering e P. Kleie l'associazione "Blue Four", organizzando mostre congiunte con loro. Ha fatto come artista della versione panoramica della Suite M.P.MorsorGian immagini della mostra nel teatro Decuau (1928).
Dopo la chiusura dei nazisti "Bauhaus" (1932) trasferiti a Berlino, e nel 1933 - in Francia, dove Nyui-sur-Sen viveva a Parigi e al suo sobborgo. Avendo sperimentato un impatto significativo del surrealismo, sempre più introdotto nelle sue immagini - insieme alle precedenti strutture geometriche e segni - elementi biomorfi come alcuni organismi primistici, vendendo in un vuoto interplanetario (curva dominante, 1936, ibid.; Cielo blu, 1940, centro , Parigi; una varietà di azioni, 1941, Museo di S.Guggenheim, New York). Con l'inizio dell'occupazione tedesca (1939) destinata a essere emigrata negli Stati Uniti e ha trascorso diversi mesi in Pirenei, ma alla fine tornò a Parigi, dove ha continuato a lavorare attivamente, incluso il progetto del balletto comico, che inteso per creare insieme con il compositore gatman.
Artista di nuova arte, astrattista, guerre e rivoluzioni sopravviventi. I bolscevichi hanno chiamato il suo dipinto "degenerativo". Nel lavoro - "su spirituale nell'arte" - Kandinsky rivela l'impatto psicologico del colore puro a persona, trova una connessione tra la pittura e la musica. Kandinsky Master di "composizioni", "improvvisazioni" e "impressioni".
A condizione, una famiglia prospera da una tenera età ha sostenuto il desiderio di Vasily Kandinsky all'art. Tuttavia, in futuro, doveva diventare un avvocato. Il giovane si è laureato brillantemente all'università di Mosca, dopo di che ha insegnato.
Il destino vasily Kandinsky lo ha restituito all'arte quando la mostra di impressionisti francesi si è svolta nel 1895. Vasily Kandinsky è stato stupito dal lavoro di Monet - "Stacks". Lasciando l'università, stava mangiando a Monaco, imparando la pittura. A quei tempi, Monaco è stato considerato il centro dell'arte europea, nel 1892 è stata organizzata l'Associazione Modernista degli artisti - Secessione.
Per due anni, l'artista russo è stato studiato presso il pittore jugoslavo Anton Ashbe, sempre più appassionato di creatività, e non la tecnica dell'esecuzione. Il primo lavoro impressionistico differiva da uno speciale schema di colori, Kandinsky ha allegato grande importanza a nessuna forma, colore del colore. Questo è in seguito, quando Kandinsky ha preso lezioni dalla famosa Francia Francia, l'artista di Setsissition), ha dovuto lasciare la sua tavolozza luminosa e scrivere in bianco e nero Gamma, studiando la forma. Queste affermazioni sono state stabilite da un insegnante che considerava il Kandinsky un buon studente, ma con un'abilità non riuscita di un colore brillante.
Kandinsky ha trascorso quattro anni a Monaco, ma non c'erano lavoro di quel tempo. Rimane un mistero, qual è il loro destino, sia che siano stati distrutti da un artista o perduto.
Dopo aver finito lo studio all'età di 35 anni, Vasily Kandinsky crea il suo movimento di artisti di astrazione chiamato "Falanga", che gli ha reso il leader della fratellanza di Monaco degli artisti. Nel 1901, la prima mostra dell'Associazione si è tenuta a Berlino, in cui sono stati presentati il \u200b\u200blavoro di impressionisti e le rivelazioni del "Yuggendistil" tedesco. In questo momento, l'artista ha incontrato un giovane artista Gabriela Müntter, divorziato sua moglie. Per 5 anni, ha viaggiato con Gabriela in Europa, studiando la pittura e ha partecipato a mostre.
Nel 1908, Kandinsky e Gabriela tornarono a Monaco, è successo in modo da stabilirsi vicino allo studio dell'artista Paule. Dieci anni dopo, hanno lavorato insieme a Bauhauz, diventando persone che la pensano alla mentalità. Gabriela ha comprato una casa, vivevano in esso per 6 anni. La casa era situata a Marnaau, vicino ai piedi delle Alpi bavaresi. Questo periodo è diventato il più produttivo nella vita dell'artista. L'artista è sempre più di un'immagine specifica per l'astrazione.
Nel 1911, insieme ad un altro artista Franz Mark, Kandinsky ha organizzato il gruppo Blue Horseman. Gli artisti sono stati in grado di organizzare solo due mostre.
Nel 1912, ha avuto luogo la prima mostra personale. Lo spettatore non ha fatto le foto di Kandinsky, che lo immerse in profondo sconforto.
Cominciò la Guerra Mondiale e Kandinsky si trasferì dalla Germania in Svizzera. Qui ha iniziato a lavorare sul libro "Point and Line". Nel novembre 1914, ha separato con Gabriela e va a Mosca, quasi due anni l'artista non ha impegnato in pittura.
Nel 1916, Kandinsky ha familiarato con Nina Andreevskaya, la figlia del Generale russo, un anno dopo la sposa. Dopo aver ricevuto l'ereditarietà dopo la morte del Padre, l'artista ha immediatamente perso fondi all'esistenza, i bolscevichi hanno confiscato tutta la proprietà. Essere dietro la linea di povertà Kandinsky cadde nella disperazione. L'entusiasmo di sua moglie ha salvato Kandinsky. Procede a lavorare nel tossicodipendente dell'illuminazione, diventando il capo della sezione del film e del teatro. Poi è stato invitato all'Università di Mosca per la posizione del professore, organizzando allo stesso tempo l'Istituto per la cultura artistica. Grazie a Kandinsky, sono state aperte circa 22 gallerie d'arte in Russia. Ma, sfortunatamente, tutti gli sforzi di Kandinsky si ritrovano nel loro stesso paese non sono stati incoronati con successo, l'abstractionism è stato dichiarato "Faldechsky", e Kandinsky fu chiamato il "Minion of the Borgeoisie". E nel 1921, ricevendo un'offerta al posto dell'insegnante a Bauhauz, a Weimara, Kandinsky lascia il paese.
Il destino di "Bauhaus" era difficile. Nel 1924, per considerazioni politiche, la scuola è stata attaccata, e lei doveva tradurlo a Dessau, esisteva fino al 1932. Sotto la pressione dei nazisti locali, la scuola è stata trasferita a Berlino. Nell'aprile del 1833 fu finalmente chiuso. Kandinsky e sua moglie lascia la Germania per motivi di sicurezza, si stabilirono nel sobborgo di Parigi.
Molte critiche di Vasily Kandinsky sentono nel suo indirizzo, le gallerie non hanno preso le opere dell'artista. Ma nonostante tutto, l'artista ha lavorato fino alla fine della sua vita, rimanendo creatività devozionale.
Famose opere di Vasily Vasilyevich Kandinsky
L'immagine "improvvisazione 21a" è stata scritta dall'artista russo nel 1911, si trova nella Galleria Statale di Lenbachhauss, a Monaco di Baviera. L'immagine è stata scritta durante l'approvazione del Kandinsky - Astrattista. In sostanza, questa è la reazione dell'artista al mondo che lo circonda, sulla base di impressioni e intuizioni.
A prima vista, sembra che l'immagine sia assolutamente disturbata da oggetti reali, ma se guardi, le immagini iniziano ad emergere. Ad esempio, una montagna è visibile al centro. I punti di colore brillante sono delineati dal contorno nero - la caratteristica caratteristica del dipinto di Kandinsky in tutto il lavoro successivo. Un'altra immagine concreta è una figura stilizzata di una persona in una posizione innaturale.
Il dipinto "in Grey" è stato eseguito nel 1919, situato nel Museo Nazionale dell'Arte Contemporanea, nel centro di loro. J. Pompidou, a Parigi. Si può trovare ai dipinti del "periodo russo" (1915-21). Questa immagine ha segnato il completamento dello studio dell'interazione del modulo Kandinsky. L'artista stava pianificando la "composizione", composta da immagini - montagne, figure di persone, barche. Al termine del lavoro, l'immagine si è trasformata in un'astrazione con un sapore più morbido rispetto ai lavori precedenti.
Nella foto, le rigide forme geometriche sono sostituite da forme biomorfe, caratteristiche di dipingere l'artista di Parigi. I suoni da colorare in ombre grigie, marrone e blu silenziate. La composizione è sostituita dal caos.
La "vibrazione" del dipinto è stata eseguita nel 1925, situata nella Tate Gallery, a Londra. L'immagine mostra forme geometriche, su cui l'artista scrive nel "punto e linea".
Il contatto tra il triangolo tagliente e il cerchio non produce meno effetti rispetto al dito di Dio esteso da Adam nella foto di Michelangelo.
V. Kandinsky.
L'oggetto più luminoso è una scacchiera. La struttura complessa è raggiunta dall'unità di forma e colore. L'immagine stessa è fatta in toni attenuati. La tensione viene trasmessa confrontando moduli e colori. I cerchi sono dominati come funzionalità nascoste inesauribili (Kandinsky).
Il dipinto "su" è stato scritto nel 1929, dalla collezione di Peggy Guggenheim, a Venezia. Nel periodo di Bauhauzovsky, l'artista ha scritto principalmente immagini costituite da forme geometriche. "Su" è un'immagine di una persona che ha stabilito da forme geometriche. Qui puoi vedere l'effetto della colla di pittura di Paul. La teoria dei "punti e linee sull'aereo" è tracciata. Quando Kandinsky raffigurava lo sfondo, cercava di fuggire dal quadro stretto, che lui stesso ha guidato se stesso a Bauhauz. Che è riuscito più tardi a Parigi.
Masdew Kandinsky V.V. - Dipinto "Dettaglio per composizione IV"
La foto è stata giustiziata nel 1910, situata nella Tate Gallery, a Londra. Il secondo nome è "Cossacks". Lo stesso Artista disse che la trama di questa immagine è stata portata a loro dagli eventi della rivoluzione del 1905, quando i cosacchi stavano saltando per le strade di Mosca. Di fronte allo spettatore, due cosatti di battaglia, sotto di loro - un arcobaleno, formando la strada che conduce al palazzo su una collina blu. Giusto - altri tre cosacchi. Due di loro hanno cime. Gli elementi dell'immagine sono difficili da riconoscere, il che fa sì che lo spettatore per molto tempo guardasse da vicino sulle immagini, gradualmente immergendo nella trama. L'astrazione assume la distrazione da forme reali e espressione creativa in elementi geometrici.