Le principali tendenze del classicismo in pittura. Classicismo in pittura

Imparerai tutto sui rappresentanti del classicismo leggendo questo articolo.

Rappresentanti del classicismo

Cos'è il classicismo?

Classicismo- Questo è uno stile nell'arte, che si basa sull'imitazione degli standard dell'antichità. Il periodo di massimo splendore della direzione si riferisce ai secoli XVII-XIX. Riflette il desiderio di integrità, semplicità, coerenza.

Rappresentanti del classicismo russo

Il classicismo in Russia apparve all'inizio del XVIII secolo dal momento delle trasformazioni di Pietro I e dalla pubblicazione della teoria delle "Tre calme" di Lomonosov e dalla riforma di Trediakovsky. I rappresentanti più importanti di questa tendenza sono:

• Antiochia Dmitrievich Kantemir,
• Aleksandr Petrovich Sumarokov
• Ivan Ivanovich Khemnitser.

L'architettura russa mescolava il barocco russo e la cultura bizantina. Principale rappresentanti del classicismo in architettura - Eropkin, Kazakov, Zemtsov, Rossi, Korobov, Montferrand e Stasov.

Nella pittura viene enfatizzata la levigatezza delle forme e il chiaroscuro e la linea sono gli elementi principali della forma. Rappresentanti del classicismo in pittura: I. Akimov, P. Sokolov, K. Lorrain e N. Poussin. Lorrain ha creato paesaggi, che hanno rappresentato la connessione tra natura e uomo, la loro armonia e interazione. E Poussin dipinse capolavori raffiguranti gesta eroiche in uno stile storico.

Rappresentanti del classicismo nella letteratura russa

I più brillanti rappresentanti del classicismo in letteratura: Sumarokov, Trediakovsky, Kantemir, Lomonosov. Un po' di più su ciascuno di essi. Trediakovsky è passato alla storia come un uomo che ha rivelato l'essenza del classicismo. Ma Lomonosov ha fatto un ottimo lavoro sulla forma d'arte. Sumarokov è il fondatore del sistema drammatico del classicismo. La sua famosa opera "Dmitry the Pretender" ha rivelato l'opposizione al regime zarista.

Vale la pena notare che tutti i successivi famosi rappresentanti del classicismo hanno studiato con Lomonosov. Possiede la progettazione delle regole di versificazione e l'elaborazione della grammatica della lingua russa. Questo scrittore ha introdotto i principi del classicismo nella letteratura russa. Divise tutte le parole in tre gruppi principali ("tre calme"):

• Il primo gruppo si distingue per solennità e maestà. È dominato dal vecchio vocabolario russo. Odi, tragedie, poemi epici eroici erano adatti a questo.
• Il secondo gruppo comprendeva elegie, drammi, satire.
• Il terzo gruppo comprendeva commedie e favole.

I rappresentanti eccezionali del classicismo hanno diviso i loro eroi in personaggi positivi (che vincono sempre) e negativi. La trama, di regola, era basata su un triangolo amoroso, la lotta degli uomini per il possesso di una donna. L'azione dei lavori è limitata nel tempo (non più di 3 giorni) e si svolge in un unico luogo.

Rappresentanti del classicismo nella letteratura mondiale

I praticanti del classicismo furono principalmente scrittori francesi: il poeta Malherbe, i drammaturghi Corneille, Racine,

La definizione di classicismo (dal latino сlassicus - esemplare) è uno stile artistico e una direzione nell'arte dell'Europa nei secoli XVII - XIX. Si basa sulle idee del razionalismo, il cui obiettivo principale è educare il pubblico sulla base di un certo modello ideale, che è simile al modernismo. La cultura del mondo antico serviva da tale esempio. Le regole, i canoni del classicismo erano di fondamentale importanza; dovevano essere osservati da tutti gli artisti che lavoravano nell'ambito di questa direzione e stile.

Definizione di classico

Il classicismo, come stile, ha sostituito l'esterno lussureggiante e pomposo. Entro la fine del XVII secolo, la società europea era intrisa di idee illuministiche, che si riflettevano nella cultura dell'arte. L'attenzione di architetti e scultori è stata attratta dal rigore, semplicità, chiarezza e concisione della cultura antica, in particolare quella greca. , l'architettura divenne oggetto di imitazione e prestito.

Come direzione, il classicismo abbracciava tutti i tipi di arte: pittura, musica, letteratura, architettura.

La storia dell'emergere dello stile classico: dall'antichità al Rinascimento

Il classicismo, il cui obiettivo principale è educare il pubblico sulla base di un certo ideale e del rispetto di tutti i canoni generalmente accettati, è completamente opposto, che negava tutte le regole ed era una ribellione contro qualsiasi tradizione artistica in qualsiasi direzione.

Classicismo provinciale in Russia

Questa direzione è caratteristica solo per l'architettura russa. La maggior parte degli edifici storici di San Pietroburgo e Mosca, Yaroslavl, Pskov sono realizzati nel classicismo provinciale. La sua origine si riferisce al periodo dell'età dell'oro. Rappresentanti classici di strutture architettoniche realizzate nello stile del classicismo: Cattedrale di Kazan, Cattedrale cosacca Nikolsky, ecc.

Periodi: precoci, medi, tardivi (alti)

Nel suo sviluppo, il classicismo ha attraversato 3 periodi, che possono essere elencati come segue:

1. Presto(1760 - primi anni 1780) - il periodo di massimo splendore della direzione, l'adozione del concetto di nuovo stile, la definizione delle ragioni, e per quali caratteristiche lo stile apparterrà specificamente al classicismo;
2. Rigoroso o medio(1780 - 1790) - radicamento dello stile, descrizione in molte opere letterarie e visive, costruzione di edifici;
3. tardi o in alto, che ricevette il nome (i primi 30 anni del XIX secolo).

La foto mostra l'Arco di Trionfo a Parigi, un vivido esempio di classicismo.

Caratteristiche e caratteristiche dello stile mondiale

Caratteristiche dei classici in tutti i settori della creatività:

• forme geometriche chiare
• materiali di alta qualità,
• finiture nobili e sobrietà.

Maestà e armonia, grazia e lusso: queste sono le principali caratteristiche distintive del classicismo. Queste caratteristiche sono state successivamente visualizzate negli interni con stile.

Caratteristiche caratteristiche del classicismo in un interno moderno

Caratteristiche essenziali dello stile:

• pareti lisce con morbidi motivi floreali;
• elementi dell'antichità: palazzi e colonne;
• stucco;
• pregiato parquet;
• carta da parati in tessuto alle pareti;
• mobili eleganti e graziosi.

Forme rettangolari calme, design decorativo sobrio e allo stesso tempo diversificato, proporzioni adeguate, aspetto dignitoso, armonia e gusto divennero una caratteristica dello stile classicista russo.

Esterno della direzione dei classici: edifici

I segni esterni del classicismo nell'architettura sono pronunciati, possono essere identificati al primo sguardo dell'edificio.

1. Disegni: stabile, massiccio, rettangolare e arcuato. Le composizioni sono chiaramente pianificate, si osserva una stretta simmetria.
2. Le forme: chiara geometria, volume e monumentalità; statue, colonne, nicchie, rotonde, semisfere, frontoni, fregi.
3. Linee: severa; sistema di pianificazione regolare; bassorilievi, medaglioni, motivi fluidi.
4. Materiali: pietra, mattoni, legno, stucco.
5. Tetto: forma complessa e intricata.
6. Colori dominanti: bianco saturo, verde, rosa, viola, azzurro, oro.
7. Elementi caratteristici: decori discreti, colonne, lesene, ornamenti antichi, scale in marmo, balconi.
8. Finestra: semicircolare, rettangolare, allungata verso l'alto, modestamente decorata.
9. Porte: rettangolare, a pannelli, spesso decorato con statue (leone, sfinge).
10. Decoro: intaglio, doratura, bronzo, madreperla, intarsio.

Interni: segni di classicità e generi architettonici

All'interno dei locali dell'era del classicismo c'è nobiltà, moderazione e armonia. Tuttavia, tutti gli oggetti interni non sembrano pezzi da museo, ma sottolineano solo il delicato gusto artistico e la rispettabilità del proprietario.

La stanza ha la forma corretta, piena di un'atmosfera di nobiltà, comfort, calore, lusso squisito; non sovraccaricato di dettagli.

Il posto centrale nella decorazione d'interni è occupato da materiali naturali, principalmente legni pregiati, marmo, pietra, seta.

• Soffitti: alto chiaro, spesso a più livelli, con stucchi, ornamenti.
• Muri: decorato con tessuti, sono possibili lesene e colonne leggere, ma non luminose, stucchi o dipinti.
• Pavimentazione: parquet in essenze legnose pregiate (merbau, kamshi, teak, jatoba) o marmo.
• Illuminazione: lampadari in cristallo, pietra o vetro costoso; lampadari dorati con plafoni a forma di candele.
• Attributi obbligatori degli interni: specchi, caminetti, comode sedie basse, tavolini bassi da tè, tappeti leggeri fatti a mano, dipinti con scene antiche, libri, enormi vasi da terra stilizzati come antichi, fioriere a treppiede.

Motivi antichi sono spesso usati nell'arredamento della stanza: meandri, festoni, ghirlande di alloro, fili di perle. Per la decorazione vengono utilizzati tessuti costosi, inclusi arazzi, taffetà e velluto.

Mobilia

I mobili dell'era del classicismo si distinguono per la buona qualità e la rispettabilità, realizzati con materiali costosi, principalmente in legno pregiato. È interessante notare che la trama del legno funge non solo da materiale, ma anche da elemento decorativo. I mobili sono realizzati a mano, decorati con intagli, dorature, intarsi, pietre preziose e metalli. Ma la forma è semplice: linee rigorose, proporzioni nette. I tavoli e le sedie della sala da pranzo sono realizzati con eleganti gambe intagliate. Piatti: porcellana, sottile, quasi trasparente, con motivo, doratura. Uno degli attributi più importanti dei mobili era considerato un segretario con un corpo cubico su gambe alte.

Architettura: teatri, chiese e altri edifici

Il classicismo si è rivolto alle basi dell'architettura antica, utilizzando non solo elementi e motivi, ma anche modelli di costruzione. La base del linguaggio architettonico è l'ordine con la sua rigorosa simmetria, la proporzionalità della composizione creata, la regolarità della disposizione e la chiarezza della forma tridimensionale.

Il classicismo è l'esatto contrario con la sua pretenziosità ed eccessi decorativi.

Furono creati palazzi non fortificati, complessi di giardini e parchi, che divennero la base del giardino alla francese con i suoi vicoli raddrizzati, prati tagliati a forma di coni e palle. I dettagli tipici del classicismo sono le scale accentuate, l'arredamento classico antico, le cupole negli edifici pubblici.

Il tardo classicismo (Impero) acquisisce simboli militari ("Arc de Triomphe" in Francia). In Russia, San Pietroburgo può essere definita il canone dello stile architettonico del classicismo, in Europa è Helsinki, Varsavia, Dublino, Edimburgo.

Scultura: idee e sviluppo

Nell'era del classicismo si diffusero i monumenti pubblici che incarnavano l'abilità militare e la saggezza degli statisti. Inoltre, la soluzione principale per gli scultori era il modello per rappresentare figure famose sotto forma di divinità antiche (ad esempio, Suvorov - nella forma di Marte). È diventato popolare tra i privati ​​commissionare lapidi a scultori per perpetuare i loro nomi. In generale, le sculture dell'epoca sono caratterizzate da calma, moderazione dei gesti, espressioni spassionate e purezza delle linee.

Moda: vestiti dell'Europa e della Russia

L'interesse per l'antichità nell'abbigliamento iniziò a manifestarsi negli anni '80 del XVIII secolo. Ciò era particolarmente evidente nel costume femminile. In Europa è emerso un nuovo ideale di bellezza, che celebra le forme naturali e le belle linee femminili.. I migliori tessuti lisci di colori chiari, in particolare il bianco, sono diventati di moda.

Gli abiti da donna persero struttura, imbottiture e sottogonne e presero la forma di lunghe tuniche drappeggiate, tagliate ai lati e intercettate da una cintura sotto il seno. Indossavano collant color pelle. I sandali con nastri servivano da scarpe. Le acconciature sono state copiate dall'antichità. Rimane ancora di moda la cipria, con la quale si coprivano il viso, le mani e il décolleté.

Tra gli accessori venivano usati turbanti di mussola, decorati con piume, sciarpe turche o scialli del Kashmir.

Dall'inizio del XIX secolo, gli abiti da cerimonia iniziarono a essere cuciti con strascichi e una profonda scollatura. E negli abiti di tutti i giorni, la scollatura era coperta da una sciarpa di pizzo. A poco a poco, l'acconciatura cambia e la polvere va fuori uso. Entrano di moda i capelli corti, attorcigliati in riccioli, legati con un nastro d'oro o decorati con una corona di fiori.

La moda maschile si è evoluta sotto l'influenza degli inglesi. Il frac di stoffa inglese, la redingote (capispalla che ricorda una redingote), il jabot e i polsini stanno diventando popolari. Fu nell'era del classicismo che le cravatte da uomo divennero di moda.

Arte

Pittura e belle arti

Nella pittura, il classicismo è anche caratterizzato da moderazione e rigore. Gli elementi principali della forma sono la linea e il chiaroscuro. Il colore locale enfatizza la plasticità di oggetti e figure e separa la pianta spaziale del dipinto. Il più grande maestro del XVII secolo. – Lorrain Claude, famoso per i suoi “paesaggi perfetti”. Pathos civile e lirismo si uniscono nei "paesaggi decorativi" del pittore francese Jacques Louis David (XVIII secolo). Tra gli artisti russi, si può individuare Karl Bryullov, che ha combinato il classicismo con (19° secolo).

Il classicismo nella musica è associato a grandi nomi come Mozart, Beethoven e Haydn, che hanno determinato l'ulteriore sviluppo dell'arte musicale.

Letteratura: eroi e personalità nelle opere

La letteratura dell'era del classicismo ha promosso la mente che ha conquistato i sentimenti. Il conflitto tra dovere e passione è alla base della trama di un'opera letteraria, in cui una persona è costantemente in tensione e deve scegliere quale decisione prendere. La lingua fu riformata in molti paesi e furono gettate le basi dell'arte poetica. I principali rappresentanti della direzione - Francois Malherbe, Corneille, Racine. Il principale principio compositivo dell'opera è l'unità di tempo, luogo e azione.

In Russia, il classicismo si sta sviluppando sotto gli auspici dell'Illuminismo, le cui idee principali erano l'uguaglianza e la giustizia. L'autore più brillante della letteratura dell'era del classicismo russo è M. Lomonosov, che ha gettato le basi della versificazione. Il genere principale era la commedia e la satira. Fonvizin e Kantemir hanno lavorato in questo senso.

L '"età dell'oro" è considerata l'era del classicismo per l'arte teatrale, che si sviluppò in modo molto dinamico e migliorò. Il teatro era abbastanza professionale e l'attore sul palco non solo recitava, ma viveva, viveva, rimanendo se stesso. Lo stile teatrale è stato proclamato l'arte della recitazione.

Un esempio di dipinto in stile classico:

I principali rappresentanti dei classicisti: artisti, architetti

Tra le figure culturali più brillanti del mondo, i classicisti delle belle arti e dell'architettura, si possono anche distinguere nomi come:

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin, (architettura);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Boris Orlovsky, Mikhail Kozlovsky (scultura);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (pittura);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Chemnitzer (letteratura).

Video: tradizioni e cultura, tratti distintivi, musica

Conclusione

Le idee dell'era del classicismo sono utilizzate con successo nel design moderno. Conserva nobiltà ed eleganza, bellezza e grandezza. Le caratteristiche principali sono pittura murale, tendaggi, stucchi, mobili in legno naturale. Ci sono poche decorazioni, ma sono tutte lussuose: specchi, dipinti, enormi lampadari.

Classicismo (dal lat. classicus - esemplare), stile e direzione nella letteratura e nell'arte 17 - precoce. dell'Ottocento, che si rivolsero all'antico patrimonio come norma e modello ideale. Il classicismo prende forma nel XVII secolo. in Francia. I principi della filosofia razionalistica alla base del classicismo determinarono il punto di vista di teorici e professionisti del classicismo su un'opera d'arte come frutto della ragione e della logica, trionfando sul caos e sulla fluidità della vita sensualmente percepita. L'orientamento a un inizio ragionevole, a modelli duraturi ha determinato la salda standardizzazione dei requisiti etici. Il consolidamento delle dottrine teoriche del classicismo è stato facilitato dalle attività delle Accademie Reali fondate a Parigi: pittura, scultura e architettura. Classicismo del 18° - inizio 19° secolo. (nella storia dell'arte straniera è spesso indicato come neoclassicismo), divenuto uno stile paneuropeo, si formò anche principalmente in seno alla cultura francese, sotto la forte influenza delle idee dell'Illuminismo.

Nella pittura classicista, gli elementi principali della modellazione della forma erano la linea e il chiaroscuro, il colore locale rivela chiaramente la plasticità di figure e oggetti, separa i piani spaziali del quadro; caratterizzato da altezze di contenuto filosofico ed etico. Regolamentazione rigorosa del comportamento degli eroi. Una definizione chiara in connessione con questo standard di postura, gesto, movimento, espressione degli occhi, espressioni facciali. Il ritmo compositivo inseguito dovrebbe essere percepito come il riflesso di un inizio ragionevole, che modera gli impulsi di base e dona grandezza alle azioni umane. Costruzione a tre piani e bilanciere obbligatorio. Requisiti di disegno rigorosi: prospettiva centrale; forme ovali; escludere rette parallele e angoli identici. La priorità della linea sulla vernice è un contorno chiaro. Elementi "scultorei". Esclusione di forti contrasti cromatici e completa subordinazione del colore alla linea e alla forma.

I maggiori rappresentanti del classicismo sono N. Poussin, C. Lorrain, J. L. David, J. O. D. Ingres.

Il fondatore del classicismo e il più grande maestro del classicismo del XVII secolo - Poussin Nicholas. A partire dagli anni '20 del Seicento, il pittore Nicolas Poussin realizzò dipinti di alto suono civico (il dipinto "La morte di Germanico"), composizioni poetiche su temi letterari e mitologici, segnate da un ordine sublime di immagini, l'emotività di un intenso, dolcemente armonizzato colore. Il chiaro ritmo compositivo prevalente nelle opere di Nicolas Poussin degli anni '30 del Seicento è percepito come un riflesso del principio ragionevole, che conferisce grandezza alle nobili azioni di una persona (" pastori arcadici”;"Il ritrovamento di Mosè"). Dal 1650, il pathos etico e filosofico si è intensificato nel lavoro di Poussin. Sviluppando i principi di un paesaggio ideale, Nicolas Poussin fa della natura l'incarnazione dell'opportunità e della perfezione ("Paesaggio con Polifemo"; una serie di paesaggi "Le stagioni", "Apollo e Dafne"). Introducendo personaggi mitologici nel paesaggio, personificando vari elementi, utilizzando episodi di racconti biblici. In una delle migliori opere sul tema antico "Regno di Flora"(l'artista ha raccolto i personaggi dell'epopea di Ovidio, che dopo la morte si sono trasformati in fiori (Narciso, Giacinto, ecc.). La Flora danzante è al centro, e il resto delle figure sono disposte in cerchio, le loro posizioni e gesti sono soggetto a un unico ritmo - grazie a ciò, l'intera composizione è permeata da un movimento circolare. Il paesaggio, dai colori tenui e dall'umore delicato, è scritto in modo piuttosto condizionale e sembra più uno scenario teatrale.

Claude Loren uno dei più grandi maestri della musica classica paesaggio. I personaggi delle opere dell'artista sono principalmente antichi eroi e protagonisti di racconti biblici. Con grande maestria l'artista ha rappresentato il gioco dei raggi solari nelle varie ore del giorno, la freschezza del mattino, il caldo di mezzogiorno, la trasparenza dell'aria pulita e la distanza coperta da una leggera nebbia. nella foto "Il rapimento dell'Europa" rifletteva un'immagine piena e ricca della natura. La trama, che l'artista ha rivelato sullo sfondo del paesaggio, è servita solo come base per scrivere un panorama marino.

Un altro famoso dipinto di Lorrain è Aci e Galatea". L'opera è scritta in uno stile classico, che richiede rigore, suddividendo lo spazio in più piani, le proporzioni nel quadro sono attentamente verificate, le composizioni di alberi incorniciano il quadro su entrambi i lati, come un backstage o una cornice.

L'ultimo lavoro di Lorrain - " Paesaggio con Oskaniy che spara a un cervo»(Museo di Oxford) è stato completato nell'anno della morte dell'artista ed è considerato un vero capolavoro.

Il più grande rappresentante del "nuovo classicismo". Jacques-Louis David ; La pittura "Giuramento degli Orazi" chiede il dovere civico. Correttezza rigorosa del disegno, gesto chiaro e conciso, contenuto eroico, fedeltà archeologica dei costumi, chiara modellazione di luci e ombre. Il talento di David è stato rivelato in modo più completo durante gli anni della rivoluzione. il suo linguaggio artistico estremamente laconico e drammatico servì con uguale successo a promuovere gli ideali rivoluzione francese (« Morte di Marat »1793) e Primo Impero (« Consacrazione dell'imperatore Napoleone I » ). Alla foto" Morte di Marat» l'artista è riuscito, più organicamente che mai, a coniugare in quest'opera i tratti di un ritratto e di un dipinto a tema storico. La mano destra di Marat stringe ancora la penna, anche se la vita lo ha già lasciato, nella sua mano sinistra c'è una lettera di Charlotte Corday. Sul bordo inferiore della tela, l'artista ha raffigurato l'arma del delitto: un coltello macchiato di sangue. David ha conferito alle forme una monumentalità davvero scultorea. nel 1804 fu David a diventare "il primo artista di Napoleone".

Uno dei maggiori rappresentanti del classicismo yavl. Jean Auguste Dominica Ingres. L'autore di composizioni storiche, letterarie e mitologiche ha agito come un convinto custode dell'inviolabilità dell'ideale accademico bassorilievo, la combinazione di colori è subordinata al disegno. "Madonna davanti al calice con il sacramento", una delle opere più famose dell'artista. Il dipinto fu commissionato da Ingres dal futuro imperatore russo Alessandro II La posa ieratica congelata e le corrette caratteristiche raphael della Madonna riecheggiano l'iconografia cattolica. colpisce per il perfetto allineamento e costruttività dell'immagine. Le tradizioni tardo classiche del pittore ebbero una grande influenza sull'accademismo dell'arte francese Ingres fu sempre lontano dalla politica e non prese parte agli eventi del 1830 in Francia. Ma in questo momento dipinge un meraviglioso ritratto del capo della stampa politica dell'epoca, il proprietario del popolare quotidiano Louis Francois Bertin il Vecchio, un potente vecchio dai capelli grigi con uno sguardo intelligente e calmo "il maestro di vita e circostanze».

Una delle opere più significative scritte da Ingres alla fine della sua vita è "Fonte". Questa immagine di una giovane ragazza con in mano una brocca da cui sgorga l'acqua è un simbolo allegorico della fonte eterna della vita.

Classicismo in Russia formatosi nel 18° secolo e ha svolto un ruolo importante nello sviluppo della cultura nazionale. Nelle arti visive, lo sviluppo del classicismo è strettamente connesso con l'Accademia delle arti di San Pietroburgo fondata nel 1757. Mantenendo in varia misura le caratteristiche di idealizzazione, astrazione e allegorismo, i maestri russi della pittura storica del classicismo - A . P. Losenko, G. I. Ugryumov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, nei primi lavori - K. P. Bryullov e A. A. Ivanov- ha promosso le idee educative dell'umanesimo, del servizio civile patriottico.

Viene considerato il fondatore della scuola accademica di pittura del classicismo russo A. Losenko. Uno dei migliori dipinti del pittore è L'addio di Ettore ad Andromaca. Sfruttando i motivi individuali dell'epica antica, l'artista ha inserito nell'opera un contenuto diverso, completamente basato sui principi del classicismo. L'idea di Losenko si basa sull'idea del dovere verso la madrepatria e sull'eroico sacrificio di sé in nome della patria.

- uno stile artistico nell'arte europea del XVII-inizio XIX secolo, di cui una delle caratteristiche più importanti era il richiamo alle forme dell'arte antica come standard estetico ed etico ideale. Il classicismo, che si sviluppò in un'interazione fortemente polemica con il barocco, si sviluppò in un sistema stilistico integrale nella cultura artistica francese del XVII secolo. I principi della filosofia razionalistica alla base del classicismo determinarono la visione di teorici e professionisti dello stile classico su un'opera d'arte come frutto della ragione e della logica, trionfando sul caos e sulla fluidità della vita sensualmente percepita.

I principi della filosofia razionalistica alla base del classicismo determinarono il punto di vista di teorici e professionisti del classicismo su un'opera d'arte come frutto della ragione e della logica, trionfando sul caos e sulla fluidità della vita sensualmente percepita. L'orientamento a un inizio ragionevole, a modelli durevoli determinavano la ferma normatività delle esigenze etiche (subordinazione del personale al generale, le passioni - alla ragione, il dovere, le leggi dell'universo) e le esigenze estetiche del classicismo, la regolazione delle regole artistiche ; il consolidamento delle dottrine teoriche del classicismo fu facilitato dalle attività delle Accademie Reali fondate a Parigi - pittura e scultura (1648) e architettura (1671). Nel classicismo la pittura, la linea e il chiaroscuro diventano gli elementi principali della modellazione della forma, il colore locale rivela chiaramente la plasticità di figure e oggetti, separa i piani spaziali del quadro (contrassegnati dalla sublimità del contenuto filosofico ed etico, dall'armonia complessiva delle opera di N. Poussin, il fondatore del classicismo e il più grande maestro del classicismo del XVII secolo; "paesaggi ideali" di K. Lorrain). Classicismo del 18° - inizio 19° secolo. (nella storia dell'arte straniera è spesso indicato come neoclassicismo), divenuto uno stile paneuropeo, si formò anche principalmente in seno alla cultura francese, sotto la forte influenza delle idee dell'Illuminismo. Nell'architettura, sono stati determinati nuovi tipi di palazzo squisito, un edificio pubblico davanti, una piazza cittadina aperta (J.A. Gabriel, J.J. Souflot), la ricerca di nuove forme di architettura disordinate. ricerca di una severa semplicità nel lavoro di K.N. Ledoux anticipò l'architettura dell'ultima fase del classicismo: l'Impero. Pathos civico e lirismo uniti nella plasticità di J.B. Pigalya e Zh.A. Houdon, paesaggi decorativi di J. Robert. Il coraggioso dramma delle immagini storiche e dei ritratti è inerente alle opere del capo del classicismo francese, il pittore J.L. Davide.

La pittura da David a Delacroix rappresenta il periodo di predominio del classicismo. I primi dipinti di David non apportarono ancora nulla di sostanzialmente rivoluzionario alla sua arte contemporanea, ma il suo "Giuramento degli Orazi", apparso nel 1784, fece un'impressione inaudita non solo nel mondo artistico, ma nell'intera società, lo stato d'animo a cui questo lavoro corrispondeva pienamente. La rigorosa correttezza del disegno, il contenuto eroico, così lontano dal meschino interesse quotidiano, e, infine, la fedeltà archeologica dei costumi, dell'architettura e di tutto l'ambiente, hanno trasportato lo spettatore nel mondo antico, che era già diventato attraente per loro. Questo quadro fu seguito da "Bruto ei littori, che portarono i cadaveri dei suoi figli, che furono giustiziati per suo proprio ordine"; in seguito, David scrisse (1787) "La morte di Socrate" (uno schiavo gli dà una ciotola di veleno, voltandosi e piangendo). Tutto ciò era così nuovo e contrario allo stile rococò, sembrava così sublime da servire come occasione per la società di parlare con entusiasmo di David come artista e cittadino; per virtù civiche, i difetti artistici delle sue opere non furono nemmeno notati. Un tale fascino per i suoi dipinti è comprensibile anche per il nostro tempo, se teniamo conto di ciò che aveva in mente l'artista, che assimilò in modo così decisivo, come pensava, le antiche visioni dell'arte. David si è posto il compito di ritrarre una persona spinta da forti motivazioni corrispondenti ai momenti più esaltati della vita, di carattere estremamente lontano dai momenti ordinari della vita quotidiana, che era considerata vile. Una persona con una tale elevazione di spirito potrebbe essere raffigurata, secondo David, solo con la corrispondente perfezione plastica delle forme, anche lontana dalle forme incontrate quotidianamente. Solo l'arte antica ci ha lasciato campioni di forme perfette, e quindi David ha ritenuto necessario dare ai suoi eroi la forma antica, che ha studiato nelle statue, sui vasi e nei bassorilievi. Tale era la comprensione artistica di David, da lui espressa nei dipinti già citati, così come nelle Sabine (1799) e in altre sue opere. La società ha trovato idee civiche nelle opere di David nei suoi "Horaces" e "Brutus", cittadini ideali che mettono la parentela e i legami familiari al di sotto del senso del dovere verso la patria. In "Socrate" hanno visto un predicatore di alte verità, morire per l'ingiustizia dei tiranni. Lo stesso David era imbevuto di tali convinzioni, e quando durante il terrore uno degli artisti, persona vicina a David, chiese a Robespierre di intercedere per lui per salvare dalla ghigliottina la sorella del firmatario, David rispose freddamente: “Ho scritto Bruto, trovo che il governo è giusto e non lo chiederò a Robespierre". Di conseguenza, i dipinti di David, in una certa misura tendenziosi, potevano avere successo solo all'epoca e nella società in cui apparivano. In quell'epoca, le giovani generazioni gli rispondevano e il significato sociale dei suoi dipinti era enorme: lo spirito repubblicano soffiava dai dipinti. Allo stesso modo, il loro significato artistico per quell'epoca era grande: l'effeminatezza, la giocosità e la sensualità della pittura moderna non potevano resistere alla rappresentazione di sentimenti sublimi e nobili, la cui esclusività nessuno poteva poi condannare. Inoltre, David ha restituito l'arte al disegno corretto, non solo secondo l'antica bellezza, ma anche con la natura, poiché ha insegnato a conformarsi alla natura immancabilmente. L'insegnamento artistico di David è in realtà una continuazione degli insegnamenti di Vienne, ma David ha agito in modo più deciso, rompendo ogni legame con lo stile rococò; possedendo una forte volontà e approfittando dello spirito dei tempi, costrinse arbitrariamente gli altri a seguire la via da lui indicata. David proclamò che "finora l'arte aveva servito solo il piacere dell'ambizione e del capriccio dei Sibariti, che sedevano fino al collo d'oro". “Il dispotismo di alcuni settori della società”, ha detto, “teneva in disgrazia chiunque volesse esprimere idee pure di moralità e filosofia. Nel frattempo, è necessario che la rappresentazione di esempi di eroismo e di virtù civiche elettrizzi il popolo e susciti in esso l'amore per glorificare e aumentare il benessere della loro patria. Così parlava approssimativamente il cittadino e artista David, repubblicano, non solo a parole, ma, come sapete, con i fatti. Il pittore Bouquier condannò ancora più energicamente l'arte del 18° secolo, dicendo all'incirca quanto segue: “è tempo di collocare nelle gallerie invece di queste opere vergognose (artisti precedenti) altre che potrebbero inchiodare gli occhi del popolo repubblicano, onorando il bene morale e virtù. Nelle gallerie nazionali, al posto dei dipinti erotici e di maniera di Boucher e dei suoi seguaci, o dei dipinti di Vanloo, con il suo pennello femminile, dovrebbero essere collocate opere di stile maschile che caratterizzerebbero le gesta eroiche dei figli della libertà. Per esprimere l'energia di un tale popolo, sono necessari uno stile forte, un pennello audace e un genio focoso. David divenne il capo di una nuova direzione, e la vecchia era già condannata dalla corrente rivoluzionaria della società, che distrusse tutto ciò che era esistito fino a quel momento, sostituendolo con uno nuovo. Gli artisti della precedente direzione hanno cercato di unirsi alla nuova tendenza e, poiché, a causa della natura del loro talento e delle loro abitudini, non ci sono riusciti, hanno interrotto completamente le loro attività o sono cambiati in modo irriconoscibile. I sogni e Fragonard persero improvvisamente il loro significato, persero il supporto morale e materiale dalla società e morirono dimenticati da tutti. Fragonard fu persino costretto a prendere parte agli sforzi di David per consolidare il posto giusto dell'arte nel nuovo sistema sociale, ed era necessario che l'arte nobilitasse i costumi della società e li insegnasse. Scultori, incisori e persino artigiani, artisti, orafi, intagliatori - tutti obbedivano a David. È notevole che i temi repubblicani dei dipinti di David ("Horaces", "Brutus") siano stati approvati o nominati e che i dipinti siano stati acquistati dallo stesso Luigi XVI, che, con tale concessione all'opinione pubblica, sembrava partecipare al generale movimento di idee, poiché il significato sociale di queste opere era chiaro per tutti. Dopo la deposizione del re e dopo averlo condannato a morte, a cui partecipò anche David con il suo voto, e durante tutto il periodo del terrore fino alla caduta e all'esecuzione di Robespierre, l'attività artistica di David si espresse in due dipinti: "L'assassinio di Pelletier" e successivamente - "L'assassinio di Marat", scritti per scopi patriottici. Tuttavia, in essi l'artista ha trattato il suo tema senza pensare a K., e il secondo dipinto è uscito in modo tale che anche adesso non ha perso il suo significato artistico. Dopo l'esecuzione di Robespierre, David, come uno dei suoi complici, sfuggì a malapena al pericolo mortale, dopo di che scrisse The Sabine Woman. Al tempo di Napoleone dipinse diversi dipinti ufficiali per glorificarlo, ebbe il minor successo in questo genere, e durante il restauro, espulso dalla Francia come regicidio, si arrese nuovamente a Bruxelles a soggetti antichi e non cambiò il suo direzione fino alla sua morte. Le aspirazioni artistiche e in parte civiche di David, poiché quest'ultima sono esprimibili nella pittura, apparvero per la prima volta nel suo Belisario (1781) - tema poi divenuto prediletto perché ricordava l'ingratitudine dei regnanti. Ora, quando è possibile giudicare i suoi dipinti solo dal lato artistico, sembrano essere teatrali e declamatori nella composizione. Anche negli Orazi l'intenzione originaria dell'artista era quella di presentare l'evento così come fu ritratto in scena nel 1782, nell'ultimo atto della tragedia di Corneille; solo su consiglio di amici David ha raffigurato un momento più adatto alla pittura, nello spirito direttamente corrispondente all'opera di Corneille, solo che non c'era. Il disegno di David era rigoroso, le linee erano deliberate, nobili. Nella sua scuola non si studiava solo l'antiquariato, ma anche la natura, che però consigliava di cambiare, per quanto possibile, per avvicinarsi all'antica arte scultorea. In generale, nelle sue istruzioni, come nei suoi dipinti, confondeva i compiti della scultura con i compiti della pittura. Riguardo al suo "Orazio" si fa giusta osservazione critica che le figure dipinte nel quadro potrebbero servire senza modifiche a bassorilievo e, tuttavia, il pathos teatrale delle forme rimarrebbe comunque un inconveniente. Per quanto riguarda il colore, i suoi dipinti sembrano del tutto insoddisfacenti, poiché i suoi eroi non sembrano persone viventi, ma come statue dipinte di pallido. La tecnica della pittura è troppo liscia e continua, ed estremamente lontana da quel coraggio e sicurezza, di cui un certo grado è necessario per la caratterizzazione ottica degli oggetti; inoltre, mobili, architetture e altre cose minori sono scritte con la stessa diligenza del corpo dei personaggi. Va notato che i ritratti di David o le figure dei ritratti nei suoi dipinti sono molto più vitali dei suoi antichi eroi, sebbene nei ritratti a volte perseguisse pose antiche, come, ad esempio, nel ritratto di Madame Récamier. L'amore per l'antico non insegnò a David a guardare correttamente la natura, come pretendeva Diderot. David, un repubblicano di libero pensiero, non ha concesso la stessa libertà né ai suoi oppositori politici né agli artisti; perseguitando gli accademici della vecchia scuola, si fece molti nemici. A quel tempo, gli eventi si susseguivano così rapidamente che David non ebbe il tempo di esprimerli con un pennello. Quindi, l'enorme quadro che iniziò, raffigurante i congiurati a Jedepaume (l'evento del 1789), rimase incompiuto. Nel luglio del 1794 al convegno nazionale fu pronunciato un discorso accusatorio contro lo stesso Davide, nel quale, tra l'altro, fu smascherato come tiranno dell'art. Anzi, ha soppresso un sistema accademico per crearne un altro, anch'esso eccezionale. Ai suoi tempi, le carenze del suo sistema non erano evidenti, ei suoi meriti attirarono alla scuola di David non solo pittori francesi, incisori, scultori stranieri, che in seguito diffusero gli insegnamenti di David in tutta Europa. In un tempo relativamente breve ebbe più di 400 discepoli e la sua influenza sopravvisse a molti decenni, ma con continue modifiche; Inizialmente, tuttavia, era accademico nel senso stretto del termine e pseudo-classico, perché rappresentava la vita antica come fredda e impassibile, e anche perché trasferiva l'antico K. su un terreno moderno per esso insolito (in quadri di vita moderna ), cercando di spersonalizzare l'individualità caratteristica di posture, movimenti, forme ed espressioni e dare loro tipi che soddisfino le regole canoniche che si potrebbero apprendere, come le regole di costruzione dell'arte. David non aveva molto talento; probabilmente non sarebbe stato in grado di dare all'espressione delle passioni la loro vera forma, ha portato nei suoi dipinti molta più riflessione che immaginazione e sentimenti, ma il suo successo è dovuto alle ragioni sopra spiegate. La società era affascinata da una rappresentazione così fedele dell'antico; l'incipriamento dei capelli e gli accessori di fantasia del costume rococò furono abbandonati, divennero di moda i costumi femminili, simili alle tuniche greche. Alcuni dei discepoli di David (les Primitives) iniziarono a vestirsi come Parigi e Agamennone. Al tempo del Direttorio, ai rappresentanti del popolo veniva addirittura prescritto un taglio di vestiario, che, se possibile, si avvicinava a quello antico. Quando David dipinse il suo dipinto "Le Sabine", il fascino per l'antico era tale che tre donne della migliore società posarono per l'artista per le modelle. Alla fine del quadro, David lo espose separatamente, una descrizione dettagliata che spiegava al pubblico il motivo per cui gli eroi del quadro erano raffigurati nudi; l'autore era sicuro che Greci e Romani avrebbero trovato la sua immagine conforme alle loro usanze. La mostra è stata visitata per 5 anni, consegnato all'artista più di 65.000 franchi e lode generale. Tuttavia Napoleone, che non conosceva la pittura, ma conosceva la guerra e il soldato, notò giustamente che i romani di David combattevano in modo troppo impassibile. Alla fine del regno di Napoleone, David completò (1814) il lungo concepimento e iniziò a dipingere "Leonida alle Termopili" - un'opera accademica, senza vita e verità; ciò che David voleva e ciò che doveva essere espresso nella figura e nel volto di Leonida superava di gran lunga i mezzi dell'artista, che era sempre superficiale nell'esprimere i sentimenti. Tuttavia, lui stesso era soddisfatto dell'espressione della testa di Leonid ed era sicuro che nessun altro potesse esprimere in essa ciò che esprimeva.

Vienne, i cui meriti sono stati menzionati sopra, non fu l'unica a capire che l'arte del 18° secolo stessa lottava per la sua caduta nei suoi estremi. Quasi contemporaneamente a Vienne e Pierre Perron (1744-1815) tentarono di riportare l'arte allo studio dell'antiquariato e della natura. Nello stesso anno con David espone anche La morte di Socrate, ma in quest'opera rimane con molto del vecchio, sia in termini di composizione che nell'interpretazione di forme e drappeggi. Jean Joseph Tagliason, allievo di Vienne, capì e ritrasse il mondo antico, come Racine e Corneille nelle loro tragedie. Guillaume Guillon Lethière (1760-1832), per dieci anni direttore dell'Accademia di Francia a Roma, scrisse Bruto (1801) come David, ma in un momento diverso; corpi nudi e drappeggi sono realizzati dopo le sculture romane nello spirito della riforma davidica. Un'altra immagine - "The Death of Virginia", concepita nel 1795, fu completata solo nel 1831, quando le tendenze di K. stavano già diventando obsolete. Guillaume Menajo (1744-1816), anche lui per lungo tempo direttore dell'Accademia di Roma, si fermò esitante tra il vecchio e il nuovo. Gli unici artisti che non sono scomparsi nell'ombra sotto David sono stati Jean Baptiste Regnault (1754-1829) e François-André Vincent (1746-1816). Il primo, pur conservando per tutta la vita una predilezione per le grazie e le ninfe del Settecento, tuttavia, giunto a Roma fin da giovane, partecipò alla tendenza generale verso l'antico. Il suo The Education of Achilles (1783) gli diede un nome. In generale, ha promesso di competere con David, che all'inizio ha persino superato in termini di colore. Tra gli altri suoi dipinti del mondo antico, chiameremo "La morte di Cleopatra", "Alcibiade e Socrate", "Pigmalione", "Toilette di Venere", "Ercole e Alceste"; Regnault dipinse anche dipinti storici moderni, aderendo alle opinioni di David. Vincent, un discepolo di Vienne, come David, si fece un nome prima che David apparisse con le sue opere principali. Vincent, sotto la guida di Vien, contribuì anche al miglioramento del disegno e dello studio delle forme, ma condivideva le carenze della nuova direzione in relazione alla teatralità delle pose e all'inerzia del colore. I suoi soggetti preferiti sono tratti dalla storia nazionale, fu precursore e capo di artisti successivi di questo genere e, tra l'altro, Horace Vernet. Dai dipinti di Vincent, chiameremo: "Belisarius che chiede l'elemosina", "Zevskis che sceglie il suo modello tra le ragazze di Crotone", "Enrico IV e Sully", "Battaglia sotto le piramidi". Un paladino ancora più risoluto della direzione classica fu Pierre Guerin (1774-1833), uscito dalla scuola di Regnault. Il suo dipinto "Marco Sesto che torna dall'esilio" (1799) fece quasi la stessa forte impressione sulla società di "Orazio" di alcuni anni fa, perché il suo aspetto coincise con l'era del ritorno degli emigranti francesi in patria. È degno di nota che questo quadro ritrasse prima il cieco Belisario, che tornava dalla sua famiglia, poi si aprirono gli occhi della figura principale e ella fu trasformata in Sesto. Nel 1802 fu esposto il dipinto Ippolito, Fedra e Teseo, poi Andromaca (1808), Enea e Didone (1817). Il personaggio principale delle opere di Guerin è l'accostamento tra la teatralità dell'epoca e la scultura, e in questo genere l'artista era molto fantasioso; la sua pittura era fredda. Di questi dipinti, in cui per i personaggi principali ha preso come modelli le allora celebrità teatrali, l'attore Talma e l'attrice Duchenois, quest'ultima è ancora migliore delle altre.

Dalla scuola di David venne Drouet (1763-1788), su cui il maestro nutriva grandi speranze; il suo dipinto "Mary at Manturn" è stato un successo, ma ora sembra senz'anima e anche con figure teatrali condizionate. In esecuzione - un dipinto come quello di David. Un altro allievo di David - Girodet de Triozon (1767-1824) all'inizio era più appassionato di mitologia greca che di storia romana. Il suo "Sleeping Endymion", in cui il chiaro di luna dava origine a un po' di colore, fu ben accolto dal pubblico, ma nella figura è visibile la mancanza di scuola. Nel suo Ippocrate è visibile la teatralità dei movimenti. Nel 1806 espose una scena del Diluvio, raffigurante le calamità morenti di un gruppo di persone in cerca di salvezza; per quest'opera l'artista ricevette nel 1810 il Premio Napoleonico, nominato per la migliore opera dell'ultimo decennio. La critica moderna ha visto nell'artista una combinazione di Michelangelo e Raffaello, e ora il suo quadro sembra essere una composizione accademica e artificiale, ma con un tocco di passione; ora mi piacciono di più i suoi "Atala e Shakta". Gerard (1770-1830) - anche lui allievo di David - ricevette la sua prima fama con il dipinto "Belisarius (una trama preferita di quel tempo), portando il suo compagno" (1791) - una delle migliori opere della direzione classica; fu un grande successo, ma la sua Psiche fu accolta meno bene. Gerard divenne famoso come ritrattista e, infatti, un confronto dei ritratti della sua opera con i ritratti del 18° secolo, ad esempio Hyacinthe Rigaud (1659-1743), mostra un enorme passo verso la semplicità e la naturalezza, poiché Rigaud modella il suo i ritratti, a volte artificiali e teneri, a volte solenni, spesso attaccavano anche gli attributi di divinità mitologiche. Anche i ritratti di Greuze e Louise Vigée-Lebrun, a causa della mancanza di individualità caratteristica nel volto raffigurato e di alcune generalizzazioni di tipi eterogenei, propongono ritratti di Gerard. Robert Lefebvre e Keansom, contemporanei di Gerard, ritrattisti alla moda che hanno cercato di compiacere i loro modelli più di quanto non perseguissero la verità, sono ora dimenticati, Gerard conta ancora, sebbene la vitalità dei suoi ritratti sia lungi dall'essere così profonda come nelle opere del grandi maestri. . La ritrattista Isaba, della scuola di David, le deve un buon disegno, ma i suoi dipinti non hanno grande merito. L'artista più significativo uscito dalla bottega di David è Gros (1771-1835), ma la sua fama si basa su opere in cui non ha seguito i consigli del suo maestro. I suoi motivi classici: "Saffo che si getta in mare", "Arianna e Bacco", "Ercole che lancia il suo cavallo a Diomede" (1835) mostrano la sua incapacità a questo genere, mentre "La battaglia di Abukir", "Peste a Giaffa" rappresentati un tempo un grande movimento verso la comprensione della realtà, mostrano grande talento, osservazione e il potere di rappresentare ciò che si vede in natura. È sorprendente come Gro non capisse la natura del suo talento e, obbedendo completamente alle opinioni del suo insegnante, considerasse, insieme a lui, il contenuto delle immagini della vita moderna come qualcosa di accidentale e il loro interesse per l'arte fosse transitorio. "Leggi Plutarco", disse ripetutamente David e gli scrisse, "lì troverai campioni degni del tuo pennello". Gro era molto rispettato dai suoi compatrioti, alcuni critici vedevano esageratamente in lui una combinazione di Rubens e Veronese, la sua scuola formò fino a 400 artisti. Ma quando Gro rinunciò alle sue opere migliori e insegnò a seguire David in tutto, e lui stesso tornò alla prima occasione alle materie classiche, con le quali, tuttavia, affrontò così senza successo, perse ogni significato per i suoi contemporanei. Un altro dei talentuosi studenti di David, Francois-Xavier Fabre (1766-1837), che scrisse nel genere classico: "Edipo nella colonna", "Morte di Narciso", "Neoptolem e Ulisse", ecc., non giustificava le speranze dei suoi maestri. Nei dipinti storici, dipinti costantemente sotto il ricordo delle lezioni scolastiche, anche lui non si alzò e negli ultimi anni della sua attività si limitò a paesaggi e ritratti. Jean-Baptiste Vicard (1762-1834), che scrisse, tra l'altro, "Oreste e Pilade" ed "Elettra", "Virgilio legge l'Eneide ad Augusto", trascorse gran parte della sua vita in Italia, non ebbe un'influenza diretta sull'arte francese con le sue opere, ma la sua attività si nota sotto un altro aspetto (vedi Vikar). Degli altri seguaci di K. - Louis Duci (1773-1847) scrisse su motivi della mitologia; Philippe-August Hennequin (1763-1833), Claude Gauthereau (1765-1825), Charles Thévenin (1760-1838), Jean-Baptiste Debray (1763-1845), Charles Meunier (1768-1832) e alcuni altri scrissero antiquariato e allegorico , in parte dipinti storici, in parte ritratti. Quasi tutti questi artisti, che hanno aderito al mondo dell'ideale, dal punto di vista delle forme accademiche K., non avevano abbastanza talento per dar loro vita reale. Alcuni di loro furono pittori ufficiali di chiese e monasteri e dei plafoni del Louvre. Alcuni di loro e un altro gruppo raffigurarono in proporzioni monumentali battaglie, scene e parate militari, personaggi regnanti in varie epoche della loro vita e attività. Lo stesso si può dire degli studenti di Regno e Vincent, ma tutti avevano per la maggior parte modelli di David e Gros, che, dopo l'espulsione di David dalla Francia nel 1815, divenne il rappresentante ufficiale della pittura francese; nessuno aveva un talento speciale e nessuno osava essere originale, con rare e deboli eccezioni.

Quando David era al culmine della sua influenza, sia artistica che sociale, pochi artisti mantennero il loro isolamento. Pierre-Paul Prudhon (1758-1823), sebbene abbia preso soggetti dalla mitologia ("Grazie", "Afrodite", "Psiche", "Zefiri", "Adonis"), ha animato questo materiale con il suo sentimento e possedeva il colore di vita. Il suo atteggiamento nei confronti della scuola di David è evidente dalla sua recensione di Drouet, uno degli studenti più capaci di David. “Nelle immagini e nel teatro si possono vedere persone raffiguranti passioni, che però, senza esprimere il carattere insito nell'oggetto che rappresentano, sembrano recitare una commedia e solo parodiare ciò che dovrebbero essere”. David, riconoscendo il talento di Prudhon, lo definì ingiustamente un moderno Boucher; Prudhon possedeva una comprensione delle forme e dei movimenti naturali sconosciuti a Boucher, che spesso dipingeva dipinti complessi senza natura, ma che si vantava di poter piegare con grazia un braccio o una gamba. Dei dipinti di Prudhon, uno ("Il crimine perseguito da giustizia e vendetta"), in termini di passione e potenza espressiva e colore, è considerato foriero di una nuova direzione, che però fu scoperta solo quindici anni dopo. È degno di nota che nello stesso anno (1808) il pubblico conobbe il dipinto di Girodet "Atala e Shaktas", la cui trama fu presa da Chateaubriand, e non dalla storia o dal mondo antico, come facevano tutti in quell'epoca , - un dipinto che differiva per colore dalle normali opere della scuola di David. Ma per tutto il tempo, eccezionalmente originale per quel tempo, l'attività di Prudhon non scosse minimamente la scuola di David.

1. Introduzione.Il classicismo come metodo artistico...................................2

2. Estetica del classicismo.

2.1. Principi di base della classicità ................................…………….….....5

2.2. L'immagine del mondo, il concetto di personalità nell'arte del classicismo...…...5

2.3. Natura estetica del classicismo ................................................ ................ ........9

2.4. Il classicismo in pittura ............................................... ........ ................................ quindici

2.5. Il classicismo nella scultura ................................................ .............................................16

2.6. Il classicismo in architettura ............................................... ................ ..................... diciotto

2.7. Il classicismo nella letteratura ................................................ ................... .......................venti

2.8. Il classicismo nella musica ................................................ .............................................22

2.9. Il classicismo in teatro ................................................ .................................................22

2.10. L'originalità del classicismo russo ............................................... ................. ....22

3. Conclusione……………………………………...…………………………...26

Bibliografia..............................…….………………………………….28

Applicazioni ........................................................................................................29

1. Il classicismo come metodo artistico

Il classicismo è uno dei metodi artistici realmente esistiti nella storia dell'arte. A volte è indicato dai termini "direzione" e "stile". Classicismo (fr. classicismo, dal lat. classico- esemplare) - uno stile artistico e una tendenza estetica nell'arte europea del XVII-XIX secolo.

Il classicismo si basa sulle idee del razionalismo, che si sono formate contemporaneamente alle stesse idee nella filosofia di Cartesio. Un'opera d'arte, dal punto di vista del classicismo, dovrebbe essere costruita sulla base di rigidi canoni, rivelando così l'armonia e la logica dell'universo stesso. Di interesse per il classicismo è solo l'eterno, immutabile: in ogni fenomeno, cerca di riconoscere solo caratteristiche essenziali e tipologiche, scartando caratteristiche individuali casuali. L'estetica del classicismo attribuisce grande importanza alla funzione sociale ed educativa dell'arte. Il classicismo prende molte regole e canoni dall'arte antica (Aristotele, Orazio).

Il classicismo stabilisce una rigida gerarchia di generi, che si dividono in alti (ode, tragedia, epica) e bassi (commedia, satira, favola). Ogni genere ha caratteristiche rigorosamente definite, la cui mescolanza non è consentita.

Il concetto di classicismo come metodo creativo implica un modo storicamente condizionato di percezione estetica e modellazione della realtà nelle immagini artistiche: l'immagine del mondo e il concetto di personalità, i più comuni per la coscienza estetica di massa di una data epoca storica, sono incarnato in idee sull'essenza dell'arte verbale, il suo rapporto con la realtà, le sue stesse leggi interne.

Il classicismo nasce e si forma in determinate condizioni storiche e culturali. La convinzione di ricerca più comune collega la classicità con le condizioni storiche del passaggio dalla frammentazione feudale a un'unica statualità nazionale-territoriale, nella cui formazione la monarchia assoluta gioca un ruolo accentratore.

Il classicismo è una fase organica nello sviluppo di qualsiasi cultura nazionale, nonostante il fatto che culture nazionali diverse attraversino la fase classica in tempi diversi, a causa dell'individualità della variante nazionale della formazione di un modello sociale generale di stato centralizzato.

Il quadro cronologico per l'esistenza del classicismo nelle diverse culture europee è definito come la seconda metà del XVII - il primo trentennio del XVIII secolo, nonostante le prime tendenze classicistiche siano palpabili alla fine del Rinascimento, a cavallo tra dei secoli XVI-XVII. Entro questi limiti cronologici, il classicismo francese è considerato l'incarnazione standard del metodo. Strettamente associato al fiorire dell'assolutismo francese nella seconda metà del XVII secolo, ha dato alla cultura europea non solo i grandi scrittori - Corneille, Racine, Molière, Lafontaine, Voltaire, ma anche il grande teorico dell'arte classica - Nicolas Boileau-Depreau . Essendo lui stesso uno scrittore praticante che si è guadagnato la fama nella sua vita con le sue satire, Boileau era famoso principalmente per aver creato il codice estetico del classicismo - il poema didattico "Arte poetica" (1674), in cui ha fornito un concetto teorico coerente di creatività letteraria, derivato dalla pratica letteraria dei suoi contemporanei. Così, il classicismo in Francia divenne l'incarnazione più consapevole del metodo. Da qui il suo valore di riferimento.

I presupposti storici per l'emergere del classicismo collegano i problemi estetici del metodo con l'era dell'aggravamento del rapporto tra individuo e società in procinto di diventare uno stato autocratico, che, sostituendo il permissivismo sociale del feudalesimo, cerca di regolare il diritto e distinguere nettamente tra la sfera della vita pubblica e quella privata e il rapporto tra individuo e Stato. Ciò definisce l'aspetto contenutistico dell'art. I suoi principi fondamentali sono motivati ​​dal sistema di visioni filosofiche dell'epoca. Formano un'immagine del mondo e del concetto di personalità, e già queste categorie sono incarnate nella totalità delle tecniche artistiche della creatività letteraria.

I concetti filosofici più generali presenti in tutte le correnti filosofiche della seconda metà del XVII - fine XVIII secolo. e direttamente correlati all'estetica e alla poetica del classicismo - questi sono i concetti di "razionalismo" e "metafisica", rilevanti per gli insegnamenti filosofici sia idealisti che materialistici di questo tempo. Il fondatore della dottrina filosofica del razionalismo è il matematico e filosofo francese René Descartes (1596-1650). La tesi fondamentale della sua dottrina: "Penso, quindi esisto" - si concretizzò in molte correnti filosofiche dell'epoca, accomunate dal nome comune "Cartesianesimo" (dalla versione latina del nome Descartes - Cartesius). questa è una tesi idealistica, poiché deriva l'esistenza materiale da un'idea. Tuttavia, il razionalismo, come interpretazione della ragione come capacità spirituale primaria e più alta di una persona, è ugualmente caratteristico delle correnti filosofiche materialistiche dell'epoca - come, ad esempio, il materialismo metafisico della scuola filosofica inglese di Bacon-Locke , che riconosceva l'esperienza come fonte di conoscenza, ma la poneva al di sotto dell'attività generalizzante e analitica della mente, estraendo dalla moltitudine di fatti ottenuti dall'esperienza l'idea più alta, un mezzo per modellare il cosmo - la realtà più alta - dal caos dei singoli oggetti materiali.

Ad entrambe le varietà di razionalismo - idealistico e materialistico - è ugualmente applicabile il concetto di "metafisica". Geneticamente risale ad Aristotele, e nel suo insegnamento filosofico denotava un ramo della conoscenza che esplora l'inaccessibile ai sensi e solo razionalmente speculativamente compreso dai principi più alti e immutabili di tutto ciò che esiste. Sia Cartesio che Bacone usarono il termine in senso aristotelico. In tempi moderni, il concetto di "metafisica" ha acquisito un significato aggiuntivo ed è arrivato a denotare un modo di pensare antidialettico che percepisce fenomeni e oggetti senza la loro interconnessione e sviluppo. Storicamente, questo caratterizza in modo molto accurato le peculiarità del pensiero dell'era analitica dei secoli XVII-XVIII, il periodo di differenziazione della conoscenza scientifica e dell'arte, quando ogni ramo della scienza, distinguendosi dal complesso sincretico, acquisiva una propria materia separata, ma allo stesso tempo ha perso la sua connessione con altri rami della conoscenza.

2. Estetica del classicismo

2.1. Principi di base della classicità

1. Il culto della ragione 2. Il culto del dovere civico 3. Il richiamo ai soggetti medievali 4. Astrazione dalla rappresentazione del quotidiano, dall'identità storica nazionale 5. Imitazione di campioni antichi 6. Armonia compositiva, simmetria, unità di un'opera dell'arte 7. Gli eroi sono portatori di una caratteristica principale, data lo sviluppo esterno 8. L'antitesi come tecnica principale per creare un'opera d'arte

2.2. Visione del mondo, concetto di personalità

nell'arte del classicismo

L'immagine del mondo generata dal tipo razionalistico di coscienza divide nettamente la realtà in due livelli: empirico e ideologico. Il mondo materiale-empirico esterno, visibile e tangibile è costituito da molti oggetti materiali e fenomeni separati che non sono collegati tra loro in alcun modo: questo è un caos di singole entità private. Tuttavia, al di sopra di questa moltitudine caotica di oggetti individuali, esiste la loro ipostasi ideale: un insieme armonioso e armonioso, l'idea universale dell'universo, che include l'immagine ideale di qualsiasi oggetto materiale nella sua forma più alta, purificata dai particolari, eterna e immutabile forma: nel modo in cui dovrebbe essere secondo l'intenzione originaria del Creatore. Questa idea generale può essere compresa in modo razionale-analitico solo purificando gradualmente un oggetto o un fenomeno dalle sue forme specifiche e dall'aspetto e penetrando nella sua essenza e scopo ideali.

E poiché l'idea precede la creazione, e la condizione indispensabile e la fonte dell'esistenza è il pensiero, questa realtà ideale ha il più alto carattere primario. È facile vedere che gli schemi principali di un simile quadro della realtà a due livelli si proiettano molto facilmente sul principale problema sociologico del periodo di transizione dalla frammentazione feudale alla statualità autocratica: il problema del rapporto tra l'individuo e lo stato . Il mondo delle persone è il mondo dei singoli esseri umani privati, caotico e disordinato, lo stato è un'idea armoniosa globale che crea un ordine mondiale ideale armonioso e armonioso dal caos. È questo quadro filosofico del mondo dei secoli XVII-XVIII. ha determinato aspetti sostanziali dell'estetica del classicismo come il concetto di personalità e la tipologia del conflitto, universalmente caratteristici (con le necessarie variazioni storiche e culturali) per il classicismo in qualsiasi letteratura europea.

Nel campo delle relazioni umane con il mondo esterno, il classicismo vede due tipi di connessioni e posizioni: gli stessi due livelli che compongono l'immagine filosofica del mondo. Il primo livello è la cosiddetta "persona naturale", un essere biologico, che sta insieme a tutti gli oggetti del mondo materiale. Questa è un'entità privata, posseduta da passioni egoistiche, disordinata e senza restrizioni nel suo desiderio di garantire la propria esistenza personale. A questo livello di connessioni umane con il mondo, la categoria guida che determina l'immagine spirituale di una persona è la passione, cieca e sfrenata nel suo desiderio di realizzazione in nome del raggiungimento del bene individuale.

Il secondo livello del concetto di personalità è la cosiddetta "persona sociale", armoniosamente inserita nella società nella sua immagine più alta, ideale, consapevole che il suo bene è parte integrante del bene comune. Una "persona pubblica" è guidata nella sua visione del mondo e nelle sue azioni non dalle passioni, ma dalla ragione, poiché è la ragione che è la più alta capacità spirituale di una persona, dandogli l'opportunità di un'autodeterminazione positiva nelle condizioni di una comunità umana sulla base delle norme etiche di una vita comunitaria coerente. Così, il concetto di personalità umana nell'ideologia del classicismo si rivela complesso e contraddittorio: una persona naturale (appassionata) e sociale (ragionevole) è lo stesso carattere, lacerato da contraddizioni interne e in una situazione di scelta .

Da qui - il conflitto tipologico dell'arte del classicismo, che deriva direttamente da un tale concetto di personalità. È del tutto evidente che la fonte della situazione di conflitto è proprio il carattere della persona. Il carattere è una delle categorie estetiche centrali del classicismo e la sua interpretazione è significativamente diversa dal significato che la coscienza moderna e la critica letteraria attribuiscono al termine "carattere". Nella comprensione dell'estetica del classicismo, il carattere è proprio l'ipostasi ideale di una persona, cioè non il magazzino individuale di una particolare personalità umana, ma una certa visione universale della natura umana e della psicologia, nella sua essenza senza tempo. Solo in questa forma di attributo umano eterno, immutabile, universale, il carattere potrebbe essere un oggetto dell'arte classica, inequivocabilmente correlato al livello più alto e ideale della realtà.

Le componenti principali del carattere sono le passioni: amore, ipocrisia, coraggio, avarizia, senso del dovere, invidia, patriottismo, ecc. È dal predominio di una passione che il personaggio è determinato: "innamorato", "avaro", "invidioso", "patriota". Tutte queste definizioni sono appunto "caratteri" nella comprensione della coscienza estetica classica.

Tuttavia, queste passioni non si equivalgono, sebbene secondo i concetti filosofici dei secoli XVII-XVIII. tutte le passioni sono uguali, poiché provengono tutte dalla natura umana, sono tutte naturali, e non è possibile decidere quale passione è coerente con la dignità etica di una persona e quale no, non può una singola passione di per sé. Queste decisioni sono prese solo dalla mente. Mentre tutte le passioni sono ugualmente categorie di vita spirituale emotiva, alcune di esse (come l'amore, l'avarizia, l'invidia, l'ipocrisia, ecc.) sono sempre più difficili da concordare con i dettami della ragione e sono più legate al concetto di bene egoistico . Altri (coraggio, senso del dovere, onore, patriottismo) sono più soggetti al controllo razionale e non contraddicono l'idea del bene comune, l'etica dei legami sociali.

Così si scopre che le passioni ragionevoli e irragionevoli, altruistiche ed egoistiche, personali e pubbliche si scontrano in conflitto. E la ragione è la più alta capacità spirituale di una persona, uno strumento logico e analitico che permette di controllare le passioni e distinguere il bene dal male, la verità dalla menzogna. Il tipo più comune di conflitto classico è una situazione di conflitto tra inclinazione personale (amore) e senso del dovere verso la società e lo stato, che per qualche ragione esclude la possibilità di realizzare la passione amorosa. È abbastanza ovvio che per sua natura si tratta di un conflitto psicologico, sebbene una condizione necessaria per la sua attuazione sia una situazione in cui gli interessi dell'individuo e della società si scontrano. Questi aspetti ideologici più importanti del pensiero estetico dell'epoca trovarono la loro espressione nel sistema di idee sulle leggi della creatività artistica.

2.3. Natura estetica del classicismo

I principi estetici del classicismo hanno subito cambiamenti significativi durante la sua esistenza. Una caratteristica di questa tendenza è il culto dell'antichità. L'arte dell'Antica Grecia e dell'Antica Roma era considerata dai classicisti un modello ideale di creatività artistica. La "Poetica" di Aristotele e l'"Arte della poesia" di Orazio hanno avuto una grande influenza sulla formazione dei principi estetici del classicismo. Qui c'è la tendenza a creare immagini sublimemente eroiche, ideali, razionalisticamente chiare e plasticamente completate. Di norma, nell'arte del classicismo, gli ideali politici, morali ed estetici moderni sono incarnati in personaggi, conflitti, situazioni presi in prestito dall'arsenale della storia antica, della mitologia o direttamente dall'arte antica.

L'estetica del classicismo ha orientato poeti, artisti, compositori alla creazione di opere d'arte che si distinguono per chiarezza, logica, rigoroso equilibrio e armonia. Tutto questo, secondo i classicisti, si rifletteva pienamente nell'antica cultura artistica. Per loro ragione e antichità sono sinonimi. Il carattere razionalistico dell'estetica del classicismo si manifestava nella tipizzazione astratta delle immagini, nella rigida regolamentazione dei generi e delle forme, nell'interpretazione del patrimonio artistico antico, nel richiamo dell'arte alla ragione, e non ai sentimenti, nel desiderio subordinare il processo creativo a norme, regole e canoni incrollabili (norma - dal lat. norma - principio guida, regola, modello; regola generalmente accettata, modello di comportamento o azione).

Come in Italia, i principi estetici del Rinascimento hanno trovato la loro espressione più tipica, così nella Francia del XVII secolo. - principi estetici della classicità. Entro il 17° secolo la cultura artistica d'Italia ha in gran parte perso la sua precedente influenza. Ma lo spirito innovativo dell'arte francese era chiaramente indicato. In questo momento, in Francia si formò uno stato assolutista, che unì la società e il potere centralizzato.

Il rafforzamento dell'assolutismo significò la vittoria del principio di regolamentazione universale in tutti gli ambiti della vita, dall'economia alla vita spirituale. Il debito è il principale regolatore del comportamento umano. Lo Stato incarna questo dovere e agisce come una specie di entità alienata dall'individuo. La sottomissione allo stato, l'adempimento del dovere pubblico è la virtù più alta dell'individuo. Una persona non è più considerata libera, come era tipico della visione del mondo rinascimentale, ma come subordinata a norme e regole a lui estranee, limitata da forze al di fuori del suo controllo. La forza regolatrice e limitante appare nella forma di una mente impersonale, alla quale l'individuo deve obbedire e agire, seguendo i suoi comandi e prescrizioni.

L'alto aumento della produzione ha contribuito allo sviluppo delle scienze esatte: matematica, astronomia, fisica, e questo, a sua volta, ha portato alla vittoria del razionalismo (dal latino ratio - mente) - una direzione filosofica che riconosce la mente come base della conoscenza e del comportamento umano.

Le idee sulle leggi della creatività e sulla struttura di un'opera d'arte sono dovute allo stesso tipo di visione del mondo epocale dell'immagine del mondo e del concetto di personalità. La ragione, come la più alta capacità spirituale dell'uomo, è pensata non solo come strumento di conoscenza, ma anche come organo di creatività e fonte di piacere estetico. Uno dei leitmotiv più sorprendenti dell'Arte Poetica di Boileau è la natura razionale dell'attività estetica:

Il classicismo francese affermava la personalità di una persona come il valore più alto dell'essere, liberandola dall'influenza religiosa e ecclesiastica.

L'interesse per l'arte dell'antica Grecia e di Roma emerse già nel Rinascimento, che, dopo secoli di medioevo, si volse alle forme, ai motivi e agli intrecci dell'antichità. Il più grande teorico del Rinascimento, Leon Batista Alberti, risale al XV secolo. espresse idee che prefiguravano alcuni principi del classicismo e si manifestarono pienamente nell'affresco di Raffaello "La scuola di Atene" (1511).

La sistematizzazione e il consolidamento delle conquiste dei grandi artisti rinascimentali, soprattutto fiorentini guidati da Raffaello e dal suo allievo Giulio Romano, costituirono il programma della scuola bolognese di fine Cinquecento, i cui rappresentanti più caratteristici furono i fratelli Carracci. Nella loro influente Accademia delle Arti, i bolognesi predicavano che la via verso le vette dell'arte passava attraverso uno studio scrupoloso dell'eredità di Raffaello e Michelangelo, imitazione della loro maestria nel tratto e nella composizione.

Seguendo Aristotele, il classicismo considerava l'arte un'imitazione della natura:

Tuttavia, la natura non è stata affatto intesa come un'immagine visiva del mondo fisico e morale, che appare ai sensi, ma proprio come la più alta essenza intelligibile del mondo e dell'uomo: non un carattere specifico, ma la sua idea, non un reale -trama storica o moderna, ma una situazione di conflitto umano universale, non dato il paesaggio, ma l'idea di una combinazione armoniosa di realtà naturali in un'unità idealmente bella. Il classicismo ha trovato un'unità così idealmente bella nella letteratura antica: è stato percepito dal classicismo come l'apice già raggiunto dell'attività estetica, lo standard eterno e immutabile dell'arte, che ha ricreato nei suoi modelli di genere quella più alta natura ideale, fisica e morale, che l'arte dovrebbe imitare. Accadde così che la tesi sull'imitazione della natura si trasformò in una ricetta per imitare l'arte antica, da cui derivava il termine stesso “classicismo” (dal latino classicus - esemplare, studiato a lezione):

Così, la natura nell'arte classica appare non tanto riprodotta quanto modellata su un modello elevato - "decorata" dall'attività analitica generalizzante della mente. Per analogia si può ricordare il cosiddetto parco “regolare” (cioè “corretto”), dove gli alberi sono tagliati a forma di forme geometriche e seduti simmetricamente, i vialetti che hanno la forma corretta sono disseminati di ciottoli multicolori , e l'acqua è racchiusa in pozze e fontane di marmo. Questo stile di arte del giardinaggio paesaggistico raggiunse il suo apice proprio nell'era del classicismo. Dal desiderio di presentare la natura come “decorata”, deriva il predominio assoluto della poesia sulla prosa nella letteratura del classicismo: se la prosa è identica alla semplice natura materiale, allora la poesia, come forma letteraria, è certamente una natura ideale “decorata” .

In tutte queste idee sull'arte, cioè come attività spirituale razionale, ordinata, normalizzata, si realizzava il principio gerarchico del pensiero dei secoli XVII-XVIII. Al suo interno, anche la letteratura si è rivelata suddivisa in due ranghi gerarchici, basso e alto, ciascuno dei quali è stato tematicamente e stilisticamente associato a un livello - materiale o ideale - della realtà. Satira, commedia, favola erano classificati come generi bassi; ad alto - ode, tragedia, epica. Nei generi bassi è raffigurata la realtà materiale quotidiana e una persona privata appare nelle connessioni sociali (allo stesso tempo, ovviamente, sia una persona che la realtà sono ancora le stesse categorie concettuali ideali). Negli alti generi, una persona è presentata come un essere spirituale e sociale, nell'aspetto esistenziale della sua esistenza, solo e insieme ai fondamenti eterni delle questioni dell'essere. Pertanto, per i generi alti e bassi, è risultata rilevante non solo la differenziazione tematica, ma anche di classe in base all'appartenenza del personaggio all'uno o all'altro strato sociale. L'eroe dei generi bassi è una persona della classe media; alto eroe - una persona storica, un eroe mitologico o un personaggio immaginario di alto rango - di regola, un sovrano.

Nei generi bassi, i personaggi umani sono formati da passioni quotidiane di base (avarizia, ipocrisia, ipocrisia, invidia, ecc.); negli alti generi, le passioni acquisiscono un carattere spirituale (amore, ambizione, vendetta, senso del dovere, patriottismo, ecc.). E se le passioni quotidiane sono inequivocabilmente irragionevoli e viziose, allora le passioni esistenziali sono divise in ragionevoli - pubbliche e irragionevoli - personali e lo status etico dell'eroe dipende dalla sua scelta. È inequivocabilmente positivo se preferisce una passione razionale, e inequivocabilmente negativo se ne sceglie una irragionevole. Il classicismo non ammetteva semitoni nella valutazione etica - e questo risentiva anche della natura razionalistica del metodo, che escludeva ogni mescolanza di alto e basso, tragico e comico.

Poiché nella teoria dei generi del classicismo quei generi che raggiunsero la massima fioritura nella letteratura antica furono legittimati come i principali e la creatività letteraria fu concepita come una ragionevole imitazione di standard elevati, il codice estetico del classicismo acquisì un carattere normativo. Ciò significa che il modello di ogni genere è stato stabilito una volta per tutte in un chiaro insieme di regole, da cui era inaccettabile discostarsi, e ogni specifico testo è stato valutato esteticamente in base al grado di rispondenza a questo modello di genere ideale.

Antichi esempi divennero fonte di regole: l'epopea di Omero e Virgilio, la tragedia di Eschilo, Sofocle, Euripide e Seneca, la commedia di Aristofane, Menandro, Terenzio e Plauto, l'ode di Pindaro, la favola di Esopo e Fedro, la satira di Orazio e Giovenale. Il caso più tipico ed illustrativo di tale regolamentazione del genere è, naturalmente, le regole per il genere classico principale, le tragedie, tratte sia dai testi degli antichi tragici che dalla Poetica di Aristotele.

Per la tragedia, una forma poetica ("versetto alessandrino" - un giambico di sei piedi con un paio di rime), una costruzione obbligatoria in cinque atti, tre unità - tempi, luoghi e azioni, uno stile elevato, una trama storica o mitologica e un conflitto, che suggeriva una situazione obbligata di scelta tra ragionevole e irragionevole, furono canonizzati la passione, e lo stesso processo di scelta avrebbe dovuto costituire l'azione della tragedia. È nella sezione drammatica dell'estetica del classicismo che razionalismo, gerarchia e normatività del metodo si esprimono con la massima completezza ed evidenza:

Tutto ciò che è stato detto sopra sull'estetica del classicismo e sulla poetica della letteratura classica in Francia si applica ugualmente a quasi tutte le varietà europee del metodo, poiché il classicismo francese è stato storicamente la prima ed esteticamente la più autorevole incarnazione del metodo. Ma per il classicismo russo, queste disposizioni teoriche generali hanno trovato una sorta di rifrazione nella pratica artistica, poiché erano dovute alle caratteristiche storiche e nazionali della formazione di una nuova cultura russa del XVIII secolo.

2.4. Classicismo in pittura

All'inizio del 17° secolo, giovani stranieri accorrevano a Roma per conoscere l'eredità dell'antichità e del Rinascimento. Il posto più importante tra questi è stato occupato dal francese Nicolas Poussin, nei suoi dipinti, principalmente sui temi dell'antichità e della mitologia antica, che ha fornito esempi insuperabili di composizione geometricamente accurata e ponderata correlazione dei gruppi di colori. Un altro francese, Claude Lorrain, nei suoi paesaggi antiquati dei dintorni della "città eterna" ha snellito le immagini della natura armonizzandole con la luce del sole al tramonto e introducendo particolari scene architettoniche.

Il normativismo freddamente razionale di Poussin suscitò l'approvazione della corte di Versailles e fu continuato da pittori di corte come Lebrun, che vedevano nella pittura classica un linguaggio artistico ideale per elogiare lo stato assolutista del "re sole". Sebbene i clienti privati ​​preferissero variazioni del barocco e del rococò, la monarchia francese mantenne a galla il classicismo finanziando istituzioni accademiche come la Scuola di Belle Arti. Il Premio Roma ha offerto agli studenti più talentuosi l'opportunità di visitare Roma per una conoscenza diretta delle grandi opere dell'antichità.

La scoperta della "vera" pittura antica durante gli scavi di Pompei, la divinizzazione dell'antichità da parte dello storico dell'arte tedesco Winckelmann, e il culto di Raffaello predicato dall'artista Mengs, che gli fu vicino per vedute, nella seconda metà del 18° secolo ha dato nuovo respiro al classicismo (nella letteratura occidentale questa fase è chiamata neoclassicismo). Il più grande rappresentante del "nuovo classicismo" fu Jacques-Louis David; il suo linguaggio artistico estremamente laconico e drammatico servì con uguale successo a promuovere gli ideali della Rivoluzione francese ("Morte di Marat") e del Primo Impero ("Dedicazione dell'imperatore Napoleone I").

Nel XIX secolo, la pittura del classicismo entra in un periodo di crisi e diventa una forza frenante lo sviluppo dell'arte, non solo in Francia, ma anche in altri paesi. Ingres ha proseguito con successo la linea artistica di David, pur mantenendo il linguaggio del classicismo nelle sue opere, si è spesso rivolto a trame romantiche dal sapore orientale ("Bagni turchi"); il suo lavoro di ritrattista è caratterizzato da una sottile idealizzazione del modello. Anche artisti di altri paesi (come, ad esempio, Karl Bryullov) hanno infuso lo spirito del romanticismo nelle opere di forma classica; questa combinazione è chiamata accademismo. Numerose accademie d'arte fungevano da terreno fertile. A metà del XIX secolo, la giovane generazione gravitante verso il realismo, rappresentata in Francia dal circolo Courbet, e in Russia dai Wanderers, si ribellò al conservatorismo dell'establishment accademico.

2.5. Il classicismo nella scultura

L'impulso per lo sviluppo della scultura classica a metà del XVIII secolo furono le opere di Winckelmann e gli scavi archeologici delle città antiche, che ampliarono le conoscenze dei contemporanei sulla scultura antica. Al limite del barocco e del classicismo, scultori come Pigalle e Houdon oscillavano in Francia. Il classicismo raggiunse la sua massima incarnazione nel campo dell'arte plastica nelle opere eroiche e idilliache di Antonio Canova, che si ispirò principalmente alle statue di epoca ellenistica (Prassitele). In Russia, Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky, Ivan Martos gravitavano verso l'estetica del classicismo.

I monumenti pubblici, che si diffusero nell'era del classicismo, diedero agli scultori l'opportunità di idealizzare l'abilità militare e la saggezza degli statisti. La fedeltà al modello antico richiedeva agli scultori di raffigurare modelli nudi, il che era in conflitto con gli standard morali accettati. Per risolvere questa contraddizione, le figure della modernità furono inizialmente raffigurate da scultori del classicismo sotto forma di divinità antiche nude: Suvorov - nella forma di Marte, e Polina Borghese - nella forma di Venere. Sotto Napoleone, la questione fu risolta passando all'immagine di figure contemporanee in toghe antiche (come le figure di Kutuzov e Barclay de Tolly davanti alla cattedrale di Kazan).

I clienti privati ​​dell'era del classicismo preferivano perpetuare i loro nomi nelle lapidi. La popolarità di questa forma scultorea fu facilitata dalla sistemazione dei cimiteri pubblici nelle principali città d'Europa. Secondo l'ideale classico, le figure sulle lapidi, di regola, sono in uno stato di profondo riposo. La scultura del classicismo è generalmente estranea ai movimenti bruschi, alle manifestazioni esterne di emozioni come la rabbia.

Il tardo classicismo dell'Impero, rappresentato principalmente dal prolifico scultore danese Thorvaldsen, è intriso di un pathos piuttosto secco. La purezza delle linee, la moderazione dei gesti, l'impassibilità delle espressioni sono particolarmente apprezzate. Nella scelta dei modelli di ruolo, l'enfasi si sposta dall'ellenismo al periodo arcaico. Le immagini religiose stanno diventando di moda, che, nell'interpretazione di Thorvaldsen, fanno un'impressione alquanto agghiacciante sullo spettatore. La scultura tombale del tardo classicismo porta spesso un leggero tocco di sentimentalismo.

2.6. Il classicismo in architettura

La caratteristica principale dell'architettura del classicismo era il richiamo alle forme dell'architettura antica come standard di armonia, semplicità, rigore, chiarezza logica e monumentalità. L'architettura del classicismo nel suo insieme è caratterizzata dalla regolarità della pianificazione e dalla chiarezza della forma volumetrica. L'ordine, in proporzioni e forme vicine all'antichità, divenne la base del linguaggio architettonico del classicismo. Il classicismo è caratterizzato da composizioni simmetriche-assiali, moderazione della decorazione decorativa e un sistema regolare di pianificazione urbana.

Il linguaggio architettonico del classicismo fu formulato alla fine del Rinascimento dal grande maestro veneziano Palladio e dal suo seguace Scamozzi. I veneziani assolutizzarono così tanto i principi dell'architettura dei templi antichi da applicarli anche nella costruzione di ville private come Villa Capra. Inigo Jones portò il palladianesimo nel nord dell'Inghilterra, dove gli architetti palladiani locali seguirono i precetti di Palladio con vari gradi di fedeltà fino alla metà del XVIII secolo.

A quel tempo, l'eccesso di "panna montata" del tardo barocco e del rococò iniziò ad accumularsi tra gli intellettuali dell'Europa continentale. Nato dagli architetti romani Bernini e Borromini, il barocco si è assottigliato nel rococò, uno stile prevalentemente da camera con un'enfasi sulla decorazione d'interni e sulle arti e mestieri. Per risolvere i principali problemi urbani, questa estetica è stata di scarsa utilità. Già sotto Luigi XV (1715-74) a Parigi si costruivano complessi urbanistici in stile “antico romano”, come Place de la Concorde (architetto Jacques-Ange Gabriel) e la Chiesa di Saint-Sulpice, e sotto Luigi XVI (1774-92) un simile “nobile laconicismo” sta già diventando la principale tendenza architettonica.

Gli interni più significativi in ​​stile classicismo furono progettati dallo scozzese Robert Adam, che tornò in patria da Roma nel 1758. Fu molto colpito sia dalle ricerche archeologiche degli scienziati italiani che dalle fantasie architettoniche di Piranesi. Nell'interpretazione di Adam, il classicismo era uno stile che non era affatto inferiore al rococò in termini di raffinatezza degli interni, cosa che gli fece guadagnare popolarità non solo tra i circoli della società di mentalità democratica, ma anche tra l'aristocrazia. Come i suoi colleghi francesi, Adam predicava un completo rifiuto dei dettagli privi di una funzione costruttiva.

Il francese Jacques-Germain Soufflot, durante la costruzione della chiesa di Saint-Geneviève a Parigi, dimostrò la capacità del classicismo di organizzare vasti spazi urbani. L'imponente grandezza dei suoi progetti prefigurava la megalomania dell'impero napoleonico e del tardo classicismo. In Russia, Bazhenov si stava muovendo nella stessa direzione di Soufflet. I francesi Claude-Nicolas Ledoux ed Etienne-Louis Boulet sono andati ancora oltre verso lo sviluppo di uno stile visionario radicale con un'enfasi sulla geometrizzazione astratta delle forme. Nella Francia rivoluzionaria, il pathos civico ascetico dei loro progetti era di scarsa utilità; L'innovazione di Ledoux è stata pienamente apprezzata solo dai modernisti del XX secolo.

Gli architetti della Francia napoleonica trassero ispirazione dalle maestose immagini di gloria militare lasciate dalla Roma imperiale, come l'arco trionfale di Settimio Severo e la Colonna Traiana. Per ordine di Napoleone, queste immagini furono trasferite a Parigi sotto forma dell'arco trionfale di Carruzel e della colonna Vendôme. In relazione ai monumenti di grandezza militare dell'epoca delle guerre napoleoniche si usa il termine "stile imperiale" - stile impero. In Russia, Karl Rossi, Andrey Voronikhin e Andrey Zakharov si sono dimostrati eccezionali maestri dello stile impero. In Gran Bretagna, l'Impero corrisponde al cosiddetto. "Stile Reggenza" (il più grande rappresentante è John Nash).

L'estetica del classicismo ha favorito progetti di sviluppo urbano su larga scala e ha portato a un ordinamento dello sviluppo urbano alla scala di intere città. In Russia quasi tutti i capoluoghi di provincia e molti capoluoghi sono stati riprogrammati secondo i principi del razionalismo classico. Città come San Pietroburgo, Helsinki, Varsavia, Dublino, Edimburgo e molte altre si sono trasformate in veri e propri musei all'aperto del classicismo. In tutto lo spazio, da Minusinsk a Filadelfia, dominava un unico linguaggio architettonico, risalente al Palladio. La costruzione ordinaria è stata eseguita secondo gli album dei progetti standard.

Nel periodo successivo alle guerre napoleoniche, il classicismo dovette fare i conti con l'eclettismo romanticamente colorato, in particolare con il ritorno di interesse per il medioevo e la moda del neogotico architettonico. In connessione con le scoperte di Champollion, i motivi egizi stanno guadagnando popolarità. L'interesse per l'antica architettura romana è sostituito dal rispetto per tutto il greco antico ("neo-greco"), particolarmente pronunciato in Germania e negli Stati Uniti. Gli architetti tedeschi Leo von Klenze e Karl Friedrich Schinkel stanno costruendo, rispettivamente, Monaco e Berlino con grandiosi musei e altri edifici pubblici nello spirito del Partenone. In Francia, la purezza del classicismo è diluita con prestiti gratuiti dal repertorio architettonico del Rinascimento e del Barocco (vedi Beaus-Arts).

2.7. Il classicismo in letteratura

Il poeta francese Francois Malherbe (1555-1628), che riformò la lingua e i versi francesi e sviluppò canoni poetici, è considerato il fondatore della poetica del classicismo. I massimi esponenti del classicismo in drammaturgia furono i tragici Corneille e Racine (1639-1699), il cui tema principale della creatività era il conflitto tra dovere pubblico e passioni personali. Anche i generi "bassi" raggiunsero un alto sviluppo: favola (J. La Fontaine), satira (Boileau), commedia (Molière 1622-1673).

Boileau divenne famoso in tutta Europa come il "legislatore del Parnaso", il più grande teorico del classicismo, che espresse le sue opinioni nel trattato poetico "Arte poetica". Sotto la sua influenza in Gran Bretagna c'erano i poeti John Dryden e Alexander Pope, che fecero dell'alessandrino la forma principale della poesia inglese. Anche la prosa inglese dell'era del classicismo (Addison, Swift) è caratterizzata da una sintassi latinizzata.

Il classicismo del XVIII secolo si sviluppò sotto l'influenza delle idee dell'Illuminismo. L'opera di Voltaire (1694-1778) è diretta contro il fanatismo religioso, l'oppressione assolutista, colma del pathos della libertà. L'obiettivo della creatività è cambiare il mondo in meglio, costruire la società stessa secondo le leggi del classicismo. Dalle posizioni del classicismo, l'inglese Samuel Johnson ha esaminato la letteratura contemporanea, attorno alla quale si è formata una brillante cerchia di persone che la pensano allo stesso modo, tra cui il saggista Boswell, lo storico Gibbon e l'attore Garrick. Tre unità sono caratteristiche delle opere drammatiche: l'unità di tempo (l'azione si svolge un giorno), l'unità di luogo (in un luogo) e l'unità di azione (una trama).

In Russia, il classicismo ebbe origine nel XVIII secolo, dopo le trasformazioni di Pietro I. Lomonosov attuò una riforma del verso russo, sviluppò la teoria delle "tre calme", ​​che era essenzialmente un adattamento delle regole classiche francesi alla lingua russa. Le immagini nel classicismo sono prive di caratteristiche individuali, poiché mirano principalmente a catturare caratteristiche generiche stabili che non passano nel tempo, agendo come l'incarnazione di qualsiasi forza sociale o spirituale.

Il classicismo in Russia si è sviluppato sotto la grande influenza dell'Illuminismo: le idee di uguaglianza e giustizia sono sempre state al centro dell'attenzione degli scrittori classici russi. Pertanto, nel classicismo russo, i generi che implicano una valutazione autoriale obbligatoria della realtà storica hanno ricevuto un grande sviluppo: commedia (D. I. Fonvizin), satira (A. D. Kantemir), favola (A. P. Sumarokov, I. I. Khemnitser), ode (Lomonosov, G. R. Derzhavin).

In connessione con l'appello proclamato da Rousseau alla vicinanza alla natura e alla naturalezza, nella classicità di fine Settecento crescono fenomeni di crisi; il culto dei sentimenti teneri - il sentimentalismo - viene a sostituire l'assolutizzazione della ragione. Il passaggio dal classicismo al preromanticismo si rifletteva più chiaramente nella letteratura tedesca dell'era Sturm und Drang, rappresentata dai nomi di J. W. Goethe (1749-1832) e F. Schiller (1759-1805), che, dopo Rousseau, vedeva nell'arte la forza principale della persona educativa.

2.8. Classicismo in musica

Il concetto di classicismo in musica è costantemente associato all'opera di Haydn, Mozart e Beethoven, chiamata Classici viennesi e ha determinato la direzione dell'ulteriore sviluppo della composizione musicale.

Il concetto di "musica del classicismo" non va confuso con il concetto di "musica classica", che ha un significato più generale come la musica del passato che ha resistito alla prova del tempo.

La musica dell'era del Classicismo canta le azioni e le azioni di una persona, le emozioni e i sentimenti da lui vissuti, la mente umana attenta e olistica.

2.10. L'originalità del classicismo russo

Il classicismo russo sorse in condizioni storiche simili: il suo prerequisito era il rafforzamento della statualità autocratica e dell'autodeterminazione nazionale della Russia dall'era di Pietro I. L'europeismo dell'ideologia delle riforme di Pietro il Grande mirava alla cultura russa a padroneggiare i risultati delle culture europee . Ma allo stesso tempo, il classicismo russo sorse quasi un secolo dopo quello francese: verso la metà del 18° secolo, quando il classicismo russo cominciava appena a prendere forza, in Francia aveva raggiunto la seconda fase della sua esistenza. Il cosiddetto "classicismo illuminista" - una combinazione dei principi creativi classici con l'ideologia prerivoluzionaria dell'Illuminismo - fiorì nella letteratura francese nell'opera di Voltaire e acquisì un pathos anticlericale e socialmente critico: pochi decenni prima della Rivoluzione francese , i tempi dell'apologia dell'assolutismo erano già una storia lontana. Il classicismo russo, in virtù del suo forte legame con la riforma culturale secolare, in primo luogo, si è prefissato compiti educativi, cercando di educare i suoi lettori e indirizzare i monarchi sulla via del bene pubblico, e in secondo luogo, ha acquisito lo status di una tendenza guida in La letteratura russa verso il tempo in cui Pietro I non era più in vita e il destino delle sue riforme culturali fu messo a repentaglio nella seconda metà degli anni '20 - '30 del Settecento.

Pertanto, il classicismo russo inizia "non con il frutto della primavera - un'ode, ma con il frutto dell'autunno - la satira", e il pathos socialmente critico è insito in esso fin dall'inizio.

Il classicismo russo rifletteva anche un tipo di conflitto completamente diverso dal classicismo dell'Europa occidentale. Se nel classicismo francese il principio socio-politico è solo il terreno su cui si sviluppa il conflitto psicologico delle passioni razionali e irragionevoli e si attua il processo di scelta libera e consapevole tra i loro dettami, allora in Russia, con la sua cattolicità tradizionalmente antidemocratica e il potere assoluto della società sull'individuo, la situazione era completamente diversa. Per la mentalità russa, che aveva appena iniziato a comprendere l'ideologia del personalismo, la necessità di umiliare l'individuo di fronte alla società, l'individuo di fronte alle autorità non era affatto una tragedia come per la visione del mondo occidentale. La scelta, rilevante per la coscienza europea come opportunità per preferire una cosa, nelle condizioni russe si è rivelata immaginaria, il suo esito era predeterminato a favore della società. Pertanto, la stessa situazione prescelta nel classicismo russo ha perso la sua funzione di conflittualità ed è stata sostituita da un'altra.

Il problema centrale della vita russa nel XVIII secolo. c'era un problema di potere e della sua successione: non un solo imperatore russo dopo la morte di Pietro I e prima dell'ascesa di Paolo I nel 1796 salì al potere legalmente. 18mo secolo - questa è l'epoca degli intrighi e dei colpi di stato di palazzo, che troppo spesso hanno portato al potere assoluto e incontrollato di persone che non corrispondevano affatto non solo all'ideale di un monarca illuminato, ma anche alle idee sul ruolo del monarca nella stato. Pertanto, la letteratura classica russa ha immediatamente preso una direzione politica e didattica e ha riflesso proprio questo problema come il principale tragico dilemma dell'epoca: l'incoerenza del sovrano con i doveri dell'autocrate, il conflitto tra l'esperienza del potere come passione personale egoistica con il idea del potere esercitato a beneficio dei sudditi.

Pertanto, il conflitto classicista russo, avendo preservato la situazione di scelta tra passione razionale e irragionevole come schema di trama esterno, è stato pienamente realizzato come di natura socio-politica. L'eroe positivo del classicismo russo non umilia la sua passione individuale in nome del bene comune, ma insiste sui suoi diritti naturali, difendendo il suo personalismo da usurpazioni tiranniche. E la cosa più importante è che questa specificità nazionale del metodo è stata ben compresa dagli stessi scrittori: se le tragedie delle tragedie classiche francesi sono state tratte principalmente dalla mitologia e dalla storia antica, allora Sumarokov ha scritto le sue tragedie sulle trame delle cronache russe e persino su trame di storia russa non così lontana.

Infine, un'altra caratteristica specifica del classicismo russo era che non si basava su una tradizione di letteratura nazionale così ricca e continua come qualsiasi altra varietà di metodo nazionale europea. Ciò che ogni letteratura europea aveva al momento dell'emergere della teoria del classicismo - cioè una lingua letteraria con un sistema di stili ordinato, i principi della versificazione, un sistema definito di generi letterari - tutto questo doveva essere creato in russo. Pertanto, nel classicismo russo, la teoria letteraria era in anticipo sulla pratica letteraria. Gli atti normativi del classicismo russo - la riforma della versificazione, la riforma dello stile e la regolamentazione del sistema dei generi - furono realizzati tra la metà del 1730 e la fine degli anni Quaranta del Settecento. - cioè, sostanzialmente prima che un vero e proprio processo letterario si svolgesse in Russia in linea con l'estetica classica.

3. Conclusione

Per le premesse ideologiche del classicismo, è essenziale che il desiderio di libertà dell'individuo sia qui assunto tanto legittimo quanto il bisogno della società di vincolare questa libertà con le leggi.

Il principio personale continua a conservare quell'immediato significato sociale, quel valore autonomo, di cui il Rinascimento per primo lo ha dotato. Tuttavia, contrariamente a lui, ora questo inizio appartiene all'individuo, insieme al ruolo che la società ora riceve come organizzazione sociale. E questo implica che qualsiasi tentativo da parte dell'individuo di difendere la propria libertà nonostante la società lo minaccia di perdere la pienezza dei legami vitali e di trasformare la libertà in una soggettività devastata e priva di qualsiasi sostegno.

La categoria della misura è una categoria fondamentale nella poetica del classicismo. È insolitamente sfaccettato nei contenuti, ha un carattere sia spirituale che plastico, tocca, ma non coincide con un altro concetto tipico della classicità - il concetto di norma - ed è strettamente connesso con tutti gli aspetti dell'ideale qui affermato.

La mente classica, come fonte e garante dell'equilibrio nella natura e nella vita delle persone, porta l'impronta della fede poetica nell'armonia originaria di tutte le cose, della fiducia nel corso naturale delle cose, della fiducia nella presenza di una corrispondenza onnicomprensiva tra il movimento del mondo e la formazione della società, nella natura umanistica e umanistica di queste connessioni.

Sono vicino al periodo della classicità, ai suoi principi, alla poesia, all'arte, alla creatività in generale. Le conclusioni che il classicismo fa sulle persone, sulla società, sul mondo mi sembrano le uniche vere e razionali. Misura, come linea di mezzo tra gli opposti, l'ordine delle cose, dei sistemi e non del caos; un forte rapporto di una persona con la società contro la loro rottura e inimicizia, genio eccessivo ed egoismo; armonia contro gli estremi - in questo vedo i principi ideali dell'essere, i cui fondamenti si riflettono nei canoni del classicismo.

Elenco delle fonti