Sulla comparsa di templi a due colonne nell'architettura russa del XVIII secolo. Continua
Relativo al lavoro di Architecto-Ra Francesco Bartolomeo Rastrelli (1700-1771).
Gli edifici costruiti in questo stile sono inerenti a magnificità ed elegalità straordinarie. Le pareti dei palazzi e dei templi sono riccamente decorati con stucco fantasia, sculture, colonne che non supportano nulla. In architettura, non ci sono praticamente linee orizzontali. L'ideale di BA-ROCCO è una curva curva liscia. La linea della facciata è dinamica: le protrusioni degli edifici sono anche sostituite dall'infrontino. Un dipinto multicolore è stato attaccato al fascino degli edifici barocchi: il completamento delle colonne e sculptu-ra è stato brillato, e le colonne bianche di neve erano chiaramente evidenziate su una superficie blu, turchese, gialla o rosa delle pareti.
In terrier dei palazzi barocchi differivano in particolare Pomp. Le pareti delle sale erano coperte di stoffa di seta, decorata con specchi, stucco scolpito dorato. I pavimenti erano separati da un parquet con un modello complesso. I soffitti erano dipinti con pittori abili. Lampadari di cristallo, maniglie per porte raffinate, caminetti complessi, orologi, vasi, mobili di lusso completano tutto questo VE-LCHAPE. I locali del palazzo sono stati arrostiti in una lunga fila di sale e sale che passano in modo che le porte pro-es si trovino su un asse. Tale layout ha risposto al tema delle processioni PA-casuali, che è stata certamente manifestata non solo nel famoso "monarca cattivo", ma anche in tutti i rituali, persino ballare.
Pianificazione urbana
Nel regno di Catherine, è stato effettuato un grande programma di costruzione del paese. Sono state costruite e ricostruite centinaia di città. Negli Urali, in Siberia, Novorossia era basata sulle stagioni. Un campione di arte urbanistica era Pietroburgo con il suo layout regolare.
Nel 1762 è stato creato Commissione sulla struttura in pietra di San Pietroburgo e Mosca. Doveva non solo essere impegnata nei problemi gramisti delle due capitali russe, ma anche allo sviluppatore di dare ai piani generali delle città provinciali e della contea. Nel 1775, la Commissione in pietra ha approvato i piani di 216 città. Nota anticipata che, ricostruire le vecchie città, gli architetti hanno cercato di preservare i monumenti dell'antica architettura russa: templi, co-locolnis, strutture fortezza.
Nella seconda metà del XVIII secolo. Aumentato significativamente il numero di strutture pubbliche (non residenziali), erette nelle città. Gli edifici sono costruiti per le istituzioni di autocontrollo urbano (Roby Duma, collezioni nobili, ecc.), Ospedali, scuole, cortili eleganti, bagni pubblici, magazzini. Nelle grandi città, oltre ai palazzi e alle dimore, appaiono le prime case a castonatura, in cui gli appartamenti sono affittati nell'Hir.
Classicismo
Cambiamenti di stile architettonico: il classicismo viene sostituito il barocco lussureggiante. "La nobile semplicità e la calma Velosha" - quindi caratterizzano un nuovo stile, stabilito in Russia alla fine del XVIII secolo. Predomina le linee dirette orizzontali e verticali. Tutte le parti degli edifici sono simmetriche, pro-porte, equilibrate. Le colonne non solo servono come decorazioni, ma hanno anche uno scopo costruttivo - sovrapposizione. I tetti sono fatti da gentilulogi. Facciate di edifici Gli architetti preferiscono la pittura in colori trattenuti - giallo, caffè, grigio, fulvo ... Materiale dal sito.
Rappresentanti a San Pietroburgo
I più grandi architetti del classicismo a San Pietroburgo erano Jean-Batista Wallen-Demotam (Academy of Arts, Seating Yard on Nevsky Prospect), Ivan Egorovich anziano (Troitsky co-Bor Alexander Nevsky Lavra, Palazzo Tavrichesky), Charles Cameron. (Palazzo Pavlovsky, Galleria Cameronova del Villaggio Tsarista), Jacomo Kurangi. (Hermitage Theatre, Bank Awnign), Nikolay Alexandrovich Lviv. (Ufficio postale di Petersburg, Nevskie Gates della Fortezza di Petropavlovsk, Chiesa "Kulich e Pasqua").
N. A. Lvov (1751 - 1803) era noto non solo come AR-Helector di talento, ma anche come scienziato eccezionale, scrittore, programma, musicologo. Ha creato il primo salone artistico (un cerchio), che includeva te, gli scrittori, i compositori, gli artisti. Leopoli venerava il genio.
Rappresentanti a Mosca.
Vasily Ivanovich Bazhenov (1737/178-1799) (1737/178-1799) (1737/178-1799) (1737/178-1799) (1737/1738-1799) (1737 / 1738-1799) e Matvey Fedorovich Kazakov (1738-1812 / 1813) (edifici del Senato nel Cremlino, nobile ASSEMBLAGGIO - Ora la Column Hall of the Unions, Golitsyn Hospital - ora il 1 ° Gradskaya).
Immagini (foto, disegni)
Palazzo d'inverno a San Pietroburgo. Architetto f.-b. Rastrelli. 1750-1762.
Cattedrale del monastero di Smolny a San Pietroburgo. Architetto f.-b. Rastrelli. 1748-1764.
Grande Palazzo Ekaterininsky nel villaggio di Tsarskoye vicino a San Pietroburgo. Architetto f.-b. Rastrelli. 1752-1756.
Stanza dipinta nel grande Palazzo Peterhof. Acquerello L. O. Premazzi. 1855.
Infilade delle sale parate nel Palazzo Catherine nella Tsarskoye Selo. Architetto f.-b. Rastrelli. 1750.
Scala di parata nel palazzo d'inverno. Architetto f.-b. Rastrelli. Acquerello k.a. Ukhtomsky. XIX secolo.
Piano di San Pietroburgo 1776
La costruzione dell'Accademia delle Arti a San Pietroburgo. Architetti A. F. Kokorinov e Jean-Batista Wallen-Demotam
Palazzo Tavrichesky a San Pietroburgo. Architetto I. E. Old
Nell'arte dell'Europa occidentale dei secoli XVII-XVIII. Le principali direzioni artistiche e correnti erano barocche e classicismo. Molti paesi europei hanno creato l'Accademia di Arti e Architettura. Ma nessuno di questi stili esisteva nell'arte dei secoli dell'Inghilterra XVII-XVIII. in forma pura, perché Sono venuti in terra inglese molto più tardi di altri paesi.
Per l'arte inglese di questo periodo, l'attenzione è caratterizzata dalla vita emotiva delle persone, in particolare questo riguarda la pittura ritratto. Inoltre, l'istruzione inglese ha prestato particolare attenzione alle idee dell'istruzione morale della personalità, dei problemi dell'etica e della moralità. Un altro genere leader del dipinto inglese di questo periodo è stato il genere domestico. A proposito degli artisti più famosi (T. Gainesboro, D. Reynolds, W. Hogart) abbiamo detto sul nostro sito web.
Architettura
Nei secoli XVII e XVIII. L'Inghilterra era uno dei più grandi centri dell'architettura europea. Ma vari stili e direzioni architettonici esistevano qui a volte allo stesso tempo.
Alle origini della tradizione architettonica britannica si fermò Inigo Jones. (1573-1652), architetto inglese, designer e artista.
Ritratto postumo di Inigo Jones William Hogarth's Brushes (scritto in un ritratto di vita di Wang Dequee)
Inigo Jones è nato nel 1573 a Londra nella famiglia di Sukonchik. Nel 1603-1605. Jones in Italia ha studiato il disegno e l'arte investigativa. Tornando alla loro patria, era impegnato a creare decorazioni per idee teatrali, ha svolto un ruolo significativo nello sviluppo del teatro europeo.
Nel 1613-1615. Jones Again in Italy, studia il lavoro di Andrea Palladio, antica e architettura rinascimentale. Nel 1615, Jones è diventato il principale custode degli edifici reali, a Greenwich inizia presto a costruire una villa di campagna di Queen Anna, la moglie di Yakov I.
Casa di queens.
Una casa di Queens a due piani è un cubo monolitico, completamente bianco e quasi senza gioielli architettonici. Il centro della facciata del parco è una loggia. Queens House è stata la prima costruzione inglese nello stile del classicismo.
Scala da casa di Quinz simile a Tulipano a Greenwich
Prossimo lavoro dell'architetto - casa bancaria a Londra (1619-1622). La sua facciata a due piani è quasi tutte coperta di decorazione architettonica. Nell'interno, il colonnato a castello riproduce l'aspetto di un tempio antico. Gli edifici di Johns corrispondevano ai gusti del cortile inglese di quel tempo. Ma il lavoro di Jones è stato apprezzato solo nel XVIII secolo: è ri-aperto dai fan Palladio, e il suo lavoro divenne campioni per gli edifici del Palladianism inglese.
Casa bancaria
Nei secoli XVI XVII del tardo XVI. Un ruolo importante nella storia del palazzo ha giocato performance teatrali ("maschere"). Lo scenario e i costumi creati da Inigo Jones, un artista del teatro di talento erano particolarmente famosi.
Hauz bandito ha 34 m di lunghezza, 17 m di larghezza e tanto altezza. Due pavimenti si alzano sopra l'alto seminterrato. Situato ritmicamente sulla facciata ampia. Il centro dell'edificio è evidenziato da 8 colonne dell'ordine ionico nella riga inferiore, Corinthian - nella parte superiore. Sopra le finestre dell'ultimo piano creato un fregio sotto forma di una ghirlanda intagliata in pietra. Elegante balaustra completa l'intera composizione. L'unica sala di questo edificio è stata decorata Rubens.
Alla fine del XIX secolo. L'edificio ha posto l'esposizione del museo storico militare.
Il nuovo stadio della storia dell'architettura inglese è iniziata nella seconda metà del XVII secolo, quando apparvero i primi edifici sir Christopher Rena. (1632-1723), una delle architetture inglesi più famose e venerate.
Gottfried Kneller "Ritratto di Christopher Rena" (1711)
Sir Christopher Ren, architetto e matematico, ricostruita il centro di Londra dopo il grande incendio del 1666. Ha creato lo stile nazionale dell'architettura inglese - Renov Classicism.
Ren era uno scienziato, impegnato in matematica e astronomia, chiese l'architettura quando aveva già trenta. Durante l'attività lunga e fruttuosa, è riuscito a implementare quasi tutti i suoi piani. Costruito palazzi e templi, biblioteche e teatri, ospedali e municipi, quartieri residenziali di Londra attrezzati. Raccolta insieme, numerosi edifici di Rena potrebbero formare una città di medie dimensioni. Dopo il "Great Fire" del 1666, Ren ha preso la parte più attiva nel restauro di Londra: è stato riunito oltre 50 delle 87 chiese bruciate. La corona di questa attività era la grande e maestosa cattedrale di St. Paolo, che è diventato la più grande struttura cult del mondo protestante.
Situato sulle rive del Tamigi, il Royal Hospital di Greenwich è l'ultimo edificio principale di Christopher Rena. Il grande complesso dell'ospedale è composto da 4 edifici che formano cortili rettangolari con una spaziosa area tra i casi anteriori rivolti verso il fiume Portica delle facciate. Ampie gradini, su entrambi i lati dei quali sono maestosi edifici a cupola, portano alla seconda area tra la seconda coppia di cantieri. Il quadro del colonnato dalle due colonne formano una prospettiva molto spettacolare che termina con la casa dei Queens Inigo Jones. L'architetto ha anche preso parte alla costruzione dell'ospedale di Greenwich. Nicholas Hawksmours. (1661-1736). Ha iniziato a lavorare mentre la vita di Rena e continuò a loro dopo la morte dell'architetto.
Ren camminava lungo il sentiero di Inigo Jones. Ma Jones ha assorbito lo spirito del Rinascimento italiano, e Ren ha lavorato nello stile del classicismo.
La tradizione di Christopher Rena ha continuato James Gibbs. (1682-1754) - La figura più luminosa e originale dell'architettura inglese della prima metà del XVIII secolo, uno dei pochi rappresentanti dello stile barocco nell'architettura britannica. Ha anche costruito in stile palladiano, prendendo in prestito elementi separati da lui.
A. Soldi "Ritratto di James Gibbs"
Il lavoro di Christopher Rena è stato il più grande impatto sul lavoro di Gibbs, ma Gibbs gradualmente ha sviluppato il suo stile. La sua famosa biblioteca Radcliffe in Oxford, rigorosa e monumentale, occupa uno dei primi posti tra i migliori monumenti dell'architettura inglese.
La biblioteca è la più significativa degli edifici di Gibbs lungo la scala e nei vantaggi artistici. Questa peculiare struttura centrale è composta da una base a 16 gradini, parte principale cilindrica e cupola. La base è tagliata attraverso grandi porte ad arco e aperture per finestre; La parte rotonda di base è divisa da colonne di coppia su 16 Comuni, in cui si alternano le finestre e le nicchie in due livelli. Sopra la balaustra sorge la lanterna a cupola coronata.
La biblioteca è uno dei migliori monumenti dell'architettura inglese.
Un altro capolavoro di Gibbs - Chiesa di St. Martin nei campi ZE.
Chiesa di St. Martin nei campi ZE
Decora il Trafalgar Square a Londra. A St. Martin nei campi Ze, l'influenza di Christopher Rena è tracciata, ma il campanile non è evidenziato in un edificio separato, è un unico numero intero con l'edificio della chiesa. Inizialmente, questa è la decisione dell'architetto I contemporanei criticati, ma in seguito la Chiesa divenne un modello per numerose chiese anglicane in Inghilterra stessa e oltre
Palladianismo inglese.
Il palladianismo inglese è associato al nome William Kent. (OK. 1684-1748), architetto, archeologo, pittore ed editore.
Villa a Chizika (1723-1729)
Villa è stata eretta da Lord Burlington con partecipazione diretta William Kent.. Questo è l'edificio più famoso del palladianismo inglese. Si ripete quasi letteralmente la "Rotonda" Villa Andrea Palladio, ad eccezione delle facciate.
Villa Park a Chitico
La facciata del parco è decorata con un portico con un frontone, una scala complessa e squisita conduce a Portic. La villa non era destinata a vivere, non ha una camera da letto, nessuna cucina, ci sono solo camere per collezioni artistiche di Burlington.
Grazie al patrocinio di Lord Burlington, Kent ha ricevuto ordini per la costruzione di edifici pubblici a Londra, ad esempio, Gards.
Gards a cavallo.
Horsa Gards - The Barracks del reggimento di Connogvardeisian a Londra. Questo è il lavoro più maturo di William Kent.
William Kent ha costruito diversi palazzi a Londra. Ho effettuato ordini per la progettazione di interni delle residenze nazionali dei nobili inglesi. L'opera principale del Kent era il maniero della Holkem Hall nella contea di Norfolk.
Manor Hall Hall nella contea di Norfolk
Era destinato alla collezione artistica di Lord Letherter. Interni particolarmente famosi della Halkem Hall, seta piena, velluto e doratura. Nei disegni di Kent, è stato anche fatto mobili.
Parco inglese
Landscape English Park è un importante risultato dell'architettura inglese del XVIII secolo. Il parco scenario ha creato l'illusione della natura reale e incontaminata, non c'era presenza di una persona e di una civiltà moderna.
Il primo parco paesaggistico è stato organizzato nell'era palladiana nella tenuta del poeta Alexander Top in Twitch (sobborgo di Londra). Il parco regolare francese gli sembrava dalla personificazione della tirannia dello stato, che persino subordinata alla sua natura (parco versale). Poeta dell'Inghilterra considerato il paese libero. Un innovatore nel giardino e del parco Art of England è diventato William Kent.. Ha creato i migliori parchi paesaggistici di quell'era: Villa Park Chisik House, il parco "Champs Elysees" a STOW nel centro dell'Inghilterra.
Park "Elysee Fields"
Un'impressione particolarmente forte è stata fatta da rovine artificiali e appositamente costruite che indossavano il nome del tempio della virtù moderna. Apparentemente, le rovine simboleggiavano il declino della morale nella società moderna e si opposero al lussuoso tempio dell'antica virtù, costruita da W. Kent in uno stile antico.
Il tempio dell'antica virtù, costruito da W. Kent in uno stile antico, è un edificio a cupola rotondo, circondato da una colonna di 16 colonne ioniche lisce installate su un podio basso. Il tempio ha due ingressi sotto forma di aperture ad arco, ognuna delle quali conduce una scala a 12 velocità. All'interno del tempio di 4 nicchie in cui le statue delle antiche celebrità greche sono installate nella crescita umana.
Già nel mezzo del XVIII secolo. I parchi del paesaggio sono stati distribuiti in Inghilterra, in Francia, Germania, Russia.
L'ultimo rappresentante principale del Palladianismo nell'architettura inglese era William Cheymbrs. (1723-1796) - Architetto scozzese, rappresentante del classicismo in architettura.
F. Kotest "Ritratto di W. Cheimber"
Chembar ha fatto un contributo significativo allo sviluppo dell'arte del giardino-parco. Grazie a Chaimburst nel tradizionale parco paesaggistico inglese, è apparso motivi esotici (cinesi).
Grande pagoda. - Il primo edificio nello spirito dell'architettura cinese in Europa. È stato costruito a Richmond Gardens Kew nel 1761-1762. Secondo il progetto del tribunale architetto William Chembers in conformità con il desiderio della madre del re George III, agosto. L'altezza è di 50 m, il diametro del livello inferiore è di 15 m. Dentro la pagoda, la scala di 243 passaggi è disposta, il tetto è foderato con piastrelle.
L'imitazione della pagoda in Kew è apparsa nel giardino inglese di Monaco di Baviera e di altri angoli d'Europa. Secondo il capriccio di Catherine II Connazionale Chembers, Charles Cameron, ha progettato una struttura simile nel centro del villaggio cinese del villaggio zarista, ma il progetto non è stato incarnato. Ma le case cinesi erano ancora costruite.
Case cinesi Villaggio cinese nel parco di Alexander del villaggio dello zarosista
Architettura del neoclassicismo.
Quando nel mezzo del XVIII secolo. In Italia, i primi scavi archeologici degli antichi monumenti sono iniziati, tutti i più grandi rappresentanti del neoclassicismo inglese sono andati a Roma per vedere le rovine delle antiche strutture. Altri architetti inglesi sono andati in Grecia per studiare gli antichi edifici greci. In Inghilterra, il neoclassicismo si è distinto dal fatto che si è preso facilmente e l'eleganza della ancidità, in particolare gli interni neoclassici inglesi interessati. Lo stesso, al contrario, tutti gli edifici erano più facili ed eleganti.
G. Willison "Ritratto di Robert Adam"
È stato giocato un ruolo speciale nell'architettura del neoclassicismo inglese Robert Adam. (1728-1792), architetto scozzese dalla dinastia Palladiani Adamov, il più grande rappresentante del classicismo britannico del XVIII secolo. Adam ha fatto affidamento sullo studio dell'architettura antica e utilizzava rigide forme classiche. L'attività architettonica di Adamo era molto ampia. Insieme ai fratelli James, John e William, erette manieri e edifici pubblici, costruito intera strade, piazze, blocchi della città di Londra. Il suo metodo creativo è il razionalismo, vestito sotto forma di antichità greca.
Casa nel maniero di Sayon House a Londra. Arco. R. Adam (1762-1764). Ricezione Londra, Gran Bretagna)
La sala della reception a Saion House - uno degli interni più famosi di Adamo. La stanza è decorata con dodici colonne da un marmo blu con capitelli e sculture placcati in oro in alto. I tronchi di queste colonne sono sinceramente antichi - si trovano in fondo al fiume Tevere di Roma, le capitali e le sculture sono piene dei disegni di Adamo stesso. Le colonne qui non supportano il soffitto, ma appena attaccato al muro, ma danno la stanza un aspetto maestoso.
Gli interni di Adamo ancora alla vita del Maestro, molti erano considerati il \u200b\u200bpiù alto raggiungimento dell'architettura inglese. Le tradizioni della loro arte hanno mantenuto a lungo la loro importanza nell'architettura inglese.
Ma nel neoclassicismo del XVIII secolo. C'erano due architetti, il modo in cui era diverso dallo "stile Adamo": George Dance Jr. (1741-1825) e sir John Sun. (1753-1837). La costruzione più famosa della danza è stata la prigione di NewGate a Londra (non è sopravvissuta). Giovanni presto ha viaggiato in molti modi il modo della danza era il capo architetto dell'edificio della Banca inglese (1795-1827) e dedicato alla sua costruzione una parte significativa della vita.
"Gothic Revival" (NeoOChik)
Nel mezzo del XVIII secolo. In Inghilterra, gli edifici sono apparsi, in cui sono stati utilizzati i motivi dell'architettura gotica: gli archi tiro con l'arco, i tetti elevati con rocce ripide, vetrate. Questo periodo di entusiasmo con un gotico è chiamato "revival gotico" (neogenico). Durò fino all'inizio del XX secolo. E è diventato uno stile popolare fino ad oggi: in Inghilterra, sono spesso costruiti edifici nello stile gotico).
Il fondatore del "Rinascimento gotico" era un grafico Horace Walpol. (1717-1797) - Lo scrittore, l'autore del primo romanzo dell'orrore "Castello di Otranto". Nel 1746-1790. Ha ricostruito in stile gotico la sua villa nella Zasuberry Hill Manor (ramoscelli, sobborgo di Londra).
Villa
La collina del carattere dell'abbazia nel centro dell'Inghilterra è stata costruita nel 1796-1807. Architetto James White (1746-1813).
Abbay Font Hill (non è stato ancora conservato)
Già nel XIX secolo. Lo stile gotico è diventato stato. In questo stile nel mezzo del XIX secolo. Un edificio parlamentare a Londra (Arch Charles Barry) è stato costruito - uno dei principali edifici dell'architettura inglese di quel tempo.
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introduzione
Il XVIII secolo è una pietra miliare molto importante nella storia della Russia e dello sviluppo della cultura russa. Le riforme di Peter I sono state colpite da tutte le parti all'economia, allo stato, agli affari militari, all'istruzione, al pensiero sociale, alla scienza e alla cultura. Queste trasformazioni hanno acquisito la Russia per raggiungere il nostro tempo, ha aiutato a superare l'arretratezza, mettere il paese in una fila con poteri influenti dell'Europa.
La Russia ha ammirato, imparato e riciclato l'esperienza dei paesi dell'Europa occidentale in diverse aree di attività umana, anche nel campo dell'arte. Questo processo è stato diversi modi: acquisizione all'estero pronto opere d'arte; Attrarre specialisti stranieri per lavorare in Russia e preparare il personale domestico; Pacco del popolo russo per l'account di stato all'estero come cosiddetti pensionati per l'insegnamento o il miglioramento della loro attività.
La specificità della creatività artistica del XVIII secolo. Era determinato dal fatto che, venendo al cambiamento del Medioevo, è stato il primo collegamento in una cultura qualitativamente nuova del nuovo tempo.
Se è schematicamente designato per i giudizi estremi che tornano nel concetto del XIX secolo, uno di loro può essere notato, insistendo sulla piena separazione dell'arte del XVIII secolo. dal precedente sviluppo. Di ciò implica un'idea dell'arte del XVIII secolo. Come alieno, forzatamente innestato, innato e svantaggiato dalla natura. La vista opposta esprime il desiderio di lisciare i confini tra l'antica Russia e il XVIII secolo, spiegano il XVIII secolo principalmente sulla base della sua storia medievale, trova tutti i principianti del nuovo nelle sue profondità, riducono così l'importanza del mondo artistico Esperienza. Questo estremo porta al fatto che il processo dello sviluppo dell'arte russa è disegnato isolato dal flusso complessivo dell'arte europea del nuovo tempo.
La scienza sovietica, sulla base di una comprensione dialettica del processo di sviluppo, si basa sul riconoscimento del ruolo più importante della frattura. Quest'ultimo riflette il processo internazionale di transizione dall'arte medievale all'arte di un nuovo tempo, caratteristica di altri paesi. In Russia, a causa delle specifiche del suo sviluppo storico, è stato commesso 200-300 anni dopo, diciamo, in Italia o in Francia, cioè, quando finito in altri paesi, e abbiamo avuto luogo sotto la loro grande influenza. Questa influenza, ovviamente, non ha imparato al prestito slavato. Al contrario, "apprendistato" piuttosto è stato il processo creativo di formare un nuovo metodo di creatività artistica. Le fonti di esso sono ambigue. Questo è principalmente il massimo livello complessivo della cultura artistica della nazione e quei passi verso un nuovo tempo realizzato all'ultima fase dell'arte medievale - alla fine del XVII secolo.
Le attività dei Maestri dell'Europa occidentale hanno svolto un ruolo importante. Infine, una sorta di proprietà universale è stata importante - sancita da trattati e sfregamento (disegni incisi), che è stato incluso nella carne del metodo artistico poiché l'esperienza canonizzata rinascimentale dell'arte del nuovo tempo. Il significato di queste fonti, ovviamente, non è lo stesso per diverse scuole russe e opere individuali, che richiedono la natura complessa dell'arte del XVIII secolo., Soprattutto il suo primo tempo. Lo stato d'arte generale dipende dall'interazione di questi elementi, e non dal campionato assoluto di uno di loro.
Successivamente, l'ingresso in nuove posizioni ha portato a un numero di caratteristiche specifiche dello sviluppo artistico della Russia. Negli ultimi cinquanta anni, il costo di un'enorme tensione, l'arte domestica è riuscita a passare la strada, che molti paesi sono stati fatti in due o tre secoli. Tuttavia, i tassi rapidi e, così com'erano, un certo numero di "sorprese" ha minacciato il corso nel tempo, in particolare l'esistenza parallela di diverse direzioni di stile, che nei paesi dell'Europa occidentale si sostituirono cronologicamente. Le caratteristiche caratteristiche dello sviluppo dell'arte russa della prima metà del XVIII secolo. Le situazioni artistiche insolite erano, in particolare l'emergere di tali elementi culturali, per la percezione di cui le condizioni oggettive non hanno ancora maturato. Tuttavia, dal centro di un secolo, che ha segnato la vittoria dei principi dell'arte del nuovo tempo e della diffusione diffusa del barocco, il corso dell'arte russa acquisisce un carattere più uniforme. Dietro l'epoca del barocco sviluppato (40-50s) e un breve, si rivelò debolmente in Russia, la fase rococò (confine dei 50-60) è una banda di classicismo. Questo stile, il cui altoparlante interno sarà caratterizzato sotto, dominato fino agli anni '30 del XIX secolo.
Primo quarto del XVIII secolo. Ha svolto un ruolo speciale nello sviluppo artistico russo. L'arte occupa un posto fondamentalmente nuovo nella vita della società, diventa un'attività laica e nazionale. C'è un decadimento del vecchio sistema di vita artistica e la formazione di una nuova unità. Questo percorso è caratterizzato da spostamenti significativi che sono inevitabili con una ripartizione ripida di un vecchio metodo creativo. Sono nate nuove relazioni tra l'artista e il cliente, e la consapevolezza di quest'ultima su come sembrare il lavoro moderno, spesso rende il suo ruolo che definisce. La nuova arte non si incontra sempre benevolmente e quindi richiede un supporto e una spiegazione di ampio stato. La funzione educativa dell'arte in senso rettilineo e più astratto di questa parola è estremamente in aumento. E nella parata, e nella filiale pratica del business, penetra persistentemente della coscienza pubblica. La composizione delle forze creative sta cambiando. Insieme ai maestri stranieri, una nuova generazione di artisti russi sta lavorando (i cosiddetti pensionati che hanno studiato all'estero). E quelli e altri stanno lavorando principalmente a San Pietroburgo, dove si trova il centro degli sforzi creativi della nazione. Petersburg interpreta il ruolo di un legame tra la Russia e l'Occidente.
Mosca esegue lo stesso ruolo nelle relazioni tra Petersburg e la provincia. Il restante lavoro nella vecchia capitale, maestri più anziani e giovani artisti che non hanno superato l'apprendistato di un nuovo tipo compongono la loro scuola. Va anche un nuovo modo, ma lo rende un ritmo più rallentatore e sotto un effetto molto tangibile del metodo tradizionale. La provincia nel primo trimestre del secolo sta vivendo un impatto molto debole delle innovazioni, dando spesso la continuazione delle antiche forme russe. C'è un altro "disordine" nei secoli di vita artistica stabilita. A causa della mancanza di opportunità o riluttanza, un certo numero di pittori della Camera Armeria e dei Maestri dell'Ordine degli Affari di Pietra, cioè le istituzioni che esistevano nel XVII secolo sono scheggiate dal grado degli artisti nella posizione inferiore degli artigiani . Costretto a cercare lavoro in piccole città e villaggi, vivendo in ordini principalmente della Chiesa, preservano naturalmente le forme vecchie. Seguendo tecniche di costruzione tradizionali e schemi iconografici, nonché l'abitudine di ripetere ripetutamente ripetutamente, approfondisce l'artigianato della loro creatività.
Gli artisti stanno gradualmente andando al "pubblico" con sapori e tendenze stabiliti, di regola, opposizione alle innovazioni da Mosca.
All'inizio del XVIII secolo. L'idea precedente della bellezza e quelle forme in cui è incorporata viene distrutta. L'artista del vecchio tipo si trasforma negli occhi dei commemori del nuovo nel maestro adulto della casa. "L'alfabetizzazione" nella comprensione del nuovo tempo è percepita come un deposito di sicurezza a priori, nel frattempo, come un po 'non implica necessariamente il secondo. È probabile che questo spiega l'incredibile aspetto di più innovativi secondo il metodo, ma piuttosto debole nei termini artistici delle opere di stranieri che hanno lavorato in Russia.
La differenza di maniere, tecniche di stile e schemi tipografici, che è abbastanza naturale per l'arte non identificata del tempo di Petrovsky in tutti gli aspetti. Nuove idee e immagini, generi e piatti, campioni iconografici nella pittura e scultura con un potente ruscello nella pratica artistica. Naturalmente, questa diversità non era una conseguenza di un processo naturale, come risultato della quale tutti i tipi di tendenze occidentali penetravano senza analizzare. Tuttavia, non c'era una selezione rigorosa, una specie di filtro, che è stata sottoposta ad impatto straniero. Indubbiamente una cosa: l'ampio ruscello è stato tentato di adeguare sulla base di esigenze interne e gusti. L'emendamento finale ha fatto una vita, selezionando ciò che potrebbe dare germogli in terreno russo e scartare un casuale o prematuro, ma in un modo o nell'altro non ha risposto alle esigenze nazionali. Questo processo difficile, ma profondamente progressivo prese l'arte russa su un'ampia strada di pensieri e forme paneuropee, condotto il rifiuto della ripostiglio medievale, la comodità di una visione del mondo religiosa, era un grande caso di stato. L'era dell'Illuminismo, che appartiene al XVIII secolo, l'arte russa ha eseguito la funzione che Revival di solito prende.
Le caratteristiche principali dell'arte di questo periodo sono inestricabilmente legate al corso generale del processo storico. Le riforme più importanti nel campo della vita economica, militare e politica del paese hanno portato a un nuovo tipo di stato - la fase finale nell'aggiunta dell'impero assolutista. La vita sociale è ora determinata da nuove fondazioni ideologiche. Lo sviluppo della scienza e il suo contribuisce alla formazione di un nuovo sistema educativo, creando alla fine del regno di Petrovsky dell'Accademia delle scienze, i turni più importanti della tipografia contribuiscono alla formazione di una base fondamentalmente nuova, laica per la natura della cultura e delle sue specie più importanti - Arte visiva e architettura.
Architettura
Passando a una considerazione specifica dell'arte della prima metà del XVIII secolo, va detto che le caratteristiche più importanti consistono nell'adeguatezza alle leggi fondamentali dell'arte europea del nuovo tempo. Nel campo dell'architettura, suggeriscono un cambiamento fondamentale nelleview, nel linguaggio artistico, in parte il sistema costruttivo e significa la transizione a un nuovo sistema di pensiero. Il compito più importante è quello di introdurre le leggi generali dell'antica, rinascimentale, barocca e originata nell'architettura della Francia del classicismo. Nonostante la differenza indubica negli ultimi tre stili, tutti hanno una "asta" comune, che definisce il confine tra di loro e il sistema medievale del pensiero artistico, da un lato, e l'arte della moderna - dall'altra. Intendiamo le tecniche e i principi della pianificazione urbana con caratteristici pianificatori rettangolari, radiazioni e ventilatore, rigorosa rettilinea delle strade, conformità con linee "rosse" o "facciata" e caratteristiche tipologiche tipologiche di edifici individuali - palazzi, chiese, strutture pubbliche e industriali. I momenti generali di formazione riguardano la costruzione pianificata e volumetrica, la composizione delle facciate, la configurazione degli interni e la loro connessione tra loro. Tra questi schemi sono i più significativi: il rapporto di elementi irrevocabili e cuscinetti basati sulla determinazione dell'ordine classico, l'uso delle forme di portali e finestre, parti decorative e ornamentali, nonché il collocamento di decorazioni nei sistemi di arresto , Le tecniche stabilite di combinazioni dei principali e secondari locali.
Architettura del primo quarto del XVIII secolo
I primi passi dell'architettura russa del XVIII secolo. relativo alla base nel 1703 della nuova capitale - San Pietroburgo. La città di cresciuta tra le paludi colorate e il delta del delta diffuso del Neva, sparsi su diverse isole, penetrata dai canali che soffiavano con venti feroci e riforniti. Era una città situata lontano dai vecchi centri culturali russi. A differenza della maggior parte delle città medievali che sono emerse attorno al Cremlino nel sistema di pianificazione radiale, Pietroburgo si è verificato su diverse isole, in modo compositamente connesso Neva. La città era gradualmente gradualmente, poiché la vita suggeriva, spesso discernendo i progetti sviluppati di piani master. Il genuino centro della pianificazione stava diventando un tridente, rivolto verso l'alto all'ammiragliato, - Nevsky e Ascension Avenue e poi la strada di Pea si unì a loro. Tutti sono incrociati da semicerchi di lavaggio e fontane, i cui argini erano decorati con palazzi e complessi manieri. Più tardi ecco una delle regioni aristocratiche di San Pietroburgo.
Sulla Vasilievsky Island, è stato trovato l'inizio di un centro culturale ed educativo e amministrativo. A differenza delle vecchie città, San Pietroburgo era ricca di edifici pubblici. Hanno posato il segnalibro nel 1703 della fortezza di Petropavlovsk. Il suo centro compositivo con un enorme valore di pianificazione della città era la cattedrale di Petropavlovsky. Questo edificio è originariamente in legno, e poi incorporato in pietra, è il più grande lavoro dell'architetto Domenico Trezini (circa 1670-1734), nato in Svizzera e invitato in Russia dalla Danimarca. Il valore della cattedrale è grande e dal punto di vista delle caratteristiche tipologiche della sua architettura che era un modello per le numerose chiese di San Pietroburgo di questo e il periodo successivo. In contrasto con i tradizionali templi russi, la cattedrale è una basilica a tre penette. Il campanile impressionata non una torre composta da diversi volumi costantemente decrescenti, ma come se fosse un singolo array, sezionato sui livelli di Fox. Questa caratteristica è presa in prestito dall'architettura occidentale (campanile, torri del municipio). L'assenza di dettagli riccamente ornati e una nuova gamut di colore - blu con bianco in facciate e argento con oro nella copertura. Dalle altre strutture di questo periodo, si dovrebbe chiamare l'edificio amministrativo di dodici college, progettato anche da D. Trezini insieme a MG Zemtsov. È composto da celle identiche sovrapposte a tetti indipendenti e collegati da corridoi estesi. La caratteristica più importante delle facciate è quella di introdurre un pilastro, unire visivamente i pavimenti principali, a causa del quale è costruita la scala della struttura. La maggior parte degli edifici sono molto nuovi e di proposito, e dall'architettura. Tale, ad esempio, il primo museo russo - Kunstkamera, nella costruzione di quali architetti G.I. Mattarnovy, n.f. Gerbel, Kyavury, M.G. Motivi.
La creazione della città è re-e con un tale scopo era impensabile senza tipico, o, come è stato chiamato al momento, il design "esemplare". Il ruolo di primo piano in questo business apparteneva anche a D. Trezini, diretto dall'ufficio degli affari della città (dal 1723 - l'ufficio degli edifici) è l'organizzazione più importante che ha reso la costruzione del nuovo capitale. Gli edifici concepiti nel suo laboratorio sono piccoli Mazankovy per "morso", più grandi per le "prosperose" e case a due piani per "famoso" (architetto del progetto J.b. Leblona) - edifici in pietra imitata. Molto spesso non si fermarono nei profondità dei cortili, ma sono usciti facciate per la strada. Recinzioni e cancelli correlati, hanno creato un singolo fronte regolare per le strade e gli argini. Insieme a numerose chiese parrocchiali, queste case incorporano l'attività di Pietroburgo. Insieme a questo, sin dall'inizio c'era un altro Pietroburgo - Northern Venice, paradiso di Pietro I, che stava cercando di creare un "giardino non peggio di Versailles". Questa parte di parata si è sviluppata principalmente sul lato dell'ammiragliato e consisteva in case che conoscevano i palazzi di Peter stesso e il suo famoso giardino estivo. I principi della composizione di questo complesso regolari sono stati ulteriormente sviluppati nella creazione di magnifiche residenze suburbane - Peterhof, Oranienbaum e Strerna.
Architettura dei 30-40 del XVIII secolo
30-40S XVIII secolo. - Questo è il tempo segnato dalla continuazione delle imprese Petrovsky. P.M. Yeropkin e i suoi compagni - I pensionati Petrov che recentemente sono tornati dall'estero hanno lavorato come architetti urbani, a volte in costante sostituzione a vicenda in questo post. Hanno capito bene il significato sociale della loro professione, ha affermato la libertà personale, all'importanza cruciale delle loro parole in materia di architettura. La ricerca creativa di questi maestri è stata rivolta allo sviluppo della pianificazione urbana nei suoi aspetti teorici, pratici e amministrativi e organizzativi. Queste disposizioni sono state sancite nel codice del trattato "Posizione della spedizione architettonica", completata nel 1740
Le opere di pianificazione urbana dei 30-40 erano miravano ad espandere il nucleo dell'edificio, che è stato formato durante il primo trimestre del XVIII secolo. Nuove case tese lungo Fontanka, radiazioni e strade trasversali, formando grandi quarti geometricamente corretti. La vista delle strade è stata molto impressionante grazie ai grandi edifici di 3-4 piani, con mezzanini, con ali di abete rosso, partendo per stretti marciapiedi. Severamente asciutto dall'architettura, ancora privati \u200b\u200bdel principio di plastica, questi edifici portano la tinta della tipica comprensione dell'architettura di Pietroburgo. L'attenzione è sulla facciata principale, separata da pilastri e platbands su siti uniformi. Le stesse caratteristiche sono inerenti agli edifici pubblici - la torre dell'ammiragliato e il reggimento marino, creato da I. K - Korobovy.
Nel mezzo del XVIII secolo, la Russia sta vivendo l'era dell'ascensore nazionale. Alti livelli raggiungono la scienza e la cultura. In sviluppo, l'Accademia delle scienze che svolgono il loro ruolo enorme. Soprattutto si dovrebbe dire sulle attività di M.V. Lomonosov, che incorpora la conoscenza universale, la dedizione del pensiero scientifico e il ministero profondamente informato del più alto obiettivo - la prosperità della scienza e della cultura domestica. La scoperta nel campo di accurate e umanistiche, in particolare la riforma della lingua russa, costituisce una delle pagine più notevoli della storia della cultura russa. Intrapreso con la partecipazione diretta di M.V. Lomonosov Foundation of Moscow University (1755), Accademia delle Arti (1757), l'emergere del teatro russo ha avuto un impatto diretto sull'architettura e sull'arte visiva. Il totale patriottico pathos del tempo, una combinazione di bellezza e maestà è segnalata ai gloriosi atti nazionali all'arte.
Architettura del centro del XVIII secolo
Durante gli anni '40 degli anni '40, l'arte russa sta attraversando il tempo del suo periodo di massimo splendore. Per la prima volta, l'architettura domestica del nuovo tempo raggiunge altezze estetiche a cui ha cercato di precedere mezzo secolo. Il processo creativo è stato caratterizzato da una grande maturità in circolazione con i principi dell'arte del nuovo tempo. Padroneggiandoli così tanto per dimenticare la timidezza dello studente, i maestri lavorano più freer e più fiduciosi. Capire tra l'architetto ed eseguire maestri, che ora possono incorporare adeguatamente nel materiale il più complesso, ma già comprensibile per loro; Elimina il divario tra diverse scuole; Meno significativamente la differenza tra le opere dei maestri occidentali e gli artisti russi della nuova generazione, che passò i pensionati o istruiti nella loro patria.
Il livellamento complessivo del processo di sviluppo dell'arte avviene sulla base dello stile barocco, non solo coprendo vari tipi di creatività artistica, ma ampiamente diffusa in tutta la Russia. Questa base fondamentalmente unita sviluppa un carattere sintetico dell'arte - un unione senza pretese di architettura, la scultura decorativa e la pittura decorativa.
Una caratteristica indicativa dell'arte russa a metà del XVIII secolo. È il suo stato, pubblico, naturalmente entro i confini del tempo, carattere. In termini di scala, una monumentalità, la versione russa del barocco in architettura differisce da manifestazioni simili delle scuole occidentali europee. Svilupparsi lì con residenze principianti separate e aventi uno scopo "locale", quest'ultimo fornisce una versione più camera, privata e ferita di questo stile, che può essere caratterizzata come rococò. La specificità nazionale del barocco russo è in gran parte dovuta alla sua preistoria - l'influenza della tradizione domestica. Questa vicinanza ai principi della vecchia architettura russa costituisce la parte più importante della visione del mondo artistico, dettata dall'interesse del tempo e soprattutto il cambiamento atteggiamento nei confronti del patrimonio in generale. Se si immagina il tuo atteggiamento verso il medievale fino agli anni '40 del XVIII secolo, apparirà principalmente come negativo. La novità offensiva dei pathos prevalente, ma non ancora completamente fissata, spiega questa situazione. A metà di un secolo, la vecchia arte, andando verso l'area della leggenda, si gira dal nemico e dal rivale in una specie di alleato. Le antiche tradizioni russe stanno ora presentando nell'interpretazione della nuova arte - la scuola più creativa nella St. Petersburg School, più vecchio stile a Mosca ea volte raggiungendo la continuazione diretta nella provincia.
Fb. Rastrelli.
La situazione sociale e politica della metà del secolo propone la creazione di strutture di palazzo e chiese in primo luogo, cioè. Quelle varietà tipologiche che conducono e nel barocco europeo occidentale. I più significativi di loro sono associati al nome di Francesco Bartolomeo Rastrelli (1700 - 1771). Il meglio delle sue strutture di campagna - Peterhof e i grandi palazzi Tsarskoye sono estesi edifici, invecchiati nel tipo di Galleria di blocco, e consistono in custodie simmetriche e gallerie vincolanti. In questo caso, ogni segmento della facciata è una composizione con il suo centro e gli assi subordinati. Questo principio del completamento interno di ciascun elemento e della subordinazione incondizionata di tutto l'asse centrale principale è osservato nel Palazzo Bolshoi Tsarskoye (1752-1757). Il volume dell'edificio lascia l'impressione di un vivere e di una plastica, e la composizione delle facciate è dinamica. I forti orizzonti orizzontali degli intermedi e la cornice della corona sembrano discutere con le file di finestre, colonne e statue, "Breakdown" per la linea di cornici multi-stadio.
I grandi complessi interni sono una delle meravigliose scoperte di Restelli. Sacrificando la simmetria del piano, costruisce un'influenza incantevole sullo spettatore della sala non autorizzata. Sono schierati come episodi di azione brillante. Nel Palazzo Tsarskoselsky le loro dimensioni ed effetti aumentano gradualmente da una stanza all'altra, fino a raggiungere il climax in un'incredibile grande sala. Nei suoi interni, i gioielli del traguardo sono trionfanti: la migliore scultura placcata in oro e stucco, ambra e bronzo, modelli di parquet scintillanti e pittura multicolore convertono sale nel fantastico regno dell'ornamento; I germogli elastici e le conchiglie (ROKaili) lasciano quasi i campi da parete gratuiti. Gli interni di Rastrelli sono pieni di luce, che è versati in enormi finestre, si riflette negli specchi della semplicità, nei pilastri dello specchio. La sera, le luci delle candele sono innumerevoli, dando vita a migliaia di abbagliamento sulla doratura dell'ornamento, tremano dal movimento dell'aria, creando una magica meravigliosa ruga con l'aspetto mutevole della sala. Il gioco della luce e la profondità incommensurabile dei tre anfili paralleli, che scorre in una grande sala, infatti, distruggono il guscio materiale delle pareti, creando l'illusione dell'infinito dello spazio. Le scoperte e gli specchi del sangue incontrano le scoperte illusorie dei plafondi raffiguranti in una promettenti riduzione di complessi sistemi archi, intermediati con colonnati. Loro, come se continui le pareti della sala, aprendolo verso il brillante sequestro del cielo con geni salutari e divinità antiche.
Oltre alla costruzione di palazzi e ricche case private, Restelli è impegnata nella costruzione monastica religiosa. A partire da 40 mila, un sistema centrale viene al cambiamento della composizione basilica del tempio. Quasi una croce di equilibrio funge da base della cattedrale coronata da uno o cinque capitoli. Nel migliore dei quali, la cattedrale del monastero di Smolny - Rastrelli ha usato le proporzioni più armoniche (il principio della "sezione dorata"). A causa di ciò, l'intero edificio è composto sulla base della costruzione a più voci. Questa funzione distingue la cattedrale smolny da altre chiese centriche di quel tempo, compresa Mosca. Un'altra caratteristica della cattedrale del monastero di Smolny è anche importante: i capitoli laterali qui sono strettamente premuti sulla cupola centrale, riposano sui suoi archi vincolanti e, non vengono scoperti all'interno, sono usati per necessità secondaria. Nelle cattedrali a cinque divani costruite da altri architetti, i capitoli laterali lontani dal centro centrale. Secondo la vecchia tradizione, sono aperti all'interno dell'edificio e si sovrappongono alle cellule angolari del tempio della cupola croce. La reception costruttiva introdotta da Rastrelli offre una compattezza senza precedenti a cinque chiavi, unendo visiva visivamente la gigantesca cupola centrale in un singolo array con le teste laterali delle torrette. In generale, l'opzione della cinque sezione, proposta Restelli, suggerisce che la rinascita della tradizione è già stata convertita dall'inita storica. La sua interazione con l'esperienza del passato è caratteristica della scuola di Mosca.
Architettura di Mosca.
Architettura di Mosca Prima della nascita di San Pietroburgo ha scoperto nuove forme. Nella sua versione, Mosca ha effettuato un sacco di ciò che è stato quindi incarnato nelle forme di architettura del nuovo tempo nella capitale del Nord: sono emersi nuovi tipi di edifici amministrativi (Arsenal nel Cremlino, D. Ivanov, M. Chogrlov e X. Conrad), Palazzo e Park Ensembles (Estate Gluluzu a Lefortovo, fino al 1702, Architetto D. Ivanov), Build di culto condita con guglia (Chiesa dell'Arcangelo Gabriel, la cosiddetta torre di Menshikova, 1701 -1707, costruita sotto la leadership di I. Zhherryny).
In futuro, negli anni '30 -40 e soprattutto negli anni '50 del XVIII secolo. Mosca ha padroneggiato i principi dell'architettura moderna, creando il suo tipo di architettura comunitaria, in particolare la sua comprensione della forma barocca. Un'introduzione al vecchio patrimonio russo ha preso più forme dirette rispetto a San Pietroburgo. È iniziato al momento dell'attività I.F. MICHURIN (1700-1763), apparteneva purilmente alla tradizione Staromoshkovskaya. Non ha violato la pianificazione attuale, limitata a regolare le strade, non ha imposto il tipo di petersburg del tempio basilico con la città vecchia. Allo stesso tempo, comprendendo che, basato solo dal patrimonio domestico, l'architettura di Mosca rischia di essere salvata in vecchi ricevimenti e forme, Michurin fondò una scuola architettonica. I suoi discepoli - A.P. Evlashev, k.i. Vuoto e soprattutto D.V. Ukhtomsky (1719-1774) è riuscito a combinare le basi della moderna alfabetizzazione professionale, idee sull'architettura antica e rinascimentale con concetti locali di bellezza, che persistevano in pratica artistica in tutto il periodo Pastrovsky. Tenendo ai vecchi principi di Mosca, gli architetti si basano su rappresentazioni tettoniche e proporzionali più moderne, gli elementi tradizionali delle strutture sono in un modo nuovo, costringendoli a interagire nei rapporti più vicini al classico.
Alla testa della scuola architettonica di Mosca era D.V. Ukhtomsky. Il più famoso dei suoi edifici è un campanile a più livelli della Trinity-Sergius Lavra, che è entrato in modo organico il colorato ensemble di un monastero medievale.
A Mosca, in quegli anni c'erano molte ricche proprietà urbane. Alcuni di loro, come le case di BestUmev-Ryumin e Demidov, sono allungati lungo le strade delle strade, e le facciate opposte sono trattate al fiume. Tale combinazione di funzioni di proprietà urbane e country non si trova quasi a San Pietroburgo ed è interamente obbligata alle condizioni di Mosca. In altri casi, l'edificio principale è posto sulla linea di strada, e il cortile organizzato artistico è dietro la casa (tenuta apporicata sulla copertina). La maggior parte dei templi di questo tempo conserva la tradizionale costruzione in tre parti ed è composta da una chiesa, un refettorio e un campanile. Continua ad aumentare la tendenza ad aumentare le dimensioni del tempio stesso e le sue cupole relative al campanile. Questo è particolarmente evidente quando confronta le chiese di Mosca con Basilica di San Pietroburgo. La dome di solito si sovrappone a un grande spazio singolo e termina con una leggera torcia decorativa. Un tipico esempio di tale chiesa di Moscow è la Chiesa di Nikita Martyr (1751) sul vecchio Basmannaya (ora St. Karl Marx). L'ampia comprensione del modulo conferisce a questo edificio e la maggior parte degli altri pesi visivi degli edifici di Mosca. Il colorista Gamma rimane la maggior parte spesso lo stesso - rosso-bianco e un abbondanza e il campionamento è tornato al decorativo scolpito e stucco.
Arte decorativa e applicata del centro del XVIII secolo
Lo stile del centro del secolo colpisce l'arte decorativa e applicata. Per i prodotti da una porcellana, come il servizio "proprio" di Elizabeth Petrovna, e altri materiali sono caratterizzati da forme curvilinei, oltre a un succoso ornamento di stucco, ascendente nel disegno al lavandino e ai germogli di piante flessibili. La sagoma fantasia di oggetti è combinata biologicamente con colori vivaci, abbondanza di doratura, glitter di superfici dello specchio che completano l'immagine festiva dell'interno.
Pittura della prima metà del XVIII secolo
A partire dall'epoca di Petrovsk, enormi cambiamenti sottoposti a pittura. L'arte del dipinto della macchina con le sue caratteristiche semantiche e compositive è consisteva. Una sostituzione della prospettiva inversa arriva la trasmissione diretta e associata della profondità dello spazio. La caratteristica più importante è l'immagine del figura in conformità con i principi della correttezza anatomica. Appaiono nuovi volumi di trasmissione del volume. Nella qualità essenziale c'è un punto luminoso che sbiadì una linea di contorno simbolica condizionale. La tecnica della pittura ad olio con tecniche specifiche caratteristiche e il sistema di relazioni di sistema è saldamente, anche se non immediatamente, entra nell'uso artistico. Il senso della consistenza è esacerbato. L'artista acquisisce la capacità di trasmettere proprietà specifiche di velluto morbido, pelliccia montuosa dura, grave broccato dorato e pizzo sottile. Nella foto della storia, puoi rintracciare nuovi principi dell'interconnessione delle figure. Un'immagine di un corpo nudo è un compito nuovo e più difficile. La struttura della pittura diventa più ramificata. Dall'inizio del XVIII secolo, l'arte laica coltiva diversi tipi di lavori di macchinari, pittura monumentale sotto forma di pannelli e plafoni, lettera miniatura. Il ritratto include tutte le varietà note - la parte anteriore, camera, nella versione abituale e in costume, doppia e bagno turco. Artisti Master Allegorical and Mythological Trame. La presenza di queste caratteristiche, anche se rivelata all'inizio nel compromesso, ti consente di parlare della presenza di dipingere un nuovo tipo.
I primi passi sul modo di diventare un ritratto sono associati alle attività del pittoresco workshop dell'Armeria. Le opere eseguite da artigiani russi e stranieri, nella loro natura, sono in convinzione. Di tutte le opzioni tipologiche, Parsuna preferisce un ritratto di parata e si trova in questa capacità in diverse varietà. Tra questi, la "ritratto-tesi" è la più arcaica. Combina immagini ritratti e numerose iscrizioni esplicative all'interno dello spazio iconico condizionale. Puoi parlare della "ritratto-apoteosi". Questi sono i ritratti-dipinti, che simboleggiano le imprese strette di Pietro I. sono ritratti comuni e ordinari di Pietro, Menshikov, Sheremetev nella crescita ea cavallo.
Lo spazio è interpretato ovunque molto stereotipicamente, e la posizione generale degli articoli serve piuttosto come una designazione simbolica di reali relazioni spaziali. Il problema dello spazio interno ed esterno è ugualmente condizionale nella relazione semantica e su larga scala. Parsun è un po 'partito dalla ricchezza colorata tipica dell'icona dipinto XVII secolo. Tuttavia, la scrupolosa trasmissione dell'ornamenti delle vesti e varie parti conferisce al suono decorativo elevato in tela.
Il Master non possiede ancora pienamente i nuovi principi della trasmissione del volume, il collegamento enfatizzato enfatizzato convesso dai volti scritti e dalle vesti pianeggianti. Grandi dimensioni di tela, il loro spirito impressionante, la ricchezza della situazione e i gioielli riprodotti sono progettati per illustrare il significato sociale del raffigurato. Un'immagine di un autonomo, si concentra su se stesso ed è indifferente agli altri. La pittura, non ancora maturata prima del trasferimento di individuo, a modo suo cerca di notare le caratteristiche inerenti in questo personaggio. Tuttavia, il generale e l'individuo non sono ancora fusi nell'unità organica e le proprietà specifiche di difficilmente appaiono sotto la maschera consolidata della macchina da scrivere.
La linea di Parsuna, che esisteva relativamente lunga, principalmente negli anni '80 e soprattutto negli anni '90 del XVII secolo, successivamente affronta un molto forte, praticamente fissato il suo flusso di prodotti di stranieri e artisti di pensionamento. Allo stesso tempo, non dovrebbe essere pensato che si è rivelato essere un episodio casuale nel processo generale dello sviluppo del ritratto russo. Essendo spinto dalle posizioni principali, la Persana ha continuato a esistere. Inoltre, le sue caratteristiche si sono manifestate nel lavoro di un certo numero di artisti avanzati come prova di una transizione incompiuta dalla scrittura medievale a un nuovo modo. In tale capacità, si può trovare nelle opere di I. Nikitin, I. Vishnyakova e A. Antropova.
Video di Persinny e nella seconda metà del XVIII secolo, specialmente nelle opere di Serfs o Artisti provinciali che sono venuti in modo indipendente in una nuova arte, di regola, passando dall'iconografia. Si noti che la persualità come fenomeno artistico non è solo nella scuola russa, ma anche in Ucraina e in Polonia. Si incontra anche in Bulgaria, in Jugoslavia, e persino nei paesi del Medio Oriente, cioè, dove la pittura in una stretta situazione storica sta vivendo un attaccamento fondamentalmente simile all'arte del nuovo tempo e dell'arte laica.
I. Nikitin.
Il fondatore del nuovo dipinto russo XVIII secolo. È Ivan Nikitin (circa 1680 - non prima del 1742). La biografia di questo wizard è tipica per il popolo della sua generazione. Le attività artistiche della Nikitina sono iniziate a Mosca. Ritratti di sorella Peter I - Natalia Alekseevna, Zesary Anna Petrovna e altri lavori del primo periodo affermano che Nikitin ha già familiarità con il sistema europeo di composizione, pensieroso ed è osservatorio osservatorio al modello. Allo stesso tempo, la rigidità è ancora tangibile nelle figure, e le caratteristiche di vecchie tecniche appaiono in modo pittoresco. Le opere eseguite da Nikitin sul ritorno dal viaggio pensionato in Italia si distinguono per una maturità incredibile. L'artista è ancora inerente a una visione seria e oggettiva del mondo. Lui possiede completamente un moderno sistema di pittura. Il suo modo è lontano da trucchi superficiali. La maggior parte delle tela non sono praticamente contrassegnate dal desiderio di "graziosità". Grave, anche una pacco globlity puritana rende Nikitina prendersi cura del contenuto principale, trascurando la diversità distrattiva esterna. È molto probabile che questo tratto rende i suoi ritratti notevolmente simili l'uno con l'altro. Sono ravvicinati, formato, formulazione della figura, la natura delle vesti e persino la gamma colorata. Nei ritratti del cancelliere Golovkin e all'aperto Hetman Nikitin, Nikitin è molto più avanti dei suoi contemporanei lavorati in Russia. I suoi ritratti scoprono la profondità della penetrazione nel carattere - una linea che diventerà una scuola a prezzi accessibili nel suo insieme nella seconda metà del secolo. In questo anticipo, generalmente caratteristico di un tempo tempestoso Petrovsky, il donatrici dell'artista colpisce il più luminoso. È molto probabile che l'influenza di Nikitin sul dipinto russo potrebbe manifestarsi più forte e più coerente se non le circostanze tragiche della sua vita. Durante il regno di Anna Ioannovna, l'artista è stato arrestato, cinque anni era sotto le indagini, e poi nel link (tornando dal riferimento, è morto).
A. Matveyev.
Un altro importante maestro di questa epoca era A. Matveyev (1701 / 02-1739). Pubblicato per studiare in Olanda, tornò nella sua patria dopo la morte di Pietro I e ha preso un posto importante nell'arte degli anni '30. Tra le sue opere - "Venere e Amur" e "Allegoria della pittura", testimoniando il difficile per l'arte russa per padroneggiare la trama mitologica sconosciuta, schemi compositi piuttosto complessi e immagini del corpo nudo. Il principio artistico inerente a questa piccola tele è anche caratteristica di "Autoortista con sua moglie" (1729?) - Il lavoro più popolare di Matveev. Abbiamo un'intera composizione sullo sfondo della colonna e del paesaggio. Usando un tipo abbastanza comune di doppio ritratto, l'artista è ottenuto non solo dalla logica esterna di una relazione composita, ma anche una comunità spirituale più profonda. I personaggi sono combinati con rispetto reciproco e attento. Questo è perfettamente sentito nell'espressione di volti e occhi, in un po 'educato, ma internamente giustificato con il tocco delle mani. Il calore e la tranquillità del piccolo "mondo" sottolinea un sapore morbido, costruito sulla predominanza di fiori giallastri e rossastri. Il Maestro è intelligente e mostra seriamente un nuovo tipo di relazione. È anche importante: una sottile sensazione intima per la prima volta è aperta e allo stesso tempo presentata alla revisione. C'era un cambiamento significativo nella coscienza artistica, la conquista della qualità, fondamentalmente nuova per la pittura russa.
Molto bene, anche ritratti accoppiati del claus di Ivan Golitsyn e sua moglie (1728), permettendo di parlare di un punto speciale di prendere un maestro. A differenza di Nikitin, che non contribuisce al ritratto che complica un concetto puramente positivo dell'immagine, Matveyev cerca una maggiore nitidezza nella trasmissione del singolo. La grazia inscritta nei ranghi della composizione, l'orgoglio della formulazione casuale della figura, il colore elegante, quasi monocromatico ci consente di parlare degli approcci alla fase successiva della pittura russa.
architettura pittura decorativa Rastrelli
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Nel diciassettesimo secolo, il periodo di sette anni della Grande Stone Vecchia Costruzione Russo è completata. Successivamente, non si adatta a una pagina entusiasmante della cronaca dell'architettura mondiale. E l'architettura russa del XVIII secolo sarà glorificata da una serie di innovazioni in arte e costruzione. Sono questi cambiamenti che erano principalmente dovuti ai requisiti pesanti del governo. Prima di tutto, l'architettura del XVIII secolo in Russia avrebbe dovuto esprimere tutto il potere, la forza e la grandezza di un enorme impero sotto forma di strutture architettoniche.
Con lo sviluppo politico ed economico della Russia, sono presentati nuovi requisiti e pianificazione urbana. Condizionalmente, l'intera architettura russa del XVIII secolo può essere rappresentata principalmente da diverse direzioni architettoniche. Questo è principalmente barocco e rococò, e, naturalmente, classicismo.
Architettura russa XVIII secolo: stili di base
Secondo la definizione " barocco"Questa è una direzione unica nella pittura e dell'arte, le caratteristiche distintive di cui è una pompa straordinaria, una sorta di contrasto, nonché una combinazione speciale del presente e illusoria. Sono stati considerati i maestri riconosciuti del XVIII secolo in stile barocco, erano considerati Trezini, troie, mutui, Zemtsy, Rastrelli, Chevsky e Ukhtomsky. Era nelle loro opere che l'architettura del XVIII secolo in Russia fu pronunciata, i loro nomi rimarranno per sempre nella storia del grande potere.
Il contributo più significativo al tesoro del mondo e l'architettura russa è stato l'aggiornamento di San Pietroburgo. Tra la varietà di strutture architettoniche di quel tempo, i più impressionanti erano: il Palazzo d'inverno, il Palazzo di Stroganov, così come un monastero di Smithing e il villaggio di Tsarskoye. Pietroburgo avrebbe potuto essere in grado di chiamare la capitale culturale di quel tempo. Dopotutto, è lì architettura russa del XVIII secolo indossava un personaggio su larga scala. A differenza di Mosca e di tutte le altre città della Russia, era a San Pietroburgo che la costruzione di edifici di culto non era praticamente non condotta - sono stati eretti solo in caso di estrema necessità.
L'architettura in Russia del XVIII secolo, in particolare, nel secondo tempo inizia a trasformare in modo significativo. Decorativo barocco e Safocho Rococo ha sostituito lo stile architettonico-artistico - classicismo. Era abbastanza rapidamente stabilito non solo a San Pietroburgo e a Mosca, ma anche diffuso in tutto il paese.
Classicismo in Russia
Classicismo (in trans. Con lat. - esemplare) - stile artistico creato da un'unificazione concisa di forme, campione e composizioni di arte del mondo antico e capolavoro del Rinascimento italiano.
L'architettura del XVIII secolo in Russia è anche formata nelle abili mani di fondatori così glorificati del classicismo russo come: V. I. Bazhenov, A. F. Kokorinov, M. F. Kazakov, I. E. STOROV. Gli architetti di talento hanno eretto eccellenti monumenti in cui erano presenti anche principi ed elementi architettonici classici dei classici mondiali, e le tradizioni del patrimonio architettonico russo erano chiaramente addestrate. Le strutture architettoniche di questi architetti sono evidenziate da caratteristiche semplicità e rigore, nonché la razionalità.
Architettura del XVIII secolo in Russia È diventato famoso per tali creazioni di architettura del classicismo russo precoce: St. Petersburg Academy of Arts, lavori V. I. Bazhenova a Mosca - casa foderata PASHKOV. e progetto non realizzato del magnifico palazzo del Cremlino in Tsaritsyn; Golitsyn Hospital, Mosca Senato nel Cremlino, così come Palazzo Tauridico A St. Pietroburgo, I. E. STOROV e altri.
Le progressive tradizioni dell'architettura russa del XVIII secolo erano di grande importanza per la pratica dell'architettura successiva. Ogni anno, l'architettura è stata trasformata, ma alcune caratteristiche dell'architettura russa si sono sviluppate in tutto il futuro secolo, pur mantenendo tradizioni e sostenibilità fino al XX secolo.
A.I.Venedektov.
I più grandi fenomeni dell'architettura inglese del periodo in esame si riferiscono all'ultimo secolo trentennale. Christopher Ren (1632-1723), che è rimasto il principale maestro dell'architettura inglese, è stato anche il successore dei classici dell'architettura inglese di Inigo Jones (1632-1723).
Ren ha ottenuto un'istruzione molto diffusa: prima che si voltò interamente all'architettura, era impegnato in matematica e astronomia. Avendo fatto un viaggio in Francia nel 1665, incontrò la secca Arduen-Mansar e altri architetti francesi e con le loro opere, così come da Bernini, portò il progetto di Louvre.
Dopo il "grande fuoco" del 1666, che ha distrutto la maggior parte di Londra, Ren crea un progetto per una riqualificazione fondamentale della città, respinta tuttavia dalle autorità reattive. Allo stesso tempo, Ren ha ricevuto il più grande ordine per la costruzione di una nuova cattedrale di Santa St.. Paolo e compilare progetti di cento chiese parrocchiali bruciate, di cui ha costruito più di cinquanta.
Cattedrale di St. Paul a Londra, costruito da Ren per trentasei anni (1675-1710), divenne la più grande costruzione religiosa del mondo protestante (supera la cattedrale di Colonia, l'altezza della parte della cupola - Cattedrale fiorentina di Sanga Maria del Fiore). Cattedrale cattolica romana di St. Pietro, costruito da molti architetti oltre l'età di una e mezza, come se volutamente opposti alla cattedrale protestante di Londra, costruita da un maestro in un unico periodo di costruzione, in soli tre decenni e mezzo. Il primo progetto escluso con un piano centrale sotto forma di una croce equilatale con un fest è stato respinto da un clero conservatore. Il secondo, il progetto realizzato è una forma allungata più tradizionale con pilastri separati e archi in tre nuovi, i locali principali e con uno spazioso spazio di corruzione all'incrocio della non trasmissione.
La conoscenza matematica di Rena era utile per lui in un compito difficile della costruzione della cupola, risolto da lui brillantemente, con il calcolo del sottile e profondo. Il design della dome tripla basata su otto pilastri è complessa e insolita: sopra il guscio di mattoni interni di una forma emisferica è un cono troncato dagli occhi di mattoni, che porta la lampada e una croce, e il terzo, in legno, condurre porribile Shell della cupola.
Aspetto efficace della cattedrale. Due marce di ampi gradini sono riassunti dall'ovest a sei paia di colonne di Corinthian delle colonne di Corinthian della portazioni di ingresso, oltre alle quali altre due coppie si trovano con capitelli compositi, trasportando il fronton con un gruppo scultoreo nel timpano. I portisti semicircolari più modesti vengono consegnati ad entrambe le estremità della trasmissione. Lato La facciata principale è stata eretta da torri snelle (una per campane, un'altra per gli orologi), dietro di loro, sopra i mediadentifies della cattedrale, un'enorme cupola maestosa sorge. Il tamburo della cupola circondato da colonne sembra particolarmente potente perché ogni quarto colonnato intercuminale (la cosiddetta galleria di pietra) posò una pietra. Sopra l'emisfero della cupola stessa, il secondo, la cosiddetta galleria d'oro è formata bypass intorno alla lanterna con una croce. Il gruppo di cupole e torri che torreggiano su Londra è senza dubbio la parte di maggior successo della cattedrale, il cui matrice principale era difficile da percepire interamente, poiché rimase un edificio urbano casuale nascosto (pesantemente distrutto dai bombardamenti durante la seconda guerra mondiale).
L'individualità creativa della Ren non è meno luminosa e in tale. Funziona, per esempio, le chiese parrocchiali di Londra. Amazza una varietà e uno spirito di pianificazione quadrata, rettangolare e ovale di questi edifici, di solito piccole dimensioni, la configurazione stessa è spesso dovuta al workshop utilizzando aree ravvicinate e scomode stanchezzate per costruirle. L'architettura delle chiese stesse e le loro campane sono eccezionalmente diverse, quindi vicino alla forma di gotico, quindi rigorosamente classica. Basta nominare l'originale nella composizione dello spazio interno della cupola della chiesa di Santo Stefano (1672-1679) o della chiesa di Santa Maria Le Bow (1671-1680) con la sua meravigliosa silhouette di un campanile sottile.
Delle strutture civili, Ren è una delle parti più brillanti del Palazzo Hampton Court. Nel 1689-1694. Sono stati costruiti da scafi attorno al cosiddetto cortile con una fontana e una facciata con vista sul parco. In questo lavoro originale, l'architetto ha mostrato un'elevata padronanza, un gusto rigoroso e la capacità di utilizzare efficacemente materiali - mattoni e pietra bianca del mattone.
Il prolifico maestro, ren costruito non solo i palazzi e le chiese. Finalmente è stato sviluppato dal piano dell'ospedale Greenwich (l'intento iniziale di cui appartiene a sembra inigo Jones), così come l'altro ospedale di Chelsea è stato costruito. Indossava il distretto del tempio a Londra, costruito il municipio di Windsor. A Cambridge, appartiene all'edificio della Biblioteca College Tloinits (numero di Trinity), il cui prototipo ha servito come una biblioteca di St. Marchio a Venezia. A Oxford, dove Ren ha insegnato nell'astronomia giovanile, costruirono il cosiddetto The Sheldon Theatre - una grande round room per lezioni e rapporti, che utilizzavano i motivi dell'architettura dell'antico teatro romano Marcello; Lì, ha costruito una biblioteca nel Queens-College e ha costruito il cortile nel Trinity College. Utilizzato in questi edifici, i motivi dell'architettura veneziana e romana hanno ricevuto l'interpretazione originale in ren ed entrò nella storia dell'architettura inglese come creazione di un genio nazionale.
Nel paese residenziale e nelle case della città in questo momento, un tipo di costruzione in mattoni è creato con un rivestimento in pietra bianca, che è diventato un modello per la costruzione successiva inglese. Esempi possono servire come riferito alla tenuta di Grumbridge-Place in Kent e "House with Swans" (Swan-Hauz) a Chichester.
A differenza di Inigo, Jones Renu, per tutta la sua lunga e fruttuosa attività, è riuscita a implementare quasi tutti i suoi piani. Come un vero umanista, Ren ha lavorato per l'illuminazione e il popolo, costruirono non solo chiese, ma anche ospedali, biblioteche, non solo palazzi, ma anche modesti edifici residenziali. Ren andò lungo la strada, presentato da Jones, ma, a differenza di Jones, che aveva assorbito lo spirito del Rinascimento in Italia, nel classicismo di Ren, che è sopravvissuto all'era della Puritania, è più chiaramente espresso, l'obbligo è iniziato.
In inglese Architecture 18 V. Di grande importanza è stata la nuova passione risvegliata per il lavoro di Palladio. Nel 1742, tre edizioni del Trattato architettonico Palladio erano già state rilasciate. Da metà del secolo, inizia la pubblicazione di ricerca indipendente sull'architettura antica. Robert Wood nel 1753-1757 Aggiornato dedicato alle rovine di Palmyra e Baalbek, Robert Adam ha pubblicato nel 1764 schizzi e misurazioni di Palazzo Diocleziano a Spalato in Dalmazia. Tutte queste edizioni hanno contribuito allo sviluppo della teoria dell'architettura e ha influenzato la pratica architettonica di quel tempo. Le nuove idee si riflettono in grandi eventi di pianificazione urbanistica, ad esempio nella pianificazione e sviluppo della città di Bata (1725-1780), che sono i più completi ensemble classici dell'Inghilterra. Architetti 18 V.- Questo è già nella maggior parte dei casi professionisti e teorici.
John Vanbru (1664-1726) occupa una posizione intermedia tra i maestri versatili dotati e formati del 17 ° secolo e ristretti specialisti del XVIII secolo. Un geniale ufficiale, zitto della corte, il drammaturgo alla moda, rimase un dilettante dotato in architettura.
Il principale e maggiore del suo lavoro sono 18 V costruito nei primi anni. Howard Palaces (1699-1712) e Blenheim (1705-1724).
Già nel primo di loro, lui, cercando di combinare Versailles con il comfort inglese, ha colpito i contemporanei principalmente dalle dimensioni della sua costruzione, la cui distanza era di 200 m, la profondità è quasi 130 m, l'altezza della cupola centrale ha superato i 70 m. In un ancora più ambizioso in termini di Blenheim Palace Architect ha cercato di migliorare il primo architetto di confusione per migliorare il primo architetto edilizio (259 x 155 m). Osservando rigorose simmetria, ha collocato altri due cortili su entrambi i lati dell'enorme Kurdoner, che sono collegati all'edificio principale con la galleria decorata con il colonnato. Nell'architettura esterna del Palazzo Blenheim né un pesante portico dell'ingresso principale, né l'arco trionfale della facciata del parco, né gli angoli e le torri non fanno per favore gli occhi: le forme sono pesanti e scortese qui. I locali interni del palazzo sono scomodi e scomodi. Inerente al classicismo, il desiderio di parata severa è abbastanza meccanicamente combinata con Vanbru con una pompa superficiale in aumento. Nella sua architettura, secondo l'espressione di uno dei contemporanei, "grave in forma e leggero essenzialmente", non è difficile rilevare i segni evidenti di eclettismo.
Nicholas Hawksmur (1661-1736) era un successore più modesto, ma più degno di Rena. Ha guidato la costruzione di chiese di Londra, di cui la chiesa più interessante di St. Maria Woolnos (1716-1719) con una facciata, decorata con ruggine, e circondata da colonne rettangolari in termini di campanile completata con due torrette con balaustra. Hawksmur ha lavorato dopo il suo insegnante a Oxford, dove ha costruito un nuovo Corpo di Cynes-College con una facciata monumentale del cortile e una specie di ingresso (1710-1719). Infine, durante la vita di Ren e dopo la sua morte Hoxmur nel 1705-1715. Continua la costruzione dell'ospedale di Greenwich. Situato sulla riva del Tamigi, questa delle più significative e delle dimensioni e nei vantaggi artistici dei monumenti dell'architettura inglese ha accettato la forma finale di Hoxmur.
Un grande complesso dell'ospedale, dove la scuola navale è ora situata, è composta da quattro edifici che formano cantieri rettangolari con una spaziosa area tra i casi anteriori rivolti verso il fiume Portica delle facciate. Ampie gradini, su entrambi i lati dei quali sono maestosi edifici a cupola, portano alla seconda area tra la seconda coppia di cantieri. Hawksmur ha completato adeguatamente la costruzione iniziata da Jones e continua a ren.
William Kent (1684-1748) era un prominente inglese palladiano della prima metà del XVIII secolo. Insieme al Signore Burlington, che si è portato all'architetto, ha progettato e costruito una villa a Chesevica (1729,) il maggior successo tra le numerose opzioni inglesi della Palladskaya Villa Rotonda. Più amabile del Kent durante la costruzione del castello di Halkham Hall (1734), dove quattro flaggels sono collegati biologicamente con il corpo centrale (con una cappella, una biblioteca, una cucina e camere) si affacciano sul loro parco. Soprattutto il merito del Kent in Garden Art, dove è conosciuto come il "Padre del Giardino Contemporaneo".
Il lavoro più maturo dell'architetto è una forma di facciata senza tempesta del reggimento Konnogvardeysky (Horz-Gards, 1742-1751) a Londra.
Architetto e teorica dell'architettura James Gibbs (1682-1765) è la personalità più luminosa nell'architettura inglese della prima metà del XVIII secolo. Passando la scuola a Philippe Yuvara a Torino, ha anche imparato il mandato e il sistema Palladio proporzionale. Il più significativo dei suoi edifici e su scala e sui vantaggi artistici è la cosiddetta biblioteca Redcliffian a Oxford (1737-1749), un eccezionale sull'originalità di una struttura centrica costituita da una base sedici marciata, una parte principale cilindrica e il Duomo. La base rasente massiccia viene tagliata in grandi aperture a porta ad arco e finestra; La parte rotonda è disseminata da un paio di colonne di tre quarti per sedici santi con due livelli di finestre alternate e nicchie. Sopra la balaustra, il volume cilindrico finale, la lanterna della cupola è sollevata. Esprimere completamente il suo appuntamento, la Biblioteca universitaria rigida e monumentale occupa, indubbiamente, uno dei primi posti tra i migliori monumenti dell'architettura inglese.
Le chiese di Londra Gibbs, la costruzione del quale ha proseguito dopo Renom e Hoxmur, - Santa Maria conferisce alla chiesa a due piani (1714-1717) con un portico semicircolare dell'ingresso e campanile snella e la chiesa di San Martino in-de Campi (1721-1726) con imponente portico Corinthian.
William Chembers (1723-1796) è stato un rappresentante coerente del Palladianismo in Inghilterra nella seconda metà del XVIII secolo, quando gli architetti inglesi meno significativi hanno già abbandonato tentativi infruttuosi di adattare i piani di Villa Palladio alle condizioni del clima inglese e del clima inglese e del Requisiti del comfort inglese.
Chebies riassunto nel suo trattato architettonico e nella sua più grande costruzione, conosciuta come Somerset Hauz a Londra (1776-1786). Questo edificio monumentale, costruito su satelliti delle sottostrutture, esce con le sue facciate affrettate su stresci e sul Tamigi, il Tamigi (di fronte al fiume Facciata è completato più tardi, nel 19 ° secolo). Nelle premesse di Somerset-Hauza nel 1780, si trovava la Royal Academy.
L'ultimo Palladiano, Chambers è stato il primo rappresentante della destinazione accademica nell'architettura inglese.
Ma Somerset Hauz, in particolare la facciata con un ingresso di tre ore da Strond e il magnifico cortile dell'edificio, completa adeguatamente un'epoca grande e brillante nella storia dell'architettura inglese.
Le aerosche sono indiscutibili e nel campo dell'architettura di giardinaggio, dove ha promosso il parco paesaggistico inglese. Dopo Kent, ha lavorato in un Kew Park, dove, oltre ai padiglioni classici, costruito la pagoda cinese come tributo alla moda europea per "cinese" e come ricordo del viaggio dell'Estremo Oriente.
Robert Adam (1728-1792), un altro architetto inglese vissido della seconda metà del XVIII secolo, è spesso contrario alla chembers. Mentre le camere conservatrici erano un severo guardiano delle tradizioni palladiane in architettura, Adamo, un predicatore di "nuovi gusti", era in una certa misura in un innovatore nell'arte inglese. Avendo percepito l'antichità, mentre prestava particolare attenzione ai motivi decorativi, lui, secondo la sua espressione, "rivoluzionò l'ornamento". Gli architetti inglesi avanzati hanno portato molto a fare molto per garantire che le nuove tendenze artistiche si estendano dalla decorazione degli interni (il loro campione può fungere da architetto James Dolore a lobby del castello del castello a Wiltshire, Seeillo.) Su mobili, tessuti, porcellana.
Il campione caratteristico della creatività di Adamo - Castello di Kedlston-Hall (1765-1770), costruito e decorato all'interno del Piano Palladiano composto da altri architetti (con ali semicircolari adiacenti all'edificio centrale). Ma situato sull'asse principale, le più grandi premesse anteriori del castello appartengono all'indubbiamente Adamo. L'intenzione della grande sala, dove, per i portatori del soffitto dello stucco, le colonne di Corinf dal marmo artificiale stanno nelle nicchie delle mura delle statue antiche, e una cupola di cabina bloccata, le cui pareti sono smembrate da nicchie e tabernacoli, ispirati , Probabilmente monumenti antichi con cui Adamo ha conosciuto durante un viaggio a Dalmazia, dove ha studiato Palazzo Diocleziano a Spalato. Una laurea ancora una laurea è stata data una risposta di nuovi sapori raffinati di finitura di altri locali più piccoli - soffitti in stucco e pareti, decorazione di caminetti. L'elegante facciata del club buddle a Londra (1765) dà un'idea di come Adamo ha risolto l'aspetto dell'edificio.
L'attività architettonica di Robert Adam è stata estremamente ampia. Insieme ai fratelli James, John e William, i suoi dipendenti permanenti, indossava strade intere, piazze, quarti di Londra. Superando l'ex chiusura palladiana, un volume architettonico isolato, i fratelli Adamo ha sviluppato tecniche per la formazione di quarti urbani olistici (principalmente edilizia residenziale) sulla base di un unico ensemble architettonico. Tali sono l'area di Fitzroy Square, il quartiere Agelphy, chiamato così in onore dei fratelli Adamo stessi ("Adelphos"-Gede "fratello"). Come risultato dei successivi riqualitosi e riarrangiamenti della città (così come dopo il bombardamento aereo durante la seconda guerra mondiale), Adam è sopravvissuto alle ampie attività di costruzione dei fratelli Adamo sopravvissuti. Ma le tradizioni della loro arte hanno a lungo mantenuto la loro importanza nell'architettura inglese. Già uno stile fortemente elinizzato dei fratelli Adamo ha trovato una continuazione nella cosiddetta "rinascita greca", l'inizio di cui si riferisce alla fine del XVIII secolo, la direzione non è creativa abbastanza e in gran parte eclettica. Del suo pieno sviluppo, questa direzione ha raggiunto i prossimi decenni del prossimo 19 ° secolo nell'architettura inglese.