L'atteggiamento verso la natura morta in diverse epoche è cambiata, a volte è stata quasi dimenticata di lui, ea volte era il genere di pittura più popolare. Come genere indipendente di pittura, apparve sul lavoro degli artisti olandesi nel 17 ° secolo. In Russia, per molto tempo alla natura morta, furono trattati come un genere inferiore, e solo all'inizio del 20 ° secolo divenne un genoma completo. Nella storia del XII secolo, gli artisti hanno creato un numero molto elevato di livelli ancora, ma tra questa somma è possibile assegnare il lavoro più noto e significativo per il genere.

"Natura morta con prosciutto e piatti d'argento" (1649) Villem clas Hedda (1594-1682).

L'artista olandese è stato un maestro riconosciuto della natura morta, ma è stato questo dipinto che si distingue nel suo lavoro. Qui è notevolmente la capacità virtuosita di inebriante nel trasferimento di articoli per la casa di tutti i giorni - è stato creato un senso di realtà di ciascuno di essi. Sul tavolo rivestito con una ricca tovaglia, c'è un limone ambrato, un pezzo di prosciutto fresco e un tavolo in argento. Domani è appena finito, quindi un piccolo casino è evidente sul tavolo, il che rende l'immagine ancora più reale. Come la maggior parte della vita olandese ancora questo periodo, qui ogni oggetto porta una specie di carico semantico. Quindi, i piatti d'argento parlano della ricchezza terrena, il prosciutto indica gioie sensuali, e il limone è la bellezza esterna che nasconde l'amarezza interiore. Attraverso questi simboli, l'artista ci ricorda che dovrebbe essere pensato di più sull'anima, e non solo del corpo. L'immagine è realizzata in una singola gamma marrone-grigio Caratteristica di tutti i dipinti olandesi di questa epoca. Oltre all'ovvia decoratività, questa natura morta parla anche della "vita tranquilla" invisibile degli oggetti che è stato notato l'attento aspetto dell'artista.

"Pesche e pere" (1895) Paul Cesanne (1830-1906).

Il genere della natura morta è sempre stato molto conservatore. Pertanto, quasi fino all'inizio del 20 ° secolo, sembrava anche nel 17 ° secolo. Finché Paul Cezann non lo prendeva. Credeva che la pittura debba trasmettere obiettivamente la realtà, e le immagini dovrebbero essere basate sulle leggi della natura. Cezann ha cercato di trasmettere la qualità non variabile, ma permanente del soggetto, attraverso la sintesi di forma e colori, combinando la forma e lo spazio. E il genere della natura morta è diventato un oggetto eccellente per questi esperimenti. Ognuno degli articoli sulla natura morta di "pesche e pere" è rappresentato da diversi angoli di vista. Quindi vediamo il tavolo da sopra, frutta e tovaglia - sul lato, un tavolino - dal basso, e la brocca è generalmente allo stesso tempo da diversi lati. Cezanne sta cercando di trasferire correttamente la forma e il volume di pesche e pere. Per fare ciò, utilizza le leggi ottiche, così le tonalità calde (rosso, rosa, giallo, dorato) sono percepite dallo sporgente, e freddo (blu, blu, verde) - si ritirano nel profondo delle profondità. Pertanto, la forma di articoli sulle sue sollevate ancora non dipende dall'illuminazione, ma è costante. Ecco perché Cezanna sembra monumentale.

Blue Tovaglia (1909) Henri Matisse (1869-1954).

Persino le persone inesperte nella pittura hanno un'idea di ciò che la vita ancora la vita. Questi sono i dipinti su cui sono raffigurate le composizioni da qualsiasi oggetto di vita o colori. Tuttavia, non tutti sanno come questa parola è tradotta - natura morta. Ora ti parleremo e molte altre cose, che è associata a questo genere.

L'origine della parola "still life"

Quindi, l'espressione della natura morta è venuta in russo, ovviamente, dal francese. Come vedi, è diviso in due parti - "natura" e "morta", che sono tradotte, rispettivamente come "natura, natura, vita" e "morte, silenziose, fisse". Ora mettiamo insieme due parti e otteniamo l'intera parola familiare "still life".

Sulla base di tutti i precedenti, è possibile fare una conclusione che ancora la vita è il genere di pittura macchina, un'immagine di un artista su tela congelata, natura immobili. Vero, a volte i maestri di natura morta completano i loro esseri abbastanza viventi - farfalle, bruchi, ragni e bug e persino uccelli. Ma l'eccezione conferma solo la regola di base.

Formazione del genere

La storia della natura morta ha quasi 600 anni. Fino al XVI secolo Non si poteva nemmeno accadere a nessuno in testa che alcuni oggetti inanimati possono essere disegnati con vernici, anche anche molto belle. I dipinti di vita ancora semplicemente non esistevano in quei tempi. Nel Medioevo, la pittura è stata interamente dedicata a Dio, alla Chiesa e all'uomo. Gli artisti hanno scritto le immagini sui piatti religiosi, erano anche in tutti i ritratti. Anche il paesaggio eseguito solo come supplemento.

Ma ancora, alcuni elementi della natura morta si sono già incontrati nel XV secolo dai pittori olandesi. Nei loro dipinti con contenuti religiosi o mitologici tradizionali, così come ritratti ci sono immagini di ghirlande di fiori, libri, piatti e persino teschi umani scaricati. Passerà un paio di secoli, e il mondo intero ammirerà le creazioni dei cosiddetti piccoli piccoli olandesi - maestri di pittura ancora salvate.

Tuttavia, la sua assegnazione in un genere indipendente di belle arti non è ancora gli uomini olandesi, ma i francesi. Come Francois partì, Monnuaye e Jean-Batist Undria hanno formulato i principi di base del dipinto "soggetto", formò il suo concetto principale e apparve al pubblico in generale tutta la bellezza e il fascino della natura morta.

L'era di piccoli olandesi - il fiorente di pittura ancora per tutta la vita

Quindi, cerchiamo di preoccuparsi di diversi secoli fa per capire chi è un tale piccolo olandese e perché, quando si tratta di una classica natura morta, li ricordano sempre. Le prime vita ancora olandesi sono le creazioni dei pittori che vivevano nei Paesi Bassi nel 17 ° secolo. Piccoli olandesi - così accettati per chiamare la scuola di pittura e la comunità di artisti che hanno creato foto di focus domestico di piccole dimensioni. Ovviamente, hanno scritto non solo i livelli ancora.

Tra questi c'erano molti giocatori di paesaggi e maestri di pittura di genere. La loro tela non era destinata affatto per palazzi e chiese, ma per decorare le abitazioni dei cittadini più comuni. A quel tempo, circa 3 mila artisti vivevano in una piccola Olanda, e tutti differivano a portare la bellezza del mondo quotidiano a tela bene per portare la bellezza del mondo quotidiano. I successivi storici dell'arte chiameranno questa volta dal rinascimento olandese. Fu allora che il genere della natura morta era diffuso.

Top Dutch Still Lives

Sul bello come sul negozio, vari utensili da cucina, frutta, fiori di lusso, prodotti per la casa sono sterzati davanti al pubblico. I flower sono ancora molto popolari. Era in parte dovuto al fatto che nei Paesi Bassi, il tempo immemorabile esisteva un culto di fiori e giardinaggio. Alcuni dei più brillanti rappresentanti della pittura olandese ancora stile di vita 17 in. Artisti Yang Davids de Orlo, così come suo figlio Cornelis de Orlo.

Le loro pittoresche creazioni sono state acquisite popolarità e fama in gran parte dovuta al fatto che sapevano come ritrarre fiori e frutta. Studio attento delle parti per accoppiato con una sofisticata gamma di colori e perfettamente costruita dalla composizione fatta i loro dipinti con ineguagliabili. Questi artisti hanno dipinto lussuosi mazzi floreali, in piedi in splendidi vasi, con il quale flauto delle farfalle; Ghirlande di frutta; Bicchieri da vino trasparenti pieni di vino; piatti con uva e altri frutti; Strumenti musicali, ecc. La famosa natura morta del padre e del figlio sta colpendo con il loro realismo, la raffinata trasmissione del gioco di colore chiaro e raffinato.

Natura morta nel dipinto di impressionisti

È stata prestata molta attenzione al genere di natura morta e impressionisti francesi, così come premixesonisti. Naturalmente, il loro modo di scrivere differiva bruscamente dalla raffinatezza realistica del piccolo olandese, perché il dipinto classico degli impressionisti non attraeva. Claude Monet, Edward Mana, Edgar Degas, Van Gogh - Tutti questi artisti hanno amato scrivere fiori e piante, perché entrambi fanno parte della natura, la cui bellezza si scioglievano tutte le loro vite.

Auguste Renoir ha scritto per la sua vita un'intera galleria di bellissime vita ancora. A volte l'immagine della "natura congelata" è richiesta per essere impressionisti solo come supplemento. Ad esempio, nella pittura "colazione sull'erba", Edward Mana in primo piano, puoi vedere una magnifica natura morta di vestiti sparsi, sparsi sull'erba di frutta e del cane. Van Gogh ha scritto un sacco di vivi insolite. Molti conoscono i suoi dipinti "girasoli" o "iride", ma ha ancora una tacca tela, come la sedia "Van Gogh" - tutte queste sono anche campioni di natura morta di pittura.

Natura morta russa

È sorprendente che in Russia, la vita ancora sotto forma di un genere separato non fosse in richiesta da molto tempo, poiché era considerata quasi più bassa da tutti i tipi di arte raffinata, che non richiede conoscenze fondamentali o abilità speciali nella pittura. Solo nella seconda metà del XIX secolo. I lavoratori russi sono stati in grado di causare interesse per questo genere dell'arte del pubblico russo.

Successivamente, molti pittori russi erano affascinati da una pittura ancora vitaliosa. Rifinisca ancora artisti famosi, come Igor Grabar, Kuzma Petrov-Vodkin, Ivan Khrutskaya, può essere visto nelle sale della Galleria Tretyakov, il Museo russo, il Museo delle Belle Arti. Pushkin a Mosca, così come nell'eremo. Ma il vero fiorente di pittura ancora salvato è avvenuta nel nostro paese nell'era del socialismo.

Foto still life.

Con l'arrivo della fotografia nel mondo dell'arte, un altro genere è apparso come foto ancora vivi. Oggi molte persone sono desiderose sulla creazione di capolavori fotografici. Alcune immagini sono semplicemente stupite dalla loro perfezione e abilità del fotografo. A volte con l'aiuto della telecamera, i pollors di talento riescono a raggiungere i livelli immobili, che non sono inferiori alle creazioni più famose di piccoli olandesi.

Per iniziare a disegnare still life, devi prima disegnarlo da qualsiasi oggetto. Per i primi esperimenti nella pittura ancora vitalifera, è meglio non fare composizioni complesse, gli articoli di coppie-troika saranno sufficienti.

Quindi, disegna still life in fasi. Per prima cosa devi fare un disegno con una matita o un carbone. Poi ci dovrebbero essere semplici sottomarini che rivelano i colori e le ombre di base della composizione, e quindi puoi iniziare direttamente al disegno di parti.

Natura morta è un genere che ha acquisito la fama nell'arte occidentale entro la fine del XVI secolo e da allora rimane un genere importante. La natura morta è classificata secondo l'immagine degli oggetti convenzionali che possono essere naturali, come fiori, frutta, ecc. O artificiale, come occhiali, strumenti musicali, ecc. Quello che segue è una lista dei 10 artisti naturali più famosi Compreso Charden, Cezanna Fields, Van Gogh e Georgio Morandi.

№10 Still Life Series, Artist Tom Vesselman

Il movimento Pop Art è sorto negli anni '50 del 20 ° secolo e utilizza immagini riconoscibili da una cultura popolare. Tra le opere più popolari di Pop Art è una serie di livelli ancora Tom Vesselman. Le sue nazioni ancora raffigurano elementi del mondo moderno, non frutta e verdura della precedente generazione di artisti di questo genere. Questo lavoro (still life # 30) è una combinazione di pittura, sculture e collage di marchi, che Tom vide per strada.

№9 Vanitas con un violino e una palla di vetro

Artista: Peter Clas

Vai alla fase finale di questa serie di messaggi sul genere della natura morta. Sarà dedicato al lavoro di artisti della Russia.

Forse, forse da Fedor Petrovich Tolstoy (1783-1873). Grafica still life f.P. Tolstoy, famoso scultore russo, medaler, disegnatore, disegnatore e pittore, probabilmente la parte più importante e preziosa del suo patrimonio creativo, anche se l'artista stesso ha detto che ha creato questi lavori "in gravi di tempo".

La proprietà principale dei disegni comunque dello stile di vita è spesso - la loro illusione. L'artista ha accuratamente copiato la natura. Ha provato, secondo le sue stesse parole, "con rigide prigioni di trasferire un fiore copiato dalla natura su carta come è, con tutti i minimi dettagli appartenenti a questo fiore". Per introdurre uno spettatore in errore, Tolstoy ha utilizzato tali tecniche illusioniste, come immagine di goccioline di rugiada o carta traslucida, che copre il disegno e aiutando a ingannare la visione.

Illya Efimofich Repin (1844-1930) si rivolse anche a un tale motivo della natura morta come fiori. Tali lavori possono essere attribuiti al dipinto "Bouquet Autumn Bouquet" (1892, Galleria Tretyakovskaya, Mosca), dove l'artista con uguale attenzione raffigura il paesaggio autunnale, una giovane donna in piedi contro lo sfondo di alberi d'oro, e un modesto bouquet di giallo e Fiori bianchi nelle sue mani.

I. Repin. Bouquet di autunno. Ritratto di una fede della corda. 1892, Galleria Tretyakov

La storia del dipinto "mele e foglie" è in qualche modo insolita. Natura morta, combinando frutta e foglie, è stata fissata per uno studente di repina, v.a. Sierov. La composizione del soggetto era così amata dall'insegnante che ha deciso di scrivere una tale vita ancora stessa. I fiori e i frutti hanno attirato molti artisti che preferivano da altre cose precisamente questi, la maggior parte poetici e meravigliosamente mostrando il mondo della natura. Anche in. Kramskaya, che è stato ritenuto in modo sprezzante creduto per un genere del genere, ha anche dato omaggio alla natura morta, creando uno spettacolare quadro "bouquet di fiori. FLOXES "(1884, Galleria Tretyakov, Mosca).

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) è noto alla maggior parte di noi come artista che ha prestato attenzione al paesaggio, ritratto e pittura storica nel suo lavoro. Tuttavia, va notato che il soggetto nel suo lavoro ha sempre svolto un ruolo importante e spesso occupava la stessa posizione uguale, così come altri elementi della composizione. Un po 'più alto, ho già detto il suo lavoro studente "mele sulle foglie", 1879, tenuto sotto la guida di repin. Se confrontiamo questo lavoro con il lavoro scritto sullo stesso tema della Repin, puoi vedere che la natura morta di Serov si distingue più schizzinosa del tessuto del suo insegnante. L'artista del novizio ha usato un punto di vista basso, quindi il primo e il secondo piano sono combinati e lo sfondo è ridotto.

Famoso con tutti fin dall'infanzia, un'immagine della "ragazza con le pesche" va oltre il genere del ritratto e non è per caso che si chiami "ragazza con pesche", e non "ritratto di fede mammut". Possiamo vedere che le caratteristiche del ritratto, dell'interno e della natura morta sono collegate qui. L'artista paga uguale attenzione all'immagine della ragazza in una camicetta rosa e alcuni, ma soggetti raggruppati abilmente. Su una tovaglia bianca giacciono dolcemente gialle pesche, foglie di acero e un coltello lucido. Bella scoperta e altre cose che sono in gran parte: sedie, un grande piatto di porcellana, che adornano il muro, una figura di un soldato giocattolo, un candelabro sul davanzale. Luce solare, versando fuori dalla finestra e lasciando gli oggetti luminosi abbagliamento, dà il fascino poetico dell'immagine.

Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) ha scritto: "E ancora una volta enfatizzarmi, no, non si arrende, ma sono ascoltato dalla nota nazionale intima che voglio talvolgere su tela e nell'ornamento. Questa è la musica di un uomo di un uomo, non sezionata da distrazioni di un ordine, differenziato e pallido ovest. "

Alla Academy of Arts, l'amata insegnante Vrubel era Pavel Chistyakov, che ha insegnato il giovane pittore a "disegnare una forma" e sosteneva che i moduli del volume non dovrebbero essere creati nello spazio con tubo e contorni, dovrebbero essere costruiti con linee. Grazie a lui, Vrubel imparava a non mostrare solo la natura, ma come se avesse avuto una conversazione sincero, quasi amorosa con lei. In tale spirito, è stata eseguita una meravigliosa natura morta dei Maestri "Roshovnik" (1884).

Sullo sfondo del drappeggio squisito con motivi floreali, l'artista ha pubblicato un elegante vaso arrotondato, dipinto dai modelli orientali. Il dolce fiore rosa bianco rosa, ombreggiato con un panno verde blu, è distintamente distinto, e le foglie della pianta sono quasi fuse con alberi neri in vaso. Questa composizione viene eseguita dal fascino e dalla freschezza inesprimibili, che lo spettatore non può semplicemente non cedere.

Grandi competenze nella creazione di vita ancora - "annuss" raggiunto G.n. Calore e T. ulyanov. Molto spesso, ritraggono un muro militante, su cui sono stati disegnati i nodi e i corpi dell'albero. Sulle pareti sono appese o zitti per nastri inchiodati per unghie una varietà di oggetti: forbici, capesante, lettere, libri, taccuini musicali. Sui ripiani stretti, orologi, inchiostri, bottiglie, candelesticks, piatti e altre piccole cose sono posizionate sugli scaffali stretti. Sembra che tale serie di oggetti sia completamente accidentale, ma in realtà non è così. Guardando tali livelli ancora, puoi indovinare gli interessi degli artisti impegnati in musica, leggere, appassionati d'arte. Maestri con amore e diligentemente raffigurarono le loro cari cose. Questi dipinti toccano la loro sincerità e l'immediatezza della percezione della natura.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) ha anche pagato molta natura morta nel suo lavoro. Alle sue amiche tesi, è possibile vedere tessuti in raso brillante, brillando con samovars rame, la lucentezza delle fette di rame e porcellana a fette di anguria, cluster d'uva, mele, cupcakes appetitosi. Uno dei suoi meravigliosi dipinti è "Kupchikha for Tea", il 1918 è impossibile non ammirare lo splendore luminoso degli oggetti mostrati sulla tela. Samovar scintillante, carne rossa brillante di angurie, mele lucide e uva trasparente, vaso di vetro con marmellata, zuccheria placcata in oro e una tazza di fronte, tutte queste cose fanno un umore festivo in un'immagine.

Nel genere della natura morta, è stata prestata molta attenzione alle cosiddette "fermi gruppi di congelamento". Molte livelli ancora - "inganni", nonostante il fatto che il loro compito principale fosse quello di introdurre uno spettatore per errore, possedere meriti artistici indubbiamente, particolarmente evidenti nei musei, dove, intrecciati intorno alle pareti, tali composizioni, ovviamente, non riescono a ingannare il pubblico . Ma ci sono delle eccezioni qui. Ad esempio, "Natura morta con libri", eseguita da P.G. Bogomolov, inserito nella "libreria" illusorio, e i visitatori non riconoscono immediatamente che è solo una foto.

Molto buono "still life con un pappagallo" (1737) G.n. Teplova. Con l'aiuto di linee chiare e chiare, spostandosi in contorni morbidi, lisci, ombre luminose, trasparenti, sfumature di colore sottile, l'artista mostra una varietà di oggetti sollevati su una bacheca. Legno trasmesso bosco, le sfumature bluastre, rosa, giallastre di cui aiutano a creare quasi una vera sensazione di un vero odore appena un albero punteggiato.

Russo ancora Lifes- "Deceivers" del XVIII secolo mostrano che gli artisti non ancora non trasmettono abilmente spazio e volumi. Ancora più importante, per loro mostrare la consistenza degli oggetti, come se fosse trasferito su tela dalla realtà reale. A differenza della vita olandese, dove le cose assorbite dal mezzo leggero sono raffigurate nell'unità con lei, nei dipinti dei maestri russi, gli oggetti si sono scaricati con molta attenzione, persino meschina, vivono come da soli, indipendentemente dallo spazio circostante.

All'inizio del XIX secolo, un grande ruolo nell'ulteriore sviluppo della natura morta è stato giocato dalla scuola A.G. Venetsanova, che ha trascorso contro la rigorosa delimitazione dei generi e cercava di insegnare ai suoi alunni con una visione olistica della natura.

A.G.VETSANOV. Khumno, 1821-23.

La scuola veneziana ha scoperto un nuovo genere per l'arte russa - interni. Gli artisti hanno mostrato vari locali della Noble House: soggiorni, camere da letto, armadietti, cucine, aule, umani, ecc. In questi lavori, un posto importante è stata data un'immagine di vari oggetti, anche se la natura morta non era quasi interessata ai rappresentanti del Circolo veneziano (in ogni caso, una pochissima vita è stata conservata, eseguita dagli studenti del famoso pittore). Tuttavia, Venetsanov ha invitato i suoi allievi per allenarti attentamente non solo i volti e le figure delle persone, ma anche le cose intorno a loro.

Il soggetto nel dipinto di Venetsian non è un accessorio, è inestricabilmente collegato con il resto dei dipinti ed è spesso la chiave per capire l'immagine. Ad esempio, una funzione simile viene eseguita da falciforme nella foto "zntsy" (la seconda metà del 1820, il museo russo, San Pietroburgo). Le cose nell'arte di Venetsiano sembrano coinvolte nella vita senza fretta e serena dei personaggi.

Sebbene Venetcianov, in tutte le probabilità, non ha scritto le reali livelli ancora, comprendeva questo genere nel suo sistema di apprendimento. L'artista ha scritto: " Le cose inanimate non sono soggette ai diversi cambiamenti, che sono caratteristici degli oggetti animati, stanno, mantengono davanti a un artista inesperto, vivace, immobile e dargli un tempo più accurato e intelligente, per penetrare nel rapporto di una parte a L'altro come nelle linee, così nella luce e nell'ombra, Koi dipende dal sito occupato da oggetti”.

Naturalmente, la vita ancora ha svolto un ruolo importante nel sistema pedagogico dell'Accademia delle Arti dei secoli XVIII-XIX (in classi curriculanti, gli alunni fatte copie da salvelleria, compilate da cose come figure in gesso, piatti, candeletti, multicolore Nastri, frutta e fiori. Gli oggetti per l'allenamento ancora le sollevate Venetsian hanno scelto in modo che siano interessati ai pittori principianti, sono comprensibili in forma, splendidamente a colori.

Nei dipinti creati da studenti di talento di Venetsianov, le cose sono state trasferite sinceramente e fresche. Tali sono ancora Lives K. Zelentsova, P.E. Cornilova. Ci sono opere nelle opere di VenetoNovens che sono alla loro essenza non sono ancora vitali, ma, tuttavia, il ruolo delle cose in loro è enorme. Puoi chiamare, ad esempio, il tessuto "Cabinet nelle isole" e "Riflessione nello specchio" G.V. Soroki immagazzinata nella riunione del museo russo a San Pietroburgo.

G.V. Gazza. "Cabinet nelle isole". Frammento, 1844, Museo russo, San Pietroburgo

I livelli ancora in questi lavori non sono in modo indipendente, ma come parte particolare della parte interna, corrispondente al generale sistema di quadri compositivi ed emotivi. L'elemento di rilegatura principale qui è la luce, girando delicatamente da un oggetto all'altro. Guardando la tela, sai quanto è interessante l'artista in tutto il mondo, raffigurante amorevolmente ogni oggetto, ogni piccola cosa.

Natura morta presentata nel "ufficio delle isole", sebbene ci vuole un piccolo posto nella composizione generale, sembra insolitamente significativa, assegnata a causa del fatto che l'autore lo bruciava dal resto delle alte sorgenti del divano, e a sinistra ea destra ritagliata il telaio. Sembra che quaranta così affascinato dagli oggetti sdraiati sul tavolo, che quasi dimenticarono del resto dei dipinti. Il Master ha scritto attentamente tutto: piuma d'oca, matita, circo, trasporto, perochelnik, abaco, fogli di carta, candela in un candelabro. Il punto di vista dall'otto ti consente di considerare tutte le cose, nessuno di loro illumina un altro. Attributi come un cranio, gli orologi, così come i simboli di "Earth Fuss" (figurina, carta, punteggi), consentono alcuni ricercatori di classificare la vita ancora al tipo di vanitas, anche se una tale coincidenza è puramente casualmente, molto probabilmente un servo L'artista ha approfittato del fatto che distendeva sul tavolo il suo proprietario.

Il famoso maestro delle composizioni del soggetto della prima metà del XIX secolo fu l'artista I.F. Khrustsky, che ha scritto un sacco di bei dipinti nello spirito della natura olandese della natura del XVII secolo. Tra i suoi migliori lavori - "Fiori e frutti" (1836, Galleria Tretyakov, Mosca), "Ritratto di una moglie con fiori e frutti" (1838, Art Museum of Bielorussia, Minsk), "Still Life" (1839, Museo del Museo del Accademia delle Arti, San Pietroburgo).

Nella prima metà del XIX secolo, la "Natura morta botanica", che ci è venuta da noi dall'Europa occidentale, era molto popolare. In Francia, in questo momento, il lavoro della botanica con bellissime illustrazioni. Gran parte di fama in molti paesi europei ha ricevuto l'artista P.Z. Rabutay, che era considerato "il pittore più famoso dei fiori del suo tempo". La "figura botanica" era un fenomeno significativo non solo per la scienza, ma anche per l'arte e la cultura. Disegni simili sono stati presentati come regalo, album decorati, che li mettono così in una riga con altre opere di pittura e grafica.

Nella seconda metà del XIX secolo, è stata prestata molta attenzione all'immagine degli articoli. Fedotov. Sebbene non abbia scritto l'altro studente, il mondo delle cose creato da lui ammira la sua bellezza e la sua veridicità.

Gli oggetti nelle opere di Fedotov sono inseparabili dalla vita delle persone, prendono la partecipazione più diretta agli eventi drammatici rappresentati dall'artista.

Guardando il quadro "fresco cavalier" ("mattina dopo Pirushki", 1846), sei incredibile un'abbondanza di oggetti, accuratamente scaricata dal Maestro. Una vera natura morta, sorprendente dalla sua laconicità, è presentata alla famosa immagine di Fedotov "Guardando Major" (1848). Glass tangibile in realtà trasmesso: bicchieri da vino ad alta gamba, bottiglia, decanter. Il migliore e trasparente, sembra fare un delicato squillo di cristallo.

Fedotov p.a. Maggiore muratura. 1848-1849. Gtg.

Fedotov non separa oggetti dall'interno, quindi le cose vengono mostrate non solo in modo affidabile, ma anche pittoresco piuttosto sottili. Ognuno è l'oggetto più comune o non troppo attraente che occupa il suo posto nello spazio generale sembra incredibile e bello.

Sebbene Fedotov non abbia scritto ancora la vita, ha mostrato un indubbio interesse per questo genere. Il Flair gli suggerì come posizionare uno o un altro argomento, da quale punto di vista è immaginare quali cose guarderanno accanto non solo logicamente ragionevoli, ma anche espressive.

Il mondo delle cose che aiutano a mostrare la vita di una persona in tutte le sue manifestazioni, dà le opere di Musicalità speciale Fedotov. Questi sono i dipinti "Ancora, ancora ancora ancora" (1851-1852), "vedova" (1852) e molti altri.

Nella seconda metà del XIX secolo, il genere dello studente ha praticamente fermato interessato agli artisti, sebbene molti genrestoni comprendono volentieri gli elementi della natura morta nelle loro composizioni. Gran parte di importanza è acquisita da cose nei dipinti v.g. Perova ("Tea Party in Mytishchi", 1862, Galleria Tretyakovskaya, Mosca), L.I. Solomatkina ("City Slavs", 1846, Museo storico di stato, Mosca).

I livelli ancora sono presentati nelle scene di genere A.l. Yushanova ("Fili del capo", 1864), M.K. Klodta ("musicista del paziente", 1855), v.i. Jacobi ("Performer", 1858), A.I. Korzukhin ("Prima della confessione", 1877; "Nel Monastero Hotel", 1882), K.E. Makovsky ("Alekseich", 1882). Tutte queste tele sono ora memorizzate nella collezione della Galleria Tretyakov.

K.e. Makovsky. "Alekseich", 1882, Galleria Tretyakovskaya, Mosca

Nel 1870-1880, il genere leader nel dipinto russo rimase la famiglia, sebbene il paesaggio e il ritratto abbiano anche occupato un posto importante. I film hanno svolto un ruolo enorme per l'ulteriore sviluppo dell'arte russa, sforzandosi di mostrare la verità della vita nelle loro opere. Gli artisti hanno cominciato a attribuire grande importanza a lavorare dalla natura e quindi, sempre più spesso appellati al paesaggio e alla natura morta, anche se molti di loro consideravano l'ultima perdita di tempo, passione priva di significato per la forma, priva di contenuti interni. Quindi, I.n. Kramskaya ha menzionato il famoso pittore francese, non trascurato da vita ancora, in una lettera a V.M. VasnetSov: "Un uomo di talento non trascorrerà tempo sull'immagine, messo, pelvi, pesce, ecc. È bello fare persone che hanno già tutto, e abbiamo un brutto angolo".

Ciononostante, molti artisti russi che non hanno scritto ancora la vita, gli ammirarono, guardando i maestri occidentali. Ad esempio, V.D. Polenov, che era in Francia, ha scritto I.n. KRAMSKY: "Guardi come va qui, come per il petrolio, tutti lavorano in un genere, in un'ampia varietà di aree che a cui piacciono, e tutto questo è apprezzato e pagato. Abbiamo principalmente il valore che è fatto, e qui - come fatto. Ad esempio, per un bacino di rame con due pesci pagano ventimila franchi, e anche in aggiunta, considerano queste azioni di rame al Maestro del primo pittore, e, forse, non senza resmon ".

Avendo visitato nel 1883 presso la mostra di Parigi v.i. Surimov ammirato i paesaggi, i salvagioni ancora e dipinti con l'immagine dei fiori. Ha scritto: "Il buon pesce di Hiberta. Il pesce Sliz viene consegnato a padroneggiare, in modo colorato, impastato il tono. " C'è nella sua lettera a P.M. Tretyakov e tali parole: "e Gilbert Fish - un miracolo cosa. Bene, affatto nelle mani puoi prendere, prima dell'inganno è scritto. "

E il Polenov, e Surimov poteva essere bellissimi maestri di natura morta, come evidenziato da oggetti scritti magistrali nelle loro composizioni ("paziente" Polenov, "Menshikov a Berezov" Surikov).