Collezioni del Museo Russo. Museo di Stato russo Quali dipinti sono conservati nel Museo di Stato russo

17.07.2019

Arkhip Kuindzhi. "Notte di luna sul Dnepr". 1880

Riva del fiume. La linea dell'orizzonte scende. La luce verdastra argentea della luna si riflette nell'acqua. "Notte al chiaro di luna sul Dnepr" è uno dei dipinti più famosi di Arkhip Kuindzhi.

La magia del paesaggio conquistò il Granduca Konstantin Konstantinovich, che lo acquistò per molti soldi direttamente dalla bottega dell'artista. Il principe non voleva separarsi dal suo dipinto preferito nemmeno durante il suo viaggio intorno al mondo. Di conseguenza, il capolavoro di Kuindzhi ha quasi rovinato il suo capriccio: a causa dell'aria di mare, la composizione della pittura è cambiata, il paesaggio ha iniziato a scurirsi. Ma, nonostante ciò, l'immagine fino ad oggi ha un fascino magico, costringendo il pubblico a scrutarla per molto tempo.

La magia del paesaggio conquistò il Granduca Konstantin Konstantinovich. Foto: www.russianlook.com

Karl Bryullov. "L'ultimo giorno di Pompei". 1830-1833

"L'ultimo giorno di Pompei è stato il primo giorno per il pennello russo!" - così ha scritto il poeta Yevgeny Baratynsky su questa immagine. E lo scrittore britannico Walter Scott ha definito il dipinto "insolito, epico".

La tela 465,5 × 651 cm è stata esposta a Roma e Parigi. Fu a disposizione dell'Accademia delle Arti grazie a Nicola I. Il quadro gli fu presentato dal famoso mecenate Anatoly Demidov e l'imperatore decise di esporlo all'Accademia, dove poteva servire come guida per i pittori alle prime armi.

Vale la pena notare che Karl Bryullov si è ritratto sullo sfondo di una città in rovina. L'autoritratto dell'artista è visibile nell'angolo sinistro del dipinto.

Karl Bryullov si è raffigurato sullo sfondo di una città in rovina. L'autoritratto dell'artista è visibile nell'angolo sinistro del dipinto. Foto: Commons.wikimedia.org

Ilya Repin. "Trasportatori di chiatte sul Volga". 1870-1873

L'estate del 1870, trascorsa dall'artista sul Volga, 15 verste da Samara, ebbe una grande influenza sull'opera di Ilya Repin. Inizia a lavorare sulla tela, in cui molti in seguito hanno visto il significato filosofico, l'incarnazione dell'obbedienza al destino e la forza della gente comune.

Essendo tra i trasportatori di chiatte, Ilya Efimovich Repin incontra l'ex sacerdote Kanin, dal quale in seguito creerà molti schizzi per il dipinto.

“C'era qualcosa di orientale in lui, di antico. Ed ecco gli occhi, gli occhi! Qual è la profondità dello sguardo alzato alle sopracciglia, tendendo anche alla fronte... E la fronte è una fronte grande, intelligente, intelligente; questo non è un sempliciotto ", ha detto il maestro di lui.

"C'era qualcosa di orientale in lui, di antico. Ma gli occhi, gli occhi!" Foto: Commons.wikimedia.org

Ilya Repin. "I cosacchi scrivono una lettera al sultano turco." 1880-1891

"Sei uno shaitan turco, il dannato fratello del diavolo e il segretario del Lutsyper in persona!" Secondo la leggenda, è così che iniziò la lettera, che i cosacchi di Zaporozhye scrissero nel 1675 in risposta alla proposta del sultano Mahmud IV di diventare subordinato a lui. La famosa trama ha costituito la base per il famoso dipinto di Ilya Repin.

Una trama ben nota ha costituito la base del famoso dipinto di Ilya Repin. Foto: Commons.wikimedia.org

Viktor Vasnetsov. "Un cavaliere al bivio". 1878

Lo spirito poetico delle leggende popolari è magistralmente trasmesso nell'opera di Viktor Vasnetsov. Per la prima volta, la tela fu presentata al pubblico nel 1878 come parte di una mostra itinerante.

L'artista ha lavorato sul dipinto per diversi anni. Nelle prime versioni, l'eroe era di fronte allo spettatore, ma in seguito la composizione fu cambiata. Il Museo Russo contiene una versione successiva del dipinto - 1882. La prima versione del 1878 si trova nel Museo di Storia e Arte Serpukhov.

Va notato che la trama di "Un cavaliere al bivio" è riprodotta sulla lapide dell'artista, che è sepolto nel cimitero di Vvedenskoye.

L'artista ha lavorato sul dipinto per diversi anni. Foto: Commons.wikimedia.org

Ivan Aivazovsky. "La nona onda". 1850

Il dipinto "La nona onda", creato nel 1850, fu acquisito da Nicholas I.

La nona onda, per i marittimi, è la più schiacciante. È lui che dovrà sopravvivere agli eroi del quadro, naufraghi.

Il dipinto The Ninth Wave, creato nel 1850, fu acquisito da Nicholas I. Foto: Commons.wikimedia.org

Valentino Serov. Ritratto di Ida Rubinstein. 1910

La famosa ballerina e attrice Ida Rubinstein ha ispirato molti artisti: Kees van Dongen, Antonio de la Gandar, André Dunoyer de Segonzac, Leon Bakst e Valentin Serov.

Il pittore russo, considerato un maestro della ritrattistica, l'ha vista per la prima volta sulla scena parigina. Nel 1910 ne realizza un ritratto.

"C'è monumentalità in ogni suo movimento, solo un bassorilievo arcaico resuscitato", l'artista ha ammirato la sua grazia.

La famosa ballerina e attrice Ida Rubenstein ha ispirato molti artisti. Foto: Commons.wikimedia.org

Valentino Serov. Rapimento di Europa. 1910

L'idea di scrivere "The Rape of Europe" è nata a Valentin Serov durante un viaggio in Grecia. Una visita al Palazzo di Cnosso, sull'isola di Creta, gli fece una grande impressione. Nel 1910 fu completato il dipinto, basato sulla leggenda del rapimento di Europa, figlia del re fenicio Agenore, da parte di Zeus.

Secondo alcune testimonianze, Serov ha creato sei versioni dell'immagine.

L'idea di scrivere "The Rape of Europe" è nata a Valentin Serov durante un viaggio in Grecia. Foto: Commons.wikimedia.org

Boris Kustodiev. Ritratto di F.I. Chaliapin. 1922

“Ho conosciuto molte persone interessanti, talentuose e buone nella mia vita. Ma se ho mai visto uno spirito davvero grande in una persona, è in Kustodiev ", ha scritto il famoso cantante Fyodor Chaliapin sull'artista nel suo libro autobiografico" Mask and Soul ".

I lavori sul dipinto sono stati eseguiti nell'appartamento del pittore. La stanza in cui Chaliapin posava per Kustodiev era così piccola che il quadro doveva essere dipinto in parti.

Il figlio dell'artista ha poi ricordato il momento divertente dell'opera. Secondo lui, per catturare l'amato cane di Fyodor Ivanovich su tela, bisognava usare un trucco: "Per far stare il carlino a testa alta, hanno messo un gatto nell'armadio e Chaliapin ha fatto tutto il possibile per il cane per guardarlo".

Il laboratorio in cui Chaliapin ha posato per Kustodiev era così piccolo che il quadro doveva essere dipinto in parti. Foto: Commons.wikimedia.org

Kazimir Malevic. Cerchio nero. 1923

Uno dei dipinti più famosi del fondatore del Suprematismo - Kazimir Malevich - ha diverse opzioni. Il primo di questi, creato nel 1915, è ora conservato in una collezione privata. Il secondo - creato dagli studenti di Malevich sotto la sua guida - è esposto nel Museo Russo di San Pietroburgo.

Gli esperti notano che il "Cerchio nero" per Kazimir Malevich era uno dei tre moduli principali del nuovo sistema di plastica, il potenziale di stile della nuova idea di plastica: il Suprematismo.

Museo statale russo (San Pietroburgo, Russia) - mostre, orari di apertura, indirizzo, numeri di telefono, sito ufficiale.

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Il Museo Russo è il primo museo di belle arti russe in Russia e oggi è il più grande del mondo. Fu aperto nel 1898 dall'imperatore Nicola II in memoria di padre Alessandro III.

I primi reperti sono stati donati al Museo Russo dall'Ermitage, dall'Accademia delle Arti, dai Palazzi Gatchina e Tsarskoye Selo Alexander, molti sono stati donati da privati e alcuni sono stati acquisiti attraverso stanziamenti dal tesoro statale. Il principe Alexander Lobanov-Rostovsky ha donato la sua collezione personale di ritratti al museo, la principessa Maria Tenisheva - una ricca collezione di grafica. Durante il primo decennio di esistenza del museo, il numero di reperti è raddoppiato. Si trattava di icone, disegni, stampe, sculture e oggetti di arte decorativa e applicata. Nel tempo, la collezione è stata reintegrata con la pittura sovietica.

Attualmente, la collezione del museo comprende più di 320 mila reperti che rappresentano l'arte russa dell'XI secolo. ai giorni nostri. Il complesso museale è composto da sette edifici: il palazzo Mikhailovsky, l'ala Benois, i palazzi Stroganov e Marble, il castello Mikhailovsky, il palazzo estivo di Pietro I e la casa di Pietro I.

Gli ospiti del Museo Russo possono apprendere dettagli interessanti dalla storia della creazione di dipinti proprio nelle sale espositive. Per fare ciò, installa l'applicazione di realtà aumentata Artefact sul tuo telefono e punta la fotocamera del gadget verso la mostra. Ora disponibile - fatti interessanti su cinque di loro sono raccontati dal portale Kultura.RF.

"L'aia" di Alexei Venetsianov, 1822

Il dipinto fu mostrato per la prima volta alla 15a mostra dell'Associazione delle mostre d'arte itineranti nel 1887. Lì fu acquistato dall'imperatore Alessandro III. Per qualche tempo la tela fu nel Palazzo d'Inverno, ma nel 1897 si trasferì nel neonato Museo Russo.

"Riunione solenne del Consiglio di Stato il 7 maggio 1901, nel giorno del centenario della sua istituzione" di Ilya Repin, 1903

Ilya Repin ricevette l'ordine per il dipinto nell'aprile 1901 dall'imperatore russo. Boris Kustodiev e Ivan Kulikov hanno aiutato il pittore.

“Il maestro stesso rimase il maestro, il comandante e il vero creatore, i discepoli furono solo le sue mani obbedienti”.
Igor Grabar

Anche prima del giubileo, gli artisti hanno creato schizzi degli interni nella Sala Rotonda del Palazzo Mariinsky. E il giorno dell'incontro cerimoniale, Ilya Repin ha scattato fotografie e schizzi qui: i pittori hanno usato tutti i materiali mentre lavoravano al quadro. Ci sono voluti tre anni per scrivere la tela.

Al centro della trama dell'immagine c'è Nicola II e rappresentanti della casa imperiale: il fratello minore dello zar Mikhail, i granduchi Mikhail Nikolaevich e Vladimir Nikolaevich, che allora era presidente dell'Accademia Imperiale delle Arti. Accanto a loro ci sono persone che hanno ricoperto le posizioni più importanti nello stato. In totale, il dipinto raffigura 81 persone.

Museo statale russo

Il Museo di Stato russo di San Pietroburgo è il più grande museo di arte russa al mondo. Fu fondato da Nicola II nel 1895 e aperto solennemente ai visitatori il 19 marzo 1898.

Fino al 1917 si chiamava "Museo russo dell'imperatore Alessandro III"... L'imperatore Alessandro III (padre di Nicola II) era un appassionato collezionista; sotto questo aspetto può essere paragonato solo a Caterina II. Il castello di Gatchina dell'imperatore si trasformò letteralmente in un magazzino di tesori inestimabili. Le acquisizioni di Alessandro non si adattano più alle gallerie di Zimny, Anichkov e altri palazzi: erano dipinti, oggetti d'arte, tappeti ... La vasta collezione di dipinti, grafica, oggetti di arte decorativa e applicata, sculture raccolte da Alessandro III, dopo il suo morte, fu trasferito in quello fondato dall'imperatore Nicola II di Russia museo in memoria di suo padre.

Museo statale russo

Inizialmente, il museo era situato nelle sale Palazzo Mikhailovsky... La collezione del museo a quel tempo contava 1.880 opere di pittura, scultura, grafica e arte dell'antica Russia, trasferite dai Palazzi Imperiali, dall'Ermitage e dall'Accademia delle Arti.

Storia del Palazzo Mikhailovsky

L'edificio è stato costruito in stile Impero. L'idea di costruire una nuova residenza per il principe Mikhail Pavlovich apparteneva a suo padre, l'imperatore Paolo I. Ma Paolo I non dovette vedere l'incarnazione della sua idea, poiché morì a causa di un colpo di stato di palazzo. Nonostante ciò, l'ordine dell'imperatore fu eseguito. Quando Michele aveva 21 anni, l'imperatore Alessandro I decise di iniziare a costruire il palazzo.

L'architetto progettò non solo il palazzo, ma anche la piazza antistante e due nuove strade (Engineering e Mikhailovskaya).

Palazzo Mikhailovsky

La posa cerimoniale dell'edificio ha avuto luogo il 14 luglio e la costruzione stessa è iniziata il 26 luglio. Dal lato del Campo di Marte, un giardino apparve al palazzo - anche Mikhailovsky. L'11 settembre 1825 il palazzo fu consacrato.

Filiali del museo

Oggi il Museo Russo si trova, oltre al Palazzo Mikhailovsky, in edifici che sono monumenti architettonici del XVIII-XIX secolo:

Palazzo estivo di Pietro I
Palazzo di marmo
Palazzo Stroganov
Casa di Pietro I

Lo spazio del museo è completato dai giardini Mikhailovsky e dai giardini estivi.

Palazzo d'Estate di Pietroio

Palazzo estivo di Pietro I

Il Palazzo d'Estate è stato costruito in stile barocco secondo il progetto Domenico Trezzini negli anni 1710-1714. Questo è uno degli edifici più antichi della città. Il palazzo a due piani è piuttosto modesto ed è composto da sole quattordici stanze e due cucine.

La residenza era destinata all'uso solo nella stagione calda: da maggio a ottobre, quindi le pareti al suo interno sono piuttosto sottili e nelle finestre ci sono telai singoli. La decorazione dei locali è stata creata dagli artisti A. Zakharov, I. Zavarzin, F. Matveev.

La facciata del palazzo è decorata con 29 bassorilievi, che rappresentano in forma allegorica gli eventi della Guerra del Nord. I bassorilievi sono stati realizzati dall'architetto e scultore tedesco Andreas Schlüter.

Palazzo di marmo

Il palazzo di marmo fu costruito nel 1768-1785. progettato da un architetto italiano Antonio Rinaldi... Completa una serie di edifici cerimoniali adiacenti al Palazzo d'Inverno. L'eccezionale architetto A. Rinaldi, autore di oltre venticinque grandi edifici a San Pietroburgo e nei suoi sobborghi, era considerato un maestro insuperabile delle "facciate di marmo". Le sue tecniche e soluzioni architettoniche sono sempre facilmente riconoscibili.

Rinaldi venne in Russia su invito del conte K.G. Razumovsky, e nel 1754 ricevette l'incarico di architetto alla corte del principe Peter Fedorovich e di sua moglie, la futura imperatrice Caterina II. Ha costruito il palazzo cinese a Oranienbaum, il palazzo del conte G.A. Orlova in Gatchina, ecc. Ma il Palazzo di Marmo è forse la più significativa di tutte le sue strutture. Il palazzo era destinato a Grigory Orlov, il favorito di Caterina II, il principale organizzatore della sua ascesa al trono. L'edificio ha preso il nome dalla decorazione in pietra naturale delle facciate, insolita per San Pietroburgo. A quel tempo, in Russia furono trovati ricchi giacimenti di marmo. Per la decorazione interna ed esterna del palazzo sono state utilizzate trentadue varietà di marmi nordici e italiani. L'esterno austero dell'edificio è tipico del primo classicismo.

La facciata principale del Palazzo di Marmo si affaccia sul Champ de Mars. È decorato con colonne e la facciata opposta è decorata con lesene corinzie. Il famoso scultore F.I. Shubin realizzò due statue in soffitta e composizioni di armature militari. In collaborazione con M.I. Kozlovsky, ha partecipato alla creazione della decorazione scultorea e decorativa interna del palazzo. La decorazione della scala principale e il primo ordine delle pareti della Sala dei Marmi sono sopravvissute fino ad oggi. Un elegante recinto di lance e pilastri con vasi e trofei racchiude il vasto cortile antistante. Successivamente, nella parte orientale, vicino al Palazzo di Marmo, fu costruito un edificio di servizio. Il bassorilievo "Il servizio del cavallo all'uomo" dello scultore P.K. Klodt adorna la facciata occidentale dell'edificio.

Negli anni '90 del XX secolo, il palazzo divenne una succursale del Museo Russo.

Castello di ingegneria (Mikhailovsky)

Fu costruito per ordine dell'imperatore Paolo I a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo e divenne il luogo della sua morte.

Il Castello Mikhailovsky deve il suo nome al tempio dell'Arcangelo Michele, patrono della casa dei Romanov, che si trova in esso, e al capriccio di Paolo I, che prese il titolo di Gran Maestro dell'Ordine di Malta, di chiamare tutti i suoi palazzi "castelli"; il secondo nome - "Ingegneria" deriva dalla Scuola di Ingegneria Principale (Nikolaev), che si trovava lì dal 1823, ora VITU.

Il progetto del palazzo è stato sviluppato architetto V.I. Bazhenov per conto dell'imperatore Paolo I, che volle farne la sua principale residenza cerimoniale. La costruzione è stata supervisionata da architetto V. Brenna(che per lungo tempo è stato erroneamente considerato l'autore del progetto). Brenna ha rivisto il progetto originale del palazzo e ha creato arredi artistici per i suoi interni.

Oltre a Bazhenov e Brenn, l'imperatore stesso prese parte alla creazione del progetto, che compose per lui diversi disegni. Gli assistenti di Brenn includevano anche Fyodor Svinin e Karl Rossi. Paolo I accelerò la costruzione, ad aiutarlo furono mandati Charles Cameron e Giacomo Quarenghi. Per ordine dell'imperatore, la costruzione fu eseguita giorno e notte (alla luce di lanterne e torce), poiché chiese di ricostruire il castello in modo approssimativo nello stesso anno.

Il 21 novembre 1800, nel giorno di San Michele Arcangelo, il castello fu solennemente consacrato, ma i lavori per la sua decorazione interna continuarono fino al marzo 1801. Dopo l'assassinio dell'imperatore, 40 giorni dopo l'inaugurazione della casa, il castello di Mikhailovsky fu abbandonato dai Romanov e cadde per due decenni nella desolazione. Quando Alessandro I aveva bisogno dell'argento per un servizio di lusso - un regalo di nozze a sua sorella Anna Pavlovna, regina dei Paesi Bassi, le porte d'argento della chiesa del palazzo furono fuse. Nicola I ordinò agli architetti di "estrarre" il marmo nel palazzo per la costruzione del Nuovo Ermitage.

Nel 1823 il castello fu rilevato dalla Scuola Principale di Ingegneria.

Nel 1991 un terzo dei locali del castello è stato donato al Museo di Stato russo, nel 1995 l'intero castello è stato donato al museo.

Palazzo Stroganov

Palazzo degli Stroganov, costruito secondo il progetto dell'architetto Francesco Bartolomeo Rastrelli nel 1753-1754, uno degli esempi di barocco russo.

Oltre a FB Rastrelli, A.N. Voronikhin, I. F. Kolodin, K. Rossi, I. Carlo Magno, P. S. Sadovnikov.

Stroganov (Strogonov) - una famiglia di mercanti e industriali russi, da cui provenivano i grandi proprietari terrieri e statisti dei secoli XVI-XX. Nativi dei ricchi contadini Pomor. Dal XVIII secolo - baroni e conti dell'Impero russo. La famiglia morì nel 1923.

L'edificio è una succursale del Museo Russo dal 1988.

La casa di Pietroio

Casa di Pietro I

Il primo edificio di San Pietroburgo, residenza estiva dello zar Pietro I nel periodo dal 1703 al 1708. Questa piccola casa in legno di 60 m² è stata costruita da falegnami-soldati vicino a Piazza Troitskaya in soli tre giorni. Qui, il 27 maggio 1703, si tenne una festa in occasione dell'annessione delle terre e della fondazione di una nuova città.

La casa è stata costruita con tronchi di pino tagliati alla maniera di una capanna russa. Il baldacchino lo divide in due parti. A parte questa caratteristica, oltre alle porte decorate con lastre metalliche ornamentali - caratteristiche tipiche dell'architettura russa del XVII secolo - tutto nella casa ricorda la passione dello zar per l'architettura olandese. Così, Pietro, volendo dare alla casa l'aspetto di una struttura in pietra, ordinò di tagliare i tronchi e dipingerli sotto mattoni rossi, di coprire l'alto tetto con tegole sotto le tegole e di fare finestre insolitamente grandi con vetri fini. Non c'erano stufe e camini in casa, poiché Peter vi abitava solo durante la stagione calda. La casa è stata conservata quasi nella sua forma originale.

Collezioni del Museo Russo

La più completa è la collezione di arti del XVIII - prima metà del XIX secolo. Basta elencare solo alcuni cognomi per avere un'idea della ricchezza artistica del museo: A. Matveev, I. Nikitin, Carlo Rastrelli, F. Rokotov, V. Borovikovsky, A. Losenko, D. Levitsky, F. Shubin, M. Kozlovsky, I. Martos, S. Shchedrin, O. Kiprensky, A. Venetsianov, F. Bruni, K. Bryullov, P. Fedotov, A. Ivanov.

Dipinto di K. Bryullov "L'ultimo giorno di Pompei"

K. Bryullov "L'ultimo giorno di Pompei"

Bryullov visitò Pompei nel 1828, realizzando molti schizzi per un futuro dipinto sul famoso eruzione del Vesuvio nel 79 d.C. NS... e la distruzione della città di Pompei vicino a Napoli. Il dipinto fu esposto a Roma, ricevette ottime recensioni dalla critica e trasferito al Louvre. "L'ultimo giorno di Pompei" rappresenta il romanticismo nella pittura russa, mescolato all'idealismo. L'immagine dell'artista nell'angolo sinistro del dipinto è un autoritratto dell'autore. La tela raffigura anche la contessa Yulia Pavlovna Samoilova tre volte: una donna con una brocca in testa, in piedi su una pedana sul lato sinistro della tela, una donna che si è schiantata a morte, distesa sul marciapiede, e accanto a lei un bambino vivo - entrambi, presumibilmente, sono stati gettati fuori da un carro rotto - nelle tele al centro, e una madre che attira a sé le figlie, nell'angolo sinistro del quadro.

Nel 1834 il dipinto "L'ultimo giorno di Pompei" fu inviato a San Pietroburgo. AI Turgenev ha detto che questa immagine era la gloria della Russia e dell'Italia. E. A. Baratynsky scrisse in questa occasione il famoso aforisma: "L'ultimo giorno di Pompei è stato il primo giorno per il pennello russo!" Anche A.S. Pushkin ha lasciato una recensione poetica:

K. Bryullov "Ritratto di A. Demidov"

Il Vesuvio aprì la bocca - il fumo si riversò in una mazza - la fiamma
Si è sviluppato ampiamente come uno stendardo di battaglia.
La terra è agitata - dai pilastri barcollanti
Gli idoli stanno cadendo! Un popolo guidato dalla paura
Sotto la pioggia di pietra, sotto la cenere infiammata
A frotte, vecchi e giovani, scappano dalla città.

A proposito, il famoso dipinto è stato dipinto da Karl Bryullov per ordine Anatoly Demidova, filantropo russo e francese, che fu all'ambasciata russa, prima a Parigi, poi a Roma e Vienna. Ha ereditato dal padre colossali ricchezze e una collezione di notevoli opere di pittura, scultura, bronzo, ecc. Anatoly Demidov, sull'esempio del padre, è stato generoso con grandi donazioni: ha donato 500.000 rubli per allestire una casa a San Pietroburgo per la carità dei lavoratori, che portava il nome del donatore; insieme al fratello Pavel Nikolayevich ha donato la capitale per la quale è stato allestito un ospedale pediatrico a San Pietroburgo; all'Accademia delle scienze di San Pietroburgo ha istituito un premio di 5.000 rubli per la migliore opera in russo; nel 1853 inviò 2.000 rubli da Parigi per decorare la chiesa del Lyceum Demidov a Yaroslavl, donò tutte le sue pubblicazioni e molti altri preziosi libri francesi alla biblioteca del Lyceum, e anche scienziati e artisti generosamente patrocinati. Quindi, fu Anatoly Demidov a presentare il dipinto di Bryullov "L'ultimo giorno di Pompei" a Nicola I, che espose il dipinto all'Accademia delle Arti come guida per i pittori alle prime armi. Dopo l'apertura del Museo Russo nel 1895, la tela fu trasferita lì e il pubblico vi ottenne l'accesso.

La seconda metà del XIX secolo è rappresentata dalle opere di artisti: F. Vasiliev, R. Felitsyn, A. Goronovich, E. Sorokin, F. Bronnikov, I. Makarov, V. Khudyakov, A. Chernyshev, P. Rizzoni , L. Lagorio, N. Losev, A. Naumova, A. Volkova, A. Popova, V. Pukireva, N. Nevreva, I. Pryanishnikova, L. Solomatkina, A. Savrasov, A. Korzukhina, F. Zhuravlev, N Dmitriev-Orenburgsky, A. Morozov, N. Koshelev, A. Shurygin, P. Chistyakov, Ivan Aivazovsky.

Dipinto di I. Aivazovsky "La nona onda"

I. Aivazovsky "La nona onda"

La nona onda è uno dei dipinti più famosi di Ivan Aivazovsky, il famoso pittore marino russo.

Raffigura il mare dopo una violenta tempesta notturna e naufraghi. I raggi del sole illuminano onde enormi. Il più grande di loro - il nono pozzo, è pronto a cadere sulle persone che cercano di fuggire sul relitto dell'albero.

Tutto parla della grandezza e del potere dell'elemento mare e dell'impotenza di una persona di fronte ad esso. I colori caldi del dipinto rendono il mare meno aspro e danno allo spettatore la speranza che le persone vengano salvate.

La dimensione del dipinto è di 221 × 332 cm.

Il museo espone anche dipinti di artisti itineranti: G. Myasoedov, V. Perov, A. Bogolyubov, K. Makovsky, N. Ge, I. Shishkin, I. Kramskoy, V. Maksimov, I. Repin, V. Vasnetsov, V Surikova, N. Abutkova.

Dipinto di Nikolai Ge "L'ultima cena"

N. Ge "L'Ultima Cena"

Il dipinto dell'artista raffigura un episodio della vita terrena di Cristo, descritto nel Vangelo di Giovanni (c. 13). Era il gospel preferito di Ge. Un estratto di questo testo coincide in dettaglio con quello raffigurato nella foto.

Gesù si alzò dalla cena... versò dell'acqua nella conca e cominciò a lavare i piedi dei discepoli e ad asciugarli con un asciugamano... Quando li lavò i piedi... poi, coricandosi di nuovo, disse loro: fate sai cosa ti ho fatto? … Se io, il Signore e Maestro, vi ho lavato i piedi, anche voi dovete lavare i piedi gli uni degli altri. Perché ti ho dato un esempio affinché anche tu faccia lo stesso che io ho fatto a te...

… Gesù fu turbato nello spirito e disse: In verità, in verità vi dico che uno di voi mi tradirà.

Allora i discepoli si guardarono l'un l'altro, chiedendosi di chi stesse parlando. Uno dei suoi discepoli, che Gesù amava, era sdraiato sul seno di Gesù. Simon Pietro gli fece un cenno per chiedergli chi fosse... lui, chinatosi al petto di Gesù, gli disse: Signore! Chi è questo? Gesù rispose: colui al quale io, avendo intinto un pezzo di pane, lo darò. E, immergendone un pezzo, lo diede a Giuda Simonov Iscariota. E dopo questo pezzo Satana entrò in lui. Allora Gesù gli disse: quello che fai, fallo presto. Ma nessuno di quelli sdraiati capiva perché gli avesse detto questo... Egli, preso il pezzo, uscì subito; ma era notte.

Un'anfora con acqua, un lavabo con un asciugamano nell'"Ultima Cena" di Ge è il tema dell'amore sacrificale di Cristo. Dopo la partenza di Giuda, agli apostoli furono dette le famose parole: « Vi do un comandamento nuovo, che vi amiate gli uni gli altri; come vi ho amato... Perciò tutti sapranno che siete Miei discepoli, se avrete amore gli uni per gli altri».

La fine del XIX e l'inizio del XX secolo sono rappresentati dagli artisti I. Levitan, P. Trubetskoy, M. Vrubel, V. Serov.

Dipinto di I. Levitan “Twilight. Luna"

I. Levitan "Crepuscolo. Luna"

Alla fine della sua vita, Levitan divenne particolarmente caratteristico del suo appello ai paesaggi crepuscolari pieni di silenzio, fruscii, luce della luna e ombre. Una delle migliori opere di questo periodo è questo dipinto della collezione del Museo Russo.

Opere dell'associazione "World of Art"

"Mondo dell'arte"(1898-1924) - un'associazione artistica costituita in Russia alla fine degli anni 1890. I fondatori del "World of Art" furono l'artista di San Pietroburgo A. N. Benois e la figura teatrale S. P. Diaghilev. Gli artisti del mondo dell'arte consideravano il principio estetico nell'arte una priorità e si battevano per la modernità e il simbolismo, opponendosi alle idee dei Vagabondi. L'arte, secondo loro, dovrebbe esprimere la personalità dell'artista.

L'associazione comprendeva artisti: Bakst, N. Roerich, Dobuzhinsky, Lanceray, Mitrokhin, Ostroumova-Lebedeva, Chambers, Yakovlev, Somov, Tsionglinsky, Purvit, Sunnerberg.

Nella sezione dell'antica Russia, le icone dei secoli XII-XV sono ampiamente rappresentate (ad esempio, l'Angelo dai capelli d'oro, la Madre di Dio della tenerezza, Dmitry Solunsky, il Miracolo di Giorgio sul drago, Boris e Gleb, ecc. .), opere di Andrei Rublev, Dionisy, Simon Ushakov e altri maestri. La collezione totale del Museo Russo è circa 5mila icone del XII - inizio XX secolo.

Andrey Rublev

Andrey Rublev "Apostolo Paolo"

Andrey Rublev(morto nel 1430 circa) - pittore di icone, discepolo di Teofane il Greco, reverendo.

All'inizio fu novizio presso il monaco Nikon di Radonezh, e poi monaco nel monastero di Spaso-Andronikov a Mosca, dove morì e fu sepolto.

Attualmente, la collezione del Museo Russo comprende i seguenti dipartimenti: Pittura, scultura, grafica, arti e mestieri e arte popolare russa e sovietica(mobili, porcellane, vetri, intagli, vernici, prodotti in metallo, tessuti, ricami, pizzi, ecc.). La collezione del museo conta più di 400 mila pezzi.

Chi ama la pittura russa deve aver visitato il Museo Russo di San Pietroburgo (aperto nel 1897). Ovviamente avere. Ma è nel Museo russo che sono conservati i principali capolavori di artisti come Repin, Bryullov, Aivazovsky.

Se pensiamo a Bryullov, allora pensiamo subito al suo capolavoro "L'ultimo giorno di Pompei". Se su Repin, nella mia testa sorge l'immagine "Barge Haulers on the Volga". Se ricordiamo Aivazovsky, ricorderemo la "Nona onda".

E questo non è il limite. "Notte sul Dnepr" e "La moglie del mercante". Questi dipinti iconici di Kuindzhi e Kustodiev sono anche nel Museo Russo.

Qualsiasi guida ti mostrerà questi lavori. E tu stesso è improbabile che tu li passi. Quindi non mi resta che raccontare di questi capolavori.

Aggiungo un paio dei miei preferiti, anche se non i più "hyped" ("Akhmatova" Altman e "The Last Supper" Ge).

1. Bryullov. L'ultimo giorno di Pompei. 1833 gr.

Karl Bryullov. L'ultimo giorno di Pompei. 1833 Museo di Stato Russo

4 anni di preparazione. Un altro anno di lavoro continuo con vernici e pennelli. Diversi svenimenti in officina. Ed ecco il risultato: 30 metri quadrati, che raffigurano gli ultimi minuti della vita degli abitanti di Pompei (nel XIX secolo, il nome della città era femminile).

Per Bryullov, tutto non è stato vano. Penso che non esistesse un tale artista al mondo il cui dipinto, solo un dipinto, avrebbe fatto un tale colpo d'occhio.

La gente si è precipitata in massa alla mostra per vedere il capolavoro. Bryullov fu letteralmente portato tra le sue braccia. Fu battezzato resuscitato. E Nicholas I ha onorato l'artista con un pubblico personale.

Cosa ha così stupito i contemporanei di Bryullov? E anche ora non lascerà indifferente lo spettatore.

Assistiamo a un momento molto tragico. In pochi minuti, tutte queste persone moriranno. Ma questo non ci spegne. Perché siamo affascinati dalla... Bellezza.

La bellezza delle persone. La bellezza della distruzione. La bellezza di un disastro.

Guarda come tutto è armonioso. Il cielo rovente si sposa bene con il vestito rosso delle ragazze a destra ea sinistra. E come due statue cadono in modo spettacolare sotto un fulmine. Non sto parlando della figura atletica di un uomo su un cavallo allevato.

Da un lato, l'immagine parla di un vero disastro. Bryullov ha copiato le pose delle persone da coloro che sono morti a Pompei. Anche la strada è reale, la si vede ancora nella città ripulita dalla cenere.

Ma la bellezza dei personaggi lo fa sembrare un mito antico. Come se i bei dei fossero arrabbiati con le belle persone. E non siamo così tristi.

2. Aivazovsky. La nona onda. 1850 gr.

Ivan Aivazovsky. La nona onda. 221 x 332 cm.1850 Museo Russo, San Pietroburgo. Wikipedia.org

Questo è il dipinto più famoso di Aivazovsky. Che sanno anche chi è lontano dall'arte. Per cosa è così famosa?

Le persone sono sempre affascinate dalla lotta di una persona con gli elementi. È auspicabile con un lieto fine.

Ce n'è più che a sufficienza nella foto. Non c'è posto più ricco di azione. I sei sopravvissuti si aggrappano disperatamente all'albero maestro. Una grande onda arriva nelle vicinanze, la nona onda. Lei è seguita da un altro. Le persone affrontano una lunga e terribile lotta per la vita.

Ma è già l'alba. Il sole che sfonda le nuvole lacerate è la speranza della salvezza.

L'elemento di Aivazovsky, come quello di Bryullov, è straordinariamente bello. Certo, i marinai non sono dolci. Ma non possiamo non ammirare le onde trasparenti, il riverbero del sole e il cielo lilla.

Pertanto, questo dipinto produce lo stesso effetto del capolavoro precedente. Bellezza e dramma in una bottiglia.

3. Ge. L'ultima Cena. 1863 gr.

Nikolay Ge. L'ultima Cena. 283 x 382 cm.1863 Museo di Stato russo. Tanais.info

I due precedenti capolavori di Bryullov e Aivazovsky sono stati accolti con entusiasmo dal pubblico. Ma con il capolavoro di Ge, tutto era più complicato. A Dostoevskij, per esempio, non piaceva. Gli sembrava troppo banale.

Ma soprattutto gli uomini di chiesa erano infelici. Sono persino riusciti a ottenere il divieto di produzione di riproduzioni. Cioè, il pubblico in generale non poteva vederlo. Fino al 1916!

Perché c'è una reazione così ambigua all'immagine?

Ricorda come fu raffigurata l'Ultima Cena prima di Ge. Almeno . La tavola sulla quale siedono e mangiano Cristo e i 12 apostoli. Giuda è tra questi.

Con Nikolai Ge, tutto è diverso. Gesù si sdraia. Che era solo la Bibbia. È così che gli ebrei prendevano il cibo 2000 anni fa, alla maniera orientale.

Cristo ha già pronunciato la sua terribile predizione che uno dei discepoli lo tradirà. Sa già che sarà Giuda. E gli chiede di fare ciò che ha pianificato, senza indugio. Esci Giuda.

E proprio alla porta, sembra che ci scontriamo con lui. Indossa un mantello per fuggire nell'oscurità. Sia letteralmente che figurativamente. Il suo viso è quasi invisibile. E la sua ombra minacciosa cade sul resto.

A differenza di Bryullov e Aivazovsky, qui ci sono emozioni più complesse. Gesù vive profondamente ma umilmente il tradimento del suo discepolo.

Pietro è indignato. Ha un temperamento focoso, balzò in piedi e guardò con stupore le tracce di Giuda. John non riesce a credere a quello che sta succedendo. È come un bambino che ha affrontato l'ingiustizia per la prima volta.

E ci sono meno di dodici apostoli. Apparentemente, per Ge non era così importante adattarsi a tutti. Per la chiesa, questo era essenziale. Da qui i divieti di censura.

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4. Ripeti. Autotrasportatori di chiatte sul Volga. 1870-1873

Ivan Repin. Autotrasportatori di chiatte sul Volga. 131,5 x 281 cm.1870-1873 Museo statale russo. Wikipedia.org

Ilya Repin ha visto per la prima volta i trasportatori di chiatte sulla Niva. E sono rimasto così colpito dal loro aspetto miserabile, soprattutto in contrasto con i residenti estivi che riposano nelle vicinanze, che la decisione di dipingere un quadro è maturata immediatamente.

Repin non ha scritto di eleganti residenti estivi. Ma il contrasto è ancora presente nell'immagine. Gli stracci sporchi dei trasportatori di chiatte contrastano con il paesaggio idilliaco.

Forse per il 19° secolo non sembrava così provocatorio. Ma per una persona moderna, questo tipo di lavoratore sembra deprimente.

Inoltre, Repin ha raffigurato un piroscafo sullo sfondo. Che potrebbe essere usato come un rimorchiatore in modo che le persone non vengano torturate.

In realtà, i trasportatori di chiatte non erano così indigenti. Erano ben nutriti e dopo cena potevano sempre dormire. E durante la stagione guadagnavano così tanto che d'inverno potevano nutrirsi senza lavorare.

Repin ha preso una tela molto tesa orizzontalmente per l'immagine. E ha scelto bene l'angolo di visuale. I trasportatori di chiatte ci vanno incontro, ma allo stesso tempo non si bloccano a vicenda. Possiamo facilmente considerare ciascuno di essi.

E il più importante trasporto di chiatte con la faccia di un saggio. E un ragazzo giovane che non riesce ad adattarsi al cinturino. E il penultimo greco che guarda indietro al spacciato.

Repin conosceva personalmente tutti i membri della squadra. Ho avuto lunghe conversazioni con loro sulla vita. Pertanto, si sono rivelati così diversi, ognuno con il proprio carattere.

5. Kuindzi. Notte di luna sul Dnepr. 1880 gr.

Arkhip Kuindzhi. Notte di luna sul Dnepr. 105 x 144 cm.1880 Museo di Stato russo. Rusmuseum.ru

"Notte al chiaro di luna sul Dnepr" è l'opera più famosa di Kuindzhi. E non sorprende. L'artista stesso l'ha presentata al pubblico in modo molto efficace.

Ha organizzato una mostra personale. Era buio nello showroom. Una sola lampada era diretta all'unica immagine della mostra, "Notte al chiaro di luna sul Dnepr".

La gente fissava affascinata il dipinto. La brillante luce verdastra della luna e del percorso lunare era ipnotizzante. Sono visibili i contorni di un villaggio ucraino. Solo una parte delle pareti, illuminate dalla luna, sporgono dall'oscurità. La sagoma del mulino sullo sfondo del fiume illuminato.

L'effetto di realismo e fantasia allo stesso tempo Come ha fatto l'artista a ottenere tali “effetti speciali”?

Oltre alla maestria, anche Mendeleev ha messo la sua mano qui. Ha aiutato Kuindzhi a creare una composizione di pittura, specialmente una che luccica al crepuscolo.

Sembrerebbe che l'artista abbia una qualità sorprendente. Per essere in grado di promuovere il proprio lavoro da soli. Ma lo ha fatto inaspettatamente. Quasi subito dopo questa mostra, Kuindzhi trascorse 20 anni come recluso. Continuò a dipingere, ma non mostrò i suoi quadri a nessuno.

Il dipinto fu acquistato dal Granduca Konstantin Konstantinovich (nipote di Nicola I) ancor prima della mostra. Era così attaccato alla foto che l'ha portata in un viaggio intorno al mondo. L'aria umida e salata ha contribuito all'oscuramento della tela. Ahimè, quell'effetto ipnotico non può essere restituito.

6. Altman. Ritratto di Achmatova. 1914 gr.

Nathan Altman. Ritratto di Anna Achmatova. 123 x 103 cm.1914 Museo di Stato russo. Rusmuseum.ru

"Akhmatova" di Altman è molto brillante e memorabile. Parlando della poetessa, molti ricorderanno questo suo particolare ritratto. Sorprendentemente, non le piaceva nemmeno lei. Il ritratto le sembrava strano e "amaro", a giudicare dalle sue poesie.

In effetti, anche la sorella del poeta ha ammesso che in quegli anni prerivoluzionari Achmatova era così. Un vero rappresentante dell'Art Nouveau.

Giovane, magro, alto. La sua figura angolare è perfettamente riecheggiata da "cespugli" nello stile del cubismo. Un vestito blu brillante è combinato con successo con un ginocchio affilato e una spalla sporgente.

È riuscito a trasmettere l'aspetto di una donna elegante e straordinaria. Tuttavia, lui stesso era così.

Altman non capiva gli artisti che possono lavorare in un laboratorio sporco e non notare le briciole nella loro barba. Lui stesso era sempre vestito con un ago. E ha persino cucito la sua biancheria intima su ordinazione secondo i suoi schizzi.

Era anche difficile per lui rifiutarsi di essere straordinario. Una volta catturati gli scarafaggi nel suo appartamento, li ha dipinti in diversi colori. Ne dipinse uno d'oro, lo chiamò "laureato" e lo lasciò andare con le parole "Qui il suo scarafaggio sarà sorpreso!"

7. Kustodiev. La moglie del mercante al tè. 1918 g.

Boris Kustodiev. La moglie del mercante al tè. 120 x 120 cm.1918 Museo di Stato russo. Artchive.ru

"La moglie del mercante" di Kustodiev è un'immagine allegra. Su di esso vediamo il mondo di buona qualità e ben nutrito dei mercanti. L'eroina con la pelle più chiara del cielo. Un gatto con un muso simile al muso della padrona. Un samovar lucido e panciuto. Anguria su un piatto ricco.

Cosa potremmo pensare dell'artista che ha dipinto un quadro del genere? Che l'artista sa molto di una vita ben nutrita. Che ama le donne curvy. E che è chiaramente un amante della vita.

Ed ecco come è stato davvero.

Se hai prestato attenzione, il quadro è stato dipinto durante gli anni della rivoluzione. L'artista e la sua famiglia vivevano molto male. Pensieri solo sul pane. Vita difficile.

A che serve tanta abbondanza quando c'è devastazione e fame tutt'intorno? Quindi Kustodiev ha cercato di catturare la bella vita che era irrevocabilmente scomparsa.

E l'ideale della bellezza femminile? Sì, l'artista ha detto che le donne magre non lo hanno ispirato a lavorare. Tuttavia, nella vita preferiva proprio così. Anche sua moglie era magra.

Kustodiev era allegro. Quello che ti stupisce, dal momento che nel momento in cui il quadro è stato dipinto, era costretto su una sedia a rotelle da 3 anni. Gli fu diagnosticata la tubercolosi ossea nel 1911.

L'attenzione del custode ai dettagli è molto insolita per un periodo in cui l'avanguardia fioriva. Vediamo ogni essiccatore sul tavolo. A piedi dal Gostiny Dvor. E un tizio che cerca di far correre il cavallo. Tutto questo sembra una favola, una favola. Che una volta era, ma è finita.

Ricapitolare:

Se vuoi vedere i principali capolavori di Repin, Kuindzhi, Bryullov o Aivazovsky, vai al Museo Russo.

"L'ultimo giorno di Pompei" di Bryullov parla della bellezza del disastro.

"The Ninth Wave" di Aivazovsky parla della scala degli elementi.

"L'ultima cena" di Ge parla della realizzazione di un imminente tradimento.

“Barge Haulers” di Repin parla di un impiegato del 19° secolo.

"Moonlit Night on the Dnepr" parla dell'anima della luce.

Il "Ritratto di Achmatova" di Altman parla dell'ideale di una donna moderna.

"La moglie del mercante" di Kustodiev parla di un'era che non può essere restituita.

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