Le opere d'arte che tutti conoscono contengono spesso affascinanti storie sconosciute.

Kazimir Malevich è stato il sesto artista a disegnare un quadrato nero, Shishkin ha co-scritto il suo Mattino in una foresta di pini, Dalì ha avuto un grave trauma psicosessuale e Pablo Picasso è sopravvissuto dopo un'audace risposta alla Gestapo. Ammiriamo la bellezza delle più grandi tele, ma le storie accadute prima, durante o dopo la stesura dei capolavori spesso vanno oltre la nostra attenzione. E completamente invano. A volte queste storie ti permettono di capire meglio l'artista o semplicemente di essere sorpreso dalla stranezza della vita e del lavoro.

Il quadrato nero di Malevich, una delle opere d'arte più famose e discusse, non è una tale innovazione.

Gli artisti hanno sperimentato il colore nero "dappertutto", a partire dal XVII secolo. Robert Fludd fu il primo a scrivere un'opera d'arte strettamente nera chiamata "Great Darkness" nel 1617, seguita da Bertal nel 1843 con la sua opera "View of La Hougue (under cover of night)". Più di duecento anni dopo. E poi quasi senza interruzioni - "The Twilight History of Russia" di Gustave Dore nel 1854, "Night Fight of Blacks in the Basement" di Paul Beelhold nel 1882, assolutamente plagio "Battle of Blacks in a Cave in the Deep of Night" di Alfonso Allais. E solo nel 1915 Kazimir Malevich presentò al pubblico la sua "Piazza suprematista nera", così viene chiamata l'immagine per intero. Ed è la sua pittura che è nota a tutti, mentre altre sono note solo agli storici dell'arte. Lo stesso Malevich dipinse almeno quattro versioni del suo "Quadrato suprematista nero", che differivano per modello, consistenza e colore, sperando di trovare assoluta "assenza di gravità" e volo di forme.

L'urlo, Edvard Munch

Come per il Quadrato Nero, ci sono quattro versioni dell'Urlo nel mondo. Due versioni sono scritte ad olio e due a pastelli. C'è un'opinione secondo cui Munch, che soffriva di psicosi maniaco-depressiva, l'ha scritta più volte nel tentativo di eliminare tutta la sofferenza che attanagliava la sua anima. Ed è possibile che ci sarebbero stati ometti più strani che urlavano dal tormento insopportabile se l'artista non fosse andato in clinica. Dopo il corso del trattamento, non ha mai più provato a riprodurre il suo "Urlo", che è diventato un culto.

Guernica, Pablo Picasso

Un enorme dipinto-affresco "Guernica", dipinto da Picasso nel 1937, racconta l'incursione di un'unità di volontari della Luftwaffe sulla città di Guernica, a seguito della quale la seimillesima città fu completamente distrutta. L'immagine è stata scritta letteralmente in un mese: i primi giorni di lavoro sull'immagine, Picasso ha lavorato per 10-12 ore e già nei primi schizzi si poteva vedere l'idea principale. Questa è una delle migliori illustrazioni dell'incubo del fascismo, così come della crudeltà umana e del dolore. Guernica presenta scene di morte, violenza, atrocità, sofferenza e impotenza, senza specificarne le cause immediate, ma sono evidenti. E il momento più interessante in relazione a questa immagine si è verificato nel 1940, quando Picasso fu convocato alla Gestapo a Parigi. “L'hai fatto tu?” Gli chiesero i fascisti. "No, l'hai fatto".

Il grande masturbatore di Salvador Dali

In una foto dal titolo strano e impudente, anche per il nostro tempo, infatti, non c'è sfida alla società. L'artista ha effettivamente raffigurato il suo subconscio, ha confessato allo spettatore. La tela raffigura sua moglie Gala, da lui amata appassionatamente; locuste, di cui era terrorizzato; un frammento di un uomo con ginocchia tagliate, formiche e altri simboli di passione, paura e disgusto. Le origini di questa immagine (ma soprattutto le origini del suo strano disgusto e allo stesso tempo brama di sesso) risiedono nel fatto che durante l'infanzia Salvador Dalì ha sfogliato un libro sulle malattie sessualmente trasmissibili, lasciato accidentalmente da suo padre.

La tela storica, che racconta allo spettatore un momento drammatico nella storia del nostro paese, è stata in realtà ispirata non tanto dall'omicidio di suo figlio ed erede da parte dello zar Ivan Vasilyevich, quanto dall'omicidio di Alessandro II da parte di rivoluzionari terroristi, e - più inaspettatamente - dalla corrida in Spagna. L'artista ha scritto di ciò che ha visto: "La sfortuna, la morte vivente, l'omicidio e il sangue costituiscono una forza allettante ... E io, probabilmente infetto da questa sanguinosità, all'arrivo a casa, mi sono subito messo al lavoro sulla scena sanguinosa".

"Mattina in una pineta", Ivan Shishkin

Il capolavoro, familiare a ogni bambino sovietico per i suoi dolci incredibilmente gustosi e scarsi, non appartiene solo a Shishkin. Molti artisti, che erano amici l'uno con l'altro, ricorrevano spesso all'"aiuto di un amico" e Ivan Ivanovich, che dipinse paesaggi per tutta la vita, temeva che toccare gli orsi non si sarebbe rivelato come aveva bisogno. Pertanto, Shishkin si rivolse al noto pittore di animali Konstantin Savitsky. Savitsky dipinse alcuni dei migliori orsi nella storia della pittura russa e Tretyakov ordinò di lavare il suo nome dalla tela, poiché tutto nella foto "dal disegno all'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, del metodo creativo peculiare di Shishkin."

Pubblicazioni della sezione Musei

Antica tragedia romana che divenne il trionfo di Karl Bryullov

Karl Bryullov nacque il 23 dicembre 1799. Figlio di uno scultore francese Paul Brullot, Karl era uno dei sette figli della famiglia. Anche i suoi fratelli Pavel, Ivan e Fëdor divennero pittori e suo fratello Alexander divenne architetto. Tuttavia, il più famoso fu Karl, che scrisse nel 1833 il dipinto "L'ultimo giorno di Pompei" - l'opera principale della sua vita. Kultura.RF ha ricordato come è stata creata questa tela.

Karl Bryullov. Auto ritratto. 1836

Storia della creazione

Il dipinto fu dipinto in Italia, dove nel 1822 l'artista fece un viaggio di pensionato dall'Accademia Imperiale delle Arti per quattro anni. Ma ha vissuto lì per 13 anni.

La trama racconta l'antica tragedia romana: la morte dell'antica città di Pompei, situata ai piedi del Vesuvio: 24 agosto 79 d.C. NS. l'eruzione vulcanica costò la vita a duemila abitanti.

Nel 1748, l'ingegnere militare Rocque de Alcubierre iniziò gli scavi archeologici nel luogo della tragedia. La scoperta di Pompei fece scalpore e si rifletté nell'opera di varie persone. Così, nel 1825, apparve l'opera di Giovanni Pacini e nel 1834 il romanzo storico dell'inglese Edward Bulwer-Lytton, dedicato alla morte di Pompei.

Bryullov visitò per la prima volta il sito di scavo nel 1827. Andando alle rovine, l'artista 28enne non sospettava nemmeno che questo viaggio sarebbe stato fatale per lui: "Non puoi attraversare queste rovine senza provare in te stesso una sensazione completamente nuova che ti fa dimenticare tutto, tranne il terribile incidente con questa città.", - ha scritto l'artista.

I sentimenti che Karl Bryullov ha provato durante lo scavo non lo hanno lasciato. Nasce così l'idea di una tela su un tema storico. Lavorando sulla trama, il pittore ha studiato fonti archeologiche e letterarie. "Ho preso questo scenario dalla natura, non ritirandomi minimamente e non aggiungendo, stando con le spalle alle porte della città per vedere parte del Vesuvio come motivo principale."... Gli italiani, i discendenti degli antichi abitanti di Pompei, divennero i modelli per i personaggi.

All'incrocio tra classicismo e romanticismo

In questo lavoro, Bryullov non è un classicista tradizionale, ma un artista di direzione romantica. Quindi, la sua trama storica è dedicata non a un eroe, ma alla tragedia di un intero popolo. E come trama, ha scelto non un'immagine o un'idea idealizzata, ma un vero fatto storico.

È vero, la composizione dell'immagine Bryullov si basa sulle tradizioni del classicismo - come un ciclo di episodi separati, racchiusi in un triangolo.

Sul lato sinistro del dipinto, sullo sfondo, sono raffigurati diversi personaggi sui gradini del grande edificio della tomba di Scavra. Una donna guarda direttamente lo spettatore, nei cui occhi si legge l'orrore. E dietro di lei c'è un artista con una scatola di colori in testa: questo è un autoritratto di Bryullov, che sta vivendo una tragedia insieme ai suoi personaggi.

Più vicino allo spettatore - una coppia sposata con bambini che cerca di fuggire dalla lava, e in primo piano una donna abbraccia le sue figlie ... Accanto a lei c'è un prete cristiano che ha già affidato il suo destino a Dio ed è quindi calmo. Nella profondità dell'immagine, vediamo un sacerdote romano pagano che sta cercando di fuggire portando via i valori rituali. Qui Bryullov accenna alla caduta dell'antico mondo pagano dei romani e all'inizio dell'era cristiana.

Sul lato destro della foto, in secondo piano, c'è un cavaliere a cavallo, che si impenna. E più vicino allo spettatore - lo sposo, preso dall'orrore, che sta cercando di tenere tra le braccia la sua sposa (indossa una corona di rose), che ha perso conoscenza. In primo piano: due figli che portano in braccio il loro vecchio padre. E accanto a loro c'è un giovane che implora sua madre di alzarsi e correre più lontano da questo elemento divorante. A proposito, questo giovane non è altri che Plinio il Giovane, che è davvero scappato e ha lasciato i suoi ricordi della tragedia. Ecco un estratto della sua lettera a Tacito: “Sto guardando indietro. Una fitta nebbia nera che si diffondeva sul terreno in un ruscello ci raggiunse. Intorno è scesa la notte, a differenza di una senza luna o nuvolosa: è così buio solo in una stanza chiusa a chiave con le luci spente. Si sentivano le urla delle donne, lo squittio dei bambini e il grido degli uomini, alcuni chiamavano i genitori, altri bambini o mogli e cercavano di riconoscerli dalle loro voci. Alcuni piansero la loro morte, altri la morte dei propri cari, alcuni per paura della morte pregarono per la morte; molti alzarono le mani agli dèi; la maggioranza ha spiegato che non ci sono dei da nessuna parte e per il mondo questa è l'ultima notte eterna".

Non c'è un personaggio principale nella foto, ma ce ne sono di centrali: un bambino dai capelli d'oro vicino al corpo prostrato della madre defunta in una tunica gialla è un simbolo della caduta del vecchio mondo e della nascita di uno nuovo, questa è l'opposizione della vita e della morte - nelle migliori tradizioni del romanticismo.

In questa immagine, Bryullov si è anche mostrato come un innovatore, utilizzando due fonti di luce: la calda luce rossa sullo sfondo, che trasmette la sensazione di lava imminente, e il freddo blu verdastro in primo piano, aggiungendo ulteriore drammaticità alla trama.

Il colore brillante e ricco di questa immagine viola anche le tradizioni classiche e ci permette di parlare dell'artista come di un romantico.

Processione trionfale del dipinto

Karl Bryullov lavorò sulla tela per sei anni, dal 1827 al 1833.

Il dipinto fu presentato per la prima volta al pubblico nel 1833 in una mostra a Milano - e fece subito scalpore. L'artista è stato onorato come un trionfatore romano, il dipinto ha ricevuto recensioni elogiative dalla stampa. Bryullov fu accolto per strada con applausi, e durante i suoi viaggi ai confini dei principati italiani non necessitavano di passaporto: si credeva che ogni italiano lo conoscesse già di vista.

Nel 1834, al Salon di Parigi viene presentato "L'ultimo giorno di Pompei". La critica francese si è rivelata più contenuta di quella italiana. Ma i professionisti hanno apprezzato il lavoro per il suo vero valore, presentando a Bryullov la medaglia d'oro dell'Accademia delle arti francese.

La tela ha fatto scalpore in Europa ed era molto attesa in Russia. Nello stesso anno fu inviato a San Pietroburgo. Vedendo il dipinto, Nicola I espresse il desiderio di incontrare personalmente l'autore, ma l'artista partì con il conte Vladimir Davydov in un viaggio in Grecia e tornò in patria solo nel dicembre 1835.

L'11 giugno 1836 nella Sala Rotonda dell'Accademia Russa delle Arti, dove era esposto il dipinto "L'ultimo giorno di Pompei", si radunarono ospiti d'onore, membri dell'Accademia, artisti e semplicemente amanti della pittura. L'autore della tela, "il grande Karl", è stato portato in sala tra le sue braccia tra le grida entusiaste degli ospiti. “Folla di visitatori, si potrebbe dire, irrompono nelle sale dell'Accademia per guardare “Pompei”- scrive un contemporaneo e testimone di quel successo, pari al quale nessun artista russo conosceva.

Il cliente e proprietario del dipinto, Anatoly Demidov, lo presentò all'imperatore e Nicola I lo collocò nell'Ermitage, dove fu conservato per 60 anni. E nel 1897 fu trasferita al Museo Russo.

L'immagine ha letteralmente emozionato l'intera società russa e le migliori menti di quel tempo.

Trofei della pace delle arti
L'hai portato nell'ombra paterna.
E c'era "L'ultimo giorno di Pompei"
Per il pennello russo, il primo giorno! -

Il poeta Yevgeny Boratynsky ha scritto del dipinto.

Alexander Pushkin le ha anche dedicato poesie:

Il Vesuvio aprì la bocca - il fumo si riversò in una clava, la fiamma
Si è sviluppato ampiamente come uno stendardo di battaglia.
La terra è agitata - dai pilastri barcollanti
Gli idoli stanno cadendo! Un popolo guidato dalla paura
Sotto la pioggia di pietra, sotto la polvere irritata
A frotte, vecchi e giovani, scappando dalla città.

Menziona "L'ultimo giorno di Pompei" e Mikhail Lermontov nel romanzo "Principessa Ligovskaya": "Se ami l'arte, allora posso dire un'ottima notizia: il dipinto di Bryullov" L'ultimo giorno di Pompei "sta andando a San Pietroburgo. Tutta l'Italia sapeva di lei, i francesi l'hanno distrutta", - Lermontov conosceva chiaramente le risposte della stampa parigina.

Lo storico e viaggiatore russo Alexander Turgenev ha affermato che questa immagine era la gloria della Russia e dell'Italia.

E Nikolai Gogol ha dedicato un lungo articolo al dipinto, scrivendo: “Il suo pennello racchiude la poesia che solo tu senti e puoi sempre riconoscere: i nostri sentimenti sempre conoscono e vedono anche segni distintivi, ma le loro parole non racconteranno mai. Il suo colore è così brillante, che non era quasi mai stato prima, i suoi colori bruciano e si precipitano negli occhi. Sarebbero insopportabili se apparissero all'artista di un grado inferiore a Bryullov, ma sono rivestiti di quell'armonia e respirano quella musica interiore con cui vengono eseguiti gli oggetti viventi della natura ".

Tela, olio. 144 per 162 cm

Per la prima volta ho visto un'immagine ... Più precisamente, è necessario dire, ovviamente, in questo modo: ho appreso dell'esistenza di questa immagine dal film "Mr. Bean" con la partecipazione di Rowan Atkinson. Si tratta nello specifico di un lungometraggio prodotto nel 1997, e non dell'omonima serie tv da 14 episodi (dal 1990 al 1995). Quindi, secondo la trama del film, il dipinto di James Whistler è stato acquistato dal Museo francese di Francia da un uomo ricco e donato alla Los Angeles Art Gallery. Il curatore della Royal British Gallery, Mr. Bean, ha inavvertitamente ma disperatamente rovinato la testa della madre dell'artista. Centinaia di milioni di persone in tutto il mondo hanno riso delle circostanze di questo orrore fino ad ora e continuano a ridere. E in generale ero preoccupato quanto il più sfortunato Mr. Bean.

René Magritte "Castello nei Pirenei"

Il dipinto non si chiama Castle in the Air! E perché dovrebbe chiamarsi così, perché i castelli in aria sono qualcosa di effimero, impossibile da realizzare, dal regno di un sogno irrealizzabile e di vane speranze. E davanti a noi c'è l'incarnazione di un'enorme gravità, massività, un castello di asteroidi di pietra. A appenderlo sul mare e togliere, quindi, tutta la mole non poteva che essere un surrealista. In fondo, il surrealismo, è sopra, sotto, sopra, di lato... ovunque, ma non la realtà stessa! Ebbene, anche se lo stesso Magritte ha detto che il surrealismo è una realtà svincolata dal significato banale. Posso giocare con le parole e posso dire un sacco di cose... ma non so disegnare. E René Magritte nel 1959 decise di appendere la terra al nulla e dipinse la sua Le Château des Pyrénées - Castello nei Pirenei.È molto probabile che un altro artista James Cameron, ma tra 50 anni, restituisca un significato all'esistenza di abitazioni di pietra senza peso.

Vasily Ivanovich Surikov "Boyarynya Morozova". Tela, olio. da 304 a 587,5 (1887)

"Boyarynya Morozova" - uno dei famosi dipinti storici di Surikov. Per molti aspetti, mi ricorda il dipinto "", dipinto 6 anni prima di "Boyarynya Morozova", sebbene l'idea di disegnare un boyarynya sia venuta a Surikov nel 1881, l'anno in cui è stato scritto "The Morning of the Strelets' Execution". Non parlerò della tecnica della performance, parlerò della trama. E qua e là è raffigurata la sede del giudizio delle visioni del mondo. Nel 1881, Surikov descrive la distruzione della tenuta streltsy e nel 1887 il massacro dei vecchi credenti. Sia qua che là ci sono testimoni della corte: persone, città, edifici. La mattina dell'esecuzione di Streltsy, la Cattedrale di San Basilio il Beato sovrasta gli arcieri, nella Boyaryna Morozova, il Monastero dei Miracoli riceve un segno a due dita dallo scismatico. Sia qui che là ci sono due verità: la verità degli Streltsy e la verità riformista di Pietro I; la verità del patriarca Nikon, il riformatore della chiesa e la verità degli scismatici. Loro, queste diverse verità russe, si scontrarono allora per la vita e per la morte. Allora si sono scontrati in modo che oggi conosciamo solo una verità: Pietro I era un grande zar russo, un imperatore-riformatore, e gli Antichi Credenti, di cui oggi ce ne sono solo circa un milione, non sono altro che l'esotismo dell'Ortodossia.

Tela, olio. 199,5 x 254 cm

Un altro nome per il dipinto è " Ivan il Terribile uccide suo figlio". Se guardi il dipinto di Ilya Repin con l'occhio "nudo", puoi vedere una grande tragedia. Tra le braccia di suo padre, il suo amato figlio muore per una ferita mortale. Gli occhi del re sono pieni di dolore e disperazione, paura e dolore per una persona cara. Il padre sembrava afferrare, come se afferrasse la testa del principe da sotto i colpi, sta cercando di salvare suo figlio da un male sconosciuto che ha invaso la sua vita. Cosa c'entra con l'omicidio? Cosa significa il titolo del dipinto "Ivan il terribile che uccide suo figlio"? È così che uccidono?! Il re ha davvero colpito suo figlio con rabbia, tanto da farlo morire sul colpo?

Olio su tela, 1533, 207 per 209 cm

Ancora una volta sono convinto che il tempo dell'artista, le persone, coloro che lo circondano, i movimenti politici e religiosi della società - tutto ciò influisca direttamente sul suo lavoro, si rifletta nelle sue opere. L'idea sembra ovvia, ma molti artisti affermano, dicono, che non si preoccupano dell'esterno, l'importante per loro è creare. sono stati scritti ulteriori dettagli su questo argomento e l'argomento ha causato una notevole discussione.

Così, Hans Holbein il Giovane(1497 - 1543), artista tedesco e suo quadro "Ambasciatori".

Nel 1529, il re Enrico VIII d'Inghilterra chiese al papa di sciogliere il suo matrimonio per poter sposare un'altra, Anna Bolena. Il papa rifiutò, poi il re ruppe i rapporti con il Vaticano e nel 1534 divenne lui stesso capo della Chiesa inglese. È così che iniziò lo scisma della Chiesa in Inghilterra, o altrimenti: la Riforma.

Olio, tempera, pastello, cartone, 91 x 73,5 cm

Dipinto "Urlo" il dipinto più famoso di un artista norvegese Edvard Munch(1863 - 1944), una delle tele più espressive dell'Espressionismo. Un'immagine del genere i moderni editori di letteratura di massa potrebbero tranquillamente inserire in una selezione con un titolo come "Le dieci immagini più terrificanti della storia".

L'opera è realizzata dall'artista in almeno cinque versioni (due versioni - olio, due versioni - pastello, una versione - litografia) ed è un esempio da manuale della comprensibilità della pittura a un'ampia gamma di spettatori. Dipingere un complesso groviglio emotivo, dipingere non forme e colori esterni, ma uno spruzzo interno, trasmesso da un pennello e dai colori, è sentito chiaramente e inequivocabilmente dalle persone. Cosa vuoi dire Edvard Munch? Secondo me, è esattamente quello che voleva, ha detto! E tutti hanno sentito: molti riferimenti nella cultura popolare, eccitazione tra i collezionisti, appelli all'"Urlo" di altri artisti, molte interpretazioni di storici dell'arte, psichiatri, sociologi, solo un sacco di soldi alle aste e, come si nota giustamente, si paga non tanto per il nome del pittore, quanto per l'opera stessa. E tutto questo è un lato della questione...

Incisione a scalpello su rame, 23,9 x 18,8 cm

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“Stai sveglio, altrimenti cadrai nella pigrizia e nell'oblio... Ricordati che devi compiere la missione che la Provvidenza ti ha assegnato. Quando arriverà il momento, ti aprirà gli occhi e ti guiderà lungo la strada giusta. Sii sempre pronto per questo... Ascolta attentamente, e sentirai quando suonerà la chiamata! .. "

Antichi astrologi su Saturno

Una donna alata siede pensierosa, è circondata da oggetti: strumenti di misura, falegnameria. Nelle vicinanze c'è una palla (forse è di legno, recentemente piallata). L'abbondanza di dettagli non toglie nulla alla figura alata. Risalta nella planimetria generale, come se fosse al di fuori (o al di sopra?) del mondo circostante. Gli eventi, la vita passano senza la sua partecipazione. La clessidra sulla parete esalta questa sensazione. E tutto questo si chiama malinconia, come risulta dall'iscrizione portata dal pipistrello (come lo chiamano i critici d'arte, anche se non riconosco un pipistrello in questa creatura dalla coda).

Quanti simboli, allegorie, che composizione pensata nei minimi dettagli! Per le persone che vivevano in quei giorni (1514), tali allegorie erano più o meno comprensibili. Cos'è per noi questa incisione? Se non entri nell'interpretazione, avendo davanti agli occhi solo un'immagine e un nome?

Olio su carta colorata, 1510 28 × 22,5 cm

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Molte centinaia di generazioni di persone hanno vissuto in un'epoca sulla quale abbiamo le idee più vaghe. Chissà come differisce la vita di un cittadino all'inizio del XIV dal suo soggiorno di fine secolo? Inoltre, è difficile per noi distinguere tra il modo di vivere e le usanze dell'inizio e della fine di un segmento lungo mille anni! Interi secoli sono sfocati per noi in una volta, oscuri e selvaggi. Medioevo.

Questo nome è stato dato al periodo storico dai pensatori del Rinascimento, segnando il periodo dalla caduta dell'antica Roma al loro tempo, che naturalmente chiamavano il Nuovo. Altrettanto naturalmente l'intera cultura del primo Rinascimento fondeva in sé la vita e l'eredità dell'immediato passato.

Olio su tela, 1825-1827 76 x 68 cm

L'immagine viene ingrandita.

Nella seconda metà del XIX secolo nacque una nuova tendenza: impressionismo... La cosa principale era in esso: il trasferimento di sentimenti momentanei, il momento, senza approfondire la filosofia e il ragionamento. I dipinti impressionisti sono solitamente allegri (o piacevolmente nostalgici e tristi). Sono leggeri e naturali.

Nel 1808 Napoleone entrò in Spagna e nelle città iniziarono lunghe battaglie sanguinose. Il popolo spagnolo resistette ferocemente all'invasore. "Errore numero uno - un viaggio in Spagna" - così scrisse Napoleone sull'isola di Sant'Elena (quale sarà il secondo errore, credo, sia chiaro). Le conseguenze della guerra in seguito, dopo l'espulsione delle guerre francesi, verranno descritte Francisco Goya

L'immagine viene ingrandita. Si può notare che l'immagine è screpolata e deformata; inizialmente è una tela di colore nero uniforme.

Guarda l'immagine Kazimir Malevich "Piazza suprematista nera"è possibile solo nell'ambito della direzione della pittura creata da Malevich chiamata suprematismo... L'unico modo. Altrimenti, la conversazione su questo lavoro non andrà oltre il banale "il re è nudo" o "un bambino dell'asilo non può disegnare peggio". Non discuterò nemmeno il valore monetario del dipinto, unito alla cospirazione mondiale di esperti d'arte (naturalmente occidentali) contro la sanità mentale della popolazione lavoratrice del pianeta.

Non è un segreto che personaggi famosi si trovano più spesso di altri in situazioni di vita straordinarie e storie varie, che, grazie a testimoni oculari, sono impresse nelle loro biografie da secoli. Di regola, queste storie sono aneddoticamente divertenti, a volte curiose e poco piacevoli, oltre che istruttive, che sono passate nella categoria delle parabole. Oggi parleremo di fatti interessanti della vita di famosi artisti classici russi ed europei.

L'autografo di un artista, dieci volte più costoso del dipinto stesso

Ilya Efimovich Repin. Una volta una signora acquistò un quadro con la firma “I. Repin ", avendo pagato 100 rubli per questo. Dopo un po ', essendo venuta nello studio del pittore, mostrò all'artista la sua acquisizione. Repin, ridendo dello sfortunato cliente, scrisse in fondo alla tela: "Questo non è Repin". Successivamente, la signora ha rivenduto il dipinto, ma per mille rubli.

La pittura è immortale

Pablo Picasso. Un medico abbastanza noto alla mostra si avvicinò a Picasso e disse cosa importante: - Conosco abbastanza bene la struttura anatomica del corpo umano. Quindi, posso dire che le persone sulle tue tele causano una sorta di rimpianto e smarrimento. - È del tutto possibile - ribatté Picasso. “Ma posso assicurarti che vivranno molto più a lungo dei tuoi pazienti.

L'individualismo dei bambini

Autoritratti. Pablo Picasso a 15 e 90 anni. Una volta, dopo aver visitato un'esposizione di disegni per bambini, Pablo Picasso disse pensieroso: - Quando avevo la loro età, potevo scrivere come Raffaello, ma ci è voluta tutta la mia vita per imparare a disegnare come loro. Ritratto della madre dell'artista (1896), dipinto dal quindicenne Picasso.

Controllo costoso

Salvador Dalì. Salvador Dalì aveva un trucco molto intelligente per i ristoratori. Visitando per la prima volta un luogo di intrattenimento, ha riunito un folto gruppo di amici e conoscenti e l'intera serata ha trattato tutti con piatti e bevande dal menu. Quando è arrivato il momento di pagare le bollette, l'artista ha firmato con aria di sfida un assegno per una somma enorme, e poi ... ha girato l'assegno e sul retro ha scritto alcune parole affettuose in segno di gratitudine al proprietario dello stabilimento e ha firmato il suo autografo . Il calcolo del maestro era semplice e affidabile: usando la sua fama di genio vivente, Dalì era sicuro che il proprietario del ristorante non avrebbe mai osato incassare un assegno con la firma originale di Dalì stesso! Di solito accadeva così: i ristoratori si rendevano conto che con il tempo avrebbero potuto guadagnare molto di più per questo assegno rispetto alla sola cifra sul conto, ma il maestro ha risparmiato molti soldi.

Chi è pazzo?

Salvador Dalì. Una volta, in una conversazione con i suoi amici, Salvador Dalì disse che tutti i cataclismi che si verificano in natura non lo sorprendono più affatto. Quindi l'interlocutore iniziò a fare con entusiasmo un esempio di una possibile situazione: - Va bene, così sia, ma se a mezzanotte all'orizzonte improvvisamente ci fosse una luce che annuncia l'alba del mattino? Guardi e vedi il sole che sorge. Non ti sorprenderebbe? Non penseresti di essere pazzo? - Al contrario, - disse Dalì senza esitazione, - Avrei pensato che questo sole fosse impazzito.

Unioni creative

Isaac Levitan ./ “Giorno d'autunno. Sokolniki". (1879) ./Nikolaj Cechov. Come sapete, l'artista Isaac Levitan "si specializzò" solo nella pittura di paesaggi, ma c'è una tela nella sua eredità che raffigura una figura femminile che passeggia nel parco. “Giornata d'autunno. Sokolniki "- questo è il nome di questa immagine, dipinta da lui nei suoi anni da studente. L'artista non si è mai impegnato a disegnare persone, e in tutta onestà va notato che l'unica immagine di una donna è stata dipinta non dall'artista stesso, ma dal suo amico della scuola d'arte, il fratello del famoso scrittore - Nikolai Cechov.
Ivan Aivazovsky. / "Pushkin in riva al mare." / Ilya Repin. A proposito, questa non è stata l'unica collaborazione creativa nella storia dell'arte. Perché non aiutare "per amicizia" un amico artista che sta fallendo in qualcosa? Non molte persone sanno che la figura di Pushkin nel dipinto di Aivazovsky "Pushkin by the Sea" è stata dipinta da Ilya Repin.
K. A. Savitsky e I. I. Shishkin. Primi anni 1880 Foto. / "Mattina in una pineta". E i famosi orsi nel dipinto di Shishkin "Morning in a Pine Forest" sono stati dipinti dall'artista Savitsky. Bene, questi animali divertenti non hanno funzionato per il brillante maestro del paesaggio. Ma la commissione di quattromila rubli dalla vendita di questo dipinto fu divisa fraternamente e inizialmente c'erano due autografi sulla tela. Tutto è giusto ... Tuttavia, il proprietario del dipinto, Pavel Tretyakov, ha deciso di lasciare la paternità a Shishkinin e ha cancellato personalmente la firma di Savitsky.

La lettera "B" concessa al cognome dell'artista dallo stesso imperatore

Karl e Alexander Bryullov. Fino all'inizio del XIX secolo, il cognome Bryullov non esisteva in Russia. Karl Bryullov, il famoso artista russo, è nato nella famiglia dell'accademico di scultura ornamentale Pavel Bryullo, i cui antenati erano originari della Francia. La lettera "v" alla fine del cognome fu concessa a Karl e suo fratello Alexander, architetto di professione, con il più alto decreto imperiale prima del loro viaggio di ritiro in Italia.

Esposizione di un capolavoro

Arkhip Kuindzhi. Nel 1880 si verificò un incidente senza precedenti nel mondo dell'arte russa. A San Pietroburgo, il dipinto di Arkhip Kuindzhi "Notte di luna sul Dnepr" è stato esposto per la prima volta al pubblico. La cosa sorprendente era che lei era l'unica alla mostra. Le voci sulla straordinaria tela si sparsero in tutta la città molto prima che venisse mostrata, e il giorno stesso dell'inaugurazione, sembrava che l'intera città l'avrebbe guardata. Molte carrozze hanno bloccato tutte le strade vicine e la gente si è accalcata in lunghe file all'ingresso. Molti hanno visitato più volte la mostra.
"Notte di luna sul Dnepr". Il pubblico è rimasto affascinato dallo straordinario realismo del chiaro di luna nell'immagine, molti hanno suggerito che l'artista abbia usato vernici incandescenti, alcuni hanno persino guardato di nascosto dietro l'immagine, cercando di scoprire se c'era una lampada che illuminava la luna.

Il voto di Modigliani

Amedeo Modigliani. Amedeo Modigliani, famoso pittore italiano, si interessò al disegno e alla pittura in tenera età. Prese la decisione definitiva di diventare artista all'età di undici anni dopo una grave pleurite, quando, disteso in un delirio, Amedeo decise: se fosse sopravvissuto, si sarebbe dedicato alla pittura. E ha mantenuto la parola data.

Kuindzhi e gli uccelli

Arkhip Kuindzhi. Arkhip Kuindzhi amava molto gli uccelli. Poteva sedersi per ore sul tetto di casa sua, "parlando" con piccioni e corvi. E spesso diceva ai suoi amici che gli uccelli capiscono le sue parole e vanno facilmente nelle sue mani. Beh, certo .... Dopotutto, ogni mese l'artista ha speso un sacco di soldi per nutrire gli uccelli, comprando 60 panini francesi, fino a 10 kg di carne e 6 pagnotte di avena. E una volta l'illustratore Pavel Shcherbov ha pubblicato un cartone animato in cui Kuindzhi fa un clistere all'uccello. Dicono che Arkhip Ivanovich, che non si distingueva per uno speciale senso dell'umorismo, fosse terribilmente offeso dal suo collega.
Caricatura. Pazienti piumati (A.I. Kuindzhi sul tetto di casa sua). Autore: Pavel Shcherbov.

Cinquemila per un plafond

Konstantin Egorovich Makovsky. / Una ragazza vestita da Flora. Konstantin Makovsky era famoso non solo per i ritratti da salone delle mogli di mariti ricchi, ma anche per i prezzi alle stelle per loro. E l'artista amava molto il cibo delizioso, che è chiamato un vero gourmet. Ma un giorno è quasi finito nei guai. Il barone Akkurti, avendo appena acquistato una lussuosa dimora con lampade da soffitto dipinte da Makovsky, ma senza i suoi autografi, invitò l'artista più popolare a fare colazione in un ristorante. Nella speranza che l'artista firmi gratuitamente i plafond in segno di gratitudine. Quindi sarebbe successo se non per un "ma" ... Makovsky era già ammorbidito in previsione di un pasto squisito e ha promesso di seguirlo immediatamente e firmare tutti e tre i plafond gratuitamente. E il tirchio barone finalmente fece un ordine: ordinò di servire puzza e pane. "Odore? Io? ”Makovsky era indignato con se stesso. E disse ad alta voce: "Cinquemila rubli per una firma su ogni plafond!"

Valentin o Anton Serov

Ritratto di Mika Morozov. / Valentin Serov. Gli amici e la famiglia si chiamavano Valentin Serov Anton. Questo nome gli era saldamente attaccato durante l'infanzia, quando i genitori, per un eccesso di sentimenti per il bambino, chiamavano la piccola Valentine Valentosha, Tosha, a volte Tonya. Poco dopo, nella famiglia Mamontov, Tosha si trasformò in Antosha. E le lettere che Ilya Repin scriveva all'adulto Serov, spesso iniziavano con l'indirizzo: "Anton, Anton!"

Piccolo ricattatore

* Ragazza con le pesche *. Autore: V. Serov. Il fatto che Valentin Serov lavorasse lentamente era particolarmente noto ai suoi parenti. E quando l'artista ha deciso di dipingere un ritratto della figlia di 11 anni di Savva Mamontov, Vera (e la tela è stata concepita come regalo di compleanno per Elizaveta Mamontova, la madre della ragazza), Serov ha incontrato una protesta categorica da parte del modello futuro. Vera si rese subito conto di quale fosse la minaccia al suo consenso a posare per l'artista. Non era affatto tentata di sedersi per settimane in una posizione immobile, invece di correre per la campagna con i suoi coetanei. Vera era testarda e Serov non aveva altra scelta che accettare di non accettare le sue condizioni: dopo ogni sessione, cavalcare con lei.
* Ragazza con le pesche *. frammento. / Vera Mamontova.

Le opere d'arte che tutti conoscono contengono spesso affascinanti storie sconosciute.

Kazimir Malevich è stato il sesto artista a disegnare un quadrato nero, Shishkin ha co-scritto il suo Mattino in una foresta di pini, Dalì ha avuto un grave trauma psicosessuale e Pablo Picasso è sopravvissuto dopo un'audace risposta alla Gestapo. Ammiriamo la bellezza delle più grandi tele, ma le storie accadute prima, durante o dopo la stesura dei capolavori spesso vanno oltre la nostra attenzione. E completamente invano. A volte queste storie ti permettono di capire meglio l'artista o semplicemente di essere sorpreso dalla stranezza della vita e del lavoro.
Bright Side ha raccolto in questo materiale le storie più interessanti e sconosciute al grande pubblico sui grandi dipinti.

"Quadrato nero", Kazimir Malevič

Il quadrato nero di Malevich, una delle opere d'arte più famose e discusse, non è una tale innovazione.
Gli artisti hanno sperimentato il nero "dappertutto" dal 17° secolo. Robert Fludd è stato il primo a scrivere un'opera d'arte strettamente nera chiamata "The Great Darkness" nel 1617, seguita nel 1843 da Bertal e dalla sua opera "View of La Hougue (under cover of night)". Più di duecento anni dopo. E poi quasi senza interruzione - "The Twilight History of Russia" di Gustave Dore nel 1854, "Night Fight of Blacks in the Basement" di Paul Beelhold nel 1882, assolutamente plagio "Battle of Blacks in a Cave in the Deep of Night" di Alfonso Allais. E solo nel 1915 Kazimir Malevich presentò al pubblico la sua "Piazza suprematista nera", così viene chiamata l'immagine per intero. Ed è la sua pittura che è nota a tutti, mentre altre sono note solo agli storici dell'arte.
Lo stesso Malevich dipinse almeno quattro versioni del suo "Quadrato suprematista nero", che differivano per modello, consistenza e colore, sperando di trovare assoluta "assenza di gravità" e volo di forme.

L'urlo, Edvard Munch

Come per il Quadrato Nero, ci sono quattro versioni dell'Urlo nel mondo. Due versioni sono scritte ad olio e due a pastelli.
C'è un'opinione secondo cui Munch, che soffriva di psicosi maniaco-depressiva, l'ha scritta più volte nel tentativo di eliminare tutta la sofferenza che attanagliava la sua anima. Ed è possibile che ci sarebbero stati ometti più strani che urlavano dal tormento insopportabile se l'artista non fosse andato in clinica. Dopo un ciclo di cure, non cercò mai più di riprodurre il suo "Scream", che divenne un cult.

"Guernica", Pablo Picasso

Un enorme dipinto-affresco "Guernica", dipinto da Picasso nel 1937, racconta l'incursione di un'unità di volontari della Luftwaffe sulla città di Guernica, a seguito della quale la seimillesima città fu completamente distrutta. L'immagine è stata scritta letteralmente in un mese: i primi giorni di lavoro sull'immagine, Picasso ha lavorato per 10-12 ore e già nei primi schizzi si poteva vedere l'idea principale.
Questa è una delle migliori illustrazioni dell'incubo del fascismo, così come della crudeltà umana e del dolore. Guernica presenta scene di morte, violenza, atrocità, sofferenza e impotenza, senza specificarne le cause immediate, ma sono evidenti. E il momento più interessante in relazione a questa immagine si è verificato nel 1940, quando Picasso fu convocato alla Gestapo a Parigi. “L'hai fatto tu?” Gli chiesero i fascisti. "No, l'hai fatto".

"Il grande masturbatore" di Salvador Dalì

In una foto dal titolo strano e impudente, anche per il nostro tempo, infatti, non c'è sfida alla società. L'artista ha effettivamente raffigurato il suo subconscio, ha confessato allo spettatore.
La tela raffigura sua moglie Gala, da lui amata appassionatamente; locuste, di cui era terrorizzato; un frammento di un uomo con ginocchia tagliate, formiche e altri simboli di passione, paura e disgusto.
Le origini di questa immagine (ma soprattutto le origini del suo strano disgusto e allo stesso tempo brama di sesso) risiedono nel fatto che durante l'infanzia Salvador Dalì ha sfogliato un libro sulle malattie sessualmente trasmissibili, lasciato accidentalmente da suo padre.

"Ivan il Terribile e suo figlio Ivan 16 novembre 1581", Ilya Repin

La tela storica, che racconta allo spettatore un momento drammatico nella storia del nostro paese, è stata in realtà ispirata non tanto dall'omicidio di suo figlio ed erede da parte dello zar Ivan Vasilyevich, quanto dall'omicidio di Alessandro II da parte di rivoluzionari terroristi, e - più inaspettatamente - dalla corrida in Spagna. L'artista ha scritto di ciò che ha visto: "La sfortuna, la morte vivente, l'omicidio e il sangue costituiscono una forza allettante ... E io, probabilmente infetto da questa sanguinosità, all'arrivo a casa, mi sono subito messo al lavoro sulla scena sanguinosa".

"Mattina in una pineta", Ivan Shishkin

Il capolavoro, familiare a ogni bambino sovietico per i suoi dolci incredibilmente gustosi e scarsi, non appartiene solo a Shishkin. Molti artisti, che erano amici tra loro, spesso ricorrevano all'"aiuto di un amico" e Ivan Ivanovich, che dipinse paesaggi per tutta la vita, temeva che toccare gli orsi non sarebbe andato come voleva. Pertanto, Shishkin si rivolse al noto pittore di animali Konstantin Savitsky.
Savitsky dipinse alcuni dei migliori orsi nella storia della pittura russa e Tretyakov ordinò di lavare il suo nome dalla tela, poiché tutto nel quadro "dal concetto all'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, del metodo creativo peculiare di Shishkin."