Direttore artistico. Management dell'arte popolare nelle istituzioni culturali e ricreative - Lezione E' stato nominato un nuovo direttore artistico di "Snuffbox".

Descrizione del lavorodirettore artistico[nome dell'organizzazione, istituzione, ecc.]

Questa descrizione del lavoro è stata sviluppata e approvata in conformità con le disposizioni del Codice del lavoro della Federazione Russa e altre normative che regolano i rapporti di lavoro nella Federazione Russa.

1. Disposizioni generali

1.1. Il direttore artistico appartiene alla categoria dei dirigenti e riporta direttamente al responsabile dell'Istituzione culturale.

1.2. Per la carica di direttore artistico è ammessa una persona con una formazione professionale superiore e almeno 5 anni di esperienza lavorativa creativa.

1.3. Il direttore artistico è accettato e destituito dal lavoro per ordine del responsabile dell'Istituzione culturale.

1.4. Il direttore artistico deve conoscere:

la Costituzione della Federazione Russa;

Leggi della Federazione Russa e decisioni del Governo della Federazione Russa su questioni di cultura e arte;

Documenti normativi regionali sui temi della cultura e dell'arte;

Documenti interni dell'Istituzione Culturale;

Organizzazione di produzioni teatrali (musicali);

Psicologia del management e del lavoro creativo;

Drammaturgia e letteratura musicale nazionale e straniera moderna e classica;

Repertorio classico e moderno di teatri musicali e organizzazioni concertistiche;

Fondamenti di organizzazione del lavoro, legislazione del lavoro e diritto d'autore;

Regole e norme di protezione del lavoro, sicurezza e protezione antincendio.

2. Responsabilità lavorative

Nell'ambito delle sue funzioni, il direttore artistico:

2.1. Svolge la propria attività sulla base della normativa vigente e della Carta dell'Istituzione Culturale ed è organizzatore dell'intero complesso delle sue attività creative e produttive.

2.2. Responsabile dei risultati creativi ed economici del lavoro.

2.3. Fornisce la qualità artistica del repertorio, contribuendo alla formazione e alla soddisfazione dei bisogni della popolazione nelle arti performative e nella musica.

2.4. Determina la prontezza delle esibizioni e prende decisioni sulla loro esibizione pubblica.

2.6. Assicura lo sviluppo e l'adempimento degli obblighi derivanti dai contratti conclusi.

2.7. Organizza il lavoro per sviluppare legami creativi con team di imprese, istituzioni, organizzazioni, imprenditori al fine di promuovere l'arte teatrale e musicale e attrarre fondi fuori bilancio per il suo sviluppo.

2.8. Adotta misure per dotare l'Istituzione Culturale di personale qualificato, del suo corretto collocamento e razionale utilizzo.

2.9. Crea le condizioni necessarie per la crescita creativa dello staff artistico.

2.10. Fornisce una combinazione organica di metodi economici e amministrativi di gestione, incentivi morali e materiali per lo sviluppo dell'attività dei dipendenti nelle attività creative e industriali.

2.11. Contribuisce alla formazione e al mantenimento di un clima morale e psicologico favorevole nella squadra.

2.12. Affida la soluzione di alcune problematiche di sua competenza ad altri dipendenti dell'Istituzione Culturale.

3. Diritti

Il direttore artistico ha diritto:

3.1. Per tutte le garanzie sociali previste dalla legge.

3.2. Conoscere le bozze di decisione della dirigenza dell'Istituzione culturale in merito alle sue attività.

3.3. Presentare proposte di miglioramento del lavoro relative alle responsabilità previste in questa istruzione all'esame della direzione.

3.4. Per quanto di sua competenza, riferire al superiore diretto su tutte le carenze individuate nel corso delle attività e formulare proposte per la loro eliminazione.

3.5. Richiedere che la direzione dell'Istituzione culturale assista nell'esercizio dei propri doveri e diritti.

3.6. Migliora le tue qualifiche professionali.

3.7. Altri diritti previsti dalla legislazione del lavoro.

4. Responsabilità

Il Direttore Artistico si occupa di:

4.1. Per inadempimento o adempimento improprio dei propri doveri ufficiali previsti da questa descrizione del lavoro - entro i limiti determinati dall'attuale legislazione sul lavoro della Federazione Russa.

4.2. Per aver causato danni materiali al datore di lavoro - entro i limiti determinati dall'attuale legislazione sul lavoro e civile della Federazione Russa.

4.3. Per i reati commessi nel corso dello svolgimento delle proprie attività - nei limiti determinati dall'attuale legislazione amministrativa, penale e civile della Federazione Russa.

La descrizione del lavoro è stata sviluppata in base a [nome, numero e data del documento].

Capo delle risorse umane

[iniziali, cognome]

[firma]

[giorno mese Anno]

Concordato:

[iniziali, cognome]

[posizione]

[firma]

[giorno mese Anno]

Familiarità con le istruzioni:

[iniziali, cognome]

[firma]

[giorno mese Anno]

Gestione dell'arte popolare nelle istituzioni culturali e del tempo libero

La gestione amministrativa del NHT nelle istituzioni culturali e ricreative (club, Casa della Cultura rurale, Casa della Cultura regionale, centro ricreativo, ecc.) è affidata al Consiglio Artistico.

Consiglio Artistico è un ente pubblico che organizza e gestisce attività artistiche amatoriali. Il Consiglio Artistico può essere presieduto da:

Vice Direttore della DC;

Direttore Artistico della Casa della Cultura;

Un operatore culturale che non lavora in questo centro ricreativo.

I membri del Consiglio Artistico sono:

Vice Direttore della DC;

Metodista del dipartimento artistico amatoriale;

Dirigenti dei principali gruppi di creatività amatoriale del Palazzo della Cultura;

Capo artista, coreografo, regista;

Capo Ragioniere della DC;

Rappresentanti di istituzioni artistiche professionali;

Rappresentanti di organizzazioni pubbliche;

Sponsor.

Funzioni del consiglio artistico

Artistico e creativo

Discussione di piani di repertorio, piani per l'attività creativa di gruppi;

Sviluppo di programmi, organizzazione di eventi;

Fornire assistenza metodologica nelle attività dei gruppi;

Partecipazione alla visione e ricezione di nuove esibizioni, programmi di concerti, numeri.

2. La funzione progettuale è l'approvazione e l'adeguamento del piano per l'intera attività artistica e creativa della Casa della Cultura.

Il regolamento sui collettivi popolari rileva che la direzione di un collettivo popolare amatoriale può essere svolta da un consiglio artistico presso lo stesso collettivo amatoriale, che può essere creato su base volontaria tra i suoi dipendenti a tempo pieno e membri di spicco del collettivo, personalità della cultura, rappresentanti di organizzazioni pubbliche. La composizione del consiglio artistico è approvata dal responsabile del circolo, il direttore della Casa, del Palazzo della Cultura. Le sue funzioni coincidono con le funzioni del consiglio artistico di un'istituzione culturale e ricreativa.

Il prossimo anello portante dell'arte popolare in un'istituzione culturale e ricreativa è il direttore artistico.

Direttore artistico - questo è l'organizzatore del processo artistico e creativo in un'istituzione culturale e ricreativa, di regola, specialista in qualsiasi genere artistico. Deve conoscere le caratteristiche generali di altri generi di creatività artistica e fornire assistenza metodologica ai capi dei gruppi di arte popolare. Spesso è lui stesso a capo di un gruppo di arte popolare.

Funzioni del direttore artistico

Coincidono con le funzioni dell'Arts Council:

Progettazione delle attività dei gruppi amatoriali;

Assistenza metodologica ai gruppi amatoriali;

pianificazione del programma;

Funzione organizzativa;

Funzione di controllo.

La gestione diretta del gruppo di arte popolare è affidata a supervisore - è uno specialista in qualsiasi genere artistico, avendo un'istruzione secondaria o superiore specializzata.

Funzioni del capo di una squadra amatoriale

Artistico e creativo

Educativo

Organizzativo

pianificazione

controllo

Poiché la partecipazione all'arte popolare è un'attività di volontariato, il capogruppo deve essere un buon organizzatore, avere qualità comunicative, essere abile nei metodi di insegnamento, essere in grado di pianificare le proprie attività, cioè essere un buon organizzatore e insegnante.

Deve capire le qualità di una persona e vedere le capacità di una persona, cioè essere un buon psicologo. Senza la presenza di queste qualità in un leader, sarà impossibile organizzare un processo creativo di successo.

“Gestire significa portare i dipendenti al successo e all'autorealizzazione” (W. Siegert, L. Lang)

Le qualità di un leader

Gruppo 1 - professionale - i metodi e le tecniche di attività di gestione da lui utilizzate

Gruppo 2 - qualità intellettuali e personali di una persona (conoscenza, capacità, intelletto, sfera emotivo-volitiva fino al carattere).

Il secondo gruppo rispetto al primo ha due caratteristiche:

In primo luogo, è la base su cui si costruisce la competenza manageriale professionale del manager;

In secondo luogo, è più difficile da correggere (è più difficile cambiare il carattere che padroneggiare la metodologia di gestione).

Pertanto, una delle principali qualità psicologiche di un leader è il suo pensiero. Il leader deve essere in grado di pensare:

ma) problematico e promettente, cioè predeterminare le possibili difficoltà ei modi per superarle;

B) sistematicamente, vale a dire, coprendo tutti gli aspetti del caso e i fattori di influenza;

in) praticamente e giustamente, distinguendo i fattori reali dalle opinioni soggettive, desiderate dal reale;

G) non convenzionale e non convenzionale combinare i benefici dell'esperienza accumulata con metodi di gestione innovativi originali;

e) prontamente, quelli. rispondere rapidamente ai cambiamenti e prendere decisioni razionali;

e) in modo coerente e mirato raggiungere l'obiettivo, separando il principale dal secondario;

G) auto-critico, mostrare la capacità di valutare con sobrietà le proprie azioni, migliorare le proprie capacità e conoscenze professionali.

Poiché il capo di un collettivo di arte popolare in condizioni di mercato moderne svolge le funzioni di manager, deve avere le qualità che vengono presentate a un manager moderno.

Requisiti per un manager

1. Competenza.È necessario reintegrare costantemente le proprie conoscenze, il leader non può permettersi di imparare dai suoi errori.

2. Dignità e responsabilità suprema in ogni cosa, compresa la puntualità.

3. Senso del nuovo e capacità di correre rischi. Questa qualità deve essere combinata con la capacità di pianificare e guardare avanti.

4. Sensibilità e mobilità. Il leader deve essere in grado di sentire l'ambiente, gli eventi, rispettare le opinioni degli altri e lottare costantemente per l'autosviluppo.

5. Alta efficienza. Sforzarsi costantemente di essere migliori e fare del proprio meglio.

Ruoli manageriali

Amministratore (per supervisionare l'esecuzione)

Planner (sviluppare metodi e mezzi attraverso i quali gli altri raggiungono un obiettivo)

Politico (fissare obiettivi e linea di condotta nel gruppo)

Esperto (si rivolge come persona con informazioni affidabili)

Rappresentante del gruppo nell'ambiente esterno

Regolatore dei rapporti all'interno del gruppo

Fonte di idee, informazioni, ricompense, punizioni

Giudice e pacificatore

Dittatore

- "padre" o "madre"

- "capro espiatorio"

Ci sono tre stili di leadership classici. Lo stile di leadership è un sistema di metodi di attività tipici di un leader utilizzato nel lavoro con le persone. Lo stile di leadership si manifesta nel modo di parlare del leader, nell'ascoltare le altre persone. Negli anni '30, K. Levin identificò tre stili di leadership principali: autoritario, democratico e liberale. Finora, questo approccio all'analisi e alla classificazione degli stili è il più comune.

1. Stile autoritario (direttivo). caratterizzato dalla centralizzazione del potere nelle mani di un leader. Il leader prende le decisioni da solo, definendo rigidamente le attività dei suoi subordinati e non gli permette di prendere l'iniziativa. Di solito è concentrato sulla risoluzione dei problemi di produzione, non si fida dei suoi subordinati e sopprime qualsiasi critica rivolta a lui.

2. Stile di leadership democratica- Decentramento del potere. Il capo delega i suoi poteri, si consulta con i subordinati che partecipano anche al processo decisionale, l'iniziativa da parte loro è stimolata in ogni modo possibile. Le attività dei subordinati sono controllate non solo dal potere del leader, ma anche dal patrimonio.

3. Stile liberale (permissivo). la gestione è caratterizzata da una minima interferenza del leader nelle attività dei subordinati. Il gestore funge da intermediario tra i gruppi di persone coinvolte nella produzione, fornendo loro le informazioni ei materiali necessari per lo svolgimento del lavoro. Un leader che utilizza questo stile è caratterizzato dalle seguenti qualità:

Lascia che le cose facciano il loro corso;

Agisce quando viene applicata una pressione (sia dall'alto che dal basso);

conservatore;

Non critica mai i superiori, a suo agio come subordinati;

Propenso a influenzare la persuasione, stabilendo contatti personali;

Ascolta le critiche, è d'accordo, ma non fa nulla.

Nessuno stile di leadership può pretendere di essere universale, applicabile in tutte le condizioni. Pertanto, una qualità importante di un leader è il possesso di stili diversi, il loro uso flessibile a seconda della situazione.

Direttore teatrale

Formazione scolastica:
GITIS loro. Lunacharsky, pubblicazione del 1985, workshop del People's Artist of the USSR I.V. Ilinsky e il prof. Topchieva LG

Serve come attore del teatro "NEAR the Stanislavsky House" dal 1977.
È il regista e attore dell'istituto statale per l'educazione di bilancio di Mosca "MDT ApARTe".
Direttore artistico dell'istituzione culturale per il tempo libero "Theatre House" Stary Arbat ".

Ruoli nel teatro "ApARTe":

• Polonio - "Amleto" di W. Shakespeare (dir. G. Strelkov);
• Sindaco - “Ispettore. 1835 "NV Gogol (dir. A. Lyubimov);
• Gazgolder Dmitry Aleksandrovich - "Strada dei fiori" di V. Kataev (dir. T. Arkhiptsova);
• Baron - "Piccole tragedie" tratto dalle opere di A.S. Pushkin (dir. A. Lyubimov);
• Glov Sr. - “Players” di N.V. Gogol (dir. D. Efremov).

Regista dello spettacolo teatrale “MDT “ApARTe” “Il pazzo ha avuto pietà del pazzo” tratto dall'opera teatrale di S. Rubbe “Juliet” (prima della stagione 2015/2016).

FILMOGRAFIA:

• 1987 "Citizens of the Revolution" Studio cinematografico di Sverdlovsk, regista, dir. serg. Martyanov, il ruolo di Kostromin;
• 1992-1994 Serie "Goryachev e altri", 1° canale, il ruolo di Ivan Afanasyevich;
• 2000 "Ritratto della Madonna", cultura del canale, dir. Y. Pogrebnichko, il ruolo del signor Abrams;
• 2003 serie "Il ritorno di Mukhtar", dir. V. Shalyga e A. Polynnikov, il ruolo di Tambour;
• 2004-2008 "Blind" (Liquidatore), serie, dir. S. Mokhovikov, S. Lyamin, ruolo episodico Psicologo;
• 2006 Ostrog. Il caso di Fëdor Sechenov, serie, dir. S. Mats, S. Danelian e altri episodi. il ruolo di avvocato;
• 2007 serie "Atlantis", studio RWS, dir. Episodio di A. Sukharev. il ruolo di avvocato;
• 2007 Serie Alibi Agency, dir. P. Safonov (serie: "Pietra filosofale"), il ruolo del Professore;
• 2008 cortometraggio "Door", dir. O. Galin, cap. il ruolo di Mikhail Ivanovich;
• 2009 "La tana del serpente", serie TV, dir. Yu. Kuzmenko, il ruolo del primario;
• 2010 cortometraggio "Fomich", studio Preobrazhenie, dir. Nick. Shkunov, ruolo principale Fomich;
• 2011 "Furtseva" Canale Uno, serie, dir. S. Popov, il ruolo di A. Mikoyan;
• 2011 serie "Gulchatai", dir. R. Prosvirin, il ruolo di Lev Davydovich;
• 2102 Team Che, serie, dir. A. Sukharev, (serie "Players") il ruolo di Goykhman;
• 2014 "Artigiani", serie, dir. Sole. Aravin, il ruolo di Sturm;
• 2016 Ciclo di lungometraggi "Dear Great Books", Canale Cultura, dir. T. Arkhiptsova, conduttrice (bibliotecaria).

RUOLI IN TEATRO (oggi):

• Zhevakin - "Il matrimonio di N.V. Gogol, direttore Y. Pogrebnichko, teatro VICINO alla casa Stanislavsky,
• Uomo - "Uomo e donna" di S. Zlotnikov, dir. Y. Pogrebnichko, teatro VICINO alla casa Stanislavsky,
• Glov - "Players" N.V. Gogol, direttore A. Levinsky, teatro VICINO alla casa Stanislavsky,
• Nagg - "The End Game" di S. Beckett, dir. A. Levinsky, teatro VICINO alla casa Stanislavsky,
• Slocum - "A proposito di tutte le cadute" S. Beckett, dir. E Levinsky, il teatro VICINO alla casa Stanislavsky,
• Aramis - "I tre moschettieri" di A. Dumas, dir. Yu, Pogrebnichko, teatro "VICINO alla casa di Stanislavsky,
• Zio Giulio - "Bambino e K." A. Lindgren, dir. I. Ok, teatro VICINO alla casa Stanislavsky,
• Julitta - "Abbiamo bisogno di un'attrice tragica" A. Ostrovsky, dir. Y. Pogrebnichko, teatro VICINO alla casa Stanislavsky,
• Sig. Abrams - "Ritratto della Madonna", dir. Y. Pogrebnichko, Williams, teatro VICINO alla casa Stanislavsky.

Attore, regista, fondatore e direttore artistico del teatro ApARTe.

Formazione: nel 1985 si diploma all'Istituto Statale di Arti Teatrali con una laurea in attore di teatro drammatico, e nel 1989 con una laurea in regista di teatro musicale.

Dal 1979, A.G. Lyubimov ha frequentato una seria scuola di teatro presso lo Youth Theatre-Studio "On Krasnaya Presnya" sotto la direzione di V.S. .

Nel 1987 ha creato il teatro-studio "Gruppo Cittadini". Le sue esibizioni "Heart of a Dog" basate su M. Bulgakov e "Invition to Execution" basate su V. Nabokov sono diventate vincitori del festival Lefortovo Games-87.

Nel 1993, lo studio teatrale "Group Citizens" è stato trasformato nel Centro per le arti dello spettacolo di Mosca "ApARTe" e nel 1998 nel teatro drammatico di Mosca "ApARTe", dove AG Lyubimov serve ancora oggi, mette in scena spettacoli, spettacoli teatrali ruoli.

Le interpretazioni del regista Lyubimov sono sempre positive e morali. La cosa principale in essi è "un'analisi della moralità moderna, progettata per uno spettatore pensante, domande sulla responsabilità di una persona per le sue azioni, rispetto per il linguaggio di un'opera" ("The Moscow Times"). Anche le produzioni realizzate dal regista su materiale moderno sono intrise del tema di attualità della responsabilità nei confronti della società e della propria coscienza.

Le sue esibizioni sono state presentate ai festival di Mosca, Berlino, Parigi, Francoforte, Magnitogorsk, Pskov, Omsk, Vitebsk.

Come regista e attore, Lyubimov padroneggia costantemente nuovi generi. Nel 2009, presso la Matisse School of Modern Dance, ha messo in scena lo spettacolo coreografico "Yin without Yang", e nell'ambito del Festival Internazionale "ARMMONO" - uno spettacolo personale "Call from Above".

A. Lyubimov è il fondatore e direttore artistico del Festival Internazionale "Young Theatres of Russia", che promuove le conquiste del teatro russo. Educa una nuova generazione: insegna all'Università slava di Mosca, dirige uno studio teatrale per bambini presso la Stary Arbat Theatre House.

A. Lyubimov è un attore con un grande potenziale, che realizza con successo sia nelle proprie produzioni che nelle esibizioni dei suoi colleghi. “Il suo lavoro di recitazione scandisce sempre il ritmo della performance, ne diventa il nucleo semantico” (Rivista teatrale di cassa su “Measure for Measure”, premiata dall'Assessorato alla Cultura della Città di Mosca per il miglior debutto alla regia nel 2006). "È sempre diverso e sempre il conduttore dello spettacolo" ("Planet Beauty" sullo spettacolo "About Wet Snow").

1979-1987 - Attore e regista del Teatro di Krasnaya Presnya.

Spettacoli:

• "Un gabbiano di nome Jonathan Livingston" R. Bach (1980);
• The Catcher in the Rye di JD Salinger (1980);
• “Immagina” J. Lennon (1981);
• "Fantasia" K. Prutkov (1982);
• "Addio, amico mio..." B. Vasiliev (1983).

1987-1993 - sottile. capo dello studio teatrale "Gruppo Cittadini".

Spettacoli:

• "Cuore di cane" M. Bulgakov (1987);
• "Corri, conigli, corri" F. Iskander (1988);
• "Invito all'esecuzione" V. Nabokov (1989);
• "Zar FI." A. Tolstoj (1990);
• "Capitano, capitano, sorridi" J. Verne (1991);
• Edipo Re di I. Stravinsky (1992);
• "Morte di Tarelkin" A. Sukhovo-Kobylin (1993), GITIS.

Direttore artistico del Moscow Center for Performing Arts (MCCA) "ApARTe".

Spettacoli:

• "Telefono" di C. Menotti (1994), Mosca, RATI;
• "Tanto tempo fa" A. Gladkov (1995), Omsk, State Musical Theatre
• "Delitto e N." F. Dostoevsky (1995), Berlino, "ORNTNEATER" (con MCCA "ApARTe")
• "Suonare Gogol" N. Gogol (1996), Parigi, "ARIATEATRO" (con MCCA "ApARTe")
• "Locandiere" K. Goldoni (1996), Omsk, Quinto Teatro di Stato
• "Talenti e ammiratori" A. Ostrovsky (1996), Ekaterinburg, Teatro drammatico accademico
• "Tre visite del dottor Astrov" A. Chekhov (1997), Omsk, "Quinto teatro di stato"
• "Tales of Belkin" AS Pushkin (1997), Omsk, State Chamber Theatre

Dal 1998 ad oggi - Direttore artistico del Teatro Drammatico di Mosca "ApARTe".

Spettacoli:

• "Ivan e il diavolo" F. Dostoevsky (1998), Mosca, "ApARTe"
• "Cosa c'è nel mio nome per te" AS Pushkin (1999), Omsk, State Chamber Theatre
• "Woe from Wit" A. Griboyedov (2000), Mosca, Class Theatre
• "Sulla neve bagnata" F. Dostoevsky (2000), Mosca, "ApARTe"
• “Capitano, capitano, sorridi” J. Verne (2001), Mosca, ApARTe
• "Masha, Irina, Olga e altri." A. Cechov (2003), Mosca, ApARTe
• "Trouble from a Gentle Heart" (Vaudeville) V. Sollogub (2004), Mosca, "ApARTe"
• "Phaedra" J. Rasin (2005), Mosca, "ApARTe"
• "E ho amato questo pazzo" A. Yakhontov (2006), Mosca, ApARTe
• Solaris. Inquiry” di S. Lem (2006), Mosca, “ApARTe”
• "Passioni francesi in una dacia vicino a Mosca" (2007), Omsk, "State Fifth Theatre"
• "La cronaca dell'isola dimenticata" G. Egorkin (2006), Laboratorio di drammaturgia moderna STD RF
• "Gli estranei non camminano qui" V. Zuev (2007), Laboratorio di drammaturgia moderna STD RF
• "Gli estranei non camminano qui" V. Zuev (2009), Mosca, "ApARTe"
• "Agatha Christie. Detective" - ​​​​Meredith Blake (dir. A. Lyubimov), "ApARTe"
• "Informazioni su Lyubov Ranevskaya" basato sull'opera teatrale di A. Chekhov "The Cherry Orchard" - Lopakhin (dir. A. Lyubimov), "ApARTe"
• "Revisore dei conti. 1835 "N. Gogol - Artemy Filippovich Strawberry (dir. A. Lyubimov), "ApARTe"
• "Piccole tragedie" basato sulle opere di A.S. Pushkin, "ApARTe"
• "Padri e figli" I. Turgenev, "ApARTe"
• "In fondo" M. Gorky, "ApARTe"
• "Salva il capitano Grant" J.Verne, "ApARTe"
• "Scary Tales" basato sulle opere di V.F. Odoevsky; A. Pogorelsky; VP Titov e AS Pushkin, ApARTe

Ruoli cinematografici:

• "Matrimonio d'oro" (dir. N. Motuzko).

Direttore artistico

Per vent'anni sono stato a capo del Teatro Vakhtangov, ma è difficile parlare di me come direttore artistico. Pertanto, vorrei soffermarmi solo su alcuni aspetti generali della mia attività.

Quando mi è stato proposto di assumere questa posizione, ci ho pensato a lungo, non è stato facile per me, perché immaginavo la responsabilità che questa posizione impone, e ho provato una sensazione di paura del tutto comprensibile: ce la farò? Tuttavia, accettò, perché sapeva che il popolo Vakhtangov non avrebbe accettato il "varangiano". Inoltre, e questo è stato dimostrato dall'allora esperienza del Moscow Art Theatre, è impossibile gestire il teatro collegialmente. Può essere guidato solo da una persona. Solo una persona può sollevarlo. E, dopo aver soppesato tutti i pro e i contro, speravo di riuscire ancora a mantenere il prestigio e il livello del nostro teatro. Pertanto, mi sono insediato con il compito principale davanti a me: preservare il Teatro Vakhtangov, per evitare che la sua squadra si disintegrasse in piccoli gruppi.

Per fare questo, ha formulato tre punti del suo programma. In primo luogo, attirare registi famosi a teatro per mettere in scena spettacoli individuali. In secondo luogo - affidamento su una drammaturgia di talento. E in terzo luogo, avendo già esperienza di regia teatrale e cinematografica, mi sono ripromesso di non mettere in scena personalmente le rappresentazioni, perché sapevo che non appena il direttore artistico inizia a mettere in scena le rappresentazioni, queste diventano subito la caratteristica dominante del repertorio. Non ho un vero regalo da regista. Se capisco dove, allora solo nella recitazione.

In questi vent'anni il nostro teatro è stato giudicato in modi diversi. Nel difficile decennio successivo alla perestrojka, alcuni dissero che il teatro era in rovina, altri si lamentarono solo che il suo antico splendore fosse sbiadito. Tuttavia, all'inizio siamo sopravvissuti quando, insieme al crollo

Gran parte del Soviet è morto in URSS, e poi il teatro ha preso vita e ora si sta sviluppando attivamente, e in questo vedo in parte il mio merito.

C'è stato un tempo in cui abbiamo in qualche modo condiviso le sorti di tutti i teatri: con un forte calo della stampa ideologica, sembravamo colpiti da una malattia come un cassone. In effetti, per decenni tutto è stato rigorosamente regolato, a volte solo leggermente indebolito la valvola e improvvisamente dichiarata completa libertà! Non è un brusco cambiamento di pressione?.. E abbiamo dovuto vivere in modo nuovo in condizioni di economia di mercato per noi insolite.

La distruzione dell'estetica dell'arte associativa si è rivelata un grande disastro per il teatro. La lingua esopica si è improvvisamente rivelata non necessaria nel nostro paese. E Brest Peace di Shatrov, che suonava a tutto volume anche all'estero, iniziò a suonare con sale semivuote e dovette essere rimosso dal repertorio. Il pubblico ha anche dato un'occhiata alla commedia "The Ides of March" di Wilder, che ha un significato acuto.

Che dire, anche se a Taganka, dove venivano allestite performance civiche e violente, tutto è diventato anche “normalmente cool” dall'attenzione improvvisamente ridotta del pubblico. E il lottatore teatrale Yuri Lyubimov sembrava fermarsi perplesso: con chi combattere? Per qualche tempo ha perso la voce. Questo strano tempo di cambiamento ha richiesto nuovi colori e parole dai teatri. Ed era sempre più difficile trovarli.

Era molto meno probabile che le persone andassero a teatro, anche perché i prezzi dei biglietti erano fuori dalla portata di una società povera. Certo, le persone hanno perso molto, ma il teatro non ha sofferto meno, privo di riflessioni, esperienze e sentimenti in comune con il pubblico. Semplicemente non ha tenuto il passo con la vita quando gli eventi sono caduti come una caduta di sassi sui confusi cittadini russi. Come avrebbero potuto essere scossi da uno spettacolo teatrale, quando la vita stessa era costantemente sorprendente e sconvolgente? Pertanto, più di un nostro teatro si è attardato al bivio: quale direzione scegliere ora nel proprio lavoro, dove cercare punti di contatto con il pubblico? Ma non volevo fare di tutto per inseguirlo, perdere la faccia, sprofondare al livello del settore dei servizi, o anche una totale connivenza con la mancanza di cultura. Ma c'era un grande desiderio di preservare i valori eterni dell'arte nel teatro nelle nuove condizioni!

E intorno furono creati molti teatri commerciali, che vivevano e vivono, appunto, per il bene del rublo. In generale, non è stata messa in scena una sola performance significativa lì, non è stato allevato un solo attore. Perché è redditizio portare lì professionisti già riconosciuti, e loro vanno perché lì pagano bene! Umanamente si possono capire: chi non vuole guadagnare più soldi e velocemente. E attori famosi in un posto non possono indugiare a lungo, sono attesi ovunque. Da qui il lavoro di hack, la diminuzione del livello del gioco, la sorpresa dello spettatore periferico: dove è andato il talentuoso attore imyarek? E ha lavorato in qualche gingillo francese. Dopotutto, era, è e sarà. E lascia che sia, almeno per mantenere uno sfondo grigio per un disegno nitido in primo piano di vere scoperte teatrali!

Nonostante tutte le difficoltà che abbiamo dovuto sopportare in passato, non sentivamo ancora appieno cosa sia una crisi spirituale. Puoi essere ironico su questo quanto vuoi, ma abbiamo ancora molte persone istruite, anche se c'è stato un momento in cui l'istruzione non era di moda. Quanto valeva questa frase: "Perché sei così povero, visto che sei così intelligente?" Ma il nostro pubblico - e questo è noto a tutti - è rimasto il più sofisticato in fatto di arte, che sia teatro, musica o pittura. E non voglio che quel livello scenda affatto. E ci sono motivi di preoccupazione.

Guarda cosa sta succedendo sul nostro palco. Chi è l'idolo della giovinezza, l'eroe, per così dire, del nostro tempo? Filippo Kirkorov. Ha molti ammiratori e ammiratori. È lodato in ogni modo. È imitato e invidiato. Sì, non è privo di talento e bellezza. Ma invidiano non tanto questo quanto la sua ricchezza. Infatti: vola quasi sul suo aereo, lì viene caricata anche la sua Lincoln, perché solo a Lincoln un idolo può entrare a Krasnoyarsk o in qualche altra città. Ma anche questo non è così male, perché Kirkorov, almeno, è riconoscibile, ha un'individualità. Tuttavia, le nuove mode della cultura di massa ci hanno ingannato in una sorta di "fabbriche stellari" che sfornano artisti senza volto, e quegli artisti cambiano in batch come parte di gruppi vocali precoci senza danneggiare il loro programma commerciale. Tuttavia, non c'è niente di speciale da danneggiare lì, se consideriamo la questione dal punto di vista della cultura.

Capisco, tutto questo è pubblicità, scandaloso. Tuttavia, se il nostro Teatro Vakhtangov avesse voluto pubblicizzare qualcuno dei suoi spettacoli, non avrebbe trovato nemmeno un centesimo dei fondi spesi dal mondo dello spettacolo per la promozione dei suoi preferiti. Inoltre, mi sembra che il teatro non imparerà affatto a farsi pubblicità. È fuori moda, sembra vestito con abiti antichi che limitano i movimenti. È imbarazzato a parlare di sé e mantiene la sua dignità.

Sembra che attraverso gli sforzi congiunti di strutture pubbliche e private, il Paese possa uscire dalla crisi economica generale. Ma ogni teatro cerca quasi da solo una via d'uscita ai suoi problemi. Questo è un percorso difficile, ma la strada sarà dominata da quella che cammina.

Quando Yevgeny Rubenovich Simonov ci ha lasciato, non ha rotto i legami con il Teatro Vakhtangov. Il nome di questo regista è entrato nella storia del teatro, che io, come tutti i vakhtangoviti, considero sacro - con tutte le nostre vittorie, sconfitte, guadagni e sconfitte. E non lo riscriveremo, "aggiustando" il passato al vantaggioso allineamento del presente. Evgeny Simonov ha dedicato i suoi ultimi anni alla creazione del Teatro intitolato a suo padre, considerando suo dovere filiale perpetuare la sua memoria. E il teatro esiste da molti anni. Si trova nelle strade dell'Arbat molto vicino a noi e oggi è diretto da uno degli attori principali del Teatro Vakhtangov Vyacheslav Shalevich. E insieme risolviamo tanti problemi della vita odierna: il Teatro Vakhtangov, la Scuola di Teatro Shchukin, il Teatro Ruben Simonov, attori e registi di tutte le generazioni di Vakhtangov.

Stiamo ancora cercando. Cerchiamo nelle preziose dispense dei classici russi, nella drammaturgia moderna. Il nostro obiettivo è difendere il teatro come tempio della cultura. Catturare l'attrazione emotiva dello spettatore è la chiave del successo. E tutti i teatri oggi sono alla ricerca di quella, forse, un'azione scenica molto semplice che porterà le persone negli auditorium, desiderose di capire chi siamo oggi, di cosa abbiamo bisogno per sentire la nostra altezza umana, la nostra necessità nella vita. Penso che la letteratura, il teatro e l'arte in generale siano necessari da soli per aumentare, aumentare la quantità di gentilezza nel mondo. Affinché le persone possano attingere il più possibile da questa fonte di verità e giustizia, fede e amore.

Quando pensi a ciò che è più importante nell'arte del teatro, capisci che è abilità, professionalità, un orecchio che ascolta il tempo di oggi, una voce che può raccontare il tempo.

Questa abilità dovrebbe essere posseduta prima di tutto dal regista. Creando una performance, diventa tutto: un attore, un artista, un designer musicale, un mago, un creatore, un bugiardo, un sognatore - tutto! Infine, pubblica un'opera teatrale e vive da sola, indipendentemente dal suo creatore.

L'attuale problema con la regia è che è sorta una specie di "amaca", cadente tra una coorte di grandi intenditori di teatro degli anni '20 e '30 del secolo scorso: Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko, Vakhtangov, Meyerhold, Tairov, i loro studenti Ruben Simonov , Zavadsky, Okhlopkov, Akimov, Lobanov, Tovstonogov - e registi moderni.

La generazione dei "maestri" non ha sollevato la sua successione, che ha un effetto tangibile sul campo del regista. Sento che questo mio rimprovero è ingiustificato: elevare un regista da una persona che non ha un dono naturale è come voler insegnare a qualcuno a diventare un grande scrittore. Georgy Alexandrovich Tovstonogov ha dichiarato senza mezzi termini: "Il regista non può allevare un successore, perché è artisticamente impossibile". E se non conosce tutte le indicazioni del regista.

I registi moderni per la maggior parte non sono cresciuti naturalmente per "maturazione graduale", ma hanno pompato i muscoli. I "Kachki" si mettono molto, sono energici, abili, non possono essere accusati di ignoranza dei loro affari, ma la mancanza di una scuola influisce sul loro lavoro. La comprensione filosofica del tema, della spiritualità e della convincente "attrezzatura" della vita, presente nelle rappresentazioni di famosi registi del recente passato, che hanno proceduto nel loro lavoro dall'essenza profonda dell'arte teatrale, è molto carente nelle produzioni attuali.

Non posso giudicare tutti, parlo in base alle mie osservazioni del direttore artistico del teatro. Da quello che ci portano i giovani registi, vedo che sono professionisti "intelligenti", freddamente prudenti. Non è colpa loro: vivono in un'epoca in cui a teatro si rompono vecchi concetti e categorie familiari, e nella vita di tutti i giorni una persona non sempre sente un terreno solido sotto i suoi piedi. Qui, come si suol dire, non c'è tempo per la comprensione spirituale e lo sguardo verso il cielo, qui molti stanno pensando a come stabilirsi in questo mondo stravagante, a cosa aggrapparsi in questo “movimento browniano”, nel trambusto in corso. E i registi portano questo pasticcio a teatro. E la comprensione spirituale del bello richiede pace e svago creativo. Ma nella ricerca del materiale, né l'uno né l'altro esistono per nessuno oggi. Sfortunatamente, anche le esigenze del pubblico sono cambiate: dopo essersi imbattuto in affari, il pubblico moderno, per la maggior parte, vuole una cosa da qualsiasi azione messa in scena: l'opportunità di sfogarsi. Arriva il talk show "To the Barrier" in televisione. È guidato dal giornalista più talentuoso Vladimir Solovyov, manipola abilmente le azioni dei politici più influenti del paese e solo personaggi famosi. Sono i suoi attori. Ma cosa decide il suo trasferimento? Niente! Sono tutte chiacchiere vuote, le grida dei burattini di scena che insistono sulla loro correttezza, ma nessuno di loro ascolta nessuno. In una certa misura, questo è vantaggioso per i partecipanti al talk show: è così che attirano l'attenzione del pubblico. Cosa ottiene lo spettatore? La stanchezza, una faticosa favola della buonanotte, una specie di sonnifero e - allo stesso tempo - doping a lenta azione, assunzione che, dopo qualche ora di riposo, puoi di nuovo precipitarti a capofitto nel trambusto degli affari. Quindi ora parliamo del fatto che i registi sono i sacerdoti della bella...

La stessa immagine nella drammaturgia moderna: sembrano esserci molte opere teatrali, ma parlano tutte della stessa cosa: quanto è brutto per noi oggi e quanto sarà bello se facciamo questo e quello. Questo è davvero ciò che lo spettatore non sorprenderà!

A questo proposito, per qualche ragione, ho ricordato la commedia "La polonaise di Oginsky" di Roman Vikgyuk. C'è stato un crollo generale. E cosa mi ha rivelato questa performance? Che il mondo è impazzito? Lo so già. Che le persone si trasformino in bestiame attraverso le tentazioni? L'ho visto spesso nella mia vita. Che non sanno dove andare? A volte lo sento io stesso. Allora perché una tale esibizione, se non mi dicono come uscirne? Se non c'è luce in esso? Ma vi versano sale sulle mie ferite e lo versano! Per quello?

Il vero teatro non è un farmaco sedativo, ma non è nemmeno un farmaco psicotropo per eccitare anime deformate. Direi che è un esempio di un mondo più normale, più intelligente e più integrale di quello che spesso rimane fuori dall'auditorium. Mondo ideale? È del tutto possibile, poiché l'arte è quasi sempre la ricerca di un ideale.

Sì, il teatro deve essere moderno, ma il pubblico e l'attore hanno bisogno di più figure e collisioni che contengano valori senza tempo. E rimangono preziosi perché hanno sempre qualcosa in comune con ciò che sta accadendo oggi. Ma anche un promemoria che la vita non è solo il cambio del dollaro e le relazioni operative della polizia. Tuttavia, essendo nel calderone ribollente della vita quotidiana, siamo tutt'altro che in grado di cogliere l'essenza di ciò che sta accadendo, e quindi non possiamo rispondere noi stessi alle domande che la realtà ci pone. Poi il classico viene in soccorso. Contiene eterne ricchezze spirituali - risposte alle domande dell'esistenza umana, il che significa che è un supporto per tutti coloro che vivono oggi.

È impossibile immaginare cosa faremmo oggi senza Ostrovsky, Gogol, Dostoevskij, Cechov, Shakespeare! Ma non puoi semplicemente indossare un classico oggi. Deve essere letto di nuovo in ogni nuova era, in ogni nuova svolta del tempo. Dopotutto, tutto è in continua evoluzione. Qualcosa muore e nasce nella società. Una persona sta cambiando, il suo atteggiamento, i suoi gusti. Estetica aggiornata. E la performance dovrebbe adattarsi organicamente al nostro "mondo pazzo, pazzo, pazzo". Non puoi accontentarti di una tazza di tè con marmellata, sullo sfondo di uno Zamoskvorechye in legno dipinto del 19° secolo, quando dietro il muro vengono costruiti grattacieli di vetro e cemento.

Ma c'è qualcosa che unisce i due scenari: la riconoscibilità delle passioni umane e l'immutabilità dei valori morali, che in tutte le epoche consente al teatro di attingere e attingere da un pozzo davvero senza fondo della drammaturgia di tutti i tempi e di tutti i popoli.

Amore... Non importa quanto ne parliamo o scriviamo, non importa quanto profondamente lo sperimentiamo noi stessi, rimane un sentimento misterioso, intimo, incomprensibile. Non esiste una definizione di amore che si adatti a tutte le occasioni. Lei è sempre una rivelazione. È difficile prevedere quale atto ispirerà o spingerà una persona. Sì, quasi tutti i classici sono storie d'amore. E nessuno di loro è come l'altro. Per parafrasare il poeta, possiamo dire: l'amore è l'unica notizia che è sempre nuova...

Anche i classici sono sempre nuovi. Ma non capita sempre che tu l'abbia raccolto - ed eccolo qui, il pesce rosso del successo! E a teatro discutiamo raucamente su cosa portare nel repertorio attuale. Il regista propone L'ispettore generale o Il gabbiano di Cechov. Mi sembra che sia diventata una sorta di moda ossessiva: interpretare sempre Cechov e Gogol a modo tuo. Come se ogni teatro stesse cercando di trovare qualcosa in Cechov che nessun altro ha trovato. Sì, sia Cechov che Gogol sono grandi conoscitori dell'uomo, ma ho paura della moda, che anche nel repertorio teatrale diventa indispensabile come i jeans.

Una volta, quando sono diventato direttore artistico, mi sono dato il compito di aprire le porte del Teatro Vakhtangov a una nuova drammaturgia di attualità e classici acuti e dal suono moderno. Per questo è stato necessario invitare sia registi famosi e seri sia registi giovani, ma già interessanti, che promettevano di rivelarsi a modo loro. Ci ho lavorato e ci sono stati dei successi lungo la strada, anche se nessuno mi ha assicurato contro i fallimenti. Solo successi e fallimenti sono normali per la ricerca creativa. Non puoi elencare tutti quelli che ho invitato. Tuttavia, menzionerò che Robert Sturua, Pyotr Fomenko, Arkady Katz, Roman Viktyuk, Vladimir Mirzoev, Vyacheslav Shalevich, Sergei Yashin, Alexander Gorban hanno rivelato le loro idee registiche. Sotto la loro guida, spettacoli come "Brest Peace", "Lessons of the Master", "The Ides of March", "Guilty Without Guilt", "Alibaba and the Forty Thieves", "Chasing Two Hares", "Dedication to Eve ”, “Cyrano de Bergerac”, “Nbch iguanas” e molti altri. Ma, ovviamente, non tutto ciò che è stato fatto è stato coronato da allori di grande successo di pubblico. Tuttavia, queste esibizioni sono fasi nella formazione del nostro teatro in anni difficili, quando in Russia tutti i nostri compatrioti cercavano il loro posto, spesso nuovo, sotto il sole.

Ma questa, per così dire, è la parte creativa delle preoccupazioni del direttore artistico, si basa sulla base economica e in parte dipende dalle relazioni interpersonali nella troupe - e anche questo deve essere pensato. Tali problemi sono stati estremamente esacerbati negli anni '90 del secolo scorso e, probabilmente, sarebbe più facile per me spazzarli via e prendere una posizione comoda e un po' distante. Ma, ad essere onesto, ancora oggi mi sento responsabile della causa che ho servito per tutta la vita: il teatro.

Un tempo, l'euforia della perestrojka finì e si scoprì che, insieme a una certa indipendenza amministrativa, i teatri avevano un sacco di problemi, ma non padroneggiavano i meccanismi per risolverli. E ho dovuto fare molto da solo.

I nostri oggetti di scena erano logori, l'attrezzatura scenica era obsoleta e, in una situazione finanziaria disastrosa (è noto cosa stava succedendo nell'economia in quell'epoca), il teatro non aveva i mezzi per eliminare questa lacuna. Quindi, dobbiamo andare da funzionari, capi, il cui nome è sempre stato legione. Abbiamo ancora più capi che lavoratori. Ce n'erano molti, e ce n'erano anche di più. Ovunque tu vada, ci sono molti comitati, parlamenti e dipartimenti. Sarebbe anche positivo per i funzionari introdurre le uniformi, quindi diventeremmo assolutamente simili alla Russia "bastone" di Nikolaev, come era descritta in epoca sovietica. Solo allora non abbiamo sognato quello che abbiamo ora! Girare per le alte cariche è simile ai circoli infernali di Dante: non è un dato di fatto che il necessario verrà assegnato, ma sopporterai sicuramente l'umiliazione. E devi fare in modo che i tuoi affari non si fermino, affinché le migliori tradizioni dell'arte teatrale, della cultura domestica in generale, che già respirano pesantemente in molti modi, non abbiano l'ordine di vivere a lungo.

Ecco sono andato. Ad esempio, vicino al nostro teatro sull'Arbat per molto tempo c'era una casa diroccata che non era oggetto di restauro e non apparteneva a nessuno. Noi, come l'aria, avevamo bisogno di un secondo palcoscenico per le attività sperimentali in teatro, per ampliare il repertorio e, infine, per dare lavoro all'intera troupe. E non è stato possibile ottenere terreni nel quartiere con la dicitura "in piena gestione" per attirare investitori e costruttori. C'era una sola risposta alle nostre richieste e ragioni: "nessun fondo, nessuna opportunità". E tutto potrebbe finire con il fatto che qualche uomo d'affari furbo o l'onnipresente mafia metterebbero la zampa su queste rovine e un altro casinò apparirà nel mezzo dell'Arbat. In effetti, nella Russia post-sovietica, è successo che anche sotto un'insegna teatrale sono stati aperti negozi dubbi a scopo di lucro, e per questo gli uomini d'affari di nuova concezione hanno facilmente dimenticato il vero significato delle arti dello spettacolo per la società. Tuttavia, il Teatro Vakhtangov è comunque riuscito a dimostrare il suo caso e la terra ci è stata assegnata.

Ci sono state difficoltà con il tour. È anche successo che a causa di problemi economici, per due o tre fuori stagione estive, Mosca sia rimasta senza gruppi teatrali invitati: semplicemente non c'era nulla a cui invitarli. Poi anche il viaggio da San Pietroburgo a Mosca fu irto di notevoli problemi. Inoltre, il Paese era davvero minacciato dalla perdita di un unico spazio teatrale culturale. Inoltre, anche le truppe metropolitane erano in grave difficoltà nell'organizzare i loro viaggi creativi in ​​periferia. Siamo usciti dalla situazione come meglio potevamo. E scendi! All'inizio del 2002, i Vakhtangoviti sono andati in tournée a Kiev a pieno regime, si sono esibiti al Teatro Lesya Ukrainka. Ciò significa che l'impiego della troupe nelle produzioni era pieno.

Come coinvolgere tutti gli attori nelle esibizioni, fornire loro opportunità di crescita creativa e un reddito dignitoso: questa è una conversazione speciale. Il problema non è esclusivo di Vakhtangov, è universale per tutti i teatri. Mentre non c'erano soldi, finché non abbiamo imparato a guadagnarli, le compagnie teatrali, che sono state create nel corso degli anni, hanno iniziato a somigliare a enormi e goffe corazzate. Da un lato sono arrivati ​​i giovani attori: non hanno ancora acquisito abbastanza esperienza per trascinare il repertorio, ma hanno già bisogno di una prospettiva. D'altra parte, c'erano molti pensionati che giocavano sempre meno per motivi di salute, ma non dovrebbero essere licenziati in ogni caso: le pensioni erano esigue e toglievano un ruolo nella prossima produzione a una persona meritata , il tuo compagno di lunga data sul palco, significa metterlo sull'orlo di un'esistenza semi-affamata. Pertanto, per quanto ho potuto, ho lottato per mantenere un equilibrio precario tra la vecchia generazione di attori e i giovani, per così dire, supportato creativamente gli anziani, orientando ancora il teatro verso giovani, sangue fresco. Ed ecco il risultato: negli ultimi vent'anni, veri maestri sono cresciuti sul palco di Vakhtangov: A. Dubrovskaya, M. Aronova, E. Sotnikova, N. Grishaeva, S. Makovetsky, M. Sukhanov, V. Simonov, E. Knyazev, A .Zavialov, puoi elencare più nomi. Molti di loro sono conosciuti all'estero come eccellenti professionisti, sono invitati a collaborare in vari siti teatrali e cinematografici e sono costantemente presenti nella nostra troupe. Ma i miei vecchi amici attori sono ancora in onore - sull'esempio di molti, molti ruoli meravigliosamente interpretati, hanno sollevato un degno sostituto per se stessi, questo è il loro merito. E poi ragazzi giovanissimi, neodiplomati della scuola di teatro, pian piano iniziano a farsi conoscere... E tutti gli attori del nostro teatro hanno una loro voce creativa, hanno il diritto di raccontare allo spettatore qualcosa di importante dal palcoscenico.

Alcuni dei grandi hanno una meravigliosa affermazione sulla differenza tra l'oratorio di Cicerone e Demostene. Quando Marco Tullio Cicerone pronunciò un discorso, il Senato romano fu estasiato: "Dio, come parla!" E quando Demostene parlò ai Greci, gli Ateniesi gridarono: "Guerra a Filippo il Macedone!"

Lo stesso si può dire della differenza tra arte, regia e recitazione. L'arte in generale ha molte facce - e questo è ciò che la rende interessante. L'arte è senza limiti - ed è questo che la rende bella. L'arte è onnisciente - ed è questo che la rende meravigliosa.

Oggi l'arte cerca ancora strade, come in una miniera disseminata, alle persone, alla luce, e spesso le trova con l'aiuto dei classici. E anche un classico: un bastone nelle mani di un viaggiatore stanco, che vaga per la vita.

Se necessario, in anni difficili, ci siamo affidati, ma abbiamo inserito nel nostro repertorio anche opere di autori contemporanei. Sia quelle che altre giocate potrebbero andare con i full e senza.

Ma è importante che con il loro aiuto il teatro Vakhtangov sia sopravvissuto. È anche sopravvissuto grazie alla sua fantastica e frizzante scuola di recitazione. Per vent'anni ho fatto del mio meglio per preservare le nostre tradizioni e ora, guardando indietro, posso affermare con soddisfazione: nel mio tratto di percorso ci sono riuscito. Forse perché percepivo il successo di qualsiasi regista, di qualsiasi attore nel nostro teatro come mio. E non ho visto alcun beneficio per me stesso, tranne il successo del teatro.