Nel XVII secolo L'Olanda è diventata un paese capitalista esemplare. Ha guidato un ampio commercio coloniale, aveva una potente flotta, la costruzione navale era una delle industrie leader. Anche gli armatori inglesi hanno spesso fatto ordini ai cantieri navali olandesi. Gli agricoltori laboriosi, gli olandesi sui spazi relativamente piccoli della Terra sono riusciti a creare una fattoria così lattiero-casearia, che era famosa nel mercato paneuropeo. Alla fine del XVII - primo secolo XVIII. Con l'introduzione dell'Arena del commercio internazionale dell'Inghilterra e della Francia, l'Olanda perde la sua importanza economica e politica, ma in tutto il XVII secolo è il principale potere economico dell'Europa.

Allo stesso tempo, l'Olanda durante questo periodo è il centro più importante della cultura europea. La lotta per l'indipendenza nazionale, la vittoria della BURGENZA ha determinato il carattere della cultura olandese del XVII secolo. Protestantesimo (il calvinismo come la sua forma più grave), che ha avuto un'influenza completamente della Chiesa cattolica, ha portato al fatto che il clero dell'Olanda non aveva una tale influenza sull'arte come nelle Fiandre e in particolare in Spagna o in Italia. Leida University era il centro di freewinity. L'atmosfera spirituale favoriva lo sviluppo della filosofia, delle scienze naturali, della matematica. L'assenza di un ricco patrizio e del clero cattolico aveva enormi conseguenze per lo sviluppo dell'arte olandese. Gli artisti olandesi avevano un altro cliente: gli hamburger, il magistrato olandese, che decoravano non i palazzi e le ville, e le modeste abitazioni o edifici pubblici, - pertanto, i dipinti nei Paesi Bassi di questo poro non hanno tali dimensioni come tela di rubine o Giordania e sono risolti prevalentemente macchine e non compiti decorativi monumentali. In Olanda, la Chiesa non ha svolto il ruolo del cliente delle opere d'arte: i templi non erano decorati con immagini d'altare, perché il calvinismo ha respinto un suggerimento di lusso; Le chiese protestanti erano semplici in architettura e non decorate all'interno.

Il risultato principale dell'arte olandese del XVIII V.-in Painsel Paintel. L'uomo e la natura erano oggetti di osservazione e immagini di artisti olandesi. La diligenza, la diligenza, l'amore per l'ordine e la pulizia si riflettevano nei dipinti raffiguranti la vita olandese. La pittura domestica diventa uno dei generi leader, i creatori di cui nella storia hanno ottenuto il nome di "Piccoli olandesi", o per il senza pretese di trame, o per le piccole dimensioni dei dipinti, e forse per l'altro. Lo olandese voleva vedere l'intero mondo multiforme nei dipinti. Da qui una vasta gamma di pittura di questo secolo, "Specializzazione ristretta" per alcuni tipi di soggetti: ritratto e paesaggio, natura morta e generi animali. C'era anche specializzazione all'interno del genere: paesaggi serali e serali (Art van der asta), "incendi notturni" (Ekbert van der Poul), paesaggi invernali (AVERA-KAMP), navi sul raid (ya. Portsellis), pianura paesaggio (F. Konink); Still Lifes - "Colazione" (P. clas e V. Hedda) o immagine di fiori e frutti (B. Van der Aste, Ya. Van Haisum), interni della Chiesa (A. de lettone), ecc. Pittura sul Vangelo e Biblico Anche i trame sono rappresentati, ma non in un tale volume, come in altri paesi, oltre a mitologia antica. In Olanda, non ha mai avuto connessioni con l'Italia e l'arte classica non hanno giocato un ruolo del genere come nelle Fiandre. Padroneggiare le tendenze realistiche, l'aggiunta di un certo cerchio di argomenti, la differenziazione dei generi come un unico processo è completata entro il 20 ° del XVII secolo. Ma in che tipo di genere, i Maestri olandesi avrebbero lavorato, ovunque trovino la bellezza poetica in ogni giorno, sanno come ispirare e alzare il mondo delle cose materiali.

La storia del dipinto olandese XVII secolo. Dimostra perfettamente l'evoluzione della creatività di uno dei più grandi ritratti di Holland France Hals (circa 1580-1666). Nei 10-30, HALS funziona molto nel genere del ritratto del gruppo. Questo è principalmente l'immagine delle corporazioni dei fucili - società di ufficiali per la difesa e il campus. Gli hamburger volevano essere perpetuati sulla tela, hanno fatto una certa tassa per il diritto di essere raffigurato, e l'artista era obbligato a ricordare uguale attenzione a ciascun modello. Ma la somiglianza del ritratto ci cattura in queste opere di Hals. Sono pronunciati gli ideali della giovane Repubblica, sentimenti di libertà, uguaglianza, partnership. Con le tele di questi anni, sembri persone allegre, energiche, intraprendenti, fiduciose nel loro potere e in futuro ("Gilda del fucile di Sant'Adriana", 1627 e 1633; "Gilda del fucile di San Giorgio", 1627). Hale la raffigura di solito in un amichevole Porushka, in una festa allegra. Grandi dimensioni della composizione si estendevano orizzontalmente, un'ampia lettera sicura, colori intensi, saturi (giallo, rosso, blu, ecc.) Creare il carattere monumentale dell'immagine. L'artista agisce come storista dell'intera epoca.

I ritratti individuali di ricercatori di Chals sono talvolta chiamati genere a causa della specificità speciale dell'immagine, una certa ammissione di caratteristiche. Nella posa del Haythheisen oscillando sulla sedia c'è qualcosa di instabile, l'espressione del viso come se dovesse cambiare. Il ritratto di una donna anziana ubriaca, la "strega di Harlem", la sella del Kharchevni Malli Baby (l'inizio degli anni '30), con il gufo sulla spalla e la tazza di birra in mano, indossando i tratti del dipinto del genere . Schizzo di Hals, la sua lettera audace, quando lo striscio striscia e la forma e il volume e trasmette il colore; Lo striscio è grasso, pasto-vecchio, coprendo la tela densamente coperta, che consente di tracciare il tono del terreno, sottolineando una parte e inattiva l'altra, le dinamiche interne, la capacità di determinare l'intero suggerimento - che sono le caratteristiche tipiche della calligrafia HALS .

F. HALS. Fucile Guild of St. Giorgio. Frammento. Harlem, Hals Museum

F Hals. Ritratto di Villem van Haythesena. Bruxelles, Museo delle Belle Arti

Terbor. Concerto. Berlino, museo

Nei ritratti dei Khals del periodo tardo (50-60), eliminazioni spensierate, energia, pressione nei personaggi delle persone raffigurate scompaiono. Nel ritratto dell'Hermitage maschile, con tutte le impressioni della figura, anche qualche quantità traccia la fatica e la tristezza. Queste caratteristiche sono ancora più rinforzate in un brillante ritratto di pittura di uomini in un cappello a testa larga del museo di Kassel (anni '60). Hale in questi anni cessa di essere popolare, perché non lampeggia mai e risulta essere strangolato, ha perso lo spirito democratico dei gusti dei ricchi clienti. Ma era proprio nel tardo periodo della creatività, la Hale raggiunge la cima dell'abilità e crea le opere più profonde. La colorazione dei suoi dipinti diventa quasi monocromatica. Questo di solito è di solito vestiti neri, con un colletto bianco e polsini e uno sfondo di colore oliva scuro. La tavoletta pittoresca laconica è costruita, tuttavia, sulle migliori gradazioni.

Due anni prima della morte, nel 1664, Khala torna di nuovo al ritratto del gruppo. Scrive due ritratti - reggenti e riparo recenti per gli anziani, in uno dei quali ha trovato un rifugio a fine vita. Nel ritratto di Regent, non c'è spirito della partnership delle composizioni precedenti, i modelli sono separati, impotenti, hanno vista turbida, la devastazione è scritta sui loro volti. Nel colore cupo (nero, grigio e bianco) la tensione speciale fa una macchia rossastra del tessuto sul ginocchio di uno dei reggenti. Quindi, sulla nona dozzina di anni, il paziente, un artista solitario e povero crea il suo lavoro più drammatico e sofisticato sull'abilità.

V. HEDD. Colazione con torta nera. Dresda, Gallery.

L'arte di Hals era di grande importanza per il suo tempo, ha avuto un impatto sullo sviluppo non solo del ritratto, ma anche di un genere domestico, del paesaggio, della natura morta.

Il Genere paesaggistico dell'Olanda XVII secolo è particolarmente interessante. Questa non è affatto natura, una certa immagine complessiva dell'universo e il National, è il paesaggio olandese che impariamo in Olanda moderna: famosi mulini a vento, dune deserte, canali con scivolare su di loro barche in estate e con pattinatori - in inverno. L'aria è saturata di umidità. Il cielo grigio occupa un ottimo posto nelle composizioni. Questo è esattamente come raffigurante l'Olanda Jan Wang Goyen (1596-1656) e Salomon Van Reydal (1600 / 1603-1670).

La fioritura del pittura del paesaggio nella scuola olandese si riferisce al centro del XVII secolo. Il più grande maestro del paesaggio realistico è stato Jacob Van Reydal (1628 / 29-1682), un'artista inesauribile fantasia. Le sue opere sono solitamente riempite con un dramma profondo, se raffigura foreste ("palude forestale"), paesaggi con cascate ("cascata") o un paesaggio romantico con un cimitero ("cimitero ebraico"). La natura al volo appare nelle dinamiche, nell'aggiornamento eterno. Anche i motivi più semplici della natura sono acquisiti dal carattere monumentale del pennello dell'artista. Il volo è peculiare combinare un'attenta emissione con grande integrità della vita, con l'immagine sintetica.

P. De Hakh. Cortile. Londra, Galleria Nazionale

Solo lo scenario del mare (Marina) era impegnato a Portsellis Yang (circa 1584-1632). Accanto al paesaggio realistico e puramente olandese esisteva in questo momento e un'altra direzione: paesaggi naturali italiani, vivaci da personaggi mitologici, figure di persone e animali.

In stretta connessione con il paesaggio olandese c'è un genere animale. Il famoso motivo di Albert Cape - Mucche per utensili acquatici ("Tramonto sul fiume", "Mucche sulla riva del torrente"). Paul Potter, oltre ai piani generali, ama ritrarre uno o più animali close-up sullo sfondo del paesaggio ("cane sulla catena").

Lo sviluppo brillante raggiunge la natura morta. La natura morta olandese è diversa da dimensione e motivi fiamminghi modesti di un carattere intimo. Peter clas (circa 1597-1661), Bill Hed (1594-1680 / 82) La maggior parte descrive la cosiddetta colazione: piatti con un prosciutto o una torta su un tavolo servito relativamente modestamente. Nel layout abile, gli oggetti sono mostrati in modo che la vita interiore delle cose sia sentita (non c'è da meravigliarsi che l'olandese chiamò la natura morta di ancora - "vita tranquilla", e non "natura morta" - "Natura morta", vero, come Vernozamechenko La "vita silenziosa" è una traduzione successiva poetica. Nella lingua del XVII secolo, questo significava un "modello fisso", che corrisponde più alla pratiche surma e all'approccio aziendale dell'olandese del tempo). Il sapore è trattenuto e sofisticato (Hed. "Colazione con Omar", 1648; Clas. "Natura morta con una candela", 1627).

Vermer Delftsky. Girl Head. Frammento. Aia, MauritShais.

Con un cambiamento nella vita di una società olandese nella seconda metà del XVII secolo, con un graduale aumento del desiderio della borghesia all'aristocratico e alla perdita dell'ex democratismo, la natura dei livelli ancora cambia. Le "colazioni" sono sostituite da lussuosi "dessert" di Kalfa. Tavolini in marmo, tovaglie moquette, tazze d'argento, navi realizzate in gusci di perle, occhiali da cristallo arrivano per sostituire gli utensili semplici. Kalf raggiunge un forte virtuosismo nella trasmissione della trama di pesche, uve, superfici di cristallo. Il tono unico di vita ancora il primo periodo è sostituito da una ricca gradazione delle sfumature colorate più squisite.

La natura morta olandese è uno degli attrezzi artistici del tema più importante dell'arte olandese - gli argomenti della vita privata di una persona ordinaria. Questo argomento ha completamente ricevuto la sua forma di realizzazione nell'immagine del genere. Nei 20-30 del XVII secolo. L'olandese ha creato un tipo speciale di piccole piccole foto. 40-60s - il fiorente della pittura glorificando i calmi hamburger dell'Olanda, misurava l'esistenza quotidiana. Ma anche nel cerchio della Francia Khals, dove è stato formato il brower di Adrian, il pittore fiammingo, è stato formato un chiaro interesse per gli argomenti della vita contadina. Adrian Van Odete (1610-1685) raffigura all'inizio il lato dell'ombra della vita dei contadini ("lotta"). Dal 40 seconge, nel suo lavoro, le note satiriche sono sempre più sostituite da umoristiche ("in un rustico zucchino", 1660). A volte questi piccoli dipinti sono dipinti con una grande sensazione lirica. A destra, il suo "pittore nel laboratorio" (1663) è considerato un capolavoro della pittura (1663), in cui l'artista glorifica il lavoro creativo senza ricorrere a una dichiarazione o al patter.

Ma il tema principale del "piccolo olandese" non è ancora contadino, ma la vita di Burgershi. Questa è solitamente immagini senza alcun favol emozionante. Nelle foto di questo genere come se nulla accada. La donna legge una lettera, Cavalier e Lady Musice. Oppure sono appena incontrati e tra loro il primo sentimento nasce, ma è programmato solo, lo spettatore è concesso il diritto di costruire ipotesi.

Il narratore più divertente dei dipinti di questo tipo è stato Jan Stan (1626-1679) ("Fucks", "Giocando Trick-Tric"). Rhythm of Life rallentato, l'ordine del giorno di routine, alcune monotonia di esistenza riferisce perfettamente Gabriel Metshu (1629-1667, "colazione", "paziente e medico"),

Ancora più artigianato ha raggiunto questo Terbor Gerard (1617-1681). Ha iniziato con i terreni più democratici ("smerigliatrice"), ma con un cambiamento nei sapori della burbrica olandese, si è trasferito a modelli più aristocratici e ha avuto un grande successo qui.

La speciale poesia di "piccola olandese" acquisisce l'interno. La vita degli olandesi è proseguita principalmente in casa. Peter de Stooche (1629-1689) è diventato un vero cantante (1629-1689). Le sue camere con una finestra semi-aperta, con scarpe laccate abbandonate o di sinistra rotte, spesso raffigurate senza una figura umana, ma la persona qui è presente in modo invisibile, tra l'interno e le persone c'è sempre una connessione. Quando raffigura le persone, poi sottolinea deliberatamente un ritmo surgelato, raffigura la vita come se il turbato, come immobile, come le cose stesse ("padrona e il servo", "cortile").

Rembrandt. Anatomia del Dr. Tulpa. Aia, MauritShais.

Il nuovo stadio del dipinto di genere inizia negli anni '50 ed è associato alla cosiddetta scuola di Delft, con il nome di artisti come Karel Fabrichius, Emmanuel de Witte e Yang Vermer, noto nella storia dell'arte come un Vermer Delft (1632 -1675). Il Vermer era uno di quegli artisti che predeterminavano molte delle ricerche colorate del XIX secolo, pavimentato in molti modi la strada per gli impressionisti, sebbene l'immagine del versner sembra essere originale. Queste sono le stesse immagini della vita Burgher ghiacciata: leggendo una lettera, conseguente Cavalier e Lady, serviti impegnati in Azienda agricola non accompagnata, Amsterdam o Specie del Delft. La prima immagine del verme del verme "Sumy" (1656) è insolitamente (per "piccolo olandese") è di grandi dimensioni, forma monumentale, suonando a colori di grandi macchie locali: abbigliamento rosso cavaliere, abito giallo e ragazza gialla.

Successivamente, il Vermer rifiuterà le grandi dimensioni e scriverà le stesse piccole tele che sono state prese nel dipinto di genere di quel tempo. Ma questi sono senza complicazioni dall'immagine dell'immagine: "Ragazza, leggendo una lettera", "Cavalier e Lady at the Speake", "Ragazza ufficiale e ridente", ecc., Sono piene di impiantità mentale, silenzio e pace. I principali vantaggi dell'artista - nella trasmissione di luce e aria. Combina un ampio pennello con una piccola striscia, coordina luce e colore. Dissolving articoli in un ambiente di luce dell'aria, la capacità di creare questa illusione prima di tutto determinata il riconoscimento e la fama del versner è al Sixix. Successivamente, la versione del Leer è diventata più fusa, liscia, costruita su combinazioni delicate di blu, giallo, blu, combinata da perla incredibile, anche perla-grigia ("la testa della ragazza").

Il Vermer ha fatto qualcosa che nessuno ha fatto nel XVII secolo: ha scritto paesaggi dalla natura ("Stretch", "Tipo di Delft"). Possono essere chiamati i primi campioni di pittura plenaria. Maturo, classico nella sua semplicità, l'arte del verser era di grande importanza per le future ere.

La parte superiore del realismo olandese, il risultato dei pittoreschi risultati della cultura olandese del XVII secolo è il lavoro di Rembrandt. Ma l'importanza di Rembrandt, come qualsiasi artista ingegnoso, va oltre la sola arte olandese e la scuola olandese.

Harmans Wang Reno Rembrandt (1606-1669) è nato a Leiden, nella famiglia di un proprietario piuttosto ricco del mulino, e dopo la scuola latina studiava all'Università Leida, ma lo ha lasciato per la pittura prima da un maestro locale poco conosciuto , e poi all'artista di Amsterdam Peter Lastman.

Il periodo di formazione era breve e presto Rembrandt parte per la sua città natale per il proprio dipinto nel suo laboratorio. Pertanto, 1625-1632 di solito sono chiamati il \u200b\u200bperiodo di leida della sua creatività. Questo è il momento della formazione dell'artista, il più grande hobby del suo Caravaggio, il Maestro del Maestro durante questo periodo era ancora secco, e l'interpretazione delle trame è spesso melodrammatica. Questo è il periodo in cui la prima volta si trasforma in Etch.

Nel 1632, Rembrandt foglie per Amsterdam, il centro della cultura artistica dell'Olanda, che, naturalmente, ha attratto un giovane artista. Gli anni '30 - il tempo della più alta gloria, il percorso verso il quale è stato scoperto per la pittura a una grande immagine su misura del ritratto del gruppo 1632 G., noto come "Anatomia del Dr. Tulpa" o "Lezione di anatomia". Nelle tela di Rembrandt, le persone sono combinate tra loro, tutte rappresentate in pose naturali, la loro attenzione è attirata dalla persona principale di recitazione -odtor Tulpa, che dimostra la struttura muscolare dal cadavere "a gomito". Come un vero olandese, Rembrandt non ha paura dei dettagli realistici, come un grande artista, sa come evitare il naturalismo. Nel 1634, Rembrandt sposa una ragazza da una famiglia ricca - Saskiy van Eileborh - e da questo poro entra nei circoli patriziani. Inizia il periodo più felice della sua vita. Diventa un artista famoso e alla moda. La sua casa attrae i migliori rappresentanti dell'aristocrazia dello Spirito e dei ricchi clienti, ha un grande laboratorio, dove i suoi numerosi discepoli stanno lavorando con successo. La considerevole eredità di Saskovia e il proprio lavoro danno la libertà materiale.

Intero questo periodo è romantico. Il pittore, così com'era, si impegna appositamente nel suo lavoro per allontanarsi dalla Dim Burgher La vita di tutti i giorni e scrive se stesso e Saskovia in abiti lussuosi, in fantastici vestiti e teste, creando composizioni spettacolari, esprimendo in turni complessi, pose, movimenti, vari Stati in cui la gioia comune prevale Genesi. Questo umore è espresso nello stesso autore ritratto dell'Assemblea del Louvras del 1634 e nel ritratto di Sasquia dal Museo del Kassel (lo stesso anno), così come nell'immagine dell'Ermitaggio di Sasquia nell'immagine della flora. Ma, forse, il più brillante del mondo di Rembrandt di questi anni segnala il famoso "autoritratto con Sasquia in ginocchio" (circa 1636). Francamente gioia della vita, sdraiata è permeata da tutta la tela. Questi sentimenti sono trasferiti all'espressione innocente del volto lucido dell'artista stesso che ha raggiunto come tutti i prodotti terreni; Tutto entourage, da vestiti ricchi a un vetro cristallo solennemente sollevato in mano; Il ritmo delle masse di plastica, la ricchezza delle sfumature di colore, una modellazione in bianco e nero, che diventerà la principale delle droghe espressive nella pittura di Rembrandt. Incantevole, favoloso mondo ... La lingua barocca è la più vicina all'espressione di un umore rialzato. E Rembrandt durante questo periodo è in gran parte influenzato dal barocco italiano.

Nelle persone difficili, i caratteri dell'immagine del 1635 "Sacrificio di Abramo" appaiono di fronte a noi. Dal corpo di Isaac, prostrati in primo piano ed esprimendo la piena impotenza della vittima, la vista dello spettatore attira fino alla profondità - fino alla figura dell'anziano Abrahamo e il Messaggero dalle nuvole di Dio - Angelo. La composizione è altamente dinamica, costruita da tutte le regole barocche. Ma nella foto c'è qualcosa che distingue in esso dalla natura Rembrandt della creatività: la penetrazione dello stato mentale di Abramo, che non ha avuto il tempo di sentire la gioia di liberarsi della terribile vittima, né grazie, e solo la fatica e perplesso. Le ricche possibilità di Rembrandt Psycholist dichiarano in questa immagine abbastanza ovviamente.

Negli stessi 19 anni, Rembrandt inizialmente inizia seriamente a impegnarsi in grafica, prima di tutto. L'eredità del grafico Rembrandt, che ha lasciato sia le opere di incisione che di disegni unici, non meno significativi del pittoresco. Le incisioni di Rembrandt sono per lo più trame bibliche ed evangeliche, ma nella figura, come un vero artista olandese, spesso si riferisce al genere. True, il talento di Rembrandt è che qualsiasi lavoro di genere inizia a sembrare sotto la sua mano come generalizzazione filosofica.

Alla fine del primo periodo della creatività dell'artista e della sua maturità creativa, una delle più famose le sue pittoresche opere, conosciuta come "Night Watch" (1642), è un ritratto di gruppo di una compagnia di fucile Capitano che vieta la coca.

Ma un ritratto di gruppo è solo un nome formale del lavoro derivante dal desiderio del cliente. Rembrandt è partito dalla consueta composizione del ritratto del gruppo di un Pirushki, durante il quale la "rappresentazione" di ciascuna ritratta. Ha ampliato il quadro del genere, rappresentando il quadro storico piuttosto: lungo l'allarme, la coca di bandire piazza sporge. Alcuni sono calmi, fiduciosi, altri sono entusiasti di anticipazione del prossimo, ma tutta l'espressione dell'energia totale, l'aumento patriottico, la celebrazione dello spirito civile.

L'immagine delle persone che escono da sotto alcuni archi sulla luce del sole intenso, piena di echi dell'era eroica della rivoluzione dei Paesi Bassi, il tempo dei trionfi dell'Olanda repubblicana. Ritratto di gruppo sotto il pennello Rembrandt Abrasione nell'immagine eroica dell'era e della società.

Ma questo umore stesso era alieno all'Hamburger Holland della metà del secolo, non ha soddisfatto i gusti dei clienti, e le tecniche pittoresche erano contrarie a generalmente accettate. La spettacolare, indubbiamente una composizione teatrale, altamente libera, come già menzionato, non intendeva presentare ciascuno dei clienti. Molte persone sono semplicemente "lettura" in questa forte illuminazione, in questi contrasti di spesse ombre e luminose luce del sole, che esce dal distacco (nel XIX secolo. L'immagine ha già oscurato che è stato considerato una foto della scena notturna , quindi il suo nome sbagliato. Shadow, il capitano del capitano posa dalla figura sui vestiti luminosi del tenente, dimostra che non è una notte, e il giorno).

Inappropriato e ridicolo sembrava lo spettatore, la comparsa di estranei in questa scena, in particolare una bambina in un abito giallo dorato, sparando nella folla di uomini militanti. Tutto qui ha causato lo smarrimento e il fastidio del pubblico, e si può dire che il conflitto dell'artista e della società inizia con questa immagine e si approfondisce. Con la morte di Saskiy, nello stesso anno, 1642 c'è un divario naturale di Rembrandt con il suo alieno a lui da cerchi patriziani.

I 40-50s è il momento della maturità creativa. Non solo la vita esterna di Rembrandt è cambiata, è cambiato prima di tutto ciò che lui stesso. Questo è il momento della formazione del suo sistema creativo, dal quale molto andrà nel passato e in cui saranno acquisite altre qualità inestimabili. Spesso si riferisce alle stesse opere per riportarle in un modo nuovo. Così, ad esempio, con Danay, che ha già scritto nel 1636 e poi è stato espresso in questo modo la cosa principale: l'inizio sensuale, Pagan, in una certa misura "Tizianovskoye" era solo una parte del totale dell'espressione di complesse esperienze spirituali, un unico impulso spirituale. Un'espressione della verità vitale, la luminosa individualità del magazzino fisico, è venuto a cambiare il classico, bello, ma anche astratto nella sua bellezza. Questo brutto corpo è stato trasferito estremamente realistico. Ma Rembrandt non si adattava alla verità esterna. Passando all'immagine negli anni '40, l'artista ha rafforzato lo stato emotivo. Ha riscritto la parte centrale con l'eroina e la cameriera. Dato il nuovo gesto della mano rialzata, ha informato la sua maggiore emozione, espressione di gioia, speranza, chiamare. Il modo di scrivere è cambiato. Nelle parti incontaminate, il dipinto dei toni del freddo, la forma è accuratamente elaborata; Nella predominata riscritta, calda e dorata, la lettera è audace, libera. La luce gioca un ruolo enorme: il flusso leggero è come guadagnare una figura di Danai, è tutto splendente con amore e felicità, questa luce è percepita come espressione di sentimento umano.

Negli anni '50, l'abilità Rembrandt sta crescendo costantemente. Scegli per l'interpretazione i feste più lirica e poetiche dell'essere umano, poi l'umano, che è estremamente, con successo: amore materna, compassione. La sua sacra scrittura gli dà il materiale più grande, e dalla scena della vita della vita della Santa Famiglia, le trame di Tovia. Non ci sono effetti esterni nei lavori di questo periodo. Rembrandt raffigura la vita semplice, la gente comune, come nella "santa famiglia" tela: solo gli angeli scendono nel crepuscolo di cattive abitazioni, ricordaci che questa non è una famiglia ordinaria. Gesto della mano della madre, piegando il baldacchino per guardare il bambino addormentato, concentrarsi nella figura di Giuseppe - tutto è profondamente premuroso. La semplicità della vita e l'aspetto delle persone non racchiudono l'argomento. Rembrandt può vedere la vita quotidiana della vita non piccola e ordinaria, ma profonda e in aumento. Silenzio tranquillo della vita del lavoro, la santità della maternità fa da questa cereale. Un ruolo enorme nei dipinti di Rembrandt è interpretato dalla luce della sua struttura artistica. Il sapore è dominato da una relazione tonale, in cui Rembrandt ama introdurre spot forti di colore puro. Nella "famiglia santa", la coperta rossa sulla culla serve come una macchia di combinazione.

Un grande posto nelle opere di Rembrandt prende il paesaggio, sia pittoresco che grafico (incisione e disegno). Nell'immagine degli angoli reali del paese, sa come scavalcare l'ordinario ("Paesaggio con un mulino").

Gli ultimi 16 anni, gli anni più tragici della vita Rembrandt; È rovinato, non ha ordini, non ha la sua casa, ha perso tutte le persone vicine, preferite e persino gli studenti lo tradiscono. Ma questi anni sono pieni di sorprendenti sulla forza dell'attività creativa, a causa delle quali vengono create immagini sceniche, caratteristiche eccezionali dei personaggi e della spiritualità, le opere sono profondamente filosofiche ed elevate etiche. In queste immagini di Rembrandt, tutto è pulito del transiente, casuale. I dettagli sono ridotti al minimo, pensati con attenzione e gesti significativi, pose, pendenze testa. Le figure sono ingrandite, vicino al piano anteriore della tela. Anche le piccole opere di Rembrandt in questi anni creano l'impressione di straordinaria grandezza e vera monumentalità. I principali mezzi espressivi non sono linee e masse, ma luce e colore. La composizione è in gran parte costruita su un suono di colore di equilibrio. Nel sapore, le sfumature di rosso e marrone sono dominate dall'interno.

Il colore acquisisce solidità e intensità. Sarebbe meglio dire di recente Rembrandt che il suo colore "onda leggera", perché nella sua tela, la luce e il colore sono uno, le sue vernici sembrano essere emesse. Questa complessa interazione di colore e luce non è una fine in sé, crea un certo ambiente emotivo e la caratteristica psicologica dell'immagine.

I ritratti di ritardo Rembrandt sono molto diversi da ritratti di 30 e anche 40 anni. Queste immagini estremamente semplici (vita o generiche) di persone vicine all'artista nel loro interno, è sempre un'espressione figurativa di una personalità umana multiforme, che colpisce la capacità del Maestro di trasferire movimenti mentali inappangabili e sfuggenti.

Rembrandt sapeva come creare una biografia di ritratto; Evidenziando solo viso e mani, ha espresso un'intera storia di vita ("Ritratto di un vecchio in rosso", circa il 1654). Ma le più alte sottigliezze di Rembrandt Caratteristiche raggiunte in Autoports che ci sono venute a circa cento in cui l'infinita varietà di aspetti psicologici, una varietà di caratteristiche di Rembrandt, è perfettamente tracciata. Dopo i ritratti festivi degli anni '30, un'altra interpretazione dell'immagine appare davanti a noi; Pieno di alta dignità e semplicità straordinaria di una persona nel periodo di massimo splendore delle forze nel ritratto dell'Assemblea di Vienna del 1652; Queste caratteristiche saranno predominanti con il tempo, così come l'espressione della forza dello spirito e del potere creativo (ritratto del 1660).

La finale nella storia del ritratto del gruppo è stata l'immagine degli anziani di Rembrandt del negozio di Sukchikovskiki - il cosiddetto "Sosticcio" (1662), dove rembrarded rembrandt ha creato vivace e allo stesso tempo diversi tipi umani, ma soprattutto, gestiti Per trasmettere la sensazione dell'Unione Spirituale, la comprensione reciproca e le relazioni delle persone unito una cosa e i compiti che non hanno avuto successo nemmeno Halsa.

Durante gli anni di maturità (principalmente negli anni '50), Rembrandt ha creato le sue migliori incisioni. Come incisione, non conosce uguale nell'arte globale. Estremamente complica e arricchito la sua tecnica di incisione. All'incisione, aggiunge l'attrezzatura "ago secco", in modi diversi vernici in stampa durante la stampa, a volte apporta modifiche alla scheda dopo aver ricevuto le prime penetrazioni, motivo per cui molte incisioni sono conosciute in diversi stati. Ma in tutti loro, le immagini hanno un significato filosofico profondo; Narrano i segreti dell'essere, sulla tragedia della vita umana. E un'altra caratteristica delle incisioni di Rembrandt questo periodo: hanno espresso simpatia con la sofferenza, il sentimento svantaggiato, indistruttibile dell'artista stesso alla giustizia e bene.

Nel programma di Rembrandt, la democrazia della sua visione del mondo è stata pienamente manifestata ("cieca pervita", "rimuovendo dalla croce", "posizione nella bara", "culto dei pastori", "tre croce", 1653 e 1660).

È impegnato in un sacco di disegno. Rembrandt ha lasciato dietro 2000 disegni. Questi sono gli etuti dalla natura, schizzi per dipinti e preparazione per le incisioni. Disegni tecnicamente brillanti e immacolati di Rembrandt dimostrano la sua solita evoluzione: dall'allenamento in dettaglio e complessità composita a un laconismo sbalorditivo e la semplicità maestosa casuale.

L'epilogo della creatività di Rembrandt può essere considerata la sua famosa immagine del "figlio prodigo" (circa il 1668-1669), in cui si manifestavano l'altezza etica e le abilità dell'artista pittoresco con la massima completezza. La trama della parabola biblica del figlio della benedizione, dopo molti vagabondi che tornò alla casa del Padre, ha attratto Rembrandt prima, come dicono una delle sue prime incise e diversi disegni. In questo gruppo, in una figura di un giovane rotto che cadeva sulle sue teste luminose e avendo padroneggiato le mani sulla sua testa rasata - la massima tensione dei sentimenti, shock spirituale, la felicità del ritorno e guadagnando, anche l'amore dei genitori senza fondo, ma anche amarezza della delusione, perdite, umiliazioni, vergogna e pentimento. Questa disumanità rende la scena comprensibile a persone diverse di tutti i tempi e racconta la sua immortalità. Colorist Unità qui è particolarmente sorprendente. Dai toni rossi arancioni dello sfondo - questo è tutto un singolo flusso pittoresco, percepito come espressione di un singolo sentimento.

Rembrandt ha avuto un enorme effetto sull'art. Non era nell'Olanda i suoi pori del pittore che non avrebbero sperimentato l'impatto del grande artista. Aveva molti studenti. Hanno imparato il sistema di illuminazione Rembrandtsky, ma la comprensione di Rembrandt della persona umana, naturalmente non poteva assimilare. Pertanto, alcuni di loro non sono andati ulteriormente alla imitazione esterna dell'insegnante, e la maggior parte lo ha cambiato, andando alla posizione dell'accademismo e imitando alla moda per Flemis, e poi i francesi.

Nell'ultimo quarto del XVII secolo. Il declino della scuola scenica olandese inizia, la perdita della sua identità nazionale, e dall'inizio del XVIII secolo, arriva la fine della grande epoca del realismo olandese.

Olanda. 17 ° secolo. Il paese sta vivendo un fiorente fiorente senza precedenti. La cosiddetta "età dell'oro". Alla fine del XVI secolo, diverse province del paese hanno raggiunto l'indipendenza dalla Spagna.

Ora i Paesi Bassi Simplystan andarono a modo loro. E le fianchette cattoliche (l'attuale Belgio) sotto l'ala della Spagna - sono propri.

In Olanda indipendente, dipinto religioso quasi nessuno necessario. La chiesa protestante non ha approvato il lusso della decorazione. Ma questa circostanza "giocava sulla mano" della pittura laica.

L'amore per questo tipo di arte si è svegliato letteralmente ogni residente del nuovo paese. L'olandese voleva vedere la propria vita nelle immagini. E gli artisti si avvicinarono volentieri per incontrarli.

Mai aver mai raffigurato la realtà circostante. Gente comune, camere ordinarie e la colazione più ordinaria del cittadino.

Il realismo fiorì. Fino al XX secolo, sarà un degno concorrente per l'accademismo con le sue ninfe e le sue dee greche.

Questi artisti chiamano il "piccolo" olandese. Perché? Le immagini erano di piccole dimensioni, perché sono state create per piccole case. Quindi, quasi tutte le immagini di Jan Vermeer in un'altezza di non più di mezzo metro.

Ma mi piace più un'altra versione. Nei Paesi Bassi nel 17 ° secolo vivevano e ha lavorato il grande Maestro, il "Big" Dutchman. E tutti gli altri rispetto a lui erano "piccoli".

Stiamo parlando, ovviamente, su Rembrandte. Da lui e inizio.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoritratto di 63 anni. 1669 Galleria nazionale di Londra

Rembrandt è stato in grado di sperimentare la gamma di emozioni più ampie durante la sua vita. Pertanto, nei suoi primi lavori così tanto divertimento e Bravadas. E così tanti sentimenti complessi - in seguito.

Qui è giovane e deluso nella foto "The Blind Figlio in Taverna". Sulle ginocchia - l'amata moglie Saskovia. È un artista popolare. Gli ordini versano il fiume.

Rembrandt. Il figlio prodigo nella taverna. 1635 Galleria di Vecchi Maestri, Dresda

Ma tutto questo scomparirà dopo circa 10 anni. Sasquia morirà di consumare. La popolarità si dissolverà come fumo. La grande casa con una collezione unica sarà presa per i debiti.

Ma lo stesso Rembrandt apparirà, che rimarrà il secolo. Grandi sentimenti di eroi. I loro pensieri più intimi.

2. Francia Hals (1583-1666)

Francia Hals. Auto ritratto. 1650 Museo Metropolitan, New York

Francia Hals è uno dei più grandi ritratti di tutti i tempi. Pertanto, lo considererei anche per il "grande" olandese.

In Olanda, in quel momento era consuetudine ordinare i ritratti di gruppo. Così tante opere simili sono apparse con l'immagine delle persone che lavorano insieme: le frecce della stessa gilda, i dottori di una città, gestendo la casa di riposo.

In questo genere, Hals ha assegnato la maggior parte di tutti. Dopotutto, la maggior parte di questi ritratti erano come un mazzo di carte. Le persone sono sedute al tavolo con la stessa espressione del viso e semplicemente guarda. Hals aveva diversamente.

Guarda il suo ritratto di gruppo della "Gilda della freccia di St. Giorgio.

Francia Hals. Frecce Guild Hild. Giorgio. 1627 Museo di Francia Hals, Garel, Paesi Bassi

Qui non troverai una singola ripetizione nella posizione o nella espressione del viso. Allo stesso tempo, non ci sono caos. Ci sono molti personaggi, ma nessuno sembra essere superfluo. A causa del posizionamento sorprendentemente corretto delle figure.

Sì, e in un singolo ritratto Hals ha superato molti artisti. I suoi modelli sono naturali. Le persone della società più alta dei suoi dipinti sono prive di ingrandimenti contrastati, e il modello dal fondo non sembra umiliato.

E i suoi eroi sono molto emotivi: sorridono, ridono, gesticolano. Come, ad esempio, è una "zingara" con un look allentato.

Francia Hals. Gypsy. 1625-1630.

Hals, come Rembrandt, ha finito la vita in povertà. Per la stessa ragione. Il suo realismo è venuto contro i gusti dei clienti. Chi voleva che il loro aspetto abbellisca. Hals non è andato in frank adulazione, e quindi ha firmato una frase - "Oblivion".

3. Gerard Terborh (1617-1681)

Gerard Terboro. Auto ritratto. 1668 Royal Gallery MauritShais, Aia, Paesi Bassi

Terboro era un mago di un genere domestico. Ricco e non molto Burghers stanno lentamente parlando, le signore leggono le lettere, e il pioniere sta guardando il corteggiamento. Due o tre figure strettamente disposte.

Era questo maestro che ha funzionato i canoni del genere domestico. Che poi preso in prestito da Yang Vermeer, Peter de heh e molti altri "piccoli" olandesi.

Gerard Terboro. Bicchiere di limonata. 1660. State Hermitage, San Pietroburgo

"Il bicchiere di limonata" è una delle famose opere di Terborch. Può vedere ancora un vantaggio dell'artista. Immagine incredibilmente realistica del tessuto del vestito.

C'è Terboro e lavoro insolito. Cosa parla del suo desiderio di andare oltre le esigenze dei clienti.

Il suo "smerigliatore" mostra la vita degli abitanti più poveri dell'Olanda. Siamo abituati a vedere cortili accoglienti e camere pulite nelle immagini di "Piccolo" olandese. Ma Terboro ha osato mostrare antiestetico Olanda.

Gerard Terboro. Macinino. 1653-1655. Musei governativi Berlino.

Come capisci, tali lavori non erano richiesti. E sono un fenomeno raro anche a Terborh.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Laboratorio dell'artista. 1666-1667. Museo della storia dell'arte, Vienna

Ciò che Yang Vermeer ha guardato, non è riconosciuto in modo affidabile. È solo ovvio che si è ritratto nel dipinto "Artist's Workshop". Vero dalla parte posteriore.

Pertanto, è sorprendente che un nuovo fatto dalla vita del Maestro sia diventato recentemente noto. È collegato con il suo capolavoro "Delft Street".

Jan Vermeer. Delft Street. 1657 Museo del governo ad Amsterdam

Si è scoperto che l'infanzia di Vermeer è passata su questa strada. La casa raffigurata apparteneva a sua zia. Ha sollevato i suoi cinque figli in esso. Forse si siede sulla soglia con cucito, e due dei suoi figli giocano sul marciapiede. Vermeer stesso viveva in casa di fronte.

Ma più spesso ritrae la situazione interna di queste case e i loro abitanti. Sembrerebbe che le trame dei dipinti siano molto semplici. Ecco una signora Miloid, un town to neoncino protetto, controlla il lavoro delle mie scale.

Jan Vermeer. Donna con pesi. 1662-1663. Galleria nazionale d'arte, Washington

Cosa distinguerò Vermeer tra migliaia di altri "piccoli" olandesi?

Era un maestro leggero insuperabile. Nella foto "Donna con pesi" avvolge dolcemente il volto dell'eroina, tessuto e pareti. Dare una spiritualità insopportabile raffigurata.

E le composizioni dei dipinti vermeer vengono accuratamente recuperati. Non troverai dettagli in eccesso. Basta rimuovere uno di loro, il dipinto "crollare" e la magia andrà via.

Tutto ciò è stato dato a Vermeleu non è facile. Tale straordinaria qualità richiedeva il lavoro scrupoloso. Totale 2-3 immagini all'anno. Di conseguenza, l'incapacità di nutrire la famiglia. Vermeer ha lavorato come rivenditore d'arte, vendendo il lavoro di altri artisti.

5. Peter de Heh (1629-1684)

Peter de heh. Auto ritratto. 1648-1649. Reyxmuseum, Amsterdam.

Hoha spesso confrontato con vermeer. Hanno lavorato in una volta, anche c'era un periodo che in una città. E in un genere - domestico. A Hoha, vediamo anche una o due figure negli accoglienti cortili o speciali olandesi.

Le porte e le finestre aperte rendono lo spazio dei suoi dipinti multistrato e divertenti. E le figure sono inscritte in questo spazio molto armoniosamente. Come, per esempio, nella sua foto "il servo con una ragazza nel cortile".

Peter de heh. La cameriera con la ragazza nel cortile. 1658 Galleria nazionale di Londra

Fino al 20 ° secolo, l'ech è stato valutato molto alto. Ma le piccole opere del suo concorrente di Vermeer sono pochi che notarono.

Ma nel 20 ° secolo tutto è cambiato. Slava Hoha Faming. Tuttavia, i suoi risultati nella pittura sono difficili da riconoscere. Pochi, chi potrebbe concordare con competenza l'ambiente circostante e le persone.

Peter de heh. Giocatori sulla mappa nella stanza del sole. 1658 Royal Art Assembly, Londra

Si prega di notare che in una casa modesta sui "giocatori in mappe" può appendere un'immagine in una cornice di nota.

Questo ancora una volta parla di come tra il normale pittura olandese era popolare. I dipinti erano decorati con ogni casa: sia la casa del ricco hamburger, sia un modesto cittadino, e persino un contadino.

6. Yang Walls (1626-1679)

Muri yang. Autoritratto con liuto. 1670. Museo di Tissen-Bornemis, Madrid

Yang Walls, forse, il più allegro "piccolo" olandese. Ma morali amorevoli. Spesso raffigurava taverne o povere case in cui c'era un vizio.

I suoi personaggi principali - passeggiate e signore di facile comportamento. Voleva intrattenere lo spettatore, ma lo avvertì in modo imputuito dalla vita viziosa.

Muri yang. Kavardak. 1663 Museo della storia dell'arte, Vienna

C'è un muro e un lavoro più tranquillo. Come, ad esempio, la "WC del mattino". Ma qui l'artista sorprende lo spettatore troppo elementi franchi. Qui e tracce dalla calza Gum, e non una pentola notturna vuota. Sì, e in qualche modo per niente dal modo in cui il cane si trova proprio sul cuscino.

Muri yang. WC del mattino. 1661-1665. Reyxmuseum, Amsterdam.

Ma nonostante tutto il frivolezza, le soluzioni a colori del muro sono molto professionali. In questo, era superiore a molti "piccoli olandesi". Guarda quanto la calza rossa è perfettamente combinata con una giacca blu e un tappeto brillante beige.

7. Jacobs Wang Reydal (1629-1682)

Ritratto di un raisdale. Litografia del libro del XIX secolo.

Conquistò la vittoria nella lotta contro la Spagna per la loro indipendenza, la Bourgeois Holland è diventata lo stato più economicamente sviluppato nell'Europa occidentale. La principale città olandese di Amsterdam ha deciso come uno dei più grandi centri commerciali in Europa.

Insieme all'economia, si sta sviluppando la pittura olandese. A differenza degli altri paesi dell'Europa occidentale in Olanda, i dipinti barocchi di palazzi e castelli erano popolari - la debolezza della nobiltà serviva come ostacolo allo sviluppo dell'arte decorativa. Anche la Chiesa del Calvinista dell'Olanda non ha cercato di decorare i loro templi dalla pittura.

Tuttavia, la pittura nei Paesi Bassi è fiorita: gli artisti hanno ricevuto numerosi ordini da individui. Nel suo alloggio, una piccola immagine potrebbe persino avere i contadini olandesi - così costano a buon mercato queste creazioni di artisti.

Nel XVII secolo Nella Little Holland ha lavorato oltre duemila artisti. Mettono la produzione di dipinti sul torrente, fece tela con interi feste e ha superato i loro venditori. Quasi ogni wizard eseguito da due a cinque canzoni.

Spesso la produzione di dipinti era davanti alla domanda, quindi da nutrire, gli artisti dovevano impegnarsi contemporaneamente in altri lavori. Tali maestri famosi come Ya. Pareti, M. Gobbehama, Ya. Van Goyen e molti altri, allo stesso tempo erano dipendenti, giardinieri, contenitori di ristoranti.

Di solito pittori specializzati su un argomento particolare. Ad esempio, H. Aberkp ha scritto specie invernali, E. Van der Poul ha ritratto incendi notturni, Tereborh e Metasy - Scene domestiche, P. Clas e V. K. Hedd - ancora la colazione.

Molto spesso, gli artisti hanno lavorato collettivamente sulla stessa immagine: uno dipinto il cielo, l'altro è erba e alberi, le figure del terzo - umano. Le opere di maggior successo che hanno avuto successo tra il pubblico hanno copiato e servito come modello per creare innumerevoli opzioni.

Sebbene l'arte dei pittori di talento ed è stato subordinato a scopi commerciali, i maestri di solito sono riusciti a evitare false. La maggior parte di queste tele si distingue per il realismo, l'integrità e la chiarezza della composizione, la freschezza dell'adolemento e la tecnica di prestazione eccellente.

Ampia distribuzione in pittura olandese ha ricevuto un genere di ritratto. Varie organizzazioni (società del fucile, gruppi di rappresentanti dei negozi di società e negoziazioni) che hanno contribuito all'emergere di un ritratto pubblico di gruppo sono stati svolti un ruolo importante nella vita del paese.

La lotta a lungo termine con i colonizzatori spagnoli ha aggravato il senso di autocoscienza nazionale, così nella pittura, oltre al realismo, un'immagine dei caratteristici tratti nazionali è stato particolarmente accolto con favore. Gli artisti hanno scritto il mare e le navi, il bestiame, i fiori. Oltre al ritratto, tali generi si sono sviluppati come paesaggio, natura morta. C'era un dipinto religioso, ma non aveva un elemento di misticismo; Piatti biblici presentati
L'artista è più come le scene domestiche.

Francia Hals.

Francia Hals è nata circa il 1581 ad Anversa nella famiglia del tè. Nell'età giovanile, è arrivato ad Harlem, dove viveva quasi a bassa morte (nel 1616 visitò Anversa, ea metà del 1630 - Amsterdam). A proposito della vita dei chals sa un po '. Nel 1610, entrò nella Gilda di San Luki, e nel 1616 - alla Camera dei Ritiizzatori (attori amatoriali).

Molto rapidamente, Hals è diventato uno dei ritratti più famosi di Harlem. Nei secoli XV-XVI. Nel dipinto dei Paesi Bassi c'era una tradizione per scrivere ritratti di ritratti di solo rappresentanti dei circoli dominanti, personaggi e artisti famosi. L'arte di Hals è profondamente democratica: sui suoi ritratti possiamo vedere l'aristocratico, un ricco cittadino, artigianale e persino una persona dal più basso. L'artista non cerca di idealizzare quelli raffigurati, la cosa principale per lui è la loro naturalezza e unicità. La sua Venomazb si tiene in relazione come relativamente, come i rappresentanti degli strati inferiori della società, che nei dipinti di Khals sono rappresentati da persone allegre che non sono private di autostima.

Un grande posto nel lavoro del pittore è un ritratto di gruppo. Le migliori opere di questo genere sono stati ritratti di ufficiali della compagnia di fucili St. George (1627) e compagnia di fucili St. Adriana (1633). Ogni personaggio dei dipinti ha la sua luminosa individualità, e allo stesso tempo, queste opere sono caratterizzate dall'integrità.

Hals ha anche scritto ritratti personalizzati, su cui i ricchi Burghers e le loro famiglie sono pubblicati in casual pose ("Ritratto di Isaac Massa", 1626; "Ritratto di Hatheysen", 1637). Le immagini di Hals sono vive e dinamiche, sembra che le persone sui ritratti parlano con un interlocutore invisibile o si rivolge allo spettatore.

I rappresentanti dell'ambiente popolare sui ritratti di Hals si distinguono. In immagini dei ragazzi di strada, dei pescatori, dei musicisti, dei visitatori del Kabakov feltro simpatia e rispetto per l'autore. Meraviglioso della sua "Gypsy". Sorprendentemente vivo sembra essere una giovane donna sorridente, la cui vista dolente è diretta agli spettatori invisibili dell'interlocutore. HALS non idealizza il suo modello, ma l'immagine di un allegro zingaro arruffato con il suo fascino vivace.

Molto spesso ritratti dei Chals includono gli elementi della scena del genere. Queste sono le immagini dei bambini che cantano o giocano su strumenti musicali ("ragazzi cantanti", 1624-1625). Nello stesso spirito, il famoso "Mallet Babbe" è stato adempiuto (l'inizio degli anni 1630), che ha presentato al famoso Kharchevni a Harlem, che i visitatori per i loro occhi furono chiamati la strega assaporata. L'artista quasi grottesco ha raffigurato una donna con un'enorme tazza di birra e gufi sulla spalla.

Negli anni 1640. Ci sono segni di frattura nel paese. Solo pochi decenni passò dopo la vittoria della rivoluzione, e la borghesia ha già cessato di essere una classe progressista basata su tradizioni democratiche. La veridicità del dipinto di Hals non attrae più clienti ricchi che vogliono vedersi sui ritratti migliori di quanto siano realmente. Ma Hals non ha rifiutato il realismo, e la sua popolarità è caduta bruscamente. Nella pittura di questo periodo, le note di dolore e delusione appaiono ("ritratto di un uomo in un cappello dal petto largo"). È severo e diventa con calma la sua tavolozza.

All'età di 84 anni, Hals crea due capolavori: ritratti di gruppo di reawers (fiduciari) e rifugio infermieristico (1664). Questi recenti lavori dei maestri olandesi si distinguono per emotività e luminosa individualità delle immagini. Dalle immagini degli affitti - anziani e della vecchia - impienta la tristezza e la morte. Questa sensazione sottolinea e colorata, stagionata in toni neri, grigi e bianchi.

Hals morì nel 1666 in profonda povertà. La sua arte sincero e affrettata ha avuto una grande influenza su molti artisti olandesi.

Rembrandt.

Nel 1640-1660s. La pittura dell'Olanda è preoccupata fiorente. L'artista più significativo di questo tempo era Rembrandt.

Rembrandt Harmens Van Rhine è nata nel 1606 a Leiden. Suo padre era un magroso mugnaio. I genitori hanno sognato una buona educazione per il Figlio e lo identificò nella scuola latina, dopo la fine della quale Rembrandt entrò nell'università Leida. Ma il giovane ha attratto l'arte. Lasciò l'università e cominciò ad imparare dal pittore Yakov Svannenburg. Tre anni dopo, un giovane artista è andato ad Amsterdam, dove ha iniziato a prendere lezioni da Peter Lastman.

Nel 1624, Rembrandt è tornato a Leiden. Qui lui, insieme al pittore, Jan Laven ha preso un laboratorio. L'artista lavora molto dalla natura, scrive non solo nel laboratorio, ma anche sulla strada e nel bazar della città.

Alla fine del 1620. Rembrandt ha vinto la popolarità tra i residenti Leiden. Aveva molti ordini e il primo studente - Gerard Dow, che in seguito divenne un pittore piuttosto famoso.

I primi dipinti di Rembrandt sono caratterizzati dalla completezza della composizione, la Bona Fide di esecuzione. Allo stesso tempo, è caratterizzato da una certa rigidità ("il tormento di St. Sebastian", 1625).

Nel 1631, Rembrandt si stabilì ad Amsterdam. Gloria su di lui molto rapidamente sparsi in giro per la città e gli ordini caddero sul pittore. La vita personale di Rembrandt ha avuto successo: nel 1634 sposò Sasquia Wang Eilenburg, una ragazza della famosa famiglia borghese. Il matrimonio ha portato l'artista uno stato significativo che gli ha fornito indipendenza creativa e ha permesso di prendere la collezione di opere d'arte e oggetti d'antiquariato.

Rembrandt godeva di felicità nella società della sua amata moglie, che ha raffigurato molte volte sui ritratti. Spesso Saskovia serviva da modello e per dipinti con i temi più diversi ("Flora", 1634; "Autoritratto con Sasquia in ginocchio", ca. 1639).

La creatività di Rembrandt si distingue per varietà durante questo periodo, scrive composizioni storiche, mitologiche e religiose, ritratti, scene domestiche, paesaggi, vita ancora, dipinti con immagini animali. Ma l'oggetto principale della sua attenzione è una persona. Non solo nei ritratti, ma anche in altri lavori, l'artista cerca di trasmettere la natura e il mondo interiore dei suoi eroi.

Il meraviglioso maestro del genere ritratto, solo nel 1630. Rembrandt ha eseguito più di sessanta ritratti registrati. La cosa principale per il pittore non è una somiglianza esterna con il modello, e la profondità del mondo interiore, la forza dei movimenti spirituali e delle esperienze. Con il piacere, il ritratto del gruppo della "anatomia del dottore Tulp" (1632) è stata soddisfatta da contemporanei. L'artista ha contribuito alla composizione tradizionale del classico ritratto del gruppo del cambiamento, posizionando la figura non di fila, come era consuetudine, ma liberamente. Tale costruzione ha dato l'immagine della vivacità e della naturalezza.

Alla fine dei 1630. Rembrandt è diventato il maestro più famoso in Olanda. A questo periodo, il suo capolavoro appartiene - il famoso "Dana" (1636), l'abilità di esecuzione dei quali supera tutto ciò che è stato creato dai contemporanei
artista. Colpisce la perfezione della sua composizione e la ricchezza della gamma di colori disposti in tonalità dorate. Sembra che in questo lavoro non c'è nulla di superfluo, ogni oggetto è attentamente pensato dall'autore. Con l'aiuto di uno striscio libero e dal vivo, il Master trasmette la leggerezza del copriletto, le pieghe di tende e tendaggi pesanti. La plastica flessibile di una giovane donna sdraiata sul letto, tonalità delicatamente dorate del corpo, illuminata dalla luce soffusa. Sebbene non cada una bellezza perfetta, la sua immagine ammira lo spettatore con vivo fascino e freschezza.

Negli anni 1630. L'artista lavora molto e nell'acquaforte. È attratto da motivi domestici ("il venditore del veleno ratto", 1632). Elementi del genreiness sono inerenti e lavora con temi biblici ("il ritorno del figlio prodigo", 1636). Una delle migliori incisioni di questo periodo è "morte di Maria" (1639), emotiva e sentendo una sensazione di dolore profondo. La complessità della composizione e il valore monumentale delle immagini è diverso e un prodotto meraviglioso "Cristo, pazienti curativi" (T. N. "in cento guilder" - questo nome parla del costo del lavoro).

Negli anni 1640. Rembrandt diventa il pittore più famoso e molto pagato Amsterdam. È ordinato ritratti, composizioni per il palazzo dello Statgalter olandese a L'Aia. Molti artisti principianti cercano di studiare nel suo laboratorio. Gloria sull'arte di Rembrandt va oltre i limiti dell'Olanda. Diversi dipinti del famoso Maestro sono immagazzinati nel palazzo del re inglese Charles I.

Rembrandt Talent si è manifestato nelle sue realistiche ed espressive vita ancora ("Bull Truck") e Paesaggi ("Paesaggio con un mulino", ok. 1650). Il lirismo sottile è inerente a paesaggi olandesi non autorizzanti, influenzando lo spettatore con la sua realtà quasi tangibile.

La morte della sua amata moglie nel 1642 rimossa Rembrandt dai suoi nobili parenti. L'artista ha smesso di comunicare e con il suo familiare dalla società aristocratica. I cambiamenti nella vita dei maestri si sono riflessi sul suo dipinto, che diventa più profondo e focalizzato. Se i primi lavori di Rembrandt si distinguono per configurazione calma e liscia, ora le note di ansia e dubbio preguntate nei suoi dipinti. La tavolozza è cambiata in cui dominano le sfumature rosse e dorate.

La vivida espressività si distingue per la tela "David e Jonafan" (1642, Hermitage, San Pietroburgo), eseguita in toni blu dorati e dorati.

Tutte queste nuove funzionalità di Prambrandt Painting non hanno incontrato la comprensione dei contemporanei. Il malcontento ha causato una grande composizione monumentale "orologio notturno" (1642). Questo titolo dell'immagine ha ricevuto nel XIX secolo. In effetti, l'azione si svolge di notte, e durante il giorno, con la luce del sole, che conferma la natura delle ombre.

Nel tempo, vernici oscurata, e solo il restauro condotto nel 1946-1947, ha dimostrato che la gamma di colori di questo lavoro era un tempo molto più leggero.

L'immagine mostra le frecce della compagnia Captain Banning Coca. Il cliente si aspetta di vedere il tradizionale ritratto della parata (scena della festa o della rappresentazione da parte del comandante del Viewer dei suoi subordinati). Rembrandt ha anche creato
Tela poico-storica raffigurante la performance dei tiratori sugli ordini del capitano. I personaggi sono eccitati e dinamici; Il comandante dà ordini, un bannamero alza il banner, il batterista ribatte il tamburo, le armi di carica delle frecce. Non è chiaro che la bambina con un gallo alla cinghia si precipita.

Durante questi anni, Hendercine Starffels appare nella vita di Rembrandt, prima la cameriera, e poi la moglie, che divenne la fedeltà della fidanzata e dell'assistente. L'artista sta ancora lavorando molto. Crea la sua famosa "Sacra famiglia" (1645), in cui l'argomento religioso è interpretato come genere. Insieme alle composizioni bibliche, il pittore esegue paesaggi realistici con le immagini del villaggio ("Vista invernale", 1646). I suoi ritratti di questo periodo si distinguono per il desiderio di mostrare le singole caratteristiche dei modelli.

Negli anni 1650. Il numero di ordini è significativamente ridotto. Rembrandt sta vivendo grandi difficoltà materiali. Si affaccia sulla rovina completa, perché il debito non è ancora pagato, associato all'acquisto della casa mentre la prima moglie di Saskovia. Nel 1656, l'artista è stato dichiarato insolvente, e la sua collezione di opere d'arte e tutte le proprietà sono state esaurite con asta. La famiglia Rembrandt ha dovuto trasferirsi nel povero quartiere ebraico di Amsterdam.

Nonostante tutte le avversità, il talento del grande pittore non si asciuga. Ma ora il criterio della sua abilità è completamente diverso. Nelle opere successive di Rembrandt, colletti colorati appaiono bruscamente sulla superficie della tela. Ora i colori dei suoi dipinti non sono solo per il trasferimento dell'aspetto degli eroi e dell'immagine dell'interno - è un colore prende il carico di lavoro semantico del lavoro. Quindi, la sensazione del teso drammatico nella foto "ASSORE, AMAN ed ESPHYR" (1660) è creato per mezzo di un complesso gamma tonale e effetti di luce speciali.

Diminuzione degli ordini che vivono in profonda povertà, Rembrandt non cessa mai di scrivere. Crea ritratti espressivi e spirituali, modelli per i quali i parenti e gli amici servono ("ritratto della moglie del fratello dell'artista", 1654; "Ritratto di un vecchio in rosso", 1652-1654; "Ritratto del figlio di Titus per la lettura ", 1657;" Ritratto di Windows di Hendrikier Starffels ", ca. 1659).

Il figlio di Tito, che alla fine ricevette la condizione della sua madre deceduta, cerca di proteggere suo padre dalle privative materiali e crearlo le condizioni per il lavoro tranquillo. Ma le disgrazie continuano a perseguire l'artista: nel 1663 muore con Hendrik, e dopo alcuni anni seguì Tito.

È in questo periodo tragico che un vecchio artista solitario crea i suoi capolavori, caratterizzati da monumentale e spiritualità (David e Uriah, 1665-1666; "il ritorno del figlio prodigo", ca. 1668-1669).

Rembrandt è morto nel 1669, tutto dimenticato. Solo nel XVIII secolo. La sua arte è stata finalmente compresa e apprezzata.

Nel 1640-1660. La guida nel dipinto olandese era un genere domestico. Immagini raffiguranti i momenti più comuni della realtà, incredibilmente poetici e lirica. L'oggetto principale dell'attenzione dei pittori è un uomo e il mondo che lo circonda. La maggior parte delle composizioni del genere si distinguono per la calma narrazione e la mancanza di dramma. Raccontano la cura della casa della hostess della casa (comprando le disposizioni, la cura dei bambini, le classi artigianali), sull'intrattenimento dell'hamburger olandese (gioco di carte, ricevimento degli ospiti, concerti). Gli artisti raffigurano tutto ciò che accade nella casa del cittadino ricco, aggirando il lato pubblico della vita umana.

Genribisti usavano molto popolarità: Dow, i cui dipinti sono stati venduti ad un prezzo molto alto, A. Wang Odete, scrivendo le scene della vita contadina ("concerto rurale"), voi. Pareti, argomenti preferiti di cui erano scene di divertimento e vacanze ("Merry Society"), G. Terbor, la cui graziosa pittura rappresentava la vita di una ricca famiglia burgher ("Bicchiere di Lemonada"), Metsu con la sua narrazione della frequenza ("Bambino malato"), P. de Hookh, creato contemplativo- Canvesi liriche ("padrona e cameriera").

Espandere il quadro del genere domestico ricercato a K. Fabrichius, che viveva una breve vita (morì a Delft nell'esplosione del magazzino di polvere). Una delle sue opere migliori è la "Resurrezione di Lazarus" (circa 1643), distinta dal dramma e quasi monumentale. I suoi ritratti e autoritratti, mettendo l'artista in una fila con F. Khals e Rembrandt.

Il destino di E. de Fabrichius, un talentuoso maestro della scena domestica e lavora con l'immagine degli interni della Chiesa ("mercato a Porto", "Interno con una donna a Clavsin"). L'artista non ha cercato di indulgere nei sapori del pubblico borghese, quindi le sue opere che non avevano successo nei contemporanei furono vendute per i penali. Spesso Fabriscius è stato costretto a dar loro i debiti ai proprietari di case. In inverno di notte, 1692, un artista del diciassettimo anno che è stato eletto dal proprietario della casa si è impiccato sulla ringhiera del ponte. Un tale destino era caratteristico di molti pittori olandesi che non vogliono abbandonare tradizioni realistiche a favore del pubblico.

Jan Vermer Delftsky.

Un luminoso rappresentante del genere di genere olandese è l'Yang Vermer, chiamato il luogo di nascita e attività di Delftsky. Il pittore è nato nel 1623 nella famiglia di un mercante dipinti e seta. Un po 'conosciuto sulla vita del verser. Forse la sua insegnante era K. Fabrichius. Nel 1653, l'artista è diventato membro della Gilda di San Luki e sposò la figlia di un ricco cittadino Katerina Kozalus. A Delft, ha goduto di rispetto e gloria, vissuto in una grande casa situata su una piazza del mercato.

Vermer ha lavorato sui suoi dipinti molto lentamente e accuratamente, scrivendo attentamente ogni dettaglio. La pittura non poteva fornire alla famiglia dell'artista a un'esistenza senz'anima, anche se la sua tela e godeva di grande successo. Probabilmente, quindi il verme e cominciò a scambiare con i dipinti, continuando il caso di suo padre.

Già nelle prime opere del verser, una combinazione di realismo e qualche quota di idealizzazione delle immagini ("Diana con ninfe", "Cristo e Maria" - appare sia prima del 1656). Il seguente lavoro è un tessuto di grandi dimensioni "Sumani" (1656), scritto sulla trama utilizzato da molti pittori, si distingue per l'originalità dell'esecuzione. La solita scena domestica dell'artista acquisisce un significato quasi monumentale. L'immagine si distingue tra gli altri lavori con soggetti simili con il suo sapore audace, stagionato in colori gialli puri, rossi, in bianco e nero e immagini espressive luminose.

In futuro, il Vermer ha appellato il tradizionale per le composizioni della camera di pittura olandese. Come altri maestri olandesi, raffigurano gli eventi che si svolgono in ricche case borgome. L'immagine preferita dell'artista è una ragazza che legge una lettere leggendo o raccogliendo collane. La sua tela rappresenta scene domestiche dell'infertilità: la cameriera dà la sua amante, il cavalier porta una signora un bicchiere di vino. Ma queste immagini, semplici sulla composizione, sono colpite da un intero, armonia e lirismo, le loro immagini attraggono la naturalezza e la poesia rilassata.

Nella seconda metà dei 1650. L'artista ha creato le opere più meravigliose. Una sensazione calda è stata contrassegnata una "ragazza addormentata" profondamente lirica, "bicchiere di vino", "ragazza con una lettera". Molti pittori olandesi di questo tempo nei loro dipinti sono stati ritratti dal lavoro dei servi, ma solo il verme, l'immagine di una donna della gente ha le caratteristiche della genuina bellezza e grandezza ("Maulus con una brocca di latte").

Vermer è un vero virtuoso nel trasferimento dell'essenza del mondo delle cose con l'aiuto di fondi raffinati. I livelli ancora sono pieni di grande abilità nei suoi dipinti. Sorprendentemente bello e naturalmente sembra un piatto con mele e prugne, in piedi su una tabella della tovaglia fantasia nella tela "ragazza con una lettera".

Nella pittura "Maulus con una brocca di latte" ammira la sua freschezza pane e latte, un grosso getto di una brocca.

La luce gioca un ruolo importante nelle opere del Verm. Riempie lo spazio della tela, creando l'impressione di straordinaria attenzione; I modelli si formano e penetrano in vernice, costringendoli a brillare dall'interno. È dovuto a tale numero di luce e aria è stata creata una particolare evidenza emotiva della maggior parte dei lavori di versetti.

Meravigliosa padronanza del pittore si è manifestata nella pittura del paesaggio. Un piccolo angolo della città avvolto in un'atmosfera bagnata di un giorno nuvoloso viene riprodotto chiaro e semplice sulla composizione "Oilnake" (circa 1658). Pulito e fresco appare la città nella foto "Vista del Delft" (tra il 1658 e il 1660). Attraverso le delicate nuvole silverose si fanno in modo che i raggi del sole, creando molti punti salienti luminosi sulla superficie dell'acqua. Un sapore sonoro con le sue sottili transizioni di colore conferisce all'eprezzo e l'armonia dell'immagine.

Negli anni 1660. Il dipinto del versner diventa più raffinato ed elegante. Anche la tavolozza sta cambiando in cui le sfumature colorate fredde sono ora dominate ("ragazza con perla"). I principali eroi delle reti stanno diventando circondati dalle ricche signore e dei cavalieri ("lettera d'amore", ca. 1670).

Jan Vermer Delftsky. La cameriera con una brocca di latte. Tra il 1657 e il 1660.
Jan Vermer Delftsky. Laboratorio del pittore. OK. 1665.

Nell'ultimo periodo della vita del verser, diventa superficiale e in qualche modo intrecciato ("Allegoria della fede"), e la tavolozza perde saturazione e siero. Ma durante questi anni, le opere individuali dell'artista stanno colpendo l'ex forza espressiva. Tale è il suo "laboratorio pittore" (1665), in cui il Vermer si è raffigurato al lavoro e i dipinti per astronomo e geografo, che catturarono gli scienziati.

Il destino del verser, come molti altri maestri olandesi, è tragico. Alla fine della vita, l'artista doloroso che ha perso la maggior parte dei clienti precedenti è stato costretto a trasportare la sua grande famiglia dalla vecchia casa in una casa più economica. Negli ultimi cinque anni non ha scritto una singola immagine. Un pittore è morto nel 1675. La sua arte è stata dimenticata per molto tempo, e solo nel mezzo del XIX secolo. Il verme è stato apprezzato e messo in una fila con tali maestri olandesi come Rembrandt e F. Hals.

Il diciassettesimo secolo era in Europa "l'età dell'oro della pittura". In Italia, Olanda, Fiandre, Spagna e in Francia ci sono scuole d'arte significative. Tra questi, l'arte dell'Olanda occupa un posto speciale. Sette province del Nord Paesi Bassi, unendo in giro per il più grande di loro, Olanda, ha vinto gli spagnoli. I destini storici di queste terre sono stati determinati dopo la conclusione di Utrecht Unia nel 1579, che ha dato all'autorità legislativa agli Stati generali, dichiarato violenza, ha fornito particolari condizioni politiche ed economiche alle ricche province dell'Olanda e della Zelanda. Questi sono stati gettati le basi della futura repubblica, che ha ricevuto lo status di stato nel 1609 dopo la conclusione della tregua con la Spagna.

Le province connesse sono diventate la prima del mondo dallo stato borghese, il potere del personale era nominale in natura, i rappresentanti della casa arancione erano principalmente il comandante. Il loro cortile a L'Aia non è stato distinto da una pompa speciale e non ha avuto un impatto notevole sullo sviluppo della cultura nel paese. La regola in Holland Burgertismo è un intraprendente, calcolatore, pratico. Investe il trading del capitale e la costruzione navale, inghiottito il percorso verso i paesi lontani dell'Asia e dell'America e fondò la colonia lì. "Questa manciata di persone", ha scritto il capo del Royal Council of Francia, il cardinale Richelieu, che possiede la terra, composto da acque e passatelle, fornisce popoli europei la maggior parte dei beni di cui hanno bisogno ".

Il calvinismo è diventato la religione dominante nel paese, la direzione più radicale del movimento della Riforma dei secoli XVI-XVII. La chiesa calvinista era il personaggio "repubblicano". Le sue caratteristiche principali è stata la dottrina della predestinazione assoluta, le scuse dell'imprenditorialità e del successo professionale, il requisito dell'ascetismo mondano - calcolando la piegatura della borghese. La vermopia relativa nel periodo iniziale della Repubblica della Repubblica ha creato un'atmosfera favorevole per la creatività scientifica e filosofica. Il paese è diventato famoso per i suoi naturalisti, avanzava famosi avvocati e storici. Il famoso filosofo Rene Descartes è stato emigrato dalla Francia, si sono sviluppate le opinioni materialistiche di Spinoza. Il più modesto è stato il contributo dell'Olanda alla letteratura europea, non c'erano grandi architetti e scultori qui. I progressi principali sono caduti dai pittori di un piccolo paese settentrionale. Ha creato una luminosa scuola nazionale pittoresca, che è i suoi argomenti, un modo pittoresco, le aspirazioni ideologiche erano un capitolo speciale nell'arte del XVII secolo, ha lasciato un segno indelebile nella cultura artistica mondiale.

La chiesa olandese ha espulso il magnifico culto dai suoi templi che non avevano immagini sacre, le chiese cattoliche erano poche. Le opere d'arte erano destinate principalmente per edifici secolari pubblici e alloggi privati, i loro argomenti, sebbene riflessi la moralità protestante, aveva un carattere laico. Le immagini su trame bibliche e antiche sono state percepite come storiche. La vera vocazione degli artisti olandesi è diventata una pittura di vetro. Gli artisti erano molto. Raramente hanno scritto su ordinazione, la maggior parte dei dipinti sono stati venduti nei mercati. "Fair a Rotterdam," disse il viaggiatore inglese del XVII secolo, - è stato sovraccaricato di dipinti (in particolare paesaggi e scene di genere) ... Tutte le case sono bloccate con dipinti e gli olandesi vendono loro con un grande lancher. "

Per 20 anni del XVII secolo, la formazione di generi di pittura olandese è stata completata principalmente. La specializzazione di artisti di genere è caratteristica dell'Olanda. All'inizio del XVII secolo, il genere del ritratto era più popolare in Olanda, il tema nazionale sembrava ampiamente nel paesaggio olandese, nel 1630 c'era anche un genere contadino. Uno dei generi più caratteristici del dipinto olandese era ancora la vita. A metà del XVII secolo, una posizione dominante nel dipinto olandese ha preso un genere domestico.

L'aggiunta dell'arte olandese si è verificata in diversi centri, che, in competizione tra loro, in momenti diversi si sono rotti in avanti, si sono ritirati, all'inizio era Harlem, dagli anni Trenta, dopo aver spostato lì Rembrandt, cominciò ad acquisire la sua posizione di primo piano Amsterdam , poi seguì University Leiden e una calma Deft aristocratica. La villa era Aia, dove era il cortile del tatganger.

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L'età dell'oro della pittura olandese è una delle epoche più eccezionali della storia di tutta la pittura del mondo. Il secolo d'oro del dipinto olandese è considerato XVII secolo.. Era in questo momento che gli artisti e i pittori più talentuosi hanno elaborato le loro opere immortali. I loro dipinti sono ancora considerati capolavori insuperabili che sono conservati nei famosi musei del mondo e sono considerati un patrimonio inestimabile.

All'inizio 17 ° secolo Nei Paesi Bassi, fiorì arte piuttosto primitiva, che è stata motivata dai gusti e preferenze fissi di persone ricche e potenti. Come risultato di cambiamenti politici, geopolitici e religiosi, l'arte olandese ha bruscamente cambiato. Se, in precedenza, gli artisti cercarono di indulgere negli urti olandesi, raffiguranti la vita e la vita, priva di qualsiasi linguaggio elevato e poetico, e ha anche lavorato per la Chiesa, che ordinò agli artisti di un genere abbastanza primitivo con trame a lunga durata, L'inizio del XVII secolo divenne una vera svolta. In Olanda, il dominio dei protestanti regnava, che ha praticamente smesso di ordinare dipinti da artisti su argomenti religiosi. L'Olanda è diventata indipendente dalla Spagna e arredata in un phyuum generalista. Artisti dal loro solito prima spostati all'immagine delle scene domestiche, dei ritratti, dei paesaggi, della vita ancora e così via. Qui, in un nuovo campo, gli artisti del secolo d'oro sembrerebbe essere nuova respirazione e il vero genio dell'arte ha cominciato ad apparire.

Gli artisti olandesi del 17 ° secolo hanno introdotto il realismo nella pittura. Splendida sul componente, secondo il realismo, in profondità e dipinti insoliti iniziarono a godere di un successo colossale. La domanda di dipingere è aumentata drammaticamente. Di conseguenza, sempre più nuovi artisti hanno iniziato ad apparire, che sorprendentemente sviluppato rapidamente le fondamenta della pittura, ha sviluppato nuove tecniche, stili e generi. Alcuni degli artisti più famosi del secolo d'oro erano:, Jan Vermeer, Cornelis Cornief, Mattias Stimtà, Peter Bruegel senior, Esyas van de Velda, Francia Hals, Andrian Bruver, Cornelis de Man, Antonis Wang Dyk e molti altri.

Immagini di pittori olandesi

Cornelis de Man - Fabbricazione per la lavorazione del grasso della balena

Cornelis costa - divertimento nel parco

Lyudolf Bucheizen - Dock Ost-India Campaign Amsterdam

Peter Breygel senior - catastrofe alchimista