Il realismo fantastico è un termine applicato a vari fenomeni in arte e letteratura.

Di solito la creazione del termine è attribuita a Dostoevsky; Tuttavia, lo studente della creatività dello scrittore V. N. Zakharv ha dimostrato che questa è un'illusione. Il primo che ha usato l'espressione "Realismo fantastico", era Friedrich Nietzsche (1869, in relazione a Shakespeare). Negli anni '20, questa espressione utilizza Evgeny Vakhtangov nelle conferenze; Più tardi, è stato fondato nel teatro domestico come definire il metodo creativo di Vakhtangov.

Sembra che "Vakhtangovskoye" sia una nitida transizione dal secolo d'oro - in un secolo d'argento, dalla classica riformienza di Stanislavsky - nell'audacia del moderno, in un mondo irrequieto di retrò, in una filosofia speciale, dove la fantasia ha più veridicità della realtà stessa. La professione di amministratori è diventata il caso di intellettuali, giovani medici, ragionieri, ingegneri, insegnanti, dipendenti pubblici, ragazze delle famiglie decenti si sono riuniti vicino a Vakhtangov. Il teatro per l'intelligentia, come il suo pensiero Stanislavsky, divenne il teatro del più intelligentia, raccolto dal Vahantangov sotto la bandiera del suo studio. "Vakhtangovskoye" è forma "illegale" in qualsiasi epoca, anche quando la saggezza del formalismo era la parola più terribile. Essere, così come Stanislavsky, un regista-psicologo, Vakhtangov ha appena cercato il suo bene in un altro - la psicologia dell'immagine è stata rivelata a loro nella convention teatrale, nelle maschere della vita eterna masquerade, in circolazione a forme teatrali lontane: a La commedia del Arte nella "principessa di Turandot", ai misteri nel "Gadibuk", alla Forsa nel "matrimonio" di Chekhov, alla moralità nel "miracolo di Sant'Antonio". "Vakhtangovskoye" è un concetto artistico speciale di "realismo fantastico", al di fuori di questo concetto non esiste essenzialmente una sola esibizione di Wakhtangov, poiché non c'è una migliore creazione della sua grande femmina spirituale - Gogol, Dostoevsky, Sukhovo-Kobylin, Bulgakov.

Il teatro Wakhtangov è ostinatamente, è difficile cercare il suo percorso Vakhtang, e Dio gli proibisce molte fortuna per questo percorso. Ricorderemo solo che i Vachtans prima nella serie di brillanti directory russi hanno detto al teatro che non doveva rifiutare nulla per dichiarare arcaico, non era necessario pagare una convenzione, accogliere da solo realismo. Il teatro è tutto in una volta: sia il testo classico, e improvvisazione gratuita e la reincarnazione di recitazione più profonda e la capacità di vedere l'immagine dal lato. Il teatro, come pensò Vakhtangov, è una "non riflessione" fondamentale di una particolare giornata storica, ma il riflesso della sua essenza interiore e filosofica. Vakhtangov è morto sotto lo scintillante, come se Champagne, Waltz dal suo gioco, morì sotto le ovazioni del pubblico di Mosca degli anni venti, che stava accolta con favore le prestazioni moderne di fronte alle caratteristiche dell'eternità.

"Realismo fantastico" - Wahtangov ha iniziato a cercare, spingendo fuori dalle due basi opposte del teatro artistico Stanislavsky (a proposito, dovrebbe essere notato che il teatro durante la vita di Vakhtangov è stato chiamato il 3 ° studio MHT) e Meyerhold Theater. Si può dire che nelle sue esibizioni - ed è possibile dire più specificamente - nel suo gioco "Princess Turandot" sulla favola di Carlo Gotszi, l'espressione esterna di scenari e costumi è combinata (non proprio come Vsevolod Demilievich, Ma ancora) con una profondità psicologica peculiare per esibirsi MHT. L'intrattenimento di Carnival è stato combinato con forti esperienze interne.

Wachtangov ha cercato di scollegare l'attore e l'immagine che l'attore si è incarnato. L'attore potrebbe uscire in abiti ordinari e parlare con il tema topico per il paese, e poi ha cambiato la scena sul fantastico vestito e reincarnato nel carattere del gioco.

Principi del teatro Wakhtangov.

Tutte le tecniche hanno dato la sensazione che fosse da un lato al teatro, ma dall'altro lì. Il principio dell'organizzazione di azioni intraprese dal Teatro del Arte, per esempio, le persone che hanno occupato il pubblico tra scene, cercarono la piena serietà del gioco e non tollerava l'ipocrisia. La scena è simultaneamente in realtà e follemente condizionatamente, cioè. (Tazza di giornali). Era per il vero rapporto di 2 persone degli attori, le autorizzazioni del gioco stesso. Stanislavsky credeva che unisce inutilmente la convention e la vita.
Il principale teatro X-ki Vakhtangov:
1. Il teatro del teatro è una vacanza e per l'attore e per lo spettatore.
2. Il teatro è un gioco, un gioco con il soggetto, i dettagli del costume, con un partner, inserire numeri che hanno creato un'atmosfera generale: (bacchetta, come flauto).
3. Improvvisazione.
4. Il discorso è stato percepito come parodia.
5. L'illuminazione, crea anche un'atmosfera
6. La musica è anche condizionale, crea un'atmosfera generale o trasmette lo stato emotivo.
La scena ha svolto il gioco teatrale brillante, vacanze.

Il suo attore Vakhtangov si trovava di fronte a Mikhail Chekhov, in cui vide un alleato alle sue idee. Wahtangov approva la priorità dell'identità dell'attore sulla maniera creata. Quando Wahtangov volevo provare a svolgere un ruolo nella mia esibizione, e lei stava giocando a Chekhov, mi resi conto che era impossibile, dal momento che tutto aveva dato a Chekhov.
L'ultima esibizione di Vakhtangov Princess Turandot K.Hotszi (1922) è ancora percepito come il più segno. Turandot con tutta la distante dalla rivoluzione sembrava "inno della rivoluzione vincente". Wahtangov ha sentito acutamente la poetica del gioco del gioco, la sua convenzione aperta, l'improvvisazione. In questo teatro, molto dalle antiche fonti della scena, giocando folk, piazza e occhiali paleagati. Il gioco sembra essere accusato dell'aria della Russia degli anni '20. E il paradosso è che il 1921, affamato e freddo, e come se non fosse affatto divertente. Ma nonostante tutto, il popolo di questa epoca è pieno di umore romantico. Il principio del "gioco aperto" diventa il principio di Turandot. Il gioco dell'attore con lo spettatore, con il modo teatrale, con la maschera diventa la base delle prestazioni. Performance vacanze. E la vacanza è in vacanza che tutto cambia in luoghi. E gli artisti Vakhtangov giocano come la commedia della tragedia.
Lo stesso Vakhtang non ha considerato "Turandot .." dallo standard, poiché ogni esibizione è una nuova forma dell'espressione.

Numero del biglietto 17. Nemirovich-Danchenko sull'essenza della creatività di regia e recitazione. No. 19. Grano di gioco e 2 ° piano.

Nel caso un po 'del percorso creativo.

N.d. 1858-1943.

Nato nel Caucaso nella famiglia militare.

Entrato nell'università di Mosca. Allevato sulle tradizioni del piccolo teatro. Era scioccato dal gioco Yermolova. Cosa arriva a diventare un critico teatrale.

Era nel tour del teatro di Monaco. Ha iniziato a scrivere giochi: "Il prezzo della vita".

1896 Abito al premio Griboedovsky, ha rifiutato di favorire il gabbiano.

1891 crea uno studio

Vede il gioco di Stanislavsky Otello, è molto impressionante. Nel lavorare con Stanislavsky, N_D esprime la sua posizione sulla svolta del gioco. Considera che l'attore è il cuore del teatro e tutto dovrebbe andare ad aiutarlo.

È lui che invita Chekhov a teatro. "Troverà entrambe le gomme.

Nel 1910, i fratelli Karamazov, Julia Caesar mette, domenica del Tolstoy 1930.37 Anna Kehkinj con Tarasova, amore Svorovaya, 3 sorelle e il re di Lir.

Dona ai romanzi di scena.zhizn.

La distanza crescente rapidamente tra i valori artistici autentici ed è attivamente replicato e - Ahimè! - Arte di massa diffusa nella sua versione molto volgare c'è un processo, ovviamente, irreversibile. "A cosa discutere infruttuosamente con il secolo" (Pushkin). Ogni volta è inclinato a leggere se stesso non trattato, il lamentazione è privo di significato e ha sempre un assaggio di oscuri conservatorismo. Importanti non reclami, ma comprensione, consapevolezza del processo.

Nello spazio di "Irrea", arte fantastica, che è dedicata all'articolo, il ruolo dominante è caduto, naturalmente, il cinema, come un fenomeno artistico di formazione dei secoli XX-XXI, inoltre, è il film la maggior parte di Tutto in grado di combinare e alta qualità.

È sufficiente ricordare e confrontare i film dell'espressionismo tedesco guidato dall'immortale Cabinet del Dr. Caligari Robert Wine, Bunuel, Greenway Paintings, Saltare Antonioni, tape Tarkovsky con famosi blockbusti fantasy, compresi tutti i mega-spazi virtuali (dai film prima dei fumetti) "Star Wars". Fantasy, il sacramento del "secondo piano" diventa un sacco di poco e rapidamente ridotto.

Con l'artista Nikolai Danilevsky, sull'arte del quale ho scritto un articolo con un anno fa, abbiamo parlato molto del fenomeno che si chiamava "realismo fantastico". Belle arti accanto al cinema, in virtù della sua camera molto più di più nell'attuale mondo del ruolo, rimane un certo laboratorio, chiuso, ma il mondo attivo, dove il fantastico inizio (consegnato, fortunatamente e dalle possibilità e il peso del denaro Effetti speciali) si sviluppa nel silenzio dei workshop.

Le nostre conversazioni più lunghe sono durate, tanto più diventa ovvio: la terminologia corrente è così confusa, turbata e incerta, i suoi concetti fondamentali sono usati così arbitrariamente e anche leggermente, che senza un'analisi dettagliata dei significati di base, delle definizioni, nessuna discussione è impensabile .

Il risultato è stato il testo proposto.

Spiega apparentemente chiaro - cosa può essere più difficile. "Realismo fantastico" - la catena di associazioni di aiuto farcita dall'oskowing delle associazioni si estende dietro questo termine. Qui e Hoffman, e Gogol, e Dostoevsky, anche Kafka, Bulgakov, Orwell, Fanta Fiction, Fantasy filosofica, fantasia di Quasi-Letteratura glamour e poi - fino a giochi per computer e altri PEG, per non parlare degli artisti. Bosch, Archimboldo, Francisco Goya, la famosa Scuola di Vienna di Fantastic Realism, Böhlin, Vrubel, Somov, Odilon Redon, surrealisti - In tutti questi nomi e tendenze ci sono qualcosa per un realismo fantastico. Anche gli ovvi cereali del visibile sperimentale non sono così semplici. Soprattutto - poche persone pensano che anche due di queste parole, di cui è una definizione così familiare, è usata approssimativamente, e, soprattutto, in significati completamente diversi, a volte opposti.

Senza fingere di stabilire alcuni standard generali, è necessario definire un convenzionale, ma un certo significato di questi concetti in questo contesto. Dovrebbe tenere a mente quanto segue:

Il concetto di "realismo" nell'applicazione di vari tipi di creatività artistica all'analisi di vari tipi di creatività artistica è sfocata. Goethe ha detto che esattamente il Pug raffigurato è un altro Pug, e non un nuovo prodotto dell'art. Come: più spesso, il "realismo" è innocentemente inteso come un certo "libero di realtà", riconoscimento, comprensione e accessibilità, che porta alla riduzione del termine e rende sinonimo di accessibilità nel senso volgare della Parola. Qui, il realismo entra nello spazio della cultura di massa ed è identificato con esso.

Una comprensione un po 'più professionale del termine lo riduce a una costante ravvicinamento a una "veridicità" nebbiosa e rappresenta il realismo di appena l'obiettivo dell'evoluzione. In questo caso, la storia della letteratura e le altre arti è definita come un movimento continuo verso la perfezione (come spesso approvata nell'estetica sovietica), per cui l'artista mediocre del Biedermeyer, il telefono cellulare secondario o il socialista che rappresenta come artisti che sono Superiore in un certo senso di Goyua o Valentina Serov.

Spesso, il termine "realismo" è stato utilizzato in relazione alle tendenze artistiche ideologiche di fatto che ha neutralizzato (o vorrebbe contrastare) con qualsiasi ricerca audace, che mira ad arricchire fondi espressivi (ad esempio, romanticismo); Poi il Kourbe era preferibile a Delacroix e Korolenko - Dostoevsky.

Da qui - una comprensione completamente ridicola del realismo, come un flusso che ha il suo stile e un quadro cronologico, che entra nella polemica, e anche in battaglia, con romanticismo, impressionismo, e anche di più con l'astrazione. Inoltre, la serie logica è considerata (nell'esempio della Francia del XIX secolo) "il romanticismo è realismo - impressionismo". Allo stesso tempo, è trascurato che il realismo non è un periodo, ma la qualità immanente di qualsiasi arte genuina e come assunzione ridicolo che, ad esempio, Hoffman non è un realista, Delacroix - improbabile, ma gli artisti del Benessere e, di Corso, i realisti mobili. Come affrontare FID, rublo, Jotto e Dante rimasero poco chiari.

Il realismo è stato tradizionalmente compreso (ed è inteso da questo) come una categoria assiologica, stimata, in altre parole, è diventata sinonimo di alta qualità.

Queste idee tradizionali sono completamente confuse da tutte le idee sul termine "realismo".

In questo contesto, il realismo è considerato come un metodo immanente (costantemente inerente) a qualsiasi arte reale, poiché ogni originale artista è coscientemente o inconsciamente - cerca di creare esattamente e sulla misura delle forze Obiettivo come un mondo, ma la sua idea su di luiche percepisce come l'unico vero.

Esattamente rappresentazione A proposito del mondo, non il mondo stesso.

Per entrambi gli artisti egiziani che hanno creato il geometrizzato, arrotolato sul piano della somiglianza di una persona, ed Ellin - l'autore è accurato se non una copia, quindi un'immagine poetica sorprendentemente simile, e un maestro medievale, sforzandosi di abbandonare tutto Cortile e sorprendente a "Immagine dell'anima" e che non mostra così tanto il corpo, quanto il geroglifico delle emozioni, e persino un astracista alla ricerca di un analogo plastico diritta del mondo del subconscio - tutti fissati allo stesso obiettivo. Alla creazione dell'arte e (secondo la sua rappresentazione) dell'analogo veritiero la sua verità E solo lei.

E opposto alla storia del realismo (nella comprensione proposta) non è impressionismo o romanticismo, ma altre tre, eternali, come la) tendenze: formalismo e naturalismo.

Floodless appassionato per la forma cittadina e divertente, l'esperimento, come tale, come controindicato con l'arte, come la copia di uccisione visibile per creare illusione realtà. Il realismo in un'alta e seria comprensione del termine, sia tra Scylla e Charibda, si sta sviluppando nell'opposizione eterna a questi due estremi male, ma seducenti. Gli estremi che di solito amano il pubblico. Nelle manifestazioni su larga scala, anche in queste aree ci sono sempre opzioni ancora più semplificate che rappresentano il visualizzatore ingenuo delle opzioni di volgare pubblicamente disponibili.

Quindi, all'inizio è possibile dichiarare qualità artistica genuina Come il sine qua non realismo. Inoltre, che sia il formalismo che il naturalismo per definizione siano al di fuori dell'arte genuina.

Non dimenticare che (dal momento che la storia dell'arte è inseparabile dalla storia del gusto pubblico) della percezione delle arti visive cambiata lontano da sincrono con lo sviluppo dell'arte stessa. All'epoca, quando, secondo la storia di Plinia, gli uccelli volonarono per beccare le uve sulla foto di Zeevxis, e lo stesso Zeevxis ha preso la copertura scritta da una paia per il tessuto stesso, la valutazione dell'arte è stata ridotta solo al Grado di illusione (per molti, un tale principio di valutazione primitivo rimane rilevante). "Whitamor" per i discendenti, le statue greche furono dipinte con colori vivaci in una volta, ma il tempo necessario le convenzioni, la scultura diventava monocromatica e trasformata attraverso, parlando da Drop in Muse "appassionato, ma silenzioso e segreto (Silencenseuse et secerny)." Pittura illusoriale trasformata in un simpatico genoma del salone "Blogs".

Le idee del positivismo nella direzione di cui è stata sviluppata la Libomadria di tutti i giorni, e la situazione è stata sviluppata, fatta a metà del diciannovesimo secolo e il concetto teorico del "realismo" di sinonimo con l'approvazione dell'arte di una verità invisibile. Naturalmente, in questo momento il concetto verità È stato lasciato sia dal sentimentale educativo, e dalle elevate idee eroiche del romanticismo (estetica ufficiale era la nozione di "realismo educativo"). Romance - Anche come un sistema di forme - era lontano da problemi sociali difficili e concreti (in questo senso, anche la libertà Delacroix è stato percepito come una deviazione dalla verità sociale).

Tuttavia, un'immagine diretta di un fantastico (favoloso, mitologico) è in pieno opposizione al "realismo fantastico". Un esempio di questo - il lavoro di Gustava Dore: Completamente affidabile Draghi, giganti, piombo, mostri, ecc. Trasferiti con ingenua e maggiore affidabilità. L'immaginazione di un bambino incantato una terribile fiaba, implementata con l'artistico e la portata, ma senza tanti gusto, e soprattutto, senza alcun sottotesto di plastica, tutto è applicato, non c'è immaginazione.

Se una grande pittura occidentale ha mantenuto la devozione agli ideali della forma artistica, ispirando così la "impresa dell'arte" e vedendo le priorità in esso, la tradizione visiva russa ha proposto un'idea alla ribalta.

Alla fine dei secoli (tedesco "Jahrhunderttwende" sembra essere molto più capace della solita "linea di secoli" o "Fin Fin de Siecle") L'arte è cambiata rapidamente. Tuttavia, per la maggior parte dei lettori e degli spettatori, per l'intelligentia russa liberale, il ruolo messianico dell'arte era ancora una priorità. I cambiamenti nel linguaggio artistico non hanno ancora occupato l'attenzione universale: non importa quanto innovatore nel campo della forma artistica non fosse, ad esempio, Dostoevsky, i suoi libri furono percepiti, prima di tutto, come fenomeni morali.

Nelle idee sociali occidentali e audaci sono più spesso implementate nella nuova forma artistica (Goya, Delacroix, Kurba). In Russia, di solito è più che tradizionale. L'impresa degli animali in parte è già stata realizzata come spostamento auto-spostamento: il sermone è verbale e in arte gira visivo in Tuazyny Rigorism. E se fantastico nei più alti risultati della letteratura russa (Gogol, Dostoevsky), precisamente a causa della priorità della Parola è stato ancora percepito come una parte naturale del reale, quindi nelle arti visive regnano altrimenti.

Gli scrittori russi, infatti, non sono quasi in alcun modo correlati alle arti visive. La vita dell'uomo russo scorre interamente sotto il segno del chela inclinata, sotto il segno del profondo pensiero, dopo di che qualsiasi bellezza non è necessaria, qualsiasi lucentezza è falsa. Si alza solo per ritardarlo su un volto umano, ma in esso non sta cercando armonia o bellezza. Cerca di trovare i propri pensieri, la sua stessa sofferenza, il proprio destino e le strade non udenti per le quali c'erano lunghe notti insonni, lasciando queste tracce. . Questo regalo speciale del visto e ha creato grandi scrittori: senza di lui non ci sarebbe stato Gogol, né Dostoevsky, né Tolstoy. Ma non può creare grandi artisti. La persona russa manca di un impassismo a guardare il volto da un pittoresco punto di vista, cioè calmo e disinteressato come soggetto, senza assumere la partecipazione umana a essa; Dalla contemplazione, si muove impercettibilmente a compassione, amore o disponibilità ad aiutare, cioè dal contenuto sagomato alla trama. Non per caso, gli artisti russi hanno scritto "trame" per molto tempo. Quindi Rainer Maria Rilke ha scritto sulla cultura russa, che conosceva e amava.

In seguito è stato dopo che questa "trama" divenne più tardi l'oggetto principale non solo protesta, ma anche crudele, a volte eccessiva condanna di Young Miriskusnikov.

"Asciugati dallo arretratezza della vita artistica russa, sbarazzarsi della nostra provincialismo e avvicinarsi al West culturale, per puramente artistico Camer (corsivo my, mg) di scuole straniere, lontano dalla letteratura, dalla macchina della letteratura, dalla tendenzialità della suocera, lontano dal dilettantismo indifeso dei quasinatori, lontano dalla nostra controllata Akademism "(Alexander Beno'a).

Libertà di fantasia (non stiamo parlando di grafici favolosi nello spirito di Vasnetsov o Repein Sadko.) Solo in parte iniziò a beccare il becco su Vrubel, ma i tragici eventi della rivoluzione e i seguenti cambiamenti nella vita sociale della Russia fermarono la tradizione, che può essere molto convenzionalmente chiamata realismo fantastico russo.

Tuttavia, in una certa misura, la ricerca di fantastica sintetizzata e con il valore magico della forma astratta.

Così io. Quadrato nero Malevich nel suo silenzioso, Grozny, stranamente sconvolto significativamente.

Entrò in un campo tremolante bianco in modo che ci sia una sensazione senza precedenti di non-aria, non vuota cosmica, non "astratta", nel senso decorativo della parola, spazio, ma spazio in generale - una sorta di sostanza spaziale spessa " ". Spazio privo di inizio e fine, lunghezza e scala, in relazione a cui il rettangolo nero è percepito come una specie di "spazio zero", "anti-spazio", "buco nero", "stella superheavy" - da quelle categorie di Il campione più alto della poetica fiction scientifica, che apparirà dopo mezzo secolo. Nessuno dei suoi angoli è uguale a 90 gradi, rimane in formazione eterna, come vivo. Il quadrato e lo sfondo sembrano galleggiare nello stesso piano, in senso visivamente feltro di peperità (Malevich ha inventato il termine "frana di plastica", indovinando le possibilità di anti-gravità), senza parlare in avanti e non si ritirando in profondità, creando una sensazione potente di Un'idea estraibile degli elementi primari, circa una specie di fondazioni "la tavola periodica" forme, o usando l'espressione di Khlebnikov, sulla "costruzione dell'alfabeto dei concetti". Fiction, tuttavia, finzione? L'epigraph è una risposta a questa domanda. "Sono esistito nella tua immaginazione, e la tua immaginazione è parte della natura, significa che sono esistito in natura."

Costa attentamente e attentamente considerare i fenomeni, che sono spesso percepiti dal pubblico precisamente simile agli spettatori e, è diventato possibile sembrare naturalistico.

Facile da assumere naturalismo e lavori creati nel corso del flusso, chiamato iperealismo - dall'iperrealismo francese (altri nomi: "fotorealismo", "superfalismo", "realismo freddo", "realismo affilato-phocus"). Questo è un ampio movimento in occidentale, soprattutto, l'arte americana, che si è dichiarata dalla metà degli anni '60 e dall'abstracista attivamente opposizione. Il mondo, visto e obiettato come se attraverso un'ottica fotografica impassibile (spesso e con il suo aiuto), ha reintruito scrupolosamente in un lavoro artistico, quindi la fotoinformazione è reincarnata in informazione pittorica. Motivi e sculture iperealistici Discutono accuratezza impersonale, offrendo allo spettatore un'immagine manuale unica basata su base riproduttiva meccanica, approva la celebrazione di una realtà visibile sulla volontà artistica, la soggettività creativa. La somiglianza con la realtà diventa insieme e aggressiva e poetica - l'iperealista dell'artista offre lo spettatore un'immagine che non richiede la creatività - ancora più dettagliata del mondo del materiale stesso. Ciò è concluso per condizioni di comunità, viene creata un'estetica peculiare del consumo mondiale, l'habitat umano è riprodotto, dove la persona stessa con le sue emozioni e pensieri è praticamente assente.

Ma - stranamente - e in questo, supervolvenza, il principio supermastenziale della riproduzione del mondo oggettivo cheluming profondamente nascosto la finzione, l'ansia sorda.

Fotorealismo con il suo (secondo l'espressione di uno dei critici) "Blassy Gloss" di oggetti in una certa misura associata alla coscienza americana - con i maestri del periodo di "soggetti romantici" negli Stati Uniti, ad esempio, con il Famous hopper Edward.

Immagine Prime domenica mattina (1930, il Museum of American Art of the Whitney, New York) Hopper paga una strana forza attrattiva, una sensazione di piercing di flessibilità americana, urbanistica americana, molto lontano da immagini affollate di grattacieli o il ponte di Brooklyn. L'effetto del telaio del piede cinematico (la composizione dei dipinti di molti artisti, potrebbe tornare all'estetica del cinema alla tramoggia dura tanto quanto il pubblico vuole, e l'artista sa come confermare lo spettatore. L'inizio del giorno è percepito All'inizio della vita, le diffidenti dei bambini della gioia, l'effetto del Jamais Vu (T. E. L'effetto dell'acquisito, nuova scoperta di un luogo familiare), quando il solito habitat rivale sembra essere misterioso e sconosciuto. raggiunge questa sensazione, rimanendo nello spazio della precisione dell'iperealista del protocollo. Probabilmente proprio perché in modo persistentemente affidabile, anteriore, "still lifestyle" un'immagine ordinaria di una casa di mattoni di una casa di mattoni, in cui, dietro le finestre chiuse per gli inquilini stanchi e noiosi Ancora la notte, il respiro della prima freschezza solare brillante, che lo spettatore spiato Insieme all'artista. Stato istantaneo di luce e aria in un mirka stantio e noioso, lampeggiava come presenza, come la possibilità di un aspetto diverso, probabilmente in questo segreto.

Gli effetti di questo tipo sono implementati e l'antropomorfismo di verniciato con precisione, ma ancora vivi architettura, la capacità di trasmettere la solitudine a casa in un campo vuoto ( Casa ferroviaria, 1925, Moma, New York). È curioso che questa immagine sia diventata una fonte di scenario per il famoso film Psicosi (1960). È diventato inaspettato - lascia che l'iperatizzazione - l'immagine di qualcosa visto come se per la prima volta, anche la mossa nella formazione del realismo fantastico.

A proposito, tornando a Hichkhoka in particolare e al cinema in generale, è possibile aggiungere che il bagliore e la poestiosizzazione dei dettagli più grandi nel cinema possono diventare (e diventa!) Poetico e abbastanza metaforico (è diventato, con a Ombra di "Fantasticità") parte del tutto artistico. Il dettaglio del materiale accentato dello stesso Hichkhok (molto lontano dall'alto "Arthaus") alle famose livelli ancora, Lukino Wisconti, Greenway, Tarkovsky, precisamente con la sua obiettività, presentazione, immobilità, diventa sia una controparte efficace e, al Allo stesso tempo, un accompagnamento dinamico di attori vivi e una camera dinamica, accompagnamento, a volte più eloquente della trama stessa e del gioco degli artisti ..

Una simile forza segreta nel "quasi film o fotografia" immagine di una scena ordinaria possiede le opere di un altro classico americano Andrew Bianco, a partire dal suo capolavoro riconosciuto World of Christina. (1948, MOMA, New York). Anche lo spettatore non ha familiarità con la trama (è raffigurata una donna quasi paralizzata), una certa tragica catarsi è indovinata nel dipinto. Qui è alla moda ricordare il termine Franz Roha "Magic Realism".

Semplice, anche la percezione ordinaria di impensabile, così come la percezione paradossale dell'ordinario - una delle fondamenta di questo tipo di visione. Ecco la frase della storia di Hoffmanovskaya Pentola dorata: "Si voltò e uscì, e poi tutti hanno capito che era un piccolo uomo importante, in realtà, un pappagallo grigio (Eigenlich Ein Grauer Papaii War)." Nessuno aveva paura, tutti hanno appena riso - un fraintendimento domestico nel mondo della Hoffmaniada.

Nella struttura del realismo fantastico, un componente frequente e importante - come se la presenza di due registri di percezione: un ordinario ("piccolo uomo importante") e un incredibile (non è noto perché è già un pappagallo), sintetizzato in Unità dei segreti non consegnati - intellettuale o emotivo. Allo stesso tempo, in contrasto con una fiaba o una leggenda, un fantastico realismo cerca persistentemente di mettere a terra l'irrazionale e l'approvazione dell'unità dialettica dell'unità immaginata e del materiale. Nella storia dello stesso Hoffman Spirito Il Signore delle Other Worldly Forces appare nell'immagine di un maggiore esercito e provoca un fantasma, leggendo il testo dalla grammatica francese: "Dovrebbe essere indifferente, cosa significa che userò<...> Per mostrare un tocco della mia connessione con il mondo del profumo. " Occupazione, la volgarità della situazione sottolinea la scala dell'orrore di altroworlly.

Il culto degli inferi (questo è molto importante) l'altro allarme regnò nella cosiddetta pittura metafisica ("Scula Metafisica"). Desiderio di infinito. Ho chiamato la mia foto del 1911, l'artista italiano George de Kiriko.

"Quello che ascolto, niente costa, c'è solo quello che vedo con gli occhi aperti, ma ancora meglio - chiusa", ha scritto Jorgio De Kiriko. Connessione diretta con il titolo (sì e i significati) dell'ultimo film Kubrick Occhi larghi chiusi…

Per Kiriko, le qualità più preziose della foto si toccarono con un sogno o un sogno per bambini. Uno strano composto di idee mistiche, ansia, aspirazione per valori principalmente la durata interna, le costante associazioni con antichità (in romana, "cesare" il suo sentimento), ma morto, fermo - un tale mondo diventa un habitat dei suoi personaggi.

I suoi sogni pittoreschi sono incredibilmente affidabili. Kirico in una certa misura fa lo stesso di Kandinsky, e Clee, ma leggerà il loro inconscio nel modulo soggetto.

Tuttavia, gli oggetti non si trasformano fuori dalle vaghe sfere dei segreti spirituali, non sopprimere lo spettatore con disgustosi dettagli materializzati di rappresentazioni nascoste o depresse, che saranno caratteristiche dei surrealisti, per molte opere di Ernst e soprattutto somministrate con il suo "Felonizzato" e incubi dettagliati.

In un mondo vuoto scoperto di dipinti de Kiriko, regnano non la passione, il dolore, la vita o la morte, ma solo il loro telecomando, affondando "eco visivo". Paesaggi dopo battaglie spirituali, cicatrici fossili, tragedie che avvolte con monumenti di marmo stessi. A volte in un sogno doloroso, come un uomo in pericoloso, spazio inevitabile vede dal lato. In un sogno, spesso sembra una piccola e spostata proporzioni e spazi in un mondo enorme. Nei dipinti, De Kiriko deve costantemente questo effetto di un doloroso irriconicità - "Jamais Vu" (familiare, apparentemente visto per la prima volta) - qualità, come non ancora già notato, immanente a qualsiasi comprensione del realismo fantastico.

Immagini di Kirico - E infatti, lo spazio del sonno, dove non ci sono distanze in cui gli oggetti vengono rimossi o chiusi solo grazie ad alcuni suggerimenti promettenti, da qualche parte che sembra più sostanziale, dall'inizio si trasforma improvvisamente in chiuso come nei film usando a zona moderna Il caleidoscopio lento delle visioni da cui è impossibile risvegliare, dominare gli oggetti e le persone. Il legame dell'artista su tela, i soggetti rimangono in mondi spaziali non intersecanti. Provengono da diversi sogni.

Il inutile salvato la vita (se non rimane nel quadro della fiaba della fiaba, nel mito e non pretende di materializzare le immagini di raffineria del subconscio) nella versione semplificata, si trasforma in una falsificazione su larga scala.

Così grande tentazione per il praticante dell'artista - collegare il significato del "realismo fantastico" con tasto per il mondo del surrealismo fantasy subconscio. Quella arte dovrebbe immergere le loro radici "alle profondità dell'inconscio", anche il Tzara ha sostenuto - uno dei talentuosi teorici del dadaismo e del surrealismo. Sfortunatamente, il "salone" superficiale "inteso" inconscio "si è rivelato estremamente popolare: i francesi hanno ragione, sostenendo che" ha imparato il doppio sot soft) ". Insistante di sé fiducioso conduce all'ignoranza aggressiva.

Sfortunatamente, i prigionieri della coscienza mediano in primo capo della creatività speculativa e cara (anche se molto spettacolare) è stato dato, percepito come un certo assoluto, non ha più pronunciato critiche, analisi artistica, come fenomeno che è uscito oltre il contesto dell'arte stessa . Il più comprensibile e divertente dei surrealisti, ha abbassato le immagini del subconscio al livello dell'energia del cinema del computer moderno, è stato condannato al successo e è diventato il primo rappresentante su larga scala del KIC modernista, la versione di massa dell'intellettuale nella sua essenza di il flusso artistico.

A differenza di molti dei suoi famosi contemporanei, Dali era e rimase non solo un cattivo pittore, ma anche un mediocre drawrewrewer. La letargia dell'immagine e la tavolozza semplificata fecero la stessa approssimazione nei suoi dipinti, la mancanza di magia professionale, che di solito è caratteristica delle demagogene d'arte, abbassando l'arte al livello di "cultura del consumo". Questo è confermato da un massiccio culto dato, esistente da questo tempo tra e distante dal vero interesse nell'arte dei cerchi. Il lavoro è stato dato a una pelle semplice nel mondo più antico del surrealismo, e il modernismo grazie a cui lo spettatore di pensiero anche inerzialmente e pigramente sente la celebrazione della sua intelligenza. L'artista ha cercato di preoccuparti di tutta la religione, i politici, il sesso, la ricerca di tutte le risposte piccanti semplici e insieme, magistralmente inventate e riempite con rari monoti di plastica. La piccola naturalezza è improstabile priva le immagini fornite (per l'eccezione rara e grave) della vera tragedia.

E se Ernst, Mason, Georgia O'Keff, Miro e molti altri hanno davvero creato i loro mondi immaginari, in realtà basati sulle immagini dell'inconscio o in modo convincente modificato, cioè in altre parole, ritratto immagine artistica dei segreti spirituali, DALI ha rivendicato una sorta di protocollo naturalistico di visioni francamente simulate, creando falsificato, ma coloro che vogliono sembrare genuini immagini quasi-documentali.

Molto più importante per la realizzazione moderna del Ministero del Realismo fantastico Rene Magritt. L'artista non ha cercato di accarezzare l'occhio dello spettatore (ciò che è stato dato al rivendicato molto persistentemente, cercando come non si sarebbe rivelato che i suoi personaggi non sarebbero stati, a cortesemente capiti, ma ancora attrattività, all'effetto della "Soussicità", surreale Inganna l'occhio). Magrit è stato limitato semplicemente da informazioni visive su ciò che ha prodotto la sua immaginazione inventiva. E questi parzialmente ricondizionati, anche se l'immagine eseguita con l'abilità del protocollo è effettivamente spedita con radici "alle profondità dell'inconscio" (Tzara).

Nella consistenza, colore, edifici lineari di Magrit decisamente, non c'è desiderio di compiacere il gusto dell'uomo medio, il suo spaventoso È privo di dolce attrattiva, non è basato su dettagli naturalistici. Ma soprattutto, su un confronto rimosso e sempre significativo, significativo di oggetti e fenomeni, a volte iscrizioni.

Credere che la pittura sia solo un mezzo di comunicazione di idee, cessa praticamente di essere interessati alla "sostanza artistica". Magrit possedeva un regalo speciale: nei suoi confronti di cose ordinarie, l'orrore elevato sorto, che è caratteristico delle visioni, dellirio, del sonno grave. La vita quotidiana delle cose nel tocco allarmante di Magrit sta ispirando un allarme sfidato e terribile.

La metafora della paura sconosciuta, non delle immagini del subconscio, e quelle immagini che gli incondi ci mandano non sono ancora decifrati - questa è l'area in cui Magrit non conosce uguale.

Uno dei segreti della Magritis - nella capacità di spaventare la semplicità, senza crittografia e suggerimenti di plastica - per mettere lo spettatore di fronte a un "frame" chiaramente fisso, come se il subconscio del mondo sostanziale visibile. Quindi, acquerello In lode dialettica (Eloge de la dialectique) (1936, la collezione privata) diventa una metafora emotiva e spaventosa del famoso giudizio gegeliano che l'interno, privato di esterno, non può essere interno: raffigura una casa visibile attraverso la finestra della casa, al suo interno, e non fuori - la situazione tipologica dell'incubo, soggetto e impassualmente stabile.

Magritic anticipava molto creando una sorta di guida ai labirinti dell'arte postmoderna. Le sue iscrizioni nei dipinti, dicendo, dicono che il portatile non è un telefono (come è solo la sua immagine o semplicemente perché il pubblico viene effettuato un gioco intellettuale-assurdista), - percorso diretto per strutture concettuali. Combinando frammenti di dipinti classici con il proprio dipinto, di fronte al corpo, nell'erotismo freddo e razionale, indubbio la cinematicità, la vicinanza alla fantascienza del più alto campione. E, naturalmente, una vista laterale sospesa di se stesso e il suo lavoro, una riflessione fredda multiplica, dove i "cornici" del lubrificio si riflettono in specchi ordinari e insoliti così tante volte che iniziano di nuovo a sembrare la realtà. E quando la magritis ha scritto la sua foto Tentare impossibile (La Tentative de l'impossibile) (1928, collezione privata), raffigurante il modello di scrittura dell'artista, ha creato un equivalente accurato senza precedenti di un atto creativo subconscio: sotto il pennello dell'artista sorse nella stanza della stanza, e non sulla tela il vero corpo vivente, E tutto intorno è rimasto, probabilmente solo il piano dipinto.

Di particolare importanza nel nostro contesto, uno dei dipinti più incredibili di Magritt La chiave per i campi (1936, Collezione di Tissren-Barnemis), dove i frammenti caduti del vetro della finestra rotto conservano il visibile attraverso di loro recentemente il paesaggio, un'immagine che arruoia molti significati e, naturalmente, aprendo nuove prospettive non ancora filmato e anche effetti del computer.

Aggiungiamo che un sacco di confusione terminologica ed essenziale sorge nei casi in cui l'artista o qualche unione di artisti nel processo di affrettamento autoidentificazione stesse a trovare un nome. Questo è successo a. Scuola di Vienna Realismo fantastico (Wiener Schule des PhantySischen Realismus), a turno dei secoli XIX-XX. Composto da artisti, principalmente orientati su radici surreali. Maestri interessanti - Albert Paris Guteherslo (Albert Konrad Kipreiber), Ernst Fuchs, Arik Brower, Anton Lemden, Rudolf Hauser, Wolfgang Hutter, ecc., Essi più o meno hanno sperimentato l'influenza di Max Ernst, e, naturalmente, soprattutto trattenuto erano sugli effetti spaventosi ipertrofici esterni, collegati con effetti decorativi, parzialmente riecheggiando con lo stilistry del barello. Il flusso si è distinto dall'eclettismo di Frank, anche se nella pittura Guteterslo (la teoria del gruppo) c'è un indubbio temperamento e un'energia drammatica pittoresca, anticipando l'apertura dell'espressionismo tedesco. Un modo o un altro, il nome dichiarato appartiene solo alla storia, ma molto lontano dai genuini problemi del "realismo fantastico".

Naturalmente, l'estetica sovietica ha praticamente eliminato il fantastico inizio del contesto dell'arte realistica, come naturalmente, e il fatto che dalla fine degli anni '80 iniziò a tornare dal territorio della metropolitana nei siti della mostra e ha acquisito un noto successo (specialmente Nel mondo della Galleria Art).

La città stessa contribuisce a molte cose. San Pietroburgo è una delle città più giovani famose del mondo che è riuscita sia alla capitale imperiale, sia al centro regionale, una città che ha cambiato volti e Lichni, la città è tre volte (o, più precisamente, quattro volte! ) Ha cambiato il nome, probabilmente e il destino. "Se Petersburg non è la capitale, allora non c'è San Pietroburgo. Sembra solo che esiste "(Andrey White).

Alla ricerca di un Pushkinskysky Pushkinsky "fiero ISTUKAN" Pushkinsky Pushkinsky. E le stesse righe di Pushkin, che iniziano con le parole "amore", difficilmente sconsiderate dal salto "pesante-volonale" dell'idolo, perseguendo lo sfortunato pazzo. E questo è anche Pushkin (1828):

La città è lussureggiante, la città è scarsa,
Spirito di cattività, specie sottili,
Il paradiso del paradiso verde-pallido,
Noia, freddo e granito.

Non sono state espresse così tanti giudizi cupo su qualsiasi città, anche se rimane "lepri e il divino" dei "paesi completi".

"Tutto l'inganno, tutto è un sogno, tutto non è quello che sembra!". "La città più deliberata nel mondo" (Dostoevsky); "E la città è il mio grigio di ferro" (blocco). Anche Chekhov non è affatto uno scrittore di San Pietroburgo - quindi ha visto negli abitanti di San Pietroburgo "la razza speciale di persone che sono appositamente impegnate ad avere ogni fenomeno della vita; Non possono nemmeno passare per affamato o suicidio senza dire la volgarità "(la storia di una persona sconosciuta).

La città stessa è una citazione solida, a volte sembra che abbia suscitato la volontà di Pietro, ma i movimenti dell'oca più piume, sarebbe stato senza incubi di Hermann o Galiydek, senza farina di Raskolnikov, senza danni! E senza sogni sublime e spietati di decembristi condannati, senza omicidi politici, senza le "tre rivoluzioni", che ci abbiamo insegnato così orgogliosi. Tutto inganno, tutto è un sogno?

Nella fase di ghiaccio Petersburg, i venti della cultura europea erano dolorosamente illuminati dalle passioni, visto attraverso il "cristallo magico" della città e coloro che hanno scritto su di lui.

E il "filmphere" ha dolcemente poeccato e decorato la città: era diffuso dai campi del drogato asfalto sotto le ruote del chaood di Emki-Tysti Petitov - il futuro del grande cantante (Sergey Lemeshev) e la Zisa del Grande e stupido Tarakanova (Garin Garin) nella storia musicale, circondando divertenti lanterne in ghisa leggera utopia americano e facciata patriciana dei palazzi di San Pietroburgo; La città divenne lo scenario di fantasie romantiche di fiabe rivoluzionarie, le sue piante organizzate dall'abilità di eccellenti operatori cinematografici, trasformati nello scenario dei famosi film su Maksima, "le leggende stavano succedendo nel mondo della prosa", ha detto Verkoren, E Leningrado avvolto in una leggenda magica su se stesso. Qual è la "luce fantastica dubbiosa, come noi, a San Pietroburgo" (Dostoevsky).

Ma, sfortunatamente, è il salone, una versione divertente del "realismo fantastico" attrae il pubblico, cercando di unirsi all'elementare, chiamando, che sta solo fingendo di essere profondo e complesso.

Come disse Nikolai Danilevsky, il mio inconveniente interlocutore è qualcosa di simile, e poi l'avversario: "La caratteristica distintiva del realismo fantastico di San Pietroburgo, da direzioni simili in assenza di catarsi. Questa è una "fiaba con una fine infelice". Qui sono completamente d'accordo con lui. Inoltre, è colui che cerca costantemente di trovare nella sua pratica artistica se non una fine felice, quindi la qualità artistica genuina, senza la quale qualche esperimento è condannato. Rifiutando alla figuratività tradizionale, l'artista sta cercando e trova un equivalente puramente plastico alla sua visione, dove la fantasia diventa la più verità.

Ci sono probabilmente altri modi. Nel frattempo, abbiamo fatto i primi passi per capire il sistema radicale del "realismo fantastico". Lenisce - nel processo di implementazione. Molti artisti si chiamano semplicemente "realisti fantastici". Ognuno ha il diritto, tutti lo dimostra a modo suo.

Si deve presumere che il realismo fantastico sia un concetto che coinvolga principalmente il desiderio di un sistema formale significativo e stilistico unificato (somiglianza con la natura, l'oggetto tradizionale non può essere), ma Sine Quana non è l'integrità, il suggerimento e l'individualità dell'articolo sostanza che attua la presentazione dell'artista sui fenomeni esterni all'esterno dell'esperienza sensuale.

L'unico modo per stare nel mondo con il quale devi trattare - sappi di più su di esso.

Note a piè di pagina

* Nikolai Sergeevich Danilevsky è il fondatore della Scuola di Pietroburgo di Fantastic Realism.
1 Rilke R. m .. Moderne Russische Kunst-BestRebungen. Samtliche Werke a Zwolf Bangen. Francoforte a. M., 1976, BD 10. S. 613-614
2 Benoita A. L'emergere della "Pace del mondo", L., 1928, p. 21.
3 cyt. Di: 100 Oeuvres Nouvelles 1974-1976. Musee National d'Art Moderne. P., 1977. P. 24

Mikhail Yuryevich Herman. - Scrittore sovietico e russo, storico artistico, storico dell'arte, professore, membro dell'Associazione internazionale dell'Arte critica (AICA) e il Consiglio internazionale dei musei (ICOM), membro del Pen-club internazionale e dell'Unione del russo Scrittori, membro dell'Unione dei giornalisti di San Pietroburgo e della Federazione internazionale dei giornalisti (IFJ). Ricercatore principale del museo russo dello stato

Grazie speciali per i materiali forniti Nikolay Danilevsky.

Herman M. Yu. Realismo fantastico: mito, realtà, questo giorno (risposte alle domande scortese). - St. Pietroburgo, Museo del Pushkin: Almanac. Vol. 8, Museo Tutto Russo di A.S. Pushkin, 2017. - 432 s., Con il. - ISBN 978-5-4380-0022-8.)

; Più tardi, è stato fondato nel teatro domestico come definire il metodo creativo di Vakhtangov.

Realismo fantastico nella pittura - aderisce a una tendenza artistica, un realismo magico correlato, che include motivi più surreali e soprannaturali. Vicino al surrealismo, ma a differenza di quest'ultimo i principi della tradizionale immagine della macchina "nello spirito dei vecchi maestri" aderisce a quest'ultimo; Piuttosto, può essere considerato una versione tardiva del simbolismo. Dal 1948, c'è una "Scuola Viennese di Realismo fantastico" nella pittura, che portava un carattere mystico-religioso pronunciato, rivolgendosi agli argomenti senza tempo ed eternali, studi degli angoli nascosti dell'anima umana e si sono concentrati sulle tradizioni del Rinascimento tedesco (Rappresentanti: Ernst Fuchs, Rusolf Huusner).

La base della "Scuola di Vienna di Realismo fantastico"

Insieme a Arikom Brower, Wolfgang Hutter, Rudolph Huusner e Anton Lemden, Ernst Fuchs Baskets School, o persino crea piuttosto un nuovo stile "Realismo fantastico". Il suo sviluppo violento cade all'inizio degli anni '60 del 20 ° secolo. Cinque dei suoi più brillanti rappresentanti di Fuchs, Brower, Lemden, Huusner e Hutter divennero il principale gruppo di tutto il futuro movimento, Clamwein, Esher, Jofra, che ha portato dalle loro scuole nazionali ogni modo e la tecnica di lavoro è apparsa. Pate, Helnwein, Hekelman e Val, dispari Nerdrum costituivano anche parte del movimento generale. In Svizzera, Higer ha lavorato.

Moderna letteratura russa.

Al giorno d'oggi, promuove attivamente il concetto di "realismo fantastico" Vyach. Sole. Ivanov.

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Estratto che caratterizza il realismo fantastico

"No, andrò, andremo sicuramente," disse Natasha in modo decisivo. "Danila, festeggiata verso di noi, e Mikhaila in modo che sia andato con il mio sofloy," si rivolse alla sua abilità.
E così nella stanza Danile sembrava indecente e difficile, ma per avere alcuni affari con la signora - sembrava impossibile per lui. Abbasò gli occhi e si affrettò a uscire, come se non lo toccò prima, cercando di non danneggiare accidentalmente la signora.

Il vecchio grafico, tenendo sempre una caccia enorme, ora ha superato l'intera caccia di suo figlio, in questo giorno, il 15 settembre, avendo svenuto, si è riunito anche se stesso.
Un'ora dopo, l'intera caccia era al portico. Nikolai con una vista severa e seria, mostrando che non c'è tempo per impegnarsi in sciocchezze, passò da Natasha e Petit, a cui gli è stato detto. Ispezionava tutte le parti della caccia, mandò in avanti il \u200b\u200bgregge e i cacciatori in gara, si sedette sulla sua dona rossa e, affrettando i suoi cani, guidò attraverso l'hund nel campo che porta all'ordine di Otrardno. Il cavallo del vecchio grafico, il giocoso Merenka, chiamato Vifela, guidato dal grafico sterepieceo; Lui stesso ha dovuto lasciare direttamente il lievito a sinistra Laz lo ha lasciato.
Tutti i segugi derivano 54 cani, sotto i quali, Donzzhha e Skaters, 6 persone rimaste. Oltre ai signori, c'erano 8 persone, seguite da oltre 40 levrieri, quindi con le braccia del Signore, c'erano circa 130-cani e 20 cacciatori di cravatta nel campo.
Ogni cane conosceva il proprietario e il soprannome. Ogni cacciatore conosceva il suo lavoro, luogo e destinazione. Non appena uscirono per la recinzione, tutti senza rumore e conversazioni uniformemente e tranquillamente si estendevano lungo la strada e il campo che stava portando alla foresta di Otradnensky.
Mentre il campo del cavallo passò attraverso il campo del cavallo, occasionalmente sculacciata sulle pozzanghere, quando passarono attraverso la strada. Il cielo nebuloso continuò impercettibilmente e uniformemente scende a terra; L'aria era silenziosa, calda, silenziosa. Occasionalmente sentito che la caccia del cacciatore, poi il russare del cavallo, il pugno dell'aratista o il gonfiore del cane, che non è andato al suo posto.
Avendo lasciato il gilet, altri cinque piloti con i cani sembravano incontrare la caccia a Rostov dalla nebbia. Avanti è andato fresco, un bellissimo vecchio con grandi baffi grigi.
"Ciao, zio," disse Nicholas, quando il vecchio lo ha guidato verso di lui.
- Pulire il business marzo! ... Così lo sapevo, "parlò lo zio (era un parente lontano, un povero vicino della crescita)", sapeva che non avrebbero sofferto, ed è buono che stavi andando. Chiara palude! (Era il preferito che dice lo zio.) - Prendi l'ordine adesso, e poi il mio Girlchik riporta che Ilagins con la caccia nelle radici valgono; Hai tu - una cosa pulita a marzo! - Sotto il naso, la covata prenderà.
- Lì e io vado. Cosa, scarica i greggi? - Chiesto Nikolai, - Dump ...
I segugi erano collegati in un unico gregge, e lo zio con Nikolai è andato nelle vicinanze. Natasha, avvolto con sciarpe, da sotto il quale era visibile un viso con occhi brillanti con gli occhi brillanti, incompatiti da loro, accompagnati da Pete e Mikhail Hunter che non stavano durando da lei, che non è stata pressata con lei. Petya, rise e ha sbattuto, e tirò il cavallo. Natasha si sedette abilmente e con sicurezza sul suo corvo Arabchik e sulla mano destra, senza sforzo, lo ha assediato.
Lo zio guardò Petya e Natasha. Non gli piaceva unirti a una buona ballo con una caccia seria.
- Ciao, zio, e stiamo andando! - gridò Petya.
- Ciao, ciao, non dare cani, - disse uno zio rigorosamente.
- Nikoleka, che bel cane, Drowk! Mi ha riconosciuto, "disse Natasha del suo cane da equitazione preferito.
"Drunila, in primo luogo, non un cane, e lugara," pensai che Nikolai e sembrato strettamente a mia sorella, cercando di far sentire quella distanza che avrebbe dovuto condividerli in questo momento. Natasha lo capì.
"Tu, lo zio, non pensare di impedire a qualcuno", ha detto Natasha. Diventeremo nel tuo posto e non ci sposeremo.
"E un buon affare, un grafico", ha detto lo zio. - Solo dal cavallo non cadere, - ha aggiunto: - e poi - una cosa pulita a marzo! - niente per rimanere su qualcosa.
L'isola dell'ordine di Otradnensky vista nella posta in cento e dazhing si avvicinò a lui. Rostov, decidendo finalmente con lo zio, dove buttare giù i segugi e indicando il luogo di Natasha dove si trova e dove non poteva scappare, si diresse verso il burrone.
- Beh, nipoti, si diventa sulla madre ", ha detto lo zio: Chur non si stringe (vai).
- Come avrà, Rostov rispose. - Karai, fuit! Gridò, rispondendo con questo appello alle parole di zio. Karai era un cane vecchio e brutto, Boriano, conosciuto dal fatto che era solo Biral un lupo. Tutto acciaio in posti.
Il vecchio grafico, sapendo la caccia del figlio, si affrettava, e non ha avuto il tempo di guidare fino al posto, come il dilya Andreich, allegro, rubido, con le guance scuotendo, sulla sua allegra, arrotolato giù il verde ai latticargli E, correndo il cappotto di pelliccia e mettendo i conchiglie di caccia, arrivarono al suo liscio, sudato, sorridendo e buono, vestito come lui, voflyan. Cavalli con i brividi inviati. Conta illya Andreich, anche se non un cacciatore nell'anima, ma che conosceva saldamente la caccia le leggi, ha guidato nel bordo dei cespugli, dal quale si alzò, smontato le redini, si riprese sulla sella e, sentirsi pronto, guardò indietro sorridendo.
La sua annata, ma una guida ridicola, Semyon Chekmar si trovava accanto a lui. Chekmamarier teneva tre cazzi sull'articolazione, ma anche il riscaldato, come il proprietario e il cavallo, - wolfhounds. Due cani, intelligenti, vecchi, piccoli senza svop. I gradini su un centinaio di via nel bordo erano un altro grafico costante, mitka, cavalcare disperata e un cacciatore appassionato. Il grafico su una vecchia abitudine è venuto fuori davanti alla caccia del fascino d'argento della casseruola di caccia, annoiata e lavata dal suo amato Bordeaux.
Illya Andreich era un po 'rosso dal vino e dalla guida; I suoi occhi riempiti di umidità, soprattutto brillati, e lui, avvolto in una pelliccia, seduto sulla sella, aveva una specie di figlio che stava per camminare. Lucky, con guance disegnate, si stabilirono con la propria attività, guardò il barin, con il quale ha vissuto 30 anni di anima nell'anima, e, comprendendo la sua piacevole disposizione dello spirito, attese una piacevole conversazione. Un altro terzo faccia è andato con attenzione (può essere visto, era già scientato) a causa della foresta e si fermò dietro il grafico. La faccia era un vecchio in una barba grigia, in un cappuccio femminile e un alto tappo. Era il Jester Nastasya Ivanovna.
- Bene, Nastasya Ivanovna, - ammiccando a lui, ha detto il grafico, - tu depositi solo la bestia, comporterà.
"Io stesso ... con un baffi", ha detto Natasya Ivanovna.
- Schshshsh! - Ha bloccato il conteggio e si rivolse a sperma.
- Ho visto Natalia Iyinichna? Chiese i semi. - Dov'è lei?
"Si sono alzati con un torrente dalle teste dal caldo", rispose il Semyon sorridendo. - Anche signore, e la caccia è più grande.
- E tu sei sorpreso, Semyon, come va ... e? - disse il conte, almeno un uomo in quel momento!
- Come non dividere? Audacemente, deciso.
- è Nikolache dove? Sopra la guida di Lidovsky? - La colonna ha chiesto il chopot.
- così accuratamente con. Sanno dove diventare. Quindi, sottilmente, sanno che stiamo prendendo divo con Danila, "disse lo speren, sapendo cosa per favore Barina.
- Bene va, e? E sul cavallo, che dire di cosa?
- Foto di scrivere! Come farmi da Zavarzinsky Biananov Pound Fox. Cominciarono a saltare, dalla nebbia, passione - un cavallo mille rubli, e non c'è il prezzo Sedoka. Sì, un tale fatto per cercare!
"Ricerca ..." ripeté il conte, apparentemente mi dispiace che il discorso dei semi fosse presto finito. - Ricerca? - disse, girando i pavimenti del cappotto di pelliccia e ottenere un tabacco.
"Giudice, come un morto in tutta Regalia, sono uscito, quindi mikhail poi smorto ..." Semyon non è d'accordo, ascoltando un Gon-in-Air chiaramente distribuito con lo sconvolto di non più di due o tre segugi. Lui, inclinata la testa, ascoltava e si guardò silenziosamente intorno alla barina. - Flick on the Brood ... - sussurrò, proprio sul Lyadovskaya.

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Cosa significa "realismo fantastico"

Enciclopedico Dizionario, 1998

realismo fantastico

tendenze artistiche relative al realismo magico, compresi motivi più surreali e soprannaturali. Vicino al surrealismo, ma a differenza di quest'ultimo i principi della tradizionale immagine della macchina "nello spirito dei vecchi maestri" aderisce a quest'ultimo; Piuttosto, può essere considerato una versione tardiva del simbolismo. Tra i caratteristici esempi è il lavoro di V. Tubka o dei Maestri della "Scuola di Vienna del Realismo fantastico" (R. Hausener, E. Fuchs, ecc.).

Wikipedia.

Realismo fantastico

Realismo fantastico - il termine applicato a vari fenomeni in arte e letteratura.

Di solito la creazione del termine è attribuita a Dostoevsky; Tuttavia, un ricercatore dello scrittore V. N. Zakharov ha dimostrato che questa è un'illusione. Probabilmente il primo che ha usato l'espressione "Realismo fantastico", era Friedrich Nietzsche (1869, in relazione a Shakespeare) .NachGelassene frammente 1869-1874 Herbst 1869:

Die Griechische Tragödie Ist Von Maßvollster Phantasie: Nicht Aus Mangel Un Derselben, Wie Die Komödie Beweist, Sondern Aus Einem Bewußten Princip. Gegenensatz Dazu Die Die English Tragödie Mit Ihrem Phantastischen Realismus, Viel Jugendlicher, Sinnlich Ungestümer, DionisCher, Traumtrunkener.

Negli anni '20, questa espressione utilizza Evgeny Vakhtangov nelle conferenze; Più tardi, è stato fondato nel teatro domestico come definire il metodo creativo di Vakhtangov.

Realismo fantastico nella pittura - aderisce a una tendenza artistica, un realismo magico correlato, che include motivi più surreali e soprannaturali. Vicino al surrealismo, ma a differenza di quest'ultimo i principi della tradizionale immagine della macchina "nello spirito dei vecchi maestri" aderisce a quest'ultimo; Piuttosto, può essere considerato una versione tardiva del simbolismo. Dal 1948, c'è una "Scuola Viennese di Realismo fantastico" nella pittura, che portava un carattere mystico-religioso pronunciato, rivolgendosi agli argomenti senza tempo ed eternali, studi degli angoli nascosti dell'anima umana e si sono concentrati sulle tradizioni del Rinascimento tedesco (Rappresentanti: Ernst Fuchs, Rusolf Huusner).

Verità vitale e la verità del teatro.Principi estetici di E. Vakhtangov, il modo del suo regista ha subito un'evoluzione significativa per 10 anni della sua attività creativa attiva. Dal massima naturalismo psicologico delle prime produzioni, è venuto al romantico simbolismo di Rosmertsholm. E oltre - per superare il "teatro intimo-psicologico", all'espressionismo "Erica xiv", al "burattino grottesco" della seconda edizione della "Miraclery di Sant'Antonio" e alla teatralità aperta della "Principessa di Turandot ", chiamato uno dei critici" Impressionismo critico ". Il più sorprendente nell'evoluzione di Wakhtangov, secondo P. Markov, questa è l'organicità di tali transizioni estetiche e il fatto che "tutti i risultati del teatro" sinistra "accumulato da questo tempo e spesso rifiutato dallo spettatore, lo spettatore Accogliente e entusiasticamente accettato VAKHTAGANGOV. "

Wahtagov ha spesso cambiato alcune delle sue idee e hobby, ma è sempre stato intenzionalmente alla massima sintesi teatrale. Anche nel limite principessa nuda di Turandot, rimase fedele alla verità che ha ricevuto dalle mani di K.S. Stanislavsky.

Tre eccezionali figure teatrali russe hanno avuto un'influenza decisiva su di lui: Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko e Sulezhitsky. E tutti comprendono il teatro come luogo di educazione pubblica, come un modo di conoscenza e approvazione della vitalità assoluta.

Wahtangov ha più di una volta riconosciuto che la coscienza del fatto che l'attore dovrebbe diventare più pulito, migliore, come persona, se vuole creare liberamente e ispirato, ereditato da L.a. Solerzhitsky.

Il determinato impatto professionale su Vakhtangov fornito, ovviamente, Konstantin Sergeevich Stanislavsky. Il lavoro della vita di Vakhtangov è stato l'insegnamento del sistema e la formazione di un certo numero di giovani team di talento sulla sua base creativa. Ha percepito il sistema come la verità come fede, che è progettata per servire. Avendo assorbito dalla fondazione di Stanislav del suo sistema, attrezzature interne di recitazione, Nemirovich-Danchenko, Nemirovich-Danchenko, Nemirovich-Danchenko ha imparato a sentire la nitidezza delle caratteristiche, la chiarezza e il completamento degli avanzi aggravati, ha studiato l'approccio libero al materiale drammatico, si rese conto che in La formulazione di ogni gioco, è stato necessario cercare tali approcci che la maggior parte dell'essenza di questo lavoro (e non è stato chiesto da teorie teatrali comuni dall'esterno).

La legge principale e la MHT e il teatro Wakhtangov invariabilmente fu la legge della giustificazione interna, la creazione della vita organica sul palco, risvegliando negli attori della verità vivente del sentimento umano.

Nel primo periodo del suo lavoro in MHT, Wakhtangov ha agito come attore e insegnante. Sul palco MHT, ha giocato, principalmente ruoli episodici - un chitarrista nel "cadavere dal vivo", un mendicante in "Tsar Fyodor John", ufficiale nel "dolore della mente", gourmet nella "Stavrogin", Corte in " Gamlet ", zucchero in" Blue Bird. Le immagini della fase più significative sono state create da lui nel primo studio - Teklton nella "Corporation on the Fornace", Fraser nel "Flood", Dentier nella "morte della speranza". I critici hanno notato dell'unanimità il massimo risparmio, la modesta espressività e il laconismo di questi lavori di recitazione, in cui l'attore era alla ricerca di fondi per espressività teatrale, ha cercato di creare un carattere domestico, ma un tipo teatrale generalizzato.

Allo stesso tempo, Vakhtangov ci ha provato in direttore. Il suo primo regista nel primo studio del MHT era la "vacanza del mondo" Hauptman (Premiere il 15 novembre 1913).

Il 26 marzo 1914, la premiere di un altro direttore di Vakhtangov - "Manor Panins" B. Zaitseva ha avuto luogo in uno studio drammatico studentesco (futura Mansurovskaya).

Entrambe le esibizioni sono state fatte durante il massimo hobby del Vahantang la cosiddetta vita della verità sul palco. L'acutezza del naturalismo psicologico in queste esibizioni è stata portata al limite. Nei libri discografici che il direttore ha portato a quel tempo, ci sono molti ragionamenti sui compiti dell'esiglia finale del teatro - teatro, dal gioco dell'attore, sull'oblio del trucco panoramico e del costume. Temendo timbri comuni del mestiere, Vakhtangov ha quasi completamente negato qualsiasi abilità esterna e credeva che le tecniche esterne (chiamate "adattamenti") dovrebbero sorgere dall'attore da soli, come risultato della correttezza della sua vita interiore sul palco, dalla stessa verità di i suoi sentimenti.

Essendo uno zelante studente di Stanislavsky, Vakhtangov ha esortato a cercare la massima naturalezza e naturalezza dei sensi degli attori durante la presentazione panoramica. Tuttavia, mettendo le prestazioni più coerenti del "naturalismo spirituale", in cui il principio di "sbirciare in più stretto" è stato portato a una fine logica, il Vakhtangah divenne presto sempre più probabile di parlare della necessità di cercare nuove forme teatrali , che il teatro della famiglia dovrebbe morire che il gioco è solo la preposizione per la presentazione, che è necessaria una volta e per tutti essere rimossi dal visualizzatore l'opportunità di spiare, terminare il divario tra la tecnica interna ed estera dell'attore, a Rileva "nuove forme di espressione della verità della vita nella verità del teatro".

Tali punti di vista di Vakhtangov, gradualmente testati da lui in una varietà di pratica teatrale, diversi contraddidici le convinzioni e le aspirazioni dei suoi grandi insegnanti. Tuttavia, la sua critica del MHT non intendeva un completo abbandono dalle fondamenta creative del Teatro Art. Wahtangov, non ha cambiato il cerchio del materiale vitale utilizzato da Stanislavsky. La posizione è cambiata, atteggiamento verso questo materiale. Uvhtangov, come a Stanislavsky, non c'era nulla "nulla flizioso, nulla che non sarebbe stato giustificato, il che non poteva essere spiegato", ha dichiarato che Michael Chekhov è molto appostato entrambi i directoristi.

La verità familiare del Vakhtangov ha assunto il livello del mistero, credendo che la cosiddetta vita della vita sulla scena dovrebbe essere fornita a teatrica, con il massimo grado di impatto. È impossibile fino a quando l'attore non comprenderà la natura della teatralità, non padronerà le sue attrezzature esterne, il ritmo, la plastica.

Wahtangov ha iniziato la propria strada verso la teatralità, passando dalla moda per la teatralità, non dalle influenze di Meyerhold, Tairov o Commissario, ma dalla sua comprensione dell'entità della verità del teatro. La sua strada per la vera teatralità di Vakhtangov ha guidato attraverso la stilizzazione di "Eric Xiv" al limite delle forme di gioco di Turandot. Questo processo di sviluppo dell'estetica Vakhtangov famosa Teatranmad Pavel Markov Metkaly ha definito il processo di "puntamento dellimitazione".

Già la seconda fase di Vakhtangov nel primo studio del MHT "Flood" (la premiere del 14 dicembre 1915) è stata significativamente diversa dalla "vacanza mondiale". No isterici, senza sentimenti estremamente nudi. Come notato la critica: "Nuovo nel" inondazione "ciò che l'oratore sente sempre la teatralità."

La terza esibizione di Vakhtangov nello Studio - Rosmersholm, Ibsen (Premiere il 26 aprile 1918), è stato notato anche dalle caratteristiche del compromesso tra la vera vita e la verità condizionale del teatro. Il suo obiettivo del direttore di questa formulazione non era l'ex espulsione dal teatro dell'attore, ma, al contrario, ha dichiarato la ricerca dell'estrema autoespressione della personalità dell'attore sulla scena. Il regista non ha sforzato l'illusione della vita, ma ha cercato di trasmettere sul palco il corso dei pensieri dei personaggi di Ibsen, per incarnare il pensiero "pulito" sul palco. A Rosmertsholm, per la prima volta con l'aiuto dei media simbolici, il divario tra l'attore e il personaggio giocato da loro, tipico della creatività di Vakhtangov, è stato chiaramente designato. Il direttore non ha più richiesto dall'attore della capacità di diventare un "membro della famiglia Scholz" (come nella "celebrazione del mondo"). L'attore è stato sufficiente per credere, per essere sedotto dal pensiero di visitare nell'esistenza del suo eroe, per comprendere il logico dei passaggi descritti dall'autore. E rimanere allo stesso tempo.

A partire da "Erica XIV" A. Strindberg (Premiere il 29 gennaio 1921), la maniera del regista di Vakhtangov è diventata sempre più definita, la sua inclinazione verso il "indicazione dell'ammissione", al composto di uno psicologo intatto-profondo con burattino Espressività, Grottesque con i testi. La costruzione di Vakhtangov era sempre più basata sul conflitto, sull'opposizione due principi eterogenei, due mondi - il mondo del bene e del mondo del mondo. In "Eric Xiy", tutti i precedenti hobby dei sentimenti di verità di Vakhtangov sono stati collegati con una nuova ricerca di generalizzazione della teatralità, in grado di esprimere screenicamente con il massimo pieno della "arte dell'esperienza". Prima di tutto, è stato il principio del conflitto del palcoscenico, alla scena di due realtà, due "verità": la verità della famiglia, vitali - e la verità è generalizzata, astratta, simbolica. L'attore sul palcoscenico iniziò non solo a "preoccuparsi", ma agisce anche teatrale, condizionatamente. Nel "Eric XIV" è cambiato in modo significativo, rispetto alla "vacanza del mondo", la relazione tra attore e il modo in cui hanno giocato. Dettaglio esterno, elemento di trucco, andatura (trascinando i passaggi della regina-burman) a volte determinato il ruolo dell'entità (grano). Per la prima volta, Vakhtangov è apparso in tale certezza il principio della statuarietà, la fisso dei personaggi. Wachtangov ha introdotto il concetto di punti, così importante per il sistema emergente del "realismo fantastico".

Il principio del conflitto, l'opposizione di due mondi eterogenei, la due "verità" è stata poi utilizzata dal Vakhtangov e nelle produzioni del "Miracle of St. Anthony" (Seconda edizione) e "Matrimoni" (seconda edizione) nel Terzo studio.

Calcolo, possesso di se stesso, la fase più severa e più esigente ha firmato l'autocontrollo - Queste sono le nuove qualità che Vakhtangov offrì agli attori per educare in se stessi, lavorando alla seconda edizione del "Miracolo di Sant'Antonio". Il principio della scultura teatrale allo stesso tempo non ha interferito con il soggiorno dell'attore organico. Secondo lo studente Vakhtangov A.I. Remizova, il fatto che gli attori inaspettatamente "congelati" nel "miracolo di Sant'Antonio" siano stati veritieri. Questo è vero, ma la verità per questa performance.

La ricerca di una caratteristica esterna, quasi grottesca è stata continuata nella seconda edizione della performance del terzo studio "Wedding" (settembre 1921), che era una sera con il "miracolo di Sant'Antonio". Vakhtangov è venuto qui non dalla ricerca astratta per la bella teatralità, ma dalla sua comprensione chekhov. Chekhov nelle storie: divertente, divertente, e poi improvvisamente triste. Questo tipo di tragico biscotto era vicino a Vakhtangov. Nel matrimonio, tutti i personaggi erano come bambole pendenti, burattini.

Tutte queste produzioni hanno pianificato modi per creare una verità speciale, teatrale del teatro, è determinato un nuovo tipo di relazione tra l'attore e il modo creato.