Studi di pittura ad acquerello. Studi sull'acquarello a breve termine dalla natura

20.06.2020

Per lavorare su uno schizzo ad acquerello, abbiamo bisogno di:

Acquerello;
Carta per acquerelli;
scoiattolo o spazzole sintetiche (n. 2, n. 5, n. 10)
gesso incolore ad olio (permette di lasciare carta bianca creando una pellicola sulla superficie)
Acqua in un contenitore;
Tovagliolo (pulisci spazzole)

disegno preliminare a matita

Fai un passo indietro dai bordi del foglio di 3-4 cm, in questo modo otterrai campi che non possono essere scavalcati. Ciò contribuirà a mantenere "l'aria" nell'immagine. Disegna con una matita semplice disegno preliminare. Non esercitare pressione sulla matita, in modo da non rovinare lo strato superiore di carta durante la correzione. Iscrivi la composizione nella forma geometrica di un ovale o di un triangolo.

Considera la composizione nel suo insieme. Prendi l'intero bouquet. Strizza gli occhi e vedrai una sfocatura. Disegnare tutti i colori in una volta crea frazionalità nella composizione. Scegli fiori grandi e concentrati su di essi, studiando la forma e il colore. Loro sono.

disegno di sfondo

Per iniziare con le vernici, prepara una selezione di colori sulla tavolozza freddo e caldo sfumature che sono presenti nel nostro bouquet. Quei punti sui bordi dei petali che vogliamo lasciare bianchi sono riservati con gesso incolore. A partire dallo sfondo. Sulla destra, una lampada illumina la nostra natura morta, quindi predominano i caldi toni ocra. Nelle ombre usiamo viola, smeraldo e blu oltremare. Poi si passa ai fiori stessi e si delineano tonalità calde di rosa, gialli e verde chiaro. Con un sottile strato di smalto di colore blu oltremare, aggiungiamo delle ombre sui petali, creando così la forma di un fiore. Assicurati che molti dettagli e piccoli dettagli tracciati sullo sfondo non appaiano nel bouquet. Deve essere scritto generalmente, preferibilmente in modo grezzo, quando la vernice scorre da un colore all'altro, creando sfumature uniche. Quindi l'immagine non è dipinta, ma vivo.

disegna fiori di campo

Quando il lavoro con le forme grandi principali è terminato, aggiungi sfumature con un pennello sottile: steli e foglie in primo piano. Lo schizzo è pronto, ora può essere utilizzato in futuro per dipingere una natura morta con colori ad olio

Quando la parola "patria" è stata pronunciata davanti a Berg, ha sorriso. Non capiva cosa significasse. La patria, la terra dei padri, il paese in cui è nato - alla fine, non importa dove una persona è nata. Uno dei suoi compagni è addirittura nato nell'oceano su una nave mercantile tra l'America e l'Europa.

Dov'è la casa di questa persona? si chiese Berg. - L'oceano è davvero questa monotona pianura d'acqua, nera dal vento e che opprime il cuore con un'ansia costante?

Berg ha visto l'oceano. Quando studiò pittura a Parigi, si trovava sulle rive del Canale della Manica. L'oceano non era come lui.

Patria! Berg non provava alcun attaccamento né alla sua infanzia né alla piccola città ebraica sul Dnepr, dove suo nonno divenne cieco per la lotta e il punteruolo delle scarpe.

La città natale è stata sempre ricordata come un quadro sbiadito e mal dipinto, densamente infestato dalle mosche. Era ricordato come la polvere, il puzzo dolce dei cumuli di immondizia, i pioppi secchi, le nuvole sporche sopra le periferie, dove i soldati - i difensori della patria - trivellavano nelle baracche.

Durante la guerra civile, Berg non si accorse dei luoghi in cui doveva combattere. Alzò le spalle beffardo quando i combattenti, con una luce speciale negli occhi, dissero che, dicono, presto riconquisteremo i nostri luoghi nativi dai bianchi e daremo acqua da bere ai cavalli dal nativo Don.

Chiacchiere! disse cupo Berg. - Le persone come noi non hanno e non possono avere una patria.

Oh, Berg, anima da cracker! - risposero i combattenti con pesante rimprovero. - Che combattente e creatore di una nuova vita sei quando non ami la terra, eccentrico. E anche un artista!

Forse è per questo che Berg non ha avuto successo nei paesaggi. Preferiva il ritratto, il genere e infine il poster. Cercò di trovare lo stile del suo tempo, ma questi tentativi furono pieni di fallimenti e ambiguità.

Gli anni trascorsero sul paese sovietico come un vento forte: anni meravigliosi di lavoro e di superamento. Anni di esperienza accumulata, tradizioni. La vita si è trasformata, come un prisma, con una nuova sfaccettatura, e in essa i vecchi sentimenti erano freschi ea volte non del tutto chiari per Berg: amore, odio, coraggio, sofferenza e, infine, un senso di patria.

All'inizio dell'autunno, Berg ricevette una lettera dall'artista Yartsev. Lo chiamò a venire nelle foreste di Murom, dove trascorse l'estate. Berg era amico di Yartsev e, inoltre, non lasciò Mosca per diversi anni. È andato.

In una stazione morta dietro Vladimir, Berg salì a bordo di un treno a scartamento ridotto.

Agosto è stato caldo e senza vento. Il treno odorava di pane di segale. Berg sedeva sul predellino della carrozza, respirando avidamente, e gli sembrava di non respirare aria, ma una luce solare straordinaria.

Le cavallette urlavano nelle radure ricoperte di garofani bianchi secchi. Lo Tsolustanki odorava di fiori di campo poco saggi.

Yartsev viveva lontano dalla stazione deserta, nella foresta, sulla riva di un lago profondo con acque nere. Ha affittato una capanna da un guardaboschi.

Berg fu portato al lago dal figlio del guardaboschi Vanja Zotov, un ragazzo curvo e velato.

Il carro batteva sulle radici, scricchiolava nella sabbia profonda.

Orioles fischiò tristemente nel bosco. Di tanto in tanto una foglia gialla cadeva sulla strada. Nubi rosa si ergevano alte nel cielo sopra le cime dei pini d'albero.

Berg giaceva nel carro e il suo cuore batteva sordo e pesante.

"Deve essere dall'aria"? pensò Berg.

Il lago Berg vide improvvisamente attraverso un boschetto di foreste diradate.

Giaceva obliquamente, come se si levasse verso l'orizzonte, e dietro di esso cespugli di betulle dorate brillavano attraverso la foschia sottile. La foschia aleggiava sul lago dai recenti incendi boschivi. Le foglie cadute galleggiavano nell'acqua limpida, nera come catrame.

Berg ha vissuto sul lago Berg per circa un mese. Non aveva intenzione di lavorare e non portava con sé colori ad olio. Portò solo una piccola scatola di acquerelli francesi di Lefranc, ancora conservata dall'epoca parigina. Berg apprezzava molto questi colori.

Per giorni interi rimase nelle radure e guardò con curiosità i fiori e le erbe. Fu particolarmente colpito dall'euonymus: le sue bacche nere erano nascoste in una corolla di petali di carminio.

Berg raccolse rosa canina e profumato ginepro, lunghi aghi, foglie di pioppo tremulo, dove macchie nere e blu erano sparse sul campo di limoni, licheni fragili e chiodi di garofano appassiti. Esaminò attentamente le foglie autunnali dall'interno, dove il giallo era leggermente toccato da una leggera brina di piombo.

Gli olivastri nuotatori correvano nel lago, i pesci giocavano con fulmini opachi e gli ultimi gigli giacevano sulla superficie immobile dell'acqua, come su un vetro nero.

Nelle giornate calde, Berg sentiva un lieve tremore nella foresta.

Il caldo risuonava, erbe secche, scarafaggi e cavallette. Al tramonto, stormi di gru volavano sul lago verso sud con un tubare, e ogni volta Vanja diceva a Berg:

Sembra che gli uccelli ci stiano lanciando, volando verso i mari caldi.

Per la prima volta Berg sentì uno stupido insulto: le gru gli sembravano traditori. Abbandonarono senza rimpianti questa regione deserta, boscosa e solenne, piena di laghi senza nome, boschetti invalicabili, foglie secche, il rombo misurato dei pini e l'aria odorosa di resina e muschi di palude.

Freak! - notò Berg, e il sentimento di risentimento per le foreste che si svuotavano ogni giorno non gli sembrava più ridicolo e infantile.

Nella foresta, Berg una volta incontrò nonna Tatiana. Si trascinò da lontano, dal Recinto, raccogliendo funghi.

Berg vagò per i boschetti con lei e ascoltò senza fretta le storie di Tatyana. Da lei apprese che la loro regione - il deserto della foresta - era famosa per i suoi pittori fin dai tempi antichi. Tatyana gli disse i nomi di famosi artigiani che dipingevano cucchiai e piatti di legno con oro e cinabro, ma Berg non sentì mai questi nomi e arrossì.

Berg parlava poco. Di tanto in tanto scambiava qualche parola con Yartsev. Yartsev trascorse intere giornate a leggere, seduto sulla riva del lago. Neanche lui voleva parlare.

Ha piovuto a settembre. Frusciavano nell'erba. Riscaldavano l'aria e i boschetti costieri avevano un odore selvaggio e pungente, come la pelle bagnata di un animale.

Di notte le piogge frusciavano senza fretta nelle foreste lungo le strade sorde che non si sa dove, lungo il tetto di assi della portineria, e sembrava che fosse destinato a piovigginare per tutto l'autunno su questa regione boschiva.

Yartsev stava per partire. Berg si è arrabbiato. Come si può partire in mezzo a questo autunno straordinario. Berg sentiva il desiderio di Yartsev di andarsene adesso proprio come le gru erano partite una volta: era un tradimento. Che cosa? Berg difficilmente poteva rispondere a questa domanda. Un tradimento di foreste, laghi, autunno e, infine, un cielo caldo piovigginato di frequente.

Resto", disse Berg brusco. - Puoi correre, sono affari tuoi, ma voglio scrivere questo autunno.

Yartsev se ne andò. Il giorno successivo, Berg si è svegliato dal sole.

Non c'era pioggia. Le ombre leggere dei rami tremavano sul pavimento pulito, e dietro la porta brillava di un azzurro calmo.

La parola "splendore" Berg incontrava solo nei libri dei poeti, la considerava alta e priva di un significato chiaro. Ma ora ha capito con quanta precisione questa parola trasmetta quella luce speciale che viene dal cielo e dal sole di settembre.

Una ragnatela volava sul lago, ogni foglia gialla sull'erba bruciava di luce come un lingotto di bronzo. Il vento portava l'odore dell'amaro della foresta e delle erbe appassite.

Berg prese colori e carta e, senza nemmeno bere il tè, andò al lago. Vanja lo portò sull'altra sponda.

Berg aveva fretta. Le foreste, illuminate obliquamente dal sole, gli sembravano cumuli di minerale di rame leggero. Gli ultimi uccelli fischiavano pensosi nell'aria azzurra e le nuvole si dissolvevano nel cielo, salendo allo zenit.

Berg aveva fretta. Voleva dare tutta la forza dei colori, tutta l'abilità delle sue mani e un occhio acuto, tutto ciò che da qualche parte tremava nel suo cuore, dare questa carta per rappresentare almeno un centesimo dello splendore di queste foreste morenti maestosamente e semplicemente.

Berg ha lavorato come un indemoniato, cantando e gridando. Vanya non l'aveva mai visto così. Seguì ogni mossa di Berg, gli cambiò l'acqua della vernice e gli porse tazze di porcellana piene di vernice da una scatola.

Un cupo crepuscolo passò in un'onda improvvisa attraverso il fogliame. L'oro svanì. L'aria si affievolì. Un mormorio distante e minaccioso si diffuse da un bordo all'altro delle foreste e si spense da qualche parte al di sopra delle aree bruciate. Berg non si voltò indietro.

La tempesta sta arrivando! gridò Vanja. - Dobbiamo andare a casa!

Temporale d'autunno, - rispose distrattamente Berg e iniziò a lavorare ancora più febbrilmente.

Il tuono squarciava il cielo, l'acqua nera tremava, ma gli ultimi riflessi del sole vagavano ancora nelle foreste. Berg aveva fretta.

Vanja gli tirò la mano:

Guardare indietro. Guarda che paura!

Berg non si voltò. Con la schiena sentiva che da dietro uscivano tenebre e polvere selvaggia: già le foglie volavano sotto un acquazzone e, in fuga da un temporale, uccelli spaventati volavano bassi sul sottobosco.

Berg aveva fretta. Mancavano solo pochi colpi.

Vanja gli prese la mano. Berg sentì un rapido rombo, come se gli oceani stessero venendo verso di lui, inondando le foreste.

Poi Berg si guardò indietro. Fumo nero cadde sul lago. Le foreste ondeggiarono. Dietro di loro, l'acquazzone rimbombava come un muro di piombo, tagliato da fulmini. La prima caduta pesante mi ha colpito la mano.

Berg nascose rapidamente lo studio in un cassetto, si tolse la giacca, vi avvolse il cassetto attorno e afferrò una scatoletta di acquerelli. Lo spruzzo d'acqua mi ha colpito la faccia. Le foglie bagnate turbinavano come una bufera di neve e accecavano i loro occhi.

Un fulmine ha spaccato un pino vicino. Berg è sordo. Dal cielo basso cadde un acquazzone e Berg e Vanja si precipitarono alla canoa.

Bagnati e tremanti dal freddo, Berg e Vanya raggiunsero la capanna un'ora dopo. Nella portineria, Berg ha scoperto la perdita di una scatola di acquerelli. I colori erano persi: i magnifici colori di Lefranc. Berg li ha cercati per due giorni, ma ovviamente non ha trovato nulla.

Due mesi dopo, a Mosca, Berg ricevette una lettera scritta a caratteri grandi e goffi.

"Salve, compagno Berg", scrisse Vanja. - Scrivi cosa fare con i tuoi colori e come consegnarteli. Dopo che te ne sei andato, li ho cercati per due settimane; Papà dice che avevo la polmonite ai polmoni. Quindi non arrabbiarti.

Mandami, se possibile, un libro sulle nostre foreste e tutti i tipi di alberi e matite colorate: voglio davvero disegnare. Avevamo già la neve che cadeva, ma si è sciolta, e nella foresta, dove sotto una specie di albero di Natale, guardi, e una lepre è seduta. In estate vi aspettiamo nei nostri luoghi natii.

Rimango Vanja Zotov.

Insieme alla lettera di Vanya, hanno portato un avviso sulla mostra: Berg avrebbe dovuto parteciparvi. Gli è stato chiesto di raccontare quante sue cose e con quale nome esporrà.

Berg si sedette al tavolo e scrisse velocemente:

“Espongo solo uno studio ad acquerello, realizzato da me quest'estate, il mio primo paesaggio.”

Era mezzanotte. La neve arruffata cadeva fuori sul davanzale della finestra e brillava di fuoco magico - il riflesso dei lampioni. Nell'appartamento accanto, qualcuno stava suonando la sonata di Grieg al pianoforte.

L'orologio sulla Torre Spasskaya suonava costante e lontano. Poi hanno iniziato a suonare "Internationale".

Berg rimase seduto a lungo sorridendo. Naturalmente, darà i colori di Lefranc a Vanya.

Berg ha voluto tracciare i modi intangibili in cui ha sviluppato un senso chiaro e gioioso della sua terra natale. È maturato per anni, decenni di anni rivoluzionari, ma l'ultimo impulso è stato dato dalla regione forestale, dall'autunno, dalle grida delle gru e da Vanya Zotov. Come mai? Berg non riuscì a trovare una risposta, sebbene sapesse che era così.

Oh, Berg, anima da cracker! - ha ricordato le parole dei combattenti. - Che combattente e creatore di una nuova vita sei quando non ami la tua terra, eccentrico!

I combattenti avevano ragione. Berg sapeva che ora era legato al suo paese non solo con la sua mente, non solo con la sua devozione alla rivoluzione, ma con tutto il suo cuore, come artista, e che l'amore per la sua patria rendeva calda la sua vita intelligente, ma asciutta, allegro e cento volte più bello di prima.

Biblioteca
materiali

Syktyvkar, Russia

(da esperienza lavorativa)

annotazione

Questo articolo discutela possibilitàacquerellocome un artetecnologiae metodimessa in piegamotivo, come metodo diformandoil futurocreativitàdell'artista.

L'autore analizza iltecnicotrucchi emodi di lavorareinacquerelli ediritti d'autoresono offertiraccomandazioniper l'attuazione dischizzi ad acquerelloper resisteregraficamenteespressivostile dilavoro.

Parole chiave:

acquerello, la pitturatecnologia, tecniche, mezzo di espressione, all'aria apertaacquerello, acquerelloschizzo; artistasuggerimenti;

Il corso accademico "pittura" nel sistema di formazione professionale è finalizzato a padroneggiare le tecniche delle varie tecnologie pittoriche nel processo di studio della teoria della scienza del colore e della colorazione. Nell'insegnamento classico della “Pittura Accademica” era opportuno iniziare con lo studio della tecnologia dell'acquarello e quindi, nella pratica dell'insegnamento, gli studenti iniziavano a percepire “l'acquerello” come una tecnologia pittorica e, di conseguenza, la formazione si basa sulla pratica di padroneggiare le tecniche pittoriche. Oggi non è popolare iniziare il corso di padronanza delle tecniche pittoriche con la padronanza della tecnologia dei colori ad acquerello, poiché la tecnologia richiede pazienza, perseveranza, attenzione da parte degli studenti, che non è sempre facile per gli studenti ed è difficile da assimilare nel processo educativo. Tuttavia, l'acquarello utilizzato nel processo di insegnamento della pittura può formare modi di pensiero creativo degli studenti se includono compiti di formazione nel corso di formazione che consentono di interpretare la pittoricità delle tecniche dell'acquerello in punti e linee graficamente espressivi che esaltano il contenuto del "motivo " Immagine.

Arturo Fonvizin.

Bibliografia

1.Acquerello magico di Artur Fonvizin. Codice d'accesso

Appendice

Torlopova NG Casa di marzapane. 2007, boom. acquerello

Torlopova NG Vecchia betulla. 2007, boom. acquerello

Torlopova NG capanna. 2013, boom. acquerello

Torlopova NG Obyachevsky ha dato il 2007, boom. acquerello

Trova materiale per qualsiasi lezione,
indicando materia (categoria), classe, libro di testo e argomento:

puoi anche scegliere il tipo di materiale:

Breve descrizione del documento:

Natalia Gennadievna Torlopova

Syktyvkar, Russia

INTERPRETAZIONE GRAFICA DI UNO STUDIO DI ACQUERELLO

(da esperienza lavorativa)

annotazione

L'articolo discute le possibilità dell'acquerello come tecnologia artistica e i modi per stilizzare un motivo come metodo che forma la creatività di un futuro artista.

L'autore dell'articolo analizza le tecniche e i metodi tecnici di lavoro in acquerello e offre i consigli dell'autore per la realizzazione di uno schizzo ad acquerello, consentendo di mantenere lo stile graficamente espressivo dell'opera.

Questo articolo discute la possibilità dell'acquarello come motivo artistico, tecnologia e metodi, come metodo per formare la futura creatività dell'artista.

L'autore analizza il trucchi tecnici e modi di lavorare con gli acquerelli e i diritti d'autore vengono offerti consigli per l'implementazione di schizzi ad acquerello per resistere a uno stile di lavoro graficamente espressivo.

Parole chiave: acquerello; tecnologia della pittura; tecnica; mezzi di espressione; acquerello plein air; studio dell'acquerello; consulenza artistica;

acquerello, tecnica pittorica, tecniche, mezzi espressivi, acquerello plein air, schizzo ad acquerello;artista suggerimenti;

Il corso accademico "pittura" nel sistema di formazione professionale è finalizzato a padroneggiare le tecniche delle varie tecnologie pittoriche nel processo di studio della teoria della scienza del colore e della colorazione. Nell'insegnamento classico della "Pittura Accademica" era opportuno iniziare con lo studio della tecnologia dell'acquarello e quindi nella pratica dell'insegnamento, gli studenti iniziavano a percepire "l'acquerello" come una tecnologia della pittura e, di conseguenza, la formazione si basa sulla pratica di padronanza delle tecniche pittoriche. Oggi non è popolare iniziare il corso di padronanza delle tecniche pittoriche con la padronanza della tecnologia dei colori ad acquerello, poiché la tecnologia richiede pazienza, perseveranza, attenzione da parte degli studenti, che non è sempre facile per gli studenti ed è difficile da assimilare nel processo educativo. Tuttavia, l'acquarello utilizzato nel processo di insegnamento della pittura può formare modi di pensiero creativo degli studenti se includono compiti di formazione nel corso di formazione che consentono di interpretare la pittoricità delle tecniche dell'acquerello in punti e linee graficamente espressivi che esaltano il contenuto del "motivo " Immagine.

L'acquerello è una tecnica artistica interessante ma complessa. Con l'aiuto dell'acquerello, puoi creare meravigliosi schizzi pittoreschi che trasmettono una leggera sfumatura di colore e hanno transizioni delicate da un colore all'altro. Le tecniche classiche della pittura ad acquarello permettono di tradire sottilmente lo spazio pittorico e scolpire il volume degli oggetti raffigurati con un illusorio trasferimento di matericità.

L'acquerello era in origine una tecnologia grafica: eseguiva illustrazioni di manoscritti e libri, progetti architettonici e schizzi di prodotti artistici. E oggi è popolare tra i grafici per la creazione di illustrazioni e fogli grafici da cavalletto. Nella pratica degli artisti moderni che lavorano con gli acquerelli, la soluzione pittorica dello schizzo non è così comune, che rappresenta tecnicamente una varietà di sfumature e sfumature di colore della macchia plastica. Per rendere uno schizzo più pittoresco, gli artisti usano spesso la tecnica "bagnata", che consente alle vernici di stendersi liberamente sulla carta, scorrere e mescolarsi arbitrariamente, creando morbidezza e una maggiore associatività del colore utilizzato. Ma non è un dato di fatto che solo la carta bagnata aiuti a risolvere i problemi di verniciatura. Nella storia dell'acquarello c'è un esempio di approccio diverso. Queste sono opere ad acquerello di un eccezionale artista russoArturo Fonvizin.“Alcuni artisti e storici dell'arte ritengono che Fonvizin abbia dipinto i suoi acquerelli sulla superficie bagnata della carta. Questo non è vero. L'artista non ha lavorato su carta pre-inumidita, quando è interamente dipendente dai capricci della pittura che si stende su carta bagnata. Nonostante il fatto che l'artista abbia lavorato con la tecnica dell'acquerello "secco su secco", che ha comportato un'attenta considerazione della sequenza di applicazione degli strati di pittura, il risultato è stato freschezza e sonorità del colore, immediatezza di esecuzione e l'apparente leggerezza di un acquerello individuare. Una certa incompletezza delle sue opere dà l'impressione di una particolare concisione ed espressività.

Il lavoro artistico in acquarello implica un'elevata qualità esecutiva e richiede all'artista virtuosismo e coraggio nel padroneggiare il materiale artistico. Per molti artisti, l'acquerello rimane la tecnologia preferita nella realizzazione della creatività. Se, nel processo educativo con gli studenti, utilizziamo non solo il suo potenziale pittorico, ma anche le sue reali possibilità grafiche ad acquerello, impostando compiti in schizzi didattici per l'interpretazione di un luogo pittoresco in un'immagine graficamente espressiva degli elementi del raffigurato " motivo", quindi questo ci offre modi reali per formare la creatività degli studenti. Questi possono essere compiti: limitare la tavolozza dei colori a 3 colori; tenendo conto delle caratteristiche associative della forma della macchia di colore; tenendo conto del tono dello spot e della sua posizione, per risolvere i piani spaziali; risolvendo lo schizzo con linee diverse per esecuzione tecnica e natura di pressione, oppure linee che variano a seconda della natura dell'attrezzatura utilizzata (pennello, poke, spatola, spazzola di setole, pettine...), ecc.

Tra gli artisti della nostra repubblica, ci sono diversi nomi che, ovviamente, privilegiano questa tecnologia nella loro attività creativa e ne usano le capacità tecniche secondo il loro personale metodo di interpretazione. Questi sono Vladimir Kokachev, Tatyana Vasilyeva e Vitaly Trofimov. Pertanto, le opere di V. Kokachev, realizzate con la tecnica "bagnata", danno l'impressione di morbida plasticità, leggerezza e insolitamente allegro, perché l'autore non ha paura di introdurre il colore puro nell'immagine. Le opere ad acquerello di Tatyana Vasilyeva sono poetiche e sottili nelle sfumature di colore, contengono una sorta di interpretazione dell'autore: gentile, lirica e femminile. I paesaggi ad acquerello di Vitaly Trofimov sono energici, potenti con i loro riempimenti bagnati e allo stesso tempo ricchi elementi di colore, abilmente organizzati in un sobrio colore nordico, che trasmettono l'impressione di monumentalità e significato determinati dalla tavolozza limitata di colori utilizzati dall'artista. Questo è ciò che rende i suoi acquerelli così forti, che implementano il tema preferito dell'artista: un paesaggio circumpolare unico. Ogni artista sa trovare nell'acquarello le tecniche adeguate, corrispondenti alla sua personale percezione del mondo che lo circonda. Il loro lavoro vive al limite dei tipi di "pittura" e "grafica".

Affinché un artista acquisisca esperienza pratica nell'acquarello, oltre a lavorare in un laboratorio di formazione, può essere più utile andare all'aria aperta. L'ambiente luminoso in rapido mutamento limita il tempo per completare lo studio, durante il quale si concentrano l'esperienza e la conoscenza dell'artista, che guidano intuitivamente la mano dell'artista e interpretano istantaneamente l'osservato in un'immagine artistica. Grazie alla sua imprevedibile fluidità, plasticità, leggerezza di tono, combinata con una varietà di tecniche e una varietà di attrezzature, è possibile completare uno schizzo, sia mediante colorazione pittorica, sia risolverne l'immagine utilizzando strumenti di schizzo grafico. Un foglio grafico può anche essere creato dalla memoria in un laboratorio sulla base di un pittoresco schizzo ad acquerello creato in un ambiente all'aperto, che ti permetterà di pensare alla composizione dell'opera, al corso della sua realizzazione, per così dire, dirigere e costruire una “immagine”.

Gli schizzi ad acquarello, da noi eseguiti all'aria aperta, possono essere definiti come il genere della "grafica da reportage". Schizzi veloci catturano un paesaggio o un motivo architettonico, lo stato di luce o la ricchezza cromatica dell'ambiente naturale, quasi come dei "servizi fotografici" dalla scena. Ma quasi ogni motivo creato nel processo di osservazione dello stato della natura ed eseguito con gli acquerelli porta la propria esperienza personale ed emotiva. L'album con schizzi e studi conserva nella memoria ciò che lo spettatore indifferente ha visto: paesaggi e architetture, panorami e caratteristiche del paesaggio. In uno studio, l'artista può catturare l'impressione momentanea dell'ora del giorno o della stagione, che può essere espressa dalla scelta di una tavolozza di colori, dal colore o dal carattere dell'esecuzione dei punti nelle immagini o dalle loro combinazioni. Lo stato e il contenuto dell'opera risentono anche dell'esplosione emotiva che l'artista sperimenta quando percepisce questo o quel paesaggio attraverso il quale sta attualmente viaggiando. Lo stato di luce dell'ambiente sta cambiando così rapidamente che all'aria aperta non è necessario sforzarsi di fare lunghi studi. Non necessariamente nel processo di esecuzione di uno schizzo ad acquerello, ci sforziamo di trasmettere solo una "copia" esatta del fenomeno osservato o del motivo paesaggistico scelto o del colore dell'ambiente. Nel processo di elaborazione dello schizzo, c'è un'interpretazione una tantum di ciò che ha visto nell'immagine sul foglio. La forma e la configurazione delle macchie esalta l'immagine artistica che l'artista crea. La scelta del colore e delle soluzioni colore-tonali, la varietà o, al contrario, la limitatezza delle sfumature esaltano e concretizzano il dipinto. Il contorno formato di combinazioni di colori e macchie porta l'estetica allo studio finito. Il tempo per l'esecuzione dello studio è il più breve possibile, viene eseguito entro 20-30 minuti, quindi richiede all'esecutore di concentrare la massima attenzione durante l'osservazione. Dopo aver riempito i punti principali del motivo con il colore, al primo strato viene data l'opportunità di asciugarsi. I dettagli vengono rifiniti a secco, mentre si cambiano le dimensioni e la natura del pennello, o viene utilizzata altra attrezzatura (spatola, setole secche). Il metodo descritto per eseguire lo studio riflette il nostro modo individuale e la paternità dello stile di esecuzione negli studi ad acquerello plein-air. Una tale decisione non nasce da zero, ciò richiede esperienza tecnica e creativa accumulata nell'acquerello.

La formazione del proprio stile grafico ad acquarello è stata aiutata da numerosi esperimenti per consolidare le disposizioni della teoria della scienza del colore e da un attento studio dei mezzi e delle tecniche compositive del pubblico durante l'esecuzione di varie nature morte.

La sequenza e alcuni metodi di lavoro con gli acquerelli durante la creazione di uno schizzo di un motivo paesaggistico, stilisticamente generalizzato in un foglio grafico, cercheremo di rivelare in questo articolo e offrire alcuni consigli agli studenti per padroneggiare questa esperienza.

Cosa definisce i nostri schizzi ad acquerello come immagini grafiche? I mezzi espressivi dell'arte grafica sono la macchia tonale, la linea e il modo tratteggiato di ottenere la macchia, che dipende in gran parte dal temperamento dell'artista. Le immagini nella scheda grafica hanno gradazioni tonali espressive e sagome o contorni chiaramente identificabili. Nel processo di scrittura di un motivo paesaggistico, il momento iniziale di riflessione sull'ordine di applicazione delle macchie di colore è molto importante: grande e medio, che determinano i grandi rapporti tonali del dipinto. Quindi si assumono le scale degli elementi, la loro forma e la dinamica delle sagome, la disposizione delle combinazioni di macchie in un dato formato, in modo da ottenere il loro equilibrio stabile. E solo dopo si procede allo schizzo. Il disegno dovrebbe essere abbastanza completo e dettagliato. In esso, risolviamo immediatamente i problemi della composizione generale del motivo, tenendo conto della scala delle grandi masse del paesaggio: cielo, terra, oggetti e immagini panoramiche, elementi che determinano il centro compositivo e l'idea di \ il motivo. Quando si lavora su un disegno di un paesaggio, non utilizzare attivamente una gomma che danneggi la superficie del foglio. Quando si esegue uno studio lungo e multi-sessione, è meglio realizzare un cartone dettagliato preliminare su carta sottile e trasferirlo con cura sulla torcia. Se lo studio viene eseguito in una sessione, si consiglia di eseguire il disegno con blu oltremare diluito utilizzando un pennello sottile.

Prima di iniziare a lavorare con le vernici, è necessario inumidire l'intera superficie del foglio con acqua con una spugna per eliminare la colla in eccesso, la polvere o l'eccessiva secchezza del torchon. Il lavoro a colori dovrebbe iniziare con i toni più chiari e finire con colori scuri, caldi e densi e pennelli semi-asciutti.

Per ogni singola opera limitiamo il gruppo di colori, la cosiddetta tavolozza dei colori: meglio limitarla a 4-5 colori. Colori che, grazie alla loro diversa miscelazione, consentono di creare sia ricchezza tonale che combinare olisticamente gli elementi del motivo in un colore necessario e unificato. Per ottenere una ricchezza di contrasti cromatici ed evidenziare gli accenti compositivi del motivo, il gruppo di colori selezionato contiene sempre colori dai toni caldi e freddi.

Quando si lavora con gli acquerelli, è molto importante seguire la tecnologia di miscelazione delle vernici e la sequenza di applicazione al foglio di lavoro. Ogni strato successivo viene applicato su quello precedente accuratamente asciugato. Ci vogliono dai venti minuti a un'ora per completare uno schizzo di un motivo paesaggistico, paradossalmente la fretta nel lavoro non è necessaria e persino dannosa. Perché è così importante per i principianti seguire la catena tecnologica in acquerello? Ciò è collegato, in primo luogo, con le caratteristiche tecniche dell'acquerello e con la conservazione della sua proprietà principale: la trasparenza.

Tradizionalmente, iniziamo a lavorare su uno studio del paesaggio riempiendo il cielo, cercando di creare immediatamente un'eventuale grafica nuvola, se presente. Oppure, con un pennello largo riempito di colore, giochiamo dinamicamente e versiamo il colore sulla superficie, che definiamo cielo. Finché la vernice scorre liberamente sulla carta bagnata, è possibile complicare la combinazione di colori quando si aggiungono altri colori, come l'ocra o il rosa. Quando si lavora su un punto del cielo, è necessario agire con un pennello in modo rapido e attento in modo da lasciare aree di carta bianca in alcuni punti per risolvere la luce, il motivo o l'abbagliamento di alcune sezioni delle nuvole, il cielo.

Quando si lavora su uno studio, si dovrebbero anche tenere conto delle caratteristiche spaziali dei toni caldi e freddi, che aiutano a risolvere correttamente i problemi tonali dei piani pittorici. Pertanto, puoi prendere molto blu sul pennello (oltremare, FC, cerelium o cobalto, a seconda dello stato della giornata) e mentre la carta è bagnata, delinea la linea di sfondo con un tratto orizzontale dinamico. I dettagli non sono necessari qui, qui è importante ottenere il contrasto tra il cielo e la linea di terra.

Lo stile grafico dello studio si caratterizza anche per il modo o con quali modalità introduciamo macchie di colore nello spazio del formato che si sta sviluppando. La prospettiva aerea richiede l'uso competente delle qualità spaziali del colore: lo sviluppo tonale dei piani richiede l'uso di vernici blu e colori diluiti con acqua nell'immagine dello sfondo; e calde immagini di grandi elementi con forti contrasti cromatici quando si raffigura il primo piano dello studio. Le sagome degli elementi del motivo da noi raffigurato sono chiaramente rivelate dal metodo di macchie piatte e stilizzate, senza trasmettere l'illusione del volume. Il colore della macchia negli studi non risulterà mai uniforme e monocolore, perché. questo non ti permetterà di rendere l'acquerello stesso: fluido e mobile. Nella prima fase di registrazione, riempiamo completamente il formato, con toni e colori più chiari, che ci permetteranno poi di inserire gli elementi in primo piano nella fase successiva, secondo il pad colorato precedentemente scritto. Una delle caratteristiche importanti degli acquerelli si manifesta nell'ottenere una macchia di colore ben visibile sulla carta, anche con una bassa saturazione del suo colore. Pertanto, non è necessario ottenere una tonalità e un colore degli oggetti raffigurati davvero osservabili (puoi prendere un paio di toni più chiari o, al contrario, più scuri). Ma le relazioni tonali-luce tra i grandi elementi del paesaggio e nella trasmissione dell'illuminazione e il volume dei dettagli devono essere osservate nel modo più accurato possibile.

Dopo aver determinato grandi relazioni colore-tono, quando non sono rimaste praticamente sezioni di carta bianca, iniziamo uno studio più dettagliato delle singole sagome espressive: vengono introdotti i dettagli più espressivi e caratteristici del motivo paesaggistico: case, alberi, erba, ecc. (vedi "Vecchia Betulla"). Le loro macchie non devono avere un piano denso e uniforme, il colore in esso contenuto può essere distribuito dal chiaro allo scuro o viceversa. Nello spot stesso è possibile riempire con varie sfumature, ma di un'unica tonalità. Non va dimenticato che il colore dello studio è condizionale. Tutto ciò permette di correlare questa macchia con un'immagine specifica, ad esempio la chioma di un albero può avere una macchia, che si arricchisce di varie sfumature in maniera libera “a la prima” in un solo passaggio, ma non più di 2 -3 colori. In questa fase del lavoro, l'organizzazione della composizione del foglio, pensata in precedenza, ci aiuta: dirigere gli elementi e i dettagli principali, selezionare i dettagli importanti e caratteristici. Il lavoro si fa con pennelli di media grandezza, i riempimenti si fanno quando è più ricco e quando è più trasparente. La sfumatura del colore dell'oggetto si ottiene sia miscelando più vernici, sia mediante un colore puro diluito con diverse quantità di acqua. Questo è consentito sul grafico. Puoi introdurre con molta attenzione soluzioni di fuliggine, poiché questa vernice ti consente di attutire un tono molto luminoso del punto o di portarlo nelle profondità dello spazio dello studio. Per chiarire le relazioni spaziali nello schizzo, è utile utilizzare colori blu oltremare o smeraldo diluiti, che hanno la qualità soggettiva di rimuovere l'immagine nella profondità del formato e hanno le qualità di smaltatura.

Per formare le masse tonali degli elementi del paesaggio nell'opera, è necessario utilizzare le varie potenzialità tecniche di pennelli e attrezzature artistiche. Per il cielo e la terra: spazzole larghe per flauto o grandi numeri rotondi. Per i dettagli: il filo più sottile prima numera "scoiattoli" e "colonne", ventaglio o persino spazzole di setole. Per schizzi di grande formato, puoi anche usare una spugna. Per la grafica e il dettaglio degli elementi, si possono utilizzare le seguenti tecniche: “spruzzare”, “spiccare”, “graffiare” con un pettine, un coltello, il rovescio del pennello o una spatola; per creare una texture o una sorta di motivo grafico si utilizza la tecnica del “goffratura”: quando un frammento di materiali strutturati (maglieria, cartone ondulato, pelle, ecc.) viene applicato su una superficie colorata bagnata. La scelta dell'accoglienza è priva di principi, è dettata dal nostro stato d'animo emotivo nel lavoro e dal materiale a portata di mano.

A completamento dello studio, si può ancora una volta prestare attenzione all'elaborazione grafica lineare dei dettagli in modo da conferire al paesaggio una completezza grafica stilistica. Il lavoro viene eseguito con pennelli sottili. Puoi anche tracciare linee che rifiniscono la forma e caratterizzano alcuni dettagli fini delle immagini. Il traforo del disegno può essere suggerito dal riempimento stesso della silhouette o dal contorno degli elementi principali dell'immagine del paesaggio. L'introduzione di tale tecnica attenua l'eccessivo contrasto della silhouette e conferisce morbidezza e plasticità al disegno. La messa a punto, quindi, uno studio è tipico per il lavoro svolto in più sessioni.

In alcune opere, questa fase viene omessa. Ciò accade quando, durante lo sviluppo iniziale delle relazioni colore-tonali, si ottengono quasi immediatamente macchie di colore laconiche e caratteristiche, delineando chiaramente gli elementi necessari del motivo e caratterizzandoli accuratamente. Tali schizzi riflettono il metodo "a la prima" noto nella pratica pittorica. In questo caso, disegnare con piccoli pennelli è appropriato per elaborare i dettagli del primo piano.

Sulla base dell'esperienza pratica descritta, è possibile formulare una serie di raccomandazioni. Uno schizzo ad acquerello di un paesaggio in modo grafico è, a colpo sicuro, una soluzione ai seguenti compiti:

1. osservazione di oggetti immagine, evidenziando caratteristiche e tipici in essi;

2. creazione di piani spaziali chiari (lontano, medio e primo piano);

3. rispetto della filiera tecnologica nella lavorazione degli acquerelli;

4. ottenere una silhouette bella ed espressiva, eseguita mediante riempimento ad acquerello;

5. elaborare la tecnica per riempire un punto della sagoma di un oggetto immagine, creando una combinazione di punti sottili di colore e trasparenza;

6. raffinatezza grafica - le linee del disegno del motivo e degli elementi, realizzati con pennelli sottili.

Bibliografia

1. Acquarello magico di Artur Fonvizin. Codice d'accesso http://mizrah.ru/post155983442/

Lascia il tuo commento

Fare domande.

Una delle cose più straordinarie del Maine sono le sue spiagge rocciose, disseminate di ciottoli di tutte le forme, colori e dimensioni. Quest'anno ho finalmente deciso di catturare questa pietra multicolore in acquerello. Ed ecco cosa ho...

Volete sapere come sono riuscita a creare queste curiose texture sulle pietre e questa cornice ondulata? Leggi e scopri!

Una sera, con la bassa marea, io e il mio amico siamo andati in spiaggia a fare un paio di schizzi.

Mentre il mio amico mi disegnava diligentemente, mi concentravo sul mucchio di pietre ai miei piedi.

Per prima cosa, ho disegnato i contorni generali delle pietre con una matita.

Ho quindi tracciato il disegno con una penna stilografica e inchiostro nero e ho applicato la prima mano di acquerello sul bagnato.

Ho cercato di ottenere la diversità dei colori, alternando tonalità più scure a tonalità luminose e contrastanti.

In alcuni casi, ho aspettato che la vernice si asciugasse leggermente e ho aggiunto un po' più di sfumature leggermente più scure. Ecco come sono risultate le macchie, con l'aiuto delle quali posso quindi creare una texture sulle pietre.

Questo è tutto ciò per cui ho avuto tempo sulla spiaggia. Il sole stava già tramontando e avevo bisogno di cucinare la cena, quindi ho preparato le mie cose e sono tornato a casa.

A casa, in studio, ho continuato a lavorare sul disegno e mi sono concentrato sulla creazione di texture, ho inumidito leggermente l'acciottolato grigio nell'angolo in alto a sinistra e ho preso un paio di acquerelli scuri e terrosi, una matita nera per acquerelli e uno spruzzatore di vernice. . Tenendo lo spruzzatore sopra la pietra, ci ho strofinato un po' la mina, come su una grattugia, in modo che le particelle di pigmento cadessero sul disegno.

Dopo essersi leggermente inzuppati, si sono attaccati alla carta e hanno iniziato ad assomigliare alla trama del granito.

(Quando la carta è asciutta, le particelle di pigmento in eccesso possono essere rimosse girando il foglio a faccia in giù e picchiettandolo leggermente sul lato opposto)

Ho usato la stessa tecnica sulla pietra grigia nell'angolo in basso a sinistra del disegno, ma questa volta ho preso un pennello rotondo e ho toccato leggermente le schegge di matita in alcuni punti per ammorbidire un po' l'effetto e dare alla pietra un tocco personalità.

Quando volevo dare al sassolino un aspetto puntinato, ho realizzato queste macchie applicando la punta di un pennello tondo sulla carta...

E poi ha imbrattato leggermente la vernice con il dito in modo che i granelli non apparissero così ordinati.

Questo metodo è molto efficace per creare una trama screziata.

Mentre andavo avanti, ho aggiunto più strati di acquerello sopra la mano di fondo asciutta per approfondire i colori e delineare le ombre. Ho messo un po' di sale in alcuni punti.

Dopo l'essiccazione del sale, il risultato è stato una texture espressiva perfetta per la pietra di granito.

Ecco come appariva il disegno in una fase iniziale, quando ho appena iniziato ad aggiungere trame...

Quando volevo aggiungere consistenza a una pietra, ma ero preoccupato che la vernice si attaccasse a quelle vicine, ho usato del nastro adesivo per isolarla.

Ho tagliato un pezzo di pellicola (fuori misura di circa 2 cm per lato della pietra), l'ho applicato sulla zona su cui stavo per lavorare e, utilizzando un'affettatrice, ho tagliato con cura la pellicola attorno alla pietra (attenzione a non tagliare la carta).

Quindi ho rimosso il pezzo di pellicola tagliato da quest'area.

Ho ricoperto le parti circostanti del foglio con strisce di carta. Ora che tutta la carta intorno è protetta, puoi aggiungere texture in qualsiasi modo. Ad esempio, qui ho applicato la vernice con un involucro di plastica accartocciato...

Ho spruzzato la vernice su questo acciottolato e poi ho asciugato parte dello spray per renderlo più leggero, lasciando gli altri intatti.

Quando tutti i bordi sono ricoperti di pellicola, diventa facile applicare la vernice su piccoli ciottoli con una spugna.

Quando ho finito con la spugna e gli schizzi, ho rimosso la pellicola.

Dopo essere stato soddisfatto delle trame e delle ombre sulle rocce, ho aggiunto le ombre discendenti. Quando ho scattato la foto di schizzo sulla spiaggia, il sole stava già tramontando e le ombre proiettate erano molto espressive. Ora ho deciso di concedermi un po' di libertà creativa e di tornare indietro nel tempo accorciando le ombre. (Chiedo scusa, mi sono dimenticato di fare una foto del passaggio con le ombre).
Gli ultimi passaggi sono stati l'aggiunta di crepe e scanalature ad alcune delle pietre.

e schizzi di acquarello bianco opaco su questo sassolino.

Usando vernice bianca opaca diluita con acqua, ho dipinto delle venature chiare su una delle grandi pietre. Non volevo che la vernice bianca risaltasse troppo sullo sfondo generale.

Il dipinto è finito! Ho avuto la parte più difficile, dovevo decidere cosa fare con lo spazio bianco circostante.

Ho deciso di realizzare una cornice con del nastro adesivo. Ho strappato i pezzi di nastro verde per il lungo in due metà in modo che i bordi risultassero irregolari e ondulati.

Poi ho incollato i pezzi di nastro adesivo a circa 5 mm dal disegno, con i bordi verso l'esterno, in modo che si intersechino agli angoli. (Prima di utilizzare il nastro adesivo, assicurati di incollarlo un paio di volte su un tessuto, questo lo renderà meno appiccicoso e ti eviterà il rischio di strappare la carta se devi staccarla).

Ho tagliato lo strato superiore del nastro negli angoli con un'affettatrice con un angolo di 45 gradi.

Quindi ho tagliato il pezzo di nastro in più che sporgeva dal bordo.

Si è rivelato essere un angolo pulito.

È ora di dipingere lo spazio rimanente attorno ai bordi. Dato che stavo per scrivere bagnato, ho messo dei tovaglioli di carta sotto questo foglio per mantenere la vernice fuori dall'album. Dopo aver mescolato le stesse tonalità usate per le pietre, ho iniziato ad applicare generosamente la vernice attorno ai bordi del disegno.

Era molto importante mantenere la giusta consistenza. I colori dovrebbero fluire senza intoppi l'uno all'altro, ma non completamente miscelati. Ho ottenuto un effetto tale che tutte le sfumature erano chiaramente distinguibili e riecheggiavano con i colori delle pietre e non si fondevano in un pasticcio sporco.

Dopo che i bordi si sono asciugati, ho rimosso il nastro adesivo e ho scoperto che in alcuni punti degli angoli la vernice scorreva ancora sotto di esso. Accidenti!

Niente panico! Ho raccolto parte della vernice con un pennello asciutto e ciò che non potevo rimuovere, l'ho semplicemente dipinto con acquerello bianco opaco.

Ora potremmo continuare a lavorare sul design del telaio. Per facilitare il lavoro, avevo bisogno di un pezzo di fitta rete per finestre. L'ho appena messo su carta e ci ho disegnato delle linee rette con una matita, irradiando dal centro del foglio ai bordi a una distanza di circa 5 mm l'uno dall'altro.

Questo metodo è conveniente per contrassegnare linee parallele senza misurazioni lunghe e scrupolose.

L'unico problema è stato che una volta ho rotto la matita sulla griglia, ma in ogni caso è successo molto più velocemente che se avessi usato un righello.

Ho cerchiato ogni riga con una penna stilografica...

Le linee agli angoli sono state disegnate a mano.

Tutto sembra fantastico, ma ho deciso di andare oltre. Come sempre!

Ho incollato una striscia di nastro adesivo a 1 cm dal bordo della carta da usare come guida.

Ho quindi disegnato delle linee dal nastro al bordo della carta tra le linee già disegnate per scurire il bordo attorno ai bordi.

Lavoro completato!

Ero tentato di aggiungere più dettagli (disegnare un'altra linea sottile attorno al disegno), ma ho deciso di lasciare più spazio libero. Ho dovuto ricordare a me stesso che lo spazio libero per respirare è sempre una buona cosa. Non è necessario riempirlo con qualcosa.

Quando guardo questo dipinto a colori, mi riporta nel Maine. Mi vengono in mente gli happy hour trascorsi in spiaggia, a chiacchierare con un amico, il dolce suono delle onde che lambiscono la riva e una sensazione di assoluta calma. Il disegno mi permette di sentire il momento in cui sono nel processo e mi riporta a quei momenti meravigliosi in cui guardo il lavoro finito. Molti ricordi piacevoli hanno trovato rifugio tra le pagine dei miei album.

MASTER CLASS "Paesaggio ad acquerello"

Lezione di pittura in classi all'aperto per insegnanti e studenti delle classi 3-4 della scuola d'arte per bambini sul tema: schizzi vicino all'acqua.

Ponomareva Lyubov Innokentievna, insegnante di MAOU DOD "ODSHI No. 3" della regione di Mosca di Bratsk, regione di Irkutsk.
Master class per studenti delle scuole d'arte per ragazzi di 3-4 classi (14-15 anni) e insegnanti.
Scopo: aiuto visivo, regalo.
Obbiettivo: Conoscenza dei metodi e delle tecniche di base per l'esecuzione coerente di uno schizzo di un paesaggio ad acquerello.
Compiti:
Migliorare le abilità e le abilità nell'esecuzione di uno schizzo di un paesaggio ad acquerello.
Sviluppo delle capacità creative.
Aumentare l'amore e l'interesse per l'immagine della natura.
Materiali: Acquerello ("San Pietroburgo", "Neva", "Black River" o "Leningrado"); spazzole rotonde, scoiattolo n. 3, n. 6; carta da acquerello, barattolo d'acqua, tavolozza, matita.

Ciao, cari colleghi e amanti dell'arte!
La mia master class si chiama "Watercolor Landscape".
I paesaggi vengono eseguiti in classi plein-air e sono di grande importanza, poiché contribuiscono allo studio visivo e pratico delle leggi della prospettiva luce-aria, all'acquisizione di nuove conoscenze nella padronanza delle tecniche dell'acquerello e nella sequenza metodologica del lavoro.
Scegliamo un motivo paesaggistico con acqua e impariamo a dipingere un riflesso.
Esistono due principali tecniche di acquerello - smaltatura, o pittura multistrato, e "a la prima" - in modo grezzo, oltre a numerose tecniche combinate da esse derivate, volte a rivelare l'effetto, la multistruttura e l'immaginario del oggetto.
Dipingiamo un paesaggio utilizzando la tecnica tradizionale della pittura multistrato. Questa tecnica prevede la stratificazione successiva di strati di pittura dopo che lo strato precedente si è asciugato. Inoltre, i primi strati sono trasparenti, i successivi si sovrappongono parzialmente, scuriscono gradualmente e saturano il sistema cromatico dell'opera. Non puoi scrivere immediatamente con colori scuri e luminosi, perché in assenza del bianco nell'acquerello è abbastanza difficile schiarire qualcosa e l'acquerello è un materiale fresco, leggero, trasparente, deriva dalla parola "aqua", che significa acqua . Il colore è composto da molta acqua, quindi viene utilizzato un pennello rotondo a scoiattolo, che trattiene bene l'acqua e la carta da acquerello la assorbe bene.

Fasi di lavoro.

1. Il motivo del paesaggio non è molto complesso, quindi disegniamo immediatamente con un pennello, colore freddo o caldo.

2. Eseguiamo un riempimento ad acquerello dello sfondo del cielo con il pennello n. 6 dall'alto verso il basso, usando per questo blu oltremare e ocra, poiché in una giornata di sole ci sono calde sfumature nel blu del cielo.

3. Chiudiamo i cespugli e le sponde del fiume con un verde chiaro e caldo. È meglio se il colore verde è ottenuto dalla miscelazione. Come sai, in una scatola per acquerelli non ti vengono offerti colori, ma colori. Per ottenere un colore, devi mescolare almeno due colori.

4. In questo studio, i colori dominanti sono blu, marrone, ocra, verde. Tutte le fasi successive del lavoro vengono eseguite sullo strato precedente essiccato. Determiniamo la penombra del cespuglio sullo sfondo.

5. Rafforziamo la penombra del secondo piano, dato che l'illuminazione è superiore e i cespugli sono grandi volumi emisferici.

6. Scriviamo un riflesso nell'acqua. C'è una corrente molto debole in questo fiume, quindi il riflesso è quasi un'immagine speculare. Di norma, è sempre più scuro e più caldo degli oggetti reali. Scriviamo il riflesso con tratti verticali, rispecchiando la forma dei cespugli.

7. Scriviamo l'acqua, con il cielo riflesso in essa, in un colore più scuro.

8. Rafforziamo la costa del primo piano con sfumature di verde più accese, senza dimenticare, però, la trasparenza dell'acquerello.

9. All'ombra dei cespugli, cerchiamo sfumature di colore freddo. Iniziamo a scrivere abeti rossi sullo sfondo. In relazione all'arbusto, sono molto più scuri.

10. Mangiate scure, quasi piatte, poiché sono lontane, le scriviamo con un pennello più sottile.

11. Rafforza l'ombra tra i cespugli e l'acqua in primo piano, che dà un senso di spazio.

12. Mostriamo il riflesso degli abeti nell'acqua, aumentiamo il contrasto e la densità del colore nel riflesso dei cespugli.

13. Sottolineiamo i rami nella boscaglia, perfezioniamo i riflessi del primo piano.

14. Lo schizzo è pronto. Successo nel lavoro creativo!

Studi di pittura ad acquerello. Studi sull'acquarello a breve termine dalla natura

Leggi anche

Per lavorare su uno schizzo ad acquerello, abbiamo bisogno di: