Iz XII stoljeća. U umjetnosti se odražava od strane Antitexa, karakteristične za estetiku srednjeg vijeka, kada se sakralna glazba - "nova pjesma" protivi "staroj", to jest, poganska glazba. U isto vrijeme, instrumentalna glazba u zapadnoj i istočnoj kršćanskoj tradiciji procurila je manje dostojni fenomen od pjevanja.

"Caastricht Class", Maastricht Rite. Prva četvrtina XIV stoljeća. Nizozemska, Liege. Britanska knjižnica. Stuwe MS 17, F.160R / detalji minijaturnog sata Maastricht, Nizozemska (Liège), 1. četvrt 14. stoljeća, Stuwe MS 17, F.160R.

Glazba je neodvojiva od blagdana. Gledajući glumci povezani su s praznicima u srednjovjekovnom društvu - profesionalne zabave i zabavljači. Ljudi ovog obrta koji su stekli nacionalnu ljubav, u pisanim spomenicima su se nazvali drugačije. Crkveni autori koji su koristili tradicionalna drevna rimska imena: Mime / Mimus, pantomizam / pantomimus, Gistrius / Histrio. Općenito prihvaćeno je latinski pojam Yokup / Jokulator - Joker, smiješan, Balagen. Predstavnici užitaka zvali su plesači / solant; jeledžije / balatro, Scurra; Glazbenici / glazba. Glazbenici koji se odlikuju po djetetu: Citarista, Cymbalista, itd .. Posebna distribucija primila je francusko ime "juggler" / jongleur; U Španjolskoj je odgovarao riječi "hugar" / junglar; U Njemačkoj - "Spielman" / Spielmann, u Rusiji - "Skomorok". Sva ta imena su praktički sinonimi.

O srednjovjekovnim glazbenicima i glazbi - ukratko i fragmentarni.

2.

Maastricht karakter, Bl Stuwe MS 17, F.269V

Ilustracije - od nizozemskog rukopisa prve četvrtine XIV stoljeća - "Maastricht karakter" britanske knjižnice. Slike marginalnih granica omogućuju vam da sudite uređaj glazbenih instrumenata i o mjestu glazbe u životu.

Od XIII. Stoljeća, zalutali su se aktivnije teže u dvorcima i gradovima. Zajedno s vitezovima i predstavnicima svećenstva, sudski minester okružuju svoje okrunjene pokrovitelje. Glazbenici i pjevači su neophodni sudionici stanovnika stanovnika viteških dvoraca, satelita zaljubljenih u Cavaliers i dame.

3.

f.192V.

Tamo su cijevi i tromboni grmili, kao da je grmljavina,
I flaute i vrtloge zvonjenje srebro,
Zvuk harfa i violina pratili su pjevanje,
I mnoge nove haljine koje su pjevači dobile za revnost.

["Kuduna", njemačka epska pjesma XIII stoljeća.]

4.

f.61V.

Teorijska i praktična glazba uključena je u program učenja savršenog viteza, bio je počašćen plemenitim sofisticiranom zabavom. Posebno voljena pjevačica viola sa svojim nježnim akordima i melodičnom harfu. Vokalni solo bio je popraćen igrom na violi, a harfa ne samo žongleri su profesionalni izvođači, već i plemenit pjesnici i pjevači:

"Tristrah je bio vrlo sposoban student i uskoro je razradio sedam glavnih umjetnosti i mnogih jezika. Tada je studirao sedam vrsta glazbe i postao slavan kao poznati glazbenik koji nije bio jednak. "

["Saga Tristrama i Isonda", 1226]

5.


f.173V.

Tristan i izolda u svim književnim fiksacijama legendi - kvalificirani žetelica:

Kad je pjevao - svirala je
Zatim ga je zamijenila ...
I ako je pjevao jedan - drugi
Harp je pogodio ruku.
I pjevanje pune čežnje,
I zvukove žica iz ruke
Konvergira se u zrak i tamo
Skinite zajedno na nebo.

[Gottfried Strasbourg. Tristan. Prva četvrtina XIII stoljeća.]

6.


f.134r.

Od "biografija" Provansal Trobadurova, poznato je da su se neki od njih improvizirali na alate, a zatim nazvali "violor".

7.


f.46r

Car svetog Rimskog carstva njemačkog naroda Friedricha II Staufen (1194-1250) "odigrao je različite alate i bio je obučen u pjevanju"

8.

f.103r.

Na harfu, žene i drugi alati su odigrali žene, u pravilu, žongleri, povremeno - djevojke iz plemićkih obitelji, pa čak i najvišu osobu.

Dakle, francuski sud pjesnika XII. Stoljeće. Osjetio sam kraljicu - Wiseist: "Kraljica slatko pjeva, pjesma se spoje s alatom. Dobre pjesme, lijepe ruke, glas je nježan, zvuči mirno "

9.


f.169V.

Glazbeni instrumenti razlikovali su razne i postupno poboljšane. Povezani alati jedne obitelji formirali su mnogo sorti. Nije bilo strogo ujedinjenja: njihovi oblici i dimenzije su u velikoj mjeri ovisni o želji proizvođača. U pisanim izvorima, identični alati često se nose različita imena ili, naprotiv, različiti tipovi skrivali su se pod istim imenima.

Slike glazbenih instrumenata s tekstom nisu povezane - nisam stručnjak u ovom pitanju.

10.


f.178V.

Skupina gudačkih instrumenata bila je podijeljena u obitelj luka, lutnja i harfe. Žice izrađene od uvrnutih krušnih mrvica, konjskih snaga ili svilenih niti. Iz XIII. Stoljeća. Sve su se više učinili od bakra, čelika i čak srebra.

Alati za zubima koji imaju prednost kliznog zvuka sa svim polutonima, uklapaju se najbolje da prate glasove.

Paris Glazba Glazba XIII.

11.

f.172r

Festival boli sud u Epic "Wilhelm von Veden" (1290), njemački pjesnik Ulrich von Eschenbach istaknuo je Vie:

Od svega što sam čuo naginjanje,
Vila samo hvale prašinu;
Korisno je slušati sve njezine.
Budući da je srce ranjeno tvoje,
Tada će ovo brašno izliječiti
Od nježne slatkoće zvuka.

Glazba enciklopedija [M.: SOVNI ENCIKLOPEDIJA, SOVIJETNI SPOSER. Ed. Yu. V. Keldysh. 1973-1982] Izvješća da je Vila jedno od općih imena srednjovjekovnih niskih alata. A što je značilo Ulrich von eshenbach - ne znam.

12.

f.219V. Kliknite na sliku - alat je veći

14.

f.216V.

U pogledu na stanovništvo srednjeg vijeka, instrumentalna glazba bila je verminata, posjedovala polarne kvalitete i izazvala izravno suprotne emocije.

"Ona leži na praznoj masnoćoj, druge - na čistoj umiruću radost, a često i na svete suzama" [Petrarch].

15.

f.211V.

Vjeruje se da je nerođena i suzdržana glazba, omekšavanje morala, uvodi duše u božansku harmoniju, olakšava razumijevanje tajne vjere.

16.


f.236V.

Naprotiv, uzbudljive orgijske melodije služe korupciji ljudske rase, dovesti do povrede zapovijedi Krista i konačne osude. Kroz neobuzdanu glazbu u srcu, mnogi poroci prodiru.

17.


f.144V.

Crkveni hijerašiji slijedili su učenja Platona i boation, jasno odvojene idealnim, povišenim "harmonijom neba" i dužnosti, opscene glazbe.

18.


f.58r.

Monstruoznih glazbenika koji obiluju poljima gotičkih rukopisa, uključujući karakter maastrichta - utjelovljenje grešnosti obrta gustera, nekadašnji glazbenici, plesači, pjevači, životinjski treneri, pripovjedač itd. Žestike su najavili "Sluge Sotone".

19.


f.116r

Grotesjna stvorenja igraju stvarne ili smiješne alate. Iracionalni svijet inspilitljivo glazbenih hibrida zastrašujući i smiješno istovremeno. "Nadrealističko" zlo, uzimajući bezbroj lichni, nosi i zavarava s lažnom glazbom.

20.


f.208V.

Na početku XI stoljeća. Notker HIP, a slijedi Aristotel i Boeziem ukazao je na tri kvalitete osobe: stvorenje je razumno, smrtnik koji zna kako se smijati. Čarac se smatra da je čovjek i sposoban za smijeh i uzrokuje smijeh.

21.


f.241r

Na blagdanima gledatelja i slušatelja, između ostalog, zabavljali su se glazbene ekscentrike, koji su se osudili i tako zasjenili "ozbiljne" brojeve.

U rukama smijeha u parovima u "svijet iznutra", gdje je uobičajeni odnos okrenut, jer su alati počeli "zvučati" najviše naizgled nije prikladno za slanje stvari.

22.


f.92V. Ispod odjeće glazbenika svira pijetla, gleda iz zmaja torzo

Korištenje stavki u ulozi neobično za njih je jedna od tehnika bufona komičara.

23.


f.145V.

Fantastična Muzijatsia odgovorila je na globalnost svečanosti područja, kada je uobičajeno lice izbrisano između objekata, sve je postalo nestabilno, relativno.

24.

f.105V.

U pogledu intelektualaca iz XII-XIII stoljeća. Postojao je određeni sklad između bestjelesni svetog duha i otkrivajući vedrinu. Mirna, prosvijetljena "duhovna zabava", zapovijed neprestanog "Jog Krista" je karakterističan za sljedbenike Franje Asiških. Franjo je vjerovao da konstantna tuga nije bio Gospodin, već vrag. U drevnoj poeziji radost je jedna od najviših sudskih vrlina. Njegov kult je generiran životom koji potvrđuje svjetonazor trubadura. "U kulturi zakretnog momenta i ozbiljnih tonova, oni zvuče različito: padaju na refleksi tonova smijeh, oni gube iznimku i jedinstvenost, oni su nadopunjeni aspektom ladice."

25.

f.124V.

Potreba za legalizacijom smijeha i šala nije isključila borbu protiv njih. Potiče vjere označene žonglera kao "članovi đavole zajednice". U isto vrijeme, prepoznali su da, iako žongliju - tužno obrt, ali budući da svatko treba živjeti, i to će biti u skladu s pridržavanjem pristojnosti.

26.

f.220r

"Glazba ima veliku snagu i utjecaj na strast duše i tijela; U skladu s tim, pojedinačno ili glazbeni frets se razlikuju. Uostalom, neki od njih su takve da potiču njihove dimenzije poštene, besprijekorne, ponizne i pobožne. "

[Nikolay rure. Rasprava o konfiguraciji kvalitete. XIV stoljeća.]

27.


f.249V.

"Tympana, lutnja, harfa i kifara
Oni su vrući, a parovi su hodali
U grešnom plesu.
Imam ikad noć
Hrana i ventilacija do jutra.
Tako da je kerisili mamun u obliku svinje
A u hramovima, Satananac je skakao. "

[Cheseer. Canterbury Tales]

28.


f.245V.

Komad melodije, koje, "škakljanje i zavaravanje uma, UVO - daju nam od dobrog" [John Zlatoust], smatrali su se degeneracijom greškom tjelesnošću, genijalnom stvaranjem đavla. Sa svojim utjecajem raspadanja potrebno je boriti se s tvrdim ograničenjima i zabranama. Samo-kaotična glazba paklenih elemenata - dio svijeta "liturgija iznutra", "obožavanje idolskoe".

29.


f.209r

Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) svjedoči o preživjeti takvih stavova (1878-1939), pamćenjem katedrale Archpriest Khlynovsk, gradić pokrajine Saratov.

"Mi, diplomirani, učinio je izlet na područje umjetnosti, posebice za glazbu: - Ali ona će igrati, - i zrake pod nogama i obrisati ... i ako pjesme pjevaju nach-nete, tako da grlo Beskyjeva repa i uspon, i uspon. "

30.


f.129r

I na drugom stupu. Što se događa iz Duha Svetoga Uzbudljivu glazbu visokog ideala, glazba sfera spominje se kao utjelovljenje nezemaljske harmonije svemira koji je stvorio Stvoritelja, otuda i osam tonova gregorijanskog zborskog i kao imidž pristanak u kršćanska crkva. Razumna i proporcionalna kombinacija različitih zvukova svjedočila je jedinstvu udobne gospodine Boga. Vitka konzistentnost konsonancije simbolizirala je dobro koordinirane odnose elemenata, godišnjih doba itd.

Ispravna melodija kašnjenja i poboljšava duh, ovaj poziv za uzvišeni način života, upućuje one koji su posvećeni vrlini, ne dopuštaju ništa ne-oksične, ne-moždanog udara, nepodnošljivog " [Gregory Nissky, IV stoljeća.]

Fusnote / literatura:
Kudun / ed. Premija. R. V. Frenkel. M., 1983. P. 12.
Legenda o Tristanu i izolde / ed. Premija. A. D. Mikhailov. M., 1976. P.223; C.197, 217.
Pjesma Nibelungha / po. Yu. B. Korneeva. L., 1972. P. 212. Minester "slatkiši Ničili" zvučali su u vrtovima i dvorcu.
Glazbene estetike zapadnoeuropskog srednjeg vijeka i renesanse / SOST-a. Tekstovi V. P. Shestakov. M., 1966. P. 242
Struve B. A. Proces formiranja viole i violine. M., 1959, str. 48.
Cülkep. Mönche, Bürger, Minnesänger. Leipzig, 1975. S. 131
Darkevich V. P. Kultura srednjeg vijeka: svjetovni odmor u umjetnosti IX-XVI stoljeća. - m.: Science, 1988. P. 217; 218; 223.
Estetika renesanse / sot. V. P. Shestakov. M., 1981. T. 1. P. 28.
Gurevich A. Ya. Problemi srednjovjekovne narodne kulture. 281.
Bakhtin M. Estetika verbalne kreativnosti. M., 1979. P. 339.
Petrov-Vodkin K. S. Khlyovsk. Euklidni prostor. Samarkand. L., 1970. P. 41.
AverintSEV S. S. Poetika Runnevizante literature. M., 1977. P. 24, 25.

Izvori za tekst:
Darkevich Vladislav Petrovich. Sekularni svečani život srednjeg vijeka je IX-XVI stoljećima. Drugo, dopunjeno; M.: Izdavač "Indrik", 2006.
Darkevich Vladislav Petrovich. Folk kultura srednji vijek: sekularni svečani život u umjetnosti IX-XVI stoljeća. - M .: Znanost, 1988.
V.P. Darkevich. Parodij glazbenici u minijaturama gotičkih rukopisa // "umjetnički jezik srednjeg vijeka", M., "Znanost", 1982.
Bootinacije. Smjernice za glazbu (prolazi) // "Glazbene estetike zapadnoeuropskog srednjeg vijeka i renesanse" m.: "Glazba", 1966
+ Linkovi unutar teksta

Ostali unosi S ilustracijama iz Maastricht karaktera:

p.s. Marginals - crteži na poljima. Neke ilustracije vjerojatno će biti točnije za pozivanje minijature na dio stranice.

Glazbena umjetnost srednji vijek. Figy-semantičko punjenje. Osobnost.

Srednji vijek - Dugo, pokriva više od tisuću godina razvoja čovječanstva.

Ako se okrenemo figurativnom i emocionalnom okruženju razdoblja "sumornog srednjovjekovnog", kako se često nazivaju, vidjet ćemo da je ispunjen intenzivnim duhovnim životom, kreativnom ekstazom i potragom za istinom. Kršćanska crkva imala je snažan utjecaj na umove i srca. Teme, priče i slike Svetih spisa shvatili su kako se priča razvija od stvaranja svijeta kroz Kristov dolazak i do dana užasnog suda. Zemaljski život percipiran je kao kontinuirana borba tamnih i lakih sila, a duša čovjeka bila je suspendiranje ove borbe. Restauracija kraja svijeta prožeta je globalnošću srednjovjekovnih ljudi, ona slika umjetnost tog razdoblja u dramatične tonove. Pod tim uvjetima, glazbena kultura je razvila dvije moćne formacije. S jedne strane, profesionalna crkvena glazba, koja je prošla tijekom srednjeg vijeka, veliki način razvoja; S druge strane, narodna glazbena kreativnost, koja je progonjena predstavnicima "službene" crkve i sekularne glazbe, koja postoji amater, tijekom gotovo cijelog srednjeg vijeka. Unatoč antagonizmu ovih dvaju smjera, oni su podcijenili međusobni utjecaj, a do kraja tog razdoblja rezultati interpenedetracije sekularne i crkvene glazbe postali su osobito opipljivi. Sa strane emocionalnog semantičkog sadržaja, najkarakterističnija za srednjovjekovnu glazbu je prevlast savršenog, duhovnog i didaktičkog načela - kako u sekularnim i crkvenim žanrovima.

Emocionalni i semantički sadržaj glazbe kršćanske crkve bio je usmjeren na pohvalu božanstva, poricanje zemaljske robe radi nagrađivanja nakon smrti, propovijedanje asketizma. Glazba se usredotočila sama što je povezano s izrazom "čistog", lišenog bilo kojeg "tjelesne", materijalnog oblika želje za idealnim. Utjecaj glazbe intenziviran akustikom crkava sa svojim visokim svodovima odražava zvuk i stvarajući učinak božanske prisutnosti. Posebno vedro spajanje glazbe s arhitekturom manifestira s pojavom gotičkog stila. Multi-glasovna glazba koju je ovaj put stvorio stvorio aspirirani nabubri, slobodno brisanje glasova, ponavljajući arhitektonske linije gotičkog hrama, stvarajući osjećaj beskonačnosti prostora. Najvažiji uzorci glazbenih gotičkih skladatelja katedrale Notre Dame - Magister Leonin i Magister Peroths, nazvali su se sjajno.

Glazbena umjetnost srednji vijek. Žanrovi. Značajke glazbenog jezika.

Formiranje sekularnih žanrova u tom razdoblju pripremljeno je radom lutalica glazbenika - žongler, minstreli i špijunikoji su bili pjevači, glumci, cirkuski i instrumentalisti u jednoj osobi. Na žongles, Spirači i minstreli također su se pridružili važan i goliada - nesretni studenti i pobjegli redovnici koji imaju pravo na "umjetničku" srednju pismenost i određenu erudiciju. Ljudi su zvučale ne samo na nastajanju nacionalnih jezika (francuski, njemački, engleski i drugi), već i na latinskom jeziku. Lutajući studenti i Schole (vabatants) često su imali veliku vještinu u latinski ogorčenost, koji je priložio posebnu oštrinu na njihove optužbene pjesme usmjerene protiv svjetovnih feudalista i katoličke crkve. Postupno, luya umjetnici počeli su stvarati ciljeve, naseliti se u gradovima.

U istom razdoblju nominiran je neobičan "inteligentni" međuslojničar - viteštvo, u čijem okruženju (u razdobljima primirje) također se baca interesom za umjetnost. Dvorci se pretvaraju u centre viteške kulture. Potreban je luk pravila viteškog ponašanja "Countia" (izuzetno, pristojno) ponašanje. U 12. stoljeću u Provinciji s sudovima feudalnih viesa, umjetnost se rodi trubadurov, što predstavlja karakterističan izraz novog Sivo viteško kulture naviještajući kult zemaljske ljubavi, uživajući u prirodi, zemaljskoj radosti. U krugu slika, glazbena i poetska umjetnost Trubadurova znala je nekoliko vrsta povezanih uglavnom s ljubavnim tekstovima ili vojnim, službenim pjesmama, odražavajući stav vazala u njegov suzerene. Često su ljubavne tekstove Trubadurova izabrana u obliku feudalnog ministarstva: pjevačica se prepoznala s vazalom dame, koja je obično bila supruga njegova brada. Jurio je njezino dostojanstvo, ljepotu i plemstvo, proslavili njezinu dominaciju i "uništio" na nepovoljnom cilju. Naravno, to je bilo puno uvjetovanog diktiranog dvorišta vremena. Međutim, često iza uvjetnih oblika viteškog ministarstva postavljen je istinski osjećaj, svijetao i impresivan u pjesničkim i glazbenim slikama. Umjetnost Trubadurova je u velikoj mjeri napredovala za svoje vrijeme. Pažnja na osobna iskustva umjetnika, naglasak na unutarnjem svijetu osobnosti ljubavi i patnje ukazuje na to da se cjevovodi navodno protive imovine tendencije srednjovjekovne ideologije. Troubadour veliči pravu zemaljsku ljubav. Ona vidi "izvor i podrijetlo svih prednosti."

Pod utjecajem poezije trupadura, kreativnosti troversaTo je bilo demokratski (većina vozača je od građana) ovdje su razvijene iste teme, a razvijen je umjetnički stil pjesama. U Njemačkoj je stoljeće kasnije (13. stoljeće) formirano minnezingerU kojoj su pjesme moralnog i uređivanja sadržaja razvijeni češće od onih cjevovoda i cijevi, ljubavni motivi su često stečeni vjerskim slikarstvom, bili su povezani s kultom Djevice Marije. Pjesme emocionalne sustave razlikuju se većom ozbiljnom, utore. Minnesinger uglavnom služio kao dvorišta, gdje su zadovoljili svoje natjecanja. Poznata imena volframa von eshenbach, Walter pozadini der feelweid, tangayizer - junak poznate legende. U Wagneru operi na temelju ove legende, središnja slika je studentska scena natjecanja, gdje junak za univerzalne ogorčenje iskrivljuje zemaljske osjećaje i užitke. Libretto "Tangayizer" Wagner napisao Wagner - uzorak izvanrednog prodiranja u svjetonazor ere, pjevajući moralne ideale, sablasnu ljubav i u stalnoj dramatičnoj borbi s grešnim strastima.

Crkveni žanrovi

Grigorijanski zbor. Bilo je mnogo mogućnosti za crkvene pjesme i latinske tekstove u ranoj kršćanskoj crkvi. Postojala je potreba za stvaranjem jedinstvenog kultnog rituala i odgovarajuće liturgijske glazbe. Ovaj proces je dovršen za 6 i 7VV. Papa Gregory I. Crkvene melodije, odabrani, kanonizirani, distribuirani unutar crkvene godine, iznosila je službenu luku - antionearno. Zborske melodije uključene u njega postale su temelj liturgijskog pjevanja Katoličke crkve i dobila ime Gregorijanski zbor. On je izveo jedan kose zbor ili ansambl muških glasova. Razvoj humora je ležeran i temelji se na variranju početnog govornika. Slobodan ritam melodije podređen je ritmu riječi. Tekstovi - Prozaični na latinskom jeziku, čiji je zvuk sam stvorio proširenje od svih svjetovnih. Melodijski pokret glatko Ako se pojave mali skokovi, odmah kompenziraju kretanje u suprotnom smjeru. Melodije od gregorijanskih napjeva se raspadaju u tri skupine: recitaciju, gdje svaki sustav teksta odgovara jednom zvuku jame, psalmodije, gdje su dopušteni neki slogovi i obljetnica, kada su slogovi bili u složenim melodijskim uzorcima, najčešće "Aleluia" ("Hvalite Boga"). Od velike važnosti, kao iu drugim vrstama umjetnosti, ima prostornu simboliku (u ovom slučaju, "top" i "dno"). Cijeli stil ovog jednokasnog pjevanja, odsutnost "drugog plana" u njemu, "zvučna perspektiva" podsjeća na načelo avionske slike u srednjovjekovnom slikarstvu.
Himna , Protok teretane je 6 V. Himni, odlikuje većom emocionalnom neposrednošću, nosili su duh svjetovne umjetnosti. Oni su se temeljili na melodijama skladišta pjesama u blizini naroda. Na kraju VI. Stoljeća izbačeni su iz crkve, ali stoljećima su postojali kao ekstra-obrađena glazba. Povratak od njih na crkveni izvor (9b.) Bio je neka vrsta koncesije svjetovnim osjećajima vjernika. Za razliku od kolera, himni se oslanjaju na pjesničke tekstove i posebno sastavljene (i nisu posuđene iz svetih knjiga). To je odredilo jasniju strukturu melodija, kao i veću slobodu melodije, a ne podređena svakoj riječi teksta.
Mesa.. Ritualna masa je presavijena mnogo stoljeća. Slijed njegovih dijelova u glavnim značajkama određen je 9V., Konačni izgled mesa je stekao samo XI stoljeća. Trajni je bio proces formiranja njezine glazbe. Najstariji tip liturgijskog pjevanja; Izravno povezan s liturgijskim djelovanjem, zvučalo je kroz uslugu i izvedena od strane svećenika i crkvenih pjevača. Uvođenje himna obogaćena masa glazbenog stila. Istaknuto sjenije zvučalo je u određenim trenucima rituala, izražavajući kolektivne osjećaje vjernika. Isprva su pjevali svoje župljane sami, kasnije - profesionalni crkveni zbor. Emocionalni učinak himna bio je toliko jak da su postupno počeli govoriti psalmodiju, zauzimajući mjesto u glazbi Mašća. Bilo je u obliku himna, oblikovao se pet glavnih dijelova mase (tzv. Ordinarij).
I. "Kyrie Eleison"("Gospodine, pomemui") - Uliv za oprost i oprost;
Ii. "Gloria"("Slava") - zahvalna himna Stvoritelja;
Iii. "Credo"("Vjerujem") - središnji dio liturgije, koji određuje glavne dogme kršćanske vjere;
Iv. "Sanctus" ("Sveti") - trogodišnje ponovljeno svečano usjetak, koji je zamijenjen pozdravljanjem usjetka "Osanna", koji je uokviren središnjoj epizodi "Benedictus" ("Blagoslovljen onaj koji dolazi");
V. "Agnus dei" ("Jagannja Božja") - Još mnogo oprosta, vjeran žrtvovanju Kristova; Posljednji dio je dovršen riječima: "Dona Nobis Pacem" ("Dajte nam svijet").
Tihi žanrovi

Vokalna glazba
Srednjovjekovna glazbena i poetska umjetnost uglavnom je bila amaterska. Pretpostavio je dovoljan univerzalizam: isti je čovjek bio i skladatelj, pjesnik i pjevač i instrumentalist, budući da je pjesma često izvodila popraćena lutom ili violom. Poetski tekstovi pjesama, osobito uzorci viteške umjetnosti, od velike su interesa. Što se tiče glazbe, doživjela je utjecaj grigorskih napjeva, glazbu lutala glazbenika, kao i glazbu istočnih naroda. Često od strane izvođača, a ponekad su autori glazbe za trubadurske pjesme bili žongles koji su gledali s vitezovima, prateći njihovo pjevanje i obavljanje funkcija slugu i pomoćnika. Zahvaljujući ovoj suradnji, granice su izbrisale između ljudi i viteško glazbene kreativnosti.
Dance Glazba Područje u kojem se važnost instrumentalne glazbe očitovala, posebno je snažno bio glazbeni ples. Od kraja XI stoljeća nastaju brojni glazbeni i plesni žanrovi, dizajnirani isključivo za izvršenje na instrumentima. Nema berbe praznika, bez vjenčanja ili druge obiteljske proslave troškova bez plesova. Plesovi se često izvode pod pjevanjem plesom ili pod rogom, u nekim zemljama - pod orkestrom koji se sastoji od cijevi, bubnja, poziva, ploča.
Močvara Francuski narodni ples. U srednjem vijeku bio je najpopularniji u gradovima i selima. Ubrzo nakon njegovog izgleda, pozornost aristokracije i postala plesna plesna plesa. Zahvaljujući jednostavnim pokretima, Brankley je mogao sve plesati. Njegovi sudionici drže ruke, formiraju zatvoreni krug koji se može podijeliti na liniji, pretvarajući se u zigzag poteze. Bilo je mnogo vrsta Brenklea: jednostavan, dvostruki, smiješan, konj, konja, broš, brojila s bakljama, itd. Na temelju beranskih pokreta, Gavot, Paspie i Burre izgrađeni su, od tvrtke Browle.
Stella Ples je izveo hodočasnike koji su došli u samostan kako bi obožavali kip Djevice Marije. Stajala je na vrhu planine osvijetljene suncem, a činilo se da je nezema svjetlost teče od nje. Stoga ime plesa (Stella - iz lat. Star). Ljudi su plesali u jednom impulsu, šokirali veličanstvenost i čistoću Božje majke.
Karol Bilo je popularno u 12v. Karol - Otvoreni krug. Tijekom izvršenja Karol plesanja pjevača, držanje ruku. Ispred plesa je hodao. Chorus je izveo sve sudionike. Ritam plesa bio je gladak i spor, a zatim se smanjio i prebacio na trčanje.
Plesati smrt U razdoblju kasnog srednjeg vijeka u europskoj kulturi tema smrti postala je vrlo popularna. Epidemija kuge, nošenje ogromnog broja života utjecalo je na stav prema smrti. Ako je ranije dostavljen od zemaljske patnje, zatim u XIII. Stoljeću. Smatrala je užasom. Smrt je prikazana u crtežima i gravurama u obliku zastrašujućih slika, o kojima se raspravljalo u stihovima pjesama. Ples se izvodi u krugu. Ples počinje se kretati, kao da ih njihova nepoznata sila podrazumijeva. Postupno, svladavaju glazbu koju igra smrt smrti, počinju plesati i ispadati na kraju.
Basanski duguje Plesni plesni marševi. Nosili su svečani karakter i bili su tehnički nekomplicirani. Nakon što se okupilo na pjevačicu u njihovim najboljim odjeći prije vlasnika, kao da demonstrirajući sebe i njihov kostim - to je bilo značenje plesa. Procesi za ples čvrsto su upisane u sudski život, bez njih nije bilo festivala.
Estampi. (etampidi) upareni plesovi, popraćeni instrumentalnom glazbom. Ponekad je "etambi" završio tri: jedan čovjek je vodio dvije žene. Glazba je odigrala veliku ulogu. Sastojao se od nekoliko dijelova i uzrokovao prirodu pokreta i broj satova na svakom dijelu.

Trubadras:

Giraut Riceer 1254-1292

Guiraut Riquier - provansalski pjesnik, koji se često naziva "posljednja cijev". Plosno i vješti majstor (48 njegovih melodija sačuvanih), ali ne strano na duhovnu temu i značajno je komplicirao svoje vokalno pismo, uklanjajući iz pjesme. Dugi niz godina bio je na sudu u Barceloni. Sudjelovao u poprečnoj kampanji. Interesa je također položaj u odnosu na umjetnost. Njegova korespondencija s poznatim zaštitnikom umjetnosti Alphonse, kralja Castile i Leon. U njemu se žalio da nepošteni ljudi, "degradirajući naslov žonglera", često se miješa s poznatim problemom. To je "sramotno i štetno" za predstavnike "visoke umjetnosti poezije i glazbe koja može sastaviti pjesme i stvoriti poučne i incredit." Pod krinkom odgovora, kralj Riceer je predložio svoju sistematizaciju: 1) "Liječnici poetske umjetnosti" - najbolje od Trubadurova ", koji pokriva put do društva", autori "uzorni stihovi i Canson, graciozni roman i didaktički radovi "u govornom jeziku; 2) trubadras koji sastavljaju pjesme i glazbu na njih stvaraju plesne melodije, balade, albu i sirene; 3) žongleri ugostile kušati plemenito: igraju različite alate, oni ispričaju priču i bajke, imaju tuđe pjesme i kansene; 4) Buffs (imanje) "Njegova niska umjetnost na ulicama i trgovima pokazuje i ponašaju se nedostojnom." Oni uklanjaju obučene majmune, pse i koze, pokazuju lutke, oponašaju peny ptica. Buffon se igra za male handoffes na alatima ili cvilima prije sreće ... Putujući iz dvorišta do dvorišta, bez sramote, strpljivo prenosi sve vrste poniženja i prezire ugodne i plemenite klase.

Rikiera, onoliko Trobadurova, uznemirio pitanje viteške vrline. Smatrao je najvišu prednost. "Ni na koji način ne kažem, loše sam u vezi s valorom i uma, ali velikodušnost je sve prekoračenje."

Osjećaji gorčine i ljutnje oštro su pojačani do kraja XIII. "Vrijeme je da završim!" - u tim stihovima (već su 1292) izrazili razočaranje razočaranjem križnih poduzeća Giraut Riceer:
"Došlo je do nas sat vremena - da uništim propast - napustiti svetu zemlju!" Pjesma "Vrijeme je za mene s pjesmama" (1292) se smatra posljednjom trubadurskom pjesmom.

Skladatelji, glazbenici

Guillaume de Masho ok. 1300 - 1377.

Machaut je francuski pjesnik, glazbenik i skladatelj. Služio je na sudu češkog kralja, s 1337. bio je kanonon katedrale zaljevu. Jedan od najistaknutijih glazbenika kasnog srednjeg vijeka, najveći lik francuskog Arsa Nove. Poznat kao kompozitor s više na čelu: dostigao je svoje motike, balade, viros, le, rondo, kanone i druge pjesme (pjesme-ples). Njegova glazba se odlikuje sofisticiranom ekspresijom, rafiniranom senzualnošću. Osim toga, Masha je stvorila prvu u povijesti autorove mase (za krunidciju kralja Charlesa V u Reims u 1364G .. Ona je prvi u povijesti glazbe autora Mesca - jednodijelni i završen rad poznati skladatelj. U svojoj umjetnosti, kao što su bili, važne linije prolaze, s jedne strane, s jedne strane, glazbene i poetske kulture pivopilista i cijevi u dugogodišnjoj, osnovi, s druge strane, od francuskih škola polifonija od 12-13 stoljeća.

Leonin (sredinom XII. Stoljeće)

Leonin je izvanredan skladatelj, zajedno s Peroth pripadajućom školi. Priča nas je zadržala ime ovog poznatog tvorca "velike knjige organa", dizajniranih za godišnji krug crkvenog pjevanja. Leonin Organum zamijenio je zborsko pjevanje kako bi uništio s dva glasa pjevanja solista. Njezini su dva glasovna organa odlikuje takav temeljit razvoj, skladna "koherentnost" zvuka, koja je bila nemoguća bez prethodnog razmišljanja i evidentiranja: u umjetnosti Leonina, nije bio pjevač-improvizator, već skladatelj. Glavna inovacija Leonina bila je ritmička rekord, koja je dopuštala da uspostavi jasan ritam uglavnom pokretnim gornjim glasom. Sama priroda vrhunskih glasova odlikuje melodičnom velikodušnošću.

Peroten

Perotin, Perotinus - Francuski skladatelj kraja 12 - 1. trećini od 13 stoljeća. U suvremenim raspravama, "Master Peroth Veliki" (koji je značio, definitivno je nepoznat, jer je bilo nekoliko glazbenika kojima se ovo ime može pripisati). Peroths je razvio rod multi-glas pjevanja, koji je uspostavljen u radu svog prethodnika Leonina, također je pripadao tzv. Parizu ili Notre Dameu, školi. Peroths je stvorio visoke uzorke melmamskog organama. On je napisao ne samo 2 glasa (kao leonin), ali i 3, 4 eseja, i očito komplicirana i obogaćena višedušljiva ritmički i tekstura. Njegovi 4 glasačke organe još nisu poslušale postojeće zakone polifonije (imitacija, Canon, itd.). U radu Perothsuma bio je tradicija multi-govornih napjeva Katoličke crkve.

Zokene de ok. 1440-1524

Franco Flaman Composer. Iz mlade starosti crkve pjevaju. Služio je u raznim gradovima Italije (u 1486-99 pjevačica Papal kapela u Rimu) i Francuskoj (Cambone, Pariz). Bio je sudski glazbenik Louisa XII; Primio je priznanje kao majstora ne samo kultne glazbe, već i svjetovne pjesme, predviđajući francuski šanson. Posljednje godine života je opat katedrale u Konnde-sur-Escu. Zoskien Rol - jedan od najvećih skladatelja renesanse, koji je imao svestrani utjecaj na kasniji razvoj zapadnoeuropske umjetnosti. Kreativno sumirajući postizanje Nizozemske škole, stvorio je inovativne eseje duhovnih i sekularnih žanrova (masa, moteta, psalms, frotoli), podređenu visoku polifonu tehniku \u200b\u200bs novim umjetničkim, zadacima. Melodija svojih djela povezanih s izvorima žanra je bogatiji i višestruki od ranijih Nizozemskih majstora. "Brisanje" polifonog stila zoshen rosa, bez kontpunjivih komplikacija, bila je prekretnica u povijesti zborskog pisanja.

Vokalni žanrovi

Za cijelu eru, općenito, očigledno dominantnost vokalnih žanrova i određeni vokal polifone, Neobično složena vještina stroge polifonije stila, originalna stipendija, virtuozna tehnika bila je u susjedstvu svijetle i svježe umjetnosti domaće distribucije. Instrumentalna glazba stječe neku neovisnost, ali njegova neposredna ovisnost o vokalnim oblicima i domaćih izvora (ples, pjesmu) će se prevladati samo malo kasnije. Veliki glazbeni žanrovi ostaju povezani s verbalnim tekstom. Suština renesansnog humanizma ogledala se u sastavu pjesama zborova u stilu Fotola i Vilall.
Plesni žanrovi

U razdoblju oživljavanja kućanskog plesa stječe veliku važnost. U Italiji, Francuska, Engleska, Španjolska Postoje mnogi novi plesni oblici. Različiti slojevi društva imaju svoje plesove, proizvode njihovo izvršenje, pravila za ponašanje tijekom lopti, večeri, svečanosti. Ples renesanse je složeniji od nesparenih pića kasnog srednjeg vijeka. Plesa (duet) plesovi, izgrađeni na složenim pokretima i brojkama dolaze zamijeniti ples s plesnim i linearnim rožnim sastavom.
Volta - par ples talijanskog podrijetla. Njegovo ime dolazi s talijanske riječi Voltare, što znači "rotirati". Veličina je trostruka, tempo umjereno brzo. Glavni crtež plesa je da je Cavalier odmah i oštro pretvara damu u zraku. Ovaj porast se obično čini vrlo visokim. To zahtijeva veliku snagu i dektercy iz kavaliera, jer, unatoč oštrini i nekoj nečistoća pokreta, uspon se mora obaviti jasno i lijepo.
Galda - drevni ples talijanskog podrijetla, zajednički u Italiji, Engleska, Francuska, Španjolska, Njemačka. Tempo početka Gallurgard umjereno brzo, veličine tro-tonola. Garjard je često bio izveden nakon kolege, s kojim je ponekad bio ozbiljno. Grand 16 V. Podržana je u melodijskoj harmonijskoj teksturi s melodijem u gornjem glasu. Granarska melodije bile su popularne u širokim slojevima francuskog društva. Tijekom izvršenja, serenad Orleans studenti igraju krhotine melodije u lutesu i gitarama. Kao i zvona, Galharda je nosila karakter neku vrstu plesnog dijaloga. Kavaler se preselio oko hodnika svojom damom. Kada je čovjek izveden solo, gospođa je ostala na mjestu. Muški solo se sastojao od raznih složenih pokreta. Nakon toga, ponovno se približio gospođi i nastavio ples.
Pavana - priložiti ples od 16-17 stoljeća. Tempo je umjereno sporo, veličine 4/4 ili 2/4. U različitim izvorima ne postoji konsenzus o njegovom podrijetlu (Italija, Španjolska, Francuska). Najpopularnija verzija je španjolski ples koji imtructs pokrete paunskog obilježavanja s prekrasno ispirenim repom. Bio je blizu Babdança. Različite ceremonijalne marševe odvijale su se na glazbu Pavanske: ulaze u vlasti u gradu, vidljive nevjeste u crkvi. U Francuskoj i Italiji Pavan je odobren kao sudski ples. Svečani karakter Pavana dopustio je sudu Društvu da sjaji na milost i milost njegovog načina i pokreta. Ljudi i buržoazija ovaj ples nije nastupio. Pavana, poput Menueta, bila je strogo u redovima. Počeo je ples kralja i kraljice, a onda je dofin uveden u to s značajnom damom, a zatim knezovima itd. Kovaleri su izvodili s pericom u maču i u pelleryju. Dame su bile u prednjim haljinama s teškim dugim TPS-om, koje su trebale biti vješto posjedovanje tijekom pokreta, bez podizanja od poda. Kretanje rova \u200b\u200bnapravio je poteze lijepo, dajući Pawenu pomp i svetkoj. Da bi kraljica približnih dama nosila petlju. Prije početka plesa pretpostavljalo se da zaobiđe dvoranu. Na kraju plesa, par s lukovima i preokretima opet je otišao oko hodnika. Ali prije nego što je stavio šešir, Cavalier je trebao staviti desnu ruku natrag na rame dame, lijevo (držanje šešira) - na struku i poljubio je na obraz. Tijekom plesa, gospođa je spuštena; Samo s vremena na vrijeme pogledala je njezinu kavu. U Engleskoj je sačuvan u Engleskoj, gdje je bio vrlo popularan.
Allemanda - Spori ples njemačkog podrijetla u veličini od 4 dolara. Pripada masivnom "niskom", nepralnom plesu. Izvođači su postali parovi jedni s drugima. Broj pare nije ograničen. Kavaler je čuvao damu po rukama. Kolona se kretala oko hodnika, a kada je došlo do kraja, sudionici su skrenuli na licu mjesta (ne razdvajaju ruke) i nastavili ples u suprotnom smjeru.
Kuranta - Sudski ples talijanskog podrijetla. Karantura je bila jednostavna i komplicirana. Prvi se sastojao od jednostavnih, sjajnih koraka koji se izvode uglavnom. Složeni zvona bio je pantomimski karakter: tri kavalire su pozvani na tri dame da sudjeluju u plesu. Dame su bile dodijeljene suprotnom kutku hodnika i zamolile plesati. Dame su odbile. Kovaleri, nakon što su primili odbijanje, otišli su, ali se onda ponovno vratili i postali prije dame na koljenima. Tek nakon što je pantomimen scena započela ples. Zpajanja talijanskih i francuskih tipova razlikuju se. Talijanski karantura - oživljen ples od 3/4 ili 3/8 s jednostavnim ritmom u melodijskoj harmonijskoj teksturi. Francuski - svečani ples ("ples manira"), glatka predominanta. Veličina 3/2, umjereni tempo, prilično razvijen polifone teksture.
Sarabanda - Popularni ples 16 - 17 stoljeća. Dogodilo se od španjolskog plesa s Kastagnetima. Izvorno popraćeno pjevanjem. Poznati baletni majstor i učiteljica Karlo Blazis u jednom od njihovih djela daje kratak opis Sarabanda: "U ovom plesu, svatko bira damu kojoj nije ravnodušan. Glazba daje signal, a dva ljubavnika obavljaju ples, plemenit, izmjeren , međutim, važnost ovog plesa ne ometa zadovoljstvo, a skromnost mu daje još više gracioznost; stavovi svima su sretni da slijedi ples koji izvodi različite brojke, izražavaju sve faze ljubavi svojim pokretom. "" U početku, tempo Sarabanda bio je umjereno brz, kasnije (iz 17. stoljeća) bio je spor francuski Saraband s karakterističnim ritmičkim uzorkom: ...... u svojoj domovini Sarabandi ušao u kategoriju opscenih plesova i 1630. godine. Zabranilo je Castilian Council.
Zhiga - Plesa engleskog podrijetla, najbrže, tri tel, pretvarajući se u triliju. U početku je album bio par ples, među mornarima koji su se proširili kao solo vrlo brz ples stripove. Kasnije je u instrumentalnoj glazbi kao završni dio drevnog plesnog paketa.

Vokalni žanrovi

Najočitije barokne značajke očituje se u tim žanrovima gdje je glazba isprepletena s drugim umjetnostima. To su, prije svega, opere, oratoria i takve žanrove duhovne glazbe, poput passona i kantata. Glazba u suradnji s Riječi, iu operi - s kostimima i ukrasima, to jest, s elementima slikarstva, primijenjene umjetnosti i arhitekture, pozvani su da izraze složeni duhovni svijet čovjeka, doživjeli su složeni i raznoliki događaji , Susjedstvo heroja, bogovi, prave i neuravne akcije, sve vrste magije bili su prirodni za barokni okus, bili su najviši izraz varijabilnosti, dinamičnosti, transformacije, čuda nisu bili vanjski, čisto ukrasni elementi, ali su bili nezamjenjiv dio umjetničkog sustav.

Opera.

Opera žanr primio je najveću popularnost u Italiji. Otvoren je veliki broj operskih kazališta, što je bio nevjerojatan, jedinstven fenomen. Bezbroj, zaprepašteni teškim baršunastim odsjecima, ograđenim barijerom Paruter (gdje je u to vrijeme stajao, a ne sjedio) prikupljali su tijekom 3-operne sezone gotovo sve stanovništva grada. Loše su kupili za cijelu sezonu patricijskih prezimena, jednostavna osoba bila je prepuna u parteru, ponekad je vidjelo besplatno - ali se svi osjećali opušteno, u atmosferi kontinuiranog festivala. Bilo je buffeta, kauča, usamljenih tablica za igranje "faraona"; Svaki od njih povezan s posebnim prostorom, gdje se priprema hrana. Publika je otišla u susjedne odsjeke kao posjet; Dating, ljubavne intrige su počeli vid i sluh. Hrabrost i hrabrost heroja antike, nevjerojatne avanture mitoloških likova pojavili su se prije divljenja slušatelja u svim veličanstvenosti glazbenog i dekorativnog dizajna, postignutog za gotovo protuzakonitost o opere kazalištu.

Dolazak na ishod 16. stoljeća u Firenci, u krugu ("Camerata") humanista, pjesnika i skladatelja, Opera uskoro postaje vodeći glazbeni žanr Italije. Posebno važnu ulogu u razvoju opere koju je igrao K. Monteverdi, koji je radio u Mantu i Veneciji. Dva njegova najpoznatija pozornica djeluje, "Orpheus" i "kruniranje Poppai" obilježene su upečatljivom savršenstvom glazbene dramaturgije. U životu Monteverdije u Veneciji postojala je nova operna škola na čelu s F. Kawalli i M. čast. S otvaranjem 1637. godine u Veneciji prvog javnog kazališta San Cassiana, došlo je do prilike da dođete do opere svakoga tko je kupio kartu. Postupno, značenje spektakularnih, eksterno spektakularnih trenutaka povećava se na štetu antičkih ideala jednostavnosti i prirodnosti, inspiriran otvorenim retardantima operne žanra. Veliki razvoj dobiva tehniku \u200b\u200bproizvođača, koja omogućuje najviše fantastičnih avantura heroja na pozornici - do brodskih olupina, letovima zrakom, itd. Grand, šareni krajolik, stvarajući iluziju perspektiva (prizor talijanskih kazališta bio je ovalni oblik), Prenesite gledatelja na nevjerojatne palače i na pomorskim prostranstvima, u tajanstvenim tamnicama i magičnim vrtovima.

U isto vrijeme, u glazbenoj operi, sve veći naglasak izrađen je na samostalnom glasalnom početku, predao sam sebi preostalih elemenata izražajnosti; To je u budućnosti neizbježno dovelo do entuzijazma samodostatne vokalne virtuonosti i smanjenja dramatičnih učinaka, koji su često postali samo razlog za demonstraciju fenomenalnih glasovnih podataka pjevača. U skladu s običaj, pjevači-kastrirani izvedeni kao potpisani i nastupili su i muškarci i ženske stranke. Njihovo izvršenje kombiniralo je moć i sjaj muških glasova s \u200b\u200blakoćom i mobilnošću žena. Ova uporaba visokog glasova u strankama hrabrih herojskog skladišta bila je tradicionalna i nije opažena kao neprirodna; Rasprostranjen je ne samo u papinom Rimu, gdje su žene službeno zabranjene u operi, ali iu drugim gradovima Italije.

Od druge polovice 17. stoljeća Vodeća uloga u povijesti talijanskog glazbenog kazališta nastavlja se na neapolitansku operu. Načela koje su razvili Napolitanski skladatelji su načela opere dramptura postaju univerzalna, a neapolitanska opera identificirana je s cijelom tipom talijanske operne serijske. Veliku ulogu u razvoju Napolitske operne škole odigrala je konzervatorij, izrastao iz skloništa za siročad do posebnih glazbenih obrazovnih ustanova. Posebnu pozornost posvećuju razredima s pjevačima, koji su uključivali trening u zraku, na vodi, u bučnim prepunim mjestima i gdje je odjek, kao što je bio, kontrolirao pjevač. Duga traka briljantnih virtuoznih pjevačica - kućni ljubimci konzervatorij - širi slavu talijanske glazbe i "izvrsno pjevanje" na cijelom svijetu (Bel Canto). Za neapolitansku operu, konzervatorij je konstantno rezervi profesionalnog osoblja, ključ za njegovo kreativno ažuriranje. Među brojnim talijanskim operskim skladateljima baroknog doba, najistaknutiji fenomen bio je Claudio Monteverdi. U svojim kasnijim djelima, osnovna načela operne igre i razne oblike operne solo pjevanja, koji su trebali slijediti većinu talijanskih skladatelja 17. stoljeća.

Gandy Pörswell bio je istinski i jedini kreator nacionalne britanske opere. Vozio je veliki broj kazališnih djela, uključujući jedinu operu - didonu i eney. "Didona i eney" - gotovo jedina engleska opera bez izgovorenih umetnutih i dijaloga, u kojem se stavlja dramatična akcija od početka do kraja. Sve ostale glazbene i kazališne produkcije Peresella sadrže razgovorne dijaloge (u naše vrijeme takva djela nazivaju se "glazbeni").

"Opera - njezino divno mjesto nje nalazi se zemlja transformacija; u tren oka, ljudi postaju bogovi, a bogovi postaju ljudi. Ne postoji način putovanja oko zemalja, jer zemlja putuje ispred njega , Dosadili ste se u užasnoj pustinji? Odmah zvuk zviždaljka tolerira vas u vrtovima idililima; drugi od vas iz pakla u stanu bogova vodi: još jedan drugi - a vi ste u selu Fay, operne vile su fascinirane Kao lica naših bajki, ali njihova umjetnost je prirodniji ... "(Dufrena).

"Opera - izvedba je čudna, kako je veličanstveno, gdje su oči i uši zadovoljniji od uma; gdje je opstanak glazbe smiješnog apsurda, gdje je, kada je grad uništen, arije pjevaju i oko grobnog plesanja, ; gdje se mogu vidjeti pluton i sunčeve palače, kao i bogovi, demoni, čarobnjaci, mandisi, čarobnjaci, palače izgrađene i uništene u tren oka. Te čudete pate, pa čak i dive, za operu - country fay " (Voltaire, 1712).

Oratorijum

Ogarac, uključujući duhovne, suvremenike često su se smatrale operom bez kostima i krajolika. Međutim, kultni govornici i Pasions zvučali su u hramovima, gdje je bio sam hram, i verzije svećenika i krajolik i odijelo.

Oratoria i bio je prvenstveno duhovni žanr. Riječ sama ororia (to. Oratorij) dolazi od latelatinsky oratorij - "Mellery" i latinski wow - "kažem, molite." Oratonion je rođen u isto vrijeme kao operi i kanta, ali u hramu. Njezin je prethodnik bio liturgijska drama. Razvoj ove crkvene akcije otišao je u dva smjera. S jedne strane, sve više stjecanja je uobičajeno, postupno se pretvorilo u stripove. S druge strane, želja da se očuvala ozbiljnost molitvene komunikacije s Bogom cijelo vrijeme gurnulo se na statičku vrstu izvedbe, čak i uz najrazvijenije i dramatičnije zavjere. To je dovelo, na kraju, do pojave oratorija kao neovisnog, prvog čisto hrama, a zatim koncertnog žanra.

Glazba kultura antike, srednjeg vijeka, renesansa

Antika

Glazbena kultura drevne Grčke tvori prvi povijesni stupanj u razvoju glazbene kulture Europe. U isto vrijeme, on je najviši izraz kulture drevnog svijeta i otkriva nesumnjive odnose s drevnim kulturama Bliskog istoka - Egipat, Siriju, Palestine. U svim povijesnim vezama ove vrste, glazbena kultura drevne Grčke ne ponavlja načine koje prolaze druge zemlje: ima svoj jedinstveni izgled, s njihovim nespornim dostignućima, koje sam djelomično europski srednji vijek, a zatim - do veći stupanj oživljavanja ere.

Za razliku od drugih vrsta umjetnosti, glazba drevnog svijeta nije ostavio nikakvu ekvivalentnu kreativnu baštinu u priči. Na ogromnoj povijesnoj zamci u osam stoljeća - iz V stoljeća prije Krista. po 111 stoljeća n. E.-raštrkani samo jedanaest uzoraka drevne grčke glazbe, koji su očuvani u to vrijeme. Istina, ovo je prvi koji će zabilježiti melodije u Europi koja nam je stigla.

Najvažnija imovina kulture drevne Grčke, izvan koje gotovo nisu uočili suvremenike i, prema tome, nećemo moći razumjeti, je postojanje glazbe u sinkrecijskoj uniji s drugim umjetnosti - u ranim koracima ili u sintezi s njima - u vrhuncu. Glazba u nerazdvojni spoj poezije (odavde - lyrics), glazba kao neophodan sudionik tragedije, glazbe i plesa - takov, karakteristične fenomene drevnog grčkog umjetničkog života. Platon je, na primjer, vrlo kritično odgovorio na instrumentalnu glazbu, neovisno o plesu i pjevanju, tvrdeći da je samo pogodan za hitnu pomoć, bez hodanja i za sliku životinjskog vriska:

"Primjena odvojenog igranja na flauti i Kifare sadrži nešto u visokoj stupnju i neukusno i dostojno samo mađioničara." Podrijetlo grčke tragedije, visoke i sofisticirane umjetnosti, idu iz mitologije, od čarobnih djela, od vjerovanja naroda. Podrijetlo drevnih grčkih mitova o velikim glazbenicima - Orfee, 0Limpe, Marci, također su među najstarijim vremenima.

Važne informacije o ranoj glazbenoj kulturi u Grčkoj nam daje Homerovsky EPOS, samozadovoljni s glazbenim performansama: "Iliad", Odiseja.

Uz samostalno izvođenje epskih radova u U11-VI stoljećima, također su poznati posebni zborski žanrovi. Pjesme na otoku Kreti u kombinaciji s plastičnim pokretima, od plesa (Gorphanham); Zborski žanrovi iz VII stoljeća bili su široko kultivirani u Sparta. Poznato je da su Spartanci dali glazbu velikom stanju, obrazovnom značenju. Obuka s glazbenom umjetnošću nije brinula njihovu profesionalnu prirodu, ali je jednostavno ušla u sustav općeg obrazovanja mladih. Stoga je teorija etosa, opravdana od strane grčkih mislilaca, narasla.

Novi smjer u glazbenoj i poetičnoj umjetnosti drevne Grčke, koji je nominirao zapravo lirske teme i slike, preplavljeni su imenima jonskog arhita (VII. Stoljeća) i najvećim "predstavnicima lezbijske škole Abey i SafO (svjetla) I i VI stoljeće). Možete misliti da s jačanjem zapravo lirskog početka i uloge melodije u njihovim djelima je riječ "lyrics" sama vodi svoje podrijetlo iz Lyra.

Lirska poezija VI stoljeća predstavljena je nekoliko sorti žanrova: Elegiranje, himne, svadbene pjesme.

Klasična starost tragedije bila je V stoljeće prije Krista. EH: Kreativnost najveće tragične Eschile (cca. 525-456), Sofokla (cca. 496-, Euripid (cca. 480-406). Bilo je to vrijeme najviše cvjeta grčke umjetničke kulture, stoljeća i a Policija, takvi spomenici klasične arhitekture, kao Parfenon u Ateni, najboljeg stoljeća u umjetnosti cijelog drevnog svijeta. Postavljanje tragedija smatra se javnim festivalima i nosio se u granicama društva u vlasništvu robova, relativno širokoj demokratskoj prirodi: Kazalište su prisustvovali svi građani koji su za to čak primili državnu korist. Zbor - zajednički čimbenik moralnost - predstavljao je ljude na tragičnoj sceni i govorio o njegovom imenu.

Dramatičar je bio i pjesnik i glazbenik; Učinio je sve samog. Eschil, na primjer, sam je sudjelovao u izvedbi njegovih predstava. Kasnije je pjesnička funkcija, glazbenik, glumac ravnatelja sve više podijeljen. Glumci su također bili pjevači. Pjevanje zbora povezanog s plastičnim pokretima.

U helenističkoj epohi, umjetnost ne raste iz umjetničkih aktivnosti građana: to je u potpunosti profesionalizirana.

Sve što je napisano u drevnoj Grčkoj o glazbenoj umjetnosti i što se može suditi od strane mnogih očuvanih materijala o mnogim očuvanim materijalima, temeljio se na idejama o melodiji (u korist poetske riječi povezane). To je očito ne samo iz sadržaja posebnih teorijskih radova, već i iz općih etičkih i estetskih izjava najvećih grčkih mislilaca. Dakle, načelo jednog satelline je u potpunosti potvrđeno, u potpunosti karakteristično za drevnu grčku glazbenu umjetnost.

Takozvana doktrina etosa, koju je proširio Platona, razvijen i dubinski aristotel, najveći je zanimanje drevnih presuda o glazbenoj umjetnosti. Kombinacija politike i glazbenih problema antička tradicija povezuje se s imenom Domona Atene, učitelja Sokrata i prijatelja Pericla. Od njega kao da je Platon preuzeo ideju o utjecaju glazbe u dobročinitelj na obrazovanje pristojanih građana koje je on razvio u knjigama "države" i "zakonima". Platon uzima u svojoj idealnoj državi prvi (između ostalih umjetnosti) uloga glazbe u obrazovanju od mladića hrabri, mudre, čestita i uravnotežena osoba, to jest, idealan građanin. U isto vrijeme, Platon, s jedne strane, povezuje utjecaj glazbe s utjecajem gimnastike ("lijepa televizija"), a na drugu, tvrdi da su melodija i ritam najviše uzbuđeni od strane duše i potiču ljude oponašati uzorke lijepe, što mu daje glazbenu umjetnost.

"Gledajući, što je savršeno u pjesmi, Platon smatra da je potrebno procijeniti to, riječima, Lada i ritmu. U skladu s prezentacijama svoga vremena, on će obilježiti sve nakaze koje imaju tužbu i opuštajuću prirodu, i poziva samo dorijske i frigijske jedinstvene pristojne visoke ciljeve mladih vojnog obrazovanja mladića. Slično tome, filozof prepoznaje među glazbenim instrumentima samo Kifaru i lira, uskraćujući etičke kvalitete svih drugih. Dakle, nositelj etosa, sa stajališta Platona, nije umjetničko djelo, a ne njegove slike, a čak ni sustav. Izražajne alate, ali samo način ili breme instrumenta, nakon čega slijedi određena etička kvaliteta.

Aristotel suci suci imenovanje glazbe mnogo šire, tvrdeći da bi trebao služiti ne jednom, već na nekoliko ciljeva i koristi: i) radi obrazovanja, 2) radi pročišćavanja, 3) radi intelektualne zabave, to jest, radi umirujućeg i odmaranja s napetih aktivnosti Utjecaj glazbe na psihu on sudi na takav način:

"Ritam i melodija sadrže bliže najizraženju prave valjanosti mapiranja ljutnje i krotkosti, hrabrosti i temperaci i svih suprotnih svojstava, kao i drugih moralnih kvaliteta. To je jasno iz iskustva: kada doživljavamo s našim ritmom uha i melodije, mijenjamo se i mentalno raspoloženje. Navika testiranja žalosno ili radosno raspoloženje kada doživljava ono što imitira stvarnost, dovodi do činjenice da počinjemo doživljavati iste osjećaje i u sudaru s [letnički] istinito "3. I konačno, Aristotel. Dolazi do sljedećeg zaključka: "... glazba je sposobna pružati dobro poznati utjecaj na etičku stranu duše; A kada glazba ima takva svojstva, očito je, mora biti uključena u broj stavki itezh.

Iza filozofa i matematičara Pitagoraze (VI stoljeće prije Krista) za dugo vremena, značenje prvog grčkog mislioca koji su pisali o glazbi su fiksirani. Primetuje se početnom razvoju učenja o glazbenim intervalima (konsonanciranja i disonancije) na temelju čiste stvari shematskih odnosa dobivenih podjelom niza. Općenito, brojevi i proporcije Pitagorejca - prema uzorku drevnih istočnih kultura (većina svih Egipta) - dali su magiju značenja, koji proizlaze iz njih, osobito, magiju i ljekovita svojstva glazbe. Konačno, apstraktne spekulativne konstrukcije, Pitagorejci su došli na ideju takozvane "sklad sfera", vjerujući da nebeski svjetinije, međusobno u određenim brojčanim ("harmonijskim") omjerima, trebaju zvučati pri vožnji i proizvodnji "Nebeski sklad".

Što se tiče učenja o etosu, tada u budućim neoplatonistima, osobito brane (III. Stoljeću), proveo ga je u religijskom i mističnom duhu, lišavajući civilne patose, koji je bio svojstven u Grčkoj. Odavde, ravne niti su već privučene na estetski pogled na srednji vijek. Pad drevne kulture u epohu raspadanja zgrade za podređenu samo doprinosi uspješnom razvoju kršćanske umjetnosti, na mnogo načina suprotstavljanju estetike i glazbene prakse Rima iz prethodnih stoljeća. Nemoguće je uskratiti neke veze između naslijeđe antike i razvoja estetske misli o naknadnom vremenu na prijelazu od dva razdoblja.

Glazba kultura srednji vijek

U razvoju glazbene kulture zapadne Europe, duga i široka povijesna traka srednjeg vijeka je teško uzeti u obzir kao jedno razdoblje, čak i kao velika era s zajedničkim kronološkim okvirom. Prvi, izvorna linija srednjeg vijeka - nakon pada zapadnog rimskog carstva u 476 - uobičajeno je obilježiti VI stoljeće. U međuvremenu, jedina regija glazbene umjetnosti, koja je ostavila spomenici za pisanje bilo je do XII stoljeća, samo glazba kršćanske crkve. Cijeli neobičan skup relevantnih fenomena razvio se na temelju dugog povijesnog treninga, počevši s II. Osim crkve glazbene kulture srednjeg vijeka, na ovaj ili onaj način, nije prošao baštinu drevne Grčke i drevnog Rima, iako su "očevi Crkve", au budućim teoretičarima koji su napisali o glazbi, u velikoj mjeri se protivili Umjetnost kršćanske crkve do poganskog umjetničkog svijeta antike.

Druga najvažnija linija, potpisivanje tranzicije iz srednjeg vijeka do oživljavanja, nije u isto vrijeme u zapadnoj Europi: u Italiji - u XV stoljeću, u Francuskoj - u XVI; U drugim zemljama, borba srednjovjekovnih i renesansnih trendova odvija se u različito vrijeme. Do razdoblja renesanse, svi se približavaju raznim baštinom srednjeg vijeka, s naglašenim vlastitim zaključcima od velikog povijesnog iskustva. Uglavnom je bio značajan prijelorak u razvoju umjetničke kulture srednjeg vijeka, koji se dogodio u XI-XII. Stoljećima i zbog novih društveno-povijesnih procesa (rast gradova, križarskih ratova, nominacija novih društvenih slojeva, prvo jake žarišta sekularne kulture itd.).

Međutim, sa svim relativnosti ili mobilnosti kronoloških lica, s neizbježnim genetskim vezama s prošlošću i neravnomjenom prijelazom u budućnost, za glazbenu kulturu zapadnoeuropskog srednjeg vijeka, smislene pojave i procese koji su neobičan samo njemu i nezamislivo u drugim uvjetima karakteriziraju. To, prvo, pokret i postojanje u zapadnoj Europi mnogo plemena i naroda koji se nalaze u različitim fazama povijesnog razvoja, mnoštva stilova i raznih političkih zgrada i, uz sve to, upornoj želji katoličke crkve u ujedinjenju cijelog ogromnog , Turbulentni, dugorodni svijet nije samo opća ideološka nauka, već i opća načela glazbene kulture. To je, drugo, neizbježna dvojnost glazbene kulture tijekom srednjeg vijeka: Crkva umjetnost uvijek se usprotivio svojim kanonima raznolikošću narodne glazbe svugdje u Europi. U I-XIII stoljećima, novi oblici sekularne glazbene i poetske kreativnosti već su nastali i pretvorena je crkva glazba. Ali ti se novi procesi dogodili u uvjetima razvijenog feudalizma.

Kao što je dobro poznato, poseban karakter srednjovjekovne kulture, srednjovjekovno obrazovanje, srednjovjekovna umjetnost u velikoj mjeri određuje ovisnost o kršćanskoj crkvi.

Glazba kršćanske crkve bila je očita u izvornim oblicima u povijesnim uvjetima velike moći Rimskog Carstva. Vjerovanje u zagrobni život, na najvišu nagradu za sve savršene na Zemlji, kao i ideju otkupljenja grijeha čovječanstva, žrtva crucifikatora na Kristovom križu uspio je očarati mase.

Povijesna priprema Gregorianskopooonog zborskog kao ritualnog pjevanja dominantne kršćanske crkve bila je duga i svestrana.

Na kraju IV stoljeća to se dogodilo, kao što znate, razdvajanje Rimskog Carstva na zapadnom (Rimu) i istočnoj (Bizantium), čije su povijesne sudbine tada različite. Tako je naređena zapadna i istočna crkva, budući da je kršćanska religija bila u to vrijeme postalo stanje.

Uz podjelu Rimskog Carstva i formiranja dva centra kršćanske crkve staze crkvene umjetnosti, koja je bila u procesu konačne formacije, u velikoj mjeri usklađena na zapadu i istoku.

Rim je sve na svoj način preradio nego što je kršćanska crkva postavila i stvorila na toj osnovi kanonizirane umjetnosti - Grigorian Choral.

Kao rezultat toga, crkvene melodije, odabrane, kanonizirane, distribuirane unutar crkvene godine iznosile su Gregoryja (barem na svojoj inicijativi). Službeni luk - - antifonearno. Dolazni horodiji u njemu dobili su ime grigorian Chorara I postao temelj liturgijskog pjevanja Katoličke crkve. Luk gregorijanskih dresova su ogromni ..

Luk gregorijanskog pjevanja iz XI-XII stoljeća, a zatim u doba renesanse služio je kao početna osnova za stvaranje višestrukih eseja, u kojima su vjerske pjesme primile najrazličitiji razvoj.

Više se proširila sfera utjecaja rimske crkve u Europi, to je više gregorijanski zbor iz Rima sjeverno i West proširio.

Reforma glazbenog zapisa provela je talijanski glazbenik, teoretičar i učitelj Guido D "Arezza u drugom tromjesečju XI stoljeća.

Reforma Guida bila je jaka u svojoj jednostavnosti i organiziranu početne misli: proveo je četiri linije i, stavljajući nikad na njih ili između njih, dao im sve točnu značenje visoke visine. Još jedna inovacija Guida iz Arezza, u biti njegova izum, bio je izbor određenog zvuka od šest kolosijeka (Pre-re-mi-fa-sol-la).

Od kraja XI. Stoljeća, u XII, a posebno u XIII stoljećima u glazbenom životu i glazbenom radu brojnih zapadnoeuropskih zemalja, oni su najprije manje vidljivi, a zatim sve više i više znatno - znakovi novog pokreta , Od početnih srednjovjekovnih oblika glazbene kulture, razvoj umjetničkih okusa i kreativne misli ode na druge, progresivnije vrste zlostavljanja, na druga načela glazbene kreativnosti.

U XII -XIII stoljećima, povijesni preduvjeti postupno su se dogodili ne samo za dodavanje novih kreativnih struja, nego i za dobro poznatu raspodjelu u zapadnoj Europi. Dakle, srednjovjekovni roman ili priča koja je postojala na francuskom tlu u XII - XIII stoljećima nisu ostali samo francuski fenomeni. Uz roman o Tristanu i Isoldeu i priči o Okasen i Teleteu, "Parsifal" i "Jadni Heinrich" ušao je u povijest književnosti. Novi, gotički stil u arhitekturi, koji su predstavili klasični uzorci u Francuskoj (katedrale u Parizu, Chartres, Reims), pronašao je svoj izraz i na njemačkim i češkim gradovima, u Engleskoj itd.

Prvi procvat svjetovne glazbene i poetske lirike, koji dolazi u Provansi iz XII. Stoljeća, tada je uhvatio Sjevernu Francusku, odgovorio je u Španjolskoj, našao izraz kasnije u njemačkom Minnezangu. Sa svim identitetom svakog od tih trendova i pokazali su novi uzorak karakterističnog za doba u širokom opsegu. Na isti način, podrijetlo i razvoj polifonije u svojim profesionalnim oblicima - gotovo najvažnija strana glazbene evolucije - došlo je do sudjelovanja francuske kreativne škole, te više od jedne skupine glazbenika iz katedrale, atre Dame, bez obzira na to koliko ih se zaslužuju.

Nažalost, u određenoj mjeri sudi mi sudivši staze srednjovjekovne glazbe. Kao stanje izvora, nemoguće je pratiti specifične veze, na primjer, u razvoju polifonije između svojih izvora na britanskim otocima i njegovim oblicima na kontinentu, posebno u ranim fazama.

Srednjovjekovni gradovi s vremenom postali su važni centri kulture. U Europi su osnovali sveučilišta (Bologna, Pariz). Urbana građevina je proširena, podignute su bogate katedrale, au njima je s velikim veličanstvenim, obožavanjem počinjeno uz sudjelovanje najboljih pjevača (pripremali su se u specijalnim školama - metrike - s velikim crkvama). Stipendija (i glazbena stipendija, osobito obilježja srednjeg vijeka, posebno), više nije bio usredotočen samo u samostani. Novi oblici, novi stil crkvene glazbe nesumnjivo je povezan s kulturom srednjovjekovnog grada. Ako su djelomično pripremljeni prethodnim aktivnostima znanstvenika Monk glazbenika (kao što su Hokbald iz Saint-Amanda i Guida iz Arezza), ako rani polifonije uzorci krenu od monaških škola Francuske, posebno iz samostana Charttra i Limoges, - Svi isti dosljedni razvoj novih oblika polifonije počinje u Parizu XII - XIII.

Ostalo, također vrlo bitan rezervoar srednjovjekovne glazbene kulture pričvršćen je na početku s aktivnostima, krugom interesa i osebujnom ideologijom europskog viteštva. Cross izleti na istoku, ogromne pokrete za udaljene udaljenosti, bitke, opsade gradova, civilnih sukoba, hrabre, rizične avanture, osvajanje drugih ljudi, kontakt s raznim narodima istoka, njihovim običajima, načinom života, kulturom, potpuno neobičnim dojmovima - Sve je to nametnulo trag na novim viteznim križarima. Kada je dio viteštva uspio postojati u povoljnim mirnim uvjetima, ranija je ideja viteškog časti (naravno, društveno ograničena) bila povezana s kultom izvrsnih dama i viteznim službama, s idealnim sudom ljubav i povezane norme ponašanja. Zatim je glazbeno i poetska umjetnost Trubadurova primila svoj raniji razvoj, koji je dao prvi u Europi uzorke napisanih svjetovnih vokalnih stihova.

Drugi slojevi glazbene kulture srednjeg vijeka nastavili su postojati, konjugirati s ljudima ljudi, s aktivnostima lutalih glazbenika, s nadolazećim promjenama u njihovom okruženju i načinu života.

Informacije o lutalim narodnim glazbenicima Srednji vijek postaje od IX do XIV stoljeća postaje sve više i definirani. Ove žongles, minstreli, tornjevi - kao što su bili pozvani u različito vrijeme iu različitim dijelovima - dugo vremena bili su jedini predstavnici sekularne glazbene kulture svoga vremena i time izvršili važnu povijesnu ulogu. , U velikoj mjeri na temelju njihove glazbene prakse, njihove pjesme tradicije bili su rani oblici svjetovnih stihova XII - XIII stoljeća. Oni, ovi lutajući glazbenici, nisu bili sudjelovali s glazbenim instrumentima, dok je crkva ili odbacila njihovo sudjelovanje, ili je uzeo s velikim poteškoćama. Uz razne prozore (cijevi, rogovi, vrtlovi, pan flaute, gajde), tijekom vremena, glazbeni život uključuje harfu (od drevnih), clort (keltski alat), sorte Brook alata, preci buduće violine - Rebab, Vila, Fidel (možda s istoka).

U svim vjerojatnost, ovi srednjovjekovni glumci, glazbenici, plesači, akrobati (često u jednoj osobi), nazvali su jondlers ili druga slična imena, imali su svoje kulturne i povijesne tradicije, ostavljajući udaljena vremena. Mogli bi biti usvojeni - kroz brojne generacije - nasljeđe sinkretne umjetnosti starih rimskih glumaca, čiji su potomci, pod nazivom povjesničari i mimi, dugo lutali, trčeći na srednjovjekovnoj Europi. Najstariji predstavnici Šest razreda Celtic (Barda) i njemački epski mogli bi biti nekako sposobni prenijeti svoje tradicije žonglerima, koji, iako ih nisu mogli sačuvati lojalnost, ali ipak su se naučili od njih za sebe , U svakom slučaju, u IX. Stoljeću, kada se prethodni spominju o povjestorima i mimima već zamijenjene porukama o žgustavima, ovi drugi su poznati po tim i kao epski izvođači. Okrećući se s mjesta na mjesto, žongles nastupa na proslavama u dvorištima (gdje se stado na određene datume), u dvorcima, u selima, pa čak i dopušteno crkvu. U pjesmama, romanima i pjesmama srednjeg vijeka više nego jednom spomenuto o sudjelovanju žonglera u svečanoj zabavi, u uređaju svih vrsta naočala na otvorenom. Sve dok su te ideje, pogodne na velikim praznicima u hramovima ili grobljima, izvršene samo latinskim, studentima monaških škola i mladih klerika mogli su sudjelovati u nastupima. Ali do XIII. Stoljeća, Latinski je zamijenjen lokalnim narodnim jezicima - a zatim se zalutali glazbenici koji se prijavljuju za ispunjenje stripova i epizoda u duhovnim idejama, uspinjale su nekako da uđu u broj glumca, a zatim osvajaju uspjeh sa svojim šalama u publici i slušateljima. Tako je bilo, na primjer, u katedralama Strasbourga, Rouena, Reims, Cambre. Među "priča", koje su predstavljene na praznicima, bilo je božićne i uskršnje "denis", "plače Mariji", "povijest o uređajima razumnih i odmota nerazumnih", itd. Gotovo svugdje na idejama, u korist njihovih Posjetitelji, umetnuti one ili druge komične epizode povezane s sudjelovanjem zlih sila ili avantura i replike sluge. Ovdje i otvoreni prostor za glume glazbene sposobnosti žonglera sa svojim tradicionalnim Junning.

U posebnoj ulozi, mnogi minstreli bili su suprotstavljeni, kada su počeli surađivati \u200b\u200bs tromadras, prateći njihove patrone-vitezove svugdje, sudjelujući u izvedbi njihovih pjesama, komunicirajući prema novim umjetničkim oblicima.

Kao rezultat toga, medij "zalutalih ljudi", žonglera, tornjeva, minstrela, doživljavaju značajne transformacije s vremenom, nisu ostali ujedinjeni u svom sastavu. Tu je i plima novih snaga - kompetentnih, ali izgubio stalnu poziciju u društvu, to jest, u suštini deklasirao gubitnike iz malog svećenstva, čudne Scholyarov, odbjegli redovnici. Pojavljujući se u redovima lutalica i glazbenika u XI - XII. Stoljeća u Francuskoj (a zatim u drugim zemljama), primili su imena vaganata i Goliadova. S njima u slojevima Jongs, nove životne ideje i navike, pismenost, ponekad čak i poznata erudicija su došli.

S kraja XIII. Godine 1288., tu u Beču osnovao je "Bratstvo sv. Nicholas ", ujedinjeni od strane glazbenika, 1321. godine" Bratstvo sv. Julien "u Parizu bio je organizacija lokalnih mineralnih radionica. Nakon toga, ceh Royal Mensters formiran u Engleskoj. Ovaj prijelaz na radionicu će u biti okončao povijest srednjovjekovne žonglerije. Ali zalutali glazbenici su daleko od sanjanja o svojim bratstvima, cehovima, trgovinama. Njihova se lutanja nastavila u XIV, XV, XVI stoljećima, pokrivajući veliku teritoriju i stvaranje kao rezultat novih glazbenih i kućanskih veza između udaljenih regija.

Trubadras, trube, Minnezinger

Umjetnost Trubadurova, nastala u Provansi XII. Mnogi preferirani tada u Provansi rano procvat sekularne umjetničke kulture: relativno manja ruševina i katastrofa u prošlosti, tijekom preseljenja naroda, starih rukotvorina tradicija i očuvanih dugogodišnjih trgovačkih veza. U takvim povijesnim uvjetima evoluira se viteška kultura.

Osebujan proces razvoja rane svjetovne umjetnosti, koji se javlja kroz umjetničku inicijativu provansalnog viteštva, uglavnom se pokreće melodijskim izvorima populacijskih pjesama i distribuira se u širem rasponu građana, evoluirajući u smislu subjekta figurativni sadržaj.

Umjetnost Trobadurova razvija se u granicama kratkih dva stoljeća s kraja XI stoljeća. U drugoj polovici XII stoljeća poznata su imena cijevi kao glazbenici na sjeveru Francuske, u Šampanjac, u Arrasima. U XIII stoljeću operacija cijevi postaje intenzivnije, dok umjetnost provansalnog troubadura završi povijest.

U trube u određenoj mjeri naslijedile su kreativnu tradiciju Trobadurova, ali u isto vrijeme njihove radove bili su jasno povezani s vitezom, ali s gradskom kulturom svog vremena. Međutim, bili su predstavnici različitih javnih krugova u troubadurskom okruženju. Dakle, prvi troubadras bili su: Guillaume VII, grof poiciers, vojvoda Akvit (1071 - 1127) - i Gasnian-jadni Markabryun.

Provansal Trobadours, kao što znate, obično surađivao s jugglesom, koji su s njima lutali, izveli su svoje pjesme ili pratili pjevanje, kao da se povezuju u isto vrijeme odgovornosti slugu i asistenata. Trubadur je izveo kao spremnik, autor glazbenog rada i Jonggler - umjetnik.

U glazbenoj i poetičkoj umjetnosti Trubadurova, nekoliko karakterističnih sorti žanrova pjesme pjesme su se razlikovale: Alba (pjesma zore), pašnjaka, sirent, pjesme križara, dijalog pjesama, plač, plesne pjesme. Ovaj popis nije stroga klasifikacija. Ljubav lyrics je utjelovljena u Albach, a u pasteuurians, te u plesnim pjesmama.

Sadrant - oznaka nije jasna. U svakom slučaju, to nije lirska pjesma. Zvuk s lica viteza, ratnika, hrabrih trubadour, to može biti satiričan, optužni, usmjeren na sortu, na određenim suvremenicima ili događajima. Kasnije se pojave žanrovi balada i Rondo.

Kao što se može prosuđivati \u200b\u200bna temelju materijala posebnih istraživanja, umjetnost Troubadurova u konačnici nije izoliran iz tradicije prošlosti, niti iz drugih suvremenih oblika glazbene i poetske kreativnosti.

Umjetnost Trubadurova je služila kao važna veza vezana između prve u oblicima Zapadne Europe glazbe i pjesničkih stihova, između glazbene i kućne tradicije i visoko profesionalnih smjerova glazbene kreativnosti u XIII -. XIV stoljeća. Kasni predstavnici ove umjetnosti već su za glazbenu profesionalizaciju, ovladali osnove novih glazbenih vještina.

Takov Adam de la al (1237-1238 - 1287), jedan od posljednjih Droversa, izvorne luke, francuski pjesnik, skladatelj, dramatičar druge polovice XIII stoljeća. Od 1271. godine, sastojao se od službi na sudu grofa Roberta D "Artoi, zajedno s kojim je 1282. godine otišao u Karl Anzhuy, kralj Sicilije, u Napulju. Tijekom boravka u Napulju," igra o Robinu i Marion " stvoren je i značajan i značajan rad skladatelja pjesnika.

Takva djela su prapovijest rođenja francuske glazbene komedije HU111 u. i operetta x1x u.

Trubadur Umjetnički uzorci padaju u XII-XIII stoljećima u Njemačku, zainteresirane pozornost na sebe; Lyrics su prevedene na njemački, čak i melodije su ponekad sposobni za nove riječi. Razvoj iz druge polovice XII stoljeća (do samog početka XV) njemačkog Minnenzanga kao umjetničke inkarnacije lokalne viteške kulture čini taj interes za glazbenu i poetsku umjetnost francuskog trubadura - osobito u ranim sredstvima za mineziju.

Umjetnost Minnesingers razvio je gotovo stoljeće kasnije od umjetnosti Trobadurova, u nešto drugačijem povijesnom okruženju, u zemlji u kojoj je u početku još nije bilo tako snažnih temelja za dodavanje novog, čisto sekularnog svjetonazora.

Najveći predstavnici Minnezang bio je Walter von der Fogelweed, pjesnik, autor Parsifhala Wolfram von Eschenbach. Dakle, legenda na temelju Wagnera "Tangeizer" se temelji na povijesnim činjenicama.

Međutim, usluga i govori u dvorištima nisu značajno bili ograničeni na aktivnosti njemačkih Minnensingers: to je bio najistaknutiji od njih provodili značajan dio života u udaljenim lutalicama.

Dakle, umjetnost Minnezanga nije tako nerazumljiva: u njemu se kombiniraju različiti trendovi, a melodijska strana kao cjelina je progresivnije od poetičnih. Žanr raznolikost pjesama iz Minnesingera je na mnogo načina sličan onima koji su kultivirani provansalskim cijevima: pjesme križara, ljubavi - lirske pjesme raznih vrsta, plesni dresovi.

Duhovna glazba kasnog srednjeg vijeka nastavlja svoj razvoj. Primio širok razvoj multi-glas glazbene izjave.

Razvoj multi-glas pisanja, najprije karakterističan za crkvenu umjetnost, dovela je do dodavanja novih glazbenih žanrova kao duhovnog i sekularnog sadržaja. Najčešći genom polifonija postaje motet.

Motet, koji je imao vrlo veliku budućnost, vrlo intenzivno se razvio u XIII. Stoljeću. Njegova netočna je još uvijek u prethodnom stoljeću, kada je nastala u vezi s kreativnom aktivnošću Škole Notre Dame i na prvi način liturgijsko imenovanje.

Motet XIII stoljeća je multi-izražen (češće s tri glas) rada male ili srednje veličine. Značajka žanra Mott bila je početna potpora na gotovom melodijskom uzorku (od crkvenih dresova, od sekularnih pjesama) na koje su druge glasove različitih karaktera slojevita, pa čak i ponekad različitog podrijetla. Pokazalo je kombinaciju različitih melodija s različitim tekstovima.

Instrumenti (Villai, Psalterium, orgulje) mogli su sudjelovati u obavljanju određenih motela. Konačno, u XIII. Stoljeću, osebujan oblik domaće polifonije, koji je dobio imena rondela, Rota, RU (kotač) stekao je popularnost. Ovo je strip Canon, koji je bio poznat i srednjovjekovni spili.

Do kraja XIII. Stoljeća, glazbena umjetnost Francuske u velikoj mjeri postavila ton u zapadnoj Europi. Glazbena i poetska kultura cjevovoda i Drovers, kao i važne faze u razvoju polifonije, djelomično je utjecao na glazbenu umjetnost drugih zemalja. U povijesti glazbe XIII. Stoljeća (približno od 1230-ih), procijenjena je oznaka "Ags Antiqua" ("stara umjetnost").

Ars Nova u Francuskoj. Guyom Masha

Oko 1320, Philip de Viterse nazvan je "AGS Nova" nastao je u Parizu. Ove riječi - "nova umjetnost" - ispostavilo se da su pokriveni: oni su bili definicija ere "AGS Nova", koja je prihvaćena od strane francuske glazbe XIV stoljeća. Izrazi "nova umjetnost", "nova škola", "nova pjevači" često su se susreli u vrijeme Philipa de Vitrata ne samo u teorijskom radu. Bilo da je teorets podržao nove struje ili ih plakalo, je li njihov papa osudio ih: "Bio sam ja to novi u razvoju glazbene umjetnosti, koji nije bio prije pojave razvijenih višestrukih oblika.

Najveći predstavnik AGS Nova u Francuskoj bio je Guillaume de Masho-Koreni pjesnik i skladatelj svoga vremena, čija je kreativna baština također proučavana u povijesti književnosti.

Bez obzira na to koliko je u XIV stoljeću, daljnji razvoj multi-glasovnih oblika, liniju glazbene i poetske umjetnosti, koji dolaze iz cjevovoda i cijevi, nije u potpunosti izgubljen u atmosferi francuskog Arsa Nove. Ako je Philippe de Vitrat bio prvenstveno znanstvenik glazbenik, a Guillaume de Mahi je postao majka francuskih pjesnikaSvejesti, obojica su bili pjesnici-glazbenici, to jest, u tom smislu, kao što je bilo, tradicije cijevi XIII stoljeća nastavili su se. Na kraju, nije tako dugo odvojeno odvojiti kreativnu aktivnost Philippe de Vitrata, koja je počela skladati glazbu oko 1313-1314, pa čak i aktivnosti Mashe (od 1320-1330) - od posljednjih godina kreativnosti Život Adama de la Al (um, 1286. ili 1287).

Povijesna uloga Guillaume DS Masha mnogo je značajnija. Bez njega, u Francuskoj ne bi bilo Ars Nove. Njegova je glazbena i poetska kreativnost, obilna, originalna, multilateralna i usmjerena na sebe najvažnije značajke ovog doba. U svojoj umjetnosti, kao što su bili, linije prolaze, s jedne strane, iz glazbene i poetske kulture pivopova i cijevi u dugogodišnjoj pjesmi, s druge i od francuskih škola manifungije X11111 stoljećima.

O životni put Masho do 1323. mi, nažalost, ništa ne zna. Poznato je samo da je rođen oko 1300 u Mashi. Bio je vrlo obrazovan pjesnik široke erudicije i istinski majstor njegovog slučaja kao skladatelja. S nedvojbeno visokim darovitosti, on bi trebao, naravno, dobiti temeljitu pripremu za književne i glazbene aktivnosti prvi datum, s kojom je povezana činjenica biografije Masha - 1322 - 1323, kada je njegova služba počela u dvorištu Kralj. Službenik, zatim kraljevska tajnica). Već više od dvadeset godina Masha je bila u dvorištu kralja Bohememije, zatim u Pragu, a zatim stalno sudjelujući u njegovim kampanjama, putuje, svečanosti, lov, itd. U razmijepatiju Yana Luksemburgu, imao je priliku posjetiti glavne centre u Njemačka u Poljskoj. U svim vjerojatnost, sve je to dao Guillaume de Masho mnoge dojmove i potpuno obogaćuje svoje životno iskustvo. Nakon smrti kralja Bohemije 1346. bio je u službi francuskih kraljeva Johna dobrog i Karla V, a također je primio Canonikat u katedrali Notre Dame u Reims. To je doprinijela njegovoj slavi kao pjesnik. Masha je bila visoko cijenjena tijekom njegova života, a nakon smrti 1377 proslavu suvremenika u bujnim napisima. Masha je imala značajan utjecaj na francusku poeziju, stvorila cijelu školu za koju su poetske stihove razvijene od njih karakterizirani.

Skala glazbene i poetske kreativnosti Mashe s multilateralnim razvojem žanrova, neovisnost njegovog položaja, koja je imala najjači utjecaj na francuske pjesnike, visoko majstorstvo glazbenika - sve to ga čini prvom takvom glavnom osobom u povijest glazbene umjetnosti.

Kreativna baština Mashe je opsežno i raznolika. Oni su stvorili motike, balade, Rondo, Canons itd.

Nakon Mashe, kad mu je ime bilo vrlo počašćeno pjesnicima i glazbenicima, a utjecaj se mogao tako osjećati kao drugi, nije imao istinski velikih nasljednika među francuskim skladateljima. Naučili su mnogo na svom iskustvu polifanista, ovladao svoju tehniku, nastavio je kultivirati iste žanrove kao i on, ali pomalo slomiti, s eksperijskim detaljima, njihovom umjetnošću.

Renesansa

Incredit vrijednost renesansne ere za kulturu i umjetnost zapadne Europe odavno su ostvarili povjesničari i postali su dobro poznati. Glazba renesanse predstavljena je brojnim novim i utjecajnim kreativnim školama, slavnim imenima Francesca Landini u Firenci XIV. Stoljeća, Guillaume Dufai i Johannes Okhemema u XV stoljeću, Joskene na početku XVI stoljeća i Pleiadian Classics strogog stila na kraju renesanse - Palestrina, Orlando Lasso.

U Italiji je početak nove ere došao za glazbenu umjetnost u XIV stoljeću. Škola Nizozemske pojavila se i stigla do prvih vrhova do XV, nakon čega je pokrenut njezin razvoj, a utjecaj na ovaj ili onaj način također je zaplijenio majstore drugih nacionalnih škola. Znakovi oživljavanja jasno se manifestiraju u Francuskoj u XVI. Stoljeću, iako su njezina kreativna postignuća bila sjajna i neosporna u prethodnim stoljećima. Do XVI. Stoljeća, uspon umjetnosti u Njemačkoj, Engleska i nekih drugih zemalja pripadaju renesansnoj orbiti su.

Dakle, u glazbenoj umjetnosti zapadnoeuropskih zemalja, očigledne značajke oživljavanja su, iako s nekim neujednačenosti, u XIV XVI stoljećima. Umjetnička kultura renesanse, osobito glazbena kultura, bez sumnje se okrenula od najboljih kreativnih dostignuća kasnog srednjeg vijeka. Povijesna složenost renesanse je ukorijenjena u činjenici da je feudalni moždani udar i dalje ostao gotovo svugdje u Europi, a značajne smjene odvijaju u razvoju društva, svestran je pripremio uvredljivu novu eru. To je izraženo u društvenoj i promotivnoj sferi, političkom životu, u širenju horizonta suvremenika - geografske, znanstvene, umjetničke u prevladavanju duhovne diktature Crkve, u usponu humanizma, rast samosvijesti o značajnom osoba. S posebnom svjetlinom, znakovima novog svijeta svjetovno traže i etablirao se u umjetničkom radu, u translacijskom pokretu raznih umjetnosti, za koje je "revolucija umova" bila iznimno važna, što je uzrokovala renesansu.

Nema sumnje da je humanizam u njegovom "oživljavajućem" razumijevanju natočio ogromne svježe sile u umjetnosti svoga vremena, nadahnute umjetnike u potrazi za novim temama, u velikoj mjeri utvrdili prirodu slika i sadržaja njihovih djela. Za glazbenu umjetnost, humanizam je značio prije svega produbljivanje u smislu čovjeka, prepoznajući ih s novom estetskom vrijednošću. To je doprinijelo identifikaciji i provedbi najjačih svojstava glazbene specifičnosti.

Za cijelu eru općenito, očigledna prevladavanje vokalnih žanrova, posebice vokalne polifonije. Samo vrlo sporo, postupno instrumentalna glazba dobiva neku neovisnost, izravna ovisnost o vokalnim oblicima i domaćih izvora (ples, pjesmu) će se prevladati samo malo kasnije. Veliki glazbeni žanrovi ostaju povezani s verbalnim tekstom.

Veliki put glazbene umjetnosti putovao je iz XIV do kraja XVI. Stoljeća, nipošto nije bio jednostavan i jednostavan, kao i sva duhovna kultura oživljavanja nije razvijala samo i samo na ravnom liniju. U glazbenoj umjetnosti, kao u susjednim područjima, postojala je njihova "gotička linija" i njihov, održiv i lanac, nasljeđe srednjeg vijeka.

Glazbena umjetnost zapadnoeuropskih zemalja, glazbena umjetnost zapadnoeuropskih zemalja, pristupila je višestrukoj talijanskoj, Nizozemskoj, francuskoj, njemačkoj, španjolskoj, engleskoj i drugim kreativnim školama te u isto vrijeme i jasno izraženi opći trendovi. Klasik strogog stila već je stvoren, neka vrsta "harmonizacije" polifonije bila je, a kretanje na homofonsko pisanje povećao, povećao ulogu umjetničke kreativne individualnosti, vrijednosti glazbe života i njezin utjecaj na Profesionalna umjetnost visoke razine, figurativno obogaćena i individualizirana svjetovni glazbeni žanrovi (osobito talijanski madrigal), mlada instrumentalna glazba priđe prag neovisnosti. Sve to XVII stoljeće izravno se doživljava od XVI - kao nasljeđe renesanse.

Ars Nova u Italiji. Francesco Landini

Talijanska glazbena umjetnost XIV stoljeća (Kreteno) općenito proizvodi nevjerojatan dojam svježine, kao da je vino novo, samo novi stil u nastajanju. Glazba Arsa Nove u Italiji je samo atraktivna i jaka u svojoj čisto talijanskoj prirodi i razlikama iz francuske umjetnosti u isto vrijeme. Ars Nova u Italiji - već zarya renesansa, njegova značajna predviđanja. Središte kreativnih aktivnosti talijanskih predstavnika Arsa Nove nije bio slučajno da je Firenca, čija je važnost pogođena primarnom i za novu literaturu humanističkog smjera, i - u velikoj mjeri - za vizualne umjetnosti.

Razdoblje ARS Nova pokriva XIV stoljeće od oko 20 do 80-ih i označenih originalnim psom originalnim | cvjetanje sekularne glazbene kreativnosti u Italiji. Za talijanski Ars Nova, nesporna prevladavanja svjetovnih eseja nad duhovnim karakterističnim su. U većini slučajeva, to su uzorci glazbenih tekstova ili nekako žanr igra.

U središtu pokreta Ars Nova, figura Francesca Landini, bogato i svestrani daroviti umjetnik, koji je napravio najjači dojam na napredne suvremenike.

Landini je rođen u Fyzolu, u blizini Firence, u obitelji slikara. Nakon PSRenina u djetinjstvu, Oseplen je zauvijek. Prema Villanima, rano je počeo stvarati glazbu (prvi pjevati, a zatim igrati nizove i orgulje). Njezin glazbeni razvoj otišao je s prekrasnom brzinom i zadivljen drugima. Prekoračio je dizajn mnogih alata, učinio poboljšanja i izmislio nove uzorke. Tijekom godina, Francesco Landini nadmašio je sve moderne talijanske glazbenike.

Posebno je proslavila njegovu igru \u200b\u200bna orgulje, za koje je on, u nazočnosti Petrarha, bio okrunjen lovorima u Veneciji 1364. godine. Suvremeni istraživači uključuju rane radove za 1365-1370. 1380-ih, slava Landini kao skladatelj već je pomragla uspjehe svih njegovih talijanskih suvremenika. Landini je umro u Firenci i pokopan u crkvi San Lorenzo; Na svom nadgrobni peć označio je datum: 2. rujna 1397

Danas je poznato 154 pripravaka Landini. Balladi su među njima.

Kreativnost Landini, u suštini dovršava razdoblje Ars Nova Italija. Nema sumnje da ukupna razina Landini je umjetnosti i kvalitetne karakteristike ne dopušta da se smatra pokrajinskim, primitivnim, čistim hedonističkom.

U protekla dva desetljeća, X1U stoljeća u glazbenoj umjetnosti u Italiji, postoje promjene, koje prvo krše integritet položaja Arsa Nove, a zatim dovode do kraja njegova razdoblja. Umjetnost HU stoljeća spada u novo povijesno razdoblje.

Više od 1000 godina razvila je glazbenu umjetnost srednjeg vijeka. To je stresna i kontroverzna faza evolucije glazbenog razmišljanja - od monoenta (jedan-s) do najsloženije polifoniju. Mnogi europski glazbeni instrumenti poboljšani su u epohi srednjeg vijeka, formirana su žanrovi crkve i sekularne glazbe, formirana su poznate glazbene škole Europe: Nizozemska, francuski, njemački, talijanski, španjolski itd.

U srednjem vijeku bilo je dva glavna smjera u razvoju glazbe: duhovna glazba i sekularna, zabavna. U isto vrijeme, sestrana glazba vjeruje u religiju, smatra se "đavolskom pomorcijom".

Glazba je bila jedan od alata religije, "podloga" znači koji su služili ciljevi Crkve, kao i jednu od točnih znanosti. Glazba je stavljena s matematikom, retorikom, logikom, geometrijom, astronomijom i gramatikom. Crkva je razvila pjevače i skladateljske škole s naglaskom na numeričku glazbenu estetiku (za znanstvenike tog razdoblja, glazba je bila projekcija broja na zvuk materiju). To je bio utjecaj kasnog helenizma, ideje Pythagore i Platona. Uz ovaj pristup, glazba nije imala neovisnu vrijednost, to je bila alegorija više, božanske glazbe.

Dakle, glazba je bila podijeljena na 3 vrste:

• Svjetska glazba je glazbene sfere, planete. Prema glazbenoj i numeričkoj estetici srednjeg vijeka, svaki planet solarnog sustava je obdaren svojim zvukom, tonom i kretanjem planeta stvorio nebesku glazbu. Osim planeta, godišnja doba su obdarena njegovom tonom.
• Ljudska glazba - svaki organ, dio tijela, duša osobe je obdarena svojim zvukom, koji su bili u skladnom konsolantu.
• Instrumentalna glazba - umjetnost igranja alata, glazba za omotnicu, nižu vrstu hijerarhije.

Duhovna glazba bila je vokalna, zborska i sekularna - instrumentalna vokala. Instrumentalna glazba smatrala se svjetlom, neozbiljnom, a glazbeni teoretičari te epohe nisu shvatili ozbiljno. Iako je obrt minstrela zahtijevao glazbenike velikih vještina.

Prijelazno razdoblje od srednjeg vijeka do razdoblja novog vremena u Europi, koji je trajalo gotovo dvije i pol stoljeće. Tijekom tog razdoblja, značajne promjene dogodile su se u mnogim područjima života; Stormy cvjeta preživjela znanost i umjetnost. Razdoblje oživljavanja podijeljeno je na mnoge dijelove sastavnih dijelova i faza razvoja. Različite praznovjerde su također povezane s njim, ukorijenjeni tako čvrsto da i danas postoje znatni napori da ih opovrgnu.

• Prvi i, vjerojatno, glavna zabluda treba uzeti u obzir (kao i mnogi od ideologa renesanse) oživljavanje oživljavanja, uskrsnuće kulture i civilizacije, koji je došao nakon dugog razdoblja barbarskog "srednjeg vijeka" , mračno vrijeme, razdoblje jaz u razvoju kulture. Ova predrasuda temelji se na punom neznanju srednjeg vijeka i bliske veze između njega i oživljavanja; Kao primjer, bit će dovoljno dva potpuno različita područja - poezija i ekonomski život. Dante je živio u XIII stoljeću, tj. U vrhunskom vrhuncu srednjeg vijeka, Petrarka - u XIV. Što se tiče gospodarskog života, njegova autentična renesansa također pada na XIII. Stoljeću, vrijeme brzog razvoja trgovine i bankarstva. Kaže se da smo dužni oživjeti drevne autore, ali to je također praznovjerje. Poznato je da je u tom razdoblju otkriveno samo dva drevna grčka rukopisa, ostali su bili na zapadu (uglavnom u Francuskoj), jer je povratak na antiku povezanu s interesom za osobu i prirodu, zapadna Europa preživjela u XII i XIII stoljećima.
• Druga praznovjerje povezano je s miješanjem dvije komponente oživljavanja nasuprot jedni drugima, naime tzv humanizam i nove prirodne znanosti. Humanizam je neprijateljski raspolažen na bilo koju logiku, svaki razlog, bilo koju prirodnu znanost, koju smatra "mehaničkom" radnom snagom, nedostojnim kulturne osobe, osmišljenom da bude pisac, Riser, političar. Lik renesanse, koji u isto vrijeme kombinira erasmu Rotterdama i Galilej, mitska je i vjera u određenom životu svojstvenom eri oživljavanja slike svijeta - ništa osim praznovjerja.
• Treća predrasuda sastoji se u hvaleći filozofiju renesansne dobi kao "veliki" u usporedbi s skolastikom prije nje.

Zapravo, s izuzetkom Nicholasa Kuzansky (udaljena od duha renesanse) i Galileje (koji je živio na renesansi, renesansni filozofi, prema sajmu odobrenja Kristenchera, nisu bili ni dobri, niti loši, nisu bili filozofi svi. Mnogi od njih bili su izvanredni pisci, znanstvenici, poznavatelji drevnih tekstova, bili su poznati po ruji i akutnoj inteligenciji, književnoj vještini. Ali nisu imali gotovo nikakvu povezanost s filozofijom. Dakle, suprotstavite im se misliocima srednjeg vijeka - praznovjerje čiste vode.

• • Još jedna zabluda je razmotriti oživljavanje olujne revolucije, potpunog jaza s prošlošću. Doista, u tom razdoblju postoje duboke promjene, ali sve su organski povezane s prošlošću, au svakom slučaju, njihovo podrijetlo može se naći u srednjem vijeku. Ove promjene imaju u prošlosti tako duboke korijene koje je jedan od najvećih stručnjaka na eri renesanse, hasing, imao svaki razlog za imenovanje ove ere "jesenskog srednjeg vijeka".

Konačno, praznovjerje je mišljenje da ljudi koji su živjeli u doba renesanse, barem većinu njih, u duhu svojih protestanata, monista, ateista ili racionalista. Zapravo, neodoljiva većina poznatih predstavnika renesanse i na području filozofije gotovo sve, od Leonarda i Ficina do Galileja i kampena, bili su katolici, navijači učestalosti i branitelji34 katoličke vjere. Dakle, Martilyo Ficino u 40. godini života uzeo je kršćansku vjeru i stvorio katoličku apologetiku novog vremena.

Glazbeni teoretičar srednji vijek Guido Aretinsky (kraj 15. stoljeća) daje sljedeću definiciju glazbe:

"Glazba je pokret vokalnih zvukova."

U ovoj definiciji, srednjovjekovni glazbeni teoretičar izrazio je stav prema glazbi cijele europske glazbene kulture tog doba.

Glazbeni žanrovi crkve i sekularne glazbe.

Izvor duhovne glazbe srednjeg vijeka bio je samostansko okruženje. Napjevi su bili zarobljeni u pjevanju škola za slušanje i distribuirane u crkvenom okruženju. S obzirom na izgled velikog razdjelnika, katolička crkva je odlučila kanonizirati i regulirati napjeve koji odražavaju jedinstvo kršćanske doktrine.

Tako se pojavio zbor, koji je postao personifikacija crkvene glazbene tradicije. Temelji se na drugim žanrovima stvorenim posebno za određene praznike, štovanje.

Duhovna glazba srednjeg vijeka je predstavljena sljedećim žanrovima: · Kućni, Grigorian Choral - Jednokosi religioznom pjev na latinsku, jasno reguliranu, izvedena je zboru, neki odjeljci - solist

• • • Misa je glavno štovanje Katoličke crkve, koji se sastoji od 5 održivih dijelova (Ordarda) - I. Kyrie Eleison (Lord, Pomemui), II. Gloria (slava), iii. Credo (vjeruje), iv. Sanctus (sveti), V. Agnus dei (Božja janjetina).
    • Liturgija, liturgijska drama - uskrsni ili božićni bogoslužje, gdje se gregorijanski choras izmjenjivao s ne-kanoniziranim stazama melodije, liturgies je izveo zbor, stranka likova (Marija, evanđelista) - solisti, ponekad se pojavili neka vrsta kostima
    • Mystery - liturgijska drama s detaljnim stupnjem akcijom, kostimima
    • Rondel (Rondo, RU) je multi-govorni žanr zrelog i kasnog srednjeg vijeka, oslanjao se na autorovu melodiju (za razliku od kanonizirane količine), koji je proveden na improvizacijski način solisti koji se pridružuju zaobići (rani kanonski oblik)
    • Proprium - dio žanrove mase, različito ovisno o crkvenom kalendaru (za razliku od stalnog dijela mase - ordinarij)
    • ANTIFONE - najstariji žanr zborske crkvene glazbe, na temelju izmjeničnih stranaka dvije zborske skupine

Uzorci crkvene glazbe:

1) Kyrie Eleyson

2) žrtve pashali

Sekularna glazba srednjeg vijeka bila je, uglavnom glazba zalutalih glazbenika i odlikuje se slobodom, individualiziranim i emocionalnošću. Također, sekularna glazba bila je dio dvorišta, viteške kulture feudalnog. Budući da je kod propisao vitez iznimnih manira, velikodušnost, velikodušnost, dužnosti služiti kao prekrasna dama, te stranke nisu mogle pronaći svoj odraz u pjesmama Troubadura i Minenenger.

Izveli su sekularnu glazbu Mimice, žonglera, truljenja ili cijevi, minstrel (u Francuskoj), Minenesingeru, Spielmen (u njemačkim zemljama), Chores (u Španjolskoj), mrvice (u Rusiji). Ovi umjetnici nisu morali ne samo da bi mogli pjevati, igrati i plesati, već i da bi mogli pokazati cirkuske nastupe, trikove, kazališne scene, a trebali bi biti na drugim načinima za zabavu javnosti.
Zbog činjenice da je glazba bila jedna od znanosti i učio na sveučilištima, feudalni i plemeniti ljudi koji su primili obrazovanje mogli bi primijeniti svoje znanje i umjetnost.
Dakle, glazba se razvila u sudski mediju. Za razliku od kršćanskog asketizma, viteška glazba osporavala je senzualnu ljubav i ideal izvrsne dame. Među plemstvom, kao što su glazbenici bili poznati - Guyom - VII, grof Poitiers, Duke Aquitania, Jean Briensky - kralj Jeruzalem, Pierre Moklar - Duke iz Brittany, Tibo Champagne - kralj Navarre.

Glavne značajke i značajke srednjeg vijeka:

• • • oslanja se na folkloru, ne izvodi se na latinskom jeziku, već na dijagrama native jezika,
    • među lutačkim umjetnicima se ne koristi, glazba je oralna tradicija (kasnije u sudskim okruženju, razvija se glazbeno pisanje)
    • glavna tema je slika osobe u cijelom razvodniku svog zemaljskog života, idealizirane senzualne ljubavi
    • jednosmjerni - kao način izražavanja pojedinačnih osjećaja u pjesmama i obliku pjesama
    • vokalno i instrumentalno izvršenje, uloga alata nije vrlo visoka, instrumental je bio uglavnom ulazak, intermedijeri i kodovi
    • melodija je bila raznolika, ali ritmici u isto vrijeme - kanonizirani, "utjecaj crkvene glazbe, ritmove sorte (ritmički načini), bio je samo 6, a svaki od njih imao je strogo oblikovan sadržaj.

Trube, trubadras i minnersingers, sviranje truba vitez glazbe, stvorio je svoje izvorne žanrove:

• • • "Waveky" i "svibanj" pjesme
    • Rondo - oblik na temelju ponavljanja refrine
    • Balada - pjesma Textzy
    • Virlael - Starofronzuz pjesme s troslojnom stanzom (treća linija je skraćena), ista rima i sa zborom
    • Herojski EPOS ("pjesma Rolanda", "Pjesma Nibelunge")
    • Križare pjesme (palestinske pjesme)
    • Kanzona (u Minenengeru zvana - Alba) - Ljubav, lirska pjesma

Zahvaljujući razvoju urbane kulture u X-Xi stoljećima. Svjetovna umjetnost postala je aktivnija. Gledanje glazbenika sve više odabiru stil naseljavanja, naseljenih cijelih gradskih blokova.

Zanimljivo je da je zalutao glazbenici XII - XIII. Povratak u duhovnu temu. Prijelaz s latinske na lokalne jezike i ogromnu popularnost ovih izvođača dopustila im je da sudjeluju u duhovnim idejama u katedralama Strasbourga, Rouena, Reims. Kambone. Tijekom vremena, neki od lutajućih glazbenika dobili su pravo organizirati nastupe u dvorcima plemstva i na dvorištima Francuske, Engleske, Sicilija i drugim zemljama.

XII - XIII.

Obrazac glazbenike u srednjovjekovnim gradovima Cijeli glazbene trgovine - "Bratstvo sv. Juliena" (Pariz, 1321) ", bratstvo sv. Nikole" (Beč, 1288). Ciljevi ovih udruga bili su zaštita prava glazbenika, očuvanja i prijenosa profesionalnih tradicija.

U XIII - XVI stoljećima. Formiraju se novi žanrovi koji se dalje razvijaju već u epohima ARS Nova:

• • • Monteti (iz Franza. - "Riječ") - multi-govorni žanr, koji se odlikuje melodijskom njegu glasova koji su u isto vrijeme netočili različite tekstove, ponekad čak i na različitim jezicima, mogu biti i sekularni sadržaj i duhovni
    • Madrigal (iz Itala. - "Pjesma na materinjem jeziku", tj. Talijanski) - Lyric, pastoralne pjesme,
    • Kahche (iz Itala. - "Hunting") - Vokalna igra na temu lova.

Svjetovna glazba Troubadura i profesionalnih skladatelja.

Dodatne informacije:

U našem informacijskom dobu, stoljeće visokih tehnologija, često zaboravljamo na nepovratne duhovne vrijednosti. Jedna od tih vrijednosti je klasična glazba - duhovnu baštinu naših predaka. Što je klasična glazba, zašto je to potrebno suvremenom osobom? Zašto mnogi vjeruju da je ovo vrlo dosadno? Pokušajmo shvatiti ta teška pitanja. Možete čuti mišljenje da je klasična glazba navodno ona koja je napisana davno. To nije slučaj, budući da ovaj koncept podrazumijeva sve najbolje koje je stvoreno u svijetu glazbe od postojanja ljudske civilizacije. Sonata Beethoven, stvorena u XVIII stoljeću, a romantika Sviridova, dodala je prije 40 godina, - sve je to klasik! Glavna stvar je da je ova glazba prošla test vremena. I u vrijeme Beethovena, a sada postoje delints iz umjetnosti koji proizvode osnovni glazbeni proizvod. Ovaj proizvod je vrlo brzo razmažen i originalna umjetnost svaki dan postaje sve ljepši i ljepši.

Izgled bilješki

Pisanje, veliki izum čovječanstva, dopušten je akumulirati i prenositi misli, ideje i dojmove na nadolazeće generacije. Još jedan izum, ne manje veliki, glazbeni zapis, dopušteno prenijeti zvukove na potomke, glazbu. Za glazbu u europskoj glazbi korišteni su posebni znakovi - NEMA.

Izumitelj modernog sustava za rekord spremnika je benediktinski redovnik Guido Aretinskog (Guido d'Isseet) (990-1050). Arezzo je gradić u Toskani, nedaleko od Firence. U lokalnom samostanu, brat Gvido podučavao je pjevanje izvršenja crkvenih napjeva. Nije bilo lako i dugo. Sva znanja i vještine prenesene su usmeno u izravnoj komunikaciji. Pjevajući pod vodstvom učitelja i iz svog glasa dosljedno je naučio svaku himnu i svako pjevanje katoličke mase. Stoga je pun "tečaj" trajao oko 10 godina.

Guido Arettinsky počeo je obilježiti zvukove bilješki (od latinske riječi Nota - znak). Napomene, zasjenjeni kvadrati, stavljeni su na limenku, koji se sastoji od četiri paralelne linije. Sada su ove linije pet, a bilješke su prikazane krugovima, ali načelo koje je uveo Guido, ostao je nepromijenjen. Više bilješke prikazane su na višoj liniji. Napomene sedam, oni čine oktavu.

Svaka od sedam bilješki oktave gwido dala je ime: ut, Re, Mi, Fa, Sol, LA, SI. To su prvi slogovi himne sv. Ivan. Svaka linija ove himne dolazi na tonu iznad prethodnog.

Napomene sljedeće oktave nazivaju se istim, ali dolaze u višoj ili nižoj glasu. Kada se krećete iz jedne oktave na drugu frekvenciju zvuka, koja je označena istom bilješkom, povećava se ili dvaput se smanjuje. Na primjer, glazbeni instrumenti uspostavili su bilješku prve oktave. Ova napomena odgovara frekvenciji 440 Hz. Sljedeći, drugi, oktava će odgovarati učestalosti 880 Hz.

Imena svih bilješki, osim najprije završavaju na zvuk samoglasnika, prikladno je pjevati. SLOG UT - zatvoren i nestaje je nemoguće. Stoga je ime prvog usjeka oktave, UT, u šesnaestom stoljeću zamijenio učini (najvjerojatnije, od latinske riječi Dominus - Gospodina). Posljednja napomena oktave, SI je smanjenje dvije riječi posljednje linije himne, tancat ioannes. U zemljama na engleskom jeziku, ime "SI" zamijenjen je "TI" da se ne može zbuniti slovom C, također se koristi u oglasnoj evidenciji.

Invensus bilješke, Guido je učio pjevače ove vrste abecede, a također ih je naučio pjevati na bilješkama. To jest, činjenica da se u modernim glazbenim školama zove Solfeggio. Sada je bilo dovoljno zapisati cijelu Mesa bilješke, a pjevači su već mogli požuriti željenu melodiju. Nestao je potrebu da se svaka pjesma nauči osobno. Guido je samo kontrolirao proces. Vrijeme treninga Pevichi je smanjio pet puta. Umjesto deset godina - dvije godine.

Memorijalna ploča u Arezzu na ulici RicasSolley na kući u kojoj je rođen Guido. Na njoj prikazane kvadratne bilješke.

Moram reći da je Monk Guido iz Arezza nije prvi koji je smislio glazbu za pisanje uz pomoć znakova. Prije njega, u zapadnoj Europi, već je bio sustav neaktivnosti (iz grčke riječi "pneumo" - disanje), značke pričvršćene preko teksta psalama za označavanje porasta ili smanjenja tona pjesme. U Rusiji, u istoj svrsi, koristili su vlastite "kuke" ili "bannere".

Kvadratne bilješke Guido Aretinsky, smještene na četiri linije mot, pokazala se najjednostavnijom i najpovoljnijim sustavom za snimanje glazbe. Zahvaljujući joj, razred na dodir širio se širom svijeta. Glazba je ostavila granice crkve i otišla na palače Vladyka i plemenitih, a zatim u kazalištima, koncertnim dvoranama i gradskim trgovima, postajući opća baština.

Što je način.

Lada je jedan od središnjih pojmova u teoriji glazbe. Razumijevanje kako su izgrađeni, a vješto korištenje njihove uporabe otvara neograničene mogućnosti ispred glazbenika. I često objašnjavaju točno kako je zanimljiv tranzicija stvoren u određenom sastavu, nemoguće je - ako osoba ne razumije što je način. Ali postoji snag: izraz "način" sami glazbenici koriste, često ne smiju uopće isto. Zašto je to? I što je tako općenito? Pokazalo se da je zbunjenost zbog ove riječi u različitim epohama uložena vrlo različito značenje.

Mi ne shvaćamo kako je naša percepcija odgojena i vezana u klasičnoj glazbi. (Dok je koncept "moderne glazbe" odlazak iz klasičnih načela). ERA klasicizma je veliki povijesni sloj u ljudskoj percepciji svijeta. Nakon srednjeg vijeka, ljudi otkrivaju antičku umjetnost i fasciniraju ih. Svaki proizvod klasicizma je izgrađen na strogim kanonima, na taj način pronalazi neznalost i logičnost same svemira. Klasicizam je stvorio strukturnu uređenost - jasnu hijerarhiju najviših i nižih, glavnih i sekundarnih, središnjih i podređenih. Stoga, na primjer, počevši s Bečkim klasicima i romantičnom glazbom, mislim u sustavu - "veliki manji". Što je to i kako utječe na našu percepciju?

Major i maloljetni su tonski frets. Tonalni momak je specifičan sustav odnosa između tonova. Što to znači? Što je ton? Pokušajmo shvatiti. Pretpostavimo da ste klavir ispred vas: pogledajte tipkovnicu: Mi smo upoznati s pred-fa-sol-la-si, 7 bijelih tipki i između njih su još 5 crna, samo 12. udaljenost između svakog od svakog od njih oni su Halftone. Između susjedne crno-bijele - uvijek polutone. Između susjedne bijele - ton (postoje iznimke od Mi-Fa, a Si-up je Halftone).

Bilo koji skup tonova i polutona je izvor. U eri klasicizma počelo ga je graditi strogim podređenjem svih tonova tonika - glavnog tona. Takav je glavni ili rudarski način. Sve ton glazba (cijeli klasik) temelji se na odnosu između glavnih i podređenih pošiljaka. Za glasine, intuitivno razlikovati glavne i manje o tome kako su obojani - "radosni" ili "tužni". Varijabilan način je kada su glavne i manje značajke istovremeno u jednom radu. Ali načelo ih je uobičajeno - ton.

Međutim, ovaj princip nije jedini mogući. Prije ere klasicizma, kada su svi napokon naručili u vitku sustav tonaliteta, glazbeno razmišljanje bilo je drugačije. Jonski, Dorian, Frigian, Lidy, Mixolidian, Eoli, Lokuri ... Ovo je oktavinska lada grčkih. I postojali su crkveni miris Grigorijske glazbe. Sve je to modalna lada. Skladali su glazbu u antici, srednjim godinama, tradiciji istočne glazbe modalna (indijska krpe ili arapski Macms, na primjer). U glazbi Europe, Era je također prevladala modalitet.

Koja je glavna razlika od našeg uobičajenog tonskog izgleda? U tonskim nakazama se strogo razlikovale funkcije glavne konsonance i akorde, au modalnoj glazbi su mnogo više nejasne. Za modalnu ladu, zvuk zvuk je važno - i značenja i boje koje može dovesti u glazbu. Zato smo lako na glasinama razlikovati indijsku glazbu iz srednjovjekovnih pješaca - prema određenim konsonancijskim i glazbenim udarcima.

Do 20. stoljeća čini se da su skladatelji pokušali sve zvučne mogućnosti u tonskoj glazbi. "Dosadno mi je, demon!" ", Rekli su i u potrazi za novim bojama okrenula se starom modalnom prometu i premještaju. Tako je postojao novi modalitet. U modernoj glazbi pojavile su se nove hlače - na primjer, blues. Štoviše, postojao je poseban žanr - modalni jazz. Miles Davis, na primjer, nazvan modalna glazba "odstupanje od normalne gama od sedam nota, gdje svaka bilješka nije u fokusu." I rekao je da "ide u tom smjeru, idete u beskonačnost." Donji dan je da se tonski i modalni principi uopće ne isključuju. U jednoj igri, njihovi se znakovi mogu miješati. Modalitet je kao još jedan sloj koji se nadovezuje na uobičajeni major / maloljetnik. I korištenje raznih modalnih dnevnika mijenja boju glazbe: na primjer, okreti frigijske Lade su na žaru, jer njegovi zvučni tepisi uglavnom čine smanjene korake. Znajući takvo povrće, možete postići zanimljiv zvuk ako pišete glazbu.

Boja, raspoloženje, znak - to su znakovi Lada, koje čujemo, ali često ne shvaćamo ovo. Često se modalni zaobići drže pjesama - jer su neobični. Glasine, odgojene na klasičnu glazbu, vuče ovaj odlazak iz svakodnevnog života. Sve se to i još mnogo toga otvara kada razumijete jezik glazbe.

glazba, muzika epohe srednjeg vijeka - Razvojno razdobljeglazbena kulturaPostoji vremenski interval za hvatanjeV do XIV stoljeća. ,
U razdoblju srednjeg vijeka u Europi Postoji glazbena kultura novog tipa -feudalan Ujedinjuju profesionalnu umjetnost, amaterski glazbenost ifolklor. Od crkve dominira u svim područjima duhovnog života, temelj profesionalne glazbene umjetnosti je aktivnosti glazbenika uhramovi i samostani , Sekularna profesionalna umjetnost predstavljena je na prvom samo pjevačima koji stvaraju i izvršavaju epske legende u dvorištu, u domovima za znajući, među ratnicima itd. (bardovi, vardni i tako dalje.). Tijekom vremena, razvijaju se amaterski i poluprofesionalni kalupi glazbe.vitezovi: u Francuskoj - umjetnost Trubadurova i treversa (Adam de la, XIII. Stoljeća), u Njemačkoj - Minenenger ( Volfram von eschenbach, Walter pozadina der fogelweed, XII - XIII. Stoljeće ), kao i urbaniobrtnici. U feudalnim dvorcima iu gradovima se kultiviraju sve vrste porođaja,Žanrovi i oblici pjesama (epska, "Dawn", Rondo, Le, Velel, Ballads, Chancests, Zemljišta itd.).
Uključeni u život noveglazbeni instrumenti, uključujući i one koji dolazeIstočno (viola, lutnja itd.), Ansambli nastaju (nestabilni pripravci). Folklor cvjeta u seljačkom mediju. "Ljudski profesionalci" također djeluju:sportski. , Nošenje sintetičkih umjetnika (žongles, mime, minstreli, Spiens, svici ). Glazba ponavlja uglavnom primijenjene i duhovne i praktične funkcije. Kreativnost nastupa u jedinstvuizvođenje (obično u jednoj osobi).
Iu sadržaju glazbe, au njegovom obliku dominirakolektivnost ; Pojedinačni početak podliježe generalu, bez iz njega (glazbenik majstor je najbolji predstavnikzajednice ). U svim vladajućim strogomtradicionalni i kanonizam , Konsolidacija, očuvanje i distribucijatradicije i standardi.
Postupno, iako polako, sadržaj glazbe je obogaćen, juŽanrovi, oblici , Izražajna sredstva. UZapadna Europa s VI - VII. Stoljećima , Postoji strogo regulirani sustav.jednokosa (monodička ) Crkvena glazba na temeljudiatonic Ladns ( grigorian pjevanje), ujedinjujući recitiranje (psalmodija) i pjevanje (himne ). Na prijelazu 1. i 2. tisućljeća rođen jepolifonija , Formirana novavokalno (zbor ) i vokalni instrumentalni (zbor iorgan) žanrovi: Organi, Mott, Kondukt, a zatim Mesia. U Francuskoj u XII stoljeću Prvi je formiranskladatelj (kreativna) škola s Katedrala Pariške Majke Božje. (Leonin, Peroths). Na prijelazu renesanse (Ars Nova stil u Francuskoj i Italiji, XIV. Stoljeće) u profesionalna glazba Jednosjednik je zamjenjivanpolifonija Glazba počinje biti oslobođena isključivo praktičnih funkcija (održavanje crkveobrediti ), povećava vrijednostsvjetovan žanrovi, uključujući pjesme (Gille de Masho).

Oživljavanje.

Glazba u razdoblju XV-XVII stoljeća.
U srednjem vijeku, glazba je bila prerogativna crkve, tako da je većina glazbenih radova bila sveta, temelje se na crkvenim napjevima (gregorijanski zbor), koji su bili dio religije od samog početka kršćanstva. Na početku XVII stoljeća, kultni unosi, s izravnim sudjelovanjem pape Gregory i, konačno su kanonizirani. Gregorian Khora izveli su profesionalni pjevači. Nakon razvoja crkvene glazbe, Grigorian Choral je ostao tematska osnova polifonih vjerskih djela (nered, Motelv, itd.).

Srednji vijek je slijedio renesanse, koja je bila za glazbenike otkrića ere, inovacija i istraživanja, doba oživljavanja svih slojeva kulturne i znanstvene manifestacije života od glazbe i slikanja astronomije i matematike.
Iako je uglavnom glazba ostala religiozna, ali slabljenje crkvene kontrole nad društvo otvorilo je skladatelje i izvođače s velikom slobodom u manifestaciji svojih talenata.
Uz izum tiskarskog stroja, bilo je moguće ispisati i distribuirati bilješke, od sada na i započinje ono što nazivamo klasičnom glazbom.
Tijekom tog razdoblja pojavili su se novi glazbeni instrumenti. Najpopularniji alati na kojima su ljubitelji glazbe bilo lako i jednostavno, bez potrebe za posebnim vještinama.
U to je vrijeme pojavila Viola - prethodnik violine. Zahvaljujući momcima (drvene pruge preko grifa), bilo je lako igrati, a njezin je zvuk bio tih, nježan i dobro zvučao u malim dvoranama.
Blasivni alati su također popularni - blok flauta, flauta i rog. Najsloženija glazba napisana je za novostvorenu klaster, drveće (engleski češnjak, odlikuje se malim veličinom) i organ. U isto vrijeme, glazbenici nisu zaboravili olakšati glazbu, što nije zahtijevalo visoke vještine. U isto vrijeme, došlo je do promjena u glazbenom pismu: talijanski Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Metal Lisers je došao za zamjenu teških drvenih tiskanih blokova. Objavljene glazbene radove brzo su se kupili, sve više i više ljudi počelo se pridružiti glazbi.
Kraj oživljavanja doba obilježio je najvažniji događaj u glazbenoj povijesti - rođenje opere. U Firenci su prikupljeni skupina humanista, glazbenika, pjesnika pod pokroviteljstvom svog vođe grafikona Jovani de Bardi (1534. - 1612.). Skupina je nazvana "kamera", njegovi glavni članovi bili su Julio Kachchini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilej (otac astronoma Galileo Galilean), Giloramo Mei, Emilio de Kavala i Ottavio rhinucchini u mladih godina.
Prvi dokumentirani skup Grupe održan je 1573. godine, a najaktivnije godine rada "Firentinska kamera "Bio je 1577-1582. Vjerovali su da je glazba" razmažena "i nastojala se vratiti u oblik i stil drevne Grčke, vjerujući da bi se glazbena umjetnost mogla poboljšati i, prema tome bi se društvo također poboljšalo. Fotoaparat je kritizirao postojeću glazbu za prekomjerno korištenje polifonije na štetu crijeva. Tekst i gubitak poetske komponente rada također su predložili da stvore novi glazbeni stil u kojem je tekst u monodičkom stilu bio popraćen instrumentalnom glazbom. Njihovi eksperimenti dovela je do stvaranja novog vokalno-glazbenog obrasca - cleattee koju koristi Emilio de Cavalieri, nakon toga izravno povezane s razvojem opere.
Prvi službeno priznatopera Odgovarajući suvremenim standardima, "Daphne" operi (Daphne) prvi put je predstavljen 1598. godine od strane autora "Daphne" bili su Jacopo Pier i Jacopo Corsi, libreto Ottavio Rhynucchini. Ova opera nije sačuvana. Prva preživjela opera je "Eurydick" (1600) istih autora - Jacopo po. I Ottavio rhinucchini. Ova kreativna zajednica također je stvorila mnogo djela, od kojih je većina izgubljena.

Glazba ranog baroka (1600-1654)

Uvjetna točka tranzicije između baroka i renesansne ere može se smatrati stvaranje talijanskog skladatelja Claudio Monteverdije (1567-1643) njegovog recitativnog stila i dosljednog razvoja talijanske opere. Početak opere nastupa u Rimu, a posebno u Veneciji značilo je priznavanje i distribuciju novog žanra u zemlji. Sve je to bio samo dio opsežnijeg procesa koji je zarobio sve umjetnosti, a osobito vedro manifestirana u arhitekturi i pisanje slika.
Renesansni skladatelji obratili pažnju na razradu svakog dijela glazbenog rada, gotovo bez obratite pozornost na usporedbu tih dijelova. Odvojeno, svaki dio može zvučati izvrsno, ali skladan rezultat dodavanja bio je, radije, slučaj slučaja od uzoraka. Pojava sporazumnog basa ukazao je na značajnu promjenu u glazbenom mišljenju - naime, činjenica da je harmonija, što je "dodatak dijelova u cjelini", kao važan kao melodijski dijelovi (polifonija) sami. Sve više i više polifonsko i sklad izgledao je kao dvije strane jedne ideje o sastavu skladne glazbe: kada je pisanje, skladne sekvence dobilo istu pozornost kao tritone pri stvaranju disonanca. Harmonično razmišljanje također je postojalo u nekim skladateljima prethodne ere, na primjer, Karlo Jezualdo, ali u baroknom razdoblju postao je općenito prihvaćen.
Ti dijelovi radova u kojima je nemoguće jasno razdvojiti modalitet od tonaliteta, označio je kao mješoviti glavni ili mješoviti manji (kasnije za te pojmove koje je uveo uvjete "monsal major" i "monsal manji", odnosno) , Od tablice se može vidjeti kako se tonski sklad već u ranom baroknom razdoblju gotovo pomiče sklad prethodnog razdoblja.
Italija postaje središte novog stila. Papinstvo, iako je zarobljena borbom s reformacijom, ali ipak posjeduje ogromne resurse novca, nadopunjena vojnim kampanjama Habsburgovaca, tražila je mogućnost širenja katoličke vjere širenjem kulturnog utjecaja. Veličanstvo, veličina i složenost arhitekture, vizualne umjetnosti i glazbe, katoličanstva, kao što je bio, tvrdio se s asketskim protestantizmom. Bogate talijanske republike i suzdržanosti, također su proveli aktivno natjecanje u području likovnih umjetnosti. Jedan od važnih centara glazbene umjetnosti bio je Venecija, bivši u vrijeme sekularne i pod crkvenim pokroviteljstvom.
Značajan broj ranog baroknog razdoblja, čiji je položaj bio na strani katoličanstva, suprotstavljanje rastućeg ideološkog, kulturnog i javnog utjecaja protestantizma, bio je Giovanni Gabrieli. Njegov rad pripada stilu "visokog rođenja" (vrhunac renesanse). Međutim, neke od njegovih inovacija u području alata (imenovanje određenog alata za vlastite, specifične zadatke) jasno ukazuju da je to bio jedan od skladatelja koji su utjecali na izgled novog stila.
Jedan od zahtjeva koje je crkva nametnuta radu duhovne glazbe bila je da su tekstovi u djelima s vokalima bili izbirljivi. Tražila je teret od polifonije do glazbenih tehnika, gdje su riječi otišle do izražaja. Vokali su postali složeniji, vitivit u usporedbi s pratnjom. Tako je dobio razvoj homofnije.
Monteverd Claudio (1567-1643), talijanski skladatelj. Ništa ga nije privuklo kao izloženost unutarnjeg, mentalnog mira čovjeka u svojim dramatičnim sukobima i sukobima s vanjskim svijetom. Monteverdi je prave planiranje sukoba drama tragedije. On je pjevač uragana ljudskog tuša. Ustrajno je tražio prirodnu izražajnost glazbe. "Govor je čovjek - gospođa od Harmonija, a ne sluga toga."
"Orpheus" (1607) -Glazba opere usredotočena je na otkrivanje unutarnjeg svijeta tragičnog junaka. Njegova stranka je neuobičajeno višestruka, spaja razne emocionalne i izražajne struje i žanrove linije. On se entuzijastično pojavljuje svojim porodnim šumama i obalama ili oplakuje gubitak svog euridskih u nespornim pjesmama narodnog skladišta.

Glazba glazba baroka (1654-1707)

Razdoblje centralizacije vrhovne moći u Europi često se naziva apsolutizam. Apsolutizam je dosegao apogej s francuskim kraljem Louisom XIV. Za cijelu Europu Louis Louis je bio uzor. Uključujući glazbu koja se obavlja na sudu. Povećana dostupnost glazbenih instrumenata (posebno se odnosila na tipkovnicu) dala je poticaj razvoju komorne glazbe.
Zreli barok se razlikuje od ranog rasprostranjenog širenja novog stila i ojačanog odvajanja glazbenih oblika, osobito u operi. Kao iu literaturi, sposobnost da se ispis glazbenih radova dovela do produženja publike; Integrira razmjenu između centara glazbene kulture.
Izvanredan predstavnik sudskih skladatelja dvorište Louis XIV bio je Giovanni Battista Lulley (1632-1687).Već u 21, dobio je titulu "Sudskog skladatelja instrumentalne glazbe". Kreativni rad Lilly od samog početka bio je čvrsto povezan s kazalištem. Nakon organizacije sudske komore i pisanja "Airs de Cour", počeo je pisati baletnu glazbu. Sam Louis Xiv plesao je u baletima, koji su tada bili omiljena zabava kupuljnog plemstva. Lilly je bio izvrstan plesač. Uspio je sudjelovati u proizvodnji, plešući zajedno s kraljem. Poznat je po svojoj suradnji s molierom, na predstavama napisao je glazbu. Ali glavna stvar u djelima Lilly još je pisao operu. Iznenađujuće, Lilly je stvorio potpunu vrstu francuske opere; Takozvana lirska tragedija u Francuskoj (fr. Traginie Lyrique) i dosegao nesumnjivo kreativno zrelost u prvim godinama svog rada u opernoj kući. Prije vladajuće koristi kontrast između veličanstvenog zvuka orkestralnog dijela i jednostavnih primatelja i arija. Glazbeni jezik litice nije vrlo kompliciran, ali, naravno, jasnoća harmonije, ritmičke energije, jasnoće članstva u obliku, čistoća teksture govori o pobjedi načela homofona razmišljanja. U velikoj mjeri je njegov uspjeh također olakšao njegovu sposobnost da odabere glazbenike u orkestar, a njegov rad s njima (on sam proveo probe). Integralni element njegovog rada bio je pozornost na harmoniji i alat za uklanjanje.
U Engleskoj je zreli barok obilježio svijetli genij Henryja Peressella (1659-1695). Umro je mlade, u dobi od 36 godina, pisajući veliki broj radova i postao je nadaleko poznat tijekom svog života. Purcell je bio upoznat s radom Corellija i drugih talijanskih baroknih skladatelja. Međutim, njegovi pokrovitelji i kupci bili su ljudi još jedne sorte od talijanske i francuske sekularne i crkve da znaju, pa su spisi Pörslla vrlo različita od talijanske škole. Purcell je radio u širokom rasponu žanrova; Od jednostavnih vjerskih himna do marširanja glazbe, od vokalnih eseja velikog formata do stavljene glazbe. Njegov katalog ima više od 800 djela. Purcell je postao jedan od prvih skladatelja glazbe za tipkovnicu, čiji je utjecaj odnosi na modernost.
Za razliku od gore navedenih skladatelja Dietrich Buxthehud (1637-1707) nije bio sudski skladatelj. Buxtehude je radio od strane orguljaš, najprije u Helsingborgu (1657-1658), zatim u Elsinoru (1660-1668), a zatim, počevši od 1668. godine, u crkvi sv. Marija u Lübecku. Nije zaradio objavljivanje svojih djela, već njihovo izvršenje, a pokroviteljstvo plemstva preferira esej glazbe na crkvenim tekstovima i izvršenje vlastitog organa. Nažalost, nisu sačuvane sva djela ovog skladatelja. Glazba stanice četka je u velikoj mjeri izgrađena na ljestvici ideja, bogatstva i slobode fantazije, tendencije patetičnog, dramatizma, nekoliko oratorijskih intonacija. Njegova kreativnost imala je snažan utjecaj na takve skladatelje kao I. S. Bach i Ten.

Glazba kasno baroka (1707-1760)

Točan redak između zrelog i kasnog baroka je predmet rasprave; Leži se negdje između 1680. i 1720. godine. U znatnom stupnju složenosti svoje odluke, činjenica da je u različitim zemljama stilova zamijenjena nerazumljivim; Inovacije koje su već usvojene pravilom na jednom mjestu u drugome bile su svježe nalazi
Obrasci otvoreni u prethodnom razdoblju postigli su zrelost i velika varijabilnost; Koncert, Suite, Sonata, Confrato Grosso, Oratoria, Opera i balet više nisu izgovarali nacionalne značajke. Univerzalno uspostavljena općeprihvaćena sheme radova: ponavljajuća dva grafikon (AABB), jednostavan trodijelni (ABC) i Rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Talijanski skladatelj, rođen u Veneciji. Godine 1703. prihvatio je San Katolički svećenik. U tim je, dok još uvijek razvija instrumentalne žanrove (barokne sonate i barokni koncert), Vivaldi i ostvarili svoj najznačajniji doprinos. Vivaldi je sastavio više od 500 koncerata. Također je dao imena programa nekim svojim radom, kao što su poznata "sezona".
Domenico Scarlatti (1685-1757) Bio je to jedan od vodećih skladatelja tipkovnice i izvođača vremena. Ali možda je postao najpoznatiji sudski skladatelj Georg Friedrich Handel (1685-1759).Rođen je u Njemačkoj, proučavao je u Italiji već tri godine, ali u 1711 London je otišao, gdje je započeo briljantnu i komercijalnu karijeru neovisnog opernog skladatelja, obavljajući naredbe za plemstvo. Imajući neumornu energiju, Handel je reciklirao materijal drugih skladatelja i stalno preradio vlastite eseje. Na primjer, poznat je po obnovljenim poznatim govornicima "Mesiji" onoliko puta da sada ne postoji verzija koja se može nazvati "autentičnim".
Nakon smrti, on je prepoznat kao vodeći europski skladatelj, te je proučavao glazbenici ere klasicizma. Handel je pomiješan u njegovu glazbu bogate tradicije improvizacije i kontrapunkt. Umjetnost glazbenog nakita dosegla je vrlo visoku razinu razvoja u svojim djelima. Putovao je u cijeloj Europi da prouči glazbu drugih skladatelja, te je stoga imao vrlo širok raspon upoznavanja među skladateljima drugih stilova.
Johann Sebastian Bach Rođen 21. ožujka 1685. u gradu Eisenakh, Njemačka. Za svoj život sastavio je više od 1000 djela u raznim žanrovima, osim za operu. Ali tijekom svog života nije postigao nikakav smisleni uspjeh. Mnogo puta se kreće, Bach je zamijenio jedan ne previše visok položaj za drugu: u Weimar, bio je sudski glazbenik u Weimar Duke Johanni Ernst, a zatim je postao čuvar u crkvi sv. Bonifacea u Arnstadtu, nakon nekoliko godina uzela je položaj orguljaš u crkvi sv. Mussea u Mülhausenu, gdje je radio samo oko godinu dana, nakon čega se vratio u Weimar, gdje je zauzeo mjesto sudskih organizama i organizatora koncerata. U tom položaju odgođen je devet godina. 1717. godine, Leopold, Duke Anhalt-Kotensky, unajmio Bahe do položaja Kapelmeistera, a Bach je počeo živjeti i raditi u Kotenu. Godine 1723. Bach se preselio u Leipzig, gdje je ostao do smrti 1750. godine. U posljednjih nekoliko godina života, nakon smrti Bach, njegova slava kao skladatelj počeo se smanjuje: Njegov se stil smatrao staromodnim u odnosu na cvjetaju klasicizam. Znao ga je više i sjećao se kao umjetnika, učitelja i oca Bakhov Junior, prije svega, Charles Philip Emmanuel, čija je glazba bila poznata.
Samo izvršenje "Matthew strasti" Mendellon, 79 godina nakon smrti I. S. Baha, on uskrsnut interes za svoj rad. Sada I. S. Bach je jedan od najpopularnijih skladatelja.
Klasicizam
Klasicizam - stil i smjer u umjetnosti XVII - rani XIX stoljećima.
Riječ se dogodila s latinski klasikus - primjerom. Klasicizam se temeljio na uvjerenju u inteligenciji postojanja, u činjenici da je ljudska priroda skladna. Njegov ideal klasika viđen je u antičkoj umjetnosti, koja se smatra najviši oblik savršenstva.
U osamnaestom stoljeću počinje nova faza razvoja društvene svijesti - doba prosvjetiteljstva. Stari javni poredak je uništen; Ideje poštivanja ljudskog dostojanstva, slobode i sreće su od najveće važnosti; Osobnost dobiva neovisnost i zrelost, koristi svoj um i kritičko mišljenje. Novi način života, koji se temelji na prirodnosti i jednostavnosti, dolazi za zamjenu ideala barokne ere i svečanosti. Vrijeme idealističkog stajališta Jean-Jacques Rousseaua, vraćajući se na prirodu, na prirodnu vrlinu i slobodu. Uz prirodu, antika je idealizirana, jer se vjeruje da je to bilo u vrijeme antike ljudima uspio utjeloviti sve ljudske težnje. Antička umjetnost dobiva naziv klasičnog, prepoznaje se u primjeru, najznačajnijem, savršenom, skladnom i, za razliku od umjetnosti barokne ere, smatraju se jednostavnim i razumljivim. Središte pozornosti, zajedno s drugim važnim aspektima, postoji obrazovanje, položaj jednostavnih ljudi u društvenoj strukturi, genius kao ljudsko svojstvo.

Um vlada u umjetnosti. Želeći naglasiti visoko imenovanje umjetnosti, njegovu javnu i civilnu ulogu, francuski filozofski prosvjetitelj Denis Didro je napisao: "Svaki rad skulptura ili slika bi trebao izraziti bilo koje veliko pravilo života, treba podučavati."

Kazalište je u isto vrijeme bio udžbenik života i njegov život. Osim toga, u kazalištu je djelovanje visoko naručeno, izmjereno; Podijeljena je na Djela i prizore, one zauzvrat, seciraju na odvojenim replikama likova, stvarajući takav ideal umjetnosti koji je tako skup 18 stoljeća, gdje je sve na svom mjestu i podliježe logičkim zakonima.
Glazba klasicizma je iznimno kazališna, čini se da se kopira umjetnost kazališta, imiti ga.
Odvajanje klasične sonata i simfoniju na velikim dijelovima - dijelovi, u svakom od kojih je mnogo glazbenih događaja "događanja", poput podjele izvedbe na akcijama i scenama.
U glazbi klasičnog stoljeća često je značilo, neka vrsta akcije koja je raspoređena ispred slušatelja, kao i akciju aktera raspoređenih pred publikom.
Slušatelj ostaje samo uključivanje mašte i saznati u "glazbenoj odjeći" likova klasične komedije ili tragedije.
Umjetnost kazališta pomaže objasniti veliku promjenu u obavljanju glazbe, koja je ostvarena u 18. stoljeću. Prije toga, glavno mjesto gdje je glazba zvučala bila je hram: u njemu je bio čovjek u njemu, u velikom prostoru, gdje mu je glazba pomogla pogledati dolje i posvetiti svoje misli Bogu. Sada, u 18. stoljeću glazba zvuči u aristokratskom salonu, u dvorani baln od plemenite nekretnine ili na gradskom trgu. Slušatelj obrazovanja prosvjetiteljstva čini se da se okreće glazbom "na vas" i ne doživljava više užitka i stimuljenja da ga je nadahnula kad je zvučala u hramu.
Nema snažnog, svečanog zvuka organa, uloga zbora već je smanjena. Glazba klasičnog stila zvuči lako, u njoj postoji mnogo manje zvukova, kao da je "manje teži" od tereta, višeslojne glazbe prošlosti. Zvuk organa i zbora promijenio je zvuk simfonijskog orkestra; Povišene arije ustupile su glazbu s laganim, ritmičkim i plesom.
Zahvaljujući bezgraničnoj vjeri u mogućnosti ljudskog uma i moć znanja iz 18. stoljeća počela je nazvati sredinom uma ili starosti obrazovanja.
Clasicizam cvjeta događa se 80-ih godina osamnaestog stoljeća. Godine 1781., Y. Gaidn stvara nekoliko inovativnih djela, među kojima je gudački kvartet. 33; Premijera opere V.a. Mozart "otmicanje seryla"; Drama F. Schiller "Razbojnici" i "Čišćenje Cleaver" I. Kant su objavljeni.

Najsjajniji predstavnici klasičnog razdoblja su skladatelji Klasične škole u Beču Josef Gaidn, Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven, Njihovo umjetnost divi se savršenstvu skladatelje, humanističkog izvora i želje, osobito opipljivo u glazbi V. A. Mozarta, da odražava savršene alate za ljepotu.

Sam koncept bečke klasične škole pojavio se ubrzo nakon smrti L. Beethovena. Klasična umjetnost se odlikuje suptilnom ravnotežom između osjećaja i razuma, oblika i sadržaja. Revival glazba odražavala je duh i dah svoje ere; U baroknoj eri, predmet stanja osobe u glazbi; Glazba ere klasicizma napjeva akcija i djelovanje osobe koja je doživjela emocije i osjećaje, pažljivo i holistički ljudski um.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Njemački skladatelj, koji često razmatra najveći Stvoritelj svih vremena.
Njegova kreativnost naziva se klasicizam i romantizam.
Za razliku od svog prethodnika Mozarta, Beethoven s poteškoćama. Priručničke knjige Beethoven pokazuju kako postupno, grandiozni sastav nastaje korak inkrementalnom skicom, označen uvjerljivom logikom izgradnje i rijetke ljepote. To je logika da je glavni izvor Bethevensky veličine, njegovu neusporedivu sposobnost organiziranja kontrastnih elemenata u monolitni cijeli broj. Beethoven briše tradicionalne cesure između dijelova oblika, izbjegava simetrije, spaja dijelove ciklusa, razvija proširenu konstrukciju iz tematskih i ritmičkih motiva, na prvi pogled koji ne sadrže ništa zanimljivo. Drugim riječima, Beethoven stvara glazbeni prostor snage uma, vlastite volje. On je predvidio i stvorio te umjetničke upute koji su bili odlučujući za glazbenu umjetnost 19 V.

Romantizam.
pokriva uvjetno 1800-1910 godina
Skladatelji-Romance pokušali su uz pomoć glazbenog sredstva za izražavanje dubine i bogatstva unutarnjeg svijeta čovjeka. Glazba postaje veća reljefna, individualna. Dobiva se razvoj žanrova pjesama, uključujući balade.
Glavni predstavnici romantizma u glazbi su: uAustrija - Franz schubert ; u Njemačkoj - Ernest Teodore Hoffman, Karl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelson, Robert Schuman, Ludwig potaknuo; u
itd .................