Pussy slike s naslovima i opisima. Nikole Pussen slike

Norjevi porijekla, Nikola Poussin (1594-1665) rođena je u Les-Anselli, gradiću na obali Seine. Dobro obrazovanje osigurano je dobro obrazovanje i mogućnost istraživanja umjetničkih faza umjetnika. Za detaljnije upoznavanje s tajne vještine, naučio je nakon preseljenja u Pariz, gdje je studirao na majstorima.

Portreitist Ferdinand Van Elle postao je prvi mentor mladog slikara, kasnije je Pussa studirao na majstoru, slikarske crkve - Kgenna Varna i sudski umjetnik Georgea Lallleman, koji su se pridržavali novom stilu mañarizma. "Napuniti ruku" pomogla mu je i kopiranje slika priznatih slikarskih majstora, po tome je mogao slobodno vježbati u Louvreu.

Prvo razdoblje kreativnosti u Italiji

Godine 1624. ime Poussina već je bio poznato među poznavateljima slikarstva, a njegov je sve više fascinirao rad talijanskih majstora. Odlučujući da su francuski mentori naučili sve što je mogao, Poussin se preselio u Rim. Osim talijanskog slikarstva, poussin je visoko cijenjen i poezija, u mnogim aspektima, zahvaljujući sastanku s Giambattistom Marinom, predstavnikom Halane Poetry. Sprijateljili su se u Parizu, a Nikola je ilustrirala pjesmu svog prijatelja "Adonis". Od ranog pariškog razdoblja umjetničke kreativnosti, samo su ilustracije sačuvane u naše vrijeme.

Poussin je studirao matematiku i anatomiju, skulpture vremena antike služili su mu uzorcima uzoraka, a znanstvena djela Durera i da Vinci pomogla je u razumijevanju kako bi se proporcije ljudskog tijela trebale prenijeti u umjetničku umjetnost. Teoretsko znanje koje je stekao u geometriji, optici, izgledima.

Carragechi, Tizian, Raphael i Michelangelo - djela ovih majstora bili su duboko impresionirani francuskim slikarom. Prve godine života u Rimu bilo je vrijeme za traženje vlastitog stila, a njegov rad je tada karakteriziran oštrim kutovima, mračnim tonovima i obiljem sjena. Kasnije se njegov umjetnički stil promijenio, shema boja postala je topla, a elementi slika poslušali su jedinstveni centar. Tema rada tog vremena bila su herojska parcela i djelovanje drevne mitologije.

Po nalogu jednog od rimskih pokrovitelja Poussina, Cassiano del Pozzo, niz slika "Sedam sakramenata" stvorio je umjetnik, a "uništavanje Jeruzalema" i "otmice sabinet" donijelo mu je širu slavu. Za mitološke teme svojih slika, dodao je trendove modernosti, organizirajući sastav i prijenos akcije na prvi plan slike. Poussin je nastojala postići prirodnost odredbi aktera i dati im geste i izraze osoba jasno. Harmonija i jedinstvo s prirodom karakteristično za antičke mitove nadahnuli su umjetnika, može se pratiti na slikama "Venera i Satire", "Diana i Envimion", "Obrazovanje Jupitera".

Ovidov "metamorfoza" služio je kao osnova za "kraljevstvo flore", slika je postala neka vrsta himneve preporod i obnovu prirode. Prethodno stečeno teorijsko znanje omogućilo mu je da točno slijedi skladbe usvojene zakonima, a tople, jasne boje napravili su slike istinski živima ("tancred i Hermine", "Venus i Shefi"). Dodatna točnost slika priloženih preliminarnih priprema: to je napravio modele figure oblika od voska, i, prije nego što nastavite raditi na slici, eksperimentirali su s igrom svjetla i položajem tih figura.

Pariz intriga i povratak u Rim

Najuspješniji u pissen karijeri bili su godina koje je proveo u radu na dekoriranju Galerije Louvro na poziv kardinala Richelieu (drugi polovica 30-ih.). Nakon što je primio titulu prvog kraljevskog slikara, radio je i na galeriji i preko mnogih drugih zapovijedi. Takav uspjeh nije mu dodao popularnost među kolegama, a oni koji su također tvrdili da je posao u Louvreu bio posebno nesretan.

Intrige bolesnih želja prisilili su umjetnika da napuste Pariz i 1642. da se ponovno kreću u Rim. Tijekom tog razdoblja kreativnosti (do 50-ih), izvor tema za slike od pusssena postao je Biblija i Evanđelje. Ako je prirodna harmonija vladala u ranim djelima, sada su heroji slika postali biblijski i mitološki likovi koji su osvojili pobjedu nad svojim strastima i posjeduju moć volje (Joila, Diogen). Znak tog razdoblja - "Arcade pastiri", kompolodije govoreći o neizbježnosti smrti i mirnog usvajanja ove svijesti. Ova slika je postala model klasicizma, umjetnikov način nabavio je diskretniji karakter, ne tako emocionalno lirski, kao u djelima prvog rimskog razdoblja. U shemi boja prevladava je bio kontrast nekoliko boja.

Posljednji rad, "Apollo i Daphne", nisu imali vremena za dovršenje umjetnika, ali je bio u njegovim slikama da je formiran francuski klasicizam.

Kreativnost poussina za povijest slikanja teško je precijeniti. On je osnivač takve slike kao klasicizam. Francuski umjetnici tradicionalno su upoznati s umjetnošću Itanodoresanaca. Ali oni su bili inspirirani djelima majstora itanaliziranja, baroka, karavagizma. Pussen je bio prvi francuski slikar koji je uzeo tradiciju klasičnog stila Leonarda da Vinci i Raphael. Okrećući se na teme drevne mitologije, drevne povijesti, Biblija, Poussin je otkrio teme moderne ere. On je doveo svoju savršenu osobnost, pokazujući i ima smiješne primjere visoke moralnosti, građanskih vrijednosti. Jasnoća, postojanost i urednost finih tehnika pussena, ideološke i moralne orijentacije njegove umjetnosti kasnije su radili svoj rad s pozivom na obrazovanu sliku i skulpturu Francuske, koja je preuzela razvoj estetskih normi, formalnih kanona i općenito obvezujuća pravila umjetničkog kreativnosti (takozvani akademizam).

Nikola poussin (Nicolas Roussin), 1594-1665 · poznati francuski umjetnik, osnivač stila klasicizma. Okrećući se na teme drevne mitologije, drevne povijesti, Biblija, Poussin je otkrio teme moderne ere. On je doveo svoju savršenu osobnost, pokazujući i ima smiješne primjere visoke moralnosti, građanskih vrijednosti.

Francuska Xvii stoljeća. Bila je napredna europska država koja mu je pružila povoljnim uvjetima za razvoj nacionalne kulture, koja je postala sukcesija Italije Renesanse. Pogled na Descartesa (1596-1650) utjecali su razvoj znanosti, filozofije, književnosti, umjetnosti. Descartes - matematičar, znanstvenik, tvorac filozofskog racionalizma - dotaknuo je filozofiju iz religije i vezala ga s prirodom, tvrdeći da se načela filozofije izdvajaju iz prirode. Descartes je izgradio načelo primata uma u smislu. Ta se ideja temeljila na klasicizmu u umjetnosti. Teoretičari u novom stilu rekli su da je "klasicizam doktrina uma". Umjetničko stanje proglašeno je simetrijom, sklad, jedinstvom. Prema doktrini klasicizma, priroda je trebala biti prikazana ne kao što je i lijepa i razumna, klasici su istovremeno proglašeni divno što istinito, pozivajući da nauče tu istinu iz prirode. Klasicizam je uspostavio strogu hijerarhiju žanrova, čineći ih na "visoku", na koje povijesne i mitološke i "niske" - kućanstvo pripadaju.

Nikola Pussen rođen je 1594. godine u Normandiji, u blizini grada Le Andelkija. Njegov otac, veteran vojske kralja Henryja IV (1553-1610), dao je svome sinu dobrom obrazovanju. Od djetinjstva, Poussin je posvetila pozornost na njegove tendencije. U 18, vozi se u Pariz kako bi se uključio u slikanje. Vjerojatno je njegov prvi učitelj bio portreist Ferdinand Van Elle (1580-1649), drugi je povijesni slikar Georges Lallman (1580-1636). Nakon što se upoznati s Kameriju, kraljica Wirerow Marije Medici, čuvar royal umjetničkih zbirki i knjižnica, poussin je dobio priliku posjetiti Louri kopije tamo slika talijanskih umjetnika. Godine 1622., pushsen i drugi umjetnici bili su upućeni da napišu šest velikih slika na parcelama svog života sv. Ignatia Lool i St. Francis Xaveria (nije preživio).

Godine 1624., Poussin je otišao u Rim. Tamo proučava umjetnost drevnog svijeta, rad majstora doba visoke renesanse. U 1625-1626, dobio je nalog za pisanje slike "uništenja Jeruzalema" (ne sačuvana), ali je kasnije napisao drugu verziju ove slike (1636-1638, Beč, Muzej povijesti umjetnosti).

Godine 1627., Poussin je napisao sliku "smrti Njemačke" (Rim, Palazzo Barberini) u zemljištu drevnog rimskog povjesničara talitisa, koji razmatra programski rad klasicizma; To pokazuje oproštaj u legionarima s umirućim zapovjednikom. Smrt junaka percipirana je kao tragedija društvenog značaja. Tema se tumači u duhu mirnih i oštrih junaka drevne pripovijesti. Ideja slike je Ministarstvo duga. Umjetnik je postavio brojke i predmete u plitko mjesto, raskomadajući je na brojne planove. U ovom radu otkrivene su glavne značajke klasicizma: jasnoća akcije, arhitektoničarnosti, pojas pripravnosti, opozicija grupacija. Ideal ljepote u očima poussina sastojao se u proporcionalnost dijelova cjeline, u vanjskoj urednosti, harmoniji, jasnoći pripravka, koji će postati karakteristične značajke zrelog stila čarobnjaka. Jedna od posebnosti kreativne metode Pussena bila je racionalizam, koji nije bio samo pogođen scenama, već iu wellness sastava.

Slike strojnice napisali su uglavnom srednje veličine. U 1627-1629, ispunio je brojne slike: "Parnas" (Madrid, Prado), "Pjesnik Inspiracija" (Pariz, Louvre), "Spasenje Mojsija", "Mojsije, čišćenja vode Merra", "Madonna, koja jest St. Jacob Senior "(" Madonna na postu ") (1629., Pariz, Louvre). U 1629-1630, poussin stvara prekrasan izraz i najvažnije istinito "uklanjanje iz križa" (St. Petersburg, Hermitage).

U razdoblju od 1629-1633, predmet slika poussina: on rjeđa često piše slike o vjerskim temama, pozivajući se na mitološke i književne parcele. "Narcis i echo" (cca. 1629., Pariz, Louvre), "Selena i envimion" (Detroit, Art Institut). Posebna pozornost posvećena je ciklusu slika koje su napisale pjesme Torquatto Tassoa "oslobođenog Jeruzalem": "Rinaldo i Armida" (OK 1634, Moskva, GMIA. A.S. Shoutkin). Ideja o ljudskim vjernicama i problemu života i smrti temeljio se na ranoj verziji slikarstva "Arcade pastira" (1632-1635, Engleska, Cheworth, privatni sastanak), na koji se vratio 50-ima (1650. godine , Pariz, Louvre). Na platnu u spavanju (cca. 1630, Dresden, Umjetnička galerija) Boginja ljubavi predstavlja zemaljsku ženu, dok ostaje nepristupačan ideal. Slika "Kraljevina flore" (1631, Dresden, Galerija slika), napisana u motivima pjesme, zadivljuje ljepotu slikovitog utjelovljenja drevnih slika. Ovo je poetska alegorija podrijetla cvijeća, gdje su se pokazali heroji drevnih mitova u cvijeću. Pussen je ubrzo napisao još jednu verziju ove slike - "Triumph Flora" (1631, Pariz, Louvre).

Godine 1632., Pussen je izabran za člana Akademije sv. Luke.

Ogromna popularnost poussina 1640. godine privukla je pozornost Louisa XIII (1601-1643) na njegov rad, na poziv na koji je Poussin došao na posao u Parizu. Umjetnik je od kralja primio red da piše slike za svoju kapelu u Fontainebleau i Saint-Germain.

U jesen 1642. Poussin ponovno ostavlja u Rimu. Teme njegovih slika tog razdoblja bili su vrline i valjanost vladara, biblijskih ili antičkih heroja: "Genot Scopion" (1643., Moskva, GMI .. A.. Puškin). U svojim platnim platnama, pokazao je savršene heroje, odani građanski dug, nesebični, velikodušan, dok je pokazao apsolutni univerzalni ideal državljanstva, patriotizma, iskrene veličine. Stvaranje idealnih slika na temelju stvarnosti, namjerno je ispravio prirodu, uzimajući lijep i odbacivanje ružnog.

U drugoj polovici 40-ih, Poussin je stvorio ciklus "Sedam sakramenata", u kojima je otkrilo duboko filozofsko značenje kršćanskih dogmi: "Krajolik s apostolom Matfey", "Krajolik s apostolom John na otoku Patmos" (Chicago, Institut za umjetnost).

Kraj 40-ih - početak 50-ih je jedan od plodnih razdoblja u radu poussina: napisao je slike "Eliasar i Rebeka", "Krajolik s Dionom", "Krajolik s velikom cestom", "Solomonov sud "" "Ecstasy St. Paul", "Arcade Shepherds", drugi samoportret.

U posljednjem razdoblju kreativnosti (1650-1665), Pussen je postao sve više primijenjen na krajolik, heroji su bili povezani s književnim, mitološkim parcelama: "Krajolik s polifem" (Moskva, GMI ih. A.. Puškin). U ljeto 1660. godine stvara niz krajolika "četverostruke godine" s biblijskim scenama, simbolizirajući povijest mira i čovječanstva: "proljeće", "ljeto", "jesen", "zima". Pejzaži poussin Multi-Finds, naizmjenični planovi naglašeni su trakama svjetlosti i sjene, iluzija prostora i dubinu im se obratio epsku snagu i veličinu. Kao iu povijesnim slikama, glavni likovi se obično nalaze u prvom planu i percipiraju kao nerazdvojni dio krajolika. Najnovije, nedovršene mastianer tkanine - "Apollo i Daphne"(1664).

Vrijednost pussenove kreativnosti za povijest slikanje je ogromna. Francuski umjetnici i pred njim su tradicionalno upoznati s umjetnošću Italije Renesanse. Ali oni su bili inspirirani djela majstora talijanskog manira, baroka, karavagizaznosti. Poussin je bio prvi francuski slikar koji je uzeo tradiciju klasičnog stila Leonarda da Vincia Rafaela. Jasnoća, dosljednost i naručivanje finih tehnika pussen, ideološka i moralna orijentacija njegove umjetnosti kasnije je stvorio svoju kreativnost s referencom za akademiju slikanja i skulpture Francuske, koja je preuzela razvoj estetskih normi, formalnih kanona i općenito vezanja pravila umjetničke kreativnosti.

Klasični krajolik u francuskoj slikarstvuXvii stoljeća.

U 17. stoljeću, prije francuskog naroda, nakon razdoblja krvavih građanskih ratova i ekonomskog razarača, zadaci daljnjeg nacionalnog razvoja bili su suočeni u svim područjima gospodarskog, političkog i kulturnog života. U uvjetima apsolutne monarhije - s Henrich IV, a posebno u drugom tromjesečju 17. stoljeća. Uz Richelieu, energetski ministar iscjeljivanja Louis XIII, sustav državne centralizacije je položen i intenziviran. Kao rezultat dosljedne borbe protiv feudalne opozicije, učinkovite ekonomske politike i jačanja svog međunarodnog statusa, Francuska je postigla značajan uspjeh, postao jedna od najmoćnijih europskih sila.

Izjava francuskog apsolutizma temeljila se na narodnom eksploataciji masa. Richelieu je rekao da su ljudi bili poput Mulua, koji je bio naviknut na gravitaciju i plijen od dugog boravka više nego s posla. Francuska buržoazija, razvoj čiji apsolutizam pokrovitelj sa svojom ekonomskom politikom bila je u dvostrukoj situaciji: nastojala je politički dominantan, ali zbog svoje nezrelosti, nije mogao stajati na putu jaza s kraljevskom autoritetom, krećući mase, jer Buržoazija ih se bojala i zanimala je očuvanje privilegija koje je dao apsolutizam. To je potvrđeno u povijesti takozvanog parlamentarnog fronda (1648-1649), kada je buržoazija, uplašena snažnim usponom u folklornom revolucionarnom elementu, nakon što je napravio izravnu izdaju, napravio kompromis s plemstvom.

Apsolutizam je unaprijed određeno mnoge karakteristične značajke u razvoju francuske kulture 17. stoljeća. Znanstvenici, pjesnici, umjetnici su bili privučeni Kraljevskom sudu. U 17. stoljeću podignuta je grandiozna palača i javne strukture u Francuskoj, stvoreni su veličanstveni gradski ansambli. Ali bilo bi pogrešno smanjiti cjelokupnu ideološku raznolikost francuske kulture 17. stoljeća. Samo na izraz ideje apsolutizma. Razvoj francuske kulture, povezan s izrazom nacionalnih interesa, bio je složeniji, uključujući trendove, vrlo daleko od službenih zahtjeva.

Kreativni genij francuskih ljudi pokazali su se svijetle i višestruke filozofije, u književnosti i umjetnosti. 17. stoljeće dao je Francusku Velike mislioce Descartesa i Gassendi, Korifeev Korneli, Rače i Moliere, te u plastičnoj umjetnosti - takvim velikim majstorima, kao arhitekt Arduuen-Mansar i slikar Nikola Poussin.

Akutna društvena borba nametnula je određeni otisak na sve razvoj francuske kulture vremena. Područja se pojavila javna proturječja, osobito, u činjenici da su neke napredne figure francuske kulture bili u stanju sukoba s kraljevskim sudom i bili prisiljeni živjeti i raditi izvan Francuske: Descartes je otišao u Nizozemsku, a Poussin je proveo gotovo cijeli svoj život u Italiji. Službena sudski umjetnost u prvoj polovici 17. stoljeća. Razvijen uglavnom u oblicima pompoznog baroka. U borbi protiv službene umjetnosti razvile su se dvije umjetničke linije, od kojih je svaki bio izraz naprednih realističnih trendova ere. Učitelj prvog od ovih smjerova, koji je primio ime Pentres de la sretan u francuskim istraživačima, to jest, slikari stvarnog svijeta, radio je u glavnom gradu, kao iu pokrajinskim umjetničkim školama, a sa svim svojim pojedincem Razlike su kombinirane za jednu zajedničku značajku: izbjegavanje idealnih oblika, oni su se okrenuli izravnim, izravnim utjelovljenjem fenomena i djelima prave stvarnosti. Njihova najbolja dostignuća odnose se prvenstveno na kućnu sliku i portret; Biblijske i mitološke parcele također su utjelovljene od strane ovih majstora u slikama inspiriranim svakodnevnom stvarnosti.

No, najdublji odraz bitnih obilježja ere manifestirao je u Francuskoj u oblicima sekunde ovih progresivnih struja - u umjetnosti klasicizma.

Specifičnosti raznih područja umjetničke kulture identificirali su određene značajke evolucije ovog stila u drami, poeziji, arhitekturi i vizualnim umjetnosti, ali sa svim tim razlikama, načela francuskog klasicizma imaju određeno jedinstvo.

U uvjetima apsolutista, ovisnost osobe iz javnih institucija trebala bi biti otkrivena s posebnom oštrinom, od državnih propisa i prepreka nekretninama. U literaturi u kojoj je ideološki program klasicizma pronašao svoj najzapostojniji izraz, dominantan je državni dug, pobjeda javnosti početi na početku osobnog. Neslušnost stvarnosti Classisism se protivi idealima racionalnosti i oštrim disciplini osobe, uz pomoć u kojem treba prevladati kontradikcije stvarnog postojanja. Sukob uma i osjećaja, strasti i duga karakteristični za dramatičan klasicizma, odraz kontradikcija svojstvenog u ovoj eri i svijetu oko njega. Predstavnici klasicizma pronašli su utjelovljenje njihovih javnih ideala u drevnoj Grčkoj i republikanski Rim, kao i personifikacija estetskih normi za njih bila je antička umjetnost.

Početkom 17. stoljeća, nakon razdoblja građanskih ratova i dobro poznatog pad kulturnog života, u vizualnim umjetnostima, kao u arhitekturi, bilo je moguće promatrati borbu ostataka starog s klikerima Novi, primjeri sljedećih kosnih tradicija i podebljane umjetničke inovacije.

Najzanimljiviji umjetnik ovoga vremena radili su u prvim desetljećima 17. stoljeća, graver i ladicu calla Jacques (cca. 1592-1635). Rođen je u Nancy, u Lorraine, mladići su otišli u Italiju, gdje je živio na početku u Rimu, a zatim u Firenci, gdje je bio do povratka u svoju domovinu 1622. godine.

Vrlo plodan majstor, Callo je stvorio više od tisuću petsto gravura, vrlo raznolikih u svojim temama. Morao je raditi s francuskim kraljevskim dvorištem i vojvodom u Toskani i Loraine. Međutim, sjaj sudskog života nije bio žaloljiv od njega - tanki i akutni promatrač - raznolikost okolne stvarnosti, puna oštrih društvenih kontrasta, koji su se pojavili okrutni vojni šokovi.

Callo - umjetnik tranzicijske ere; Složenost i nedosljednost njegovog vremena objašnjavaju kontradiktorne značajke u njegovoj umjetnosti. Callo ostaci manirizma su još uvijek vidljivi - oni utječu na svjetonazor umjetnika iu svojim vizualnim prijeme. U isto vrijeme, Callovo kreativnost daje življi primjer prodiranja u francusku umjetnost novih, realističnih trendova.

Callo je radio u tehnici jekropisa, koju je poboljšao. Obično je majstor koji se koristi kada gravira ponovljeno jetkanje, što je omogućilo da se postigne posebna definicija linija i tvrdoće crteža.



Jacques Callo. Jetkanje iz serije "prosjaci". 1622.



Jacques Callo. Cassandr. Skrovište iz serije "tri pantalona". 1618.

U djelima ranog razdoblja Calla, elementi fikcije su još uvijek jaki. Oni utječu na želju za bizarnim parcelama, pretjerano grotesknoj ekspresivnosti; Umjetnička vještina ponekad uzima karakter samodostatne virtuoznosti. Ove značajke su posebno svijetle u nizu umaka 1622.- "" balley "(" plesovi ") i Gobby (" Gorbny "), stvoren pod dojmom talijanske komedije maski. Djela ove vrste, još uvijek u velikoj mjeri površna, ukazuju na nešto jednostrano pretraživanje umjetnika vanjske ekspresivnosti. Ali u drugim serijama, gravure su jasnije izražene realističnim trendovima. Takva je cijela galerija tipova, koje je umjetnik mogao izravno vidjeti na ulicama: građanima, seljacima, vojnicima (Caprichecchi serija, 1617.), Cigana (serija "Cigana", 1621), skitnici i prosjaci (serija "prosjaci", 1622 ). Ove male figure, napravljene s iznimnom oštrinom i promatranjem, posjeduju izvanrednu mobilnost, akutnu karakteriziju, izražajnost poza i gesta. Uz virtuoznu umjetnost, CALDO je prenosio elegantna lakoća Cavallar (Caprichecchi serija), čisti ritam plesa na brojkama talijanskih glumaca i njihovih gaćica (serija "Balli"), teški primat provincijske aristokracije (serija u Larring plemstvu ), senilne figure u krpe (serije "prosjaci").



Jacques Callo. Mučeništvo Sv. Sebastian. Jetkanje. 1632-1633

Najistaknutiji u radu Calla svojim multifernim kompozicijama. Teme su vrlo raznoliki: to je slika sudskih festivala ("turnir u Nancy", 1626), sajmova ("sajam u impresioniranju", 1620), vojni trijumfi, bitke (panorama "opsada Bredi", 1627), lov ( "Veliki lov", 1626), scene za mitološke i vjerske parcele ("mučeništvo sv. Sebastian", 1632-1633). U tim relativno malim popisima, majstor stvara široku sliku života. Callo Engravings su panoramski; Umjetnik gleda na ono što se događa kao da izdaleka, što mu omogućuje postizanje najšire prostorne pokrivenosti, uključiti u sliku ogromnih masa ljudi, brojne variekraktivne epizode. Unatoč činjenici da su oblici (i još više detalja) u kompozicijama calla često su vrlo mali u veličini, oni su izrađeni od strane umjetnika ne samo s izvanrednim likom crtanja, već i u potpunosti imaju vitalnost i karakteristike. Međutim, Callo Metoda sama po sebi negativne strane; Pojedinačne značajke glumaca, pojedinačni detalji često su neuhvatljivi u ukupnoj masi brojnih sudionika događaja, glavna stvar se gubi među sekundarnom. Nije ni čudo da se obično kaže da Callo pogleda svoje scene kao da je u obrnutom dalekozoru: njegova percepcija naglašava udaljenost umjetnika iz prikazanog događaja. Ova specifična značajka Callo uopće nije formalna tehnika, prirodno je povezana s njegovim artview. Callo je radio u doba krize, kada su ideali renesanse izgubili snagu, a novi pozitivni ideali još nisu odobrili. Čovjek u Callo je u biti nemoćni prije vanjskih sila. Nije slučajno da tema nekih kompozicija calla stječu tragičnu boju. Takav, na primjer, graviranje "mučeništvo sv. Sebastian. " Tragično načelo u ovom radu zaključuje se ne samo da je u svojoj priči o odluci - umjetnik je predstavio brojne strijelce, mirno i pojašnjevo, kao cilj na strelicama, proizvodeći strijele u Sebastian post, ali iu tom smislu usamljenosti i impotencije , koji je izražen u zatvorenim strijelama sićušnih, teško je razlikovati figuru sveca, kao da je izgubljen u ogromnom neograničenom prostoru.

Najveći akutni dostiže Callo u dvije serije "ratnih katastrofa" (1632-1633). S nemilosrdnom istinitošću pokazala je umjetnika patnje, koji je pao na rodno Lorraine, zarobljene kraljevskim trupama. Gravuri ovog ciklusa prikazuju scene pogubljenja i pljačkih pljački, kažnjavanje maraudera, požara, žrtava ratnih i cestovnih bradavica. Umjetnik detaljno govori o strašnim događajima. Na ovim slikama nema idealizacije i sentimentalnog sažaljenja. Callo kao da ne izražava svoj osobni stav prema onome što se događalo, činilo se sigurnim promatračem. No, u samoj činjenici da je ciljna katastrofa rata, zaključeno je određeni fokus i progresivno značenje umjetnosti ovog umjetnika.

U ranoj fazi francuskog apsolutizma u sudskim umjetnosti, dominantna važnost bila je smjer baroknog karaktera. U početku, međutim, budući da u Francuskoj nije bilo značajnih majstora, kraljevsko dvorište se okrenulo poznatim stranim umjetnicima. Na primjer, 1622. stvoriti monumentalne pripravke, ukrašena novoizgrađena luksemburška palača, bio je pozvan.

Postupno, zajedno s strancima počeli su unaprijediti francuske majstore. Na kraju 1620-ih. Počasni naziv "prvi umjetnik kralja" primio Simon veu (1590-1649). Dugo vremena VWE je živio u Italiji, radeći na muffinima crkava i na zapovijedi pokrovitelja. Godine 1627. pozvao ga je Louis XIII u Francusku. Mnoge slike koje je stvorio Veu nisu sačuvane prije našeg vremena i poznati su putem gravura. Pripada pompoznom, ušlom u svijetlim šarenim tonovima kompozicije vjerskih, mitoloških i alegorijskih sadržaja. Uzorci njegovog rada mogu poslužiti "sv. Karl Borry "(Bruxelles)," dovodeći u hram "(Louvre)," Hercules među bogovima Olympusa "(Hermitage).

Veu je stvorio i vodio službeni, sudski smjer u francuskoj umjetnosti. Zajedno sa svojim sljedbenicima, pretrpio je u francuskim monumentalnim ukrasnim slikarskim tehnikama talijanskog i flamanskog baroka. U suštini, rad ovog majstora nije bio dovoljan. Žalba Veu u kasnijim djelima na klasicizam također je smanjen samo na čisto vanjsko zaduživanje. Lisured prave monumentality i snaga, ponekad prioritet prioritetu, površnom i premlaćivanju na vanjskom učinku, umjetnost Veu i njegovih sljedbenika bila je slabo povezana s živom nacionalnom tradicijom.

U borbi protiv službenog smjera u umjetnosti Francuske formirana je nova realistična struja - Pentres de la Realit ("Boje stvarnog svijeta"). Najbolji majstori ovog odredišta, koji su se u svojoj umjetnosti pretvorili na određenu sliku prave stvarnosti, stvorio human, pun visokog dostojanstva slike francuskih ljudi.

U ranoj fazi razvoja ovog područja, mnogi beznačajni majstori su doživjeli učinke karavaggiove umjetnosti. Za neke karavaggio, ispostavilo se da je umjetnik, u velikoj mjeri unaprijed određeni njihovi subjekti i vizualne tehnike, drugi majstori su uspjeli kreativnije koristiti vrijedne aspekte karavaggističke metode.

Prvi od njih pripadao je Valentenu (zapravo, Jean de Boulon; 1594-1632). Godine 1614. Valenten je stigao u Rim, gdje je tekla njegova djelatnost. Kao i drugi karavagpers, Valenten je napisao slike na vjerskim parcelama, tretirajući ih u žanru duha (na primjer, "Petrovo odricanje"; Muzej likovne umjetnosti. A.S. Pushkin), ali njezini veliki sagorije sagorije su najpoznatiji. Motivi tradicionalni za karavu u njima su u njima, Valenten teži njihovoj akutnoj interpretaciji. Primjer ovoga je jedna od najboljih slika "mapa igrača" (Dresden, Galerija), gdje je drama situacije spektakularan. Naivnost neiskusnog mladića, pribranost i samopouzdanje Shulera koji se igraju s njim, a posebno zlokoban izgled kompliment svom partneru, hranjenje znakova iza mladih ljudi, također je izražajan. Kontrasti rasvjete u ovom slučaju koriste se ne samo za modeliranje plastike, već i za poboljšanje dramatičnog stresa slike.

Izvanredni majstori njihovog vremena pripadaju Georgesu de Laturu (1593-1652). Poznat je u svom vremenu, nastavljen je potpuno zaboravljen; Izgled ovog čarobnjaka otkrio je tek nedavno.

Do sada, kreativna evolucija umjetnika ostaje na mnogo načina nejasna. Nekoliko biografskih informacija, očuvanih o postavljenim, iznimno fragmentarnim. Lattat je rođen u Lorraine u blizini Nancy, a zatim se preselio u Luneville, gdje je odmorio. Postoji prijedlog da je u mladosti posjetio Italiju. Latur je doživio snažan utjecaj umjetnosti Caravaggia, ali je njegov rad otišao daleko izvan granica jednostavnog slijedeći prijemi karavagizma; U umjetnosti Majstora Luneville, izvorne značajke u nastajanju nacionalnog francuskog slikanja 17. stoljeća pronašle su izraz.

LATT je napisao uglavnom slike o vjerskim parcelama. Činjenica da je svoj život proveo u pokrajini nametnuo svoj trag na svojoj umjetnosti. U naivnosti njegovih slika, u sjeni vjerske inspiracije, koje se mogu uhvatiti u nekim svojim djelima, u podcrtanoj statičkoj njezinih slika i na neobičnoj elementosti njegovog umjetničkog jezika također utječe i na odjek srednjovjekovnog pogled na svijet. Ali u najboljim djelima, umjetnik stvara slike rijetke duhovne čistoće i velike poetske snage.



Georges de Latat. Božić. 1640-e.

Jedno od najtežih djelova neatirajućeg, slike "Božić" (Rennes, Muzej). Karakterizira se jednostavnost, gotovo rezervna umjetnost i istovremeno duboka istinitost, koja je prikazana od strane mlade majke, s promišljenom nježnošću pečenja, i starije žene koja se, pažljivo gnjava s gorućom svijećom, vrši u Značajke novorođenčeta. Svjetlo u ovom sastavu od velike je važnosti. Raspršio noćnu tamu, ističe se jasno s plastičnim takticijama, do granice generaliziranih količina slika, lice seljačkog tipa i dodirujuće figure zrelog djeteta; Pod djelovanjem svjetla, duboko, bogata snažnim zvukom tona odjeće. Njegova glatka i opuštajuća sjaja stvara atmosferu svečanosti noćne tišine, koja je uznemirena samo mjernim disanjem djeteta za spavanje.

Blisko njegovo raspoloženje za "Božić" i Louvre "obožavanje pastira." Istinito izgled francuskih seljaka, ljepotu njihovog jednostavnog osjećaja, umjetnik utjelovljuje s pravom iskrenošću.



Georges de Latat. St. Joseph-Carpenter. 1640-e.



Georges de Latat. Fenomen anđela sv. Joseph. 1640-e.

Slike neatičnih na vjerskim temama često se tumače u žanru duha, ali u isto vrijeme su lišene nijanse trivijalnosti i svakodnevnog života. Oni su već spomenuti "Božić" i "obožavanje pastira", "odvažljivi Magdalen" (Louvre) i originalne remek-djela nemoćnog ", sv. Joseph-Carpenter "(Louvre) i" Angelov fenomen sv. Joseph "(Nantes, muzej), gdje je anđeo tanka djevojka - zabrinuta je rukom Josipove svijeće s gestom istovremeno i nježnim. Osjećaj duhovne čistoće i mirnog kontemplacije u tim djelima podiže slike vjetra u odnosu na svakodnevni život.

1. 

   Georges de Latat. Sv. Sebastian, uzgoje sv. Irina. 1640-1650-e.

   Na najviša postignuća neatresalnih "sv. Sebastian, žao sv. Irina "(Berlin). U tišini dubokih noći, osvijetljeni samo svijetlim plamenom svijeće, preko otvorenog tijela probijenog od strane Arlasia Sebastian spustiti žalosne figure žalovanja svojih žena. Umjetnik je uspio proći ovdje ne samo cjelokupni osjećaj koji ujedinjuje sve sudionike u akciji, ali i nijanse tog osjećaja u svakom od četiri šetača - iscrpljujući mraza, žalosno zbunjenost, gorkog krika, tragični očaj. Ali Latur je vrlo suzdržan u slučaju patnje, on ne dopušta pretjerivanje nigdje, a jači utjecaj njegovih slika u kojima ne postoji toliko osoba, koliko je pokreta, gesta, siluete sami stekli ogroman emocionalna ekspresivnost. Nove značajke se prate u obliku Sebastiana. U svojoj izvrsnoj povišenoj visini, herojski početak je utjelovljen, što se odnosi na ovu sliku s kreacijama majstora klasicizma.

   Na ovoj slici, Latour se odmaknuo od domaće boje slika, od nekoliko naivnih elementarta koji su svojstveni svojim ranijim djelima. Bivši pokrivenost komore fenomena, raspoloženje usredotočene intimnosti ovdje se promijenilo više monumentalnosti, osjećaj tragične veličine. Čak i voljeni motiv snimanja svijeća percipira se u drugačiji, patetičniji - njezin ogromni, koji je pripadao plamen podsjeća na plamen baklje.

   Izuzetno važno mjesto u realnom slikanju Francuske u prvoj polovici 17. stoljeća. Zauzima umjetnost Louisa Lenjina. Louis Lenen, kao njegova braća Antoine i Mathieu, radio je uglavnom u području seljačkog žanra. Slika života seljaka daje djela Lenen svijetle demokratske boje. Njihova umjetnost dugo je oprošteno, a samo od sredine 19. stoljeća. Počelo je studiranje i prikupljanje radova.

   Braća Lenen - Antoine (1588-1648), Louis (1593-1648) i Mathieu (1607-1677) - u domorocima grada Lane u Picardiju. Došli su iz male buržoaske obitelji. Mladi su proveli u svojoj izvornoj pikartiji dali su im prve i najživostije dojmove ruralnog života. Nakon što se preselio u Pariz, Lenos je ostao stranac na buku i sjaj glavnog grada. Imali su zajedničku radionicu, na čelu s najljepšim od njih - Antoine. Bio je izravan učitelj svoje mlađe braće. Godine 1648., Antoine i Louis Lenen usvojeni su u novostvorenoj Kraljevskoj akademiji slikarstva i skulpture.

   Antoine Lenjin je bio savjestan, ali ne i vrlo darovan umjetnikom. U svom radu, u kojem su portretni djelu prevladali, mnogo više arhaičnih; Pripravak je frakcija i zamrznuta, karakteristike se ne razlikuju višestruko ("obiteljski portret", 1642; Louvre). Antoineova umjetnost obilježila je početak kreativne potrage za mlađe braće, a iznad svega najveće od njih - Louis Lenjin.

   Rana djela Louisa Lenjina blizu su djela svog starijeg brata. Moguće je da je Louis, zajedno s Mathieu putovao u Italiju. Karavadzhist tradicija pružila je dobro poznati utjecaj na formiranje njegove umjetnosti. Budući da se 1640 Louis Lenen manifestira kao potpuno neovisan i izvorni umjetnik.

   Georges de Lutur, ljudi iz ljudi bili su zamišljeni u djelima na vjerskim parcelama. Louis Lenen se izravno okrenuo u svoj rad u životu francuskog seljaštva. Inovacija Louisa Lenjina je u osnovi nova interpretacija života ljudi. Nalazi se u seljacima koje umjetnik vidi najbolje zabave čovjeku. On pripada njegovim herojima s osjećajem dubokog poštovanja; Osjećaj strogosti, jednostavnosti i istinitosti ispunjen je svojim scenama seljačkog života, gdje su magnitude-mirne, potpune prednosti skromne, ležerne ljude.

   U svojim platnim platnama deploatira sastav na ravnini kao olakšanje, postavljajući figure u određene prostorne granice. Otkrivena od strane jasne, generalizirane linije petlje, brojke su podređene dobro promišljenom kompozicijskom namjeru. Lijep colorist, Louis Lenen podređuje suzdržani cvijet skalu s srebrnim tonom, dosegnuvši mekoću i sofisticiranost šarenih prijelaza i omjera.

   Najzdraviji i savršeniji djela Louisa Lenjina nastali su 1640-ih.

   

   Louis Lenen. Posjetiti baku. 1640-e.

   Scuse doručak o siromašnoj seljačkoj obitelji u slikarstvu "seljak trapez" (Louvre), ali kakav osjećaj samopoštovanja je prožet tim radnicima koji se usredotočuju na melodiju, koje dječak igra na violini. Uvijek suzdržani, malo povezani jedni s drugima, heroji Lenjina percipiraju, međutim, kao članovi tima, ujedinjeni jedinstvom raspoloženja, općenitošću percepcije života. Poetski osjećaj, utihnuo svoju sliku "molitvu prije ručka" (London, Nacionalna galerija); Strogo i jednostavno, bez ikakve nijanse sentimentalnosti, scena je prikazan posjet staroj seljanke s unucima u Hermitage platnu "Posjet Babushka"; Svečani puni mirne vedrine, klasično jasno "jahač stop" (London, Victoria i Albert muzej).

   

   Louis Lenen. Obitelj drozd. 1640-e.

   1640-ih. Louis Lenen također stvara jedan od svojih najboljih djela, "Familia" (Hermitage). Rano, bacila je maglovito jutro; Obitelj seljaka ide na tržište. Uz topli smisao, umjetnik ovih običnih ljudi prikazuje, njihove otvorene osobe: umorni seljak, tolstip, razborito radnik i bolna, krhka, bez ozbiljne djevojke. Plata je dovršila figure jasno viru na laganoj zrak pozadini. Divan krajolik: širokoj dolini, daleki grad na horizontu, zrakom na zraku s srebrnim dimnjavim plavim u inozemstvu nebo. S velikom vještinom, umjetnik prenosi materijalnost objekata, njihove teksturirane značajke, dosadno sjaj bakra bivsa, tvrdoće stjenovitih tla, grubosti jednostavne kućanske odjeće seljaka, shaggy vune magarca. Tehnika razmaza je vrlo raznolika: glatka, gotovo emajl slova povezuje se s slobodnim zalutalom slikanjem.

   

   Louis Lenen. Crijeva. 1640-e.

   Louis "Forge" može se nazvati najvišim postignućem Louisa Lenjina. Obično je Louis Lenen prikazivao seljake tijekom obroka, rekreaciju, zabavu; Ovdje je objekt njegove slike postao radna scena. Sjajno je da je u poslu koji je umjetnik vidio pravu ljepotu čovjeka. Nećemo naći u radu slika Louisa Lenjina koji bi se proširili na snagu i ponos kao heroji njegove "Forge" - jednostavan kovač okružen obitelji. U kompoziciji više slobode, pokreta, oštrina; Nekada glatko, višestruko rasvjeta promijenilo se kontrastim rasvjetom, pojačavajući emocionalnu ekspresivnost slika; U samoj mrljicu više energije. Izlaz izvan tradicionalnih parcela, privlačnost na novu temu doprinijela je u ovom slučaju stvaranju jedne od ranih impresivnih slika rada u europskim vizualnim umjetnostima.

   U seljačkom žanru Louis Lenjin, prožeti posebnim plemstvom i jasnim, kao da je pročišćena percepcija života, ne odražavaju se u izravnom obliku oštrih društvenih kontradikcija tog vremena. Njegove psihološke slike ponekad su previše neutralne: osjećaj mirne pribranosti jer će apsorbirati svu raznolikost iskustava njegovih heroja. Ipak, u eri iskorištavanja narodnih masa, doveo je život francuskog seljaštva na gotovo životni standard životinja, u uvjetima moćnog narodnog prosvjeda, Louisa Lenjina, koji je tvrdio ljudsko dostojanstvo, moral Čistoća i moralna snaga francuskih ljudi, imali su veliku progresivnu važnost.

   U razdoblju daljnjeg jačanja apsolutizma, realističan seljački žanr nije imao povoljne izglede za njegov razvoj. To se potvrđuje primjer kreativne evolucije mlađih Lenen - Mathieu. Biti mlađi od Louisa četrnaest godina, on je u biti pripadao drugoj generaciji. U svojoj umjetnosti Mathieu Lenen ima za ukuse plemićkog društva. On je započeo svoj kreativni put kao sljedbenik Louis Lenjin ("seljaci u Zabachki"; Hermitage). U budućnosti, teme i cijela priroda njegove kreativnosti dramatično - Mathieu piše portrete aristokrata i elegantne žanske scene iz života "dobrog društva".

   U smjeru "slikara stvarnog svijeta" pripadao je veliki broj pokrajinskih umjetnika koji su, značajno inferiorniji od takvih obrtnika kao Georges de Latur i Louis Lenen, uspio stvoriti živo i istinit djela. Takvi, na primjer, Robert Quente (1604 - 1670), autor strogog i izražajnog slikarstva "uklanjajući se s križa" (Toulouse, Muzej), Rishar Tassel (1580. - 1660.), koji je napisao oštar portret portreta Nun Catherine de Montolon (Dijon, muzej), Ostalo.

   U prvoj polovici 17. stoljeća Realistični trendovi se također razvijaju u području francuskog portreta. Najveći portret ovog vremena bio je Filip de Champion (1602 - 1674). Flamandes u podrijetlu, cijeli je život proveo u Francuskoj. Biti blizu dvorište, Šammniy je koristio pokroviteljstvo kralja i Richelieua.

   Šampun je započeo karijeru kao majstor dekorativnog slikarstva, također je napisao slike o vjerskim parcelama. Međutim, najrasprostranjenija diploma Shampene otkrila je u području portreta. Bio je neka vrsta povijesnog vremena. On posjeduje portrete članova kraljevske kuće, državnici, znanstvenici, pisci, predstavnici francuskog svećenstva.

   

   Philip de Champhin. Portret Arno d "Andilia. 1650

   Među djelima šampiona su najpoznatiji portret kardinala Richelieu (1636, Louvre). Kardinal je prikazan u punom rastu; Čini se polako ispred gledatelja. Njegov lik u kardinalnom plašt sa širokim palim sklopivom širiti jasnu i jasnu konturu na pozadinu bariranja. Zasićeni ton ružičasto-crvenog plašta i zlatne pozadine zasjenjene su tankim, blijedim licem kardinala, njegove pokretne ruke. Uz svu svoju paradilaciju, portret je, međutim, lišen vanjskih infracrvenih i nije preopterećen s priborom. Njegova istinska monumentalnost je u smislu unutarnje sile i superka, u jednostavnosti umjetničke odluke. Naravno, portreti šampina, lišeni reprezentativne prirode razlikuju još veću ozbiljnost i vitalnu uvjerljivost. Na najbolja djela majstora pripada portretu Arno d "Andilia (1650.).

   A umjetnici klasicizma i "slikari stvarnog svijeta" bili su bliski naprednim idejama iz razdoblja - visoke ideje dostojanstva osobe, želju za etičkom procjenom njegovih postupaka i jasnih, pročišćenih od cijela slučajna percepcija svijeta. Na temelju toga, oba smjera u slikarstvu, unatoč razlikama koje su imale između njih, blisko u kontaktu jedni s drugima.

   Klasicizam stječe vodeću važnost u francuskoj slikarstvu iz drugog tromjesečja 17. stoljeća. Rad njegovog najvećeg predstavnika Nicole poussina je vrh francuske umjetnosti 17 stoljeća.

   Poussin je rođen 1594. godine u blizini grada Andeli u Normandiji u obitelji siromašne vojske. Na mladenačkim godinama Poussina i njegovo rano djelo poznato je vrlo malo. Možda je njegov prvi učitelj koji je u ovim godinama bio u posjetu Aneli Kantnen, sastanak s kojim je bio presudan za određivanje umjetničkog zvanja mladića. Nakon Warthen, Poussin potajno napušta svoj rodni grad i ostavlja za Pariz. Međutim, ovo putovanje ne donosi sreću. Samo godinu dana kasnije, odmah pada u glavni grad i provodi nekoliko godina tamo. Već u mladenačkim godinama, Poussin otkriva veliku svrhovitost i neumorna žeđ za znanjem. On proučava matematiku, anatomiju, drevnu literaturu, upoznati se na gravure s radom Rafaela i Julija Romana.

   U Parizu, Poussin se susreće s modernim talijanskim pjesnikom Kavaler Marino i ilustrira svoju pjesmu "Adonis". Te su ilustracije sačuvane u naše vrijeme jedina pouzdana djela pussena svog ranog pariškog razdoblja. Godine 1624. umjetnik odlazi u Italiju i naseljava se u Rimu. Iako je Šossin bio predodređen da živi gotovo cijeli život u Italiji, bio je srdačno volio svoju domovinu i bio je usko povezan s tradicijama francuske kulture. Bio je stranac za karijeru i nije sklon pronaći jednostavan uspjeh. Njegov život u Rimu bio je posvećen upornom i sustavnom radu. Poussin je skicirao i izmjerio antičke kipove, nastavio studij sa znanosti, književnosti, proučavao je rasprave Alberti, Leonardo da Vinci i Durera. On je ilustrirao jedan od popisa ugovora Leonarda; Trenutno je ovaj najvredniji rukopis u Hermitage.

   Kreativna potraga za Poussinom u 1620-ima. Bili su vrlo složeni. Učitelj je otišao dugo stvaranjem njegove umjetničke metode. Antička umjetnost i umjetnici renesanse bili su za njega s najvišim uzorcima. Među modernim Bolonjskim majstorima cijenio je najtraženiji jedan od njih - Domenicino. Tretiranje negativno u Caravaggio, Poussin još uvijek nije ostao ravnodušan prema njegovoj umjetnosti.

   Tijekom 1620-ih. Pussen, već povećavajući put klasicizma, često je izgledao oštro izvan njegovog okvira. Takve slike kao što su "premlaćivanje beba" (Shantilia), "mučeništvo sv. Erasmus "(1628., Vatikan Pinakotek) obilježava obilježja blizine karavagizazmu i baroka, dobro poznato smanjenje slika, pretjerano dramatično tumačenje situacije. Neobično za pussen u svom otežanom izrazu u prijenosu osjećaja otkucaja srca, hermitativna "uklanjanja s križa" (cca. 1630). Drama situacije ovdje je ojačana emocionalnom tumačenjem krajolika: akcija je raspoređena u pozadini neba s grmljavinom s refleksijom crvene zlokobne zore. Drugi pristup karakterizira svoj rad izveden u duhu klasicizma.

   Kult uma jedan je od glavnih kvaliteta klasicizma, pa stoga ni jedan od velikih majstora 17. stoljeća. Racionalni početak ne igra tako značajnu ulogu kao poussin. Sam majstora je rekao da percepcija umjetničkog djela zahtijeva koncentriranog razmišljanja i napetog rada. Racionalizam utječe ne samo u svrsishodno praćenje etičkog i umjetničkog ideala, već iu umjetnosti koju je stvorio. Izgradio je teoriju takozvanih načina, koji je pokušao slijediti u svom radu. Modus pussen značio je neku vrstu figurativnog ključa, zbroj tehnika za emocionalne karakteristike i kompozicijsko rješenje, koje je najviše odgovaralo izrazu određene teme. Ovi načini poussina dali su imenima iz grčkih predmeta različitih zemalja glazbene zgrade. Na primjer, tema moralnog podviga je utjelovljen umjetnikom u strogim oštrim oblicima ujedinjenim od strane Pussena u konceptu Doriy Lada, tema dramatične prirode - u obliku "Frigian Lada", tema radosne i idilične - u oblicima "jonskih" i "Lidius" Lads. Snaga djela pusssea postiže se kao rezultat tih umjetničkih tehnika jasno izraženu ideju, čistu logiku, visok stupanj završetka plana. No, u isto vrijeme, podređenost umjetnosti s određenim stabilnim standardima, uvođenje racionalističkih trenutaka također je bila veća opasnost, budući da bi to moglo dovesti do presporavanja nepokolebljive dogme, smrtonosnog kreativnog procesa. Upravo je to bilo da su svi akademici koji su slijedili samo vanjske tehnike pussena. Nakon toga, ova opasnost je stajala ispred samog pussena.

   

   Poussin. Smrt Njemačke. 1626-1627

   Jedan od karakterističnih uzoraka ideološkog i umjetničkog programa klasicizma može poslužiti kao pussenovsky sastav "Smrt Njemačke" (1626/27; Minneapolis, Institut za umjetnost). Ovdje je već indikativan za odabir junaka - hrabrih i plemenitog zapovjednika, momčad najboljih nada Rimljana, otrovan redom sumnjivog i zavidnog cara Tiberiusa. Slika prikazuje Njemačku o njegovoj smrti Alpine, okruženoj svojom obitelji i bhakte njemu vojnici koji su prihvatili opći osjećaj uzbuđenja i tuge.

   Vrlo plodna za kreativnost poussina bila je strast za umjetnost Tiziana u drugoj polovici 1620-ih. Žalba na tizijansku tradiciju olakšala je otkrivanje najvirojatnijih stranaka na talent Pussena. Uloga je bila uloga tizinskog kolorizma i razvoju slike za davanje Pussenu.

   

   Poussin. Kraljevina flore. Fragment. U REDU. 1635.

   U svom Moskovskom filmu "Rinaldo i Armida" (1625-1627), čija je zemljište uzeta iz pjesme Tassoa "oslobođenog Jeruzalemom", epizoda iz legende o srednjovjekovnom viteštvu se više odnosi na motiv antičke mitologije , Mađioničar u armid, pronalazeći spava vitez-crusader rinaldo, vodi ga u svoje čarobne vrtove, a konji u armid, koji su joj stavili kočiju na oblake i jedva držali lijepe djevojke, izgledaju kao konji Boga Sunca Heliosa (ovaj motiv se često često nalazi na pussiovim slikama). Moralna visina osobe određuje se za pussen korespondenciju svojih osjećaja i djelovanja razumnih zakona prirode. Stoga je ideal poussina čovjek koji živi jedan sretan život s prirodom. Ova tema, umjetnik je posvetio takve mreže 1620-1630, kao "Apollo i Daphne" (München, Pinakotek), "Vakhanlia" u Louvreu i Londonskoj nacionalnoj galeriji "Kraljevstvo flore" (Dresden, Galerija). On uskrsnut svijet drevnih mitova, gdje tama satires, vitke nimfe i vesele amrante prikazane su u jedinstvu s prekrasnom i radosnom prirodom. Nikada se ne pojavljuju u radu poussina, takve spokojne prizore, pojavljuju se takve slavne žene.

   Izgradnja slika, gdje su plastično opipljive figure uključene u cjelokupni ritam pripravka, ima jasnoću i cjelovitost. Uvijek je jasno da je kretanje brojki, u skladu s poussinom, "govor tijela" uvijek različit. Raspon boja, često zasićen i bogat, također podređen promišljenom ritmičkom omjeru šarenih mjesta.

   U 1620. Stvorio je jednu od najcjenjenijih slika poussin - Dresden "spavaći Veneri". Motiv ove slike je slika božice potopljenog u san okružen prekrasnim krajolikom - vraća se u uzorke venecijanske renesanse. Međutim, u ovom slučaju umjetnik je uzeo idealnost slika iz majstora oživljavanja, a drugi njihova bitna kvaliteta je ogromna vitalnost. Sama slika je vrsta božice, mlada djevojka s licem u lice, s tankom elegantnom figurom, punom takve prirodnosti i neke posebne intimnosti osjećaja da se ova slika čini prazna od života. Nasuprot tome, spokojni ostatak spavanja božice još više osjetio grmljavinski napon vrućeg dana. U Dresden platnu svjetliji nego bilo gdje, povezanost poussina s kolorijom Titiana je opipljiva. U usporedbi s zajedničkim smeđim, zasićenim tamnim zlatnim uzorkom, nijanse golog tijela boginja posebno su lijepo ugledne.

   

   Poussin. Tancred i hermin. 1630-e.

   Pustinjački plovni put "Tancred i Hermin" (1630s) bio je posvećen dramatičnoj temi ljubavi Amazona Herminije na vitez-crusader tancredu. Zemljište se također uzima iz pjesme Tasso. U napuštenom terenu, na stjenovitom tlu, ranjeno u tamnocrvenom dvoboju. S brižnom nježnošću podržava vjerni prijatelj Wafrina. Herminia, pravedna, koja je spustila od konja, juri na ljubljenu i brzu tišinu iskričavog mača, odsječe letca svoje plave kose da veže rane. Njezino lice, izgled, okovan za tancred, brze pokrete vitke figure su duhoviti velikim unutarnjim osjećajem. Duhovno povišenje slike junakinja naglašena je odlukom o boji njezine odjeće, gdje su kontrasti sivog čelika i dubokih plavih tonova zvuče s povećanom silom, a opće dramatično raspoloženje slike pronalazi vlastiti odjek u krajoliku ispunjen plamenom sjajem večernje zore. Oklop tancred i mač Hermina odražava sve bogatstvo boja u svojim zamahu.

   U budućnosti je emocionalni trenutak u radu poussina u većoj mjeri povezanoj s organiziranjem principa razuma. U djelima sredine 1630-ih. Umjetnik doseže harmoničnu ravnotežu između uma i osjećaja. Vodeća važnost je slika herojske, savršene osobe kao utjelovljenje moralnog veličanstva i duhovne moći.

   

   Poussin. Arcade pastiri. Između 1632. i 1635. godine

   Primjer dubokog filozofskog otkrivanja teme u djelima poussina daje dvije mogućnosti za sastav "Arcade pastira" (između 1632. i 1635., CeZOort, Skupštinu vojvode od Devonshirea, vidi bolesni. I 1650, Louvre). Mit o Arkadiji, zemlji spokojne sreće, često utjelovljena u umjetnosti. Ali Pussen u ovoj idiličnoj parceli izrazio je duboku ideju o učestalosti života i neizbježnosti smrti. Predstavio je pastiri, koji je iznenada vidio grob s natpisom "i bio sam u Arkadiji ...". U ovom trenutku kada je osoba ispunjena osjećajem sreće bez oblaka, čini se da čuje glas smrti - podsjetnik na kratkotrajan života, o neizbježnom kraju. U prvoj, više emocionalne i dramatične londonske verzije, zbunjenost pastira je jača, što je kao da se iznenada pojavio u slučaju smrti, koji su napali njihov svijetli svijet. U drugoj, mnogo kasnije Louis verzija heroja nije ni zasjenjena, oni zadržavaju mirno, opažajući smrt kao prirodni uzorak. Ova misao s posebnom dubinom utjelovljena na sliku izvrsne mlade žene, izgled koji je umjetnik dao obilježja stoičke mudrosti.

   

   Poussin. Inspiracija pjesnika. Između 1635. i 1638. godine

   Picture Louvre "Inspiracija pjesnika" je primjer kako je apstraktna ideja utjelovljena od strane pussena u dubokoj, koja ima veliku moć izloženosti slikama. E Ideja o slici je rođenje odličnog u umjetnosti, njegova proslava se ne percipira kao apstrakt, već kao specifična, figurativna ideja. Za razliku od uobičajenih u 17. stoljeću. Alegorični pripravci čije se slike kombiniraju izvana retorički, za Louvro sliku karakterizira unutarnja povezanost slika s općom izgradnjom osjetila, idejom uzvišene ljepote kreativnosti. Slika izvrsne muse na slici maca čini vas da zapamtite najneslentne ženske slike u umjetnosti klasične Grčke.

   Kompozitna konstrukcija slika u svojoj vrsti primjera za klasicizam. Karakterizira velika jednostavnost: lik Apolla nalazi se u središtu, s obje strane, brojke muze i pjesnika su simetrično smještene. No, u ovoj odluci ne postoji najmanja suhoća i umjetnost; Manji suptilno pronađeni pomaka, okreta, kretanja figura, stabla, lete u stranu, leteći amur - sve te tehnike, ne oduzimaju sastav jasnoće i ravnoteže, donoseći osjećaj života, koji se odlikuje ovom radu uvjetno shematske kreacije akademičara koji su zakrpali.

   U procesu postajanja umjetničkog i kompozitnog plana za slikovito djelo poussina, njegovi prekrasni crteži imali su veliku važnost. Ove sepove skice napravljene s iznimnom širinom i hrabrošću temeljenom na usporedbi mrlja od svjetlosti i sjena igraju pripremnu ulogu u preokrenu ideju o radu u završeni slikovni cijeli broj. Živi i dinamični, oni, kao što su bili, odražavaju sve bogatstvo umjetničke kreativne mašte u potrazi za kompozitnim ritmom i emocionalnom ključem koji odgovara ideološkoj namjeri.

   U narednim godinama, harmonično jedinstvo najboljih djela 1630-ih. postupno gubi. U slikanju pussse, značajke apstraktnosti i racionalnosti rastu. Pivarska kriza kreativnosti oštro je intenzivirana tijekom putovanja u Francusku.

   Fame Pussen dopire do francuskog dvorišta. Nakon što je primio poziv za povratak u Francusku, poussa na svaki način povlači vožnju. Samo hladno imperativ osobno pismo kralja Louisa XIII čini ga slušanjem. U jesen 1640. godine, Poussin ostavlja za Pariz. Izlet u Francusku donosi mnogo gorko razočaranje umjetniku. Njegova umjetnost zadovoljava žestoku otpornost onima koji su radili s sudskim predstavnicima dekorativnog baroknog smjera na čelu s Simon Veu. Mreža prljavih intriga i otkazivanja "tih životinja" (tzv. Njihovog umjetnika u njegovim pismima) završava pussen, nekuha ugledu osobe. Cijela atmosfera sudskog života ga nadahnjuje gadljivi gađenje. Umjetnik, prema njemu, potrebno je izbiti iz petlje, koji je stavio na vrat na vrat, tako da se opet u tišini njegove radionice za sudjelovanje u pravoj umjetnosti, ", ako ostanem u ovome Zemlja, on piše, - morat ću se pretvoriti u Pachkun, kao i drugi ovdje je ovdje. Kraljevski sud ne privlači veliki umjetnik. U jesen 1642., Pussen pod izgovorom njegove supruge bolesti ostavlja natrag u Italiju, ovaj put zauvijek.

   Kreativnost poussin u 1640-ima. Zabilježene značajkama duboke krize. Ova kriza ne objašnjava ne toliko od strane navedenih činjenica umjetničke biografije, kao prije svega unutarnje kontradikcije samog klasicizma. Živa stvarnost tog vremena daleko nije odgovarala idealima racionalnosti i vrline građanina. Pozitivan program etičkog klasicizma počeo je gubiti tlo.

   Rad u Parizu, Poussin ga nije mogao u potpunosti odbaciti od zadataka postavljenih ispred njega. Radovi u pariškom razdoblju su hladni, službeni u prirodi, oni su značajno izraženi za postizanje vanjskog učinka barokne umjetnosti ("vrijeme štedi istinu iz zavisti i nesklada", 1642, Lille, muzej; "čudo od Sv. Francis Xaveria ", 1642, Louvre). Upravo je takva vrsta posla koja je naknadno opažena kao uzorci umjetnika akademskog kampa, na čelu s Challin Lebed.

   Ali čak iu onim djelima u kojima je majstor strogo pridržavao klasične umjetničke doktrine, više nije dostigao istu dubinu i vitalnost slika. Racionalizam karakterističan za ovaj sustav, regulaciju, prevladavanje apstraktne ideje u smislu, želja za idealnom se dobiva njegov jednostrani pretjerani izraz. Primjer je "velikodušnost Scipion" Muzeja likovnih umjetnosti. A. S. Pushkin (1643). Prikazujući rimskog zapovjednika snimanja Afrikanca, koji je napustio svoja prava na zatočeničku kartaginsku princezu i vratio je u mladoženju, umjetnik veliči vrlinu mudra zapovjednika. No, u ovom slučaju, tema iskušenja moralnog duga primila je hladnu, retoričku izvedbu, slike su izgubile vitalnost i duhovnost, geste su uvjetovane, dubina mišljenja zamijenjena je kontradikcijom. Čini se da su brojke zamrznute, boja - Motley, s prevlasti hladnim lokalnim bojama, slikovitim načinom se odlikuje neugodnim zločinom. Slične značajke karakterizira stvorena u 1644-1648. Slike iz drugog ciklusa "sedam sakramenata".

   Kriza klasične metode pogođena je prvenstveno na sastava parcele. Od kasnih 1640-ih. Najviše postignuća umjetnika manifestiraju se u drugim žanrovima - u portretu iu krajoliku.

   Do 1650. godine, jedno od najznačajnijih djela poussina je njegov poznati louvrian samoportret. Umjetnik za Poussin je prije svega, mislilac. U doba, kada su se osobine vanjske reprezentativnosti naglasili u portretu, kada je značaj na slici određena društvenom udaljenom razdvajanjem modela iz običnih smrtnika, Pussen vidi vrijednost osobe u snazi \u200b\u200bnjegovog intelekta, u kreativna moć. U samo-portretu, umjetnik zadržava strogu jasnoću kompozicijske konstrukcije i jasnoće linearnog i volumetrijskog rješenja. Dubina ideološkog sadržaja i prekrasan završetak "autoportret" poussina značajno premašuje djela francuskih portreta i pripada najboljem portretu europske umjetnosti 17. stoljeća.

   Strast do krajolika povezana je s promjenom. Njegov svjetonazor. Nema sumnje da je Pussen izgubio cijelu ideju o osobi koja je bila karakteristična za svoja djela 1620-1630-ih. Pokušava utjeloviti ovu prezentaciju u sastavu parcele 1640-ih. doveo do neuspjeha. Figurativni sustav pussena iz kasnih 1640-ih. Već je izgrađena na drugim načelima. U radu tog vremena, pozornost umjetnika je slika prirode. Za poussnu, priroda je personifikacija najvišeg sklada postojanja. Osoba je izgubila dominantnu poziciju. Smatra se samo kao jedna od mnogih vrsta prirode, zakona kojih je prisiljen slušati.

   Šetnja Rim, umjetnik s njegovom svojstnom tostirao je pejzaže rimskih kampanja. Njegovi neposredni dojmovi su preneseni u prekrasnim krajobraznim crtežima iz prirode, odlikuju se izvanrednom svježinom percepcije i suptilnog lirizma.

   Slikoviti krajolici poussina nemaju osjećaj usmjeravanja, koji su svojstveni njegovim crtežima. U svojim slikovitim djelima, savršeno, generalno načelo je jače, a priroda u njima pojavljuje se kao nositelj savršene ljepote i veličine. Zvučalo je ideološki i emocionalni sadržaj, pejzaži poussina pripadaju najvišim postignućima uobičajenim u 17. stoljeću. Takozvani herojski krajolik.

   Pussenski krajolici su prožeti osjećajem veličine i veličine svijeta. Ogromne glomazne stijene, bujne udarce, kristalno prozirne jezera, cool izvori, struja među kamenjem i sjenovito grmlje, povezani su plastično čistom, holističkom kompozicijom na temelju izmjenične prostorne planove, od kojih se svaki nalazi paralelan s platnu. Pogled na preglednik, slijedeći ritmičko kretanje, pokriva prostor u njegovoj cijeloj gradaciji. Colorist Gamma je vrlo suzdržan, najčešće je izgrađen na kombinaciji hladnih plavih i plavičastih tonova neba i vode i toplog smeđih sivih tonova tla i stijena.

   U svakom krajoliku, umjetnik stvara jedinstvenu sliku. Kao široka i svečana himna, priroda se percipira "krajolik s polifem" (1649; Hermitage); Njezina moćna veličina osvaja u Moskvi "Krajolik s Hercules" (1649). Prikazavanje Ivana teologa na otoku Patmos (Chicago, Institut za umjetnost), Pussen odbija tradicionalno tumačenje ove parcele. Ona stvara rijetku ljepotu i moći krajolika - žive personifikaciju prekrasne Eldle. Slika Ivana u tumačenju poussina podsjeća na kršćanski pustinjak, već drevni mislilac.

   U kasnim godinama, čak i tematske slike poussina utjelovljuju u krajobraznim oblicima. To je njegova slika flokionskog pogreba (nakon 1648; Louvre). Drevni junak Fokion pogubljen je kaznom njegovih nezahvalnih sugrađana. Negirao ga je čak iu pokop u svojoj domovini. Umjetnik je predstavio trenutak kada su robovi izvan Atene na nosilima Fokiona ostataka. Na pozadini plavog neba i zelenih stabala, hramova, kula, urbani zidovi su istaknute. Život joj ide! Shepherd zgrabi stado, na putu volje povukao je vagon i jahač juri. Prekrasan krajolik s posebnom oštrinom čini da osjetite tragičnu ideju o ovom radu - temu usamljenosti osobe, njegove impotencije i krhkosti u lice vječne prirode. Čak ni smrt junaka ne može zasjeniti svoju ravnodušnu ljepotu. Ako su prethodni krajolici tvrde da je jedinstvo prirode i čovjeka, ideja suprotstavljanja heroja i okolnog svijeta pojavljuje se u fokionskoj fauni, koja personificira ljudski sukob i stvarnost karakteristika ovog doba.

   Percepcija svijeta u svojim tragičnim kontradikcijama odrazila se u poznatom krussenom uređenom ciklusu "četiri doba godine", izrađena u posljednjim godinama svog života (1660 -1664; Louvre). Umjetnik stavlja i odlučuje u tim djelima problem života i smrti, prirode i čovječanstva. Svaki krajolik ima određenu simboličku vrijednost; Na primjer, "proljeće" (Adam i EVE su predstavljeni u Paradskom raju) - ovaj cvatu svijeta, djetinjstvo čovječanstva, "zima" prikazuje poplavu, smrt života. Priroda poussina i tragične "zime" se izvodi veličinom i snagom. Voda koja leprša na tlo, s neumoljivom neizbježljivošću upija sve žive stvari. Nigdje nije spasenje. Izbijanje munje presijeca kroz noćnu tamu, a svijet koji je prihvatio očaj, pojavljuje se kao da je bio okamenjen u nepokretnosti. U osjećaju hladnog jela, prodirući sliku, Pussen utjelovljuje ideju približavanja nemilosrdne smrti.

   Tragična "zima" bila je posljednji rad umjetnika. U jesen 1665, Pussen - umire.

   Vrijednost umjetnosti pussene za svoje vrijeme i sljedeće epohe je ogromne. Njegovi istinski nasljednici nisu bili francuski akaderistici u drugoj polovici 17. stoljeća, te predstavnici revolucionarnog klasicizma iz 18. stoljeća, koji je uspio u oblicima ove umjetnosti izraziti velike ideje o svom vremenu.

   Ako je kreativnost pussena pronašla svoju duboku provedbu raznih žanrova - povijesna i mitološka slika, portret i krajolik, onda su drugi majstori francuskog klasicizma uglavnom radili u bilo kojem žanru. Kao primjer, Claude lorrene se može nazvati (1600-1682) -ruplen, zajedno s guzom, predstavnik klasičnog krajolika.

   Claude Jelly rođen je u Lorraine (francuski Lorraine), odakle se dogodilo nadimkom Lorrenom. Došao je iz seljačke obitelji. Rani Osapotel, Lorrane je otišao u Italiju, gdje je studirao slikarstvo. Gotovo svi život je Lorrena, osim dvogodišnjeg boravka u Napulju i kratkoročni posjet Loreine, prošao u Rimu.

   Lorren je bio kreator klasičnog krajolika. Odvojeni djela ove vrste pojavili su se u umjetnosti talijanskih majstora od kraja 16. - početkom 17 V.-Annibal Karrcchi i Domenicino. Njemački slikar Elsheimer koji je radio u Rimu bio je veliki doprinos krajobraznoj boji. No, samo lorrenski krajolik razvio se u gotovom sustavu i pretvorio se u neovisan žanr. Lorren je bio inspiriran motivima prave talijanske prirode, ali ti se motivi pretvaraju u idealnu sliku koja odgovara standardima klasicizma. Za razliku od pussena, čija se priroda doživljava u herojskim planu, lorren je prvenstveno stihovi. On je izravno izraženi živom smislom, nijansom osobnog iskustva. On voli prikazati neograničeno dao je more (Lorren je često napisao morsku luku), široke horizonte, prepunu svjetlost u satu izlaska sunca ili zalaska sunca, predodređene magle, kondenziranog sumraka. Za rane pejzaže, Lorrena karakterizira neke preopterećenja arhitektonskih motiva, smeđeg tonova, snažne rasvjete kontrasti - na primjer, u Campu Vachino (1635; Louvre) prikazuje livadu na mjestu drevnog rimskog foruma, gdje ljudi lutaju među drevnim ruševinama ,

   

   Claude Lorren. Mora s acisisom i galatejom. 1657.

   U svom kreativnom procvatu, Lorren se pridružuje 1650-ima. Iz tog vremena pojavljuju se njegova najbolja djela. Takvo, na primjer, "otmicanje Europe" (cca. 1655; Muzej likovne umjetnosti A.S. S. Pushkin). Pripravci zrelog lorrena ne prikazuju - za nekoliko iznimki - bilo koji određeni krajolik motiv. Oni stvaraju generaliziranu sliku prirode. U moskovnoj slici predstavljena je prekrasna azurna zaljev, čiji je obala obrubljena brežuljcima mirnih obrisa i prozirne kupke drveća. Krajolik će poplaviti svijetle sunčeve svjetlosti, samo u središtu zaljeva na moru ležala je lagana sjena iz oblaka. Svi puni blaženog odmora. Ljudske figure nemaju tako važnu važnost od Lorrenea, kao u pejzažima poussina (sam Lorren nije volio pisati figure i uputiti ih da izvedu druge majstore). Međutim, epizoda od drevnog mita u idiličnom duhu drevnog mita o otmici Zeusa, koji se pretvorio u bika, lijepa djevojka u Europi odgovara ukupnom raspoloženju krajolika; Isto vrijedi i za druge Lorrenove slike - priroda i ljudi su u njima u određenom tematskom odnosu. Do najboljih djela lorrene 1650. Bedovi Dresden Sastav "Acyc i Galatia" 1657.

   U kasnom radu Lorrena, percepcija prirode postaje sve emocionalna. Zainteresiran je, na primjer, promjene u krajoliku ovisno o doba dana. Glavna sredstva u prijenosu raspoloženja su svjetlo i boja. Dakle, u slikama holističkog ciklusa pohranjenog u Hermitage Lenjingradu, umjetnik utjelovljuje tanku poeziju "jutro", čisti mir "pola dana", maglovito-zlatni zalazak sunca "večer", na plavičastoj tami "noći". Najpoštitnija ovih slika je "jutro" (1666). Ovdje je sve obrutno srebro-plavi dim počevši zoru. Na nebu osvjetljavajuće, istaknuta je transparentna silueta velikog mračnog stabla; U mračnoj sjeni, antičke ruševine se još uvijek šalju - motiv uvodi nijansu tuge u jasan i tihi krajolik.

   Lorren je također poznat kao gragraver batcher i kao crtač. Njegove krajobrazne skice iz prirode koju izvode umjetnik tijekom šetnji oko Rima posebno su izvanredni. U tim slikama s iznimnom svjetlinom, emocionalni i neposredan osjećaj prirode pogođeni su lore. Skice ovih, izvedena interno s korištenjem pranja, karakteriziraju zapanjujuća širina i sloboda slikovitog načina, sposobnost postizanja snažnih učinaka. Motivi crteža su vrlo raznoliki: to je krajolik panoramske prirode, gdje je nekoliko udaraca četkica ostavlja dojam beskrajne širine, zatim debele uličice i zrake sunca, čime se kroz lišće stabala, padne na cestu, samo obrastao kamen na obalama rijeke, konačno, završio je crtež veličanstvene zgrade okružene prekrasnim parkom ("Villa Albani").

   Slike Lorrene za dugo vremena - do početka 19 V.- ostao uzorke za krajobrazne mastere. Ali mnogi njegovi sljedbenici koji su doživjeli samo njegove vanjske vizualne tehnike izgubile su istinski živog osjećaja prirode.

   Utjecaj Lorrena se osjeća u radu njegovog suvremenog gasapara (1613-1675), koji je uveo elemente emocija i drame u klasičnom krajoliku, posebno u prijenosu učinaka alarmantnog grmljača. Među radovima du je najpoznatije krajobrazne cikluse u rimskim palačama Doria Pamphili i stup.

   Klasični smjer pridružio se Estash Lesyur (1617-1655). Bio je učenik Vukea i pomogao mu u obavljanju dekorativnog posla. 1640-ih. Lesueer je doživio snažan utjecaj umjetnosti pussena.

   Kreativnost lezuera je primjer prilagodbe načela klasicizma na zahtjeve da su krugovi korijena i klerika stajali prije umjetnosti. U svojoj najvećoj slici hotela Lambera u Parizu, Leseuer je pokušao kombinirati načela estetske klasicizma doktrina s čisto ukrasnim učincima. Nije slučajno da ne postoji način da u velikom ciklusu "život sv. Bruno "(1645 -1648, Louvre), izrađen na redoslijedu crkvenih krugova, postoje prokleto u baroknom smjeru, koji utječu na slatku idealizaciju slika iu ukupnom duhu katoličkog fanatizma, koji sve ovaj ciklus prodire. Umjetnost lezuera je jedan od prvih simptoma ponovnog rođenja klasičnog smjera u sudski akademski.

   U drugoj polovici 17. stoljeća. Apsolutna monarhija u Francuskoj doseže svoju najveću ekonomsku i političku moć i vanjski vrhunac.

   Proces centralizacije države dobio je konačni završetak. Nakon poraza prednje strane (1653.), kralj je intenzivirala i usvojila neograničen, despotski karakter. U anonimni pamflet oporbene književnosti krajem 17. stoljeća. Louis XIV se zove idol, žrtva koja je donesena cijela Francuska. Kako bi se ojačala ekonomska situacija plemstva, provedeni su važni događaji. Ekonomski sustav proveden je na temelju osvajačkih ratova i na dosljednoj provedbi politika mekantilizma; Ovaj se sustav naziva Kolbertizam - pod nazivom Kolbera, prvi ministar kralja. Kraljevsko dvorište bilo je političko središte zemlje. Njegova je lokacija poslužila veličanstvene državne rezidencije, a prije svega (iz 1680-ih.) - poznate Versailles. Život u dvorištu odvijao se u beskrajnim svečanostima. U središtu ovog života bio je osobnost kralja Sunca. Njegovo buđenje od spavanja, jutarnjeg WC-a, ručka, itd. D.- Poštuje se određeni ritual i dogodio se u obliku ceremonije ceremonije.

   Centralizirajuća uloga apsolutizma također je utjecala na činjenicu da oko Kraljevskog suda u drugoj polovici 17. stoljeća. Oni su bitno okupili sve kulturne sile Francuske. Najistaknutiji arhitekti, pjesnici, dramatike, umjetnici, glazbenici stvorili su naredbe dvorišta. Slika LOUIS XIV je kao velikodušan monarh, predubjedno pobjednik služio je temu za povijesne, alegorijske, borbene slike, za prednje portrete i za tapiserije.

   Različiti smjerovi u umjetnosti Francuske izravnali su se od sada u "velikom stilu" plemenite monarhije. Umjetnički život zemlje prošao je najstroži centralizaciju. Zapravo u 1648. uspostavljena je Kraljevska akademija slikanja i skulpture. Osnova Akademije imala je pozitivnu vrijednost: po prvi put su se aktivnosti umjetnika objavljene iz ugnjetavanja radionice i nastali su naručeni sustav umjetničkog obrazovanja. Ali od početka svog postojanja, aktivnosti Akademije su podređene interesima apsolutizma. Godine 1664., u skladu s novim zadacima, Kolber je održao reorganizaciju Akademije, pretvarajući ga u državnu instituciju, u potpunosti dostavljena u dvorištu.

Autoportret. 1650.

Na autoportret, Nikola Poussin je sebe prikazivao misliocu i Stvoritelju. Pokraj njega, glazbeni profil, kao da personificira snagu antike nad njim. I u isto vrijeme to je slika svijetle osobnosti, čovjek svoga vremena. Portret utjelovljuje program klasicizma svojim predanošću prirodi i idealizaciji, želju za izrazom visokih civilnih ideala, koji je služio umjetnosti pussena.

Nikola poussin je francuski umjetnik, osnivač stila "klasicizma". Okrenuvši se na teme drevne mitologije, drevne povijesti, Biblije, otkrio je teme moderne ere. On je doveo svoju savršenu osobnost, pokazujući i ima smiješne primjere visoke moralnosti, građanskih vrijednosti.

Nikola Poussin rođen je 5. svibnja 1594. u Normandiji, u blizini grada Le Andelkija. Njegov otac, veteran vojske kralja Henryja IV (1553-1610), dao je svome sinu dobrom obrazovanju. Od djetinjstva, Poussin je posvetila pozornost na njegove tendencije. U 18, vozi se u Pariz kako bi se uključio u slikanje. Vjerojatno je njegov prvi učitelj bio portreist Ferdinand Van Elle (1580-1649), drugi je povijesni slikar Georges Lallman (1580-1636). Nakon što se upoznati s Kameriju za Widdling Queen Mary Medici, čuvar royal umjetničkih zbirki i knjižnica, poussin je dobio priliku posjetiti Louvre i kopirati slike talijanskih umjetnika tamo. Godine 1622., Pussena i ostali umjetnici bili su upućeni da napišu šest velikih slika na scenama života sv. Ignatia Lool i St. Francis Xaveria (nije preživio).

Godine 1624. Nicolas Poussin je otišao u Rim. Tamo je studirao umjetnost drevnog svijeta, rad majstora visokog rođenja doba. Godine 1625-1626, dobio je naredbu da napiše sliku "uništenja Jeruzalema" (ne preživio), kasnije je napisao drugu verziju ove slike (1636-1638, Beč, Muzej povijesti umjetnosti).

Godine 1627., Poussin je napisao sliku "smrti Njemačke" (Rim, Palazzo Barberini) u zemljištu drevnog rimskog povjesničara talitisa, koji razmatra programski rad klasicizma; To pokazuje oproštaj u legionarima s umirućim zapovjednikom. Smrt junaka percipirana je kao tragedija društvenog značaja. Tema se tumači u duhu mirnih i oštrih junaka drevne pripovijesti. Ideja slike je Ministarstvo duga. Umjetnik je postavio brojke i predmete u plitko mjesto, raskomadajući je na brojne planove. U ovom radu otkrivene su glavne značajke klasicizma: jasnoća akcije, arhitektoničarnosti, pojas pripravnosti, opozicija grupacija. Ideal ljepote u očima poussina sastojao se u proporcionalnost dijelova cjeline, u vanjskoj urednosti, harmoniji, jasnoći pripravka, koji će postati karakteristične značajke zrelog stila čarobnjaka. Jedna od posebnosti kreativne metode Pussena bila je racionalizam, koji nije bio samo pogođen scenama, već iu wellness sastava.

U razdoblju od 1629-1633, predmet slika poussina: on rjeđa često piše slike o vjerskim temama, pozivajući se na mitološke i književne parcele.

Narcis i echo, oko 1629

Rinaldo i Armida. 1635.

Radnja slika je posuđena od pjesme talijanskog pjesnika XVI. Stoljeća Tarkvato Tasso "oslobođen je Jeruzalemom". Mađioničar Armida pomiče mladog viteza Rinaldo, poslao se u križar. Želi ubiti mladića, ali, osvojili njegovu ljepotu, zaljubljuje se u Rinaldo i uzima ga u svoje očarane vrtove. Pussen, glava slika klasicizma, tumači srednjovjekovnu legendu u duhu antičkog mita. Završetak kompozicije, jedinstvo ritmičke konstrukcije je glavna obilježja umjetnosti pussena. Okus se osjeća utjecaj Tiziana, čija je kreativnost poussina voljela ovih godina. Slika je parna soba za "Tancredu i Herminiju" pohranjenu u stanju pustinja.

Tancred i hermin. 1630 - 40.

Vođa Amazone Herminije, zaljubljen u vitez tancrede, smatra ga ranjenim nakon borbe s divovskim argurom. Waphrinova štitnik podiže mirno tijelo tancred, i Hermine, u neograničenom impulsu ljubavi i suosjećanja, odsječe kosu s mačem kako bi razao rane viteza. Gotovo sve na platnu mirno - nemoćno leži na tlu tancred, zamrznuo je divljini nad njim, stacionarni konji, tijelo Argante je rašireno na daljinu, napušteni i nepovoljni krajolik. Ali u ovoj smrznutoj tišini, patetično kretanje hermina je slomljena, a sve oko njegovog nezamjenjivog duhovnog polijetanja se osvjetljava. Nepokretnost je učinjena intenzivna, snažna i duboka šarena mjesta suočavaju se međusobno u oštrim kontrastima, uvida narančastog zalaska sunca na nebu postaju prijete i uznemirujuće. Erminijeve emocije se prenose na svaki detalj slike, svaki redak i svijetli odsjaj.

1640. godine. Poliuna policy policta Louis XIII privukao je pozornost Louisa XIII (1601-1643) i, prema njegovom upornom pozivu, Pussen je došao na posao u Parizu, tamo je dobio red od kralja da napiše slike za svoju kapelu u Fontainebleau i Saint-Germain.

U jesen 1642. Poussin ponovno ostavlja u Rimu. Teme tog razdoblja bili su vrline i valjanost vladara, biblijskih ili antičkih heroja.

Scipiona za vjenčanje. 1643.

U drugoj polovici 40-ih, Poussin je stvorio ciklus "Sedam sakramenata", u kojima je otkrilo duboko filozofsko značenje kršćanskih dogmi: "Krajolik s apostolom Matfey", "Krajolik s apostolom John na otoku Patmos" (Chicago, Institut za umjetnost).

Kraj 40.- Početak 50-ih godina je jedno od plodnih razdoblja u radu poussina: napisao je slike "Eliasar i Rebek", "Krajolik s Dionom", "Krajolik s velikim dragim", "Solomon Court", "Ecstasy St. Paul "," Arcade Shepherds ", drugi samoportret.

Krajolik s polifem. 1648

U posljednjem razdoblju kreativnosti (1650-1665), Pussen je postao sve više upućen u krajolik, heroji su bili povezani s književnim, mitološkim parcelama.

U ljeto 1660. godine stvara niz krajolika "četverostruke godine" s biblijskim scenama, simbolizirajući povijest mira i čovječanstva: "proljeće", "ljeto", "jesen", "zima".

Pejzaži poussin Multi-Finds, naizmjenični planovi naglašeni su trakama svjetlosti i sjene, iluzija prostora i dubinu im se obratio epsku snagu i veličinu. Kao iu povijesnim slikama, glavni likovi se obično nalaze u prvom planu i percipiraju kao nerazdvojni dio krajolika.

Potonje, nedovršena tkanina majstora - "Apollo i Daphne" (1664).

Priča o ljubavi Apolla i Daphne ispričala je Ovid. Daphne je dala pod da zadrži čistoću i ostane celibe, poput boginetemida. Apollo, otišao je ljubav u lijepu nimfu, izazvao njezin užas. Kao da je vidjela u njoj kroz zasljepljujuću ljepotu, žestok vuka. Ali u Božjoj duši, osjećaj odbijanja, osjećaj je sve više manjkav.

Što trčiš od mene, nimfa? - viknuo je, pokušavajući je uhvatiti korak s njom. - ne pljačkaš i! Ne divlji pastir! Ja sam Apollo, sin Zeus! Stop!

Daphne je nastavila izbjeći ono što je imalo snagu. Bliže Chase, djevojka se već osjeća iza vrućeg daha Apolla. Nemoj otići! I molila se Ocu pomoći:

Otac! Pomozite svojoj kćeri! Sakrij me ili promijeni moj izgled tako da me ova zvijer ne dira!

Uglavnom je zvučalo ove riječi, dok je Daphne osjećala da su joj noge liječene i otišle na zemlju na gležnju. Naboji su mokri od znoja odjeće pretvoriti u koru, ruke su izvučene u granama: bogovi su okrenuli Daphne na laurel stablo. Uzalud, Apollo zagrli prekrasan laurel, učinio je svoju omiljenu i svetu biljku od tuge i ukrasio glavu s vijencem iz lovora.

Na zapovijedi Apolla, pjesma Peloponeze King Enonaya Levkipp, zaljubljen u nju, i slijedi joj prerušene u žensku haljinu, tako da nitko ne može saznati.

Daphne - drevno božanstvo povrća, ušla je u krug Apolla, gubi svoju neovisnost i postaje Božji atribut. Prije nego što je Delphic Oracle počeo pripadati Apollonu, na njegovom mjestu bio je proročanstvo zemlje gay, a zatim Daphne. I kasnije u Delta pobjedamaorganizatori na natjecanju dobili su Laurel vijenci. O Svetom Laureru u Delje spominje Callima. Gomemerg himma je izvijestio gomerovsky himnu. Na blagdan Daphneforiusa u Filisa nosio je grane Laurel.

19. studenog 1665. NikolaPussen je umro. Uelico Značaj njegove kreativnosti za povijest slikanja. Francuski umjetnici i pred njim su tradicionalno upoznati s umjetnošću Italije Renesanse. Ali oni su bili inspirirani djela majstora talijanskog manira, baroka, karavagizaznosti. Pussen je bio prvi francuski slikar koji je uzeo tradiciju klasičnog stila Leonarda da Vinci i Raphael. Jasnoća, postojanost i urednost finih tehnika, ideološke i moralne orijentacije umjetnosti Pussen Kasnije je radio s referencom za akademiju slikanja i skulpture Francuske, koji je uzeo proizvodnju kanona,estetske norme i pravila generalne kocke umjetničke kreativnosti.

Krajolik s Dianom i Orion. 1660 - 64.

Diana je boginja vegetacije, slična donjem rublju, personifikacija Mjeseca, identificirana je s Artemidom i Perekatoy. Nazvana je trivijalnost - "božica od tri ceste" (njezina je slika stavljena na raskrižje), također se tumačilo kao znak vrhovne moći Diane: na nebu, na zemlji i podzemlju.

Poznato utočište Diane na Mount Typeateu u kampanji (stoga je epitet Diane Tipatine) iu području Arize u šumaru na jezeru Nemy. Diana se smatrala zaštitnicom latinskog unije, a s tranzicijom dubine ovog Unije u Rim u Rim, kralj Diane, koji je postao omiljeno odredište za one koji su došli od onih koji su se preselili ili zarobili Latinac, Plebeev i robovi su osnovali na aventinu; Obljetnica osnivanja hrama smatrala se blagdanom robova - servum umire. To je osigurala popularnost Diana među nižim klasama koje su činile brojne fakultete svojih obožavatelja.

Legenda o neobičnoj kravi bila je povezana s Dianom hramom na tentini, čiji je vlasnik bio predviđen da će onaj koji bi žrtvovao Dianu u ovom hramu pružit će svom gradu nad Italijom. Kralj servisiranja Tully, nakon što je saznao o ovoj predviđanju, lukav lukavi lukav, donio joj žrtvu i pričvrstio njezine rogove u hramu.

Diana je smatrala personifikacijom Mjeseca, kao i njezin brat Apollo u razdoblju kasne Rime antike je identificiran sa Suncem. Nakon toga je identificiran s besmislenim i kartaginskim nebeskim božicom kilan. Rimske provincije pod imenom Diana pošile su rodne božice - "Slaganja šuma", bognany majka, namirnica povrća i životinjske plodnosti.

grkeroman.ru/gallery/art_poussin.htm.

Ranije:

Ova slika je jedno od najpopularnijih djela francuskog umjetnika Nikole Pussen. Slična vjerska parcela dupliciralo je drugim majstorima mnogo puta, budući da su biblijske priče oprane s olovom Alegorije i Alegorije, a to je [...]

Svijetla, šarena slika Nikole poussina "Vakhanalia", zapamćena njegovim slikama, napisanim u romantičnom i mitološkom stilu, sada je u Londonskoj umjetničkoj galeriji. Glavni likovi ovog predivnog slikarstva su mladi, bezbrižan stvorenja, koji su stranci na fizički rad. [...]

Svijetla i živo slikarstvo "Parnas" prikazuje bogove, pjesnike, nimfe i druge junake grčke mitologije i povijesti. To je vrlo karakterističan rad u poussinu, koji kombinira sve značajke njegova umjetničkog stila. Plot Web [...]

Prema rimskim povjesničarima, samo su ljudi živjeli u Rimu. Plemena koje žive u susjedstvu nisu željeli dati svoje kćeri za obične siromašne ljude. Tada je jedan od osnivača Rima legendarni Romulus, on dolazi s lukavim [...]

Slika je napisao osnivač takve smjer u slikarstvu, kao klasicizam, 1649. godine. Nikola Poussin je bila poznata po svojoj sposobnosti da otkrije teme moderne ere za njega, često se odnose na teme antičke mitologije. Pokušao je pokazati [...]

Francuski umjetnik Poussin se često primjenjivao na teme mitologije. U Rimu je namijenjen izvanredan rad s filozofskim naslovom "ples u glazbi vremena". Približno vrijeme stvaranja velike tkanine - 1638. antički mitovi leže [...]

Ime Nicola Pussen nije uzalud čvrsto sadržana s konceptom "klasicizma". Bio je to francuski umjetnik koji je bio osnivač, glavni predstavnik slika ovog smjera, a sve njegove slike su svijetle utjelovljenje klasika i monumentalnost slikarstva. [...]

Uhvatite pticu sreće za višebojan rep daleko od svih. I, nažalost, nisu svatko predodređen da proslavi svoje ime kao široko kao što je uspio na talentiranu osobu koja je imala samo nekoliko četkica, paleta i platna u Arsenalu. Nikola poussin (Nicolas Roussin) - Izvanredan francuski umjetnik i jedan od osnivačkih oca koji su stajali na podrijetlu klasicizma.

Godine 1594. u Normandiji, u blizini grada Le Andeli, dječak se pojavio na svijetu, koji je od djetinjstva pokazao nevjerojatan uspjeh u crtanje. Nakon što je dostigao dob većine, Nicola je otišla u francuski prijestolnicu da se posveti tvrdokornom razredu slikarstva. U Parizu je talent mladića vidio portretist Ferdinand Van Ellea, koji je postao prvi učitelj poussina. Nakon nekog vremena mjesto učitelja uzeo je slikar Georges Lallman. Taj je poznanik donio Nikolu dvojnu korist: Osim prilike da prestigne vještinu pod osjetljivom vodstvom poznatog mentora, Poussin je dobio pristup Louvreu, gdje je kopirao slike talijanskih umjetnika renesanse.

Do tog vremena, karijera mladog umjetnika dobila je zamah, a glava mu se vrti od svijesti o tome što se vrti može popeti ako nastavlja naporno raditi. Stoga, kako bi se poboljšala vještina, poussin je otišao u Rim - neobičnu meku svih umjetnika tih godina. Ovdje je umjetnik aktivno "glodanje granitnih znanosti", proučavajući rad i. Usredotočujući se na velike prethodnike i komuniciranje s modernim umjetnicima, poussin se aktivno bavio drevnim i naučio mjeriti proporcije kamenih skulptura s fantastičnoj točnosti.

Umjetnik je vidio izvor njegove inspiracije u poeziji, kazalištu, filozofskim raspravama i biblijskim temama. Bila je to kulturna baza koja mu je pomogla prikrivjeti da pokaže sliku modernog razdoblja na slikama. Junak djela Nikole je idealizirana osobnost.

U Rimu je Nicola Pussen proslavio svoje ime, autoritativni majstor je vjerovao o slikanju katedrala, napravio narudžbe za platno s klasičnim ili povijesnim parcelama. Jedna od njih bila je slika "smrt Njemačke", koja se temelji na radu povjesničara talitisa. Napisana je 1627. godine, umjetnik je prikazan na tome posljednje minute života rimskog zapovjednika.

Jedinstvenost platna je da se kombinira apsolutno sve značajke klasicizma čija je ljepota za pussen odrazila u proporcionalnost svakog dijela, jasnoću kompozicije i niza djelovanja.

Nakon "smrti Njemačke" i do 1629. godine, umjetnik je stvorio još nekoliko slika, među kojima se posebno mjesto zauzimaju posebno mjesto "uklanjanje iz križa" platno.

Na slici, koja je sada u pustinji, Poussin je posvetio veliku pozornost na tužno lice Marije, koji prenosi tugu svih ljudi za pokojnog Spasitelja. Zlonozna crvena pozadina i tamno nebo - simboli aproksimacije neposrednog sata pumped za djelo. Ali još jači kontrast snježnom bijeloj odjeći Isusa Krista s zgužvanom bojom pozadine. Noge Spasitelja žalosno je pljesnula nedužne anđele.

U sljedećih nekoliko godina, majstor pri čemu s mitološkim parcelama. Za kratko je napisano slikanje "tancred i Herminine", koji se temeljio na pjesmi "oslobođenim Jeruzalemom" Tasquatto Tasso i Kraljevina flore, napisano pod utjecajem radova Ovida.

Ubrzo nakon završetka rada na poziv kardinala Richelieu Nikola Poussin vraća u Pariz kako bi ukrasila galeriju Louvre. Godinu dana kasnije, Louis XIII je bio zainteresiran za umjetnikov talent. Uskoro je razgradio prvi slikar na sudu. Umjetnik je dobio željenu slavu, a naredbe je pao na njega kao obilje rogova. Ali slatki okus trijumfa poussina pokvario je zavidan trač iz umjetničke elite, koji je 1642. prisilio Nikolu napustiti Pariz i uzeti obrnuti tečaj na Rimu.

Od tog vremena do kraja dana, Poussin je živio u Italiji. Ovo razdoblje bilo je za umjetnika najplodnija i bogata svijetle radom, među kojima posebno mjesto zauzima ciklus "sezone".

Zemljište se temeljilo na događajima opisanim u Starom zavjetu, koji je umjetnik u usporedbi s doba godine, identificirajući svaki s razdobljem podrijetla, raste, starenja i smrti. U jednom radu, Poussin je pokazao planinski krajolik Kanaan Zemlje, poznat po svojoj plodnosti i sakupljao Abraham grožđe s mnogo kao simbol božanske velikodušnosti. I kraj grešnog života, umjetnik je prikazan na posljednjoj slici ciklusa, čiji je tip mogao pogoditi i najustrajniju publiku.

U posljednjih nekoliko godina, Pussen je aktivno naslikao krajolike i brzo je radio kako bi uhvatio cilj početak slike. Umjetnik nije imao vremena dovršiti tkaninu "Apollo i Daphne".

Nikola Poussin potpisao je njegovo ime u jednom redu s veličanstvenim majstorima, čije je iskustvo jednom studirao.