Melodije i pjesme ruskog naroda inspirirale su rad poznatih skladatelja druge polovice 19. stoljeća. Među njima su bili i P.I. Čajkovski, M.P. Musorgsky, M.I. Glinka i A.P. Borodin. Njihovu tradiciju nastavila je cijela plejada izvanrednih glazbenih likova. Ruski skladatelji 20. stoljeća i dalje su popularni.

Aleksandar Nikolajevič Skrjabin

Kreativnost A.N. Skrjabin (1872. - 1915.), ruski skladatelj i talentirani pijanist, učitelj, inovator, nikoga ne može ostaviti ravnodušnim. U njegovoj originalnoj i impulzivnoj glazbi ponekad se mogu čuti mistični trenuci. Skladatelja privlači i privlači slika vatre. Čak iu naslovima svojih djela, Skrjabin često ponavlja riječi poput vatre i svjetlosti. Pokušao je pronaći način kako spojiti zvuk i svjetlo u svojim djelima.

Skladateljev otac, Nikolaj Aleksandrovič Skrjabin, bio je poznati ruski diplomat, pravi državni savjetnik. Majka - Lyubov Petrovna Scriabina (rođena Shchetinina), bila je poznata kao vrlo talentirana pijanistica. Diplomirala je s pohvalom na Konzervatoriju u Sankt Peterburgu. Njezina profesionalna karijera započela je uspješno, ali je nedugo nakon rođenja sina umrla od konzumacije. Godine 1878. Nikolaj Aleksandrovič je završio studij i bio raspoređen u rusko veleposlanstvo u Carigradu. Odgoj budućeg skladatelja nastavili su njegovi bliski rođaci - baka Elizaveta Ivanovna, njezina sestra Maria Ivanovna i očeva sestra Lyubov Alexandrovna.

Unatoč činjenici da je u dobi od pet godina Scriabin svladao sviranje klavira, a nešto kasnije počeo je proučavati glazbene skladbe, prema obiteljskoj tradiciji, dobio je vojno obrazovanje. Završio je 2. moskovski kadetski korpus. Istodobno je pohađao privatne sate klavira i teorije glazbe. Kasnije je upisao Moskovski konzervatorij i diplomirao s malom zlatnom medaljom.

Na početku svog stvaralačkog djelovanja, Scriabin je svjesno slijedio Chopina, birajući iste žanrove. Međutim, već se tada već očitovao njegov vlastiti talent. Početkom 20. stoljeća napisao je tri simfonije, zatim "Pjesmu ekstaze" (1907.) i "Prometeja" (1910.). Zanimljivo je da je skladatelj partituru "Prometeja" dopunio laganim klavijaturnim dijelom. Prvi je upotrijebio laganu glazbu, čiju svrhu karakterizira otkrivanje glazbe metodom vizualne percepcije.

Skladateljeva nesretna smrt prekinula je njegov rad. Nikada nije ostvario svoj plan da stvori "Misterij" - simfoniju zvukova, boja, pokreta, mirisa. U ovom djelu Skrjabin je cijelom čovječanstvu želio reći svoje najdublje misli i nadahnuti ga da stvori novi svijet, obilježen sjedinjenjem Univerzalnog Duha i Materije. Njegova najznačajnija djela bila su samo predgovor ovom grandioznom projektu.

Poznati ruski skladatelj, pijanist, dirigent S.V. Rahmanjinov (1873. - 1943.) rođen je u bogatoj plemićkoj obitelji. Rahmanjinov djed bio je profesionalni glazbenik. Prve satove klavira dala mu je majka, a kasnije su pozvali učitelja glazbe A.D. Ornatskaya. Godine 1885. roditelji su ga dodijelili u privatni internat kod profesora Moskovskog konzervatorija N.S. Zverev. Red i disciplina u obrazovnoj ustanovi značajno su utjecali na formiranje budućeg skladatelja. Kasnije je diplomirao na Moskovskom konzervatoriju sa zlatnom medaljom. Dok je još bio student, Rahmanjinov je bio vrlo popularan u moskovskoj javnosti. Već je stvorio svoj "Prvi klavirski koncert", kao i neke druge romanse i predstave. I njegov "Preludij u c-molu" postao je vrlo popularna skladba. Sjajni P.I. Čajkovski je skrenuo pozornost na diplomski rad Sergeja Rahmanjinova - operu "Oleko", koju je napisao pod dojmom A.S. Puškin "Cigani". Pyotr Ilyich ga je postavio u Boljšoj teatru, pokušao je pomoći da se ovo djelo uvrsti na repertoar kazališta, ali je neočekivano umro.

Od dvadesete godine Rahmanjinov je predavao na nekoliko instituta, davao privatne sate. Na poziv poznatog filantropa, kazališnog i glazbenog lika Savve Mamontova, u dobi od 24 godine, skladatelj postaje drugi dirigent Moskovske ruske privatne opere. Tamo se sprijateljio s F.I. Chaliapin.

Rahmanjinovova karijera prekinuta je 15. ožujka 1897. zbog odbijanja njegove inovativne Prve simfonije od strane peterburške javnosti. Recenzije za ovo djelo bile su uistinu porazne. No, skladatelja je najviše uznemirila negativna recenzija koju je ostavio N.A. Rimsky-Korsakov, čije je mišljenje Rahmanjinov iznimno cijenio. Nakon toga je pao u dugotrajnu depresiju iz koje se uspio izvući uz pomoć hipnotizera N.V. Dahl.

Godine 1901. Rahmanjinov je završio svoj Drugi klavirski koncert. I od tog trenutka počinje njegov aktivni stvaralački rad kao skladatelj i pijanist. Jedinstveni Rahmanjinov stil kombinirao je ruske crkvene himne, romantizam i impresionizam. Smatrao je da je melodija glavni vodeći princip u glazbi. To je svoj najveći izraz našlo u autorovom omiljenom djelu - pjesmi "Zvona" koju je napisao za orkestar, zbor i soliste.

Krajem 1917. Rahmanjinov je s obitelji napustio Rusiju, radio u Europi, a potom otišao u Ameriku. Skladatelja je jako uznemirio raskid s domovinom. Tijekom Velikog Domovinskog rata održao je dobrotvorne koncerte, čiji je prihod bio poslan u Fond Crvene armije.

Glazba Stravinskog ističe se svojom stilskom raznolikošću. Na samom početku svog stvaralačkog djelovanja temeljila se na ruskoj glazbenoj tradiciji. A onda se u djelima može čuti utjecaj neoklasicizma, karakterističan za glazbu Francuske tog razdoblja i dodekafonije.

Igor Stravinski rođen je u Oranienbaumu (danas Lomonosov) 1882. Otac budućeg skladatelja Fjodora Ignatijeviča poznati je operni pjevač, jedan od solista Marijinskog kazališta. Njegova majka bila je pijanistica i pjevačica Anna Kirillovna Kholodovskaya. Od devete godine učitelji su ga podučavali klaviru. Nakon završene gimnazije, na zahtjev roditelja, upisuje se na pravni fakultet sveučilišta. Dvije godine, od 1904. do 1906., pohađao je lekcije kod N.A. Rimsky-Korsakov, pod čijim je vodstvom napisao prva djela - scherzo, klavirsku sonatu, Faun i suita za pastiricu. Sergej Djagiljev visoko je cijenio skladateljev talent i ponudio mu suradnju. Zajednički rad rezultirao je trima baletama (u postavci S. Diaghilev) - Žar ptica, Petruška, Obred proljeća.

Neposredno prije Prvog svjetskog rata skladatelj odlazi u Švicarsku, a zatim u Francusku. Počinje novo razdoblje u njegovom radu. Proučava glazbene stilove 18. stoljeća, piše operu Kralj Edip, glazbu za balet Apollo Musagete. Njegov se rukopis tijekom vremena nekoliko puta promijenio. Dugi niz godina skladatelj je živio u SAD-u. Njegovo posljednje poznato djelo je Requiem. Značajka skladatelja Stravinskog je sposobnost stalne promjene stilova, žanrova i glazbenih pravaca.

Skladatelj Prokofjev rođen je 1891. u malom selu u Jekaterinoslavskoj guberniji. Svijet glazbe otvorila mu je majka, dobra pijanistica koja je često izvodila djela Chopina i Beethovena. Također je postala pravi glazbeni mentor svom sinu, a uz to ga je naučila njemački i francuski.

Početkom 1900. mladi Prokofjev uspio je prisustvovati baletu Trnoružice i slušati opere Faust i Knez Igor. Dojam koji je stekao iz predstava moskovskih kazališta izrazio je u vlastitom djelu. Piše operu "Div", a potom i uvertiru "Desert Shores". Roditelji ubrzo shvaćaju da sina više ne mogu učiti glazbi. Ubrzo, u dobi od jedanaest godina, skladatelj početnik predstavljen je slavnom ruskom skladatelju i učitelju S.I. Taneyev, koji je osobno zamolio R.M. Gliera da se upusti u glazbenu kompoziciju sa Sergejem. S. Prokofjev u dobi od 13 godina položio je prijemne ispite na Konzervatoriju u Sankt Peterburgu. Na početku svoje karijere skladatelj je obilazio i mnogo nastupao. Međutim, njegov rad izazvao je nerazumijevanje u javnosti. To je bilo zbog karakteristika radova koje su se izražavale u sljedećem:

• modernistički stil;
• uništavanje ustaljenih glazbenih kanona;
• ekstravaganciju i inventivnost tehnika skladanja

S. Prokofjev je 1918. otišao i vratio se tek 1936. Već u SSSR-u pisao je glazbu za filmove, opere, balete. No nakon što je, zajedno s nizom drugih skladatelja, optužen za "formalizam", praktički se preselio živjeti u zemlju, ali je nastavio pisati glazbena djela. Njegova opera "Rat i mir", baleti "Romeo i Julija", "Pepeljuga" postali su vlasništvo svjetske kulture.

Ruski skladatelji 20. stoljeća, koji su živjeli na prijelazu stoljeća, ne samo da su očuvali tradiciju prethodne generacije kreativne inteligencije, već su i stvorili vlastitu, jedinstvenu umjetnost, za koju su djela P.I. Čajkovski, M.I. Glinka, N.A. Rimski-Korsakov.

Flegontova Anastazija

razred 7specijalizacija "Teorija glazbe",MAOUDOD DSHI br. 46, Kemerovo

Zaigraeva Valentina Afanasievna

znanstveni ravnatelj,nastavnik teorijskih disciplina MAOU DOD "DSHI br. 46"

Uvod

Svaki veći grad ima simfonijski orkestar. Tražen je u opernim kućama i filharmonijama. No, sam žanr simfonije - jedan od najcjenjenijih žanrova akademske glazbe - sada je zamijenjen komornom i elektronskom glazbom. A može se dogoditi da će doći čas kada će se tako veliki žanr kao što je simfonija uopće prestati izvoditi na koncertima. Barem je skladanje simfonija gotovo prestalo. Relevantnost teme istraživanja: neumoljivi interes za pitanje budućeg postojanja žanra "simfonija", što čeka simfoniju u 21. stoljeću: ponovno rođenje ili zaborav? Predmet proučavanja je simfonija, kao žanr i kao ozbiljan način upoznavanja svijeta i samoizražavanja osobe. Predmet studija: evolucija simfonijskog žanra od nastanka do danas. Cilj: proučavati značajke razvoja simfonijskog žanra. Ciljevi istraživanja: analizirati znanstveni i teorijski materijal o problemu; opisati simfonijske zakonitosti, norme, modele i trendove u razvoju žanra.

Poglavljeja. Povijest riječi "simfonija".

Simfonija (od grč. symphonía - konsonancija, od sýn - zajedno i phone - zvuk), glazbeno djelo u obliku cikličke sonate, namijenjeno za izvođenje simfonijskog orkestra; jedan od najvažnijih žanrova simfonijske glazbe. U nekim simfonijama sudjeluju i zbor i solisti. Simfonija je jedan od najsloženijih glazbenih žanrova. “Za mene stvoriti simfoniju znači izgraditi svijet svim sredstvima moderne glazbene tehnologije”, rekao je austrijski skladatelj Gustav Mahler.

U početku, u staroj Grčkoj, "simfonija" se nazivala eufonijski zvuk tonova, zajedničko pjevanje uglas. U starom Rimu to je već bio naziv ansambla, orkestra. U srednjem vijeku svjetovna glazba općenito se smatrala "simfonijom" (u Francuskoj se to značenje očuvalo do 18. stoljeća), tako su se mogli nazvati neki glazbeni instrumenti (osobito hurdy-gurdy). U Njemačkoj je do sredine 18. stoljeća simfonija bila opći naziv za varijante čembala - spinete i virginele, u Francuskoj su je zvali bačvaste orgulje, čembalo, dvoglavi bubnjevi itd. .

Na kraju barokne ere neki skladatelji, poput Giuseppea Torellija (1658.-1709.), stvaraju djela za gudački orkestar i basso continuo u tri dijela, s brzim-sporim-brzim tempom. Iako su se takve skladbe obično nazivale "koncerti", one se ni po čemu nisu razlikovale od skladbi zvanih "simfonija"; na primjer, plesne teme korištene su u finalima i koncerata i simfonija. Razlika se uglavnom odnosila na strukturu prvog dijela ciklusa: u simfonijama je bila jednostavnija - u pravilu binarni dvodijelni oblik barokne uvertire, sonate i suite (AA BB). Tek u šesnaestom stoljeću počeo se primjenjivati ​​na pojedinačna djela, izvorno vokalno-instrumentalna, skladatelja kao što su Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597. i Symphoniae sacrae 1615.), Adriano Bankieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607.), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie10 music). ) i Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629). Talijanski skladatelji 17. stoljeća često označavan riječju "simfonija" (sinfonia) instrumentalni uvod u operu, oratorij ili kantatu, a pojam se po značenju približio pojmovima "preludij" ili "uvertira".

Prototipom simfonije može se smatrati talijanska uvertira, koja je nastala pod Domenicom Scarlattijem krajem 17. stoljeća. Taj se oblik već tada nazivao simfonijom i sastojao se od tri suprotstavljena dijela: allegro, andante i allegro, koji su se spojili u jednu cjelinu, a u prvom dijelu ocrtane su značajke sonatnog oblika. Upravo se taj oblik često smatra izravnim pretečom orkestralne simfonije. S druge strane, prethodnica simfonije bila je orkestralna sonata, koja se sastojala od nekoliko dijelova u najjednostavnijim oblicima i uglavnom u istom tonalitetu. Izrazi "uvertira" i "simfonija" korišteni su naizmjenično tijekom većeg dijela 18. stoljeća.

U XVIII stoljeću. simfonija se odvojila od opere i postala koncertni žanr za sebe, obično u tri stavka ("brzo - sporo - brzo"). Koristeći značajke barokne plesne suite, opere i koncerta, niz skladatelja, a prije svega J.B. Sammartini, stvorio je model klasične simfonije - trostavnu kompoziciju za gudački orkestar, gdje su brzi stavci obično imali oblik jednostavnog rondoa ili rane sonatne forme. Postupno su gudači dodani i drugi instrumenti: oboe (ili flaute), rogovi, trube i timpani. Za slušatelje XVIII stoljeća. simfoniju su definirale klasične norme: homofona tekstura, dijatonski sklad, melodijski kontrasti, zadani slijed dinamičkih i tematskih promjena. Centri u kojima se njegovala klasična simfonija bili su njemački grad Mannheim (ovdje su Jan Stamitz i drugi autori proširili simfonijski ciklus na četiri dijela, uvodeći u njega dva plesa iz barokne suite - menuet i trio) i Beč, gdje je Haydn , Mozart, Beethoven (a također i njihovi prethodnici, među kojima se ističu Georg Monn i Georg Wagenseil, podigli su žanr simfonije na novu razinu... Također "simfonije" nazivaju njegovih 15 komada (u istim tonalima kao i dva- glasovni izumi, ali u troglasnom prikazu) Johann Sebastian Bach (1685-1750, Njemačka).

PoglavljeII. Simfonije stranih skladatelja

1. bečki klasici

1.1. Franz Joseph Haydn

U djelu Franza Josepha Haydna (1732.-1809.) simfonijski se ciklus konačno formirao. Njegove rane simfonije još uvijek se bitno ne razlikuju od komorne glazbe i gotovo ne nadilaze uobičajene zabavne žanrove za to doba. Tek 70-ih godina pojavljuju se djela koja izražavaju dublji svijet slika (Pogrebna simfonija, Oproštajna simfonija itd.). Postupno se njegove simfonije zasićuju dubljim dramskim sadržajem. Najveće ostvarenje Haydnove simfonije je dvanaest "londonskih" simfonija.

Struktura sonateallegro. Svaka od simfonija (s iznimkom c-mola) počinje kratkim polaganim uvodom svečano veličanstvenog, promišljeno koncentriranog, lirski zamišljenog ili mirno kontemplativnog lika (obično u tempu Larga ili Adagia). Polagani uvod u oštroj je suprotnosti s Allegrom koji je uslijedio (koji je prvi stavak simfonije) i postavlja ga u isto vrijeme. Nema svijetlog figurativnog kontrasta između tema glavnog i sporednog dijela. I oni i drugi obično imaju karakter narodne pjesme i plesa. Postoji samo tonski kontrast: glavni tonalitet glavnih dijelova suprotstavljen je dominantnom tonusu sporednih dijelova. U Haydnovim simfonijama značajan razvoj su dobili razvoji koji su izgrađeni motivskom izolacijom. Kratak, ali najaktivniji segment odvojen je od teme glavnog ili sporednog dijela i prolazi kroz prilično dug samostalan razvoj (kontinuirane modulacije u različitim tonalitetima, sviranje s različitim instrumentima i u različitim registrima). To razvoju daje dinamičan i stremljiv karakter.

Drugi (spori) pokreti imaju drugačiji karakter: ponekad promišljeno lirski, ponekad pjesnički, u nekim slučajevima koračnički. Također se razlikuju po obliku. Najčešće postoje složeni trodijelni i varijacijski oblici.

Menueti. Treći stavci "londonskih" simfonija uvijek se zovu Menuetto. Mnogi Haydnovi menueti imaju karakter country plesova, sa svojim pomalo teškim koracima, zamašnom melodijom, neočekivanim naglascima i ritmičkim pomacima, često stvarajući duhovit efekt. Trostruki metar tradicionalnog menueta je sačuvan, ali gubi svoju aristokratsku profinjenost i postaje demokratski, seljački ples.

Finale. U finalu Haydnovih simfonija pozornost obično privlače žanrovske slike, također proizašle iz narodne plesne glazbe. Oblik je najčešće sonata ili rondo-sonata. U pojedinim finalima "londonskih" simfonija naširoko se koriste metode varijacijskog i polifonog (imitacijskog) razvoja, čime se dodatno naglašava brzo kretanje glazbe i dinamizira cjelokupno glazbeno tkivo. [ 4, str. 76-78]

Orkestar. U djelu Haydna utemeljen je i sastav orkestra. Temelji se na četiri skupine instrumenata. Gudači, vodeća skupina orkestra, uključuju violine, viole, violončela i kontrabase. Drvenu grupu čine flaute, oboe, klarineti (ne koriste se u svim simfonijama), fagoti. Haydnovu skupinu limenih instrumenata čine rogovi i trube. Od udaraljki Haydn je u orkestru koristio samo timpane. Iznimka je dvanaesta "Londonska simfonija", u G-duru ("Vojna"). Osim timpana, Haydn je u njega uveo trokut, činele i bas bubanj. Ukupno, djelo Franza Josepha Haydna uključuje više od 100 simfonija.

1.2. Wolfganga Amadeusa Mozarta

Wolfgang Amadeus Mozart (1756.-1791.) zajedno s Haydnom stajao je na počecima europske simfonije, dok su se najbolje Mozartove simfonije pojavile i prije Haydnovih Londonskih simfonija. Ne duplicirajući Haydna, Mozart je na svoj način riješio problem simfonijskog ciklusa. Ukupan broj njegovih simfonija prelazi 50, iako se prema kontinuiranoj numeraciji usvojenoj u ruskoj muzikologiji, posljednja simfonija - "Jupiter" - smatra 41. Pojava većine Mozartovih simfonija odnosi se na prve godine njegova rada. Tijekom bečkog razdoblja nastalo je samo 6 posljednjih simfonija, uključujući: "Linz" (1783.), "Prague" (1786.) i tri simfonije iz 1788. godine.

Mozartove prve simfonije bile su pod snažnim utjecajem djela J.S. Bacha. Očitovalo se kako u interpretaciji ciklusa (3 mala dijela, izostanak menueta, mala orkestralna kompozicija), tako i u raznim izražajnim detaljima (milozvučnost tema, izražajni kontrasti dura i mola, glavna uloga violina).

Posjećivanje glavnih središta europske simfonije (Beč, Milano, Pariz, Mannheim) pridonijelo je evoluciji Mozartovog simfonijskog mišljenja: sadržaj simfonija se obogaćuje, emocionalni kontrasti postaju svjetliji, tematski razvoj postaje aktivniji, ljestvica dijelova se povećava. povećana, orkestralna tekstura postaje razvijenija. Za razliku od Haydnovih Londonskih simfonija, koje u cjelini razvijaju jednu vrstu simfonizma, Mozartove najbolje simfonije (br. 39-41) ne mogu se tipkati, one su apsolutno jedinstvene. Svaki od njih utjelovljuje temeljno novu umjetničku ideju. Dvije od posljednje četiri Mozartove simfonije imaju spor uvod, a druge dvije nemaju. Simfonija br. 38 ("Prag", D-dur) ima tri dijela ("simfonija bez menueta"), ostatak - četiri.

Najkarakterističnije značajke Mozartove interpretacije simfonijskog žanra su:

dramaturgija sukoba. Na najrazličitijim razinama dijelova ciklusa u Mozartovim simfonijama pojavljuju se pojedine teme, različiti tematski elementi unutar teme, kontrast i sukob. Mnoge Mozartove simfonijske teme u početku djeluju kao "složeni lik": izgrađene su na nekoliko kontrastnih elemenata (npr. glavne teme u finalu 40. I dio simfonije "Jupiter"). Ovi unutarnji kontrasti najvažniji su poticaj za kasniji dramski razvoj, posebno u razvoju:

1. preferencija sonatnog oblika. Mozart se u pravilu na nju poziva u svim dijelovima svojih simfonija, osim u menuetu. Upravo je sonatni oblik, sa svojim golemim mogućnostima preobrazbe početnih tema, sposoban za najdublje razotkrivanje duhovnog svijeta čovjeka. U Mozartovu sonatnom razvoju svaka tema izlaganja može dobiti samostalno značenje, uklj. obvezujuća i završna (npr. u simfoniji "Jupiter" u razvoju prvog dijela razvijaju se teme z.p. i sv.p., a u drugom dijelu - sv.t.);

2. ogromnu ulogu polifone tehnologije. Drami uvelike pridonose razna polifona sredstva, osobito u kasnijim djelima (najupečatljiviji primjer je finale Jupiterove simfonije);

3. odmak od otvorenog žanra u simfonijskim menuetima i finalima. Na njih je, za razliku od Haydnova, nemoguće primijeniti definiciju "žanr-svakodnevni". Naprotiv, Mozart u svojim menuetima često "neutralizira" plesno načelo, ispunjavajući njihovu glazbu ili dramatikom (u simfoniji br. 40), ili lirizmom (u simfoniji "Jupiter");

4. konačno prevladavanje suitne logike simfonijskog ciklusa, kao izmjena različitih dijelova. Četiri dijela Mozartove simfonije predstavljaju organsko jedinstvo (to je posebno došlo do izražaja u simfoniji br. 40);

5. bliska povezanost s vokalnim žanrovima. Klasična instrumentalna glazba bila je pod jakim utjecajem opere. Kod Mozarta se vrlo snažno osjeća taj utjecaj operne ekspresivnosti. To se očituje ne samo u korištenju karakterističnih opernih intonacija (kao, na primjer, u glavnoj temi 40. simfonije, koja se često uspoređuje s Cherubinovom temom "Ne mogu reći, ne mogu objasniti ..." ). Mozartova simfonijska glazba prožeta je kontrastnim suprotstavljanjima tragičnog i šašavog, uzvišenog i svjetovnog, što jasno podsjeća na njegove operne skladbe.

1.3. Ludwiga van Beethovena

Ludwig van Beethoven (1770-1827) dodatno je obogatio simfonijski žanr. U njegovim simfonijama, junaštvo, drama i filozofska načela dobili su veliku važnost. Dijelovi simfonije tematski su bliže povezani, a ciklus postiže veće jedinstvo. Princip korištenja srodnog tematskog materijala u sva četiri dijela, proveden u Beethovenovoj Petoj simfoniji, doveo je do pojave tzv. ciklička simfonija. Beethoven mirni menuet zamjenjuje življim, često bujnijim, scherzom; podiže tematski razvoj na novu razinu, izlažući svoje teme svakojakim promjenama, uključujući kontrapunktni razvoj, izdvajanje fragmenata tema, promjenu modusa (dur - mol), ritmičke pomake.

Govoreći o Beethovenovim simfonijama, treba istaknuti njegovu orkestralnu inovativnost. Od inovacija:

1. stvarno formiranje bakrene skupine. Iako se trube još uvijek sviraju i snimaju zajedno s timpanima, funkcionalno se one i rogovi počinju tretirati kao jedna grupa. Pridružuju im se tromboni, kojih nije bilo u simfonijskom orkestru Haydna i Mozarta. Tromboni sviraju u finalu 5. simfonije (3 trombona), u sceni grmljavine u 6. (ovdje ih ima samo 2), a također i u nekim dijelovima 9. (u scherzu i u molitvenoj epizodi finale, kao i u kodu);

2. zbijanje "srednjeg sloja" čini nužnim povećanje vertikale odozgo i odozdo. Gore se pojavljuje pikolo flauta (u svim navedenim slučajevima, osim molitvene epizode u finalu 9.), a ispod - kontrafagot (u finalima 5. i 9. simfonije). Ali u svakom slučaju, u Beethovenovom orkestru uvijek postoje dvije flaute i fagot;

3. Nastavljajući tradiciju Haydnovih Londonskih simfonija i Mozartovih kasnih simfonija, Beethoven pojačava neovisnost i virtuoznost dijelova gotovo svih instrumenata, uključujući trubu (poznati solo izvan scene u Leonore uvertirama br. 2 i br. 3) i timpanima. Često ima 5 gudačkih dionica (kontrabasi su odvojeni od violončela), a ponekad i više (divisi sviranje). Svi drveni puhači, uključujući fagot, kao i rogovi (u refrenu, kao u scherzo triju 3. simfonije, ili zasebno) mogu solirati, izvodeći vrlo svijetli materijal.

2. Romantizam

Glavna odlika romantizma bila je rast forme, sastav orkestra i gustoća zvuka, pojavljuju se lajtmotivi. Romantični skladatelji zadržali su tradicionalnu shemu ciklusa, ali su ga ispunili novim sadržajem. Među njima istaknuto mjesto zauzima lirska simfonija, čiji je jedan od najsjajnijih primjera bila simfonija u h-molu F. Schuberta. Ta je linija nastavljena u simfonijama F. Mendelssohn-Bartholdyja, često slikovitog i pejzažnog karaktera. Tako su simfonije dobile obilježja programa, tako svojstvena romantičarskim skladateljima. Hector Berlioz, izvanredni francuski skladatelj, prvi je stvorio programsku simfoniju, napisavši za nju poetski program u obliku kratke priče o umjetnikovu životu. No, programske ideje u romantičnoj glazbi češće su bile utjelovljene u obliku jednostavačnih simfonijskih pjesama, fantazija itd. Najistaknutiji autor simfonija krajem 19. i početkom 20. stoljeća. bio je G. Mahler, ponekad privlačeći vokalni početak. Značajne simfonije na Zapadu stvaraju predstavnici novih nacionalnih škola: u 2. polovici 19. st. - A. Dvorak u Češkoj, u XX. stoljeću. - K. Szymanowski u Poljskoj, E. Elgar i R. Vaughan Williams u Engleskoj, J. Sibelius u Finskoj. Inovativnim obilježjima odlikuju se simfonije francuskih skladatelja A. Honeggera, D. Milhauda i drugih. Ako je dominirala velika simfonija (često za prošireni orkestar), onda kasnije sve značajniju ulogu počinje imati „komorna simfonija“, skromnih razmjera i namijenjena ansamblu solista.

2.1. Franz Schubert (1797-1828)

Romantični simfonizam koji je stvorio Schubert određen je uglavnom u posljednje dvije simfonije - 8., u h-moll, koja je dobila naziv "Nedovršena", i 9., u C-dur-noy. Potpuno su različite, suprotne jedna drugoj. Epski 9. prožet je osjećajem svepobjedničke radosti bića. "Nedovršeno" utjelovilo je temu lišavanja, tragičnog beznađa. Takvi osjećaji, koji odražavaju sudbinu čitave generacije ljudi, još nisu našli simfonijski oblik izraza prije Schuberta. Nastao dvije godine ranije od Beethovenove 9. simfonije (1822.), "Nedovršeni" je označio nastanak novog simfonijskog žanra - lirsko-psihološkog.

Jedna od glavnih značajki simfonije h-mol odnosi se na njen ciklus koji se sastoji od samo dva stavka. Mnogi istraživači pokušali su proniknuti u "misterij" ove kompozicije: je li sjajna simfonija doista ostala nedovršena? S jedne strane, nema sumnje da je simfonija zamišljena kao ciklus od 4 dijela: njezina je originalna klavirska skica sadržavala veliki fragment od 3 dijela - scherzo. Nedostatak tonske ravnoteže između stavaka (h-mol u I i E-dur u II) također je snažan argument u prilog činjenici da simfonija nije unaprijed zamišljena kao dvodijelna. . S druge strane, Schubert je imao dovoljno vremena da dovrši simfoniju ako je želio: nakon "Nedovršenog" stvorio je velik broj djela, uključujući 4-dijelnu 9. simfoniju. Postoje i drugi argumenti za i protiv. U međuvremenu, "Unfinished" je postala jedna od najrepertoarnijih simfonija, apsolutno ne izazivajući dojam podcjenjivanja. Njezin plan u dva dijela u potpunosti je ostvaren.

Junak "Nedovršenog" sposoban je za svijetle izljeve protesta, ali taj prosvjed ne vodi do pobjede principa koji potvrđuje život. Po napetosti sukoba ova simfonija nije inferiorna u odnosu na dramska djela Beethovena, ali je taj sukob drugačijeg plana, prenesen je u lirsko-psihološku sferu. Ovo je drama iskustva, a ne akcije. Njegova osnova nije borba dvaju suprotnih principa, već borba unutar same osobnosti. To je najvažnije obilježje romantičnog simfonizma, čiji je prvi primjer bila Schubertova simfonija.

PoglavljeIII. Simfonija u Rusiji

Simfonijsko naslijeđe ruskih skladatelja - P.I. Čajkovski, A.P. Borodina, A.G. Glazunov, Skrjabin, S.V. Rahmanjinov. Počevši od druge polovice 19. stoljeća, strogi oblici simfonije počeli su se urušavati. Četveroglasne su simfonije postale neobavezne: postoje i jednoglasne (Mjaskovski, Kančeli, Boris Čajkovski), kao i jedanaestoglasne (Šostakovič), pa čak i dvadesetčetvoroglasne (Khovaness). Pojavila su se polagana finala, nemoguća u klasičnom simfonizmu (Šesta simfonija Čajkovskog, Treća i Deveta simfonija Mahlera). Nakon Beethovenove 9. simfonije, skladatelji su sve češće počeli uvoditi vokalne dionice u simfonije.

Druga simfonija Aleksandra Porfirijeviča Borodina (1833-1887) jedan je od vrhunaca njegovog stvaralaštva. Spada u svjetska simfonijska remek-djela zbog svoje svjetline, originalnosti, monolitnog stila i genijalne realizacije slika ruskog narodnog epa. Ukupno je napisao tri simfonije (treća nije dovršena).

Aleksandar Konstantinovič Glazunov (1865-1936) - jedan od najvećih ruskih simfonista. U njegovom stilu, kreativne tradicije Glinke i Borodina, Balakireva i Rimskog-Korsakova, Čajkovskog i Tanejeva bile su posebno slomljene. Bio je spona između predlistopadske ruske klasike i mlade sovjetske glazbene umjetnosti.

3.1. Petar Iljič Čajkovski (1840-1893)

Simfonija u Rusiji je, prije svega, Čajkovski. Prva simfonija "Zimski snovi" bila je njegovo prvo veliko djelo nakon diplome na Konzervatoriju u Sankt Peterburgu. Ovaj događaj, koji se danas čini tako prirodnim, bio je sasvim nesvakidašnji 1866. godine. Ruska simfonija - višedijelni orkestralni ciklus - bila je na samom početku svog puta. Do tada su postojale samo prve simfonije Antona Grigorijeviča Rubinsteina i prvo izdanje Prve simfonije Nikolaja Andrejeviča Rimskog-Korsakova, koje nisu stekle slavu. Čajkovski je svijet doživljavao na dramatičan način, a njegova je simfonija - za razliku od Borodinovog epskog simfonizma - lirsko-dramske, oštro proturječne naravi.

Šest simfonija Čajkovskog i programska simfonija "Manfred" umjetnički su svjetovi međusobno različiti, to su građevine građene prema svakom "pojedinačnom" projektu. Iako se "zakoni" žanra, koji su nastali i razvijali na zapadnoeuropskom tlu, poštuju i interpretiraju s izvanrednom vještinom, sadržaj i jezik simfonija su uistinu nacionalni. Stoga narodne pjesme tako organski zvuče u simfonijama Čajkovskog.

3.2. Aleksandar Nikolajevič Skrjabin (1872-1915)

Skrjabinov simfonizam nastao je na temelju stvaralačkog prelamanja različitih tradicija simfonijske klasike 19. stoljeća. To je prije svega tradicija dramskog simfonizma Čajkovskog i dijelom Beethovena. Uz to, skladatelj je implementirao i neke značajke Lisztova programskog romantičnog simfonizma. Neke značajke orkestralnog stila Skrjabinovih simfonija dijelom ga povezuju s Wagnerom. Ali sve te razne izvore duboko je obradio samostalno. Sve tri simfonije usko su povezane jedna s drugom zajedničkim ideološkim konceptom. Njegova bit može se definirati kao borba ljudske osobnosti s neprijateljskim silama koje joj stoje na putu ka uspostavljanju slobode. Ova borba uvijek završava pobjedom heroja i trijumfom svjetla.

3.3. Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič (1906-1975)

Šostakovič je kompozitor i simfonist. Ako je za Prokofjeva, uz svu raznolikost njegovih kreativnih interesa, najvažnije glazbeno kazalište, onda je za Šostakoviča, naprotiv, glavni žanr simfonija. Ovdje glavne ideje njegova rada nalaze duboko i sveobuhvatno utjelovljenje. Svijet Šostakovičevih simfonija je ogroman. U njima vidimo cijeli život čovječanstva u 20. stoljeću sa svim njegovim složenostima, proturječnostima, ratovima i društvenim sukobima.

Sedma ("Lenjingradska") simfonija jedno je od najznačajnijih skladateljskih djela. Ona je četverostruka. Njegov razmjer je ogroman: simfonija traje više od 70 minuta, od čega gotovo polovicu zauzima prvi stavak. “Kakav vrag može pobijediti narod koji je sposoban stvarati ovakvu glazbu”, napisala je jedna od američkih novina 1942. godine. Sedma Šostakovičeva sedma simfonija s pravom se može nazvati "Herojska simfonija" 20. stoljeća.

3.4. Alfred Garrievich Schnittke (1934-1998)

Schnittke je sovjetski i ruski skladatelj, teoretičar glazbe i učitelj (autor članaka o ruskim i sovjetskim skladateljima), jedna od najznačajnijih glazbenih ličnosti druge polovice 20. stoljeća, zaslužni umjetnički djelatnik RSFSR-a. Schnittke je jedan od vođa glazbene avangarde. Unatoč velikoj popularnosti glazbe ovog izvanrednog skladatelja, partiture mnogih njegovih simfonija još nisu objavljene i nedostupne su u Rusiji. Schnittke je u svojim djelima postavljao filozofske probleme od kojih je glavni čovjek i okoliš. Prva simfonija sadržavala je cijeli kaleidoskop raznih stilova, žanrova i pravaca glazbe. Polazna točka za stvaranje Prve simfonije bila je ravnoteža između stilova ozbiljne i lagane glazbe. Druga i Četvrta simfonija uvelike odražavaju formiranje skladateljeve religiozne samosvijesti. U Drugoj simfoniji čuje se drevna misa. Treća simfonija bila je rezultat njegove unutarnje potrebe da iskaže svoj odnos prema njemačkoj kulturi, njemačkim korijenima svog podrijetla. U Trećoj simfoniji, u obliku kratkih fragmenata, čitava povijest njemačke glazbe prolazi pred slušateljem. Alfred Schnittke je sanjao o stvaranju točno devet simfonija - i time prenio svojevrsni naklon Beethovenu i Schubertu, koji su napisali isti broj. Alfred Schnittke napisao je Devetu simfoniju (1995-97) kada je već bio teško bolestan. Doživio je tri moždana udara i uopće se nije pomaknuo. Skladatelj nije imao vremena da konačno dovrši partituru. Po prvi put njegovu završnicu i orkestralnu verziju izveo je Gennady Rozhdestvensky, pod čijim je ravnanjem održana prva izvedba u Moskvi 19. lipnja 1998. godine. Novu uređivačku verziju simfonije izveo je Alexander Raskatov i izvedena je u Dresdenu 16. lipnja 2007.

U drugoj polovici 20. stoljeća najveću popularnost dobiva spoj načela različitih žanrova u jednom djelu – simfonijskom, zborskom, komornom, instrumentalnom i vokalnom. Primjerice, u Šostakovičevoj Četrnaestoj simfoniji postoji sinteza simfonije, komorne vokalne i instrumentalne glazbe; Gavrilinove zborske izvedbe spajaju obilježja oratorija, simfonije, vokalnog ciklusa, baleta i dramske izvedbe.

3.5. Mihail Žuravljev

U 21. stoljeću mnogo je talentiranih skladatelja koji odaju počast simfoniji. Jedan od njih je Mikhail Zhuravlev. Skladatelj je svojim glazbenim, ali i političkim manifestom hrabro zakoračio u red s likovima povijesti glazbe poput L. Beethovena, P. Čajkovskog i D. Šostakoviča. 10. simfoniju M. Žuravljeva već se sa sigurnošću može nazvati "Herojska simfonija 21. stoljeća". Uz opće etičke aspekte ove simfonije treba istaknuti i one čisto stručne. Autor ne traži inovaciju radi inovacije. Ponekad čak i naglašeno akademski, odlučno se suprotstavljajući svim dekadentima i avangardistima umjetnosti. Ali uspio je reći jednu uistinu novu, vlastitu riječ u simfonijskom žanru. Skladatelj M. Zhuravlev s nevjerojatnim majstorstvom koristi principe sonatnog oblika, svaki put pokazujući njegove beskrajne mogućnosti. Kombinirani dio 3 i 4, zapravo, predstavljaju neku vrstu “supersonate”, u kojoj se cijeli 4 dio može smatrati da je prerastao u poseban dio koda. Istraživači u budućnosti tek se moraju pozabaviti ovom izvanrednom skladateljskom odlukom.

Zaključak

Simfonijama su se izvorno nazivala ona djela koja se nisu uklapala u okvire tradicionalnih skladbi - po broju dijelova, omjeru tempa, kombinaciji različitih skladišta - polifona (koja se smatrala dominantnom u 17. stoljeću) i homofona (s glasom). pratnja) koja se pojavila. U 17. stoljeću simfonijom (što je značilo "konsonancija, harmonija, potraga za novim zvukovima") nazivale su se sve vrste neobičnih glazbenih skladbi, a u 18. stoljeću tzv. prostor na balovima, raznim društvenim događanjima, postao je raširen. Simfonija postaje žanrovska oznaka tek u 18. stoljeću. U izvedbenom smislu, simfonija se s pravom smatra vrlo složenim žanrom. Zahtijeva ogromnu kompoziciju, prisutnost brojnih rijetkih glazbenih instrumenata, vještinu orkestra i vokala (ako se radi o simfoniji s tekstom), izvrsnu akustiku. Kao i svaki glazbeni žanr, i simfonija ima svoje zakone. Dakle, norma klasične simfonije je četverodijelni ciklus, sa sonatnim (najsloženijim) oblikom na rubovima, s sporim i plesnim dijelovima u sredini skladbe. Ova struktura nije slučajna. Simfonija odražava procese čovjekova odnosa sa svijetom: aktivni - u prvom dijelu, društveni - u četvrtom dijelu, kontemplacija i igra - u središnjim dijelovima ciklusa. Na prekretnicama svog razvoja simfonijska glazba mijenja stabilna pravila. I oni fenomeni na području umjetnosti koji su isprva izazivali šok, a zatim su se upoznali. Na primjer, simfonija s vokalom i poezijom postala je ne samo nesreća, već jedan od trendova u razvoju žanra.

Moderni skladatelji danas preferiraju komorne žanrove od simfonijskih formi, za koje nije potreban toliki broj izvođača. Na ovakvim koncertima koriste se čak i fonogrami sa snimanjem buke ili neka vrsta elektroničko-akustičnih efekata. Glazbeni jezik koji se danas njeguje u modernoj glazbi vrlo je eksperimentalan, istraživački. Vjeruje se da pisati glazbu za orkestar danas znači staviti je na stol. Mnogi smatraju da je vrijeme simfonije kao žanra u kojem rade mladi skladatelji sigurno prošlo. No, je li to doista tako, na ovo će pitanje odgovoriti vrijeme.

Bibliografija:

1. Averyanova O.I. Domaća glazbena literatura XX. stoljeća: Zbornik radova. dodatak za glazbenu školu: četvrtak. godina studija. - M.: Glazba, 2009. - 256 str.
2. Borodin. Druga simfonija ("Bogatyrskaya") / Članak - [Elektronski izvor] - Način pristupa - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
3. Herojska simfonija 21. stoljeća / Članak V. Filatova // Proza. ru - [Elektronski izvor] - Način pristupa - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
4. Levik B.V. Glazbena literatura stranih zemalja: nastavno pomagalo. Problem. 2. - M.: Glazba, 1975. - 301 str.
5. Prokhorova I. Glazbena literatura stranih zemalja: Za 5. razred. Dječja glazbena škola: Udžbenik M .: Glazba, 2000. - 112 str.
6. ruska glazbena literatura. Problem. 4. Ed. M.K. Mihajlova, E.L. Pržene. - Lenjingrad: "Muzika", 1986. - 264 str.
7. Simfonija // Yandex. Rječnici › TSB, 1969-1978 - [Elektronski izvor] - Način pristupa - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/TSB/Symphony/
8. Simfonija. // Wikipedia. Besplatna enciklopedija - [Elektronski izvor] - Način pristupa - URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Symphony http://www.tchaikov.ru/symphony.html
9. Schubert, "Nedovršena" simfonija // Predavanja o glazbenoj literaturi musike.ru - [Elektronski izvor] - Način pristupa - URL: http://musike.ru/index.php?id=54

1. "Simfonija br. 5", Ludwig van Beethoven

Prema legendi, Beethoven (1770.-1827.) dugo nije mogao smisliti uvod u Simfoniju br. 5. Ali kada je legao da odrijema, začuo je kucanje na vratima i ritam ovog kucanje je postalo uvod u ovo djelo. Zanimljivo je da prve note simfonije odgovaraju broju 5, odnosno V u Morseovom kodu.

2. O Fortuna, Carl Orff

Skladatelj Carl Orff (1895-1982) najpoznatiji je po ovoj dramatičnoj vokalnoj kantati. Temelji se na pjesmi iz 13. stoljeća "Carmina Burana". To je jedno od najčešće izvođenih klasičnih djela diljem svijeta.

3. Zbor Aleluja, Georg Friedrich Handel

Georg Friedrich Handel (1685-1759) napisao je oratorij Mesija za 24 dana. Mnoge melodije, među kojima i "Aleluja", kasnije su posuđene iz ovog djela i počele se izvoditi kao samostalna djela. Prema legendi, Handel je imao glazbu u glavi koju su svirali anđeli. Tekst oratorija temelji se na biblijskim pričama, Handel je odražavao život, smrt i uskrsnuće Krista.

4. Ride of the Valkyries, Richard Wagner

Ova kompozicija preuzeta je iz opere "Valkira" koja je dio serije opera "Prsten Nibelunga" Richarda Wagnera (1813-1883). Opera "Valkira" posvećena je kćeri boga Odina. Wagner je skladajući ovu operu proveo 26 godina, a ovo je tek drugi dio grandioznog remek-djela od četiri opere.

5. Toccata i fuga u d-molu, Johann Sebastian Bach

Ovo je vjerojatno Bachovo (1685.-1750.) najpoznatije djelo i često se koristi u filmovima tijekom dramskih scena.

6. Mala noćna glazba Wolfganga Amadeusa Mozarta

Publikacije glazbene sekcije

Pet velikih simfonija ruskih skladatelja

U svijetu glazbe postoje jedinstvena, ikonična djela, uz čije zvukove ispisuje se kronika glazbenog života. Neke od ovih kompozicija predstavljaju revolucionarni iskorak u umjetnosti, druge se odlikuju složenim i dubokim konceptom, druge zadivljuju izvanrednom poviješću stvaranja, četvrte su svojevrsni prikaz skladateljskog stila, a pete ... lijepe u glazbi da ih je nemoguće ne spomenuti. Zasluga glazbene umjetnosti, takvih je djela jako puno, a kao primjer recimo pet odabranih ruskih simfonija čiju je jedinstvenost teško precijeniti.

Druga (herojska) simfonija Aleksandra Borodina (b-mol, 1869–1876)

U Rusiji je do druge polovice 19. stoljeća među skladateljima sazrela ideja o fiksu: došlo je vrijeme za stvaranje vlastite, ruske simfonije. Do tada je simfonija u Europi proslavila stotu obljetnicu, prošavši sve faze evolucijskog lanca: od operne uverture koja je napustila pozornicu i izvodila se odvojeno od opere, do kolosa poput Beethovenove simfonije br. 9 ( 1824) ili Berliozovu fantastičnu simfoniju (1830). U Rusiji se moda za ovaj žanr nije ukorijenila: pokušali su jednom, dvaput (Dmitrij Bortnjanski - Koncertna simfonija, 1790; Aleksandar Aljabjev - simfonije u e-molu, Es-dur) - i napustili su tu ideju kako bi se vratili na to desetljećima kasnije u djelima Antona Rubinsteina, Mili Balakireva, Nikolaja Rimskog-Korsakova, Aleksandra Borodina i drugih.

Spomenuti su skladatelji sasvim korektno prosuđivali, shvaćajući da je jedino čime se ruska simfonija može pohvaliti na pozadini europskog izobilja njezina nacionalna boja. A Borodin u tome nema premca. Njegova glazba diše prostranstvom beskrajnih ravnica, junaštvom ruskih vitezova, iskrenošću narodnih pjesama s njihovom dirljivom, dirljivom notom. Amblem simfonije bio je glavna tema prvog stavka, nakon što je čuo da je skladateljev prijatelj i mentor, muzikolog Vladimir Stasov, predložio dva naslova: prvo "Lavica", a zatim - prikladnije ideji: "Bogatyrskaya".

Za razliku od simfonijskih platna istog Beethovena ili Berlioza, temeljenih na ljudskim strastima i iskustvima, simfonija Bogatyr govori o vremenu, povijesti i ljudima. U glazbi nema drame, nema izraženog sukoba: nalikuje nizu slika koje se glatko mijenjaju. A to se radikalno odražava u strukturi simfonije, gdje polagani stavak, obično na drugom mjestu, i živahni scherzo (tradicionalno ga slijedi) mijenjaju mjesta, a finale u generaliziranom obliku ponavlja ideje prvog stavka. Borodin je na taj način uspio postići maksimalan kontrast u glazbenoj ilustraciji nacionalnog epa, a strukturni model Bogatirske kasnije je poslužio kao model za epske simfonije Glazunova, Mjaskovskog i Prokofjeva.

Šesta (patetična) simfonija Petra Čajkovskog (b-mol, 1893.)

Toliko je svjedočanstava, tumačenja, pokušaja da se objasni njegov sadržaj da bi se cjelokupna karakterizacija ovog djela mogla sastojati od citata. Evo jednog od njih, iz pisma Čajkovskog njegovom nećaku Vladimiru Davidovu, kojemu je simfonija posvećena: “Tijekom putovanja pala mi je ideja o još jednoj simfoniji, ovaj put programskoj, ali s programom koji će svima ostati misterij. Ovaj program je najviše prožet subjektivnošću, a često sam tijekom lutanja, mentalno ga sastavljajući, jako plakala.. Što je ovo program? Čajkovski to priznaje svojoj rođakinji Ani Merkling, koja je sugerirala da je u ovoj simfoniji opisao svoj život. "Da, pogodili ste"- potvrdio je skladatelj.

Početkom 1890-ih, ideja o pisanju memoara više puta je posjećivala Čajkovskog. U to vrijeme pripadaju i skice njegove nedovršene simfonije pod nazivom "Život". Sudeći po sačuvanim nacrtima, skladatelj je planirao prikazati neke apstraktne faze života: mladost, žeđ za aktivnošću, ljubav, razočaranje, smrt. No objektivni plan Čajkovskog nije bio dovoljan, rad je prekinut, ali se u Šestoj simfoniji već vodi isključivo osobnim iskustvima. Kako je skladateljeva duša morala patiti da bi se rodila glazba s tako nevjerojatnom, nevjerojatnom snagom utjecaja!

Lirsko-tragični prvi stavak i finale neraskidivo su povezani sa slikom smrti (u razvoju prvog stavka navodi se tema duhovnog pjevanja „Počivaj Bog sa svetima“), kako svjedoči i sam Čajkovski, pozivajući se na to. simfoniju kao odgovor na prijedlog velikog kneza Konstantina Romanova da napiše "Requiem". Zato se tako oštro percipiraju svijetli lirski intermezzo (valcer s pet taktova u drugom dijelu) i svečano trijumfalni scherzo. Mnogo je rasprava o ulozi potonjeg u eseju. Čini se da je Čajkovski pokušao pokazati uzaludnost zemaljske slave i sreće pred neizbježnim gubitkom, čime je potvrdio veliku Salomonovu izreku: „Sve prolazi. I ovo će proći".

Treća simfonija ("Božanska pjesma") Aleksandra Skrjabina (c-mol, 1904.)

Ako jedne mračne jesenske večeri slučajno posjetite Kuću-muzej Aleksandra Skrjabina u Moskvi, sigurno ćete osjetiti onu jezivo-tajnovitu atmosferu koja je okruživala skladatelja za života. Čudna konstrukcija žarulja u boji na stolu u dnevnoj sobi, pune knjige o filozofiji i okultnom iza zamućenog stakla vrata police s knjigama, i konačno, spavaća soba asketskog izgleda, u kojoj se Skrjabin, koji se bojao umrijeti, trovanja krvi cijeli život, umro od sepse. Tmurno i tajanstveno mjesto koje savršeno pokazuje skladateljev svjetonazor.

Ništa manje pokazatelj o karakteristikama Skrjabinovog razmišljanja nije njegova Treća simfonija, koja otvara takozvano srednje razdoblje stvaralaštva. U to vrijeme Skrjabin postupno formulira svoje filozofske stavove, čija je bit da je cijeli svijet rezultat njegove vlastite kreativnosti i vlastite misli (solipsizam u ekstremnoj fazi) te da je stvaranje svijeta i stvaranje umjetnosti zapravo su slični procesi. Ti se procesi odvijaju na sljedeći način: iz primarnog kaosa stvaralačke klonulosti rađaju se dva principa – aktivni i pasivni (muško i žensko). Prvi nosi božansku energiju, drugi stvara materijalni svijet sa svojim prirodnim ljepotama. Interakcija ovih principa stvara kozmički eros, što dovodi do ekstaze – slobodnog trijumfa duha.

Koliko god sve navedeno zvučalo čudno, Skrjabin je iskreno vjerovao u ovaj model Postanka, prema kojem je napisana Treća simfonija. Njegov prvi dio naziva se "Borba" (borba čovjeka-roba, poslušnog vrhovnom vladaru svijeta i čovjeka-boga), drugi - "Užici" (osoba se predaje radostima senzualnog svijeta , rastvara se u prirodi), i, konačno, treća - "Božanska igra" (oslobođeni duh, "stvarajući svemir pukom snagom svoje stvaralačke volje", shvaća "uzvišenu radost slobodne aktivnosti"). Ali filozofija je filozofija, a sama glazba je čudesna, otkrivajući sve tembarske mogućnosti simfonijskog orkestra.

Prva (klasična) simfonija Sergeja Prokofjeva (D-dur, 1916.–1917.)

U dvorištu 1917., teške ratne godine, revolucija. Čini se da bi se umjetnost trebala mračno namrštiti i govoriti o ranama. Ali tužne misli nisu za Prokofjevljevu glazbu - sunčanu, blistavu, mladenački šarmantnu. Ovo je njegova prva simfonija.

Skladatelja je još u studentskim godinama zanimalo stvaralaštvo bečkih klasika. Sada je iz njegova pera izašao esej a la Haydn. “Činilo mi se da bi Haydn, da je doživio do danas, zadržao svoj stil pisanja i istovremeno preuzeo nešto od novog”, - komentirao je Prokofjev svoje potomstvo.

Skladatelj je odabrao skroman sastav orkestra, opet u duhu bečkog klasicizma – bez teških limenih duhova. Tekstura i orkestracija su lagani, prozirni, opseg rada nije velik, kompozicija se odlikuje harmonijom i logikom. Jednom riječju, jako podsjeća na djelo klasicizma, koje je greškom rođeno u 20. stoljeću. No, tu su i čisto Prokofjevljevi amblemi, na primjer, njegov omiljeni žanr gavote u trećem stavku umjesto scherza (kasnije kompozitor koristi ovaj glazbeni materijal u baletu Romeo i Julija), kao i oštra „paprenasta“ harmonija i ponor glazbenog humora.

Sedma (Lenjingradska) simfonija Dmitrija Šostakoviča (C-dur, 1941.)

Dvadesetogodišnji pilot, poručnik Litvinov, 2. srpnja 1942. čudom se probio kroz neprijateljski obruč, uspio je u opkoljeni Lenjingrad donijeti lijekove i četiri debeljuškaste notne bilježnice s partiturom Sedme simfonije D. D.-a. Šostakoviča, a sutradan se u Lenjingradskoj Pravdi pojavila kratka bilješka: “Partitura Sedme simfonije Dmitrija Šostakoviča dopremljena je u Lenjingrad avionom. Njegovo javno izvođenje održat će se u Velikoj dvorani Filharmonije..

Događaj koji nije imao analoga u povijesti glazbe: u opkoljenom gradu užasno iscrpljeni glazbenici (sudjelovali su svi koji su preživjeli) pod dirigentskom palicom Carla Eliasberga izveli su novu Šostakovičevu simfoniju. Onaj koji je skladatelj skladao u prvim tjednima blokade, sve dok on i njegova obitelj nisu evakuirani u Kuibyshev (Samara). Na dan lenjingradske premijere, 9. kolovoza 1942., Velika dvorana Lenjingradske filharmonije bila je do kraja ispunjena iscrpljenim stanovnicima grada prozirnih lica, ali u isto vrijeme u elegantnoj odjeći, i vojskom koja je došla ravno s prve crte bojišnice. Preko zvučnika na radiju simfonija se prenosila na ulicama. Te je večeri cijeli svijet, smrznut, slušao neviđeni podvig glazbenika.

... Zanimljivo je, ali poznatu temu u duhu Ravelovog "Bolera", koji se danas obično personificira s fašističkom vojskom koja bezumno kreće i uništava sve što joj se nađe na putu, Šostakovič je napisao još prije početka rata. Međutim, sasvim prirodno je ušao u prvi dio Lenjingradske simfonije, zauzevši mjesto takozvane "epizode invazije". Finale koje potvrđuje život također se pokazalo proročkim, iščekujući željenu pobjedu, od koje su ga još dijelile tako duge tri i pol godine...

Trebalo mi je dosta vremena da smislim kako to nazvati. Prvo što mi je palo na pamet je naravno "20 mojih omiljenih simfonija". No, gledajući dobivenih dvadeset, shvatio sam da trenutno ne volim sve ove simfonije, a postoje simfonije koje nisu uvrštene na ovaj popis, a koje volim više. Sljedeća varijanta naslova bila je "20 simfonija koje su najviše utjecale na mene". Razmislio sam o tome i shvatio da to također nije istina, jer neke od tih simfonija uopće nisu utjecale na moj svjetonazor, niti na moj glazbeni ukus, niti na vlastiti stil skladanja. I odlučio sam se zaustaviti na drugom imenu, odražavajući koliko je značajno mjesto ova ili ona simfonija zauzela u mom životu ...

20 za mene najznačajnijih simfonija.
(kronološkim redom, prvo strani, zatim ruski i moderni)