डच और फ्लेमिश पेंटिंग का स्वर्ण युग। डच कलाकार और उनका इतिहास

इस बीच, यह यूरोपीय संस्कृति का एक विशेष क्षेत्र है जो अधिक विस्तृत अध्ययन के योग्य है, जो उस समय हॉलैंड के लोगों के मूल जीवन को दर्शाता है।

उपस्थिति का इतिहास

सत्रहवीं शताब्दी में देश में कलात्मक कलाओं के उत्कृष्ट प्रतिनिधि दिखाई देने लगे। फ्रांसीसी सांस्कृतिक वैज्ञानिकों ने उन्हें एक सामान्य नाम दिया - "लिटिल डचमैन", जो प्रतिभा के पैमाने से संबंधित नहीं है और ऐतिहासिक या पौराणिक विषयों पर बड़े कैनवस के साथ "बड़ी" शैली के विपरीत, रोजमर्रा की जिंदगी से कुछ विषयों के प्रति लगाव को दर्शाता है। उन्नीसवीं शताब्दी में डच पेंटिंग के उद्भव के इतिहास का विस्तार से वर्णन किया गया था, और इसके बारे में कार्यों के लेखकों ने भी इस शब्द का इस्तेमाल किया था। लिटिल डचमैन अपने धर्मनिरपेक्ष यथार्थवाद के लिए उल्लेखनीय थे, उन्होंने अपने आस-पास की दुनिया और लोगों से अपील की, और टोन में समृद्ध पेंटिंग का इस्तेमाल किया।

विकास के मुख्य चरण

डच चित्रकला के उद्भव के इतिहास को कई अवधियों में विभाजित किया जा सकता है। पहला लगभग १६२० से १६३० तक चला, जब राष्ट्रीय कला में यथार्थवाद की स्थापना हुई। 1640-1660 के वर्षों में डच चित्रकला ने दूसरी अवधि का अनुभव किया। यह वह समय था जब स्थानीय कला विद्यालय वास्तव में फला-फूला। अंत में, तीसरी अवधि, वह समय जब डच चित्रकला का पतन शुरू हुआ - 1670 से अठारहवीं शताब्दी की शुरुआत तक।

यह ध्यान देने योग्य है कि इस दौरान सांस्कृतिक केंद्र बदल गए हैं। पहली अवधि में, प्रमुख कलाकारों ने मुख्य प्रतिनिधि के रूप में खालसा के साथ हार्लेम में काम किया। फिर केंद्र एम्स्टर्डम में स्थानांतरित हो गया, जहां सबसे महत्वपूर्ण कार्य रेम्ब्रांट और वर्मीर द्वारा किए गए थे।

रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य

डच पेंटिंग की सबसे महत्वपूर्ण शैलियों को सूचीबद्ध करते समय, रोजमर्रा की जिंदगी से शुरू करना अनिवार्य है - इतिहास में सबसे हड़ताली और विशिष्ट। यह फ्लेमिंग ही थे जिन्होंने दुनिया को आम लोगों, किसानों और शहरवासियों या बर्गर के रोजमर्रा के जीवन के दृश्यों के लिए खोल दिया। अग्रदूत ओस्टेड और उनके अनुयायी औडेनरोग, बेगा और दुसार्ट थे। ओस्ताद के शुरुआती कैनवस में, लोग ताश खेलते हैं, झगड़ा करते हैं और यहां तक ​​कि एक सराय में लड़ते हैं। प्रत्येक चित्र एक गतिशील, कुछ हद तक क्रूर चरित्र द्वारा प्रतिष्ठित है। उस समय की डच पेंटिंग शांतिपूर्ण दृश्यों के बारे में भी बताती है: कुछ कार्यों में, किसान एक पाइप और एक गिलास बियर पर बात करते हैं, मेले में या अपने परिवार के साथ समय बिताते हैं। रेम्ब्रांट के प्रभाव ने नरम काइरोस्कोरो सुनहरे रंग का व्यापक उपयोग किया। शहरी दृश्यों ने हैल्स, लेस्टर, मोलेनेयर और कोडडे जैसे कलाकारों को प्रेरित किया है। सत्रहवीं शताब्दी के मध्य में, स्वामी ने डॉक्टरों, वैज्ञानिकों को काम की प्रक्रिया में, अपनी कार्यशालाओं, घर के आसपास के कामों में चित्रित किया, या प्रत्येक भूखंड को मनोरंजक माना जाता था, कभी-कभी विचित्र के लिए उपदेशात्मक। कुछ स्वामी रोजमर्रा की जिंदगी को काव्यात्मक बनाने के इच्छुक थे, उदाहरण के लिए, टेरबोर्च ने संगीत बजाने या छेड़खानी के दृश्यों को चित्रित किया। मेत्सु ने चमकीले रंगों का इस्तेमाल किया, रोजमर्रा की जिंदगी को छुट्टी में बदल दिया, जबकि डी हूच पारिवारिक जीवन की सादगी से प्रेरित था, जो दिन के उजाले से भर गया था। शैली के बाद के प्रतिनिधि, जिसमें वैन डेर वेरफ और वैन डेर नीर जैसे चित्रकला के ऐसे डच स्वामी शामिल हैं, ने अक्सर सुरुचिपूर्ण चित्रण की खोज में कुछ हद तक दिखावा करने वाले विषयों का निर्माण किया।

प्रकृति और परिदृश्य

इसके अलावा, लैंडस्केप शैली में डच पेंटिंग का व्यापक रूप से प्रतिनिधित्व किया जाता है। यह पहली बार वैन गोयन, डी मोलेन और वैन रुइसडेल जैसे हार्लेम मास्टर्स के कार्यों में दिखाई दिया। यह वे थे जिन्होंने ग्रामीण कोनों को एक निश्चित चांदी की रोशनी में चित्रित करना शुरू किया। कार्यों में प्रकृति की भौतिक एकता सामने आई। अलग-अलग, यह समुद्री दृश्यों का उल्लेख करने योग्य है। पोर्सेलिस, डी व्लीगर और वैन डी कैपेल जैसे समुद्री चित्रकार 17वीं सदी के थे। उन्होंने समुद्र के कुछ दृश्यों को व्यक्त करने का इतना प्रयास नहीं किया जितना कि उन्होंने स्वयं पानी, उस पर और आकाश में प्रकाश के खेल को चित्रित करने का प्रयास किया।

सत्रहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध तक, शैली में दार्शनिक विचारों के साथ अधिक भावनात्मक कार्य सामने आए। डच परिदृश्य की सुंदरता पूरी तरह से जान वैन रुइसडेल द्वारा प्रकट की गई थी, जिन्होंने इसे अपने सभी नाटक, गतिशीलता और स्मारक में चित्रित किया था। उनकी परंपराओं के उत्तराधिकारी हॉबेम थे, जो धूप वाले परिदृश्यों को पसंद करते थे। कोनिंक ने पैनोरमा का चित्रण किया, जबकि वैन डेर नीर रात के परिदृश्य के निर्माण और चांदनी, सूर्योदय और सूर्यास्त के प्रसारण में लगे हुए थे। कई कलाकारों को भी परिदृश्य में जानवरों के चित्रण की विशेषता है, उदाहरण के लिए, गायों और घोड़ों को चराने के साथ-साथ शिकार और घुड़सवारों के साथ दृश्य। बाद में, कलाकार विदेशी प्रकृति के साथ आकर्षित होने लगे - बॉट, वैन लार, वेनिक्स, बेरकेम और हैकर्ट ने दक्षिणी सूर्य की किरणों में नहाते हुए इटली को चित्रित किया। इस शैली की शुरुआत सुनरेदम ने की थी, जिनके सबसे अच्छे अनुयायी बर्खेइड और जान वैन डेर हेडन हैं।

अंदरूनी की छवि

एक अलग शैली जिसने अपने सुनहरे दिनों के दौरान डच पेंटिंग को प्रतिष्ठित किया, वह है चर्च, महल और घर के कमरों के दृश्य। डेल्फ़्ट के उस्तादों द्वारा सत्रहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध के कैनवस में अंदरूनी भाग दिखाई दिए - हॉकगेस्ट, वैन डेर व्लियट और डी विट्टे, जो इस प्रवृत्ति के मुख्य प्रतिनिधि बन गए। वर्मीर की तकनीकों का उपयोग करते हुए, कलाकारों ने सूर्य के प्रकाश में नहाए हुए, भावनाओं और आयाम से भरे दृश्यों को चित्रित किया।

दर्शनीय भोजन और व्यंजन

अंत में, डच पेंटिंग की एक और विशिष्ट शैली अभी भी जीवन है, विशेष रूप से नाश्ते की छवि। पहली बार, हार्लेम क्लास और खेड़ा के निवासियों ने इसकी देखभाल की, पेंटिंग में शानदार व्यंजनों के साथ टेबल बिछाए। सुरम्य विकार और आरामदायक इंटीरियर के विशेष प्रतिपादन चांदी और चांदी के व्यंजनों की विशिष्ट चांदी-धूसर रोशनी से भरे हुए हैं। यूट्रेक्ट कलाकारों ने हरे-भरे फूलों को चित्रित किया, और हेग में, स्वामी मछली और समुद्री सरीसृपों को चित्रित करने में विशेष रूप से सफल रहे। लीडेन में, शैली की एक दार्शनिक प्रवृत्ति उत्पन्न हुई, जिसमें खोपड़ी और एक घंटे का चश्मा कामुक आनंद या सांसारिक महिमा के प्रतीकों से सटे हुए हैं, जिन्हें समय की क्षणभंगुरता की याद दिलाने के लिए डिज़ाइन किया गया है। डेमोक्रेटिक किचन स्टिल लाइफ रॉटरडैम के कला विद्यालय की पहचान बन गई है।

१७वीं शताब्दी में, पेंटिंग का डच स्कूल यूरोप में अग्रणी में से एक बन गया। यह यहाँ था, विश्व कला के इतिहास में पहली बार, आसपास की वास्तविकता की वस्तुएं रचनात्मक प्रेरणा और कलात्मक डिजाइन का स्रोत बन गईं। इस समय की डच कला में, शैलियों की एक पूरी प्रणाली का गठन पूरा हुआ, जो पुनर्जागरण में शुरू हुआ। चित्रों, रोजमर्रा की पेंटिंग, परिदृश्य और अभी भी जीवन में, दुर्लभ कौशल और गर्मजोशी वाले कलाकारों ने आसपास की प्रकृति और सरल जीवन के अपने छापों को व्यक्त किया। उन्होंने हॉलैंड की सामूहिक छवि को प्रतिबिंबित किया - एक युवा गणराज्य जिसने स्पेन के साथ युद्ध में अपनी स्वतंत्रता का बचाव किया।

"एक युवा महिला की सुबह"। 1660 फ्रैंस मिरिस द एल्डर। लकड़ी पर तेल। राज्य आश्रम

एक परिचित, रोजमर्रा के माहौल में एक व्यक्ति को चित्रित करने वाले रोजमर्रा के विषयों (या शैली चित्रों) पर कलाकारों की पेंटिंग, डच समाज की विभिन्न स्थितियों से संबंधित लोगों के जीवन, व्यवहार और संचार के स्थापित रूपों को दर्शाती है। व्यापारियों, कारीगरों या धनी किसानों के घरों के अंदरूनी हिस्सों को सजाने के लिए डिज़ाइन किए गए डच कलाकारों के चित्र आकार में छोटे थे। कलाकारों ने उन चित्रों को बेचकर पैसा कमाया, जिन्हें नज़दीक से देखने की संभावना के साथ चित्रित किया गया था। इसने, बदले में, लेखन के एक विशेष रूप से सावधान, नाजुक तरीके को जन्म दिया।

छत पर समाज। 1620 एसिस वैन डे वेल्डे। लकड़ी पर तेल। राज्य आश्रम

17 वीं शताब्दी के दौरान, डच शैली की पेंटिंग में एक महत्वपूर्ण विकास हुआ। इसके गठन के दौरान, सदी की शुरुआत में, मनोरंजन के विषय पर भूखंड, युवा अमीर डच लोगों का मनोरंजन, या अधिकारियों के जीवन के दृश्य आम थे। ऐसी तस्वीरों को "भोज", "समाज", "संगीत कार्यक्रम" कहा जाता था। उनकी पेंटिंग अपने विविध रंग, बढ़े हुए हर्षित स्वर के लिए उल्लेखनीय थी। इस तरह के कार्यों में एसैस वैन डे वेल्डे की पेंटिंग "सोसाइटी ऑन द टेरेस" शामिल है।

30 के दशक की शुरुआत तक, डच शैली की तस्वीर का गठन पूरा हो गया था। भीड़-भाड़ वाले "समाजों" ने छोटी-छोटी रचनाओं को रास्ता दिया। एक व्यक्ति के आसपास के वातावरण की छवि ने एक महत्वपूर्ण भूमिका निभानी शुरू कर दी। सामाजिक आधार पर शैली चित्रकला का एक विभाजन था: पूंजीपति वर्ग के जीवन के विषयों पर विषय, और किसानों और शहरी गरीबों के जीवन के दृश्य। उन और अन्य चित्रों दोनों का उद्देश्य इंटीरियर को सजाने के लिए था।

"लड़ाई"। 1637 एड्रियन वैन ओस्टेड। लकड़ी पर तेल। राज्य आश्रम

"किसान शैली" में काम करने वाले सबसे प्रसिद्ध कलाकारों में से एक एड्रियन वैन ओस्टेड थे। उनके काम के शुरुआती दौर में, उनके चित्रों में किसानों की छवि को हास्यवाद पर जोर दिया गया था, जो कभी-कभी कैरिकेचर के स्तर तक पहुंच जाता था। तो, एक कठोर रोशनी से जगमगाती पेंटिंग "फाइट" में, लड़ाई जीवित लोगों की नहीं, बल्कि कठपुतली के रूप में लगती है, जिनके चेहरे मुखौटे की तरह होते हैं, जो गुस्से की मुस्कराहट से विकृत होते हैं। ठंडे और गर्म रंगों का मेल, प्रकाश और छाया के तीखे विरोधाभास, विचित्र दृश्य की छाप को और बढ़ाते हैं।

गांव के संगीतकार। 1635 एड्रियन वैन डी ओस्टेड 1635 लकड़ी पर तेल। राज्य आश्रम

1650 के दशक में एड्रियन ओस्टेड की पेंटिंग में बदलाव हुए। कलाकार ने अधिक शांत विषयों की ओर रुख किया, एक व्यक्ति को नियमित गतिविधियों के दौरान चित्रित किया, सबसे अधिक बार विश्राम के क्षणों में। उदाहरण के लिए, इंटीरियर पेंटिंग "ग्राम संगीतकार" है। ओस्टेड कुशलता से "संगीतकारों" की एकाग्रता को व्यक्त करता है जो अपने व्यवसाय के लिए उत्सुक हैं, जिसमें बच्चों को खिड़की के माध्यम से उन्हें मुश्किल से ध्यान देने योग्य हास्य के साथ देखा जाता है। प्रकाश और छाया खेल की विविधता और कोमलता, हरा-भूरा रंग योजना लोगों और उनके परिवेश को एक पूरे में जोड़ती है।

"शीतकालीन दृश्य"। 1640 इसहाक वैन ओस्टेड। लकड़ी पर तेल। राज्य आश्रम

एड्रियन के शुरुआती मृतक भाई, इसहाक वैन ओस्टेड ने भी "किसान शैली" में काम किया। उन्होंने ग्रामीण हॉलैंड के जीवन को चित्रित किया, जिसकी प्रकृति में मनुष्य घर पर महसूस करता था। पेंटिंग "विंटर व्यू" एक ठेठ डच परिदृश्य प्रस्तुत करता है जिसमें एक भूरे रंग का आकाश जमीन पर भारी लटकता है, एक जमी हुई नदी, जिसके किनारे गांव स्थित है।

"रोगी और डॉक्टर।" 1660 जनवरी स्टीन। लकड़ी पर तेल। राज्य आश्रम

ओस्टेड बंधुओं की कला की शैली विषय को एक प्रतिभाशाली मास्टर जान स्टीन द्वारा जारी रखा गया था, जिन्होंने हास्य की भावना के साथ, अपने चित्रों में पात्रों के जीवन और संबंधों के विशिष्ट विवरणों पर ध्यान दिया। पेंटिंग "रेवेलर्स" में खुद कलाकार, अपनी पत्नी के बगल में बैठा है, जो एक मीरा दावत के बाद सो गया था, दर्शक को खुशी और धूर्तता से देखता है। पेंटिंग "द पेशेंट एंड द डॉक्टर" में, चेहरे के भाव और पात्रों के हावभाव के माध्यम से, जान स्टीन ने एक काल्पनिक बीमारी की साजिश को कुशलता से प्रकट किया।

"एक डच हाउस में एक कमरा"। पीटर जानसेंस। कैनवास, तेल। राज्य आश्रम

पचास के दशक में - 17 वीं शताब्दी के साठ के दशक में, शैली चित्रों का विषय धीरे-धीरे संकुचित हो गया। चित्रों की आलंकारिक संरचना बदल रही है। वे शांत हो जाते हैं, अधिक अंतरंग, अधिक गेय चिंतन, शांत गहनता उनमें दिखाई देती है। इस चरण को ऐसे कलाकारों के काम द्वारा दर्शाया गया है जैसे: पीटर डी हूच, जेरार्ड टेरबोर्च, गेब्रियल मेत्सु, पीटर जेन्सेंस। उनके कार्यों ने डच पूंजीपति वर्ग के रोजमर्रा के जीवन की काव्यात्मक और कुछ हद तक आदर्श छवि को मूर्त रूप दिया, जो कभी अपने अधिकारों और स्वतंत्रता के लिए लड़ता था, और अब स्थायी समृद्धि हासिल कर चुका है। इसलिए, पीटर जेन्सेंस की आंतरिक पेंटिंग "ए रूम इन ए डच हाउस" में, सूरज की रोशनी से भरे एक आरामदायक कमरे को जैकब द्वारा पेंटिंग "द ओल्ड वुमन बाय द फायरप्लेस" में फर्श और दीवारों पर खेलते हुए सूरज की किरणों के साथ चित्रित किया गया है। Vrel - नरम गोधूलि में डूबी हुई चिमनी वाला कमरा। दोनों कलाकारों की कृतियों में रचना का चुनाव मनुष्य और उसके पर्यावरण की एकता पर जोर देता है।

"एक गिलास नींबू पानी"। 1664 जेरार्ड टेरबोर्च। मेजबान (लकड़ी से अनुवादित), तेल। राज्य आश्रम

इन वर्षों के दौरान, डच शैली के चित्रकारों ने पहली बार अपने कार्यों में किसी व्यक्ति के आंतरिक जीवन की गहराई को प्रतिबिंबित करने का प्रयास किया। रोजमर्रा की जिंदगी की स्थितियों में, उन्हें सबसे सूक्ष्म अनुभवों की विविध दुनिया को प्रतिबिंबित करने का अवसर मिला। लेकिन, आप इसे केवल चित्र की सावधानीपूर्वक और गहन जांच से ही देख सकते हैं। उदाहरण के लिए, जेरार्ड टेरबोर्च की पेंटिंग ए ग्लास ऑफ लेमोनेड में, इशारों की बमुश्किल बोधगम्य भाषा, हाथों को छूना, टकटकी लगाना, पात्रों के बीच भावनाओं और संबंधों की एक पूरी श्रृंखला को प्रकट करता है।

"नाश्ता"। 1660 गेब्रियल मेत्सु। लकड़ी पर तेल। राज्य आश्रम

वस्तुओं की दुनिया इस अवधि के शैली चित्रों में एक बड़ी भूमिका निभाने लगती है। यह अब न केवल किसी व्यक्ति के जीवन के भौतिक और भावनात्मक वातावरण की विशेषता है, बल्कि एक व्यक्ति और उसके आसपास की दुनिया के बीच संबंधों की विविधता को भी व्यक्त करता है। वस्तुओं का समूह, उनकी व्यवस्था, प्रतीकों की एक जटिल प्रणाली, साथ ही पात्रों के हावभाव - सभी चित्र की आलंकारिक संरचना बनाने में भूमिका निभाते हैं।

"रहस्योद्घाटन"। 1660 जनवरी स्टीन। लकड़ी पर तेल। राज्य आश्रम

डच शैली की पेंटिंग विभिन्न प्रकार के विषयों से अलग नहीं थी। कलाकारों ने खुद को केवल एक निश्चित श्रेणी के पात्रों और उनके व्यवसायों को चित्रित करने तक सीमित कर दिया। लेकिन, उनकी मदद से, डच शैली की पेंटिंग 17 वीं शताब्दी में एक व्यक्ति के जीवन के बारे में शिष्टाचार, रीति-रिवाजों और विचारों की एक विश्वसनीय छवि को व्यक्त करने में सक्षम थी।

प्रकाशन तैयार करते समय, खुले स्रोतों से सामग्री का उपयोग किया गया था।

उत्तरी नीदरलैंड में बुर्जुआ क्रांति की जीत ने हॉलैंड के सात संयुक्त प्रांतों (इन प्रांतों में सबसे महत्वपूर्ण के नाम पर) के गणराज्य के स्वतंत्र राज्य का गठन किया; पहली बार यूरोपीय देशों में से एक में बुर्जुआ-रिपब्लिकन प्रणाली स्थापित की गई थी। क्रांति की प्रेरक शक्ति किसान और शहरी आबादी का सबसे गरीब तबका था, लेकिन पूंजीपति वर्ग ने अपनी विजय का फायदा उठाया, जो सत्ता में आई। हालाँकि, गणतंत्र की स्थापना के बाद के पहले दशकों में, क्रांतिकारी काल की लोकतांत्रिक परंपराएँ जीवित थीं। राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन की चौड़ाई, लोगों की आत्म-चेतना का उदय, विदेशी जुए से मुक्ति की खुशी ने आबादी के सबसे विविध वर्गों को एकजुट किया। देश में विज्ञान और कला के विकास के लिए परिस्थितियाँ बनाई गई हैं। उस समय के प्रगतिशील विचारकों, विशेष रूप से फ्रांसीसी दार्शनिक डेसकार्टेस को यहां शरण मिली, और स्पिनोज़ा की अनिवार्य रूप से भौतिकवादी दार्शनिक प्रणाली का गठन किया गया। हॉलैंड के कलाकारों ने सर्वोच्च उपलब्धियां हासिल कीं। वे यूरोप में पहले थे; अदालत के हलकों और कैथोलिक चर्च के दमनकारी प्रभाव से मुक्त और सामाजिक वास्तविकता को दर्शाते हुए सीधे लोकतांत्रिक और यथार्थवादी कला का निर्माण किया।

डच कला के विकास की एक विशिष्ट विशेषता इसकी सभी प्रकार की पेंटिंग में एक महत्वपूर्ण प्रमुखता थी। चित्रों ने न केवल समाज के शासक अभिजात वर्ग के प्रतिनिधियों के घरों को सजाया, बल्कि गरीब बर्गर, कारीगरों, किसानों के भी; वे नीलामियों और मेलों में बेचे जाते थे; कभी-कभी कलाकार बिलों का भुगतान करने के साधन के रूप में उनका उपयोग करते थे। एक कलाकार का पेशा दुर्लभ नहीं था, बहुत सारे चित्रकार थे, और वे एक-दूसरे के साथ जमकर प्रतिस्पर्धा करते थे। पेंटिंग के तेजी से विकास को न केवल उन लोगों द्वारा पेंटिंग की मांग से समझाया गया जो अपने घरों को अपने साथ सजाना चाहते थे, बल्कि उन्हें एक वस्तु के रूप में, लाभ के साधन के रूप में, अटकलों के स्रोत के रूप में भी देखते थे। कैथोलिक चर्च के प्रत्यक्ष ग्राहक या एक प्रभावशाली परोपकारी-सामंती स्वामी से छुटकारा पाने के बाद, कलाकार ने खुद को पूरी तरह से बाजार की मांगों पर निर्भर पाया। बुर्जुआ समाज के स्वाद ने डच कला के विकास के मार्ग को पूर्व निर्धारित किया, और कलाकारों ने उनका विरोध किया, रचनात्मकता के मामलों में अपनी स्वतंत्रता का बचाव किया, खुद को अलग-थलग पाया, अभाव और अकेलेपन में असामयिक मृत्यु हो गई। इसके अलावा, ये, एक नियम के रूप में, सबसे प्रतिभाशाली स्वामी थे। हल्स और रेम्ब्रांट के नामों का उल्लेख करने के लिए पर्याप्त है।

डच कलाकारों के लिए छवि का मुख्य उद्देश्य आसपास की वास्तविकता थी, जिसे पहले कभी भी अन्य राष्ट्रीय स्कूलों के चित्रकारों के कार्यों में ऐसा पूर्ण प्रतिबिंब नहीं मिला था। जीवन के सबसे विविध पहलुओं की अपील ने चित्रकला में यथार्थवादी प्रवृत्तियों को मजबूत किया, जिसमें शैली शैली और चित्र, परिदृश्य और स्थिर जीवन ने अग्रणी स्थान लिया। जितना अधिक सच्चाई से, कलाकारों ने अपने सामने वास्तविक दुनिया के उद्घाटन को जितनी गहराई से दर्शाया, उतनी ही महत्वपूर्ण उनकी रचनाएँ थीं। फ़्रांसिस हल्स मास्लेनित्सा उत्सव

प्रत्येक शैली की अपनी शाखाएँ थीं। इसलिए, उदाहरण के लिए, परिदृश्य चित्रकारों में सीस्केप चित्रकार (समुद्र का चित्रण) थे, चित्रकार जो मैदानों या जंगल के घने दृश्यों को पसंद करते थे, ऐसे स्वामी थे जो चांदनी के साथ सर्दियों के परिदृश्य और परिदृश्य में विशिष्ट थे: शैली के चित्रकारों में, थे किसानों, बर्गर, दावतों के दृश्यों और घरेलू जीवन, शिकार के दृश्यों और बाजारों का चित्रण करने वाले प्रतिष्ठित कलाकार; चर्च के अंदरूनी हिस्सों और "नाश्ते", "मिठाई", "दुकानें" आदि के विभिन्न प्रकार के अभी भी जीवन के स्वामी थे। डच पेंटिंग की सीमाओं से प्रभावित, जिसने इसके रचनाकारों के लिए हल किए जाने वाले कार्यों की संख्या को सीमित कर दिया। लेकिन साथ ही, एक विशेष शैली पर प्रत्येक कलाकार की एकाग्रता ने चित्रकार के कौशल को परिष्कृत करने में योगदान दिया। केवल सबसे बड़े डच कलाकारों ने विभिन्न शैलियों में काम किया है। फ्रैंस हल्स ग्रुप ऑफ चिल्ड्रेन

डच यथार्थवादी चित्र के संस्थापक फ्रैंस हल्स थे (ठीक है :), जिनकी कलात्मक विरासत ताजा तीक्ष्णता और शक्ति के साथ, एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया को गले लगाते हुए राष्ट्रीय डच संस्कृति से बहुत आगे निकल जाती है। दुनिया की व्यापक धारणा के एक कलाकार, एक साहसी नवप्रवर्तनक, उन्होंने 16 वीं शताब्दी के संपत्ति (महान) चित्र के सिद्धांतों को नष्ट कर दिया जो उनके सामने विकसित हुए थे। वह एक राजसी और गंभीर मुद्रा और औपचारिक पोशाक में अपनी सामाजिक स्थिति के अनुसार चित्रित व्यक्ति में दिलचस्पी नहीं रखता था, लेकिन एक व्यक्ति में उसके सभी प्राकृतिक सार, चरित्र, उसकी भावनाओं, बुद्धि, भावनाओं के साथ।

हार्लेम में सेंट एड्रियन की कंपनी के अधिकारियों की बैठक मजबूत, ऊर्जावान लोग जिन्होंने स्पेनिश विजेताओं के खिलाफ मुक्ति संघर्ष में सक्रिय भाग लिया, दावत के दौरान प्रतिनिधित्व करते हैं। हास्य के स्पर्श के साथ हंसमुख मिजाज विभिन्न पात्रों और शिष्टाचार के अधिकारियों को एकजुट करता है। यहां कोई नायक नहीं है। सभी उपस्थित छुट्टी के समान भागीदार हैं।

खाल ने अपने नायकों को बिना अलंकरण के, उनके अनौपचारिक शिष्टाचार, जीवन के शक्तिशाली प्रेम के साथ चित्रित किया। उन्होंने एक विशिष्ट जीवन स्थिति में, एक विशिष्ट जीवन स्थिति में, कार्रवाई में चित्रित चित्रण को कैप्चर करके, चेहरे के भाव, हावभाव, मुद्रा, तुरंत और सटीक रूप से कैप्चर करके, चित्र के दायरे का विस्तार किया। कलाकार ने चित्रित की विशेषताओं की भावनात्मक शक्ति और जीवन शक्ति की मांग की, उनकी अपरिवर्तनीय ऊर्जा का हस्तांतरण। उन्होंने न केवल व्यक्तिगत रीति-रिवाजों और समूह चित्रों में सुधार किया, बल्कि एक ऐसे चित्र के निर्माता भी थे जो रोजमर्रा की जिंदगी की शैली पर आधारित है। कुम्हार-संगीतकार

खाल के चित्र विषयों और छवियों में विविध हैं। लेकिन चित्रित सामान्य विशेषताओं से एकजुट होते हैं: प्रकृति की अखंडता, जीवन का प्यार। हल्स हँसी के चित्रकार, हंसमुख, संक्रामक मुस्कान के पात्र हैं। कलाकार आम लोगों, पबों में आने वाले लोगों, गली के लड़कों के चेहरों को चमचमाती मस्ती के साथ पुनर्जीवित करता है। उनके पात्र अपने आप में पीछे नहीं हटते, वे अपनी निगाहों और हाव-भाव को दर्शक की ओर मोड़ लेते हैं। वरदान साथी

"जिप्सी" (सी।, पेरिस, लौवर) की छवि एक मुक्त-उत्साही सांस के साथ फैली हुई है। हल्स शराबी बालों के प्रभामंडल में अपने सिर की गौरवपूर्ण स्थिति की प्रशंसा करती है, एक मोहक मुस्कान, उसकी आँखों की एक आकर्षक चमक, स्वतंत्रता की अभिव्यक्ति। सिल्हूट की कंपन रूपरेखा, प्रकाश की फिसलती किरणें, दौड़ते बादल, जिसके खिलाफ एक जिप्सी को चित्रित किया गया है, छवि को जीवन के रोमांच से भर देते हैं।

मल्ले बब्बे (शुरुआती x वर्ष, बर्लिन डाहलेम, आर्ट गैलरी) का चित्र, जो कि गलती से "हार्लेम विच" का उपनाम नहीं है, एक छोटे शैली के दृश्य में विकसित होता है। जलती हुई धूर्त दिखने वाली एक बदसूरत बूढ़ी औरत, तेजी से मुड़ रही है और व्यापक रूप से मुस्कुरा रही है, जैसे कि उसके सराय के नियमित में से एक का जवाब दे रही हो। एक भयानक उल्लू उसके कंधे पर लहूलुहान है। कलाकार की दृष्टि की तीक्ष्णता, उसके द्वारा बनाई गई छवि की उदास ताकत और जीवन शक्ति हड़ताली है। रचना की विषमता, गतिशीलता, कोणीय ब्रशस्ट्रोक की समृद्धि दृश्य की चिंता को बढ़ाती है।

हल्स के बाद के चित्र विश्व चित्र चित्रकला की सबसे उल्लेखनीय कृतियों के बगल में खड़े हैं: उनके मनोवैज्ञानिकवाद में, वे डच चित्रकारों के महानतम चित्रों के करीब हैं, रेम्ब्रांट, जो हल्स की तरह, अपने जीवनकाल की महिमा से बच गए, संघर्ष में आ गए डच समाज के पतित बुर्जुआ अभिजात वर्ग। नर्सिंग होम रीजेंट्स

डच चित्रकला में सबसे लोकप्रिय शैली शैली थी, जिसने बड़े पैमाने पर अन्य देशों की कला की तुलना में इसके विकास के अजीबोगरीब तरीकों को निर्धारित किया। रोजमर्रा की जिंदगी के सबसे विविध पहलुओं की अपील, इसके काव्यीकरण ने विभिन्न प्रकार की शैली के चित्रों का निर्माण किया। उनके रचनाकारों का उच्च चित्रात्मक कौशल, आशावादी चरित्र, नरम गीतवाद उन्हें वह आकर्षण देता है जो सबसे तुच्छ उद्देश्यों के चित्रण को सही ठहराता है। पीटर डी हूच लिनन कोठरी के पास

डच बारोक मास्टर पीटर डी हूच (हूच) 17 वीं शताब्दी के डेल्फ़्ट स्कूल के प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक थे। चित्रकार की कृतियाँ एक बर्गर परिवार के शांत, शांत जीवन की रोज़मर्रा की छोटी-छोटी उत्कृष्ट घटनाओं को समर्पित हैं। अंदरूनी भाग साफ-सुथरे आंगन या साफ सुथरे कमरे हैं। होच के चित्रों को एक शांत रंग और विनीत रंग लहजे के साथ एक उत्कृष्ट सटीक ड्राइंग की विशेषता है। गुरु के पास "होने के क्षण" को पकड़ने की अद्भुत क्षमता थी - एक पल के लिए बातचीत रुक गई, किसी तरह की कार्रवाई। यह क्षमता होच के चित्रों को आकर्षक बनाती है, रहस्य की भावना पैदा करती है, हालांकि ऐसा प्रतीत होता है, छवि में कुछ भी असामान्य नहीं है। होच की पेंटिंग की इस धारणा को उनके कलाप्रवीण व्यक्ति यथार्थवादी कौशल से भी मदद मिलती है, जो रोजमर्रा की जिंदगी को एक दिलचस्प तमाशा में बदलने में सक्षम है।

एक गहरी काव्यात्मक भावना, त्रुटिहीन स्वाद, सूक्ष्म रंगवाद शैली चित्रकला के उस्तादों में से सबसे उत्कृष्ट के काम को निर्धारित करता है, हॉल्स और रेम्ब्रांट के बाद तीसरा, महान डच चित्रकार जान वर्मीर डेल्फ़्ट ()। आश्चर्यजनक रूप से गहरी नजर, फिलाग्री तकनीक के साथ, उन्होंने आलंकारिक समाधान की कविता, अखंडता और सुंदरता हासिल की, प्रकाश-वायु पर्यावरण के संचरण पर बहुत ध्यान दिया। वर्मीर की कलात्मक विरासत अपेक्षाकृत छोटी है, क्योंकि उन्होंने प्रत्येक पेंटिंग पर धीरे-धीरे और असाधारण देखभाल के साथ काम किया। पैसा कमाने के लिए वर्मीर को पेंटिंग का व्यापार करने के लिए मजबूर होना पड़ा।

वर्मीर के लिए, मनुष्य काव्य जगत से अविभाज्य है, जिसकी कलाकार प्रशंसा करता है और जो अपनी रचनाओं में ऐसा अजीबोगरीब अपवर्तन पाता है, जो अपने तरीके से सौंदर्य के विचार, जीवन के मापा शांत प्रवाह और खुशी का प्रतीक है। पुरुष। विशेष रूप से सामंजस्यपूर्ण और रचनात्मक निर्माण में स्पष्ट "एक पत्र के साथ लड़की" (1650 के दशक के अंत, ड्रेसडेन, आर्ट गैलरी), एक पेंटिंग जो हवा और प्रकाश से संतृप्त है, कांस्य-हरे, लाल, सुनहरे स्वरों में बनी हुई है, जिसके बीच पीले और नीले रंग के चमकीले रंग प्रचलित हैं अग्रभूमि में अभी भी जीवन।

आकर्षक और स्वाभाविक रूप से अपने आंदोलनों में आत्मविश्वास से भरी, "द मेड विद ए जग ऑफ मिल्क" पेंटिंग में लोगों की एक महिला उज्ज्वल आशावाद से ओत-प्रोत है और रोजमर्रा की जिंदगी के विशेष, काव्यात्मक वातावरण को फिर से बनाती है। एक युवा महिला की उपस्थिति स्वस्थ शक्ति, नैतिक शुद्धता के साथ सांस लेती है; उसके चारों ओर की वस्तुएं अद्भुत प्रामाणिकता के साथ लिखी गई हैं, ताजी रोटी की कोमलता, जग की चिकनी सतह, दूध डालने की मोटाई स्पष्ट प्रतीत होती है। यहां, वर्मीर के कई अन्य कार्यों की तरह, उनका अद्भुत उपहार चीजों के जीवन को सूक्ष्म रूप से महसूस करने और व्यक्त करने के लिए प्रकट होता है, वास्तविक वस्तुओं के रूपों की समृद्धि और विविधता, उनके चारों ओर प्रकाश और हवा का कंपन।

वर्मीर का अद्भुत कौशल उनके द्वारा चित्रित दो परिदृश्यों में भी पाया जाता है, जो न केवल डच में, बल्कि विश्व कला में भी चित्रकला की इस शैली के अद्भुत उदाहरणों से संबंधित हैं। "उलिचका" का मकसद, या बल्कि, इसके छोटे हिस्से का, एक ईंट के घर के मुखौटे के साथ, एक ग्रे, बादल वाले दिन पर दर्शाया गया है, बेहद सरल है। प्रत्येक वस्तु की भौतिक मूर्तता, प्रत्येक विवरण की आध्यात्मिकता चकित करती है।

"डेल्फ़्ट शहर का दृश्य" एक पूरी तरह से अलग चरित्र का है। कलाकार बारिश के बाद गर्मी के दिन अपने गृहनगर को देखता है। सूरज की किरणें नम चांदी के बादलों के माध्यम से टूटने लगती हैं, और पूरी तस्वीर चमकती है और कई रंगीन रंगों और प्रकाश प्रतिबिंबों के साथ चमकती है, और साथ ही साथ अखंडता और काव्य सौंदर्य के साथ पकड़ती है।

डच यथार्थवादी परिदृश्य के सिद्धांतों ने १७वीं शताब्दी के पहले तीसरे के दौरान आकार लिया। पारंपरिक सिद्धांतों और आदर्शीकृत, आविष्कारित प्रकृति के बजाय, इतालवी प्रवृत्ति के स्वामी के चित्रों में, यथार्थवादी परिदृश्य के रचनाकारों ने हॉलैंड की वास्तविक प्रकृति के टीलों और नहरों, घरों और गांवों के चित्रण की ओर रुख किया। उन्होंने न केवल सभी संकेतों के साथ क्षेत्र के चरित्र पर कब्जा कर लिया, राष्ट्रीय परिदृश्य के विशिष्ट उद्देश्यों का निर्माण किया, बल्कि मौसम, आर्द्र हवा और अंतरिक्ष के वातावरण को व्यक्त करने की मांग की। इसने तानवाला पेंटिंग के विकास में योगदान दिया, चित्र के सभी घटकों को एक स्वर में अधीन करना।

हॉलैंड के एक उत्कृष्ट परिदृश्य चित्रकार जैकब वैन रुइसडेल (1628/291682) थे, जिन्होंने अपने परिदृश्य को महान व्यक्तिगत भावनाओं और अनुभवों से प्रेरित किया। अन्य प्रमुख डच कलाकारों की तरह, उन्होंने बुर्जुआ ग्राहकों के स्वाद के लिए रियायतें नहीं दीं, हमेशा खुद को छोड़ दिया। Ruisdael छवि के कुछ विषयों तक ही सीमित नहीं था। उनके परिदृश्य के उद्देश्यों की सीमा बहुत विस्तृत है: गांवों, मैदानों और टीलों, जंगल के दलदलों और समुद्र के दृश्य, सबसे अलग मौसम और विभिन्न मौसमों में दर्शाए गए हैं। सर्दियों के दृश्य

कलाकार की रचनात्मक परिपक्वता 17 वीं शताब्दी के मध्य में आती है। इस समय, वह प्रकृति के आंतरिक जीवन को व्यक्त करते हुए गहरे नाटक से भरा काम करता है: "एगमंड गांव का दृश्य", "वन दलदल", "यहूदी कब्रिस्तान", जो उनके संयमित, उदास रंग, रूपों और निर्माणों के स्मारकीकरण के साथ , कलाकार के अनुभवों का जवाब दिया। वह यहूदी कब्रिस्तान के चित्रण में सबसे बड़ी भावनात्मक शक्ति और दार्शनिक अर्थ की गहराई को अपने सफेद कब्रों और खंडहरों के साथ प्राप्त करता है, एक झागदार धारा के साथ, एक पेड़ की मुरझाई हुई शाखाओं को बिजली की चमक से रोशन करता है जो एक युवा के ताजा हरे रंग को रोशन करता है अंकुरित। तो सभी तूफानों और विनाशकारी ताकतों से टूटने वाले अनंत जीवन का विचार इस उदास ध्यान में जीत जाता है।

लैंडस्केप पेंटिंग के साथ, अभी भी जीवन, जो एक अंतरंग चरित्र द्वारा प्रतिष्ठित था, हॉलैंड में व्यापक रूप से फैला हुआ था। डच कलाकारों ने अपने स्थिर जीवन के लिए विभिन्न प्रकार की वस्तुओं को चुना, उन्हें पूरी तरह से व्यवस्थित करना, प्रत्येक वस्तु की विशेषताओं और उसके आंतरिक जीवन को प्रकट करने के लिए, मानव जीवन के साथ अटूट रूप से जुड़ा हुआ था। पीटर क्लेज़ (ठीक) और विलेम हेडा (/ 82) ने "नाश्ते" के कई रूपों को लिखा, जिसमें हैम्स, रूडी बन्स, ब्लैकबेरी पाई, नाजुक कांच के गिलास मेज पर शराब से आधे भरे हुए थे, प्रत्येक के रंग, मात्रा, बनावट को व्यक्त करते हुए अद्भुत कौशल के साथ आइटम। पीटर क्लास। फिर भी एक सुनहरे गिलास के साथ जीवन।

17 वीं शताब्दी के हॉलैंड में। स्थिर जीवन की शैली व्यापक हो गई है। स्थिर जीवन के सौंदर्य सिद्धांत बल्कि रूढ़िवादी थे: कैनवास क्षैतिज था, चित्रित प्रकृति के साथ तालिका का निचला किनारा फ्रेम के समानांतर था। डाइनिंग रूम मेज़पोश पर सिलवटें, एक नियम के रूप में, समानांतर रेखाओं में, परिप्रेक्ष्य के नियमों के विपरीत, कैनवास की गहराई में चली गईं; वस्तुओं को एक उच्च दृष्टिकोण से देखा गया था (उन सभी को एक नज़र से पकड़ना आसान बनाने के लिए), एक पंक्ति में या एक सर्कल में रखा गया था और व्यावहारिक रूप से हेडा विलेम क्लेस ब्रेकफास्ट को केकड़े के साथ नहीं छुआ था

हेडा विलेम क्लेज़ स्टिल लाइफ़ विद द गोल्ड कप ऑफ़ हेडा और पीटर क्लेज़, जिन्होंने उन्हें प्रभावित किया, हॉलैंड में इस तरह के स्टिल लाइफ़ के सबसे महत्वपूर्ण प्रतिनिधि हैं। दो हार्लेम कारीगरों की तुलना अक्सर की जाती है। उन दोनों ने जटिल वस्तुओं के एक साधारण सेट के साथ मामूली "नाश्ता" बनाया। खेड़ा और क्लास में हरे-भूरे या भूरे रंग के स्वर समान हैं, लेकिन खेड़ा के काम आमतौर पर अधिक सावधानी से समाप्त होते हैं, और उनका स्वाद अधिक अभिजात होता है, जो खुद को चित्रित वस्तुओं की पसंद में प्रकट होता है: टिन के बर्तनों के बजाय चांदी, हेरिंग के बजाय सीप, आदि एन.एस.

परिचय

1. छोटा डच

पेंटिंग का डच स्कूल

शैली पेंटिग

4. प्रतीक। स्थिर वस्तु चित्रण

रेम्ब्रांट वैन रिजनो

वर्मीर डेल्फ़्ट जन

निष्कर्ष

परिचय

परीक्षण का उद्देश्य है:

· रचनात्मकता के विकास में;

· कला में रुचि का गठन;

· ज्ञान का समेकन और पुनःपूर्ति।

डच कला का जन्म 17वीं शताब्दी में हुआ था। इस कला को स्वतंत्र और स्वतंत्र माना जाता है, इसके कुछ निश्चित रूप और विशेषताएं हैं।

१७वीं शताब्दी तक, हॉलैंड के पास कला में अपने महत्वपूर्ण कलाकार नहीं थे, क्योंकि फ़्लैंडर्स राज्य का हिस्सा था। हालांकि, इस अवधि के दौरान कई कलाकारों को मनाया जाता है। यह चित्रकार और प्रिंटमेकर लुका लीडेन है (१४९४-१५३३), चित्रकार डिर्क बाउट्स (१४१५-१४७५), चित्रकार कोरेले (१४९५-१५६२)।

धीरे-धीरे, विभिन्न स्कूल मिश्रित हो गए और मास्टर्स ने अपने स्कूलों की विशिष्ट विशेषताओं को खो दिया, और शेष डच कलाकारों में राष्ट्रीय रचनात्मकता की भावना नहीं रही। कई अलग और नए स्टाइल सामने आ रहे हैं। कलाकार एक व्यक्तिगत शैली की तलाश में, सभी शैलियों में चित्रित करने का प्रयास करते हैं। शैली के तरीके मिटा दिए गए हैं: ऐतिहासिकता उतनी जरूरी नहीं है जितनी पहले हुआ करती थी। एक नई शैली बनाई जा रही है - ग्रुप पोर्टर्स।

१७वीं शताब्दी की शुरुआत में, जब हॉलैंड के भाग्य का फैसला किया जा रहा था, फिलिप III स्पेन और नीदरलैंड के बीच एक युद्धविराम पर सहमत हो गया। एक क्रांति, एक राजनीतिक या सैन्य स्थिति की जरूरत थी। आजादी के संघर्ष ने लोगों को एकजुट किया। युद्ध ने राष्ट्रीय भावना को मजबूत किया। स्पेन के साथ हस्ताक्षरित संधियों ने हॉलैंड को स्वतंत्रता दी। इसने डच के सार को व्यक्त करते हुए अपनी और विशेष कला के निर्माण को प्रेरित किया।

डच कलाकारों की ख़ासियत एक वास्तविक छवि को सबसे छोटे विवरण तक बनाना था - भावनाओं और विचारों की अभिव्यक्ति। यह डच स्कूल की नींव है। यह एक यथार्थवादी कला बन जाती है, और 17 वीं शताब्दी के मध्य तक यह सभी क्षेत्रों में चरम पर पहुंच जाती है।

हॉलैंड के लिए, एक विभाजन न केवल शैलियों में, बल्कि कई उप-प्रजातियों में भी विशिष्ट है। कुछ स्वामी बर्गर और अधिकारियों के जीवन के दृश्यों को चित्रित करते हैं - पीटर डी हूच (1495-1562), जेरार्ड टेरबोर्च (1617-1681), गेब्रियल मेत्सु (1629-1667), दूसरा - किसान जीवन से - एड्रियन वैन ओस्टेड (1610- 1685), तीसरा - वैज्ञानिकों और डॉक्टरों के जीवन के दृश्य - गेरिट डॉव (1613-1675); लैंडस्केप पेंटर्स - जान पोर्सेलिस (1584-1632), साइमन डी व्लीगर (1601-1653), वन कोनों के चित्रण - मेइंडर्ट होबेमा (1638-1609), इंटीरियर मास्टर्स - पीटर जेन्सेंस (1623-1682)। समय-समय पर, कला विद्यालयों में एक निश्चित शैली पारंपरिक हो जाती है। उदाहरण के लिए, तथाकथित "नाश्ते" के लिए अभी भी जीवन के हार्लेम चित्रकार - पीटर क्लेस (1598-1661), विलेम हेडा (1594-1680)।

कलाकार मानव व्यवहार के शिष्टाचार और रीति-रिवाजों, नैतिक और नैतिक मानदंडों को दिखाते हैं। पारिवारिक घटनाओं को अक्सर चित्रित किया जाता है। लैंडस्केप पेंटर्स और स्टिल लाइफ मास्टर्स खुली हवा में प्रकाश देते हैं, बंद कमरों में वे वस्तुओं की बनावट का उत्कृष्ट चित्रण करते हैं। जेन स्टीन (1626-1679), गेरहार्ड टेरबोर्च (1617-1681), पीटर डी होच (1629-1624) की बदौलत घरेलू पेंटिंग सबसे ऊपर है।

1. छोटा डच

लिटिल डच 17 वीं शताब्दी के कलाकारों का एक समूह है, जो परिदृश्य के चित्रकारों और छोटे आकार के रोजमर्रा की शैली के चित्रों को एकजुट करता है (इसलिए नाम)। इस तरह के चित्रों का उद्देश्य आवासीय भवनों के मामूली इंटीरियर के लिए था। उन्हें शहरवासियों और किसानों द्वारा खरीदा गया था। इस तरह के चित्रों को चित्र में आराम की भावना, विवरण की सूक्ष्मता, एक व्यक्ति की निकटता और एक इंटीरियर की विशेषता है।

पी. डी होच, जे. वैन गोयन (1596-1656), जे. और एस. वैन रुइसडेल (1628-1682) और (1602-1670), ई. डी विट्टे (1617-1692), पी. क्लेस, डब्ल्यू. हेडा, वी। कल्फ़ (1619-1693), जी। टेरबोर्च, जी। मेत्सु, ए। वैन ओस्टेड, जे। स्टीन (1626-1679), ए। कुयप (1620-1691), आदि। प्रत्येक विशेष, एक नियम के रूप में , किसी प्रकार की शैली में। द लिटिल डचमैन ने डच पुनर्जागरण के उस्तादों की परंपराओं को जारी रखा, जिन्होंने तर्क दिया कि कला को न केवल आनंद लाना चाहिए, बल्कि मूल्यों की याद भी दिलानी चाहिए।

कलाकारों की रचनात्मकता को 3 समूहों में विभाजित किया जा सकता है:

1630 के दशक - राष्ट्रीय चित्रकला में यथार्थवाद की स्थापना (हार्लेम प्रमुख कला केंद्र था, एक महत्वपूर्ण कारक एफ। हल्स का प्रभाव था);

1640-1660s - कला विद्यालय का उत्कर्ष (कला का केंद्र एम्स्टर्डम में चला जाता है, अन्य शहरों के कलाकारों को आकर्षित करता है, रेम्ब्रांट का प्रभाव प्रासंगिक हो जाता है<#"justify">2. पेंटिंग का डच स्कूल

एक सदी के तीन तिमाहियों के लिए, नीदरलैंड के उत्तर में संयुक्त प्रांत के गणराज्य में कला का उदय जारी रहा, जिसे हॉलैंड कहा जाता है। 1609 में, इस गणराज्य को एक राज्य का दर्जा मिला। यहाँ एक बुर्जुआ राज्य का जन्म हुआ।

पुनर्जागरण की पेंटिंग में इतालवी कलाकार कारवागियो (1571-1610) ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। उन्होंने अपने चित्रों को बहुत यथार्थवादी चित्रित किया, और वस्तुओं और आकृतियों में काइरोस्कोरो की एक उच्च तकनीक थी।

कई कलाकार थे, और वे छोटे शहरों में रहते थे: हार्लेम, डेल्फ़्ट, लीडेन। इनमें से प्रत्येक शहर की अपनी अंतर्निहित शैली विषय के साथ अपना स्कूल है, लेकिन एम्स्टर्डम ने डच कला के विकास में सबसे महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

3. शैली पेंटिंग

हॉलैंड में, परिदृश्य शैली की लोकप्रियता के साथ, नए दिखाई देते हैं: एक सीस्केप - एक सीस्केप, एक शहरी परिदृश्य - वेदुता, जानवरों की एक छवि - पशुवादी पेंटिंग। परिदृश्य पीटर ब्रूगेल के कार्यों से काफी प्रभावित था (1525-1529)। डचों ने अपनी जन्मभूमि की प्रकृति की अपनी, अजीबोगरीब सुंदरता लिखी। १७वीं शताब्दी में, पेंटिंग का डच स्कूल यूरोप में अग्रणी में से एक बन गया। आसपास की मानवीय वस्तुएं कलाकारों के लिए प्रेरणा का स्रोत बन गई हैं। इस समय की कला में, शैलियों की एक प्रणाली का गठन पूरा हुआ, जो पुनर्जागरण में शुरू हुआ। चित्रों, रोजमर्रा की पेंटिंग, परिदृश्य और स्थिर जीवन में, कलाकारों ने प्रकृति और रोजमर्रा की जिंदगी के अपने छापों को व्यक्त किया। रोज़मर्रा की पेंटिंग की शैली - शैली की पेंटिंग - में एक नया विचार आने लगा। रोजमर्रा की जिंदगी की शैली दो किस्मों में विकसित हुई है - किसान और बर्गर (शहरी) शैली। शैली के चित्रों में, उन्होंने एक निजी व्यक्ति के जीवन को चित्रित किया: मौज-मस्ती करने वाले, आर्थिक गतिविधियाँ, संगीत बजाना। कलाकारों ने बाहर, मुद्राओं, वेशभूषा पर ध्यान दिया। आइटम लौकिकता का हिस्सा बन गए: एक महोगनी टेबल, एक अलमारी, चमड़े में असबाबवाला एक कुर्सी, गहरे रंग के कांच का एक डिकैन्टर और एक गिलास, फल। यह शैली विभिन्न वर्गों के लोगों के व्यवहार और संचार को दर्शाती है।

गारर्ड डो की रचनाएँ तब बहुत लोकप्रिय थीं। वह छोटे पूंजीपतियों के जीवन से मामूली दृश्य लिखते हैं। अक्सर बुजुर्ग महिलाओं को चरखे पर बैठी या पढ़ते हुए दर्शाया गया है। डॉव की स्पष्ट प्रवृत्ति वस्तुओं की सतहों को अपने छोटे चित्रों में लिखने की है - कपड़े के पैटर्न, बूढ़े चेहरों की झुर्रियाँ, मछली की तराजू, आदि। (परिशिष्ट; चित्र।

लेकिन शैली चित्रकला का विकास हुआ है। इसके गठन की अवधि के दौरान, अधिकारियों के जीवन से मनोरंजन, मनोरंजन, दृश्यों के विषयों पर भूखंडों का प्रसार किया गया। ऐसी तस्वीरों को "नाश्ता", "भोज", "समाज", "संगीत कार्यक्रम" कहा जाता था। यह पेंटिंग अपने विविध रंगों और हर्षित स्वरों के लिए उल्लेखनीय थी। "नाश्ते" की शैली मूल हो गई है। यह एक प्रकार का स्थिर जीवन है, जिसमें व्यंजनों, विभिन्न व्यंजनों की छवि के माध्यम से उनके मालिकों के चरित्र को व्यक्त किया गया था।

रोजमर्रा की जिंदगी की शैली डच स्कूल की सबसे विशिष्ट और मूल घटना है, जिसने विश्व कला के लिए एक निजी व्यक्ति के रोजमर्रा के जीवन को खोल दिया।

जान स्टीन ने कला की शैली विषय के बारे में भी लिखा। हास्य की भावना के साथ, उन्होंने रोजमर्रा की जिंदगी और लोगों के बीच संबंधों के विवरण पर ध्यान दिया। पेंटिंग "रेवेलर्स" में खुद कलाकार, अपनी पत्नी के बगल में बैठा है, जो एक मीरा दावत के बाद सो गया था, दर्शक को खुशी और धूर्तता से देखता है। और तस्वीर में, चेहरे के भाव और पात्रों के हावभाव के माध्यम से, जान स्टीन ने एक काल्पनिक बीमारी की साजिश को कुशलता से प्रकट किया।

30 के दशक की शुरुआत तक, डच शैली की तस्वीर का गठन पूरा हो गया था। शैली चित्रकला को सामाजिक मानदंडों के अनुसार विभाजित किया गया था: पूंजीपति वर्ग के जीवन से विषयों पर भूखंड, और किसानों और शहरी गरीबों के जीवन के दृश्य।

"किसान शैली" में लिखने वाले प्रसिद्ध कलाकारों में से एक एड्रियन वैन ओस्ताद थे। रचनात्मकता के शुरुआती दौर में किसानों की छवि हास्यप्रद थी। तो, एक कठोर रोशनी से जगमगाती तस्वीर में, लड़ने वाले जीवित लोग नहीं, बल्कि कठपुतली के रूप में प्रतीत होते हैं। ठंडे और गर्म रंगों का मेल, प्रकाश की तीव्र विषमताएं उनके चेहरों पर बुरी भावनाओं के साथ मुखौटे बनाती हैं।

बाद में, कलाकार शांत विषयों के साथ चित्रों को चित्रित करता है, एक व्यक्ति को उसकी सामान्य गतिविधियों के दौरान चित्रित करता है, अक्सर आराम के क्षणों में। उदाहरण के लिए, इंटीरियर पेंटिंग "ग्राम संगीतकार"। ओस्टेड "संगीतकारों" की एकाग्रता को व्यक्त करता है, जिसमें बच्चों को खिड़की के माध्यम से उन्हें मुश्किल से ध्यान देने योग्य हास्य के साथ देखा जाता है। एड्रियन के शुरुआती मृतक भाई, इसहाक वैन ओस्टेड ने भी "किसान शैली" में काम किया। उन्होंने ग्रामीण हॉलैंड के जीवन को चित्रित किया। पेंटिंग "विंटर व्यू" एक विशिष्ट परिदृश्य प्रस्तुत करता है जिसमें जमीन पर लटके हुए भूरे आकाश के साथ एक जमी हुई नदी होती है, जिसके किनारे पर गांव स्थित है।

17 वीं शताब्दी के 50-60 के दशक में, शैली चित्रों का विषय संकुचित हो गया, उनकी संरचना बदल गई। वे शांत, अधिक गेय, अधिक विचारशील हो जाते हैं। इस चरण का प्रतिनिधित्व ऐसे कलाकारों के काम से होता है जैसे: पीटर डी हूच, जेरार्ड टेरबोर्च, गेब्रियल मेत्सु, पीटर जानसेंस। उनके काम को डच पूंजीपति वर्ग की आदर्श छवि की विशेषता है। तो, पीटर जेन्सेंस द्वारा "ए रूम इन ए डच हाउस" की आंतरिक पेंटिंग में, सूरज की रोशनी से भरे एक आरामदायक कमरे को फर्श पर और दीवारों पर खेलते हुए सूरज की किरणों के साथ चित्रित किया गया है। रचना का चुनाव व्यक्ति और उसके पर्यावरण की एकता पर जोर देता है।

डच शैली के चित्रकारों ने अपने कार्यों में व्यक्ति की आंतरिक दुनिया को प्रतिबिंबित करने का प्रयास किया। नियमित रूप से होने वाली स्थितियों में, वे अनुभवों की दुनिया दिखाने में सक्षम थे। तो, "ग्लास ऑफ लेमोनेड" पेंटिंग में जेरार्ड टेरबोर्च ने इशारों की एक सूक्ष्म भाषा को चित्रित किया, हाथों को छूना, आंखों से मिलना पात्रों के बीच भावनाओं और संबंधों की एक पूरी श्रृंखला को प्रकट करता है।

डच मास्टर्स सूक्ष्मता, सच्चाई को वास्तविकता के पुनर्निर्माण में एक अगोचर और रोजमर्रा की सुंदरता के साथ जोड़ते हैं। यह विशेषता स्थिर जीवन में अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट हुई। डचों ने उसे "स्थिर" कहा। इस समझ में, स्वामी ने निर्जीव वस्तुओं में एक व्यक्ति के जीवन, उसके जीवन, आदतों, स्वाद से जुड़े एक छिपे हुए जीवन को देखा। डच चित्रकारों ने चीजों की व्यवस्था में एक प्राकृतिक "विकार" की छाप बनाई: उन्होंने एक कटा हुआ पाई, एक छिलके वाला नींबू, एक सर्पिल में लटके हुए छिलके के साथ, एक अधूरा शराब का गिलास, एक जलती हुई मोमबत्ती, एक खुली किताब - यह हमेशा दिखाया ऐसा लगता है कि किसी ने इन वस्तुओं को छुआ है, केवल उनका उपयोग करने से व्यक्ति की अदृश्य उपस्थिति महसूस होती है।

17 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में डच के प्रमुख स्वामी अभी भी जीवित हैं पीटर क्लेस 1और विलेम हेड। उनके स्थिर जीवन का पसंदीदा विषय तथाकथित "नाश्ता" है। वी. खेड़ा के "नाश्ते के साथ झींगा मछली" (परिशिष्ट; चित्र 16) में विभिन्न आकृतियों और सामग्रियों की वस्तुएं - एक कॉफी पॉट, एक गिलास, एक नींबू, एक चांदी की प्लेट। प्रत्येक के आकर्षण और विशिष्टता को देखने के लिए वस्तुओं को व्यवस्थित किया जाता है। विभिन्न तकनीकों के साथ खेड़ा सामग्री और उनकी बनावट की बारीकियों को पूरी तरह से बताता है; उदाहरण के लिए, कांच और धातु की सतह पर प्रकाश की चमक अलग तरह से चलती है। रचना के सभी तत्व प्रकाश और रंग से जुड़े हुए हैं। "स्टिल लाइफ विद ए कैंडल" में पी। क्लास न केवल वस्तुओं के भौतिक गुणों के प्रजनन की सटीकता के लिए उल्लेखनीय है - रचना और प्रकाश उन्हें महान भावनात्मक अभिव्यक्ति देते हैं। अभी भी जीवन क्लासा और खेड़ा एक दूसरे के समान हैं - यह एक बर्गर के घर के जीवन में अंतरंगता और आराम, शांति का मूड है, जहां समृद्धि है। फिर भी जीवन को डच कला के महत्वपूर्ण विषयों में से एक के रूप में देखा जा सकता है - एक निजी व्यक्ति के जीवन का विषय। उन्हें एक शैली की पेंटिंग में अपना मुख्य निर्णय मिला।

प्रतीकवाद। स्थिर वस्तु चित्रण

डच स्टिल लाइफ में सभी आइटम प्रतीकात्मक हैं। XVIII के दौरान प्रकाशित संग्रह<#"justify">हे फूलदान के पास गिरती पंखुड़ियाँ कमजोरी के संकेत हैं;

हे मुरझाया हुआ फूल - भावना के गायब होने का संकेत;

हे irises - वर्जिन का संकेत;

हे लाल फूल - मसीह के प्रायश्चित बलिदान का प्रतीक;

हे सफेद लिली न केवल एक सुंदर फूल है, बल्कि कुंवारी मैरी की पवित्रता का भी प्रतीक है;

हे एक कार्नेशन मसीह के बहाए गए रक्त का प्रतीक है;

हे सफेद ट्यूलिप झूठा प्यार है।

हे अनार - पुनरुत्थान का प्रतीक, शुद्धता का प्रतीक;

हे सेब, आड़ू, संतरे पतझड़ की याद दिलाते हैं;

हे एक गिलास या जग में शराब मसीह के बलिदान रक्त का प्रतीक है;

हे जैतून शांति का प्रतीक है;

हे सड़ा हुआ फल उम्र बढ़ने का प्रतीक है;

हे गेहूँ के कान, आइवी - पुनर्जन्म और जीवन के चक्र का प्रतीक।

हे कांच नाजुकता का प्रतीक है;

हे चीनी मिट्टी के बरतन - सफाई;

हे एक बोतल पाप और नशे का प्रतीक है;

हे टूटे हुए व्यंजन - मृत्यु का प्रतीक;

हे एक उल्टा या खाली गिलास खालीपन को इंगित करता है;

हे चाकू - विश्वासघात का प्रतीक;

हे चांदी के बर्तन धन की पहचान हैं।

हे घंटे का चश्मा - जीवन की क्षणभंगुरता की याद दिलाता है;

हे खोपड़ी - मृत्यु की अनिवार्यता की याद दिलाती है;

हे गेहूँ के कान - पुनर्जन्म और जीवन चक्र के प्रतीक;

हे रोटी प्रभु के शरीर का प्रतीक है;

हे हथियार और कवच - शक्ति और पराक्रम का प्रतीक, जो आपके साथ कब्र में नहीं ले जाया जा सकता है;

हे कुंजियाँ - शक्ति का प्रतीक;

हे धूम्रपान पाइप - क्षणभंगुर और मायावी सांसारिक सुखों का प्रतीक;

हे कार्निवल मुखौटा - एक व्यक्ति की अनुपस्थिति का संकेत है; गैर जिम्मेदार खुशी;

हे दर्पण, कांच के गोले - घमंड के प्रतीक, प्रतिबिंब का संकेत, असत्य।

डच यथार्थवादी परिदृश्य की नींव 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में आकार ले चुकी थी। कलाकारों ने अपनी पसंदीदा प्रकृति को टीलों और नहरों, घरों और गांवों के साथ चित्रित किया। उन्होंने परिदृश्य की राष्ट्रीयता, हवा के वातावरण और मौसम की विशिष्टता को चित्रित करने का प्रयास किया। अधिक से अधिक बार स्वामी ने चित्र के सभी घटकों को एक स्वर में अपने अधीन कर लिया। उनके पास रंगों की सूक्ष्म भावना थी, कुशलता से प्रकाश से छाया तक, स्वर से स्वर में संक्रमण के हस्तांतरण में महारत हासिल थी।

डच यथार्थवादी परिदृश्य का सबसे बड़ा प्रतिनिधि जान वैन गोयन (1596-1656) था। उन्होंने लीडेन और द हेग में काम किया। कलाकार को छोटे आकार के कैनवस पर घाटियों और नदियों की पानी की सतह को चित्रित करना पसंद था। गोयन ने बादलों के साथ आसमान में काफी जगह छोड़ी। यह पेंटिंग "निज्मेजेन में वाल नदी का दृश्य" है, जो सूक्ष्म भूरे-भूरे रंग के रंगों में बनी हुई है।

बाद में, परिदृश्य की विशिष्ट प्रकृति बदल जाती है। यह थोड़ा चौड़ा, अधिक भावुक हो जाता है। विशिष्टता वही रहती है - संयमित, लेकिन स्वर गहराई प्राप्त करते हैं।

जैकब वैन रुइसडेल (1629-1682) द्वारा उनके चित्रों में लैंडस्केप शैली की सभी नई विशेषताओं को शामिल किया गया था। पेड़ों और झाड़ियों को विशाल के रूप में चित्रित करके, भावना पैदा की गई थी कि उन्हें सामने लाया गया और अधिक शक्तिशाली बन गया। परिप्रेक्ष्य की भावना में महारत हासिल करते हुए, रुइसडेल ने कुशलता से हॉलैंड के विस्तृत मैदानों और परिवेश से अवगत कराया। स्वर और प्रकाश का चुनाव एकाग्रता को उद्घाटित करता है। Ruisdael भी खंडहर से प्यार करता था, सजावटी विवरण के रूप में जो विनाश की बात करता है, सांसारिक अस्तित्व की कमजोरी। "यहूदी कब्रिस्तान" एक उपेक्षित क्षेत्र का प्रतिनिधित्व करता है। Ruisdael उस समय सफल नहीं था। उनके चित्रों का यथार्थवाद समाज के स्वाद के अनुरूप नहीं था। कलाकार, जो अब योग्य रूप से विश्व प्रसिद्धि का आनंद ले रहा था, हार्लेम के एक भिखारी में एक गरीब व्यक्ति की मृत्यु हो गई।

पोर्ट्रेट पेंटिंग। फ़्रांसिस हल्स

महान डच चित्रकारों में से एक फ्रैंस हल्स (लगभग १५८०-१६६६) थे। उनका जन्म 17वीं शताब्दी में एंटवर्प में हुआ था। एक बहुत ही युवा कलाकार के रूप में, वे हार्लेम आए, जहां वे बड़े हुए और कारेल वान मंडेर के स्कूल के रूप में बने। हार्लेम को अपने कलाकार पर गर्व था, और वे प्रतिष्ठित मेहमानों - रूबेन्स और वैन डाइक - को अपने स्टूडियो में लाए।

हल्स लगभग अनन्य रूप से एक चित्रकार थे, लेकिन उनकी कला न केवल डच चित्रकला के लिए, बल्कि अन्य शैलियों के निर्माण के लिए भी बहुत मायने रखती थी। हल्स के काम में, तीन प्रकार की चित्र रचनाओं को प्रतिष्ठित किया जा सकता है: एक समूह चित्र, एक कस्टम-निर्मित व्यक्तिगत चित्र और एक विशेष प्रकार की चित्र छवियां, जो प्रकृति में शैली चित्रकला के समान हैं।

1616 में, हल्स ने पेंटिंग "सेंट जॉर्ज की राइफल रेजिमेंट की कंपनी के अधिकारियों के भोज" को चित्रित किया, जिसमें उन्होंने समूह कुली की पारंपरिक योजना को पूरी तरह से तोड़ दिया। एक बहुत ही जीवंत कृति का निर्माण, पात्रों को समूहों में एकजुट करना और उन्हें विभिन्न पोज़ देते हुए, उन्होंने शैली चित्रकला के साथ एक चित्र को एक साथ जोड़ा। काम सफल रहा, और कलाकार आदेशों से भर गया।

उनके पात्रों को स्वाभाविक रूप से और स्वतंत्र रूप से चित्र में रखा गया है, उनकी मुद्रा, हावभाव अस्थिर प्रतीत होते हैं, और उनके चेहरे पर अभिव्यक्ति बदलने वाली है। हल्स के रचनात्मक तरीके की सबसे उल्लेखनीय विशेषता व्यक्तिगत चेहरे के भाव और इशारों के माध्यम से चरित्र को व्यक्त करने की क्षमता है, जैसे कि मक्खी पर पकड़ा गया - "हंसमुख पीने वाला साथी", "मुलतो", "मुस्कुराता हुआ अधिकारी"। कलाकार को गतिकी से भरी भावनात्मक अवस्थाएँ पसंद थीं। लेकिन इस पल में, जिस पर हाल्स ने कब्जा कर लिया, सबसे आवश्यक हमेशा कब्जा कर लिया जाता है, "जिप्सी", "मल्ले बेबे" की छवि का मूल।

हालाँकि, ३० और ४० के दशक के अंत से हल्स की छवियों में, एक विचारशीलता और उदासी है, विलेम हेथेसेन का एक चित्र जो उनके पात्रों के लिए विदेशी है, और कभी-कभी उनके प्रति कलाकार के रवैये में थोड़ी सी विडंबना फिसल जाती है। जीवन और मनुष्य की हर्षित स्वीकृति खाल की कला से धीरे-धीरे गायब हो रही है।

हल्स की पेंटिंग में टर्निंग प्वाइंट आए हैं। ५० और ६० के दशक में चित्रित हल्स के चित्रों में, चरित्र चित्रण के गहन कौशल को एक नए आंतरिक अर्थ के साथ जोड़ा जाता है। स्वर्गीय हाल्स की सबसे शक्तिशाली कृतियों में से एक न्यूयॉर्क में मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट के एक व्यक्ति का चित्र है (1650-1652)। चित्र की रचना एक आकृति की एक पीढ़ीगत छवि है, एक साफ चेहरे में इसकी स्थापना, दर्शक पर सीधे निर्देशित एक नज़र, व्यक्तित्व के महत्व को महसूस किया जाता है। पुरुष की मुद्रा में सभी के लिए ठंडे अधिकार और अभिमानी अवमानना ​​​​पढ़ा जाता है। उसके अंदर आत्म-सम्मान अथाह महत्वाकांक्षा के साथ संयुक्त है। उसी समय, निराशा की एक छाया अप्रत्याशित रूप से टकटकी में फंस जाती है, जैसे कि इस व्यक्ति में अतीत के बारे में खेद है - अपनी युवावस्था और अपनी पीढ़ी के युवाओं के बारे में, जिनके आदर्शों को भुला दिया गया है, और महत्वपूर्ण उत्तेजनाएं फीकी पड़ गई हैं।

1950 और 1960 के दशक के हैल्स के चित्र उन वर्षों की डच वास्तविकता के बारे में बहुत कुछ बताते हैं। कलाकार ने एक लंबा जीवन जिया, और वह डच समाज के पतन, उसकी लोकतांत्रिक भावना के गायब होने का गवाह बना। यह कोई संयोग नहीं है कि हल्स की कला अब फैशन से बाहर हो गई है। हैल्स के बाद के काम संवेदनशील रूप से उस समय की भावना को दर्शाते हैं, जो गुरु के लिए विदेशी है, लेकिन वे आसपास की वास्तविकता में अपनी निराशा भी सुनते हैं। इन वर्षों के कुछ कार्यों में, पुराने कलाकार की व्यक्तिगत भावनाओं की एक प्रतिध्वनि पकड़ी जाती है, जो अपने पूर्व गौरव को खो रहा था और पहले से ही अपने जीवन का अंत देख चुका था।

उनकी मृत्यु से दो साल पहले, 1664 में, हल्स ने बुजुर्गों के लिए हार्लेम अनाथालय के रीजेंट्स और रीजेंट्स (ट्रस्टी) के चित्र चित्रित किए।

द पोर्ट्रेट ऑफ द रीजेंट में, हर कोई निराशा और कयामत की भावना से एकजुट है। रीजेंट्स में कोई जीवन शक्ति नहीं है, जैसा कि हल्स के प्रारंभिक समूह चित्रों में है। हर कोई अकेला है, हर कोई अपने आप मौजूद है। लाल गुलाबी धब्बों के साथ काले स्वर एक दुखद माहौल बनाते हैं।

"पोर्ट्रेट ऑफ़ द रीजेंट" को एक अलग भावनात्मक कुंजी में हल किया गया था। करुणा को नहीं जानने वाली कठोर बूढ़ी महिलाओं की लगभग गतिहीन मुद्राओं में, व्यक्ति को गुरु की शक्ति का अनुभव होता है और साथ ही साथ गहरी निराशा, आसन्न मृत्यु के सामने शक्तिहीनता और निराशा की भावना उन सभी में रहती है।

अपने दिनों के अंत तक, खाल ने अपने कौशल की अचूकता को बरकरार रखा, और अस्सी वर्षीय चित्रकार की कला को पैठ और ताकत मिली।

6. रेम्ब्रांट वैन रिजनो

रेम्ब्रांट (1606-1669) - डच चित्रकला के स्वर्ण युग का सबसे बड़ा प्रतिनिधि। 1606 में लीडेन में पैदा हुए। एक कला शिक्षा प्राप्त करने के लिए, कलाकार एम्स्टर्डम चले गए और पीटर लास्टमैन के स्टूडियो में प्रवेश किया, और फिर लीडेन लौट आए, जहां 1625 में उन्होंने एक स्वतंत्र रचनात्मक जीवन शुरू किया। 1631 में, रेम्ब्रांट अंततः एम्स्टर्डम चले गए, और शेष मास्टर का जीवन इस शहर से जुड़ा हुआ है।

रेम्ब्रांट का काम जीवन की दार्शनिक समझ और मनुष्य की आंतरिक दुनिया से ओत-प्रोत है। यह १७वीं सदी की डच कला का शिखर है। रेम्ब्रांट की कलात्मक विरासत विभिन्न शैलियों द्वारा प्रतिष्ठित है। उन्होंने ऐतिहासिक, बाइबिल, पौराणिक विषयों पर चित्र, स्थिर जीवन, परिदृश्य, शैली के दृश्य, चित्र चित्रित किए। लेकिन कलाकार के काम की सबसे बड़ी गहराई उसके जीवन के अंतिम वर्षों में पहुँचती है। उफीजी के पास महान गुरु के तीन काम हैं। यह उनकी युवावस्था में एक आत्म-चित्र है, बुढ़ापे में एक आत्म-चित्र, एक बूढ़े व्यक्ति का चित्र (रब्बी) अपने बाद के कई कार्यों में, कलाकार दर्शकों का ध्यान केंद्रित करते हुए कैनवास की पूरी सतह को अंधेरे में डुबो देता है मुख पर।

इस तरह रेम्ब्रांट ने 23 साल की उम्र में खुद को चित्रित किया।

एम्स्टर्डम जाने की अवधि कई पुरुष और महिला अध्ययनों के निर्माण द्वारा रेम्ब्रांट की रचनात्मक जीवनी में चिह्नित की गई थी ... उनमें, वह प्रत्येक मॉडल की मौलिकता, उसके चेहरे के भावों की पड़ताल करता है। ये छोटे-छोटे काम बाद में चित्रकार रेम्ब्रांट का असली स्कूल बन गए। यह पोर्ट्रेट है पेंटिंग ने उस समय के कलाकार को अमीर एम्स्टर्डम बर्गर से ऑर्डर आकर्षित करने की अनुमति दी थी और इस प्रकार व्यावसायिक सफलता प्राप्त करते हैं।

1653 में, वित्तीय कठिनाइयों का सामना करते हुए, कलाकार ने अपनी लगभग सारी संपत्ति अपने बेटे टाइटस को हस्तांतरित कर दी, जिसके बाद उन्होंने 1656 में दिवालिया होने की घोषणा की। घर और संपत्ति की बिक्री के बाद, कलाकार एम्स्टर्डम के बाहरी इलाके में यहूदी क्वार्टर में चले गए, जहां उन्होंने अपना शेष जीवन बिताया। उन वर्षों में उनके सबसे करीबी व्यक्ति, जाहिरा तौर पर, टाइटस, टीके। उनकी छवियां सबसे असंख्य हैं। १६६८ में टाइटस की मृत्यु कलाकार के लिए भाग्य के अंतिम आघातों में से एक थी; एक साल बाद उनका खुद निधन हो गया। "मैथ्यू एंड द एंजल" (1661)। तीतुस स्वर्गदूत के लिए आदर्श रहा होगा।

रेम्ब्रांट के जीवन के अंतिम दो दशक एक चित्रकार के रूप में उनके कौशल का शिखर बन गए। मॉडल कलाकार के साथी कलाकार हैं (निकोलस ब्रेनिंग , १६५२; जेरार्ड डी लेरेसी , १६६५; जेरेमियास डी डेकर , १६६६), सैनिक, बूढ़े और बूढ़ी औरतें - वे सभी, जो लेखक की तरह, वर्षों के दुखद परीक्षणों से गुज़रे। उनके चेहरे और हाथ आंतरिक आध्यात्मिक प्रकाश से प्रकाशित होते हैं। कलाकार के आंतरिक विकास को स्व-चित्रों की एक श्रृंखला द्वारा व्यक्त किया जाता है, जो दर्शकों को उनके अंतरतम अनुभवों की दुनिया को प्रकट करता है। आत्म-चित्रों की श्रृंखला बुद्धिमान प्रेरितों की छवियों से जुड़ी हुई है ... प्रेरित के चेहरे पर कलाकार की विशेषताओं का अनुमान खुद लगाया जाता है।

7. वर्मीर डेल्फ़्ट जन

डच कला पेंटिंग अभी भी जीवन

वर्मीर डेल्फ़्ट जान (1632-1675) - डच चित्रकार, डच शैली और लैंडस्केप पेंटिंग का सबसे बड़ा मास्टर। डेल्फ़्ट में वर्मीर का काम किया। एक कलाकार के रूप में, वह कारेल फैब्रिकियस के प्रभाव में विकसित हुआ, जो एक बारूद की दुकान के विस्फोट में दुखद रूप से मारा गया था।

वर्मीर के शुरुआती चित्रों में छवियों की एक उदात्तता है ( मार्था और मरियम में मसीह ) शैली चित्रकला के मास्टर पीटर डी हूच के काम का वर्मीर के काम पर एक मजबूत प्रभाव था। इस चित्रकार की शैली को वर्मीर के चित्रों में और विकसित किया गया है।

50 के दशक के उत्तरार्ध से, वर्मीर ने घर के इंटीरियर की चांदी की रोशनी में एक या एक से अधिक आकृतियों के साथ छोटे चित्रों को चित्रित किया ( एक पत्र के साथ लड़की नौकरानी के साथ एक जग दूध ) 50 के दशक के उत्तरार्ध में, वर्मीर ने लैंडस्केप पेंटिंग की दो उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण किया: एक हार्दिक पेंटिंग गली चमकदार, ताजा, स्वच्छ, पेंट और एक तस्वीर के साथ डेल्फ़्ट . शहर का दृश्य ... 60 के दशक में, वर्मीर का काम और अधिक परिष्कृत हो गया, और पेंटिंग ठंडी हो गई। ( एक पर्ल बाली के साथ लड़की)।

60 के दशक के उत्तरार्ध में, कलाकार अक्सर समृद्ध रूप से सुसज्जित कमरों का चित्रण करते थे जहाँ महिलाएँ और सज्जन संगीत बजाते हैं और वीरतापूर्ण बातचीत करते हैं।

वर्मीर के जीवन के अंतिम वर्षों में, उनकी आर्थिक स्थिति बहुत खराब हो गई। पेंटिंग की मांग तेजी से गिर गई, चित्रकार को ग्यारह बच्चों और परिवार के अन्य सदस्यों को खिलाने के लिए ऋण लेने के लिए मजबूर होना पड़ा। इसने शायद मृत्यु के दृष्टिकोण को तेज कर दिया। यह ज्ञात नहीं है कि क्या हुआ - एक गंभीर बीमारी, या वित्त के संबंध में अवसाद, लेकिन वर्मीर को 1675 में डेल्फ़्ट में परिवार के क्रिप्ट में दफनाया गया था।

मृत्यु के बाद वर्मीर की व्यक्तिगत कला को उनके समकालीनों ने सराहा नहीं। कला समीक्षक और कला इतिहासकार एटिने थियोफाइल टोरेट के काम की बदौलत उनमें रुचि केवल 19 वीं शताब्दी में पुनर्जीवित हुई, जिन्होंने वर्मीर को आम जनता के लिए "खोला"।

निष्कर्ष

वास्तविकता की अपील ने डच कला की कलात्मक संभावनाओं का विस्तार करने में मदद की, इसकी शैली विषय को समृद्ध किया। यदि 17 वीं शताब्दी से पहले यूरोपीय कला में बाइबिल और पौराणिक विषयों का बहुत महत्व था, और अन्य शैलियों को खराब रूप से विकसित किया गया था, तो डच कला में शैलियों के बीच संबंध नाटकीय रूप से बदल रहा है। इस तरह की शैलियों में वृद्धि हुई है: शैली, चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन। डच कला में स्वयं बाइबिल और पौराणिक विषय काफी हद तक अपने पूर्व रूपों को खो रहे हैं और अब उन्हें रोजमर्रा की तस्वीरों के रूप में व्याख्यायित किया जाता है।

अपनी सभी उपलब्धियों के लिए, डच कला ने सीमा की कुछ विशिष्ट विशेषताएं भी रखीं - भूखंडों और उद्देश्यों की एक संकीर्ण सीमा। एक और नुकसान: केवल कुछ ही उस्तादों ने घटना में अपनी गहरी नींव खोजने का प्रयास किया।

लेकिन कई रचनात्मक चित्रों, चित्रों में, चित्र सबसे गहरे चरित्र के होते हैं, और परिदृश्य वास्तविक और वास्तविक प्रकृति को दर्शाते हैं। यह डच कला की पहचान बन गई है। इस प्रकार, चित्रकारों ने कला में एक बड़ी सफलता हासिल की, किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया और अनुभवों की छवियों को चित्रित करने के कठिन और जटिल कौशल में महारत हासिल की।

परीक्षण ने मुझे अपनी रचनात्मकता का परीक्षण करने, अपने सैद्धांतिक ज्ञान को फिर से भरने और डच कलाकारों और उनके कार्यों के बारे में अधिक जानने का अवसर दिया।

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बुर्जुआ व्यवस्था और केल्विनवाद की विजय के साथ, हॉलैंड में स्मारकीय सजावटी और उपशास्त्रीय कला के गढ़ ढह गए। राजशाही देशों में बारोक कलाकारों द्वारा निर्धारित महलों और महलों को चित्रित करने का कार्य, हॉलैंड में लगभग कभी नहीं हुआ। एक बड़ी सजावटी कला के अस्तित्व का समर्थन करने के लिए बड़प्पन बहुत कमजोर था। दूसरी ओर, केल्विनवाद उनके मंदिरों में पेंटिंग के खिलाफ था।
फिर भी चित्रों की मांग बहुत अधिक थी। वह मुख्य रूप से निजी व्यक्तियों से आया था, और, इसके अलावा, काफी हद तक उन मंडलियों से, जिनके पास बड़ी भौतिक संपत्ति नहीं थी। मामूली आकार के कमरों में लटकने के लिए डिज़ाइन किए गए छोटे चित्रफलक चित्रों का प्रकार विकसित होता है और प्रमुख प्रकार बन जाता है। कमीशन के साथ-साथ, कला बाजार के लिए चित्रों को और भी अधिक बार निष्पादित किया जाता था, और उनमें व्यापार व्यापक था। चित्रों की अत्यधिक मांग के कारण बड़े पैमाने पर उत्पादन हुआ, और उनके अतिउत्पादन के कारण, बहुत से कलाकारों को अपने प्रत्यक्ष पेशे को आगे बढ़ाने के अलावा आजीविका के अन्य स्रोतों की तलाश करनी पड़ी। उत्कृष्ट चित्रकार अक्सर या तो माली, या नौकर, या कर्मचारी (गोयेन, स्टीन, गोबेमा, आदि) बन जाते हैं।
17वीं शताब्दी के डच चित्रकला में विषयों और चित्रात्मक तकनीकों के संबंध में, यथार्थवाद की शुरुआत पूरी तरह से हावी है। कलाकार को, सबसे पहले, अपने आसपास के जीवन के बाहरी रूपों को उसकी घटनाओं की विविधता में सच्चाई से व्यक्त करने की आवश्यकता थी।
नए बुर्जुआ समाज में व्यक्तित्व के बढ़ते महत्व के परिणामस्वरूप चित्र का असाधारण प्रसार हुआ। संघर्ष की एक लंबी अवधि, जहां विजेता ने अपनी ताकत महसूस की, ने इस प्रक्रिया में योगदान दिया। तब विभिन्न संगठनों द्वारा निभाई गई बड़ी भूमिका और, सबसे पहले, शूटिंग समाजों ने एक विशेष प्रकार के समूह सार्वजनिक चित्र को जन्म दिया, जो व्यापक रूप से विकसित हुआ और डच पेंटिंग की विशिष्ट घटनाओं में से एक बन गया। निशानेबाजों के कई समूह चित्रों के बाद, कुछ व्यापारिक दुकानों, चिकित्सा निगमों (तथाकथित "एनाटॉमी") के प्रतिनिधियों के समूहों के समान चरित्र, और भिखारियों के प्रमुख दिखाई देते हैं।
विदेशी आक्रमणकारियों के प्रतिरोध के तनाव ने राष्ट्रीय भावना को बढ़ा दिया। कला को न केवल सत्य होने की आवश्यकता होने लगी - उसे अपने स्वयं के, लोक लोगों और आज की स्थिति को चित्रित करना था, देशी प्रकृति के अलंकृत चित्र, वह सब कुछ जिस पर मन को गर्व था और जिसे देखने की आदत थी: जहाज, सुंदर मवेशी, भोजन की बहुतायत, फूल। प्रमुख प्रकार के विषय, चित्र के साथ, शैली, परिदृश्य, जानवरों की छवियां और स्थिर जीवन बन गए। प्रोटेस्टेंट चर्च द्वारा खारिज की गई धार्मिक पेंटिंग को बाहर नहीं किया गया था, लेकिन कोई प्रमुख भूमिका नहीं निभाई और सत्तारूढ़ कैथोलिक धर्म के देशों की तुलना में पूरी तरह से अलग चरित्र हासिल कर लिया। भूखंडों की यथार्थवादी व्याख्या द्वारा उनमें रहस्यमय सिद्धांत को दबा दिया गया था, और इस सर्कल के चित्रों को मुख्य रूप से रोजमर्रा की पेंटिंग के रूप में पहना जाता था। प्राचीन इतिहास के दृश्य एक अपवाद के रूप में सामने आते हैं और वर्तमान राजनीतिक घटनाओं पर संकेत देने के लिए उपयोग किए जाते हैं। सभी रूपक की तरह, वे साहित्यिक और मानवीय हितों में शामिल संकीर्ण दायरे में सफल रहे।
इस समय के डच स्कूल की एक विशिष्ट विशेषता कुछ प्रकार के विषयों में संकीर्ण विशेषज्ञता है, जो इसके प्रतिनिधियों के बीच लगातार देखी जाती है। यह विशेषज्ञता शैलियों के भेदभाव की ओर ले जाती है: कुछ कलाकार पूंजीपति वर्ग के मध्य और ऊपरी तबके के जीवन से लगभग विशेष रूप से रोज़मर्रा के दृश्यों को विकसित करते हैं, दूसरों का सारा ध्यान किसान जीवन पर केंद्रित होता है; भू-दृश्य चित्रकारों के बीच, कई लोगों के लिए मैदानों, नहरों, गांवों और चरागाहों के अलावा कुछ भी खोजना मुश्किल है; अन्य वन उद्देश्यों से आकर्षित होते हैं, जबकि अन्य समुद्र की छवि के विशेषज्ञ होते हैं। डच कलाकारों ने न केवल चित्रित वस्तुओं और घटनाओं को सटीक रूप से व्यक्त करने का कार्य निर्धारित किया, बल्कि वे अंतरिक्ष की छाप देने का प्रयास करते हैं, साथ ही साथ वातावरण और प्रकाश के रूपों पर प्रभाव डालते हैं जो उन्हें घेरते हैं। प्रकाश और वायु के संचरण की समस्या १७वीं शताब्दी के डच स्कूल की एक सामान्य और बुनियादी सचित्र खोज है। इस प्रकार, पेंटिंग अनैच्छिक रूप से भावनात्मकता की शुरुआत प्राप्त करती है, जिससे दर्शकों में कुछ मूड बनते हैं।
17 वीं शताब्दी की पहली तिमाही डच पेंटिंग के लिए एक संक्रमणकालीन अवधि है, जब अभी-अभी बताई गई विशेषताओं को अभी तक अपना पूर्ण विकास नहीं मिला है। विषयगत दृष्टिकोण से, डच पेंटिंग के मुख्य प्रकार - परिदृश्य और रोजमर्रा की जिंदगी - अभी भी अपेक्षाकृत कम विभेदित हैं। इस समय के चित्रों में दोनों शैली और परिदृश्य तत्व अक्सर समान होते हैं। परिदृश्य के सामान्य निर्माण और रंग दोनों में, विशुद्ध रूप से दृश्य छवियों में कई परंपराएं हैं।
स्थानीय यथार्थवादी परंपराओं के साथ-साथ, जो अभी भी जीवित हैं, इटली का प्रभाव मजबूत है, विशेष रूप से, इसकी व्यवहारवादी धाराएं और कारवागियो की यथार्थवादी कला दोनों। बाद की प्रवृत्ति का सबसे विशिष्ट प्रतिनिधि होनथोर्स्ट (1590-1656) था। १७वीं शताब्दी की शुरुआत में काम करने वाले जर्मन कलाकार एडम एल्शाइमर (१५७८-१६१०) का प्रभाव भी बहुत ध्यान देने योग्य है। बाइबिल से या प्राचीन साहित्य से चुने गए विषयों की व्याख्या में स्वच्छंदतावाद, साथ ही प्रसिद्ध प्राच्यवाद (पूर्व के लिए आकर्षण), प्रकार, पोशाक और अन्य विवरणों के चयन में व्यक्त किए गए, उनके काम में एक वृद्धि के साथ संयुक्त हैं सजावटी प्रभाव की इच्छा। पीटर लास्टमैन (1583-1633) इस समूह के अग्रणी कलाकार के रूप में उभरे।
फ़्रांसिस हल्स। फ्रैंस हल्स (सी. १५८०-१६६६) डच स्कूल को पूर्ण रूप से खिलने वाले पहले चित्रकार थे। उनकी गतिविधि लगभग पूरी तरह से हार्लेम में हुई थी। यहाँ, पहले से ही १६१६ के आसपास, उन्हें सबसे प्रमुख प्रमुख चित्रकार के रूप में पदोन्नत किया गया था और अपने जीवन के अंत तक इस क्षेत्र में अपनी भूमिका बनाए रखी। हल्स के आगमन के साथ, कड़ाई से यथार्थवादी और मार्मिक व्यक्तिगत डच चित्र परिपक्वता तक पहुंचता है। सब कुछ डरपोक, क्षुद्र, प्रकृतिवादी है जो अपने पूर्ववर्तियों को अलग करता है।
खालसा की कला के प्रारंभिक चरण को स्पष्ट नहीं किया गया है। हम तुरंत देखते हैं कि मास्टर ग्रुप पोर्ट्रेट की सबसे कठिन समस्या को हल कर रहा है। वह सेंट पीटर्सबर्ग के निगम के निशानेबाजों में से एक के बाद एक पेंट करता है। हैड्रियन और सेंट। जॉर्ज (हारलेम, फ्रैंस हल्स संग्रहालय), जहां एक भीड़ भरी बैठक की जीवंतता और उपस्थित लोगों में से प्रत्येक के प्रकार की चमक को सहज सहजता से व्यक्त किया जाता है। इन चित्रों में विशेषताओं की असाधारण तीक्ष्णता के साथ सचित्र कौशल और समूहों की संरचनागत संसाधनशीलता साथ-साथ चलती है। हल्स एक मनोवैज्ञानिक नहीं है: उसके मॉडल का मानसिक जीवन आमतौर पर उसके लिए गुजरता है। और वह ज्यादातर लोगों के लिए लिखते हैं जिनका पूरा जीवन तीव्र, जोरदार गतिविधि की स्थितियों में गुजरता है, लेकिन जो मनोवैज्ञानिक प्रकृति के प्रश्नों में बहुत गहराई से नहीं जाते हैं। लेकिन हल्स, जैसे कोई और नहीं, इन लोगों की उपस्थिति को पकड़ता है, सबसे क्षणभंगुर को समझने में सक्षम है, लेकिन साथ ही चेहरे की अभिव्यक्ति में, मुद्रा में, इशारों में सबसे अधिक विशेषता है। स्वभाव से हंसमुख, वह हर छवि को पुनरुत्थान, आनंद के क्षण में कैद करना चाहता है, और कोई भी हंसी को इतनी सूक्ष्मता और विविधता के साथ व्यक्त नहीं करता है जितना वह करता है। एक अधिकारी का पोर्ट्रेट (1624, लंदन, वालेस संग्रह), एक कुर्सी पर लहराते हुए "गेटगेसेन" (1630 के दशक के अंत में, ब्रुसेल्स, आर्ट गैलरी), "जिप्सी" (1620 के दशक के अंत में, लौवर), या तथाकथित "हार्लेम विच" - "मल्ले बोबे" (बर्लिन) को उनकी मार्मिक और अक्सर दिलेर कला के विशिष्ट उदाहरणों के रूप में नामित किया जा सकता है। पुरुषों, महिलाओं, बच्चों को उनके द्वारा एक जीवित छवि की समान भावना के साथ चित्रित किया गया है ("पोर्ट्रेट ऑफ ए यंग मैन विद ए ग्लव", लगभग 1650, हर्मिटेज)। जीवंतता की छाप भी हल्स तकनीक द्वारा ही सुविधाजनक है, जो असामान्य रूप से मुक्त है और वर्षों से इसकी चौड़ाई में बढ़ रही है। प्रारंभिक कार्यों की सजावटी चमक को बाद में तड़का दिया जाता है, रंग चांदी हो जाता है, काले और सफेद स्वरों का उपयोग करने की स्वतंत्रता एक ऐसे कौशल की बात करती है जो सबसे साहसी चित्रकार को वहन कर सकता है। कुछ कार्यों में, रंग समाधान के प्रभाववादी तरीकों को रेखांकित किया गया है। हल्स अपने जीवन के अंतिम वर्षों तक अनगिनत व्यक्तिगत चित्रों को चित्रित करता है, लेकिन समूह चित्रों के साथ फिर से समाप्त होता है। रंग में सामान्यीकृत, ड्राइंग में हाथ की कमजोर कमजोरी को प्रकट करते हुए, वे फिर भी असामान्य रूप से अभिव्यंजक रहते हैं। उनके पात्र गरीब घर (1664, हार्लेम, फ्रैंस हल्स संग्रहालय) के बुजुर्गों के एक समूह का प्रतिनिधित्व करते हैं, जहां अस्सी वर्षीय कलाकार ने अपना अंतिम आश्रय पाया। तत्कालीन बुर्जुआ समाज के बीच भौतिक सफलता सुनिश्चित करने के लिए उनकी कला अपने समय में बहुत उन्नत थी।
रेम्ब्रांट। हल्स के बाद की एक पीढ़ी, रेम्ब्रांट (1606-1669) की विशाल आकृति डच यथार्थवाद पर जोर देने की पृष्ठभूमि के खिलाफ बढ़ती है। उनका काम हॉलैंड का सबसे बड़ा गौरव है, लेकिन इस गुरु का महत्व एक राष्ट्रीयता के ढांचे तक सीमित नहीं है। रेम्ब्रांट को अब तक के सबसे महान यथार्थवादी चित्रकारों में से एक के रूप में प्रस्तुत किया जाता है और साथ ही चित्रकला के महानतम उस्तादों में से एक के रूप में प्रस्तुत किया जाता है।
रेम्ब्रांट हर्मेंसज़ून वैन रिजन का जन्म 1606 में लीडेन में हुआ था और वह एक अमीर आटा मिल मालिक का बेटा था। उन्होंने जल्दी ही पेंटिंग के लिए एक जुनून की खोज की और लीडेन विश्वविद्यालय में थोड़े समय के लिए रहने के बाद खुद को पूरी तरह से कला के लिए समर्पित कर दिया। मामूली स्थानीय कलाकार जैकब स्वैननबर्च के साथ अध्ययन की सामान्य तीन साल की अवधि पूरी करने के बाद, रेम्ब्रांट एम्स्टर्डम में सुधार करने गए, जहां वे लास्टमैन के छात्र बन गए। उत्तरार्द्ध की कई तकनीकों में महारत हासिल करने के बाद, उन्होंने कारवागिस्टों की यथार्थवादी दिशा के प्रभाव को भी महसूस किया।
लीडेन लौटकर, रेम्ब्रांट ने एक स्वतंत्र शिल्पकार के रूप में काम करना शुरू किया, उन्हें बड़ी सफलता मिली और इस सफलता ने उन्हें एम्स्टर्डम जाने के लिए प्रेरित किया, जहां वे 1631 में बस गए। यहाँ रेम्ब्रांट बहुत जल्द एक फैशनेबल कलाकार बन गए, जो आदेशों से भरे हुए थे और कई छात्रों से घिरे हुए थे। साथ ही उनकी निजी जिंदगी का सबसे चमकीला समय भी खुला।
१६३४ में, उन्होंने एक युवा, सुंदर लड़की, सास्किया वान उहलेन-बोर्ग से शादी की, जो एम्स्टर्डम के एक प्रमुख बुर्जुआ परिवार से ताल्लुक रखती है और उसे दहेज के रूप में एक बड़ा भाग्य लाया। इसने एक सफल गुरु की पहले से ही बढ़ती संपत्ति में वृद्धि की, उसे भौतिक स्वतंत्रता प्रदान की और साथ ही उसे कला के कार्यों और सभी प्रकार की प्राचीन वस्तुओं को इकट्ठा करने के जुनून के लिए आत्मसमर्पण करने की अनुमति दी।
पहले से ही रेम्ब्रांट के लीडेन में रहने के दौरान, और इससे भी अधिक एम्स्टर्डम जाने के बाद, उनकी कला की मुख्य विशेषताएं स्पष्ट रूप से महसूस की जाती हैं। उनकी छवियों का चक्र धार्मिक विषयों, इतिहास, पौराणिक कथाओं, चित्र, शैली, जानवरों की दुनिया, परिदृश्य, स्थिर जीवन को कवर करता है। रेम्ब्रांट के ध्यान के केंद्र में अभी भी एक व्यक्ति है, जो पात्रों और भावनात्मक आंदोलनों का मनोवैज्ञानिक रूप से सही हस्तांतरण है। मनोवैज्ञानिक समस्याओं में यह रुचि अनगिनत चित्रों के साथ-साथ रेम्ब्रांट के पसंदीदा बाइबिल विषयों में भी प्रकट होती है, जो उन्हें मानवीय संबंधों और पात्रों को चित्रित करने का प्रतिष्ठित बहाना देती है। कहानी कहने का मास्टर का अंतर्निहित उपहार उसे न केवल छवियों की अभिव्यक्ति के साथ, बल्कि चुने हुए कथानक की मनोरंजक प्रस्तुति के साथ भी दर्शकों को आकर्षित करने की अनुमति देता है।
रेम्ब्रांट की छवियां कला के कार्यों की उनकी गहरी यथार्थवादी समझ को प्रकट करती हैं। वह लगातार प्रकृति का अध्ययन कर रहा है और आसपास की वास्तविकता के सभी रूपों में उत्सुकता से देखता है। उसका ध्यान हर उस चीज से आकर्षित होता है जिसमें विशेषता स्पष्ट रूप से व्यक्त की जाती है: चेहरे की अभिव्यक्ति, हावभाव, चाल, वेशभूषा। वह अपने प्रेक्षणों को या तो रेखाचित्रों में या सुरम्य रेखाचित्रों में दर्ज करता है। उत्तरार्द्ध मुख्य रूप से अपने प्रारंभिक काल में गिरते हैं। रूप और उसकी अभिव्यक्ति का अर्जित ज्ञान तब रेम्ब्रांट के सभी रचनात्मक कार्यों का एक अभिन्न अंग बन जाता है और उन्हें असाधारण सत्यता प्रदान करता है।
घटना के सार पर बढ़े हुए ध्यान के समानांतर, रेम्ब्रांट पूरी तरह से विशुद्ध रूप से चित्रमय समस्याओं में और मुख्य रूप से काइरोस्कोरो की समस्या में लीन है। उनके समाधानों की मौलिकता और कौशल ने उन्हें महानतम चित्रकार की प्रसिद्धि दिलाई। रेम्ब्रांट के प्रकाश का परिष्कार, रंगीन प्रभावों के साथ, मास्टर के चित्रों में उच्च कलात्मक मूल्य का है। लेकिन यह न केवल एक आत्मनिर्भर सजावटी मूल्य है। रेम्ब्रांट के लिए, प्रकाश प्रभाव की व्याख्या एक ही समय में छवियों की प्रकृति को प्रकट करने के सबसे महत्वपूर्ण साधनों में से एक है। इसकी रचना प्रबुद्ध और छायांकित योजनाओं के अनुपात पर आधारित है। उनका वितरण, कुछ रूपों को उजागर करना और दूसरों को छिपाना, दर्शकों का ध्यान उस ओर आकर्षित करता है जो कथा या चरित्र चित्रण के लिए विशेष रूप से महत्वपूर्ण है और इस तरह अभिव्यक्ति को बढ़ाता है। सचित्र पक्ष सामग्री से व्यवस्थित रूप से जुड़ा हुआ है।
रेम्ब्रांट की कलात्मक गतिविधि शुरू से अंत तक आंतरिक एकता से ओत-प्रोत है। लेकिन उनका रचनात्मक मार्ग फिर भी कुछ विशिष्ट विशेषताओं की विशेषता वाले कई स्पष्ट रूप से व्यक्त चरणों को अलग करने की अनुमति देता है।
वर्षों की शिक्षुता और पहले स्वतंत्र कदमों के बाद, ऐसा नया चरण १६३० का दशक है। इस अवधि के दौरान, रेम्ब्रांट के पास एक ओर, रोमांटिक तत्व और फंतासी, दूसरी ओर, बारोक कला की औपचारिक विशेषताएं थीं। कल्पना की छाप मुख्य रूप से रोशनी के प्रभाव के कारण होती है, जो हमेशा एक विशिष्ट स्रोत पर निर्भर नहीं होती है, बल्कि उत्पन्न होती है, जैसे कि वस्तुओं की उत्सर्जन क्षमता से। इस काल की रेम्ब्रांट कला की बारोक प्रवृत्तियों के लिए, कलात्मक भाषा का उत्साह, रचनाओं की गतिशीलता और पाथोस, आंशिक रूप से रंग की तीक्ष्णता सांकेतिक हैं। इस स्तर पर, रेम्ब्रांट में छवियों के नाटकीयकरण की एक निरंतर प्रवृत्ति होती है, जिससे मास्टर को खुद को और अपने प्रियजनों को शानदार लबादे, हेलमेट, पगड़ी, बेरी पहने या सास्किया को या तो बाइबिल की नायिकाओं की छवि में या एक के रूप में चित्रित करने के लिए प्रेरित किया जाता है। प्राचीन देवी।
वह निश्चित रूप से, अलग-अलग तरीके से कमीशन किए गए चित्रों से संपर्क करता है। वे विशेषताएं जो उन्हें उनकी जीवंतता, मूर्तिकला रूपों के कौशल, लालित्य की खोज और एक ही समय में एक निश्चित गंभीरता से अलग करती हैं, एक चित्रकार के रूप में उनकी तत्कालीन प्रसिद्धि को सही ठहराती हैं। समूह चित्र, जिसे "द एनाटॉमी ऑफ डॉक्टर ट्यूलिप" (1632, द हेग, मॉरीशस) के रूप में जाना जाता है, जहां इन विशेषताओं को ट्यूलिप द्वारा संरचनात्मक तालिका में दिए गए व्याख्यान पर ध्यान देने वाले समुदाय द्वारा चित्रित व्यक्तियों को एकजुट करने की क्षमता में जोड़ा गया था। , रेम्ब्रांट की पहली विशेष रूप से शानदार सफलता थी।
समीक्षाधीन दशक में पोर्ट्रेट कार्य की अत्यधिक प्रचुरता के साथ, रेम्ब्रांट को आलंकारिक, कथात्मक पेंटिंग के लिए समय मिला जिसने उन्हें मोहित किया। द एंजल लीविंग द टोबियास फैमिली (1637, लौवर) इस अवधि की विख्यात बारोक विशेषताओं का एक उदाहरण है। बाइबिल से उधार लिया गया कथानक, जो उस क्षण को प्रस्तुत करता है जब टोबियास के बेटे को उसके पिता को ठीक करने में मदद करने वाला देवदूत उस परिवार को छोड़ देता है जिससे उसे लाभ हुआ है, शैली के तत्वों से संतृप्त है। विषय के लिए एक और भी अधिक निश्चित शैली दृष्टिकोण हर्मिटेज पेंटिंग द पैरेबल ऑफ द वाइनग्रोवर्स (1637) में कैप्चर किया गया है। इस मामले में, सुसमाचार का दृष्टांत अमीर मालिक के श्रमिकों के साथ बसने के विशुद्ध रूप से यथार्थवादी दृश्य में बदल जाता है। इशारों और चेहरे के भावों की वफादारी रेम्ब्रांट की छोटी खिड़कियों के माध्यम से प्रकाश स्ट्रीमिंग को प्रसारित करने और एक उच्च, अर्ध-अंधेरे कमरे की गहराई में लुप्त होने की चित्रमय समस्या से कम नहीं है।
1630 के दशक में रेम्ब्रांट की चित्रकारी कौशल और हरे-सुनहरे रंग की विशेषता उनके सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक में पूरी तरह से प्रकट होती है - हर्मिटेज डाने (1636)। शरीर के हस्तांतरण में जीवन की भावना से, हावभाव में, चेहरे की अभिव्यक्ति में, यह अपने रचनात्मक विकास के इस समय में कलाकार की कलात्मक अवधारणा के यथार्थवाद को असाधारण रूप से स्पष्ट रूप से प्रकट करता है।
1640 के दशक की शुरुआत के साथ, रेम्ब्रांट के काम ने एक नए चरण में प्रवेश किया, जो अगले दशक के मध्य तक चला। कला के कार्यों को समझने की मास्टर की स्वतंत्रता, गहन जीवन सत्य की उनकी इच्छा, मनोवैज्ञानिक समस्याओं में रुचि, जो वर्षों से अधिक से अधिक प्रकट हुई, रेम्ब्रांट में बुर्जुआ समाज की संस्कृति से बहुत आगे, सबसे बड़े रचनात्मक व्यक्तित्व का पता चला। उसके आसपास। रेम्ब्रांट की कला की गहरी सामग्री बाद के लिए दुर्गम थी। यह ऐसी कला चाहता था जो यथार्थवादी हो, लेकिन अधिक सतही हो। रेम्ब्रांट की चित्रात्मक तकनीकों की मौलिकता, बदले में, आम तौर पर स्वीकृत सावधान, कुछ हद तक चिकना लेखन के विपरीत थी। जैसे-जैसे स्वतंत्रता के लिए राष्ट्रीय वीरतापूर्ण संघर्ष का समय अतीत में जाता गया, शासक परिवेश के स्वाद में, लालित्य की ओर रुझान और छवि के एक निश्चित आदर्शीकरण में वृद्धि हुई। रेम्ब्रांट के विचारों की कठोरता, उनकी भौतिक स्वतंत्रता द्वारा समर्थित, ने उन्हें समाज के साथ पूर्ण असहमति के लिए प्रेरित किया। बुर्जुआ परिवेश के साथ यह विराम सबसे निश्चित रूप से एम्स्टर्डम राइफलमेन गिल्ड से एक बड़े समूह के चित्र की कमीशनिंग के संबंध में प्रकट हुआ। इस आदेश (1642, एम्स्टर्डम) के परिणामस्वरूप निष्पादित पेंटिंग ने ग्राहकों को संतुष्ट नहीं किया और कलात्मक हलकों में भी समझ से बाहर रहा। कमोबेश सामान्य चित्र समूह के बजाय, रेम्ब्रांट ने अपने नेताओं के बाद ढोल की आवाज़ के लिए दौड़ते हुए एक सशस्त्र दस्ते के प्रदर्शन की एक तस्वीर दी। चित्रित किए गए लोगों की चित्र विशेषताएं दृश्य की गतिशीलता से पहले पृष्ठभूमि में घट गईं। कायरोस्कोरो के विरोधाभासों की व्यापक रूप से कल्पना की गई सुरम्यता ने इस चित्र को एक रोमांटिक चरित्र दिया, जिससे इसके पारंपरिक नाम - "नाइट वॉच" को जन्म दिया गया।
प्रमुख वातावरण के साथ संघर्ष और परिणामस्वरूप आदेशों में तेज गिरावट ने गुरु की रचनात्मक ऊर्जा को प्रभावित नहीं किया। यह रेम्ब्रांट की पारिवारिक स्थितियों में बदलाव को भी प्रतिबिंबित नहीं करता था, जिन्होंने अपनी प्यारी पत्नी को हाल ही में उल्लिखित चित्र के निर्माण के वर्ष में खो दिया था, जो उनकी महिला छवियों की निरंतर प्रेरणा थी। कुछ साल बाद, एक और उसकी जगह लेता है। एक नौकर की विनम्र भूमिका में पहली बार दिखाई देने पर, हेन्ड्रिक स्टॉफ़ल्स तब मालिक के जीवन का एक वफादार दोस्त बन जाता है और उसे पारिवारिक आराम की शांति और शांति प्रदान करता है।
रेम्ब्रांट की कला के विकास के लिए आने वाला समय अनुकूल था। उनके काम से युवाओं का जोश गायब हो जाता है। यह अधिक केंद्रित, अधिक संतुलित और और भी गहरा हो जाता है। रचनाओं और पाथोस की जटिलता को सादगी की ओर एक गुरुत्वाकर्षण द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है। बाहरी प्रभावों की खोज से भावना की ईमानदारी विचलित नहीं होती है। काइरोस्कोरो की समस्या अभी भी गुरु के ध्यान पर हावी है। रंग गर्म हो जाता है। इसमें सुनहरे पीले और लाल रंग के स्वर हावी हैं। प्रकृति में धार्मिक, लेकिन कथानक की व्याख्या में विशुद्ध रूप से शैली, हर्मिटेज पेंटिंग द होली फैमिली (1645) इस समय की अत्यंत विशेषता है।
बाइबिल शैली की रचनाओं के साथ, यह अवधि रेम्ब्रांट - परिदृश्य के लिए वास्तविकता के एक नए प्रकार के चित्रण से परिपूर्ण है। कुछ मामलों में अपने रोमांटिक झुकाव के लिए श्रद्धांजलि अर्पित करते हुए, वह इसके साथ-साथ, दृष्टिकोण के सख्त यथार्थवाद के साथ एक अलंकृत डच गांव की लुभावनी तस्वीरें बनाता है। छोटा "विंटर व्यू" (1646, कैसल), एक स्पष्ट ठंढे दिन के प्रकाश में एक किसान यार्ड और एक जमी हुई नहर की सतह पर कई आकृतियों को चित्रित करता है, भावना की सूक्ष्मता और दृश्य धारणा की सत्यता के संदर्भ में, कार्य करता है डचों के यथार्थवादी परिदृश्य के सबसे उत्तम उदाहरणों में से एक।
पोर्ट्रेट में, रेम्ब्रांट अब खुद को मॉडल की पसंद में अधिक स्वतंत्र पाते हैं और मुख्य रूप से एक स्पष्ट व्यक्तित्व वाले चेहरे लिखते हैं। ये मुख्य रूप से बुजुर्ग महिलाएं और बूढ़े यहूदी हैं। लेकिन उसी तीक्ष्णता के साथ वह एक युवा महिला के चेहरे का आकर्षण या एक युवा उपस्थिति का आकर्षण व्यक्त करने में सक्षम है। इन चित्रों में सब कुछ सामान्य से नीच है, लेकिन साथ ही छवि की असामान्य रूप से तेज प्रस्तुति। यह काफी हद तक तकनीकी निष्पादन के तरीके की बढ़ती चौड़ाई से सुगम है।
इस अवधि के दौरान जो कुछ बनाया गया था, उसकी विशालता और कलात्मक मूल्य के बावजूद, रेम्ब्रांट की वित्तीय स्थिति १६५० के दशक के मध्य तक बेहद कठिन हो गई। आदेशों की संख्या में गिरावट, चित्रों की कठिन बिक्री और विशेष रूप से अपने मामलों के संचालन में मास्टर की लापरवाही के कारण, रेम्ब्रांट ने बड़ी वित्तीय कठिनाइयों का अनुभव किया। सास्किया के जीवन के दौरान एक महंगे घर के अधिग्रहण से जुड़े कर्ज ने पूरी तरह से बर्बादी की धमकी दी। खुद को कर्ज से मुक्त करने के प्रयास केवल आपदा को स्थगित कर सकते थे, लेकिन यह फिर भी फूट पड़ा। 1656 की गर्मियों में, रेम्ब्रांट को दिवालिया घोषित कर दिया गया और उनकी सारी संपत्ति नीलामी में बेच दी गई। अपने सामान्य आश्रय से वंचित, उन्हें अपने परिवार के साथ व्यापारिक राजधानी के गरीब यहूदी क्वार्टर में जाने के लिए मजबूर होना पड़ा, और यहाँ, तीव्र रूप से कमी महसूस करते हुए, उनके अंतिम दिन बीत गए।
ये प्रतिकूलताएं, साथ ही साथ बाद में रेम्ब्रांट पर जो दुर्भाग्य आया - हेंड्रिक की मृत्यु, टाइटस के इकलौते बेटे की मृत्यु - उसकी प्रतिभा के आगे विकास को रोकने के लिए शक्तिहीन थी। १६५० और १६६० के दशक के उत्तरार्ध रेम्ब्रांट के काम का सबसे महत्वाकांक्षी चरण है। यह उनकी पिछली सभी मनोवैज्ञानिक और चित्रात्मक खोजों के संश्लेषण का प्रतिनिधित्व करता है। छवियों की असाधारण शक्ति, अवधारणा की सादगी, गर्म रंग की तीव्रता और सुरम्य बनावट का दायरा इस अवधि की मुख्य विशेषताएं हैं। ये गुण चित्रों और बाइबिल की रचनाओं दोनों में समान रूप से प्रकट होते हैं। इस समय बनाए गए सिंडिका (कपड़े की दुकान के बुजुर्ग, १६६२, एम्स्टर्डम) का समूह चित्र योग्य रूप से रेम्ब्रांट के काम की ऊंचाइयों में से एक माना जाता है। एक तेज मनोवैज्ञानिक विशेषता, निर्माण की सादगी, रेखाओं और द्रव्यमानों की लय की अचूकता को छिपाने के साथ-साथ रंगों की एक औसत संख्या, लेकिन एक गहन रंग, रेम्ब्रांट के पूरे पिछले पथ को एक चित्रकार के रूप में सारांशित करता है। बाइबिल पेंटिंग के क्षेत्र में, वही भूमिका द रिटर्न ऑफ द प्रोडिगल सोन की है, जो कि हर्मिटेज में है। अपनी सादगी, नाटक और मानवीय अनुभवों को संप्रेषित करने की सूक्ष्मता में क्षमाशील पिता और अपने अपव्यय का पश्चाताप करने वाले पुत्र के मेल-मिलाप का दृश्य विश्व कला में नायाब रहता है। स्वर की संतृप्ति और अक्षर की चौड़ाई के संदर्भ में उसके लिए कुछ भी समान खोजना मुश्किल है।
प्रोडिगल सोन मास्टर के सबसे हालिया चित्रों में से एक है और जाहिर तौर पर रेम्ब्रांट की मृत्यु के वर्ष 1669 से है। यह मृत्यु पूरी तरह से किसी का ध्यान नहीं गया, और केवल कई वर्षों बाद, 18 वीं शताब्दी में, इस महान कलाकार की कला की समझ बढ़ने लगी।
रेम्ब्रांट का मूल्य, मास्टर की पेंटिंग के साथ, एक ग्राफिक कलाकार के रूप में उनकी विशाल विरासत के कारण है। रेम्ब्रांट के कार्यों के उपरोक्त सभी गुण ग्राफिक कार्यों में पेंटिंग की तुलना में कम स्पष्ट रूप से परिलक्षित नहीं होते थे, और इसके अलावा, मूल चित्र और मुद्रित ग्राफिक्स और उत्कीर्णन दोनों के क्षेत्र में। बाद के संबंध में, रेम्ब्रांट नक़्क़ाशी का सबसे बड़ा स्वामी है।
उनके चरित्र चित्रण के लिए नक़्क़ाशी चित्रों से कम महत्वपूर्ण नहीं हैं। रेम्ब्रांट की मनोवैज्ञानिक विश्लेषण की विशिष्ट गहराई, छवियों की अभिव्यंजक यथार्थवाद और कलात्मक तकनीक की महारत अद्भुत चादरों की एक लंबी श्रृंखला में परिलक्षित होती है, विषयगत रूप से मास्टर की पेंटिंग से भी अधिक विविध। सबसे प्रसिद्ध में "क्राइस्ट हीलिंग द सिक" (तथाकथित "लीफ ऑफ ए हंड्रेड फ्लोरिन्स", सी। 1649), "थ्री क्रॉस" (1653), लुटमा (1656), हारिंग (1655), सिक्स के चित्र हैं। (१६४७), साथ ही साथ "थ्री ट्रीज़ (१६४३) और" द एस्टेट ऑफ़ द वेइगर ऑफ़ गोल्ड "(१६५१) के रूप में जाने जाने वाले परिदृश्य।
रेम्ब्रांट की ग्राफिक विरासत में चित्रों का कोई कम महत्वपूर्ण स्थान नहीं है। अपने आसपास की दुनिया के बारे में रेम्ब्रांट की धारणा की तीक्ष्णता और मौलिकता इन असंख्य और विविध शीटों में विशेष बल के साथ परिलक्षित होती थी। ड्राइंग का तरीका, रेम्ब्रांट के सचित्र तरीके की तरह, मास्टर के रचनात्मक विकास के दौरान विशेष रूप से विकसित होता है। यदि रेम्ब्रांट के शुरुआती चित्रों पर विस्तार से काम किया जाता है और वे रचना में काफी जटिल होते हैं, तो अधिक परिपक्व अवधि में उन्होंने उन्हें एक विस्तृत चित्रमय तरीके से, असामान्य रूप से संक्षिप्त और सरल तरीके से प्रदर्शित किया। रेम्ब्रांट आमतौर पर हंस या ईख की कलम से आकर्षित होते थे और सरलतम तकनीकों की मदद से, अभिव्यक्ति की एक असाधारण शक्ति प्राप्त करने में सक्षम थे। उनके चित्र, भले ही वे किसी रोज़मर्रा के मकसद के छोटे-छोटे रेखाचित्र हों, प्रकृति की सभी विविधता को पूरी तरह से व्यक्त करते हुए, एक संपूर्ण का प्रतिनिधित्व करते हैं।
रेम्ब्रांट की कला समग्र रूप से उनके समकालीनों के लिए समझ से बाहर रही। सफलता की अवधि के दौरान, छात्रों का एक बहुत बड़ा स्कूल फिर भी उनके चारों ओर बनाया गया, जिनमें से फर्डिनेंड बोल (1616-1680), हेरब्रांड वैन डेन एक्हौट (1621-1674) और आर्ट डी गेल्डर (1645-1727) सबसे प्रसिद्ध बन गए। . विषय वस्तु, रचना तकनीक और शिक्षकों के प्रकारों में महारत हासिल करने के बाद, वे अपने चित्र चित्रकला में रेम्ब्रांट की तकनीकों की बाहरी नकल से आगे नहीं बढ़े। इसके विपरीत, मास्टर के जीवित प्रभाव ने निश्चित रूप से उनके आस-पास के कई परिदृश्य चित्रकारों को प्रभावित किया - फिलिप्स कोनिंक (1619-1688), डूमर (1622-1700) और अन्य। इसके बावजूद, प्रकाश की समस्या का उनका विकास बाद की सभी डच पेंटिंग के विकास की आधारशिला बन गया।
हालाँकि, रेम्ब्रांट के काम को पूर्ण मान्यता केवल 19 वीं शताब्दी में मिली। और उस क्षण से, वह यथार्थवादी और एक ही समय में छवियों के सुरम्य अवतार के उच्चतम उदाहरणों में से एक होना बंद नहीं करता है।