सीनोग्राफी थिएटर। सीनोग्राफी या नाट्य और सजावटी कला एक विशेष प्रकार की कलात्मक रचना है
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परिचय
1. दर्शनीय स्थलों की अवधारणा
2. समकालीन दृश्यावली
निष्कर्ष
साहित्य
परिचय
आधुनिक रंगमंच में, विभिन्न प्रकार के प्रतीकात्मक साधनों का उत्कृष्ट संयोजन, एक नाटक की दृश्य छवि का मूल्य - इसका "शानदार पाठ" - लगातार बढ़ रहा है, जैसा कि पहले दशकों से नाटकीय अभ्यास और नाटककारों और निर्देशकों की सैद्धांतिक अवधारणाओं दोनों से प्रमाणित है। 20वीं सदी के। आज तक।
२०वीं शताब्दी के विश्व रंगमंच में हुई कायापलट, नाटक के क्षेत्र में खोजों से जुड़ी, निर्देशन (बी। ब्रेख्त, पी। ब्रूक, ई। ग्रोटोव्स्की, जे। कोपो, ओ। क्रेज़्का, आर। प्लांचोन) भी दृश्य-चित्रण में नई खोजों को जन्म दिया (जे. अयोट, ए. अप्पिया, के. वॉन अपेन, आर. कोलताई, ई.-जी. क्रेग, जे. स्वोबोडा)। आधुनिक दृश्य अब केवल मंच को नहीं सजाते हैं, बल्कि एक नाटकीय स्थिति के लिए एक वातावरण बनाने का प्रयास करते हैं, प्रदर्शन का अर्थ निर्धारित करते हैं और निर्देशक की अवधारणा को उजागर करते हैं। इसी तरह की प्रक्रियाएं घरेलू थिएटर में देखी जाती हैं, न केवल नाटकीय, बल्कि संगीत भी, जहां एक बैले प्रदर्शन की छवि का विकास प्रसिद्ध संगीतकारों (IF Stravinsky, SS Prokofiev, BI Tishchenko) कोरियोग्राफर (K. Ya) के नामों से जुड़ा है। गोलेइज़ोव्स्की, एफ.वी. लोपुखोव, यू.एन. ग्रिगोरोविच, ओ.एम. विनोग्रादोव, एन.एन. बोयार्चिकोवा) और सेट डिज़ाइनर (वी.वी. दिमित्रीवा, एस.बी. विरसलाद्ज़े, वी. या. लेवेंथल, वी.जी. सेरेब्रोव्स्की, वी.ए.ओकुनेव, आर.एन. इवानोवा)।
भाषा और परिदृश्य के कार्यों में परिवर्तन न केवल नाटकीय कला और इसके दृश्य सौंदर्यशास्त्र के विकास के साथ जुड़ा हुआ है, बल्कि पाठ व्याख्या की समस्या के परिवर्तन और इसके मंच कार्यान्वयन के साथ भी जुड़ा हुआ है। एक अभिनेता और निर्देशक की कला के साथ-साथ दृश्यता, एक प्रदर्शन के अंतरिक्ष-समय में एक नाटकीय पाठ की कल्पना करने का एक तरीका बन गया है, एक "कथन की स्थिति" का निर्माण और एक उत्पादन के अर्थ को परिभाषित करने का एक साधन। यह इस मुद्दे में हमारी रुचि को निर्धारित करता है, जिसे इस काम में हमारे द्वारा माना जाएगा।
1. दर्शनीय स्थलों की अवधारणा
थिएटर के अध्ययन, समीक्षा और थिएटर के अभ्यास में, "सीनोग्राफी" शब्द व्यापक हो गया है, जिसके साथ वे एक नाटकीय काम के प्रमुख बिंदुओं में से एक को नामित करने का प्रयास करते हैं - प्रदर्शन का स्थानिक समाधान।
यह ज्ञात है कि एक शब्द केवल सिद्धांत में सामग्री की अपनी सभी समृद्धि में एक अवधारणा में विकसित होता है, जहां गठन की प्रक्रिया में, इस सामग्री का प्रत्येक पहलू कई सहायक अवधारणाओं का निर्माण करते हुए सिस्टम में प्रवेश करता है। लेकिन यह भी सच है कि सिद्धांत वैचारिक अर्थ के प्रमुख शब्दों के विश्लेषण के साथ शुरू होता है, अभ्यास द्वारा सहज रूप से सामने रखा जाता है, क्योंकि यह उनमें है कि भविष्य के सिद्धांत की पूरी संरचना को सहज रूप से भविष्यवाणी की जाती है।
प्रदर्शन के स्थानिक समाधान के सिद्धांत के निर्माण में इस प्रारंभिक चरण के महत्व और महत्व को समझते हुए, हम "सीनोग्राफी" शब्द की सामग्री के मुख्य पहलुओं का विश्लेषण करने का प्रयास करेंगे, जो आधुनिक रंगमंच के संदर्भ में विकसित हुआ है। और इसके बारे में विज्ञान की स्थिति।
दृश्यता की व्याख्या मुख्य रूप से सजावटी कला के पर्याय के रूप में की जा सकती है। शब्द "सजावटी कला", जिसका शाब्दिक अर्थ है: "सजाने के लिए, कुछ सजाने के लिए," ऐतिहासिक रूप से वातानुकूलित है। इसलिए, कुछ शोधकर्ताओं के अनुसार, वह समकालीन कला के सार का जवाब नहीं दे रहा है, केवल चित्रफलक पेंटिंग की "विशुद्ध रूप से सचित्र" तकनीकों के आधार पर मंच "सजावट" के विकास में एक निश्चित अवधि की विशेषता है। बीस के दशक में दिखाई दिया, "प्रदर्शन की सामग्री डिजाइन" शब्द एक निश्चित नाटकीय दिशा की सौंदर्य स्थिति को दर्शाता है और आवेदन की किसी प्रकार की सार्वभौमिकता का दावा नहीं कर सकता है। यही कारण है कि "सीनोग्राफी" शब्द अब "सजावटी कला" का पर्याय बन गया है।
पहली नज़र में, स्टेज डिज़ाइन शब्द की संरचना से पता चलता है कि यह थिएटर में कलाकार की गतिविधि की बारीकियों को पूरी तरह से दर्शाता है। लेकिन साथ ही, अगर हम "सीनोग्राफी" को प्राकृतिक ग्राफिक्स के रूप में समझते हैं (जो, हमारी राय में, कला में "ग्राफिक्स" शब्द के उपयोग के साथ समानता से काफी स्वाभाविक है), तो सवाल उठता है - क्या यह केवल कम हो गया है दृश्य और वेशभूषा?
प्रदर्शन की संरचना में मंच ग्राफिक्स का महत्व व्यापक है, क्योंकि मंच पर जो दर्शाया गया है, वह सबसे पहले, एक निश्चित स्थानिक वातावरण में अभिनय प्लास्टिक के मिस-एन-सीन ड्राइंग का विकास है। इसके अलावा, यदि सजावटी कला का इतिहास मुख्य रूप से कलाकारों की स्केच सामग्री के अध्ययन पर बनाया गया है, तो मंच ग्राफिक्स के इतिहास को प्रदर्शन की संपूर्ण स्थानिक व्याख्या पर ध्यान केंद्रित करना चाहिए, जो कि नाटकीय छवि के दृश्य महत्व को बनाता है। .
कई शोध कार्यों में, "सीनोग्राफी" शब्द की व्याख्या नाट्य कला के विकास में एक निश्चित चरण के रूप में की जाती है। सबसे विस्तृत रूप में, यह विचार वी.आई. द्वारा व्यक्त किया गया था। "थिएटर ऑफ जोसेफ स्वोबोडा" पुस्तक में बेरेज़किन। इसमें, लेखक ऐतिहासिक उत्पत्ति में कई विकासवादी चरणों को एकल करता है और अंतिम चरण को संदर्भित करता है - सदी की शुरुआत से लेकर आज तक - स्वयं दृश्यता के विकास के लिए। "दृश्यों का अलगाव उनकी अभिव्यक्ति के विशिष्ट साधनों, उनकी सामग्री - मंच स्थान, समय, प्रकाश, गति के विकास में व्यक्त किया गया था।" और फिर लेखक लिखते हैं: "दृश्यों ने खुद को एक कला के रूप में, शब्द के अच्छे अर्थों में, कार्यात्मक, एक जटिल सिंथेटिक काम के सामान्य कानूनों के अधीन - एक प्रदर्शन और एक अभिनेता के साथ निकटतम बातचीत के लिए डिज़ाइन किया, नाटकीय पाठ, संगीत। क्रियाओं के इस समन्वय के माध्यम से, प्रदर्शन की छवियां सामने आती हैं। "...
"सीनोग्राफी" से व्युत्पन्न शब्द "सीनोग्राफी" भी कम लोकप्रिय नहीं है। इसके माध्यम से, प्रदर्शन के मंच स्थान को व्यवस्थित करने में शामिल रचनात्मक कार्यकर्ता थिएटर में अपने पेशे की बारीकियों पर जोर देते हैं।
पहले यह माना जाता था (यह राय अभी भी मौजूद है) कि कोई भी पेशेवर कलाकार, चाहे वह चित्रफलक चित्रकार हो या ग्राफिक कलाकार, किसी प्रदर्शन को "डिज़ाइन" करने में सक्षम है। यह सच है अगर कलाकार के कार्यों को एक सार्थक तैयार किए गए प्रदर्शन के डिजाइन के लिए कम कर दिया जाता है, जो कि नाटकीय काम में परिचय के लिए, अतिरिक्त (इसलिए, कुछ हद तक बाहरी और वैकल्पिक) सचित्र स्ट्रोक से उधार लिया गया है। पेंटिंग के रूप में कला के प्रकार। ग्राफिक्स, आदि। हालांकि, थिएटर, विशेष रूप से आधुनिक, विभिन्न आवश्यकताओं को सामने रखता है, प्रदर्शन की कलात्मक अखंडता बनाने में नाटकीय कलाकार की भूमिका का अलग-अलग मूल्यांकन करता है, जिसके लिए विशेषज्ञता की आवश्यकता होती है, थिएटर पर ध्यान केंद्रित करना।
एक आधुनिक थिएटर कलाकार का गठन, प्रदर्शन के निर्माण में उनकी बढ़ती भूमिका का पता थिएटर के इतिहास में लगाया जा सकता है। एक थिएटर कलाकार के पेशे का दावा अन्य नाट्य व्यवसायों के साथ हुआ, जो इसकी कलात्मक छवि के प्रत्येक पहलू की इस कला की उत्पत्ति में बोध के कारण हुआ था। विशेष रूप से, निर्देशन प्रदर्शन की कलात्मक अखंडता की समस्या के निर्माण से जुड़ा है, जिसके कारण नाटकीय कार्य के दृश्य महत्व को निर्धारित करने, प्रदर्शन करने की आवश्यकता होती है।
यह भी ध्यान दिया जाना चाहिए कि सेट डिजाइन लंबे समय से एक तरह के शोध शून्य में रहा है। एक ओर, किसी ने भी नाट्य कलाकारों को स्वतंत्र रचनाकार कहलाने के अधिकार से वंचित नहीं किया, नाट्य दृश्यों का महत्व, रंगमंच की सिंथेटिक कला के अभिन्न अंग के रूप में प्रदर्शन के स्थानिक समाधान को सभी ने मान्यता दी। थिएटर कलाकारों के नाम नाट्य कार्यक्रम में सबसे प्रमुख निर्देशकों के साथ-साथ कला इतिहासकारों के अध्ययन में और प्रदर्शन कला के विकास में विभिन्न अवधियों को समर्पित पुस्तकों में एक सम्मानजनक स्थान पर हैं। ऐसे कई काम हैं जो नाटकीय और सजावटी कला के इतिहास में विशिष्ट चरणों पर विचार करते हैं, शेक्सपियर के दृश्य की विशेषताएं, चित्रमय दृश्य, 20 के दशक में रूसी और विश्व रंगमंच में प्रदर्शन की भौतिक संरचना पर रचनावाद के प्रभाव के बारे में बहुत कुछ लिखा गया है। XX सदी के 30 के दशक। ए.ए. अनिक्स्ट और ए.के. Dzhivelegov, G.N. बोयाडज़िएव और एस.एस. मोकुलस्की, ए.वी. बार्टोशेविच और बी.वी. अल्पर। व्यक्तिगत थिएटर कलाकारों के काम के लिए समर्पित कई मोनोग्राफ और अध्ययन हैं, दोनों रूसी और विदेशी।
अभी हाल ही में नाट्य विज्ञान के इस क्षेत्र की खाई को भरना शुरू हुआ है। स्टेट इंस्टीट्यूट ऑफ आर्ट हिस्ट्री के सहयोग से पब्लिशिंग हाउस "संपादकीय यूआरएसएस" ने नाटकीय और सजावटी कला का पहला विश्वकोश प्रकाशित किया, विक्टर बेरेज़किन द्वारा एक मोनोग्राफ "द आर्ट ऑफ़ सीनोग्राफी ऑफ़ द वर्ल्ड थिएटर। शुरुआत से 20 वीं शताब्दी के मध्य तक" . यह वास्तव में एक गहन अध्ययन है जो नाट्य दृश्यों के इतिहास की शुरुआत से (इसके पूर्व-नाटकीय, भ्रूण रूपों सहित) उस अवधि तक की जांच करता है जब आधुनिक रंगमंच के मूल सिद्धांतों को लगभग पूरी तरह से, इसकी सभी वैचारिक और सौंदर्य विविधता में बनाया गया था।
थिएटर सीनोग्राफी ड्रामा डायरेक्शन
2. समकालीन दृश्यावली
यदि हम समकालीन विश्व परिदृश्य की तस्वीर को उसकी संपूर्णता में प्रस्तुत करने का प्रयास करते हैं, तो हम पाएंगे कि इसमें सबसे विविध व्यक्तिगत कलात्मक समाधानों की एक विशाल भीड़ शामिल है। प्रत्येक मास्टर अपने तरीके से काम करता है और मंच क्रिया का सबसे अलग डिजाइन बनाता है - नाटकीय या संगीतमय काम की प्रकृति और उसके निर्देशक के पढ़ने पर निर्भर करता है, जो प्रभावी दृश्योग्राफी की प्रणाली का पद्धतिगत आधार है।
सेट डिजाइनर के सबसे दिलचस्प निर्णयों के कारण कई प्रदर्शन कला के इतिहास में प्रवेश कर चुके हैं। अक्सर, दशकों बाद, नाट्य रेखाचित्र किसी विशेष उत्पादन के अद्वितीय दस्तावेजी साक्ष्य बने रहते हैं: आखिरकार, दृश्यों और वेशभूषा को शायद ही कभी संरक्षित किया जाता है। कई मामलों में, मंच डिजाइनर के चित्र निर्देशक के इरादे का एकमात्र निशान हैं, जिनकी परियोजना कभी भी महसूस नहीं हुई थी।
मिखाइल लारियोनोव और नतालिया गोंचारोवा की शैली लोक कला रूपों में रुचि के साथ जुड़ी हुई है। जानबूझकर विरूपण, नव-आदिमवाद की एक महत्वपूर्ण प्लास्टिक तकनीक, गोंचारोवा द्वारा अभिव्यक्ति की सीमा तक लाई गई है। "पोशाक का काम कपड़े पहनना नहीं है, बल्कि एक काल्पनिक चरित्र, उसके प्रकार, चरित्र को मूर्त रूप देना है," कलाकार ने कहा। रूसी लोककथाओं पर आधारित बैले "हीरोज" के लिए उनके रेखाचित्र, न केवल शानदार सजावटी वेशभूषा हैं, बल्कि हंसा, इल्या मुरोमेट्स और अन्य महाकाव्य पात्रों की अभिव्यंजक छवियां हैं।
इगोर इलिंस्की ने ओपेरा "हॉफमैन टेल्स" के अरिस्टारख लेंटुलोव के डिजाइन के बारे में लिखा: "यह प्रदर्शन उन कुछ घटनाओं में से एक है जिसके लिए आप निस्वार्थ रूप से थिएटर से प्यार कर सकते हैं। वह थिएटर जिसमें आपको समग्र रूप से इंप्रेशन और सौंदर्य आनंद मिलता है, जैसे सिम्फोनिक से संगीत।"
अवंत-गार्डे मास्टर्स को न केवल पेंटिंग से थिएटर में स्थानांतरित प्लास्टिक तकनीकों के उपयोग की विशेषता है, बल्कि सामान्य रूप से परिदृश्य के लिए एक अभिनव दृष्टिकोण भी है। जॉर्जी याकुलोव के प्रयोग में - नाटक "गिरोफ्ले-गिरोफली" - दृश्यता का आधार एक चल संरचना थी - "काइनेटिक मशीनों" की एक प्रणाली। याकुलोव का मानना था कि नाट्य प्रदर्शन का मुख्य सिद्धांत "निरंतर गति का सिद्धांत, रूपों और रंगों का बहुरूपदर्शक" था। वेशभूषा में, उन्होंने भूमिका की व्याख्या का विचार रखा, यह विश्वास करते हुए कि एक सूट जो ठीक पाया गया था, अभिनेता को "मंच के चारों ओर घूमने और दौड़ने" की आवश्यकता से मुक्त कर दिया।
एलेक्जेंड्रा एक्सटर, नाटक "रोमियो एंड जूलियट" के डिजाइन में, शैलीकरण और नवाचार का एक प्लास्टिक संश्लेषण हासिल किया। जैसा कि अब्राम एफ्रोस ने कहा, "वह चाहती थी कि यह सबसे बारोक बारोक में सबसे क्यूबिस्ट क्यूबिज्म हो।"
रूस में अवंत-गार्डे नाट्य प्रयोग का मानक "सूर्य पर विजय" का प्रसिद्ध प्रदर्शन है। कलाकार काज़िमिर मालेविच, कवि अलेक्सी क्रुचेनिख और संगीतकार मिखाइल मत्युशिन के निर्माण में, उन्होंने पेंटिंग, संगीत और कविता की नवीनतम उपलब्धियों को जोड़ा। मालेविच के छात्र वेरा एर्मोलाएवा द्वारा विटेबस्क में 1920 में ओपेरा विक्ट्री ओवर द सन का फिर से मंचन किया गया, जिसके प्लास्टिक समाधान ने क्यूबिज़्म को आकर्षित किया और नाटक के पहले संस्करण से तकनीकों का विकास किया। 1920-1921 में, Lazar Lissitzky ने इलेक्ट्रोमैकेनिकल प्रदर्शन के रूप में ओपेरा "विजय ओवर द सन" के मंचन के लिए एक परियोजना विकसित की: अभिनेताओं को विशाल कठपुतलियों द्वारा बदल दिया गया था, जिन्हें एक इलेक्ट्रोमैकेनिकल इंस्टॉलेशन का उपयोग करके मंच के चारों ओर घूमना था। कठपुतलियों को नियंत्रित करने की प्रक्रिया, साथ ही ध्वनि और प्रकाश प्रभाव, सेट डिजाइन का हिस्सा बन गए। स्केच के एल्बम लिसित्स्की की भव्यता का एकमात्र सबूत बने रहे, लेकिन अभिनव योजना को लागू नहीं किया।
एक कलाकार और एक निर्देशक के बीच एक उपयोगी सहयोग का एक उदाहरण, प्रयोग पर समान रूप से केंद्रित है, "द मैग्नैनिमस कुकोल्ड" नाटक पर हुसोव पोपोवा और वसेवोलॉड मेयरहोल्ड का संयुक्त काम है। यह रचनावादी डिजाइन सौंदर्यशास्त्र और नवीन निर्देशन तकनीकों का सहजीवन है। पोपोवा ने स्थापना में "जीवन और लोगों के अनुकरणीय संगठन" के रूप में थिएटर की भूमिका की यूटोपियन समझ को मूर्त रूप दिया - "द मैग्नैनिमस कुकोल्ड" के लिए एक सार्वभौमिक सेट।
कई रूसी अवांट-गार्डे कलाकारों ने तत्काल कार्य को विशिष्ट प्रदर्शनों के डिजाइन में नहीं, बल्कि कलात्मक दिशा की प्लास्टिक तकनीकों के आधार पर नाटकीय स्थान की सार्वभौमिक सजावट में देखा, जिससे वे संबंधित थे। इस प्रकार, मालेविच के छात्र इवान कुद्रियाशेव ने ऑरेनबर्ग थिएटर के डिजाइन के लिए अपने रेखाचित्रों में वर्चस्ववाद के सिद्धांतों का इस्तेमाल किया। थिएटर के पूर्ण सुधार की इच्छा ने थिएटर भवन के वास्तुशिल्प डिजाइन में अवंत-गार्डे मास्टर्स की रुचि को जन्म दिया। एलेक्सी बाबिचेव और जॉर्जी मिलर की परियोजनाओं में, नाटकीय स्थान के आयोजन के नवीन सिद्धांत सन्निहित हैं।
१९२० और १९३० के दशक की नाट्य कला में अवंत-गार्डे खोजों के समानांतर, परिदृश्य के लिए एक पारंपरिक दृष्टिकोण भी था। इस पंक्ति का प्रतिनिधित्व उन कलाकारों द्वारा किया जाता है जो अत्यधिक नवाचार के लिए प्रवण नहीं हैं, और ऐसे कलाकार जिन्होंने 19 वीं और 20 वीं शताब्दी के मोड़ पर अपनी रचनात्मक गतिविधि शुरू की और अपने विश्वासों के प्रति सच्चे रहे। उदाहरण के लिए, बोरिस कस्टोडीव और इवान बिलिबिन ने थिएटरों के साथ सहयोग किया, जिन्होंने पारंपरिक मंचन विधियों को बरकरार रखा।
यदि हम मंच पर आशुलिपिक कला के ठोस अवतार पर विचार करते हैं, तो एक उदाहरण के रूप में हम ए.एन. मॉस्को आर्ट थिएटर के मंच पर ओस्ट्रोव्स्की।
कार्यक्रम में, व्याख्यात्मक पाठ का शीर्षक "अनसुलझी जगह में" है। "क्या यह इतना आसान है?" - अनाम लेखक पूछता है। और वह खुद को एक प्रश्न के साथ उत्तर देता है: "ठीक है, किस बारे में" हत्या मत करो, चोरी मत करो, अपने पड़ोसी की पत्नी का लोभ मत करो, अपने पिता और अपनी माँ का सम्मान करो? "नहीं, ऐसा नहीं है कि आज हम देना चाहते हैं , बदले में, स्पष्ट और सरल उत्तर, लेकिन विपरीत संकेत के साथ, और बिंदु मानव अस्तित्व के सबसे अनसुलझे स्थान के इस रहस्यमय क्षेत्र पर जुनून, मानव विचारों में रुचि है - रूस।
अंतिम शब्द, उनकी सभी सुंदरता और अर्थहीनता में, लेवेंथल के दृश्यों में मंच पर भौतिक होते हैं: कलिनोवस्काया स्ट्रीट के पुल जो कहीं नहीं जाते हैं, मंच के कोनों पर सीढ़ियां और दो बाड़, जिसके पीछे बादल दोनों तरफ तैरते हैं या बादल काले हो जाते हैं . ये बाड़, हालांकि, प्रदर्शन के दौरान, अंदर और बाहर चले जाते हैं, अब एक आंगन बन जाते हैं, अब फिर से एक सड़क, या यहां तक कि एक स्नानघर (निश्चित रूप से चांदनी के साथ), जहां तिखोन को बोरिस के साथ नष्ट कर दिया गया है, जो निश्चित मौत से बचा हुआ है डिकोय, कुलिगिन द्वारा और, ऐसा लगता है, सर्व-अपरिहार्य शापकिन।
आप उदाहरण के तौर पर माली थिएटर के मंच पर ए टॉल्स्टोव के नाटक पर आधारित नाटक "किलर व्हेल" के प्रीमियर का भी हवाला दे सकते हैं। एलेक्सी टॉल्स्टॉय की यह कॉमेडी निर्देशक विटाली इवानोव द्वारा माली थिएटर के मंच पर प्रस्तुत की गई थी। नाटक के सेट डिजाइन के बारे में बोलते हुए, निम्नलिखित पर ध्यान दिया जा सकता है: यदि यह अपने शाश्वत बिस्तरों और कुर्सियों की एक जोड़ी के साथ एक उद्यम नहीं है, बल्कि कम या ज्यादा गंभीर रंगमंच है, तो यह जनता को न केवल एक की पेशकश करने के लिए तैयार है कार्रवाई की सुरुचिपूर्ण दृश्य संगत, लेकिन एक विशिष्ट प्रदर्शन की एक निश्चित छवि भी। कलाकार अलेक्जेंडर ग्लेज़ुनोव एक अनुभवी और प्रतिभाशाली मास्टर हैं। और माली में, सामान्य तौर पर, कोई भी सजावट व्यक्तिगत प्रशंसा जीतने में सक्षम है। तो यह "कसातका" में है। जैसे ही दूसरे अधिनियम में परदा खुला फेंका जाता है, जैसे ही मनोर प्लेन हवा की अकथनीय सुंदरता से हॉल एक खड़े जयजयकार के साथ फट जाता है। लेकिन समस्या यह है कि ऐसा प्रतिवेश लगभग किसी भी प्रदर्शन में उपयुक्त है, इसमें किलर व्हेल की आज की व्याख्या के साथ कोई अघुलनशील संबंध नहीं है, एक विशिष्ट प्रदर्शन का कोई स्पष्ट रूप से व्यक्त विचार नहीं है। हालाँकि, निर्देशक के विचार का यह बहुत ही विचार यहाँ मिलने की संभावना नहीं है। माली के लिए, हालांकि, जहां मुख्य व्यक्ति एक अभिनेता है, एक मंच निर्देशक नहीं है, यह क्षम्य है, हालांकि फिर से यह आधुनिक नाटकीय संदर्भ में फिट नहीं होता है।
यॉर्क हॉलर के ओपेरा द मास्टर एंड मार्गारीटा (एम. बुल्गाकोव के उपन्यास पर आधारित) के लिए नाट्य कलाकार गॉटफ्राइड पिल्ज़ द्वारा सेट डिज़ाइन भी उल्लेखनीय है। ओपेरा का प्रीमियर 1991 में कोलोन में हुआ था। पिल्ज़ की दर्शनीयता प्रकृति में प्रतीकात्मक है: वह मंच पर दृश्यों का निर्माण नहीं करता है जो आसपास की वास्तविकता की नकल करता है, चाहे वह एक परिदृश्य या एक इंटीरियर हो, और नायकों को समय और राष्ट्रीयता के लिए उपयुक्त वेशभूषा में तैयार नहीं करता है, लेकिन एक ऐसी जगह बनाता है जो मॉडलिंग की जाती है मुख्य रूप से प्रकाश और छाया द्वारा। "गुणों" से रहित एक मंच पर, यह उन गुणों के बिना चरित्र नहीं है जो कार्य करते हैं, बल्कि अत्यंत आधुनिक लोग हैं।
आप एस। प्रोकोफिव के बैले "सिंड्रेला" (सेंट पीटर्सबर्ग मरिंस्की थिएटर, कलात्मक निर्देशक वी। गेर्गिएव, सेट डिजाइनर आई। उत्किन, ई। मोनाखोव) की दृश्यता पर भी विचार कर सकते हैं।
प्रोकोफिव के बैले "सिंड्रेला" के दृश्यों से कथानक के प्रत्यक्ष चित्रण की अपेक्षा करना तर्कसंगत है - चार्ल्स पेरौल्ट की प्यारी परी कथा कल्पना में एक बचकानी, शानदार जादुई छाया के साथ शानदार महल के अंदरूनी हिस्सों को जोड़ती है। लेकिन यह केवल कथानक पर लागू होता है, जैसा कि सर्गेई प्रोकोफिव के संगीत के लिए, यह इतना शांत और जादुई नहीं है। "सिंड्रेला" के निर्माण में, दृश्यों की प्रकृति अप्रत्याशित लग सकती है - तेज, संरचनात्मक, और कभी-कभी दोषपूर्ण भी।
परिदृश्य की यह प्रकृति मुख्य रूप से इस तथ्य के कारण है कि इसे आर्किटेक्ट्स द्वारा किया गया था, न कि थिएटर कलाकारों द्वारा। आर्किटेक्ट बिल्कुल "सिंड्रेला" की जगह बनाना चाहते थे, न कि केवल एक परी कथा के लिए सजावट। और इसलिए, काम शुरू करने से पहले, उन्होंने संगीत और कथानक का गहन विश्लेषण किया। खोज के परिणामस्वरूप, जिसमें लिब्रेटो को नए सिरे से लिखने का प्रयास भी शामिल था, लेखकों ने फैसला किया कि बैले मध्य युग में या यहां तक कि पुनर्जागरण में नहीं, बल्कि अमूर्त XX सदी में "सामान्य रूप से" सेट किया गया था। प्रोकोफिव के संगीत में पाया या "सुना" यह निर्णय और बैले निर्देशक अलेक्सी रतमांस्की और प्रकाश डिजाइनर ग्लीब फेल्शिंस्की द्वारा समर्थित, ने मरिंस्की थिएटर के मंच पर संरचनाओं और कपड़ों की असामान्य शैली को निर्धारित किया। उसी चाल ने वेशभूषा के लेखक, वास्तुकार ऐलेना मार्कोव्स्काया को "सिंड्रेला" के नायकों को किसी तरह के कपड़े पहनने की अनुमति दी, जो कुछ हद तक दो विश्व युद्धों के बीच की पूरी अवधि को इंगित करता है: चाहे वह "उन्नत" बिसवां दशा हो, ए अदालत की चमक, या "ठाठ" तीसवां दशक के साथ थोड़ा स्वाद, लेकिन बोहेमियनवाद में वृद्धि के साथ।
सज्जाकार इल्या उत्किन और एवगेनी मोनाखोव को पारंपरिक रूप से "वॉलेट", प्रतिभागियों और यहां तक कि 1970 के दशक के अंत - 1980 के दशक के आंदोलन के नेताओं के रूप में जाना जाता है, जिसमें रूसी डिजाइन, "कागज" वास्तुकला अपनी भाषा में बोलने में सक्षम साबित हुई, शानदार, मुफ्त और एक ही समय में - स्मार्ट और विडंबनापूर्ण। थिएटर में "वॉलेट" आर्किटेक्ट्स को आमंत्रित करके, निदेशालय ने स्पष्ट रूप से बैकड्रॉप के रूप में "स्टेज-वाइड नक़्क़ाशी" प्राप्त करने की उम्मीद की, यानी वही अपेक्षित शानदारता, लेकिन एक ठोस आधुनिक उच्चारण के साथ। कुछ शक्तिशाली तरकीबों के साथ अपनी खुद की दुनिया बनाने की कोशिश में आर्किटेक्ट आगे बढ़ गए हैं। चूंकि ये तकनीकें पूरे प्रदर्शन के दौरान विकसित होती हैं, इसलिए हम उन पर उस क्रम में विचार करने का प्रयास करेंगे जिसमें वे दिखाई देते हैं।
पहले पर्दा। इसकी प्रकृति से, शायद, "सिंड्रेला" में की गई हर चीज का सबसे "कागज" है। पर्दा रात में एक अंधेरे शहर को दर्शाता है जिसमें सैकड़ों रोशन खिड़कियां हैं। शहर स्पष्ट रूप से बड़ा है, ऊंचा है, इसकी इमारतें कपड़े के ऊपरी किनारे से परे हैं। वास्तुकला अस्पष्ट है, लेकिन आप खिड़कियों के धनुषाकार आकार और सामान्यीकृत गैबल्स देख सकते हैं। या तो न्यूयॉर्क, या आर्ट डेको युग का लंदन। ऊपरी कोनों में से एक में, सिंड्रेला की खिड़की चमकती है, जो यह निकलती है, हमारी तरह, महानगर में रहती है। या वह अपेक्षाकृत हाल ही में रहती थी - आखिरकार, यदि कार्रवाई इंटरवार अवधि में होती है, तो नायिका हमारी दादी की पीढ़ी से संबंधित है। ऐसी उदास शुरुआत।
पर्दा खुलता है और मुख्य मंच दिखाई देता है, जिसके किनारों पर टीयर और सीढ़ी के साथ दो बड़े ढांचे हैं। पृष्ठभूमि तटस्थ है, और मध्य स्थान पर किसी प्रकार की जाली लटकती है। कोई हमेशा संरचनाओं पर चढ़ता है, वे मंच के बीच में नृत्य करते हैं, पृष्ठभूमि रंग बदलती है। कोई नक़्क़ाशी नहीं, सब कुछ कठोर, संरचनात्मक, विडंबनापूर्ण है। उत्तर-आधुनिकतावाद का पता चलता है, लेकिन क्लासिक्स के विषय पर नहीं, बल्कि मेयरहोल्ड और रचनावाद के विषय पर।
कुछ समय बाद, दृश्य पर एक और निर्माण दिखाई देता है: दो खंभों के बीच तीलियों वाला एक बड़ा धातु का घेरा लटका हुआ है। यह एक घड़ी है जो मंच से ऊपर उठती है और प्रतीकात्मक रूप से नायिका के लिए समय की गिनती करती है। समर्थन पर यह सरल सर्कल उसी शैली से संबंधित है जैसे मंच के किनारों पर स्तरीय संरचनाएं - एक मजबूत, "रचनात्मकतावादी" (पढ़ें - आधुनिकतावादी) रूप जो मंच के स्थान को परिभाषित करता है और लगभग विवरण से दर्शकों का ध्यान खींचता है अपने आप पर कार्रवाई। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि सबसे पहले उत्किन और मोनाखोव ने घड़ियों को अधिक जटिल, शानदार और बारोक रूपों में डिजाइन किया - कर्ल, विलेय के साथ। लेकिन अंतिम संस्करण में स्पष्टता और कठोरता बनी रही।
लेकिन प्रदर्शन के बीच में, कुछ पूरी तरह से नया दिखाई देता है: एक आशाजनक निवर्तमान विशाल तिजोरी वाली गैलरी के साथ एक पृष्ठभूमि। यह गैलरी अचानक अंतरिक्ष को बढ़ा देती है, कार्रवाई को जटिल बनाती है और गेंद के दृश्य के लिए एक अंधेरे और राजसी पृष्ठभूमि बनाती है। यहां का क्लासिक डायस्टोपियन है, इसका स्वाद कड़वा है और बिल्कुल भी शानदार नहीं है। ज़गलेरेया निर्माणवादी सीढ़ियों से घिरा हुआ है, फिर उनसे मुक्त हो गया है। घड़ी स्थिति बदलती है और एक झूमर में बदल जाती है, और झूमर बारी-बारी से खतरनाक रूप से चमकता है, फिर यह समय को तेज करते हुए, घड़ी के रूप में फिर से खतरनाक रूप से घूमता है। फिर हॉल गायब हो जाता है, पार्क के धुंधले पेड़ों से बदल जाता है, जिसके ऊपर बादल तैरते हैं, फिर चाँद चमकता है। अंत के करीब
घड़ी भी गायब हो जाती है, समय लगभग रुक जाता है, एक सुखद अंत आ रहा है, जो एक मध्यवर्ती पारभासी पर्दे से पहले होता है।
नाटक में कुछ दृश्यात्मक चालें हैं, और उन्हें कुछ तकनीकों के विभिन्न संयोजनों के साथ प्रदान किया जाता है: एक झूमर-घड़ी, एक हॉल-गैलरी, किनारों पर संरचनाएं और पृष्ठभूमि। लेकिन यह सेट पूरी कार्रवाई के साथ निरंतर बदलाव के लिए, योजनाओं और रिक्त स्थान को बदलने के लिए पर्याप्त है, इतना लागू और उदाहरण नहीं, जैसा कि साजिश और लगभग स्वतंत्र है। और फिर भी "सिंड्रेला" की दृश्यता में सबसे यादगार कठोर और यहां तक कि हिंसक शास्त्रीय रूपों के साथ अंतहीन गैलरी है।
यह हॉल प्रदर्शन के दृश्यों की एक तरह की कुंजी है। आर्किटेक्ट जाली संरचनाओं के साथ एक आधुनिक परी कथा बनाने के लिए संघर्ष कर रहे हैं, एक दुर्जेय घड़ी, जो एक वेयरवोल्फ की तरह, रंग बदलने वाली पृष्ठभूमि की चमकती रोशनी के साथ कुछ और में बदल जाती है। हालांकि, कार्रवाई एक वास्तुशिल्प रूप से, व्यवस्थित, शास्त्रीय रूप से आदेशित स्थान को "एकत्र" करती है, कहीं न कहीं मंच से नज़र हटाती है। यह रास्ता, अंत में एक अंतराल वाला यह गलियारा, विचारशील बारोक या नव-पुनर्जागरण रूपों के साथ आंख को चमका सकता है और लुभा सकता है। इसके बजाय, वह अपने संस्करणों के साथ मंच को दबा देता है, एक असामान्य, शानदार ऊंचाई पर चढ़ जाता है। तोरणों का भारी चलना किसी भी तरह अपरिहार्य सुखद अंत और शुरुआत में दुखद काम दोनों को रद्द कर देता है।
यह भी उल्लेखनीय है कि बेल्जियम के कलाकार थियरी बॉस्केट द्वारा स्थापित मरिंस्की थिएटर द्वारा ओपेरा रुस्लान और ल्यूडमिला का मंचन किया गया है। इस सेट डिजाइनर, जिसने 1904 में प्रसिद्ध मरिंस्की प्रदर्शन के लिए कोरोविन और गोलोविन के रेखाचित्रों के आधार पर दृश्यों और वेशभूषा को फिर से बनाया, ने एक काम किया। उन्होंने न केवल थिएटर की कार्यशालाओं में विवरण तैयार करने के लिए छह महीने बिताए, बल्कि व्यक्तिगत रूप से यूरोप और न्यूयॉर्क में दुकानों की यात्रा की, सभी रुस्लान परिधानों के लिए कपड़े का चयन किया। थियरी बॉस्केट द्वारा प्रस्तुत रंगों के दंगल ने 1994 में प्रीमियर पर तालियों की गड़गड़ाहट से तालियां बजाईं। बेल्जियम ने इस काम में एक उत्कृष्ट स्टाइलिस्ट के रूप में काम किया: मंच रूसी आर्ट नोव्यू के प्राचीन रंग के साथ सांस लेता है, कक्षों के बीजान्टिन विलासिता और अंधेरे दोनों को याद करता है। महाकाव्य ओक के पेड़ों की।
निष्कर्ष
अपने काम में पूर्वगामी के आधार पर, हम निम्नलिखित निष्कर्ष निकाल सकते हैं:
सबसे पहले, रंगमंच के विज्ञान के सैद्धांतिक विचार के विकास के वर्तमान चरण में, "दृश्यांकन" शब्द ने एक मौलिक अर्थ प्राप्त कर लिया है, इसके बिना करना पहले से ही असंभव है; इसके अलावा, वह प्रदर्शन के स्थानिक समाधान से संबंधित सभी तर्कों में मुख्य बन गया। यह शब्द नाट्य छवि के दृश्य महत्व के सामने आने वाली समस्याओं को दर्शाता है। विकासशील नाट्य कला के व्यावहारिक हितों ने अनायास ही इस शब्द को एक केंद्रीय अवधारणा के रूप में सामने रखा, और इसका समग्र बहुरूपता केवल रंगमंच की कला के आगे वैज्ञानिक विकास की आवश्यकता की पुष्टि करता है।
दूसरे, "सीनोग्राफी" शब्द को एक नाटकीय काम की स्थानिक निश्चितता की समग्रता के रूप में समझा जाना चाहिए। और यह न केवल प्रदर्शन का कलाकार मंच पर रचना करता है: दृश्यावली, वेशभूषा, आदि, बल्कि वह सब कुछ जो प्रदर्शन के स्थानिक शरीर को बनाता है, जो दृश्य धारणा के नियमों के अनुसार बनाया गया है। एक ओर, ये कलाकारों की प्लास्टिक क्षमताएं हैं, जिनके बिना एक नाटकीय काम की स्थानिक रचना आम तौर पर असंभव है - अभिनेता इसका मॉड्यूल है (भले ही इस समय मंच पर कोई अभिनेता न हो, दर्शक अभी भी जानता है उसे इस माहौल में कैसा होना चाहिए) ... दूसरी ओर, ये मंच की तकनीकी क्षमताएं और थिएटर के स्थापत्य स्थान हैं। नाट्य रचनात्मकता में, किसी अन्य कला रूप की तरह, प्रौद्योगिकी द्वारा एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई जाती है, जिसे मानव शरीर की गतिशील क्षमताओं को पूरा करना चाहिए, और पूरी इमारत और मंच दोनों की वास्तुकला, जिसका निर्णायक प्रभाव पड़ता है। प्रदर्शन की आलंकारिक संरचना पर।
तीसरा, एक नाटकीय काम को समझने में "दृश्यांकन" का महत्व इस शब्द को प्रदर्शन के स्थानिक समाधान के सिद्धांत में केंद्रीय के रूप में सामने रखता है, जिसकी आवश्यकता स्पष्ट है। परिदृश्य के सिद्धांत को सैद्धांतिक स्तर पर, रंगमंच के काम की कलात्मक अखंडता में एक आवश्यक क्षण के रूप में मंच ग्राफिक्स को महसूस करना चाहिए। इसे दर्शनीय स्थलों के नए विज्ञान के पद्धतिगत सिद्धांतों को तैयार करना चाहिए। प्रदर्शन के स्थानिक समाधान का सिद्धांत, केंद्रीय के रूप में "दृश्यांकन" की अवधारणा का उपयोग करते हुए, एक स्पष्ट उपकरण विकसित करना चाहिए जो कि दृश्यता के भीतर अंतर्संबंधों और प्रदर्शन की संरचना में इसके प्रभाव को पूरी तरह से निर्धारित करने में मदद करेगा। नाट्य कार्य के अन्य निर्णायक क्षण।
साहित्य
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नाट्य और सजावटी कला (जिसे अक्सर दर्शनीय स्थल भी कहा जाता है) एक प्रकार की दृश्य रचनात्मकता है जो एक नाटकीय प्रदर्शन की सजावट से जुड़ी होती है, अर्थात, एक जीवित वातावरण के नाट्य मंच पर निर्माण जिसमें एक नाटकीय या संगीत-नाटकीय कार्य के नायक होते हैं अभिनय, साथ ही इन नायकों की उपस्थिति। नाट्य और सजावटी कला के मुख्य तत्व - दृश्य, प्रकाश व्यवस्था, सहारा और सहारा, वेशभूषा और अभिनेताओं का मेकअप - एक एकल कलात्मक पूरे का गठन करते हैं, जो मंच क्रिया के अर्थ और चरित्र को व्यक्त करते हैं, प्रदर्शन के विचार के अधीन हैं। . नाट्य और सजावटी कला का रंगमंच के विकास से गहरा संबंध है। कलात्मक तत्वों के बिना मंच प्रदर्शन एक अपवाद हैं।
प्रदर्शन की सजावट का आधार कार्रवाई के स्थान और समय को दर्शाने वाली सजावट है। सजावट का विशिष्ट रूप (रचना, रंग योजना, आदि न केवल कार्रवाई की सामग्री से निर्धारित होता है, बल्कि इसकी बाहरी स्थितियों (दृश्य में कम या ज्यादा तेजी से परिवर्तन, दृश्यों की धारणा की ख़ासियत) से भी निर्धारित होता है। सभागार, कुछ प्रकाश व्यवस्था के साथ इसका संयोजन, आदि) ...
मंच पर सन्निहित छवि शुरू में कलाकार द्वारा एक स्केच या मॉडल में बनाई जाती है। स्केच से लेआउट और स्टेज डिज़ाइन तक का रास्ता दृश्यों की सबसे बड़ी अभिव्यक्ति और इसकी कलात्मक पूर्णता की खोज से जुड़ा है। सर्वश्रेष्ठ थिएटर कलाकारों के काम में, न केवल मंच डिजाइन की कार्य योजना के लिए, बल्कि कला के अपेक्षाकृत स्वतंत्र काम के लिए भी एक स्केच महत्वपूर्ण है।
एएम वासनेत्सोव। एन.ए. रिम्स्की-कोर्साकोव के ओपेरा "द लीजेंड ऑफ द इनविजिबल सिटी ऑफ काइटज़ एंड द मेडेन फेवरोनिया" के लिए सेट डिज़ाइन। १९०६.
नाट्य सजावट में मंच तैयार करना, एक विशेष पर्दा (या पर्दे), मंच के मंच स्थान का एक सचित्र समाधान, पर्दे, पृष्ठभूमि, आदि शामिल हैं। मंच पर रहने वाले वातावरण को चित्रित करने के तरीके विविध हैं। रूसी यथार्थवादी कला की परंपराओं में चित्रकारी समाधान प्रचलित हैं। इस मामले में, लिखित विमान तत्वों को आमतौर पर निर्मित (वॉल्यूमेट्रिक या अर्ध-वॉल्यूमेट्रिक) के साथ एक समग्र छवि में जोड़ा जाता है जो कार्रवाई के एकल स्थानिक वातावरण का भ्रम पैदा करता है। लेकिन सजावट का आधार आलंकारिक और अभिव्यंजक निर्माण, अनुमान, पर्दे, स्क्रीन आदि के साथ-साथ छवि के विभिन्न तरीकों का संयोजन भी हो सकता है। मंच तकनीक का विकास और चित्रण के तरीकों का विस्तार, हालांकि, सामान्य रूप से नाट्य और सजावटी कला के आधार के रूप में चित्रकला के महत्व को नकारता नहीं है। प्रत्येक व्यक्तिगत मामले में छवि पद्धति का चुनाव मंच पर सन्निहित कार्य की विशिष्ट सामग्री, शैली और शैली द्वारा निर्धारित किया जाता है।
दृश्यों के साथ कलाकार द्वारा बनाई गई अभिनेताओं की वेशभूषा, नाटक के नायकों की सामाजिक, राष्ट्रीय, व्यक्तिगत विशेषताओं की विशेषता है। वे दृश्यों के रंग से मेल खाते हैं ("समग्र चित्र में फिट"), और एक बैले प्रदर्शन में उनके पास एक विशेष "नृत्य" विशिष्टता भी होती है (उन्हें आरामदायक और हल्का होना चाहिए और नृत्य आंदोलनों पर जोर देना चाहिए)।
प्रकाश की सहायता से, न केवल दृश्यों की एक स्पष्ट दृश्यता (दृश्यता, "पठनीयता") प्राप्त की जाती है, बल्कि विभिन्न मौसमों और दिनों में भी प्राकृतिक घटनाओं (बर्फ, बारिश, आदि) के भ्रम को चित्रित किया जाता है। प्रकाश के रंग प्रभाव मंच क्रिया के एक निश्चित भावनात्मक वातावरण की भावना पैदा करने में सक्षम हैं।
अपने पॉप नंबरों से एस। वी। ओबराज़त्सोव की गुड़िया: "टायापाया (एमपी मुसॉर्स्की द्वारा "लोरी") और एक उंगली पर एक गुड़िया का सिर (" हम आपके साथ बैठे थे ... ")।
समग्र रूप से कलात्मक संस्कृति के विकास के साथ नाट्य और सजावटी कला में परिवर्तन होता है। यह प्रचलित कलात्मक शैली, नाटक के प्रकार, ललित कलाओं की स्थिति के साथ-साथ नाट्य परिसर और मंच की व्यवस्था, प्रकाश तकनीक और कई अन्य विशिष्ट ऐतिहासिक स्थितियों पर निर्भर करता है।
19 वीं और 20 वीं शताब्दी के मोड़ पर रूस में नाटकीय और सजावटी कला विकास के उच्च स्तर पर पहुंच गई, जब उत्कृष्ट कलाकार थिएटर में आए। वे प्रदर्शन के डिजाइन के लिए एक महान चित्रमय संस्कृति लाए, मंच कार्रवाई की कलात्मक अखंडता, इसमें ललित कला की जैविक भागीदारी, दृश्यों की एकता, प्रकाश व्यवस्था और नाटक और संगीत के साथ वेशभूषा हासिल की। ये ऐसे कलाकार थे जिन्होंने पहले ममोन्टोव ओपेरा (वी.एम. वासनेत्सोव, वी.डी. पोलेनोव, एम.ए.व्रुबेल, आदि) में काम किया, फिर मॉस्को आर्ट थिएटर (वी.ए. म्यूजिकल थिएटर (केए कोरोविन, ए। या। गोलोविन), डायगिलेव के "रूसी सीज़न" में काम किया। (एएन बेनोइस, एलएस बकस्ट, एनके रोरिक, आदि)। नाटकीय और सजावटी कला के विकास के लिए एक शक्तिशाली प्रोत्साहन उन्नत मंच दिशा (केएस स्टैनिस्लावस्की, VI नेमीरोविच-डैनचेंको, वीई मेयरहोल्ड, कोरियोग्राफर एमएम फॉकिन और एए गोर्स्की) की रचनात्मक खोज द्वारा दिया गया था।
ई. ज़मोइरो। एस वी मिखालकोव के नाटक पर आधारित सेंट्रल चिल्ड्रन थिएटर "स्केट्स" के प्रदर्शन के लिए दृश्यों का मॉडल। 1976.
सोवियत नाट्य और सजावटी कला में, रूसी नाट्य और सजावटी क्लासिक्स की परंपराओं को जारी रखा और विकसित किया गया था। उनका नवाचार नए विचारों, विषयों, नाटक के विकास से जुड़ी छवियों और समाजवादी यथार्थवाद के रंगमंच के कारण था। इस कला के उत्कृष्ट स्वामी कलाकार एफ। फेडोरोव्स्की, वी। दिमित्रीव, पी। विलियम्स, एन। अकिमोव, एन। शिफरीन, बी। वोल्कोव, वाई। पिमेनोव, वी। रिंडिन, एस। विरसालडेज़, ए। वासिलिव और कई थे। अन्य। अन्य सभी प्रकार की कलात्मक रचनात्मकता के साथ, नाटकीय और सजावटी कला (थिएटर और मंच प्रदर्शन के साथ संबंध के माध्यम से) हमारे देश के जीवन की सभी विविधता, हमारे समाज के इतिहास को दर्शाती है।
कलाकार फिल्मों, टेलीविजन शो, विविधता और सर्कस के प्रदर्शन के निर्माण में भी भाग लेते हैं। लाखों दर्शकों द्वारा शानदार कलाओं को माना जाता है, और इसलिए यहां कलाकार की भूमिका बहुत महत्वपूर्ण है।
सीनोग्राफी की कला सीनोग्राफी की कला
एक सेट डिजाइनर एक कलाकार होता है जो एक प्रदर्शन के डिजाइन और इसकी दृश्य और प्लास्टिक छवि के निर्माण में शामिल होता है। रंगमंच एक पेशेवर सेट डिजाइनर का मुख्य काम है। थिएटर में प्रोडक्शन डिज़ाइनर न केवल निर्देशक के इरादे का प्रतीक है, बल्कि इसके साथ यह भी आता है कि प्रदर्शन के विचार, उसके वातावरण और मनोदशा को व्यक्त करने के लिए कौन से कलात्मक साधन हैं। सेट डिज़ाइनर के काम की विशिष्टताएँ: एक सेट डिज़ाइनर एक पेंटर, ग्राफिक आर्टिस्ट, आर्किटेक्ट, डिज़ाइनर और टेक्नोलॉजिस्ट होता है जो सभी एक में लुढ़क जाते हैं। सेट डिजाइनर, एक नियम के रूप में, अकेले प्रदर्शन के डिजाइन पर काम नहीं करता है। उन्हें इंस्टॉलर, मेकअप आर्टिस्ट और प्रॉप्स, लाइटिंग डिज़ाइनर, कॉस्ट्यूम डिज़ाइनर, आर्टिस्ट-टेक्नोलॉजिस्ट द्वारा सहायता प्रदान की जाती है। लेकिन थिएटर में, सेट डिजाइनर नाटक बनाने की पूरी प्रक्रिया को नियंत्रित करता है और मुख्य कलाकार की स्थिति रखता है।
कलाकार का मुख्य कार्य नाटक के अर्थ को और अधिक गहराई से प्रकट करने के लिए एक नया तरीका खोजना है। यह इसके लिए है कि सेट डिजाइनर को उसकी फीस मिलती है, न कि मॉडल और स्केच के लिए। एक प्रोडक्शन डिज़ाइनर, एक नाटक पढ़ रहा है जो मंचन के लिए तैयार किया जा रहा है, पाठ को महसूस करने, वातावरण और मनोदशा को महसूस करने की कोशिश करता है। और उसके बाद सेट डिजाइनर निर्देशक के साथ सामग्री पर चर्चा करते हुए छवियों की तलाश शुरू करता है। विचार को मूर्त रूप देने में, उसे सब कुछ ध्यान में रखना चाहिए: मंच की पृष्ठभूमि को खूबसूरती से चित्रित किया जाना चाहिए, नाट्य राजा का ताज चमकना चाहिए, और नकली सेब स्वादिष्ट दिखना चाहिए ... नतीजतन, सेट डिजाइनर अक्सर बन जाता है प्रदर्शन के सह-लेखक।
इतिहास के मूल में। एक कला के रूप में दृश्यता सबसे प्राचीन समाज में उभरने लगी, जिसमें अभी भी एक विशेष निर्माण के रूप में मंच और पेशे के रूप में अभिनेताओं का अभाव था। हमारे पूर्वजों की एक छोटी सी लोककथाओं की विरासत थी, उस समय के रचनाकारों ने दृष्टान्तों, कहानियों और महाकाव्यों की रचना भी की थी। इस तरह के पोशाक प्रदर्शन अक्सर इस सामग्री के आधार पर किए जाते थे। इस प्रकार, "आनुवंशिक कोड" को परिभाषित किया गया था, जिस पर आधुनिक दृश्यावली आधारित है। ये तीन बुनियादी कार्य हैं, जिनके बिना एक नाट्य निर्माण की कल्पना नहीं की जा सकती: चरित्र, नाटक और दृश्य को परिभाषित करना।
प्री-सीनोग्राफी और उसके पात्र। "प्री-सीनोग्राफी" शब्द का प्रयोग तब किया जाता है जब हम पुरातनता के युग की शुरुआत से पहले के समय के बारे में बात कर रहे हैं, जिसमें रंगमंच को एक पूर्ण कला रूप के रूप में परिभाषित किया गया था। गुफाओं, प्राचीन मूर्तिपूजकों को पहले से ही मंच गतिविधियों में काफी अनुभव था, केवल प्रदर्शन आधुनिक लोगों से मौलिक रूप से अलग थे। नाटक के तत्कालीन परिदृश्य ने सभी घटनाओं के केंद्र में एक निश्चित चरित्र रखा, जो मुख्य पात्र था। सबसे पहले, ये रॉक पेंटिंग, गोलाकार चित्र (जो कि एक देवता के रूप में सूर्य का प्रतीक थे), विभिन्न भरवां जानवर और कुलदेवता थे। प्रदर्शन एक सामाजिक घटना नहीं थी, बल्कि एक अनुष्ठान था जिसमें प्रकृति की शक्तियों का महिमामंडन किया जाता था, देवताओं और मृत पूर्वजों की पूजा की जाती थी। हैरानी की बात है कि प्राचीन मूर्तिपूजक प्रदर्शनों में से एक आज भी प्रासंगिक है! अगर किसी ने अभी तक अनुमान नहीं लगाया है, तो हम बात कर रहे हैं घर में क्रिसमस ट्री लगाने, उसे तैयार करने और उसके चारों ओर गोल नृत्य करने की परंपरा। निष्पक्षता में, हम ध्यान दें कि हमारे पूर्वजों ने सदाबहार पेड़ को थोड़ा अलग तरीके से तैयार किया था। शाखाओं पर कुलदेवता और तावीज़ थे, साथ ही जानवरों के हिस्से भी थे जिनकी बलि दी गई थी। सौभाग्य से, इस परंपरा के सबसे काले क्षण अतीत में हैं, और केवल सबसे सुंदर ही हमारे पास आए हैं। इसलिए, यदि आप स्पष्ट रूप से कल्पना करना चाहते हैं कि नाटक का प्राचीन दृश्य कैसा दिखता था, तो बस अपने शहर के केंद्रीय चौक पर जाएं और वेशभूषा वाले गोल नृत्य, नृत्य, कैरोल और अन्य नए साल के अनुष्ठानों की प्रशंसा करें।
खेल समारोह का विकास हम पूरे विश्वास के साथ कह सकते हैं कि पुरातनता के युग में, एक पूर्ण सेट डिजाइन, या नाटकीय और सजावटी कला पहले से ही उभर रही थी। रंगमंच धीरे-धीरे एक सामाजिक घटना बन रहा है, लिपि अब केवल अनुष्ठानों और देवताओं की पूजा पर आधारित नहीं है, बल्कि जीवन की परिस्थितियों से भी जुड़ी है, और केवल विशेष रूप से प्रशिक्षित अभिनेता ही मंच पर प्रदर्शन करते हैं। तदनुसार, एक नया नाटक दृश्य दिखाई देता है - एक विशेष प्रकार की नाट्य कला। पहले सेट बनाए जाते हैं, जो प्रदर्शन को वास्तविकता के करीब लाते हैं, अभिनेताओं को सिलने वाली वेशभूषा और मुखौटे (मेकअप के लिए अभी भी एक लंबा रास्ता तय करना है), आवश्यक प्रकाश व्यवस्था और न्यूनतम विशेष प्रभाव बनाए जाते हैं। इस रूप में, रंगमंच न केवल पुरातनता से, बल्कि मध्य युग से भी गुजरा।
पुनर्जागरण - १५वीं-१६वीं शताब्दी के दृश्यों के पुनरुद्धार का युग - न केवल मानवतावाद का युग है, जो अंधेरे मध्य युग के बाद जा रहा है, बल्कि वह अवधि भी है जिसके दौरान दृश्यता का पूरी तरह से गठन हुआ था। यह वह समय था जब महानतम चित्रकारों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों ने, जिनमें अधिकतर इतालवी थे, काम किया। वे सहारा के कई तत्वों के लेखक बन गए, जिसके बिना वर्तमान रंगमंच की कल्पना नहीं की जा सकती। लियोनार्डो दा विंची और माइकल एंजेलो के चित्रों के समान, प्रत्येक प्रदर्शन के लिए एक पृष्ठभूमि बनाने का निर्णय लिया गया। पहली बार, एक महान वास्तुकार, डोनाटो ब्रैमांटे, जिन्होंने एक नाटकीय परिप्रेक्ष्य का निर्माण किया, ने कार्य के साथ मुकाबला किया। वेशभूषा में अभिनेताओं ने अग्रभूमि में अभिनय किया, और दूसरे में वर्णित दृश्य के अनुरूप पृष्ठभूमि। बाद में, एक सैद्धांतिक वास्तुकार, सेबस्टियानो सेर्लियो ने दृश्यों को तीन प्रकारों में विभाजित किया: कॉमेडी, त्रासदी और देहाती के लिए। इन व्यावहारिक और सैद्धांतिक कार्यों के बाद, टिएट्रो ओलिम्पिको में कला और उत्पादन के रूप में दृश्यता सन्निहित है, जिसे विन्सेन्ज़ो में एंड्रिया पल्लाडियो के हाथों बनाया गया था।
शास्त्रीयता के युग से लेकर आधुनिक काल तक १७वीं शताब्दी की शुरुआत तक, एक कला और उत्पादन के रूप में परिदृश्य ने सभी यूरोपीय देशों के जीवन में एक महत्वपूर्ण खंड पर कब्जा कर लिया। पूरे कारखाने थे जो नाटकीय दृश्यों के उत्पादन में लगे हुए थे, इसलिए वे लंबे समय से गतिशील और प्लास्टिक रहे हैं। दृश्य में कई चरण या स्तर हो सकते हैं। पेड़ों की शाखाएँ, चाँद या सूरज, बादल, और यहाँ तक कि खुद अभिनेताओं को भी रस्सियों पर रखा जाता था, अगर स्क्रिप्ट की आवश्यकता होती।
20 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध तक, थिएटर और इसकी सजावट ने वर्तमान युग की मुख्य शैलीगत प्रवृत्तियों की नकल की, जब तक कि लोगों ने पुरातनता की ओर मुड़ने का फैसला नहीं किया। बेशक, हमारे समकालीन मूल दृश्यों में नहीं लौटे, इसके विपरीत, किसी के तकनीकी उपकरण, यहां तक कि सबसे सरल थिएटर, अधिक से अधिक परिपूर्ण हो गए। लेकिन प्रदर्शन, कार्रवाई के स्थान, नायक - यह सब अक्सर बीते युगों का वर्णन था। आज आप प्राचीन लोगों के जीवन या पुनर्जागरण समाज की उपलब्धियों के बारे में एक प्रदर्शन देख सकते हैं। अवंत-गार्डे शैली में प्रदर्शन होते हैं, अमूर्त और असली, या वे हमें अधिकतम यथार्थवाद दिखाते हैं।
आधुनिक रंगमंच के बारे में क्या खास है? हाल के वर्षों में यह कहना काफी नहीं होगा कि सीनोग्राफी एक खास तरह की कला है, क्योंकि यह इंडस्ट्री थिएटर में सामने आई है। एक तरह से, उसने अभिनय के महत्व को भी कम कर दिया (महान उस्ताद क्षमा कर सकते हैं) और एक नया नाम प्राप्त किया - मंच डिजाइन। बड़ी प्रस्तुतियों में, दृश्यों को इकट्ठा करने, मंच स्थापित करने और आवश्यक वातावरण बनाने पर बहुत पैसा और प्रयास खर्च किया जाता है। अग्रणी डिजाइनर और निर्माता इस प्रक्रिया में भाग ले सकते हैं, और ये सभी प्रयास केवल एक प्रदर्शन के लिए हैं। स्टाइलिस्ट पात्रों की छवियों पर समान रूप से काम करते हैं - वेशभूषा और मेकअप सावधानी से चुने जाते हैं।
नाट्य और सजावटी कला (जिसे अक्सर दर्शनीय स्थल भी कहा जाता है) एक प्रकार की दृश्य रचनात्मकता है जो एक नाटकीय प्रदर्शन की सजावट से जुड़ी होती है, अर्थात, एक जीवित वातावरण के नाट्य मंच पर निर्माण जिसमें एक नाटकीय या संगीत-नाटकीय कार्य के नायक होते हैं अभिनय, साथ ही इन नायकों की उपस्थिति। नाट्य और सजावटी कला के मुख्य तत्व - दृश्य, प्रकाश व्यवस्था, सहारा और सहारा, वेशभूषा और अभिनेताओं का मेकअप - एक एकल कलात्मक पूरे का गठन करते हैं, जो मंच क्रिया के अर्थ और चरित्र को व्यक्त करते हैं, प्रदर्शन के विचार के अधीन हैं। . नाट्य और सजावटी कला का रंगमंच के विकास से गहरा संबंध है। कलात्मक तत्वों के बिना मंच प्रदर्शन एक अपवाद हैं।
प्रदर्शन की सजावट का आधार कार्रवाई के स्थान और समय को दर्शाने वाली सजावट है। सजावट का विशिष्ट रूप (रचना, रंग योजना, आदि न केवल कार्रवाई की सामग्री से निर्धारित होता है, बल्कि इसकी बाहरी स्थितियों (दृश्य में कम या ज्यादा तेजी से परिवर्तन, दृश्यों की धारणा की ख़ासियत) से भी निर्धारित होता है। सभागार, कुछ प्रकाश व्यवस्था के साथ इसका संयोजन, आदि) ...
मंच पर सन्निहित छवि शुरू में कलाकार द्वारा एक स्केच या मॉडल में बनाई जाती है। स्केच से लेआउट और स्टेज डिज़ाइन तक का रास्ता दृश्यों की सबसे बड़ी अभिव्यक्ति और इसकी कलात्मक पूर्णता की खोज से जुड़ा है। सर्वश्रेष्ठ थिएटर कलाकारों के काम में, न केवल मंच डिजाइन की कार्य योजना के लिए, बल्कि कला के अपेक्षाकृत स्वतंत्र काम के लिए भी एक स्केच महत्वपूर्ण है।
एएम वासनेत्सोव। एन.ए. रिम्स्की-कोर्साकोव के ओपेरा "द लीजेंड ऑफ द इनविजिबल सिटी ऑफ काइटज़ एंड द मेडेन फेवरोनिया" के लिए सेट डिज़ाइन। १९०६.
नाट्य सजावट में मंच तैयार करना, एक विशेष पर्दा (या पर्दे), मंच के मंच स्थान का एक सचित्र समाधान, पर्दे, पृष्ठभूमि, आदि शामिल हैं। मंच पर रहने वाले वातावरण को चित्रित करने के तरीके विविध हैं। रूसी यथार्थवादी कला की परंपराओं में चित्रकारी समाधान प्रचलित हैं। इस मामले में, लिखित विमान तत्वों को आमतौर पर निर्मित (वॉल्यूमेट्रिक या अर्ध-वॉल्यूमेट्रिक) के साथ एक समग्र छवि में जोड़ा जाता है जो कार्रवाई के एकल स्थानिक वातावरण का भ्रम पैदा करता है। लेकिन सजावट का आधार आलंकारिक और अभिव्यंजक निर्माण, अनुमान, पर्दे, स्क्रीन आदि के साथ-साथ छवि के विभिन्न तरीकों का संयोजन भी हो सकता है। मंच तकनीक का विकास और चित्रण के तरीकों का विस्तार, हालांकि, सामान्य रूप से नाट्य और सजावटी कला के आधार के रूप में चित्रकला के महत्व को नकारता नहीं है। प्रत्येक व्यक्तिगत मामले में छवि पद्धति का चुनाव मंच पर सन्निहित कार्य की विशिष्ट सामग्री, शैली और शैली द्वारा निर्धारित किया जाता है।
दृश्यों के साथ कलाकार द्वारा बनाई गई अभिनेताओं की वेशभूषा, नाटक के नायकों की सामाजिक, राष्ट्रीय, व्यक्तिगत विशेषताओं की विशेषता है। वे दृश्यों के रंग से मेल खाते हैं ("समग्र चित्र में फिट"), और एक बैले प्रदर्शन में उनके पास एक विशेष "नृत्य" विशिष्टता भी होती है (उन्हें आरामदायक और हल्का होना चाहिए और नृत्य आंदोलनों पर जोर देना चाहिए)।
प्रकाश की सहायता से, न केवल दृश्यों की एक स्पष्ट दृश्यता (दृश्यता, "पठनीयता") प्राप्त की जाती है, बल्कि विभिन्न मौसमों और दिनों में भी प्राकृतिक घटनाओं (बर्फ, बारिश, आदि) के भ्रम को चित्रित किया जाता है। प्रकाश के रंग प्रभाव मंच क्रिया के एक निश्चित भावनात्मक वातावरण की भावना पैदा करने में सक्षम हैं।
अपने पॉप नंबरों से एस। वी। ओबराज़त्सोव की गुड़िया: "टायापाया (एमपी मुसॉर्स्की द्वारा "लोरी") और एक उंगली पर एक गुड़िया का सिर (" हम आपके साथ बैठे थे ... ")।
समग्र रूप से कलात्मक संस्कृति के विकास के साथ नाट्य और सजावटी कला में परिवर्तन होता है। यह प्रचलित कलात्मक शैली, नाटक के प्रकार, ललित कलाओं की स्थिति के साथ-साथ नाट्य परिसर और मंच की व्यवस्था, प्रकाश तकनीक और कई अन्य विशिष्ट ऐतिहासिक स्थितियों पर निर्भर करता है।
19 वीं और 20 वीं शताब्दी के मोड़ पर रूस में नाटकीय और सजावटी कला विकास के उच्च स्तर पर पहुंच गई, जब उत्कृष्ट कलाकार थिएटर में आए। वे प्रदर्शन के डिजाइन के लिए एक महान चित्रमय संस्कृति लाए, मंच कार्रवाई की कलात्मक अखंडता, इसमें ललित कला की जैविक भागीदारी, दृश्यों की एकता, प्रकाश व्यवस्था और नाटक और संगीत के साथ वेशभूषा हासिल की। ये ऐसे कलाकार थे जिन्होंने पहले ममोन्टोव ओपेरा (वी.एम. वासनेत्सोव, वी.डी. पोलेनोव, एम.ए.व्रुबेल, आदि) में काम किया, फिर मॉस्को आर्ट थिएटर (वी.ए. म्यूजिकल थिएटर (केए कोरोविन, ए। या। गोलोविन), डायगिलेव के "रूसी सीज़न" में काम किया। (एएन बेनोइस, एलएस बकस्ट, एनके रोरिक, आदि)। नाटकीय और सजावटी कला के विकास के लिए एक शक्तिशाली प्रोत्साहन उन्नत मंच दिशा (केएस स्टैनिस्लावस्की, VI नेमीरोविच-डैनचेंको, वीई मेयरहोल्ड, कोरियोग्राफर एमएम फॉकिन और एए गोर्स्की) की रचनात्मक खोज द्वारा दिया गया था।
ई. ज़मोइरो। एस वी मिखालकोव के नाटक पर आधारित सेंट्रल चिल्ड्रन थिएटर "स्केट्स" के प्रदर्शन के लिए दृश्यों का मॉडल। 1976.
सोवियत नाट्य और सजावटी कला में, रूसी नाट्य और सजावटी क्लासिक्स की परंपराओं को जारी रखा और विकसित किया गया था। उनका नवाचार नए विचारों, विषयों, नाटक के विकास से जुड़ी छवियों और समाजवादी यथार्थवाद के रंगमंच के कारण था। इस कला के उत्कृष्ट स्वामी कलाकार एफ। फेडोरोव्स्की, वी। दिमित्रीव, पी। विलियम्स, एन। अकिमोव, एन। शिफरीन, बी। वोल्कोव, वाई। पिमेनोव, वी। रिंडिन, एस। विरसालडेज़, ए। वासिलिव और कई थे। अन्य। अन्य सभी प्रकार की कलात्मक रचनात्मकता के साथ, नाटकीय और सजावटी कला (थिएटर और मंच प्रदर्शन के साथ संबंध के माध्यम से) हमारे देश के जीवन की सभी विविधता, हमारे समाज के इतिहास को दर्शाती है।
कलाकार फिल्मों, टेलीविजन शो, विविधता और सर्कस के प्रदर्शन के निर्माण में भी भाग लेते हैं। लाखों दर्शकों द्वारा शानदार कलाओं को माना जाता है, और इसलिए यहां कलाकार की भूमिका बहुत महत्वपूर्ण है।
काम का अंत -
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स्थानिक प्लास्टिक = ठीक - ग्राफिक्स, पेंटिंग, मूर्तिकला
और कला के प्रकार ऐतिहासिक रूप से रचनात्मक गतिविधि के रूप हैं जो जीवन की कलात्मक प्राप्ति की क्षमता के साथ हैं .. कला के प्रकार .. स्थानिक प्लास्टिक ग्राफिक ग्राफिक्स पेंटिंग मूर्तिकला ..
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अवधारणाओं को परिभाषित करें: गाना बजानेवालों, मुखर कलाकारों की टुकड़ी, तिकड़ी, युगल, एकल
-कोइर (प्राचीन ग्रीक। Χορός - भीड़) - एक गाना बजानेवालों का समूह, एक गायन समूह, एक संगीत समूह जिसमें गायक (कोरिस्ट, गाना बजाने वाले कलाकार) शामिल होते हैं; संयुक्त ध्वनि
है। बाख - जीवन और रचनात्मक पथ (शैलियाँ, पॉलीफोनी, धर्मनिरपेक्ष और चर्च सिद्धांत)
हर संगीत में - बाख बाख के संगीत में कुछ सार्वभौमिक, सार्वभौमिक, सर्वव्यापी है। जैसा कि कवि जोसेफ ब्रोडस्की ने लिखा है, "बाख हर संगीत में है, भगवान हम में से प्रत्येक में है।" बाख का पता चला है
रचना का इतिहास
पहला भाग बाख के कोथेन में रहने के दौरान बनाया गया था, और दूसरा जब बाख लीपज़िग में सेवा कर रहा था। दोनों भागों को हस्तलिखित रूप में व्यापक रूप से परिचालित किया गया था, लेकिन टंकण रूप में संग्रह था
काम का अर्थ
टुकड़े का शीर्षक एक कीबोर्ड उपकरण के उपयोग का सुझाव देता है (आजकल, ये टुकड़े आमतौर पर पियानो या हार्पसीकोर्ड पर बजाए जाते हैं), जिसकी ट्यूनिंग संगीत को उसी हो ध्वनि की अनुमति देती है
इतिहास
1163 में फ्रांस के लुई VII के तहत निर्माण शुरू हुआ। इतिहासकार इस बात से असहमत हैं कि कैथेड्रल की आधारशिला किसने रखी थी - बिशप मौरिस डी सुली या पोप अलेक्जेंडर III।
इतालवी ललित कला में उच्च पुनर्जागरण सौंदर्यशास्त्र (लियोनार्डो दा विंची, राफेल सैंटी, माइकल एंजेलो बुओनारोटी)
राफेल सैंटी, माइकल एंजेलो बुओनारोटी)। इस युग की कला, सभी प्रकार के निजी रूपों के साथ, एक सबसे महत्वपूर्ण सामान्य विशेषता है - वास्तविकता के सच्चे प्रतिबिंब की इच्छा।
लियोनार्डो दा विंसी
लियोनार्डो दा विंची के लिए, शायद पुनर्जागरण के अन्य सभी आंकड़ों की तुलना में, होमो यूनिवर्सल की अवधारणा फिट बैठती है। यह असाधारण व्यक्ति सब कुछ जानता था और सब कुछ कर सकता था - वह सब कुछ जो जानता था और कुशलता से उसे रखता था
राफेल सैंटी
फ्लोरेंस में उफीजी गैलरी के कलात्मक खजाने में एक काले रंग की बेरी में एक असाधारण रूप से सुंदर युवक का चित्र है। यह स्पष्ट रूप से एक स्व-चित्र है, जिस तरह से टकटकी को निर्देशित किया जाता है - इस तरह से वे दिखते हैं
माइकल एंजेलो बुओनारोटी
और पुनर्जागरण का तीसरा पर्वत शिखर माइकल एंजेलो बुओनारोटी है। उनका लंबा जीवन हरक्यूलिस का जीवन है, उनके द्वारा किए गए कर्मों की एक श्रृंखला, शोक और पीड़ा, जैसे कि उनकी अपनी मर्जी से नहीं, बल्कि मजबूर
सिस्टिन चैपल की पेंटिंग
विडंबना यह है कि उनकी सबसे पूर्ण रचना मूर्तिकला नहीं थी, बल्कि सुरम्य थी - सिस्टिन चैपल की छत को चित्रित करना। हालाँकि माइकल एंजेलो इस आदेश को स्वीकार करने के लिए अनिच्छुक थे, उन्होंने खुद को एक पेंटिंग के रूप में नहीं गिना
वी.ए./. मोजार्ट - जीवन और रचनात्मक पथ
बचपन के साल साल्ज़बर्ग। वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट का जन्म 27 जनवरी, 1756 को साल्ज़बर्ग शहर में हुआ था। आल्प्स में स्थित साल्ज़बर्ग उस समय एक छोटे से शहर की राजधानी थी
प्राचीन ग्रीस की मूर्तिकला में आदर्श। मायरोन "डिस्कोबोलस", फ़िडियास "एथेना द वर्जिन इन द पार्थेनन", अलेक्जेंडर "एफ़्रोडाइट ऑफ़ मिलो", "नीका ऑफ़ सैमोथ्रेस"
प्राचीन ग्रीक मूर्तिकला प्राचीन संस्कृति की एक आदर्श रचना है, कई मायनों में यह अभी भी आदर्श और मॉडल के मूल्य को बरकरार रखती है। ग्रीक मूर्तिकला के बारे में आधुनिक विचार अधूरे हैं, अनेक
सिंथेटिक कला और चित्र। सिंथेटिक कला के प्रकार
सिंथेटिक कलाएँ वे कलात्मक रचनाएँ हैं जो एक जैविक संलयन हैं या विभिन्न प्रकार की कलाओं का अपेक्षाकृत मुक्त संयोजन हैं जो गुणवत्ता का निर्माण करती हैं
हागिया सोफिया के कैथेड्रल का इंटीरियर। कीव। पैलेस ऑफ़ वर्सेलिस। मिरर गैलरी
XIX-XX सदियों की संस्कृति में होने वाली कलाओं का संश्लेषण इस तथ्य के कारण हुआ कि चित्रात्मक तकनीकों का उपयोग न केवल चित्रकला, मूर्तिकला में, बल्कि साहित्य और संगीत में भी किया जाने लगा। व्यापक रूप से
रंगमंच और स्क्रीन सचित्र कल्पना के दो पहलू हैं। तातारस्तान गणराज्य के थिएटर
रंगमंच (ग्रीक - मुख्य अर्थ चश्मे के लिए एक जगह है, फिर - एक तमाशा, मैं देखता हूं, मैं देखता हूं) कला का एक शानदार रूप है, जो विभिन्न कलाओं का संश्लेषण है - साहित्य, संगीत, कोरियोग्राफर
सिनेमा इतिहास
छायांकन - (ग्रीक से। आंदोलन, लिखना, आकर्षित करना; वह है, "रिकॉर्डिंग आंदोलन") मानव गतिविधि की एक शाखा, जिसमें चलती छवियों का निर्माण शामिल है। सिनेमा का इतिहास शुरू होता है
तातारस्तान गणराज्य के थिएटर
अल्मेयेवस्क तातार स्टेट ड्रामा थिएटर पता: तातारस्तान गणराज्य, अल्मेतयेवस्क, लेनिन सेंट, 37 निदेशक: इस्मागिलोवा फरीदा बागिसोवना मुख्य मोड
अभिनय की दृश्य कला
यह एक जीवित छवि के अपने स्वयं के मनोवैज्ञानिक तंत्र की मदद से एक अभिनेता बनाने की कला है जो समय और स्थान में मौजूद है। कर्मकांडों में जन्म, अभिनेता की कला
ओपेरा से ओपेरेटा तक
ओपेरा (इतालवी ओपेरा - व्यापार, श्रम, काम; लैटिन ओपेरा - काम, उत्पाद, काम, बहुवचन से बहुवचन) संगीत और नाटकीय कला की एक शैली है जिसमें सामग्री संगीत के माध्यम से सन्निहित है
जैकोपो पेरिक
16 वीं शताब्दी के अंत में, मोनोफोनिक गायन (मोनोडी) को ऐसी रचनाओं में पेश करने के प्रयासों ने ओपेरा को उस पथ पर स्थापित किया जिस पर इसका विकास तेजी से आगे बढ़ा। इन प्रयासों के लेखकों ने उनके संगीत द्रौ को बुलाया
गाथागीत ओपेरा
अर्ध-ओपेरा, अर्ध-ओपेरा, ओपेरा "आधा" (अर्ध - लेट। आधा) - अंग्रेजी बारोक ओपेरा का एक रूप, जो मौखिक नाटक (शैली) नाटक, वोक को जोड़ता है
दृश्य कलाओं और अभिव्यक्ति के साधनों का विकास। वॉल्यूमेट्रिक - स्थानिक, ललाट, गहराई - स्थानिक रचना
मानव रचनात्मक गतिविधि दो अलग-अलग दिशाओं में विकसित होती है, एक तरफ व्यक्त करते हुए, एक ड्राइंग, मूर्तिकला या रंग में कुछ वस्तुओं और आसपास की दुनिया की घटनाओं को प्रतिबिंबित करने की इच्छा।
ललाट रचना
ललाट रचना का सबसे सरल प्रकार एक समतल रचना है। एक तलीय संरचना की एक विशेषता विशेषता दो दिशाओं में प्रपत्र तत्वों के एक विमान में वितरण है।
वॉल्यूमेट्रिक रचना
यह एक ऐसा रूप है जिसकी सतह अपेक्षाकृत बंद होती है और इसे हर तरफ से देखा जाता है। वॉल्यूमेट्रिक कंपोजिशन8 हमेशा पर्यावरण के साथ इंटरैक्ट करता है। बुधवार मई
गहरी स्थानिक रचना
इसमें भौतिक तत्व, आयतन, सतह और स्थान, साथ ही उनके बीच के अंतराल शामिल हैं। वास्तुकला में इस प्रकार की रचना का उपयोग हर जगह किया जाता है: समाधान से
कलाकार और कलात्मक तकनीक: पेंसिल से कंप्यूटर तक। कला का रिले। सिनेमा, टेलीविजन, वीडियो, कंप्यूटर, एनिमेशन
कार्टून की दुनिया में ही एक क्रांति 1995 में हुई जब पिक्सर की टॉय स्टोरी दिखाई दी - पूरी तरह से कंप्यूटर पर बना पहला पूर्ण लंबाई वाला कार्टून। नई तकनीक
उपसंहार। एनिमेशन का भविष्य
अगले दशक में, हम दो कलाओं - सिनेमैटोग्राफी और 3 डी एनिमेशन के विलय और नए विभाजन को देखेंगे। यह प्रक्रिया पहले से ही चल रही है: सुपरहीरो के साथ ब्लॉकबस्टर, साधारण प्लॉट और बहुत सारी विशेष
फोटोग्राफी कला की दृश्य संभावनाओं का विस्तार है। कैमरा, फोटोग्राफी, छवि। स्थान, विषय और शूटिंग कोण चुनना
प्रत्येक प्रकार की कला की अपनी भाषा होती है, अपनी संकेतों की प्रणाली के माध्यम से कलात्मक जानकारी रखती है। फोटोग्राफी में, ऐसे सचित्र संकेत प्रकाश, छाया और स्वर हैं। प्रकाश और छाया। के साथ देखे जाने की संख्या
सही रचना
तो, एक अनुभवहीन व्यक्ति अपने हाथों में एक वीडियो कैमरा रखता है और एक वस्तु से दूसरी वस्तु पर, ऊपर और नीचे, बाएँ और दाएँ भागते हुए, सब कुछ शूट करता है। इसका परिणाम क्या है? आपको शायद कम से कम एक बार
पृष्ठभूमि चयन, परिप्रेक्ष्य
एक तस्वीर जिसमें आप अंतरिक्ष की गहराई को महसूस कर सकते हैं, तुरंत ध्यान आकर्षित करती है। ऐसी तस्वीरें बेहतर दिखती हैं, वे देखने में ज्यादा दिलचस्प हैं। योजनाओं का प्रत्यावर्तन - अग्रभूमि, मध्य और दूरी
कठपुतली थिएटर कलाकार
कठपुतली थिएटर कलाकार
हम एक उज्ज्वल तमाशा को कठपुतली थिएटर के साथ जोड़ते हैं, कल्पना से भरा, अद्भुत परिवर्तन। क्या यह अन्यथा हो सकता है? आखिरकार, एक गुड़िया एक चमत्कार से शुरू होती है - इसमें निर्जीव सामग्री "एनिमेटेड" होती है। इस के प्रभाव की ताकत
कला का संश्लेषण, शैलियों का मिश्रण, शैलियों, कला के प्रकार, रूप, रंग, रचना के साथ प्रयोग तेजी से आम हैं।
3) शैली के रुझान दिखाई देते हैं - प्रतीकवाद, आधुनिकता, अवंत-गार्डे शैली - फौविज्म, अभिव्यक्तिवाद, क्यूबिज्म, भविष्यवाद, अमूर्ततावाद, अतियथार्थवाद, और इसी तरह। 4) Ca
पुनर्जागरण की पहचान है
*** संस्कृति की धर्मनिरपेक्ष प्रकृति और मनुष्य और उसकी गतिविधियों में रुचि *** प्राचीन संस्कृति में रुचि प्रकट होती है, जैसे कि उसका "पुनरुद्धार"
उन्होंने उनके उत्थान में मनमोहक रूपक चित्र बनाए और दुनिया को महिला सौंदर्य के आदर्श के साथ प्रस्तुत किया
उपनाम "बॉटीसेलो" - "केग" - अपने बड़े भाई जियोवानी से विरासत में मिला। शुक्र का जन्म, १४८२ वसंत, १४७७-१४७८ उफीजी गैलरी, फ्लो
अपने काम के साथ, उन्होंने गॉथिक से एक नई कला में परिवर्तन में योगदान दिया जिसने मनुष्य और उसकी दुनिया की महानता को गौरवान्वित किया।
ऊर्जावान काले और सफेद मॉडलिंग प्लास्टिक भौतिकता तीन आयामी आंकड़े स्मारकीकरण और
प्रारंभिक मध्ययुगीन वास्तुकला
प्रेरित गॉथिक स्थान के बजाय - दृष्टि से स्पष्ट सीमाओं के साथ तर्कसंगत। गॉथिक टूटी हुई रेखाओं के तनाव के बजाय - सख्त, ज्यादातर मामलों में आयताकार
संयोजन। रचना के बुनियादी नियम
रचना के मूल नियम प्रसिद्ध सोवियत ग्राफिक कलाकार किब्रिक ई.ए. द्वारा तैयार किए गए थे। लेख में "दृश्य कला में रचना के उद्देश्य कानून।" (जर्नल "प्रश्न ऑफ फिलॉसफी", 196
रूसी चित्रकार - परिदृश्य चित्रकार
१) मनुष्य प्रकृति से अटूट रूप से जुड़ा हुआ है, वह उसका एक हिस्सा है। और प्रकृति का आनंद, उसमें अपनी भावनाओं, अपने आदर्शों के अनुरूप खोजने की इच्छा, लेखन में हमेशा रचनात्मकता का स्रोत रहा है।
संगीत शैलियों की अवधारणा
संगीत शैली एक बहुआयामी अवधारणा है जो विभिन्न प्रकार और संगीत रचनात्मकता के प्रकार को उनके मूल के साथ-साथ उनके प्रदर्शन और धारणा के तरीके और शर्तों के संबंध में दर्शाती है। संकल्पना
प्राथमिक और माध्यमिक संगीत शैलियों
ओवी सोकोलोव ने शैली वर्गीकरण के सिद्धांत का प्रस्ताव रखा, जो शैलियों के विभाजन को कलात्मक और अनुप्रयुक्त शैलियों में जोड़ता है और संगीत (वाद्य) में उनका भेदभाव करता है और
शैलियों का विकास
कैवेलरी मार्च (तेज, आमतौर पर जी पर), आने वाले, गंभीर, शोक मार्च सैन्य मार्च से "काता गया"। शैली के विकास का एक अन्य तरीका बातचीत है, संश्लेषण पहले से ही एक परत है
यूरोपीय पेशेवर संगीत की प्रमुख शैलियाँ
महत्वपूर्ण रूप से टोकाटा प्रस्तावना की लंबाई से अधिक है। १६वीं - १८वीं शताब्दी ("पुरानी" टोकाटा) में, यह आम तौर पर बारी-बारी से पारित होने के साथ एक मुक्त रचना थी- कलाप्रवीण व्यक्ति और मधुर-पाठ के समय
सीनोग्राफी की कला
विकासशील कला के व्यावहारिक हितों ने कलात्मक प्रदर्शनों, एनीमेशन कार्यक्रमों, प्रदर्शनी कार्यक्रमों आदि की योजना और विकास के लिए बुनियादी आधार के रूप में सहज रूप से दृश्यता को सामने रखा, इसकी कुल अस्पष्टता केवल दर्शनीय गतिविधियों के आगे विकास की आवश्यकता की पुष्टि करती है।
इसलिए, कलात्मक डिजाइन को समझने और समझने में और लेखक द्वारा कल्पना की गई स्थानिक समाधान के कार्यान्वयन के लिए परिदृश्य का महत्व स्पष्ट है।
सीनोग्राफी में किसी भी प्रदर्शन की कलात्मक अखंडता में एक आवश्यक क्षण के रूप में मंच डिजाइन शामिल होना चाहिए, इसके प्रदर्शन के दौरान प्रदर्शन, प्रदर्शन में अभिनेताओं और प्रतिभागियों के सिद्धांतों को तैयार करना चाहिए। प्रत्येक घटना का स्थानिक समाधान चुने हुए विषय और भाषण की संरचना में प्रतिभागियों के कार्यों के अनुरूप होना चाहिए।
सबसे सामान्य परिभाषा में scenography- यह एक प्रकार की कलात्मक गतिविधि है, जो एक प्रदर्शन, प्रदर्शन, एक सचित्र छवि के निर्माण पर आधारित है, जिसे दर्शकों और प्रतिभागियों द्वारा एक पूरे के रूप में माना जाता है, जो मंच के रूप, समय और स्थान में विद्यमान है।
सीनोग्राफी एक प्रदर्शन बनाने और संचालित करने के कलात्मक और तकनीकी साधनों का विज्ञान है। एक मंच कार्यक्रम या घटना के कार्यान्वयन में उपयोग किए जाने वाले सभी कलात्मक, सजावटी और तकनीकी साधनों को दृश्यता द्वारा उन तत्वों के रूप में माना जाता है जो प्रदर्शन का एक कलात्मक रूप बनाते हैं।
व्यावहारिक रूप से, दृश्य-चित्रण स्थल को सजावट, प्रकाश व्यवस्था, मंचन तकनीकों के साथ-साथ स्क्रिप्ट की भावना में अभिनेताओं के लिए वेशभूषा बनाकर प्रदर्शन की एक दृश्य छवि का निर्माण है। वास्तव में, एक प्रदर्शन का मंचन करना और दर्शकों और प्रतिभागियों के बीच सही धारणा बनाना इस बात पर निर्भर करता है कि परिदृश्य की प्रक्रिया में प्रदर्शन के तत्वों को व्यवस्थित रूप से कैसे चुना जाता है।
सीनोग्राफी का मतलब है सेट, कॉस्ट्यूम, लाइटिंग और स्टेजिंग तकनीक के जरिए विजुअल इमेज बनाना। विशेष तमाशा, जटिल प्रभावों के लिए मंच तंत्र के काम की आवश्यकता होती है, जो पर्दे के पीछे या जनता के सामने दृश्यों को बदल सकता है।
सीनोग्राफी प्राचीन ग्रीस में दिखाई दी, संभवतः "सीनोग्राफी" शब्द से ली गई है, जिसे एक समय में "एक दृश्य को चित्रित करना" के रूप में समझा जाता था, अर्थात एक दृश्य के डिजाइन में "सुरम्य दृष्टिकोण" का उपयोग।
पहली नज़र में, सीनोग्राफी शब्द की संरचना ही डिजाइन में कलाकार के काम की बारीकियों पर संकेत देती है। लेकिन अगर हम सीनोग्राफी को सिर्फ डेकोरेशन ही समझें तो सवाल उठता है कि क्या सीनोग्राफी सिर्फ एक्टर्स के सीन और कॉस्ट्यूम तक सिमट कर रह गई है।
हालांकि, प्रदर्शन और प्रदर्शन की संरचना में दृश्यता का महत्व व्यापक है, क्योंकि दृश्यों पर जो दर्शाया गया है, वह सबसे पहले, प्रदर्शन विषय के ढांचे के भीतर एक निश्चित स्थानिक वातावरण में अभिनेताओं के कार्यों का विकास है। . अर्थात्, वास्तव में, सीनोग्राफी एक ऐसा शब्द है जिसकी सामग्री शब्द के प्रत्यक्ष अर्थ से कहीं अधिक व्यापक है। नाटक की संरचना में दृश्यता की सामग्री का अर्थ न केवल दृश्यों और वेशभूषा पर छवि है, बल्कि अभिनेताओं की मंचन गतिविधियाँ भी हैं। इसके अलावा, यह सब प्रस्तुति के विषय द्वारा निर्धारित ढांचे के भीतर किया जाता है।
इसके अलावा, यदि दृश्यावली मुख्य रूप से विभिन्न कलाकारों, चित्रकारों, आदि की सामग्री के अध्ययन पर बनाई गई है, तो समग्र रूप से सेट डिज़ाइन को प्रदर्शन की संपूर्ण स्थानिक व्याख्या पर ध्यान केंद्रित करना चाहिए, हर उस चीज़ पर जो दृश्य महत्व बनाती है मंचित छवि। प्रस्तुति का सबसे सरल उदाहरण नया साल का पेड़ है। उदाहरण के लिए, नए साल की छुट्टी पर सांता क्लॉस में एक सेल फोन की अचानक उपस्थिति बनाई गई छवि को नष्ट कर देगी। हालाँकि, यदि आप इसे एक मजाक के रूप में व्यवस्थित करते हैं और कार्यक्रम को आधुनिक सुविधाओं के अनुकूल बनाते हैं, तो यह दर्शकों द्वारा पर्याप्त रूप से माना जाएगा और एक अप्रिय प्रभाव पैदा नहीं करेगा।
सीनोग्राफी के प्रकार
सीनोग्राफी तीन प्रकार की हो सकती है:
- विस्तृत परिदृश्य,
- लैकोनिक दृश्यता;
- न्यूनतम सेट डिजाइन।
सीनोग्राफी के प्रकार
विस्तृत दृश्यावलीइसके कार्यक्रम के अनुसार प्रदर्शन स्थल का पूरा डिजाइन, वेशभूषा वाले प्रतिभागी, एक विस्तृत स्क्रिप्ट, हर चरण में सभी अभिनेताओं की समन्वित कार्रवाई और प्रदर्शन के दौरान बाहरी प्रभावों की पूर्ण अनुपस्थिति शामिल है। प्रतिवेश के पूर्ण अनुपालन में गंभीर विषयगत प्रदर्शनों के मंचन के लिए इसी तरह के तरीकों का उपयोग किया जाता है।
लैकोनिक सीनोग्राफीइसका अर्थ है विस्तार पर ध्यान दिए बिना स्थल का सामान्य डिजाइन, अभिनेताओं की खराब विस्तृत वेशभूषा, अभिनेताओं की मुख्य पंक्तियों के साथ एक सामान्य परिदृश्य। मूल रूप से, इस स्तर के प्रदर्शन और प्रदर्शन कॉर्पोरेट और सामाजिक कार्यक्रमों में आयोजित किए जाते हैं।
मिनिमल सीनोग्राफीतात्पर्य बिना वेशभूषा के अभिनेताओं के प्रदर्शन से है, प्रदर्शन के लिए स्थल को सजाए बिना। वास्तव में, न्यूनतम सेट डिजाइन संगीत संगत के साथ तैयार मंच पर एक प्रदर्शन है। इस दृष्टिकोण का उपयोग सबसे सरल प्रदर्शन और प्रदर्शन में किया जाता है, उदाहरण के लिए, प्रस्तुतकर्ता - अभिनेता - दर्शक - प्रतियोगिता - पुरस्कार योजना के अनुसार आयोजित एनीमेशन कार्यक्रम।
सामान्य तौर पर, सामाजिक और सांस्कृतिक सेवाओं और पर्यटन के क्षेत्र में, सीनोग्राफी शब्द व्यापक हो गया है। अक्सर इस शब्द का उपयोग एनीमेशन कार्यक्रमों के प्रमुख बिंदुओं में से एक को दर्शाने के लिए किया जाता है - घटना का स्थानिक समाधान।
समकालीन दृश्यावली
आंशिक रूप से, यह शब्द अपनी सामग्री में सीमित है, क्योंकि इस क्षेत्र में एक भी सैद्धांतिक आधार नहीं है। इस तथ्य के बावजूद कि नाट्य कला का यह घटक रंगमंच और प्रदर्शन की शुरुआत से ही अस्तित्व में है, परिदृश्य किसी भी विस्तृत सैद्धांतिक अवधारणा का दावा नहीं कर सकता है। इसके विपरीत, परिदृश्य के लागू पहलुओं पर विस्तार से और विस्तार से काम किया गया है।
आधुनिक परिदृश्य में तत्वों की एक प्रणाली शामिल है जो प्रदर्शन और प्रदर्शन की प्रभावशीलता सुनिश्चित करती है।
इसके बावजूद, कई लोगों का मतलब है कि विशेष रूप से सजावटी कला। यह मौलिक रूप से गलत है। शब्द "सजावटी कला" का शाब्दिक अर्थ है "सजाना, कुछ सजाना" और मुख्य रूप से नाटकीय सजावट तकनीकों को संदर्भित करता है। वास्तव में, दृश्य-चित्रण की नाट्य तकनीकों ने प्रदर्शन और प्रदर्शन से संबंधित अन्य सभी क्षेत्रों में दृश्य-चित्रण की नींव रखी। उदाहरण के लिए, मनोरंजन सेवा ने घटनाओं को सजाने के लिए नाट्य विधियों और दृष्टिकोणों को उधार लिया है। हालांकि, सजावट कला केवल नाट्य दृश्यों का एक हिस्सा है, और इसकी पूरी सामग्री नहीं है।
इसलिए, दर्शनीय स्थल न केवल प्रदर्शन, प्रदर्शन, प्रदर्शन या अन्य घटना के लिए स्थल को सजा रहा है, क्योंकि वास्तव में, यह इसके सार के अनुरूप नहीं है, बल्कि केवल आयोजन स्थल को तैयार करने की एक निश्चित विधि की विशेषता है। परिदृश्य में एक विशिष्ट विषय की सौंदर्य स्थिति शामिल होती है जिसके भीतर एक नाटक या प्रदर्शन होता है। नतीजतन, परिदृश्य के उपयोग की सार्वभौमिकता बहुत सशर्त है, क्योंकि दृश्य-चित्र में क्या शामिल होना चाहिए, यह प्रदर्शन की अवधारणा पर निर्भर करता है।
निर्देशक का विचार अभिनेताओं और दर्शकों को प्रदर्शन की स्थानिक और विषयगत निश्चितता को ध्यान में रखने के लिए मजबूर करता है। इसलिए, पर्यावरण की शास्त्रीय धारणा बदल जाती है, जिससे दर्शकों और प्रतिभागियों के लिए यह महसूस करना संभव हो जाता है कि वे कार्रवाई में शामिल हैं। यह किसी भी प्रदर्शन और प्रदर्शन की सफलता की कुंजी है, जो कि दर्शनीय स्थलों द्वारा प्रदान की जाती है।
आधुनिक रंगमंच और अभिनय के सामने आने वाली नई चुनौतियों और अवसरों का दावा दर्शनीय स्थलों की संभावनाओं का विस्तार करके संभव है। कलात्मक छवियों के दृश्य महत्व, प्रदर्शन और उत्पादन की अखंडता, साथ ही दर्शकों के साथ अभिनेताओं और प्रतिभागियों के बीच संचार की अन्तरक्रियाशीलता को विकसित करना आवश्यक है।
यदि परिदृश्य के माध्यम से एक जगह बनाई गई है, जहां एक कलात्मक उत्पादन की कार्रवाई सामने आती है, तो यह पहले से ही दर्शकों और प्रतिभागियों की छवि और धारणा को प्रभावित करती है। चूंकि कलात्मक गतिविधि बहुत विशिष्ट और अलग है, उदाहरण के लिए, फिल्मों में अभिनय, दृश्यों को अभिनेताओं को उनके प्रदर्शन कौशल का एहसास करने में मदद करनी चाहिए।
इसलिए, संगठित प्रदर्शन की विशिष्ट विशेषताओं के कारण, दृश्यता का उत्पादन के कलात्मक संदर्भ पर एक स्पष्ट निर्भरता है। नतीजतन, दृश्यता का विकास इस तथ्य के कारण किया जाता है कि प्रत्येक नए कलात्मक उत्पादन के साथ, नए कार्यों को पेश किया जाता है, और हर बार वे अधिक जटिल और जटिल हो जाते हैं।
व्यवहार में, नाट्य, सर्कस और अन्य कला समूहों की गतिविधियों में एक मंच डिजाइनर की एक अलग स्थिति केवल संस्कृति और सामाजिक और सांस्कृतिक सेवाओं के बड़े संस्थानों में आवंटित की जाती है। इसके अलावा, एक सेट डिजाइनर की स्थिति बड़े होटलों, सेनेटोरियम आदि सहित छुट्टियों और कार्यक्रमों के आयोजन में शामिल बड़े उद्यमों में होती है। इस मामले में, सेट डिजाइनर प्रदर्शन और घटनाओं के लिए एक प्रकार का उत्पादन प्रौद्योगिकीविद्, वास्तुकार, डिजाइनर और इंजीनियर है।
छोटी रचनात्मक टीमों में, मंच डिजाइनर के कार्य उनके सदस्यों और अभिनेताओं द्वारा किए जाते हैं। उनके कार्यों में प्रदर्शन के लिए आवंटित स्थान का डिज़ाइन और अनुमानित उत्पादन की समग्र कलात्मक छवि का निर्माण दोनों शामिल हैं।
कलात्मक समूह के बाहर जो सबसे अधिक किया जाता है वह है सजावट का उत्पादन। उसी समय, कोई भी पेशेवर कलाकार दृश्यों की सजावट करने में सक्षम होता है, अगर उसके सामने सजावट के लक्ष्य और उद्देश्य स्पष्ट रूप से निर्धारित होते हैं। हालांकि, कलाकार केवल कलात्मक सजावट के रूप में विचारों को मूर्त रूप देकर दृश्यों की भावना को व्यक्त करने में सक्षम नहीं होगा। इसलिए, दृश्यता केवल अंतरिक्ष के सजावटी डिजाइन के बारे में नहीं है। हालांकि, नए निर्माण की कलात्मक अखंडता को बनाने में हर बार कलाकार की भूमिका का अलग-अलग तरीके से आकलन करते हुए, नई आवश्यकताओं को लगातार दृश्यता के लिए आगे रखा जा रहा है, जिसके लिए कलाकार को एक निश्चित विशेषज्ञता की आवश्यकता होती है, इस तरह पर ध्यान केंद्रित करें गतिविधि का।
कलात्मक प्रदर्शनों और प्रदर्शनों के मंचन के मुख्य तत्वों में से एक दृश्य-चित्रण और दर्शनीय तैयारी है। उत्पादन की कलात्मक छवि बनाने में दृश्यता की भूमिका बहुत महान है, क्योंकि दृश्यता की तकनीकों के कारण, दर्शकों के लिए कलात्मक छवि की सही धारणा बनाने के लिए प्रत्येक प्रदर्शन और प्रदर्शन के लिए एक स्थानिक समाधान बनाया जाता है।
परिदृश्य में मंचन, प्रदर्शन, प्रदर्शन, प्रदर्शन और अन्य घटनाओं के लिए कलात्मक और तकनीकी साधनों का उपयोग होता है। व्यावहारिक कार्यान्वयन के दृष्टिकोण से, सीनोग्राफी एक विशद दृश्य छवि का निर्माण है जिसे दर्शकों और प्रतिभागियों द्वारा माना जाता है।
इसके लिए ऐनिमेशन प्रोग्राम के लिए आयोजन स्थल की साज-सज्जा, प्रकाश व्यवस्था और मंचन के उपकरणों से सजावट का प्रयोग किया जाता है। इसके अलावा, मंच के डिजाइन में अभिनेताओं के लिए वेशभूषा का निर्माण शामिल है, जो उत्पादन के कलात्मक डिजाइन के अनुरूप होना चाहिए।
परिदृश्य उत्पादन की अवधारणा के अनुरूपता के सिद्धांत पर आधारित है। उसी समय, परिदृश्य के लिए कार्यप्रणाली और उपकरण व्यक्तिगत तत्वों को बनाने के लिए अनुकूलित होते हैं जो समग्र रूप से एक जटिल रचनात्मक अवधारणा बनाते हैं, और कलात्मक अखंडता दृश्यता का सार और मुख्य लक्ष्य है।