शहरी प्रभाववाद। प्रभाववाद में शहरी परिदृश्य

18-19 शतक यूरोपीय कला के सुनहरे दिनों द्वारा चिह्नित। फ्रांस में, सम्राट नेपोलियन III ने फ्रेंको-प्रशिया युद्ध के दौरान शत्रुता के बाद पेरिस के पुनर्निर्माण का आदेश दिया। पेरिस जल्दी से वही "चमकता हुआ शहर" बन गया जो दूसरे साम्राज्य के अधीन था और एक बार फिर खुद को यूरोपीय कला का केंद्र घोषित कर दिया। इसलिए, कई प्रभाववादी चित्रकारों ने अपने कार्यों में आधुनिक शहर के विषय की ओर रुख किया। उनके कार्यों में, आधुनिक शहर एक राक्षस नहीं है, बल्कि मातृभूमि का स्थान है जहां लोग रहते हैं। कई रचनाएँ देशभक्ति की प्रबल भावना से ओत-प्रोत हैं।

यह विशेष रूप से क्लाउड मोनेट के चित्रों में देखा जा सकता है। उन्होंने विभिन्न प्रकार की रोशनी और वायुमंडलीय परिस्थितियों में रूएन कैथेड्रल के दृश्यों के साथ 30 से अधिक पेंटिंग बनाई। उदाहरण के लिए, 1894 में मोनेट ने दो चित्रों को चित्रित किया - "दोपहर में रूएन कैथेड्रल" और "शाम में रूएन कैथेड्रल"। दोनों पेंटिंग गिरजाघर के एक ही टुकड़े को दर्शाती हैं, लेकिन अलग-अलग स्वरों में - दोपहर के गर्म पीले-गुलाबी स्वर में और मरने वाले धुंधलके के ठंडे नीले रंगों में। चित्रों में, एक रंगीन स्थान पूरी तरह से रेखा को भंग कर देता है, कलाकार पत्थर के भौतिक भारीपन को नहीं, बल्कि एक हल्के रंगीन पर्दे की तरह बताता है।

प्रभाववादियों ने चित्र को एक खुली खिड़की की तरह बनाने का प्रयास किया जिसके माध्यम से वास्तविक दुनिया दिखाई दे। अक्सर वे खिड़की से सड़क पर देखने का एक बिंदु चुनते थे। 1873 में चित्रित और 1874 में पहली प्रभाववादी प्रदर्शनी में दिखाया गया सी. मोनेट द्वारा प्रसिद्ध बुलेवार्ड डेस कैपुसीन इस तकनीक का एक उत्कृष्ट उदाहरण है। यहां बहुत नवीनता है - एक बड़े शहर की सड़क के दृश्य को परिदृश्य के मकसद के रूप में चुना गया था, लेकिन कलाकार को इसकी उपस्थिति में दिलचस्पी है, न कि इसकी जगहें। लोगों के पूरे द्रव्यमान को सामान्य रूप से फिसलने वाले स्ट्रोक के साथ चित्रित किया गया है, जिसमें व्यक्तिगत आंकड़े बनाना मुश्किल है।

मोनेट इस काम में सड़क पर गहरे जाने वाले लोगों, लोगों और गाड़ियों को छोड़ने से, बमुश्किल ध्यान देने योग्य कंपन हवा की एक त्वरित, विशुद्ध रूप से दर्शकों की छाप देता है। वह कैनवास के विमान के विचार को नष्ट कर देता है, अंतरिक्ष का भ्रम पैदा करता है और इसे प्रकाश, वायु और गति से भर देता है। मानव आँख अनंत की ओर दौड़ती है, और कोई सीमा बिंदु नहीं है जहाँ वह रुक सके।

उच्च सहूलियत बिंदु कलाकार को अग्रभूमि को छोड़ने की अनुमति देता है, और वह सड़क के फुटपाथ पर पड़े घरों की नीली-बैंगनी छाया के विपरीत चमकदार धूप देता है। मोनेट का धूप वाला पक्ष नारंगी, सुनहरा-गर्म, छायादार - बैंगनी देता है, लेकिन एक हल्की-हवा की धुंध पूरे परिदृश्य को तानवाला सामंजस्य प्रदान करती है, और घरों और पेड़ों की रूपरेखा हवा में दिखाई देती है, जो सूर्य की किरणों से प्रवेश करती है।

1872 में ले हावरे में मोनेट ने लिखा "इंप्रेशन। सनराइज ”- ले हावरे के बंदरगाह का एक दृश्य, जिसे बाद में प्रभाववादियों की पहली प्रदर्शनी में प्रस्तुत किया गया। यहां कलाकार, जैसा कि आप देख सकते हैं, अंततः एक निश्चित मात्रा के रूप में छवि की वस्तु के आम तौर पर स्वीकृत विचार से खुद को मुक्त कर लिया और खुद को पूरी तरह से नीले और गुलाबी-नारंगी टन में वातावरण की क्षणिक स्थिति को व्यक्त करने के लिए समर्पित कर दिया। वास्तव में, सब कुछ सारहीन हो जाता है: घाट और जहाज आकाश में धारियों और पानी में प्रतिबिंब के साथ विलीन हो जाते हैं, और अग्रभूमि में मछुआरों और नावों के सिल्हूट कई तीव्र स्ट्रोक के साथ बने काले धब्बे होते हैं। अकादमिक तकनीक की अस्वीकृति, खुली हवा में पेंटिंग और असामान्य विषयों की पसंद को उस समय के आलोचकों द्वारा शत्रुता के साथ प्राप्त किया गया था। लुई लेरॉय, एक उग्र लेख के लेखक, जो "शरीवरी" पत्रिका में प्रकाशित हुए, पहली बार इस चित्र के संबंध में, पेंटिंग में एक नई प्रवृत्ति की परिभाषा के रूप में "प्रभाववाद" शब्द का इस्तेमाल किया।

शहर को समर्पित एक और उत्कृष्ट कार्य क्लाउड मोनेट "गारे डे सेंट-लज़ारे" की पेंटिंग थी। सेंट-लज़ारे स्टेशन के मूल भाव के आधार पर, मोनेट ने दस से अधिक चित्रों को निष्पादित किया, जिनमें से सात को 1877 में तीसरी प्रभाववादी प्रदर्शनी में प्रदर्शित किया गया था।

मोनेट ने रुए मोनसी पर एक छोटा सा अपार्टमेंट किराए पर लिया, जो रेलवे स्टेशन से ज्यादा दूर नहीं था। कलाकार को कार्रवाई की पूर्ण स्वतंत्रता दी गई थी। ट्रेनों की आवाजाही को अस्थायी रूप से निलंबित कर दिया गया था, और वह स्पष्ट रूप से प्लेटफार्मों, धूम्रपान करने वाले भाप इंजनों की भट्टियों को देख सकता था, जो कोयले से भरे हुए थे - ताकि पाइप से भाप निकल सके। मोनेट दृढ़ता से स्टेशन पर "बस गया", यात्रियों ने उसे श्रद्धा और विस्मय के साथ देखा।

चूंकि स्टेशन की उपस्थिति लगातार बदल रही थी, मोनेट ने "प्रकृति" पर केवल रेखाचित्र बनाए, और कार्यशाला में उन पर उन्होंने स्वयं चित्र लिखे। ट्रैक पर हमें एक बड़ा रेलवे स्टेशन दिखाई देता है, जो लोहे के खंभों पर लगा एक छत्र से ढका होता है। बाएं और दाएं प्लेटफॉर्म हैं, एक ट्रैक कम्यूटर ट्रेनों के लिए है, दूसरा लंबी दूरी की ट्रेनों के लिए है। स्टेशन के अंदर मंद प्रकाश और उज्ज्वल, चमकदार स्ट्रीट लाइट के बीच के अंतर के माध्यम से एक विशेष वातावरण व्यक्त किया जाता है। पूरे कैनवास में बिखरे धुएं और भाप के झोंके प्रकाश की विपरीत धारियों को असंतुलित करते हैं। धुआँ हर जगह रिसता है, चमकते बादल इमारतों के सूक्ष्म सिल्हूट के खिलाफ घूमते हैं। लगता है कि मोटी भाप विशाल टावरों को आकार देती है, उन्हें एक हल्के घूंघट से ढकती है, जैसे कि बेहतरीन मकड़ी का जाला। चित्र को कोमल मौन स्वरों में रंगों के सूक्ष्म क्रमों के साथ चित्रित किया गया है। अल्पविराम के रूप में तेज, सटीक स्ट्रोक, उस समय की विशेषता, एक मोज़ेक के रूप में माना जाता है, दर्शक को यह आभास होता है कि वाष्प छितरी हुई है और फिर संघनित है।

प्रभाववादियों के एक अन्य प्रतिनिधि, सी। पिस्सारो, सभी प्रभाववादियों की तरह, शहर को चित्रित करना पसंद करते थे, जिसने उन्हें अपने अंतहीन आंदोलन, वायु धाराओं के प्रवाह और प्रकाश के खेल से मोहित कर लिया। उन्होंने इसे एक जीवित, बेचैन जीव के रूप में माना, जो मौसम, रोशनी की डिग्री के आधार पर बदलने में सक्षम है।

1897 की सर्दियों और वसंत ऋतु में, पिसारो ने बुलेवार्ड्स ऑफ़ पेरिस श्रृंखला के चित्रों पर काम किया। इन कार्यों ने कलाकार को प्रसिद्धि दिलाई और आलोचकों का ध्यान आकर्षित किया जिन्होंने उनका नाम विभाजनवादी आंदोलन से जोड़ा। कलाकार ने पेरिस के एक होटल के एक कमरे की खिड़की से श्रृंखला के लिए रेखाचित्र बनाए, और अप्रैल के अंत में एरागनी में अपने स्टूडियो में चित्रों पर काम पूरा किया। यह पिसारो के काम में एकमात्र श्रृंखला है जिसमें कलाकार ने मौसम और सूरज की रोशनी की विभिन्न स्थितियों को अधिकतम सटीकता के साथ पकड़ने की कोशिश की। उदाहरण के लिए, कलाकार ने बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे को एक ही खिड़की से देखते हुए 30 चित्रों को चित्रित किया।

चित्रों में "पेरिस में बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे" मास्टर सी। पिसारो ने उत्कृष्ट रूप से वायुमंडलीय प्रभावों की समृद्धि, रंगीन जटिलता और एक बादल दिन की सूक्ष्मता से अवगत कराया। शहर के जीवन की गतिशीलता, चित्रकार के त्वरित ब्रश द्वारा इतनी दृढ़ता से सन्निहित है, एक आधुनिक शहर की छवि बनाती है - औपचारिक नहीं, आधिकारिक नहीं, बल्कि उत्साहित और जीवंत। इस उत्कृष्ट प्रभाववादी - "पेरिस के गायक" के काम में शहरी परिदृश्य मुख्य शैली बन गया।

फ्रांस की राजधानी पिसारो के काम में एक विशेष स्थान रखती है। कलाकार लगातार शहर के बाहर रहता था, लेकिन पेरिस ने उसे लगातार आकर्षित किया। पेरिस उसे अपने निरंतर और सार्वभौमिक आंदोलन से मोहित करता है - पैदल चलने वालों का चलना और गाड़ियों का दौड़ना, हवा की धाराओं का प्रवाह और प्रकाश का खेल। पिस्सारो शहर कलाकार की दृष्टि के क्षेत्र में उल्लेखनीय घरों की सूची नहीं है, बल्कि एक जीवित और बेचैन जीव है। इस जीवन से प्रभावित होकर, हम बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे को बनाने वाली इमारतों की सामान्यता से अवगत नहीं हैं। बोल्शोई बुलेवार्ड्स की बेचैनी में कलाकार अपना अनूठा आकर्षण पाता है। सुबह और दिन, शाम और रात, धूप और धूसर, पिसारो ने बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे पर कब्जा कर लिया, इसे एक ही खिड़की से देख रहे थे। दूरी में घटती गली का स्पष्ट और सरल रूप एक स्पष्ट संरचनागत आधार बनाता है जो कैनवास से कैनवास में नहीं बदलता है। अगले वर्ष लौवर होटल की खिड़की से चित्रित कैनवस का चक्र पूरी तरह से अलग तरीके से बनाया गया था। साइकिल पर काम करते हुए अपने बेटे को लिखे एक पत्र में, पिसारो ने इस जगह के चरित्र पर जोर दिया, जो बुलेवार्ड्स से अलग है, यानी फ्रेंच थिएटर का वर्ग और आसपास का क्षेत्र। दरअसल, वहां सब कुछ गली की धुरी पर दौड़ता है। यहाँ - वर्ग, जो कई सर्वव्यापी मार्गों के अंतिम पड़ाव के रूप में कार्य करता है, विभिन्न दिशाओं में प्रतिच्छेद करता है, और हवा की एक बहुतायत के साथ एक विस्तृत चित्रमाला के बजाय, एक बंद अग्रभूमि स्थान हमारी आँखों को दिखाई देता है।

उन्नीसवीं सदी के अंतिम दशकों और बीसवीं सदी की शुरुआत में कला के सबसे बड़े रुझानों में से एक प्रभाववाद है, जो फ्रांस से पूरी दुनिया में फैला है। इसके प्रतिनिधि पेंटिंग की ऐसी विधियों और तकनीकों के विकास में लगे हुए थे, जो इसके क्षणभंगुर छापों को व्यक्त करने के लिए गतिशीलता में वास्तविक दुनिया के सबसे ज्वलंत और प्राकृतिक प्रतिबिंब की अनुमति देंगे।

कई कलाकारों ने प्रभाववाद की शैली में अपने कैनवस बनाए, लेकिन आंदोलन के संस्थापक क्लाउड मोनेट, एडौर्ड मानेट, अगस्टे रेनॉयर, अल्फ्रेड सिसली, एडगर डेगास, फ्रेडरिक बाज़िल, केमिली पिसारो थे। उनके सर्वोत्तम कार्यों का नाम देना असंभव है, क्योंकि वे सभी सुंदर हैं, लेकिन सबसे प्रसिद्ध हैं, और यह उनके बारे में है जिस पर आगे चर्चा की जाएगी।

क्लाउड मोनेट: "इंप्रेशन। उगता हुआ सूरज"

वह कैनवास जिसके साथ इम्प्रेशनिस्टों के सर्वश्रेष्ठ चित्रों के बारे में बातचीत शुरू करना है। क्लाउड मोनेट ने इसे 1872 में फ्रांस के ले हावरे के पुराने बंदरगाह में जीवन से चित्रित किया था। दो साल बाद, पेंटिंग को पहली बार फ्रांसीसी कलाकार और कार्टूनिस्ट नादर के पूर्व स्टूडियो में जनता को दिखाया गया था। यह प्रदर्शनी कला जगत के लिए भाग्यवान बन गई है। मोनेट के काम से प्रभावित (सर्वोत्तम अर्थ में नहीं), जिसका नाम मूल भाषा में "इंप्रेशन, सोलिल लेवेंट" जैसा लगता है, पत्रकार लुई लेरॉय ने पहली बार "इंप्रेशनिज़्म" शब्द को प्रचलन में पेश किया, जो पेंटिंग में एक नई दिशा को दर्शाता है।

पेंटिंग 1985 में O. Renoir और B. Morisot के कार्यों के साथ चोरी हो गई थी। उन्होंने उसे पांच साल बाद खोजा। वर्तमान में, "इंप्रेशन. द राइजिंग सन ”पेरिस में मर्मोटन-मोनेट संग्रहालय से संबंधित है।

एडौर्ड मोनेट: ओलंपिया

1863 में फ्रांसीसी प्रभाववादी एडौर्ड मानेट द्वारा बनाई गई पेंटिंग "ओलंपिया", आधुनिक चित्रकला की उत्कृष्ट कृतियों में से एक है। इसे पहली बार 1865 में पेरिस सैलून में प्रस्तुत किया गया था। प्रभाववादी चित्रकारों और उनके चित्रों ने अक्सर खुद को हाई-प्रोफाइल घोटालों के केंद्र में पाया। हालांकि, "ओलंपिया" कला के इतिहास में उनमें से सबसे बड़ा कारण था।

कैनवास पर, हम दर्शकों के सामने एक नग्न महिला, चेहरा और शरीर देखते हैं। दूसरा पात्र एक गहरे रंग की नौकरानी है जो कागज में लिपटे एक शानदार गुलदस्ते को पकड़े हुए है। बिस्तर के पैर में एक धनुषाकार पीठ के साथ एक विशिष्ट मुद्रा में एक काला बिल्ली का बच्चा है। पेंटिंग के इतिहास के बारे में ज्यादा जानकारी नहीं है, केवल दो रेखाचित्र हमारे सामने आए हैं। मॉडल, सबसे अधिक संभावना है, मानेट का पसंदीदा मॉडल - क्विज़ मोनार्ड था। एक राय है कि कलाकार ने मार्गुराइट बेलंगे की छवि का इस्तेमाल किया - नेपोलियन की मालकिन।

रचनात्मकता की उस अवधि के दौरान, जब ओलंपिया बनाया गया था, मानेट जापानी कला से मोहित हो गया था, और इसलिए जानबूझकर अंधेरे और प्रकाश की बारीकियों पर विस्तार से इनकार कर दिया। इस वजह से, उनके समकालीनों ने चित्रित आकृति का आयतन नहीं देखा, उन्होंने इसे सपाट और खुरदरा माना। कलाकार पर अनैतिकता, अश्लीलता का आरोप लगाया गया था। इससे पहले कभी भी प्रभाववादी चित्रों ने भीड़ से इतना उत्साह और उपहास नहीं उड़ाया था। प्रशासन को मजबूर होकर उसके चारों ओर पहरा देना पड़ा। डेगास ने मानेट की प्रसिद्धि, ओलंपिया के माध्यम से जीती, और जिस साहस के साथ उन्होंने आलोचना स्वीकार की, उसकी तुलना गैरीबाल्डी की जीवन कहानी से की।

प्रदर्शनी के लगभग एक चौथाई सदी के बाद, कैनवास को मास्टर कलाकार की चुभती आँखों की पहुँच से दूर रखा गया था। फिर इसे 1889 में पेरिस में फिर से प्रदर्शित किया गया। इसे लगभग खरीदा गया था, लेकिन कलाकार के दोस्तों ने आवश्यक राशि एकत्र की और विधवा मानेट से "ओलंपिया" खरीदा, और फिर इसे राज्य को दान कर दिया। आज यह पेंटिंग पेरिस के ओरसे संग्रहालय की है।

अगस्टे रेनॉयर: "बिग बाथर्स"

इस पेंटिंग को एक फ्रांसीसी कलाकार ने 1884-1887 में बनाया था। 1863 और बीसवीं शताब्दी की शुरुआत के बीच सभी प्रसिद्ध प्रभाववादी चित्रों को ध्यान में रखते हुए, "बिग बाथर्स" को नग्न महिला आकृतियों वाला सबसे बड़ा कैनवास कहा जाता है। रेनॉयर ने इस पर तीन साल से अधिक समय तक काम किया और इस अवधि के दौरान कई रेखाचित्र और रेखाचित्र बनाए गए। उनके काम में कोई अन्य पेंटिंग नहीं थी जिसके लिए उन्होंने इतना समय दिया।

अग्रभूमि में, दर्शक तीन नग्न महिलाओं को देखता है, जिनमें से दो किनारे पर हैं, और तीसरी पानी में है। आकृतियों को बहुत वास्तविक और स्पष्ट रूप से चित्रित किया गया है, जो कलाकार की शैली की एक विशिष्ट विशेषता है। रेनॉयर के मॉडल अलीना शारिगो (उनकी भावी पत्नी) और सुज़ैन वैलाडन थे, जो भविष्य में खुद एक प्रसिद्ध कलाकार बन गईं।

एडगर डेगास: ब्लू डांसर्स

लेख में सूचीबद्ध सभी प्रसिद्ध प्रभाववादी चित्रों को कैनवास पर तेल से चित्रित नहीं किया गया था। ऊपर दी गई तस्वीर आपको यह समझने की अनुमति देती है कि पेंटिंग "ब्लू डांसर्स" क्या है। यह 65x65 सेमी मापने वाले पेपर शीट पर पेस्टल में बनाया गया है और कलाकार के काम की देर की अवधि (1897) से संबंधित है। उन्होंने इसे पहले से ही बिगड़ा हुआ दृष्टि से चित्रित किया है, इसलिए, सजावटी संगठन सर्वोपरि है: छवि को बड़े रंगीन धब्बे के रूप में माना जाता है, खासकर जब करीब से देखा जाता है। नर्तकियों का विषय डेगास के करीब था। उसे अपने काम में बार-बार दोहराया गया था। कई आलोचकों का मानना ​​है कि रंग और रचना के सामंजस्य, "ब्लू डांसर्स" को इस विषय पर कलाकार का सबसे अच्छा काम माना जा सकता है। वर्तमान में, पेंटिंग को कला संग्रहालय में रखा गया है। मास्को में ए.एस. पुश्किन।

फ्रेडरिक बाज़िल: "गुलाबी पोशाक"

फ्रांसीसी प्रभाववाद के संस्थापकों में से एक, फ्रेडरिक बाज़िल का जन्म एक धनी शराब बनाने वाले के बुर्जुआ परिवार में हुआ था। लिसेयुम में अध्ययन के वर्षों के दौरान भी, उन्होंने पेंटिंग में शामिल होना शुरू कर दिया। पेरिस चले जाने के बाद, उन्होंने सी। मोनेट और ओ। रेनॉयर से परिचित कराया। दुर्भाग्य से, कलाकार को एक छोटा जीवन पथ मिलना तय था। फ्रेंको-प्रुशियन युद्ध के दौरान 28 वर्ष की आयु में उनकी मृत्यु हो गई। हालाँकि, उनके कैनवस, संख्या में कुछ के बावजूद, "सर्वश्रेष्ठ प्रभाववादी पेंटिंग" की सूची में शामिल हैं। उनमें से एक "गुलाबी पोशाक" है, जिसे 1864 में चित्रित किया गया था। सभी संकेतों से, कैनवास को प्रारंभिक प्रभाववाद के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है: रंग विरोधाभास, रंग पर ध्यान, धूप और एक जमे हुए क्षण, जिसे "छाप" कहा जाता था। मॉडल कलाकार के चचेरे भाई टेरेसा डी हॉर्स में से एक थी। पेंटिंग वर्तमान में पेरिस में मुसी डी'ऑर्से के स्वामित्व में है।

केमिली पिसारो: बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे। दोपहर, धूप "

केमिली पिसारो अपने परिदृश्य के लिए प्रसिद्ध हो गए, जिसकी एक विशिष्ट विशेषता प्रकाश और प्रबुद्ध वस्तुओं का चित्रण है। उनके काम का प्रभाववाद की शैली पर ध्यान देने योग्य प्रभाव पड़ा है। कलाकार ने स्वतंत्र रूप से अपने कई अंतर्निहित सिद्धांतों को विकसित किया, जिसने भविष्य में रचनात्मकता का आधार बनाया।

पिसारो को दिन के अलग-अलग समय पर एक ही जगह लिखना पसंद था। उनके पास पेरिस के बुलेवार्ड और सड़कों के साथ चित्रों की एक पूरी श्रृंखला है। उनमें से सबसे प्रसिद्ध बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे (1897) है। यह उस सभी आकर्षण को दर्शाता है जो कलाकार पेरिस के इस कोने के जीवंत और बेचैन जीवन में देखता है। उसी स्थान से बुलेवार्ड को देखते हुए, वह दर्शकों को धूप और बादल वाले दिन, सुबह, दोपहर और देर शाम को दिखाता है। नीचे दी गई तस्वीर रात में बुलेवार्ड मोंटमार्ट्रे की पेंटिंग दिखाती है।

इस शैली को बाद में कई कलाकारों ने अपनाया। हम केवल यह उल्लेख करेंगे कि पिस्सारो के प्रभाव में प्रभाववादियों के कौन से चित्र चित्रित किए गए थे। इस प्रवृत्ति को मोनेट (चित्रों की श्रृंखला "स्टोगा") के काम में स्पष्ट रूप से देखा जा सकता है।

अल्फ्रेड सिसली: "वसंत में लॉन"

"लॉन्स इन स्प्रिंग" लैंडस्केप चित्रकार अल्फ्रेड सिसली की नवीनतम पेंटिंग में से एक है, जिसे 1880-1881 में लिखा गया था। उस पर, दर्शक को सीन के किनारे एक जंगल का रास्ता दिखाई देता है, जिसके विपरीत किनारे पर एक गाँव है। अग्रभूमि में एक लड़की है - कलाकार की बेटी जीन सिसली।

कलाकार के परिदृश्य इले-डी-फ्रांस के ऐतिहासिक क्षेत्र के वास्तविक वातावरण को व्यक्त करते हैं और विशिष्ट मौसमों की प्राकृतिक घटनाओं की विशेष कोमलता और पारदर्शिता को बनाए रखते हैं। कलाकार कभी भी असामान्य प्रभावों का समर्थक नहीं रहा है और एक साधारण रचना और रंगों के सीमित पैलेट का पालन करता है। पेंटिंग को अब लंदन में नेशनल गैलरी में रखा गया है।

हमने सबसे प्रसिद्ध प्रभाववादी चित्रों को सूचीबद्ध किया है (शीर्षक और विवरण के साथ)। ये विश्व चित्रकला की उत्कृष्ट कृतियाँ हैं। पेंटिंग की अनूठी शैली, जिसकी उत्पत्ति फ्रांस में हुई थी, को शुरू में मजाक और विडंबना के साथ माना जाता था, आलोचकों ने कैनवस लिखने में कलाकारों की स्पष्ट लापरवाही पर जोर दिया। अब शायद ही कोई उनकी प्रतिभा को चुनौती देने की हिम्मत करे। प्रभाववादी पेंटिंग दुनिया के सबसे प्रतिष्ठित संग्रहालयों में प्रदर्शित की जाती हैं और किसी भी निजी संग्रह के लिए एक स्वागत योग्य प्रदर्शनी हैं।

शैली गुमनामी में नहीं डूबी है और इसके कई अनुयायी हैं। हमारे हमवतन आंद्रेई कोच, फ्रांसीसी चित्रकार लॉरेंट पार्सेलियर, अमेरिकी महिला डायना लियोनार्ड और करेन टैर्लटन प्रसिद्ध आधुनिक प्रभाववादी हैं। उनकी पेंटिंग शैली की सर्वश्रेष्ठ परंपराओं में बनाई गई हैं, जो चमकीले रंगों, बोल्ड स्ट्रोक और जीवन से भरी हुई हैं। ऊपर दी गई तस्वीर लॉरेंट पार्सेलियर "इन द रेज़ ऑफ़ द सन" का काम है।

यूरोपीय चित्रकला का आगे विकास प्रभाववाद से जुड़ा है। यह शब्द संयोग से पैदा हुआ था। इसका कारण सी। मोनेट द्वारा परिदृश्य का नाम "इंप्रेशन" था। सनराइज "(परिशिष्ट नंबर 1, चित्र 3 देखें) (फ्रांसीसी छाप - छाप से), जो 1874 में प्रभाववादियों की प्रदर्शनी में दिखाई दिया। कलाकारों के एक समूह की यह पहली सार्वजनिक उपस्थिति है, जिसमें सी. मोनेट, ई. डेगास, ओ. रेनॉयर, ए. सिसली, सी. पिसारो और अन्य शामिल थे, जिसका आधिकारिक बुर्जुआ आलोचना ने क्रूड उपहास और उत्पीड़न के साथ स्वागत किया था। सच है, 1880 के दशक के अंत से, उनकी पेंटिंग के औपचारिक तरीकों को अकादमिक कला के प्रतिनिधियों द्वारा अपनाया गया था, जिसने डेगास को कड़वाहट के साथ नोट करने का एक कारण दिया: "हमें गोली मार दी गई, लेकिन साथ ही उन्होंने हमारी जेब में तोड़फोड़ की।"

अब, जब प्रभाववाद के बारे में गरमागरम बहस अतीत की बात है, तो शायद ही कोई यह विवाद करने की हिम्मत करेगा कि प्रभाववादी आंदोलन यूरोपीय यथार्थवादी चित्रकला के विकास में एक और कदम था। "प्रभाववाद, सबसे पहले, वास्तविकता को देखने की कला है, जो अभूतपूर्व परिष्कार तक पहुंच गई है" (वीएन प्रोकोफिव)। दृश्यमान दुनिया को संप्रेषित करने में अधिकतम तात्कालिकता और सटीकता के लिए प्रयास करते हुए, उन्होंने मुख्य रूप से खुली हवा में पेंट करना शुरू किया और प्रकृति से स्केच के महत्व को उठाया, जिसने स्टूडियो में सावधानीपूर्वक और धीरे-धीरे बनाए गए पारंपरिक प्रकार की पेंटिंग को लगभग बदल दिया।

अपने पैलेट को लगातार प्रबुद्ध करते हुए, प्रभाववादियों ने पेंटिंग को मिट्टी और भूरे रंग के वार्निश और पेंट से मुक्त कर दिया। उनके कैनवस में पारंपरिक, "संग्रहालय" कालापन प्रतिबिंबों और रंगीन छायाओं के अंतहीन विविध खेल का मार्ग प्रशस्त करता है। उन्होंने न केवल सूर्य, प्रकाश और वायु की दुनिया की खोज की, बल्कि कोहरे की सुंदरता, बड़े शहर के जीवन का बेचैन वातावरण, रात की रोशनी का बिखराव और निरंतर गति की लय की खोज करते हुए, ललित कला की संभावनाओं का विस्तार किया।

खुली हवा में काम करने के तरीके के कारण, उनके द्वारा खोजे गए शहर के परिदृश्य सहित परिदृश्य ने प्रभाववादियों की कला में एक बहुत महत्वपूर्ण स्थान लिया। 19वीं सदी के उत्कृष्ट चित्रकार एडौर्ड मानेट (1832-1883) का काम इस बात की गवाही देता है कि कैसे व्यवस्थित रूप से परंपरा और नवाचार प्रभाववादियों की कला में विलीन हो गए। सच है, वह खुद को प्रभाववाद का प्रतिनिधि नहीं मानते थे और हमेशा अलग से प्रदर्शित होते थे, लेकिन वैचारिक और वैचारिक रूप से, वे निस्संदेह इस आंदोलन के अग्रदूत और वैचारिक नेता दोनों थे।

अपने करियर की शुरुआत में, ई। मानेट को बहिष्कृत (समाज का उपहास) किया जाता है। बुर्जुआ जनता और आलोचकों की नज़र में, उनकी कला बदसूरत का पर्याय बन जाती है, और कलाकार खुद को "एक पागल आदमी कहा जाता है, जो एक चित्र बनाता है, प्रलाप में कांपता है" (एम। डी मोंटीफो) (परिशिष्ट संख्या 1 देखें) अंजीर। 4)। केवल उस समय के सबसे समझदार दिमाग ही मानेट की प्रतिभा की सराहना करने में सक्षम थे। उनमें से सी. बौडेलेयर और युवा ई. ज़ोला थे, जिन्होंने घोषणा की कि "महाशय मानेट लौवर में एक जगह के लिए नियत है।"

क्लाउड मोनेट (1840-1926) के काम में प्रभाववाद की सबसे सुसंगत, लेकिन दूरगामी अभिव्यक्ति भी पाई गई। उनका नाम अक्सर इस चित्रात्मक पद्धति की ऐसी उपलब्धियों से जुड़ा होता है जैसे कि मायावी संक्रमणकालीन अवस्थाओं का प्रसारण, प्रकाश और वायु का कंपन, निरंतर परिवर्तन और परिवर्तनों की प्रक्रिया में उनका संबंध। "यह, निस्संदेह, नए युग की कला के लिए एक महान जीत थी," वीएन प्रोकोफिव लिखते हैं और कहते हैं: "लेकिन उनकी अंतिम जीत भी।" यह कोई संयोग नहीं है कि सीज़ेन ने, हालांकि कुछ हद तक विवादास्पद रूप से अपनी स्थिति को तेज किया, बाद में तर्क दिया कि मोनेट की कला "केवल एक आंख है।"

मोनेट का शुरुआती काम काफी पारंपरिक है। उनमें अभी भी मानव आकृतियाँ हैं, जो बाद में अधिक से अधिक स्टाफ़ में बदल जाती हैं और धीरे-धीरे उनके चित्रों से गायब हो जाती हैं। 1870 के दशक में, कलाकार का प्रभाववादी तरीका आखिरकार बन गया, अब से उसने खुद को पूरी तरह से परिदृश्य के लिए समर्पित कर दिया। उस समय से, वह लगभग विशेष रूप से खुली हवा में काम कर रहा है। यह उनके काम में है कि एक बड़ी तस्वीर का प्रकार - एक अध्ययन - अंततः स्थापित होता है।

पहले मोनेट में से एक पेंटिंग की एक श्रृंखला बनाना शुरू करता है जिसमें अलग-अलग रोशनी और मौसम की स्थिति के तहत साल और दिन के अलग-अलग समय पर एक ही आदर्श दोहराया जाता है (परिशिष्ट संख्या 1, चित्र 5, 6 देखें)। उनमें से सभी समान नहीं हैं, लेकिन इन श्रृंखलाओं के सर्वश्रेष्ठ कैनवस रंगों की ताजगी, रंग की तीव्रता और प्रकाश प्रभाव के हस्तांतरण की कलात्मकता से विस्मित करते हैं।

मोनेट की पेंटिंग में रचनात्मकता की देर से अवधि में सजावटीता और सपाटता की प्रवृत्ति तेज हो गई। रंगों की चमक और शुद्धता उनके विपरीत हो जाती है, कुछ सफेदी दिखाई देती है। देर से प्रभाववादियों के दुरुपयोग के बारे में बोलते हुए "एक हल्का स्वर जो कुछ कामों को एक फीका पड़ा हुआ कैनवास में बदल देता है", ई। ज़ोला ने लिखा: "और आज प्लीन एयर के अलावा कुछ भी नहीं है ... केवल धब्बे ही रहते हैं: एक चित्र केवल एक स्थान है, आंकड़े केवल धब्बे हैं, केवल धब्बे हैं"...

अन्य प्रभाववादी चित्रकार भी अधिकतर भूदृश्य चित्रकार थे। उनका काम अक्सर अवांछनीय रूप से मोनेट के वास्तव में रंगीन और प्रभावशाली व्यक्ति के बगल में छाया में रहता था, हालांकि वे प्रकृति को देखने और चित्रात्मक कौशल में उनसे कम नहीं थे। इनमें सबसे पहले अल्फ्रेड सिसली (1839-1899) और केमिली पिसारो (1831-1903) के नामों का उल्लेख किया जाना चाहिए। जन्म से एक अंग्रेज सिसली की कृतियों को एक विशेष सचित्र लालित्य की विशेषता है। शुद्ध हवा का एक शानदार मास्टर, वह जानता था कि एक स्पष्ट सर्दियों की सुबह की पारदर्शी हवा को कैसे व्यक्त किया जाए, सूरज से गर्म कोहरे की हल्की धुंध, एक हवादार दिन में आसमान में बादल दौड़ते हैं। इसकी सीमा रंगों की समृद्धि और स्वरों की निष्ठा के लिए उल्लेखनीय है। कलाकार के परिदृश्य हमेशा एक गहरी मनोदशा से प्रभावित होते हैं, जो प्रकृति की उनकी मूल रूप से गीतात्मक धारणा को दर्शाते हैं (देखें परिशिष्ट # 1, अंजीर। 7, 8, 9)।

अधिक कठिन था पिसारो का रचनात्मक मार्ग, एकमात्र कलाकार जिसने प्रभाववादियों की सभी आठ प्रदर्शनियों में भाग लिया - जे। रेवाल्ड ने उन्हें इस आंदोलन का "पिता" कहा। बारबिजोन लोगों के लिए पेंटिंग के करीब के परिदृश्य से शुरू होकर, उन्होंने मानेट और उनके युवा दोस्तों के प्रभाव में, खुली हवा में काम करना शुरू कर दिया, लगातार पैलेट को उजागर किया। धीरे-धीरे वह अपनी स्वयं की प्रभाववादी पद्धति विकसित करता है। वह काले रंग के उपयोग को छोड़ने वाले पहले लोगों में से एक थे। पिसारो का झुकाव हमेशा पेंटिंग के लिए एक विश्लेषणात्मक दृष्टिकोण की ओर रहा है, इसलिए रंग के अपघटन पर उनके प्रयोग - "विभाजनवाद" और "बिंदुवाद"। हालाँकि, वह जल्द ही उस प्रभाववादी तरीके से लौट आया जिसमें उसकी सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ बनाई गईं - पेरिस में शहर के परिदृश्य की अद्भुत श्रृंखला (देखें परिशिष्ट # 1, अंजीर। 10,11,12,13)। उनकी रचना हमेशा सोची-समझी और संतुलित होती है, पेंटिंग को रंग में परिष्कृत किया जाता है और तकनीक में कलाप्रवीण व्यक्ति।

रूस में, प्रभाववाद में शहर के परिदृश्य को कॉन्स्टेंटिन कोरोविन द्वारा प्रबुद्ध किया गया था। "पेरिस मेरे लिए एक झटके के रूप में आया ... प्रभाववादी ... उनमें मैंने देखा कि मुझे मास्को में क्या डांटा गया था।" कोरोविन (1861-1939), अपने मित्र वैलेन्टिन सेरोव के साथ, रूसी प्रभाववाद के केंद्रीय व्यक्ति थे। फ्रांसीसी आंदोलन के महान प्रभाव के तहत, उन्होंने अपनी शैली बनाई, जिसने उस अवधि की रूसी कला के समृद्ध रंगों के साथ फ्रांसीसी प्रभाववाद के मुख्य तत्वों को मिश्रित किया (देखें परिशिष्ट # 1, अंजीर। 15)।

इस लेख में, आप देखेंगे सेंट पीटर्सबर्ग cityscapeआर्ट गैलरी "आर्ट-ब्रीज़" में प्रस्तुत किया गया। यहां विभिन्न लेखकों के संग्रहित कार्य हैं, जो विभिन्न शैलियों और तकनीकों में प्रदर्शित किए जाते हैं। इन सभी कार्यों में एक बात समान है - वे संत को उसी तरह चित्रित करते हैं जिस तरह से कलाकार ने उन्हें देखा था।

शहरी परिदृश्य 18वीं शताब्दी में चित्रकला की एक शैली का निर्माण काफी देर से हुआ था। यह तब था जब शहरों ने अपना आधुनिक स्वरूप हासिल करना शुरू कर दिया और शहरी निवासियों की संख्या तेजी से बढ़ने लगी। इससे पहले, केवल कुछ मध्ययुगीन कलाकारों ने अपने कैनवस पर शहरों का चित्रण किया था। ये चित्र बहुत ही आदिम थे, इनमें स्थलाकृतिक सटीकता का अभाव था और उन्होंने उन घटनाओं के दृश्य को इंगित करने का काम किया, जिनके लिए कथानक समर्पित था। पूर्वज cityscapeपेंटिंग में 17 वीं शताब्दी के डच चित्रकारों को वर्मीर डेल्फ़्ट, जे। गोयन और जे। रीसडेल कहा जा सकता है। यह उनके कामों में है कि आप शहर के परिदृश्य को उस तरह से पा सकते हैं जैसे हम इसे आधुनिक चित्रों में देखने के आदी हैं।

समकालीन कलाकार जो सेंट पीटर्सबर्ग की अर-ब्रीज़ आर्ट गैलरी में अपने स्वयं के शहर के दृश्य प्रदर्शित करते हैं, सेंट पीटर्सबर्ग को एक बड़े पैमाने पर धूमिल समुद्र तटीय शहर के रूप में जीवंत जीवन और भव्य वास्तुकला के साथ चित्रित करते हैं। अधिकांश पेंटिंग प्रभाववाद और क्लासिक्स की शैली में बनाई गई हैं। रंगों की संतृप्ति और कैनवास को प्रकाश से भरने की संभावना, जो प्रभाववादी पेंटिंग तकनीक प्रदान करती है, आपको पूरी तरह से नेवा पर इस शहर की भावना को प्रतिबिंबित करने की अनुमति देती है!