Χρυσή εποχή της ολλανδικής και φλαμανδικής ζωγραφικής. Οι ολλανδοί καλλιτέχνες και η ιστορία τους
Εν τω μεταξύ, αυτό είναι ένα ιδιαίτερο, άξιο μιας πιο λεπτομερούς μελέτης του ευρωπαϊκού πολιτισμού, η οποία αντικατοπτρίζει τη διακριτική ζωή του λαού της Ολλανδίας αυτών των χρόνων.
Ιστορία της εμφάνισης
Οι φωτεινοί καλλιτεχνικοί εκπρόσωποι τέχνης άρχισαν να εμφανίζονται στη χώρα τον δέκατο έβδομο αιώνα. Οι γαλλικοί κερατωτολόγοι τους έδωσαν ένα κοινό όνομα - "μικρές ολλανδικές", το οποίο δεν συνδέεται με την κλίμακα των ταλέντων και σημαίνει να συνδέεται με ορισμένα θέματα από την καθημερινή ζωή, απέναντι από το "μεγάλο" στυλ με μεγάλες καμβά σε ιστορικές ή μυθολογικές ιστορίες. Η ιστορία της εμφάνισης της ολλανδικής ζωγραφικής περιγράφηκε λεπτομερώς τον δέκατο ένατο αιώνα και οι συγγραφείς των έργων της χρησιμοποίησαν επίσης αυτόν τον όρο. "Μικρά ολλανδικά" διακρίνονται από τον κοσμικό ρεαλισμό, που αναφέρεται στον κόσμο και τους ανθρώπους, χρησιμοποίησε ζωγραφική πλούσια σε τόνους.
Τα κύρια στάδια ανάπτυξης
Η ιστορία της εμφάνισης της ολλανδικής ζωγραφικής μπορεί να χωριστεί σε διάφορες περιόδους. Ο πρώτος διήρκεσε περίπου από το 1620 έως το 1630, όταν η εθνική τέχνη εγκρίθηκε από τον ρεαλισμό. Η δεύτερη περίοδος της ολλανδικής ζωγραφικής που βίωσε το 1640-1660. Αυτή τη φορά, η οποία αντιπροσωπεύει μια πραγματική άνθηση της τοπικής τέχνης σχολείο. Τέλος, η τρίτη περίοδος, ο χρόνος που η ολλανδική ζωγραφική άρχισε να μειώνεται - από το 1670 έως τις αρχές του δέκατου όγδοου αιώνα.
Αξίζει να σημειωθεί ότι τα πολιτιστικά κέντρα έχουν αλλάξει καθ 'όλη αυτή τη φορά. Κατά την πρώτη περίοδο, οι κορυφαίοι καλλιτέχνες εργάστηκαν στο Kharlem και ο επικεφαλής του αντιπροσώπου ήταν HALS. Στη συνέχεια, το κέντρο μετατοπίστηκε στο Άμστερνταμ, όπου η πιο σημαντική δουλειά πραγματοποιήθηκε από το Rembrandt και το Vermeer.
Σκηνές της καθημερινής ζωής
Καταχώρηση των σημαντικότερων ειδών της ολλανδικής ζωγραφικής, είναι απαραίτητο να ξεκινήσετε με εγχώριες - το πιο φωτεινό και πρωτότυπο στην ιστορία. Ήταν φλαμιάνοι που άνοιξαν τον κόσμο των σκηνών από τη ζωή των συνηθισμένων ανθρώπων, των αγροτών και των πολιτών ή των μεταφορτών. Οι πρώτοι πρωτοπόροι ήταν οι αριστερό και οι οπαδοί του του Audenrogge, Bega και DUSART. Στις πρώτες καμβάδες, οι άνθρωποι παίζουν κάρτες, διαμάχη και ακόμη και αγωνίζονται στο εστιατόριο. Κάθε εικόνα διακρίνεται από τη δυναμική, σε κάτι βάναυσο. Η ολλανδική ζωγραφική αυτών των χρόνων λέει για τις ειρηνικές σκηνές: σε ορισμένα έργα, οι αγρότες μιλούν πίσω από το σωλήνα και μια κούπα μπύρας, περνούν χρόνο στην έκθεση ή σε έναν οικογενειακό κύκλο. Η επιρροή Rembrandta οδήγησε σε κοινή χρήση μαλακού μπλε πράσινου φωτός. Οι σκηνές της πόλης εμπνέονται από καλλιτέχνες όπως οι HALs, Leister, Molyar και Codda. Στα μέσα του δέκατου έβδομου αιώνα, οι Δάσκαλοι απεικονίζουν γιατρούς, επιστήμονες στη διαδικασία εργασίας, τα δικά τους εργαστήρια, τα βαμβακερά σπίτια ή κάθε οικόπεδο πρέπει να διασκεδάζουν, μερικές φορές στο grotesque διδακτικό. Μερικοί δάσκαλοι τείνουν να ταιριάζουν καθημερινές, για παράδειγμα, το Terboro απεικονίζει μια σκηνή μιας ενότητας ή φλερτ. Η Metasy χρησιμοποίησε φωτεινά χρώματα, γυρίζοντας καθημερινή ζωή σε διακοπές, και η De Heh εμπνεύστηκε από την απλότητα της οικογενειακής ζωής, γεμάτη με διάσπαρτο φως της ημέρας. Οι τελευταίοι εκπρόσωποι του είδους, οι οποίοι περιλαμβάνουν τέτοιους ολλανδούς δασκάλους ζωγραφικής, όπως ο Van der Verf και ο Van Der Norm, στην προσπάθειά τους για μια κομψή εικόνα που συχνά δημιούργησε πολλά επιτηρητικά οικόπεδα.
Φύση και τοπία
Επιπλέον, η ολλανδική ζωγραφική εκπροσωπείται ευρέως στο είδος του τοπίου. Αρχικά προέκυψε από το έργο αυτών των δασκάλων Harlem, όπως ο Wang Goyen, De Moles και Van Reydal. Ήταν αυτοί που άρχισαν να απεικονίζουν αγροτικές γωνίες σε ένα συγκεκριμένο ασημένιο φως. Η υλική ενότητα της φύσης πήγε στο έργο στο προσκήνιο. Ξεχωριστά, αξίζει να αναφέρουμε τα θαλάσσια τοπία. Οι ναυτικοί ήταν τέτοιοι 17ος αιώνες όπως ο Portsellis, de Vlieger και ο Wang de Chapel. Δεν προσπάθησαν τόσα πολλά να μεταφέρουν ορισμένες σκηνές της θάλασσας καθώς προσπάθησαν να απεικονίσουν το ίδιο το νερό, το παιχνίδι του φωτός σε αυτό και στον ουρανό.
Για το δεύτερο μισό του δέκατου έβδομου αιώνα, πιο συναισθηματικά έργα με φιλοσοφικές ιδέες προέκυψαν στο είδος. Η ομορφιά του ολλανδικού τοπίου αποκαλύφθηκε όσο το δυνατόν περισσότερο ο Jan Van Reydal, που την απεικονίζει σε όλο το δραματουργία, τη δυναμική και τη μνημειικότητα. Ο διάδοχος των παραδόσεών του έγινε ένας Hobbe, που προτιμούσαν τα ηλιακά τοπία. Ο Kindk απεικονίζεται πανοράματα και ο Van der Rish ασχολούνταν με τη δημιουργία νυχτερινών τοπίων και τη μεταφορά του φεγγαριού, την ανατολή και το ηλιοβασίλεμα. Για πολλούς καλλιτέχνες χαρακτηρίζεται επίσης από την εικόνα στα τοπία των ζώων, όπως βόσκουν αγελάδες και άλογα, καθώς και κυνήγι και σκηνές με ιππικούς. Αργότερα, οι καλλιτέχνες άρχισαν να μεταφέρονται μακριά και ξένη φύση - bot, van lar, Venix, Bercher και Hakkert απεικόνιση της Ιταλίας, κολύμβηση στις ακτίνες του νότιου ήλιου. Ο υπνάκο του είδους ήταν ο Sanurm, οι καλύτεροι οπαδοί των οποίων μπορούν να ονομαστούν αδελφοί του Berkheide και Jan Van der Hayden.
Εικόνα του εσωτερικού
Ένα ξεχωριστό είδος, το οποίο διακρίθηκε από την ολλανδική ζωγραφική κατά τη διάρκεια της ακμή, μπορεί να ονομαστεί σκηνές με εκκλησία, παλάτι και σπιτικά δωμάτια. Οι εσωτερικοί χώροι εμφανίστηκαν στις καμβά του δεύτερου μισού του δέκατου έβδομου αιώνα στους κυρίους του Delft - Hawgesta, Van der Vlita και De Witte, ο οποίος έγινε ο κύριος εκπρόσωπος της κατεύθυνσης. Χρησιμοποιώντας τις τεχνικές Vermier, οι καλλιτέχνες απεικονίζονται σκηνές, γεμάτες με ηλιακό φως, πλήρη συναισθήματα και όγκο.
Γραφικά πιάτα και πιάτα
Τέλος, ένα άλλο χαρακτηριστικό είδος ολλανδικής ζωγραφικής είναι ακόμα ζωή, ειδικά η εικόνα του πρωινού. Για πρώτη φορά ασχολήθηκαν με τους Harlemakers Clas και Hedd, οι οποίοι ζωγραφίστηκαν καλυμμένα τραπέζια με πολυτελή πιάτα. Το γραφικό χάος και η ειδική μεταφορά του ζεστού εσωτερικού είναι γεμάτα με ασημένιο γκρι φως χαρακτηριστικό των ασημικών και κασσίτερων πιάτων. Ο Utrecht καλλιτέχνες ζωγραφισμένα πλούσια λουλούδια ακόμα ζωφάβες, και στους δασκάλους της Χάγης, η εικόνα των ψαριών και των ερπετών της θάλασσας ήταν ιδιαίτερα δυνατά. Στο Leiden, η φιλοσοφική κατεύθυνση του είδους προέκυψε, στην οποία τα σύμβολα της αισθησιακής ευχαρίστησης ή της γήινης δόξας είναι δίπλα στα κρανία και την κλεψύδρα, που έχουν σχεδιαστεί για να υπενθυμίζουν περίπου το χρόνο του χρόνου. Η δημοκρατική κουζίνα εξακολουθεί να έχει γίνει ένα ξεχωριστό χαρακτηριστικό του σχολείου τέχνης του Ρότερνταμ.
Στον XVII αιώνα, η ολλανδική σχολή ζωγραφικής έχει γίνει ένα από τα κορυφαία στην Ευρώπη. Ήταν εδώ, για πρώτη φορά στην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης, τα αντικείμενα της γύρω πραγματικότητας ήταν η πηγή δημιουργικής έμπνευσης και το καλλιτεχνικό σχέδιο. Στην ολλανδική τέχνη αυτού του χρόνου, ολοκληρώθηκε ο σχηματισμός ενός ολόκληρου συστήματος ειδών, ο οποίος ξεκίνησε στην εποχή της αναβάτης, ολοκληρώθηκε. Στα πορτραίτα, οι ζωγραφιές των νοικοκυριών, τα τοπία και οι νεκρές βλάστηση, οι καλλιτέχνες με σπάνια δεξιότητα και ζεστασιά πέρασαν τις εντυπώσεις τους για τη γύρω φύση και ατυχή ζωή. Βρήκαν μια αντανάκλαση της συλλογικής εμφάνισης της Ολλανδίας - μιας νέας δημοκρατίας, καθιέρωσε ανεξαρτησία στον πόλεμο με την Ισπανία.
"Πρωινές νεαρές κυρίες". 1660 Γαλλία Miris Senior. Δέντρο, λάδι. Κρατικό Ερμιτάζ
Εικόνες καλλιτεχνών σε θέματα οικιακής χρήσης (ή ζωγραφιές του είδους) που απεικονίζουν τους ανθρώπους στη συνήθη, καθημερινή κατάσταση, αντανακλούσαν καθιερωμένες μορφές ζωής, εκκρεμούν και να επικοινωνούν με τους ανθρώπους που ανήκουν σε διάφορα συν-λέξεις της ολλανδικής κοινωνίας. Σχεδιασμένο για Ουκρανούς εσωτερικούς εμπόρους, τεχνίτες ή πλούσιους αγρότες, πίνακες από ολλανδούς καλλιτέχνες ήταν μικρές σε μέγεθος. Οι καλλιτέχνες κέρδισαν την πώληση έργων ζωγραφικής, τα οποία γράφτηκαν με τη δυνατότητα λεπτομερούς προβολής από κοντά. Αυτό, με τη σειρά του, οδήγησε σε μια ιδιαίτερα διεξοδική, λεπτή επιστολή της επιστολής.
"Κοινωνία στη βεράντα". 1620 Esais Wang de Veld. Δέντρο, λάδι. Κρατικό Ερμιτάζ
Κατά τη διάρκεια του 17ου αιώνα, η ζωγραφική του είδους της Ολλανδίας έχει υποστεί σημαντική εξέλιξη. Κατά τη διάρκεια του σχηματισμού του, στις αρχές του αιώνα, διανεμήθηκαν οικόπεδα για τα θέματα αναψυχής, ψυχαγωγία νέων πλούσιων ολλανδών ή σκηνές από τη ζωή των αξιωματικών. Τέτοιες εικόνες έλαβαν τα ονόματα των "Bandquets", "Societies", "Συναυλίες". Η ζωγραφική τους διακρίνεται από μια ποικιλία χρωμάτων, πολύ χαρούμενος τόνος. Η εικόνα "Εταιρεία στη βεράντα" του Esayas Wang De Velda ανήκει στην περιγραφή αυτού του είδους.
Από τις αρχές της δεκαετίας του 1930, ολοκληρώθηκε η ζωγραφική του ολλανδικού είδους. Πολλαπλές "κοινωνίες" έδωσαν τη θέση τους σε συνθέσεις χαμηλού προφίλ. Μια εικόνα ενός περιβάλλοντος που περιβάλλει το περιβάλλον έχει γίνει ένας μεγάλος ρόλος. Υπήρξε ένας διαχωρισμός της ζωγραφικής του είδους σε κοινωνικό χαρακτηριστικό: οικόπεδα σε θέματα από τη ζωή της μπουρζουαζίας και τις σκηνές από τη ζωή των αγροτών και των αστικών φτωχών. Και εκείνοι και οι άλλοι πίνακες προορίζονταν να διακοσμήσουν το εσωτερικό.
"Πάλη". 1637 Adrian Wang Odete. Δέντρο, λάδι. Κρατικό Ερμιτάζ
Ένας από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες που εργάστηκαν ως το "αγροτικό είδος" ήταν ο Adrian Wang Odete. Στην πρώιμη περίοδο του δημιουργικού, η εικόνα των αγροτών στους πίνακές του διακρίνεται από μια υπογραμμισμένη κοινότητα, μερικές φορές φθάνοντας στην καρικατούρα. Έτσι, στη ζωγραφική "Frak", φωτίζεται από ένα αιχμηρό φως, οι μάχες φαίνεται να μην ζουν άνθρωποι, και τα μαριονέτες των οποίων τα πρόσωπα είναι σαν μάσκες που παραμορφώνονται από γκριμάτσες θυμού. Η αντιπολίτευση από κρύα και ζεστά χρώματα, οι απότομες αντιθέσεις του φωτός και της σκιάς αυξάνουν ακόμη περισσότερο την εντύπωση της grotesque σκηνή.
"Ρουστίκ μουσικοί". 1635 Adrian van de odest 1635. Δέντρο, λάδι. Κρατικό Ερμιτάζ
Στη δεκαετία του 1650, στη ζωγραφική του Αδριανού, αλλάζει το πεδίο. Ο καλλιτέχνης άσκησε έφεση στα περισσότερα οικόπεδα Spo-Coin, που απεικονίζει ένα άτομο κατά τη διάρκεια μιας μηδενικής τάξης, συχνότερα σε στιγμές ανάπαυσης. Αυτό είναι το παράδειγμα, η εσωτερική εικόνα "ρουστίκ μουσικοί". Το OSTAY μεταφέρει επιδέξια τη συγκέντρωση των "μουσικών" ενθουσιασμένος με την κατοχή του, με ένα μόλις αισθητό χιούμορ που απεικονίζει τα παιδιά που τους παρακολουθούν. Η ποικιλία και η απαλότητα ενός ασπρόμαυρου παιχνιδιού, ένα πρασινωπό καφέ co-laric gamma συνδυάζει τους ανθρώπους και το περιβάλλον τους σε έναν μόνο ακέραιο.
"Χειμερινή εμφάνιση". 1640. Isaac van Odete. Δέντρο, λάδι. Κρατικό Ερμιτάζ
Στο "αγροτικό είδος" εργάστηκε νωρίς τον νεκρό αδελφό της Adriana - ICAAP WAN ODETE. Εμφανίστηκε τη ζωή της αγροτικής Ολλανδίας, στη φύση που ο άνθρωπος αισθάνθηκε σαν στο σπίτι. Στην ζωγραφική "χειμερινή θέα", παρουσιάζεται ένα τυπικό ολλανδικό τοπίο με γκρι, κρεμασμένο πάνω από το έδαφος με έναν ουρανό, κατεψυγμένο ποτάμι, στην ακτή του οποίου βρίσκεται το χωριό.
"Ασθενής και γιατρός". 1660 Τείχους Ιαν. Δέντρο, λάδι. Κρατικό Ερμιτάζ
Το θέμα του είδους της τέχνης των αδελφών Ostshe συνεχίστηκε από τους τοίχους γιανγκ, έναν ταλαντούχο κύριο, με μια αίσθηση του χιούμορ, τις χαρακτηριστικές λεπτομέρειες της ζωής και τις σχέσεις των δράσεων στους πίνακές τους. Στη ζωγραφική "περπατάει" στον θεατή, ο ίδιος ο καλλιτέχνης κάθεται δίπλα στη σύζυγό του, κοιμάται μετά από μια διασκεδαστική γιορτή, παρακολουθεί τον θεατή. Στη ζωγραφική "ασθενής και ο γιατρός" μέσω του προσώπου και των χειρονομιών των χαρακτήρων, οι τοίχοι γιανγκ αποκαλύπτουν επιδέξια το οικόπεδο της φανταστικής ασθένειας.
"Δωμάτιο στο ολλανδικό σπίτι". Peter YaNence. Καμβά, λάδι. Κρατικό Ερμιτάζ
Στη δεκαετία του πενήντα - η δεκαετία του εξήντα του XVII αιώνα, τα θέματα των ζωγραφικής του είδους στενεύουν σταδιακά. Αλλαγές μοτίβα εικόνας. Γίνονται πιο ήρεμοι, chaler, εμφανίζονται περισσότερη λυρική περισυλλογή, ήσυχη προσοχή. Αυτό το στάδιο αντιπροσωπεύεται από το έργο αυτών των καλλιτεχνών, όπως: Peter de Heh, Herard Terborh, Gabriel Metsu, Peter Yanence. Στα έργα τους, η ποιητική και κάπως εξιδανικευμένη εικόνα της καθημερινής ζωής της ολλανδικής αστικής τάξης κάποτε αγωνίστηκε για τα δικαιώματά τους και την ανεξαρτησία τους και τώρα έφτασε στη βιώσιμη ευημερία. Έτσι, στην εσωτερική εικόνα "δωμάτιο στο ολλανδικό σπίτι" ο Peter Jansence απεικονίζεται από το ηλιακό φως άνετο δωμάτιο με το παιχνίδι στο πάτωμα και στους τοίχους των ηλιόλουστων κουνελιών, στην ζωγραφική "παλιά γυναίκα κοντά στο τζάκι" Jacob Vroel - βυθισμένο σε ένα Μαλακή αίθουσα λυοφιλιών με τζάκι. Η επιλογή της σύνθεσης στα έργα και των δύο καλλιτεχνών τονίζει την ενότητα του ανθρώπου και του περιβάλλοντος περιβάλλοντος.
"Ποτήρι λεμονάδας". 1664 Terbor Gerard. Υποδοχή (μετάφραση από ξύλο), λάδι. Κρατικό Ερμιτάζ
Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, οι ολλανδοί γερανιστές προσπάθησαν πρώτα να αντικατοπτρίζουν το βάθος της εσωτερικής ζωής ενός ατόμου. Στις καταστάσεις ζωής που συμβαίνουν καθημερινές καταστάσεις, βρήκαν την ευκαιρία να αντικατοπτρίζουν έναν διαφορετικό κόσμο των καλύτερων εμπειριών. Αλλά είναι δυνατόν να το δείτε μόνο με προσεκτική και προσεκτική εξέταση της εικόνας. Έτσι, στην εικόνα του Herard Terborch "Glass of Lemonada" ως μια πιασάρη γλώσσα χειρονομίας, χειροποίητες, συναντήσεις, αποκαλύπτει μια ολόκληρη σειρά αισθήσεων και σχέσεων χαρακτήρων.
"ΠΡΩΙΝΟ ΓΕΥΜΑ". 1660 Gabriel Metsu. Δέντρο, λάδι. Κρατικό Ερμιτάζ
Ο κόσμος του θέματος αρχίζει να διαδραματίζει μεγάλο ρόλο στα έργα του είδους αυτής της περιόδου. Δεν χαρακτηρίζει πλέον το υλικό και το συναισθηματικό περιβάλλον ανθρώπινης ζωής, αλλά επίσης εκφράζει την ποικιλομορφία των ανθρώπινων σχέσεων με τον περιβάλλοντα κόσμο. Ένα σύνολο αντικειμένων, η θέση τους, ένα πολύπλοκο σύστημα συμβόλων, καθώς και χειρονομίες χαρακτήρων - όλα παίζουν ένα ρόλο στη δημιουργία μιας εικονικής εικόνας της εικόνας.
"Το περπάτημα". 1660 Τείχους Ιαν. Δέντρο, λάδι. Κρατικό Ερμιτάζ
Η ζωγραφική του ολλανδικού είδους δεν διέφερε σε μια μεγάλη ποικιλία σκηνών. Οι καλλιτέχνες περιορίζονται στην εικόνα μόνο μιας συγκεκριμένης σειράς χαρακτήρων και των τάξεων τους. Αλλά, με τη βοήθειά τους, η ολλανδική ζωγραφική είδους ήταν σε θέση να μεταδώσει μια αξιόπιστη εικόνα των ηθών, των τελωνείων και των ιδεών για τη ζωή ενός ατόμου του XVII αιώνα.
Κατά την προετοιμασία της δημοσίευσης, χρησιμοποιήθηκαν υλικά από ανοικτές πηγές.
Η νίκη της αστικής επανάστασης στις βόρειες Ολλανδία οδήγησε στη δημιουργία ανεξάρτητου κράτους της Δημοκρατίας των Επτά Ηνωμένων Πολιτειών της Ολλανδίας (με το όνομα των σημαντικότερων αυτών των επαρχιών). Για πρώτη φορά σε μία από τις χώρες της Ευρώπης, δημιουργήθηκε το αστικό-δημοκρατικό σύστημα. Οι οδοινικές δυνάμεις της επανάστασης ήταν αγροτικοί και τα φτωχότερα στρώματα του αστικού πληθυσμού, αλλά η μπουρζουαζία, που ήρθε στην εξουσία, επωφελήθηκε από την κατάκτηση. Ωστόσο, τις πρώτες δεκαετίες, οι δημοκρατικές παραδόσεις του επαναστατικού πόρου ήταν ζωντανές μετά την ίδρυση της Δημοκρατίας. Το γεωγραφικό πλάτος του Εθνικού Απελευθερωτικού Κινήματος, η άνοδος της αυτοσυνείδησης του λαού, η χαρά της απελευθέρωσης από τον εξωτερικό ζυγό ενωμένο τα πιο διαφορετικά στρώματα του πληθυσμού. Η χώρα έχει αναπτύξει συνθήκες για την ανάπτυξη των επιστημών και των τεχνών. Εδώ, το καταφύγιο των προχωρημένων στοχαστών εκείνης της εποχής, ιδίως, ιδρύθηκε ο γάλλος φιλόσοφος Descartes, σχηματίστηκε το υλιστικό σύστημα Spinosis. Τα υψηλότερα επιτεύγματα πέτυχαν τους καλλιτέχνες της Ολλανδίας. Ήταν οι πρώτοι στην Ευρώπη. Απελευθερώθηκε από την ακατέργαστη επίδραση των κύκλων του δικαστηρίου και της καθολικής εκκλησίας και δημιούργησε την τέχνη δημοκρατική και ρεαλιστική αντανακλώντας άμεσα την κοινωνική πραγματικότητα.
Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα της ανάπτυξης της ολλανδικής τέχνης ήταν μια σημαντική υπεροχή μεταξύ όλων των ειδών ζωγραφικής του. Οι πίνακες ήταν διακοσμημένοι στο σπίτι όχι μόνο από εκπροσώπους της απόφασης της κοινωνίας, αλλά και των φτωχών Burghers, Artisans, αγρότες. Πωλήθηκαν σε δημοπρασίες και εκθέσεις. Μερικές φορές οι καλλιτέχνες τους χρησιμοποίησαν ως μέσο πληρωμής λογαριασμών. Το επάγγελμα του καλλιτέχνη δεν ήταν σπάνιες, οι ζωγράφοι ήταν πολύ, και ανταγωνίζονται σοβαρά μεταξύ τους. Η ταχεία ανάπτυξη της ζωγραφικής εξηγήθηκε όχι μόνο από τη ζήτηση για τους πίνακες εκείνων που ήθελαν να διακοσμήσουν το σπίτι τους, αλλά και μια ματιά τους ως προϊόν, ως μέσο κέρδους, την πηγή κερδοσκοπίας. Αφού απαλλαγεί από τον άμεσο πελάτη της Καθολικής Εκκλησίας ή των επιρροή προστάτων-φεουδαρχίας, ο καλλιτέχνης εξαρτάται εξ ολοκλήρου από τα αιτήματα της αγοράς. Τα γούστα της αστικής κοινωνίας προαναφέρθηκαν τους τρόπους ανάπτυξης της ολλανδικής τέχνης και των καλλιτεχνών που τους υπερασπίστηκαν, οι οποίοι υπερασπίστηκαν την ανεξαρτησία τους σε θέματα δημιουργικότητας, αποδείχθηκαν να απομονώνονται, πέθαναν πρόωρη ανάγκη και τη μοναξιά. Και αυτοί ήταν συνήθως οι πιο ταλαντούχοι δάσκαλοι. Αρκεί να ονομάσετε τα ονόματα των hals και Rembrandt.
Το κύριο αντικείμενο της εικόνας για τους ολλανδούς καλλιτέχνες ήταν η γύρω πραγματικότητα, ποτέ δεν βρήκε προηγουμένως μια τέτοια πλήρη οθόνη στα έργα των ζωγράφων άλλων εθνικών σχολείων. Η έκκληση προς τις πλέον διαφορετικές πλευρές της ζωής οδήγησε στην ενίσχυση των ρεαλιστικών τάσεων στη ζωγραφική, ο κορυφαίος τόπος στον οποίο πραγματοποιήθηκε το είδος του νοικοκυριού και το πορτρέτο, το τοπίο και η νεκρή φύση. Οι αληθινές, οι καλλιτέχνες που τους ανοίγουν βαθύτερα με τον πραγματικό κόσμο, τόσο πιο σημαντικό ήταν τα έργα τους. Γαλλία HALS MASLENNIC
Σε κάθε είδος υπήρχαν τα κλαδιά τους. Για παράδειγμα, μεταξύ των παικτών τοπίου ήταν ναυτικοί (εικόνες της θάλασσας), οι ζωγράφοι που προτιμούσαν τα είδη απλών τόπων ή δασικών παχιά ήταν οι κύριοι που ειδικεύονται στα χειμωνιάτικα τοπία και τα τοπία με το σεληνιακό φως: καλλιτέχνες που απεικονίζουν αγρότες, burghers, σκηνές pirushki και σπιτικά ζωή, σκηνές κυνήγι και αγορές. Υπήρχαν πλοίαρχοι των εσωτερικών χώρων της εκκλησίας και των διαφόρων τύπων των αλλιών "πρωινού", "επιδόρπια", "καταστήματα", κλπ. Αντίθετα, επηρέασαν τα χαρακτηριστικά της περιοχής της ολλανδικής ζωγραφικής, λαμβάνοντας τον αριθμό των καθηκόντων που λύθηκαν για τους δημιουργούς της. Αλλά ταυτόχρονα, η συγκέντρωση κάθε καλλιτέχνη σε ένα συγκεκριμένο είδος συνέβαλε στην κατάθεση της κυριαρχίας του ζωγράφου. Μόνο ο μεγαλύτερος από τους ολλανδούς καλλιτέχνες εργάστηκαν σε διάφορα είδη. Γαλλία Chals Ομάδα παιδιών
Ο ιδρυτής του ολλανδικού ρεαλιστικού πορτρέτου ήταν ο Frans Hals (OK :), της οποίας η καλλιτεχνική κληρονομιά της φρέσκιας αιχμηράς και εξουσίας, η κάλυψη του εσωτερικού κόσμου του ανθρώπου ξεπερνά την εθνική ολλανδική κουλτούρα. Ο καλλιτέχνης μιας ευρείας κοσμοθεωρίας, ένας τολμηρός καινοτόμος, κατέστρεψε τους κανόνες του κτήματος (ευγενή) πορτρέτο 16 V. Δεν ενδιαφερόταν όχι ένα άτομο που απεικονίζεται σύμφωνα με τη δημόσια κατάσταση του σε μια μαγευτική επίσημη πόζα και ένα κοστούμι παρέλασης, αλλά ένα άτομο σε όλη τη φυσική της ουσία, τα χαρακτηριστικά του, τα συναισθήματα, τα συναισθήματα, τα συναισθήματα του.
Η συνάντηση των αξιωματικών της εταιρείας του Αγίου Αδριανού στο Harlem ισχυρό, ενεργητικούς ανθρώπους που συμμετέχουν ενεργά στον απελευθερωτικό αγώνα εναντίον των ισπανών κατακτητών παρουσιάζονται κατά τη διάρκεια μιας γιορτής. Καλά, με μια σκιά του χιούμορ, η διάθεση ενώνει διαφορετικούς αξιωματικούς από τους χαρακτήρες και τους τρόπους. Δεν υπάρχει κύριος χαρακτήρας εδώ. Όλοι όσοι υπάρχουν ίσοι συμμετέχοντες στις διακοπές.
Οι HALs απεικόνισαν τους ήρωες του χωρίς εξωραϊσμό, με την απρόσμενη NRAVAMI, ισχυρή ζωή τους. Έκρηξε το πορτραίτο πλαίσιο με την εισαγωγή στοιχείων σκηνής, η καταγραφή που απεικονίζεται σε δράση, σε μια συγκεκριμένη κατάσταση ζωής, δίνοντας έμφαση στις εκφράσεις του προσώπου, τη χειρονομία, τη θέτουν αμέσως και με ακρίβεια. Ο καλλιτέχνης ζήτησε τη συναισθηματική δύναμη και τη ζωτικότητα των χαρακτηριστικών της απεικόνισης, της μετάδοσης της ακράτειας ενέργειας τους. Δεν μεταρρύθμισε μόνο ένα ενιαίο προσαρμοσμένο και ομαδικό πορτρέτα, αλλά ήταν ο δημιουργός του πορτρέτου, που συνορεύει με το είδος του νοικοκυριού. Μουσικός αγγειοπλάστης
Τα πορτραίτα των hals είναι διαφορετικά σε θέματα και εικόνες. Αλλά οι απεικονίσεις συνδυάζονται με γενικά χαρακτηριστικά: την ολότητα της φύσης και τη ζωτικότητα. Hals Ζωγράφος γέλιο, χαρούμενος που προκαλεί χαμόγελο. Ο καλλιτέχνης των εκπροσώπων της απλότητας, οι επισκέπτες του κολοκυθάκια, τα αγόρια του δρόμου αναβιώνει την αφρώδη διασκέδαση. Οι χαρακτήρες του δεν κλείνουν στον εαυτό τους, γυρίζουν και χειρονομίες στον θεατή. Εύθυμη συντροφιά
Wolno-Αγαπώντας την ανάσα του Oweyan την εικόνα του "τσιγγάνου" (εντάξει, Παρίσι, Λούβρο). Οι HALs θαυμάζουν την υπερήφανη φύτευση του κεφαλιού της στο φωτοστέφανο των χνουδωτών μαλλιών, ένα σαγηνευτικό χαμόγελο, ένα επιρρεπές λάμψη των ματιών, μια έκφραση ανεξαρτησίας. Δονητικά περιγράμματα της σιλουέτας, συρόμενες ακτίνες του φωτός, τα σύννεφα που τρέχουν, στο φόντο του οποίου απεικονίζεται ο τσιγγάνος, γεμίστε την εικόνα μιας συγκίνησης της ζωής.
Πορτρέτο του Mallet Babbe (Nach, Βερολίνο, Ντιέμι, γκαλερί εικόνων), αυτο-λεγόμενη "Harlem Witch", αναπτύσσεται σε μια μικρή σκηνή του είδους. Η άσχημη ηλικιωμένη γυναίκα με μια καύση hitrea εμφάνιση, στρέφοντας απότομα και ευρέως διαδεδομένη, σαν να απαντά σε κάποιον από τους τακτικούς του κολοκυθάκια του. Με μια ζοφερή σιλουέτα, η απειλητική κουκουβάγια αξιολογείται στον ώμο της. Καταπληκτική τη σοβαρότητα του οράματος του καλλιτέχνη, η θορυβώδης δύναμη και η ζωτικότητα της εικόνας που δημιουργήθηκε από αυτόν. Η ασυμμετρία της σύνθεσης, η δυναμική, η αποχυμώδεις του γωνιακού επιχρίσματος ενισχύει το άγχος της σκηνής.
Τα καθυστερημένα πορτρέτα της Halsa στέκονται δίπλα στις πιο θαυμάσιες δημιουργίες του παγκόσμιου πορτρέτου ζωγραφικής: είναι κοντά στον ψυχολογισμό τους στο πορτρέτο του μεγαλύτερου από τους ολλανδούς ζωγράφους του Rembrandt, οι οποίοι, καθώς και οι hals, επέζησαν τη δόξα της ζωής, ενισχύοντας μια σύγκρουση με μια αναγεννηθείσα αστική άκρη της ολλανδικής κοινωνίας. Renturshirs for anites
Το πιο δημοφιλές στην ολλανδική ζωγραφική ήταν ένα νοικοκυριό, από πολλές απόψεις που εντοπίζουν ιδιόμορφους τρόπους για την ανάπτυξή της σε σχέση με την τέχνη άλλων χωρών. Προσφυγή στις πλέον διαφορετικές πλευρές της καθημερινής ζωής, η ποίησή της οδήγησε στο σχηματισμό μιας ποικιλίας τύπων ζωγραφικής του είδους. Υψηλή γραφική κυριαρχία των δημιουργών τους, αισιόδοξος χαρακτήρας, ο μαλακός λυρισμός τους ενημερώνουν ότι η γοητεία, η οποία δικαιολογεί την εικόνα των πιο μικρών κινήτρων. Peter de Heh στο ντουλάπι Lounge
Ο ολλανδός πλοίαρχος του μπαρόκ Peter de Heoche (HOO) ήταν ένας από τους κορυφαίους εκπροσώπους της Σχολής του Ντελφτ του XVII αιώνα. Τα έργα του ζωγράφου είναι αφιερωμένα σε συνηθισμένα, λίγα εξαιρετικά γεγονότα μιας ήσυχης ήρεμης ζωής της οικογένειας των Burgers. Εσωτερικό σερβίρετε τακτοποιημένες αυλές ή καθαρά ψημένα δωμάτια. Για τις εικόνες της Hoha, ένα εξευγενισμένο ακριβές σχέδιο χαρακτηρίζεται από ένα ήρεμο χρώμα και διακριτικές προθέσεις λουλουδιών. Ο πλοίαρχος είχε μια εκπληκτική ικανότητα να συλλάβει τη "στιγμή της ύπαρξης" - για μια στιγμή η συνομιλία, κάποια δράση. Αυτή η ικανότητα κάνει φωτογραφίες της Hoha ελκυστική, δημιουργώντας ένα αίσθημα μυστηριότητας, αν και στην εικόνα φαίνεται ότι δεν υπάρχει τίποτα ασυνήθιστο. Αυτή η αντίληψη της ζωγραφικής Hoha συμβάλλει στην κυριαρχία του Virtuoso ενός ρεαλιστή, ικανή να μετατρέψει την καθημερινή ζωή σε ένα ενδιαφέρον θέαμα.
Ένα βαθύ ποιητικό συναίσθημα, άψογη γεύση, ο καλύτερος χρωματισμός καθορίζει το έργο των πιο εκκρεμών από τους κυρίους της ζωγραφικής του είδους, το τρίτο μετά τα hals και το Rembrandt, ο μεγάλος ολλανδός ζωγράφος Jan Vermeer Delftsky (). Διαθέτοντας ένα εντυπωσιακό μάτι μάτι, τεχνική filigree, ζήτησε την ποίηση, την ακεραιότητα και την ομορφιά της εικονικής αποφάσεως, έχει μεγάλη προσοχή δίνεται στη διαβίβαση του περιβάλλοντος φωτός. Η καλλιτεχνική κληρονομιά του VESER είναι σχετικά μικρή, καθώς εργάστηκε αργά και με εξαιρετική πληρότητα. Για την απόκτηση της Vermeer αναγκάστηκε να ασχοληθεί με τις εμπορικές εικόνες.
Ένας άνδρας για το Vermeer είναι αδιαχώριστο από τον ποιητικό κόσμο, ο οποίος θαυμάζει τον καλλιτέχνη και ο οποίος βρίσκει ένα τέτοιο είδος διάθλασης στις δημιουργίες του, με τον δικό του τρόπο που ενσωματώνει την ιδέα της ομορφιάς, για τη μετρούμενη ήρεμη πορεία της ζωής, για την ευτυχία του άντρα. Ιδιαίτερα αρμονική και σαφής για τη σύνθεση κατασκευής ενός "κοριτσιού με ένα γράμμα" (τέλος της 1650., Δρέσδη, γκαλερί τέχνης), μια εικόνα κορεσμένη με αέρα και φως, ξεπερασμένο σε χάλκινο πράσινο, κοκκινωπό, χρυσά χρώματα, μεταξύ των οποίων Κίτρινα και μπλε χρώματα που επικρατούν στο forefast προσκήνιο.
Είναι ελαστικό σίγουρο για τις κινήσεις, γοητευτικές και φυσικά μια γυναίκα από τους ανθρώπους της ζωγραφικής "Maulus με μια κανάτα γάλακτος", που διεισδύει από ελαφριά αισιοδοξία και αναδημιουργώντας μια ειδική, ooetized ατμόσφαιρα της καθημερινής ζωής. Η εμφάνιση μιας νεαρής γυναίκας αναπνέει μια υγιή δύναμη, ηθική καθαρότητα. Τα αντικείμενα, το περιβάλλον του, γράφονται με εκπληκτική αξιοπιστία ζωής, φαίνεται μια απτή απαλότητα φρέσκου ψωμιού, μια λεία επιφάνεια της κανάτας, η πυκνότητα του ρέοντος γάλακτος. Εδώ, όπως σε πολλά άλλα έργα του Versa, το εντυπωσιακό δώρο του εκδηλώνεται για να αισθάνεται και να μεταφέρει τη ζωή των πραγμάτων, του πλούτου και μιας ποικιλίας μορφών πραγματικών αντικειμένων, δόνησης φωτός και αέρα γύρω τους.
Η εκπληκτική ικανότητα του Vermeer βρίσκεται σε δύο τοπία που γράφεται από αυτόν που ανήκει στα θαυμάσια δείγματα αυτού του είδους ζωγραφικής όχι μόνο στα ολλανδικά, αλλά και στην παγκόσμια τέχνη. Εξαιρετικά απλό κίνητρο "υποχώρηση" ή μάλλον, το μικρό της μέρος, με μια πρόσοψη από τούβλο που απεικονίζεται σε μια γκρίζα, συννεφιασμένη μέρα. Εκπληκάζει το υλικό απίστευτο κάθε στοιχείο, την πνευματικότητα κάθε μέρους.
Ένας εντελώς διαφορετικός χαρακτήρας είναι η "Προβολή της πόλης του Ντελφτ" Ο καλλιτέχνης κοιτάζει τη γενέτειρά του σε μια καλοκαιρινή μέρα μετά τη βροχή. Οι ακτίνες του ήλιου αρχίζουν να σπάσουν μέσα από τα υγρά ασημένια σύννεφα και ολόκληρη η εικόνα σπινθήρες και λάμπει πολλές πολύχρωμες αποχρώσεις και ελαφριά σημεία και ταυτόχρονα βλέπει ολότητα και ποιητική ομορφιά.
Οι αρχές του ολλανδικού ρεαλιστικού τοπίου ήταν το πρώτο τρίτο του 17ου αιώνα. Αντί των συμβατικών Cangons και εξιδανικευμένη, εφευρέθηκε φύση στους πίνακες των ιταλικών κατευθύνσεων, οι δημιουργοί του ρεαλιστικού τοπίου στράφηκαν στην εικόνα της πραγματικής φύσης της Ολλανδίας με τους αμμόλοφους και τα κανάλια, τα σπίτια και τα χωριά τους. Δεν κατέλαβαν μόνο τη φύση του εδάφους με όλα τα σημάδια, δημιουργώντας τα τυπικά κίνητρα του εθνικού τοπίου, αλλά προσπάθησαν να μεταφέρουν την ατμόσφαιρα της σεζόν, υγρό αέρα και χώρο. Αυτό συνέβαλε στην ανάπτυξη της tonal ζωγραφικής, υποταγεί όλα τα συστατικά της εικόνας ενός ενιαίου τόνου.
Το εξαιρετικό τοπίο της Ολλανδίας ήταν ο Jacob Van Reydal (1628/291682), πνευματοποίησε τα τοπία του με μεγάλα προσωπικά συναισθήματα και εμπειρίες. Ακριβώς όπως και άλλοι κύριοι καλλιτέχνες της Ολλανδίας, δεν πήγαινε στις παραχωρήσεις στις προτιμήσεις των αστικών πελατών, πάντα παραμένοντας τον εαυτό του. Το Reydal δεν περιορίζεται σε ορισμένα θέματα εικόνας. Ο κύκλος των μοτίβων του τοπίου είναι πολύ μεγάλος, αυτοί οι τύποι χωριών, πεδιάδων και αμμόλοφων, δασικά έλη και η θάλασσα που απεικονίζονται στις πιο διαφορετικές καιρικές συνθήκες και διαφορετικές περιόδους του έτους. Χειμερινή σκηνή
Η δημιουργική ωριμότητα του καλλιτέχνη πέφτει στα μέσα του 17ου αιώνα. Αυτή τη στιγμή δημιουργεί έργα που εκτελούνται από το βαθύ δράμα, μεταδίδοντας την εσωτερική ζωή της φύσης: "Άποψη του χωριού Egmond", "Δάσος Boloto", "Εβραϊκό νεκροταφείο", το οποίο η συγκρατημένη, σούπερ γεύση τους, η μνημειοποίηση των μορφών και των κατασκευών απάντησε στις εμπειρίες του καλλιτέχνη. Αναζητά τη μεγαλύτερη συναισθηματική δύναμη και το βάθος φιλοσοφικής σημασίας στην εικόνα του εβραϊκού νεκροταφείου με τις τείτες και τα ερείπια του, με μια ροή αφρισμού, αποξηραμένα από τα κλαδιά ρίζας του δέντρου, που φωτίζονται από τα φρέσκα πράσινα, τα οποία φωτίζουν τα φρέσκα πράσινα ένα νεαρό βλαστό. Έτσι κερδίζει σε αυτό το ζοφερό διαλογισμό την ιδέα μιας συνεχώς ενημέρωσης ζωής που κάνει το δρόμο του μέσα από όλες τις καταιγίδες και τις καταστρεπτικές δυνάμεις.
Μαζί με τη ζωγραφική τοπίου, υπήρξε μια σημαντική διανομή στην ολλανδία νεκρή φύση, η οποία ήταν ο οικεία χαρακτήρας. Οι ολλανδοί καλλιτέχνες επέλεξαν μια μεγάλη ποικιλία αντικειμένων για τις ακόμα ζωές τους, ήξεραν πώς να συμμορφωθούν τέλεια, να εντοπίσουν τα χαρακτηριστικά κάθε θέματος και της εσωτερικής του ζωής, την άρρηκτα συνδεδεμένη ανθρώπινη ζωή. Ο Peter Clas (ΟΚ) και η HED (/ 82) Willem (/ 82) έγραψε πολλές επιλογές για "πρωινό", που απεικονίζουν στο τραπέζι του ζαμπόν, Ruddy Buns, μαύρες πίτες, εύθραυστα γυαλιά, με μισό γεμάτο κρασί, Καταπληκτικό χρώμα που μεταδίδει δεξιοτήτων, όγκος, η υφή κάθε στοιχείου. Peter Clas.Nature-Life με ένα χρυσό κρεβάτι.
Στις Κάτω Χώρες του XVII αιώνα. Το είδος της νεκρή φύση διανεμήθηκε σε μεγάλο βαθμό. Οι αισθητικές αρχές της νεκρή φύση ήταν μάλλον συντηρητικές: οριζόντια μορφή υφάσματος, κάτω άκρη του τραπεζιού με απλά παράλληλο πλαίσιο. Οι πτυχές στο τραπεζομάντιλο της τραπεζαρίας, κατά κανόνα, οι παράλληλες γραμμές, αντίθετες προς τους νόμους των προοπτικών, στα βάθη του καμβά. Τα αντικείμενα εξετάστηκαν από μεγάλη άποψη (έτσι ώστε να ήταν ευκολότερο να τα καλύψουν όλη η εμφάνιση), εντοπίστηκαν στη γραμμή ή σε έναν κύκλο και πρακτικά δεν άγγιξε το HED Villem Class πρωινό με καβούρια
HEDI Villem Clas Νεκρή φύση με το Golden Cup Heba, καθώς και την επιρροή του Peter Clas τους πιο σημαντικούς εκπροσώπους αυτού του είδους των νεκρών αργών στην Ολλανδία. Αυτοί οι δύο σκληρούς κύριους συχνά συγκρίνονται. Και οι δύο δημιούργησαν το μέτριο "πρωινό" με ένα απλό σύνολο απλών αντικειμένων. Ξυλοστίδες και μια τάξη Rodinate πρασινωπούς-γκρι ή καστανόχρους, αλλά τα έργα του κεφαλιού έχουν, κατά κανόνα, πιο προσεκτικά διακοσμημένο και η γεύση του είναι πιο αριστοκρατική, η οποία εκδηλώθηκε στην επιλογή των αντικειμένων που απεικονίζονται: Ασημένιο και όχι κασσίτερο σκεύη, στρείδια, όχι ρέγγα, κλπ. Ρ.
Εισαγωγή
1. Μικρά ολλανδικά
Ολλανδική Σχολή Ζωγραφικής
Είδος ζωγραφικής
4. Συμβολισμός. Νεκρή φύση
Rembrandt van rhine
Vermeer Delftsky Jan.
συμπέρασμα
Εισαγωγή
Ο σκοπός της δοκιμαστικής εργασίας είναι:
· Στην ανάπτυξη του δημιουργικού δυναμικού ·
· Σχηματισμός ενδιαφέροντος στην τέχνη ·
· Τη στερέωση και την αναπλήρωση της γνώσης.
Στον XVII αιώνα, η ολλανδική τέχνη προέκυψε. Αυτή η τέχνη θεωρείται ανεξάρτητη και ανεξάρτητη, έχει ορισμένες μορφές και χαρακτηριστικά.
Μέχρι τον XVII αιώνα, η Ολλανδία δεν είχε τους ουσιαστικούς καλλιτέχνες της στην τέχνη, επειδή Μπήκε στην κατάσταση της Φλάνδρας. Ωστόσο, αρκετοί καλλιτέχνες γιορτάζονται σε μια δεδομένη χρονική περίοδο. Αυτός είναι ένας καλλιτέχνης και χαράκτης Luca Leiden (1494-1533), ζωγράφος Dirk Boauts (1415-1475), καλλιτέχνης σιδηροδρόμων (1495-1562).
Σταδιακά μικτά διαφορετικά σχολεία και δάσκαλοι έχασαν τα διακριτικά χαρακτηριστικά των σχολείων τους και οι υπόλοιποι καλλιτέχνες της Ολλανδίας παύουν να έχουν το πνεύμα της εθνικής δημιουργικότητας. Εμφανίζονται πολλά διαφορετικά και νέα στυλ. Οι καλλιτέχνες προσπαθούν να γράψουν πίνακες σε όλα τα είδη, αναζητώντας ένα ατομικό στυλ. Οι μέθοδοι είδους διαγράφηκαν: η ιστορικότητα δεν είναι τόσο υποχρεωτική όσο και πριν. Ένα νέο είδος δημιουργήθηκε - οι ομάδες ομάδων.
Στην αρχή του XVII αιώνα, όταν η μοίρα της Ολλανδίας λύθηκε - ο Φίλιππος βγήκε για την εκεχειρία μεταξύ Ισπανίας και Κάτω Χωρών. Χρειάζονται μια επανάσταση, πολιτική ή στρατιωτική κατάσταση. Ο αγώνας για την ανεξαρτησία ενέκρινε τους ανθρώπους. Ο πόλεμος ενίσχυσε το Εθνικό Πνεύμα. Οι υπογεγραμμένες συμφωνίες με την Ισπανία, έδωσαν την ελευθερία της Ολλανδίας. Αυξήθηκε στη δημιουργία της δικής της και της ειδικής τέχνης, εξέφρασε την ουσία των Ολλανδών.
Το χαρακτηριστικό των ολλανδικών καλλιτεχνών ήταν να δημιουργήσει μια πραγματική εικόνα στις μικρότερες λεπτομέρειες - εκδήλωση συναισθημάτων και σκέψεων. Αυτή είναι η βάση του ολλανδικού σχολείου. Γίνεται ρεαλιστική τέχνη και από τα μέσα του XVII αιώνα φτάνει στις κορυφές σε όλους τους τομείς.
Για την Ολλανδία, συνήθως διαχωρισμός όχι μόνο για είδη, αλλά και σε πολυάριθμα υποείδη. Μερικοί δάσκαλοι γράφουν σκηνές από τη ζωή των Burghers και των αξιωματικών - Peter de Hookh (1495-1562), Gerard Terborh (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), η δεύτερη - από την αγροτική ζωή - Adrian Wang Ostay (1610- 1685), τρίτες σκηνές από τη ζωή των επιστημόνων και των ιατρών - Gerrit Dow (1613-1675). Οδηγοί τοπίου - Ιαν Περιοδικά, ένα συγκεκριμένο είδος γίνεται παραδοσιακό σε σχολεία τέχνης. Για παράδειγμα, ο Harlem ζωγράφος νεκρή φύση στα λεγόμενα "πρωινά" - Peter Clas (1598-1661), Willle Hed (1594-1680).
Οι καλλιτέχνες δείχνουν τα ηθικά και τα τελωνεία, ηθικούς και ηθικούς κανόνες της ανθρώπινης συμπεριφοράς. Που συχνά απεικονίζουν οικογενειακά γεγονότα. Οι παίκτες τοπίου και οι πλοίαρχοι της νεκρή φύση μεταδίδουν φως στον υπαίθριο αέρα, στα κλειστά δωμάτια, απεικονίζουν κυριότερα την υφή των αντικειμένων. Η οικιακή ζωγραφική βρίσκεται στην κορυφή, χάρη στον τοίχο της Ικανών (1626-1679), Gerhard Terborh (1617-1681), Peter de Hehu (1629-1624).
1. Μικρά ολλανδικά
Τα μικρά ολλανδικά είναι μια ομάδα καλλιτεχνών του XVII αιώνα, στην οποία οι ζωγράφοι του τοπίου και των νοικοκυριών ζωγραφιές είναι ενωμένοι από τους ζωγράφους (επομένως το όνομα). Τέτοιες εικόνες προορίζονταν για ένα μέτριο εσωτερικό των οικιστικών κτιρίων. Αποκτήθηκαν από τους κατοίκους και τους αγρότες. Για τέτοιες εικόνες, το αίσθημα άνεσης χαρακτηρίζεται στην εικόνα, η λεπτότητα των λεπτομερειών, η εγγύτητα του ατόμου και του εσωτερικού.
P. De Heh, Ya. Van Goyen (1596-1656), Ya. Και S. van ryutsdal (1628-1682) και (1602 - 1670), Ε. De Witte (1617-1692), P. Clas, V. Hedi, V. Kalph (1619-1693), Tereborh, Metsu, Α. Van Odete, Ya. Τοίχους (1626-1679), Α. ΚΥΠΟΥ (1620-1691), κλπ. Ο καθένας εξειδικεύεται, κατά κανόνα, σε ένα από τα το είδος. Οι "μικρές ολλανδικές" συνέχισαν τις παραδόσεις των Κάτω Χωρών πλοιάρχων της Αναγέννησης, ο οποίος ισχυρίστηκε ότι η τέχνη δεν πρέπει μόνο να φέρει ευχαρίστηση, αλλά επίσης υπενθυμίζει αξιώσεις.
Η δημιουργικότητα των καλλιτεχνών μπορεί να χωριστεί σε 3 ομάδες:
1630s. - Έγκριση ρεαλισμού στην εθνική ζωγραφική (το κορυφαίο κέντρο τέχνης ήταν το Harlem, ένας σημαντικός παράγοντας ήταν η επίδραση του F. HALS).
1640-1660s. - Η άνθηση της σχολής τέχνης (το κέντρο τέχνης μετακινείται στο Άμστερνταμ, προσελκύοντας καλλιτέχνες από άλλες πόλεις, η επίδραση του Rembrandt γίνεται σχετική<#"justify">2. Ολλανδική Σχολή Ζωγραφικής
Τα τρία τέταρτα του αιώνα συνέχισαν την άνοδο της τέχνης στα βόρεια των Κάτω Χωρών, στη Δημοκρατία των Ηνωμένων Επαρχιών, που ονομάζεται Ολλανδία. Το 1609, αυτή η Δημοκρατία έλαβε κράτος καθεστώς. Εδώ υπήρχε ένα αστικό κράτος.
Ο ιταλός καλλιτέχνης Caravaggio (1571-1610) ήταν ένας σημαντικός ρόλος στη ζωγραφική της εποχής της Αναγέννησης (1571-1610). Έγραψε τα έργα ζωγραφικής του πολύ ρεαλιστικά, και τα αντικείμενα και τα στοιχεία είχαν μια υψηλή ελαφριά τεχνική.
Οι καλλιτέχνες ήταν πολύ, και ζούσαν σε μικρές πόλεις: Kharlem, Delphte, Leiden. Κάθε μία από αυτές τις πόλεις έχει αναπτύξει το δικό του σχολείο με το θέμα του είδους που είναι εγγενές σε αυτό, αλλά το Άμστερνταμ έπαιξε τον σημαντικότερο ρόλο στην ανάπτυξη της ολλανδικής τέχνης.
3. Είδος ζωγραφικής
Στην Ολλανδία, μαζί με τη φήμη του είδους του τοπίου, εμφανίζονται νέες: Μαρίνα - το τοπίο της θάλασσας, το τοπίο της πόλης - το μόλυβδο, η εικόνα των ζώων είναι ζωγραφική ζωγραφική. Σημαντική επιρροή στο τοπίο παρέχεται από τον Peter Bruegel (1525-1529). Οι Ολλανδοί έγραψαν την ιδιόμορφη ομορφιά της φύσης της μητρικής άκρης. Στον XVII αιώνα, η ολλανδική σχολή ζωγραφικής έχει γίνει ένα από τα κορυφαία στην Ευρώπη. Τα γύρω αντικείμενα ανθρώπων έχουν γίνει πηγή έμπνευσης για τους καλλιτέχνες. Στην τεχνική αυτή τη φορά, ο σχηματισμός ενός συστήματος ειδών ολοκληρώθηκε, ο οποίος άρχισε στην εποχή της αναβάτης. Σε πορτρέτα, οι ζωγραφιές των νοικοκυριών, τα τοπία και οι νεκροί, οι καλλιτέχνες μεταφέρουν τις εντυπώσεις τους για τη φύση και τη ζωή. Μια νέα ιδέα άρχισε να έχει ένα είδος οικιακής ζωγραφικής - ζωγραφική του είδους. Το είδος του νοικοκυριού σχηματίστηκε σε δύο είδη - το είδος του αγρότη και burgher (αστικό) είδος. Στα ζωγραφιές του είδους, απεικονίζεται ένας ιδιώτης: Pirushki Gulik, οικονομική δραστηριότητα, μυθισμεοποίηση. Οι καλλιτέχνες έδωσαν προσοχή στο εξωτερικό, θέτει, κοστούμια. Τα αντικείμενα έγιναν μέρος της Cozity: ένας πίνακας ενός μαόνι, μια ντουλάπα, μια καρέκλα, ένα καλυμμένο δέρμα, ένα decanter από σκούρο γυαλί και ένα ποτήρι, φρούτα. Ένα τέτοιο είδος αντανακλά τη συμπεριφορά και την επικοινωνία των ανθρώπων που ανήκουν σε διάφορα κτήματα.
Το έργο του Garard Dow απολαμβάνει πολύ δημοφιλές. Γράφει μέτρια σκηνές από τη ζωή με μικρή μπουρζουαζία. Συχνά απεικονίζει τις ηλικιωμένες γυναίκες που κάθονται πίσω από μια μάχη ή την ανάγνωση. Η προφανής τάση του Dou - τις επιφάνειες των αντικειμένων στις μικρές τους εικόνες - μοτίβα υφάσματα, ρυτίδες γεροντικά πρόσωπα, ψάρια κ.λπ. (Εικ.
Αλλά η ζωγραφική του είδους υπέστη εξέλιξη. Κατά τη διάρκεια της περιόδου να γίνει, οι ιστορίες για τα θέματα αναψυχής, ψυχαγωγίας, σκηνές από τη ζωή των αξιωματικών διανεμήθηκαν. Τέτοιες εικόνες ονομάστηκαν "πρωινό", "Bandquets", "Societies", "Συναυλίες". Αυτή η ζωγραφική διακρίνεται από μια ποικιλία από χρώματα και χαρούμενους τόνους. Το πρωτότυπο ήταν το είδος - "πρωινό". Αυτή είναι μια ματιά της νεκρή φύση, στην οποία μέσω της εικόνας των πιάτων, μια ποικιλία πιάτων πέρασε το χαρακτήρα των ιδιοκτητών τους.
Το είδος του νοικοκυριού είναι το πιο διακριτικό και διακριτικό φαινόμενο της ολλανδικής σχολής, το οποίο ανακαλύφθηκε για την παγκόσμια τέχνη καθημερινή ζωή ενός ιδιώτη.
Στο θέμα του είδους της τέχνης έγραψε και το τείχος γιανγκ. Με μια αίσθηση του χιούμορ σημείωσε τις λεπτομέρειες της ζωής και της σχέσης των ανθρώπων. Στη ζωγραφική "περπατάει" στον θεατή, ο ίδιος ο καλλιτέχνης κάθεται δίπλα στη σύζυγό του, κοιμάται μετά από μια διασκεδαστική γιορτή, παρακολουθεί τον θεατή. Και στην εικόνα μέσα από τις εκφράσεις του προσώπου και των χειρονομιών των χαρακτήρων, το Wall Manang αποκαλύπτει επιδέξια το οικόπεδο της φανταστικής ασθένειας.
Από τις αρχές της δεκαετίας του 1930, ολοκληρώθηκε η ζωγραφική του ολλανδικού είδους. Deli Genre Ζωγραφική σε κοινωνικό χαρακτηριστικό: Οικόπεδα σε θέματα από τη ζωή της αστικής τάξης και σκηνές από τη ζωή των αγροτών και των αστικών φτωχών.
Ένας από τους διάσημους καλλιτέχνες, γράφοντας στο "αγροτικό είδος", ήταν ο Adrian Wang Osta. Κατά την πρώιμη περίοδο της δημιουργικότητας, η εικόνα των αγροτών διακρίθηκε από τον επιμελητήριο. Έτσι, στην εικόνα, που φωτίζεται από ένα αιχμηρό φως, οι μάχες, δεν φαίνεται να ζουν άνθρωποι, και μαριονέτες. Αντίθεση κρύου και ζεστού χρώματος, αιχμηρές αντιθέσεις φωτός δημιουργούν μάσκες με κακά συναισθήματα στα πρόσωπά τους.
Αργότερα, ο καλλιτέχνης γράφει εικόνες με πιο χαλαρά οικόπεδα, που απεικονίζει ένα άτομο κατά τη διάρκεια των συνήθων επαγγελμάτων, συχνότερα σε στιγμές ανάπαυσης. Για παράδειγμα, η εσωτερική εικόνα "Ρουστίκ μουσικοί". Το Tolee μεταδίδει τη συγκέντρωση των "μουσικών", με ένα μόλις αισθητό χιούμορ που απεικονίζει εκείνους που τους παρατηρούν στο παράθυρο των παιδιών. Στο "αγροτικό είδος" εργάστηκε νωρίς τον νεκρό αδελφό της Adriana - ICAAP WAN ODETE. Εμφανίστηκε τη ζωή της αγροτικής Ολλανδίας. Στην εικόνα "Χειμερινή θέα", ένα τυπικό τοπίο με ένα γκρι, κρέμεται πάνω από το έδαφος, ένα παγωμένο ποτάμι, στην ακτή του οποίου βρίσκεται το χωριό.
Στα 50-60 χρόνια του XVII αιώνα, τα θέματα των ζωγραφικής του είδους στενεύουν, το σύστημα τους αλλάζει. Γίνονται πιο ήρεμοι, λυρικά, στοχαστικά. Αυτό το στάδιο αντιπροσωπεύεται από το έργο αυτών των καλλιτεχνών, όπως: Peter de Heh, Herard Terborh, Gabriel Metsu, Peter Yanence. Το έργο τους χαρακτηρίζεται από τον εξιδανικευμένο τρόπο ζωής της ολλανδικής μπουρζουαζίας. Έτσι, στην εσωτερική εικόνα "δωμάτιο στο ολλανδικό σπίτι" Peter jansence απεικονίζεται από το φως του ήλιου άνετο δωμάτιο με το παιχνίδι στο πάτωμα και στους τοίχους των ηλιόλουστων κουνελιών. Η επιλογή της σύνθεσης τονίζει την ενότητα του ανθρώπου και του περιβάλλοντος μέσου.
Ολλανδικό είδος προσπάθησε να αντικατοπτρίζει τον εσωτερικό κόσμο του ανθρώπου στα έργα. Σε κανονικές καταστάσεις, ήταν σε θέση να δείξουν τον κόσμο των εμπειριών. Έτσι, ο Gerard Terborh στη ζωγραφική "ποτήρι λεμονάδας" απεικονίζει μια μόλις αλιευμένη γλώσσα χειρονομιών, αγγίζοντας τα χέρια, οι συναντήσεις με τις απόψεις αποκαλύπτουν μια ολόκληρη σειρά αισθήσεων και σχέσεων χαρακτήρων.
Η λεπτότητα, η ειλικρίνεια στην αναψυχή της πραγματικότητας συνδυάζεται με τους ολλανδούς δασκάλους με δυσδιάκριτη και καθημερινή ομορφιά. Αυτό το χαρακτηριστικό εκδηλώθηκε οπτικά σε νεκρή φύση. Ο Ολλανδός ονομάστηκε "Stilleven". Σε αυτή την κατανόηση των δασκάλων είδε σε άψυχα αντικείμενα μια κρυμμένη ζωή που συνδέεται με τη ζωή ενός ατόμου με τη ζωή, τις συνήθειες του, τις γεύσεις. Οι ολλανδοί ζωγράφοι έχουν δημιουργήσει την εντύπωση της φυσικής "διαταραχής" στη θέση των πραγμάτων: έδειξαν το κέικ κοπής, αποφλοιωμένο λεμόνι με σπειροειδή φλούδα, ένα κακό ποτήρι κρασί, ένα καίγοντας κερί, αποκάλυψε το βιβλίο - πάντα φαίνεται ότι κάποιος φαίνεται ότι κάποιος φαίνεται αφορούσαν αυτά τα στοιχεία, απλά ότι τα χρησιμοποίησαν αισθάνονται την αόρατη παρουσία ενός ατόμου.
Οι κύριοι κύριοι της ολλανδικής νεκρή φύση του πρώτου μισού του XVII αιώνα ήταν ο Peter Clas 1 Και willem κεφάλι. Το αγαπημένο θέμα των νεκρών τους είναι το λεγόμενο "πρωινό". Στο "πρωινό με το Omar" V. HEDA (προσάρτημα, Εικ. 16) Στοιχεία διαφόρων σχημάτων και υλικού - ένα δοχείο καφέ, ένα ποτήρι, λεμόνι, ασημένια πλάκα. Τα αντικείμενα είναι διατεταγμένα έτσι ώστε να βλέπουν την ελκυστικότητα και το χαρακτηριστικό του καθενός. Διάφορες τεχνικές της Heba υπερβαίνουν το υλικό και τις ιδιαιτερότητες του τιμολογίου τους. Έτσι, η φωτεινή λάμψη παίζεται διαφορετικά στην επιφάνεια του γυαλιού και του μετάλλου. Όλα τα στοιχεία της σύνθεσης συνδυάζονται με το φως και το χρώμα. Στην "νεκρή φύση με ένα κερί" της τάξης P. όχι μόνο όχι μόνο η ακρίβεια της αναπαραγωγής των υλικών ιδιότητες των αντικειμένων - η σύνθεση και ο φωτισμός τους δίνουν μεγαλύτερη συναισθηματική εκφραστικότητα. Ακόμα μήπως η τάξη και οι φράκτες είναι παρόμοιες μεταξύ τους - αυτή είναι η διάθεση της οικειότητας και της άνεσης, ηρεμία της ζωής στη ζωή του σπιτιού Burgers, όπου υπάρχει πλούτος. Η νεκρή φύση μπορεί να θεωρηθεί ως ένα από τα σημαντικά θέματα της ολλανδικής τέχνης - το θέμα της ζωής ενός ιδιώτη. Έλαβε την κύρια απόφασή του στην εικόνα του είδους.
Συμβολισμός. Νεκρή φύση
Όλα τα αντικείμενα στην ολλανδική νεκρή φύση είναι συμβολικές. Συλλογές που έχουν δημοσιευθεί σε όλο το XVIII<#"justify">Ο. Μεταξένια πέταλα κοντά στο αγγείο - σημάδια της χαλάρωσης.
Ο. Το ξεθωριασμένο λουλούδι είναι ένας υπαινιγμός της εξαφάνισης της αίσθησης.
Ο. irises - το σημάδι της Παναγίας.
Ο. Κόκκινα λουλούδια - ένα σύμβολο του υπολειμματικού θύματος του Χριστού.
Ο. Λευκό κρίνο όχι μόνο ένα όμορφο λουλούδι, αλλά και ένα σύμβολο της απώλειας της Παναγίας.
Ο. Γαρύφαλλο - ένα σύμβολο του χυμένου αίματος του Χριστού.
Ο. Λευκή τουλίπα - ψεύτικη αγάπη.
Ο. Ρόδι - σύμβολο της ανάστασης, της αγνότητας χαρακτήρων.
Ο. Τα μήλα, τα ροδάκινα, τα πορτοκάλια υπενθύμισαν την πτώση.
Ο. Το κρασί σε ένα ποτήρι ή μια κανάτα προσωποποίησε το θυσιαστικό αίμα του Χριστού.
Ο. Ελιά - σύμβολο του κόσμου.
Ο. σάπια φρούτα - ένα σύμβολο της γήρανσης.
Ο. Το αυτί του σιταριού, του κισσού - σύμβολο της αναβιώσεως και του κύκλου ζωής.
Ο. Γυαλί - ένα σύμβολο της ευθραυστότητας.
Ο. πορσελάνη - καθαρότητα;
Ο. Το μπουκάλι είναι ένα σύμβολο της αμαρτίας και της μεθυσίας.
Ο. Σπασμένα πιάτα - σύμβολο του θανάτου.
Ο. Ανεστραμμένο ή άδειο γυαλί ορίζει κενό.
Ο. Μαχαίρι - σύμβολο της προδοσίας.
Ο. Ασημένια πλοία - προσωποποίηση του πλούτου.
Ο. Κλεψύδρα - μια υπενθύμιση της συχνότητας της ζωής.
Ο. Κρανίο - υπενθύμιση της αναπόφισης του θανάτου.
Ο. Αυτιά σιταριού - σύμβολα της αναβιαστικής και κύκλου ζωής.
Ο. Ψωμί - το σύμβολο του σώματος του Κυρίου.
Ο. Όπλα και πανοπλία - σύμβολο της εξουσίας και της εξουσίας, ο χαρακτηρισμός του τι δεν μπορεί να ληφθεί μαζί του στον τάφο.
Ο. Κλειδιά - Συμβολίστε την ισχύ.
Ο. Σωλήνας καπνίσματος - σύμβολο φευγαλέων και αόριστων γήινων απολαύσεων.
Ο. Μια καρναβαλική μάσκα - είναι ένα σημάδι της έλλειψης ανθρώπων. ανεύθυνη ευχαρίστηση.
Ο. Καθρέπτες, γυάλινες μπάλες - σύμβολα ματαιοδοξίας, σημάδι αντανάκλασης, αβεβαιότητα.
Τα θεμέλια του ολλανδικού ρεαλιστικού τοπίου σχηματίστηκαν καθ 'όλη τη διάρκεια του πρώτου XVII αιώνα. Οι καλλιτέχνες απεικόνισαν τη φύση τους με αμμόλοφους και κανάλια, σπίτια και χωριά. Προσπάθησαν να απεικονίσουν την εθνικότητα του τοπίου, την ατμόσφαιρα του αέρα και τον χαρακτηρισμό του έτους. Οι δάσκαλοι έχουν όλο και περισσότερο υποταθεί όλα τα συστατικά της εικόνας ενός ενιαίου τόνου. Ένιωσαν καλά τα χρώματα, ανήκαν επιδέξια τη μετάβαση από το φως στη σκιά, από τον τόνο στον τόνο.
Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος του ολλανδικού ρεαλιστικού τοπίου ήταν ο Jan Wang Goyen (1596-1656). Εργάστηκε στο Leiden και τη Χάγη. Ο καλλιτέχνης αγάπησε να απεικονίσει τις κοιλάδες και την επιφάνεια του νερού των ποταμών σε μικρούς καμβά. Πολλά μέρη Goyen άφησαν τον ουρανό με τα σύννεφα. Αυτή είναι η εικόνα "Προβολή του Vaal River Nimegen", ηλικίας σε ένα λεπτό καφέ γκρίζο φάσμα χρωμάτων.
Αργότερα, η χαρακτηριστική οντότητα του τοπίου αλλάζει. Γίνεται λίγο μεγαλύτερο, πιο συναισθηματικό. Η ιδιαιτερότητα παραμένει η ίδια, αλλά ο τόνος αποκτεί βάθος.
Όλα τα νέα χαρακτηριστικά του στυλ τοπίου ενσωματώνονται στους πίνακές του Jacob Van Reydal (1629-1682). Που απεικονίζουν τα ογκομετρικά δέντρα και τους θάμνους, το συναίσθημα δημιουργήθηκε ότι υποβλήθηκαν στο προσκήνιο και γίνονται πιο ισχυροί. Αναγνωρίζοντας υπέροχα μια αίσθηση προοπτικής, η Reydal πέρασαν επιδέξια ευρείες πεδιάδες και περιβάλλοντα της Ολλανδίας. Η επιλογή του τόνου και του φωτισμού φέρνει εστίαση. Ο Ρέϋλ αγαπούσε και ερείπια ως διακοσμητικές λεπτομέρειες, μιλώντας για την καταστροφή, την αγάπη της επίγειας ύπαρξης. Το "Εβραϊκό νεκροταφείο" αντιπροσωπεύει μια εκτοξευμένη περιοχή. Ο Ρέϋλ δεν χρησιμοποίησε την επιτυχία ταυτόχρονα. Ο ρεαλισμός των έργων του δεν ανταποκρίνεται στις προτιμήσεις της κοινωνίας. Ο καλλιτέχνης που αξίζει να απολαύσει η παγκόσμια δόξα, πέθανε από τον φτωχό άνθρωπο στη σκάλα του Harlem.
Πορτραίτο ζωγραφική. Γαλλία Hals.
Ένας από τους μεγάλους ολλανδούς καλλιτέχνες ήταν ο Frans Hals (περίπου 1580-1666). Γεννήθηκε στον XVII αιώνα στην Αμβέρσα. Ένας πολύ νέος καλλιτέχνης χτυπήθηκε στο Harlem, όπου μεγάλωσε και σχημάτισε με τον τρόπο του σχολείου Karel Van Mandera. Ο Harlem ήταν περήφανος για τον καλλιτέχνη του και τον οδήγησε στο εργαστήριο των διάσημων επισκεπτών - Rubens και Wang Dequee.
Οι HALs ήταν σχεδόν αποκλειστικά πορτραίτο, αλλά η τέχνη του σήμαινε πολλά όχι μόνο για πορτρέτο ζωγραφική της Ολλανδίας, αλλά και για το σχηματισμό άλλων ειδών. Στο έργο των hals, μπορούν να διακριθούν τρεις τύποι πορτρέτου: ένα πορτρέτο ομάδας, ένα προσαρμοσμένο ατομικό πορτρέτο και ένα ειδικό είδος πορτρέτου, κοντά στη φύση της ζωγραφικής του είδους.
Το 1616, οι HAL γράφουν την εικόνα του συμποσίου των αξιωματικών του συντάγματος τουφέκι του Αγίου Γεωργίου, "στην οποία ξυρίσουν εντελώς με το παραδοσιακό σχέδιο του ομίλου porter. Δημιουργώντας ένα πολύ ζωντανό έργο, συνδυάζοντας χαρακτήρες στην ομάδα και δίνοντάς τους διάφορες στάσεις, αυτός, όπως ήταν, αιχμαλωτίζοντας μαζί ένα πορτρέτο με τη ζωγραφική του είδους. Το έργο ήταν επιτυχές και ο καλλιτέχνης ήταν γεμάτος παραγγελίες.
Οι χαρακτήρες του κρατούν το πορτρέτο της φυσικά και ελεύθερα, οι θέσεις τους, οι χειρονομίες φαίνονται ασταθείς και στα πρόσωπα πρέπει να αλλάξει η έκφραση. Το πιο αξιοσημείωτο χαρακτηριστικό του δημιουργικού τρόπου των hals είναι η δυνατότητα να μεταφέρετε τον χαρακτήρα μέσω μεμονωμένων εκφράσεων του προσώπου και μιας χειρονομίας, σαν να πιαστούν στη μύγα - "χαρούμενος σύντροφος", "mulatto", "χαμογελαστός αξιωματικός". Ο καλλιτέχνης αγάπησε συναισθηματικά κράτη, πλήρεις ομιλητές. Αλλά σε αυτή τη στιγμή, ότι κατέλαβε τους Hals, πάντα κατέλαβε το πιο σημαντικό, τον πυρήνα της εικόνας του "τσιγγάνου", "Malli Baba".
Ωστόσο, στις εικόνες των hals των πολύ τέλη της δεκαετίας του '30 και της 40s, της σχολιασμού και της θλίψης, αλλοδαπός στους χαρακτήρες του, πορτρέτο της Willem Haythheysen, και μερικές φορές ολισθαίνει μια ελαφριά ειρωνεία ενάντια στον καλλιτέχνη σε αυτούς. Από την τέχνη των HAL, αφήνοντας σταδιακά τη δικαιοδοσία της ζωής και του ανθρώπου.
Οι κρίσιμες στιγμές έχουν έρθει σε ζωγραφική HALS. Στα πορτρέτα των HALs, γραμμένο στη δεκαετία του '50 και του 60, τα σε βάθος χαρακτηριστικά δεξιοτήτων συνδυάζονται με μια νέα εσωτερική έννοια. Ένα από τα ισχυρότερα έργα των αργά HALS είναι ένα πορτρέτο ανδρών από το Μητροπολιτικό Μουσείο στη Νέα Υόρκη (1650-1652). Η σύνθεση πορτρέτου είναι μια εικόνα παραγωγής του σχήματος, η ρύθμισή του σε ένα καθαρό FAS, μια εμφάνιση κατευθυνόμενη απευθείας στον θεατή, η σημασία του ατόμου αισθάνεται. Στη στάση των ανδρών διαβάζουν ψυχρές αρχές και αλαζονική περιφρόνηση για όλους. Το αίσθημα αυτοεκτίμησης συνδέεται με την ανυπολόγιστη φιλοδοξία. Ταυτόχρονα, στα μάτια του, η σκιά της απογοήτευσης απροσδόκητα συλλαμβάνει, σαν σε αυτό το άτομο, λυπηρό για το παρελθόν - για τη νεολαία και τη νεολαία του από τη γενιά του, των οποίων τα ιδανικά ξεχάστηκαν και τα κίνητρα ζωής ξεθωριάστηκαν.
Τα πορτραίτα των hals 50-60 αποκαλύπτουν πολύ στην ολλανδική πραγματικότητα εκείνων των ετών. Ο καλλιτέχνης έζησε μια μακρά ζωή και είχε μάρτυρα να μάρτυρες της αναγέννησης μιας ολλανδικής κοινωνίας, την εξαφάνιση του δημοκρατικού του πνεύματος. Δεν συμβαίνει τυχαία τώρα από τη μόδα της τέχνης των hals. Τα καθυστερημένα έργα των HAL αντανακλούν σαφώς το πνεύμα του χρόνου, έναν τόσο αλλοδαπό δάσκαλο, αλλά ακούει η δική του απογοήτευση στη γύρω πραγματικότητα. Σε ορισμένα έργα αυτών των ετών, το αντίθετο από τα προσωπικά συναισθήματα του παλιού καλλιτέχνη, ο οποίος έχει χάσει την πρώην δόξα και που έχει ήδη δει το τέλος της διαδρομής του.
Δύο χρόνια πριν από το θάνατο, το 1664, οι HALS γράφτηκαν από πορτρέτα των Regents και υποδοχές (Trustees) του καταφυγίου Harlemian για τους ηλικιωμένους.
Στο "Πορτρέτο του Regent", ο καθένας συνδυάζει μια αίσθηση απογοήτευσης και μοίρας. Δεν υπάρχει ζωτικότητα στον αντιβασιλέα, όπως στην πρώιμη ομάδα πορτρέτων των hals. Ο ένας μόνος, ο καθένας υπάρχει από μόνη της. Οι μαύροι τόνοι με κοκκινωπό ροζ λεκέδες δημιουργούν μια τραγική ατμόσφαιρα.
Σε ένα άλλο συναισθηματικό κλειδί, επιλύθηκε το "πορτρέτο της Regentsh". Σε σχεδόν ακίνητα σφάλματα αποθήκευσης, οι κύριες αρχές αισθάνονται, και ταυτόχρονα, σε όλους τους, σε όλους τους ζουν βαθιά κατάθλιψη, αίσθημα ανικανότητας και απελπισίας ενάντια στον επικείμενο θάνατο.
Μέχρι το τέλος των ημερών, οι HAL διατηρούσαν τον ατιμοφόθρο της ικανότητάς του, και η τέχνη του ογδόντα χρονών ζωγράφος έλαβε διείσδυση και δύναμη.
6. Rembrandt Wang Rine
Το Rembrand (1606-1669) είναι ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος του χρυσού αιώνα της ολλανδικής ζωγραφικής. Γεννήθηκε στο Leiden το 1606. Για την καλλιτεχνική εκπαίδευση, ο καλλιτέχνης κινείται στο Άμστερνταμ και εισέρχεται στο εργαστήριο του Peter Lastman και στη συνέχεια επιστρέφει στο Leiden, όπου το 1625 ξεκινά μια ανεξάρτητη δημιουργική ζωή. Το 1631, η Rembrandt τελικά μετακόμισε στο Άμστερνταμ και η υπόλοιπη ζωή του πλοιάρχου συνδέεται με αυτή την πόλη.
Η δημιουργικότητα του Rembrandt, που εμπίπτει στη φιλοσοφική κατανόηση της ζωής και του εσωτερικού κόσμου του ανθρώπου. Αυτή είναι η κορυφή της ανάπτυξης της ολλανδικής τέχνης του XVII αιώνα. Η καλλιτεχνική κληρονομιά του Rembrandt διακρίνεται από την ποικιλία των ειδών. Έγραψε πορτρέτα, ακόμα ζωντανά, τοπία, σκηνές είδους, ζωγραφιές σε ιστορικά, βιβλικά, μυθολογικά θέματα. Αλλά το μεγαλύτερο βάθος του καλλιτέχνη επιτυγχάνεται τα τελευταία χρόνια της ζωής του. Το Uffus έχει τρία έργα του Μεγάλου Διευθυντή. Αυτό το αυτοπροσωπογραφία στη νεολαία του, ένα αυτοπροσωπογραφία σε ηλικιωμένη ηλικία, το πορτρέτο του γέρου (ραβίνος) σε πολλά αργότερα εργάζεται ο καλλιτέχνης βυθίζεται ολόκληρη την επιφάνεια του καμβά το σούρουπο, εστιάζοντας την προσοχή του θεατή στο πρόσωπο .
Αυτό απεικονίστηκε από το Rembrandt ηλικίας 23 ετών.
Η περίοδος μετακίνησης στο Άμστερνταμ σημειώθηκε στη δημιουργική βιογραφία του Rembrandt δημιουργώντας πολλούς enudes ανδρών και γυναικών
Το 1653, η εμπειρία των υλικών δυσκολιών, ο καλλιτέχνης μεταβίβασε σχεδόν όλη την περιουσία του στον γιο του Τίτου, μετά την οποία δήλωσε το 1656 στην πτώχευση. Μετά την πώληση του σπιτιού και της περιουσίας, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στα περίχωρα του Άμστερνταμ, στην εβραϊκή συνοικία, όπου πέρασε το υπόλοιπο της ζωής του. Το πλησιέστερο σε αυτόν σε αυτά τα χρόνια, προφανώς, Τίτλος, επειδή Οι εικόνες του είναι πολύ πολλές. Ο θάνατος του Τίτου το 1668 έγινε ένα από τα τελευταία χτυπήματα της μοίρας. Ο ίδιος δεν ήταν ένα χρόνο αργότερα. "Ματθαίος και Άγγελος" (1661). Ίσως το μοντέλο του αγγέλου ήταν ο τιτός.
Οι τελευταίες δύο δεκαετίες της ζωής του Rembrandt ήταν η κορυφή της δεξιότητάς του ως πορτοκαλί. Τα μοντέλα είναι σύντροφοι του καλλιτέχνη (Nicholas Breing
7. Vermeer Delftan Yang
Ολλανδική ζωγραφική ζωγραφική
Vermeer Delftsky Yang (1632-1675) - Ολλανδικός ζωγράφος, ο μεγαλύτερος πλοίαρχος του ολλανδικού είδους και της ζωγραφικής τοπίου. Εργάστηκε Vermeer στο Delft. Καθώς ένας καλλιτέχνης επηρεάστηκε από την τραγικά πέθανε στην έκρηξη της αποθήκης σκόνης του Karel Fabrichus.
Οι εικόνες της πρώιμης Vermeer έχουν υψόμετρο εικόνων ( Ο Χριστός στο Matern και Mary ). Το έργο του Master of Genre Painting Peter de Hooch ήταν μια ισχυρή επιρροή στο έργο του Vermeer. Το στυλ αυτού του ζωγράφου στο μέλλον βρίσκει ανάπτυξη στις εικόνες του Vermeer.
Από το δεύτερο μισό της δεκαετίας του '50, η Vermeer έγραψε μικρούς πίνακες με ένα ή περισσότερα στοιχεία στο ασημένιο φως του σπιτιού του σπιτιού ( Κορίτσι με μια επιστολή Καρύδα γάλακτος ). Στα τέλη της δεκαετίας του '50, η Vermeer δημιούργησε δύο αριστουργήματα τοπίου ζωγραφικής: μια ειλικρινή εικόνα Τέντωμα με λαμπερά, φρέσκα, καθαρά, χρώματα και ζωγραφική Άποψη της πόλης της Δελφών . Στη δεκαετία του '60, το έργο του Vermeer γίνεται πιο εξευγενισμένο και η ζωγραφική είναι κρύα. ( Κορίτσι με μαργαριτάρι σκουλαρίκι).
Στα τέλη της δεκαετίας του '60, ο καλλιτέχνης απεικονίζεται συχνά πλούσια επιπλωμένα δωμάτια, όπου οι κυρίες και οι κάτοχοι είναι μυαλοποιημένοι και μολύβουν γλυπτικές συνομιλίες.
Τα τελευταία χρόνια της ζωής του Vermeer, η οικονομική του κατάσταση έχει επιδεινωθεί σε μεγάλο βαθμό. Η ζήτηση για ζωγραφιές έπεσε απότομα, ο ζωγράφος αναγκάστηκε να λάβει δάνεια για να τροφοδοτήσει έντεκα παιδιά και άλλα μέλη της οικογένειας. Πιθανώς, επιταχύνθηκε η προσέγγιση του θανάτου. Δεν είναι γνωστό τι συνέβη - οξεία ασθένεια ή κατάθλιψη λόγω χρηματοδότησης, αλλά θαμμένο Vermeer το 1675 στην οικογένεια κρύπτη στο Delft.
Η ατομική τέχνη του Vermeer μετά το θάνατο δεν αξιολογήθηκε από τους σύγχρονους. Το ενδιαφέρον γι 'αυτόν αναβιώθηκε μόνο στο XIX αιώνα, χάρη στις δραστηριότητες της καλλιτεχνικής κριτικής και του ιστορικού της τέχνης του Etienne Theophile Tore, ο οποίος "άνοιξε" το Vermeer για το ευρύ κοινό.
συμπέρασμα
Η έκκληση στην πραγματική πραγματικότητα συνέβαλε στην επέκταση των καλλιτεχνικών δυνατοτήτων της τέχνης της Ολλανδίας, εμπλουτίστηκε το θέμα του είδους. Εάν, πριν από το XVII αιώνα, τα βιβλικά και μυθολογικά θέματα είχαν μεγάλη σημασία στις ευρωπαϊκές εικαστικές τέχνες και τα άλλα είδη αναπτύχθηκαν ασθενώς, στη συνέχεια στην ολλανδική τέχνη, ο λόγος μεταξύ των ειδών αλλάζει απότομα. Εμφανίζεται με την άνοδο τέτοιων ειδών ως: Οικιακό είδος, πορτραίτο, τοπίο, νεκρή φύση. Τα βιβλικά και μυθολογικά οικόπεδα στην ολλανδική τέχνη χάνουν σε μεγάλο βαθμό τις πρώην μορφές ενσάρκωσης και τώρα αντιμετωπίζονται ως οικιακές ζωγραφιές.
Με όλα τα επιτεύγματα, η ολλανδική τέχνη έφερε και τα δύο συγκεκριμένα χαρακτηριστικά των περιορισμών - ένας στενός κύκλος οικόπεδων και μοτίβων. Ένα άλλο μείον: Μόνο μερικοί δάσκαλοι προσπάθησαν να βρουν στα φαινόμενα τη βαθιά βάση τους.
Αλλά σε πολλές σύνθετες ζωγραφιές, τα πορτρέτα των εικόνων είναι του βαθύτερου χαρακτήρα και τα τοπία δείχνουν αληθινή και πραγματική φύση. Έγινε ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα της ολλανδικής τέχνης. Έτσι, οι ζωγράφοι έκαναν μια μεγάλη ανακάλυψη στην τέχνη, καταφέρνουν μια δύσκολη και δύσκολη ικανότητα να γράφουν εικόνες του εσωτερικού κόσμου του ανθρώπου και των εμπειριών.
Εξέταση μου έδωσε την ευκαιρία να δοκιμάσω τις δημιουργικές ικανότητές σας, να αναπληρώσετε το απόθεμα θεωρητικών γνώσεων, να μάθετε πιο βαθιά για τους ολλανδούς καλλιτέχνες και τα έργα τους.
Διδασκαλία
Χρειάζεστε βοήθεια για να μελετήσετε τι θέματα γλώσσας;
Οι ειδικοί μας θα συμβουλεύουν ή θα έχουν υπηρεσίες διδασκαλίας για το αντικείμενο ενδιαφέροντος.
Στείλτε ένα αίτημα Με το θέμα τώρα, για να μάθετε για τη δυνατότητα λήψης διαβουλεύσεων.
Με τον εορτασμό του αστικού κτιρίου και τον καλινισμό της βύνης της μνημειακής διακοσμητικής και της εκκλησιαστικής τέχνης στην Ολλανδία κατέρρευσε. Καθήκοντα για τη ζωγραφική των παλατιών και των κάστρων, που βάζουν μπαρόκ καλλιτέχνες σε μονάρχες, σχεδόν δεν είχαν θέσεις στην Ολλανδία. Η αριστοκρατία ήταν πολύ αδύναμη για να εξασφαλίσει την ύπαρξη μιας μεγάλης διακοσμητικής τέχνης. Ο Calvinism, από την άλλη πλευρά, ήταν ενάντια στους πίνακες στους ναούς του.
Η ζήτηση για έργα ζωγραφικής ήταν εντούτοις εξαιρετικά μεγάλη. Περπάτησε το πλεονέκτημα των ατόμων και, επιπλέον, σε μεγάλο βαθμό από τους κύκλους που δεν είχαν μεγάλη προσφορά υλικών. Αναπτύσσει και γίνεται κυρίαρχο είδος μικρών έργων ζωγραφικής που έχει σχεδιαστεί για να κρεμάσει σε μέτριους χώρους. Μαζί με τις παραγγελίες, οι πίνακες εμφανίστηκαν ακόμη πιο συχνά για την αγορά τέχνης και το εμπόριο ήταν ευρέως διαδεδομένο. Η μεγάλη ζήτηση για τις ζωγραφιές οδήγησε τεράστια προϊόντα και λόγω της υπερπαραγωγής τους, πολλοί καλλιτέχνες έπρεπε να δουν, εκτός από το άμεσο επάγγελμά τους, άλλες πηγές ύπαρξης. Οι εξωκρεμένοι ζωγράφοι συχνά αποδειχθούν στους κηπουροί, τότε οι έμποροι των αντιπροσώπων, στη συνέχεια οι υπάλληλοι (Γκογκέν, τοίχοι, Gobbema κ.λπ.).
Όσον αφορά τα θέματα και τις οπτικές τεχνικές στην ολλανδική ζωγραφική του 17ου αιώνα, η αρχή του ρεαλισμού κυριαρχεί πλήρως. Ο καλλιτέχνης απαιτούσε κυρίως από την ειλικρινή διαβίβαση εξωτερικών μορφών της γύρω ζωής σε όλη την ποικιλία των φαινομένων της.
Η σημασία της προσωπικότητας στη νέα αστική κοινωνία είχε τη συνέπεια της την εξαιρετικά διανομή του πορτρέτου. Μια μακρά περίοδος πάλης, όπου ο νικητής αισθάνθηκε τη δύναμή του, συνέβαλε στη διαδικασία αυτή. Ο κύριος ρόλος που διαδραματίζουν οι διαφορετικοί οργανισμοί και πρώτα απ 'όλα οι κοινωνίες τουφέκι, προκάλεσαν ειδικό τύπο δημόσιου πορτρέτου, το οποίο παίρνει ευρεία ανάπτυξη και γίνεται ένα από τα συγκεκριμένα φαινόμενα της ολλανδικής ζωγραφικής. Μετά τα πολυάριθμα ομαδικά πορτρέτα των σκοπευτών, υπάρχει παρόμοια φύση ενός ομίλου εκπροσώπων ορισμένων εμπορικών εργαστηρίων, οι εταιρείες ιατρών (η λεγόμενη "ανατομία"), οι διαχειριστές είναι άγριος.
Οι τάσεις αντίστασης που εισάγουν εισβολείς επιδεινώνουν το εθνικό συναίσθημα. Από την τέχνη άρχισε όχι μόνο την αλήθεια - θα έπρεπε να είχε απεικονιστεί, λαϊκούς ανθρώπους και η κατάσταση της σημερινής ημέρας, οι ασυνήθιστες φωτογραφίες της μητρικής τους φύσης, όλη η συνείδηση \u200b\u200bυπερήφανη και τι χρησιμοποιήθηκε για να δει το μάτι: τα πλοία, τα όμορφα βοοειδή, τα όμορφα βοοειδή, τα όμορφα βοοειδή, Αφθονία του σκύλου, των λουλουδιών. Το είδος, το τοπίο, οι ζωικές εικόνες και η νεκρή φύση έγιναν κυρίαρχα είδη θεμάτων. Μια θρησκευτική ζωγραφική που απορρίφθηκε από την προτεσταντική εκκλησία δεν αποκλείστηκε, αλλά δεν παίζει σημαντικό ρόλο και απέκτησε έναν εντελώς διαφορετικό χαρακτήρα από ό, τι στις χώρες της ιδιοκτησίας του καθολικισμού. Η μυστικιστική αρχή ήταν αντικατασταθεί σε αυτά με μια ρεαλιστική ερμηνεία των οικόπεδων και οι πίνακες αυτού του κύκλου απολάμβαναν το όφελος της μορφής της οικιακής ζωγραφικής. Οι σκηνές από την αρχαία ιστορία βρίσκονται ως εξαίρεση και χρησιμοποιούνται για συμβουλές σε τρέχοντα πολιτικά γεγονότα. Όπως όλη η αλληγορία, ήταν επιτυχείς σε στενούς κύκλους που συμμετείχαν σε λογοτεχνικά και ανθρωπιστικά συμφέροντα.
Ένα τυπικό χαρακτηριστικό της ολλανδικής σχολής αυτής της εποχής είναι μια στενή εξειδίκευση σε ορισμένους τύπους θεμάτων. Αυτή η εξειδίκευση οδηγεί στη διαφοροποίηση των ειδών: ορισμένοι καλλιτέχνες αναπτύσσουν σχεδόν αποκλειστικά οικιακές σκηνές από τη ζωή των μεσαίων και υψηλότερων στρωμάτων της μπουρζουαζίας, όλη η προσοχή των άλλων κατευθύνεται προς τη ζωή των αγροτών. Μεταξύ των παικτών τοπίου, πολλοί με δυσκολία μπορούν να βρουν κάτι διαφορετικό από τις πεδιάδες, τα κανάλια, τα χωριά και τα βοσκοτόπια. Άλλοι είναι ενθουσιασμένοι με δασικά μοτίβα, άλλοι ειδικεύονται στην εικόνα της θάλασσας. Οι ολλανδοί καλλιτέχνες δεν έθεσαν μόνο μια ακριβή μεταφορά των απεικονιζόμενων αντικειμένων και φαινομένων, αλλά προσπαθούν να δώσουν την εντύπωση του χώρου, καθώς και τον αντίκτυπο στις μορφές περιβλήσεως της ατμόσφαιρας και του φωτός τους. Το πρόβλημα της μετάδοσης του φωτός και του αέρα είναι μια κοινή και κύρια γραφική αναζήτηση για το ολλανδικό σχολείο του 17ου αιώνα. Έτσι, η ζωγραφική αποκτά ακούσια την αρχή της συναισθηματικότητας, προκαλώντας ορισμένα συναισθήματα από το κοινό.
Το πρώτο τρίμηνο του 17ου αιώνα είναι για τη ζωγραφική της Ολλανδίας κατά τη μεταβατική περίοδο, όταν μόνο τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά δεν έχουν ακόμη λάβει την πλήρη ανάπτυξή τους. Από τη θεματική πλευρά, οι κύριοι τύποι ολλανδικής ζωγραφικής - τοπίο και ζωή - ενώ είναι σχετικά λίγες διαφοροποιημένες. Και τα στοιχεία του είδους και του τοπίου στους πίνακες αυτού του χρόνου είναι συχνά ισοδύναμες. Σε εικόνες καθαρά ειδών, υπάρχουν πολλές συμβάσεις τόσο στη συνολική κατασκευή του τοπίου όσο και της γεύσης.
Μαζί με τις συνεχιζόμενες ζωντανές τοπικές ρεαλιστικές παραδόσεις, η Ιταλία επηρεάζεται έντονα από την Ιταλία, ιδίως τόσο τις γλωσσικές ροές όσο και την ρεαλιστική τέχνη του Caravaggio. Ο τυπικός εκπρόσωπος της τελευταίας κατεύθυνσης ήταν ο Honthorst (1590-1656). Ο αντίκτυπος στα ολλανδικά εργάστηκε στις αρχές του 17ου αιώνα από τον γερμανό καλλιτέχνη Adam Elsheimer (1578-1610) είναι επίσης πολύ αισθητή. Ο ρομαντισμός της ερμηνείας εκείνων που επιλέγονται από τη Βίβλο ή από την αρχαία λογοτεχνία, καθώς και το γνωστό προσανατολισμό (έλξη προς την Ανατολή), η οποία εκφράστηκε στην επιλογή των τύπων, των ρόμπων και άλλων εξαρτημάτων, συνδυάζονται στο έργο του με αυξημένη επιθυμία για διακοσμητικά εφέ. Ως ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης αυτής της ομάδας, ο Peter Lastman ορίστηκε (1583-1633).
Γαλλία Hals. Την πρώτη φορά από τον καλλιτέχνη, με το έργο της οποίας το Ολλανδικό Σχολείο εισέρχεται σε μια περίοδο πλήρους ακμή, είναι ο Frans Hals (περίπου 1580-1666). Η δραστηριότητά του κρατήθηκε σχεδόν εξ ολοκλήρου στο Harlem. Εδώ για περίπου 1616, παρουσιάζεται ως το προηγμένο μεγαλύτερο πορτρέτο και διατηρεί το ρόλο της σε αυτόν τον τομέα μέχρι το τέλος της ζωής. Με την εμφάνιση των hals αυστηρά ρεαλιστικά και έντονα ατομικά ολλανδικά πορτρέτα φτάνουν τη λήξη. Όλα τα δειλά, μικρά, φυσουνιστικά, διακρίνοντας τους προκατόχους του ξεπεραστούν.
Η αρχική φάση της τέχνης των hals δεν διευκρινίζεται. Βλέπουμε αμέσως τον πλοίαρχο αποφασιστικό για το γονικό πορτρέτο πρόβλημα. Γράφει ένα μετά από μια άλλη εικόνα που απεικονίζει τα βέλη της εταιρείας του Αγίου Αγίου Adriana και St. Ο Γιώργος (Garlem, Μουσείο της Γαλλίας HALS), όπου μια γεμάτη πολλαπλασιασμένη συναρμολόγηση και η φωτεινότητα καθενός από αυτά τα παρόντα διαβιβάζονται επίσης με μια απλή ευκολία. Η γραφική ικανότητα και η σύνθετα επινοητικότητα των ομάδων πάνε σε αυτά τα πορτρέτα χέρι με την εξαιρετική ευκρίνεια. Οι HALs δεν είναι ψυχολόγος: τα μοντέλα του συνήθως περνούν γι 'αυτόν. Και γράφει για το μεγαλύτερο μέρος των ανθρώπων των οποίων ολόκληρη η ζωή προχωρά σε συνθήκες έντονης, ενεργών δραστηριοτήτων, αλλά όχι πολύ εμβάπτιση ψυχολογικής τάξης. Αλλά ο Hals, όπως κανείς, κανείς, αγγίζει την εμφάνιση αυτών των ανθρώπων, ξέρει πώς να αρπάξει το πιο φευγαλέα, αλλά ταυτόχρονα το πιο χαρακτηριστικό της έκφρασης του προσώπου, στη στάση, σε χειρονομίες. Χαρούμενος στη φύση, επιδιώκει να συλλάβει κάθε εικόνα σε μια στιγμή αναβάτης, χαρά και κανείς με τέτοια λεπτότητα και ποικιλία, όπως αυτός, δεν περνάει το γέλιο. Πορτρέτο ενός αξιωματικού (1624, Λονδίνο, συλλογή wallace), ταλαντεύεται στην καρέκλα "gytegeaisen" (τέλος της 1630, Βρυξέλλες, γκαλερί τέχνης), "τσιγγάνος" (τέλος του 1620, του Λούβρου), ή το λεγόμενο "Harlem Η μάγισσα "- Mallet Bobbe (Βερολίνο) μπορεί να καλείται ως χαρακτηριστικά παραδείγματα της οξείας και συχνά άσχημης τέχνης. Άνδρες, γυναίκες, παιδιά απεικονίζονται από αυτόν με την ίδια αίσθηση μιας ζωντανής εικόνας ("Πορτρέτο ενός νεαρού άνδρα με ένα γάντι", περίπου 1650, Ερμιτάζ). Η ίδια η τεχνική των hals συμβάλλει στην εντύπωση της ζωντάνια, ασυνήθιστα ελεύθερης και αυξανόμενης κατά τη διάρκεια των ετών στο γεωγραφικό πλάτος του. Η διακοσμητική χρώματα της πρώιμης εργασίας πέθανε στη συνέχεια, η γεύση γίνεται ασήμι, η ελευθερία ιδιοκτησίας των ασπρόμαυρων τόνων μιλάει για την ικανότητα που μπορεί να αντέξει οικονομικά να προσφέρει τολμηρές γραφικές δωρεές. Σε ορισμένα έργα, προγραμματίζονται οι ιμπρεσιονιστικές τεχνικές. Οι HALs γράφουν αμέτρητα ατομικά πορτρέτα μέχρι τα τελευταία χρόνια της ζωής, αλλά το Cums και πάλι από ομαδικά πορτρέτα. Γενικευμένη από το χρώμα, ανακαλύπτοντας την ανώτερη αδυναμία του χεριού στο σχήμα, παραμένουν εντούτοις εξαιρετικά εκφραστικές. Οι χαρακτήρες τους αντιπροσωπεύουν ομάδες πρεσβυτέρων (1664, Harlem, Μουσείο της Γαλλίας Hals), όπου ο ογδόντα χρονών καλλιτέχνης βρήκε τον τελευταίο καταφύγιο. Η τέχνη του ήταν πολύ προχωρήσει στην εποχή του για να εξασφαλίσει την υλική επιτυχία στο περιβάλλον της τότε αστικής κοινωνίας.
Rembrandt. Η παραγωγή είναι αργότερα από τους HAL, στο πλαίσιο ενός εγκεκριμένου Ολλανδικού ρεαλισμού αναπτύσσεται από ένα γιγαντιαίο σχήμα Rembrandt (1606-1669). Η δημιουργικότητά του είναι η μεγαλύτερη υπερηφάνεια της Ολλανδίας, αλλά η σημασία αυτού του πλοιάρχου δεν περιορίζεται στο πλαίσιο μιας εθνικότητας. Ο Rembrandt αντιπροσωπεύεται από έναν από τους μεγαλύτερους ρεαλιστές καλλιτέχνες όλων των εποχών και ταυτόχρονα ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους της ζωγραφικής.
Ο Rembrandt βλάπτει τον Wang Rhine γεννήθηκε το 1606 στο Leiden και ήταν ο γιος του ευημερούσου ιδιοκτήτη του αλευριού. Ανακάλυψε νωρίς την έλξη στη ζωγραφική και μετά από μια σύντομη διαμονή στο Πανεπιστήμιο Leiden δόθηκε εντελώς στην τέχνη. Μετά την ολοκλήρωση της συνήθους τριετούς περιόδου κατάρτισης, η Rembrandt πήγε να βελτιωθεί στο Άμστερνταμ, το οποίο έγινε φοιτητής του Lastman. Έχοντας μάθει πολλές τεχνικές του τελευταίου, αντιληφθεί και η επιρροή της ρεαλιστικής κατεύθυνσης του καραβαρδιστή.
Επιστρέφοντας στο Leiden, η Rembrandt άρχισε να εργάζεται ως ανεξάρτητος δάσκαλος, είχε μεγάλη επιτυχία και αυτή η επιτυχία τον ώθησε να μετακομίσει στο Άμστερνταμ, όπου εγκαταστάθηκε από το 1631. Εδώ η Rembrandt πολύ σύντομα έγινε ένας μοντέρνος καλλιτέχνης, γεμάτος με παραγγελίες και περιβάλλεται από πολλούς φοιτητές. Ταυτόχρονα, αποκαλύφθηκε και ο πιο λαμπρός χρόνος στην προσωπική του ζωή.
Το 1634 παντρεύτηκε ένα νεαρό κορίτσι του Sasquia Wang-Unenena Borg, που ανήκουν στο ορατό αστικό επώνυμο του Άμστερνταμ και τον έφερε στο Dowry Major State. Αυξήθηκε ο ήδη αυξανόμενος πλούτος του ευημερούντος πλοιάρχου, τον πρότεινε με υλική ανεξαρτησία και ταυτόχρονα επέτρεψε το πάθος για τη συλλογή έργων τέχνης και όλα τα είδη αντίκες.
Ήδη κατά τη διάρκεια της παραμονής του Rembrandt στο Leiden και ειδικά μετά τη μετεγκατάσταση στο Άμστερνταμ, τα κύρια χαρακτηριστικά της τέχνης του επηρεάζουν με όλη τη βεβαιότητα. Ο κύκλος των εικόνων του καλύπτει τις θρησκευτικές ιστορίες, την ιστορία, τη μυθολογία, το πορτραίτο, το είδος, τον ζωικό κόσμο, το τοπίο, τη νεκρή φύση. Το επίκεντρο του Rembrandt εξακολουθεί να έχει ένα άτομο, ψυχολογικά σωστή μετάδοση χαρακτήρων και ψυχικών κινήσεων. Αυτό το ενδιαφέρον για τα ψυχολογικά προβλήματα εκδηλώνεται σε αμέτρητα πορτρέτα, καθώς και στα αγαπημένα βιβλικά θέματα Rembrandt, δίνοντάς του έναν επιθυμητό λόγο για την εικόνα των ανθρώπινων σχέσεων και χαρακτήρων. Το υπέροχο καταπληκτικό δώρο της αφήγησης επιτρέπει να φέρει το κοινό όχι μόνο την εκφραστικότητα των εικόνων, αλλά και την ανασταλτική από την κατάθεση του επιλεγμένου οικόπεδο.
Rembrandt Εικόνες ανιχνεύουν βαθιά ρεαλιστική κατανόηση των καθηκόντων της τέχνης. Συνεχώς μελετά τη φύση και έντονα κοιτάζει σε όλες τις μορφές της γύρω πραγματικότητας. Η προσοχή του προσελκύεται από τα πάντα σε αυτό που ο χαρακτήρας προφέρεται: η έκφραση ανθρώπων, χειρονομίες, κινήσεις, κοστούμια. Διορθώνει τις παρατηρήσεις του σε σχέδια, στη συνέχεια στους γραφικούς etudes. Οι τελευταίοι είναι κυρίως στην πρώιμη περίοδο. Η αποκτηθείσα γνώση της μορφής και η εκφραστικότητα της αποτελεί αναπόσπαστο μέρος όλων των σύνθετων έργων του Rembrandt και τους ενημερώνει μια εξαιρετική ειλικρίνεια.
Παράλληλα με την επιδείνωση της προσοχής στην ουσία των φαινομένων, η Rembrandt απορροφάται εξ ολοκλήρου σε καθαρά γραφικά προβλήματα και κυρίως το πρόβλημα του φωτισμού. Η μοναδικότητα και η ικανότητα των αποφάσεών της τον έφεραν τη δόξα του μεγαλύτερου ζωγράφου. Η πολυπλοκότητα του LEMBRANDT LIGHT σε συνδυασμό με χρωματιστικά αποτελέσματα είναι μια υψηλή καλλιτεχνική αξία στις ζωγραφιές των δασκάλων. Αλλά αυτή δεν είναι μόνο αυτοδύναμη διακοσμητική αξία. Η ερμηνεία της Rembrandta των επιπτώσεων φωτισμού είναι ταυτόχρονα ένα από τα κύρια μέσα αναγνώρισης της φύσης των εικόνων. Η σύνθεσή του βασίζεται στην αναλογία φωτιζόμενων και σκιών. Η διανομή τους που διαθέτει κάποιες μορφές και η συρρίκνωση άλλων προσελκύει την προσοχή του θεατή σε αυτό που είναι ιδιαίτερα απαραίτητο για την αφήγηση ή τα χαρακτηριστικά και έτσι ενισχύει την εκφραστικότητα. Η γραφική πλευρά συνδέεται οργανικά με το περιεχόμενο.
Η καλλιτεχνική δραστηριότητα του Rembrandt από την αρχή μέχρι το τέλος είναι αμφισβητήσει με εσωτερική ενότητα. Αλλά η δημιουργική του πορεία του σάς επιτρέπει να διακρίνετε μεταξύ ορισμένων σαφώς προφέρονται στάδια που χαρακτηρίζονται από κάποια συγκεκριμένα χαρακτηριστικά.
Μετά από χρόνια μαθητείας και τα πρώτα ανεξάρτητα βήματα, ένα τόσο νέο στάδιο είναι το 1630s. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Rembrandt είναι ισχυρή, αφενός, τα ρομαντικά στοιχεία και η φαντασία, από την άλλη - τα επίσημα χαρακτηριστικά της μπαρόκ τέχνης. Η εντύπωση της μυθοπλασίας προκαλείται κυρίως από την επίδραση του φωτισμού, μακριά από πάντα εξαρτάται από μια συγκεκριμένη πηγή, αλλά δημιουργείται από την ακτινοβολούμενη ικανότητα των ίδιων των αντικειμένων. Για τις μπαρόκ τάσεις της τέχνης Rembrandt αυτής της περιόδου, την πρωτοβουλία της καλλιτεχνικής γλώσσας, του δυναμισμού και του πάους των συνθέσεων, εν μέρει, την ευκρίνεια της γεύσης. Σε αυτό το στάδιο, η Rembrandt είναι συνεχώς η τάση για τη θεατρική χρήση των εικόνων, προωθώντας τους δασκάλους να γράψουν τον εαυτό του και τα στενά τοποθετημένα σε καταπράσινα αδιάβροχη, κράνη, στρουπάδες, μπερέ ή απεικονίζουν τη Σασκοβιαία με τη μορφή βιβλικών ηρωμάτων, τότε μια αρχαία θεά.
Σε προσαρμοσμένο πορτρέτο, είναι κατάλληλο, φυσικά, διαφορετικά. Τα χαρακτηριστικά διακρίνουν τη ζωντάνια τους, την ικανότητα σχηματισμού μορφών, την αναζήτηση της κομψότητας και ταυτόχρονα, η περίφημη αυστηρότητα δικαιολογεί τη δόξα της ως πορτραίτο. Ένα πορτρέτο της ομάδας που είναι γνωστό ως η "ανατομία του Tulip" (1632, η Χάγη, η Μαυρίτς,), όπου η ικανότητα να ενώσει την προσοχή των ανθρώπων στη διάλεξη, διαβάζεται από μια tulite σε ένα ανατομικό τραπέζι, ενώθηκε από τα χαρακτηριστικά, ήταν η πρώτη ιδιαίτερα δυνατή επιτυχία του Rembrandt.
Με την ακραία αφθονία των πορτραίτων που πέφτουν κατά την εξεταζόμενη δεκαετία, το Rembrandt βρήκε χρόνο για μια συναρπαστική σκέψη, αφηγηματική ζωγραφική. "Άγγελος που εγκαταλείπει την οικογένεια των Τόμων" (1637, Λούβρο) μπορεί να χρησιμεύσει ως παράδειγμα των χαρακτηριστικών χαρακτηριστικών μπαρόκ αυτής της περιόδου. Το οικόπεδο δανείστηκε από τη Βίβλο, όπου η στιγμή υποβάλλεται όταν ένας άγγελος, ο οποίος βοήθησε τον γιο της Τόμνα να θεραπεύσει τον πατέρα του, αφήνει την οικογενειακή οικογένεια, είναι κορεσμένη με στοιχεία του είδους. Μια άλλη σίγουρα μια προσέγγιση γονιδιώματος στο θέμα συλλαμβάνεται στην εικόνα του Ερμιτάζ "παραβολή για τους σταθμούς" (1637). Σε αυτή την περίπτωση, η ευαγγελική παραβολή μετατρέπεται σε μια καθαρά ρεαλιστική σκηνή του υπολογισμού του πλούσιου ιδιοκτήτη με τους εργαζόμενους. Η πίστη των χειρονομιών και των εκφράσεων των ατόμων εδώ δεν είναι λιγότερο χαρακτηριστικό του Rembrandt από το γραφικό πρόβλημα της μετάδοσης του φωτός, που ρέει σε μικρά παράθυρα και χρησιμεύει στα βάθη ενός υψηλού συγκολλητικού χώρου.
Γραφική δεξιότητα και χαρακτηριστικό του Rembrandt στη δεκαετία του 1630 Greenish Golden Flave εκδηλώνεται με όλη την πληρότητα σε μια από τις πιο διάσημες εικόνες - Ερμιτάζ "Dana" (1636). Από την αίσθηση της ζωής στη μεταφορά του σώματος, σε μια χειρονομία, με την έκφραση του προσώπου, είναι ασυνήθιστα φωτεινά αποκαλυφθεί από τον ρεαλισμό της καλλιτεχνικής έννοιας του Δάσκαλου αυτή τη στιγμή της δημιουργικής ανάπτυξής του.
Από την αρχή της 1640, η δημιουργικότητα της Rembrandt συνδέει μια νέα φάση, διαρκεί μέχρι τα μέσα της επόμενης δεκαετίας. Η ανεξαρτησία της κατανόησης του πλοιάρχου των καθηκόντων της τέχνης, η επιθυμία του για την αλήθεια της βαθιάς ζωής, το ενδιαφέρον για τα ψυχολογικά προβλήματα, τα χρόνια που είχα όλο και περισσότερο, αποκάλυψε στο Rembrandte τη μεγαλύτερη δημιουργική προσωπικότητα, μακριά από τον πολιτισμό του αστική κοινωνία που το περιβάλλει. Το βαθύ περιεχόμενο της τέχνης Rembrandt ήταν το τελευταίο απρόσιτο. Ήθελε την τέχνη ρεαλιστική, αλλά πιο επιφανειακή. Η πρωτοτυπία των γραφικών τεχνικών του Rembrandt με τη σειρά του πήγε στραβά με έναν γενικά αποδεκτό προσεκτικό, κάπως στενό τρόπο της επιστολής. Καθώς οι χρόνοι του εθνικού ηρωϊκού αγώνα για την ανεξαρτησία μεταφέρθηκαν στο παρελθόν, στις προτιμήσεις του κυρίαρχου περιβάλλοντος, οι τάσεις ρυμουλκούμενα στην κομψή και γνωστή εξιδανικοποίηση της εικόνας. Η δυσφορία των απόψεων της Rembrandt, υποστηριζόμενη από την υλική του ανεξαρτησία, τον οδήγησε σε μια πλήρη ασυμφωνία με την κοινωνία. Αυτό το κενό με το αστικό μέσο που επηρεάζεται με όλη τη βεβαιότητα λόγω της τάξης του κύριου ενός μεγάλου ομίλου πορτρέτου της συντεχνίας των σκοπευτών του Άμστερνταμ. Η εικόνα (1642, το Άμστερνταμ), που εκτελείται ως αποτέλεσμα αυτής της εντολής, δεν ικανοποίησε τους πελάτες και παρέμεινε ακατανόητους ακόμη και καλλιτεχνικούς κύκλους. Αντί για μια περισσότερο ή λιγότερο συνηθισμένη ομάδα πορτραίτου, η Rembrandt έδωσε μια εικόνα των ομιλιών της ένοπλης ομάδας, που οδηγεί τους ήχους του τυμπάνου πίσω από τους ηγέτες του. Χαρακτηριστικό πορτρέτου που απεικονίζεται υποχώρησε στο παρασκήνιο πριν από τη δυναμική της σκηνής. Η ευρέως σχεδιασμένη ζωγραφική των αντιθέσεων του φωτισμού ανέφερε μια εικόνα ενός ρομαντικού χαρακτήρα, τον όρο και το όνομά της - "νυχτερινό ρολόι".
Η σύγκρουση με το κυρίαρχο μέσο και η απότομη λόγω αυτής της πτώσης των παραγγελιών δεν επηρέασε τη δημιουργική ενέργεια του πλοιάρχου. Επίσης, δεν επηρέασε την αλλαγή στις οικογενειακές συνθήκες του Rembrandt, ο οποίος έχασε την αγαπημένη του σύζυγο, ο οποίος είχε μια μόνιμη εμπνευσμένη των γυναικών εικόνων του, δεν αντανακλάται σε αυτό. Λίγα χρόνια αργότερα η θέση της καταλαμβάνει ένα άλλο. Εμφανίζεται πρώτα στον ταπεινό ρόλο του υπαλλήλου, ο Gendrick Stoffels γίνεται τότε η πιστή φίλη της ζωής του Δασκάλου και τον παρέχει η ειρήνη και η σιωπή της οικογενειακής άνεσης.
Η επόμενη περίοδος ήταν ευνοϊκή για την ανάπτυξη της τέχνης του Rembrandt. Η νεολαία του Ζαντόρ εξαφανίζεται από το έργο του. Γίνεται συγκεντρωμένη, ισορροπημένη και ακόμη πιο βαθιά. Η πολυπλοκότητα των συνθέσεων και του PATOS αντικαθίσταται από την απλότητα. Η ειλικρίνεια των συναισθημάτων δεν παραβιάζεται από την αναζήτηση εξωτερικών επιδράσεων. Το πρόβλημα του φωτισμού εξακολουθεί να κατέχει τους δασκάλους. Ο χρωματισμός γίνεται ζεστός. Οι χρυσοί κίτρινοι και οι κόκκινοι τόνοι το κυριαρχούν. Θρησκευτική στη φύση του θέματος, αλλά καθαρά είδος στην ερμηνεία του οικοπέδου, η εικόνα του Ερμιτάζ "Ιερή Οικογένεια" (1645) είναι εξαιρετικά χαρακτηριστική αυτού του χρόνου.
Μαζί με τις βιβλιολογικές συνθέσεις του είδους, αυτή η περίοδος είναι γεμάτη με μια νέα εικόνα της εικόνας της πραγματικότητας - τοπίων για το Rembrandta. Έχοντας δώσει σε ορισμένες περιπτώσεις να φοβηθείτε στους ρομαντικούς επιχειρηματίες τους, δημιουργεί μαζί με αυτό να συναρπάζει τον αυστηρό ρεαλισμό της προσέγγισης προσκόλλησης ενός μηδενικού ολλανδικού χωριού. Μικρή "Winter View" (1646, Kassel), υπό το πρίσμα μιας σαφούς παγωμένης ημέρας, της αγροτικής αυλής και αρκετών αριθμών στο Stroit του κατεψυγμένου καναλιού, σύμφωνα με τις λεπτές αποχρώσεις του αισθήματος και της ακρίβειας της οπτικής αντίληψης, χρησιμεύει ως Ένα από τα πιο τέλεια δείγματα του ρεαλιστικού τοπίου των Ολλανδών.
Στο Πορτραίτο, το Rembrandt είναι τώρα δωρεάν όταν επιλέγετε μοντέλα και γράφει το όφελος ενός ατόμου με έντονη ατομικότητα. Πρόκειται κυρίως μεγαλύτερης ηλικίας και αετών-Εβραίων. Αλλά με την ίδια ευκρίνεια, αποδεικνύεται ότι είναι σε θέση να μεταφέρει τη γοητεία ενός νεαρού γυναικείου προσώπου ή γοητείας νεανικής εμφάνισης. Όλο το μικροσκοπικό είναι κατώτερο σε αυτά τα πορτρέτα των γενικευμένων, αλλά ταυτόχρονα εξαιρετική οξεία υποβολή της εικόνας. Αυτό συμβάλλει σε μεγάλο βαθμό στο αυξανόμενο γεωγραφικό πλάτος των τεχνικών τρόπων εκτέλεσης.
Παρά την εκτεταμένη και καλλιτεχνική αξία του Rembrandt που δημιουργήθηκε κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η οικονομική κατάσταση του Rembrandt ήταν εξαιρετικά δύσκολη για τα μέσα του 1650. Λόγω της πτώσης του αριθμού των παραγγελιών, μια δύσκολη πωλήσεις έργων ζωγραφικής και, ειδικότερα, η απροσεξία του πλοιάρχου στη συμπεριφορά των υποθέσεων τους Rembrand παρουσίασε μεγάλες υλικές δυσκολίες. Το χρέος που σχετίζεται με την απόκτηση κατά τη διάρκεια της ζωής του Saskiya είναι ακριβό στο σπίτι, απειλείται με ένα πλήρες ερείπιο. Οι προσπάθειες εξόδου από το χρέος θα μπορούσαν να σταματήσουν μόνο την καταστροφή, αλλά εξακολουθεί να ξέσπασε. Το καλοκαίρι του 1656, η Rembrandt κηρύχθηκε αφερέγγυος και όλη η ιδιοκτησία του πωλήθηκε από τη δημοπρασία. Ανυψωμένο οικείο κρεβάτι, αναγκάστηκε να κινηθεί με την οικογένειά του στην φτωχή εβραϊκή συνοικία του εμπορικού κεφαλαίου και εδώ σε μια απότομη αισθητή έλλειψη των τελευταίων ημερών του.
Αυτές οι αντιξοότητες, καθώς και το ολοκληρωμένο Rembrandt, στη συνέχεια, ατυχία - ο θάνατος του Gendrik, ο θάνατος του μοναδικού γιου του Τίτου, ήταν ανίσχυρο να σταματήσουν την περαιτέρω ανάπτυξη της ιδιοφυΐας του. Το τέλος της 1650 και 1660 είναι η πιο φιλόδοξη φάση της δημιουργικότητας του Rembrandt. Αντιπροσωπεύει τη σύνθεση όλων των προηγούμενων ψυχολογικών και γραφικών αναζητήσεων. Εξαιρετική αντοχή των εικόνων, η απλότητα του σχεδιασμού, η ένταση της ζεστής γεύσης και το πεδίο της γραφικής υφής αποτελούν τα κύρια χαρακτηριστικά αυτής της περιόδου. Αυτές οι ιδιότητες εκδηλώνονται εξίσου σε πορτρέτα και σε βιβλικές συνθέσεις. Δημιουργήθηκε αυτή τη στιγμή ομάδα πορτρέτο "sindics" (πρεσβύτεροι του συννεφιασμένου καταστήματος, το 1662, το Άμστερνταμ) θεωρείται ότι θεωρείται μια από τις κορυφές της δημιουργικότητας του Rembrandt). Οξεία ψυχολογική χαρακτηριστική, η απλότητα της κατασκευής, η οποία είναι απλή από το ρυθμό των γραμμών και των μαζών, καθώς και ένα πενιχρό από την άποψη του αριθμού των χρωμάτων, αλλά το εντατικό χρώμα συνοψίζεται ολόκληρη η προηγούμενη πορεία του Rembrandt-Portraity. Στον τομέα της βιβλικής ζωγραφικής, ο ίδιος ρόλος ανήκει στην "Επιστροφή του Prodigal Son", που βρίσκεται στο Ερμιτάζ. Η σκηνή της συμφιλίωσης παραιτήθηκε στην υπογονιμότητα του γιου και του φιλικού προς τον πατέρα για την απλότητα, το δράμα και τις λεπτές αποχρώσεις της μεταβίβασης των ανθρώπινων εμπειριών παραμένει αξεπέραστη στην παγκόσμια τέχνη. Είναι δύσκολο γι 'αυτήν να βρει οτιδήποτε ίσο με τον κορεσμό του τόνου και του γεωγραφικού πλάτους της επιστολής.
Ο "Prodigal Son" είναι ένας από τους πιο πρόσφατους πίνακες από τον πλοίαρχο και, προφανώς, χρονολογείται από το 1669 - το έτος του θανάτου του Rembrandt. Αυτός ο θάνατος πέρασε εντελώς απαρατήρητη και μόνο πολλά χρόνια αργότερα, τον 18ο αιώνα, η κατανόηση της τέχνης αυτού του μεγάλου καλλιτέχνη άρχισε να αναπτύσσεται.
Η αξία του Rembrandt οφείλεται στη ζωγραφική του πλοιάρχου της τεράστιας κληρονομιάς του ως γραφικά. Όλες οι παραπάνω ιδιότητες των έργων του Rembrandt έχουν επηρεάσει τα γραφικά έργα όχι λιγότερο φωτεινά από ό, τι στη ζωγραφική και εξάλλου, τόσο στα αρχικά σχέδια όσο και στον τομέα των τυπωμένων γραφικών, χαρακτικά. Σε πρόσφατα, η Rembrandt είναι ο μεγαλύτερος πλοίαρχος της χαράς.
Για τα χαρακτηριστικά του, τα χαρακτικά δεν έχουν λιγότερη σημασία από τις ζωγραφιές. Το διακεκριμένο βάθος της ψυχολογικής ανάλυσης, ο εκφραστικός ρεαλισμός των εικόνων και η τελειότητα της ιδιοκτησίας του τεχνικού της τέχνης επηρέασε τη μακρά σειρά θαυμάσιων φύλλων, θεματικά ακόμη πιο διαφορετικό από τη ζωγραφική του πλοιάρχου. Ιδιαίτερα διάσημο ανήκουν σε "Χριστού, θεραπευτικούς ασθενείς" (το λεγόμενο "φύλλο σε εκατόλια λαβή", περίπου 1649), "Τρεις σταυρούς" (1653), πορτρέτα της LUTMA (1656), κατέρρευσε (1655), έξι ( 1647), καθώς και τοπία γνωστά ως "τρία αληθινά (1643) και" Manor "Gold Webiger" (1651).
Κανένα λιγότερο σημαντικό μέρος στη γραφική κληρονομιά του Rembrandt παίρνει φωτογραφίες. Η οξύτητα και η ιδιαιτερότητα της αντίληψης Rembrandt του γύρω κόσμου επηρέασε αυτά τα πολυάριθμα και ποικίλα φύλλα με μια ειδική δύναμη. Ο τρόπος έλξης, ως ο γραφικός τρόπος του Rembrandt, εξελίσσεται αισθητά καθ 'όλη τη δημιουργική ανάπτυξη του οδηγού. Εάν τα πρώτα σχέδια της Rembrandt λειτουργούν στις λεπτομέρειες και είναι αρκετά περίπλοκες στη σύνθεση, στη συνέχεια σε μια πιο ώριμη περίοδο, τα έκαναν με ένα φαρδιά γραφικό τρόπο, εξαιρετικά συνοπτικό και απλό. Το Rembrandt συνήθως ζωγραφίζεται με μια χήνα ή ένα στυλό και ήταν σε θέση να επιτύχει με τις πιο απλές τεχνικές εξαιρετικής εκφραστικότητας. Τα σχέδιά του, ακόμη και όταν είναι λεπτά σκίτσα κάποιου συνηθισμένου κινητήριου, είναι ένας πλήρης ακέραιος, αρκετά μετάδοση όλη την ποικιλία της φύσης.
Η τέχνη του Rembrandt στο σύνολό του παρέμεινε οι ακατανόητοι συγχρόνους. Κατά την επιτυχία της Σχολής Φοιτητών, εκ των οποίων ο Ferdinand Pain (1616-168-1680), η Herbrandan van den den, απέκτησε τη μεγαλύτερη φήμη (1621-1674) και την Art de Helder (1645-1727). Έχοντας μάθει το θέμα, τις σύνθετες τεχνικές και τους τύπους των εκπαιδευτικών, δεν πήγαν όλα τα ίδια στη ζωγραφική τους στην εξωτερική απομίμηση των δεξιώσεων Rembrandt. Η ζωντανή επιρροή του πλοιάρχου, απέναντι από αυτό, επηρεάζει σίγουρα τους πολυάριθμους παίκτες τοπίου δίπλα του - Philips Kindka (1619-1688), Domera (1622-1700) και άλλοι. Ανεξάρτητα από αυτό, η ανάπτυξη του προβλήματος του φωτός έχει γίνει ο ακρογωνιαίος λίθος για την ανάπτυξη όλων των επόμενων ολλανδικών ζωγραφικής.
Η πλήρης αναγνώριση της δημιουργικότητας του Rembrandt παίρνει, ωστόσο, μόνο τον 19ο αιώνα. Και από τώρα και στο εξής, δεν παύει να είναι ένα από τα υψηλότερα δείγματα ρεαλιστικών και ταυτόχρονα τη γραφική ενσάρκωση των εικόνων.