Ζωγραφική. Σύνδεσμος τέχνης "Κόσμος Τέχνης

Κόσμος της τέχνης

Ο κόσμος της τέχνης (1898-1924) είναι μια καλλιτεχνική ένωση που σχηματίζεται στη Ρωσία
Στα τέλη του 1890. Το ίδιο όνομα δημοσιεύθηκε ένα περιοδικό που δημοσιεύθηκε από το 1898
μέλη της ομάδας.

ΕΝΑ. Μπενουά μεταξύ καλλιτεχνών. Αυγούστου 1898

Κόσμος τέχνης - μηνιαία εικονογραφημένα έργα τέχνης, βγήκε στην Αγία Πετρούπολη
από το 1898 έως το 1904, εξ ολοκλήρου αφιερωμένο στην προώθηση του έργου των ρωσικών συμβολιστών και
Η εξουσία του ίδιου ονόματος είναι "ο κόσμος της τέχνης" και οι συμβολιστές συγγραφείς.

Εκδότες - Πριγκίπισσα Μ. Κ. Τενεϊσίας και Σ. Ι. Μαμούθ, ο συντάκτης ήταν ο S. P. Dyagilev;
Από το 1902, ο εκδότης έγινε DYAGILEV. Από τον αριθμό 10 για το 1903 ο συντάκτης ήταν επίσης
Α. Ν. Μπενουά.

Περιοδικό καλύμματος για το 1901 Benoit μεταξύ καλλιτεχνών. Αυγούστου 1898

Η Ένωση δήλωσε δυνατά, διοργάνωση της "Έκθεσης Ρωσίας και Φινλανδίας
Καλλιτέχνες "το 1898 στο Μουσείο Κεντρικής Σχολής Τεχνικής Σχέσης
barona Α. L. Stiglitsa.
Η κλασική περίοδος στη ζωή του Συνδέσμου ήρθε στο 1900-1904. - αυτή τη στιγμή για
Οι ομάδες χαρακτηρίστηκαν από ειδική ενότητα αισθητικών και ιδεολογικών αρχών. Καλλιτέχνες
Διακοσμημένες εκθέσεις υπό την αιγίδα του περιοδικού "κόσμο της τέχνης".
Μετά το 1904, η Ένωση επεκτάθηκε και έχασε ιδεολογική ενότητα. Το 1904-1910
Τα περισσότερα από τα μέλη του "κόσμου της τέχνης" ήταν μέρος της "Ένωσης Ρωσικών Καλλιτεχνών".

Καλλιτέχνες της Εταιρείας "Κόσμος Τέχνης" στην κοινωνία της κοινωνίας για την προώθηση των Τεχνών.
Πετρούπολη. Μάρτιος 1914

Στη Συντακτική Συνέλευση, 19 Οκτωβρίου 1910, η Κοινωνία της Τέχνης "Κόσμος Τέχνης"
Αναβλήθηκε (ο Ν. Κ. Rerich εξελέγη πρόεδρος). Μετά την επανάσταση, πολλά από τα στοιχεία του
αναγκάστηκαν να μεταναστεύσουν. Η Ένωση σταμάτησε την ύπαρξη το 1924.

Β. Μ. Kustodiyev. "Ομάδα πορτρέτο μελών της Ένωσης Τέχνης". 1916-1920.

Από αριστερά προς τα δεξιά: δηλ. Grabar, Ν.Κ. Roerich, Ε.Ε. Lancer, B.M. Kustodiev, I.ya. Bilibin,
Α.Ρ. Ostrumova-Lebedeva, Α.Ν. Beno'a, G.I. Narbut, Κ. Petrov-Vodkin, N.D. Μηλιώτη,
Κ.Α. Somov, M.V. Dobuzhinsky.

Μετά την επιτυχία της Ρωσικής-Φινλανδικής Έκθεσης στο τέλος του 1898, δημιουργείται μια ένωση
"Ο κόσμος της τέχνης", ένας από τους ιδρυτές της Beno'a. Μαζί με τον S. dyagilev
Γίνεται ο συντάκτης και το περιοδικό του ίδιου ονόματος, το οποίο έγινε ο εκείνος που κηρύττει νεοατομαντισμό.

Κίνητρο της εμφάνισης του "κόσμου της τέχνης", ο Benoit έγραψε:

"Δεν κατορθώσαμε τόσο μεγάλη από την ιδέα του" ιδεολογικού "για το πόσες εκτιμήσεις
πρακτική ανάγκη. Ένας αριθμός νέων καλλιτεχνών δεν έχει πουθενά να πάει. Τους
ή όχι καθόλου σε μεγάλες εκθέσεις - ακαδημαϊκά, κινητά και ακουαρέλα,
Ή αποδεκτή μόνο με το γενναίο από όλα που οι ίδιοι οι καλλιτέχνες είδαν τα περισσότερα
μια προφανής έκφραση της αναζήτησής του ... και γι 'αυτό ο Vrubel ήταν κοντά
Bakstom και Soms δίπλα στη Μαλυάβιν. Να "μη αναγνωριστεί", εκείνοι της "αναγνωρισμένης" ενωθούν,
που δεν ήταν από μόνη της στις εγκεκριμένες ομάδες. Κυρίως σε μας προσεγγίσεις,
Korovin και, στη μεγαλύτερη χαρά, θείο. Πάλι, ιδεολογικά και ολόκληρη η κουλτούρα
ανήκε σε έναν άλλο κύκλο, αυτοί ήταν οι τελευταίοι απογόνους του ρεαλισμού, δεν στερούνται
"Μικρό χρώμα". Αλλά μαζί μας ήταν δεμένα με το μίσος όλων στον πειρασμό,
Εγκατεστημένο, νεκρό. "

Περιοδικό Εξώφυλλο για το 1900

Το περιοδικό "Ο κόσμος της τέχνης" βγήκε το φθινόπωρο του 1898, με το Σαββατοκύριακο του 1899. Το
προκάλεσε ακόμη περισσότερο θόρυβο από την έκθεση. Εγκατάσταση Miiskriks στην καθαρή τέχνη,
χωρίς ιδεολογικό εθισμό, φυσικά, κίνηση και ακαδημαϊκός,
Φαινόταν προφανώς λανθασμένα ότι βρήκαν στους πίνακες των νέων καλλιτεχνών.
Παρόμοια φαινόμενα εμφανίστηκαν στην αρχιτεκτονική, και στην ποίηση, και στο θέατρο
αντιληπτή ως δεκαετίες και ότι έλαβε τον ορισμό της ρωσικής σύγχρονης.

Παντομίμα. Screensaver στο περιοδικό "Κόσμος τέχνης", 1902, αριθ. 7-9. 1902

"Ο κόσμος της τέχνης" δημοσιεύθηκε μέχρι το 1901 - 1 φορά σε 2 εβδομάδες, στη συνέχεια κάθε μήνα.
Ήταν ένα λογοτεχνικό και καλλιτεχνικό εικονογραφημένο περιοδικό του ευρύτερου περιεχομένου,
Τι προκαθοριστεί η μοίρα του. Μιλήστε για τη διάδοση της ρωσικής τέχνης XVIII -
Πρώιμη XIX αιώνα, για την προώθηση δειγμάτων λαϊκής δημιουργικότητας και προϊόντων χειροτεχνίας
Ψάρια, ποια αισθητική του Μιρσουσουσένικοφ και τα συμφέροντα των ασθενών

Ελέφαντες. Screensaver στο περιοδικό "Κόσμος τέχνης", 1902. Αριθ. 7-9. 1902

Το περιοδικό εισάγει ευρέως τον αναγνώστη με τη σύγχρονη ρωσική και ξένη καλλιτεχνική
Ζωή (άρθρα και σημειώσεις Α. Μπενούα, δηλ. Rubareva, S.P. Dyagileva, V. V. Kandinsky,
Αποσπάσματα από το op. R. Μητέρα και Yu. Meyer-gref, σχόλια ξένων δημοσιεύσεων,
Αναπαραγωγή εκθέσεων έκθεσης, αναπαραγωγές σύγχρονων ρωσικών και
Δυτική ευρωπαϊκή ζωγραφική και γραφικά).

Αυτό αντιστοιχούσε στις κύριες προσδοκίες των φίλων από τον κύκλο Beno'a - ανάπτυξη
Ρωσική τέχνη σε ένα μονό κρεβάτι με ευρωπαϊκή και παγκόσμια τέχνη, με βάση
Σκέψεις για την καθυστέρηση μας, η οποία θα βρει επίσης κάτι απροσδόκητο: την ανάπτυξη της ρωσικής
Η κλασική λογοτεχνία, η μουσική και η ζωγραφική θα τυλιχτεί από μια επανάσταση στο θέατρο στον κόσμο
Η κλίμακα και ότι τώρα γνωρίζουμε το αναγεννησιακό φαινόμενο.
Επιπλέον, λογοτεχνικά και κρίσιμα άρθρα που δημοσιεύονται στις σελίδες του κόσμου της τέχνης.
V.ya. Bruisova και Andrei White, στην οποία διατυπώθηκε η αισθητική της ρωσικής συμβολισμού.
Αλλά το μεγαλύτερο μέρος του τόπου καταλάμβανε από τα θρησκευτικά και φιλοσοφικά γραπτά D. S. Merezhkovsky,
Ζ. Ν. Hippius, Ν. Μ. Μινσκ, Λ. Sixova, V. V. Rosanova.

Με σημειωματάρια των ποιημάτων τους,
Εδώ και πολύ καιρό, χτυπήσατε στη σκόνη,
Όπως τα κλάδοι επικίνδυνα πασχάρια.

Είστε σε αυτή τη χώρα όπου δεν υπάρχουν έτοιμες μορφές,
Όπου όλα είναι θυμωμένα, μικτά, σπασμένα,
Όπου αντί του ουρανού - μόνο ο τάφος
Και σταθερή σεληνιακή τροχιά.

Εκεί σε μια διαφορετική, απροσδιόριστη γλώσσα
Τραγουδάει το synclite των σιωπηλών εντόμων,
Εκεί με ένα μικρό φανάρι στο χέρι
Ο Beetle άνθρωπος καλωσορίζει οικεία.

Ήσυχο σε σας, τους συντρόφους μου;
Είσαι εύκολα; Και αν έχετε ξεχάσει;
Τώρα αδελφοί - ρίζες, μυρμήγκια,
Τρίτες, στεναγμούς, στήλες σκόνης.

Τώρα αδελφές - γαρύφαλλα λουλούδια,
Lilac θηλές, μάρκες, κοτόπουλα ...
Και δεν μπορεί να θυμηθεί τη γλώσσα σας
Εκεί στην κορυφή του αριστερού αδελφού.

Δεν είναι ακόμα ένας τόπος σε αυτές τις άκρες,
Όπου εξαφανίσατε, το φως, όπως οι σκιές,
Σε ευρύ καπέλα, μακρά σακάκια,
Με σημειωματάρια των ποιημάτων τους.
Νικολάι Zabolotsky.

Ρωσική καλλιτεχνική ένωση. Ενσωματωμένο στο τέλος του 1890 x (Επίσημα το 1900) με βάση έναν κύκλο νέων καλλιτεχνών και εραστών τέχνης, με επικεφαλής τον Α. Ν. Μπενούα και τον Σ. Π. Dyagilev. Ως εκθεσιακή ένωση υπό την αιγίδα του περιοδικού, τον κόσμο ... ... Καλλιτεχνική εγκυκλοπαίδεια.

Σύνδεσμος (1898 1924) καλλιτεχνών που δημιουργήθηκαν στην Αγία Πετρούπολη Α.Ν. Benois και S.P. Dyagilev. Οι εκπρόσωποι του κόσμου της τέχνης απέρριψαν τόσο τον ακαδημαϊκό όσο και το κινητό τηλέφωνο. Βασιζόμενοι στην ποιητική του συμβολισμού, συχνά πήγαν στον κόσμο του Σύγχρονη εγκυκλοπαίδεια

"Κόσμος της Τέχνης" - "Κόσμος Τέχνης", Ένωση (1898 1924) καλλιτεχνών που δημιουργήθηκαν στην Αγία Πετρούπολη Α.Ν. Benois και S.P. Dyagilev. Εκπρόσωποι του "Τέχνη Κόσμου" απέρριψαν τόσο τον ακαδημαϊκό όσο και το κινητό τηλέφωνο. Βασιζόμενοι στην ποιητική του συμβολισμού, είναι συχνά ... ... Εικονογραφημένο Εγκυκλοπαιδικό Λεξικό

Ε. Ε. Lancer. Τα πλοία του Πέτρου Ι. Τέμπερα. 1911. Γκαλερί Tretyakov. Μόσχα. "Κόσμος της Τέχνης", Ρωσική Ένωση. Ενσωματωμένο στο τέλος του 1890 x (Επίσημα το 1900) βασισμένο σε μια κούπα νέων καλλιτεχνών και εραστών της τέχνης ... Καλλιτεχνική εγκυκλοπαίδεια.

- (1898-1904 · 1910-1924), Σύνδεσμος καλλιτεχνών και πολιτιστικών στοιχείων της Αγίας Πετρούπολης και πολιτιστικών στοιχείων (Α. Ν. Μπενουα, Κ. Α. Σομφούν, Μ. V. Dobzhinsky, Ε. Ε. Lancere, Α. Ya. Golovin, Ι. Ya. Bilibin, Ze Serebryakova , BM Kustodiev, NK Roerich, ... ... ... Καλλιτεχνική εγκυκλοπαίδεια.

- "Κόσμος Τέχνης", Ρωσική Ένωση. Ενσωματωμένο στο τέλος του 1890 x (Επίσημα το 1900) στην Αγία Πετρούπολη με βάση έναν κύκλο νέων καλλιτεχνών και εραστών τέχνης, με επικεφαλής τον Α. Ν. Μπενουά και τον Σ. Π. Dyagilev. Ως έκθεση έκθεσης κάτω από ... ... Μεγάλη σοβιετική εγκυκλοπαίδεια

"Κόσμος της Τέχνης" - "Κόσμος Τέχνης", καλλιτεχνική ένωση. Ενσωματωμένο στο τέλος του 1890 x (Ο Χάρτης που εγκρίθηκε το 1900) με βάση έναν κύκλο νέων καλλιτεχνών, ιστορικών τέχνης και εραστές τέχνης ("κοινωνία αυτο-εκπαίδευσης"), με επικεφαλής τον Α. Ν. Μπενουά και ... ... ... Εγκυκλοπαιδικός κατάλογος "Αγία Πετρούπολη"

Η ένωση των ρωσικών καλλιτεχνών που αντιτάχθηκαν στην τάση, το κόμμα και τον αντιεπικοινωνία των σύγχρονων «ηγέτες της κοινής γνώμης», υπαγορεύουν τη γεύση του ακαδημαϊκού και κινήματος. Έκανα σχήμα στο. 1890 x Στην Αγία Πετρούπολη με βάση έναν κύκλο ... ... ρωσική ιστορία

1) Ένωση τέχνης. Ενσωματωμένο στο τέλος του 1890 x (Ο Χάρτης που εγκρίθηκε το 1900) με βάση έναν κύκλο νέων καλλιτεχνών, ιστορικών τέχνης και εραστών τέχνης («κοινωνία αυτο-εκπαίδευσης»), με επικεφαλής τον Α. Ν. Μπενουά και Σ. Π. Dyagilev. Πως … Αγία Πετρούπολη (Εγκυκλοπαίδεια)

"Κόσμος της Τέχνης" - τον κόσμο της τέχνης τέχνης. Τη ροή του ασημένιου αιώνα. Υπήρξε από το 1898 έως το 1927 με διακοπές, λαμβάνοντας διαφορετικούς διοργανωτές. Μορφές: Περιοδικό, έκθεση, για καλλιτέχνες. 1η περίοδος Μ. Ι. 1898 1904. Ο πυρήνας του 1ου Σχετικά με τον Va M. I. ήταν ένας κύκλος συγγενών Αλέξανδρος ... Ρωσικό ανθρωπιστικό εγκυκλοπαιδικό λεξικό

Βιβλία

• Κόσμος της τέχνης. 1898-1927, G. B. Romanov, η παρούσα δημοσίευση είναι αφιερωμένη στην 30ετή περίοδο της ιστορίας της Ένωσης Τέχνης. Η δημοσίευση δείχνει πορτρέτα, βιογραφίες και έργα καλλιτεχνών. Κατά την προετοιμασία αυτής της εγκυκλοπαίδειας σε ... Κατηγορία: Ιστορία της ρωσικής τέχνης Εκδότης: Παγκόσμια Θέα, Ορχήστρα Αγίας Πετρούπολης,
• Κόσμος της τέχνης. Καλλιτεχνική ένωση των αρχών του εικοστού αιώνα, ο Vsevolod Petrov, «ο κόσμος της τέχνης», ρωσική καλλιτεχνική ένωση. Που χρησιμοποιούνται στο τέλος της δεκαετίας του 1890. (Επίσημα το 1900) στην Αγία Πετρούπολη με βάση μια κούπα νέων καλλιτεχνών και εραστών τέχνης, με επικεφαλής τον Α. Ν. ... Κατηγορία: Θεωρία Ιστορίας και Τέχνης Εκδότης:

Ένας σημαντικός ρόλος στη ρωσική κουλτούρα του αιώνα XIX-XX έπαιξε από την καλλιτεχνική ένωση «Ο κόσμος της τέχνης», ο οποίος είχε τεράστιο αντίκτυπο στην ανάπτυξη του ρωσικού συμβολισμού και σύγχρονου.

Την εμφάνιση και τα στάδια της ύπαρξης της ένωσης

Η ιστορία της εμφάνισης του «κόσμου τέχνης» ξεκίνησε το 1887 με τη διαμόρφωση μιας ομάδας φοιτητών της Σχολής Κάρλας Μαΐου, ο Nevsky Pivikians, ο οποίος περιλάμβανε τον Α. Benua, Κ. Somov, V. Nuvel, Δ. Φιλοσόφους .

Ο σκοπός του κύκλου είναι να μελετήσει την ιστορία της εικαστικής τέχνης και της μουσικής. Αργότερα, ο S. Dyagilev και ο L. Bakst εντάχθηκαν στον κύκλο. Ένας κύκλος κάτω από την ηγεσία του Dyagilev, μέχρι το 1898, γύρισε και μετατράπηκε σε μια δημιουργική ένωση "Ο κόσμος της τέχνης".

Α. Μπενουά, αυτοπροσωπογραφία

Δύο γεγονότα συνέβαλαν σε αυτό:

1. Πρώτο τεύχος του περιοδικού "Ο κόσμος της τέχνης", των οποίων οι εκδότες ήταν πριγκίπισσα Μ.Κ. Tenisheva και S.I. Mammoths;

2. Η επέκταση των ρωσικών και φινλανδικών καλλιτεχνών, στα οποία συμμετείχαν εκτός από τα μέλη του κύκλου S.V. Malyutin, I.I. Levitan, A.M. Vasnetsov, V.A. Serov et αϊ.

Το 1900, ο Σύνδεσμος εκδόθηκε επίσημα, ο Χάρτης αναπτύχθηκε και εκλέχθηκε η ρυθμιστική επιτροπή.

Το 1902, το άρθρο "Έντυπα τέχνης" δημοσιεύεται στο εικοστό τεύχος του περιοδικού "World of Art", από τώρα και στο εξής, πολλοί συμβολιστές ποιητές έχουν εκτυπώσει τα έργα τους στις σελίδες του.

Το 1904, προέκυψαν διαφωνίες μεταξύ καλλιτεχνών και ποιητών, το περιοδικό "World of Art" έχει σταματήσει να δημοσιεύεται, ξέσπασε ο Ένωση. Το 1906, έκανε μια αποχαιρετιστήρια έκθεση πριν από τη μετανάστευση στο Παρίσι με το ίδιο όνομα. Στο Παρίσι από το 1909-1914 οργανώνει "ρωσικές εποχές". Από το 1910, ο Σύνδεσμος απορρίπτεται υπό την ηγεσία της Beno'a, αλλά ενεργεί ως εκθεσιακός οργανισμός, από το 1917 ορισμένα μέλη του Συνδέσμου απευθύνονταν στην αποκατάσταση και τις οργανωτικές δραστηριότητες. Στη δεκαετία του '20, ο "κόσμος της τέχνης" τελικά σταμάτησε την ύπαρξή του.

MIRISKUSNIKI - Μέλη της καλλιτεχνικής ένωσης

Οι κύριοι ιδεολόγοι αυτής της ένωσης τέχνης ήταν ο Α. Benua και S. Dyagilev.

Από το 1904 έως το 1910, πολλοί συμμετέχοντες στην Ένωση εισήλθαν στην Ένωση Ρώσων καλλιτεχνών. Ο κύριος πυρήνας του "World of Art" συμπεριλήφθηκε από τον E. Lancere, Κ. Somov, L. Bakst, M. Dobuzhinsky. Στη συνέχεια, τα μέλη του κύκλου του AbramaVsevsky του V. Serov, M. Nesterov, Vasnetsov Brothers, M. Vrubel, κλπ. Το 1906, οι νέοι καλλιτέχνες προσχώρησαν στην Ένωση: ο Μ. Σαρίος, ο Μ. Larionov και ο Ν. Feofilakt.

Ο Dyagilev έδωσε μεγάλη προσοχή στο περιοδικό "Ο κόσμος της τέχνης", δημοσίευσε κρίσιμα άρθρα εκεί, έγραψε για τα προβλήματα της Διεθνούς Πολιτιστικής Ανταλλαγής. Επίσης, ο DyagileV ασχολήθηκε ενεργά σε οργανωτικές δραστηριότητες, διευθετημένες εκθέσεις σύγχρονων ρωσικών καλλιτεχνών, δημοφιλεύων ζωγράφων, κλπ.

Αισθητική θέα στον "κόσμο τέχνης"

Η ενοποίηση του "παγκόσμιου τέχνης" προσπάθησε για εξαιρετικές πνευματικές και καλλιτεχνικές αξίες και αντιτάχθηκε στη σύγχρονη καλλιτεχνική απόψεις της αστυνομίας της κυκλοφορίας και του ακαδημαϊκού. Στις εικαστικές τέχνες της Μιρσουσουσένης που καλλιεργούνται ακόμη και "Πολιτιστικός Δαλευτισμός"Δεδομένου ότι προσωποποίησε επίσης τη μορφή της ελευθερίας της δημιουργικότητας που δεν δεσμεύεται από κανένα κανόνια.

Το ιδανικό της "καθαρής" τέχνης συνδυάστηκε με τον Μιρσουσουσένικοφ με την ιδέα ότι η καλλιτεχνική δημιουργικότητα αποσκοπεί στην αισθητικά αλλαγή της γύρω πραγματικότητας. Οι περισσότεροι από τους συμμετέχοντες στην ένωση φώναξαν έμπνευση στα καλλιτεχνικά επιτεύγματα του παρελθόντος. - έλαβε ένα είδος υλοποίησης στα έργα τους. Διαφορετικές εποχές προσελκύουν καλλιτέχνες όχι από τα ιστορικά χαρακτηριστικά τους ή τις στροφές ανάπτυξης, αλλά μόνο αισθητικά, στυλ, ατμόσφαιρα. Οι καλλιτέχνες του "κόσμου" σε τέτοιες καμβάδες προσπάθησαν να παίξουν, φαντασία, θεατρικά. Ένα άλλο σημαντικό χαρακτηριστικό του Miriskusnikov ήταν η ειρωνεία και η αυτοπεποίθηση.

Ο πρώτος "κόσμος της τέχνης", με επίκεντρο τις δυτικοευρωπαϊκές ομάδες, τους ενωμένους καλλιτέχνες και τους συγγραφείς που βασίζονται στις ιδέες του σύγχρονου, νεωρομαντισμού κλπ. Ο κύριος στόχος της δημιουργικότητας στην κατανόηση των συμμετεχόντων του "κόσμου της τέχνης" είναι μια ομορφιά στην υποκειμενική κατανόηση του καλλιτέχνη. Λίγο αργότερα, οι ζωγράφοι άρχισαν να επικεντρώνονται περισσότερο στα κίνητρα του εθνικού παρελθόντος του Dopardrov Rus. Ως αποτέλεσμα, η Ένωση χωρίστηκε σε δύο ομάδες καλλιτεχνών: η Πετρούπολη (επικεντρωμένη στη Δύση) και τη Μόσχα (προσανατολισμένη στο εθνικό παρελθόν). Αλλά, παρά όλες τις διαφωνίες, είναι μια καλλιτεχνική ένωση που σχετίζεται με όλους τους να αντιμετωπίσει την επίσημη ακαδημαϊκή τέχνη και τη φυσιολογισμό του αργότερα.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, οι λάτρεις που δεν είχαν μερικές φορές επαγγελματική εκπαίδευση τέχνης, προσπάθησαν να δημιουργήσουν μια νέα κατεύθυνση στα προβλήματα της εικαστικής τέχνης και σε θέματα πολιτισμού.

Δραστηριότητα και σημασία της ενοποίησης "κόσμο τέχνης"

Οι εκθέσεις που διοργανώθηκαν από τον "κόσμο της τέχνης" πέρασε με μεγάλη επιτυχία. Το 1899 εκτέθηκαν η Dyagilev μια διεθνή έκθεση, στην οποία εκτέθηκαν έργα Böhklin, Whistler, Monet, Degas, Moro, Puwa de Shavana και άλλοι. Κατά την περίοδο από το 1899 έως το 1903, πραγματοποιήθηκαν πέντε τέτοιες μεγάλες εκθέσεις.

Τα Miriskical μέλη δημοσίευσε το ίδιο περιοδικό, στο οποίο εκτυπώνονται πολλοί φιλόσοφοι, θρησκευτικοί στοχαστές και ποιητές. Το περιοδικό απεικονίζεται τέλεια από καλλιτέχνες αυτής της κατεύθυνσης.

Ένα από τα σημαντικά μέρη των δραστηριοτήτων των συμμετεχόντων στον κόσμο της τέχνης έπρεπε να ενδιαφέρεται για τις καλλιτεχνικές δημιουργίες του εθνικού παρελθόντος, από αυτή την άποψη, απελευθέρωσαν τις συλλογές των «καλλιτεχνικών θησαυρών της Ρωσίας» και άλλων. Τα μέλη της κοινότητας άνοιξαν Ένα ευρύ φάσμα ρωσικών Intelligentsia. Ολόκληρες περιόδους στην ιστορία της τέχνης, καλλιτέχνες των γλύπτων των XVIII-XIX αιώνες. Δημοσιεύσεις στο περιοδικό που σχετίζονται επίσης με τους σύγχρονους καλλιτέχνες, δημοσιευμένα άρθρα σχετικά με τις μεγάλες μορφές του παγκόσμιου πολιτισμού.

Το έργο των συμμετεχόντων στον "κόσμο" ήταν πολύπλευρη, ασχολήθηκαν με τη ζωγραφική, διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη, το σχεδιασμό θεατρικών παραστάσεων, αλλά το μεγαλύτερο μέρος της κληρονομιάς τους αποτελούν τα έργα των γραφικών.

Η υψηλότερη άνθηση θεατρικών και διακοσμητικών δραστηριοτήτων ήταν ο σχεδιασμός των παραστάσεων "ρωσικής εποχής" στο Παρίσι. Στη ζωγραφική κυριάρχησε στο τοπίο της πόλης, πορτρέτο και ιστορικό και νοικοκυριό. Στο διάγραμμα ένα ειδικό επίτευγμα ήταν η εμφάνιση μιας απεικόνισης βιβλίων. Μερικοί από τους συμμετέχοντες κατά τη διάρκεια της περιόδου επανάστασης 1905-1907. Εκτελούσαν ως κύριοι πολιτικού σάτιρα.

Το χαρακτηριστικό γνώρισμα των έργων πολλών Miriskusnikov ήταν διακοσμητική, γραμμικότητα και συνδυασμός matte τόνους.

Με την ένωση του "κόσμου της τέχνης", τα "βράδια της σύγχρονης μουσικής" συνδέονταν στενά, ο σκοπός της οποίας ήταν η εκτέλεση και η προπαγάνδα της δυτικής ευρωπαϊκής μουσικής των αιώνων XIX-XX.

Τα μέλη της ενοποίησης του κόσμου της τέχνης συχνά συμμετείχαν σε διάφορες καρέκλες. Το πιο διάσημο από αυτά στη ρωσική κουλτούρα της ηλικίας αργυρά ήταν τα "περιβάλλοντα του Ivanovo", οι συναντήσεις "στον πύργο" Vyacheslav Ivanov, Κυριακές, Sologuce Salons και

Ο Σύνδεσμος άφησε ένα βαθύ σήμα στην ιστορία της ρωσικής τέχνης κυρίως επειδή ο λαός αυτού του κύκλου επέστησε την προσοχή στα προβλήματα της καλλιτεχνικής μορφής και της οπτικής γλώσσας.

Η συμβολή του "κόσμου τέχνης" στην ιστορία είναι ανεκτίμητη. Αυτό δεν είναι μόνο ζωγραφική, γραφικά, ποίηση και πεζογραφία, αλλά επιστημονικά έργα στην ιστορία της τέχνης και του πολιτισμού του ασημένιου αιώνα

Κεφάλαιο 3. Καλλιτέχνες - Διοργανωτές και αριθμοί της "Παγκόσμιας Ειρήνης"

Οι κύριοι συμμετέχοντες στην ενοποίηση του κόσμου της τέχνης, ο οποίος δημιούργησε την έννοια της «Μιρσουσουσνίκης», ήταν: ο Αλέξανδρος Νικολάβιχ Μπενώης, ο Κωνσταντίνος και ο Samoilovich Bakst. Καθορίστηκαν την ιδεολογία και την εστίαση της ενοποίησης. Στο μέλλον, πολλοί από τους πιο διαφορετικούς καλλιτέχνες συμμετείχαν στις εκθέσεις του κόσμου της τέχνης.
Ας στραφούμε στο έργο των Δασκάλων - οι κύριες μορφές του "κόσμου της τέχνης".
Τα καλλιτεχνικά γούστα του Αλεξάνδρου Μπενούα ανέπτυξαν υπό την επιρροή της δημιουργικής ατμόσφαιρας της οικογένειας, η οποία δημιούργησε τον κύκλο των συμφερόντων του. Πριν από εμάς - το διάσημο πορτρέτο του Αλεξάνδρου Μπενουά Μπακστάς

Ο Μενώης εμφανίζεται ως καλλιτέχνης, ιστορικός τέχνης και εμπειρογνώμονας πολιτισμού του 18ου αιώνα. Η Benouua κάθεται σε μια καρέκλα με ένα βιβλίο στα χέρια του, εδώ στο δωμάτιο βλέπουμε το πορτρέτο της Empress Elizabeth Petrovna. Στρίβοντας στους καμβά τοίχου λένε ότι μπροστά μας είναι ένας ζωγράφος.
Ο Αλέξανδρος Μπενόης γεννήθηκε στις 3 Μαΐου 1870 σε μια διάσημη οικογένεια καλλιτεχνών και αρχιτεκτόνων. Ο πατέρας του, ο Νικολάι Λεοντίβιιτς Μπενουά, ήταν αρχιτέκτονας, παππούς από τη μητέρα - ο Άλμπερτ Κάβος Κάβος, ήταν επίσης ένας αρχιτέκτονας. Ανακατασκευάστηκε μετά τη φωτιά του 1853 του Θεάτρου Mariinsky της Αγίας Πετρούπολης. Ο μεγάλος παππούς στη μητέρα - βενετσιάνικο Cavroin Cavos ήταν συνθέτης, γράψιμο όπερας, μπαλέτες, υδάτινα νερά. Στις αρχές της δεκαετίας του 1800 εισήλθε στην υπηρεσία στην Αγία Πετρούπολη Imperial θέατρα. Brother Alexandra Nikolayevich - Alber - ήταν καλλιτέχνης ακουαρέλας, άλλος αδελφός - Leonty - Αρχιτέκτονας, ο οικοδόμος των Ορθοδόξων Εκκλησιών στη Ρωσία, την Πολωνία και τη Γερμανία. Το "σπίτι του Beno'a που ζούσε η οικογένεια του Νίκου", όπου ζούσε η οικογένεια Beno'a, ήταν γνωστή στην Αγία Πετρούπολη. Έχει επιβιώσει μέχρι σήμερα. Το σπίτι ήταν γεμάτο με έργα τέχνης - πίνακες, χαρακτικά, παλιά πράγματα. Αντίθετα, ο καθεδρικός ναός Nikolsky Marine αυξάνεται, που χτίστηκε κατά τη διάρκεια της αυτοκράτειρας της Elizabeth Petrovna, αρχιτέκτονας Savoy Ivanovich Chevakinsky. Η θαυμάσια εμφάνιση του μπαρόκ καθεδρικού ναού παρέμεινε για πάντα στη μνήμη του Αλεξάνδρου Μπενούα και απάντησε στην αγάπη Του για την τέχνη του XVIII αιώνα. Οι φίλοι θυμήθηκαν το μεγάλο παιδαγωγικό δώρο του Αλεξάνδρου Μπενούα. Έχοντας ένα εξαιρετικό λογοτεχνικό στυλ και βαθιά γνώση της ιστορίας της τέχνης, έχει ήδη αρχίσει να δημοσιεύει κρίσιμα άρθρα σχετικά με θέματα τέχνης και το 1893 συμμετείχε στη δημοσίευση του βιβλίου του γερμανικού ερευνητή Richard Mother "Ιστορία της Ζωγραφικής στο XIX αιώνα ", για την οποία έγραψε ένα μεγάλο τμήμα για τη ρωσική ζωγραφική. Μετά την αποφοίτησή τους από τη Νομική Σχολή, ο Benoit, καθώς και ο Dyagilev, στη συνέχεια δεν ασχολούνταν με νομολογία, αλλά αφιερώθηκε στην τέχνη.
Ο αγαπημένος χρόνος του Alexander Benoit - XVIII αιώνα, Βερσαλλίες των τελευταίων χρόνων του Louis XIV. Ο καλλιτέχνης απεικόνισε το κομψό δικαστήριο και τον παλιό βασιλιά στο πάρκο των Βερσαλλιών, όπου ο βασιλιάς "περπάτησε σε οποιεσδήποτε καιρικές συνθήκες", στενές σκηνές, όπως, για παράδειγμα, κολύμπι marquis.

Ο καλλιτέχνης έδειξε τη ζωή του γκολφ, μόλις μια υπέροχη, πνιγμένη στην πολυτέλεια, και τα τελευταία χρόνια της ζωής του βασιλιά - λυπημένος. Το συγκρότημα τεράστιων χώρων του πάρκου μίλησε στον καλλιτέχνη όχι τόσο πολύ για το μεγαλείο του Ο βασιλιάς, πόσο για τη δημιουργική μεγαλοφυία του αρχιτέκτονα, η οποία δημιούργησε αυτή τη μεγαλοπρέπεια. Στην εικόνα "Walk of the King" λαμβάνει χώρα στο πάρκο Versailles.

Το ερημωμένο σοκάκι αφήνει στην απόσταση υπογραμμίζει τη μοναξιά του βασιλιά ανάμεσα στις συνοδευτικές σε λίγα σουίτα. Ο καλλιτέχνης μεταβίβασε την ατελείωτη διάθεση της θλίψης, την ατμόσφαιρα της επερχόμενης εποχής. Σε μια άλλη εικόνα του ίδιου θέματος, μια χαλαρή πομπή του βασιλιά και του δικαστηρίου που παρελθόν, τα σιντριβάνια και τα αγάλματα θεωρούνται ως η θεατρική δράση και οι χάλκινες μορφές των κατεψυγμένων Τα ψιλοκομμένα στην πισίνα φαίνονται πιο ζωντανές από αυτές τις θλιβερές μάσκες.

Η εικόνα είναι κοντά στη διάθεση "Ενετικός κήπος", όπου οι αριθμοί στις μάσκες φαίνεται να κοιμούνται, οι σκιές και τα αγάλματα κινούνται και φαίνεται να μιλάνε ο ένας στον άλλο. Σε μια τέτοια ερμηνεία του συμπεράσματος, μια συγκεκριμένη σκέψη: η ζωή κινείται, τέχνη - για πάντα.

Στο έργο του Beno'a, αντανακλούσαν και οι χρόνοι του Μεγάλου Πέτρου, πριν από την οποία οι αριθμοί των κυπέλλων "Παγκόσμιοι Ειρήνης". Πριν από μας - "Peter i σε μια βόλτα στον καλοκαιρινό κήπο".

Ο βασιλιάς στο σοκάκι του κήπου μπροστά από τη βρύση, ανάμεσα στο κρήνη, ανάμεσα στο κινητό κομψό πλήθος των γηπέδων, προσελκύει την προσοχή στην υψηλή ανάπτυξη και ικανοποιημένη, ένα πρόσωπο διασκέδασης. Σε μια άλλη δουλειά - "καλοκαιρινό κήπο με τον Πέτρο Μεγάλο" βλέπουμε τα ίδια σκόνη , βρύσες, πέργκολες και τρίχες πλέγμα, τα οποία, παρεμπιπτόντως, να πουν, να ανακτηθούν σήμερα.

Ο αξεπέραστος Erudite στα ζητήματα της ζωής των προηγούμενων αιώνων, η Μπενουά γνώριζε τις λεπτές αποχρώσεις των τελωνείων, των κοστουμιών, των εσωτερικών χώρων. Τα οικόπεδα που επέλεξαν δεν αφορούσαν μεγάλα ιστορικά προβλήματα. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε φαντασιώσεις για ιδιωτικές στιγμές της ζωής, επιδιώκοντας να μεταφέρει το πνεύμα της εποχής. Από αυτή την άποψη, η εικόνα της "παρέλαση κάτω από το Pavel I" είναι ενδιαφέρον.

Νεφελώδης χειμωνιάτικη μέρα. Μέσα από το πλέγμα του χιονιού που πέφτει, το ροζ κάστρο Mikhailovsky είναι ορατό, η δεξιά πτέρυγα του οποίου δεν έχει ακόμη ολοκληρωθεί. Οι στρατιώτες πήγαν μπροστά από το κάστρο. Ο αυτοκράτορας που ασχολείται με το αγαπημένο του πράγμα - ο στρατιώτης Mutter - εμφανίζεται στο κέντρο του λευκού Kone. Πίσω από αυτόν - μια επανειλημμένη και γιοι. Ο αξιωματικός, παρόμοιος με τον Paul i, δίνει στην έκθεση βασιλιά. Στο βάθος, βλέπουμε τις περίεργες μορφές στρατιωτών που δεν συμμετέχουν στην πορεία. Τρέχουν μετά και αυξάνουν τα πεσμένα τρία δάχτυλα. Πράγματι, με το Pavel i, υπήρξα μια ειδική απόσπαση, η οποία έπρεπε να διασφαλίσει ότι τα πεσμένα τρία δάχτυλα παρέμειναν να βρίσκονται στο έδαφος και να τα αυξήσουν. Η γενική απόφαση της εικόνας, όπου το σκληρό τοπίο παρουσιάζεται με το κάστρο, με απεριόριστα πτώση χιόνι, με πορεία στρατιωτών και βασιλιά - όλα αυτά δημιουργούν μια εκφραστική εικόνα της Αγίας Πετρούπολης την εποχή του Παύλου Ι.

Ο Μενώ ήταν επίσης ένας θαυμάσιο εικονογράφο και διακοσμητικό θέατρο. Μέχρι τώρα, υπάρχουν αξεπέραστες εικόνες για την "κορυφή κυρία" και "Rider Copper" Α. S. Pushkin. Σε μία από τις εικονογραφήσεις στην "κορυφή κυρία" - "Herman στη βεράντα της Countess" - ο καλλιτέχνης δημιούργησε μια εκφραστική εικόνα, έχοντας μεταφέρει ένα άγχος που περιμένει τον ήρωα κατά την αναχώρηση της κάρτας Countess κατά τη διάρκεια του σούρουπο. Το σχέδιο "στο σπίτι τυχερών παιχνιδιών" δείχνει μια ζοφερή ατμόσφαιρα αυτού του ιδρύματος, όπου θα παιχτεί η τραγωδία. Για την απεικόνιση του "χαλκού αναβάτης", Benua άσκησε έφεση πίσω το 1905 και δεν άφησε αυτό το έργο, πριν από το Απελευθέρωση του βιβλίου το 1922. Ο καλλιτέχνης έδειξε λευκές νύχτες, ακολουθώντας τις σειρές του ποιητή "Γράφω, διάβασα χωρίς λάμπα", μια πλημμύρα, και ιδιαίτερα την εντυπωσιακή στιγμή - μια τεράστια μαύρη σιλουέτα του αναβάτη, που αναδύεται από πίσω από τη γωνία και τρέχω από πίσω Τονρό από το φόβο του φτωχού Eugene - "ο πεινασμένος του πεινασμένος με πολύ χασμουρητό." Το 1904, η Benua δημοσίευσε ένα εξαιρετικό βιβλίο για παιδιά - "ABC". Εάν τώρα, αυτό το βιβλίο δεν παραμένει μόνο ως αντίκες αξία, αλλά θα ήταν ευρέως γνωστή, θα φέρει πολλές χαρά και παιδιά και τους αναγνώστες ενηλίκων. Το βιβλίο επανεκκρινόταν το 1990. Σχέδια, γεμάτα φανταστικές και παιδικές αναμνήσεις του ίδιου του συγγραφέα, εντυπώσεις από τα παιχνίδια που γεμίζουν το σπίτι του, από επισκέψεις στο θέατρο, όπου κατά τη διάρκεια του παιχνιδιού, το Chertkik έβγαλε από τον Λουκά στη σκηνή και ενήργησε "Αιδάπα" σε φωτεινά ρούχα, Όλα αυτά θυμούνται για πάντα και αντανακλούσαν στο "Αλφάβητο".
Πλήρης άνεση και ειδικά σχέδια ζεστασιάς με την εικόνα των "εξοχικών σπιτιών" και του "παππού", και του νάνου, που εμφανίστηκε από το κέικ στο θαυμασμό για τους καβαλιέρες και τις κυρίες σε άδειες περούκες και κομψά φορέματα, μας οδηγούν άμεσα σε έναν αγαπημένο συγγραφέα το XVIII αιώνα.

Στην ιστορία της θεατρικής και διακοσμητικής τέχνης, ένα αξέχαστο φαινόμενο παρέμεινε το σχεδιασμό των μπαλέτων του Αλεξάνδρου Beno'a - ο Ν. Ν. Cetern "Pavilion ArmiD" στο θέμα του 18ου αιώνα και ο Ι. ΣΤΡΑΒΙΝΜΥΚΥΚΑ "Petrushka" στο θέμα της Ρωσικής Παρουσίας Balagan. Μπαλέτο "Pavilion Armida" μεταφέρει τον θεατή σε ένα μαγικό παραμύθι με τους αναζωογονημένους ήρωες που απεικονίζονται στην ταπετσαρία. Αυτό το μπαλέτο βυθίζει τον θεατή στον κόσμο των ιπποτών, των Cavaliers και τις κυρίες. Το μπαλέτο "μαϊντανό" τέθηκε στο Παρίσι, στις "ρωσικές εποχές" και τον περιστρέφουμε αργότερα.

Ο Μπενούα ήταν ένας ευέλικτος ταλαντούχος άνθρωπος. Άφησε πολλή δουλειά ως καλλιτεχνικός κριτικός και ο ιστορικός της ρωσικής και της δυτικής ευρωπαϊκής τέχνης, διερεύνησε τα ανεπαρκώς αναπτυγμένα μνημεία και το έργο των ξεχασμένων δασκάλων. Πάνω από τη συμμετοχή του στη γερμανική δημοσίευση του βιβλίου του Richard Mother "Η ιστορία της ζωγραφικής στο XIX αιώνα". Λίγα χρόνια αργότερα, το 1901 και το 1902, δύο όγκοι της έρευνας Benoit για τη ρωσική τέχνη δημοσιεύθηκαν στη ρωσική δημοσίευση, η οποία παρήγαγε το ρωσικό κοινό "εκπληκτική εντύπωση". Στη συνέχεια, η Benua κυκλοφόρησε πολλά βιβλία για την ιστορία της Τέχνης της Δυτικής Ευρώπης. Ο Αλέξανδρος Benoit ήταν η πρώτη φιγούρα της ρωσικής κουλτούρας του χρόνου του, ο οποίος απευθύνθηκε στην προσοχή των σύγχρονων για την ομορφιά της αρχιτεκτονικής της Αγίας Πετρούπολης. Μετά τον Α. S. Pushkin για την ομορφιά της Αγίας Πετρούπολης, κανείς δεν υπενθυμίζεται. Υπό την επίδραση των συγγραφέων του 19 αιώνα, η πρωτεύουσα θεωρήθηκε μόνο ως κρατική, κρύα πόλη, εχθρική σε έναν μικρό άνθρωπο. Οι καλλιτέχνες του «κόσμου της τέχνης» κατέλαβαν τις αθάνατες δημιουργίες αρχιτεκτονικών της Αγίας Πετρούπολης στους πίνακές τους, άνοιξαν την ομορφιά και την αρμονία των συγκροτημάτων του Tsarist Village, Peterhof, Pavlovsk, Oranienbaum. Και σε αυτό το θέμα - πρώτα απ 'όλα, η αξία του Beno'a.Constantin Andreevich Somov, ένας εξαιρετικός καλλιτέχνης του κόσμου της τέχνης, γεννήθηκε στις 18 Νοεμβρίου 1869.

Προς μας, το αυτοπροσωπογραφία του. Ο καλλιτέχνης παρουσίασε τον εαυτό του σε μια χαλαρή πόζα, στον καναπέ. Ο ευρύς τρόπος γραφής και η ρεαλιστική ερμηνεία των εικόνων διακρίνονται από το Somoov - έναν φοιτητή της Repin. Με τον ίδιο τρόπο, τα πορτρέτα γράφονται - γονείς. Ο πατέρας του καλλιτέχνη, ο Andrei Ivanovich Somov, ήταν ο κηδεμόνας του Ερμιτάζ. Σημαντικά εμπλουτίστηκε τη συναρμολόγηση του μουσείου με τα έργα της γερμανικής ζωγραφικής.

Η μητέρα του καλλιτέχνη, η Nadezhda Konstantinovna, τραγούδησε τέλεια. Ο Somov ήταν επίσης ένας μουσικός προικισμένος άνθρωπος - ένας ταλαντούχος πιανίστας και τραγουδιστής. Η αδελφή του, η Άννα Ανδρέαβνα, στο γάμο Mikhailov, ασχολήθηκε σε ένα καλλιτεχνικό κέντημα. Ο Somov είχε έναν άλλο αδελφό, τον Αλέξανδρο, αποθανόντος νωρίς. Ο Somov ήταν πολύ συνδεδεμένος με τους γονείς του, αγαπούσε απαλά την αδελφή και τον αδελφό του, έδωσε μεγάλη προσοχή στα ορφανά παιδιά του. Στο επόμενο όμορφο πορτρέτο του ανιψιού - Evgenia Mikhailov - Somov συνδέσει τη λαμπρότητα με τη μεταφορά της πνευματικότητας της εικόνας .

Μετά την αποφοίτησή του από το Γυμνάσιο Καρλ Ιβανόβιτς, όπου ο Somov σπούδασε μαζί με τον Αλέξανδρο Μπενούα και τη Φιλοσοφική Ντμίτρι, επισκέφθηκε τα μαθήματα στην Ακαδημία Τεχνών. Το έργο των Somov - τοπία και πορτρέτα των ανθρώπων κοντά του. Στα τοπία της δεκαετίας του 1890, με ένα μεγάλο συναίσθημα που κατέλαβαν αφράτα θάμνους με τρέμβο φύλλωμα, το φως του ήλιου που διεισδύει μέσα από τα κλαδιά των δέντρων, παχιά παχιά βότανα. Αυτά είναι τα έργα - "Road in Sekerino", "Sadik" και άλλοι.

Ο Somov δημιούργησε μια νέα κατεύθυνση στη ρωσική τέχνη, μια νέα κατανόηση της ιστορικής ζωγραφικής. Αυτή η ποιότητα εκδηλώθηκε ήδη στους πίνακες του 1890. Το κύριο στα έργα του δεν είναι γνωστά γεγονότα, όχι ψυχολογία των ηρώων, αλλά η διάθεση, η μεταφορά του "πνεύματος της εποχής". Ήδη στην πρώιμη περίοδο της δημιουργικότητας του Somov, θα μπορούσα να μεταφέρω μια ειδική ιστορική ατμόσφαιρα. Οι πίνακες και τα σχέδια του αναβίωσε τον μακροχρόνιο χρόνο XVIII και την αρχή του αιώνα XIX. Για μεγάλο χρονικό διάστημα και προσεκτικά εργάστηκε για τους πίνακές και τα σχέδια τους και ήταν πάντα δυσαρεστημένος. Benua υπενθύμισε: "Συχνά κάθεται για ώρες (χωρίς υπερβολή) πάνω από μια ενιαία γραμμή." Σχετικά με αυτό το χαρακτηριστικό του Somov υπενθύμισε επίσης τον συμμετέχοντα στις εκθέσεις του κόσμου της τέχνης, Dobuzhinsky: «Εργάστηκε, όπως ο Serov, πολύ πεισματικά και αργά, αναγνωρίστηκε μόνο τα καλύτερα χρώματα / ... / στην τέχνη του είχα μια πραγματική αγάπη της αγάπης, μου φάνηκε ότι πραγματικά πολύτιμη, και η επιρροή του δεν ήταν λιγότερο από τον Benois, αλλά εντελώς διαφορετικό / ... / ελευθερία και δεξιότητα της ζωγραφικής του, όπου δεν υπήρχε κομμάτι που δεν θα γίνει με συναίσθημα, με συγχωρήσει . Και το κύριο πράγμα, η εξαιρετική οικειότητα της δημιουργικότητάς του, η μυστηριώδες των εικόνων του, η αίσθηση του λυπημένου χιούμορ και στη συνέχεια το ρομαντισμό του "gofmanovskaya" του ανησυχούσε βαθιά και άνοιξε κάποιο περίεργο κόσμο, κοντά στο αόριστο συναίσθημά μου / ... / Ήταν ένα μικρό, πολύ γεμάτο εκείνη την εποχή, ο Streaming "σκαντζόχοιρος" και φορούσε ένα μουστάκι, ντυμένο με μια μεγάλη γεύση, αλλά με μέτρια και σε όλους τους τρόπους, το βάδισμα και σε όλο το γεγονός ότι η εμφάνιση ενός ατόμου ήταν μια έκτακτη χάρη. Είχε ένα ιδιαίτερα χαριτωμένο τρόπο γέλιο και το πιο ειλικρινές γέλιο διασκέδασης / ... / Είμαστε ασυνήθιστα σύντομα και διανοητικά συμφωνεί, και η Kostya έγινε ένας από τους πλησιέστερους και ακριβότερους φίλους για τη ζωή. "Έπεσε γυναίκες, κομψό Coulanian Cavaners σε σκόνη σε σκόνη Περούκες διακοσμημένα με κήπους αγαλμάτων και αφεντικό, όλα αυτά ήταν τα οικόπεδα και οι χαρακτήρες των έργων του Somov. Ένα από τα κίνητρα της δημιουργικότητάς του είναι οι νεαρές γυναίκες σε ζεστούς εσωτερικούς χώρους, το παράδειγμα της οποίας βλέπετε.

Το κυρίαρχο γραπτό μπουκέτο του λιλάκι κάνει ένα ασφυκτικό άρωμα στο κομψό δωμάτιο της κυρίας και προκαλεί ένα φωτεινό ρουζ στο πρόσωπό της. Η Cartigine Somov διαπερνά την αστεία περίεργη βιβλιοθήκη ή ελαφριά κοροϊδία, η οποία μπορεί να δει, για παράδειγμα, στην ερμηνεία των έργων του "SEW KISS", ή "RINK".

Είναι χτισμένο ως τρίπτυχο, σε κάθε σκηνή του οποίου είναι το αστείο επεισόδιο του. Η λεπτή διείσδυση στην ατμόσφαιρα της ζωής της αρχής του 19ου αιώνα διακρίνεται από την ακουαρέλα "με τα πόδια μετά τη βροχή".

Φως, η ήρεμη διάθεση επικρατεί εδώ. Χαρούμενα, χτύπημα χρυσαφένια-πράσινα χρώματα που βρέθηκαν με δέντρα βροχής, βότανα, λουλούδια. Στον ουρανό - Rainbow, εμφανίστηκε για πρώτη φορά από το Somov. Αποκαλύπτει την καθαρότητα και τη φρεσκάδα της φύσης μετά την πρόσφατη βροχή. Στο δρομάκι του πάρκου, μπροστά από τα αγάλματα, σε έναν πάγκο με μοτίβο κάθεται σε ένα ταξίδι, μια νεαρή γυναίκα με μια ομπρέλα, σε ένα ντυμένο φόρεμα και ένα καπέλο, διακοσμημένο με λουλούδια. Εδώ στο γρασίδι που παίζει ένα μικρό κορίτσι σε χρυσά ρούχα. Με την κυρία να μιλάει δύο νέους που την πλησίασε. Όπως και σε άλλα σχέδια, ο Somov απαλά, γενικευμένος αντιμετωπίζει τη φύση και περισσότερες λεπτομέρειες - αριθμούς. Αγαπημένο από τον χρόνο καλλιτέχνη - XVIII και η αρχή του XIX αιώνα - αναπαράγει ωραία και ποιητική. Υπήρχε ένα θαυμάσιο πορτρέτο του οποίου οι ερευνητές έβαλαν σε μια σειρά με τα έργα του Λεβίτσκι και του Kramsky. Δημιούργησε ένα μικρό αριθμό ποσοτήτων, αλλά μια σημαντική γκαλερί πορτραίτο που ενεργούν "ασημένιο αιώνα": Αυτοί είναι καλλιτέχνες, ποιητές, κοσμικές κυρίες, συγγενείς και φίλοι. Στα πορτρέτα του Somov έφεραν την κατανόησή τους για την εικόνα. Το πορτρέτο της Άννας Καρλόβασνα Benoit, η σύζυγος ενός φίλου Somov - Alexander Benua είναι μοναδική με αυτή την έννοια.

Διακρίθηκε από έναν χαρούμενο, χαρούμενο χαρακτήρα, ήταν μια ζωντανή, ενεργητική, φλερτ νεαρή γυναίκα. Στο πορτρέτο βλέπουμε στοχαστικό, κάπως αποσπασμένο από τον έξω κόσμο, βυθισμένο στον εαυτό σας σε ένα φόρεμα από το τέλος του XVIII αιώνα. Εμφανίζεται στο πάρκο, το οποίο λυθεί ως απομακρυσμένο υπόβαθρο. Ο καλλιτέχνης επέλεξε μια τεχνική παστέλ για αυτό, παρά το γεγονός ότι το πορτρέτο είναι αρκετά μεγάλο, και στη δημιουργική κληρονομιά του Somov δεν ανταποκρίνεται πλέον στα παστέλ έργα μιας τόσο μεγάλης μορφής. Εδώ αυτή η τεχνική έχει μια ιδεολογική έννοια: το παστέλ σας επιτρέπει να αντιλαμβάνεστε αντικείμενα σαν να βρίσκεστε σε μια ελαφριά ομίχλη, η οποία αντιστοιχεί στην προσοχή της ηρωίδας και ολόκληρης της ατμόσφαιρας της εικόνας. Η παγκόσμια, η τραγική εικόνα του σύγχρονου δημιουργούσε το Soms στο Εικόνα "κυρία με μπλε χρώμα".

Είναι γνωστό ότι ο καλλιτέχνης Elizaveta Mikhailovna Martynova παρουσιάζεται εδώ εδώ. Έζησε μια σύντομη ζωή - πέθανε από τις πνευμονικές ασθένειες. Οι ελπίδες της για την ευτυχία, την επιτυχία και την αναγνώριση δεν πραγματοποιήθηκαν. Η "κυρία σε μπλε" έγινε ένα είδος σύμβολο της εποχής. Ο καλλιτέχνης εισήγαγε μια νεαρή γυναίκα σε ένα vintage φόρεμα σε μια ζωγραφική, στο φόντο του πράσινου του πάρκου, με ένα βιβλίο στο χέρι. Το βλέμμα της, που επιδιώκει τον θεατή, γεμάτο θλίψη και θλίψη. Τα κορεσμένα μπλε φορέματα αποτελούν την αντίθεση με τη λευκή δαντέλα κολάρο και τονίζουν την παλλότητά του ενός όμορφου προσώπου. Προσωπικές εμπειρίες Ε. Μ. Μαρυνόφ, ο καλλιτέχνης έδωσε μια συμβολική έννοια δημιουργώντας μια γενικευμένη εικόνα.
Μια άλλη "εικόνα της εποχής" συλλήφθηκε από το Somov στο πορτρέτο του καλλιτέχνη otrumova της Άννας Petrovna (από το 1905 - μαραμένο-κύκνο).

Ο Somov εργάστηκε σε ένα πορτρέτο για πολύ καιρό - κατά τη διάρκεια του χειμώνα του 1900-1901. Έχουν πραγματοποιηθεί εβδομήντα τρεις συνεδρίες, καθένα από τα οποία διήρκεσε τέσσερις ώρες. Η Άννα Πετρόνα υπενθύμισε ότι "συνομιλεί, γέλασε, μεθυσμένος," αλλά η εικόνα αποδείχθηκε "ονειρική, θλιβερή φιγούρα". Somov "Τίποτα δεν χτυπήσει το αρχικό έργο". Αποκάλυψε την πνευματική ουσία του μοντέλου, της σοβαρότητας και της σκέψης της, παρά το γεγονός ότι ο anna petrovna ο ίδιος αστειεύτηκε και γέλασε κατά τη διάρκεια των συνεδριών, επειδή χαρακτηρίστηκε από χαρούμενο χαρακτήρα. Αλλά ο Somov δημιούργησε μια γενικευμένη πνευματισμένη εικόνα της δημιουργικής προσωπικότητας του χρόνου του. Το πορτρέτο γίνεται στη σκοτεινή σειρά με παραλλαγές βαθύ μπλε, ροζ και μοβ αποχρώσεις. Τα τοπία των somov βούρτσες εμφανίστηκαν συχνά: Αυτά είναι καλοκαιρινά σπίτια κοντά στην Αγία Πετρούπολη, Martykino, όπου η οικογένειά του έζησε το καλοκαίρι, τους δρόμους, την αρόσιμη γη , η αγρότης, κλπ. Το κύριο θέμα της δημιουργικότητάς του παρέμεινε, καθώς και από τον Μπενόη, τον αιώνα XVIII. Cavalers και κυρίες σε περούκες και crinolines, Mascaras με Harlequins και Colombines, ημερομηνίες αγάπης, μυστηριώδη γράμματα, σκηνές από ιταλικές κωμωδίες - χαρακτηριστικές ιστορίες των somov πίνακες ζωγραφικής.

Ο καλλιτέχνης εργάστηκε επίσης στην Κίνα, δημιουργώντας παρόμοιες εικόνες, για παράδειγμα, μια "κυρία τραβώντας τη μάσκα". Ταυτόχρονα, στο έργο του Somoov, μια υπενθύμιση του ουράνιου τόξου και των πυροτεχνημάτων που βρίσκονταν συχνά στους πίνακές του και τα πυροτεχνήματα συμβολίζουν στους πίνακές του. Ο μακροχρόνιος κόσμος, στην οποία αφιέρωσε το έργο του και το ταλέντο του καλλιτέχνη εισήγαγε την τέχνη του μια μοναδική, permeating γοητεία. Αυτές οι ιδιότητες που η ζωγραφική "Harlequin και η κυρία" διακρίνεται από το 1921.

Το θέμα "Harlequinad", ιταλικές εορταστικές εκδηλώσεις, το "Arlekinov και το φράγμα" αναπτύχθηκε από τον καλλιτέχνη σε διαφορετικά χρόνια, σε διάφορες εκδόσεις και διάφορες τεχνικές - Guaishes, ακουαρέλες, βούτυρο σε καμβά. Πριν από εμάς είναι μία από αυτές τις εικόνες. Στο προσκήνιο, όπως στο θεατρικό στάδιο, χορεύουν πρόσωπο με τον θεατή της κυρίας και του ιππικού στο κοστούμι του Harlequin. Χορεύουν στο πλαίσιο της αψίδας από τα κλαδιά που γράφονται με τη λεπτότητα κοσμημάτων. Στα βάθη, ανάμεσα στα δέντρα, τα ζευγάρια περιστρέφονται σε κοστούμια μεταμφίεσης και απογειώνονται στα φώτα πυροτεχνημάτων σκοτεινού ουρανού. Το υπέροχο μπουκέτο τριαντάφυλλων, που διακοσμεί τη σκηνή, φαίνεται, αποπνέει ένα ισχυρό άρωμα και μιλά για την αιώνια, ασταθή ομορφιά. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε τον φανταστικό κόσμο του για τις διακοπές της ζωής, τη διασκέδαση και την ομορφιά. Αλλά σε όλα αυτά υπάρχει μια ειδοποίηση θλίψης - ότι αυτός ο κόσμος ήρθε στη ζωή μόνο στη φαντασία του καλλιτέχνη. Το λιοντάρι του Samoilovich Bakst (Rosenberg) ήταν ο τρίτος μεγαλύτερος εκπρόσωπος του "κόσμου της τέχνης".

Ήρθε από την πλούσια εβραϊκή οικογένεια. Ο Μπακ Ενδιαφέρουσες πληροφορίες σχετικά με τις εντυπώσεις του παιδιού της Baksta, ενημερώνει τον βιογράφο Na Borisovskaya, αναφερόμενος στο ιστορικό θέατρο Andrei Levinson, στον οποίο ο Bakst μίλησε για τον εαυτό του: «Τα πρώτα χρόνια της ζωής ήταν υπό την εντύπωση των συνεδριάσεων με τον παππού (το 1891, ο Bakst πήρε το επώνυμό του). Ανώτερος Bakst, "Παριζιάνικο της δεύτερης αυτοκρατορίας", Epicurez, ένας κοσμικός άνθρωπος, ένας φίλος του δούκα του Morney (γαλλικός διπλωμάτης και ο συγγραφέας της Waterville, που προέρχονται από το Alphonse Dodé στο μυθιστόρημα "Nabob" με το όνομα του γραφήματος Mora) , έζησε την ηλικία του στην Αγία Πετρούπολη, βυθισμένη σε μνήμες. Η πολυπλοκότητα των αρχαίων εντολών, η πολυτέλεια της κατάστασης του σπιτιού του ήταν σχεδόν η μόνη καλλιτεχνική εντύπωση της πρώιμης παιδικής ηλικίας και ο ίδιος ο παππούς είναι ένας καταπληκτικός γέρος, γεμάτος μυστήριο και γοητεία, διατηρείται στη μνήμη ως μια ενσωμάτωση ενός α ωραία γεύση. "

Στο Γυμνάσιο, ο μελλοντικός καλλιτέχνης εθισμένος στο σχέδιο. Ο γλύπτης Mark Matveevich Antocolsky ενημέρωσε τον νεαρό να εισέλθει στην Ακαδημία Τεχνών. Δεν έλαβε την πρώτη φορά, αλλά μετά από ιδιωτικά μαθήματα σε ένα ειδικό πρόγραμμα, μια προσπάθεια πέτυχε. Εκείνη τις μέρες, οι καλλιτέχνες, ακόμη και οι πιο διάσημοι, δεν τελείωσαν πάντα αυτό το σχολείο. Για παράδειγμα, ο Victor Vasnetsov, ο Vrubel, Benois, ο Serov και ο Somov άφησαν τους τοίχους της Ακαδημίας για διάφορους λόγους. Ο Bakst άφησε επίσης την ακαδημία να λάβει δίπλωμα. Η εικόνα του "πένθος του Χριστού" πραγματοποιήθηκε με τον νέο, ρεαλιστικό τρόπο για εκείνη την εποχή και το ακαδημαϊκό συμβούλιο την επέκρινε.

Μέχρι αυτή τη φορά, ο πατέρας του Bapti πέθανε και η οικογένεια χρειάστηκε υλική βοήθεια. Ο Bakst εργάστηκε πολύ πάνω από το που απεικονίζει διάφορα περιοδικά και βιβλία για παιδιά για να βοηθήσουν την οικογένεια. Σύντομα γνώρισε τους αδελφούς του Albert και τον Αλέξανδρο Μπενούα και άρχισε να παρακολουθεί τον κύκλο Benoit, το οποίο αναφέρθηκε παραπάνω. Το 1893, ο Bakst έφυγε για το Παρίσι, όπου συνέχισε τις σπουδές του σε ιδιωτικά στούντιο γαλλικών καλλιτεχνών, ειδικότερα, ο Jean - Louis Zheroma, ο συγγραφέας του Salon και των Ακαδημαϊκών έργων, και ο φινλανδικός καλλιτέχνης Albert Edelfelt, ένας διάσημος δάσκαλος των θεαματικών πορτρέτων, τοπία, ιστορικά και είδη ζωγραφικής.

Το δημιουργικό μονοπάτι του Lion Bakst ξεκίνησε ως πορτραίτο. Εφαρμόζεται από αυτόν στη δεκαετία του 1890 και του πρώιμου XX αιώνα, τα πορτραίτα εισάγονται σταθερά στην ιστορία της τέχνης. Η τέχνη που είναι εγγενής στη φύση του Baksta, επηρέασε το τελευταίο αυτοπροσωπογραφία του 1893. Παραδοσιακό για τον καλλιτέχνη Velvet παίρνει και μια ελεύθερη μπλούζα τονίζει τη δημιουργική του εμφάνιση, αλλά το κύριο πράγμα αποκαλύφθηκε - η ταχύτητα, η δύναμη του χαρακτήρα. Για ένα χρόνο πριν από το θάνατο του Λεβιδίου, ο Bakst έκανε το γραφικό του πορτρέτο. Το εκφραστικό πρόσωπο του Levitan παράγει μια ισχυρή εντύπωση μιας βαθιάς και λυπημένης εμφάνισης των μεγάλων ματιών του.

Bakst δημιούργησε πορτρέτα καλλιτεχνών, ποιητές, μουσικοί - δημιουργικές προσωπικότητες από το περιβάλλον κοντά του. Σχετικά με το διάσημο πορτρέτο S. P. Dyagilev που έχουμε ήδη μιλήσει. Μερικοί νωρίτερα - το 1902 - ο Bakst έγραψε ένα πορτρέτο μιας άγνωστης κυρίας που ονομάζεται "δείπνο. Κυρία με πορτοκάλια. "

Πιστεύεται ότι το πρωτότυπο εξυπηρέτησε τη σύζυγο της Benoita - Anna Karlovna. Αλλά δεν είμαστε ένα συγκεκριμένο πορτρέτο, για τη γενικευμένη εικόνα των κυριών στο μοντέρνο στυλ. Η ζωγραφική κυριαρχείται από την κομψή σιλουέτα της κυρίας σε ένα μαύρο φόρεμα, σε μαύρο, παρόμοιο με μια τεράστια πεταλούδα, ένα καπέλο, σε ένα σχεδόν άχρωμο με ένα πρασινωπό φόντο απόχρωσης, σε αντίθεση με πορτοκαλί κηλίδες των πορτοκαλιών. Αυτό το χρώμα Gamma δίνει μια εικόνα πολυπλοκότητας και διακοσμητικού. Και όχι μόνο το σχέδιο χρωμάτων. Η γραμμική απόφαση της κυρίας σιλουέτα έρχεται σε αντίθεση με έναν υπέροχο βρόχο του φόρεμά του και γενικεύεται, σαν να γράφει απρόσεκτα από τις πτυχές του τραπεζομάντιλου. Διακοσμητικό, αντίθεση, κάποια μυστηριώδες της εικόνας - όλες αυτές οι ιδιότητες είναι εγγενές σε μοντέρνο στυλ.

Επίσης γνωστό είναι το θεαματικό πορτρέτο του ποιητή Zinaida Hippius, η σύζυγος του συγγραφέα Dmitry Sergeevich Meriaryovsky, ο οποίος συμμετείχε στο περιοδικό με τις λογοτεχνικές σπουδές του. Η φιγούρα της φαινόταν να "η ζωντανή ενσάρκωση του καλλιτεχνικού μοντερνισμού που είναι επαγγελματική από το περιοδικό". Μια απότομη γλώσσα του Zinaida Hippius και ποιητικών ογδογμάτων έκανε μια σημείωση αστεία στη συναρμολόγηση. Έτσι, ένα από τα ποιητικά της αστεία χαρακτηρίζει το ρόλο του DYAGILEV στην ένωση:

Οι λαοί διέταξαν το Ναπολέοντα,
Και η συγκίνηση ήταν μια μεγάλη,
Ήρωας τιμή! Νόμος περί βαρών!
Και χωρίς εποπτεία - είμαστε όλοι κηρήθρα.

Κοτόπουλο Coop - Cock One Dan
Κυριαρχεί στους πολλούς υποβρύχους του.
Και στο κοπάδι υπάρχει ο Ναπολέων: Baran.
Και σε Mircycling υπάρχει: Seryozha.

Στο μέλλον, κατά τη διάσημη "ρωσική εποχές" Dyagilev, ο Bakst έγινε διάσημος ως εξαιρετικός διακοσμητής θεάτρου της εποχής του. Πήγε σε αυτή την παγκόσμια επιτυχία στην Αγία Πετρούπολη. Αναφέρθηκε παραπάνω ότι ο Bakst εξακολουθεί να είναι μέλος της κούπα του Benoit που έχει μεταφερθεί με την Αρχαία Ελλάδα και έκτοτε, το αρχαίο θέμα έχει οδηγήσει στην τέχνη του. Το 1902, σχεδίασε την απόδοση του "Ippolite" του Eurypid και το 1904 - "Oedipal στο Colon" Sofokla για την εκτέλεση στο θέατρο Alexandrinsky στην Αγία Πετρούπολη. "Στο" Ippolit ", η δράση έλαβε χώρα στα βασιλικά pags και μπροστά από το ναό. Οι κύριοι χαρακτήρες είναι η νεαρή βασίλισσα, ερωτευμένη με το βήμα, και ο υπέροχος νεαρός - ενέπνευσε τον καλλιτέχνη να δημιουργήσει υπέροχα πολύχρωμα ρούχα. Αλλά στην Edipa, τα ενεργητικά άτομα είναι τυφλάει ο ίδιος και η εθελοντική απώλεια ODIIP, περιπλάνηση με έναν οδηγό - μια κόρη αντιγόσο. Η δημιουργία των lochmotion των ζητιάνων είναι ένα δύσκολο έργο για την αγάπη πολυτελή bakst. Πήρε την ψυχή στα ρούχα για μια αρχαία χορωδία. Εξαιρετικά κοστούμια στο ασπρόμαυρο γάμμα με ασημένια στοιχεία έψαχναν τέλεια το σκηνικό κορεσμένου πράσινου φύλλου. "

Το 1903, το μπαλέτο "νεράιδα κούκλες" πραγματοποιήθηκε με μεγάλη επιτυχία στη σκηνή του Θέατρο Ερμιτάζ, τα κοστούμια και το τοπίο για την απόδοση έγιναν σύμφωνα με τα σκίτσα του Bakst. "Η επιτυχία της παραγωγής ερημίσεων" νεράιδα κούκλας "ήταν τόσο μεγάλη που αμέσως αναβλήθηκε στο στάδιο του θεάτρου Mariinsky", όπου κράτησε τα είκοσι δύο χρόνια. Ο σχεδιασμός του Bakst απόδοσης που εκτελείται στο στυλ της δεκαετίας του 1850, το οποίο άρεσε ιδιαίτερα το κοινό. Ο Bakst συμμετείχε στο σχεδιασμό του περιοδικού "Ο κόσμος της τέχνης", δημιουργώντας βινιέτες και οθόνης στους οποίους επικράτησε ένα αντίκες θέμα. Μια μάρκα που δημιουργήθηκε από την Baxk, το σύμβολο του "κόσμου της τέχνης" - με τη μορφή ενός περήφανα κάθεται πάνω από έναν ισχυρό, αλλά μοναχικό αετό. Μεγάλα σημεία φωτός και σκιάς δημιουργούν μια αντίθεση και συμβάλλουν στη μνημειακή εικόνα μιας εικόνας αετού που αντιστοιχεί στην αξία του "κόσμου τέχνης" στην καλλιτεχνική ζωή. Το "Elizium" μνημειώδες έργο ήταν "Elisium" - η κουρτίνα για το δράμα Θέατρο της Faith Fedorovna Επίτροπο, εκπληρώνοντας το 1906.

Η κουρτίνα απεικονίζει τον παράδεισο. "Εκεί, αόρατοι θνητοί, οι ευλογημένοι ήρωες που έλαβαν αθανασία από τους θεούς είναι για πάντα κατοικίες". Η κουρτίνα είναι πραγματικά τεράστια - πάνω από δέκα μέτρα σε ύψος και περίπου επτά πλάτος. Όλος ο χώρος του καμβά καταλαμβάνεται από αειθαλή δέντρα, στο φόντο των οποίων τα φωτεινά λουλούδια λάμπουν σε πολυτελή βάζα και στήλες Whiteramor. Μεταξύ αυτής της μεγαλοπρέπειας είναι ελάχιστα διακριτές, μικρές μορφές ανθρώπων που ήρθαν σε αυτόν τον παράδεισο θάμνο "στην ειδική χάρη των θεών". Ωστόσο, αυτός ο "παράδεισος" παράγει μια ζοφερή εντύπωση: οι χόρτες των γιγαντιαίων δέντρων είναι πολύ σκοτεινές, οι φιγούρες των ανθρώπων που έχασαν εκεί είναι πολύ μικρά εκεί, στις πόζες των οποίων είναι ανησυχητικό. Όπως μπορείτε να δείτε, ο καλλιτέχνης θυμήθηκε τον θανατηφόρο των αρχαίων Ελλήνων, για την αδιαδίκη των θεών τους.

Το 1907, μαζί με τον V. A. Serov, ο Bakst έκανε ένα ταξίδι στην Ελλάδα. Είπε για τις εντυπώσεις του στο βιβλίο "Serov και εγώ είμαι στην Ελλάδα", που δημοσιεύθηκε το 1923. Τα τοπία των καλλιτεχνών της Ελλάδας έκαναν μια ισχυρή και απροσδόκητη εντύπωση με τα χρώματα τους και αργότερα σερβίρονται τόσο Bastcast και Serov για έργα στο αρχαίο θέμα. Ο Bakst έγραψε: "Τι απροσδόκητη Ελλάδα! Οι χορδές άμμου και κοκκινωπές βράχοι κόβονται από σκούκλα οριζόντιες γραμμές φρουρίων, όπου - δημοσιευμένο παιχνίδι - μικροσκοπικοί στρατιώτες πορεύονται από στήλες. Πάνω από - διάσπαρτα κοπάδια από γκρίζα ελαιώνες. Ακόμη και πάνω, και πάλι ο Nagi Cliffs είναι άγρια, κλασικά, βαμμένα, όπως δέρματα λεοπάρδαλης, λανθασμένα σκούρα καφέ κηλίδες. " Στη συνέχεια, στο τοπίο και τα κοστούμια στους άνδρες μπαλέτου 1911-1912 σε αντίκες θέματα για τις "ρωσικές εποχές" του Dyagilev και ενός διακοσμητικού πίνακα στην ιστορία του Long "Daphnis and Chloe", συγγραφέας II-III αιώνα και άλλα έργα (αυτοί Θα συζητηθεί παρακάτω) Ο Bakst δημιούργησε μια ατμόσφαιρα μυθικής Ελλάδας. Το έργο του Serov, ένα ταξίδι στην Ελλάδα είχε επίσης την επιρροή της. Συνδυάζει τις εντυπώσεις των τοπίων της Ελλάδας και των σχεδίων στα αρχαία βάζα στις ζωγραφιές "Οδύσσεια και πλοήγηση" και "απαγωγή της Ευρώπης", δίνοντας εικόνες γωνιώδους και γενίκευση εγγενείς στο ύφος της σύγχρονης φρίκης ").

Το Buxt ξεκίνησε αυτή την εικόνα πριν από το ταξίδι στην Ελλάδα, αλλά το ταξίδι τον εμπλουτίστηκε με νέες εντυπώσεις. Ολοκλήρωσε το έργο το 1908. Η εικόνα δείχνει το θάνατο της μυθικής Ατλαντίδας, η οποία μπορεί να συσχετιστεί με τη σκέψη του θανάτου του κόσμου, για την προσέγγιση της κοινωνικο-δημόσιας καταστροφής, την οποία πολλοί εκπρόσωποι της δημιουργικής νοημοσύνης προμηθεύτηκαν στις αρχές του 20ού αιώνα. Σε μια μεγάλη, σχεδόν τετράγωνη εικόνα του Baksta απεικονίστηκε το "πανόραμα του βραχώδους αρχιπέλαγου που απορροφάται από τη ναυτική puchina, τρομοκρατημένες μικρές ανθρώπινες μορφές στη φρίκη και οι δομές και τα αγάλματα των διαφορετικών αιώνων είναι περήφανοι για αυτούς, στο κέντρο - ως σύμβολο της αιώνιας επιβεβαιωτικής ομορφιάς - Αρχαϊκή Αφροδίτη με ένα μυστηριώδες χαμόγελο σε πέτρινα στόματα και μπλε περιστέρι στο χέρι. Στον καμβά, μια εμπνευσμένη ιστορία του θανάτου της Ατλαντίδας, καθώς και άλλη ημι-τεχνολογική-πενταστική υπόθεση, εισβάλλοντας ενεργά τη λογοτεχνία και την τέχνη των αρχών του 20ού αιώνα, αντανακλούσε έμμεσα την αντίληψη των μεγάλων κοινωνικών διαταραχών από την Ο καλλιτέχνης, ο οποίος υποστήριξε τη διαπίστευση των πολιτιστικών αξιών, επισκέφθηκε τις μελλοντικές γενιές. " Στο δεδομένο κείμενο του ερευνητή, μπορείτε να προσθέσετε μόνο ότι η ιδέα του θανάτου του κόσμου (ή ο θάνατος της Ατλαντίδας) δεν έρχεται σε αντίθεση με την ερμηνεία του καλλιτέχνη όχι μόνο για την "Ααπάλλη ομορφιά", αλλά ότι φαίνεται Ιδιαίτερα σημαντική - για τη δύναμη της αγάπης, ενσωματώνοντας - και χωρίς σύμπτωση - στην εικόνα της αγάπης της Θεάς Αφροδίτης. Στο μέλλον, η όλη δημιουργική δραστηριότητα του Baksta συνδέθηκε με τις "ρωσικές εποχές" Dyagilev, για το οποίο Δημιούργησε το διάσημο, για πάντα που παραμένει στην ιστορία των σκίτσων μπαλέτου κοστουμιών και σκηνικών. Αυτό το έργο θα συζητηθεί παρακάτω. Ο Μπενουά, ο Σόβος και ο Bakst είναι οι κύριοι και οι πιο τυπικοί εκπρόσωποι του "κόσμου της τέχνης", των οποίων η δημιουργικότητα ενσωματώνει την καλλιτεχνική και ιδεολογική εστίαση της ένωσης. Σύντομα - το 1900 - Evgeny Evenievich Lancere και Anna Petrovna Ostrumova τους εντάχθηκαν (από το 1905 - Ostrumova-Lebedev). Το 1902 - Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky. Ο Lancer είναι ο ανιψιός του Benois - ήταν νεότερος από τον θείο του μόνο για πέντε χρόνια. Ο γιος του διάσημου γλύπτη Evgenia Alexandrovich Lancer και ανώτερος αδελφός Αλέξανδρος Μπενόης, Catherine Nikolaevna, μεγάλωσε σε ένα δημιουργικό περιβάλλον και όχι χωρίς την επιρροή του Μιρσουσούνικοφ έκανε το κύριο θέμα του αιώνα XVIII. Αλλά ταυτόχρονα, όπως ο Dobuzhinsky υπενθύμισε ", ο Dyagileva σπάνια είχε σπάνια, φαινόταν κάπως όχι στον" τόνο "ολόκληρης της ατμόσφαιρας - / ... / μου άρεσε σε αυτό και φιλικό, συγγενικό benoit, ειδική σεμνότητα και Την ίδια στιγμή το "άνοιγμα" και κάποια ευγένεια. Και στην εμφάνιση, ήταν σαν αυτό: Slim, με ένα όμορφο μακρύ πρόσωπο, με ένα απότομο προφίλ και καθαρά μάτια. Αυτό που επέστησε τα θαρραλέα και τα ισχυρά χέρια του είναι η ισχυρή του, όπως επιβλήθηκε εξαιρετικά.

Εικόνες του Lancer, αφιερωμένη στην εποχή Petrovsk και το είδος της Παλιάς Πέτερμπουργκ - "Πέτερμπουργκ αρχή του XVIII αιώνα. Το κτίριο του δώδεκα κολλεγίων "," Πέτρα Ι "Βοϊκ," Περπατώντας στο Mul "," Old Nikolsky Market στην Αγία Πετρούπολη ", τα πλοία" Petrovsky "είναι τέλεια μεταφέρονται στην ατμόσφαιρα της Αγίας Πετρούπολης υπό κατασκευή, τους πολίτες της και ακόμη και ο καιρός με ισχυρούς ανέμου και συννεφιασμένες μέρες. Η εικόνα της Αγίας Πετρούπολης του πρώτου τριμήνου του XVIII αιώνα, που δημιουργήθηκε από τον καλλιτέχνη στην εικόνα της κάρτας της Κοινότητας της Αγίας Ευγενίας, που δημιουργήθηκε από τον καλλιτέχνη στη μέση της κοινότητας του XVIII αιώνα στη μέση του XVIII αιώνα, εκπροσωπείται από τον καλλιτέχνη στη μέση του αιώνα XVIII. Lancer με ένα μεγάλο συναίσθημα, αξιόπιστα, φέρνει τον θεατή στον πραγματικό κόσμο της μεγάλης εποχής. Στην ζωγραφική "Empress Elizaveta Petrovna στο Tsarskoye Selo", ο Lancer δημιούργησε μια μαγευτική εικόνα ενός κρατικού φορτηγού που αφήνει το παλάτι στο πάρκο με την πολυάριθμα του Retinue.

Ο Lancer Talent μας πείθει στην αδιαμφισβήτητη πραγματικότητα του τι συμβαίνει, σαν να ο καλλιτέχνης είδε αυτή τη σκηνή με τα μάτια του. Ζωγράφος και συντάκτης, εργάστηκε ως εικονογράφος, καλλιτέχνης θεάτρου, συγγραφέας του εσωτερικού. Επίσης, διακοσμήθηκε το περιοδικό "κόσμο τέχνης" με βινιέτες, screensavers και απολήξεις και δημιούργησε το δικό του σύμβολο του "κόσμου της τέχνης" - την εικόνα του φτερωτού αλόγου του Πήγασου, που πετάει πάνω από τις εκτάσεις της Γης. Γραφιστική Skill Lancer αναπτύχθηκε σύμφωνα με τα επιτεύγματα της Μιρσουσουσένιης. Η ικανότητα όλων των καλλιτεχνών της "παγκόσμιας τέχνης" που εκδηλώθηκε στο σχεδιασμό του βιβλίου. Η επιθυμία να φέρει σύμφωνο με το σχέδιο με το βιβλίο, υποδεέστερα στο φύλλο του - ήταν μια νέα κατανόηση των νόμων της απεικόνισης. Εάν οι Benua και ο Dobuzhinsky περιλαμβάνονται στις βινιέτες και τα προφυλακτήρα των μοτίβων του XVIII ή την αρχή του αιώνα του XIX Centre, και ο Bakst περπάτησε από τα αρχαία κίνητρα, τότε ο Lancer γύρισε σε φανταστικές εικόνες - τα υπέροχα φίδια. Σε 1911-1914 Lancer fucked με την απεικόνιση της ιστορίας του Leo Nikolayevich Tolstoy "Haji Murat". Η ιστορία δημοσιεύθηκε μετά το θάνατο του συγγραφέα. Ο Lancer πήγε στον Καύκασο για να δει τους χώρους όπου πραγματοποιήθηκαν τα γεγονότα που περιγράφονται στην ιστορία και ειλικρινά εμφάνισαν τη δράση. "Επομένως, το πρώτο στάδιο της εργασίας για τις εικονογραφήσεις ήταν σχεδόν επιστημονική, έρευνα", γράφει ο ερευνητής. - Ο Lancer συλλέγει το εικονογραφικό υλικό, μελετημένο / ... / Μνημία λογοτεχνίας. " Η δράση της ιστορίας περνά όχι μόνο στον Καύκασο, αλλά και στην Αγία Πετρούπολη, η οποία καθόρισε τον στιλίστα των σχεδίων. Οι εικονογραφήσεις σχετικά με το θέμα του Καυκάσου επιλύθηκαν με ένα γραφικό, συναισθηματικό τρόπο, όπως, για παράδειγμα, στο σχήμα "Haji Murat κατεβαίνει από τα βουνά" και την άποψη της Αγίας Πετρούπολης - την πλατεία του Παλατιού - ο καλλιτέχνης που απεικονίζεται Ένας σαφής γραφικός τρόπος που αντιστοιχεί στην περιοχή της αρχιτεκτονικής πλαισίου. Στο μέλλον, ο Lancer εργάστηκε κυρίως ως εικονογράφος και θεατρικός καλλιτέχνης. Ο Mstislav Valeryanovich Dobuzhinsky έγινε επίσης νέα του κόσμου της τέχνης, παρά το γεγονός ότι προσχώρησε κάπως η Ένωση κάπως αργότερα.

Ο Dobuzhinsky γεννήθηκε στο Novgorod, γενικά του Γενικού. Η παιδική του ηλικία πέρασε στην Αγία Πετρούπολη. Σπούδασε στο Πανεπιστήμιο στη Σχολή Νομικής, τότε εδώ και αρκετά χρόνια, σε μια ιδιωτική σχολή τέχνης στο Μόναχο. Με την επιστροφή στην Αγία Πετρούπολη, ο Dobuzhinsky εισήλθε στο Υπουργείο Σιδηροδρόμων, το οποίο δεν παρεμβαίνει στη ζωγραφική του. Η μακρόχρονη γνωριμία του στο Μόναχο, ο Igor Emmanuilovich Grabar, τον εισήγαγε στο Dyagilev και Benois. "Η προσωπική μου γνωριμία με τον κύκλο του" κόσμου της τέχνης "συνέβη όταν το περιοδικό ήταν ήδη σε πλήρη άνθιση", το τρίτο έτος της ύπαρξής του ", ο Dobuzhinsky ανακλήθηκε. - / ... / Την ίδια μέρα, ο Grabar με έφερε στο DyagileV και στο Beno'a. Η Benoita εκείνη τη στιγμή ασχολήθηκε με την επεξεργασία του περιοδικού "Τέχνης τέχνης της Ρωσίας" και, αν και ήταν η "ψυχή" του "κόσμου της τέχνης", επισκέφτηκα το DyagileV σχετικά σπάνια και τον συνάντησα στο συντακτικό γραφείο του περιοδικού του . Το διαμέρισμα της Dyagileva, όπου το συντακτικό γραφείο ήταν μια τυπική Petersburg "Barskaya", με μεγάλα παράθυρα στο σιντριβάνι. Την Τρίτη, είχε συναντήσεις υπαλλήλων. Άρχισα να επισκέπτονται αυτές τις συναντήσεις εβδομαδιαίως. Ήταν γεμάτο και πολύ ζωντανό. Στην τραπεζαρία πίσω από το τραπέζι τσαγιού με στεγνωτήρια, η Samovar φιλοξένησε την νταντά του Dunya, ... (Οικονομικό από το Bakstom σε ένα πορτρέτο με DyagileV), η οποία έδωσε την τραπεζαρία πολύ χαριτωμένη και απροσδόκητη άνεση. Όλοι με την χαιρετήσουν το χέρι της. Αυτές οι συναντήσεις ήταν απλά φιλικές συναντήσεις και αυτές τις Τρίτες ανέφεραν το ίδιο το περιοδικό. Ήταν κάπου "πίσω από τις σκηνές" και σαν να το σπίτι: Όλη η δουλειά ήταν ο ίδιος ο ίδιος, ο ίδιος ο ίδιος και ένας φιλόσοφος, δεν υπήρχε γραμματέας για μεγάλο χρονικό διάστημα (τότε ένας μέτριος φοιτητής Grishkovsky εμφανίστηκε μόνο. Bakst αμέσως, στο DyagileV, στο πίσω δωμάτιο και το "Black Work" - οι λιανικές φωτογραφίες για το κλισέ, ακόμη και οι σχεδιαστές επιγραφές του για το περιοδικό, κλπ. Σε ένα μικρό δωμάτιο, κοντά στο μπροστινό μέρος ήταν η αποθήκη του περιοδικού, με ποιον Ο Lacey Dyagileev έκλεισε Blacknaya Vasily Zuykov, ο οποίος πέταξε στην Αγία Πετρούπολη με όλα τα είδη συντακτικών εντολών. " Βλέπουμε ότι οι αναμνήσεις του Dobuzhinsky για την ατμόσφαιρα που βασιλεύουν στην συντακτική γραφή συνεχίζουν την ιστορία ενός άλλου συμμετέχοντος στις συναντήσεις και τις συναντήσεις στο διαμέρισμα της Dyagilev, ο συγγραφέας Π. Π. Peszova, που δίνεται παραπάνω. Και αυτή η ατμόσφαιρα, κορεσμένη με τη δημιουργικότητα και την ενέργεια, συγκεντρώθηκαν τέτοιοι διαφορετικοί άνθρωποι και συνέβαλαν στη γέννηση ενός μοναδικού περιοδικού και της ανάπτυξης της δημιουργικότητας όλων των αρθρώσεων της Ένωσης. Με τη γνωριμία με τη Μπενουά, το Dobuzhinsky λέει: "Στην ίδια αξέχαστη Νοέμβριος 1902 ημέρα, grabar πριν με φέρει στο DyagileV, με εισήγαγε στο al / exandrom / n / ikolaevich / beno'a. Αυτή η πρώτη συνάντηση ήταν στο συντακτικό γραφείο της περιοδικής τέχνης θησαυρών της Ρωσίας, ο συντάκτης του οποίου ήταν τότε Beno'a / ... / στο Benoit, σκέφτηκα να συναντήσω ένα αλαζονικό, ειρωνικό πρόσωπο, το οποίο τον φαντάστηκα δηλητηριώδη και έξυπνα κρίσιμα άρθρα, ή ένα σημαντικό "κατασκεύασμα τέχνης" που μου δίνει αμέσως τον επιστήμονα μου. Αντ 'αυτού, είδα το πιο όμορφο και διασκεδαστικό φιλικό και προσοχή που χτύπησα στο Beno'a και κατέλαβε και αμέσως εξαφανίστηκε όλοι οι συναγερμοί μου. Η Benouua ήταν τότε τριάντα χρονών με λίγο, αλλά ήταν αρκετά παλιά στην όραση, λίγο, λίγο μάλιστα "έπαιξε τον παππού", ήταν με μια λυσίνα, με μια γενειάδα, στο Pensna, με δαντέλα και ντυμένο ήταν Αρκετά baggy (όπως ο Serov). Όλα αυτά ήταν απροσδόκητα για μένα, ήθελα αφελώς να τον γνωρίσω στην εικόνα του, έτσι ώστε στην εμφάνιση ήταν μια αλληλογραφία με τον κομψό αιώνα, το οποίο αγάπησε να απεικονίσει! Αλλά αυτή η αστεία "απογοήτευση" διήρκεσε μόνο την πρώτη στιγμή. Ο Μπένινα γνώριζε πολύ λίγα για μένα, απλά ότι μπορούσε να του πει ένα σιτάρι, και είδε μόνο μερικές από τη δουλειά μου. Αλλά μίλησε σε μένα τόσο ίση με τις κοινές μας γεύσεις και η εμπιστοσύνη του με έκανε σαν να "ο" του "γι 'αυτόν και τα περισσότερα από όλα τον πλησίασα αμέσως. Μου έδωσε αμέσως την πρώτη τάξη - να κάνω ένα βινιέτα στο περιοδικό και να σχεδιάσω κάποιες επιγραφές. Πολύ σύντομα άρχισα να είμαι από τη Μπενουά στο μικρό του διαμέρισμα σε έναν οδό αξιωματικού, όπου έφτασα από την εξαιρετική της άνεση και επικράτησα την αγαπημένη και ζεστή οικογένειά μου ... / αυτός ήταν ένας αληθινός "αποθήκη" της γνώσης και επικοινωνία με Αυτός, ο πιο έξυπνος και γοητευτικός συνομιλητής, ήταν το πραγματικό μου "πανεπιστήμιο τέχνης" / ... / Benois με εισήγαγε πραγματικά στο XVIII αιώνα, το οποίο ενήργησε τη φαντασία μου σε μια στιγμή πολύ. " Το ταλέντο Dobuzhinsky εκδηλώθηκε ως άλλοι καλλιτέχνες της "Παγκόσμιας Ειρήνης", σε διαφορετικά είδη: Είναι γνωστό ως εικονογράφος, ζωγράφος και θεατρικό διακοσμητικό. Ο M.V. Dobuzhinsky, όπως ο Α. Ν. Μπενουα και Α. Π. Ostrumova-Lebedeva, κατέλαβαν την αρχιτεκτονική της Αγίας Πετρούπολης, ενώ το κύριο ενδιαφέρον του ήταν ξαπλωμένο στον τομέα του όχι μιας παρέλασης, αλλά μια σύγχρονη φτωχή Πετρούπολη με τα χαμηλά σπίτια του, τα ναυπηγεία, τα περίχωρα.

Ο Dobuzhinsky κατέχει μια εργασία σε ένα αναδρομικό θέμα, διαπερνημένο από την ωραία ειρωνεία και γεμάτη ιδιόμορφη γοητεία - "επαρχία της δεκαετίας του 1830".

Η εικόνα μας επιστρέφει στις ώρες του Pushkin και Gogol. Οι περισσότεροι Dobuzhinsky εργάστηκαν ως εικονογράφος και καλλιτέχνης θεάτρου. Ο Dobuzhinsky απεικονίζει τα έργα του Μ. Yu. Lermontov, F. M. Dostoevsky, Γ. H. Andersen και πολλά άλλα. Ήταν επίσης ένας κύριος γραφικών πορτρέτων με ένα μολύβι, σφάγιο ή ακουαρέλα, σκίτσα και καρικατούρες. Μεταξύ των έργων αυτού του είδους, το πορτρέτο ενός συγγραφέα και κριτικού τέχνης Konstantin Alexandrovich Sunnerberg, που ονομάζεται Grabarem "άνθρωπος σε γυαλιά", είναι ιδιαίτερα γνωστή.

Ο Sunnerberg ήταν ένας φίλος του Dobuzhinsky, και επειδή υπάρχουν λίγοι άνθρωποι γνωρίζουν για αυτό το άτομο στην εποχή μας, τότε δίνουμε πληροφορίες σχετικά με αυτό από το βιβλίο των "αναμνήσεων" του ίδιου του καλλιτέχνη. "Ήταν σπάνια μορφωμένο πρόσωπο και ένα πραγματικό" ευρωπαϊκό "(Swed Blood). Ήταν ελκυστική κάπως εσωτερική χάρη και αριστοκρατία, ανάλογα με την εμφάνιση που θα μπορούσε να φανεί σαν "Sukharykh" και "άνθρωπος σε μια υπόθεση". Ήταν κουκούλα, σχεδόν thatch, φορούσε ένα τακτοποιημένο γεμάτο γενειάδα, ψιφάτσες μέχρι τη σοκολάτα, και είχε εκπληκτικά όμορφα χέρια. Ήταν όλοι όπως ήταν "ραμμένοι", ακόμη και τα γυαλιά του με τα γαλαζοπράσινα στελέχη ήταν ακριβώς η "ασπίδα" του, και όταν τους πυροβόλησε, εμφανίστηκε σε ένα εντελώς διαφορετικό πρόσωπο / ... / μαζί του, ήταν πάντα ενδιαφέρον να μιλήσω, Και οι δυο μας ενδιαφέρθηκαν για τη σύγχρονη ποίηση (ο ίδιος έγραψα ποιήματα), και οι συνομιλίες μας ήταν ιδιαίτερα συναρπαστικές στο σπίτι του / ... / Κωνσταντίνος Αλεξάντοβιτς ήταν παντρεμένος με μια πολύ χαριτωμένη, όμορφη, πλήρη καύση του Varvar Mikhailovna, ο οποίος σύντομα συναντήθηκε και έφερε τη γυναίκα μου. Το διαμέρισμά τους δεν ήταν μακριά από μας και συχνά πήγαμε ο ένας στον άλλο / ... / i προσέλκυσε όλη την ώρα μια μεγάλη θέα από το παράθυρο αυτού του διαμερίσματος σε κήπους με πράσινες κορυφογραμμές, σε μαύρες στοίβες καυσόξυλων, μερικές πίσω αυλές και ατελείωτες φράχτες και απομακρυσμένους τοίχους πολύχρωμα σπίτια με εργοστασιακούς σάλπιγγες πίσω. Και επέστρεψα αυτό το είδος πολλές φορές, και σε αυτό το φόντο σε λίγα χρόνια το έκανα ένα πορτρέτο μεγάλης γενιάς. " Το πορτρέτο γράφτηκε το 1905-1906, με τον πιο ανήσυχο χρόνο όταν ο καλλιτέχνης απάντησε στη συμμετοχή του σε επαναστατικά περιοδικά για να πυροβολήσει μια επίδειξη εργασίας τον Ιανουάριο του 1905. Στο πορτρέτο, το άγχος αισθάνθηκε, αντανακλώντας τη διάθεση του ίδιου του καλλιτέχνη. Αυτός ο συμμετέχων των εκθέσεων του κόσμου της τέχνης - η Anna Petrovna Ostroumova-Lebedev γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη, στην οικογένεια του Comrade Ober-Εισαγγελέα St. Σύνοδος.

Θυμηθείτε ότι βάζουμε το πορτρέτο της για το έργο του Serov. Η Άννα Πετρόνα σπούδασε στην Ακαδημία Τεχνών στην Ι. Ε. Repin και χάραξη V. V. Mee. "Ήταν μια πολύ παράξενη ένωση της χαριτωμένης ευθραυστότητας, η οποία την επηρέασε κάπως οδυνηρά κλίση στην πλευρά του άσχημου κεφαλιού και ταυτόχρονα κάποια εσωτερική σκληρότητα. Αυτό εκφράστηκε στο πορτρέτο του Somov. Η δύναμη ήταν ότι έκανε: Δεν είναι περίεργο ότι δόθηκε σε μια τέτοια θήκη, μια ξύλινη χάραξη, η πιο τεχνική του οποίου δεν επιτρέπει καμία κατά προσέγγιση ή μη φλεγμονή. Ταυτόχρονα, αυτή η τέχνη ήταν τόσο μακριά από οποιαδήποτε ξηρότητα. Ήταν μπροστά μου "έγραψε ο Dobuzhinsky," τα θέματα έλαβαν τον εαυτό του και ήξερε πώς να μεταφέρουν με την ειδική οικειότητα των τοπίων του. " Ο Ostrumov-Lebedev έγινε διάσημος χαράκτης. Για αρκετά χρόνια, έζησε στο εξωτερικό, στο Παρίσι, κοινοποιήθηκε με το Somov και Beno'a, έγινε μέλος του "κόσμου τέχνης". Η φήμη έλαβε τα έργα της αφιερωμένα στα περίφημα σύνολα παλατιών του Pavlovsk και του Tsarist Village και, φυσικά, την Αγία Πετρούπολη. Έλαβε την αψίδα της "Νέας Ολλανδίας" - η μυστηριώδης παλιά γωνιά της Αγίας Πετρούπολης και ένα από τα ομορφότερα μέρη της πρωτεύουσας - οι στήλες ανταλλαγής με θέα στο φρούριο και πολλά άλλα.

Οι δραστηριότητες του "κόσμου της τέχνης" προσελκύουν πολλά, πάνω απ 'όλα, νέοι καλλιτέχνες. Αυτά περιλαμβάνουν τον Valentin Aleksandrovich Serov. Ο γιος του διάσημου συνθέτη, ο Alexander Nikolayevich Serov, γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη. Στη δεκαετία του 1880 σπούδασε στον Π. Π. Chistyakov στην Ακαδημία Τεχνών, την οποία δεν βρήκε απαραίτητο να cum. Ο Serov ήταν μέλος του Συμβουλίου της Ακαδημίας Τεχνών και της Γκαλερί Tretyakov. Ήδη στο τέλος της δεκαετίας του 1890, έγινε κοντά στους καλλιτέχνες του «παγκόσμιου πολέμου» και, ίσως, όχι χωρίς την επιρροή τους, απευθυνόταν στο θέατρο και στην ιστορική ζωγραφική για το θέμα του 18ου αιώνα. Ο Dobuzhinsky ανακλήθηκε ο Serov: "Στις εκκλησίες, καθόταν πάντα στην άκρη, άκουσε και δεν απενεργοποίησε ένα τσιγάρο, έκανε κάτι στο άλμπουμ. Έκανα και τα δύο κακά, πολύ παρόμοιες καρικατούρες σε αυτούς τους παρόντες, ειδικά το πικρό, με τον οποίο ήταν ιδιαίτερα φιλικό. Δίπλα του, φαινόταν περιστασιακά ντυμένος, ήταν ο Complast, με μια εξαιρετικά αιχμηρή εμφάνιση. Ως επί το πλείστον, σε αυτή την θορυβώδη εταιρεία, συνδέθηκε, αλλά μία από τις παρατηρήσεις του, πάντα αιχμηρές, ή διασκεδάζοντας όλους, ή προκάλεσε σοβαρή προσοχή. Η γνώμη του Serov αντιμετωπίστηκε πολύ και θεωρήθηκε μαζί του ως αδιαμφισβήτητη αρχή, προσπάθησε γύρω από τα πάντα ήρεμα και ήταν ένα πραγματικό γενικό "κέντρο συγκράτησης". Ο Μπενούα τον κάλεσε κάπως «η συνείδηση» του κόσμου της τέχνης ». Σταδιακά "το συνηθίζω", κατάλαβα ότι η αγάπη που ήταν σε αυτόν από όλους, καθώς και την τέχνη του. " Ο Serov κατάφερε να διαδραματίσει έναν κρίσιμο ρόλο στην τύχη του περιοδικού. Το 1900, έγραψε το πορτρέτο του αυτοκράτορα Νικολάου Β.

"Οι συνεδρίες κράτησαν για πολύ καιρό, όπως ο Serov συνήθιζε να κάνει ένα σκίτσο, να το πλύνει εντελώς και την επόμενη φορά για να γράψει και πάλι - μέχρι το έργο να τον ικανοποιήσει. Έτσι, το πορτρέτο του Nicholas II έγινε για τελευταία φορά, φαίνεται να είναι τριάντα πέμπτη ή έτσι μια συνεδρία. Ο τραυματισμός ο καλλιτέχνης και το μοντέλο του άρχισαν να μιλάνε μεταξύ τους. Με την ευκαιρία, θυμάμαι το πέρασμα από αυτές τις συνομιλίες, είπε ο Serov στον συντάκτη, - γράφει τον συγγραφέα Π. P. Pertsov, - πήγε στη χρηματοδότηση. "Δεν καταλαβαίνω τίποτα στα οικονομικά", δήλωσε ο Serov. "Και εγώ," ο συνομιλητής του ομολόγησε. Για πολλές ώρες αυτών των συνεδριών, ο Serov είχε χρόνο να πει για το περιοδικό, τα καθήκοντα και την κρίσιμη θέση του. Ως αποτέλεσμα, ακολουθήθηκε ο διορισμός επιδότησης από τα «δικά του» ταμεία των 30000 ρούβλια ετησίως. Αυτό επέτρεψε τη δημοσίευση του περιοδικού τόσο εξαιρετικά, όπως δημοσιεύθηκε ».

Το 1902, ο νεαρός καλλιτέχνης Nikolai Konstantinovich Roerich εντάχθηκε στην Ένωση. Το κύριο ενδιαφέρον της Roerich στη περιοχή της παγανιστικής και χριστιανικής Ρωσίας και του πολιτισμού της αρχαίας Ινδίας, η μελέτη της οποίας αφιέρωσε εδώ και πολλά χρόνια. Ο Rerich έλαβε μέρος στην έκθεση της Μόσχας "Ο κόσμος της Τέχνης" το 1902 και αργότερα συμμετείχε σε άλλες εκθέσεις, και εξέδωσε επίσης αρκετές παραστάσεις στο AntrePreze Dyagilev. Έχοντας εγκαταλείψει τη Ρωσία το 1918, η Roerich ζούσε και εργάστηκε στην Αμερική, όπου ίδρυσε πολλά εκπαιδευτικά ιδρύματα και από τα τέλη της δεκαετίας του 1920, ολοκλήρωσε τις περίφημες αποστολές του στην Ινδία, τη Μογγολία και το Θιβέτ, παρέμεινε για πάντα στην Ινδία. Με τον "κόσμο της τέχνης", ο Roerich έδεσε τις εκπαιδευτικές δραστηριότητες. "Το περιοδικό" Ο κόσμος της τέχνης "έγινε μια νέα σκηνή στην ιστορία της καλλιτεχνικής κριτικής και στη μελέτη της ιστορίας της τέχνης στη Ρωσία, σημειώνεται στο έρευνα. - Πράγματι, ο κύκλος των προβλημάτων που πλήττονται από αυτούς είναι τόσο εκτεταμένος, η μικρότερη της δραστηριότητάς της είναι τόσο ενεργητική ώστε κάθε πολιτιστικό ερευνητή όχι μόνο να στρέφει αιώνες, αλλά αργότερα, θα επικοινωνήσει με την ιστορία της ζωγραφικής, της μουσικής ή της καλλιτεχνικής κριτικής, Δεν είναι σε θέση να αποφύγει ένα τέτοιο φαινόμενο ως "Ειρηνική τέχνη.

Το περιοδικό εισήγαγε το κοινό με το έργο των καλλιτεχνών της νέας εποχής και συνέβαλε έτσι στη διάδοση της γνώσης σχετικά με τη σύγχρονη καλλιτεχνική ζωή. Τα ξεχωριστά δωμάτια αφιερώθηκαν στον Viktor Mikhailovich Vasnetsov (1899, №1), Ilya Efimovich Repin (1899, Νο. 10), Elena Dmitrievna Polenova (1899, №18), Konstantin Alekseevich Korovina (1899, №21-22), Valentina Alexandrovich Serov (1900, №1-2), MIKHAIL VASILYEVICH NESSOV (1900, αριθ. 3-4), Ισαάκ Ηλίδη Λεβιδική (1901, Νο. 1), Μιχαήλ Αλεξάντλοβιτς VRubel (1903, Νο. 10-11). Τον Μάιο του 1899, το κοινό γιόρτασε ευρέως την 100ετή επέτειο από τη γέννηση του Α. S. Pushkin. Αυτή τη στιγμή, το ποίημα "Ruslan και Lyudmila" δημοσιεύθηκε με ακουαρέλες Α. Ν. Μπενουά και η έκδοση τριών τόμων των γραπτών Α. S. Pushkin, στην απεικόνιση των οποίων V. Α. Serov, Μ. Α. Vrubel, V. M. Vasnetsov και μέλη του "World of Art "- Ka Somov και Benua. Καθώς ο Pushkin ήταν αφιερωμένος στο ειδικό τεύχος του περιοδικού του κόσμου της τέχνης με άρθρα της Dyagileev για τα σχέδια στα έργα του ποιητή. Στις σελίδες του περιοδικού τοποθετήθηκαν φωτογραφίες από μνημεία της αρχαίας ρωσικής αρχιτεκτονικής, ξύλινα σκεύη, αντικείμενα εφαρμογής Τέχνη, έκανε η Elena Dmitrievna Polenova και Viktor Mikhailovich Vasnetsov στο αρχαίο ρωσικό στυλ. Ιδιαίτερη σημασία ήταν η αναπαραγωγή καλλιτεχνών του XVIII αιώνα, τον οποίο ο Stasov εξέτασε μόνο μιμητές στους Δυρηγούς της Δυτικής Ευρώπης. Στην ουσία, η Μιρσουσνίκη ανακάλυψε ολόκληρο τον αιώνα για το κοινό την ιστορία της ρωσικής κουλτούρας, σχεδόν ξεχασμένη μέχρι το τέλος του 19ου αιώνα. Το περιοδικό εισήγαγε τους αναγνώστες με τη δυτική ευρωπαϊκή τέχνη του Μεσαίωνα και τη νέα ώρα. Σε πολλά δωμάτια, τα άρθρα τοποθετήθηκαν επίσης όχι μόνο για την καλλιτεχνική, αλλά και για τη μουσική ζωή, σημειώσεις για ξένες εκθέσεις. Για τη συζήτηση του επόμενου τεύχους του περιοδικού, οι φίλοι συγκεντρώθηκαν στο διαμέρισμα Dyagilev στο ανάχωμα του Fontanka, 11, όπου Έζησε από το χειμώνα 1900-1901. Ο Dyagilev ήταν η κεντρική φιγούρα της "παγκόσμιας ειρήνης". Ο Αλέξανδρος Μπενούα υπενθύμισε: "Δεν δημιουργούσε μια καλλιτεχνική μεταξύ των καλλιτεχνών, και ακόμη και η συνθέτη, σημείωσε το τραγούδι του. Αλλά εμείς, οι καλλιτέχνες, δεν παύουν να τον εξετάσουν, για το πώς έγραψα τις φωτογραφίες και το τοπίο, τα μπαλάκια και οι όπερες έγραψαν, έγραψαν άρθρα και βιβλία, έτσι, με την ίδια έμπνευση, με την ίδια καύση του περιοδικού, που έχουν κανονίσει την έκθεση , οργανωμένες επιδόσεις "παγκόσμια αξία". Η δημοσίευση συνοδεύτηκε από την οργάνωση των εκθέσεων. Όλα τα έργα στην έκθεση επέλεξαν τον ίδιο τον Dyagilev. Μερικές φορές συνέβη ότι ο καλλιτέχνης δεν ήθελε να παρουσιάσει κανένα πράγμα, θεωρώντας ότι ανεπιτυχείς, αλλά ο Dyagilev επέμεινε και ο καλλιτέχνης παραδόθηκε. Και τότε αποδείχθηκε ότι "απορρίφθηκε" η εικόνα ήταν επιτυχής και συνήφθη σε οποιαδήποτε μεγάλη συνάντηση. Και μερικές φορές συνέβη και αντίθετα - η Dyagilev δεν συμφώνησε να τραβήξει μια φωτογραφία στην έκθεση, παρά την επιθυμία του καλλιτέχνη. Ostrumova-Lebedev: Αναφώθηκε: "Οι ενέργειες Σεργκέι Παβλόδιτς ήταν ανεξάντλητες, επιμονή και επιμονή της καταπληκτικής, και το σημαντικότερο, διέθετε την ικανότητα να εξαναγκάζουν τους ανθρώπους να εργαστούν με ενθουσιασμό, με πάθος, επειδή ο ίδιος υπέβαλε ένα παράδειγμα πλήρους επιστροφής στην επίτευξη του στόχος. Συνέβη, στην έκθεση υπάρχει μια μεγάλη βιασύνη, ο Dyagilev, όπως μια ανεμοστρόβιλος, φοριέται μέσα από αυτό, ταλαντεύεται παντού. Τη νύχτα, δεν ξαπλώνει, αλλά, αφαιρώντας το σακάκι, σε ισοτιμία με τους εργαζόμενους, ζωγραφιές ζωγραφιές, απλώνει τα κουτιά, κρέμεται, εξωτερικά - στον ιδρώτα, αλλά διασκεδαστικό, όλοι γύρω του εκ των προτέρων με τον ενθουσιασμό. Οι εργαζόμενοι εργαζόμενοι αναμφισβήτησαν από αυτόν και όταν τους γύρισε με μια λέξη αστεία, ευρέως, χαμογέλασαν σε πλήρη στόμα, μερικές φορές γέλασαν δυνατά. Και ο καθένας κατευθύνεται εγκαίρως. Ο Σεργκέι Παβλόδιτς πήγε στο σπίτι το πρωί, πήρε το μπάνιο και, κομψά ντυμένος, όπως ο Dandy, ήταν ο πρώτος που άνοιξε την έκθεση. Νυχτερινή εργασία σε αυτό δεν αντανακλούσε. Σκούρο λείο μαλλιών μοιράστηκε ένα πολύ προσεκτικά έγινε δείγμα. Μπροστά είναι απαραίτητο για το μέτωπο λευκό σκέλος των μαλλιών. Πλήρες κόκκινο πρόσωπο με μεγάλα καστανά μάτια έλαμψε με το μυαλό, την αυτοπεποίθηση, την ενέργεια. Ήταν επίμονος και γοητευτικός όταν ήθελε να επιτύχει κάτι από κανέναν, και σχεδόν πάντα έφτασε στην επιτυχία. " Στις 28 Ιανουαρίου 1900, η \u200b\u200b2η Έκθεση της "Παγκόσμιας Ειρήνης" στο Μουσείο της Σχολής Barona A. L. Stiglitsa. Μόνο οι Ρώσοι καλλιτέχνες παρουσιάστηκαν σε αυτή την έκθεση: οι ίδιοι οι Μιρσουσουσνίκοι και οι συμμετέχοντες σε προηγούμενες εκθέσεις - Benois, Vrubel, Serov, Somov, Levitan. Έχουν επίσης δείξει καλλιτέχνες του XVIII - Πρώιμη XIX αιώνα: Borovikovsky, Bryullov και Cyprosovsky. Έτσι, οι διοργανωτές της έκθεσης τόνισαν τη διαπίστευση της τέχνης αυτών των ζωγράφων για την ιστορία της ρωσικής κουλτούρας.

Τον Νοέμβριο του ίδιου έτους, τα μέλη του "Κόσμου Τέχνης" εξέδωσαν μια άλλη έκθεση κατόπιν αιτήματος του Serov με το ίδιο όνομα στις αίθουσες της Ακαδημίας Τεχνών. Ήταν φιλανθρωπική υπέρ των αναγκών φοιτητών. Οι εκθέσεις "παγκόσμιας τέχνης" ήταν πάντα ένα σημαντικό γεγονός στη ζωή της Αγίας Πετρούπολης. Ανυπομάζονταν για αυτούς, έτοιμα με ενθουσιασμό, συζήτησαν ζεστά. Ήδη ο πολύ σχεδιασμός αυτών των εκθέσεων δεν ήταν παρόμοιος με όλα τα γνωστά "κινητά", "άνοιξη" και άλλα, όπου οι εικόνες ήταν μονότονοι στους τοίχους, και τα γλυπτά έργα, ως προσθήκη, στάθηκαν στις γωνίες της αίθουσας . Στη συσκευή των εκθέσεων, ο Dyagilev έδειξε μεγάλη γεύση και εφευρετικότητα. Οι εικόνες τοποθετήθηκαν σε ειδικές περιπτώσεις, οι αίθουσες ήταν προσεκτικά διακοσμημένες με λουλούδια. Για κάθε καλλιτέχνη, επέλεξαν ένα ειδικό υπόβαθρο, ειδικά πλαίσια.

Στις 5 Ιανουαρίου 1901, η 3η έκθεση "Κόσμος Τέχνης" άνοιξε στην Τερνική αίθουσα της Ακαδημίας Τεχνών. Η Dyagillev σχεδίασε ασυνήθιστη - χωρισμένη στην αίθουσα σε μια σειρά από ζεστά λευκά δωμάτια, όπου τα ανώτατα όρια ήταν σφιχτά με λευκό μουσουλμανικό, και μπροστά από τους πίνακες που υπήρχαν λουλούδια. Υπήρξε επίσης μια πλημμυρική έκθεση έργων του Ι. Ι. Λεβιδιά, ο οποίος πέθανε τον Ιούλιο του 1900 σε ηλικία τριάντα εννέα ετών. Στην έκθεση, έκθεσε εξήντα πέντε από το έργο του. Στο IV όγκο του περιοδικού "Ο κόσμος της τέχνης" για το 1900, ο Dyagilev έβαλε ένα άρθρο αφιερωμένο στη μνήμη του τόσο πρώιμου νεκρού καλλιτέχνη. DYAGILEV ανακλήθηκε: "Η εικόνα του Levitan σηκώνεται με ειδικό μεγεθυντικό φακό και ψύξη /..../ κανείς μπροστά του σε όλη τη ρωσική ζωγραφική ήξερε πώς να εκφράσει στον καμβά την ατελείωτη γοητεία αυτών των διαφορετικών αισθήσεων, τις οποίες όλοι μας Η Bliss παρουσίασε δροσερό το πρωί ή στις ακτίνες ζεστό βράδυ στο άθλια βόρειο ρωσικό χωριό. " Επιπλέον, ο Dyagilev γράφει για την "κατανόηση της ρωσικής φύσης", ότι "όλοι οι παίκτες τοπίου της Μόσχας έπεσαν τη γοητεία του ταλέντου του" Η έκθεση "ο κόσμος της τέχνης" 1901 με την έκθεση των έργων του Λεβιδικού Εξετάστε κριτικές ως "ένα από τα πιο φωτεινά τα φαινόμενα της ρωσικής ζωής της Ρωσίας". Τον Δεκέμβριο του 1901, αρκετές ζωγράφοι της Πετρούπολης και της Μόσχας στη Μόσχα, μεταξύ των οποίων ήταν οι συμμετέχοντες του "κόσμου της τέχνης", άνοιξαν την έκθεση που ονομάζεται "36" . Οι εκκινητές αυτής της Έκθεσης Ένωσης ήταν Μοσχοβίτες - Απολληληνάρια Μικχαώλοβιτς Βασίλης, Βασίλως Βασιλείου, Τσιτσικόφ και άλλοι, κυρίως παίκτες τοπίου, απόφοιτοι της Σχολής Ζωγραφικής της Μόσχας, Δράτα και Αρχιτεκτονική. Αποφάσισαν να αντιταχθούν οι ίδιοι και κινητοί, και ο «κόσμος της τέχνης», αφού πολλοί δεν τους άρεσαν οι «δικτατορίες» του Dyagilev και η θέση έκτακτης ανάγκης των νέων στην εταιρική σχέση. Αλλά αυτή η ένωση υπήρχε για μεγάλο χρονικό διάστημα - μόνο δύο χρόνια. Έχοντας κανονίσει τη δεύτερη έκθεση τον Δεκέμβριο των ακόλουθων, 1902, έπαψε να υπάρχει. Η πρώτη έκθεση παρακολούθησε Benouua, Somov και Lancer. Αλλά στη δεύτερη έκθεση, δεν συμμετείχαν πλέον. Μετά το κλείσιμο της δεύτερης έκθεσης "36" τον Φεβρουάριο του 1903, οι Μουσκοβιέτες ενωμένοι με τη Μιρσουσνίκη σε μια νέα ένωση - την Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών. Αυτός ο οργανισμός συνίστατο στους ζωγράφους της Μόσχας και τους συμμετέχοντες στην «Παγκόσμια Ειρήνη». Οι εκθέσεις "Ένωση" πραγματοποιήθηκαν σε πολλές πόλεις της Ρωσίας και στο εξωτερικό. Εν ολίγοις, η ιστορία της "Ένωσης" έχει ως εξής: Οι κοινές εκθέσεις με τον «κόσμο της τέχνης» συνέχισαν μέχρι το 1908. Τότε ο Αγιος Πετρούσουργκς διαχωρίστηκε από τους Μοσχοβίτες λόγω αμοιβαίας κριτικής και από το 1910 η ιστορία τους πήγε με διαφορετικούς τρόπους.

Εν τω μεταξύ, συνεχίστηκαν οι εκθέσεις της τέχνης της τέχνης, οι οποίες εξακολουθούν να οργανωθούν ο Dyagilev. Στις 9 Μαρτίου 1902, η 4η Έκθεση πραγματοποιήθηκε στις αίθουσες του περάσματος. Στη συνέχεια, ο Σεργκέι Παβλόδιτς αποφάσισε να το μεταφράσει στη Μόσχα και τον Νοέμβριο του ίδιου έτους η έκθεση άνοιξε στη Μόσχα, στις αίθουσες της Σχολής Stroganovsky. Στην έκθεση της Μόσχας "World Art" έδειξε νέα έργα Serov, Somov, Vrubel. Για πρώτη φορά συμμετείχε στην έκθεση "Ο κόσμος της τέχνης", όπως ήδη αναφέρθηκε, ο Roerich, του οποίου η εργασία "είναι χτισμένη" (από τη ζωή των αρχαίων Σλάβων), η γκαλερί Tretyakov απέκτησε. Στην ίδια έκθεση, οι ζωγράφοι της Μόσχας από το "36" - Alexander Yakovlevich Golovin, Leonid Osipovich Pasternak, ο Igor Emmanuilovich Grabar συμμετείχε. Η έκθεση της "Παγκόσμιας Ειρήνης" στη Μόσχα είχε τεράστια επιτυχία. Εύκολο στο 3ο κεφάλαιο: καλλιτέχνες - οι διοργανωτές και οι αριθμοί του "κόσμου της τέχνης".

1. Ονομάστε τα ονόματα των καλλιτεχνών - διοργανωτών και αρχηγών της ενοποίησης του "κόσμου της τέχνης".
2. Ποια είναι η περίφημη οικογένεια Beno'a;
3. Ποιο πρώτο βιβλίο δημοσιεύτηκε από τον Α. Ν. Μπενουά;
4. Ποια ιστορική εποχή αγαπούσε να απεικονίσει τον Α. Ν. Μπενουά;
5. Ονομάστε τους πίνακες του A. N. Benua από τη ζωή του Louis XIV.
6.Smask Σχετικά με τις εικόνες του Α. Ν. Μπενουά, αφιερωμένη στον Πέτρο Ι.
7. Πώς ήταν η εικόνα του Α. Ν. Μπενουά για τον Παύλο Ι;
8. Τι λειτουργεί Α. S. Pushkin απεικονίζεται Α. Ν. Μπενουά;
9. Τι θυμάσαι από το βιβλίο του Α. Ν. Μπενουούα "ABC";
10. Ποιες εμφανίσεις έκανε ο Α. Ν. Μπενούα;
11.Who, πρώτα επέστησε την προσοχή στην ομορφιά της αρχιτεκτονικής της Αγίας Πετρούπολης και των προαστίων και τι εκφράστηκε;
12. Σε ποια οικογένεια γεννήθηκε ο Κ. Α. Somov; Ποιος ήταν ο πατέρας του;
13. Ποιο ταλέντο διακρίθηκε από τον Κ. Α. Somov και τη μητέρα του;
14.Πού ήταν η νέα κατανόηση της ιστορικής ζωγραφικής στο έργο του Κ. Α. Somov; Περιγράψτε το πιο χαρακτηριστικό των εικόνων του.
15. Ποια χαρακτηριστικά των πορτρέτων Κ. Α. Somov; Ονομάστε τα πιο διάσημα πορτρέτα.
16. Πού σπούδασε ο L. S. Bakst μετά την έξοδο από την Ακαδημία Τέχνων;
17. Ονομάστε τα πιο διάσημα έργα του L. S. Bapti.
18. Ποια είναι τα υπέροχα πορτρέτα του Α. Ν. Μπενώης και του Σ. Π. P. Dyagileva Brushes L. S. Baksta;
19.Skame σχετικά με τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά της σύγχρονης στην εικόνα L. S. Baksta "Δείπνο. Κυρία με πορτοκάλια. "
20. Πώς επηρεάσει το ταξίδι στην Ελλάδα το έργο του L. S. Baksta;
21. Περιγράψτε την εικόνα L. S. Baksta Trour Antiquus.
22. Οι εικόνες του Ε. Ε. Lancere είναι χαρακτηριστικές του "παγκόσμιου κόσμου".
23. Σε ποια τέχνη τέχνης, ο Μ. V. Dobuzhinsky εργάστηκε;
24. Τι είναι οι νέοι καλλιτέχνες του κόσμου της τέχνης στο σχεδιασμό του βιβλίου;
25.Scider σχετικά με τα έργα του Α. Π. Osttumova-Lebedeva. Σε ποια τεχνική εργάστηκε;
26. Πώς ήταν η έκθεση τέχνης με τους Μουσκοβιέτες που ονομάζονται Μοσκοβαίτες; Πόσο καιρό συνεχίζουν;

Ένωση τέχνης
"Κόσμος της Τέχνης"

"Direct-media", Μόσχα, 2016

Artotek, νοί. 36.

Ο καλλιτεχνικός σύλλογος "ο κόσμος της τέχνης" έχει αυξηθεί από μια γυμναστική, και στη συνέχεια ένας φοιτητής κύκλος, ομαδοποιεί στα τέλη της δεκαετίας του 1880 - στις αρχές του 1890 γύρω από τον νεότερο γιο του διάσημου αρχιτέκτονα της Αγίας Πετρούπολης Ν. Μπενουά - Αλέξανδρος, στο μέλλον του Ο καλλιτέχνης, εικονογράφος βιβλίο, σκηνογραφία, ιστορικός τέχνης, κριτική τέχνης.

Δημιουργία μιας ένωσης

Ο καλλιτεχνικός σύλλογος "ο κόσμος της τέχνης" έχει αυξηθεί από μια γυμναστική, και στη συνέχεια ένας φοιτητής κύκλος, ομαδοποιεί στα τέλη της δεκαετίας του 1880 - στις αρχές του 1890 γύρω από τον νεότερο γιο του διάσημου αρχιτέκτονα της Αγίας Πετρούπολης Ν. Μπενουά - Αλέξανδρος, στο μέλλον του Ο καλλιτέχνης, εικονογράφος βιβλίο, σκηνογραφία, ιστορικός τέχνης, κριτική τέχνης. Αρχικά, ήταν ένας φιλικός κύκλος, ο οποίος οι ίδιοι οι συμμετέχοντες κάλεσαν την «αυτο-εκπαιδευτική κοινωνία». Ήδη από ένα χαρακτηριστικό που εκδηλώνεται, χαρακτηριστικό του "παγκόσμιου κόσμου" στο μέλλον, είναι η επιθυμία της συνθετικής κάλυψης των φαινομένων τέχνης, του πολιτισμού στο σύνολό του. Τα συμφέροντα των νέων ήταν εκτεταμένα: η ζωγραφική, η λογοτεχνία, η μουσική, η ιστορία, ιδιαίτερα με πάθος που αγαπούσαν το θέατρο.

Στον κύκλο, επισκέφθηκαν πολλοί μελλοντικοί υπάλληλοι του περιοδικού "World of Art": V. Nouvel, Δ. Φιλοσόφους, L. Rosenberg (πιο γνωστό ως L. Bust). Η εμφάνιση αυτής της δημοσίευσης προηγείται από μια μεγάλη προπαρασκευαστική εργασία που σχετίζεται, καταρχάς, με την οργάνωση εκθέσεων ξένης τέχνης στη Ρωσία. Ήταν κοντά στην S. Dyagilev (1872-1929), στη συνέχεια το μεγαλύτερο καλλιτεχνικό σχήμα και κριτικός, σε κάποιο σημείο άρχισε να διαδραματίζει εξέχοντα ρόλο σε μια φιλική ένωση. Ήταν αυτός που ο ίδιος ο στόχος να συγκεντρώσει εξαιρετικούς ρώσους καλλιτέχνες και να κάνει τη δημιουργικότητά τους στη Δυτική διάσημη.

Τον Φεβρουάριο του 1897, με πρωτοβουλία της DyagileV, μια έκθεση ακορφορικών από την Αγγλία και τη Γαλλία άνοιξε στην Αγία Πετρούπολη. Εφαρμόστηκε από το έργο των μεγάλων πλοιάρχων από αυτές τις δύο χώρες, ιδιαίτερα πολλές ακουαρέλες της Mencell, οι οποίες είχαν επηρεάσει τη λύση του θαλάμου ιστορικών αυτών των Α. Μπενουα και άλλοι καλλιτέχνες του Μιρσουσουσένικοφ.

Αλλά η έκθεση των σκανδιναβικών καλλιτεχνών, η οποία άνοιξε το φθινόπωρο του ίδιου έτους στις αίθουσες της Ακαδημίας Τεχνών και της έκθεσης των ρωσικών και φινλανδικών καλλιτεχνών στο Μουσείο της Στιγλίτς τον Ιανουάριο του 1898. Χάρη στο οργανωτικό ταλέντο, DYAGILEV, DYAGILEV ήταν σε θέση να προσελκύσει όχι μόνο τα κύρια μέλη της φιλικής κούπας, αλλά και τους μεγαλύτερους ρωσικούς ζωγράφους - τον Μ. Vrubel, τον Ι. Λεβιδιά, τον V. Serov, Κ. Κοροβίνα, Μ. Nesterova, Α. Ryabushkin. Οι φινλανδοί δάσκαλοι με επικεφαλής τον Α. Gallen και Α. Eterocelt παρουσίασαν επίσης το έργο τους. Αυτές οι εκθέσεις ήταν ουσιαστικά μεταξύ των πρώτων εκθέσεων ξένης τέχνης στη Ρωσία και πέρασε το υπόβαθρο για την υπέρβαση των καθιερωμένων συντηρητικών απόψεων τόσο στο περιβάλλον των ίδιων των καλλιτεχνών όσο και στην κοινωνία στο σύνολό της. Ο Dyagilev και οι ομοϊδεμένοι άνθρωποι του γνώρισαν μια παθιασμένη επιθυμία να συνδέσουν πιο ενεργά τη ρωσική τέχνη στη διαδικασία της πάλης ενάντια στη στασιμότητα του ακαδηματισμού, την οποία οι βόρειες χώρες έχουν ήδη βιώσει και βλέπουν κοινή έκθεση με τους ξένους δασκάλους ως ένας από τους πιο αποτελεσματικούς τρόπους για την ενημέρωση της τέχνης. Η συνδυασμένη έκθεση των ίδιων των ρωσικών και φινλανδικών καλλιτεχνών, οι ίδιοι οι ίδιοι η Μιρσουσουσένια θεωρήθηκαν στη συνέχεια ως «η πρώτη απόδοση του« κόσμου της τέχνης », αλλά όχι ακόμη στο πλαίσιο αυτού του τίτλου." Ο Α. Μπενουά είπε ότι ήταν μετά από αυτήν και οι φίλοι του συνδέθηκαν με μια ομάδα που ονομάζεται "ο κόσμος της τέχνης".

Όπως ήδη σημειώθηκε, ήταν η διεξαγωγή εκθέσεων ξένης τέχνης που συνέβαλαν στην εμφάνιση του περιοδικού "κόσμου της τέχνης". Ένα από τα πλεονεκτήματά του ήταν ότι ήταν ελεύθερος tribune για συζήτηση και ζωγραφική, και στον τομέα της θρησκείας, της φιλοσοφίας, της λογοτεχνίας. Οι σελίδες της δημοσίευσης συζήτησαν τα πιο πραγματικά προβλήματα της πνευματικής ζωής της Ρωσίας και της Δύσης. Το περιοδικό από την αρχή πήρε ένα ισχυρό μέρος στην καλλιτεχνική ζωή της Ρωσίας και κέρδισε μεγάλο αριθμό οπαδών. Ο συντάκτης του ήταν ο S. Dyagilev, αλλά ο Α. Μπενούα, ο οποίος καθόρισε την καλλιτεχνική πολιτική της «παγκόσμιας ειρήνης» και το ακριβές αισθητικό πρόγραμμα: πρώτον, αναγνώριση των κλασικών, δεύτερον, η άρνηση όλων των οδυνηρά στην τέχνη και την παρακμή, το τρίτο, το τρίτο, το Προσανατολισμός στην ιδέα της βιομηχανίας τέχνης W. Morris με την αρχή της σκοπιμότητας. Α. Benua προσφέρθηκε να καλέσει το περιοδικό "REBORT" και ζήτησε να ανακοινώσει τη δίωξη και το θάνατο της αποσδίκης<…>που απειλεί το θάνατο ολόκληρου του πολιτισμού. "

Στο πρώτο τεύχος του περιοδικού, δημοσιεύθηκε το 1899, δημοσιεύθηκε το άρθρο Σ. Dyagileva "εξελιγμένες ερωτήσεις", στην οποία διατυπώθηκε η αισθητική της ενοποίησης του "κόσμου της τέχνης". Από την αρχή, ο Dyagilev θέτει το στόχο της "την ανάλυση όλων των ιδεών στον τομέα της αισθητικής". Κατά τη γνώμη του, οι αισθητικές έννοιες και οι αρχές στη σύγχρονη ζωγραφική διαχωρίστηκαν από την καλλιτεχνική πρακτική: «Αυτή η ιστορία της Αμαλγράμινης ηλικίας της ηλικίας της ηλικίας είχε την κύρια πηγή στην τρομερή ευκρίνεια των αισθητικών έννοιες και τις απαιτήσεις της εποχής. Δεν είχαν εγκατασταθεί για ένα λεπτό σταθερά, δεν αναπτύχθηκαν λογικά ή ελεύθερα. Οι καλλιτεχνικές ερωτήσεις μπερδεύτηκαν σε ένα κοινό χυλό δημόσιων πρακτικών ... " Στη συνέχεια, σημειώνει ότι η χρηστική στάση απέναντι στην τέχνη κυριαρχούσε κατά τη διάρκεια του 19ου αιώνα, αν και υπήρχαν καλλιτεχνικές και αισθητικές κατευθύνσεις που αντιτάχθηκαν στην υποταγή της τέχνης από οποιονδήποτε εξωτερικό στόχους.

Η αρχή της χρησιμότητας DYAGILEV έρχεται σε αντίθεση με την αρχή του αισθητισμού ως αναγνώριση της ομορφιάς ως υψηλότερης και ανεξάρτητης αξίας. Ο συγγραφέας του άρθρου υποστήριξε ότι η τέχνη της Γκωματικής, ότι ο στόχος του είναι ο ίδιος. Α. Benua μοιράστηκε την πεποίθηση ενός σύντροφου που η ομορφιά θα πρέπει να είναι το υψηλότερο κριτήριο στον τομέα των καλλιτεχνικών εκτιμήσεων.

Ο αισθητικός είναι η αναγνώριση ειδικών, εξαιρετικών δικαιωμάτων αισθητικής, έγκριση του αυτοδύναμου ρόλου της ομορφιάς, την ανεξαρτησία της από την ηθική, τη θρησκεία και την πολιτική. Η έννοια του αισθητικαλισμού αντικατοπτρίζεται αρχικά στο έργο των αγγλικών καλλιτεχνών-προ-σουέλες. Στο περιοδικό "World of Art" δημοσιεύσεις σχετικά με την αγγλική τέχνη και την προτροφαλίτιδα ήταν σταθερές. Οι συντάκτες ανακοίνωσαν το κύριο καθήκον της να αναπτύξει μια νέα πολιτιστική ιδέα, ο κεντρικός χώρος στον οποίο δόθηκαν οι τιμές "Nietzschean": δημιουργικότητα, ομορφιά, αισθητική αίσθηση. Το περιοδικό δημοσιεύθηκε από το 1899 έως το 1904 που εκδόθηκε από τον S. Dyagilev και με τη συμμετοχή της ομάδας καλλιτεχνών της Αγίας Πετρούπολης, από το 1901, ενωθούμε από τον Ι. Grabar, ο οποίος σύντομα έγινε ένας από τους πιο σημαντικούς επικριτές στην εγχώρια τέχνη. Οι εκθέσεις τέχνης που ονομάζονται "World of Art" διοργανώθηκαν ετησίως και οι Ηνωμένες Πολιτείες της Ρωσίας και της Δυτικής Ευρώπης.

Έτσι, οι δραστηριότητες της Ένωσης Αγίας Πετρούπολης σηματοδότησαν την έναρξη μιας νέας εποχής στην πολιτιστική ζωή του τέλους του 19ου αιώνα.

Ο κύριος πυρήνας των εκθέσεων "World of Art" ήταν τα έργα των Δασκάλων της Ομάδας Dyagilev (στην πραγματικότητα Miriskusnikov) - Α. Μενώης, Κ. Σόβων και πλησιέστερων συνεργατών τους που ενωμένοι με ζωγράφους Μόσχας - Μ. Vrubel, Ι. Λεβιδιά , V. Serov, Κ. Korovin, Μ. Nesterov, Α. Ryabushkin. Η Miriskusniki συμμετείχε στις δραστηριότητές τους μεγάλων ρωσικών δασκάλων, των οποίων η δημιουργικότητα αναπτύχθηκε ανεξάρτητα από τους ιδεολογικούς ρυθμίους της ομάδας Αγίας Πετρούπολης, ήταν διαφορετική και η καλύτερη γλώσσα.

Προτιμώμενο ενδιαφέρον για την ιστορία και τα ιστορικά στυλ, τη νοσταλγία για τις αναχωρημένες εποχές, την ομορφιά λατρεία, ρομαντική ειρωνεία - Εδώ είναι τα χαρακτηριστικά του κοσμοθεωρία του Μιρσουσουσένικοφ. Επηρέασαν την έγκριση στο έργο τους του αγαπημένου κύκλου οικόπεδων και μοτίβων.

Η δημιουργική κληρονομιά του Alexander Nikolayevich Benoit (1870-1960), ο ιδρυτής και ο ιστορικός "κόσμος της τέχνης", διακοσμημένος και ευπροσάρμοστος. Το αποτέλεσμα του χόμπι του Benoit από τα βιβλία, αφηγείται τη ζωή και τα καρύδια της αυλής του "βασιλιά του ήλιου", καθώς και η μελέτη της γαλλικής τέχνης έγινε μια σειρά υπέροχες υδατογραφίες. Απεικονίζουν το παλάτι, το πάρκο, οι βόλτες του βασιλιά και το γήπεδο, κολύμπι marquis. Ο πρώτος τέτοιονος κύκλος ονομάζεται "Οι τελευταίες βόλτες του Louis XIV" και δημιουργήθηκε το 1897-1898, η δεύτερη - "Σειρά Βερσαλλιών" 1905-1906. Στις εργασίες "Walk of The King" (1897, κρατικό ρωσικό μουσείο, Αγία Πετρούπολη), "Ψάρια" (1897, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη), "Πισίνα τελετή" (1897, State Russus Museum, St. Petersburg), "ο βασιλιάς περπατούσε σε οποιονδήποτε καιρό" (1898, η συνάντηση του Ι. Zilberstein), όπως σε άλλα φύλλα από τη σειρά "Versailles", αν και ο United Single Character - Louis XIV, ο σύνδεσμος είναι η εικόνα του man-made από τη βασιλική κατοικία. Στο Versailles Epudes, το θέμα του "αρχαίου πάρκου", στο οποίο το παρελθόν έρχεται στη ζωή. Όλα τα έργα σχετίζονται με το αντικείμενο της εικόνας και την ενότητα της διάθεσης. Στην εικόνα "King's Walk" (1906, το κράτος Tretyakov, η Γκαλερί, Μόσχα), η φύση μετατράπηκε σε μια θεατρική διακόσμηση, κομψές πράσινες σκηνές ανοίγουν μια μικρή πλατφόρμα σκηνής. Η ευκολία και η σαφήνεια των σιλουέτες του αριθμού μοιάζουν με τα παιχνίδια που είναι εγγεγραμμένα στο γραφικό τοπίο. Το πάρκο προσδίδει τη θεατρική παράσταση στους χώρους της, όπως σε μία από τις αίθουσες του παλατιού.

Ο Evgeny Evenievich Lancer (1875-1946) γύρισε στο έργο του στην εποχή Petrovsk. Τα αγαπημένα του θέματα ήταν η κατασκευή της Αγίας Πετρούπολης και ενός νέου ρωσικού στόλου. Ο καλλιτέχνης δεν "αποκατέστησε" την ιστορική κατάσταση και δημιούργησε την εικόνα του ψυχρού και του Windy Brainchild του Πέτρου Ι. Ένα από τα πρώτα που είναι η εκφραστική και πλήρης δυναμική της ζωγραφικής "Petersburg του πρώιμου XVIII αιώνα. Το κτίριο του Δώδεκα Κολλέγιο »(1902, το κρατικό ρωσικό μουσείο, η Αγία Πετρούπολη), στην οποία απεικονίζεται η βροχερή, θυελλώδης μέρα, όταν τα νερά της ανήσυχης Νέβα αγωνίζονται για τη μαρίνα του νησιού Vasilyevsky. Το σκάφος υγραίνει στην προβλήτα. Στις σκάλες - αρκετές ανθρώπινες μορφές, μεταξύ των οποίων μπορείτε να μάθετε τον Peter I, ο οποίος ήρθε να επιθεωρήσει το νεόκτιστο κτίριο των δώδεκα κολέγια. Ο συγγραφέας αναδημιουργεί την ατμόσφαιρα της κατασκευής της Αγίας Πετρούπολης, η αρχιτεκτονική και η φύση δίδονται σε μια αναπόσπαστη ενότητα. Τα τοπία "The Botik Peter I" (1906, η Γκαλερί Tretyakov, η Μόσχα) και τα "πλοία στο Petr I" (1911, η κρατική γκαλερί Tretyakov, η Μόσχα) γεμίζουν με τον άνεμο, το αίσθημα του χώρου, τα κύματα βουτιά. Ο Lancer εφαρμόζεται στις επόμενες εποχές. Έτσι, έχει μια σύνθεση "Empress Elizabeth Petrovna στο Tsarskoye Selo" (1905, κρατική γκαλερί Tretyakov, Μόσχα), στην οποία η δράση ξεδιπλώνεται στο φόντο του πάρκου Tsarskoye και του Μεγάλου Παλατιού, διακοσμημένο με υπέροχη γλυπτική. Ο Lancer με το χιούμορ απεικονίζει την μαγευτική πομπή της αυτοκράτειρας, συνοδευόμενη από φρενίνη. Η ενότητα της αρχιτεκτονικής και των κοστουμιών αποκαλύπτει και τονίζει τα εξαίσια στοιχεία και τα συμπυκνωμένα και τα δύο αυτά στοιχεία. Το κανονικό πάρκο της θέλησης του καλλιτέχνη έγινε ζωντανός χαρακτήρας, μάρτυρες του τι συμβαίνει. Ο καλλιτέχνης ήταν σε θέση να μεταφέρει τον συνδυασμό του φριβισμού και της αδυναμίας, της αισθησιασμού και του ορθολογισμού που είναι εγγενής στον XVIII αιώνα.

Ο Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) ήταν ένας από τους κύριους εκπροσώπους του Συνδέσμου Τέχνης "Ο Κόσμος Τέχνης", όχι μόνο ένας συνεχής συμμετέχων, αλλά και από τον διοργανωτή των εκθέσεων του κόσμου της τέχνης μαζί με τον Α. Μπενουά και S. DYAGILEV.

Η γνώμη V. Serov ήταν πολύτιμη, μαζί του θεωρήθηκε ως αναμφισβητούμενη αρχή. Είναι αυτός που είναι κρίσιμος για τον «κόσμο της τέχνης», το 1902, ζήτησε τον αυτοκράτορα Νικόλαο Β (εκείνη την εποχή ο καλλιτέχνης έγραψε τη νομισματική επιχορήγηση του Μιρσουσουσένικοφ, χάρη στην οποία υπήρχε το περιοδικό για δύο ακόμη χρόνια. Ο Serov, που παραμένει ένας ρεαλιστικός πλοίαρχος, βάλτε τις αρχές της ένωσης του έργου του, ήταν παθιασμένος με τους Ρώσους του XVIII αιώνα. Ένα παράδειγμα αυτού είναι οι πίνακες "Peter II και Zesarean Elizabeth στο κυνήγι Pins" (1900, το Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη), "Catherine II στο κυνήγι Sokolina", "Peter i στο κυνήγι Pins" (και τα δύο - 1902 , Κρατικό ρωσικό μουσείο, Αγία Πετρούπολη), "Peter I" (1907, κρατική γκαλερί Tretyakov, Μόσχα). Στο τελευταίο, η επιθυμία για τη θεατρική δράση που είναι εγγενής στα έργα του Α. Benua είναι προφανής. Η διόρθωση, η σοβαρότητα της εικόνας, η διακοσμητική ανάπτυξη, η εντυπωσιακή θεατρικοποίηση της εικόνας είναι χαρακτηριστική για τα έργα του Master που δημιουργήθηκε το 1910, "Πορτρέτο του Ida Rubinstein" (State Russus Museum, Αγία Πετρούπολη) και "Απαγωγές στην Ευρώπη" (επιλογές σε διαφορετικές συναντήσεις).

Ο Konstantin Andreevich Somom (1869-1939) ήταν ένας από τους κεντρικούς αριθμούς στον "κόσμο της τέχνης". Η δημιουργικότητά του με ιδιαίτερη σαφήνεια εξέφρασε τις βασικές αρχές της Αισθητικής Μιρσουσουσνίκης: ο πλοίαρχος στράφηκε στην ιστορική αναδρομολόγηση, τείνει στο εξαιρετικό ύφος, την εξελιγμένη αισθησιασμό, τα περισσότερα από τα έργα της θεατρικής. Τα φανταστικά τοπία του καλλιτέχνη εμφανίστηκαν ταυτόχρονα με περιόδους εργασίας από τη φύση. Αναδρομική όραση καθώς αναπτύσσεται η τέχνη της, έχει αποκτήσει όλο και περισσότερες νέες πτυχές. Το Leitmotif της δημιουργικότητας του Somov ήταν η αγάπη σκηνές στο εσωτερικό και στην αγκαλιά της φύσης. Οι ήρωες της σειράς "πυροτεχνήματα" somov εκλεγμένοι χαρακτήρες των ιταλικών μάσκες κωμωδίας, η αγαπημένη τέχνη του αργά το 19ο αιώνα - στις αρχές του 20ού αιώνα: ένα deft και τυχερό harlequin, χλωμό, ένα pundless loser pierro, μια επιπόλαιη κολομβίνη. Η κωμωδία αγάπης, η οποία παίζουν, είναι ένας υπαινιγμός ανοσίας και επαναληψιμότητας ανθρώπινων πάθους. Πυροτεχνήματα (1904, ιδιωτική συνέλευση, Μόσχα) - Εργασία από τη σειρά που εκτελείται από γκουάς. Σιλουέτες κυρίες και ιππικό στο προσκήνιο με τα ρούχα και τα κεφάλια τους υπενθυμίζουν στο XVIII αιώνα. Το μεγαλύτερο μέρος της ζωγραφικής παίρνει τον ουρανό με τη συνοχή μιας φωτεινής καρέκλα πυροτεχνημάτων, σκέδαση χρυσά φώτα. Το εμφανιζόμενο θεωρείται ένα όμορφο όραμα.

Αναδρομικά πορτρέτα του Somov έγινε ένα νέο φαινόμενο στη ρωσική τέχνη. Η ζωγραφική "κυρία με μπλε χρώμα" (1897-1900, το κράτος Tretyakov, η Μόσχα) είναι μια εικόνα ενός στενού φίλου του καλλιτέχνη, συν-φιγούρες στην Ακαδημία Τεχνών Ε. Μαρυνόβα. Αυτό το έργο το 1900 εμφανίστηκε στην έκθεση "Ο κόσμος της τέχνης" και έγινε ο πρώτος αποκτηθείσας από τους δασκάλους της γκαλερί Tretyakov. Η βούληση του μοντέλου συγγραφέα μετακόμισε στο παρελθόν, σε ένα αρχαίο πάρκο, χωρίς ιστορική συγκεκριμένη συγκεκριμένη. Ολόκληρη η φιγούρα της Martynova γράφεται πριν από την προπόνηση του ειλικρίνειας. Το υπόβαθρο έχει σχεδιαστεί στην περιοχή υπό όρους, ο θάμνος είναι εντελώς διακοσμητικός, οι χαρακτήρες που βασίζονται σε ρόλους είναι επίσης υπό όρους. Το τοπίο φαίνεται να είναι ένα υπόμνημα για το αρμονικό παρελθόν και όχι ένα πραγματικό περιβάλλον. Η αντίφαση της εικόνας της ηρωίδας και του φόντου γίνεται αντιληπτό ως λεπτό πρόσωπο πραγματικών και τέλειων, ονείρων και πραγματικότητας.

Maria Vasilyevna Yakunkikova (1870-1902) Περισσότερο από μία φορά έγινε μέλος των εκθέσεων "World of Art", ασχολήθηκε με το σχεδιασμό του περιοδικού του ίδιου ονόματος. Το πάρκο Versailles, ένα τέτοιο αγαπημένο Α. Benua, το 1890 εμφανίστηκε στα έργα της. Αλλά ο Yakunchikova αντιλαμβανόταν οι Βερσαλλίες όχι ως το υπόλοιπο Μιρσί - μέσα από το πρίσμα των ιστορικών αναμνήσεων ή απομνημονεύσεων - και προσπάθησε να μεταφέρει την άμεση εντύπωση από τη φανταστική φαντασία. Δεν βυθίζεται στο παρελθόν. Η Σύμβαση των εντύπων και των χρωμάτων, η αρχή της διακοσμητικής είναι σύμφωνη με τα έργα των Δασκάλων του «Κόσμου Τέχνης», αν και ο Yakunchikov στους πίνακές του χρησιμοποίησε αναμφισβήτητα το άνοιγμα των γαλλικών ιμπρεσιονιστών. Στο τοπίο "Βερσαλλίες" (1891, Μουσείο-Usadba V. D. Polenov, Τούλα περιοχή) Ένας τεράστιος πράσινος θάμνος ενός τρεχούμενου πράσινου, που βρίσκεται στο προσκήνιο, φωτίζεται από τις ακτίνες του Sun Sun. Η αντηλιακή λάμψη και οι σκιές μεταδίδουν την αίσθηση του βράδυ και μοιάζουν με τα έργα των ιμπρεσιονιστών. Φως και σκιά για την Yakunkikova - Εκπαιδευτές πολικών ψυχολογικών καταστάσεων. Στα ακουστικά τοπία της δεν υπάρχει ειρωνεία και θεατρικοποίηση του Α. Benua και K. Somov. Τυπικές Τεχνικές - Ενοποίηση, Γενικοποίηση των όγκων, κατακερματισμός - Ενίσχυση της διάθεσης μέσω ηλεκτρονικού ταχυδρομείου, ο θεατής γίνεται ένας σιωπηλός μάρτυρας του παρελθόντος σε ένα πραγματικό φυσικό περιβάλλον.

Ο Yakunkikova έγραψε όχι μόνο τοπία. Της, όπως και τα υπόλοιπα μέλη του κόσμου της τέχνης, έδωσε προσοχή στους παλιούς εσωτερικούς χώρους. Στις εκθέσεις Miriskusny θα μπορούσαν να δουν πολλές από αυτές τις εικόνες.

Τέτοια έργα έφεραν τη σφραγίδα της εποχής και τα εικονογραφημένα δωμάτια των παλιών ημερών δεν έγιναν τόσα πολλά "πορτρέτα" της παλιάς ζωής, πόσο ο καπνός του Υπουργείου Δημιουργίας τους ("Πορτρέτα") των ανθρώπων που νοσούνι χαμένη ομορφιά. Ήταν αντίθετοι στον κόσμο έξω από το παράθυρο και τον κόσμο μέσα στο σπίτι με μια ήσυχη ζωή των πραγμάτων και την ανησυχία τους στην ανθρώπινη ύπαρξη. Μπορείτε να υπενθυμίσετε την έκθεση "Σύγχρονη Τέχνη" 1903, στην οργάνωση της οποίας η Μιρσουσουσένια έλαβε άμεση συμμετοχή: ήταν οι συντάκτες του συνολικού σχεδιασμού των εσωτερικών χώρων, σκίτσα λεπτομερειών για τη διακόσμηση, διακοσμητικές ζωγραφιές και είδαν το καθήκον τους στη δημιουργία "επίδειξης" Οι εσωτερικοί χώροι με όλη την κατάσταση, όπου οι καλλιτέχνες του κόσμου της τέχνης "θα μπορούσαν να επενδύσουν τη γεύση μας για το κομψό και αίσθημα στυλ - το μόνο που χάθηκε εντελώς στην Αγία Πετρούπολη στην καθημερινή ζωή" 5.

Ο Yakunchikova προσπάθησε να μεταφέρει την ομορφιά της περιουσίας της περιουσίας σε τέτοια έργα τους ως "καλύπτει" στον θεατή, όπως "καλύπτει", "σκάλα στο παλιό σπίτι" (1899, συναρμολόγηση ως Weber, Evian), "από το παλιό Σπίτι παράθυρο. Εισαγωγή "(1897, Gallery Tretyakov, Μόσχα). Αυτά τα μοτίβα θα λάβουν μεγάλη διανομή στη ρωσική τέχνη. Τα έργα γεμίζουν με επιπλέον έννοιες, ο θεατής γεννιέται μια αίσθηση τραγωδίας. Στη ζωγραφική "σκάλα στο παλιό σπίτι", ο συγγραφέας εκλέγει μια άποψη για την οποία ένα άτομο θα αναρριχηθεί κατά μήκος των βημάτων. Η σύνθεση κοπής μοιάζει με το έργο του Α. Μπενουά. Ο καλλιτέχνης θεωρεί προσεκτικά τη σκάλα, κοιτάζει προσεκτικά με μία λεπτομέρεια σε άλλη. Με το λυπηρό σημειώνει ίχνη καταστροφής, που απομένουν με το χρόνο.

Από τα μέσα του 1890 σε έναν κύκλο συγγραφέων και καλλιτεχνών που ενωμένοι γύρω από τον S. Dyagileev και το Α. Benua, Lion Nikolayevich Bakst (1866-1924), στο μέλλον, έγιναν ένας από τους αρχάριους για τη δημιουργία ενός "παγκόσμιου κόσμου". Έλαβε ευέλικτα δημιουργικά ενδιαφέροντα: ασχολήθηκε σε ένα πορτραίτο, τοπίο, γραφικά βιβλίων, έγραψε διακοσμητικές πάνελ. Μια γνήσια αποστολή του πλοιάρχου ήταν η θεατρική-διακοσμητική ζωγραφική, στην οποία το ταλέντο του εκδηλώθηκε πιο φωτεινό. Το πάθος για την Παλιά Πετρούπολη, η ζωή του, τα κοστούμια είναι προφανή στα γραφικά στη "μύτη" του Gogol (1904, κρατική γκαλερί, Μόσχα), Ακουαρέλα "Καθιστικό Αυλή στη δεκαετία του 1850" (1905, Ιδιωτική Συνέλευση, Αγία Πετρούπολη), Guaisha "Ντους" (1906, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη). Στην τελευταία λέξη που ονομάζεται, τα χαρακτηριστικά που είναι χαρακτηριστικά για την καλλιτεχνική πρακτική της Μιρσουσουσένης είναι σαφώς έντονη - επεξηγηματική, αναδρομική στύση, μια ειρωνική στάση στο παρελθόν.

Πίνακας "Βάζο (αυτοπροσωπογραφία)" (1906, το κρατικό ρωσικό μουσείο, η Αγία Πετρούπολη) φέρει από μόνο του μια αξιοσημείωτη έλλειψη τοπίων των Βερσαλλιών των Benoit και Galant Scenes Somov. Σε αυτό το έργο δεν υπάρχει έκκληση στις προηγούμενες εποχές που χαρακτηρίζουν τους καλλιτέχνες του "κόσμου της τέχνης", η πολλαπλασικότης της έννοιας γεννιέται σε αυτό ως αποτέλεσμα του παιχνιδιού του πλοιάρχου με τα σχέδια της ζωγραφικής και ενός ενιαίου - Θέμα θέματος με κίνητρο κήπου.

Στο διακοσμητικό πάνελ του Baksta "Αρχαία τρόμου" (1908, το κρατικό ρωσικό μουσείο, Αγία Πετρούπολη) βρήκε την έκφραση του συμβολιστή αισθητικής, εν μέρει περίεργη για το Miriski. Το πανόραμα του τοπίου που βλέπει από την άποψη των πτηνών που φωτίζεται από κρούσματα γιγαντιαίου αστραπής. Πάνω από την αρχαία βραχώδη γη, συμπληρώστε το στοιχείο του νερού εισόδου, το αρχαϊκό άγαλμα της θεάς Αφροδίτης με ένα παγωμένο χαμόγελο στα χείλη. Έχοντας απομακρυνθεί από τον πεθαμένο κόσμο, η θεά παραμένει ηρεμία και ηρεμία. Από το περιβάλλον τρελό χάος, χωρίζεται από κάποιο είδος σοφίας. Στο χέρι, πιέζεται ενάντια στο στήθος, κρατά ένα μπλε πουλί - ένα σύμβολο των ονείρων και της ευτυχίας. Πεθαίνει στον αρχαίο πολιτισμό, η ομορφιά βασιλεύει μόνο στον κόσμο.

Το 1902, ένα άρθρο Α. Benoit "Γραφική Πετρούπολη" 6, συνοδευόμενη από πολλές φωτογραφίες παλαιών κτιρίων και σχεδίων του E. Lancere, Α. Ostrumova-Lebedeva, L. Baksta εμφανίστηκε στις σελίδες της τέχνης. "Παλιά Πετρούπολη "Jubilee Tsarskosiel Έκθεση (1910), η" Ιστορική Έκθεση Αρχιτεκτονικής "(1911) και η έκθεση" Lomonosov και Elizavtian Time "(1912) (1912) ήταν επίσης μεγάλη σημασία για την αποκάλυψη της εμφάνισης της Παλιάς Πετρούπολης και στην προώθηση του Οι καλλιτεχνικές του αξίες. Master "World Arts" προσπάθησε να απελευθερώσει την πόλη που απελευθερώνεται από εγχώριες σκηνές όταν η αρχιτεκτονική αναλαμβάνει τον κύριο ρόλο στη δημιουργία της καλλιτεχνικής του εικόνας: στην Αγία Πετρούπολη, το προπουσμένο παρελθόν είναι αλληλένδετο με τα χαρακτηριστικά της νεωτερικότητας.

Το 1902, ο Mstislav Valeryanovich Dobuzhinsky έγινε μέλος του "κόσμου της τέχνης" (1875-1946). Είναι ιδιαίτερα εντυπωσιακό από τα φύλλα του που απεικονίζουν την Petersburg σε μια υπογραμμισμένη μη παρέλαση, ασυνήθιστη μορφή και τον έντονο εσωτερικό του ήχο. Αυτά περιλαμβάνουν τα τοπία της πόλης - "Γωνιά της Αγίας Πετρούπολης" (1904, κρατική γκαλερί, Μόσχα), "Πόλη" (1904, Μουσείο Περιφερειακής Τέχνης Kirov), "Old Domik" (1905, Κράτος Tretyakov, Μόσχα). Θεωρήσαμε την πόλη χωρίς ρομαντικό καπναγωγό. Το Dobuzhinsky απεικονίζει πολλά κερδοφόρα σπίτια με στενά παράθυρα και σφιχτά μέτρα, κωφούς τοίχους με πλέγματα εξαερισμού παρόμοια με τη φυλακή. Η Delligent Job είναι μια ειδική καλλιτεχνική τεχνική που ενισχύει την εντύπωση της μοναξιάς και της απελπισίας.

Ο ρόλος του αστικού τοπίου είναι σημαντικός στη ζωγραφική της σκόνης του "άνδρα σε γυαλιά" (1905-1906, κρατική γκαλερί tretyakov, Μόσχα). Αυτό είναι ένα πορτρέτο του Κ. Sunnerberg - κοντά στον κύκλο του "κόσμου της τέχνης" του ποιητή και του καλλιτεχνικού κριτικού. Ο Dobuzhinsky έγραψε έναν φίλο στο διαμέρισμά του, από το παράθυρο του οποίου άνοιξε το τοπίο της πόλης. Η εικόνα του παραθύρου αποδείχθηκε κυρίαρχη εδώ. Σας επιτρέπει να συνδυάσετε το πορτρέτο του Sunnerberg και ενός τοπίου της πόλης, που αποτελείται από κήπους λαχανικών με καυσόξυλα, μονότονοι ακυρώσεις μόνο σε άλλα σπίτια και εργοστασιακούς σωλήνες που καλύπτουν τον ορίζοντα.

Το όνομα της Anna Petrovna του Costumenoy-Lebedeva (1871-1955) συνδέεται με τις μαγευτικές εικόνες των συνόλων της πόλης της πόλης στη Νέβα. Τόσο στη χάραξη όσο και σε ακουαρέλες το κύριο θέμα στο έργο του καλλιτέχνη ήταν ένα τοπίο της πόλης. Ήταν εκπληκτικά με ακρίβεια κατάφερε να μαντέψει τη φύση της πόλης στο γυμνό-χτύπημα ρυθμού αρχιτεκτονικών μορφών, σε μια συγκεκριμένη, μόνο εγγενή γεύση. Κάθε κύκλος διακρίνεται από ένα είδος χρωμάτων. Αναμφισβήτητα, το έργο στη χάραξη βάζει ένα δακτυλικό αποτύπωμα στο ύφος της ζωγραφικής ακουαρέλας του Witty-Swan. Η δυσκολία της έκφρασης, μια μικρή κορύφωση, η σαφήνεια των γραμμών που χαρακτηρίζουν την ξύλινη χάραξη και εκδηλώνεται με τρόπο ακουαρέλας.

Το 1901 για το περιοδικό "κόσμος της τέχνης", ο καλλιτέχνης εκπλήρωσε την πρώτη σειρά της χάραξης αφιερωμένη στην Αγία Πετρούπολη. Ένα από τα πιο διάσημα φύλλα είναι "Petersburg. Νέα Ολλανδία. Σε αυτό το έργο, όπως και σε πολλά έργα, ο καλλιτέχνης απεικόνισε μια χειμερινή πόλη.

Τα σκούρα αεροπλάνα δημιούργησαν τη σιλουέτα της αψίδας στο νεοκλασικό στυλ του διάσημου μνημείου, το αίσθημα του χιονιού που μεταδίδεται στη λευκότητα του χαρτιού. Η μνημειικότητα των χαρακτικών επιτυγχάνεται με την επιλογή και τη γενίκευση των λεπτομερειών. Οι τεχνικές που βρέθηκαν είναι μια ήσυχη ακρίβεια της μορφής, η ρυθμική ισορροπία της σύνθεσης - που αναπτύχθηκε από τον καλλιτέχνη σε επακόλουθη εργασία. Βέλος των νησιών Vasilyevsky, Rostral Columns, Χρηματιστήριο κτιρίου, Ναυαρχείο - Αγαπημένα λεπτά κίνητρα στο έργο της.

Οι νέοι καλλιτέχνες που προσχώρησαν στον κύριο πυρήνα της «παγκόσμιας ειρήνης», η επεξεργασία της δημιουργικής έννοιας της ένωσης, έγιναν διάδοχοι της υπόθεσης που ξεκίνησε η Dyagilev.

Όπως ο εκθεσιακός οργανισμός "Mira of Art" κατάφερε να υπάρξει από το 1899 έως το 1903. Οι ζωγράφοι της Μόσχας που συμμετείχαν στις εκθέσεις της Ένωσης Αγίας Πετρούπολης δημιούργησε την ομάδα τους που ονομάζεται "36 καλλιτέχνες". Και τον Φεβρουάριο του 1903, κατά την πέμπτη έκθεση «Ο κόσμος της τέχνης» στην Αγία Πετρούπολη, αποφασίστηκε να δημιουργηθεί μια νέα κοινωνία - η Ένωση Ρώσων καλλιτεχνών. Πολλοί δάσκαλοι των βούρτσες, οι οποίοι που περιλαμβάνονται στην ομάδα της Αγίας Πετρούπολης έγιναν μέλη της Ένωσης Ρώσων καλλιτεχνών.

Το 1904, η ύπαρξη και το περιοδικό "Ο κόσμος της τέχνης" σταμάτησε, για τη δημοσίευση του οποίου ο Α. Μπενόης και Σ. Dyagilev δεν είχε πλέον αρκετά χρήματα.

Αλλά οι S. Dyagilev συνέχισαν να οργανώνουν δραστηριότητες. Το 1905, διοργανώνουν μια έκθεση ρωσικών πορτρέτων στο παλάτι Tauride, και το 1906 - μια έκθεση σύγχρονης ζωγραφικής κάτω από το πρώην όνομα "World of Art", η οποία περιλαμβάνεται στην έκθεση του έργου του M. Vrubel, Κ. Κοροβινα, Μ. Larionov, Ν. Sapununov, Π. Kuznetsova και ήδη αποθανόντος Βίκτορ Elpidiforovich Borisov-Musatova (1870-1905). Το τελευταίο ήταν ιδιαίτερα κοντά στον «κόσμο της τέχνης» στις εικόνες και τις δεξιώσεις της δημιουργικότητάς του, αλλά κατά τη διάρκεια της ζωής του δεν προσκλήθηκαν στην έκθεση του Συλλόγου. Όταν η στάση απέναντι στο έργο του Borisov-Musatov άλλαξε, ήταν ήδη νεκρός. Το 1902, το κοινό παρουσιάστηκε με μια ζωγραφική "ταπετσαρία" (1901, το κρατικό γκαλερί Tretyakov, τη Μόσχα), και στη συνέχεια ο Dyagilev κάλεσε τον "ενδιαφέρον καλλιτέχνη" του συγγραφέα "," περίεργο και σημαντικό ". Αλλά μόνο τέσσερα χρόνια αργότερα, το 1906, πάνω από πενήντα έργα, το Borisovsatov συμπεριλήφθηκε στην τελευταία έκθεση της Ένωσης Αγίας Πετρούπολης.

Από το δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1900, ο «κόσμος της τέχνης» επίσημα δεν υπήρχε, αλλά η Μιρσουσνίκη διατήρησε μια ομάδα ανταλλακτικών, που εισέρχονται στην Ένωση Ρώσων καλλιτεχνών. Αφού χωρίστηκε τον Οκτώβριο του 1910, ήταν ο Σύνδεσμος που αναβίωσε. Από το 1910 ο «κόσμος της τέχνης» ήταν επίσης ένας εκθεσιακός οργανισμός στον οποίο οι καλλιτέχνες διαφόρων κατευθύνσεων ήταν συνεπείς. Τέτοιοι δάσκαλοι όπως ο Ν. Rerich, Narbut, S. Chekhonin, D. Mitrokhin, Ζ. Serebryakova, B. Kustodiev, συνέχισαν να αναπτύσσουν τις καλλιτεχνικές αρχές του ανώτερου Miriskusnikov. Κ. Petrov-Vodkin, Μ. Saryan, Π. Kuznetsov, Ν. Altman, I. Mashkov - Καλλιτέχνες που είναι ευαίσθητοι στα νέα φαινόμενα και διατηρούνται πλήρη ανεξαρτησία από δημιουργικές έννοιες που έχουν αναπτυχθεί στην προέλευση του "κόσμου της τέχνης".

Η θέση του προέδρου κατέλαβε τη Nikolai Konstantinovich Roerich (1874-1947). Από το 1903 ήταν μόνιμος συμμετέχων στις εκθέσεις του κόσμου της τέχνης. Ο Roerich ανησύχησε για τη σλαβική παγανιστική αρχαιότητα, σκανδιναβικές οφθαλίες, θρησκευτικοί θρύλοι της μεσαιωνικής Ρωσίας.

Ενδιαφέρουσες "είδωλα" (κρατικό ρωσικό μουσείο, Αγία Πετρούπολη) και "Υπερπόντιοι επισκέπτες" (1901, το κράτος Tretyakov, τη Μόσχα), που δημιουργήθηκε το 1901, κατά την περίοδο της διαμονής του καλλιτέχνη στη Γαλλία. Οι ισοπαλίες του στυλιζαρίσματος, η κυριαρχία των γραφικών τεχνικών πάνω από τη γραφική, η διακοσμητική κατανόηση του χρώματος σχετίζεται αυτά τα έργα με τα έργα του Μιρσουσουσένι. Στα "είδωλα", η βάση μιας διακοσμητικής διακοσμητικής γραφικής τεχνικής, χαρακτηριστικών του μοντέρνου στυλ, μιας δακτυλιοειδούς γραμμής και τοπικών χρωμάτων παίζουν καθοριστικό ρόλο. Η αρχαία παγανιστική πρωτεύουσα απεικονίζεται - ένα μέρος για προσευχές και φέρνοντας τα θύματα στους θεούς. Στη μέση του κεφαλιού, το μεγαλύτερο είδωλο είναι πύργοι, γύρω - μικρότεροι. Οι idolas είναι διακοσμημένοι με φωτεινά στολίδια και γλυπτά. Δεν υπάρχουν αριθμοί ανθρώπων, κυριαρχεί το τοπίο μοτίβο. Στη θεατρική σκηνή τοπίου, η υπέροχη ηρεμία της φύσης και η ομορφιά της συγχώνευσης Kapigig μαζί. Ο Roerich προσέλκυσε την ικανότητα των ανθρώπων του μακρινού παρελθόντος να διαλύσει στη φύση, βάζοντας τις δικές της εμπειρίες και συναισθήματα σε αυτό.

Το ενδιαφέρον για τη σλαβική αρχαιότητα είναι προφανές και στο έργο "zamar οι επισκέπτες". Ο ποταμός επιπλέει τα κομψά ζωγραφισμένα Roys με το Motley Sails. Τα ρινικά μέρη ολοκληρώνονται από τα κεφάλια των δράκων. Η μοτίβο των διακοσμήσεων του θαλάσσιου ναυτικού ποταμού Voragenian, χρωματιστές ασπίδες, φωτεινά κόκκινα πανιά συνδυάζονται τέλεια με βαθύ μπλε νερό και ζουμερό πράσινο των λόφων. Το προϊόν ρυθμού ρυθμίζεται από τη διαγώνια σύνθεση και τη χρήση διακοσμητικού - γραμμικού και χρώματος. Τα κίνητρα των πτερυγίων πουλιών, ένα κύμα τρέχοντας σχημάτισαν τη βάση του ρυθμού των "υπερπόντιοι επισκέπτες". Το ίδιο σχέδιο των πτερυγίων επαναλαμβάνεται στα περιγράμματα των ακτών και φαίνεται ότι η γη "πετάει" για να συναντήσουν δικαστήρια. Μεταξύ των "υπερπόντιοι επισκέπτες" και "Σλάβοι στο Δνείπερο" (1905, το κρατικό ρωσικό μουσείο, Αγία Πετρούπολη) πολύ κοινά και στη σύνθεση και στο χρώμα. Η εκφραστικότητα του σχεδίου βασίζεται στην απλούστευση και γενικοποίηση του. Ένας σημαντικός ρόλος παίζεται στους πίνακους μια ρυθμική αρχή, φωτεινά έγχρωμα κηλίδες. Ο Roerich επιλέγει μια ψηλή άποψη στο τοπίο, όταν τα περιγράμματα των δασικών συστοιχιών, μια εκκαθάριση, περίεργη γραμμή των ακτών, κομμένα από τους κόλπους, εκτελούν ιδιαίτερα διακοσμητικά και ταυτόχρονα "εκπληκτικά" ασυνήθιστα (ο καλλιτέχνης εργάστηκε το πεδίο της θεατρικής διακοσμητικής ζωγραφικής). Ο αλλοδαπός στους σύγχρονους χρόνους Το θέμα των έργων αποδεικνύει την προσοχή της Roerich στην αρχαία ρωσική καλλιτεχνική παράδοση και υπογραμμισμένο ενδιαφέρον για τις εικόνες και θέματα της ρωσικής ιστορίας.

Αγροτική Starina, Meschansko-άγνοια Rus - κύρια θέματα στα έργα του Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927). Ήταν γνωστό ως πορτραίτης, αλλά σε έργα του είδους τηρεί στις αρχές Miriskusniki. Στις εικόνες που απεικονίζουν πολυάριθμες εκθέσεις, καρναβάλι και κοπή, ο καλλιτέχνης αισθάνθηκε την ομορφιά της ρωσικής φύσης, τα λαϊκά έθιμα και το πλάτος του ρωσικού ανθρώπου. Χειμερινά τοπία, εναντίον των οποίων υπάρχει χαρούμενος περπάτημα επιβατών, μερικές φορές γοητευτικό σε συνδυασμούς πράσινου-ροζ ουρανού και εκθαμβωτικό μπλε χιόνι. Μεταξύ αυτής της πολύχρωμης φύσης είναι ιδιαίτερα εορταστική, φωτεινά κοστούμια και παπάκια. Ο Kustodiev δεσμεύει πολλά οικόπεδα, αποκαλύπτει τις σχέσεις των χαρακτήρων και ταυτόχρονα δείχνει την έκθεση ως ένα υπέροχο θέαμα, το οποίο θαυμάζει με τον θεατή.

Το 1910, ο καλλιτέχνης άρχισε να εργάζεται σε ένα ομαδικό πορτρέτο μελών της κοινωνίας "κόσμο τέχνης" για τη γκαλερί tretyakov, αλλά ποτέ δεν το τελείωσε. Ο πλοίαρχος έκανε μόνο ένα σκίτσο (1916-1920, το κρατικό ρωσικό μουσείο, Αγία Πετρούπολη). Εμφανίζεται (από αριστερά προς τα δεξιά): Ι. Grabar, Ν. Rerich, Ε. Lancere, Ι. Bilibin, Α. Benua, Narbut, Ν. Μυλιώτη, Κ. Somov, Μ. Dobuzhinsky, Κ. Petrov-Vodkin, Α. Ostrumova-Lebedev, Β. Kustodiev.

Διατηρούσαν διάφορα προπαρασκευαστικά etudes.

Το 1911, ο Σεργκέι Yuryevich Sudietic (1882-1946) έγινε μέλος του Συλλόγου "Κόσμος Τέχνης". Ήταν δεσμευμένος στενή φιλία με τον Κ. Somov. Από πολλές απόψεις, ο Somovsky "Marquis" απωθήθηκε από το Sudietin στα έργα του, αναπαράγοντας επίσης ποιμαντικές σκηνές της χαλαρωτικής εποχής: Αυτά είναι "περπάτημα" (1906, κρατική γκαλερί Tretyakov, Μόσχα), "Κήπος Harlequin" (1915-1916, Μουσείο State Art Saratov. Α. Ν. Radishcheva). Η ρομαντική ιστορία συχνά ελήφθη από αυτόν αφελές, πρωτόγονο-λόμπι ερμηνεία, περιείχε στοιχεία παρωδιά, grotesque, θεατρικά. Ακόμη, για παράδειγμα, "λουλούδια και πορσελάνη" (αρχή της δεκαετίας του 1910, ιδιωτική συνέλευση, Μόσχα), μοιάζουν επίσης με τη δράση θεάτρου, πλατφόρμα σκηνής. Το θέμα του θεάτρου έχει επανειλημμένα προφύγει στη ζωγραφική του Suitaineikin: απεικονίζει μπαλέτο και ένα θέατρο μαριονέτας, μια ιταλική κωμωδία και το ρωσικό καρναβάλι περπάτημα. Η θεατρική-διακοσμητική τέχνη έχει γίνει η κύρια δραστηριότητα του καλλιτέχνη. Το πρώτο τους προσέλκυσε στο σχεδιασμό των επιδόσεων της όπερας στο θέατρο της Μόσχας "Ερμιτάζ" S. Mammoths. Το 1911, ο καλλιτέχνης εργάστηκε στις παραστάσεις του μπαλέτου του μικρού θεάτρου δράματος στην Αγία Πετρούπολη, το 1912 μαζί με τον Α. Tairov - στο Θέατρο Δράμας της Αγίας Πετρούπολης. Το 1913, η Speatikin συμμετείχε στις "ρωσικές εποχές" στο Παρίσι, μετά από διακοσμήσεις και κοστούμια στη μάσκα μπαλέτου "Κόκκινη μάσκα" Ν. Cherepnin και "Tragedy Salome" F. Schmidt.

Zinaida Evgenievna Serebryakova (1884-1967), η οποία περιλάμβανε τον "Παγκόσμιο Πόλεμο" το 1911, εκλεγμένα λαϊκά θέματα, οι πίνακές του χαρακτηρίζονται από αρμονία, ισχυρό πλαστικό, γενίκευση γραφικών λύσεων. Ο καλλιτέχνης ανήκει σε πολλά έργα του είδους που αφιερώθηκαν στην εργασία και την καθημερινή ζωή των αγροτών, - "συγκομιδή" (1915, Μουσείο Κρατικής Τέχνης της Οδησσού), "Λευκός καμβάς" (1917, κρατική γκαλερί Tretyakov, Μόσχα). Αγαπημένο Serebryakov - μια επιλογή για τη σύνθεση του υψηλού ορίζοντα, η οποία καθιστά τα στοιχεία ιδιαίτερα μνημειώδη και μεγαλοπρεπή.

Το 1914, το A. Benua ανέθεσε στον σχεδιασμό του σταθμού Καζάν στη Μόσχα (δεν εφαρμόστηκε) και 3. Serebryakov, μαζί με τον E. Lancere, B. Kustodiyev, M. Dobuzhinsky, προσέλκυσε στην εργασία.

Στο έργο του καλλιτέχνη αναπτύχθηκε και βαθιά προσωπική, θηλυκή εκκίνηση, ειδικά έντονα εκδηλωμένη στην εργασία σε αυτόματες μονοπωλείες: Σε αυτά, η αφελής πτερυγισμός του κοριτσιού αντικαταστάθηκε από την έκφραση του αισθήματος της μητρικής χαράς, τότε τρυφερή ποιητική θλίψη. Τέτοιες, για παράδειγμα, εικόνες "για την τουαλέτα. Αυτο-πορτραίτο "(1909, κρατική γκαλερί Tretyakov, Μόσχα) και" Αυτοπροσωπογραφία με κόρες "(1921, Rybinsky State Historical και Αρχιτεκτονικό και Τεχνικό Μουσείο-Reserve).

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878-1939), ο οποίος έγινε μέλος της ενοποίησης το 1911, εξοικείγεται μελλοντικά ομοϊδεάτες - P. Kuznetsov, P. Utkin, Μ. Σαρανία - στο μουσικό. Το Petrov-Vodkin είναι ένα παράδειγμα ενός καλλιτέχνη που αναζητούσε μια σύνθεση μιας σύγχρονης καλλιτεχνικής γλώσσας με την πολιτιστική κληρονομιά των προηγούμενων εποχημάτων. Το 1912, δημιούργησε μια φωτογραφία του "κολύμπι κόκκινο kony" (κρατική γκαλερί Tretyakov, Μόσχα). Για πρώτη φορά, ο καμβάς έδειξε στην έκθεση "World of Art" το 1912. Στο έργο είναι προφανές να απευθυνθείτε στις εικόνες της αρχαίας ρωσικής τέχνης: ένα κόκκινο άλογο στέλνει στο κίνητρο της ρωσικής εικόνας - ένα άλογο του Αγίου Γεωργίου το νικηφόρο. Η κεντρική εικόνα σύμφωνα με το σχέδιο δεν είναι αναβάτης, αλλά φλεγόμενο κόκκινο ζώο. Η σύνθεση διακρίνεται από την ισορροπία, στατική. Το διακοσμητικό είναι γοητευμένο, η μνημειώδης φύση του καμβά. Ένα ισχυρό, πυροσβεστικό άλογο, γεμάτο περιορισμένη δύναμη, εισέρχεται στο νερό, σε αυτό - ένα εύθραυστο αγόρι με λεπτά χέρια, αποσπασμένο πρόσωπο, κρατάει το ζώο, αλλά δεν κρατά πίσω το - υπήρχε κάτι ανήσυχο, προφητικό σύνθεση σε αυτή τη σύνθεση. Η εικόνα δεν είναι μόνο για τη νεολαία, την όμορφη φύση ή τη χαρά της ζωής, αλλά και ίσως για τη μοίρα της Ρωσίας.

Pavel Warfolomeevich Kuznetsov (1878-1968) είναι ένας καλλιτέχνης για τον οποίο οι γραφικές ανακαλύψεις του Borisov-Musatov απέκτησαν ιδιαίτερη σημασία. Η σάρκα του ιξώδους κόσμου λιώνει στις καμβά του, τα γραφικά οράματα είναι σχεδόν εισερχόμενα, υφαντά από τις εικόνες, που υποδηλώνουν τις γυμνές κινήσεις της ψυχής. Το διάσημο κίνητρο Kuznetsovsky είναι ένα σιντριβάνι, ένα διαφορετικό θέμα του αιώνιου κύκλου ζωής, - "Blue Fountain" (1905, κρατική γκαλερί Tretyakov, Μόσχα). Ο Kuznetsov προτιμάτε tempere, αλλά χρησιμοποίησε διακοσμητικές δυνατότητές της πολύ περίεργη, σαν να με ένα ψωμί του ιμπρεσιονισμού σε τεχνικές, σπάζοντας τις αποχρώσεις του χρώματος. Πολλά έργα είναι αντέχει σε κρύα χρώματα - γκρι-μπλε, πασχαλίτσα, τα περιγράμματα των αντικειμένων είναι ασαφείς, η εικόνα του χώρου είναι μια διακοσμητική σύμβαση, όπως το "Mirage στη στέπα" (1912, κρατική γκαλερί Tretyakov, Μόσχα) , "Το βράδυ στη στέπα" (1912, κρατική γκαλερί Tretyakov, Μόσχα). Μια περίεργη σύνθεση της νεκρή φύση και το τοπίο - την εικόνα "πρωί" (1916, κρατική γκαλερί tretyakov, Μόσχα). Ο καλλιτέχνης δεν ήταν ακόμα και τριάντα όταν τα έργα του εισήλθαν στην έκθεση της έκθεσης της ρωσικής τέχνης, που διοργανώθηκαν από τον Σ. Dyagilev στο Παρίσι το 1906.

Πρόωρη έργα του Nikolai Nikolayevich Sapunov (1880-1912), ο οποίος ήρθε στην Ένωση από την ομάδα συμβολιστών "Blue Rosa", ήταν κοντά στις αισθητικές αρχές του "κόσμου της τέχνης". Στο πνεύμα των χαλαρωτικών εορτασμών του XVIII αιώνα, γράφτηκε μια εικόνα του "νυχτερινού φεστιβάλ. Μεταμφίεση "(1907, Μουσείο Ρωσικής Τέχνης, Συλλογή Α. Ya. Αβραναία, Ερεβάν). Από το έργο των Δασκάλων του "World of Art", τα έργα του Sapunov διακρίνονται από γραφικές ιδιότητες και θέματα που δεν σχετίζονται με συγκεκριμένα ιστορικά γεγονότα. Ένα μεγάλο μέρος στο έργο του καλλιτέχνη καταλήφθηκε από εικόνες λουλουδιών, με τη μεταφορά τους έφτασε στην πραγματική δεξιοτεχνία, αποκαλύπτοντας την πλήρως πολύχρωμη ηρεμία του. Ένα παράδειγμα αυτού είναι το έργο "Blue Hydrangees" (1907, Gallery Tretyakov, Μόσχα), "Βάζα, Λουλούδια και Φρούτα" (1910, Κρατική Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα). Τα αγαπημένα κίνητρα του Ν. Sapunov ήταν τα λαϊκά φεστιβάλ και μια βόλτα με τα παραδοσιακά χαρακτηριστικά τους, όπως και στους Carsusel Clutters (1908, το κρατικό ρωσικό μουσείο, Αγία Πετρούπολη), "Άνοιξη. Μεταμφίεση "(1912, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη).

Alexander Yakovlevich Golovin (1863-1930) Από το 1899 συμμετείχε στις εκθέσεις του κόσμου της Τέχνης, από το 1902 - μέλος της Ένωσης, συνεργάστηκε στο περιοδικό του ίδιου ονόματος. Στα τέλη του 1890 εργάστηκε στο εργαστήριο αγγειοπλαστικής Abramshev, μαζί με τον M. Vrubel, με την πρόταση της οποίας συμμετείχε στο σχεδιασμό της πρόσοψης του ξενοδοχείου Metropol. Οι παραστάσεις του θεάτρου Bolshoi στη Μόσχα, το 1901 μεταφέρθηκαν στην Αγία Πετρούπολη, από το 1902, υπηρέτησε ως ο κύριος διακοσμητής των αυτοκρατορικών θεάτρων και του συμβούλου της Διεύθυνσης για καλλιτεχνικά θέματα. Ο Γολόβιτς συνεργάστηκε με το Alexandrinsky και Mariinsky θέατρα, δημιούργησε πορτρέτα καλλιτεχνών, ηθοποιούς σε ρόλους, πορτρέτα παρέλασης, τοπία. Σε ζωγραφική πορτρέτου επιδεινώθηκε τις μεθόδους της θεατρικής της εικόνας. Συχνά, ο καλλιτέχνης πέρασε τους ήρωές του στην κατάσταση του θεάτρου και κάλυψε τη ράμπα τους με το φως, για παράδειγμα, στο "πορτρέτο του καλλιτέχνη Δ. Σμίνεφ ως Καβάαλη de Griene στην Όπερα J. Massne" Manon "(1909, Μουσείο Κρατικού Θεάτρου. ΕΝΑ . Μπαχρούσινα, Μόσχα) ή στο "Πορτρέτο του F. Shalyapin ως Boris Godunova στο Opere M. Mussorgsky" Boris Godunov "(1912, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη). Διακοσμητικό, χρώμα, η πολυπλοκότητα της γραφικής λύσης είναι χαρακτηριστική του έργου του πλοιάρχου. Δημοσιεύθηκε στο έργο των κεφαλών ήταν διακοσμητικά φυτικά κίνητρα, τα οποία είναι άφθονα σε κεραμικά προϊόντα στα σκίτσα του, γραφικά πλαίσια, διακοσμήσεις θεάτρου και ακόμη και πορτρέτα.

Igor Emmanuilovich Grabar (1871-1960) από το 1901 - μέλος της ένωσης, από το 1902 - ένας συμμετέχων στις εκθέσεις "κόσμος της τέχνης". Ήταν ένας από εκείνους που εγκατέλειψαν την Ένωση Ρώσων καλλιτεχνών το 1910 και συμμετείχαν στην οργάνωση μιας Ένωσης Έκθεσης που ονομάζεται "Κόσμος Τέχνης", το ίδιο έτος. Ακόμη και κατά τη διάρκεια των ετών σπουδών, ο Grabar έγραψε άρθρα και σχόλια για τέχνη για διάσημα περιοδικά "NIVA", "Dragonfly", "World of Art". Η φύση της μεσαίας λωρίδας της Ρωσίας και της περιοχής της Μόσχας ήταν ένα από τα κύρια θέματα της γραφικής δημιουργικότητάς της. Αρμονία, ποίηση, χαρούμενη στάση γεμάτη με όλα τα έργα του Grabar. Η θεαματική, φωτεινή, υφή ζωγραφική συνδυάζεται με τη σταθερή ομορφιά της σύνθεσης και του χρώματος. Ο Grabar προσπάθησε να συλλάβει τη μεταβλητότητα ολίσθησης των "εποχών". Ήταν ιδιαίτερα αγαπημένο από τα χειμωνιάτικα τοπία: "Φεβρουάριος Azure" (1904, κρατική γκαλερί Tretyakov, Μόσχα), "Martov Snow" (1904, κρατική γκαλερί Tretyakov, Μόσχα). Σε αναζήτηση τρόπων μεταφοράς του φωτός και του χρώματος της φύσης, χρησιμοποίησε τα επιτεύγματα των γαλλικών ιμπρεσιονιστικών καλλιτεχνών, αλλά ποτέ δεν ήταν άμεσος οπαδός της κατεύθυνσής τους. Εκτός από την εργασία του τοπίου, ο Igor Emmanuilovich δημιούργησε πολλές ακόμα ζωές. Επίσης, γράφονται σε μονογραφίες σχετικά με το έργο του V. Serov και I. Repin, το αυτοβιογραφικό βιβλίο "Η ζωή μου", λέγοντας για την καλλιτεχνική ζωή της Ευρώπης και της Ρωσίας του τέλους του XIX - αρχές του εικοστού αιώνα. Κατά τη διάρκεια των δώδεκα ετών - από το 1913 έως το 1925 - ο Grabar ήταν ο διευθυντής της γκαλερί Tretyakov. Με τα χρόνια, έγινε μια τεράστια δουλειά για την απογραφή της γκαλερί, την αναπλήρωση των κεφαλαίων, των εκθέσεων, τη δημοσίευση του πρώτου επιστημονικού καταλόγου. Το ενδιαφέρον για τη ρωσική ιστορία, τα μνημεία του παρελθόντος, η εικόνα τον συνδέονταν με τον Α. Μπενουά, Μ. Dobuzhinsky, Ε. Lancere, Β. Kustodiyev, Α. Otrumova-Lebedeva και Ν. Roerich. Grabar - Συγγραφέας πολλών μονογραφιών σχετικά με τους Ρώσους καλλιτέχνες. Έβαλε το καθήκον του να αποκαταστήσει την ακολουθία της ανάπτυξης της ρωσικής εθνικής σχολής, να υποβάλει το έργο των μεγαλύτερων ρωσικών καλλιτεχνών.

Το 1924 πραγματοποιήθηκε η τελευταία έκθεση του Συλλόγου "Ο Κόσμος Τέχνης", στην οποία τα έργα του Benoit, Somov, Dobuzhinsky, Golovan, Costa-Swan, Kustodiev, Serebryakova πραγματοποιήθηκαν κοντά.

Στο Παρίσι, το 1927, μια ομάδα ρωσικών μεταναστών προσπάθησε να συλλέξει καλλιτέχνες συμπατριωτών στην έκθεση που ονομάζεται "Ο κόσμος της τέχνης", τα προηγούμενα μέλη της ένωσης με επικεφαλής τον Μ. Dobuzhinsky συμμετείχαν σε αυτό. Η ιδέα της αναψυχής του Συλλόγου, η οποία προέκυψε στο περιβάλλον της Επιτροπής Δημοτικής Μετανάστευσης δεν βρήκε υποστήριξη ακόμη και στο Α. Μπενουά, ο οποίος αρνήθηκε να συμμετάσχει σε αυτή την έκθεση. Στις αρχές της δεκαετίας του 1930, η Μιρσουσνίκη όλων των γενεών μετανάστευσε από τη Ρωσία που διατηρούσαν φιλικές συνδέσεις, μαζί πραγματοποιήθηκε μαζί στις εκθέσεις της ρωσικής τέχνης στο Παρίσι, στο Βελιγράδι, στις Βρυξέλλες. Αλλά στη σύγχρονη ρωσική καλλιτεχνική ζωή "ο κόσμος της τέχνης", δυστυχώς, δεν υπήρχε.

Βιβλίο γραφικών Miriskusnikov

Η πιο ολοκληρωμένη και ζωντανή υλοποίηση των δημιουργικών φιλοδοξών των Δασκάλων της Ένωσης Αγίας Πετρούπολης που βρέθηκαν στη διακόσμηση βιβλίων και θεατρικού (όπερας και μπαλέτου).

Οι προσπάθειες των καλλιτεχνών της παγκόσμιας τέχνης της τέχνης προήλθαν σε ένα υψηλό επίπεδο βιβλίου έργων τέχνης, ενέκριναν μια νέα κατανόηση της ομορφιάς και της τέχνης του. Το περιοδικό "Ο κόσμος της τέχνης" - η δημοσίευση μεγάλης μορφής, όλα τα στοιχεία της διακόσμησης του εξώφυλλου και των σελίδων των οποίων συμφωνήθηκαν στην ενότητα του στυλ. Κομψός τίτλος καλλιγραφίας, κομψότητα των βινιέτες, ματ κιτρινωπές εκδόσεις χαρτιού, έγχρωμη εκτύπωση το έκανε με πολυτελές στοιχείο. Τον Αύγουστο του 1898 ο M. Yakunkikova κατόπιν αιτήματος του S. Dyagileva άρχισε να συνεργάζεται με τον "κόσμο της τέχνης". Έκανε ένα εξώφυλλο για δημοσίευση: ο συνδυασμός της κληρονομιάς του σκηνικού και η έκφραση της σιλουέτας κύκνου υπογράμμισε το κάλυμμα του καλύμματος και τέλεια εναρμονισμένο με μια στυλιζαρισμένη γραμματοσειρά. Και παρόλο που το πρώτο ζήτημα κυκλοφόρησε στο σχεδιασμό της Κ. Κορονοίνας, οι συντάκτες επέστρεψαν αργότερα στο σχήμα Μ. Yakunchikova.

Η εξελιγμένη γεύση διακρίθηκε από όλες τις τυπωμένες εκδόσεις, στη διακόσμηση των οποίων συμμετείχαν οι Mircycles.

Η Petersburg, η ιστορία του, η αντανάκλαση της στην ποίηση, η λογοτεχνία, η αρχιτεκτονική ήταν το κύριο θέμα στο βιβλίο γραφικών Α. Benua. Ολοκληρώθηκε πολυάριθμες απεικονίσεις για τον "Copper Rider" (1916, 1921-1922, το κρατικό ρωσικό μουσείο της Αγίας Πετρούπολης, το all-ρωσικό μουσείο του Α. S. Pushkin, Μόσχα; Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών. Α. S. Pushkin, Μόσχα, ιδιωτικές συλλογές Στη Μόσχα και την Αγία Πετρούπολη) 7. Τα γραφικά Beno'a δημιούργησαν οργανική ενότητα με το κείμενο της Πούσκιν. Οι εικονογραφήσεις της εισόδου συσχετίστηκαν με τα μοτίβα της τέχνης του Pushkin Pore, καθώς η εικόνα μιας κλασσικής πόλης ξεπερνώθηκε σε στίχους με την αρχιτεκτονική σαφήνεια των γραμμών. Σε επόμενες εικονογραφήσεις, οι συνθέσεις αποκτούν δυναμική, κομψή πλεξούδα, η κυνηγημένη λογική του αστικού τοπίου εξαφανίζεται. Η μονομαχία του Evgeny με έναν αναβάτη τελειώνει με ένα δραματικό τέλος: τρομερά κύματα, σηκτική βροχή και μια θριαμβευτική σιλουέτα του μνημείου.

Η εικόνα της πόλης γίνεται ένα leitmotif μιας ερμηνείας γραφικών του ποιήματος. Τα ανάχωμα γρανίτη, ο διοικητής των παλατιών, το άνοιγμα των τετραγώνων - για όλους ανήκουν μια στάση αγάπης της Μπενουά στη δημιουργία του Πέτρου. Αλλά η εικόνα γεννήθηκε όχι μόνο το όμορφο κεφάλαιο, και η πόλη τραγικής απελπισίας, τρομερή και αδίστακτη.

Ο M. Dobuzhinsky έχει επανειλημμένα μιλήσει για το πώς ανησυχούσαν τα έργα του Dostoevsky. Στις εικονογραφήσεις του στις "λευκές νύχτες" (1923), ο κύριος χαρακτήρας, σύμφωνα με το κείμενο του έργου, γίνεται η Πετρούπολη. Μικρά στοιχεία, σχεδόν διαλυμένα στο σούρουπο των δρόμων, υπογράμμισαν τη γενική λυρική διάθεση που είναι εγγενής σε αυτό το έργο. Αν και τα μαύρα και λευκά φύλλα διαφέρουν σε αυστηρό γραφικό, ο Dobuzhinsky πέρασε την φάντασμα ατμόσφαιρα της λευκής νύχτας. Αποφεύγει το διακοσμητικό, αλλά η λευκότητα του χαρτιού σε αντίθεση με τους βαριούς λεκέδες του σφαγίου, έτσι δημιουργήθηκε η διακοσμητική επίδραση των σχεδίων. Η πόλη φαίνεται θανατηφόρα άδεια, μάρτυρας του πνευματικού δράματος ενός ανθρώπου, προσωποποιεί τον πνευματικό κόσμο των ηρώων. Το συναισθηματικό εγκεφαλικό επεισόδιο της ιστορίας του Dostoevsky, ο καλλιτέχνης αποκάλυψε με τη βοήθεια εικόνων της δικής του δημιουργικότητας - αστικών τοπίων.

Ivan Yakovlevich Bilibin (1876-1942) - Ένας εκπρόσωπος του Μιρσουσουσένικοφ που εφαρμόζει πλήρως στα γραφικά βιβλίου. Παρά το γεγονός ότι εξωτερικά, η δημιουργικότητα του Bilibin αντιτίθεται στον δυτικό προσανατολισμό των περισσότερων καλλιτεχνών των καλλιτεχνών «παγκόσμιας ειρήνης», η επιρροή στο έργο του αγγλικών γραφικών, γαλλικών AR-Nouveau και ιαπωνικά χαρακτικά είναι πολύ αισθητές. Το έργο του καλλιτέχνη διακρίνεται από την ομορφιά του μοτίβου με σχέδια, το εξαιρετικό διακοσμητικό των χρωμάτων συνδυασμών, μια λεπτή οπτική ενσάρκωση του κόσμου, ένας συνδυασμός φωτεινής εμφάνισης με μια αίσθηση του χιούμορ των ανθρώπων. Το αεροπλάνο της σελίδας του βιβλίου, υπογράμμισε τη γραμμή περιγράμματος, την έλλειψη φωτισμού, την πολύχρωμη ενότητα, τον κατάστρωμα του χώρου σε σχέδια και τη συσχέτιση διαφορετικών σημείων της άποψης στη σύνθεση. Ο πλοίαρχος εξέδωσε ρωσικά λαϊκά παραμύθια, επικά. Σημαντικές εικονογραφήσεις για την "ιστορία της Πούσκιν Tsar Saltan" (1905, κρατικό ρωσικό μουσείο, Αγία Πετρούπολη), αυτό το παραμύθι έδωσε πλούσια τροφή της φαντασίας του Bilibinsk. Με εντυπωσιακή ικανότητα και μεγάλη γνώση, ο καλλιτέχνης που απεικονίζεται στους πολύχρωμους πίνακες της αρχαίας ρωσικής ζωής. Vintage κοστούμια και σκεύη. Πρέπει να σημειωθεί ότι το 1902-1904, στο καθήκον του εθνογραφικού τμήματος του ρωσικού μουσείου Bilibin, της επαρχίας Vologda, Arkhangelsk, Olonetsk και Tver, συλλέγοντας έργα λαϊκής δημιουργικότητας και φωτογράφηση ξύλινων μνημείων αρχιτεκτονικής. Ο Δάσκαλος συνέβαλε στον κόσμο των συμφερόντων των Μιτσαδουσείων των μνημείων της αρχαίας ρωσικής τέχνης και του αγροτικού καλλιτεχνικού σκάφους.

Το 1901, η Georgy Ivanovich Narbut (1886-1920) μεταφέρθηκε στην Αγία Πετρούπολη και συναντήθηκε με το Bilibin. Τον πήρε κάτω από την υπόστρωση του, εισάγει στον κύκλο της Μιρσουσουσένιης. Ο Debured Narbut το 1907 με εικονογραφήσεις στα βιβλία των παιδιών που τον έφεραν αμέσως τη φήμη: η μεγάλη τύχη ήταν "Χοροί, Matvey, No Sorry των Lapes" (1910) και δύο βιβλία με το ίδιο όνομα "Toys" (1911). Και στα τρία, συνήθιζε να κυριαρχεί τις στυλιζαρισμένες εικόνες των ρωσικών λαϊκών παιχνιδιών. Σε αυτές τις εικόνες, ένα διεξοδικό σχέδιο περιγράμματος, λεπτή αποφλοιωμένη ακουαρέλα, έχει φέρει ίχνη της επίδρασης του Bilibin. Στο σχεδιασμό των παραμυθιών και των μπάσων, η Narbut χρησιμοποίησε συχνά ένα μοτίβο σιλουέτας σε συνδυασμό με το χρώμα.

Ο Dmitry Ishidorovich Mitrokhin (1883-1973) απεικονίζει πολλά παιδικά βιβλία, όπως το "μικρό αλεύρι" V. Gauga (1912), Roland-Spherichell V. Zhukovsky (1913). Κάθε ένας από αυτούς ήταν υποδειγματικός για την πρόσφυση του γραφικού στυλ και της ενότητας των σχεδίων, των επιγραφών και των στολίων.

Οι καλλιτέχνες του κόσμου της τέχνης, η ενημέρωση της παράδοσης, αναβίωσε μια απεικόνιση στη Ρωσία και ένα διακοσμητικό πρόγραμμα, δημιούργησε ένα σειριακό σύστημα σχεδιασμού βιβλίων. Οι δάσκαλοι συνέβαλαν στην κουλτούρα του σχεδιασμού βιβλίων και επηρέασαν την ανάπτυξη ρωσικών γραφικών του πρώτου τριμήνου του XX αιώνα.