Κλασικιστικός δυτικοευρωπαϊκός ορισμός ζωγραφικής. Κλασικισμός στη ρωσική ζωγραφική ο σχηματισμός του κλασικισμού στο

Διαμόρφωση του κλασικισμού στη Ρωσία Η εμφάνιση και ο σχηματισμός του κλασικισμού στη Ρωσία συνδέεται στενά με την ανάπτυξη της κοινωνικής σκέψης και των εκπαιδευτικών ιδεών του δεύτερου μισού του δέκατου όγδοου αιώνα. Οι ιδέες της πολιτικής συνείδησης και καθήκοντος, καθώς και η ηθική εκπαίδευση ενός πολίτη, αναπτύχθηκαν ευρέως. Ο κλασικισμός ως νέα καλλιτεχνική κατεύθυνση ορίστηκε στη δεκαετία του 1760. Επέλεξε τα αρχαία κλασικά για μίμηση και τα εκτίμησε για τη σαφήνεια της μορφής και της λογικής της σκέψης, αλλά κυρίως - για το ιδανικό ενός ατόμου -πολίτη που δημιουργήθηκε από αυτήν. Η αισθητική του κλασικισμού βασίστηκε στον ισχυρισμό ότι η τέχνη, σε μια ιδανική εικόνα της ομορφιάς, ενώνει αυτό που στην πραγματικότητα υπάρχει σε ξεχωριστά και διαφορετικά μέρη. Η τέχνη πρέπει να αναπληρώσει την ομορφιά και την αρμονία που λείπει στη φύση στη φύση. Στη Ρωσία, το στυλ του κλασικισμού έχει συλλάβει μια αρκετά μεγάλη χρονική περίοδο, οπότε υπάρχει ο διαχωρισμός του σε χρονολογικά στάδια. Η πρώτη περίοδος - 1760 -1780 - πρώιμος κλασικισμός, ώριμος κλασικισμός "ταιριάζει" τα τελευταία είκοσι χρόνια του δέκατου όγδοου αιώνα. Οι αρχές του 19ου αιώνα έδωσαν ένα νέο όνομα για την ύστερη φάση του κλασικισμού. Στη Ναπολεόντειο Γαλλία, γεννήθηκε το λεγόμενο «στυλ της αυτοκρατορίας» - το στυλ της αυτοκρατορίας, το οποίο εξαπλώθηκε και στη Ρωσία.

AP Losenko - ο ιδρυτής του ρωσικού κλασικισμού AP Losenko (1737 -1773) θεωρείται δικαίως ο ιδρυτής της ακαδημαϊκής σχολής του ρωσικού κλασικισμού. Ένας από τους καλύτερους πίνακες του ζωγράφου - "Αποχαιρετισμός του Έκτορα στην Ανδρομάχη" Η πλοκή του έργου είναι παρμένη από το Βιβλίο VI της Ιλιάδας του Ομήρου. Ο Έκτορας, γιος του Τρώα βασιλιά Πρίαμου, αποχαιρετά τη γυναίκα του και τον μικρό γιο του. Πηγαίνει να προστατεύσει την πόλη της Τροίας που πολιορκείται από τους Αχαιούς.

Το LOSENKO ΔΕΝ ΕΙΚΟΝΙΖΕΙ ΑΚΡΙΒΩΣ ΤΟ ΠΕΡΙΕΧΟΜΕΝΟ ΤΗΣ ΑΝΟΙΚΤΗΣ ΣΚΗΝΗΣ. ΧΡΗΣΙΜΟΠΟΙΩΝΤΑΣ ΧΩΡΙΣΤΙΚΑ ΚΙΝΗΤΗΡΙΑ ΤΗΣ ΑΡΧΑΙΑΣ ΕΠΟΣ, Ο ΚΑΛΛΙΤΕΧΝΗΣ ΕΙΣΑΓΩΓΕ ΔΙΑΦΟΡΕΤΙΚΟ ΠΕΡΙΕΧΟΜΕΝΟ ΣΤΗΝ ΕΡΓΑΣΙΑ, ΠΡΑΓΜΑΤΙΚΑ ΠΡΟΩΘΗΣΗ ΑΠΟ ΤΙΣ ΑΡΧΕΣ ΤΟΥ ΚΛΑΣΙΚΙΣΜΟΥ. Ο ΣΧΕΔΙΑΣΜΟΣ ΤΟΥ ΛΟΣΕΝΚΟ ΒΑΣΙΖΕΤΑΙ ΣΤΗΝ ΙΔΕΑ ΤΟΥ ΚΑΘΗΚΟΝΤΟΣ ΣΤΗΝ ΕΘΝΙΚΗ ΚΑΙ ΗΡΩΙΚΗ ΑΥΤΟΚΥΝΗΣΗ ΣΤΟ ΟΝΟΜΑ ΤΗΣ ΠΑΤΕΡΑΣ. ΑΥΤΗ Η Υ HIGHΗΛΗ ΙΔΕΑ ΑΝΤΙΚΕΙΜΕΝΕΙ ΟΛΟΚΛΗΡΗ ΛΥΣΗ ΦΥΛΛΩΝ. ΟΛΑ ΠΡΟΣΩΠΙΚΑ, ΒΑΘΟΣ ΑΝΘΡΩΠΟΣ, ΑΡΙΣΤΕΡΑ ΣΤΟ ΔΕΥΤΕΡΟ ΣΧΕΔΙΟ. ΣΥΓΚΡΙΣΗ ΜΕ ΤΟΥΣ ΗΡΩΕΣ ΤΟΥ GOMER, ΟΙ ΕΙΚΟΝΕΣ ΠΟΥ ΔΗΜΙΟΥΡΓΗΘΗΚΑΝ ΑΠΟ ΤΟΝ ΚΛΑΣΙΣΤΙΚΟ ΚΑΛΛΙΤΕΧΝΗ ΔΕΙΤΕ ΠΕΡΙΣΣΟΤΕΡΑ ΑΛΛΑ. ΧΑΝΟΥΝ ΤΗ ΖΩΗ ΚΑΙ ΤΗ ΔΙΑΦΟΡΑ, ΑΛΛΑ ΓΙΝΟΥΝ ΕΚΦΡΑΣΤΕΣ ΜΙΑΣ ΙΔΕΑΣ, ΜΙΑΣ ΑΙΣΘΗΣΗΣ. Η ΣΥΝΘΕΣΗ ΤΗΣ ΕΙΚΟΝΑΣ ΕΙΝΑΙ ΚΑΘΑΡΑ ΣΚΕΗ ΚΑΙ ΛΟΓΙΚΑ Χτισμένη. ΔΥΟ ΚΥΡΙΕΣ ΕΙΚΟΝΕΣ - HECTOR AND ANDROMACHE - ΚΙΝΗΘΗΚΑΝ ΜΠΡΟΣΤΑ ΚΑΙ ΤΟΠΟΘΕΤΗΘΗΚΑΝ ΣΤΟ ΚΕΝΤΡΟ. ΕΙΝΑΙ ΓΡΑΜΜΕΝΟΙ ΣΕ ΚΛΑΣΙΚΟ ΤΡΙΑΓΩΝΟ ΚΑΙ ΣΗΜΕΡΙΖΟΝΤΑΙ. ΑΡΙΣΤΕΡΑ ΕΙΝΑΙ ΜΙΑ ΟΜΑΔΑ ΟΠΛΩΝ ΚΑΙ ΠΟΛΕΜΙΣΤΩΝ ΜΕ ΜΠΑΝΓΚ. ΣΩΣΤΟΙ - ΥΠΗΡΕΣΙΟΙ ΠΟΥ ΚΡΑΝΟΥΝ, ΚΟΡΥΦΑΙΟ ΚΑΙ ΑΣΠΙΔΑ HECTOR. ΔΙΑΜΟΡΦΩΝΟΥΝ ΤΟΥΣ ΚΥΡΙΟΥΣ ΧΑΡΑΚΤΗΡΕΣ ΣΕ ΗΜΙΚΥΚΛΙΚΟ. ΔΕΥΤΕΡΕΙΣ ΕΙΚΟΝΕΣ ΕΚΤΕΛΕΣΗ ΤΗΣ ΛΕΙΤΟΥΡΓΙΑΣ ΜΕΡΙΚΩΝ ΣΤΑΤΙΣΤΩΝ, ΔΕΝ ΣΥΜΜΕΤΕΧΟΥΝ ΣΤΗΝ ΔΡΑΣΗ. ΠΟΛΕΜΙΣΤΕΣ ΚΑΙ ΥΠΗΡΕΣΙΟΙ ΚΑΝΟΥΝ ΕΝΑ ΠΑΘΗΤΙΚΟ «ΠΛΗΘΩΜΑ», ΤΟ ΟΠΟΙΟ ΕΙΝΑΙ ΑΝΤΙΘΕΤΟ ΝΑ ΔΡΑΣΕΙ «ΗΡΩΕΣ». ΕΔΩ ΕΙΝΑΙ ΚΑΘΑΡΗ ΕΠΙΣΗΜΗ ΠΑΡΟΥΣΙΑΣΗ ΤΗΣ ΙΣΤΟΡΙΑΣ ΣΧΕΤΙΚΑ ΜΕ ΤΙΣ ΠΡΑΞΕΙΣ ΤΩΝ ΒΑΣΙΛΕΩΝ ΚΑΙ ΗΡΩΩΝ, ΟΙ ΑΝΘΡΩΠΟΙ ΔΕΝ ΜΠΟΡΟΥΝ ΚΑΙ ΔΕΝ ΠΡΕΠΕΙ ΝΑ ΠΑΡΟΥΝ ΟΠΟΙΑΔΗΠΟΤΕ ΣΥΜΜΕΤΟΧΗ ΣΕ ΑΥΤΟΥΣ.

Η κύρια ιδέα του έργου ενσαρκώνεται μόνο από τους κεντρικούς χαρακτήρες. Η επιρροή του κλασικισμού αντικατοπτρίζεται στη λύση των κύριων εικόνων όχι λιγότερο σαφώς από τη λύση της σύνθεσης. Ο Έκτορας, σε μια αξιολύπητη πόζα, με τεντωμένο χέρι, σηκώνοντας τα μάτια στον ουρανό, ορκίζεται να δώσει τη ζωή του για την ελευθερία της Τροίας. Η τραγική παθολογία σηματοδοτεί όχι μόνο τη στάση και τη χειρονομία του ήρωα, αλλά και ολόκληρη την εμφάνισή του, θαρραλέα και ευγενή. Ο Έκτορας ενσαρκώνει το κλασικό ιδεώδες της ανδρικής ομορφιάς.

Ένα κλασικό παράδειγμα του στυλ του κλασικισμού στο είδος πορτρέτου είναι το περίφημο "Πορτρέτο της Αικατερίνης Β ' - Νομοθέτης στο Ναό της Θεάς της Δικαιοσύνης" (1783) από τον ΓΔ Levitsky. Η συμβατικά ρητορική παθολογία της εικόνας ενσωματώνεται με τη βοήθεια της πλαστικής εκφραστικότητας της στάσης και της χειρονομίας που χαρακτηρίζουν αυτό το στυλ. Η φιγούρα της Αικατερίνης τονίζεται και αναδεικνύεται. Με το απλωμένο χέρι δείχνει προς τον βωμό στον οποίο καίγονται λουλούδια παπαρούνας (η παπαρούνα είναι σύμβολο του ύπνου).

Στο πορτραίτο χαρακτηρισμό της Μεγάλης Αικατερίνης, έρχεται στο προσκήνιο το καθολικά σημαντικό, επίσημο και υψηλό, που τόσο εκτιμάται στον κλασικισμό, που επισκιάζει την προσωπική και συναισθηματική πλευρά της ψυχής. Η «θεϊκή» αυτοκράτειρα παρουσιάζεται με ένα παλιό φόρεμα - το φόρεμα παρομοιάζεται με χιτώνα, στο κεφάλι της δεν είναι αυτοκρατορικό στέμμα, αλλά δάφνη Nenets.

Ένα παράδειγμα ώριμου κλασικισμού στη ρωσική ιστορική ζωγραφική είναι ο πίνακας "Η εκλογή του Mikhail Fedorovich Romanov στο βασίλειο στις 14 Μαρτίου 1613" του GI Ugryumov (17641823), οπαδός του A.P. Losenko.

Ο καλλιτέχνης επέλεξε μία από τις σημαντικές στιγμές στη ρωσική ιστορία - την εκλογή στο βασίλειο του νεαρού βογιάρου M.F. Romanov, ο οποίος έγινε ο ιδρυτής μιας νέας δυναστείας που κυβέρνησε στη Ρωσία μέχρι το 1917. Κατά τη μεταφορά της πλοκής, ο ζωγράφος προχώρησε από την επίσημη ερμηνεία αυτού του γεγονότος από τους ιστορικούς: ο Μιχαήλ, συνειδητοποιώντας τη δύσκολη κατάσταση στην οποία βρισκόταν η Ρωσία, υποχωρεί μόνο στα αιτήματα του λαού. Ο ντροπιασμένος νεαρός, βάζοντας το δεξί του χέρι στην καρδιά του, το άλλο, λες, απομακρύνεται από την πρεσβεία που του εμφανίστηκε. Μια ομάδα από τους κύριους χαρακτήρες - ο Μιχαήλ, η μητέρα του και ο Αρχιεπίσκοπος Θεοδωρίτης - εκπροσωπούνται στο κέντρο της σύνθεσης, στον άμβωνα μπροστά από το τέμπλο. Οι χαρακτήρες τονίζονται συνθετικά, καθώς και με τη βοήθεια φωτεινών και φωτεινών πολύχρωμων συνδυασμών. Στα δεξιά απεικονίζονται διάσημες ιστορικές προσωπικότητες. Οι χειρονομίες τους είναι γεμάτες βαρύτητα και επισημότητα. Αντίθετα, απεικονίζουν τους κοινούς στα αριστερά, με ένθερμο και προσκλητικό τρόπο που φιλοδοξούν τον νεοφερμένο βασιλιά. Ο Ugryumov ζωγραφίζει με μεγάλη επιδεξιότητα ένα πλούσιο εσωτερικό, ένα σκαλιστό τέμπλο, πολυτελή ρούχα των απεικονιζόμενων ανθρώπων.

Το Κολοσσαίο, όπως κανένα άλλο μνημείο, σχετίζεται στενά με την αρχαία μυθολογία και την ιστορία. Ως γνήσιος κλασικιστής καλλιτέχνης, ο Matveev προσπάθησε να εκφράσει την ιδέα της ηρωικής ομορφιάς και της εξύψωσης, για να μεταφέρει τη μεγαλειώδη ανάσα του παρελθόντος. Το "πρωταγωνιστής" Κολοσσαίο βρίσκεται αυστηρά στο κέντρο της σύνθεσης. Ο ζωγράφος διαιρεί τον χώρο. Ακολουθώντας τους κανόνες του κλασικισμού, ο Matveyev παίρνει σχέδια παράλληλα με τον καμβά. μεταφέρει με ακρίβεια τα περιγράμματα ενός αντικειμένου με ένα περίγραμμα. Στο προσκήνιο, οι πέτρες, οι θάμνοι και η γραμμή και το chiaroscuro χαρακτηρίζουν τη δομή του, και το χρώμα του στηθαίου γρανίτη αντανακλά το χρώμα του αντικειμένου έξω, είναι διατεταγμένα σαν "στρώματα" ανάλογα με τον φωτισμό συνθήκες, αντανακλάται το ένα μετά το άλλο. Η έκταση των παρακείμενων αντικειμένων. Ο κλασικισμός ανεβάζει τα πάντα στο δεύτερο σχέδιο, αποκαλύπτεται όχι μόνο αυτό που παρατηρείται στη φύση σε ένα ορισμένο απόλυτο, το πάχος του Κολοσσαίου, αλλά και από την οπτική γωνία, επομένως, το τοπικό χρώμα μετατρέπεται σε χώμα και κτίρια και κήπους της Ρώμης σε ένα ιδανικό κομμάτι αντικειμένων. Όλο το βάθος και στις δύο πλευρές της βλάστησης είναι πράσινο, τα ερείπια είναι το Κολοσσαίο. Το τρίτο σχέδιο είναι καφέ, κίτρινο για τις αρχιτεκτονικές λεπτομέρειες, το φόντο για το κύριο αντικείμενο. γκρι - για τοίχους σπιτιών.

Πορτρέτα ώριμου κλασικισμού (στυλ αυτοκρατορίας) στο έργο του V. L. Borovikovsky Ένα παράδειγμα πορτρέτου αυτοκρατορίας είναι το έργο του V. L. Borovikovsky (17571825) "Πορτρέτο του M. I. Dolgoruka", το οποίο δημιουργήθηκε από τον καλλιτέχνη το 1811

Η τέλεια φιγούρα μιας όμορφης γυναίκας ξεχωρίζει σε καθαρή σιλουέτα στο λείο φόντο του τοίχου. Ο Μποροβικόφσκι εδώ συνδύασε την πληρότητα των πλαστικών μορφών με την ομορφιά της σιλουέτας και την αρχοντιά του χρώματος. Οι γραμμές είναι ελαστικές, οι όγκοι εκφραστικοί. Ο καλλιτέχνης κατασκευάζει το χώρο με τέτοιο τρόπο ώστε το σκούρο κόκκινο βελούδο του φορέματος να αναδεικνύει τέλεια τη λευκότητα των ανοιχτών ώμων και χεριών. Ο καλλιτέχνης είναι εξαιρετικά λακωνικός και εκφραστικός. Με την πάροδο του χρόνου, οι υψηλές ιδέες του κλασικισμού άρχισαν να γίνονται παρωχημένες. Η κοινωνία «κουράστηκε» από την επανειλημμένη επανάληψη έτοιμων δειγμάτων και οι απολογητές του στυλ συνέχισαν να επιμένουν ότι η τελειότητα είχε ήδη επιτευχθεί από την αρχαία τέχνη και δεν υπήρχε τίποτα περισσότερο να εφευρεθεί, να εφευρεθεί, να ανακαλυφθεί. Σταδιακά, ο κλασικισμός μετατράπηκε σε ακαδημαϊσμό.

Η τέχνη του κλασικισμού ακολούθησε αρχαία, δηλαδή κλασικά, πρότυπα που θεωρούνταν το ιδανικό πρότυπο αισθητικής. Σε αντίθεση με τους μπαρόκ δασκάλους, οι δημιουργοί του κλασικισμού προσπάθησαν να ακολουθήσουν τους σταθερά καθιερωμένους κανόνες της ομορφιάς. Η νέα εποχή έχει αναπτύξει αυστηρούς κανόνες που καθορίζουν τον τρόπο γραφής ποίησης και θεατρικών έργων, τον τρόπο δημιουργίας εικόνων, τον χορό κλπ. Οι βασικές αρχές του κλασικισμού είναι η αυστηρή τήρηση των καθιερωμένων κανόνων και του μεγαλείου.

Με τις προσπάθειες της Γαλλικής Ακαδημίας, που ιδρύθηκε το 1634, στη Γαλλία, αντί για πολυάριθμες τοπικές διαλέκτους, καθιερώθηκε σταδιακά μια ενιαία λογοτεχνική γλώσσα, η οποία έγινε το σημαντικότερο μέσο όχι μόνο για την ανάπτυξη του πολιτισμού, αλλά και για την ενίσχυση της εθνικής ενότητας. Η Ακαδημία υπαγόρευσε γλωσσικούς κανόνες και καλλιτεχνικά γούστα, συμβάλλοντας στην καθιέρωση των γενικών κανόνων του γαλλικού πολιτισμού. Η ανάπτυξη του κλασικισμού διευκολύνθηκε επίσης από τις δραστηριότητες της Ακαδημίας Ζωγραφικής και Γλυπτικής, της Ακαδημίας Αρχιτεκτονικής, της Ακαδημίας Μουσικής, οι οποίες καθόρισαν τους κανόνες της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας στους αντίστοιχους τομείς της τέχνης. Οι καλλιτεχνικοί κανόνες εκείνης της εποχής σχηματίστηκαν υπό την επίδραση του φιλοσοφικού ορθολογισμού, ο ιδρυτής του οποίου ήταν ένας εξαιρετικός Γάλλος στοχαστής του πρώτου μισού του 17ου αιώνα. R. Descartes.

Καρτεσιανισμός, όπως ονομάζεται η φιλοσοφία του Ντεκάρτ, επιβεβαίωσε την πίστη στην παντοδυναμία του ανθρώπινου νου και την ικανότητά του να οργανώνει όλη την ανθρώπινη ζωή σε ορθολογικά θεμέλια.

Ο κορυφαίος ποιητής του κλασικισμού και θεωρητικός του στον τομέα της ποίησης ήταν N. Boileau, συγγραφέας της ποιητικής πραγματείας «Ποιητική τέχνη» (1674).

Δραματουργία

Στο δράμα, όπου ο κλασικισμός έφτασε στη μεγαλύτερη του πληρότητα, εδραιώθηκε η αρχή των "τριών ενότητων", πράγμα που σήμαινε ότι ολόκληρη η πλοκή αναπτύχθηκε σε ένα μέρος, ταυτόχρονα και σε μια δράση. Η τραγωδία αναγνωρίστηκε ως το υψηλότερο είδος θεατρικής τέχνης. Στο κλασικό δράμα, οι χαρακτήρες διακρίνονταν σαφώς και ήταν αντίθετοι μεταξύ τους: οι θετικοί χαρακτήρες ενσωματώνουν μόνο τις αρετές, οι αρνητικοί γίνονται η προσωποποίηση του κακού. Ταυτόχρονα, το καλό έπρεπε πάντα να κατακτά το κακό.

Ο ιδρυτής της κλασικής γαλλικής τραγωδίας ήταν P. Cor-nel, ο οποίος όχι μόνο έγραψε θεατρικά έργα, που μέχρι τώρα αναγνωρίζονταν ως αριστουργήματα του παγκόσμιου δράματος, αλλά έγινε επίσης κορυφαίος θεωρητικός της θεατρικής τέχνης.

Μπαλέτο

Το μπαλέτο πέτυχε υψηλή τελειότητα στην εποχή του κλασικισμού, για τον οποίο ο "βασιλιάς του ήλιου" είχε αδυναμία, εμφανιζόμενος συχνά στη σκηνή ο ίδιος. Το μπαλέτο, που προήλθε από την Αναγεννησιακή Ιταλία, υπό την αιγίδα του βασιλιά της Γαλλίας, έχει γίνει ένα ιδιαίτερο είδος τέχνης. Μέχρι το τέλος του 17ου αιώνα. οι κανόνες του αναπτύχθηκαν, μετατρέποντας το μπαλέτο στο πιο κλασικό από όλα τα είδη κλασικών τεχνών.

ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ

Η Όπερα ήρθε επίσης στη Γαλλία από την Ιταλία. Η εθνική οπερατική παράδοση, η οποία προήλθε από την αυλή του Λουδοβίκου XIV, διαμορφώθηκε επίσης στο κύριο ρεύμα του κλασικισμού.

Οι κλασικοί κανόνες στη ζωγραφική σχηματίστηκαν Ν. Πούσιν... Γαλλική ζωγραφική του 17ου αιώνα έθεσε τα θεμέλια μιας μεγάλης εθνικής παράδοσης, η περαιτέρω ανάπτυξη της οποίας έφερε στη Γαλλία μια αδιαμφισβήτητη υπεροχή στον τομέα των καλών τεχνών.

Πορτρέτο

Ο Λουδοβίκος XIV έθεσε το βασιλικό παλάτι του Λούβρου στη διάθεση των υπουργών των μούσων, το οποίο απέκτησε τη μεγαλοπρεπή ανατολική πρόσοψή του κατά τη διάρκεια της βασιλείας του. Το Παρίσι και τα προάστια του κατά τη διάρκεια της βασιλείας του «βασιλιά του ήλιου» ήταν στολισμένα με αξιόλογα αρχιτεκτονικά μνημεία. "Τα κτίρια της Αυτού Μεγαλειότητας" μετατράπηκαν σε μια ολόκληρη βιομηχανία και όλα όσα χτίστηκαν τότε ήταν, σύμφωνα με τα λόγια του βιογράφου του Λουδοβίκου XIV, "μια μόνιμη παγκόσμια έκθεση αριστουργημάτων γαλλικής κλασικής γεύσης".

Από την εποχή του Λουδοβίκου XIV, η πρωτοκαθεδρία της Γαλλίας έχει αναγνωριστεί γενικά σε πολλές σφαίρες του πολιτισμού. Για πολύ καιρό, η γαλλική επιρροή καθόρισε τις κύριες κατευθύνσεις της ανάπτυξης της παγκόσμιας τέχνης. Το Παρίσι έγινε το κέντρο της ευρωπαϊκής καλλιτεχνικής ζωής, ένα trendsetter και γούστα που έγιναν πρότυπα σε άλλες χώρες. Υλικό από τον ιστότοπο

Παλάτι και πάρκο στις Βερσαλλίες

Ένα εξαιρετικό επίτευγμα εκείνης της εποχής είναι το μεγαλειώδες σύνολο παλατιών και πάρκων των Βερσαλλιών. Στην κατασκευή του έλαβαν μέρος οι καλύτεροι αρχιτέκτονες, γλύπτες και καλλιτέχνες εκείνης της εποχής. Τα πάρκα της Versa la είναι ένα κλασικό παράδειγμα γαλλικής τέχνης πάρκων. Σε αντίθεση με ένα αγγλικό πάρκο, το οποίο είναι πιο φυσικό, τοπίο στην ουσία του, που ενσωματώνει την επιθυμία για αρμονία με τη φύση, το γαλλικό πάρκο χαρακτηρίζεται από κανονική διάταξη και επιθυμία συμμετρίας. Σοκάκια, παρτέρια, λίμνες - όλα είναι διατεταγμένα σύμφωνα με τους αυστηρούς νόμους της γεωμετρίας. Ακόμη και τα δέντρα και οι θάμνοι κόβονται με τη μορφή κανονικών γεωμετρικών σχημάτων. Διάφορα σιντριβάνια, πλούσιο γλυπτό, πολυτελείς εσωτερικοί χώροι παλατιών έγιναν επίσης αξιοθέατα των Βερσαλλιών. Κατά τη γνώμη του Γάλλου ιστορικού, καμία συνθήκη «δεν έδωσε τόσα πολλά για τη δόξα της χώρας μας όσο το σύνολο των Βερσαλλιών». «Μοναδικό σε αναλογίες, που συνδυάζει το παιχνίδι όλων των τεχνών, αντανακλώντας τον πολιτισμό μιας μοναδικής εποχής», οι Βερσαλλίες εξακολουθούν να εκπλήσσουν τη φαντασία των επισκεπτών.

Κλασσικότης(fr classicisme, από το λατ. classicus- υποδειγματικό) - το καλλιτεχνικό ύφος και η αισθητική κατεύθυνση στην ευρωπαϊκή τέχνη του 17ου -19ου αιώνα.

Ο κλασικισμός βασίζεται στις ιδέες του ορθολογισμού, οι οποίες σχηματίστηκαν ταυτόχρονα με τις ίδιες ιδέες στη φιλοσοφία του Ντεκάρτ. Ένα έργο τέχνης, από την άποψη του κλασικισμού, θα πρέπει να χτιστεί με βάση αυστηρούς κανόνες, αποκαλύπτοντας έτσι την αρμονία και τη συνέπεια του ίδιου του σύμπαντος. Το ενδιαφέρον για τον κλασικισμό είναι μόνο αιώνιο, αμετάβλητο - σε κάθε φαινόμενο, επιδιώκει να αναγνωρίσει μόνο ουσιώδη, τυπολογικά χαρακτηριστικά, απορρίπτοντας τυχαία μεμονωμένα χαρακτηριστικά. Η αισθητική του κλασικισμού αποδίδει μεγάλη σημασία στην κοινωνική και εκπαιδευτική λειτουργία της τέχνης. Ο κλασικισμός παίρνει πολλούς κανόνες και κανόνες από την αρχαία τέχνη (Αριστοτέλης, Οράτιος).

Ο κλασικισμός καθιερώνει μια αυστηρή ιεραρχία των ειδών, τα οποία χωρίζονται σε υψηλά (ωδή, τραγωδία, έπος) και χαμηλά (κωμωδία, σάτιρα, παραμύθι). Κάθε είδος έχει αυστηρά καθορισμένα χαρακτηριστικά, η ανάμειξη των οποίων δεν επιτρέπεται.

Πώς διαμορφώθηκε μια συγκεκριμένη κατεύθυνση στη Γαλλία τον 17ο αιώνα. Ο γαλλικός κλασικισμός υποστήριξε την προσωπικότητα ενός ατόμου ως την υψηλότερη αξία του όντος, απαλλάσσοντάς τον από τη θρησκευτική και εκκλησιαστική επιρροή.

Ζωγραφική

Το ενδιαφέρον για την τέχνη της αρχαίας Ελλάδας και της Ρώμης εκδηλώθηκε στην Αναγέννηση, η οποία, μετά από αιώνες του Μεσαίωνα, στράφηκε στις μορφές, τα κίνητρα και τα θέματα της αρχαιότητας. Ο μεγαλύτερος θεωρητικός της Αναγέννησης, Leon Batista Alberti, τον 15ο αιώνα. εξέφρασε ιδέες που προμήνυαν ορισμένες αρχές του κλασικισμού και εκδηλώθηκαν πλήρως στην τοιχογραφία του Ραφαήλ «Σχολή της Αθήνας» (1511).

Η συστηματοποίηση και εμπέδωση των επιτευγμάτων των μεγάλων καλλιτεχνών της Αναγέννησης, ιδιαίτερα των Φλωρεντινών, με επικεφαλής τον Ραφαήλ και τον μαθητή του Τζούλιο Ρομάνο, αποτέλεσαν το πρόγραμμα της σχολής της Μπολόνια στα τέλη του 16ου αιώνα, οι πιο χαρακτηριστικοί εκπρόσωποι των οποίων ήταν οι Αδέλφια Carracci. Στην Ακαδημία Τεχνών με επιρροή, οι Μπολόνιοι κήρυξαν ότι ο δρόμος προς τα ύψη της τέχνης βρίσκεται μέσα από μια σχολαστική μελέτη της κληρονομιάς του Ραφαήλ και του Μιχαήλ Άγγελου, απομίμηση της κυριαρχίας τους στη γραμμή και τη σύνθεση.

Στις αρχές του 17ου αιώνα, νέοι ξένοι συρρέουν στη Ρώμη για να εξοικειωθούν με την κληρονομιά της αρχαιότητας και της Αναγέννησης. Η πιο εξέχουσα θέση ανάμεσά τους κατέλαβε ο Γάλλος Nicolas Poussin, στους πίνακές του, κυρίως με θέματα της αρχαίας αρχαιότητας και μυθολογίας, ο οποίος έδωσε αξεπέραστα παραδείγματα γεωμετρικά ακριβούς σύνθεσης και στοχαστικής συσχέτισης ομάδων χρωμάτων. Ένας άλλος Γάλλος, ο Claude Lorrain, στα απαρχαιωμένα τοπία του γύρω από την «αιώνια πόλη» παρήγγειλε εικόνες της φύσης εναρμονίζοντάς τις με το φως του ήλιου που δύει και εισάγοντας περίεργες αρχιτεκτονικές κουρτίνες.

Ο ψυχραιμικός κανονισμός του Poussin συναντήθηκε με την έγκριση της αυλής των Βερσαλλιών και συνεχίστηκε από καλλιτέχνες της αυλής όπως ο Lebrun, οι οποίοι είδαν στην κλασικιστική ζωγραφική την ιδανική καλλιτεχνική γλώσσα για να υμνούν την απόλυτη κατάσταση του "βασιλιά του ήλιου". Αν και οι ιδιωτικοί πελάτες προτιμούσαν διάφορες επιλογές για μπαρόκ και ροκοκό, η γαλλική μοναρχία κράτησε τον κλασικισμό στη ζωή χρηματοδοτώντας ακαδημαϊκά ιδρύματα όπως η Σχολή Καλών Τεχνών. Το βραβείο της Ρώμης παρείχε στους πιο ταλαντούχους μαθητές την ευκαιρία να επισκεφτούν τη Ρώμη για να γνωρίσουν από πρώτο χέρι τα σπουδαία έργα της αρχαιότητας.

Η ανακάλυψη της "γνήσιας" παλαιάς ζωγραφικής κατά τις ανασκαφές της Πομπηίας, η θεοποίηση της αρχαιότητας από τον Γερμανό κριτικό τέχνης Winkelmann και η λατρεία του Ραφαήλ, που κήρυξε ο καλλιτέχνης Mengs, κοντά του, έδωσε νέα πνοή στον κλασικισμό στο δεύτερο μισό του τον 18ο αιώνα (στη δυτική λογοτεχνία, αυτό το στάδιο ονομάζεται νεοκλασικισμός). Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος του "νέου κλασικισμού" ήταν ο Jacques-Louis David. η εξαιρετικά λακωνική και δραματική καλλιτεχνική γλώσσα του χρησίμευσε με την ίδια επιτυχία για την προώθηση των ιδανικών της Γαλλικής Επανάστασης («Θάνατος του Μαράτ») και της Πρώτης Αυτοκρατορίας («Αφιέρωση του αυτοκράτορα Ναπολέοντα Α" »).

Τον 19ο αιώνα, η ζωγραφική του κλασικισμού εισέρχεται σε μια περίοδο κρίσης και γίνεται μια δύναμη που εμποδίζει την ανάπτυξη της τέχνης, όχι μόνο στη Γαλλία, αλλά και σε άλλες χώρες. Η καλλιτεχνική γραμμή του David συνεχίστηκε με επιτυχία από τον Ingres, διατηρώντας παράλληλα τη γλώσσα του κλασικισμού στα έργα του, στρέφονταν συχνά σε ρομαντικές πλοκές με ανατολίτικη γεύση ("Τουρκικά λουτρά"). τα πορτρέτα του χαρακτηρίζονται από μια λεπτή εξιδανίκευση του μοντέλου. Οι καλλιτέχνες σε άλλες χώρες (όπως, για παράδειγμα, ο Karl Bryullov) γέμισαν επίσης τα έργα του κλασικισμού σε μορφή με το πνεύμα του ρομαντισμού. αυτός ο συνδυασμός ονομάζεται ακαδημαϊσμός. Πολλές ακαδημίες τέχνης χρησίμευσαν ως τόποι αναπαραγωγής. Στα μέσα του 19ου αιώνα, η νεότερη γενιά που στρέφεται προς τον ρεαλισμό, εκπροσωπούμενη στη Γαλλία από τον κύκλο Courbet, και στη Ρωσία από τους περιπλανώμενους, επαναστάτησε ενάντια στον συντηρητισμό του ακαδημαϊκού κατεστημένου.

Αρχιτεκτονική

Το κύριο χαρακτηριστικό της αρχιτεκτονικής του κλασικισμού ήταν η έκκληση στις μορφές της αρχαίας αρχιτεκτονικής ως πρότυπο αρμονίας, απλότητας, αυστηρότητας, λογικής διαύγειας και μνημειακότητας. Η αρχιτεκτονική του κλασικισμού στο σύνολό του χαρακτηρίζεται από κανονικότητα σχεδιασμού και διαύγεια ογκομετρικής μορφής. Η βάση της αρχιτεκτονικής γλώσσας του κλασικισμού ήταν η τάξη, σε αναλογίες και μορφές κοντά στην αρχαιότητα. Για τον κλασικισμό, οι συμμετρικές-αξονικές συνθέσεις, η συγκράτηση της διακοσμητικής διακόσμησης και ένα κανονικό σύστημα πολεοδομίας είναι χαρακτηριστικά.

Η αρχιτεκτονική γλώσσα του κλασικισμού διατυπώθηκε στο τέλος της Αναγέννησης από τον μεγάλο Ενετό δάσκαλο Palladio και τον ακόλουθο του Scamozzi. Οι Βενετοί έκαναν τις αρχές της αρχαίας αρχιτεκτονικής του ναού τόσο απόλυτες που τις εφάρμοσαν ακόμη και στην κατασκευή ιδιωτικών αρχοντικών όπως η Villa Capra. Ο Inigo Jones έφερε τον παλλαδιανισμό βόρεια στην Αγγλία, όπου οι ντόπιοι παλαδίτες αρχιτέκτονες ακολούθησαν τις εντολές των παλλαδικών με ποικίλους βαθμούς πιστότητας μέχρι τα μέσα του 18ου αιώνα.

Μέχρι εκείνη την εποχή, ένα κορεσμό από όψιμο μπαρόκ και ροκοκό "σαντιγί" άρχισε να συσσωρεύεται μεταξύ των διανοουμένων της ηπειρωτικής Ευρώπης. Γεννημένο από τους Ρωμαίους αρχιτέκτονες Bernini και Borromini, το μπαρόκ αραιώθηκε στο ροκοκό, κυρίως στυλ δωματίου με έμφαση στην εσωτερική διακόσμηση και τις τέχνες και τις χειροτεχνίες. Αυτή η αισθητική ήταν ελάχιστα χρήσιμη για την επίλυση μεγάλων προβλημάτων πολεοδομικού σχεδιασμού. Underδη υπό τον Λουδοβίκο XV (1715-74), στο Παρίσι χτίστηκαν σύνολα πολεοδομίας με την «αρχαία ρωμαϊκή» γεύση, όπως η Place de la Concorde (αρχιτέκτονας Jacques-Ange Gabriel) και η Εκκλησία του Saint-Sulpice, και υπό τον Louis XVI (1774-92) ένας παρόμοιος «ευγενής λακωνισμός» γίνεται ήδη η κύρια αρχιτεκτονική κατεύθυνση.

Οι πιο σημαντικοί εσωτερικοί χώροι στο κλασικιστικό στυλ σχεδιάστηκαν από τον Σκωτσέζο Robert Adam, ο οποίος επέστρεψε στην πατρίδα του από τη Ρώμη το 1758. Εντυπωσιάστηκε πολύ τόσο από την αρχαιολογική έρευνα των Ιταλών επιστημόνων όσο και από τις αρχιτεκτονικές φαντασιώσεις του Piranesi. Κατά την ερμηνεία του Αδάμ, ο κλασικισμός εμφανίστηκε ως ένα στυλ που δεν ήταν καθόλου κατώτερο από το ροκοκό όσον αφορά την πολυπλοκότητα των εσωτερικών χώρων, γεγονός που του έδωσε δημοτικότητα όχι μόνο μεταξύ των δημοκρατικά σκεπτόμενων κύκλων της κοινωνίας, αλλά και μεταξύ της αριστοκρατίας. Όπως και οι Γάλλοι ομόλογοι του, ο Αδάμ κήρυξε την πλήρη απόρριψη λεπτομερειών που στερούνται εποικοδομητικής λειτουργίας.

Ο Γάλλος Jacques-Germain Soufflot, κατά την κατασκευή της εκκλησίας Saint-Genevieve στο Παρίσι, απέδειξε την ικανότητα του κλασικισμού να οργανώνει τεράστιους αστικούς χώρους. Το τεράστιο μεγαλείο των έργων του προμήνυε τη μεγαλομανία της Ναπολεόντειας Αυτοκρατορίας και τον ύστερο κλασικισμό. Στη Ρωσία, ο Μπαζένοφ κινήθηκε προς την ίδια κατεύθυνση με τον Σουφλότ. Οι Γάλλοι Claude-Nicolas Ledoux και Etienne-Louis Bull προχώρησαν ακόμη περισσότερο προς την ανάπτυξη ενός ριζοσπαστικού στυλ οραματισμού με προκατάληψη προς την αφηρημένη γεωμετρία των μορφών. Στην επαναστατική Γαλλία, η ασκητική αστική παθολογία των έργων τους ήταν ελάχιστη ζήτηση. Η καινοτομία του Ledoux εκτιμήθηκε πλήρως μόνο από τους μοντερνιστές του 20ού αιώνα.

Οι αρχιτέκτονες της Ναπολεόντειας Γαλλίας άντλησαν έμπνευση από τις μεγαλειώδεις εικόνες της στρατιωτικής δόξας που άφησε πίσω της η αυτοκρατορική Ρώμη, όπως η θριαμβευτική αψίδα του Σεπτίμιου Σεβήρου και η στήλη του Τραϊανού. Με εντολή του Ναπολέοντα, αυτές οι εικόνες μεταφέρθηκαν στο Παρίσι με τη μορφή της θριαμβευτικής αψίδας του Carrousel και της στήλης Vendôme. Σε σχέση με τα μνημεία του στρατιωτικού μεγαλείου της εποχής των Ναπολεόντειων πολέμων, χρησιμοποιείται ο όρος "αυτοκρατορικό στυλ" - Αυτοκρατορία. Στη Ρωσία, ο Karl Rossi, ο Andrei Voronikhin και ο Andreyan Zakharov εμφανίστηκαν ως εξαιρετικοί δάσκαλοι του στυλ της αυτοκρατορίας. Στη Βρετανία, το στυλ Empire αντιστοιχεί στο λεγόμενο. "Regency style" (ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος είναι ο John Nash).

Η αισθητική του κλασικισμού ευνόησε έργα πολεοδομίας μεγάλης κλίμακας και οδήγησε στην ταξινόμηση της αστικής ανάπτυξης σε κλίμακα ολόκληρων πόλεων. Στη Ρωσία, σχεδόν όλες οι επαρχιακές και πολλές πόλεις uyezd επανασχεδιάστηκαν σύμφωνα με τις αρχές του κλασικιστικού ορθολογισμού. Πόλεις όπως η Αγία Πετρούπολη, το Ελσίνκι, η Βαρσοβία, το Δουβλίνο, το Εδιμβούργο και πολλές άλλες έχουν μετατραπεί σε γνήσια υπαίθρια μουσεία κλασικισμού. Ολόκληρος ο χώρος από το Μινουσίνσκ έως τη Φιλαδέλφεια κυριαρχούσε από μια μοναδική αρχιτεκτονική γλώσσα που χρονολογείται από το Παλλάδιο. Η συνηθισμένη ανάπτυξη πραγματοποιήθηκε σύμφωνα με τα άλμπουμ τυποποιημένων έργων.

Κατά την περίοδο μετά τους Ναπολεόντειους Πολέμους, ο κλασικισμός έπρεπε να συνυπάρξει με τον ρομαντικά χρωματισμένο εκλεκτικισμό, ιδιαίτερα με την επιστροφή του ενδιαφέροντος στον Μεσαίωνα και τη μόδα για αρχιτεκτονική νεογοτθική. Σε σχέση με τις ανακαλύψεις του Champollion, τα αιγυπτιακά κίνητρα κερδίζουν δημοτικότητα. Το ενδιαφέρον για την αρχαία ρωμαϊκή αρχιτεκτονική δίνει τη θέση της στην ευλάβεια για όλα τα αρχαία ελληνικά ("νεοελληνικά"), τα οποία εκδηλώθηκαν ιδιαίτερα σαφώς στη Γερμανία και τις Ηνωμένες Πολιτείες. Οι Γερμανοί αρχιτέκτονες Leo von Klenze και Karl Friedrich Schinkel χτίζουν το Μόναχο και το Βερολίνο, αντίστοιχα, με μεγαλοπρεπή μουσεία και άλλα δημόσια κτίρια στο πνεύμα του Παρθενώνα. Στη Γαλλία, η καθαρότητα του κλασικισμού αραιώνεται με δωρεάν δάνεια από το αρχιτεκτονικό ρεπερτόριο της Αναγέννησης και του Μπαρόκ (βλ. Beauz-ar).

38. Η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ευρώπης κατά τον Διαφωτισμό.

Εποχή του Διαφωτισμού- μία από τις βασικές εποχές στην ιστορία του ευρωπαϊκού πολιτισμού, που συνδέεται με την ανάπτυξη της επιστημονικής, φιλοσοφικής και κοινωνικής σκέψης. Αυτό το πνευματικό κίνημα βασίστηκε στον ορθολογισμό και την ελεύθερη σκέψη. Ξεκινώντας από την Αγγλία, αυτό το κίνημα εξαπλώθηκε στη Γαλλία, τη Γερμανία, τη Ρωσία και άλλες ευρωπαϊκές χώρες. Ιδιαίτερα επιρροή είχαν οι Γάλλοι διαφωτιστές, οι οποίοι έγιναν οι «κύριοι των σκέψεων». Οι αρχές του Διαφωτισμού αποτέλεσαν τη βάση της Αμερικανικής Διακήρυξης Ανεξαρτησίας και της Γαλλικής Διακήρυξης των Δικαιωμάτων του Ανθρώπου και του Πολίτη. Το πνευματικό και φιλοσοφικό κίνημα αυτής της εποχής είχε μεγάλη επιρροή στις επακόλουθες αλλαγές στην ηθική και την κοινωνική ζωή της Ευρώπης και της Αμερικής, τον αγώνα για την εθνική ανεξαρτησία των αμερικανικών αποικιών των ευρωπαϊκών χωρών, την κατάργηση της δουλείας και τον σχηματισμό ανθρώπινα δικαιώματα. Επιπλέον, κλόνισε την αυθεντία της αριστοκρατίας και την επιρροή της εκκλησίας στην κοινωνική, πνευματική και πολιτιστική ζωή.

Ο ίδιος ο όρος εκπαίδευσηήρθε στη ρωσική γλώσσα, καθώς και στα αγγλικά ( Ο διαφωτισμός) και Γερμανικά ( Zeitalter der Aufklärung) από τα γαλλικά ( siècle des lumières) και αναφέρεται κυρίως στη φιλοσοφική τάση του 18ου αιώνα. Ταυτόχρονα, δεν είναι το όνομα μιας συγκεκριμένης φιλοσοφικής σχολής, αφού οι απόψεις των φιλοσόφων του Διαφωτισμού συχνά διέφεραν σημαντικά μεταξύ τους και αντιφάσκει ο ένας τον άλλον. Επομένως, ο διαφωτισμός δεν θεωρείται τόσο πολύ ένα σύμπλεγμα ιδεών όσο μια συγκεκριμένη κατεύθυνση της φιλοσοφικής σκέψης. Η φιλοσοφία του Διαφωτισμού βασίστηκε στην κριτική των παραδοσιακών θεσμών, εθίμων και ηθών που υπήρχαν εκείνη την εποχή.

Ο Διαφωτισμός είναι ένα κοινωνικό, αισθητικό, ιδεολογικό και πολιτιστικό κίνημα στις χώρες της Αμερικής και της Ευρώπης, που σχετίζεται με αλλαγές στις συνθήκες ζωής που έχουν αναπτυχθεί υπό την επίδραση της κατάρρευσης της φεουδαρχικής και της διαμόρφωσης των καπιταλιστικών σχέσεων στην οικονομία. Το ιστορικό πλαίσιο είναι 1689-1789.

Οι προϋποθέσεις και οι βασικές αιτίες της αισθητικής εξέλιξης στην κοινωνία ήταν οι αλλαγές στην επιστήμη, την πολιτική, την ιδεολογία, τον πολιτισμό και την τέχνη. Ο πολιτισμός στην εποχή του Διαφωτισμού έδωσε αγώνα για το θρίαμβο του «βασιλείου της λογικής», κυρίως λόγω της ανάπτυξης της επιστήμης. Έπρεπε να βασιστεί στην αρχή της «φυσικής ισότητας», με τις αρχές της πολιτικής ελευθερίας και της ισότητας των πολιτών που προκύπτουν.

Οι διαφωτιστές ήταν πεπεισμένοι υλιστές και ιδεαλιστές που αναγνώρισαν τον λόγο ως τη βάση της γνώσης και της συμπεριφοράς των ανθρώπων. Τα φιλοσοφικά ρεύματα της κοινωνικής σκέψης στην κουλτούρα του Διαφωτισμού ήταν ένα είδος ενότητας, η οποία εκφράστηκε σε στόχους και ιδανικά - ελευθερία, ανοχή, ευημερία και ευτυχία, απόρριψη βίας, ελεύθερη σκέψη, καθώς και κριτική άποψη για οποιαδήποτε εξουσία.

Η επιστημονική γνώση, που ήταν προηγουμένως διαθέσιμη μόνο σε έναν στενό κύκλο επιστημόνων, εξαπλώνεται πολύ πέρα ​​από τα όρια των εργαστηρίων και των πανεπιστημίων. Η επιστήμη γίνεται σταδιακά αντικείμενο συζήτησης πολιτιστικών προσώπων, εκθέτοντας ευρέως τα τελευταία επιτεύγματα της φιλοσοφίας και της επιστήμης.

Διάσημοι άνθρωποι του Διαφωτισμού προέρχονταν από διαφορετικά κτήματα και τάξεις: από την αριστοκρατία και την αριστοκρατία, καταλήγοντας στους υπαλλήλους εμπορικών και βιομηχανικών συγκροτημάτων. Σε κάθε χώρα, ο πολιτισμός του Διαφωτισμού έφερε το αποτύπωμα της εθνικής ταυτότητας.

Μετά τις επαναστάσεις και τους εμφύλιους πολέμους στους 17-18 αιώνες, οι αντιθέσεις στην κοινωνία εξομαλύθηκαν, αναπτύχθηκε ο κοινοβουλευτισμός, ο οποίος οδήγησε στην ενίσχυση του πολιτικού αγώνα στον νομικό τομέα. Η Εκκλησία δεν αντιτάχθηκε στον Διαφωτισμό και σε κάποιο βαθμό αντιστοιχούσε ακόμη και στο ιδανικό της θρησκευτικής ανοχής. Όλα αυτά συνέβαλαν στην ταχεία ανάπτυξη του πολιτισμού. Διατηρήθηκε μια ισορροπία μεταξύ των παραδοσιακών αξιών, θεματοφύλακας των οποίων ήταν η εκκλησία, και των ιδιαίτερων καινοτόμων αξιών που έφερε ο πολιτισμός του Διαφωτισμού.

Ο καλλιτεχνικός πολιτισμός του 18ου αιώνα είναι μια περίοδος διάλυσης του καλλιτεχνικού συστήματος που έχει δημιουργηθεί ανά τους αιώνες: μια σκεπτική και ειρωνική στάση απέναντι σε όλα όσα θεωρούνταν προηγουμένως επιλεγμένα και θαυμάσια. Για πρώτη φορά, οι δυνατότητες ελευθερίας παρατήρησης και δημιουργικότητας άνοιξαν μπροστά στους καλλιτέχνες. Ο πολιτισμός του Διαφωτισμού χρησιμοποίησε τις στιλιστικές μορφές των κλασικών, αντικατοπτρίζοντας με τη βοήθειά τους ένα εντελώς νέο περιεχόμενο.

Η τέχνη της Ευρώπης του 18ου αιώνα συνδύαζε δύο αντίθετες αρχές: τον κλασικισμό, που σημαίνει υποταγή του ανθρώπου στο σύστημα και τον ρομαντισμό. Στην κουλτούρα διαφόρων λαών, τα κλασικά και ο ρομαντισμός είτε σχημάτισαν ένα είδος σύνθεσης, στη συνέχεια υπήρχαν σε κάθε είδους μίγματα και συνδυασμούς.

Μια νέα αρχή στον πολιτισμό του Διαφωτισμού ήταν επίσης η εμφάνιση τάσεων που δεν είχαν τη δική τους στιλιστική μορφή και δεν ένιωθαν την ανάγκη να το δημιουργήσουν. Μία από τις μεγαλύτερες τάσεις ήταν, πρώτα απ 'όλα, ο συναισθηματισμός, ο οποίος αντανακλούσε πλήρως τις διαφωτιστικές ιδέες για την καλοσύνη και την καθαρότητα της ανθρώπινης φύσης, οι οποίες χάθηκαν μαζί με τη "φυσική κατάσταση" της κοινωνίας, κατά τη σταδιακή της απόσταση από τη φύση. Ο συναισθηματισμός, πρώτα απ 'όλα, στράφηκε στον εσωτερικό, οικείο, προσωπικό κόσμο των ανθρώπινων σκέψεων και συναισθημάτων, επομένως δεν απαιτούσε ιδιαίτερες στιλιστικές βελτιώσεις. Ο συναισθηματισμός ήταν κοντά στον ρομαντισμό. Ο "φυσικός" άνθρωπος, που επαινέθηκε από αυτόν, βιώνει συνεχώς την τραγωδία της σύγκρουσης με τις δυνάμεις της φύσης και της κοινωνίας, με την ίδια τη ζωή, η οποία τον προετοιμάζει για μεγάλες ανατροπές. Το προαίσθημά τους διαπερνά ολόκληρη την κουλτούρα του Διαφωτισμού.

Η διαδικασία μετατόπισης της θρησκείας στην τέχνη από κοσμικούς είναι ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα της κουλτούρας του Διαφωτισμού. Τον 18ο αιώνα, η κοσμική αρχιτεκτονική, για πρώτη φορά στη μακρά ιστορία της, υπερισχύει της θρησκευτικής αρχιτεκτονικής σε όλη την Ευρώπη. Η ζωγραφική του είδους, η οποία αντανακλούσε τις καθημερινές παρατηρήσεις των καλλιτεχνών για τη ζωή των πραγματικών ανθρώπων στον πραγματικό κόσμο, είναι ευρέως διαδεδομένη στην επικράτεια των ευρωπαϊκών χωρών και μερικές φορές προσπαθεί ακόμη να καταλάβει μια κυρίαρχη θέση. Τη θέση του τελετουργικού πορτρέτου, τόσο δημοφιλούς στο παρελθόν, παίρνει το οικείο πορτρέτο και στη ζωγραφική τοπίου υπάρχει ένα «τοπίο διάθεσης» που παρουσιάζεται από καλλιτέχνες όπως οι Gainsborough, Guardi, Watteau.

Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα της κουλτούρας του Διαφωτισμού είναι η αυξανόμενη προσοχή στο σκίτσο, και όχι μόνο μεταξύ των ίδιων των καλλιτεχνών, αλλά ακόμη και μεταξύ των κριτικών και των ιστορικών τέχνης. Η ατομική αντίληψη, οι διαθέσεις, που αντικατοπτρίζονται σε σκίτσα, μερικές φορές έχουν συναισθηματικό και αισθητικό αποτέλεσμα από ένα τελείως ολοκληρωμένο έργο. Η χάραξη και το σχέδιο εκτιμώνται πάνω από τους πίνακες επειδή δημιουργούν μια πιο έντονη σύνδεση μεταξύ του θεατή και του καλλιτέχνη. Τα γούστα και οι προτιμήσεις της εποχής έχουν επίσης αλλάξει τις ίδιες τις απαιτήσεις για το χρώμα των πινάκων. Οι καλλιτέχνες του 18ου αιώνα εντείνουν τη διακοσμητική αντίληψη του χρώματος στα έργα τους, οι πίνακες αρχίζουν να διακοσμούν τον τόπο στον οποίο βρίσκονται.

Ο πολιτισμός του Διαφωτισμού, που ενσωματώνεται στην αρχιτεκτονική και τη ζωγραφική του ροκοκό, δημιουργήθηκε κυρίως για να δημιουργήσει άνεση για το άτομο που θα απολάμβανε αυτά τα έργα. Τα μικρά δωμάτια δεν φαίνονται στενά λόγω των ψευδαισθήσεων του "χώρου παιχνιδιού", που επιτυγχάνεται από αρχιτέκτονες και καλλιτέχνες με τη χρήση διαφόρων καλλιτεχνικών μέσων: στολίδια, καθρέφτες, πάνελ, ειδικά χρώματα κ.λπ. Αυτό το στυλ έγινε δημοφιλές σε φτωχά σπίτια, στα οποία εισήγαγε το πνεύμα άνεσης και άνεσης χωρίς υπερβολική μεγαλοπρέπεια και πολυτέλεια.

Ένα άλλο ξεχωριστό χαρακτηριστικό του πολιτισμού του Διαφωτισμού ήταν η εμφάνιση μέσω καλλιτεχνικών μέσων ανθρώπινων αισθήσεων και απολαύσεων - πνευματικών και σωματικών. Από τον 18ο αιώνα. Τόσο το κοινό όσο και οι κριτικοί απαιτούν πιο «ευχάριστο» ή «αισθησιακό» από τη νέα ζωγραφική, μουσική και θέατρο.

Στις ατελείωτες διαμάχες μεταξύ τους, προέκυψαν σύγχρονες θεωρίες για τα ανθρώπινα δικαιώματα ως ανεξάρτητος πολίτης και μέρος της κοινωνίας των πολιτών, της δημοκρατίας στο κράτος δικαίου, της ηθικής του ατομικισμού και της οικονομίας της αγοράς.

Η παλιά ιδεολογία, η φεουδαρχία, αντικαταστάθηκε από την εποχή των οικονομολόγων, των φιλοσόφων, των κοινωνιολόγων και των συγγραφέων του Διαφωτισμού.

Πολιτισμός του Διαφωτισμού.

Ενάντιος. 17 - αρχή 18ος αιώνας Έλαβε το όνομα "Εποχή του Διαφωτισμού" ή "Εποχή του Λόγου"

Αυτή η περίοδος ξεκινά στην Αγγλία το 1689. Στη συνέχεια εξαπλώνεται στη Γαλλία και τη Γερμανία. Και αυτή η εποχή τελειώνει με τη Μεγάλη Γαλλική Επανάσταση το 1789.

Σημάδια του Διαφωτισμού:

· Η ιδέα της ισότητας όλων των ανθρώπων ενώπιον του νόμου, ενώπιον των άλλων ανθρώπων, της κοινωνίας.

· Νίκη του λόγου. Οι διαφωτιστές είδαν την απαλλαγή από όλα τα κοινωνικά δεινά στη διάδοση της γνώσης. Θεώρησαν το καθήκον τους να διαδώσουν τη γνώση, να διδάξουν τους απλούς ανθρώπους.

· Ιστορική αισιοδοξία. Εκπρόσωποι αυτής της εποχής πίστευαν στη δυνατότητα αλλαγής ενός ατόμου προς το καλύτερο, δημιουργώντας μια δίκαιη κοινωνία.

Στην πολιτική, οικονομική και πολιτιστική ζωή, υπήρξε μια διαδικασία εγκατάλειψης των φεουδαρχικών σχέσεων και σχηματισμού του καπιταλισμού.

Η εποχή του Διαφωτισμού ήταν μια περίοδος ταχείας ανάπτυξης της φιλοσοφίας και του πνεύματος. to-ry Επιφανής Άγγλος φιλόσοφος 2ος όροφος. 17ος αιώνας ήταν ο Τζον Λοκ. Στα γραπτά του, διατυπώθηκε ένα αγγλικό πρόγραμμα. Διαφώτιση. Πίστευε ότι ένα άτομο έχει τρία βασικά δικαιώματα: στη ζωή, στην ελευθερία, στην ιδιοκτησία.

Ο γαλλικός διαφωτισμός αντιπροσωπεύεται από:

· Μπάλα του Louis Monterey. Επέκρινε έντονα την απολυταρχία, τον δεσποτισμό και τους αντιτάχθηκε με τα ιδανικά της πολιτικής ελευθερίας.

· Ο Βολταίρος δούλεψε σε διαφορετικά είδη: τραγωδία, ιστορία. δοκίμια, φιλόσοφος. μυθιστορήματα, πολιτικές πραγματείες και άρθρα. Αντιτάχθηκε στην εκκλησία και τον κληρικαλισμό, χλεύασε την ηθική της φεουδαρχικής κοινωνίας, την απολυταρχία.

· Jean -Jacques Rousseau - η διδασκαλία περιορίστηκε στην απαίτηση να βγει η κοινωνία από την κατάσταση της γενικής φθοράς των ηθών. Είδε διέξοδο στην ηθική εκπαίδευση, την υλική και πολιτική ισότητα. Πίστευε ότι η ηθική εξαρτάται από την πολιτική και την κοινωνική τάξη.

Ο Ντένις Ντιντερό ήταν εξέχουσα προσωπικότητα του γαλλικού διαφωτισμού. Επικεφαλής της έκδοσης της εγκυκλοπαίδειας 35 τόμων "Επεξηγηματικό Λεξικό Επιστημών, Τεχνών και Χειροτεχνίας". Ταν ένα πλήρες σύνολο γνώσεων για τον κόσμο γύρω μας. Εκδόθηκε από το 1751 έως το 1772. Ο γερμανικός διαφωτισμός σχηματίστηκε υπό την επίδραση του φιλοσόφου Κρίστιαν Βουλφ. Η λατρεία του λόγου συνδυάστηκε με βαθύ σεβασμό για τη χριστιανική θρησκεία. Η ιδιαιτερότητα του γερμανικού διαφωτισμού είναι ότι η πρωτοβουλία για τη διάδοση νέων ιδεών προήλθε από τον βασιλιά Φρειδερίκο τον Μέγα.

Ένας εξέχων εκπρόσωπος του γερμανικού διαφωτισμού ήταν ο καθηγητής στο Πανεπιστήμιο του Königsberg, Εμμανουήλ Καντ. Διαμόρφωσε τις αρχές της ηθικής και πνευματικής απελευθέρωσης του ανθρώπου. Τεκμηρίωσε τις νομικές μορφές και μεθόδους αγώνα για την αλλαγή του κράτους. και ένα κοινωνικό σύστημα που προϋπέθετε μια πορεία σταδιακών μεταρρυθμίσεων που αποκλείουν τη βία.

Η εποχή του Διαφωτισμού ήταν μια καμπή στην πνευματική ανάπτυξη της Ευρώπης. Οι Διαφωτιστές δημιούργησαν ένα νέο σύστημα αξιών, που απευθύνεται σε ένα άτομο και δεν εξαρτάται από την κοινωνική του ιδιότητα. Αυτό το σύστημα έγινε η βάση για τον δυτικοευρωπαϊκό πολιτισμό. Οι Διαφωτιστές έδωσαν μεγάλη προσοχή στην τέχνη. Αφού είδαν σε αυτόν ένα σημαντικό μέσο διαφώτισης.

Η δυτικοευρωπαϊκή τέχνη του 18ου αιώνα αντιπροσωπεύεται από τους ακόλουθους τομείς: κλασικισμός, συναισθηματισμός, ρεαλισμός.

Στο γύρισμα των αιώνων 17-18. υπάρχουν επίσης πολιτισμικές αλλαγές. Το κέντρο του πολιτισμού του 18ου αιώνα. Γίνεται Γαλλία.

Τον 18ο αιώνα. αλλαγή στάσης απέναντι σε διάφορα είδη τεχνών. Η ζωγραφική δίνει τη θέση της στη μουσική.

Τον 18ο αιώνα. Οι δραστηριότητες των ακόλουθων διάσημων κατασκευαστών βιολιού λογίζονται: Shati, Stradivali, Guarneri.

Τον 18ο αιώνα. Οι δραστηριότητες των ακόλουθων μουσικών αφορούν την Ιταλική (Βιβάλντι), την άνθηση της Σχολής της Βιέννης (Χάιντν, Μότσαρτ), τη Γερμανική Σχολή (Μπετόβεν, Μπαχ).

Η όπερα μεταρρυθμίστηκε από τον συνθέτη Gluck.

Το κορυφαίο είδος της λογοτεχνίας του διαφωτισμού ήταν τα σατιρικά και τα οικογενειακά royans, μια φιλοσοφική ιστορία και ένα δράμα.

Οι συγγραφείς της εκπαίδευσης προσπάθησαν να φέρουν τη λογοτεχνία πιο κοντά στη ζωή και, μέσω της λογοτεχνίας, να μεταμορφώσουν τα δημόσια ήθη.

Η γερμανική λογοτεχνία εκπροσωπείται από τον Φρίντριχ Σίλερ (ιστορικά δράματα): Υπηρέτρια του Αρλιάν, Βίλχελμ Τέλ, Μαρία Στιούαρτ.

Αυτή τη στιγμή, ξεκινά και η ανάπτυξη της ρεαλιστικής κατεύθυνσης: Τζόναθαν Σουίφτ ("Τα ταξίδια του Γκάλιβερ"), Ντάνιελ Ντεφόε ("Ρόμπινσον Κρούσο").

Πολλοί εκπρόσωποι του Διαφωτισμού, με επικεφαλής τον Ντάνι Ντιντερό, αντιτάχθηκαν στην εκλεπτυσμένη τέχνη του ροκοκό. Απαιτούσαν τέχνη που απεικόνιζε πιστά τη ζωή και θα είχε ευεργετική επίδραση στην κοινωνία.

Η κύρια τάση ήταν ο κλασικισμός, ο οποίος την παραμονή του Vel. Η Γαλλική Επανάσταση εκδηλώθηκε με τη μορφή του λεγόμενου επαναστατικού κλασικισμού. Επικεφαλής αυτής της κατεύθυνσης ήταν οι Γάλλοι. καλλιτέχνης Jean Louis David. Οι πιο διάσημοι πίνακές του: σε παλαιά πλοκή ("Ο όρκος του Οράτιου"), με ρεαλιστικό τρόπο ("Η δολοφονία του Μαράτ").

Εκείνη την εποχή, αναπτύχθηκε μια ρεαλιστική κατεύθυνση στη ζωγραφική από τον Jean Baptiste Chardin. Ζωγραφίζει νεκρές φύσεις, είδη ζωγραφικής στα οποία απεικονίζει την οικιακή ζωή.

Ένας εξέχων Ισπανός καλλιτέχνης ήταν 18-19 αιώνες. Φρανσίσκο Γκόγια. Wasταν ζωγράφος αυλής, αλλά οι πίνακές του διακρίνονταν για τον έντονο χαρακτήρα και τη χάρη τους. Οι πιο διάσημες είναι οι χαρακτικές (εκτυπώσεις) του Γκόγια, οι οποίες ονομάστηκαν Capriches.

Ένας εξαιρετικός Γάλλος γλύπτης ήταν ο Etienne Maurice Falconet. Ταν υπεύθυνος του εργοστασίου πορσελάνης Sevres. Δημιούργησε μικρά πλαστικά μπισκότα (όχι τζάμια πορσελάνης). Είναι ο συγγραφέας του The Bronze Horseman.

Ο συναισθηματισμός εμφανίστηκε μέσα στον διαφωτισμό. Οι οπαδοί του πίστευαν ότι δεν ήταν δυνατό να ξεπεραστούν οι κοινωνικές καταστροφές και να μεταμορφωθεί η κοινωνία μέσω εκπαίδευσης και επανεκπαίδευσης, και οι συναισθηματιστές έστρεψαν την προσοχή τους στα συναισθήματα των ανθρώπων. Αξιολογούν ένα άτομο ανάλογα με την ικανότητά του να βιώνει ειλικρινά και βαθιά.

Οι ήρωες των έργων ήταν απαράμιλλοι άνθρωποι. Το κύριο είδος στη λογοτεχνία είναι το μυθιστόρημα με γράμματα. Τα μυθιστορήματα του Richardson και του Fielding είναι πολύ δημοφιλή.

Οι συναισθηματικοί συγγραφείς έδωσαν μεγάλη προσοχή στο τοπίο.

Ένας εξέχων Γάλλος καλλιτέχνης προς αυτή την κατεύθυνση ήταν ο Jean Baptiste Greuza και στην Αγγλία - ο Thomas Gainsborough. Ζωγραφίζουν γυναικεία πορτρέτα, πίνακες ζωγραφικής.

Ευρωπαϊκός έως τον 19ο αιώνα.

Ιστορικά γεγονότα στην αρχή. 19ος αιώνας Συνδέθηκαν με τις στρατιωτικές εκστρατείες του Ναπολέοντα 1. Μετά την ανατροπή του Ναπολέοντα στη Γαλλία, δημιουργήθηκε μια συνταγματική μοναρχία. Το 1848, ως αποτέλεσμα της επανάστασης, ο βασιλιάς Bourgeois Louis Philippe Bourbon ανατράπηκε. Το 1871, έγινε εξέγερση στο Παρίσι με αποτέλεσμα να δημιουργηθεί η Παρισινή Κομμούνα. Μετά την ήττα της κοινότητας, δημιουργήθηκε μια δημοκρατική μορφή διακυβέρνησης, η οποία σταδιακά πήρε μια σύγχρονη όψη.

Στον 2ο όροφο. 19ος αιώνας Η Αυστρία έχασε τη θέση της ως μεγάλη δύναμη. Ωστόσο, το 1868, με συμφωνία με την Ουγγαρία, σχηματίστηκε ένα ενιαίο κράτος της Αυστροουγγαρίας.

Κλασικισμός (από το λατινικό "classicus", δηλαδή "υποδειγματικό") - μια τάση στη ζωγραφική, ένα από τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά της οποίας ήταν η αυστηρή τήρηση ορισμένων κανόνων και κανόνων. Οι κανόνες σχεδιάστηκαν ως μέσο για τον κύριο στόχο της εκπαίδευσης του κοινού δείχνοντάς τους υπέροχα πρότυπα και παραδείγματα.

Ο κλασικισμός καθοδηγείται από έργα αρχαίας τέχνης, αλλά αυτό δεν σήμαινε συνηθισμένη αντιγραφή. Η σκηνοθεσία ανέλαβε επίσης τη συνέχεια των αισθητικών παραδόσεων της Αναγέννησης, των οποίων οι καλλιτέχνες στρέφονταν πολύ συχνά στο θέμα της αρχαιότητας.

Ο κλασικισμός προέρχεται από τη ζωγραφική των καλλιτεχνών των χωρών της Δυτικής Ευρώπης στα τέλη του 16ου αιώνα. Οι αδελφοί Carracci συνέβαλαν σημαντικά στη συστηματοποίηση και εμπέδωση των επιτευγμάτων των μεγάλων δασκάλων της Αναγέννησης, ιδιαίτερα του Μιχαήλ Άγγελου και του Ραφαήλ. Στη δεκαετία του 1580. άνοιξαν την Ακαδημία Τεχνών στη Μπολόνια, όπου η εκπαίδευση βασίστηκε σε λεπτομερή μελέτη των αρχών του έργου μεγάλων ζωγράφων (από τα βασικά της σύνθεσης έως το σχέδιο) και μίμηση των δεξιοτήτων τους.

Στις αρχές του 17ου αιώνα. αρχάριοι ζωγράφοι από διαφορετικές χώρες έρχονται στη Ρώμη για να σπουδάσουν ζωγραφική με βάση την εξοικείωση με τα αριστουργήματα της αρχαιότητας και της Αναγέννησης. Ο Γάλλος Nicolas Poussin (1594-1664) πέτυχε μεγάλη επιτυχία. Στη συνέχεια, δημιούργησε πολλά καλλιτεχνικά αξιόλογα έργα με θέματα αρχαιότητας και μυθολογίας. Τα έργα του διακρίνονταν από την αξεπέραστη ακρίβεια της σύνθεσης και τη στοχαστικότητα των χρωμάτων (Midas and Bacchus, 1625, Triumph of Neptune, 1634).

Ένας άλλος Γάλλος καλλιτέχνης Claude Lorrain (1600-1682) ζωγράφισε μια σειρά από τοπία γύρω από τη Ρώμη. Έγινε ο πρώτος από τους ζωγράφους που ενδιαφέρθηκε σοβαρά για το θέμα της απεικόνισης του πρωινού και του βραδινού φωτισμού, του κορεσμού του φωτός. Φιλιγκράνικο έργο με φως και εικόνες σιλουέτας, δημιουργώντας την επίδραση του βάθους του χώρου - όλα αυτά δημιουργούν το στυλ των έργων του Λόραιν (Τοπίο με εμπόρους, 1628, Απαγωγή της Ευρώπης, 1655 κ.λπ.).

Ο κλασικισμός φτάνει στο αποκορύφωμά του τον 17ο αιώνα. μαζί με την άνθηση της απόλυτης μοναρχίας στη Γαλλία και την έντονη άνοδο της θεατρικής τέχνης. Επικεφαλής της κατεύθυνσης είναι η Ακαδημία Τεχνών, που άνοιξε το 1648 στο Παρίσι, η οποία δημιούργησε μια σειρά από ακλόνητους κανόνες και νόμους για τη ζωγραφική.

Μόνο το όμορφο και το υπέροχο θα μπορούσαν να γίνουν αντικείμενο τέχνης. Η αρχαιότητα παρέμεινε ένα αισθητικό ιδανικό (επομένως, στα έργα των κλασικιστών, δεν μπορεί κανείς να βρει ένα άτομο με άμορφη φιγούρα ή πλαδαρό δέρμα). Η Ακαδημία καθιέρωσε επίσης τις αρχές της απεικόνισης των «παθών». χώρισε επίσης τα είδη της τέχνης σε "υψηλά" (ιστορικά, θρησκευτικά, μυθολογικά) και "χαμηλά" (πορτρέτο, τοπίο, νεκρή φύση, είδος) και ο συνδυασμός των ειδών στους πίνακες δεν επιτρέπεται.

Στα έργα του κλασικισμού, το κύριο νόημα δόθηκε: στη λογική έννοια της πλοκής, σε μια σαφή και ικανή σύνθεση, στη σωστή μεταφορά του όγκου. Η γραμμή και το chiaroscuro έγιναν τα κύρια στοιχεία για τη δημιουργία της φόρμας. η διαίρεση στα σχέδια τοπίου πραγματοποιήθηκε με χρήση χρώματος (το προσκήνιο έγινε καφέ, το μεσαίο ήταν πρασινωπό, το μακρινό ήταν μπλε).

Εξέχοντες εκπρόσωποι του ευρωπαϊκού «ύστερου κλασικισμού» ή «νεοκλασικισμού» ήταν οι Γάλλοι καλλιτέχνες Ζακ-Λουί Νταβίντ (1748-1825) και Ζαν-Ογκίστ-Ντομινίκ Ινγκρές (1780-1867). Η εξαιρετικά ξηρή και δραματική γλώσσα του Jacques-Louis David τραγούδησε τα ιδανικά της Μεγάλης Γαλλικής Επανάστασης με την ίδια επιτυχία (Death of Marat, 1793) και δόξασε την Πρώτη Αυτοκρατορία στη Γαλλία (Αφιέρωση του αυτοκράτορα Ναπολέοντα Α ', 1805-07).

Οι πίνακες του Ingres, που συχνά στρέφονταν σε ρομαντικά θέματα, ενθουσιάζονται με μια αίσθηση στυλ, χάρη στις γραμμές, ένα υπέροχο παιχνίδι χρώματος και φωτός ("Big Odalisque", 1814; "Seated Bather", 1808).

Σταδιακά, η ζωγραφική του ευρωπαϊκού νεοκλασικισμού, παρά τις δραστηριότητες μεμονωμένων μεγάλων ζωγράφων (Jacques-Louis David και Jean-Auguste-Dominique Ingres), εκφυλίζεται σε επίσημη απολογητική ή συναισθηματική τέχνη κομμωτηρίου.

Ο ρωσικός κλασικισμός εμφανίστηκε στη διαδικασία εξευρωπαϊσμού της Ρωσίας υπό την Αικατερίνη Β και ήταν διαδεδομένος στα τέλη του 18ου και στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα. Στους καμβάδες των καλλιτεχνών, κυριαρχούν οι ιδέες της πολιτικής συνείδησης, τα υψηλά ηθικά ιδανικά, ο πατριωτισμός και η αξία του ανθρώπινου προσώπου. Ο αρχαίος πολιτισμός, καθώς και ο ευρωπαϊκός κλασικισμός, εκλαμβάνεται ως απόλυτος κλασικός και ανεκτίμητη ιστορική κληρονομιά. Η τέχνη θεωρείται ως μέσο που πρέπει να τιθασεύσει τα χοντρά πάθη και να ασχοληθεί με την ηθική εκπαίδευση μέσω της ρομαντικής επιβεβαίωσης της ομορφιάς.

Οι εκπρόσωποι του ρωσικού κλασικισμού περιλαμβάνουν κυρίως ζωγράφους πορτρέτων D.G. Levitsky (1735-1822), F. Rokotov (1736-1808), V.A. Troropinin (1776-1857), O. Kiprensky (1782 -1836), V. Borovikovsky (1757-1825 ). Οι ζωγράφοι δημιούργησαν μια ολόκληρη συλλογή από υπέροχα πορτρέτα των συγχρόνων τους - έργα που δοξάζουν την εσωτερική ομορφιά και την ευγένεια των ανθρώπινων επιδιώξεων.

Τα πορτρέτα μας έφεραν τις εικόνες διάσημων ανθρώπων και έδειξαν την ωριμότητα και την καλλιτεχνική ικανότητα των καλλιτεχνών. Μεταξύ των πιο διάσημων έργων - "Πορτρέτο της στέψης της Αικατερίνης Β '" του Φ. Ροκότοφ, 1763. "Πορτρέτο του E. I. Nelidova" του D. Levitsky, 1773. "Πορτρέτο του MI Lopukhina" του V. Borovikovsky, 1797. "Πορτρέτο του Πούσκιν" του Β. Τροπινίν, 1827

Ο διάσημος Ρώσος κλασικιστής είναι ο K. A. Bryullov (1799-1852). Στους πίνακές του, ο ακαδημαϊκός κλασικισμός συνδυάστηκε με τον ρομαντισμό. Ο πιο διάσημος πίνακας του καλλιτέχνη "The Last Day of Pompeii" (1830-33) διακρίνεται από μια δραματική πλοκή, θεατρικά θεαματικά πλαστικά, την πολυπλοκότητα του φωτισμού και την βιρτουόζικη απόδοση.

Αυτοί και άλλοι καλλιτέχνες - εκπρόσωποι του κλασικισμού - στα έργα τους προέβλεψαν σε μεγάλο βαθμό τα επιτεύγματα του ρωσικού ρεαλισμού στις επόμενες δεκαετίες.

- το καλλιτεχνικό στυλ στην ευρωπαϊκή τέχνη του 17ου - αρχές του 19ου αιώνα, ένα από τα σημαντικότερα χαρακτηριστικά του οποίου ήταν η έκκληση στις μορφές της αρχαίας τέχνης ως ιδανικό πρότυπο αισθητικής και ηθικής. Ο κλασικισμός, που αναπτύχθηκε σε οξεία πολεμική αλληλεπίδραση με το μπαρόκ, εξελίχθηκε σε ένα ολοκληρωμένο σύστημα ύφους στη γαλλική καλλιτεχνική κουλτούρα του 17ου αιώνα. Οι αρχές της ορθολογιστικής φιλοσοφίας που διέπουν τον κλασικισμό έχουν εξαρτήσει την άποψη των θεωρητικών και των ασκούμενων του κλασικού στυλ σε ένα έργο τέχνης ως προϊόν λογικής και λογικής, θριαμβεύοντας πάνω στο χάος και τη ρευστότητα της αισθησιακά αντιληπτής ζωής.

Οι αρχές της ορθολογιστικής φιλοσοφίας που διέπουν τον κλασικισμό έχουν εξαρτήσει την άποψη των θεωρητικών και των ασκούμενων του κλασικισμού σε ένα έργο τέχνης ως καρπό της λογικής και της λογικής, θριαμβεύοντας πάνω στο χάος και τη ρευστότητα της αισθησιακά αντιληπτής ζωής. Ο προσανατολισμός σε μια λογική αρχή, σε διαρκή μοντέλα καθόρισαν τον σταθερό κανονιστικό χαρακτήρα των ηθικών απαιτήσεων (υποταγή του προσωπικού στο γενικό, τα πάθη - στον λόγο, το καθήκον, τους νόμους του σύμπαντος) και τις αισθητικές απαιτήσεις του κλασικισμού, τη ρύθμιση των καλλιτεχνικών κανόνων ? η εδραίωση των θεωρητικών δογμάτων του κλασικισμού διευκολύνθηκε από τις δραστηριότητες των Βασιλικών Ακαδημιών που ιδρύθηκαν στο Παρίσι - ζωγραφική και γλυπτική (1648) και αρχιτεκτονική (1671). Στη ζωγραφική του κλασικισμού, τα κύρια στοιχεία μοντελοποίησης της φόρμας ήταν η γραμμή και το chiaroscuro, το τοπικό χρώμα αποκαλύπτει σαφώς την πλαστικότητα των μορφών και των αντικειμένων, διαχωρίζει τα χωρικά σχέδια της εικόνας (χαρακτηρίζεται από την ανύψωση του φιλοσοφικού και ηθικού περιεχομένου, τη γενική αρμονία του έργου του Ν. Πουσέν, του ιδρυτή του κλασικισμού και του μεγαλύτερου κυρίου του κλασικισμού του 17ου αιώνα · «Ιδανικά τοπία» του Κ. Λορέιν). Κλασικισμός 18ος - αρχές 19ου αιώνα (στην ξένη ιστορία της τέχνης, συχνά ονομάζεται νεοκλασικισμός), το οποίο έχει γίνει κοινό ευρωπαϊκό στυλ, διαμορφώθηκε επίσης κυρίως στον κόλπο του γαλλικού πολιτισμού, υπό την ισχυρότερη επίδραση των ιδεών του Διαφωτισμού. Στην αρχιτεκτονική, εντοπίστηκαν νέοι τύποι ενός εξαιρετικού αρχοντικού, ενός τελετουργικού δημόσιου κτιρίου, μιας ανοιχτής πλατείας της πόλης (J.A. Gabriel, J.J. Souflot), η αναζήτηση νέων, άτακτων μορφών αρχιτεκτονικής. προσπαθώντας για σοβαρή απλότητα στο έργο του Κ.Ν. Ο Ledoux προέβλεψε την αρχιτεκτονική του ύστερου σταδίου του κλασικισμού - το στυλ Empire. Η αστική παθολογία και ο λυρισμός συνδυάζονται στην πλαστικότητα του Zh.B. Pigal και J.A. Houdon, διακοσμητικά τοπία από τον J. Robert. Το θαρραλέο δράμα ιστορικών και προσωπογραφικών εικόνων είναι εγγενές στα έργα του επικεφαλής του γαλλικού κλασικισμού, ζωγράφου J.L. Δαβίδ.

Η ζωγραφική από τον Ντέιβιντ στον Ντελακρουά αντιπροσωπεύει την περίοδο της βασιλείας του κλασικισμού. Οι πρώτοι πίνακες του Ντέιβιντ δεν έφεραν κάτι ουσιαστικά επαναστατικό στη σύγχρονη τέχνη, αλλά ο «Όρκος των Χορατιών», που εμφανίστηκε το 1784, έκανε μια ανήκουστη εντύπωση όχι μόνο στον καλλιτεχνικό κόσμο, αλλά σε ολόκληρη την κοινωνία, της διάθεσης του οποίου αυτό το έργο αντιστοιχούσε πλήρως σε. Η αυστηρή ορθότητα του σχεδίου, το ηρωικό περιεχόμενο, τόσο διαφορετικό από το καθημερινό μικρό ενδιαφέρον, και, τέλος, η αρχαιολογική πιστότητα των κοστουμιών, της αρχιτεκτονικής και όλων των κυκλικών κόμβων μετέφεραν το κοινό στον αρχαίο κόσμο, ο οποίος είχε ήδη γίνει ελκυστικός τους νωρίτερα. Αυτή η εικόνα ακολουθήθηκε από "Ο Μπρούτος και οι λίκτες, που έφεραν τα πτώματα των γιων του, εκτελέστηκαν με δική του εντολή". μετά από αυτό ο Ντέιβιντ έγραψε (1787) «Θάνατος του Σωκράτη» (ο σκλάβος του δίνει ένα φλιτζάνι δηλητήριο, γυρνώντας και κλαίγοντας). Όλα αυτά ήταν τόσο νέα και αντίθετα με το στυλ ροκοκό, φαινόταν τόσο υπέροχα που χρησίμευσε ως λόγος για την κοινωνία να μιλήσει με ενθουσιασμό για τον Ντέιβιντ ως καλλιτέχνη και πολίτη. λόγω της πολιτικής αξίας, τα καλλιτεχνικά ελαττώματα των έργων του δεν έγιναν καν αντιληπτά. Μια τέτοια γοητεία με τους πίνακές του είναι κατανοητή για την εποχή μας, αν λάβουμε υπόψη αυτό που είχε στο μυαλό του ο καλλιτέχνης, ο οποίος αφομοίωσε τόσο αποφασιστικά, όπως νόμιζε, τις αρχαίες απόψεις για την τέχνη. Ο Ντέιβιντ έθεσε το καθήκον να απεικονίσει ένα άτομο που οδηγείται από τα ισχυρότερα κίνητρα, που αντιστοιχεί στις πιο υπέροχες στιγμές της ζωής, εξαιρετικά απομακρυσμένο σε χαρακτήρα από τις συνηθισμένες στιγμές της καθημερινής ζωής, που θεωρούνταν χαμηλές. Ένα άτομο με τόσο ανεβαστικό πνεύμα θα μπορούσε να απεικονιστεί, σύμφωνα με τον Ντέιβιντ, μόνο με την αντίστοιχη πλαστική τελειότητα των μορφών, οι οποίες ήταν επίσης πολύ μακριά από τις μορφές που συναντάμε καθημερινά. Μόνο η παλαιά τέχνη μας έχει αφήσει παραδείγματα τέλειων μορφών, και ως εκ τούτου ο Ντέιβιντ θεώρησε απαραίτητο να δώσει στους ήρωές του την αντίκα μορφή, την οποία σπούδασε σε αγάλματα, σε βάζα και ανάγλυφα. Αυτή ήταν η καλλιτεχνική κατανόηση του Ντέιβιντ, που εκφράστηκε από αυτόν στους ήδη ζωγραφισμένους πίνακες, καθώς και στις "The Sabine Women" (1799) και στα άλλα έργα του. Η κοινωνία βρήκε πολιτικές ιδέες στα έργα του Ντέιβιντ στο «Οράτιος» και «Βρούτος», ιδανικοί πολίτες που έθεσαν τις συγγένειες και τους οικογενειακούς δεσμούς κάτω από το αίσθημα του καθήκοντος απέναντι στην πατρίδα τους. Στον «Σωκράτη» είδαν έναν ιεροκήρυκα υψηλών αληθειών, να χάνονται από την αδικία των τυράννων. Ο ίδιος ο Ντέιβιντ διαποτίστηκε με τέτοιες πεποιθήσεις και όταν κατά τη διάρκεια του τρόμου ένας από τους καλλιτέχνες, ένας άνθρωπος κοντά στον Ντέιβιντ, ζήτησε από τον Ροβεσπιέρο να μεσολαβήσει για να σώσει την αδελφή του αναφέροντα από τη λαιμητόμο, ο Ντέιβιντ απάντησε ψυχρά: «Έγραψα στον Μπρούτο, το βρίσκω η κυβέρνηση είναι δίκαιη και δεν θα ρωτήσω τον Ροβεσπιέρο ». Κατά συνέπεια, οι πίνακες του Ντέιβιντ, σε κάποιο βαθμό τάσεις, θα μπορούσαν να είναι επιτυχημένοι μόνο εκείνη την εποχή και στην κοινωνία όταν εμφανίστηκαν. Εκείνη την εποχή, η νεότερη γενιά του ανταποκρίθηκε και η κοινωνική σημασία των έργων του ήταν τεράστια: οι πίνακες ανέπνευσαν δημοκρατικό πνεύμα. Στον ίδιο βαθμό, η καλλιτεχνική τους σημασία ήταν μεγάλη για εκείνη την εποχή: η θηλυκότητα, το παιχνιδιάρικο και ο αισθησιασμός της σύγχρονης ζωγραφικής δεν μπορούσε να αντισταθεί στην απεικόνιση υψηλών και ευγενών συναισθημάτων, την αποκλειστικότητα των οποίων κανείς δεν θα μπορούσε τότε να καταδικάσει. Επιπλέον, ο Ντέιβιντ επέστρεψε την τέχνη στο σωστό σχέδιο, όχι μόνο σε συμφωνία με την αρχαία ομορφιά, αλλά και με τη φύση, αφού δίδαξε να είναι σίγουρος ότι συμμορφώνεται και με τη φύση. Η καλλιτεχνική διδασκαλία του Ντέιβιντ είναι στην πραγματικότητα συνέχεια της διδασκαλίας του Βιέν, αλλά ο Ντέιβιντ ενήργησε πιο αποφασιστικά, σπάζοντας κάθε σχέση με το στυλ ροκοκό. έχοντας ισχυρή θέληση και εκμεταλλευόμενος το πνεύμα των καιρών, υποχρέωσε δεσποτικά τους άλλους να ακολουθήσουν τον δρόμο που του έδειξε. Ο Ντέιβιντ διακήρυξε ότι «μέχρι τώρα η τέχνη εξυπηρετούσε μόνο την ευχαρίστηση της φιλοδοξίας και της ιδιοτροπίας των Συβαριτών, οι οποίοι κάθισαν μέχρι το λαιμό τους με χρυσό». «Ο δεσποτισμός ορισμένων στρωμάτων της κοινωνίας», είπε, «κράτησε έξω από την εύνοια όποιον ήθελε να εκφράσει τις καθαρές ιδέες της ηθικής και της φιλοσοφίας. Εν τω μεταξύ, είναι απαραίτητο η απεικόνιση παραδειγμάτων ηρωισμού και πολιτικών αρετών να ηλεκτρίζει τους ανθρώπους και να τους προκαλεί την αγάπη να δοξάζουν και να αυξάνουν την ευημερία της πατρίδας τους ». Έτσι περίπου ο πολίτης και καλλιτέχνης Ντέιβιντ, ένας ρεπουμπλικάνος, μίλησε όχι μόνο με λόγια, αλλά, όπως γνωρίζετε, με πράξεις. Ο ζωγράφος Μπουκιέ καταδίκασε ακόμη πιο έντονα την τέχνη του 18ου αιώνα, λέγοντας περίπου τα εξής: «είναι καιρός, αντί για αυτά τα επαίσχυντα έργα (από προηγούμενους καλλιτέχνες), να τοποθετήσουμε στις γκαλερί άλλα που θα μπορούσαν να τραβήξουν τα μάτια του δημοκρατικού λαού που τιμούν τους καλούς τρόπους και την αρετή. Στις εθνικές γκαλερί, αντί για ερωτικούς και καλλιεργημένους πίνακες του Boucher και των οπαδών του, ή πίνακες του Vanloo, με το θηλυκό πινέλο του, θα πρέπει να τοποθετηθούν έργα αντρικού στυλ που θα χαρακτηρίζουν τις ηρωικές πράξεις των γιων της ελευθερίας. Η έκφραση της ενέργειας ενός τέτοιου λαού απαιτεί ένα δυνατό στιλ, ένα τολμηρό πινέλο και μια φλογερή ιδιοφυία ». Ο Ντέιβιντ έγινε επικεφαλής της νέας τάσης και το παλιό είχε ήδη καταδικαστεί από την επαναστατική τάση της κοινωνίας, η οποία κατέστρεψε όλα όσα υπήρχαν μέχρι τότε, αντικαθιστώντας τα με μια νέα. Οι καλλιτέχνες της προηγούμενης τάσης προσπάθησαν να ενταχθούν σε μια νέα τάση και αφού αυτό, λόγω του ταλέντου και των συνηθειών τους, δεν τα κατάφεραν, είτε σταμάτησαν εντελώς τις δραστηριότητές τους, είτε άλλαξαν πέρα ​​από την αναγνώριση. Dreams and Fragonard έχασαν ξαφνικά το νόημά τους, έχασαν την ηθική και υλική υποστήριξη από την κοινωνία και πέθαναν ξεχασμένοι από όλους. Ο Φραγκονάρντ αναγκάστηκε ακόμη και να συμμετάσχει στις προσπάθειες του Ντέιβιντ να ενισχύσει τη θέση της τέχνης στη νέα κοινωνική τάξη και απαιτήθηκε από την τέχνη να εξευγενίσει τα ήθη της κοινωνίας και να τη διδάξει. Γλύπτες, χαράκτες, ακόμη και τεχνίτες -καλλιτέχνες, χρυσοχόοι, ξυλόγλυπτοι - όλοι υπάκουαν στον Ντέιβιντ. Είναι αξιοσημείωτο ότι τα δημοκρατικά θέματα των πινάκων του Ντέιβιντ ("Οράτιος", "Μπρούτος") εγκρίθηκαν ή ορίστηκαν και οι πίνακες αγοράστηκαν από τον ίδιο τον Λουδοβίκο ΙΣΤ,, ο οποίος με μια τέτοια παραχώρηση στην κοινή γνώμη φάνηκε να συμμετέχει στη γενική κίνηση του ιδέες, αφού η κοινωνική σημασία αυτών των έργων ήταν σαφής για όλους. Με την κατάθεση του βασιλιά και μετά την καταδίκη του σε θάνατο, στην οποία συμμετείχε και ο Ντέιβιντ με την ψήφο του, και καθ 'όλη τη διάρκεια της τρομοκρατίας μέχρι την πτώση και την εκτέλεση του Ροβεσπιέρου, η καλλιτεχνική δραστηριότητα του Ντέιβιντ εκφράστηκε σε δύο πίνακες - "The Assassination of Pelletier »και αργότερα -« Η δολοφονία του Μαράτ », τα οποία γράφτηκαν με πατριωτικό σκοπό. Ωστόσο, σε αυτά ο καλλιτέχνης αντέδρασε στο θέμα του χωρίς καμία σκέψη του Κ., Και η δεύτερη εικόνα βγήκε τέτοια που τώρα δεν έχει χάσει την καλλιτεχνική της σημασία. Μετά την εκτέλεση του Ροβεσπιέρου, ο Ντέιβιντ, ως ένας από τους συνεργούς του, μετά βίας ξέφυγε από τον θανάσιμο κίνδυνο, μετά τον οποίο έγραψε το «The Sabines». Κατά τη διάρκεια του Ναπολέοντα, ζωγράφισε αρκετούς επίσημους πίνακες για να τον δοξάσει, είχε τη λιγότερη επιτυχία σε αυτό το είδος, και κατά τη διάρκεια της αποκατάστασης, εκδιώχθηκε από τη Γαλλία ως αυτοκτονία, στις Βρυξέλλες παραδόθηκε και πάλι σε αντικείμενα αντίκες και δεν άλλαξε κατεύθυνση. θάνατος. Οι καλλιτεχνικές και εν μέρει αστικές επιδιώξεις του Ντέιβιντ, αφού οι τελευταίες εκφράζονται στη ζωγραφική, εμφανίστηκαν για πρώτη φορά στο "Belisarius" του (1781) - ένα θέμα που στη συνέχεια έγινε αγαπημένο, επειδή θύμιζε την αχαριστία των κυρίαρχων. Τώρα, όταν μπορείτε να κρίνετε για τους πίνακές του μόνο από την καλλιτεχνική πλευρά, παρουσιάζονται από τη σύνθεση ως θεατρικές και διακηρυκτικές. Ακόμη και στο Horace, η αρχική πρόθεση του καλλιτέχνη ήταν να παρουσιάσει το γεγονός όπως απεικονίστηκε στη σκηνή το 1782, στην τελευταία πράξη της τραγωδίας της Κορνέιγ. μόνο με τη συμβουλή των φίλων του ο Ντέιβιντ απεικόνισε μια στιγμή πιο κατάλληλη για ζωγραφική, στο πνεύμα που αντιστοιχεί άμεσα στο έργο του Κορνέιγ, αλλά όχι σε αυτό. Το σχέδιο του Ντέιβιντ ήταν αυστηρό, οι γραμμές ήταν σκόπιμες, ευγενείς. Στο σχολείο του, δεν μελετήθηκαν μόνο αντίκες, αλλά και η φύση, την οποία όμως συνέστησε να αλλάξει, όσο το δυνατόν περισσότερο, για να προσεγγίσει την αρχαία τέχνη της γλυπτικής. Σε γενικές γραμμές, στις οδηγίες του, όπως και στους πίνακές του, ανακάτεψε τις εργασίες της γλυπτικής με τις εργασίες της ζωγραφικής. Σχετικά με το "Horatii" του, έγινε μια σωστή κριτική ότι οι φιγούρες που απεικονίζονται στην εικόνα θα μπορούσαν να έχουν χρησιμεύσει χωρίς αλλαγή για ένα ανάγλυφο, και, ωστόσο, το θεατρικό πάθος των μορφών θα εξακολουθούσε να είναι μειονέκτημα. Όσον αφορά το χρώμα, οι πίνακές του φαίνονται εντελώς μη ικανοποιητικοί, αφού οι χαρακτήρες του δεν μοιάζουν με ζωντανούς ανθρώπους, αλλά με ωχρά ζωγραφισμένα αγάλματα. Η τεχνική ζωγραφικής είναι πολύ ομαλή και συνεκτική και πολύ μακριά από το θάρρος και την αυτοπεποίθηση, ένας βαθμός της οποίας απαιτείται για τον οπτικό χαρακτηρισμό των αντικειμένων. Επιπλέον, έπιπλα, αρχιτεκτονικά και άλλα μικρά αντικείμενα γράφονται με την ίδια επιμέλεια με τα σώματα των χαρακτήρων. Πρέπει να σημειωθεί ότι τα πορτρέτα του Ντέιβιντ ή οι μορφές πορτραίτου στους πίνακές του είναι πολύ πιο ζωτικής σημασίας από τους αρχαίους ήρωές του, αν και στα πορτρέτα του μερικές φορές επιδιώκει πόζες αντίκες, όπως, για παράδειγμα, στο πορτρέτο της κυρίας Ρεκαμιέ. Η αγάπη για την αρχαιότητα δεν δίδαξε τον Ντέιβιντ να κοιτάζει σωστά τη φύση, όπως απαιτούσε ο Ντιντερό. Ο Ντέιβιντ, ένας ρεπουμπλικανός με ελεύθερη σκέψη, δεν επέτρεψε την ίδια ελευθερία ούτε στους πολιτικούς του αντιπάλους ούτε στους καλλιτέχνες του. κυνηγώντας τους ακαδημαϊκούς της παλιάς σχολής, έκανε πολλούς εχθρούς για τον εαυτό του. Εκείνη την εποχή, τα γεγονότα διαδέχονταν το ένα το άλλο τόσο γρήγορα που ο Ντέιβιντ δεν μπορούσε να συνεχίσει να τα εκφράζει με ένα πινέλο. Έτσι, η τεράστια εικόνα που ξεκίνησε, που απεικόνιζε τους συνωμότες στο Zhedepom (γεγονός του 1789), παρέμεινε ημιτελής. Τον Ιούλιο του 1794, στην εθνική συνέλευση, έγινε κατηγορία εναντίον του ίδιου του Ντέιβιντ, στο οποίο, μεταξύ άλλων, εκτέθηκε ως τύραννος της τέχνης. Πράγματι, κατέστειλε ένα ακαδημαϊκό σύστημα για να δημιουργήσει ένα άλλο, επίσης εξαιρετικό. Στην εποχή του, οι ελλείψεις του συστήματος του δεν ήταν προφανείς και τα πλεονεκτήματά του προσέλκυσαν όχι μόνο Γάλλους, αλλά και ξένους καλλιτέχνες-ζωγράφους, χαράκτες, γλύπτες στη σχολή του Δαβίδ, οι οποίοι στη συνέχεια διέδωσαν τις διδασκαλίες του Δαβίδ σε όλη την Ευρώπη. Σε σχετικά σύντομο χρονικό διάστημα είχε περισσότερους από 400 μαθητές και η επιρροή του επέζησε για πολλές δεκαετίες, αλλά με συνεχή τροποποίηση. αρχικά, ήταν ακαδημαϊκό με τη στενή έννοια της λέξης και ψευδοκλασικό, επειδή αντιπροσώπευε την αρχαία ζωή σαν ψυχρή και απαθής, και επίσης επειδή μετέφερε το αρχαίο Κ. σε ένα ασυνήθιστο σύγχρονο έδαφος (στις εικόνες της σύγχρονης ζωής ), προσπαθώντας να αποπροσωποποιήσει τη χαρακτηριστική ατομικότητα των στάσεων, των κινήσεων, των μορφών και των εκφράσεων και να τους δώσει τύπους που ικανοποιούν τους κανονικούς κανόνες που θα μπορούσαν να μάθουν, όπως οι κανόνες της τέχνης της οικοδόμησης. Ο Ντέιβιντ δεν ήταν ιδιαίτερα ταλαντούχος. πιθανότατα δεν θα μπορούσε να δώσει στην έκφραση των παθών την πραγματική τους μορφή, έφερε πολύ περισσότερη σκέψη παρά φαντασία και συναισθήματα στους πίνακές του, αλλά η επιτυχία του προήλθε από τους λόγους που εξηγήθηκαν παραπάνω. Η κοινωνία παρασύρθηκε από μια τόσο πιστή αναπαράσταση της αντίκας. Τα μαλλιά σε σκόνη και τα περίεργα αξεσουάρ κοστουμιών ροκοκό εγκαταλείφθηκαν και οι γυναικείες φορεσιές, παρόμοιες με τις ελληνικές χιτώνες, έγιναν της μόδας. Μερικοί από τους μαθητές του Δαβίδ (les Primitives) άρχισαν να ντύνονται όπως ο Πάρης και ο Αγαμέμνονας. Την εποχή του Καταλόγου, οι εκπρόσωποι των ανθρώπων είχαν συνταγογραφηθεί ακόμη και ένα ρούχο που, αν ήταν δυνατόν, ταιριάζει με το αρχαίο. Όταν ο Ντέιβιντ ζωγράφισε τον πίνακά του "The Sabine Women", η γοητεία με την αντίκα ήταν τέτοια που τρεις κυρίες της καλύτερης κοινωνίας πόζαραν για μοντέλα μπροστά στον καλλιτέχνη. Στο τέλος του πίνακα, ο David τον εξέθεσε ξεχωριστά, μια λεπτομερής περιγραφή εξηγούσε στο κοινό τον λόγο για τον οποίο οι ήρωες του πίνακα απεικονίζονταν γυμνοί. ο συγγραφέας ήταν πεπεισμένος ότι οι Έλληνες και οι Ρωμαίοι θα έβρισκαν την εικόνα του σύμφωνη με τα ήθη τους. Η έκθεση συμμετείχε για 5 χρόνια και απέδωσε πάνω από 65.000 φράγκα και γενικά βραβεία στον καλλιτέχνη. Ωστόσο, ο Ναπολέων, ο οποίος δεν καταλάβαινε τη ζωγραφική, αλλά γνώριζε τον πόλεμο και τον στρατιώτη, παρατήρησε πολύ σωστά ότι οι Ρωμαίοι του Δαβίδ πολεμούσαν πάρα πολύ παθιασμένα. Στο τέλος της βασιλείας του Ναπολέοντα, ο Ντέιβιντ ολοκλήρωσε (1814) τη μακροχρόνια σύλληψη και άρχισε να ζωγραφίζει τον «Λεωνίδα στις Θερμοπύλες» - ένα ακαδημαϊκό έργο, χωρίς ζωή και αλήθεια. αυτό που ήθελε ο Ντέιβιντ και αυτό που έπρεπε να εκφραστεί στη μορφή και το πρόσωπο του Λεωνίδα ξεπέρασε κατά πολύ τα μέσα του καλλιτέχνη, ο οποίος είναι πάντα επιφανειακός ως προς την έκφραση συναισθημάτων. Ωστόσο, ο ίδιος ήταν ευχαριστημένος με την έκφραση του κεφαλιού του Λεωνίδα και ήταν σίγουρος ότι κανείς άλλος δεν μπορούσε να εκφράσει σε αυτό αυτό που εξέφρασε.

Η Βιέν, της οποίας τα πλεονεκτήματα αναφέρθηκαν παραπάνω, δεν ήταν η μόνη που κατάλαβε ότι η τέχνη του ίδιου του 18ου αιώνα έτεινε να πέσει στα άκρα της. Σχεδόν ταυτόχρονα με τον Vien και τον Pierre Perron (1744-1815), προσπάθησε να επιστρέψει την τέχνη στη μελέτη των αρχαιοτήτων και της φύσης. Την ίδια χρονιά με τον Ντέιβιντ, παρουσίασε επίσης τον Θάνατο του Σωκράτη, αλλά παρέμεινε σε αυτό το έργο με πολλά από τα παλιά, τόσο από πλευράς σύνθεσης όσο και ως προς την ερμηνεία των μορφών και των κουρτινών. Ο Jean-Joseph Tallazon, μαθητής της Βιέν, κατάλαβε και απεικόνισε τον αρχαίο κόσμο, όπως έκαναν η Ρασίν και η Κορνέιγ στις τραγωδίες τους. Ο Guillaume Guillon Lettier (1760-1832), ο οποίος ήταν διευθυντής της γαλλικής ακαδημίας στη Ρώμη για δέκα χρόνια, έγραψε τον Brutus (1801) όπως ο David, αλλά σε διαφορετική στιγμή. γυμνά σώματα και κουρτίνες είναι φτιαγμένα από ρωμαϊκά γλυπτά στο πνεύμα της μεταρρύθμισης του Δαβίδ. Ένας άλλος πίνακας - "Ο θάνατος της Βιρτζίνια", που σχεδιάστηκε το 1795, ολοκληρώθηκε μόλις το 1831, όταν οι τάσεις του Κ. Ήταν ήδη ξεπερασμένες. Ο Guillaume Menaggio (1744-1816), επίσης για πολύ καιρό διευθυντής της ακαδημίας στη Ρώμη, σταμάτησε διστακτικά μεταξύ του παλιού και του νέου. Οι μόνοι καλλιτέχνες που δεν εξαφανίστηκαν απαρατήρητοι υπό τον David ήταν οι Jean Baptiste Regno (1754-1829) και François-André Vincent (1746-1816). Το πρώτο από αυτά, αν και διατήρησε όλη του τη ζωή μια τάση για τη χάρη και τις νύμφες του 18ου αιώνα, αλλά από νωρίς στη Ρώμη, συμμετείχε στη γενική τάση προς την αρχαιότητα. Το «Εκπαίδευση του Αχιλλέα» (1783) ήταν το όνομά του. Σε γενικές γραμμές, υποσχέθηκε να ανταγωνιστεί τον Ντέιβιντ, τον οποίο στην αρχή μάλιστα ξεπέρασε σε πολύχρωμο σεβασμό. Μεταξύ των άλλων ζωγραφιών του στον αρχαίο κόσμο θα ονομάσουμε "Ο θάνατος της Κλεοπάτρας", "Αλκιβιάδης και Σωκράτης", "Πυγμαλίον", "Η τουαλέτα της Αφροδίτης", "Ηρακλής και Άλκηστος". Ο Regno ζωγράφισε επίσης σύγχρονους ιστορικούς πίνακες, τηρώντας τις απόψεις του David. Ο Βίνσεντ, μαθητής της Βιέν, όπως ο Ντέιβιντ, έκανε το όνομα του πριν ο Ντέιβιντ ερμηνεύσει με τα σημαντικότερα έργα του. Ο Βίνσεντ, υπό την ηγεσία της Βιέν, συνέβαλε επίσης στη βελτίωση του σχεδίου και της μελέτης των μορφών, αλλά μοιράστηκε τις ελλείψεις της νέας κατεύθυνσης σε σχέση με τις θεατρικές πόζες και τη ζωή του χρώματος. Τα αγαπημένα του θέματα είναι βγαλμένα από τη ρωσική ιστορία, ήταν ο προκάτοχος και ο επικεφαλής των επόμενων καλλιτεχνών αυτού του είδους και, παρεμπιπτόντως, του Οράτιου Βερν. Από τους πίνακες του Vincent θα ονομάσουμε: "Belisarius ικετεύοντας για ελεημοσύνη", "Zeuskis, επιλέγοντας ένα μοντέλο μεταξύ των κοριτσιών του Croton", "Henry IV and Sully", "Battle under the pyramids". Ένας ακόμη πιο αποφασιστικός υπερασπιστής της κλασικής τάσης ήταν ο Pierre Guerin (1774-1833), ο οποίος αποφοίτησε από τη σχολή του Regnault. Ο πίνακάς του Mark Sextus Returning from Exile (1799) έκανε σχεδόν την ίδια έντονη εντύπωση στην κοινωνία με τον Horace πριν από μερικά χρόνια, γιατί η εμφάνισή του συνέπεσε με την εποχή της επιστροφής των Γάλλων μεταναστών στην πατρίδα τους. Είναι αξιοσημείωτο ότι αυτή η εικόνα απεικόνιζε πρώτα τον τυφλό Βελισάριο, επιστρέφοντας στην οικογένειά του, στη συνέχεια άνοιξαν τα μάτια της κύριας φιγούρας και μετατράπηκε σε Σέξτους. Το 1802 εκτέθηκε ο πίνακας "Ιππόλυτος, Φαίδρα και Θησέας", στη συνέχεια "Ανδρομάχη" (1808), "Αινείας και Διδώ" (1817). Ο κύριος χαρακτήρας των έργων του Guerin είναι ο συνδυασμός του θεατρικού κορμού της εποχής εκείνης με τη γλυπτική, και με αυτόν τον τρόπο ο καλλιτέχνης ήταν πολύ ευρηματικός. ο πίνακας του ήταν κρύος. Από αυτές τις εικόνες, στις οποίες για τους κύριους χαρακτήρες πήρε ως μοντέλα τους τότε θεατρικούς celebrities, τον ηθοποιό Talma και την ηθοποιό Duchenois, η τελευταία είναι ακόμα καλύτερη από άλλες.

Ο Drouet (1763-1788) εγκατέλειψε το σχολείο του David, στον οποίο ο δάσκαλος είχε μεγάλες ελπίδες. ο πίνακάς του "Mari at Manturn" ήταν επιτυχής, αλλά τώρα φαίνεται άψυχος και επίσης με συμβατικές θεατρικές φιγούρες. Με εκτέλεση - ζωγραφική όπως αυτή του Δαβίδ. Ένας άλλος μαθητής του David, ο Girodet de Trioson (1767-1824), αγαπούσε περισσότερο την ελληνική μυθολογία στην αρχή παρά τη ρωμαϊκή ιστορία. Το Sleeping Endymion, στο οποίο το φως του φεγγαριού έδωσε κάποια γεύση, έγινε ευρέως αποδεκτό από το κοινό, αλλά το σχήμα δείχνει έλλειψη σχολείου. Στον Ιπποκράτη του, η θεατρικότητα των κινήσεων είναι ορατή. Το 1806, παρουσίασε μια σκηνή πλημμύρας που απεικόνιζε τις καταστροφές μιας ομάδας ανθρώπων που αναζητούσαν σωτηρία. για αυτό το έργο, ο καλλιτέχνης έλαβε το 1810 το Βραβείο Ναπολέοντα, που απονεμήθηκε για το καλύτερο έργο της περασμένης δεκαετίας. Η σύγχρονη κριτική είδε στον καλλιτέχνη έναν συνδυασμό Μικελάντζελο και Ραφαήλ, και τώρα ο πίνακάς του είναι μια ακαδημαϊκή και τεχνητή σύνθεση, αλλά με κάποια χροιά πάθους. τώρα μου αρέσει περισσότερο το "Atala and Shaktas" του. Ο Gerard (1770-1830), επίσης μαθητής του Ντέιβιντ, έγινε πρώτα διάσημος για τον πίνακα Belisarius (αγαπημένο θέμα της εποχής) που έφερε τον σύντροφό του (1791) - ένα από τα καλύτερα έργα του κλασικού κινήματος. ήταν μεγάλη επιτυχία, αλλά η syυχή του δεν άρεσε περισσότερο. Ο Gerard έγινε διάσημος ως πορτραίτος και, πράγματι, μια σύγκριση των πορτρέτων του έργου του με εκείνα του 18ου αιώνα, για παράδειγμα, Hyacinth Rigaud (1659-1743), δείχνει ένα τεράστιο βήμα προς την απλότητα και τη φυσικότητα, αφού ο Rigaud μοντελοποιεί τα πορτρέτα του , μερικές φορές τεχνητό και χαριτωμένο, στη συνέχεια πανηγυρικό, συχνά επισυνάπτεται ακόμη και στις ιδιότητες των μυθολογικών θεών. Ακόμα και τα πορτρέτα του Greuze και της Louise Vigee-Lebrun, λόγω της έλλειψης χαρακτηριστικής ατομικότητας στο εικονιζόμενο άτομο και κάποια γενίκευση ετερογενών τύπων, έθεσαν τα πορτρέτα του Gerard. Ο Robert Lefebvre και ο Keynesom, σύγχρονοι του Gerard, μοντέρνοι ζωγράφοι πορτρέτων που προσπάθησαν να δώσουν περισσότερη ευχαρίστηση στα μοντέλα τους παρά την αναζήτηση της αλήθειας, είναι τώρα ξεχασμένοι, ο Gerard εξακολουθεί να έχει σημασία, αν και η ζωτικότητα των πορτρέτων του δεν είναι τόσο βαθιά όσο έργα μεγάλων δασκάλων ... Ο ζωγράφος πορτρέτου Isabe, της σχολής του David, της χρωστάει ένα καλό σχέδιο, αλλά οι πίνακές του δεν έχουν μεγάλη αξία. Ο πιο σημαντικός καλλιτέχνης που βγήκε από το εργαστήριο του David είναι ο Gro (1771-1835), αλλά η φήμη του βασίζεται σε έργα στα οποία δεν ακολούθησε τις συμβουλές του δασκάλου του. Τα κλασικά του κίνητρα: "Η Σαπφώ ρίχνεται στη θάλασσα", "Αριάδνη και Βάκχος", "Ο Ηρακλής ρίχνει τον Διομήδη το άλογό του" (1835) δείχνουν την ανικανότητά του για αυτό το είδος, ενώ "Η μάχη του Αμπουκίρ", "Πανούκλα στη Γιάφα" μια φορά μια μεγάλη κίνηση προς την κατανόηση της πραγματικότητας, δείξτε μεγάλο ταλέντο, παρατήρηση και δύναμη αναπαράστασης που παρατηρείται στη φύση. Είναι εκπληκτικό το πώς ο Γκρο δεν κατάλαβε το είδος του ταλέντου του και, υπακούοντας απόλυτα στις απόψεις του δασκάλου του, θεώρησε, μαζί με αυτόν, το περιεχόμενο των ζωγραφιών της σύγχρονης ζωής ως κάτι τυχαίο και το ενδιαφέρον τους παροδικό για την τέχνη. «Διάβασε Πλούταρχε», είπε ο Δαβίδ και του έγραψε πολλές φορές, «εκεί θα βρεις δείγματα αντάξια του πινέλου σου». Ο Gro ήταν πολύ σεβαστός από τους συμπατριώτες του, ορισμένοι κριτικοί είδαν υπερβολικά σε αυτόν έναν συνδυασμό Rubens και Veronese, η σχολή του σχημάτισε έως και 400 καλλιτέχνες. Αλλά όταν ο Γκρο απαρνήθηκε τα καλύτερα έργα του και τον έμαθε να ακολουθεί τον Ντέιβιντ σε όλα, και ο ίδιος επέστρεψε με την πρώτη ευκαιρία σε κλασικά θέματα, με τα οποία, ωστόσο, αντιμετώπισε τόσο άσχημα, έχασε κάθε νόημα για τους συγχρόνους του. Ένας άλλος από τους ταλαντούχους μαθητές του David-ο François-Xavier Fabre (1766-1837), ο οποίος έγραψε με κλασικό ύφος: "Οιδίποδας στη στήλη", "Θάνατος του Νάρκισσου", "Νεοπτόλεμος και Οδυσσέας" κ.λπ., δεν άντεξαν τις ελπίδες των δασκάλων του. Σε ιστορικούς πίνακες, που γράφονταν συνεχώς υπό την ανάμνηση των μαθημάτων του σχολείου, δεν ανέβηκε επίσης και τα τελευταία χρόνια της δραστηριότητάς του περιορίστηκε σε τοπία και πορτρέτα. Ο Ζαν-Μπατίστ Βικάρ (1762-1834), ο οποίος έγραψε, μεταξύ άλλων, «Ορέστης και Πυλάδες» και «Ηλέκτρα», «Ο Βιργίλιος διαβάζει την Αινειάδα στον Αύγουστο», πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του στην Ιταλία, δεν είχε άμεση επιρροή στα γαλλικά τέχνη με τα έργα του, αλλά η δραστηριότητά του σημειώνεται από διαφορετική άποψη (βλ. Vikar). Μεταξύ άλλων οπαδών του Κ. - Ο Λούις Ντούσι (1773-1847) έγραψε για κίνητρα από τη μυθολογία. Philippe-August Gennequin (1763-1833), Claude Gautereau (1765-1825), Charles Thévenin (1760-1838), Jean-Baptiste Debré (1763-1845), Charles Meunier (1768-1832) και μερικοί άλλοι έγραψαν μερικώς αντίκες και αλληγορικά, εν μέρει ιστορικά έργα ζωγραφικής, εν μέρει πορτρέτα. Σχεδόν όλοι αυτοί οι καλλιτέχνες, που προσκολλήθηκαν στον κόσμο του ιδανικού, από την άποψη του ακαδημαϊκού Κ., Των μορφών, δεν είχαν αρκετό ταλέντο για να τους δώσουν πραγματική ζωή. Μερικοί από αυτούς ήταν επίσημοι ζωγράφοι εκκλησιών και μοναστηριών και πλαφονιές του Λούβρου. Μερικοί από αυτούς και μια άλλη ομάδα απεικονίστηκαν σε μνημειώδεις αναλογίες μάχες, στρατιωτικές σκηνές και παρελάσεις, που βασίλευσαν πρόσωπα σε διαφορετικές περιόδους της ζωής και του έργου τους. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τους μαθητές του Regnault και του Vincent, αλλά όλοι είχαν ως επί το πλείστον παραδείγματα του David και του Gro, οι οποίοι, μετά την εκδίωξη του David από τη Γαλλία το 1815, έγιναν ο επίσημος εκπρόσωπος της γαλλικής ζωγραφικής. κανείς δεν ήταν ιδιαίτερα ταλαντούχος και κανείς δεν τολμούσε να πρωτοτυπήσει, με σπάνιες και αδύναμες εξαιρέσεις.

Όταν ο Ντέιβιντ ήταν στο απόγειο της επιρροής του, τόσο καλλιτεχνικής όσο και κοινωνικής, λίγοι καλλιτέχνες διατήρησαν την απομόνωσή τους. Ο Pierre-Paul Prudhon (1758-1823), αν και πήρε σχέδια από τη μυθολογία ("Graces", "Aphrodite", "Psyche", "Zephyrs", "Adonis"), αλλά ενέπνευσε αυτό το υλικό με το συναίσθημά του και κατείχε το χρώμα της ζωής. Η στάση του στη σχολή του Δαβίδ είναι εμφανής από τη γνώμη του για τον Ντρουέτ, έναν από τους ικανότερους μαθητές του Δαβίδ. "Στους πίνακες ζωγραφικής και στο θέατρο, μπορείτε να δείτε ανθρώπους που απεικονίζουν πάθη, τα οποία όμως, χωρίς να εκφράζουν τον χαρακτήρα που είναι εγγενής στο αναπαριστώμενο αντικείμενο, μοιάζουν σαν να παίζουν μια κωμωδία και παρωδούν μόνο αυτό που πρέπει να είναι." Ο David, αναγνωρίζοντας το ταλέντο του Prudhon, τον αποκάλεσε άδικα ένα σύγχρονο Boucher. Ο Prudhon είχε μια κατανόηση των μορφών της φύσης και της κίνησης άγνωστες στον Boucher, ο οποίος ζωγράφιζε συχνά πολύπλοκους πίνακες χωρίς φύση, αλλά υπερηφανεύεται για το γεγονός ότι μπορούσε να λυγίσει με χάρη ένα χέρι ή ένα πόδι. Από τους πίνακες του Prudhon, ένας ("Έγκλημα που διώκεται από τη δικαιοσύνη και την εκδίκηση") θεωρείται προάγγελος μιας νέας κατεύθυνσης από το πάθος και τη δύναμη της έκφρασης και το χρώμα, το οποίο, ωστόσο, ανακαλύφθηκε μόλις δεκαπέντε χρόνια αργότερα. Είναι αξιοσημείωτο ότι την ίδια χρονιά (1808) το κοινό γνώρισε τον πίνακα του Girodet "Atala and Shaktas", η πλοκή του οποίου πάρθηκε από τον Chateaubriand και όχι από την ιστορία ή τον αρχαίο κόσμο, όπως όλοι έκαναν εκείνη την εποχή , ένας πίνακας που διέφερε στο χρώμα από τα συνηθισμένα έργα της σχολής του Δαβίδ. Όμως όλη η διαρκής, εξαιρετικά πρωτότυπη για εκείνη την εποχή δραστηριότητα δεν κλόνισε στο ελάχιστο το σχολείο του Δαβίδ.