Όλες οι εικόνες του Kandinsky στο θέμα της δημιουργικότητας. Διάσημοι πίνακες από τον Vasily Kandinsky

Όταν πρόκειται για αφαίρεσης, πολλοί άνθρωποι διακρίνονται από την τέχνη αμέσως φέρνουν την κατηγορηματική τους ετυμηγορία: Maznia. Μετά από αυτό, είναι απαραίτητο η φράση που οποιοδήποτε karapuz σίγουρα θα αντλήσει καλύτερα από αυτούς τους καλλιτέχνες. Ταυτόχρονα, η ίδια η λέξη "καλλιτέχνες" σίγουρα θα εξαντληθεί με επιδεκτική περιφρόνηση, η οποία σε ορισμένες περιπτώσεις θα μπορέσει ακόμη και τη στεγανότητα.

Aif.ru Ως μέρος της πολιτιστικής βιβλιοθήκης, λέει ότι προσπάθησε να επιδείξει έναν από τους πιο διάσημους αφαίρετους στις καμβά του Vasily kandinsky.

Εικόνα "Σύνθεση VI"

Έτος: 1913.

Εμπειρία στο Μουσείο: Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Αρχικά, η εικόνα "Σύνθεση VI" Kandinsky ήθελε να ονομάσει την "πλημμύρα", διότι σε αυτό το έργο ο ζωγράφος προορίζεται να απεικονίσει μια καταστροφή παγκόσμιας κλίμακας. Και πράγματι, κοιτάζοντας προσεκτικά, μπορούμε να δούμε τα περιγράμματα του πλοίου, των ζώων και αντικειμένων, σαν να βυθίζουμε στις ενώσεις των ενώσεων της ύλης, σαν στα κύματα της θάλασσας.

Ο Kandinsky ο ίδιος αργότερα, μιλώντας για αυτόν τον καμβά, σημείωσε ότι "δεν θα υπήρχε τίποτα πιο λάθος από το να κολλήσει σε αυτή την εικόνα της αρχικής ετικέτας οικόπεδο". Ο πλοίαρχος υπογράμμισε ότι στην περίπτωση αυτή το αρχικό κίνητρο της εικόνας (πλημμύρας) διαλύθηκε και μετακινήθηκε στην εσωτερική, καθαρά γραφική, ανεξάρτητη και αντικειμενική ύπαρξη. "Μια μεγάλη, αντικειμενικά διαπραγμάτευση καταστροφής είναι ταυτόχρονα απόλυτη και διαθέτει έναν ανεξάρτητο ήχο ενός ζεστού γλυκού τραγουδιού, παρόμοιο με τον ύμνο μιας νέας δημιουργίας, η οποία ακολουθεί μια καταστροφή", εξήγησε ο Kandinsky. Ως αποτέλεσμα, ο ζωγράφος αποφάσισε να εκχωρήσει μια πινακίδα άδειας στον καμβά, δεδομένου ότι οποιοσδήποτε άλλος θα μπορούσε να προκαλέσει περιττές ενώσεις από τους συνδέσμους που θα τους χαλάσουν με αυτά τα συναισθήματα που θα πρέπει να προκαλέσουν μια φωτογραφία.

Εικόνα "Σύνθεση VII"

Εικόνα "Σύνθεση VII". Φωτογραφία: αναπαραγωγή

Έτος: 1913.

Η "Σύνθεση VII" ονομάζεται κορυφή της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας του Kandinsky την περίοδο πριν από τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο. Δεδομένου ότι η εικόνα δημιουργήθηκε πολύ επιμελώς (προηγήθηκε μεγαλύτερη από τριάντα σκίτσα, υδατογραφίες και πετρέλαιο), η τελική σύνθεση είναι ένας συνδυασμός πολλών βιβλικών θεμάτων: η ανάσταση από το νεκρό, την ημέρα των πλοίων, την παγκόσμια πλημμύρα και τον παράδεισο κήπο.

Η ιδέα της ανθρώπινης ψυχής εμφανίζεται στο σημασιολογικό κέντρο του καμβά, ένας κύκλος, που προορίζεται μωβ τόπο και μαύρες γραμμές και εγκεφαλικά επεισόδια δίπλα του. Αναπόφευκτα καθυστερεί τον εαυτό του ως χοάνη, που ρίχνει κάποια σχήματα που απλώθηκαν από αμέτρητες μεταμορφώσεις σε όλο τον καμβά. Ακολουθώντας, συγχωνεύονται ή, αντίθετα, σπάσουν ο ένας από τον άλλο, φέρνοντας το κινητό γειτονικό ... Είναι σαν το στοιχείο της ζωής που προκύπτει από το ίδιο το χάος.

Εικόνα "Σύνθεση VIII"

"Σύνθεση VIII". Φωτογραφία: "Σύνθεση VIII", Vasily Kandinsky, 1923

Έτος: 1923.

Που εκτίθεται στο Μουσείο: Μουσείο Σολομώντος R. Guggenheim, Νέα Υόρκη

Η "Σύνθεση VIII" είναι θεμελιωδώς διαφορετική από την προηγούμενη εργασία αυτής της σειράς, επειδή σε αυτό αντί των θολωμένων περιγραφών, υπάρχουν σαφείς γεωμετρικές μορφές. Η κύρια ιδέα απουσιάζει σε αυτό το έργο, αντί της ο ίδιος ο καλλιτέχνης δίνει μια συγκεκριμένη περιγραφή των αριθμών και των χρωμάτων της εικόνας. Έτσι, σύμφωνα με τον Kandinsky, οι οριζόντιοι ακούγονται "κρύο και ανήλικοι", και η κάθετη - "ζεστή και υψηλή". Οι αιχμηρές γωνίες είναι "ζεστό, απότομο, ενεργό και κίτρινο", και ευθεία - "κρύο, συγκρατημένο και κόκκινο". Το πράσινο χρώμα "είναι ισορροπημένο και αντιστοιχεί στους λεπτούς ήχους του βιολιού", το κόκκινο "μπορεί να δημιουργήσει την εντύπωση μιας ισχυρής μάχης τυμπάνου" και το μπλε είναι παρόν "στα βάθη του οργάνου". Κίτρινο "έχει την ικανότητα να αυξηθεί πάνω και πάνω, φτάνοντας τα ύψη αφόρητα για το μάτι και το πνεύμα." Μπλε "κατεβαίνει σε αψταγμένα βάθη." Το μπλε "αναπτύσσει τον ήχο των φλάουτων".

Εικόνα "Vloy"

Η εικόνα είναι "αόριστη". Φωτογραφία: αναπαραγωγή

Έτος: 1917.

Που εκτίθεται στο Μουσείο: Κράτος Tretyakov Gallery, Μόσχα

Το όνομα "αόριστο" επιλέχθηκε για την εικόνα όχι τυχαία. Η ασάφεια και η "προβληματική" εμφανίζονται στο έργο της δραματικής σύγκρουσης Kandinsky των κεντρομετρικών και φυγοκεντρικών δυνάμεων, σαν να χωρίζονται ο ένας στον άλλο στο κέντρο του καμβά. Αυτό προκαλεί μια αίσθηση άγχους που αυξάνεται ως "ψύξη" στο έργο. Η μάζα πρόσθετων χρωμάτων πραγματοποιεί μια ιδιόμορφη ενορχήστρωση του κύριου αγώνα, τότε η ειρήνη, στη συνέχεια επιδεινώνει τη σύγχυση.

Εικόνα "αυτοσχεδιασμός 20"

Εικόνα "αυτοσχεδιασμός 20". Φωτογραφία: αναπαραγωγή

Έτος: 1911.

Που εκτίθεται στο μουσείο: Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών. Α. S. Πούσκιν, Μόσχα

Στα έργα τους της σειράς "αυτοσχεδιασμού", η Kandinsky προσπάθησε να δείξει τις ασυνείδητες εσωτερικές διαδικασίες που προκύπτουν ξαφνικά. Και το εικοστό έργο αυτής της κατηγορίας ο καλλιτέχνης απεικόνισε την εντύπωση της «εσωτερικής φύσης» του από το να τρέχει δύο άλογα κάτω από τον μεσημεριανό ήλιο.

• 
  "Rapallo σκάφη", Vasily Kandinsky, άγνωστο έτος.
• 
  "Μόσχα, πλατεία Zubovskaya. Eterude ", Vasily Kandinsky, 1916.
• "Μάθημα με το κανάλι", Vasily Kandinsky, 1901.
• 
  "Old Town II", Vasily Kandinsky, 1902 έτος.
• Gabriel Munter, Vasily Kandinsky, 1905.
• 
  "Φθινόπωρο στη Βαυαρία", Vasily Kandinsky, 1908.
• 
  "Πρώτη αφηρημένη ακουαρέλα", Vasily Kandinsky, 1910.
• 
  "Σύνθεση IV", Vasily Kandinsky, 1911.
• "Μόσχα Ι", Βασιλιστικά Κάντνσκυ, 1916

Πιθανώς δεν υπάρχουν τέτοιοι άνθρωποι που, κατά την πρώτη γνωριμία με το έργο του Kandinsky, θα αναγνωρίζουν τη μεγαλοφυία του. Η πρώτη ματιά στη "σύνθεση", "αυτοσχεδιασμός" και "εντύπωση" προκαλεί διαφορετικές σκέψεις: "Ένα τέτοιο παιδί θα μπορούσε να χαϊδεύει" και πριν "τι απεικονίζει ο καλλιτέχνης σε αυτή την εικόνα;". Και με μια βαθύτερη γνωριμία αποδεικνύεται ότι ο καλλιτέχνης δεν πρόκειται να απεικονίσει τίποτα, ήθελε να σας κάνει να νιώσετε.

Ο μεγάλος ανακάλυψης της αφαίρεσης Vasily Kandinsky δεν πρόκειται εντελώς να γίνει καλλιτέχνης και ο περισσότερος φιλόσοφος του κόσμου της τέχνης. Αντίθετα, ο πατέρας του είναι μια διάσημη συνεργασία της Μόσχας εκείνης της εποχής Vasily Silvestotovich Kandinsky - είδε τον επιτυχημένο δικηγόρο του, ο οποίος οδήγησε τον μελλοντικό υπάλληλο αφαίρεσης στη Σχολή Σχολής του Πανεπιστημίου της Μόσχας, όπου μελέτησε την πολιτική οικονομία και τις στατιστικές. Σίγουρα, ο Kandinsky μεγάλωσε σε μια ευφυή οικογένεια, η οποία δεν αμφισβήτησε τη σημασία της τέχνης στη ζωή ενός ατόμου, οπότε ένας άλλος νεαρός άνδρας έλαβε βασικές γνώσεις στον κόσμο της μουσικής και της ζωγραφικής. Αλλά επέστρεψε σε αυτά μόνο αφού ήταν 30 ετών, η οποία και πάλι επιβεβαίωσε την απλή αλήθεια - δεν είναι ποτέ αργά να ξεκινήσει. Παρά την αγάπη της πατρίδας του, ειδικότερα στη Μόσχα, η οποία δεν θα εμφανιστεί στις καμβά του, το Kandinsky το 1896 για το πάθος του για ζωγραφική κινείται στο Μόναχο - η πόλη, η οποία ήταν διάσημη για το άνοιγμα του σε νέα είδη τέχνης και φιλοξενίας για αρχάριους καλλιτέχνες. Η ώθηση να ρίξει τον συνηθισμένο τρόπο ζωής και να πάει στο άγνωστο, έχει γίνει ένας λόγος που είναι εντελώς άσχετος με την τέχνη, - συνέβη ένα πολύ σημαντικό γεγονός στον κόσμο - το άνοιγμα της αποσύνθεσης του ατόμου. Καθώς ο ίδιος ο Kandinsky έγραψε στις επιστολές του στις επιστολές του, αυτό το πραξικόπημα στον κόσμο της φυσικής προκάλεσε παράξενα συναισθήματα από αυτόν: "Πάπια θηλιά κατέρρευσε. Όλα έγιναν λανθασμένα, τρελά και μαλακά ... ".

Το γεγονός ότι το μικρότερο σωματίδιο δεν είναι ολιστικό, αλλά αποτελείται από μια ποικιλία άλλων ανεξερεύνητων στοιχείων, οδήγησε τον μελλοντικό καλλιτέχνη σε μια νέα κοσμοθεωρία. Ο Kandinsky συνειδητοποίησε ότι όλα σε αυτόν τον κόσμο μπορούν να αποσυντεθούν σε μεμονωμένα εξαρτήματα και ο ίδιος ο ίδιος περιγράφει αυτό το συναίσθημα όπως αυτό:

"Ακριβώς (Discovery) απάντησε σε μένα, όπως η ξαφνική καταστροφή ολόκληρου του κόσμου".

Ένας άλλος λόγος για το πλήρες πραξικόπημα της συνείδησης του Kandinsky ήταν η έκθεση των γαλλικών ιμπρεσιονιστών που έφεραν στη Μόσχα. Από αυτήν, είδε την εικόνα του Claude Mone "στοίβα του SEN". Αυτό το έργο χτύπησε τον Βασίλη Βασιλείου με το Freeness του, αφού πριν από αυτό ήταν εξοικειωμένο αποκλειστικά με ρεαλιστική ζωγραφική των ρωσικών καλλιτεχνών. Παρά το γεγονός ότι το οικόπεδο μαντεύει στην εικόνα, επηρεάζει ορισμένα συναισθήματα, εμπνέει και παραμένει στη μνήμη. Ήταν τέτοια βαθιά και συναρπαστικά έργα που αποφάσισαν να δημιουργήσουν το Kandinsky.

Στη Γερμανία, ο Vasily Kandinsky γρήγορα κυριαρχεί το κλασικό σχέδιο, την τεχνική των ιμπρεσιονιστών, των μεταποιητιστών και των περιπατριστών, και σύντομα γίνεται αναγνωρισμένος πρωτοπόρος. Το 1901, το φως είδε την πρώτη επαγγελματική εικόνα του "Μόναχο. Το αεροπλάνο 1, στην οποία τα φωτεινά εγκεφαλικά επεισόδια του Bright Van Gogh και το απαλό ηλιακό φως των ιμπρεσιονιστών συνδυάστηκαν. Στη συνέχεια, ο Kandinsky στο έργο του άρχισε να αφήνει τις λεπτομέρειες των δημιουργιών του, μετακινήθηκε από ρεαλισμό σε πειράματα με χρώμα.

"Μόναχο. Περιοχή 1 "(1901) - Ιδιωτική συλλογή

Το πρώτο βήμα προς την άντληση ήταν η γραφή της φιλοσοφικής πραγματοποίησης "στην πνευματική στην τέχνη" το 1910. Το βιβλίο ήταν έντονα μπροστά από το χρόνο του, οπότε ο εκδότης ήταν πολύ δύσκολος γι 'αυτήν. Ενδιαφέρον είναι το γεγονός ότι το πρωτότυπο γράφεται από τον Kandinsky στα γερμανικά και στο ρωσικό βιβλίο που δημοσιεύθηκε μόνο το 1967 στη Νέα Υόρκη χάρη στη Διεθνή Λογοτεχνία Κοινοπολιτεία και τη σύζυγο του καλλιτέχνη - Nina Kandinskaya. Στην αρχική γλώσσα στο Μόναχο, το βιβλίο δημοσιεύθηκε το 1911 και είχε μια απίστευτη επιτυχία. Κατά τη διάρκεια του έτους δημοσιεύθηκε 3 φορές και στη Σκανδιναβία, την Ελβετία και την Ολλανδία, όπου διανεμήθηκε η γερμανική γλώσσα, το βιβλίο διαβάστηκε από όλους όσους είχαν τουλάχιστον κάποια στάση απέναντι στην τέχνη. Οι Ρώσοι avant-gardeists είχαν την ευκαιρία να εξοικειωθούν με το περιεχόμενο της πραγματοποίησης του συν-ρωσικού συνεδρίου καλλιτεχνών το Δεκέμβριο του 1911 λόγω της έκθεσης του Ν.Ι. Tulley "στην πνευματική στην τέχνη". Σε αυτό, χρησιμοποίησε κάποιες κεφαλές του βιβλίου του Kandinsky, συμπεριλαμβανομένου του κεφαλαίου σχετικά με διαφορετικές πιθανές γεωμετρικές μορφές σε αφηρημένη δημιουργικότητα, οι οποίες επηρέασαν σημαντικά τους προηγμένους ρώσους καλλιτέχνες της εποχής, συμπεριλαμβανομένου του Casimir Malevich. Αλλά το έργο του Kandinsky δεν είναι ένα σεμινάριο. "Σχετικά με το πνευματικό στην τέχνη" είναι μια φιλοσοφική, πολύ λεπτή και εμπνευσμένη δουλειά, χωρίς την οποία είναι απλά αδύνατο να νιώσετε τους πίνακες του μεγάλου αφηρημένου. Στην αρχή του βιβλίου, ο Kandinsky διαιρεί όλους τους καλλιτέχνες για 2 τύπους, με βάση τους ορισμούς του Robert Shuman και του Lion Tolstoy. Ο συνθέτης πίστευε ότι "η αποστολή του καλλιτέχνη είναι να στείλει το φως στα βάθη της ανθρώπινης καρδιάς" και ο συγγραφέας κάλεσε τον καλλιτέχνη ότι ο άνθρωπος, "που μπορεί να σχεδιάσει και να γράψει τα πάντα". Ο Kandinsky είναι αλλοδαπός στον δεύτερο ορισμό, ο ίδιος ονομάζει αυτούς τους ανθρώπους "τεχνίτες", των οποίων το έργο δεν γεμίζει με νόημα και δεν έχει αξία.

"Υπάρχει μια ρωγμή στην ψυχή μας, και η ψυχή, αν είναι δυνατόν να το επηρεάσετε, ακούγεται σαν ένα προοδευτικό πολύτιμο βάζο που βρίσκεται στα βάθη της γης."

Η μουσική έχει παρείχε πάντα μεγάλη επιρροή στον καλλιτέχνη, καθώς είναι η μόνη απολύτως αφηρημένη τέχνη που κάνει τη φαντασία μας, αποφεύγοντας την αντικατάσταση. Καθώς οι σημειώσεις διπλώθηκαν σε μια εξαιρετική μελωδία και τα χρώματα του Kandinsky στο συνδυασμό τους προκαλούν εκπληκτικές ζωγραφιές. Ο ισχυρότερος ενέπνευσε τον αρχάριο καλλιτέχνη του Opphot Opera Richard Wagner. Μετά την γνωριμία μαζί της, ο Kandinsky αναρωτιόταν αν μπορούσε να δημιουργήσει μια εικόνα της ίδιας ισχυρής συναισθηματικής γέμισης με το έργο του μεγάλου συνθέτη, "στην οποία το χρώμα θα γίνει σημειώσεις και το χρωματικό σχήμα - ένας τόνος;".

Σε αναζήτηση αντίδρασης σε αυτή την ερώτηση, ο Kandinsky βοήθησε τη γνωριμία με τον αυστριακό συνθέτη Arnold Schönberg. Τον Ιανουάριο του 1911, στο Μόναχο, ο καλλιτέχνης άκουσε άκουσες εργασίες του μελλοντικού φίλου του και έναν σύμμαχο και ήταν συγκλονισμένο. Χάρη στη συναυλία Schönberg, δεν ήταν ακόμα εντελώς αφηρημένη, αλλά μια σχεδόν εντυπωσιακή εικόνα του Master "Impression III. Συναυλία". Ένα σκοτεινό τρίγωνο στην εικόνα συμβολίζει το πιάνο, κάτω από εσάς μπορείτε να δείτε το πλήθος με το πλήθος, και η απόφαση χρώματος αντανακλά τέλεια ότι η ζωντανή εντύπωση ότι η Kandinsky έλαβε στη συναυλία Schönberg.

Ο Kandinsky ήταν σίγουρος ότι ήταν ο Shenberg που θα αντιλαμβανόταν σωστά τη φιλοσοφία της αφηρημένης δημιουργικότητας και δεν ήταν λάθος. Ο συνθέτης υποστήριξε τον καλλιτέχνη στις προσπάθειές του με έγχρωμα πειράματα και την αναζήτηση "Antilogichic" αρμονία, για πρώτη θέση στην οποία τα συναισθήματα θα είχαν φύγει, όχι το οικόπεδο. Αλλά όχι όλοι οι καλλιτέχνες μοιράστηκαν μια παρόμοια άποψη, η οποία οδήγησε στη διάσπαση μεταξύ καλλιτεχνών και τη δημιουργία μιας κοινότητας ομοειδών αφαίρεσης "Blue Horseman". Ενώνουν τους καλλιτέχνες τον Αύγουστο, ο Franz Mark και ο Robert Dela και, φυσικά, συνθέτης Arnold Schönberg, Kandinsky εισέρχεται τελικά την Τετάρτη, ο οποίος συμβάλλει στη μετάβαση στην πλήρη αφαίρεση στη δημιουργικότητα, η εξεύρεση νέων μορφών και συνδυασμών χρωμάτων.

"Γενικά, το χρώμα είναι ένα εργαλείο που μπορεί να επηρεαστεί άμεσα από την ψυχή. Το χρώμα είναι κλειδιά. μάτι - σφυρί? Η ψυχή είναι ένα πιάνο πολλαπλών. Ο καλλιτέχνης έχει ένα χέρι, το οποίο, μέσα από αυτό ή αυτό το κλειδί, συνιστάται να δονείται μια ανθρώπινη ψυχή. "

Είναι αδύνατο να υποστηρίξουμε σε αυτή τη δήλωση με τον Kandinsky, επειδή πολλές σύγχρονες έρευνες αποδεικνύουν ότι το χρώμα επηρεάζει ακόμη και τις πρωτόγονες επιθυμίες και τις δηλώσεις μας: Όλοι γνωρίζουν ότι το κόκκινο χρώμα προκαλεί μια όρεξη, καταπραΰνει και το κίτρινο προσθέτει σε εμάς έντονη και ενέργεια. Και συνδυάζοντας διαφορετικά χρώματα και μορφές στην εικόνα, μπορείτε να επηρεάσετε τα βαθύτερα συναισθήματα. Που ήθελε να επιτύχει έναν μεγάλο καλλιτέχνη. Τα πειράματα του Kandinsky επηρέασαν πολλούς καλλιτέχνες στις αρχές του 20ού αιώνα, συμπεριλαμβανομένης της Poule Clee, ο οποίος ήταν να συναντήσει τον ιδρυτή του "Blue Horseman" ήταν ένα πρόγραμμα που αποφεύγει ένα ήπιο στους πίνακές του, και μετά ήταν γνωστή χάρη στο δικό του ήπια, με μια έννοια να αφελείς ακουαρέλες. Η Ελβετία μοιράστηκε την αγάπη της αφαίρεσης στη μουσική και την ιδέα του ότι η τέχνη πρέπει να προκαλέσει έντονα συναισθήματα, βοηθώντας ένα άτομο να ακούσει το εσωτερικό "i" και να κερδίσει την κατανόηση των διαδικασιών που συμβαίνουν στο περιβάλλον.

"Η τέχνη δεν αναπαράγει ορατή, αλλά γίνεται ορατό τι δεν είναι πάντα έτσι." (γ) Paul Clee

Είναι με ένα τέτοιο μήνυμα ότι το Kandinsky αρχίζει να γράφει τις ζωγραφιές του μετά το 1911. Για παράδειγμα, στη γκαλερί Tretyakov μπορείτε να δείτε ένα από τα πιο σημαντικά και μεγάλης κλίμακας έργα του καλλιτέχνη, γραμμένη το 1913, "Σύνθεση VII". Ο καλλιτέχνης δεν δίνει συμβουλές στο οικόπεδο: Υπάρχει μόνο ένα χρώμα και το σχήμα στην εικόνα σε ένα τεράστιο ιστό (η εργασία θεωρείται η μεγαλύτερη από τη δημιουργικότητα του Kandinsky - 2x3m). Η κλίμακα επέτρεψε τη δυνατότητα να τοποθετηθεί διάφορες ένταση στην εικόνα στην εικόνα και τα θραύσματα των θραυσμάτων: απότομα, λεπτή, κυρίως σκοτεινά στοιχεία στο κέντρο και ομαλότερες μορφές και απαλά χρώματα γύρω από την περίμετρο επιτρέπουν να βιώσουμε διαφορετικές αισθήσεις, κοιτάζοντας το την ίδια εικόνα. Οι σκοτεινές αποχρώσεις στη δεξιά αντίθεση με το φως σε αυτόν τον καμβά, κύκλοι με ασαφείς άκρες που διαχωρίζονται με άκαμπτες ευθείες γραμμές. Οι συνθέσεις του Kandinsky είναι ένας συνδυασμός ασυμβίβαστων, αναζητώντας αρμονία στο χάος, αυτό λειτουργεί, μάλλον παρόμοια με τη μουσική, καθώς είναι η πιο αφηρημένη. Αυτά τα έργα θεωρούνται οι κύριοι αγωγοί της φιλοσοφίας του καλλιτέχνη και το αποκορύφωμα όλων των έργων του.

Επίσης, καταλάβετε ότι οι περισσότεροι άνθρωποι χρειάζονται συμβουλές για την ευαισθητοποίηση της τέχνης του, ο Kandinsky συνεχίζει να γράφει το "αυτοσχεδιασμό τους", στο οποίο το λεπτό (και σε ξεχωριστά έργα και ένα αρκετά σαφές) νήμα που συνδέει την αφαίρεση με την πραγματικότητα, λόγω συγκεκριμένων στοιχείων. Για παράδειγμα, σε πολλές φωτογραφίες, μπορούμε να δούμε εικόνες από βάρκες και πλοία: αυτό το κίνητρο εμφανίζεται όταν ο καλλιτέχνης θέλει να μας πει πώς ένα άτομο παλεύει τον εξωτερικό κόσμο, σαν να τα ιστιοπλοϊκά σκάφη αντιστέκονται στα κύματα και τα στοιχεία.

Σε μερικές φωτογραφίες, δύσκολα μπορούμε να διακρίνουμε τους ιστούς, όπως, για παράδειγμα, στην εικόνα "αυτοσχεδιασμός 2 8 (θαλάσσια μάχη)", που δημιουργήθηκε την παραμονή του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, ενώ σε άλλες καμβάδες η εικόνα του σκάφους είναι ορατή Με την πρώτη ματιά, όπως στο "αυτοσχεδιασμός 209, γραμμένο το 1917, όταν το πνεύμα της επανάστασης αισθάνθηκε σε όλη τη Ρωσία.

Ένα άλλο συχνό στοιχείο που βρίσκεται στους "αυτοσχεδιασμούς" είναι οι αναβάτες που χαρακτηρίζουν τις επιθυμίες των ανθρώπων. Η εικόνα των πολεμιστών με άλογο σημείωσε ιδιαίτερη σημασία για το Kandinsky ως άτομο, που αγωνίζεται συνεχώς με τα καθιερωμένα πρότυπα και τους κανόνες για τις πεποιθήσεις του. Δεν είναι τυχαίο ότι αυτή η αλληγορία είναι παρούσα στον τίτλο του συλλόγου δημιουργικών σαν αντιδράσεων.

Ενώ οι "συνθέσεις" του Kandinsky θεωρούνται ότι οι μικρότερες λεπτομέρειες και η θέση των αριθμών και η χρήση ορισμένων χρωμάτων είναι απολύτως συνειδητοποιητοί, τότε κατά τη σύνταξη "αυτοσχεδιασμών", ο καλλιτέχνης καθοδηγείται από τις εσωτερικές διαδικασίες, έδειξε ξαφνική ασυνείδητα συναισθήματα.

Αξιοσημείωτες αλλαγές στη δημιουργική διαδρομή του Βασιλείου Κάντνινσκυ, κατά την επιστροφή του στη Μόσχα το 1914. Ως πολίτης της Ρωσίας, ο καλλιτέχνης αναγκάστηκε να εγκαταλείψει τη Γερμανία κατά τη διάρκεια του πολέμου και να συνεχίσει να συμμετέχει στην τέχνη. Από το 1914 έως το 1921, έζησε στη Μόσχα και ασχολήθηκε με την προώθηση των ιδεών του στις μάζες, συνεργάστηκε με την κυβέρνηση στην προετοιμασία της μεταρρύθμισης του Μουσείου, αναπτύχθηκε παιδαγωγική τέχνη και εμπνεύστηκε από την πατρίδα του.

"Μόσχα: Διευθυντής, Πολυπλοκότητα, Ανώτερος βαθμός κινητικότητας, σύγκρουση και σύγχυση ατομικών στοιχείων εμφάνισης ... Θεωρώ αυτή την εξωτερική και εσωτερική Μόσχα, θεωρώ αυτό το σημείο προέλευσης της αναζήτησής μου. Μόσχα - το γραφικό charton μου "

Κατά τη διάρκεια της παραμονής του στη Ρωσία, ο καλλιτέχνης έσπευσε μεταξύ διαφορετικών ειδών και ακόμη και απεικόνισε τη Μόσχα με επαρκή λεπτομέρεια (σε σχέση με όλη του τη δημιουργικότητα) και σε κάποιο σημείο επέστρεψε στα ιμπρεροσκοπικά σκίτσα.

Σε όλο το δημιουργικό μονοπάτι του Vasily Kandinsky, βλέπουμε πολλά διαφορετικά είδη, τεχνικές και οικόπεδα. Την ίδια χρονιά, ο καλλιτέχνης θα μπορούσε να δημιουργήσει ένα αρκετά συγκεκριμένο προϊόν με σαφή νόημα και πλήρη αφαίρεση. Το γεγονός αυτό τονίζει την ευελιξία της προσωπικότητάς του, την επιθυμία για νέες γνώσεις και τεχνικούς και, φυσικά, η συνεχής εξέλιξη της δημιουργικής ιδιοφυΐας μέσα στον εαυτό του. Καλλιτέχνης, δάσκαλος, μουσική γνώστης, συγγραφέας και, φυσικά, ο φιλόσοφος του κόσμου της τέχνης Vasily Kandinsky δεν αφήνει κανέναν αδιάφορη, επειδή το κύριο καθήκον του ήταν να κάνει τους ανθρώπους να αισθάνονται, να αισθάνονται τα συναισθήματα. Και έφτασε στον σκοπό αυτό λόγω της πολιτιστικής κληρονομιάς, την οποία άφησε μελλοντικές γενιές.

Πού να δείτε τις εικόνες του Kandinsky στη Ρωσία;

• Astrakhan Art Gallery. B. M. Kustodiyev
• Μουσείο Καλών Τεχνών του Εκατερίνμπουργκ
• Μουσείο Περιφερειακής Τέχνης Κρασνοντάρ. ΦΑ. ΚΟΒΑΛΕΝΚΟ
• Μουσείο Καλών Τεχνών Krasnoyarsk
• Κατάσταση Tretyakov Gallery στην Κριμαία Βάζο, Μόσχα
• Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών. Α. Bushkin, Μόσχα
• Nizhny Novgorod State Museum Art
• Μουσείο Περιφερειακής Τέχνης Ryazan State. I.p. ΔΥΝΑΤΟΝ
• Κρατικό Ερμιτάζ, Επικεφαλής Προσωπικό, Αγία Πετρούπολη
• Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη
• Μουσείο Tyumen

Ρώσος καλλιτέχνης, θεωρητικός τέχνης και ποιητής, ένας από τους ηγέτες του προσανατολισμού του πρώτου μισού του 20ού αιώνα. Μπήκε στους ιδρυτές της αφηρημένης τέχνης.

Γεννήθηκε στη Μόσχα στις 22 Νοεμβρίου (4 Δεκεμβρίου) 1866 στην οικογένεια ενός εμπόρου. ανήκε στη φύση των ανόητων εμπόρων, τους απόγονους του Cortex της Σιβηρίας. Το 1871-1885, έζησε με τους γονείς του στην Οδησσό, όπου το γυμναστήριο άρχισε να ασκεί μουσική και ζωγραφική. Από το 1885 σπούδασε στο Πανεπιστήμιο της Μόσχας, ονειρεύεται μια καριέρα ενός δικηγόρου, αλλά περίπου. Το 1895 αποφάσισε να αφιερώσει τον εαυτό του στην τέχνη. Δύο σημεία έχουν καθορίσει την επιλογή του: Πρώτον, τις εντυπώσεις των ρωσικών μεσαιωνικών αρχαιοτήτων και καλλιτεχνικής λαογραφίας, που ελήφθησαν στην εθνογραφική αποστολή στην επαρχία Vologda (1889), δεύτερον, επισκέπτοντας τη γαλλική έκθεση στη Μόσχα (1896), όπου ήταν συγκλονισμένος από το Εικόνα K. Monet στοίβα σανό. Το 1897 έφτασε στο Μόναχο, όπου από το 1900 ασχολήθηκε με την τοπική Ακαδημία Τέχνων υπό την καθοδήγηση του F.FON. Ταξίδευαν πολλά στην Ευρώπη και τη Βόρεια Αφρική (1903-1907), από το 1902 έζησαν κυρίως στο Μόναχο και το 1908-1909 στο χωριό Murnau (Βαυαρικές Άλπεις). Εισάγετε οργανικά την Τετάρτη της Γερμανικής Μοντερνιστικής Βοημίας, ενήργησε επίσης ως ενεργός διοργανωτής: ίδρυσε την Ομάδα Falang (1901), "Νέο Ένωσης Τέχνης του Νέου Μονάχου" (1909, μαζί με το A.G.Velensky et αϊ.) Και τέλος, "Blue Horseman" (1911; μαζί με τον F. Lark και άλλους.) - Η κοινωνία που έχει γίνει σημαντικός σύνδεσμος μεταξύ συμβολισμού και πρωτοποριακού. Δημοσιευμένες καλλιτεχνικές και κρίσιμες επιστολές από το Μόναχο στα περιοδικά "Ο Κόσμος Τέχνης" και "Απόλλωνα" (1902, 1909), συμμετείχαν στις εκθέσεις του Vault Bubnovaya.

Από τις πρώτες, ήδη αρκετές φωτεινές και ζουμερές ιμπρεσιονιστικές ζωγραφιές, στράφηκε σε Bridure, Flowery και "λαϊκό" από συνθέσεις χρωματισμού, όπου τα χαρακτηριστικά κίνητρα του ρωσικού εθνικού νεωτερισμού με το ρομαντικό του μεσαιωνικού θρύλου και του αρχαίου πολιτισμού του αρχαίου αρχοντικού είχαν συγκεντρώσει (Μόναχο , 1907, Lenbachhaus, Μόναχο, Κυρίες σε Κρινολίνες, 1909, Tretyakov γκαλερί). Το 1910, δημιούργησε τους πρώτους αφηρημένους εικονογραφικούς αυτοσχεδιασμούς και ολοκλήρωσε την πραγματεία για το πνευματικό στην τέχνη (το βιβλίο δημοσιεύθηκε το 1911 στα γερμανικά). Λαμβάνοντας υπόψη την κύρια εσωτερική τέχνη, το πνευματικό περιεχόμενο, πίστευε ότι εκφράστηκε καλύτερα από τις άμεσες ψυχοφυσικές επιδράσεις της καθαρής πολύχρωμης συμφόρησης και των ρυθμών. Στην καρδιά των επόμενων "εντυπώσεων", "αυτοσχεδιασμών" και "συνθέσεις" (όπως ο ίδιος ο Κάντινσκι διακρίνει τους κύκλους των έργων του) έγκειται στην εικόνα ενός εξαιρετικού ορεινού τοπίου, καθώς θα λιώσει στα σύννεφα, σε κοσμική μη- Ύπαρξη, ως την εμφάνιση του προβολέα που εξετάζει. Οι ώριμες ζωγραφιές από το πετρέλαιο και οι ακουαρέλες χτίζονται λόγω του ελεύθερου παιχνιδιού των χρωμάτων, των σημείων, των γραμμών, των μεμονωμένων χαρακτήρων (τύπος αναβάτη, rooks, παλέτες, εκκλησία θόλος κλπ.). Η μεγαλύτερη προσοχή, ο πλοίαρχος πληρώνει πάντοτε ένα πρόγραμμα, συμπεριλαμβανομένης της χάραξης ξύλου. Στα γερμανικά ποιητικά ποιήματα του άλμπουμ, οι ήχοι (Klänge, 1913) προσπάθησαν να γνωρίζουν την ιδανική διασύνδεση των ελεύθερων οπτικών γραφικών εικόνων με το κείμενο. Τα αντικείμενα της σύνθεσης των τεχνών έβαλαν στην ιδέα ενός κίτρινου ήχου, σχεδιασμένο να συνδυάζει το χρώμα, το φως, την κίνηση και τη μουσική (συνθέτης Fagartman, το παιχνίδι, το κείμενο του οποίου τοποθετήθηκε στο Almana του μπλε ιππέα , Το 1912, δεν πραγματοποιήθηκε λόγω της έναρξης του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου).

Το 1914 επέστρεψε στη Ρωσία, όπου ζούσε κυρίως στη Μόσχα. Ένα είδος "αποκάλυψης", η αναρρόφηση της καθολικής μεταμόρφωσης-ενότητας, χαρακτηριστικών των αφαίρεσών του, αποκτά όλο και πιο ενοχλητικό και δραματικό χαρακτήρα κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου (Μόσχα. Κόκκινη πλατεία, 1916, Tretyakov γκαλερί, λυκόφως, λυκόφως , Ρωσικό Μουσείο, Γκρι Οβάλ, Γκαλερί Τέχνης, Ekaterinburg; Όλα τα έργα - 1917). Το 1918 εξέδωσε αυτοβιογραφικό υλικό. Ενίσχυσε ενεργά τις δημόσιες και ανθρωπιστικές και ερευνητικές δραστηριότητες, ήταν μέρος της Επιτροπής Λαϊκού, το Ινστιτούτο Πολιτισμού Τέχνης (INHUK) και η ρωσική ακαδημία των Επιστημών της Τέχνης (Rakhn), που διδάσκονται στην υψηλότερη τέχνη και τεχνικά εργαστήρια (Vhutemas), ωστόσο, Ερεθισμένο από ιδεολογικά squabbles, αριστερά Ρωσία για πάντα μετά την αποστολή σε ένα επαγγελματικό ταξίδι στο Βερολίνο (1921).

Στη Γερμανία, δίδαξε στο Bauhaus (από το 1922, στη Βιϊμάρα και το Dessau), ασχολήθηκε κυρίως με τη γενική θεωρία του σχηματισμού. Περιγράφεται η παιδαγωγική του εμπειρία στο σημείο του βιβλίου και η γραμμή στο αεροπλάνο που δημοσιεύθηκε στα γερμανικά το 1926. Οι κοσμολογικές φαντασιώσεις της (η γραφική σειρά των μικρών κόσμων, το 1922) κερδίζουν περισσότερο ορθολογικό γεωμετρικό χαρακτήρα κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου με τις αρχές του υπερεκτιμείου και του κονστρουκτιβισμού, Αλλά διατηρώντας το φωτεινό και ρυθμικό διακριτικότητα του (σε μαύρη πλατεία, 1923. Αρκετοί γύροι, 1926, και οι δύο πίνακες - στο μουσείο του S.Guggenheim, Νέα Υόρκη). Το 1924, ο πλοίαρχος σχηματίστηκε μαζί με τον Yalvsky, L. Fininger και P. Kleie τον Σύνδεσμο "Blue Four", διευθέτηση κοινών εκθέσεων μαζί τους. Έκανε ως καλλιτέχνης της γραφικής έκδοσης της σουίτα M.P.Morsorgian Pictures από την έκθεση στο Theatre Decuau (1928).

Μετά το κλείσιμο των Ναζί "Bauhaus" (1932) μετακόμισε στο Βερολίνο και το 1933 - στη Γαλλία, όπου η Nyui-Sur-Sen έζησε στο Παρίσι και το προάστιο του. Έχοντας βιώσει μια σημαντική επίδραση του σουρεαλισμού που εισήγαγε όλο και περισσότερο στις εικόνες της - μαζί με τις προηγούμενες γεωμετρικές δομές και σημάδια - βιομορφικά στοιχεία όπως ορισμένοι κύριοι οργανισμοί, αυξάνοντας σε ένα διαπλανητικό κενό (κυρίαρχη καμπύλη, το 1936, το κέντρο του κέντρου , Παρίσι, μια ποικιλία ενεργειών, 1941, Μουσείο S.Guggenheim, Νέα Υόρκη). Με την αρχή της γερμανικής κατοχής (1939) προορίζεται να μεταναστεύσει στις Ηνωμένες Πολιτείες και πέρασε αρκετούς μήνες στα Πυρηναία, αλλά τελικά επέστρεψε στο Παρίσι, όπου συνέχισε να εργάζεται ενεργά, συμπεριλαμβανομένου του έργου του μπαλέτου κωμωδίας, το οποίο προορίζεται να δημιουργήσετε μαζί με τον συνθέτη gatman.

Στις αρχές Δεκεμβρίου 2011, δημιουργήθηκαν νέα αρχεία τιμών στη ρωσική διαπραγμάτευση στο Λονδίνο. Σύνοψη του έτους, έχουμε καταρτίσει μια λίστα με τα πιο ακριβά έργα καλλιτεχνών της Ρωσίας σύμφωνα με τα αποτελέσματα των πωλήσεων δημοπρασίας.

33 το πιο ακριβό. Πηγή: 33 το πιο ακριβό.

Εάν πιστεύετε ότι οι αξιολογήσεις, ο πιο ακριβός ρώσος καλλιτέχνης είναι ο Mark Rotko. Το "λευκό κέντρο" του (1950) πωλείται για 72,8 εκατομμύρια δολάρια, επιπλέον, κατατάσσεται στην 12η στη λίστα των πιο ακριβών έργων ζωγραφικής στον κόσμο καθόλου. Ωστόσο, ο Rotko ήταν ένας Εβραίος, γεννήθηκε στη Λετονία και άφησε τη Ρωσία ηλικίας 10 ετών. ΤίμιαΜε παρόμοια τέντωμα κυνηγητό Για αρχεία; Ως εκ τούτου, ο Rotko, όπως και άλλοι μετανάστες, οι οποίοι έφυγαν από τη Ρωσία, δεν έγιναν ακόμα καλλιτέχνες (για παράδειγμα, Tamaru de Lempicks και Haim Sutin), διέσχισαν από τη λίστα.

№ 1. Kazimir Malevich - 60 εκατομμύρια δολάρια

Ο συγγραφέας της "Μαύρης Πλατείας" είναι πολύ σημαντικός άνθρωπος, έτσι ώστε τα έργα του να συναντήθηκαν συχνά σε ελεύθερη πώληση. Έτσι, αυτή η εικόνα έπεσε στη δημοπρασία πολύ δύσκολη. Το 1927, η Malevich, θα φροντίσει μια έκθεση, έφερε σχεδόν εκατό έργα από το εργαστήριο του Λένινγκραντ στο Βερολίνο. Ωστόσο, υπενθύμισε επειγόντως στην πατρίδα του και τους άφησε για την αποθήκευση του αρχιτέκτονα Hugo Hering. Αυτή η εξοικονόμηση εικόνας στα δύσκολα χρόνια της φασιστικής δικτατορίας, όταν θα μπορούσαν να καταστρέψουν ως "εκφυλιστική τέχνη" και το 1958, μετά το θάνατο του Malevich, τους πώλησε στο κρατικό μουσείο standelek (Ολλανδία).

Στην αρχή του XXI αιώνα, μια ομάδα κληρονόμων Malevich, σχεδόν σαράντα άτομα, άρχισε μια δίκη - επειδή η Hering δεν ήταν νόμιμος ιδιοκτήτης των έργων ζωγραφικής. Ως αποτέλεσμα, το μουσείο τους έδωσε αυτή την εικόνα, και θα δώσει σε άλλα τέσσερα που σίγουρα θα προκαλέσουν φούτερ σε κάποια δημοπρασία. Μετά από όλα, ο Malevich είναι ένας από τους πιο ψεύτικους καλλιτέχνες στον κόσμο, και η προέλευση των έργων του πίνακα από το Μουσείο Stretcheck είναι άψογη. Και τον Ιανουάριο του 2012, οι κληρονόμοι έλαβαν μια άλλη ζωγραφική από την έκθεση του Βερολίνου, έχοντας το συμπληρώσει από το Ελβετικό Μουσείο.

№ 2. Vasily Kandinsky - 22,9 εκατομμύρια δολάρια.

Η τιμή δημοπρασίας της εργασίας επηρεάζει τη φήμη του. Αυτό δεν είναι μόνο ένα δυναμικό όνομα του καλλιτέχνη, αλλά και "Provanance" (προέλευση). Ένα πράγμα από μια διάσημη ιδιωτική συλλογή ή ένα καλό μουσείο είναι πάντα πιο ακριβό από το να δουλεύεις από μια ανώνυμη συνάντηση. Η "Fugue" προέρχεται από το διάσημο μουσείο Gugenheim: Μόλις ο σκηνοθέτης Thomas Krenz έφερε έξω από τα κεφάλαια του Μουσείου αυτού του Kandinsky, την εικόνα του Shagal και Modigliani και τους έθεσε προς πώληση. Για τα χρήματα που ελήφθησαν, ένα μουσείο για κάποιο λόγο αγόρασε μια συλλογή 200 έργων αμερικανικών εννοιών. Η Krenza για αυτή την απόφαση καταδικάστηκε πολύ καιρό.

Πρόκειται για έναν καμβά του πατέρα του αφαίρεσης περίεργο για το γεγονός ότι ορίσει ένα ρεκόρ στην απομακρυσμένη δεκαετία του 1990, όταν οι αίθουσες δημοπρασίας του Λονδίνου και της Νέας Υόρκης δεν έχουν ακόμη γεμίσει τους απερίσκεπτους ρώσους αγοραστές. Χάρη σε αυτό, παρεμπιπτόντως, δεν έκοψε σε καμία ιδιωτική συλλογή σε ένα πολυτελές αρχοντικό, αλλά βρίσκεται σε μια μόνιμη έκθεση στο ιδιωτικό μουσείο Bayeliers στην Ελβετία, όπου ο καθένας μπορεί να το δει. Σπάνια περίπτωση για μια τέτοια αγορά!

№ 3. Alexey Yalvsky - 9, 43 εκατομμύρια λίρες

Περίπου 18,5 εκατομμύρια δολάρια κατέβαλαν έναν άγνωστο αγοραστή για ένα πορτρέτο, το οποίο απεικονίζει ένα κορίτσι από το χωριό κοντά στο Μόναχο. Το Shokco δεν είναι ένα όνομα, αλλά το ψευδώνυμο. Το μοντέλο, που έρχεται στο στούντιο του καλλιτέχνη, κάθε φορά που ρώτησε ένα φλιτζάνι ζεστή σοκολάτα. Έτσι πίσω της και οι γονείς "Shokko".

Η φωτογραφία που πωλείται περιλαμβάνεται στον διάσημο κύκλο δανείων του, που απεικονίζει την εγχώρια αγροτιά του πρώτου τριμήνου του εικοστού αιώνα. Και το δικαίωμα που απεικονίζει με τέτοια κοιλιά, η οποία είναι τρομακτική. Εδώ με τη μορφή Shepherd, ο αγροτικός ποιητής Nikolai Klyuev, ο πρόδρομος της Yesenin. Ανάμεσα στα ποιήματά του υπάρχουν τέτοιοι: "Στο αποχετευτικό δίκτυο, οι λάμπες αποφασίζουν δισκοθήκες και μπλοκαρισμένα - τα ελαφρά παιδιά χαϊδεύονται από το Gaznebushka μακριά."

№ 19. Konstantin Makovsky - 2,03 εκατομμύρια λίρες

Makovsky - ο ζωγράφος σαλούν, γνωστός για τον τεράστιο αριθμό κεφαλών Hawkering στην Kokoshniki και Sundars, καθώς και τη ζωγραφική "Τα παιδιά που τρέχουν από καταιγίδες", που μια φορά τυπώθηκε συνεχώς σε κουτιά δώρων σοκολάτας σοκολάτας. Οι γλυκοί ιστορικοί πίνακες του βρίσκονται σε σταθερή ζήτηση μεταξύ των ρωσικών αγοραστών.

Το θέμα αυτής της εικόνας- Παλαιά ρωσικά "KISS RITE". Οι ευγενείς γυναίκες στην αρχαία Ρωσία δεν επιτρέπεται να εγκαταλείψουν το θηλυκό μισό, και μόνο για χάρη της τιμής, θα μπορούσαν να βγουν έξω, να φέρουν τη γοητεία και (το πιο ευχάριστο μέρος) να φιλήσουν τον εαυτό τους. Δώστε προσοχή στην εικόνα που κρέμεται στον τοίχο: Αυτή είναι η εικόνα του βασιλιά του Alexei Mikhailovich, ένα από τα πρώτα πορτρέτα αλόγων που εμφανίστηκαν στη Ρωσία. Η σύνθεσή του, αν και αντιγράφηκε από ένα ευρωπαϊκό δείγμα, θεωρήθηκε ασυνήθιστα καινοτόμος και ακόμη και συγκλονιστικό για εκείνη την εποχή.

№20. Svyatoslav Roerich - 2,99 εκατομμύρια δολάρια.

Ο γιος του Nikolai Roerich έφυγε από τη Ρωσία από έναν εντελώς έφηβο. Έζησε στην Αγγλία, ΗΠΑ, Ινδία. Όπως και ο πατέρας, με ενδιέφερε την ανατολική φιλοσοφία. Όπως και ο πατέρας, έγραψε πολλά έργα ζωγραφικής για τα ινδικά θέματα. Ο πατέρας κατέλαβε γενικά μια τεράστια θέση στη ζωή του - έγραψε περισσότερα από τριάντα πορτρέτα του. Αυτή η εικόνα δημιουργήθηκε στην Ινδία, όπου η φυλή εγκαταστάθηκε στα μέσα του αιώνα. Οι εικόνες του Svyatoslav Roerich εμφανίζονται σπάνια σε δημοπρασίες και στη Μόσχα, τα έργα της διάσημης δυναστείας μπορούν να δουν στις αίθουσες του Ανατολικού Μουσείου, το οποίο τους παρουσίασαν οι συγγραφείς, καθώς και στο Μουσείο του Μουσείου "Διεθνές Κέντρο Roerich" ", που βρίσκεται στο πολυτελές ευγενικό κτήμα ακριβώς πίσω από το μουσείο Pushkin. Και τα δύο μουσεία δεν αγαπούν πολύ ο ένας από τον άλλο: το Μουσείο της Ανατολής ισχυρίζεται ότι το κτίριο και η συλλογή του κέντρου της Roerich.

№ 21. Ivan Shishkin - 1,87 εκατομμύρια λίρες

Ο αρχηγός ρωσικός παίκτης τοπίου πέρασε τρία χρόνια στη σειρά στο Βαλκαάμ και άφησε πολλές εικόνες αυτής της περιοχής. Αυτό το έργο είναι λίγο ζοφερές και δεν μοιάζει με μια κλασική Shishkina. Αλλά αυτό εξηγείται από το γεγονός ότι η εικόνα ανήκει στην πρώιμη περίοδο του, όταν δεν μίλησε τον τρόπο του και ήταν υπό την ισχυρή επιρροή της σκηνής του Ντίσελντορφ, στην οποία μελετήθηκε.

Έχουμε ήδη ανακαλέσει για αυτό το σχολείο του Ντίσελντορφ, στη συνταγή για ψεύτικο "Aivazovsky". " Η Shishkina "γίνεται σύμφωνα με το ίδιο σύστημα, για παράδειγμα, το 2004Το Sotheby "S ήταν ένα" τοπίο με μια ροή "περίοδος του Ντίσελντορφ του ζωγράφου. Εκτιμήθηκε σε 1 εκατομμύριο δολάρια. Και επιβεβαίωσε η εμπειρογνωμοσύνη της γκαλερί tretyakov. Μια ώρα πριν αφαιρέσετε την παρτίδα πώλησης - αποδείχθηκε ένα Εικόνα άλλου φοιτητή αυτού του σχολείου, ο ολλανδός Μαρίνος Adriana Kookkuk, που αγοράστηκε στη Σουηδία για 65 χιλιάδες δολάρια.

№ 22. Kuzma Petrov-Vodkin - 1,83 εκατομμύρια λίρες

Ένα πορτρέτο ενός αγοριού με το εικονίδιο της Παναγίας βρέθηκε σε μια ιδιωτική συλλογή στο Σικάγο. Αφού παραδοτήθηκε στη δημοπρασία, οι ειδικοί άρχισαν να ερευνούν, προσπαθώντας να καθιερώσουν την προέλευσή της. Αποδείχθηκε ότι η εικόνα ήταν σε εκθέσεις το 1922 και το 1932. Στη δεκαετία του 1930, ο καλλιτέχνης πήγε στα κράτη στο πλαίσιο της έκθεσης της ρωσικής τέχνης. Ίσως ήταν τότε ότι οι ιδιοκτήτες απέκτησαν αυτήν την εικόνα.

Δώστε προσοχή σε ένα κενό μέρος στον τοίχο πίσω από το αγόρι. Αρχικά, ο συγγραφέας σκέφτηκε να γράψει ένα παράθυρο με ένα πράσινο τοπίο εκεί. Θα εξισορροπούσε την εικόνα και τη σύνθεση και σε χρώματα - το γρασίδι θα αντέξει με την πράσινη τάση της Παναγίας (παρεμπιπτόντως, θα πρέπει να είναι μπλε στο canon). Γιατί ο Petrov-Vodkin θρυμματίσει το παράθυρο - άγνωστο.

№ 23. Nikolay Roerich - 1,76 εκατομμύρια λίρες

Πριν επισκεφτείτε το Shambalu και ξεκινήστε να αντιστραφείτε με τον Dalai Lama, Nikolai Konstantinovich Roerich αρκετά επιτυχώς ειδικότερα σε ένα παλιό ρωσικό θέμα και ακόμη και τα μπαλέτα σκίτσα για τις "ρωσικές εποχές". Πωλείται η παρτίδα αναφέρεται σε αυτή την περίοδο. Η απεικονιζόμενη σκηνή είναι ένα θαυμάσιο φαινόμενο πάνω από το νερό, το οποίο παρατηρείται από τον ρωσικό μοναχό, πιθανότατα - ο Sergius Radonezh. Είναι περίεργο το γεγονός ότι η εικόνα είναι γραμμένη το ίδιο έτος που ένα άλλο όραμα της Sergia (τότε η ετικέτα του Warfolome), η οποία εμφανίζεται στην παραπάνω λίστα μας. Η στυλιστική διαφορά είναι η κολοσσιαία.

Ο Roerich έγραψε πολλά υφάσματα και ένα μερίδιο ενός λιονταριού στην Ινδία. Αρκετά κομμάτια παρουσίασε το Ινδικό Ινστιτούτο Γεωργικής Έρευνας. Πρόσφατα δύο από αυτά, "Ιμαλάια, Kanchenjang" και "ηλιοβασίλεμα, Κασμίρ "Εμφανίστηκε στη δημοπρασία στο Λονδίνο. Μόνο τότε οι νεότεροι ερευνητές του Ινστιτούτου παρατήρησαν ότι λήστεψαν. Τον Ιανουάριο του 2011, οι Ινδοί άσκησαν έκκληση στο δικαστήριο του Λονδίνου για την άδεια να διερευνήσουν αυτό το έγκλημα στην Αγγλία. Το ενδιαφέρον των κλεφτών στην κληρονομιά του Roerich είναι κατανοητό, επειδή υπάρχει ζήτηση.

№ 24. Αγάπη Popova - 1,7 εκατομμύρια λίρες

Το Lyubov Popova πέθανε νέους, οπότε ήταν διάσημος ως ένας άλλος Amazon Avangard Natalia Goncharov, απέτυχε. Και η κληρονομιά της είναι μικρότερη - επομένως είναι δύσκολο να βρεθεί η δουλειά της. Αφού ο θάνατός της καταρτίστηκε λεπτομερείς εφευρέσεις έργων ζωγραφικής. Αυτή η νεκρή φύση ήταν γνωστή για πολλά χρόνια μόνο σε ασπρόμαυρες αναπαραγωγές, μέχρι να εμφανιστεί σε μια ιδιωτική συλλογή, να είναι το πιο σημαντικό έργο του καλλιτέχνη σε ιδιωτικά χέρια. Δώστε προσοχή στο δίσκο Zhostovsky - ίσως είναι ένας υπαινιγμός της γεύσης της Popova σε λαϊκές βιοτεχνίες. Πραγματοποιήθηκε από την οικογένεια εμπόρου Ivanovsky, η οποία ασχολείται με υφάσματα και ο ίδιος δημιούργησε πολλά σκίτσα υφάσματα εκστρατείας με βάση τις ρωσικές παραδόσεις.

№ 25. Aristarh Lentulov - 1,7 εκατομμύρια λίρες

Ο Lentulov εισήλθε στην ιστορία της ρωσικής avant-garde στην αξέχαστη εικόνα του καθεδρικού ναού του βασιλικού ευλογημένου - όχι ότι ο κυβισμός, όχι η κουβέρτα. Σε αυτό το τοπίο, προσπαθεί να συντρίψει χώρο κατά μήκος μιας παρόμοιας αρχής, αλλά αποδεικνύεται ότι δεν είναι τόσο συναρπαστικό. Πράγματι, ως εκ τούτου "Vasily ευλογημένος»Στη γκαλερί Tretyakov, και αυτή η εικόνα- στην αγορά τέχνης. Ακόμα, μόλις οι εργαζόμενοι του Μουσείου είχαν την ευκαιρία να πυροβολήσουν κρέμα.

№ 26. Alexey Bogolyubov - 1,58 εκατομμύρια λίρες

Πώληση αυτού του πολύ γνωστού καλλιτέχνη, αν και ο αγαπημένος παίκτης τοπίου Tsar Alexander III, για τέτοια παράφορα χρήματα - το σύμπτωμα της αγοράς λύσσας την παραμονή της κρίσης του 2008. Στη συνέχεια, οι Ρώσοι συλλέκτες ήταν έτοιμοι να αγοράσουν ακόμη και δευτερεύοντες δάσκαλοι. Επιπλέον, οι καλλιτέχνες πρώτης κατηγορίας πωλούνται σπάνια.

Ίσως αυτή η φωτογραφία να πήγαινε ως δώρο σε κάποιον επίσημο: έχει ένα κατάλληλο οικόπεδο, επειδή η εκκλησία του Χριστού ο Σωτήρας έχει σταματήσει να είναι απλά μια εκκλησία, και έγινε σύμβολο. Και η προέλευση Leiser - η εικόνα διατηρήθηκε στο Βασιλικό Παλάτι. Δώστε προσοχή στις λεπτομέρειες: Ο πύργος του Κρεμλίνου τούβλου καλύπτεται με λευκό γύψο και το λόφο μέσα στο Κρεμλίνο είναι εντελώς περιττό. Λοιπόν, γιατί άρχισε να δοκιμάζει; Στη δεκαετία του 1870, η πρωτεύουσα ήταν η Πετρούπολη, όχι στη Μόσχα, και το Κρεμλίνο δεν ήταν κατοικία.

№ 27. ISAAC LEVITAN - 1.56 εκατομμύρια λίρες

Το έργο ήταν τέλειο άτυπο για το Levitan, το έργο πωλήθηκε στην ίδια δημοπρασία με την εικόνα του Bogolyubov, αλλά αποδείχθηκε φθηνότερη. Αυτό οφείλεται, φυσικά, με το γεγονός ότι η εικόνα δεν είναι σαν "Levitan " Η συγγραφέας της, ωστόσο, είναι αναμφισβήτητα παρόμοια με το οικόπεδο στο μουσείο Dnipropetrovsk. 40 χιλιάδες λαμπτήρες, με τη βοήθεια της οποίας το Κρεμλίνο ήταν διακοσμημένο, φωτισμένο προς τιμήν της στερέωσης του Νικολάου Β. Λίγες μέρες αργότερα θα συμβεί η καταφύγιο Khodyan.

№ 28. Archka Quinji - 3 εκατομμύρια δολάρια.

Ο διάσημος παίκτης τοπίου έγραψε τρεις παρόμοιες ζωγραφιές. Το πρώτο είναι στο Tretyakovka, το τρίτο - στο κρατικό μουσείο της Λευκορωσίας. Το δεύτερο, που παρουσιάζεται στη δημοπρασία, προοριζόταν για τον πρίγκιπα Pavlovich Demidov-San Donato. Αυτός ο εκπρόσωπος της διάσημης δυναστείας των Ουρλών έζησε στη βίλα κοντά στη Φλωρεντία. Γενικά, η Demidov, η ύπαρξη ιταλών πρίγκιπες, διασχίστηκε όπως μπορούσαν. Για παράδειγμα, ο θείος Paul, από τον οποίο κληρονόμησε τον πριγκίπισσα τίτλο ήταν τόσο πλούσιο και εντυπωσίασε ότι ήταν παντρεμένος με την ανιψιά του Ναπολέοντα του Bonaparte και μια μέρα σε μια κακή διάθεση των αισθήσεών της. Η φτωχή κυρία δύσκολα μπορούσε να επιτύχει ένα διαζύγιο. Η εικόνα, ωστόσο, δεν πήρε στο Demidov, ο ουκρανικός Sakharozavoder Tereshchenko το απέκτησε.

№ 29. Konstantin Korovin - 1.497 εκατομμύρια λίρες

Ιμπρεσιονιστές Εμφανισμένο πολύ "φως", λερωμένο το στυλ της επιστολής.Korovin - ο κύριος ρώσος ιμπρεσιογράφος. Είναι πολύ δημοφιλές μεταξύ των απατεώνων. Σύμφωνα με τις φήμες, ο αριθμός των απομιμήσεων του σε δημοπρασίες φτάνει το 80%. Εάν η εικόνα από την ιδιωτική συναρμολόγηση εκτέθηκε στην προσωπική έκθεση του καλλιτέχνη στο διάσημο κρατικό μουσείο, τότε η φήμη της είναι ενισχυμένη και στην επόμενη δημοπρασία είναι πολύ πιο ακριβό. Το 2012, η \u200b\u200bγκαλερί Tretyakov σχεδιάζει μια μεγάλη κλίμακα έκθεση του Korovin. Ίσως θα λειτουργήσει από την ιδιωτική συναρμολόγηση. Αυτή η παράγραφος αποτελεί παράδειγμα του χειρισμού της συνείδησης του αναγνώστη από ένα παράδειγμα μεταφοράς γεγονότων που έχουν άμεση λογική σύνδεση.

• Παρακαλείστε να σημειώσετε ότι από τις 26 Μαρτίου έως τις 12 Αυγούστου 2012, η \u200b\u200bγκαλερί Tretyakov υπόσχεται να κανονίσειΈκθεση Κοροβίνα . Λεπτομέρειες σχετικά με τη βιογραφία των πιο γοητευτικών καλλιτεχνών του ασημένιου αιώνα διαβάζουνΣτην κριτική μας Vernissages GTG το 2012.

Νο. 30. Yuri Annenkov - 2,26 εκατομμύρια δολάρια

Η Annenkov κατάφερε να μεταναστεύσει το 1924 και έκανε μια καλή καριέρα στη Δύση. Για παράδειγμα, το 1954 ορίστηκε για το Όσκαρ ως καλλιτέχνης στα κοστούμια για την ταινία "Madame de ...". Το πιο διάσημο από τα πρώτα σοβιετικά πορτρέτα του- Πρόσωπα κυβιστικών, πολύπλευρων, αλλά εντελώς αναγνωρίσιμα. Για παράδειγμα, επέστρεψε επανειλημμένα το Λιοντάρι Τρότσκι με αυτόν τον τρόπο - και ακόμη και επανέλαβε την εικόνα πολλά χρόνια αργότερα μετά τη μνήμη όταν οι χρόνοι ήθελαν να τα διακοσμήσουν με το κάλυμμα.

Χαρακτήρας - συγγραφέας tikhonov-silver που απεικονίζεται σε ένα ρεκόρ πορτρέτο. Εισήλθε στην ιστορία της ρωσικής λογοτεχνίας, κυρίως τη στενή του φιλία με. Τόσο κλείστε ότι, σε βρώμικες φήμες, η σύζυγος του καλλιτέχνη Varvara Shaikevich έδωσε ακόμη και μια κόρη από τον μεγάλο προλεταριακό συγγραφέα. Στην αναπαραγωγή δεν είναι πολύ αισθητή, αλλά το πορτρέτο γίνεται στην τεχνική κολάζ: πάνω από το στρώμα βαφής πετρελαίου υπάρχουν γυαλί και γύψο, και ακόμη και μια πραγματική κουδούνι έχει συνδεθεί.

Νο. 31. Lev Lagorio - 1,47 εκατομμύρια λίρες

Ένα άλλο δευτερεύον σύστημα τοπίου, για κάποιο λόγο που πωλείται για μια τιμή ρεκόρ. Ένας από τους δείκτες της δημοπρασίας είναι η υπέρβαση της εκτίμησης ("εκτιμήσεις") - η ελάχιστη τιμή, που οι εμπειρογνώμονες της οικοδόμησης δημοπρασιών εγκατέστησαν για παρτίδα. Η εκτίμηση αυτού του τοπίου ήταν 300-400 χιλιάδες λίρες., Και το πώλησε 4 φορές πιο ακριβό. Όπως είπε ένας δημοπράτης του Λονδίνου: "Η ευτυχία είναι Όταν δύο ρωσικά ολιγάρχες ανταγωνίζονται στο ίδιο θέμα. "

№ 32. Victor Vasnetsov - 1.1 εκατομμύρια λίρες

Ο Bogatyri έγινε επαγγελματική κάρτα πίσω στη δεκαετία του 1870. Επιστρέφει στο θέμα του αστεριού του, όπως και άλλοι βετεράνοι της ρωσικής ζωγραφικής, κατά τη διάρκεια της νέας Σοβιετικής Δημοκρατίας - και με οικονομικούς λόγους και να αισθάνονται ξανά. Αυτή η εικόνα είναι η επανάληψη του συγγραφέα "Ilya Muromets" (1915), το οποίο διατηρείται στο Σπίτι-Μουσείο του καλλιτέχνη (στη λεωφόρο του κόσμου).

Νο. 33. Eric Bulatov - 1.084 εκατομμύρια λίρες

Ο δεύτερος τρέχων καλλιτέχνης στη λίστα μας (δήλωσε επίσης ότι για τον καλλιτέχνη ο καλύτερος τρόπος για να αυξήσει τις τιμές για τη δουλειά τους είναι να πεθάνουν). Με την ευκαιρία, αυτό είναι το σοβιετικό warhol, το υπόγειο και αντι-κομμουνιστικό. Εργάστηκε στο είδος της κοινωνικής τέχνης, το οποίο δημιουργήθηκε από το Σοβιετικό Undergrad, όπως η εκδοχή μας της Pop Art. Το "Slava Cpsu" είναι ένα από τα πιο διάσημα έργα του καλλιτέχνη. Σύμφωνα με τις δικές του εξηγήσεις, τα γράμματα εδώ συμβολίζουν τη μάσκα, εμποδίζοντας τον ουρανό από εμάς, δηλαδή, ελευθερία.

Μπόνους: Zinaida Serebryakova - 1,07 εκατομμύρια λίρες

Το Serebryakova αγαπούσε να σχεδιάσει γυμνές γυναίκες, αυτοπροσωπογραφίες και τα τέσσερα παιδιά τους. Αυτός ο τέλειος φεμινιστής κόσμος είναι αρμονικός και ηρεμημένος, ο οποίος δεν θα πείτε για τη ζωή του ίδιου του καλλιτέχνη, ο οποίος δεν ξεφεύγει από τη Ρωσία μετά την επανάσταση και πέρασε μεγάλη δύναμη για να βγάλει τα παιδιά του από εκεί.

Το "Nude" δεν είναι μια ελαιογραφία, αλλά ένα πρότυπο παστέλ. Αυτό είναι το πιο ακριβό ρωσικό σχέδιο. Ένα τέτοιο υψηλό ποσό που καταβάλλεται για τα γραφικά είναι συγκρίσιμη με τις τιμές για τα σχέδια των ιμπρεσιονιστών και προκάλεσε μεγάλη έκπληξη στο Sotheby "S, το οποίο άρχισε να εμπορεύεται από 150 χιλιάδες λίρες στερλίνας και έλαβε ένα εκατομμύριο.

Ο κατάλογος βασίζεται στις τιμές που καθορίζονται στους επίσημους χώρους των κατοικιών δημοπρασίας. Αυτή η τιμή αποτελείται από καθαρή αξία (εκφράζεται όταν το σφυρί μειώνεται), και« premium αγοραστή "(Πρόσθετο ποσοστό του Σπίτι Δημοπρασίας). Σε άλλες πηγές μπορεί να αναφερθεί "ΚΑΘΑΡΗ» τιμή. Το ποσοστό δολαρίου στη λίβρα συχνά κυμαίνεται, έτσι οι βρετανικές και αμερικανικές παρτίδες βρίσκονται σε σχέση μεταξύ τους με κατά προσέγγιση ακρίβεια (δεν είμαστε Forbes).

Προσθήκες και διορθώσεις της λίστας μας είναι ευπρόσδεκτοι.