Θέμα Ποιος καλλιτέχνης απεικονίζει. Εικόνες και καλλιτέχνες (Topik στα Αγγλικά)

Πίνακες και ζωγράφοι.

Η τέχνη ήταν πάντα ένας τρόπος κατανόησης του κόσμου και η έκφραση συναισθημάτων και συναισθημάτων. Υπάρχουν πολλές διαφορετικές μορφές τέχνης και ζωγραφικής είναι μόνο ένας από αυτούς.
Ο Horace είπε ότι μια "εικόνα είναι ένα ποίημα χωρίς λέξεις" και πράγματι είναι έτσι. Κατά τη διάρκεια των αιώνων πολλές τεχνικές έχουν αναπτυχθεί για να επιτρέψουν στους καλλιτέχνες να μεταμορφώσουν τα συναισθήματά τους σε εικόνες σε καμβά.
Ρωσικά ζωγράφοι Δημοκρατία Ρωσική τέχνη που είναι με πολλούς τρόπους μοναδικό και πάντα εντυπωσίασε τους ανθρώπους σε όλο τον κόσμο. Προέρχεται από τους παγκόσμιους γνωστούς ζωγράφους, οι πιο γνωστές από τους οποίους είναι ο Andrey Rublyov.
Πολλοί ρωσικοί ζωγράφοι επαινούν την ομορφιά της ρωσικής φύσης στα έργα τους. Ο Ivan Shishkin είναι ιδιαίτερα διάσημος με τους καμβά του που αντιπροσωπεύει το ρωσικό δάσος (π.χ. "πρωί στο πευκοδάσος"), ενώ ο Ισαάκ Λεβιδικός προέκυψε έμπνευση από το ρωσικό φθινόπωρο.
Η Peredvizhniki περιλάμβανε καλλιτέχνες του 19ου αιώνα. Ένας από αυτούς ήταν η Ilya Repin, ο οποίος είναι καλλιτέχνης γιορτάζεται για τις μεγάλες καμβά του όπως το "ivan ο τρομερός και ο γιος του Ιβάν" ή "Barge Haulers στο Βόλγα". Ο Victor Vasnetsov επέλεξε το λαϊκό ρωσικό στυλ για το "Bogatyrs" και το Mikhail Vrubel είναι Notic για την πρωτοτυπία του Thougoht. Ο "δαίμονας" του είναι ο καρπός της φανταστικής φαντασίας του.
Ο Ιβάν Αϊβαζόφσκι κέρδισε μια παγκόσμια φήμη από τις ρομαντικές του πίνακες που αντιπροσωπεύουν τη θάλασσα. Το "το ένατο κύμα" είναι ένα αριστούργημα που αποκαλύπτει την ομορφιά της ισχυρής θάλασσας σε μια θυελλώδη μέρα.
Η ρωσική τέχνη εκτίθεται στο κρατικό ρωσικό μουσείο στην Αγία Πετρούπολη. Και στο Τμήμα Αγγλικής Τέχνης στο Ερμιτάζ μπορείτε να απολαύσετε μερικά από τα αριστουργήματα των βρετανών ζωγράφων.
Ένας από τους πιο διάσημους από αυτούς είναι ο John Constable - ένας αγγλικός ρομαντικός ζωγράφος που είναι κυρίως γνωστός για τις ζωγραφιές του τοπίου του Dedham Vale, μια περιοχή κοντά στο σπίτι του στο Suffolk που τώρα είναι γνωστό ως "Constable Country".
Ο William Turner ήταν καλλιτέχνης τοπίου, το στυλ του οποίου μπορεί να ειπωθεί ότι έθεσε το ίδρυμα για τον ιμπρεσιονισμό.
Ο William Hogarth είναι γνωστός όχι μόνο για τα πορτρέτα του αλλά και για τη σειρά έργων ζωγραφικής με σαιτικές λεπτομέρειες που χαρακτηρίζουν την αγγλική υψηλή κοινωνία, στη δεκαετία του 1740.
Ο Thomas Gainsborough είναι ένας από τους πιο διάσημους πορτρέτο και τοπικούς ζωγράφους της Βρετανίας του XVIII αιώνα. Στην Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο, μπορείτε να δείτε την πολύχρωμη ζωγραφική "κ. και κα. Andrews »που είναι ένας συνδυασμός οικογενειακού πορτρέτου και τοπίου, και σκούρο πορτρέτο του" Mr και Mrs William Hal-Lett "που αποτελεί παράδειγμα του ώριμου στυλ του Gainsborough.
Ο William Blake είναι ένας αγγλικός ποιητής και ζωγράφος. Σε μεγάλο βαθμό δεν αναγνωριστεί κατά τη διάρκεια της ζωής του σήμερα, τα έργα του θεωρούσαν σημαντικά στην ιστορία τόσο της ποίησης όσο και των εικαστικών τεχνών. Οι πίνακές του μπορεί να φαίνονται πολύ ασυνήθιστες και φανταστικές. Για παράδειγμα, απεικονίστηκε το Isaac Newton ως θεϊκό γεωμέτρωμα.

Εικόνες και καλλιτέχνες

Η τέχνη ήταν πάντα ένας τρόπος να κατανοήσουμε τον κόσμο και να εκφράσει τα συναισθήματα και τα συναισθήματα. Υπάρχουν πολλές μορφές τέχνης και η ζωγραφική είναι μόνο ένας από αυτούς.
Ο Horace είπε ότι "η εικόνα είναι στίχη, μόνο χωρίς λέξεις" και αυτό είναι πραγματικά έτσι. Με τους αιώνες, αναπτύχθηκαν διάφορες τεχνικές, επιτρέποντας στους καλλιτέχνες να μετατρέψουν τα συναισθήματά τους σε εικόνες σε καμβά.
Οι ρωσικοί καλλιτέχνες αντιπροσωπεύουν τη ρωσική τέχνη, η οποία είναι σε μεγάλο βαθμό μοναδική και η οποία πάντα έκπληκτος σε όλο τον κόσμο. Οδηγεί την προέλευσή της από τους παγκοσμίου φήμης ζωγράφους εικονογράφησης, το πιο διάσημο από το οποίο είναι ο Andrei Rublev.
Πολλοί ρωσικοί καλλιτέχνες Chant την ομορφιά της ρωσικής φύσης στα έργα τους. Ο Ιβάν Shishkin είναι ιδιαίτερα διάσημος για τους καμβά της με την εικόνα του ρωσικού δάσους, όπως το "πρωί στο πευκοδάσος", ενώ ο Ισαάκ Λεβιδικός κραυγάζει έμπνευση στο ρωσικό φθινόπωρο.
Η ταινία περιελάμβανε καλλιτέχνες του XIX αιώνα. Ένας από αυτούς ήταν η Ilya Repin - ο καλλιτέχνης διάσημος για τις μεγάλες καμβά του, όπως το "ivan ο τρομερός και γιος του Ιβάν" ή "Burlaki στο Βόλγα". Ο Victor Vasnetsov επέλεξε ένα ρωσικό λαϊκό ύφος για τον "ήρωα". Το Mikhail Vrubel είναι γνωστό για την πρωτοτυπία της σκέψης. Ο "δαίμονας" του είναι ο καρπός μιας φανταστικής φαντασίας.
Ο Ιβάν Αϊβαζόβσκι έλαβε παγκόσμια φήμη λόγω της ρομαντικής της εικόνας της θάλασσας. Ο "ένατος άξονας" είναι ένα αριστούργημα που ανοίγει την ομορφιά της θαλάσσιας δύναμης στη θύελλα.
Η ρωσική τέχνη αντιπροσωπεύεται στο κρατικό ρωσικό μουσείο στην Αγία Πετρούπολη. Και στο Τμήμα Αγγλικής Τέχνης στο Ερμιτάζ μπορείτε να απολαύσετε κάποια αριστουργήματα των βρετανών καλλιτεχνών.
Ένας από τους πιο διάσημους είναι ο John Constable - ο αγγλικός ζωγράφος-ρομαντικός, γνωστός, κυρίως με τα τοπία του του παππού Valley Vale - η περιοχή κοντά στο σπίτι του σε τόκους - το οποίο είναι σήμερα γνωστό ως τη γη του αστυνομικού .
Ο William Turner ήταν ένα σύστημα τοπίου, μπορεί να ειπωθεί ότι το στυλ του έβαλε την αρχή του ιμπρεσιονισμού.
Ο William Hogart είναι γνωστός όχι μόνο από τα πορτρέτα της, αλλά και μια σειρά έργων ζωγραφικής με σατιρικές λεπτομέρειες που χαρακτηρίζουν την αγγλική ανώτερη κοινωνία στη δεκαετία του 1740.
Ο Thomas Gainesboro είναι ένα από τα πιο διάσημα πορτρέτα και τους παίκτες τοπίου στη Βρετανία XVIII αιώνα. Στην Εθνική Πινακοθήκη στο Λονδίνο, μπορείτε να δείτε την πολύχρωμη εικόνα "κ. Andrews", ο οποίος είναι ένας συνδυασμός οικογενειακού πορτρέτου και τοπίου, και το σκοτεινό πορτρέτο της Mistra και της κυρίας William Hallett, "που χρησιμεύει ως ένα Παράδειγμα ενός πιο ώριμου στυλ geinsboro.
William Blake - Αγγλικός ποιητής και καλλιτέχνης. Μη αναγνωρισμένη στη ζωή, σήμερα το έργο του θεωρείται σημαντικό στην ιστορία και την ποίηση και τις εικαστικές τέχνες. Οι πίνακές του μπορεί να φαίνονται ασυνήθιστες και φανταστικές. Για παράδειγμα, απεικονίστηκε το Isaac Newton ως θεϊκό γεωμέτρωμα.

Λεξιλόγιο:

καμβά - καμβά, καμβάς
Γιορτάζεται - διάσημο
Απεικονίζουν - απεικονίζουν
Αποκτήστε έμπνευση - λάβετε έμπνευση
Θεία - Θεία
Evoke - Κλήση, ξυπνήστε (συναισθήματα)
Παραδείγματα - χρησιμεύουν ως παράδειγμα
Λαϊκοί άνθρωποι
Φρούτα φαντασίας - Φρούτα της φαντασίας
Horace - Horace
Τοπίο - Τοπίο
Καλλιτέχνης τοπίου - τοπίο
Ίδρυμα (για) - Βάλτε τη βάση, ξεκινήστε
Αριστούργημα - αριστούργημα
Ώριμη - ώριμη
Ισχυρή - ισχυρή, ισχυρή
Σημείωσε - αισθητό, διάσημο
Προέρχονται - κάντε μια εκκίνηση
Έπαινος - Έπαινος
Κυριαρχούν - επικρατήστε
Φημισμένο - διάσημο
Αποκαλύψτε - ανοιχτό, λωρίδα
Μη αναγνωρισμένο - μη αναγνωρισμένο
Εικαστική τέχνη - Καλές τέχνες
Παγκόσμιο-γνωστό - Παγκόσμιο διάσημο

Απάντησε στις ερωτήσεις
L.what ο οράς λέει για τις ζωγραφιές; Πώς καταλαβαίνετε τα λόγια του;
2. Ποιος είναι ο Andrey Rublyov; Για τι πραγμα ειναι διασημος?
3. Ποιοι ρώσοι καλλιτέχνες επαίνεσαν την ομορφιά της φύσης;
4. Τι καλλιτέχνες ονομάζονται The Peredvizhniki;
5. Τι πίνακες από το Ilya Repin γνωρίζετε;
6. Τι είναι το Ivan Aivazovsky φημισμένο;
7. Σε ποια μουσεία μπορείτε να δείτε πίνακες ζωγραφικής από τον Ρώσο Αρτύτη;
8. Σε ποια μουσεία μπορείτε να δείτε πίνακες από τους Βρετανούς καλλιτέχνες;
9. Ποια είναι η "αστυρή χώρα"; Γιατί λέγεται έτσι;
10. Ποιο στυλ έχει ορίσει το ίδρυμα για τον ιμπρεσιονισμό;
11. Ποιος ζωγράφος ήταν επίσης διάσημος για την σατινάζη απεικόνιση της υψηλής κοινωνίας;
12. Τι είναι το Thomas Gainsborough;
13. Τι γνωρίζετε για το William Blake; 13. Wat ξέρετε για τον William Blake
14. Ποιοι είναι οι αγαπημένοι σας καλλιτέχνες και γιατί;

Σήμερα παρουσιάζουμε είκοσι πίνακες που αξίζουν την προσοχή και την αναγνώριση. Αυτοί οι πίνακες έγραψαν διάσημους καλλιτέχνες και όχι μόνο το άτομο που εργάζεται ως τέχνη θα πρέπει να είναι γνωστό, αλλά και εύκολα θνητευμένους ανθρώπους, καθώς τα περιλαίμια της τέχνης μας, η αισθητική εμβαθύνει την άποψή μας για τον κόσμο. Δώστε τη θέση σας στη ζωή σας ...

1. "το τελευταίο δείπνο". Leonardo da Vinci, 1495 - 1498

Μνημειώδης ζωγραφική του Leonardo da Vinci, που απεικονίζει τη σκηνή του τελευταίου λιβαδιού του Χριστού με τους μαθητές του. Δημιουργήθηκε το 1495-1498 στη Μονή Δομινικανή Σάντα Μαρία Grazie στο Μιλάνο.

Η ζωγραφική διατάχθηκε από τον Leonardo τον προστάτη του, τον Δούκα του Lodovico Sforza και τη σύζυγό του Beatrice d'Est. Το οικόσημο των ζωγραφισμένων γραμμών της Sforza πάνω από τη ζωγραφική, που σχηματίζεται από την οροφή με τρεις καμάρες. Η ζωγραφική ξεκίνησε το 1495 και ολοκληρώθηκε το 1498. Οι εργασίες πήγαν με διαλείμματα. Η έναρξη της εργασίας δεν είναι ακριβής, αφού «καταστράφηκαν τα αρχεία του μοναστηριού και ένα ασήμαντο μέρος των εγγράφων που έχουμε, που χρονολογούνται από το 1497, όταν η ζωγραφική σχεδόν ολοκληρώθηκε».

Η ζωγραφική έχει γίνει ένα ορόσημο στην ιστορία της Αναγέννησης: Το αναπαραγόμενο βάθος των προοπτικών έχει αλλάξει την κατεύθυνση της ανάπτυξης της ζωγραφικής της Δύσης.

Πιστεύεται ότι σε αυτή την εικόνα είναι κρυμμένα πολλά μυστικά και συμβουλές - για παράδειγμα, υπάρχει μια υπόθεση ότι η εικόνα του Ιησού και του Ιούδα διαγράφεται από ένα άτομο. Όταν ο Da Vinci έγραψε μια φωτογραφία, στο όραμά του, ο Ιησούς προσωποποίησε καλό, ενώ ο Ιούδας ήταν πολύ κακός. Και όταν ο Δάσκαλος βρήκε τον "Του Ιούδα" του (μεθυσμένος από το δρόμο), αποδείχθηκε ότι, σύμφωνα με τους ιστορικούς, αυτός ο μεθυσμένος έχει υπηρετήσει μέχρι λίγα χρόνια πριν από το πρωτότυπο για να γράψει την εικόνα του Ιησού. Έτσι, μπορεί να ειπωθεί ότι αυτή η εικόνα κατέλαβε ένα άτομο σε διαφορετικές περιόδους της ζωής του.

2. "ηλιοτρόπια". Vincent Van Gogh, 1887

Το όνομα των δύο κύκλων του ολλανδικού καλλιτέχνη Vincent Van Gogh. Η πρώτη σειρά εκτελείται στο Παρίσι το 1887. Είναι αφιερωμένο σε ψέματα χρώματα. Η δεύτερη σειρά ολοκληρώθηκε σε ένα χρόνο, στην Arle. Εμφανίζει ένα μπουκέτο ηλιοτρόπια σε ένα βάζο. Δύο Paris Paintings απέκτησαν έναν φίλο Van Gogh Paul Gajn.

Ο καλλιτέχνης έγραψε ηλιοτρόπια έντεκα φορές. Οι πρώτοι τέσσερις πίνακες δημιουργήθηκαν στο Παρίσι τον Αύγουστο - Σεπτέμβριο 1887. Τα μεγάλα κομμένα λουλούδια βρίσκονται σαν κάποιο είδος εξαιρετικών πλασμάτων στα μάτια μας.

3. "ένατο val". Ivan Konstantinovich Aivazovskyi;, 1850.

Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του ρωσικού καλλιτέχνη Marinist Ivan Aivazovsky φυλάσσεται στο ρωσικό μουσείο.

Ο ζωγράφος απεικονίζει τη θάλασσα μετά την ισχυρότερη νυχτερινή καταιγίδα και τους ανθρώπους που υπέστησαν ναυάγιο. Οι ακτίνες του ήλιου φωτίζουν τεράστια κύματα. Το μεγαλύτερο είναι το ένατο δέντρο - έτοιμο να πέσει στους ανθρώπους που προσπαθούν να ξεφύγουν από τη συντρίμανση των ιστών.

Παρά το γεγονός ότι το πλοίο καταστρέφεται και παρέμεινε μόνο ο ιστός, οι άνθρωποι στον ιστό είναι ζωντανοί και συνεχίζουν να πολεμούν τα στοιχεία. Οι ζεστοί τόνοι της εικόνας κάνουν τη θάλασσα όχι τόσο σκληρή και να δώσει στον θεατή την ελπίδα ότι οι άνθρωποι θα σωθούν.

Δημιουργήθηκε στην εικόνα του 1850 "Το ένατο Val" αμέσως έγινε το πιο διάσημο από όλα τα θαλάσσια του και αποκτήθηκε από τον Νικολάι Ι.

4. "MACH NUE." Francisco Goya, 1797-1800.

Εικόνα του ισπανικού καλλιτέχνη Francisco Goya, γραμμένο γύρω στο 1797-1800. Κάνει ένα ζευγάρι με μια εικόνα της "Maja Vestida". Εικόνες απεικόνιση Maha - Ισπανική πόλη και XIII-XIX αιώνες, ένα από τα αγαπημένα αντικείμενα της εικόνας του καλλιτέχνη. Το "Mach είναι γυμνό" είναι ένα από τα πρώτα έργα της δυτικής τέχνης που απεικονίζει μια εντελώς γυμνή γυναίκα χωρίς μυθολογικές ή αρνητικές συνειδητοποιήσεις.

5. "Πετώντας στην αγάπη". Mark Chagall, 1914-1918.

Εργασία στην εικόνα "πάνω από την πόλη" ξεκίνησε το 1914 και οι τελευταίοι εγκεφαλικοί κύριοι του Δάσκαλος ήταν μόνο το 1918. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Bella από την αγαπημένη στράφηκε όχι μόνο στον αξιολάτρευτο σύζυγο, αλλά και η μητέρα της κόρης τους, που έγιναν για πάντα το κύριο μουσείο του ζωγράφου. Η Ένωση της πλούσιας κόρης ενός αγωνιστικού κοσμηματοπωλείου και ενός απλού εβραϊκού νεαρού άνδρα, του οποίου ο πατέρας κέρδισε μια ζωντανή, εκφόρτωση ρέγγα, αλλιώς δεν θα καλέσω τους Meleallians, αλλά η αγάπη ήταν ισχυρότερη και επικάλυψη όλων των συμβάσεων. Είναι αυτή η αγάπη που τυλιγμένη γύρω τους, ανερχόμενη στον ουρανό.

Η Karina απεικονίζει δύο αγάπες Shagal - Bella και η αγαπημένη καρδιά Vitebsk. Οι δρόμοι παρουσιάζονται με τη μορφή σπιτιών που χωρίζονται από ένα υψηλό σκοτεινό φράχτη. Όχι αμέσως, ο θεατής θα παρατηρήσει μια κατσίκα, βόσκουν στην αριστερή πλευρά του κέντρου της ζωγραφικής και ένας απλός άνθρωπος με ένα ναυτικό παντελόνι στο προσκήνιο - ένα σούβλα από τον ζωγράφο, σπάσιμο από το γενικό πλαίσιο και τη ρομαντική διάθεση της δουλειάς, αλλά όλα αυτά περπατούσαν ...

6. "Πρόσωπο του πολέμου". Σαλβαδόρ Νταλί, 1940.

Η εικόνα του ισπανικού καλλιτέχνη El Salvador Dali, γραμμένο το 1940.

Η εικόνα δημιουργήθηκε στο δρόμο προς τις Ηνωμένες Πολιτείες. Μια εντυπωσιασμένη τραγωδία που πέφτει στον κόσμο, αίμα των πολιτικών, ο δάσκαλος αρχίζει να εργάζεται σε ατμόπλοιο. Βρίσκεται στο Μουσείο Bumanza-Van Beningen στο Ρότερνταμ.

Έχοντας χάσει όλη την ελπίδα για την κανονική ζωή στην Ευρώπη, ο καλλιτέχνης από το αγαπημένο Παρίσι αφήνει στην Αμερική. Ο πόλεμος καλύπτει το παλιό φως και επιδιώκει να συλλάβει ολόκληρο τον υπόλοιπο κόσμο. Ο Δάσκαλος εξακολουθεί να μην ξέρει ότι η διαμονή στον νέο κόσμο για οκτώ χρόνια θα το κάνει πραγματικά διάσημο και το έργο του είναι αριστουργήματα της παγκόσμιας ζωγραφικής.

7. "Creek". Edward Munk, 1893

"Creek" (NORV. Skrik) - Δημιουργήθηκε στο διάστημα μεταξύ 1893 και 1910 μια σειρά έργων ζωγραφικής του νορβηγικού καλλιτέχνη-εξπρεσιονιστή Edward Minka. Εφαρμόζουν την ανθρώπινη φιγούρα που ουρλιάζουν στην απελπισία στο φόντο ενός αιματηρού-κόκκινου ουρανού και ένα εξαιρετικά γενικευμένο υπόβαθρο τοπίου. Το 1895, ο Munch δημιούργησε μια λιθογραφία στο ίδιο οικόπεδο.

Κόκκινο, ο φλογερός καυτός ουρανός κάλυψε το κρύο φιόρδ, το οποίο, με τη σειρά του, δημιουργεί μια φανταστική σκιά, παρόμοια με ένα βόρειο τέρας. Το άγχος παραμόρφωσε το χώρο, οι γραμμές έσπασαν, τα χρώματα δεν είναι συνεπείς, η προοπτική καταστρέφεται.

Πολλοί κριτικοί πιστεύουν ότι το οικόπεδο των έργων ζωγραφικής είναι ο καρπός μιας άρρωστης φαντασίας ενός διανοητικά ανθυγιεινού ατόμου. Κάποιος βλέπει μια προδικασία περιβαλλοντικής καταστροφής στην εργασία, κάποιος λύνει το ζήτημα της οποίας η μούμια ενέπνευσε τον συγγραφέα σε αυτό το έργο.

8. "Κορίτσι με σερβίρισμα μαργαριτάρι". Jan Vermeer, 1665

Εικόνα "Κορίτσι με ένα μαργαριτάρι που σερβίρει" (Notera. "Het Meisje Met De Parel") γράφτηκε γύρω στο 1665. Αυτή τη στιγμή φυλάσσεται στο Μουσείο Μαυρίτσης, στην πόλη της Χάγης, στις Κάτω Χώρες, και είναι μια κάρτα επίσκεψης μουσείων. Η εικόνα, η οποία έλαβε το ψευδώνυμο της ολλανδικής Mona Lisa, ή η Mona Lisa του Βορρά, γράφτηκε στο είδος της TRONIE.

Χάρη στην ταινία Peter Webber "Κορίτσι με ένα μαργαριτάρι που σερβίρει" 2003, ένας τεράστιος αριθμός ατόμων μακριά από τη ζωγραφική, έμαθε για τον υπέροχο ολλανδικό καλλιτέχνη Jan Vermeer, καθώς και το πιο διάσημο ζωγραφικό του "κορίτσι με ένα μαργαριτάρι σερβίρισμα".

9. "Βαβυλωνικός πύργος". Peter Bruegel, 1563

Διάσημη εικόνα του καλλιτέχνη Peter Bruegel. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε τουλάχιστον δύο φωτογραφίες σε αυτό το οικόπεδο.

Η εικόνα βρίσκεται - το μουσείο της ιστορίας της τέχνης, Βιέννη.

Η Βίβλος έχει μια ιστορία για το πώς οι κάτοικοι της Βαβυλώνας προσπάθησαν να χτίσουν έναν ψηλό πύργο για να φτάσουν στον ουρανό, αλλά ο Θεός το έκανε έτσι ώστε να μιλούσαν σε διάφορες γλώσσες, σταμάτησε να κατανοεί ο ένας τον άλλον και ο πύργος παρέμεινε ημιτελή.

10. "Αλγερινές γυναίκες". Pablo Picasso, 1955

"Αλγερινές γυναίκες" - μια σειρά από 15 καμβά, που δημιουργήθηκε από τον Πικάσο το 1954-1955 με βάση τη ζωγραφική του Ezhen Delacroix. Οι πίνακες διαφέρουν στον εκχωρημένο καλλιτέχνη με τους κυριολέους από το Α στον Ο. Έκδοση O "γράφτηκε στις 14 Φεβρουαρίου 1955. Για λίγο, ανήκε στη διάσημη αμερικανική συνέλευση της τέχνης του 20ου αιώνα Βίκτορ Γκάντστον.

Pattern Pablo Picasso "Αλγερινές γυναίκες (έκδοση o)" πωλούνται για 180 εκατομμύρια δολάρια.

11. "Νέος πλανήτης". Konstantin Jun, 1921

Ρωσικός σοβιετικός ζωγράφος, κύριος τοπίο, καλλιτέχνης θεάτρου, θεωρητικός τέχνης. Ακαδημαϊκός ΑΗ ΕΣΣΔ. Ο καλλιτέχνης των ανθρώπων της ΕΣΣΔ. Νικητής του σταλινικού ασφάλιστρου του πρώτου βαθμού. Μέλος WCP από το 1951.

Αυτό είναι ένα καταπληκτικό, που δημιουργήθηκε το 1921 και όχι καθόλου χαρακτηριστικό του καλλιτέχνη-realista του Ιωάννη, της εικόνας "Νέος πλανήτης" - ένα από τα φωτεινά έργα που ενσωματώθηκε η εικόνα των αλλαγών στις οποίες η επανάσταση του Οκτωβρίου ήταν στο δεύτερο δεκαετία του αιώνα xx. Νέο σύστημα, έναν νέο τρόπο και έναν νέο τρόπο σκέψης μόνο της καταγωγής Σοβιετικής Εταιρείας. Τι περιμένει τώρα την ανθρωπότητα; Λαμπρό μέλλον? Δεν είχε ακόμη σκεφτόταν ακόμη γι 'αυτό, αλλά το γεγονός ότι η σοβιετική Ρωσία και ολόκληρος ο κόσμος εισέρχεται στην εποχή της αλλαγής προφανώς, καθώς και η ταχεία γέννηση ενός νέου πλανήτη.

12. "Sicstinskaya Madonna". Rafael Santi, 1754

Η ζωγραφική του Ραφαήλ, η οποία από το 1754 βρίσκεται στη γκαλερί των παλαιών δασκάλων στη Δρέσδη. Ανήκει στον αριθμό των γενικά αποδεκτών κορυφών υψηλής αναγέννησης.

Το τεράστιο μέγεθος (265; 196 cm, το μέγεθος της εικόνας στον κατάλογο της Δρέσδης γκαλερί) δημιουργήθηκε από τον Rafael για το βωμό της εκκλησίας της Μονής Saint Saint στο Piacenz με τη σειρά της Τζούλια ΙΙ. Υπάρχει μια υπόθεση ότι η εικόνα γράφτηκε το 1512-1513 προς τιμήν της νίκης πάνω από τους Γάλλους, οι οποίοι εισέβαλαν στη Λομβαρδία κατά τη διάρκεια των ιταλών πολέμων και η επακόλουθη ένταξη των PIACES στην περιοχή παπικών.

13. "Περπάτημα Mary Magdalene". Titian (Tiziano Titshevero), γραμμένο γύρω στο 1565

Η εικόνα, γραμμένη σε περίπου 1565 από τον ιταλικό καλλιτέχνη Titian Titshevero. Ανήκει στο Κρατικό Ερμιτάζ στην Αγία Πετρούπολη. Μερικές φορές η ημερομηνία δημιουργίας υποδεικνύεται ως "1560."

Το μοντέλο της εικόνας ήταν η Julia Festin, χτυπώντας τον καλλιτέχνη με ένα χύτευση με χρυσά μαλλιά. Ο τελικός καμβάς ήταν πολύ εντυπωσιασμένος από τον Δούκα του Gonzag και αποφάσισε να παραγγείλει το αντίγραφό του. Αργότερα τιτς, αλλάζοντας το φόντο και η θετικότητα της γυναίκας, έγραψε ένα ζευγάρι περισσότερο τέτοια δουλειά.

14. "Mona Lisa". Leonardo da Vinci, 1503-1505

Πορτρέτο της κυρίας Liza del Jocondo, (ιταλικό. Ritratto di monna lisa del giocondo) - Ζωγραφική Leonardo da Vinci, που βρίσκεται στο Λούβρο (Παρίσι, Γαλλία), ένα από τα πιο διάσημα έργα ζωγραφικής στον κόσμο, που πιστεύεται ότι είναι ένα πορτρέτο της Λίζα Γεραντζίνι, οι σύζυγοι έμπορος Florentia Francesco del Jocondo, γραμμένοι περίπου 1503 -1505.

Σύμφωνα με μια από τις εκτεταμένες εκδόσεις, "Mona Lisa" - αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη.

15. "Πρωί στο πευκοδάσος", Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.

Εικόνα των ρωσικών καλλιτεχνών Ivan Shishkin και Konstantin Savitsky. Ο Savitsky έγραψε αρκούδες, αλλά ο συλλέκτης Paul Tretyakov ανακατεύει την υπογραφή του, οπότε η εικόνα από την εικόνα συχνά δείχνει ένα.

Ο σχεδιασμός της ζωγραφικής πρότεινε ο Shishkin Savitsky, ο οποίος αργότερα πραγματοποίησε συν-συγγραφέα και απεικόνισε τα στοιχεία της αρκούδας. Αυτές οι αρκούδες με κάποιες διαφορές σε θέσεις και ποσότητες (πρώτα υπήρχαν δύο από αυτούς) εμφανίζονται στα προπαρασκευαστικά σχέδια και σκίτσα. Τα ζώα αποδείχθηκαν από το Savitsky τόσο με επιτυχία ότι υπογράφηκε ακόμη και στην εικόνα μαζί με το shishkin.

16. "δεν περίμενε." Ilya Repin, 1884-1888.

Εικόνα του ρωσικού καλλιτέχνη ilya repin (1844-1930), γραμμένο το 1884-1888. Είναι μέρος της συνάντησης της πολιτείας Tretyakov Gallery.

Η εικόνα που εμφανίζεται στην έκθεση Mobile XII περιλαμβάνεται στον αφηγηματικό κύκλο αφιερωμένο στην τύχη του ρωσικού επαναστατικού πληθυσμού.

17. "Μπάλα στο Moulin de la Gaette", Pierre Auguste Renoir, 1876.

Εικόνα που γράφτηκε από τον γαλλικό καλλιτέχνη Pierre Auguste Renoir το 1876.

Ο τόπος όπου η εικόνα είναι το μουσείο του D'Ors. Το Moulin de la Galette είναι ένα φθηνό κολοκυθάκι στη Μονμάρτρη, όπου συγκεντρώθηκαν οι μαθητές και η εργατική νεολαία του Παρισιού.

18. "Αστέρι νύχτα". Vincent Van Gogh, 1889 ετών.

De sterrennacht. - Εικόνα του ολλανδικού καλλιτέχνη Vincent Van Gogh, γραμμένο τον Ιούνιο του 1889, με θέα στον πρωταρχικό ουρανό πάνω από τη φανταστική πόλη από το ανατολικό παράθυρο της στέγασης του καλλιτέχνη στο Saint-Remy de Provence. Από το 1941, αποθηκεύεται στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Νέα Υόρκη. Θεωρείται ένα από τα καλύτερα έργα του Van Gogh και ενός από τα σημαντικότερα έργα της Δυτικής Ζωγραφικής.

19. "Δημιουργία του Αδάμ". Michelangelo, 1511.

Michelangelo τοιχογραφία, γραμμένο γύρω στο 1511. Η τοιχογραφία είναι η τέταρτη από τις εννέα κεντρικές συνθέσεις της οροφής του παρεκκλησίου Sicastine.

Η "Δημιουργία του Αδάμ" είναι μία από τις σημαντικότερες συνθέσεις της ζωγραφικής του Σικσταντινικού παρεκκλησίου. Σε έναν άπειρο χώρο, ο θεός-πατέρας πετάει, περιτριγυρισμένος από άγγελοι υπερανάλη, με αποφασιστικό λευκό χιτώνα. Το δεξί χέρι τεντώνεται προς το χέρι του Αδάμ και σχεδόν την αγγίζει. Το σώμα του Αδάμ που βρίσκεται σε ένα πράσινο βράχο έρχεται σταδιακά σε κίνηση, ξυπνά στη ζωή. Η όλη σύνθεση συμπυκνώνεται στη χειρονομία δύο χεριών. Το χέρι του Θεού δίνει την ώθηση, και το χέρι του Αδάμ το παίρνει, δίνοντας όλο το σώμα της ζωτικής ενέργειας. Το γεγονός ότι τα χέρια τους δεν έρχονται σε επαφή, ο Michelangelo τόνισε την αδυναμία της στολή του θεϊκού και του ανθρώπου. Στην εικόνα του Θεού, σύμφωνα με το σχέδιο του καλλιτέχνη, όχι μια θαυμάσια αρχή, αλλά μια γιγαντιαία δημιουργική ενέργεια. Με τη μορφή του Adam Michelangelo, η δύναμη και η ομορφιά του ανθρώπινου σώματος κυνηγούν. Στην πραγματικότητα, η ίδια η δημιουργία του ατόμου εμφανίζεται μπροστά μας και η στιγμή στην οποία παίρνει την ψυχή, την παθιασμένη αναζήτηση του θεϊκού, δίψα για τη γνώση.

20. "φιλί στον αστέρι του ουρανού". Gustav Klimt, 1905-1907.

Εικόνα του αυστριακού καλλιτέχνη Gustav Clima, γραμμένο το 1907-1908. Ο καμβάς ανήκει στην περίοδο της δημιουργικότητας της Clima, που ονομάζεται "χρυσό", το τελευταίο έργο του συγγραφέα στη "χρυσή περίοδο" του.

Στο βράχο, στην άκρη της λουλουδιών, στο χρυσό aure, υπάρχουν πλήρως υποβρύχια ο ένας στον άλλο, έρημο από όλο τον κόσμο στην αγάπη. Λόγω της αβεβαιότητας του τόπου του τι συμβαίνει φαίνεται ότι το ζευγάρι που απεικονίζεται στην εικόνα πηγαίνει εκτός από το χρόνο και ο χώρος είναι μια κοσμική κατάσταση, από την άλλη πλευρά όλων των ιστορικών και κοινωνικών στερεοτύπων και κατακλυσμασιών. Πλήρης ιδιωτικότητα και γύρισε πίσω το πρόσωπο ενός ανθρώπου δίνει έμφαση στην εντύπωση της μόνωσης και της επέκτασης προς τον παρατηρητή.

Πηγή - Wikipedia, muze-mira.com, say-hi.me

20 ζωγραφιές που όλοι πρέπει να γνωρίζουν (ιστορία της ζωγραφικής) Updated: 23 Νοεμβρίου 2016 από τον συγγραφέα: δικτυακός τόπος

Αποδεικνύεται ότι αυτές οι εικόνες ορισμένων διάσημων καλλιτεχνών κρύβουν άλλες εικόνες. Μερικές φορές, αν κοιτάξετε προσεκτικά, τότε είναι ορατά στο γυμνό μάτι. Αλλά πιο συχνά, οι ιστορικοί τέχνης βρίσκονται κατά τη διάρκεια της μελέτης των ιστών των γνωστών πλοιάρχων ή των αποκαταστημάτων που εργάζονται στην αποκατάσταση του καμβά. Στην επισκόπησή μας, έξι πιο ενδιαφέρουσες περιπτώσεις όταν οι εικόνες κρυμμένες από μόνες τους.

Απαντώντας στην ερώτηση των κρυμμένων ζωγραφιών, οι επιστήμονες σημειώνουν ότι οι λόγοι για την εμφάνισή τους στις γνωστές καμβάδες είναι διαφορετικές. Μερικές φορές ο καλλιτέχνης απλά δεν του άρεσε η αρχική επιλογή, μερικές φορές η εικόνα έπρεπε να αναδιαμορφώσει λόγω της κοινής γνώμης και συνέβη ότι οι καλλιτέχνες αποδείχθηκαν να είναι σε μια διακεκριμένη οικονομική κατάσταση, δεν μπορούσαν να αντέξουν οικονομικά να αγοράσουν ένα νέο καμβά και για τους νέα έργα που χρησιμοποιούνται παλιά.

1. Προτομή του μονάρχης στην εικόνα του Jean Owysto Engra

Στην αριστερή πλευρά του γαλλικού νεοκλασικού καλλιτέχνη του Engra, "Πορτρέτο του Jacques Mark, Baron de Montbreton de Norsen" (1811-12), που δείχνει τον αρχηγό της αστυνομίας στη Ρώμη μετά την κατάκτηση της πόλης του Ναπολέοντα, ακόμη και το γυμνό μάτι της προτομής του κεφαλιού του παιδιού. Πιστεύεται ότι αυτό είναι μια προτομή του επικεφαλής του γιού του Ναπολέοντα, τον οποίο ο πατέρας κήρυξε τον βασιλιά της Ρώμης. Το 1814, όταν ο Ναπολέων τελικά υπέστη και παραιτηθεί από το θρόνο, ο Engrus ζωγράφισε την εικόνα για πολιτικούς λόγους και έγραψε ένα νέο πάνω της.

2. Γυναίκα στην εικόνα Picasso "Παλιά κιθαρίστας"

Ο Pablo Picasso το 1901-1904 ήταν μια δύσκολη περίοδος όταν δεν είχε κανένα χρήμα ούτε να αγοράσει νέα υλικά για εργασία. Συχνά εκκινήθηκε παλιές καμβάδες και τους χρησιμοποίησε για να δημιουργήσει νέες εικόνες. Ένα από τα πιο διάσημα παραδείγματα μιας διεύθυνσης στα έργα του Πικάσο είναι η ζωγραφική "παλιά κιθαρίστας", στην οποία ανακαλύφθηκε η ζωγραφισμένη φιγούρα μιας γυναίκας.

Οι ιστορικοί τέχνης και έχουν προηγουμένως παρατηρήσει ένα ασαφές περίγραμμα πίσω από τον καμπύλο λαιμό ενός κιθαρίστα, αλλά μόνο μια εικόνα διαπραγμάτευσης των ακτίνων Χ κατόρθωσε να εντοπίσει την παλιά εικόνα μιας γυναίκας που τροφοδοτεί ένα μικρό παιδί και ένας ταύρος και τα πρόβατα απεικονίζονται δίπλα τους.

3. Γενειοφόρος άνθρωπος στην εικόνα Picasso "Blue Room"

Σχετικά με τον ζωγραφικό Picasso "Blue Room", γραμμένο το 1901, βρίσκεται επίσης το μυστικό που αποκαλύπτεται πρόσφατα με υπέρυθρη οπτική τομογραφία. Εάν βάλετε μια εικόνα κάθετα, μια συγκεκριμένη γενειοφόρα με πολλά δαχτυλίδια στα δάχτυλά σας βρίσκεται κάτω από το στρώμα βαφής.

4. Strafelka στην εικόνα του John Singer Sargen "Πορτρέτο της Madame X"

"Πορτρέτο του Madame X", το οποίο εκτίθεται στο μητροπολιτικό μουσείο, θεωρείται μια εικόνα στυλ λόγω απλών μαύρων ρούχων που απεικονίζονται σε αυτό τις κυρίες, το στατιστικό σχήμα και την ακούσια έκφραση. Παρ 'όλα αυτά, σε εύθετο χρόνο, αυτό το πορτρέτο θεωρήθηκε σκανδαλώδη προσβολή στην περιπέτεια και επηρεάζει πολύ αρνητικά την καριέρα του καλλιτέχνη στην Ευρώπη.

Γυναίκα στο πορτρέτο - διάσημο παριζιάνικο όμορφη ομορφιά Virgini Gotro. Η Πλότητα του δέρματός της, η οποία θεωρήθηκε ένας κομιστής ομορφιάς εκείνη την εποχή, προκάλεσε μια σύγχρονη κριτική να καλέσει την απόχρωση του δέρματος του δέρματος "Corpene". Το αποτέλεσμα αυτό επιτεύχθηκε χάρη στην είσοδο του αρσενικού. Επίσης, πήγε η Henna Henna για μεγαλύτερη αντίθεση. Ο Sarjent για υπογράμμιση από ασυνήθιστη ομορφιά goro απεικονίζει σε ένα μαύρο φόρεμα, ένα από τα σπόρια των οποίων φλερτάρει έπεσε στον ώμο.

Όταν το πορτρέτο εκτέθηκε για πρώτη φορά στο σαλόνι του Παρισιού, το κοινό εξερράγη με αγανάκτηση, αφού ο ημι-διαδρομής ιμάντας βρέθηκε πολύ άσεμνος. Ως αποτέλεσμα, η Sarjent ξαναγράφηκε αυτή τη λεπτομέρεια του φόρεμα, την αυξάνοντας στον ώμο του.

5. Γυναίκα στο παράθυρο

Στην Εθνική Πινακοθήκη στο Λονδίνο στη διαδικασία αποκατάστασης του ιστού των 1500 του άγνωστου καλλιτέχνη, ανακαλύφθηκε ένα ασυνήθιστο "μακιγιάζ". Αποδείχθηκε ότι η ξανθιά στην εικόνα είναι στην πραγματικότητα μια μελαχρινή, και το χρώμα των μαλλιών του ξαναγράφηκε από τον καλλιτέχνη πάνω από το πρωτότυπο. Σήμερα η εικόνα αποκαταστάθηκε στην αρχική κατάσταση και δημοσιεύτηκε στην Εθνική Πινακοθήκη.

6. Φάλαινα στην εικόνα του Hendrik Wang Antonissen "Beach Scene"

Όταν αυτή η ολλανδική ζωγραφική του δέκατου έβδομου αιώνα δωρίστηκε στο μουσείο Fitzulyam, εμφανίστηκε απλά μια σκηνή παραλίας. Παρ 'όλα αυτά, οι ιστορικοί τέχνης ήταν αμηχανία γιατί το πλήθος απεικονίζεται στην εικόνα, συγκεντρώθηκε κοντά στο νερό χωρίς ορατούς λόγους. Μετά την αποκατάσταση κάτω από το στρώμα της βαφής, ανακαλύφθηκε μια εικόνα φάλαινας, ρίχνονται στην ξηρά. Όπως πίστευαν, η φάλαινα ζωγραφίζεται από αισθητικές εκτιμήσεις τον 18ο ή τον 19ο αιώνα.

Οι γνώστες της ζωγραφικής θα είναι ενδιαφέρον να μάθουν.

Για πολλούς, φαίνεται ένα αδύνατο έργο να θυμηθούμε τους καλλιτέχνες και τους πίνακές τους. Εκατοντάδες χρόνια, η ιστορία μπήκε στα ονόματα πολλών καλλιτεχνών των οποίων τα ονόματα για ακρόαση, σε αντίθεση με τις εικόνες. Πώς να θυμάστε το χαρακτηριστικό του καλλιτέχνη και το στυλ του; Έχουμε ετοιμάσει μια σύντομη περιγραφή για όσους θέλουν να κατανοήσουν την εικαστική τέχνη:

Εάν οι άνθρωποι απεικονίζονται σε εικόνες με μεγάλο κώλο, βεβαιωθείτε ότι είναι Rubbins

Εάν οι άνθρωποι σε όμορφα ρόμπες στηρίζονται στη φύση - watto

Εάν οι άνδρες μοιάζουν με σγουρές γυναίκες, με Waibers - είναι caravaggio

Εάν η εικόνα με σκούρο φόντο απεικονίζεται ένας άνθρωπος με μια ευτυχισμένη έκφραση ενός προσώπου ή μαρτυρίου - τιτς

Εάν η εικόνα περιέχει πολυστρωματικές συνθέσεις, πολλοί άνθρωποι, αντικείμενα, χριστιανικά και σουρεαλικά μοτίβα είναι η Bosch

Εάν η εικόνα περιέχει πολυστρωματικές συνθέσεις και σύνθετα οικόπεδα, αλλά φαίνονται πιο ρεαλιστικά από τα έργα ζωγραφικής του Bosch, βεβαιωθείτε ότι είναι ένα bruegel.

Αν βλέπετε ένα πορτρέτο ενός άνδρα σε σκούρο φόντο σε ένα αμυδρό, κίτρινο φως - στρατόπεδο

Βιβλικά και μυθολογικά οικόπεδα που απεικονίζουν αρκετούς Chubby Amuriss - Francois Bush

Γυμνά, αντλημένα σώματα, ιδανικές μορφές, Michelangelo

Drawn Ballerina, είναι DEGAS

Αντίθεση, έντονη εικόνα με εξαντλημένα και γενειοφόρα άτομα - El Greco

Εάν η εικόνα δείχνει ένα κορίτσι με το Monobrov - είναι Frida

Γρήγορη και φωτεινά εγκεφαλικά επεισόδια, φωτεινά χρώματα και εικόνα της φύσης - Monet

Χρώματα φωτός και χαίρεται άνθρωποι - Ρεννοί

Φωτεινό, πολύχρωμο και κορεσμένο - van gogh

Μικρά χρώματα, μαύρα περιγράμματα και θλιβερά άτομα - Mana

Πίσω φόντο από την ταινία "ο άρχοντας των δαχτυλιδιών", με μια μικρή μπλε ομίχλη. Κυματιστά μαλλιά και αριστοκρατική μύτη Madonna - Ναι Vinci

Εάν το σώμα που εμφανίζεται στην εικόνα έχει μια ασυνήθιστη μορφή - Picasso

Χρωματιστά τετράγωνα, όπως το Exel-Evsky Έγγραφο - Mondrian

Η συζήτηση για το πώς οι διαφορετικοί καλλιτέχνες απεικονίζουν το ίδιο θέμα.
Danar: Δύο έργα ζωγραφικής για το πόσο άσπρο στα πλοία έφυγαν από τη Μπολσεβίκη Ρωσία.

α) Ivan Vladimirov (1869-1947). "Πτήση της μπουρζουαζίας από το Novorossiysk" (1926)

β) Dmitry Belyukin (R. 1962). "Λευκή Ρωσία. Exodus". 1992-4

Ποιος από αυτούς απεικονίζει σωστά ένα γεγονός; Ποιος από αυτούς τους καλλιτέχνες θα πρέπει να πιστέψει; - υποστηρίζουν τους σχολιαστές.

Εδώ ας δούμε το παράδειγμα των οποίων (καθώς και σε άλλους πίνακες) θα αναλύσουμε τι είναι γενικά "αλήθεια" στους πίνακες και ποιος θα πρέπει να πιστέψει.
Όπως αποδείχθηκε, μερικοί δεν καταλαβαίνουν.

Έτσι, για να απολαύσετε την έννοια του έργου της τέχνης, την ιστορία του, κλπ. (και όχι μόνο ξεχωριστή αισθητική τελειότητα, αρμονία), είναι πολύ χρήσιμο να καταλάβουμε τι ήταν ΣΤΟΧΟΣΟ καλλιτέχνης που δημιούργησε αυτό το έργο.

1) Εκφράστε τον εαυτό σας
(Περίληψη, θαυμασμός των αγαπημένων πραγμάτων)

Το έβαλα στην πρώτη θέση στον κατάλογο, διότι το 20-21ο αιώνα ο στόχος αυτός για τους καλλιτέχνες αισθάνεται το κοινό (και οι ίδιοι οι καλλιτέχνες, ίσως) ως προτεραιότητα.

Η κοινωνία κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ήταν μια τόσο πλούσια, μια τέτοια περίσσεια των πόρων σχηματίστηκε ότι η τέχνη θα μπορούσε να ασχοληθεί με έναν τεράστιο αριθμό ανθρώπων, καθώς και επαγγελματίες και μη επαγγελματίες. Όλοι όσοι θέλουν να σχεδιάζουν (γράψτε ποιήματα, μουσική, κάνουν εικόνες στο Instagram, κλπ.). Εξοικονόμηση, όπως ξέρω πώς να γλυπτούν ζυμαρικά / κλόουν κλόουν / ραφές, κλπ., Τι είμαι όμορφος, και τα παιδιά μου, και το γιοτ μου.

Ωστόσο, όταν χρησιμοποιείτε έργα απολύτως οποιουδήποτε είδους τέχνης μέσα (ζωγραφική, λογοτεχνία κ.λπ.), φροντίστε να θυμάστε ότι αυτή η ελευθερία, αυτός ο στόχος, είναι μια ιδέα της τέχνης ως "Instagrammer" καλλιτέχνη "είναι ένα επίτευγμα που έχει να γίνει διαθέσιμη στους δημιουργούς μόνο τον νεότερο χρόνο. Κατά τους προηγούμενους αιώνες, όσο περαιτέρω - η ισχυρότερη, μια τέτοια θέση ήταν απαράδεκτη, η ανικανότητα, θεωρήθηκε ως μια έκθεση ματαιοδοξίας. Σε καμία περίπτωση, κοιτάζοντας τα έργα των "παλιών πλοιάρχων", μην τους κρίνετε από τη θέση "Το έκανε, γιατί ήθελε τόσο πολύ". Φυσικά, δεν θα ήθελα - δεν θα έκανε, αλλά για την εποχή του ιμπρεσιονισμού που "ήθελε" wroves στον κατάλογο των στόχων κατά τη δημιουργία ενός έργου τέχνης πολύ, πολύ στην ουρά. Μην κρίνετε μόνοι σας, από τη θέση ενός ατόμου του 21ου αιώνα.

2) να εκφράσουν τους εσωτερικούς δαίμονες τους
(ή ερωτικές φαντασιώσεις)

Αλλά αυτό, αντίθετα, ο κλασικός στόχος της τέχνης, ένας από τους παλαιότερους.
Ο πρώτος δημόσιος στόχος της δημιουργίας τέχνης, πιθανότατα, ήταν θρησκευτικός (σαμανισμός για ένα καλό κυνήγι για μαμούθ, κηδεία τελετουργίες κλπ.), Αλλά το άτομο, προσωπικό στόχο των πρώτων συγγραφέων πιθανώς επίσης να εκφράσει τα συναισθήματά τους, τους φόβους, τα όνειρα.

Αλλά εδώ είναι ένα πολύ σημαντικό χαρακτηριστικό που διακρίνει το πρόσωπο της σύγχρονης εποχής - και το πρόσωπο του παρελθόντος, καλλιτέχνης του μοντερνισμού (αυτό ξεκινά με τους ιμπρεσιονιστές) - και πάλι, ο βαθμός ελευθερίας της έκφρασης αυτών των φαντασιών.

Να κατηγορήσουν την avant-garde και τη σύγχρονη τέχνη για το γεγονός ότι είναι ακατανόητα και δεν είναι ρεαλιστικά - δεν αξίζει τον κόπο. Αυτό συνέβη, επειδή η ίδια η ζωή στον εικοστό αιώνα σε παγκόσμιο επίπεδο άλλαξε. Εδώ, έγινε μια σέξι επανάσταση, και έγινε δυνατή η περπατώντας μέσα από τους δρόμους σε σχεδόν ένα σορτς, και ακόμη και χωρίς εσώρουχα. Λοιπόν, η τέχνη - πώς να το αντιδράσει για αυτό, να αντιδράσει, να κάνει ό, τι θέλετε να κάνετε; Οι γυναίκες χωρίς εσώρουχα στην τέχνη είναι εντελώς δωρεάν, οι καλλιτέχνες έχουν σχεδιάσει πεντακόσια χρόνια, δεν θα εκπλήξετε κανέναν. Έτσι, η σεξουαλική επανάσταση στις εικαστικές τέχνες εκφράστηκε σε άρνηση ρεαλισμού, Naturopodobios. Στην πραγματικότητα, από όλους τους κανόνες της εικαστικής τέχνης, τα προηγούμενα πεντακόσια χρόνια εφευρέθηκαν. Αυτή είναι μια εντελώς κανονική αντίδραση των καλλιτεχνών για το τι συνέβη σε παγκόσμιο επίπεδο στην κοινωνία γενικά. Τι είναι, το κόκκινο, παραμένουν αξιοπρεπείς όταν όλοι γύρω κάνουν ό, τι θέλουν;

Έτσι, θυμηθείτε, ο καλλιτέχνης των πρώην αιώνων, που εκφράζει τους δαίμονες του, είχε σαφή όρια που του επιβλήθηκε από την κοινωνία. Και για να το εκφράσει, έπρεπε να βρει το σωστό, κατοχυρωμένο ποσοστό κόγχων (κοινωνία), μια αξιοπρεπή εξειδικευμένη.
Κατά κανόνα, αυτά ήταν όλα τα είδη φρικτών θρησκευτικών τέχνης.

Στην περίπτωση των ερωτικών φαντασιών, ήταν ευκολότερο - δεν δημοσιεύθηκαν από την ART (με εξαίρεση το Frank Porn, καθώς και τα πολύ ρεαλιστικά μικρά πράγματα όπως η ηβική τρίχα).

Η ελευθερία αρχίζει να εμφανίζεται ως προσωπικότητα του συγγραφέα, ατομικότητα, όταν ο καλλιτέχνης παύει να αισθάνεται τον τεχνίτη του και γίνεται "ποιητής". Έτσι, στα τέλη του 18ου αιώνα λαμβάνουμε το Miragei Goya, William Blake, Fusli, κλπ., Όλος ο ρομαντισμός. Και έτσι η ατομικότητα δεν ενθάρρυνε πάντοτε, για παράδειγμα, στη μεσαιωνική θρησκευτική τέχνη, βάλτε την υπογραφή του συγγραφέα σε μερικές εποχές ήταν απλά άσεμνη (έτσι γνωρίζουμε τόσο λίγους κύριους αυτών των εποχών).

Σε γενικές γραμμές, δεν πρέπει να μετρήσετε μόνος μου, πρέπει να προσπαθήσετε να παρεμβάλλετε.

3) χρήματα

Επίσης, ένας παλιός στόχος της δημιουργίας ενός έργου είναι ομοίως εξαιρετικά δημοφιλής.
Πολύ, πολύ αξιοπρεπής στόχος. Είναι αυτή που κάνει τους καλλιτέχνες να τελειώσουν ακόμα το έργο τους στο τέλος, διότι διαφορετικά ο πελάτης δεν θα πληρώσει, είναι αυτός που κάνει τους ανθρώπους να σηκώσουν από τον κλίβανο και να αναζητήσουν μια δουλειά να τροφοδοτούν τα παιδιά, να βελτιώσουν τις δεξιότητές τους και να μην γυρίζουν σε UG.
Επειδή η αγορά υπαγορεύει πάντα (υπαγορεύεται) και κανείς δεν αγόρασε κακά ζωντανά.

(Φανταστείτε, ανεξάρτητα από το πόσο δροσερό, εάν ο Leonardo da Vinci κατέβαλε στην πραγματικότητα στην πραγματικότητα, ναι, θα εξακολουθεί να είναι μια 10ετή εγγύηση; Θα εφαρμόσει το αιχμηρό μυαλό του στα θέματα διατήρησης και μπροστά μας θα είχαμε πολλά περισσότερα. .. Αλλά δυστυχώς, κατάφερε να αντλήσει την προσωπική του μάρκα, και πληρώνει απλά για το όνομα).

Αλλά και πάλι, πρέπει να καταλάβετε τη διαφορά μεταξύ του καλλιτέχνη-μοντέρνου και του "παλιού master". Η οικονομία έχει αλλάξει πάρα πολύ και επηρεάζει. Οικονομία και τεχνική πρόοδο. Η δημιουργία της εικόνας ήταν κυρίως σκάφος, εργασία και όχι η πτήση της σκέψης της ιδιοφυΐας. Πάρτε την αρχιτεκτονική, είναι πιο αμετάβλητη με αυτή την έννοια: Εδώ αποφασίζετε να χτίσετε ένα αρχοντικό. Πήγαν στον αρχιτέκτονα, εξέφρασαν τις επιθυμίες τους, υπέγραψαν σύμβαση. Έφτασε ένα σκίτσο, εγκεκριμένο, έχτισε ένα τούβλο σπίτι, χωρισμένο μάρμαρο, πλήρωσε τον αρχιτέκτονα, τότε εφαρμόστε ένα σπίτι για το σκοπό αυτό. Η ίδια ζωγραφική πόνου ήταν: 1311, η κοινότητα του καθεδρικού ναού αποφάσισε να παραγγείλει μια εικόνα βωμού, να πω ότι ο Duccho, οι εκφρασμένες επιθυμίες, υπέγραψαν σύμβαση στα σημεία. Ο Dutcho παίρνει ένα ακριβό ξύλινο σκάφους, τέλεια προετοιμασμένο και ακόμη και ένα τεράστιο μέγεθος και σύνθετο σχήμα. Χρώματα: Πυρκαγμένα Lazuli, μαλακό μπλε, που έφεραν από την Ινδία, και στέκεται στα χέρια σου. Το επιχρυσωμένο είναι επίσης κάπως φθηνό, κλπ.

Ο κανονικός αρχιτέκτονας στη μέση της κατασκευής του αρχοντικού δεν θα εμπνεύσει την έννοια, επειδή είναι ο συγγραφέας, ο δημιουργός, ήθελε τόσα πολλά, ξέρει ότι αυτό το συμπόσιο δεν βρίσκεται σε δαπάνες. Ο καλλιτέχνης, επίσης, ήταν υποχρεωμένος να εκπληρώσει απλά το έργο του καλά, να περάσει την παραγγελία εγκαίρως (οι σύγχρονοι σχεδιαστές θα καταλάβουν τώρα και να τους αφήσουν να ζήσουν: εκείνες τις μέρες δεν υπήρχαν emeyov, οπότε κανείς δεν μπορούσε συχνά να ζητήσει να "παίξει γραμματοσειρές" ).

Η αγορά τέχνης έχει περάσει από καιρό στη συνήθη συνάντηση του κινηματογράφου μας σήμερα: όταν ένας τόσο λαμπρός καλλιτέχνης κάθεται στο εργαστήριο, κατευθύνθηκε από τους κομψούς του πίνακες. Εδώ, ένας φίλος έρχεται σε αυτόν και οδηγεί τους πλούσιους Αμερικανούς φίλους του που είναι ευχαριστημένοι: "Και το παίρνουμε, και αυτό είναι, και αυτό είναι που έχετε, τυλίγετε!".
Πριν από αυτό υπήρχε ένα άλλο στάδιο, το οποίο μπορεί να συγκριθεί με την αρχιτεκτονική, αλλά με κέικ. Εδώ έχετε ένα φούρνο σπιτιού και χρήματα για πρώτες ύλες για 10 κέικ. Ειδικοί πελάτες που έχουν υπογράψει μια σύμβαση για τα κέικ σας δεν είναι, αλλά γνωρίζετε ότι κατ 'αρχήν οι άνθρωποι πηγαίνουν σε σας. Δεν θα κάνετε 20 κέικ, επειδή τόσοι πολλοί αγοραστές δεν σας φτάνουν. Πρέπει να πουλήσετε τα πάντα που ψήνονται, αλλιώς δεν θα έχετε χρήματα για την αγορά νέων πρώτων υλών. Βλέπετε, τα χρώματα κοστίζουν ακριβό, ο καμβάς κοστίζει ακριβό (αλλά φθηνότερο από το παλιομοδίτικο ξύλο, στο επόμενο. Θα το αναφέρει λεπτομερώς το εργαστήριο - ακριβό. Τον 17ο αιώνα στην Ολλανδία, γιατί είναι οι ακόμα "μικρές ολλανδικές" γραπτές ακόμα ζωφάνες, τα οικιακά σκηνικά και τα τοπία; Επειδή η χώρα έχει γίνει πολύ ευημερούσα και κάθε τοπικός κάτοικος θα μπορούσε να αντέξει (και επιτρέπεται) να έρθει στο "κατάστημα τελικών ζωγραφιών" και να επιλέξει μια ομορφιά στον τοίχο. Κατά συνέπεια, υπήρχε ένα πολύ παχύ στρώμα καλλιτεχνών που εξυπηρετούν αυτές τις μεταχειριστές.

Λοιπόν, τελικά, τον 19ο αιώνα εμφανίζεται ο τρόπος ζωής του καλλιτέχνη, που μας φαίνεται από τη στέγαση: με μια δέσμη καμβά γραπτή "στο τραπέζι" που θα ήταν καλό να πουλήσει, αλλά δεν μπορεί, ακόμα Βρείτε ότι είναι δυνατόν να φάτε και αφήστε το να κρεμάσει στους τοίχους που δεν πωλούνται.
Δεν καθορίζομαι τις κοινωνικές, ιδεολογικές, ψυχολογικές πτυχές, μόνο για την οικονομία.
Οι καλλιτέχνες ανησυχούσαν στο Παρίσι όχι μόνο επειδή υπήρχε δροσερό σε ηλίθιο, αλλά και επειδή το μέσο της υπηρεσίας τους σχηματίστηκε στην πόλη: οι έμποροι σε χρώματα και καμβά (παραγγέλθηκαν χύμα, έτσι πωλούν φθηνότερα), πολλοί mansard μισθωμένοι, Οι προσομοιωτές έρχονται σκόπιμα στα κέρδη, οι αγοραστές επιτυγχάνουν σκόπιμα να αγοράσουν και ούτω καθεξής.
Σήμερα είναι γενικά τόσο φτηνό που ο καθένας μπορεί να κάνει τέχνη, αλλά να κερδίσει αρκετά διαφορετικό (ίσως, έτσι ώστε να έχουμε τόσο πολλά σκουπίδια στο τέλος;)

Έτσι, για να καταλάβετε γιατί η εικόνα σχεδιάζεται, προσπαθήστε να το καταλάβετε όσον αφορά τα χρήματα - ο καλλιτέχνης την έγραψε για μια συγκεκριμένη σειρά; Ακριβώς για την πώληση των Burghers, στο τραπέζι (επειδή το κυλάει), ως δώρο μαμά ή τι;

4) δόξα
(και σύζευξη)

Επίσης ένα πολύ κατανοητό κίνητρο. Αληθινή, όχι πολύ αρχαία, θυμηθείτε αυτό. Οι καλλιτέχνες άρχισαν να καθοδηγούνται από το στόχο της απόκτησης δόξας κατά τη δημιουργία έργων τέχνης μόνο ξεκινώντας από μια ορισμένη περίοδο (Just Fame, και όχι μια φήμη + πολλούς πελάτες). Στο Μεσαίωνα, όπως είπα, η ζωγραφική ήταν απλά σκάφος, το ίδιο με ένα κόσμημα ή έπιπλα. Στην εποχή της Αναγέννησης, οι καλλιτέχνες αρχίζουν να αυξάνουν τα κεφάλια τους και σταδιακά, οι δυνάμεις της γραφής της γραφής της νοημοσύνης (για παράδειγμα, Vazari), δημιουργούν μια λατρεία γύρω από τις τάξεις τους, το μετατρέποντάς το από τη βιοτεχνία στην τέχνη. Η υπογραφή των ονόματός σας γίνεται ο κανόνας. Σταδιακά (αργά) για να είναι ένας καλλιτέχνης γίνεται δροσερός (αν και η ανώτερη κοινωνία εξακολουθεί να μην τους αποδέχεται ιδιαίτερα). Μια παρόμοια διαδικασία με τη δράση - ανά πάσα στιγμή είναι το χαμηλότερο προσωπικό εξυπηρέτησης, το οποίο απαγορεύεται να θάψει σε αφηρημένη γη και θεωρείται μαζί με το Harlot. Τώρα έγιναν το Γιορτή της Βασιλικής Κατάταξης.

Σε γενικές γραμμές, στο έργο πολλών καλλιτεχνών υπάρχουν έργα λογισμικού που έγραψε ο συγγραφέας χωρίς συγκεκριμένη σειρά από την υπόθεση και απλώς και μόνο επειδή η έμπνευση ήρθε σε αυτόν. Δημιουργήθηκε από αυτόν, κατανοούσε σαφώς (καλά, τουλάχιστον ελπίζαμε) ότι "smelted" θα γίνει διάσημη γι 'αυτούς. Εάν τα αστέρια συμφωνούν, και στην εικόνα ήταν δυνατό να συνδέσετε την αισθητική (ομορφιά) με αυτό το αόριστο, στριμμένο στον αέρα, η εικόνα αρχίζει να αναπτύσσεται. Και πραγματικά εισέρχεται στην ιστορία ως αριστούργημα. (Προσοχή, παιδιά: αριστούργημα - Αυτό δεν είναι συνώνυμο με τις λέξεις "εικόνα", ο καλλιτέχνης για τη ζωή μπορεί να γράψει 200 \u200b\u200bυφάσματα και μόνο 1 αριστούργημα, και θα θυμόμαστε μόνο εξαιτίας αυτού).

Έγραψε μερικούς μήνες μετά την εκδήλωση που απεικονίζεται.

Οι μεγάλοι καλλιτέχνες είναι μόνο εκείνοι που μπορούν να αντλήσουν καλά (ανατομικά σωστά, να συνδυάσουν αρμονικά τα χρώματα κ.λπ.) + ταυτόχρονα αισθάνεται το πνεύμα του χρόνου και μπορεί να το αντανακλούν. Επομένως, μπορεί να είναι πολλά καλά συρτάρια, αλλά λίγο πραγματικά μεγάλοι δάσκαλοι (ακόμη και στην Αναγέννηση). Κάποιοι βρίσκουν μόνο 1 χρόνο στη ζωή και δημιουργούν αυτό το "εξαιρετικό αριστούργημα" (για παράδειγμα, τον "άνισο γάμο" του Pukireva ή). Άλλοι, όπως ο David ή η Repin, θα παράγουν συνεχώς τέτοιες γραμμές. Δεν χρειάζεται να σκεφτείτε ότι ο καλλιτέχνης κάθεται σε μια καρέκλα και λέει "Τώρα είμαι ένα αριστούργημα ζωγραφικής και θα αξίζουν μια δόξα". Έτσι, φυσικά, δεν λειτουργεί. Οι καλλιτέχνες (συγγραφείς, μουσικοί) αυτής της υψηλής κατηγορίας mastery των αριστουργημάτων γεννιούνται λόγω του συνδυασμού εξαιρετικών εγγυήσεων, μόνιμων ασκήσεων (άντληση δεξιοτήτων). Και λόγω της απίστευτα ανεπτυγμένης διαίσθησης. Και η διαίσθηση, όπως είναι γνωστή, άντληση αν επαναλάβετε οτιδήποτε ένα εκατομμύριο φορές, τότε ο εγκέφαλος κάνει ένα αιχμηρό άλμα υψηλής ποιότητας και αρχίζει να εκδίδει γρήγορα και αυθόρμητα. Και ο συγγραφέας του αποτελέσματος φαίνεται ότι ο εγκέφαλος δεν έχει κάνει πραγματικά τον εγκέφαλο, κατέβηκε από τον ουρανό - εφευρέθηκε ότι η έκφραση εφευρέθηκε ότι ο συγγραφέας επισκέφθηκε τη Muse.

Σε γενικές γραμμές, οι καλλιτέχνες αυτής της περιοχής γράφουν φωτογραφίες όχι για χάρη της δόξας και όχι για να απαλλαγούμε από τους δαίμονες τους, αλλά για πιο πολύπλοους λόγους. Γίνονται σαν ραδιοφωνικός δέκτης που καταγράφει τις προσδοκίες της γύρω κοινωνίας, καθώς και το περιβάλλον δημόσιο κοινό, το ύφος που είναι τώρα μοντέρνο και ούτω καθεξής. - Και καταφέρνουν να τα ρίξουν όλα στον καμβά, περνώντας από τον εαυτό σας.
Έτσι αποδεικνύεται ένα αριστούργημα.
Εγγραφή, μην προσπαθήσετε να επαναλάβετε στο σπίτι.

Και εδώ, σε αυτή την κατηγορία, πρέπει να συμπεριληφθούν πιο πρακτικοί καλλιτέχνες, οι οποίοι συνειδητοποίησαν το κύμα, ραδιοφωνικά σήματα που αποστέλλονται από την κοινωνία (αλλά πρώτα απ 'όλα από το κράτος). Και παράγουν έργα ζωγραφικής να μην γίνουν διάσημοι (και να εισέλθουν στην ιστορία των τεχνών) και περισσότερο για να ζήσουν καλά και να έχουν οποιοδήποτε nishtyaki. Σε ορισμένες περιπτώσεις, μια τέτοια συγκέντρωση, η Rolapiege είναι μια προσωπική επιλογή του συγγραφέα, ή γενικά, ο κανόνας για την εποχή αυτή (βλέπε παράξενο derzhavin, αφιερωμένο στην αυτοκράτειρα). Τον 20ο αιώνα, στις συνθήκες των ολοκληρωτικών κρατών, όπως καταλαβαίνετε, το ερώτημα δεν ήταν μόνο στην απόκτηση χρημάτων και μερικές φορές αποκρίνονται στην επιβίωση. Αλλά, καθώς οι πολυάριθμες ψυχολογικές μελέτες όλων των συνδρόμων της Στοκχόλμης δείχνουν, το πιο τρομερό που οι άνθρωποι, συμπεριλαμβανομένων των καλλιτεχνών, αρχίζουν να πιστεύουν ειλικρινά και να δοξάσουν. Έτσι παραμείνετε ένας ψυχρό αίμα σε τέτοιες συνθήκες - ίσως, όχι μια τέτοια κακή έκδοση, Eh;

5) Sermon

Και έτσι, ο πιο ασθενής και έξυπνος των αναγνώστες μου που έχουν έρθει σε αυτό το μέρος των φύλλων μου, τώρα που καταλαβαίνετε τους θεμελιώδεις, βασικούς στόχους, φτάσαμε σε εκείνο που συνδέεται με δύο εικόνες για το λευκό στην Κριμαία, από την οποία Αυτό το κείμενο άρχισε.

Αυτός ο στόχος του έργου τέχνης είναι να εκφράσει τις ιδέες του συγγραφέα, την ιδέα του στον κόσμο, για το τι είναι σωστό και λάθος. Ας λείψουμε το πρώτο ζευγάρι χιλιάδες χρόνια, όλα είναι απλά: αυτό είναι όταν ο καλλιτέχνης που πιστεύεται στους θεούς, και στη συνέχεια στον Θεό και εξέφρασε την πίστη του, μια προσευχή, δημιουργώντας ένα "εικονίδιο", μια εικόνα του μιλάνου και έτσι κατανοώντας το Αρχοντας. Καλή εικονίδια ζωγράφους και σήμερα συνεχίζουν να το κάνουν. Χρειαζόμαστε επίσης μια νέα στιγμή που καθίσταται δυνατή η κλήρωση στην τέχνη όχι μόνο πίστη. Πάνω, έγραψα ότι ξεκινώντας με τους Αναγεννησιακούς καλλιτέχνες να μετατρέψουν σταδιακά στη συνείδηση \u200b\u200bτου κοινού από τους τεχνίτες στους δημιουργούς, τα στοιχεία τους είναι ρομαντισμένα. Οι καλλιτέχνες γίνονται προσωπικότητες, το ceboribitis, το πιο σημαντικό - όπως και στο κεφάλι της. Αποφασίζουν ότι είναι διαιτητές απόψεων και πρέπει να διδάξουν στους ανθρώπους την αλήθεια, να κηρύξουν. (Γιατί όχι; Το κύριο πράγμα είναι να δοκιμάσετε, αλλά όχι καθόλου αποδεικνύεται).

Έτσι, η αποστολή εμφανίζεται στην τέχνη.
(Με την ευκαιρία, για τους στόχους από την τέχνη, πρέπει να μιλήσουμε ξεχωριστά - δεν ταιριάζουν με τους στόχους των καλλιτεχνών καθόλου).

Και εδώ καταλαβαίνετε τι είδους πράγμα. Είναι ένα πράγμα όταν οι καλλιτέχνες με ένα ισχυρό σχολείο που στέκονται στους ώμους των γιγάντων ασχολήθηκαν με το "κήρυγμα". Και τότε αυτά τα έργα του 19ου αιώνα είναι μερικές φορές ενοχλητικές, ηθικοποιημένες ηθικά αλλάζουν και η ιστορία παρουσίασε όλα τα είδη μαθήματα.
Αλλά τον 20ό αιώνα, για κάποιο λόγο, καλλιτέχνες - Vasilyev, Glazunov, Rygenko, Nesterenko, Glazunov, Ράγκμπι, Nesterenko, ειδικά το αγαπούσε αυτό, και αν περπατούσε σε αυτόν τον κατάλογο από την αρχή, τότε επιτυγχάνεται μια ενδιαφέρουσα κατάσταση. Το θέμα του αγαπημένου μου (γάτες, παιδιά) δεν ενδιαφέρονται - λεπτώς, τους τραβούν σε παγκόσμια επιτεύγματα. Δεν έχουν δαίμονες και ερωτικές φαντασιώσεις, είτε δεν είναι καθόλου ενδιαφέρον (και αυτό αμέσως στερεί το έργο του Peppercorn, βλέπε Konstantin Vasilyev, ο οποίος, σε αντίθεση με άλλα πράγματα, ο εισηγμένος εξακολουθεί να έχει τις δικές του φετίχνες και πώς ξεχωρίζει θετικά, κάνει ένα ειδικό, αποθηκευμένο).