Από τον XII αιώνα. Στην τέχνη, αντανακλάται από την Αντίθετη, χαρακτηριστική της αισθητικής του Μεσαίωνα, όταν η ιερή μουσική - το "νέο τραγούδι" αντιτίθεται στο "παλιό", δηλαδή, παγανιστική μουσική. Ταυτόχρονα, η οργάνωση της μουσικής τόσο στη δυτική όσο και στην ανατολική χριστιανική παράδοση διαρρεύσει λιγότερο αξιόλογο φαινόμενο από το τραγούδι.

"Maastricht Class", Maastricht Rite. Το πρώτο τρίμηνο του αιώνα XIV. Κάτω Χώρες, Λιέγη. Βρετανική βιβλιοθήκη. Stowe MS 17, F.160R / Λεπτομέρεια μικρογραφίας από τις ώρες Μάαστριχτ, Κάτω Χώρες (Λιέγη), 1ο τρίμηνο του 14ου αιώνα, Stowe MS 17, F.160R.

Η μουσική είναι αδιαχώριστη από τις διακοπές. Παρακολουθώντας τους ηθοποιούς συνδέονται με τις διακοπές στη μεσαιωνική κοινωνία - επαγγελματικές διασκέδαση και διασκεδαστές. Οι άνθρωποι αυτού του σκάφους που έχουν κερδίσει την εθνική αγάπη, σε γραπτά μνημεία κλήθηκαν διαφορετικά. Συγγραφείς εκκλησίας που χρησιμοποιούνται από παραδοσιακά αρχαία ρωμαϊκά ονόματα: MIME / MIMUS, Pantomimism / Pantomimus, Gistrius / Histrio. Το γενικά αποδεκτό ήταν ο λατινικός χρήστης Yokulator / Jockator - Joker, Funny, Balagen. Εκπρόσωποι των απολαύσεων κλήθηκαν χορευτές / αλλαντικά. Jesters / Balatro, Scurra; Μουσικοί / μουσικός. Μουσικοί που διακρίνονται από τον τοκετό: Citharista, Cymbalista, κλπ. Ειδική διανομή έλαβε το γαλλικό όνομα "Juggler" / Jongleur; Στην Ισπανία, αντιστοιχούσε στη λέξη "Hugar" / Junglar. Στη Γερμανία - "Spielman" / Spielmann, στη Ρωσία - "Skomorok". Όλα αυτά τα ονόματα είναι πρακτικά συνώνυμα.

Σχετικά με μεσαιωνικούς μουσικούς και μουσική - σύντομα και αποσπασματικά.

2.

Maastricht χαρακτήρα, BL Stowe MS 17, F.269V

Εικονογραφήσεις - Από το ολλανδικό χειρόγραφο του πρώτου τριμήνου του αιώνα XIV - ο «χαρακτήρας του Μάαστριχτ» της Βρετανικής Βιβλιοθήκης. Οι εικόνες των περιθωριακών συνόρων σάς επιτρέπουν να κρίνετε τη συσκευή μουσικών οργάνων και για τον τόπο της μουσικής στη ζωή.

Από το XIII αιώνα, οι αδέσποτοι μουσικοί αγωνίζονται πιο ενεργά σε κάστρα και πόλεις. Μαζί με τους Ιππότες και τους εκπροσώπους του κληρικού, το Court Minesters περιβάλλει τους στεφανωμένους προστάτες τους. Οι μουσικοί και οι τραγουδιστές είναι απαραίτητοι συμμετέχοντες στους κατοίκους των κατοίκων των ιπποτικών κάστρων, οι δορυφόροι ερωτευμένοι με τους ιππείς και τις κυρίες.

3.

f.192V.

Εκεί οι σωλήνες και οι θρόμβοι βροντή, σαν να είχαν βροντή,
Και τα φλάουτα και στροβιλίζεται δαχτυλίδια ασήμι,
Ο ήχος της άρπα και των βιολιών συνοδεύει το τραγούδι,
Και πολλοί νέοι τραγουδιστές που έλαβαν για ζήλο.

["Kudruna", γερμανικό επικό ποίημα του XIII αιώνα.]

4.

f.61V.

Η θεωρητική και πρακτική μουσική συμπεριλήφθηκε στο πρόγραμμα της μάθησης του τέλειου ιππότη, τιμήθηκε με μια ευγενείς εξελιγμένες διασκέδαση. Ιδιαίτερα Loved Singer Viola με τις απαλές χορδές της και μελωδική άρπα. Το φωνητικό σόλο συνοδεύτηκε από το παιχνίδι σε βιόλα και η άρπα όχι μόνο οι jugglers είναι επαγγελματίες καλλιτέχνες, αλλά και ευγενείς ποιητές και τραγουδιστές:

"Το Tristrah ήταν ένας πολύ ικανός φοιτητής και σύντομα επεξεργάστηκε τις επτά μεγάλες τέχνες και πολλές γλώσσες. Στη συνέχεια σπούδασε επτά είδη μουσικής και έγινε διάσημος ως διάσημος μουσικός που δεν ήταν ίσος. "

["Saga Tristrama και Isonda", 1226]

5.


f.173V.

Tristan και Isolde σε όλες τις λογοτεχνικές σταθεροποίηση των θρύλων - εξειδικευμένων θεριστών:

Όταν τραγουδούσε - έπαιξε
Τότε τον αντικατέστησε ...
Και αν τραγούδησε ένα - άλλο
Το Harp χτύπησε το χέρι του.
Και τραγουδώντας γεμάτο λαχτάρα,
Και τους ήχους των χορδών από το χέρι
Συγκλίνονταν στον αέρα και εκεί
Αφαιρέστε μαζί στον ουρανό.

[Gottfried Strasbourg. Τριστάν. Το πρώτο τρίμηνο του XIII αιώνα.]

6.


f.134r.

Από τις "βιογραφίες" του Προβηγκουλίου Troubadurov, είναι γνωστό ότι μερικοί από αυτούς αυτοσχέδια σε εργαλεία και στη συνέχεια ονομάζονται "Violar".

7.


f.46r

Ο αυτοκράτορας της Ιερής Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας του Γερμανικού έθνους της Friedrich II Staufen (1194-1250) "έπαιξε διαφορετικά εργαλεία και εκπαιδεύτηκε στο τραγούδι"

8.

f.103R.

Στην άρπα, οι γυναίκες και άλλα εργαλεία έπαιξαν από τις γυναίκες, κατά κανόνα, jugglers, περιστασιακά - κορίτσια από ευγενείς οικογένειες και ακόμη και το υψηλότερο άτομο.

Έτσι, ο γαλλικός δικαστικός ποιητής XII αιώνα. Ένιωσα το βασίλισσα-wiseist: "Η βασίλισσα τραγουδά γλυκά, το τραγούδι συγχωνεύεται με το εργαλείο. Καλά τραγούδια, όμορφα χέρια, η φωνή είναι απαλή, ακούγεται ήσυχο "

9.


f.169V.

Τα μουσικά όργανα διακρίνονταν από μια ποικιλία και βελτιώθηκαν σταδιακά. Σχετικά εργαλεία μιας οικογένειας σχημάτισαν πολλές ποικιλίες. Δεν υπήρξε αυστηρή ενοποίηση: οι μορφές και οι διαστάσεις τους εξαρτώνται σε μεγάλο βαθμό από την επιθυμία του κατασκευαστή. Σε γραπτές πηγές, τα ίδια εργαλεία συχνά φορούσαν διάφορα ονόματα ή, αντίθετα, διάφοροι τύποι κρύβονται με τα ίδια ονόματα.

Οι εικόνες των μουσικών οργάνων με κείμενο δεν συνδέονται - δεν είμαι ειδικός σε αυτό το θέμα.

10.


f.178V.

Η ομάδα οργάνων συμβολοσειράς υποδιαιρείται στην οικογένεια τόξου, λαούτου και άρπα. Χορδές από στριμμένα ψωμιά, ιπποδύναμη ή μεταξωτά νήματα. Από το XIII αιώνα. Έγιναν όλο και περισσότερο από χαλκό, χάλυβα και ακόμη και ασήμι.

Εργαλεία βαρελιού που έχουν το πλεονέκτημα του συρόμενου ήχου με όλα τα ημίτονα, ταιριάζουν στο καλύτερο για να συνοδεύσουν τις φωνές.

Μουσική μουσική του Παρισιού του XIII Century John de Grorhaio / Groameio έβαλε βιόλα στην πρώτη θέση μεταξύ των χορδών: σε αυτό "όλες οι μουσικές μορφές μεταδίδονται στενά", συμπεριλαμβανομένου του χορού

11.

f.172r

Το φεστιβάλ δικαστηρίου ζωγραφικής στο επικό "Wilhelm von Veden" (1290), ο γερμανικός ποιητής Ulrich Von Eschenbach υπογράμμισε το Vie:

Από όλα που άκουσα να κλίνει,
Vila μόνο σκόνη.
Είναι χρήσιμο να ακούσετε όλες τις.
Δεδομένου ότι η καρδιά τραυματίζεται δικά σας,
Τότε αυτό το αλεύρι θα θεραπευτεί
Από τη γλυκύτητα του ήχου.

Εγκυκλοπαίδεια μουσικής [Μ.: Σοβιετική Εγκυκλοπαίδεια, Σοβιετικός συνθέτης. Ed. Yu. V. Keldysh. 1973-1982] Αναφέρει ότι το Vila είναι ένα από τα γενικά ονόματα των μεσαιωνικών εργαλείων χορδών. Και τι σημαίνει Ulrich Von esenbach - δεν ξέρω.

12.

f.219V. Κάντε κλικ στην εικόνα - το εργαλείο είναι μεγαλύτερο

14.

f.216V.

Στις απόψεις του λαού του Μεσαίωνα, η οργάνωση μουσικής ήταν βερνικωμένη, κατέκτησε πολικές ιδιότητες και προκάλεσαν άμεσα αντίθετα συναισθήματα.

"Βρίσκεται στην κενή λιπαρή, άλλοι - στην καθαρή χαρά της πεθαίνουν, και συχνά στα ιερά δάκρυα" [Petrarch].

15.

f.211V.

Πιστεύεται ότι η αγέννητη και συγκρατημένη μουσική, η μαλακτική ηθική, εισάγει τις ψυχές στη θεϊκή αρμονία, διευκολύνει την κατανόηση των μυστικών της πίστης.

16.


f.236V.

Αντίθετα, οι συναρπαστικές οργιαστικές μελωδίες εξυπηρετούν τη διαφθορά της ανθρώπινης φυλής, οδηγούν σε παραβίαση των εντολών του Χριστού και την τελική καταδίκη. Μέσα από την αδιάβροχη μουσική στην καρδιά, πολλές γέλις διεισδύουν.

17.


f.144V.

Οι εκκλησιαστικοί ιεραρχοί ακολούθησαν τις διδασκαλίες του Πλάτωνα και την Boation, σαφώς χωρισμένα από την ιδανική, ανυψωμένη "αρμονία του ουρανού" και την καθήκον, άσεμνη μουσική.

18.


f.58R.

Οι τερατώδες μουσικοί που είναι αφθονικοί τομείς των γοτθικών χειρογράφων, συμπεριλαμβανομένου του χαρακτήρα του Μάαστριχτ - την ενσάρκωση της αμαρτίας των βιοτεχνιών των τεμαχίων, των πρώην μουσικών, των χορευτών, των τραγουδιστών, των εκπαιδευτών ζώων, αφηγητής κλπ. Οι πτυχές ανακοινώθηκαν από τους "υπηρέτες του Σατανά".

19.


f.116r

Τα grotesque πλάσματα παίζουν πραγματικά ή γελοία εργαλεία. Ο παράλογος κόσμος της επιθετικής μυρωδιάς υβριδών τρομακτικού και αστείο ταυτόχρονα. "Σουρεαλιστικό" κακό, παίρνοντας αμέτρητα lichni, μεταφέρει και ξεγελάει με δόλια μουσική.

20.


f.208V.

Στην αρχή του αιώνα XI. Το Hiper Hip, ακολουθούμενο από τον Αριστοτέλη και το Boeziem επεσήμανε τρεις ιδιότητες ενός ατόμου: το πλάσμα είναι λογικό, θνητός που ξέρει πώς να γελάσει. Ο Notker θεωρούσε τον άνθρωπο και ικανό να γέλιο και προκαλώντας γέλιο.

21.


f.241r

Από τις διακοπές των θεατών και των ακροατών, μεταξύ άλλων, οι μουσικές εκκεντρικοί διασκορπίστηκαν, οι οποίοι συγκρατήθηκαν και έτσι σκίασε τους "σοβαρούς" αριθμούς.

Στα χέρια του γέλιου διπλασιάζονται στον "κόσμο προς τα έξω", όπου η συνήθης σχέση έχει μετατραπεί, καθώς τα εργαλεία άρχισαν να "ακούγονται" τα πιο φαινομενικά δεν είναι κατάλληλα για τα αντικείμενα.

22.


f.92V. Από τα ρούχα ενός μουσικού που παίζει έναν κόκορα, κοιτάζει από έναν κορμό δράκων

Η χρήση αντικειμένων στο ρόλο ασυνήθιστο γι 'αυτούς είναι μία από τις τεχνικές ενός κωμικού κωμωδίας Buffon.

23.


f.145V.

Η φανταστική Muzitsia ανταποκρίθηκε στην υδρησιμότητα των εορτασμών της περιοχής, όταν το συνηθισμένο πρόσωπο διαγράφηκε μεταξύ αντικειμένων, όλα έγιναν ασταθή, συγγενή.

24.

f.105V.

Στις απόψεις των διανοουμένων από τους αιώνες XII-XIII. Υπήρξε μια ορισμένη αρμονία μεταξύ του αποσυμπιεσμένου ιερού πνεύματος και αποκαλύπτοντας τη χαρά. Η γαλήνια, φωτισμένη "πνευματική διασκέδαση", η εντολή της αδιάκοπης "jog του Χριστού" είναι χαρακτηριστική των οπαδών του Francis της Ασίζης. Ο Φράνκης πίστευε ότι η συνεχής θλίψη δεν ήταν ο Κύριος, αλλά ο διάβολος. Στην αρχαία ποίηση, η χαρά είναι μια από τις υψηλότερες αρετές του δικαστηρίου. Η λατρεία του δημιουργείται από τη ζωή-επιβεβαιώνοντας την κοσμοθεωρία του troubadur. "Σε πολιτισμό πολλών ροπής και σοβαρούς τόνους, ακούγονται διαφορετικά: πέφτουν στα αντανακλαστικά τόνους γέλιου, χάνουν την εξαίρεση και τη μοναδικότητά τους, συμπληρώνονται από μια φορτωτική πτυχή."

25.

f.124V.

Η ανάγκη να νομιμοποιηθεί το γέλιο και τα αστεία δεν απέκλεψαν τον αγώνα εναντίον τους. Οι οδηγοί της πίστης επώνυμων ζυγών ως "μέλη της κοινότητας διαβόλου". Ταυτόχρονα, αναγνώρισαν ότι αν και jugglery - ένα θλιβερό σκάφος, αλλά επειδή όλοι πρέπει να ζήσουν, και θα είναι συνεπής με την τήρηση της ευπρέπειας.

26.

f.220r

"Η μουσική έχει μεγάλη δύναμη και επιρροή στο πάθος της ψυχής και του σώματος. Σύμφωνα με αυτό, διακρίνονται singles ή μουσικά frets. Μετά από όλα, μερικά από αυτά είναι τέτοια ώστε να ενθαρρύνουν τις διαστάσεις τους για ειλικρινείς, άψογους, ταπεινούς και αφοσιωμένους. "

[Nikolay Ore. Πραγματοποίηση στη διαμόρφωση των ιδιοτήτων. XIV αιώνα.]

27.


f.249V.

"Tympana, Lute, Harp και Kifara
Είναι ζεστά, και τα ζευγάρια περπατούσαν
Στον αμαρτωλό χορό.
Έχω ποτέ νύχτα
Τρόφιμα και εξαερισμό μέχρι το πρωί.
Έτσι ο Κερησίλη Mammon με τη μορφή ενός χοίρου
Και στους ναούς, ο σατανός ήταν άλμα. "

[Choserer. Οι ιστορίες του Canterbury]

28.


f.245V.

Κομμάτι μελωδίες, η οποία, "γαργαλής ακοής και εξαπατώντας το μυαλό, το uvo-μας δίνουν από το καλό" [John Zlatoust], θεωρήθηκαν ως εκφυλισμός της αμαρτωλής θέσης, την έξυπνη δημιουργία του διαβόλου. Με την αποσυντίθεσή τους επιρροή, είναι απαραίτητο να πολεμήσουμε με σκληρούς περιορισμούς και απαγορεύσεις. Αυτο-χαοτική μουσική των εσόδων - μέρος του κόσμου "Λειτουργία στο εσωτερικό", "Idolskoe λατρεία".

29.


f.209R

Το Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) αποδεικνύεται για την επιβίωση αυτών των προβολών (1878-1939), θυμόμαστε τον καθεδρικό ναό ArchPriest Khlynovsk, την επαρχία Saratov.

"Εμείς, πτυχιούχοι, έκανε μια εκδρομή στον τομέα της τέχνης, ιδίως στη μουσική: - αλλά θα παίξει, - και οι δοκοί κάτω από τα πόδια τους και σκουπίζουν ... και αν τα τραγούδια τραγουδούν nech-nete, - έτσι από το λαιμό των ουρών του Besky και να ανεβείτε, και να ανεβείτε. "

30.


f.129r

Και σε έναν άλλο πόλο. Αυτό που συμβαίνει από το Άγιο Πνεύμα συναρπαστική μουσική ενός υψηλού ιδανικού, η μουσική των σφαίρων αναφέρθηκε ως η ενσάρκωση της unearthly αρμονία του σύμπαντος που δημιουργήθηκε από τον Δημιουργό, εξ ου και οι οκτώ αποχρώσεις του Gregorian χορωδίου και ως εικόνα της συγκατάθεσης Η χριστιανική εκκλησία. Ένας λογικός και αναλογικός συνδυασμός διαφόρων ήχων που μαρτυρούν την ενότητα του άνετου χαλλαριού του Θεού. Η λεπτή συνέπεια της συνένωσης συμβόλιζε τις καλά συντονισμένες σχέσεις στοιχείων, εποχών κλπ.

Η σωστή μελωδία καθυστερεί και βελτιώνει το πνεύμα, αυτό το "καλεί για έναν εξαντλημένο τρόπο ζωής, διδάσκοντας εκείνους που είναι αφιερωμένοι στην αρετή, δεν επιτρέπουν τίποτα από μη οξικό, μη εγκεφαλικό επεισόδιο, ανυπόφορη" [Gregory Nissky, IV αιώνα.]

Υποσημειώσεις / λογοτεχνία:
Kudrun / ed. Ασφάλιστρο. R. V. Frenkel. Μ., 1983. Σ. 12.
Ο θρύλος του Tristan και του Isolde / Ed. Ασφάλιστρο. Α. Δ. ΜΙΚΗΧΩΩΒ. Μ., 1976. Σ. 223; C.197, 217.
Τραγούδι του Nibelungha / Per. Yu. Β. Korneeva. L., 1972. Ρ. 212. Τα "γλυκά νυχτερινά καρφωτικά" ακούγονται στους κήπους και το κάστρο.
Μουσική Αισθητική του Μεσαίωνα της Δυτικής Ευρώπης και της Αναγέννησης / του Sost. Κείμενα V. P. Shestakov. Μ., 1966. Σ. 242
Struve B. Α. Η διαδικασία σχηματισμού βιολιού και βιολιών. Μ., 1959, σελ. 48.
Cülkep. Mönche, Bürger, Minnesänger. Leipzig, 1975. Σ. 131
Darkevich Β. Π. Λαϊκής Πολιτισμός Μεσαίωνα: κοσμική ζωή διακοπών στην τέχνη των αιώνων IX-XVI. - M.: Science, 1988. Σ. 217; 218; 223.
Αισθητική της Αναγέννησης / SOST. V. P. Shestakov. Μ., 1981. Τ. 1. Σελ. 28.
Gurevich Α. Ya. Προβλήματα μεσαιωνικού λαϊκού πολιτισμού. Π. 281.
Bakhtin Μ. Αισθητική της λεκτικής δημιουργικότητας. Μ., 1979. Σελ. 339.
Petrov-Vodkin Κ. Σ. Khlyovsk. Χώρος ευελιδίδης. Σαμαρκάντ. L., 1970. Σελ. 41.
AVERINTSEV S. POETICS της λογοτεχνίας Runnenevizante. Μ., 1977. Σ. 24, 25.

Πηγές για κείμενο:
Darkevich Vladislav Petrovich. Η κοσμική εορταστική ζωή του Μεσαίωνα είναι οι αιώνες IX-XVI. Έκδοση δεύτερη, συμπληρωμένη. M.: Εκδότης "Indrik", 2006.
Darkevich Vladislav Petrovich. Λαϊκός πολιτισμός Μεσαίοι: κοσμική εορταστική ζωή στην τέχνη των αιώνων IX-XVI. - M.: Science, 1988.
V.P. Darkevich. Parady μουσικοί σε μινιατούρες γοτθικών χειρογράφων // "Γλώσσα τέχνης του Μεσαίωνα", Μ., "Επιστήμη", 1982.
Βοηθήσεις. Καθοδήγηση στη μουσική (περάσματα) // "Μουσική αισθητική του Δυτικού Ευρωπαίου Μεσαίωνα και Αναγέννηση" Μ.: "Μουσική", 1966
+ Σύνδεσμοι μέσα στο κείμενο

Άλλες καταχωρήσεις Με εικονογραφήσεις από τον χαρακτήρα του Μάαστριχτ:

ΥΣΤΕΡΟΓΡΑΦΟ. Περιδιόρισαν - σχέδια στα πεδία. Ορισμένες απεικονίσεις θα είναι πιθανώς ακριβέστερες για να καλέσουν τη μινιατούρα σε ένα μέρος της σελίδας.

Μουσική τέχνη Μεσαίωνα. Figy-Σημασιολογική Πλήρωση. Προσωπικότητα.

Μεσαίωνας - μακρά, καλύπτοντας περισσότερα από χίλια χρόνια ανάπτυξης της ανθρωπότητας.

Εάν στραφούμε στο εικονιστικό και συναισθηματικό περιβάλλον της περιόδου "ζοφερής μεσαιωνικής", όπως λέγεται συχνά, θα δούμε ότι ήταν γεμάτο με μια έντονη πνευματική ζωή, δημιουργική έκσταση και την αναζήτηση της αλήθειας. Η χριστιανική εκκλησία είχε ισχυρό αντίκτυπο στο μυαλό και τις καρδιές. Θέματα, ιστορίες και εικόνες των Αγίων Γραφών κατάλαβαν πώς η ιστορία που ξεδιπλώνεται από τη δημιουργία του κόσμου μέσα από τον ερχομό του Χριστού και μέχρι την ημέρα του τρομερού δικαστηρίου. Η γήινη ζωή θεωρήθηκε αντιληπτή ως ο συνεχής αγώνας των σκοτεινών και ελαφρών δυνάμεων, και η ψυχή ενός ανθρώπου ήταν η αναστολή αυτού του αγώνα. Η αποκατάσταση του τέλους του κόσμου διαπερνάται από την υδραυλική δυνατότητα των μεσαιωνικών ανθρώπων, ζωγραφίζει την τέχνη αυτής της περιόδου σε δραματικούς τόνους. Υπό αυτές τις συνθήκες, ο μουσικός πολιτισμός έχει αναπτύξει δύο ισχυρούς σχηματισμούς. Από τη μία πλευρά, η επαγγελματική εκκλησία μουσική, η οποία έχει περάσει σε όλη τη μεσαιωνική περίοδο, ένας τεράστιος τρόπος ανάπτυξης. Από την άλλη πλευρά, η λαϊκή μουσική δημιουργικότητα, η οποία διώχθηκε από εκπροσώπους της "επίσημης" εκκλησίας και κοσμικής μουσικής, που υφίστανται ερασιτέχνες, σε όλη σχεδόν ολόκληρη τη μεσαιωνική περίοδο. Παρά τον ανταγωνισμό αυτών των δύο κατευθύνσεων, έχουν υποβληθεί σε αμοιβαία επιρροή και μέχρι το τέλος αυτής της περιόδου τα αποτελέσματα της παρεμβολής της κοσμικής και της εκκλησιαστικής μουσικής έχουν γίνει ιδιαίτερα απτές. Από την πλευρά του συναισθηματικού-σημασιολογικού περιεχομένου, το πιο χαρακτηριστικό για τη μεσαιωνική μουσική είναι η κυριαρχία της τέλειας, πνευματικής και διδακτικής αρχής - τόσο σε κοσμικά όσο και σε εκκλησιαστικά είδη.

Η συναισθηματική και σημασιολογική περιεκτικότητα της μουσικής της χριστιανικής εκκλησίας κατευθύνθηκε στον έπαινο θεότητας, η άρνηση των επίγειας αγαθών για χάρη της ανταμοιβής μετά το θάνατο, το κήρυγμα της ασκητικότητας. Η μουσική συμπυκνώθηκε από μόνη της τι σχετίζεται με την έκφραση του "καθαρού", χωρίς κάθε "σωματική", την υλική μορφή της επιθυμίας για το ιδανικό. Ο αντίκτυπος της μουσικής εντατικοποιήθηκε από την ακουστική των εκκλησιών με τους ψηλούς θόλους τους που αντανακλούν τον ήχο και τη δημιουργία της επίδρασης της θείας παρουσίας. Ιδιαίτερα έντονα τη συγχώνευση της μουσικής με την αρχιτεκτονική που εκδηλώνεται με την εμφάνιση του γοτθικού στυλ. Η μουσική πολλαπλής φωνής που δημιουργήθηκε από αυτή τη φορά δημιούργησε την αναρρόφηση διογκώσεων, ελεύθερη σκούπισμα των ψήφων, επαναλαμβάνοντας τις αρχιτεκτονικές γραμμές του γοτθικού ναού, δημιουργώντας μια αίσθηση του άπειρου του χώρου. Τα πιο ζωντανά δείγματα μουσικών γοτθικών δημιούργησαν συνθέτες του καθεδρικού ναού Notre Dame - Magister Leonin και Magister Peroths, που ονομάζονται υπέροχα.

Μουσική τέχνη Μεσαίωνα. Είδη. Χαρακτηριστικά της μουσικής γλώσσας.

Ο σχηματισμός κοσμικών ειδών κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου παρασκευάστηκε από το έργο των αδέσποτων μουσικών - juggler, minstrelles και spiesπου ήταν τραγουδιστές, ηθοποιοί, τσίρκο και όργανα σε ένα άτομο. Στις Juggles, οι Spiers και τα Minstrels εντάχθηκαν επίσης Εγγύηση και Γολιάδα - Δυστυχώς φοιτητές και ξεφύγουν από τους μοναχούς που έχουν δικαίωμα στο "καλλιτεχνικό" μεσαίο γραμματισμό και μια ορισμένη εκδήλωση. Τα τραγούδια των ανθρώπων ακούστηκαν όχι μόνο στις αναδυόμενες εθνικές γλώσσες (γαλλικά, γερμανικά, αγγλικά και άλλα), αλλά και στα λατινικά. Οι περιπλανώμενοι φοιτητές και οι Σχολές (κατάλογοι) συχνά είχαν μεγάλη επιδεξιότητα στη λατινική δυσαρέσκεια, η οποία επισυνάπτεται μια ιδιαίτερη ευκρίνεια στα καταχωρηστικά τους τραγούδια που κατευθύνονται εναντίον των κοσμικών φεουδαρχιών και της καθολικής εκκλησίας. Σταδιακά, οι αδέσποτοι καλλιτέχνες άρχισαν να σχηματίζουν στόχους, εγκατασταθούν στις πόλεις.

Την ίδια περίοδο, ένας ιδιόμορφος "έξυπνος" ενδιάμεσος στρώσεων ορίζει - η ιπποσύνη, στο περιβάλλον του οποίου (σε περιόδους εκεχειρίας) επίσης φουσκώνει το ενδιαφέρον για την τέχνη. Τα κάστρα μετατρέπονται σε κέντρα ιππικής κουλτούρας. Η αψίδα των κανόνων της ιπποειδούς συμπεριφοράς απαιτούσε "Courti" (εξαίσια, ευγενική) συμπεριφορά. Τον 12ο αιώνα στην Προβηγκία με τα δικαστήρια των φεουδαρχικών δεξιών, η τέχνη γεννήθηκε Τρομβαδούροφ, που αντιπροσωπεύει τη χαρακτηριστική έκφραση του νέου Κιβονικού Πολιτισμού του Σίβο που διακηρύσσει τη λατρεία της γήινης αγάπης, απολαμβάνοντας τη φύση, τη γήινη χαρά. Στον κύκλο των εικόνων, η μουσική και η ποιητική τέχνη του Trubadurov γνώριζαν αρκετά είδη που συνδέονται κυρίως με στίχους αγάπης ή στρατιωτικά, επίσημα τραγούδια, αντανακλώντας τη στάση του υποτελού στο σουτάνιο του. Συχνά, οι στίχοι αγάπης του Trubadurov επιλέχθηκαν με τη μορφή του φεουδαρχικού υπουργείου: ο τραγουδιστής αναγνώρισε τον εαυτό του με την υποτελής κυρίες, η οποία ήταν συνήθως η σύζυγος του σιωπού του. Καθαρίζει την αξιοπρέπεια, την ομορφιά και την ευγένεια, δοξάσισε την κυριαρχία της και "εξασθενημένη" σε ένα δυσμενές στόχο. Φυσικά, αυτό ήταν πολύ υπό όρους που υπαγορεύεται από το δικαστήριο-τόρνο της εποχής. Ωστόσο, συχνά πίσω από τις υπό όρους μορφές του Υπουργείου Ιππότη έβαλαν ένα πραγματικό συναίσθημα, φωτεινό και εντυπωσιακό σε ποιητικές και μουσικές εικόνες. Η τέχνη του Trubadurov προχώρησε σε μεγάλο βαθμό για το χρόνο τους. Προσοχή στις προσωπικές εμπειρίες του καλλιτέχνη, η έμφαση στον εσωτερικό κόσμο μιας αγάπης και υποβοηθούμενης προσωπικότητας υποδηλώνει ότι οι αγωγοί αντιτάχθηκαν ανοιχτά τις τάσεις των περιουσιακών στοιχείων της μεσαιωνικής ιδεολογίας. Το Troubadour δοξάζει την πραγματική γήινη αγάπη. Βλέπει την "πηγή και την προέλευση όλων των παροχών".

Υπό την επιρροή της ποίησης του Troubadur, δημιουργικότητα ΠρασώνΑυτό ήταν πιο δημοκρατικό (οι περισσότεροι από τους οδηγούς προέρχονται από τους πολίτες) εδώ τα ίδια θέματα αναπτύχθηκαν εδώ και αναπτύχθηκε το καλλιτεχνικό στυλ των τραγουδιών. Στη Γερμανία, ένας αιώνας αργότερα (13ος αιώνας) σχηματίστηκε ΜινέζερΣτην οποία αναπτύχθηκαν τα τραγούδια του ηθικού και της επεξεργασίας περιεχομένου πιο συχνά από εκείνη των σωληνιστών και των σωλήνων, τα κίνητρα αγάπης συχνά αποκτήθηκαν από τη θρησκευτική ζωγραφική, συνδέονταν με τη λατρεία της Παναγίας. Τα συναισθηματικά τραγούδια του συστήματος διακρίθηκαν από μεγαλύτερη σοβαρότητα, αυλακώσεις. Ο Minnesinger, για το μεγαλύτερο μέρος, χρησίμευσε ως οι αυλές, όπου ικανοποίησαν τους διαγωνισμούς τους. Γνωστά ονόματα βολφραμίου Von esenbach, φόντο Walter Der Foelweid, Tangayizer - Ήρωας του διάσημου μύθου. Στην όπερα Wagner με βάση αυτόν τον μύθο, η κεντρική εικόνα είναι η σκηνή του ανταγωνισμού των τραγουδιστών, όπου ο ήρωας στην καθολική αγανάκτηση δοξάζει τα γήινα συναισθήματα και τις απολαύσεις. Libretto "Tangayizer" Wagner που γράφτηκε από το Wagner - ένα δείγμα αξιοσημείωτης διείσδυσης στην κοσμοθεωρία της εποχής, ψαλμωδών ηθικών ιδεών, φάντασμα και σε συνεχή δραματική πάλη με αμαρτωλά πάθη.

Εκκλησιαστικά είδη

Grigorian χορωδία. Υπήρχαν πολλές επιλογές για τις εκκλησιαστικές μελωδίες και τα λατινικά κείμενα στην παλαιοχριστιανική εκκλησία. Υπήρξε ανάγκη να δημιουργηθεί μια ενιαία τελετουργία λατρείας και την αντίστοιχη λειτουργική μουσική. Αυτή η διαδικασία ολοκληρώθηκε κατά 6 και 7VV. Ο Πάπας Γρηγόριος Ι. Εκκλησιαστικές μελωδίες, επιλεγμένες, ζυγισμένες, που διανέμονται εντός της εκκλησιαστικής χρονιάς, ανήλθαν στην επίσημη αψίδα - αντιφονάρια. Οι χορωδιακές μελωδίες που περιλαμβάνονται σε αυτό έγινε η βάση του λειτουργικού τραγουδιού της Καθολικής Εκκλησίας και πήρε το όνομα της χορωδικής Gregorian. Εκτελείται από μια μοναδική χορωδία ή ένα σύνολο ανδρών ψήφων. Η ανάπτυξη του χιούμορ είναι χαλαρή και βασίζεται σε ποικίλο του αρχικού ομιλητή. Ο ελεύθερος ρυθμός της μελωδίας είναι υποδεέστερος με το ρυθμό των λέξεων. Κείμενα - Prosaic στα Λατινικά, του οποίου η ίδια η ίδια η επέκταση από όλα κοσμικά. Μελωδική κίνηση λεία Εάν εμφανίζονται μικρά άλματα, αντισταθμίζουν αμέσως την κίνηση προς την αντίθετη κατεύθυνση. Οι μελωδίες των Gregorian Chants αποσυντίθενται σε τρεις ομάδες: μια παραπομπή, όπου κάθε συλλαβική του κειμένου αντιστοιχεί σε έναν ήχο του λάκκου, της ψαλμωδίας, όπου επιτρέπονται κάποιες συλλαβές και επέτειο, όταν οι συλλαβές ρίχτηκαν σε σύνθετα μελωδικά πρότυπα, Τις περισσότερες φορές το "Alleluia" ("έπαινος θεός"). Της μεγάλης σημασίας, όπως και σε άλλους τύπους τέχνης, έχει έναν χωρικό συμβολισμό (σε αυτή την περίπτωση, "κορυφή" και "κάτω"). Το όλο στυλ αυτού του μοναδικού τραγουδιού, η απουσία ενός "δεύτερου σχεδίου" σε αυτό, η "ηχητική προοπτική" μοιάζει με την αρχή μιας εικόνας αεροπλάνου στη μεσαιωνική ζωγραφική.
Υμνος . Το γυμναστήριο ανθίζει είναι 6 V. Οι ύμνοι, που διακρίνονται από τη μεγαλύτερη συναισθηματική αμεσότητα, έφεραν το πνεύμα της κοσμικής τέχνης. Βασίστηκαν στις μελωδίες μιας αποθήκης τραγουδιού κοντά στο λαϊκό. Στο τέλος του V αιώνα, εκδιώχθηκαν από την Εκκλησία, αλλά εδώ και αιώνες υπήρχαν ως εξαιρετικά επεξεργασμένη μουσική. Η επιστροφή τους στην εκκλησία πηγή (9b.) Ήταν ένα είδος παραχώρησης στα κοσμικά συναισθήματα των πιστών. Σε αντίθεση με τον Choralov, οι ύμνοι βασίστηκαν στα ποιητικά κείμενα και ειδικά συνθέτουν (και δεν δανείστηκαν από τα ιερά βιβλία). Αυτό καθόρισε τη σαφέστερη δομή των μελωδών, καθώς και μεγαλύτερη ελευθερία της μελωδίας, δεν υποδεικνύει σε κάθε λέξη του κειμένου.
Οροπέδιο.. Η τελετουργική μάζα διπλώθηκε για πολλούς αιώνες. Η ακολουθία των τμημάτων του στα κύρια χαρακτηριστικά καθορίστηκε από το 9V., Η τελική εμφάνιση του Mesa απέκτησε μόνο από τον XI αιώνα. Η ανθεκτική ήταν η διαδικασία διαμόρφωσης της μουσικής της. Ο αρχαιότερος τύπος λειτουργικού τραγουδιού - ψαλμωδίας. Που συνδέεται άμεσα με τη λειτουργία της λειτουργικής δράσης, ακουγόταν σε όλη την υπηρεσία και εκτελέστηκε από ιερείς και τραγουδιστές εκκλησιών. Η εισαγωγή του Hymns εμπλουτισμένη μάζα μουσικής. Επισημασμένος Haymaker ακούγεται σε ορισμένες στιγμές του τελετουργικού, εκφράζοντας τα συλλογικά συναισθήματα των πιστών. Αρχικά, τραγούδησαν τους εαυτούς τους ενορίτες, αργότερα - μια επαγγελματική χορωδία εκκλησίας. Η συναισθηματική επίδραση των υμνών ήταν τόσο ισχυρή ώστε σταδιακά άρχισαν να απομακρύνουν την ψαλμωδία, λαμβάνοντας τη θέση στη μουσική των μασκίων. Ήταν υπό μορφή ύμνου, έλαβαν σχήμα πέντε κύριων τμημάτων της μάζας (το λεγόμενο μάρτυριο).
I. "Kyrie Eleison"("Κύριος, Pomemui") - MODVER για συγχώρεση και χάρη.
Ii. "Gloria"("Δόξα") - ο ευγνώμων ύμνος του δημιουργού.
III. "Πίστη"("Πιστεύω") - το κεντρικό τμήμα της Λειτουργίας, το οποίο καθορίζει τα κύρια δόγματα της Christian Creed.
Iv. "Sanctus" ("Ιερό") - ένα τριετές επαναλαμβανόμενο πανέμορφο-λαμπρό θαυμαστικό, το οποίο αντικαταστάθηκε από το φιλόξενο θαυμασμό της "Οσάνα", η οποία πλαισιώνει το κεντρικό επεισόδιο "Benedictus" ("ευλογημένος που έρχεται").
V. "agnus dei" ("Αρνί του Θεού") - ένα άλλο άφθονο χάρη, πιστό στη θυσία του Χριστού. Το τελευταίο μέρος ολοκληρώνεται με τις λέξεις: "Dona Nobis Pacem" ("Δώστε μας τον κόσμο").
Σιωπηλά είδη

Φωνητική μουσική
Η μεσαιωνική μουσική και η ποιητική τέχνη ήταν ως επί το πλείστον ερασιτέχνες. Υποθέτει επαρκή οικουμενισμό: ο ίδιος ο άνθρωπος ήταν ένας συνθέτης, ένας ποιητής και ένας τραγουδιστής και ένας Instrumentist, αφού το τραγούδι συχνά πραγματοποιήθηκε συνοδευόμενο από λαούτο ή βιόλα. Τα ποιητικά κείμενα των τραγουδιών, ειδικά τα δείγματα της τέχνης ιππότη, έχουν μεγάλο ενδιαφέρον. Όσο για τη μουσική, γνώρισε την επίδραση των Grigorian Chants, τη μουσική των αδέσποτων μουσικών, καθώς και τη μουσική των ανατολικών λαών. Συχνά από τους ερμηνευτές, και μερικές φορές οι συγγραφείς της μουσικής των τραγουδιών Troubadur ήταν juggles που παρακολουθούσαν τους Ιππότες, συνοδεύοντας το τραγούδι τους και να εκτελούν τις λειτουργίες των υπαλλήλων και βοηθών. Χάρη στη συνεργασία αυτή, τα όρια διαγράφουν μεταξύ των ανθρώπων και της ιππικής μουσικής δημιουργικότητας.
Χορευτική μουσική Η περιοχή στην οποία η σημασία της οργάνωσης της μουσικής που εκδηλώθηκε ιδιαίτερα έντονα ήταν ο μουσικός χορός. Από το τέλος του XI αιώνα, προκύπτουν πολλά μουσικά και χορευτικά είδη, σχεδιασμένα αποκλειστικά για εκτέλεση σε όργανα. Δεν υπάρχουν διακοπές συγκομιδής, χωρίς γάμο ή άλλο οικονομικό κόστος γιορτής χωρίς χορούς. Χοροί συχνά εκτελούνται κάτω από το τραγούδι που χορεύουν ή κάτω από το κέρατο, σε ορισμένες χώρες - κάτω από την ορχήστρα που αποτελείται από σωλήνα, τύμπανο, κλήση, πλάκες.
Βόμβος Γαλλικός λαϊκός χορός. Στο Μεσαίωνα ήταν το πιο δημοφιλές στις πόλεις και τα χωριά. Σύντομα μετά την εμφάνισή του, η προσοχή της αριστοκρατίας και έγινε χορός χορού. Χάρη στις απλές κινήσεις, ο Branley θα μπορούσε να χορέψει τα πάντα. Οι συμμετέχοντες του κρατούν τα χέρια, σχηματίζοντας έναν κλειστό κύκλο που μπορεί να διασπαστεί στη γραμμή, γυρίζοντας σε κινήσεις ζιγκ-ζαγκ. Υπήρχαν πολλοί τύποι Branle: απλό, διπλό, αστείο, άλογο, Branle Prachk, Branle με φακούς, κλπ. Με βάση τα κινήματα του Beran, το Gavot, το Paspie και το Burre δημιουργήθηκε σταδιακά από το Branle.
Στέλλα Ο χορός πραγματοποίησε προσκυνητές που ήρθαν στο μοναστήρι να λατρεύουν το άγαλμα της Παναγίας. Στάθηκε στην κορυφή του βουνού που φωτίζεται από τον ήλιο και φαινόταν ότι το uneartly light ρέει από αυτήν. Ως εκ τούτου το όνομα του χορού (Stella - από το Lat. Star). Οι άνθρωποι χόρευαν σε μια ενιαία ώθηση, σοκαρισμένη από την μεγαλοπρέπεια και την καθαρότητα της μητέρας του Θεού.
Karol Ήταν δημοφιλές στο 12V. Karol - ανοιχτός κύκλος. Κατά τη διάρκεια της εκτέλεσης του χορευτικού Καρούλ, κρατώντας τα χέρια. Μπροστά από το χορό περπάτησε. Η χορωδία πραγματοποίησε όλους τους συμμετέχοντες. Ο ρυθμός του χορού ήταν ομαλός και αργός, στη συνέχεια μειώθηκε και μετατράπηκε για να τρέξει.
Χορεύω θάνατο Κατά την περίοδο αργά μεσαίωνα, στον ευρωπαϊκό πολιτισμό, το θέμα του θανάτου έχει γίνει αρκετά δημοφιλές. Η επιδημία της πανώλης, η οποία φέρει έναν τεράστιο αριθμό ζωών επηρέασε τη στάση απέναντι στον θάνατο. Εάν προηγουμένως παραδόθηκε από τη γήινη ταλαιπωρία, στη συνέχεια στο XIII αιώνα. Θεωρήθηκε με φρίκη. Ο θάνατος απεικονίστηκε σε σχέδια και χαρακτικά με τη μορφή τρομακτικών εικόνων, που συζητήθηκαν στους στίχους των τραγουδιών. Ο χορός εκτελείται σε έναν κύκλο. Ο χορός αρχίζει να κινείται, σαν να τους συνεπάγεται η άγνωστη δύναμη τους. Σταδιακά, κυριαρχεί η μουσική που παίζει ο θάνατος του θανάτου, αρχίζουν να χορεύουν και να πέφτουν στο τέλος.
Basan χρωστάει Δρόμος που χορεύουν τις πορείες. Φορούσαν έναν επίσημο χαρακτήρα και ήταν τεχνικά απλή. Έχοντας συγκεντρωθεί στον τραγουδιστή στα καλύτερα ρούχα τους που πέρασαν πριν από τον ιδιοκτήτη, σαν να έδειχνε τον εαυτό τους και το φορεσιά τους - αυτό ήταν το νόημα του χορού. Οι χορευτικές πομπές εισάγονται σταθερά στη δικαστική ζωή, χωρίς αυτούς δεν υπήρχε φεστιβάλ.
Estampi. (αιθαμπίδη) ζευγαρωμένων χορών, συνοδευόμενη από οργανική μουσική. Μερικές φορές το "Ethambi" ολοκληρώθηκε από τρεις: ένας άνθρωπος οδήγησε δύο γυναίκες. Η μουσική έπαιξε μεγάλο ρόλο. Αποτελούσε πολλά μέρη και προκάλεσε τη φύση των κινήσεων και τον αριθμό των ρολογιών σε κάθε μέρος.

Trubadras:

Giraut Ricier 1254-1292.

Guiraut Riquier - Provencal ποιητής, ο οποίος συχνά ονομάζεται "τελευταίος σωλήνας". Ο παραγωγικός και επιδέξιος δάσκαλος (48 από τις μελωδίες του διατηρούνται), αλλά όχι αλλοδαπός σε πνευματικό θέμα και πολύ περίπλοκη το φωνητικό του γράμμα, αφαιρώντας από το τραγούδι. Για πολλά χρόνια ήταν στο δικαστήριο στη Βαρκελώνη. Συμμετείχε σε μια διασταυρούμενη εκστρατεία. Ενδιαφέροντος είναι επίσης η θέση του σε σχέση με την τέχνη. Η αλληλογραφία του με το διάσημο προστάτης των Τεχνών του Alphonse Wise, King Castile και Leon. Σε αυτό, διαμαρτυρήθηκε ότι οι ανέντιμοι άνθρωποι, ο "εξευτελιστικός τίτλος του Juggler", αναμιγνύεται συχνά με έμπειρα τροβαντρά. Είναι "ντόπιο και επιβλαβές" για εκπροσώπους της "Υψηλής Τέχνης Ποίησης και Μουσικής που μπορούν να συνθέσουν ποιήματα και να δημιουργήσουν διδακτικά και ενοχλητικά έργα". Κάτω από το πρόσφορο της απάντησης, ο βασιλιάς Ricier πρότεινε τη συστηματοποίηση του: 1) "Ιατροί ποιητικής τέχνης" - το καλύτερο του Τρομαντουρόφ, "που καλύπτει το δρόμο προς την κοινωνία", οι συγγραφείς των "παραδειγματικών στίχων και ο Canson, χαριτωμένα μυθιστόρημα και διδακτικά έργα "Στην ομιλούμενη γλώσσα; 2) Τρομμπαράς που συνθέτουν τραγούδια και μουσική για να δημιουργήσουν μελωδίες χορού, μπαλάντες, alba και sirvents. 3) Οι Jugglers Catering για να δοκιμάσουν ευγενή: παίζουν διαφορετικά εργαλεία, λένε την ιστορία και τα παραμύθια, έχουν ποιήματα και cansons άλλων ανθρώπων. 4) Buffons (Jesters) "Η χαμηλή τέχνη του στους δρόμους και τα τετράγωνα δείχνει και συμπεριφέρεται ανάξιος." Αφαιρούν εκπαιδευμένους πιθήκους, σκύλους και κατσίκες, δείχνουν μαριονέτες, μιμούνται το κύλινδρο των πτηνών. Το Buffon παίζει για μικρές παραδόσεις στα εργαλεία ή τα κλαδιά πριν από την τύχη ... Ταξιδεύοντας από την αυλή στο γήπεδο, χωρίς ντροπή, μεταφέρει υπομονετικά όλα τα ταπείνωση και περιφρονεί ευχάριστες και ευγενείς τάξεις.

Rikiera, όπως πολλοί troubadurov, διαταράσσει το ζήτημα των ιπποειδών αρετών. Θεώρησε το υψηλότερο πλεονέκτημα. "Σε καμία περίπτωση δεν λέω, είμαι κακός για το Valor και το μυαλό, αλλά η γενναιοδωρία είναι όλα υπέρβαση."

Τα συναισθήματα της πικρίας και της ενόχλησης ενισχύονται απότομα μέχρι το τέλος του XIII αιώνα, όταν η κατάρρευση των Σταυροφώσεων μετατράπηκε σε μια ισογανική πραγματικότητα, με την οποία ήταν αδύνατο να μην θεωρηθεί ότι ήταν αδύνατο να μην σκεφτεί. "Ήρθε η ώρα να τελειώσω!" - Σε αυτούς τους στίχους (έχουν ήδη 1292) εξέφρασαν την απογοήτευσή του από την απογοήτευση των επιχειρήσεων που διασκορπίζονται Giraut Ricier:
"Ήρθε σε μας μια ώρα - να καταστρέψει το ερείπιο - να φύγει από την Αγία Γη!" Το ποίημα "Ήρθε η ώρα για μένα με τα τραγούδια" (1292) θεωρείται το τελευταίο τραγούδι Troubadur.

Συνθέτες, μουσικοί

Guilla de masho ok. 1300 - 1377.

Το Machaut είναι ένας γάλλος ποιητής, μουσικός και συνθέτης. Υπηρέτησε στο δικαστήριο του Τσεχικού Βασιλιά, με 1337 ήταν ο Canonon του καθεδρικού ναού της Reimary. Ένας από τους σημαντικότερους μουσικούς των τελευταίων μεσαιωνιών, η μεγαλύτερη φιγούρα των γαλλικών Ars Nova. Γνωστή ως συνθέτης πολλαπλών κεφαλών: Έχει φτάσει τα Minges, Ballads, Viros, Le, Rondo, Canons και άλλα τραγούδια (τραγουδιού). Η μουσική του διακρίνεται από την εξελιγμένη εκφραστικότητα, εξευγενισμένη αισθησιασμό. Επιπλέον, η Masha δημιούργησε το πρώτο στην ιστορία της μάζας του συγγραφέα (για τη στερέωση του βασιλιά Charles V στο Reims το 1364g .. Είναι η πρώτη στην ιστορία της μουσικής από τη Mesca του συγγραφέα - το ένα κομμάτι και ολοκληρώθηκε το έργο του διάσημος συνθέτης. Στην τέχνη του, όπως ήταν, σημαντικές γραμμές που περνούν, με τη μία πλευρά, από τη μουσική και ποιητική κουλτούρα των σωληνωτών και τους σωλήνες στη μακροχρόνια, τη βάση, από την άλλη, από τα γαλλικά σχολεία ενός Πολυφωνία 12-13 αιώνων.

Leonin (μεσαίου XII αιώνα)

Ο Leonin είναι ένας εξαιρετικός συνθέτης, μαζί με ένα peroth που ανήκει στην σχολή Notre-Lady. Η ιστορία μας κράτησε το όνομα αυτού του διάσημου δημιουργού του "Big Book of Organs", σχεδιασμένο για τον ετήσιο κύκλο της εκκλησίας τραγουδιού. Ο Leonin Organum αντικατέστησε τη χορωδιακή τραγουδώντας σε κοινότητα με σολίστες τραγούδι δύο φωνής. Τα δύο φωνητικά όργανα διακρίνονταν από μια τόσο εμπεριστατωμένη ανάπτυξη, μια αρμονική «συνοχή» του ήχου, η οποία ήταν αδύνατη χωρίς προηγούμενη σκέψη και καταγραφή: στην τέχνη του Leonin, δεν ήταν ένας τραγουδιστής, αλλά ένας συνθέτης. Η κύρια καινοτομία του Leonin ήταν ένα ρυθμικό ρεκόρ, το οποίο επέτρεψε να δημιουργήσει ένα σαφή ρυθμό κυρίως από την κινούμενη κορυφαία φωνή. Η ίδια η φύση των κορυφαίων ψήφων διακρίθηκε με τη μελωδική γενναιοδωρία.

Peroten

Perotin, Perotinus - Γάλλος συνθέτης του τέλους 12 - 1ου τρίτου των 13 αιώνων. Στις σύγχρονες θεραπείες, ο "Master Peroth Great" (ο οποίος εννοούσε, είναι σίγουρα άγνωστο, επειδή υπήρχαν πολλοί μουσικοί στους οποίους μπορεί να αποδοθεί αυτό το όνομα). Οι επιδερμίδες ανέπτυξαν το γένος ενός τραγουδιού πολλαπλών φωνητών, το οποίο ιδρύθηκε στο έργο του προκατόχου του Leonin, ανήκε επίσης στο λεγόμενο Παριζιάνικο ή Notre Dame, το σχολείο. Τα περιθώρια δημιούργησαν υψηλά δείγματα ενός μελωμικού οργανισμού. Έγραψε όχι μόνο 2 ψήφους (όπως Leonin), αλλά και 3, 4-eyed δοκίμια, και προφανώς περίπλοκη και εμπλουτισμένη πολύπλευρη ρυθμική και υφή. Τα 4 Vocotal όργανα του δεν έχουν ακόμη υπακούσει ακόμη στους υπάρχοντες νόμους της πολυφωνίας (απομίμηση, Canon κ.λπ.). Στο έργο του Perothsum υπήρξε μια παράδοση των Chants Multi-Voice της Καθολικής Εκκλησίας.

Zokene de ok. 1440-1524

Franco φλαμανδικός συνθέτης. Από την εκκλησία της νεαρής ηλικίας τραγουδώντας. Υπηρέτησε σε διάφορες πόλεις της Ιταλίας (σε 1486-99 τραγουδιστές παπικών παρεκκλήσι στη Ρώμη) και τη Γαλλία (Cambone, Παρίσι). Ήταν δικαστήριο μουσικός του Louis XII. Έλαβε αναγνώριση ως πλοίαρχος όχι μόνο της λατρείας, αλλά και τα κοσμικά τραγούδια, η πρόβλεψη του γαλλικού chanson. Τα τελευταία χρόνια της ζωής είναι ο ηγούμενος του καθεδρικού ναού στο Konde-sur-esco. Zoskien Dew - ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες της Αναγέννησης, που είχε μια ευπροσάρμοστη επιρροή στην επακόλουθη ανάπτυξη της Τέχνης της Δυτικής Ευρώπης. Συνοψίζοντας δημιουργικά την επίτευξη της ολλανδικής Σχολής, δημιούργησε τα καινοτόμες δοκίμια των πνευματικών και κοσμικών ειδών (μάζα, motettes, ψαλίδια, καρατάλια), υποτονική υψηλή πολυφωνική τεχνική με νέες καλλιτεχνικές, εργασίες. Η μελωδία των έργων του που συνδέεται με τις πηγές του είδους είναι πλουσιότερη και πολύπλευρη από τους παλαιότερους δασκάλους της Ολλανδίας. Η "εκκαθάριση" πολυφωνικού στυλ Zoshen δροσιά, χωρίς ανταπόκριση, ήταν ένα σημείο καμπής στην ιστορία της χορωδιακής γραφής.

Φωνητικά είδη

Για ολόκληρη την εποχή, γενικά, η προφανής υπεροχή των φωνητικών ειδών και ιδιαίτερης φωνητικής Πολυφώνια. Η ασυνήθιστα πολύπλοκη ικανότητα της αυστηρής πολυφωνίας στυλ, της γνήσιας υποτροφίας, η τεχνική Virtuoso ήταν δίπλα στη φωτεινή και φρέσκια τέχνη της εγχώριας διανομής. Η οργάνωση μουσική αποκτά κάποια ανεξαρτησία, αλλά η άμεση εξάρτησή του από φωνητικά έντυπα και από εγχώριες πηγές (χορός, τραγούδι) θα ξεπεραστεί μόνο ελαφρώς αργότερα. Τα μεγάλα μουσικά είδη παραμένουν συνδεδεμένα με το λεκτικό κείμενο. Η ουσία του αναγεννησιακού ανθρωπισμού αντανακλάται στη σύνθεση των τραγουδιών χορωδίας στο ύφος του Fottol και του Vilall.
Χορευτικά είδη

Στην εποχή της αναζωογόνησης του χοριού των νοικοκυριών αποκτά μεγάλη σημασία. Στην Ιταλία, Γαλλία, Αγγλία, Ισπανία Υπάρχουν πολλές νέες μορφές χορού. Διάφορα στρώματα της κοινωνίας έχουν τους χορούς τους, παράγουν την εκτέλεση τους, τους κανόνες για τη συμπεριφορά κατά τη διάρκεια μπάλες, βραδιές, εορταστικές εκδηλώσεις. Ο χορός της Αναγέννησης είναι πιο περίπλοκος από τους μη αφυδατωμένους Branles των τελευταίων μεσαιωνιών. Χορός χορού (ντουέτ), χτισμένο σε σύνθετες κινήσεις και αριθμούς έρχονται να αντικαταστήσουν το χορό με χορού και γραμμική κέρατα σύνθεση.
Βόλτα - Ζεύγος χορός της ιταλικής προέλευσης. Το όνομά του προέρχεται από την ιταλική λέξη Voltare, που σημαίνει "περιστροφή". Το μέγεθος είναι τριών τόνων, το ρυθμό μέτρια γρήγορα. Το κύριο σχέδιο του χορού είναι ότι ο Cavalier είναι αμέσως και απότομα γυρίζει την κυρία στον αέρα. Αυτή η άνοδος γίνεται συνήθως πολύ υψηλή. Απαιτεί μια μεγάλη δύναμη και η δεξτέρ από το Cavalier, αφού, παρά την ευκρίνεια και κάποια ακαθαρσία των κινήσεων, η άνοδος πρέπει να εκτελείται με σαφήνεια και όμορφα.
Gallarda - Αρχαίος χορός της ιταλικής προέλευσης, κοινός στην Ιταλία, Αγγλία, Γαλλία, Ισπανία, Γερμανία. Το ρυθμό της πρώιμης γαλάζουρδας μέτρια γρήγορα, το μέγεθος του τριών τόνων. Το Galjard πραγματοποιήθηκε συχνά μετά από τους συναδέλφους, με το οποίο μερικές φορές σχετιζόταν θεματικά. Gallard 16 V. Διατηρείται σε μια μελωδία-αρμονική υφή με μελωδία στην ανώτερη φωνή. Οι μελωδίες Gallard ήταν δημοφιλείς σε μεγάλα στρώματα της γαλλικής κοινωνίας. Κατά τη διάρκεια της εκτέλεσης, οι φοιτητές του Serenad Orleans παίζουν μελωδίες Shard σε Lules και Guitars. Όπως και τα χτυπήματα, η Galharda φορούσε τον χαρακτήρα ενός είδους χορού διαλόγου. Ο Κάσακαλας μετακόμισε γύρω από την αίθουσα με την κυρία του. Όταν ένας άνθρωπος πραγματοποίησε σόλο, η κυρία παρέμεινε στη θέση του. Το αρσενικό σόλο αποτελείται από μια ποικιλία σύνθετων κινήσεων. Μετά από αυτό, πλησίασε και πάλι την κυρία και συνέχισε τον χορό.
Pavana - Επισυνάψτε το χορό των 16-17 αιώνων. Ο ρυθμός είναι μέτρια αργή, μέγεθος 4/4 ή 2/4. Σε διαφορετικές πηγές δεν υπάρχει συναίνεση για την προέλευσή της (Ιταλία, Ισπανία, Γαλλία). Η πιο δημοφιλής έκδοση είναι ένας ισπανικός χορός που ανυψώνει τις κινήσεις του παγώνι με μια όμορφα ξεπλυμένη ουρά. Ήταν κοντά στο Babdança. Διάφορες τελετουργικές πορείες έλαβαν χώρα στη μουσική της Pavana: τις εισόδους των αρχών της πόλης, τις ορατές νύφες στην εκκλησία. Στη Γαλλία και την Ιταλία, το Pavan εγκρίνεται ως χορός δικαστηρίου. Ο επίσημος χαρακτήρας της Pavana επέτρεψε στην κοινωνία του δικαστηρίου να λάμψει στη χάρη και τη χάρη του τρόπου και των κινήσεών του. Άνθρωποι και μπουρζουαζία Αυτός ο χορός δεν έκανε. Pavana, όπως το Mushmeet, ήταν αυστηρά σε τάξεις. Ο χορός του βασιλιά και της βασίλισσας άρχισε, τότε το Dofin εισήχθη σε αυτό με μια αξιοσημείωτη κυρία, τότε οι πρίγκιπες κ.λπ. Οι καβαλέτες εκτελούνται με περούκα στο σπαθί και σε κούτσουρο. Οι κυρίες ήταν στα μπροστινά φορέματα με βαριά μακρά TPS, τα οποία έπρεπε να είναι ικανά να είναι δικά τους κατά τη διάρκεια των κινήσεων, χωρίς να τις αυξήσουν από το πάτωμα. Η κίνηση της τάφρου έκανε τις κινήσεις όμορφη, δίνοντας το Pawan μια πομπή και η επίσημη. Για τη βασίλισσα της κατά προσέγγιση κυρίες που έφεραν το βρόχο. Πριν από την έναρξη του χορού, υποτίθεται ότι παρακάμπτει την αίθουσα. Στο τέλος του χορού, το ζευγάρι με τόξα και αντιστροφές πήγαν και πάλι γύρω από την αίθουσα. Αλλά πριν βάζετε ένα καπέλο, ο ιππικός έπρεπε να βάλει το δεξί χέρι πίσω στον ώμο της κυρίας, το αριστερό (κρατώντας καπέλο) - στην μέση της και τη φιλάει στο μάγουλο. Κατά τη διάρκεια του χορού, η κυρία μειώθηκε. Μόνο από καιρό σε καιρό κοίταξε την ιππασία της. Το πιο μεγάλο Pavan διατηρήθηκε στην Αγγλία, όπου ήταν πολύ δημοφιλές.
Allemanda - Ο αργός χορός της γερμανικής προέλευσης σε μέγεθος 4 δολαρίων. Ανήκει στον τεράστιο "χαμηλό", το Napral Dance. Οι καλλιτέχνες έγιναν ζευγάρια μεταξύ τους. Ο αριθμός του ατμού δεν περιορίζεται. Ο Καβαλέρ κράτησε μια κυρία από τα χέρια του. Η στήλη κινείται γύρω από την αίθουσα και όταν έφτασε στο τέλος, οι συμμετέχοντες έκαναν μια στροφή στο σημείο (δεν διαχωρίζουν τα χέρια) και συνέχισαν τον χορό προς την αντίθετη κατεύθυνση.
Κουράντα - χορός της ιταλικής καταγωγής. Το Quarant ήταν απλό και περίπλοκο. Το πρώτο αποτελείται από απλά, λάμψη βήματα που εκτέθηκαν κυρίως μπροστά. Το σύνθετο χτύπημα ήταν παντομιλικός χαρακτήρας: τρεις Cavaliers προσκλήθηκαν σε τρεις κυρίες για να συμμετάσχουν στο χορό. Οι κυρίες ανατέθηκαν στην αντίθετη γωνία της αίθουσας και ζήτησαν να χορέψουν. Κυρίες αρνήθηκαν. Cavalers, έχοντας λάβει μια άρνηση, πήγε, αλλά στη συνέχεια επέστρεψε και έγινε πριν από τις κυρίες στα γόνατά της. Μόνο μετά την άρχιστη σκηνή του Παντομιμήν. Τα χάσματα των ιταλικών και των γαλλικών τύπων διαφέρουν. Ιταλικά καλαγκέτες - ένας αναβιώμενος χορός 3/4 ή 3/8 με ένα απλό ρυθμό σε μια αρμονική υφή μελωδίας. Γαλλικά - επίσημη χορός ("χορός των τρόπων"), ομαλή προερχομική πομπή. Μέγεθος 3/2, μέτρια ρυθμό, αρκετά αναπτυγμένη πολυφωνική υφή.
Σαραμπάντα - Δημοφιλής χορός 16 - 17 αιώνες. Συνέβη από τον ισπανικό θηλυκό χορό με kastagnets. Αρχικά συνοδευόμενη από τραγούδι. Ο διάσημος Balletmaster και ο δάσκαλος Karlo Blazis σε ένα από τα έργα τους δίνει μια σύντομη περιγραφή της Σαμπάντα: "Σε αυτόν τον χορό, ο καθένας επιλέγει μια κυρία στην οποία δεν είναι αδιάφορη. Η μουσική δίνει ένα σήμα και δύο εραστές εκτελούν το χορό, ευγενή, μετρημένα , ωστόσο, η σημασία αυτού του χορού δεν παρεμβαίνει στην ευχαρίστηση και η μετριοφροσύνη του δίνει ακόμα πιο χαριτωμένη. οι απόψεις όλων είναι ευτυχείς να ακολουθήσουν ο χορός που εκτελούν διάφορα στοιχεία, εκφράζουν όλες τις φάσεις της αγάπης με την κίνηση τους. " Αρχικά, ο ρυθμός της Σαραμπάντα ήταν μέτρια γρήγορος, αργότερα (από τον 17ο αιώνα) υπήρχε αργή γαλλική Σαράμπαν με χαρακτηριστικό ρυθμικό μοτίβο: ...... στην πατρίδα του Σαραμπάντα μπήκε στην κατηγορία άσεμνων χορών και το 1630. Απαγορεύεται από το Castilian Council.
Zhiga - Χορός της αγγλικής προέλευσης, το ταχύτερο, τριών Τηλών, στρέφοντας σε τριμερή. Αρχικά, το άλμπουμ ήταν χορό ζευγάρι, μεταξύ των ναυτικών που εξαπλώθηκαν ως σόλο πολύ γρήγορο χορό κόμικς. Αργότερα βρίσκεται σε οργανική μουσική ως το τελευταίο μέρος της αρχαίας σουίτα χορού.

Φωνητικά είδη

Τα πιο προφανή μπαρόκ χαρακτηριστικά εκδηλώθηκαν σε αυτά τα είδη όπου η μουσική αλληλέννησε με άλλες τέχνες. Αυτά ήταν, πρώτα απ 'όλα, την όπερα, τη Ororatoria και τα είδη πνευματικής μουσικής, όπως η Passonese και η Cantata. Μουσική σε συνδυασμό με τη λέξη, και στην όπερα - με κοστούμια και διακοσμήσεις, δηλαδή με στοιχεία ζωγραφικής, εφαρμοσμένη τέχνη και αρχιτεκτονική, κλήθηκαν να εκφράσουν τον πολύπλοκο πνευματικό κόσμο του ανθρώπου, που βιώνουν τα σύνθετα και ποικίλα γεγονότα . Η γειτονιά των ηρώων, των θεών, της πραγματικής και ηρητικής δράσης, όλα τα είδη μαγείας ήταν φυσικά στην μπαρόκ γεύση, ήταν η υψηλότερη έκφραση της μεταβλητότητας, του δυναμισμού, του μετασχηματισμού, τα θαύματα δεν ήταν εξωτερικά, καθαρά διακοσμητικά στοιχεία, αλλά ήταν ένα απαραίτητο μέρος της καλλιτεχνικής Σύστημα.

ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ.

Το είδος της όπερας έλαβε τη μεγαλύτερη δημοτικότητα στην Ιταλία. Έχουν ανοίξει ένας μεγάλος αριθμός θεάτρων όπερας, ο οποίος ήταν ένα καταπληκτικό, μοναδικό φαινόμενο. Αμέτρητοι, ντυμένοι από βαριά βελούδο, περιφραγμένα με ένα λιμάνι φραγμού (όπου εκείνη τη στιγμή στάθηκαν και δεν είχαν κάθισε) που συλλέχθηκαν κατά τη διάρκεια των 3-όπερων εποχές σχεδόν κάθε πληθυσμό της πόλης. Τα καταλύματα αγοράστηκαν για ολόκληρη την εποχή από την πατρίκινη επώνυμα, ένα απλό άτομο ήταν γεμάτο στο parter, μερικές φορές σάλπιγγες για δωρεάν - αλλά όλοι αισθάνθηκαν άνετα, στην ατμόσφαιρα ενός συνεχούς φεστιβάλ. Υπήρχαν μπουφέδες, καναπέδες, μοναχικά τραπέζια για να παίζουν "Φαραώ". Καθένα από αυτά συνδέονται με ειδικές εγκαταστάσεις, όπου προετοιμαζόταν τα τρόφιμα. Το κοινό πήγε στα γειτονικά καταλύματα ως επίσκεψη. Η χρονολόγηση, η αγάπη ίντριγκεπες άρχισε εδώ, τα τελευταία νέα ανταλλάχθηκαν, ένα παιχνίδι καρτών ανταλλάχθηκε για μεγάλα χρήματα κ.λπ. και στη σκηνή, αναπτύχθηκε ένα πολυτελές, εξωγενές θέαμα, σχεδιασμένο να επηρεάζει το μυαλό και τα συναισθήματα του ακροατηρίου, να ψάλτε όραση και ακοή. Το θάρρος και η Valor των Ηρώων της Αρχαιότητας, οι υπέροχες περιπέτειες των μυθολογικών χαρακτήρων εμφανίστηκαν πριν από την είσοδό τους ακροατές σε όλη τη μεγαλοπρέπεια του μουσικού και διακοσμητικού σχεδιασμού, που επιτεύχθηκαν για σχεδόν μια ύπαρξη αντίθετης όπερας.

Φτάνοντας στο αποτέλεσμα του 16ου αιώνα στη Φλωρεντία, στον κύκλο ("Camerata") των ανθρωπιστικών, ποιητών και συνθετών, η όπερα σύντομα γίνεται το κορυφαίο μουσικό είδος της Ιταλίας. Ένας ιδιαίτερα σημαντικός ρόλος στην ανάπτυξη της όπερας που έπαιξε ο Κ. Μοντεβίρντζι, ο οποίος εργάστηκε στο Mantu και τη Βενετία. Τα δύο από τα πιο διάσημα έργα του σταδίων, το "Ορφέα" και η "Coronation of Poppai" χαρακτηρίζονται από την εντυπωσιακή τελειότητα της μουσικής δραματουργίας. Στη ζωή του Monteverdi στη Βενετία υπήρχε μια νέα Σχολή Όπερας με επικεφαλής τον F. Kawalli και το M. Honor. Με το άνοιγμα το 1637 στη Βενετία του πρώτου δημόσιου θεάτρου του Σαν Κασσιανού, υπήρξε μια ευκαιρία να φτάσουμε στην όπερα Όποιος αγόρασε ένα εισιτήριο. Σταδιακά, η έννοια των θεαματικών, εξωτερικά θεαματικές στιγμές αυξάνεται σε βάρος των παλαιών ιδεών της απλότητας και της φυσικότητας, εμπνευσμένη από τα ανοικτά επιβραδυντικά του είδους της όπερας. Η τεράστια ανάπτυξη λαμβάνει μια τεχνική παραγωγών, η οποία επιτρέπει στις πιο φανταστικές περιπέτειες των ηρώων στη σκηνή των ναυαγίων, τις πτήσεις με τον αέρα κλπ. Grand, πολύχρωμο τοπίο, δημιουργώντας την ψευδαίσθηση των προοπτικών (η σκηνή στα ιταλικά θέατρα ήταν μια ωοειδής μορφή), Μεταφέρονται ο θεατής σε υπέροχα παλάτια και στις θαλάσσιες εκτάσεις, σε μυστηριώδη μπουντρούμια και μαγικούς κήπους.

Ταυτόχρονα, στη μουσική όπερα, πραγματοποιήθηκε αυξανόμενη έμφαση στη σόλο φωνητική αρχή, υποβλήθηκε στον εαυτό του τα υπόλοιπα στοιχεία της εκφραστικότητας. Αυτό στο μέλλον οδήγησε αναπόφευκτα στον ενθουσιασμό της αυτο-επαρκούς φωνητικής δεξιοτήτων και μείωση των δραματικών αποτελεσμάτων, οι οποίες συχνά έγιναν απλώς λόγος για την επίδειξη των φαινομενικών φωνητικών δεδομένων των τραγουδιστών. Σύμφωνα με τους προσαρμοσμένους, τους τραγουδιστές-κασέτες που εκτελούνται ως επώνυπα που πραγματοποίησαν και τα συμβαλλόμενα μέρη των ανδρών και των γυναικών. Η εκτέλεσή τους συνδυάζει την εξουσία και την λάμψη των ανδρικών φωνών με ευκολία και κινητικότητα των γυναικών. Αυτή η χρήση υψηλών ψήφων στα μέρη της θαρραλέας-ηρωικής αποθήκης ήταν παραδοσιακή και δεν θεωρείται αφύσικη. Είναι ευρέως διαδεδομένο όχι μόνο στην Παπική Ρώμη, όπου οι γυναίκες απαγορεύονται επισήμως να εκτελέσουν στην όπερα, αλλά και σε άλλες πόλεις της Ιταλίας.

Από το δεύτερο μισό του 17ου αιώνα Ο ηγετικός ρόλος στην ιστορία του Ιταλικού Μουσικού Θεάτρου προχωρά στην Όπερα της Νεάπολης. Οι αρχές που αναπτύχθηκαν από τους συνθέτες της Νεάπολης είναι οι αρχές των δραματουργών της όπερας γίνονται καθολική και η όπερα της Νεάπολης αναγνωρίζεται με τον εθνικό τύπο της ιταλικής όπερας της Όπερας. Ένας τεράστιος ρόλος στην ανάπτυξη της Σχολής Όπερας Νεάπολη έπαιξε από το Ωδείο, μεγάλωσε από καταφύγια για ορφανά σε ειδικά μουσικά εκπαιδευτικά ιδρύματα. Έδωσαν ιδιαίτερη προσοχή στις τάξεις με τραγουδιστές, οι οποίες περιλάμβαναν την κατάρτιση στον αέρα, στο νερό, σε θορυβώδη πολυσύχναστους τόπους και όπου η ηχώ, όπως ελέγχονταν, έλεγαν τον τραγουδιστή. Η μακρά λωρίδα των λαμπρών Virtuoso Vocalists - τα κατοικίδια του Conservatorium - Διαδώστε τη φήμη της ιταλικής μουσικής και του "εξαιρετικού τραγουδιού" σε ολόκληρο τον κόσμο (Bel Canto). Για την Όπερα της Νεάπολης, το Ωδείο αποτελούσε ένα συνεχές αποθεματικό του επαγγελματικού προσωπικού, ήταν το κλειδί για τη δημιουργική του ενημέρωση. Μεταξύ των πολυάριθμων ιταλικών συνθέσεων της όπερας της μπαρόκ εποχής, το πιο σημαντικό φαινόμενο ήταν ο Claudio Monteverdi. Στα μεταγενέστερα έργα του, οι βασικές αρχές της όπερας παιχνιδιού και διάφορες μορφές σόλο τραγουδιού της όπερας, οι οποίες θα έπρεπε να ακολουθήσουν τους περισσότερους από τους Ιταλούς συνθέτες του 17ου αιώνα.

Ο γενικός Pörswell ήταν γνήσιος και ο μόνος δημιουργός της Εθνικής Βρετανικής Όπερας. Προφεύει μεγάλο αριθμό θεατρικών έργων, συμπεριλαμβανομένης της μόδας της όπερας - Didona και της ΕΝΕΛ. "Didona και Eney" - σχεδόν η μόνη αγγλική όπερα χωρίς προφορικά ένθετα και διάλογους, στα οποία μια δραματική δράση από την αρχή μέχρι το τέλος τίθεται στη μουσική. Όλες οι άλλες μουσικές και θεατρικές παραγωγές Peresella περιέχουν διάλογους συνομιλίας (στην εποχή μας, τα έργα μας ονομάζονται "μουσικά").

"Όπερα - η ευχάριστη θέση της είναι μια χώρα μετασχηματισμών. Στην αναλαμπή ενός ματιού, οι άνθρωποι γίνονται θεοί, και οι θεοί γίνονται άνθρωποι. Δεν υπάρχει τρόπος να ταξιδέψουμε γύρω από τις χώρες, γιατί η χώρα ταξιδεύει μπροστά του . Είστε βαρεθεί σε μια τρομερή έρημο; Αμέσως ο ήχος σφυρίχτρα σας ανέχονται στους κήπους Idylli. Ο άλλος από εσάς από την κόλαση στην κατοικία των θεών οδηγεί: άλλο άλλο - και είστε στο χωριό Fay, οι νεράιδες της όπερας γοητεύονται Καθώς τα πρόσωπα των παραμυθιών μας, αλλά η τέχνη τους είναι πιο φυσική ... "(Dufrena).

"Όπερα - Η απόδοση είναι τόσο περίεργη, πόσο μεγαλούσε, όπου τα μάτια και τα αυτιά είναι πιο ικανοποιημένοι από το μυαλό. Όπου η επιβίωση της μουσικής είναι αστείο παράλογο, όπου, όταν η πόλη καταστρέφεται, ο Αρίπης τραγουδάει και γύρω από τον τάφο χορό · όπου μπορεί να δει το Πλούτων και το ηλιόλουστο παλάτια, καθώς και τους θεούς, τους δαίμονες, τους μάγους, τις εντολές, τα μαγεία, τα παλάτια χτίζονται και καταστρέφονται με την αναλαμπή ενός ματιού. Αυτές οι παράδοξες υποφέρουν και ακόμη θαυμάζουν, για την όπερα - χώρα fay " (Voltaire, 1712).

Ορατόριο

Ο Ocaker, συμπεριλαμβανομένου του πνευματικού, των σύγχρονων, συχνά αντιλαμβάνονται ως όπερα χωρίς κοστούμια και τοπίο. Ωστόσο, οι προερφορτιστές λατρείας και η Passiona ακουγόταν στους ναούς, όπου ο ίδιος ο ναός και οι εκδόσεις των ιερέων που εξυπηρετούνται και το σκηνικό και το κοστούμι.

Ororatoria και ήταν πρωτίστως ένα πνευματικό είδος. Η ίδια η λέξη Ororatoria (Oratorio) προέρχεται από το Oratorium Lattatinsky - "Mellery", και Latin-wow - "λέω, προσεύχομαι". Ο Oratorion γεννήθηκε ταυτόχρονα με την Όπερα και το Canta, αλλά στο ναό. Ο προκάτοχός της ήταν το λειτουργικό δράμα. Η ανάπτυξη αυτής της δράσης της εκκλησίας πήγε σε δύο κατευθύνσεις. Από τη μία πλευρά, μια ολοένα και πιο αποκτώντας είναι συνηθισμένη, σταδιακά μετατράπηκε σε μια κωμική αναπαράσταση. Από την άλλη πλευρά, η επιθυμία να διατηρηθεί η σοβαρότητα της επικοινωνίας προσευχής με τον Θεό όλη την ώρα ώθησε στην στατική κατάσταση της απόδοσης, ακόμη και με το πιο ανεπτυγμένο και δραματικό οικόπεδο. Αυτό οδήγησε, τελικά, στην εμφάνιση ενός Oratorio ως ανεξάρτητο, πρώτα καθαρά ναό, και στη συνέχεια ένα είδος συναυλιών.

Μουσική κουλτούρα της αρχαιότητας, μεσαίοι, Αναγέννηση

ΑΡΧΑΙΟΤΗΤΑ

Η μουσική κουλτούρα της αρχαίας Ελλάδας αποτελεί το πρώτο ιστορικό στάδιο στην ανάπτυξη του μουσικού πολιτισμού της Ευρώπης. Ταυτόχρονα, είναι η μεγαλύτερη έκφραση της κουλτούρας του αρχαίου κόσμου και ανακαλύπτει τις αναμφισβήτητες σχέσεις με περισσότερους αρχαίους πολιτισμούς της Μέσης Ανατολής - Αίγυπτος, Συρία, Παλαιστίνη. Σε όλες τις ιστορικές συνδέσεις αυτού του είδους, η μουσική κουλτούρα της αρχαίας Ελλάδας δεν επαναλαμβάνει τους τρόπους που περνούν από άλλες χώρες: έχει τη δική του μοναδική εμφάνιση, με τα αδιαμφισβήτητα επιτεύγματά τους, τα οποία είμαι εν μέρει ο Ευρωπαϊκός Μεσαίοι και στη συνέχεια - σε ένα μεγαλύτερο βαθμό εποχής αναβίας.

Σε αντίθεση με άλλους τύπους τέχνης, η μουσική του αρχαίου κόσμου δεν άφησε μια ισοδύναμη δημιουργική κληρονομιά στην ιστορία. Στη τεράστια ιστορική παγίδα στους οκτώ αιώνες - από τον V αιώνα π.Χ. με 111 αιώνα n. Ε. - Διάσπαρτα μόνο έντεκα δείγματα της αρχαίας ελληνικής μουσικής, τα οποία διατηρούνται στη σημείωση εκείνης της εποχής. Είναι αλήθεια, αυτό είναι το πρώτο που καταγράφει τις μελωδίες στην Ευρώπη που μας έφτασε.

Η πιο σημαντική ιδιοκτησία του πολιτισμού της αρχαίας Ελλάδας, πέρα \u200b\u200bαπό το οποίο σχεδόν δεν αντιλαμβάνονται τους συγχρόνους και, κατά συνέπεια, δεν θα μπορέσουμε να καταλάβουμε, είναι η ύπαρξη μουσικής σε συνθετική ένωση με άλλες τέχνες - στα πρώτα στάδια ή στη σύνθεση μαζί τους - στην εποχή των heyday. Μουσική σε μια αδιάσπαστη σύνδεση της ποίησης (από εδώ - στίχους), μουσική ως απαραίτητος συμμετέχων με τραγωδία, μουσική και χορού - Takov, χαρακτηριστικά φαινόμενα της αρχαίας ελληνικής καλλιτεχνικής ζωής. Ο Πλάτωνας, για παράδειγμα, απάντησε πολύ καλά στην οργάνωση της μουσικής, ανεξάρτητη από το χορό και το τραγούδι, υποστηρίζοντας ότι είναι μόνο κατάλληλο για το ασθενοφόρο, χωρίς να περπατήσει με τα πόδια και για την εικόνα της κραυγής των ζώων:

"Εφαρμογή ξεχωριστού παιχνιδιού στο φλάουτο και το KIFARE περιέχει κάτι σε υψηλό βαθμό άγευστο και άξιος μόνο του μάγους." Η προέλευση της ελληνικής τραγωδίας, της υψηλής και περίπλοκης τέχνης, πηγαίνετε από τη μυθολογία, από τις μαγικές πράξεις, από τις πεποιθήσεις του λαού. Η προέλευση των αρχαίων ελληνικών μύθων για τους μεγάλους μουσικούς - Orfee, 0Limpe, Marci, είναι επίσης από τις παλαιότερες στιγμές.

Σημαντικες πληροφοριες σχετικά με τον πρώιμο μουσικό πολιτισμό στην Ελλάδα δίνει αμερικανούς homerovsky epos, αυτο-συνδεδεμένος με μουσική απόδοση: "Ιλιάδα", Οδύσσεια.

Μαζί με την ατομική εκτέλεση των επικών έργων στους αιώνες U11-VI, είναι επίσης γνωστά ειδικά χορωδιακά είδη. Τραγούδια στο νησί της Κρήτης σε συνδυασμό με πλαστικές κινήσεις, από το χορό (Gorphanham). Τα χορωδιακά είδη από τον VII αιώνα καλλιεργήθηκαν ευρέως στη Σπάρτη. Είναι γνωστό ότι οι Σπαρτιάτες έδωσαν μουσική μια μεγάλη κατάσταση, εκπαιδευτική σημασία. Η εκπαίδευση με τη μουσική τέχνη δεν ενδιαφέρεται η επαγγελματική τους φύση, αλλά απλώς εισήλθε στο σύστημα γενικής εκπαίδευσης της νεολαίας. Ως εκ τούτου, η θεωρία του ήθου, που δικαιολογείται από τους Έλληνες στοχαστές, έχει αυξηθεί.

Μια νέα κατεύθυνση στη μουσική και ποιητική τέχνη της αρχαίας Ελλάδας, ο οποίος έχει υποβάλει πραγματικά λυρικά θέματα και εικόνες, είναι συγκλονισμένη με τα ονόματα του Ιονίου Αρχείου (VII αιώνα) και τους μεγαλύτερους «εκπροσώπους της λεσβιακής σχολής του Alkey και Safo (φώτα I και VI αιώνες). Μπορείτε να σκεφτείτε ότι με την ενίσχυση της λυρικής εκκίνησης και ο ρόλος της μελωδίας στα έργα τους είναι η λέξη "στίχοι" που οδηγεί την προέλευσή της από τη Λύρα.

Η λυρική ποίηση του VI αιώνα αντιπροσωπεύεται από διάφορες ποικιλίες είδους: κομψές, ύμνους, τραγούδια γάμου.

Η κλασική ηλικία της τραγωδίας ήταν ο V αιώνας π.Χ. EH: Δημιουργικότητα της μεγαλύτερης τραγούδας του Eschila (περίπου 525-456), Sofokla (περίπου 496-, Euripid (περίπου 480-406). Ήταν η εποχή της υψηλότερης ακμάζουσας ελληνικής καλλιτεχνικής κουλτούρας, ενός Centiy και ενός Πολίτες, τέτοια μνημεία της κλασικής αρχιτεκτονικής, όπως η Παλοφινίδα στην Αθήνα, ο καλύτερος αιώνας στην τέχνη του ολόκληρου του αρχαίου κόσμου. Οι τραγωδίες που καθορίζουν δημόσια φεστιβάλ και φορούσαν, μέσα στα σύνορα μιας κοινωνίας που ανήκει σε σκλάβους, σχετικά ευρύ δημοκρατικό χαρακτήρα: Το θέατρο συμμετείχαν όλοι οι πολίτες που έλαβαν ακόμη και κρατικό όφελος γι 'αυτό. Χορωδία - Μια κοινή ηθική εκφραστική - εκπροσωπούσε τους ανθρώπους στην τραγική σκηνή και μίλησε για το όνομά του.

Ο θεατρικός συγγραφέας ήταν ένας ποιητής και ένας μουσικός. Έκανε τα πάντα. Ο Eschil, για παράδειγμα, ο ίδιος συμμετείχε στην απόδοση των παιχνιδιών του. Αργότερα η λειτουργία του ποιητή, ο μουσικός, ο ηθοποιός του σκηνοθέτη ήταν όλο και πιο διαιρεμένος. Οι ηθοποιοί ήταν επίσης τραγουδιστές. Το τραγούδι της χορωδίας που συνδέεται με πλαστικές κινήσεις.

Στην ελληνιστική εποχή, η τέχνη δεν αναπτύσσεται από τις καλλιτεχνικές δραστηριότητες των πολιτών: είναι εξ ολοκλήρου επαγγελματίας.

Όλα που γράφτηκαν στην αρχαία Ελλάδα σχετικά με τη μουσική τέχνη και τι μπορεί να κριθεί από πολλά διατηρημένα υλικά για πολλά διατηρημένα υλικά, βασίστηκε στις ιδέες για τη μελωδία (από το πλεονέκτημα μιας ποιητικής λέξης). Αυτό είναι προφανές όχι μόνο από το περιεχόμενο των ειδικών θεωρητικών έργων, αλλά και από τις γενικότερες ηθικές και αισθητικές δηλώσεις των μεγαλύτερων ελληνικών στοχαστών. Έτσι, η αρχή της μονάδας ενός δορυφόρου επιβεβαιώνεται πλήρως, εντελώς χαρακτηριστική της αρχαίας ελληνικής μουσικής τέχνης.

Το λεγόμενο δόγμα του ήθου, που επεκταθεί από τον Πλάτωνα, ανεπτυγμένο και σε βάθος Αριστοτέλη, είναι το μεγαλύτερο ενδιαφέρον από τις αρχαίες κρίσεις για τη μουσική τέχνη. Ένας συνδυασμός πολιτικής και μουσικής προβλημάτων Μια αντίκες παράδοση συνδέεται με το όνομα του Δομικού Αθηνών, ενός δασκάλου Σωκράτης και έναν φίλο της Περίλλας. Από αυτόν, σαν να ο Πλάτωνας έλαβε την ιδέα του αντίκτυπου της μουσικής του ευεργέτη στην εκπαίδευση των αξιοπρεπών πολιτών που αναπτύχθηκε από αυτόν στα βιβλία "κατάσταση" και "νόμους". Ο Πλάτωνας παίρνει στην ιδανική του κατάσταση την πρώτη (μεταξύ άλλων τεχνών) ο ρόλος της μουσικής στην εκπαίδευση από τους νεαρούς άνδρες ενός θαρραλέου, σοφούς, ενάρετους και ισορροπημένους ανθρώπους, δηλαδή ένας ιδανικός πολίτης. Ταυτόχρονα, ο Πλάτων, αφενός, συνδέει τον αντίκτυπο της μουσικής με τον αντίκτυπο της Γυμναστικής ("όμορφη τηλεόραση"), και από την άλλη, ισχυρίζεται ότι η μελωδία και ο ρυθμός είναι πιο ενθουσιασμένοι από την ψυχή και ενθαρρύνουν τους ανθρώπους για να μιμηθεί τα δείγματα της όμορφης, που του δίνει μουσική τέχνη.

"Εμφάνιση τότε τι είναι τέλειο στο τραγούδι, ο Πλάτωνας διαπιστώνει ότι είναι απαραίτητο να κρίνουμε αυτό, με λόγια, Λάγα και ρυθμό. Σύμφωνα με τις παρουσιάσεις του χρόνου του, θα σηματοδοτήσει όλους τους φρικτές και χαλαρωτικούς χαρακτήρες, και καλεί μόνο τους μοναδικούς αξιοπιστούς της στρατιωτικής εκπαίδευσης του νεαρού άνδρα. Ομοίως, ο φιλόσοφος αναγνωρίζει μεταξύ των μουσικών οργάνων μόνο Kifaru και Lira, αρνούμενος ηθικές ιδιότητες όλων των άλλων. Έτσι, ο φορέας του ήθου, από την άποψη του Πλάτωνα, δεν είναι έργο τέχνης, όχι της εικόνας του και ούτε καν το σύστημα. Εκφραστικά εργαλεία, αλλά μόνο το δρόμο ή το timbre του οργάνου, ακολουθούμενη από μια ορισμένη ηθική ποιότητα.

Ο Αριστοτέλης κρίνει το διορισμό της μουσικής πολύ πιο ευρύτερο, υποστηρίζοντας ότι δεν πρέπει να εξυπηρετεί ένα, αλλά σε διάφορους στόχους και οφέλους: i) για χάρη της εκπαίδευσης, 2) για χάρη της πνευματικής διασκέδασης, Δηλαδή, ο χαλαρώνοντας και η ανάπαυση από τις τεταμένες δραστηριότητες ... από εδώ, είναι σαφές - συνεχίζει ο Αριστοτέλης, - ο οποίος, αν και μπορείτε να χρησιμοποιήσετε όλα τα frets, αλλά δεν πρέπει να εφαρμόζονται με τον ίδιο τρόπο "0 τη φύση του Ο αντίκτυπος της μουσικής στην ψυχή τον κρίνει με τέτοιο τρόπο:

"Ο ρυθμός και η μελωδία περιέχουν το πιο κοντά στην πλησιέστερη την πραγματική εγκυρότητα της χαρτογράφησης του θυμού και της λεηλασίας, του θάρρους και της θερμοκρασίας και όλες τις αντίθετες ιδιότητες, καθώς και άλλες ηθικές ιδιότητες. Αυτό είναι σαφές από την εμπειρία: όταν αντιλαμβανόμαστε με το ρυθμό και τη μελωδία του αυτιού, αλλάζουμε και η διανοητική διάθεση. Η συνήθεια να δοκιμάζει τη θλιβερή ή χαρούμενη διάθεση όταν αντιλαμβάνεται τι μιμείται την πραγματικότητα, οδηγεί στο γεγονός ότι αρχίζουμε να βιώσουμε τα ίδια συναισθήματα και σε σύγκρουση με [Letyani] True "3. Και τέλος, ο Αριστοτέλης. Έρχεται στο εξής συμπέρασμα: "... η μουσική είναι σε θέση να προσφέρει μια γνωστή επίδραση στην ηθική πλευρά της ψυχής. Και μόλις η μουσική έχει τέτοιες ιδιότητες, είναι προφανές ότι πρέπει να συμπεριληφθεί στον αριθμό των αντικειμένων της Itezh. "

Πίσω από τον φιλόσοφο και το μαθηματικό Πυθαγόρεασ (VI αιώνα π.Χ.) για μεγάλο χρονικό διάστημα, η έννοια του πρώτου από τους ελληνικούς στοχαστές που έγραψαν για τη μουσική είναι σταθερά. Αποδίδεται στην αρχική ανάπτυξη των διδασκαλιών σε μουσικά διαστήματα (συμφωνεί και διαφωνίες) με βάση το καθαρό θέμα των σχηματικών σχέσεων που αποκτήθηκε από τη διαίρεση της συμβολοσειράς. Γενικά, οι αριθμοί και οι αναλογίες των Πυθαγόρων - σύμφωνα με το δείγμα των αρχαίων ανατολικών πολιτισμών (το μεγαλύτερο μέρος της Αιγύπτου) - έδωσαν μαγικές έννοιες, που προέρχονταν από αυτούς, ειδικότερα τις μαγικές και θεραπευτικές ιδιότητες της μουσικής. Τέλος, από αφηρημένες κερδοσκοπικές κατασκευές, οι Πυθαγορείοι ήρθαν στην ιδέα της λεγόμενης "αρμονικής σφαίρας", πιστεύοντας ότι οι ουράνιοι φωτισμένοι, ο ένας τον άλλον σε ορισμένους αριθμούς ("αρμονικές"), πρέπει να ακούγονται κατά την οδήγηση και την παραγωγή "Ουράνιος αρμονία".

Όσον αφορά τις διδασκαλίες του ήθου, στη συνέχεια στους μελλοντικούς νεοπλατωνιστές, ειδικά το φράγμα (ΙΙΙ αιώνα), τον επανεξετάστηκαν σε ένα θρησκευτικό και μυστικιστικό πνεύμα, στερεί από τον πολιτικό Παθό, το οποίο ήταν εγγενές στην Ελλάδα. Από εδώ, τα ευθεία νήματα έχουν ήδη τραβηχτεί στην αισθητική θέα του Μεσαίωνα. Η πτώση της αρχαίας κουλτούρας στην εποχή της αποσύνθεσης ενός κτιρίου ιδιοκτήτη σκλάβων συμβάλλει απλώς στην επιτυχή ανάπτυξη της χριστιανικής τέχνης, με πολλούς τρόπους που αντιτίθενται στην αισθητική και τη μουσική πρακτική της Ρώμης των προηγούμενων αιώνων. Είναι αδύνατο να αρνηθεί ορισμένοι σύνδεσμοι μεταξύ της κληρονομιάς της αρχαιότητας και της ανάπτυξης της αισθητικής σκέψης της επόμενης εποχής στη στροφή δύο εποχών.

Μουσική κουλτούρα Μεσαίωνα

Στην ανάπτυξη της μουσικής κουλτούρας της Δυτικής Ευρώπης, μια μακρά και ευρεία ιστορική λωρίδα μεσαίωνα είναι δύσκολο να θεωρηθεί ως μία μόνο περίοδος, ακόμη και ως μια μεγάλη εποχή με ένα κοινό χρονολογικό πλαίσιο. Η πρώτη, η αρχική γραμμή του Μεσαίωνα - μετά την πτώση της Δυτικής Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας το 476 - είναι συνηθισμένο να σημειώστε το VI αιώνα. Εν τω μεταξύ, η μόνη περιοχή της μουσικής τέχνης, η οποία άφησε τα μνημεία γραφής ήταν μέχρι τον XII αιώνα, μόνο η μουσική της χριστιανικής εκκλησίας. Το ολόκληρο περίεργο σύνολο σχετικών φαινομένων έχει αναπτυχθεί με βάση τη μακρά ιστορική κατάρτιση, ξεκινώντας από τον αιώνα του ΙΙ, και περιλάμβανε μακρινή προέλευση πέρα \u200b\u200bαπό τη Δυτική Ευρώπη στα ανατολικά στην Παλαιστίνη, τη Συρία, την Αλεξάνδρεια. Εκτός από την εκκλησιαστική μουσική κουλτούρα του Μεσαίωνα, ο ένας ή άλλος δεν πέρασε την κληρονομιά της αρχαίας Ελλάδας και της αρχαίας Ρώμης, αν και οι «πατέρες της εκκλησίας», και στους μελλοντικούς θεωρητικούς που έγραψαν για τη μουσική, σε μεγάλο βαθμό αντίθετη Η τέχνη της χριστιανικής εκκλησίας στον παγανιστικό καλλιτεχνικό κόσμο της αρχαιότητας.

Η δεύτερη σημαντικότερη γραμμή, η υπογραφή της μετάβασης από τον Μεσαίωνα στην αναβίωση, δεν είναι ταυτόχρονα στη Δυτική Ευρώπη: στην Ιταλία - στον αιώνα XV, στη Γαλλία - στο XVI. Σε άλλες χώρες, ο αγώνας των μεσαιωνικών και αναγεννησιακών τάσεων πραγματοποιείται σε διαφορετικούς χρόνους. Στην εποχή της Αναγέννησης, όλοι πλησιάζουν με διάφορες κληρονομιές του Μεσαίωνα, με την περιέλιξη των δικών τους συμπερασμάτων από μια τεράστια ιστορική εμπειρία. Ήταν σε μεγάλο βαθμό σημαντικό κάταγμα στην ανάπτυξη της καλλιτεχνικής κουλτούρας του Μεσαίωνα, οι οποίες συνέβησαν στους Xi-XII αιώνες και λόγω νέων κοινωνικο-ιστορικών διαδικασιών (η ανάπτυξη πόλεων, η Σταυροφορίες, ο διορισμός νέων κοινωνικών στρωμάτων, Πρώτη ισχυρή εστία κοσμικής κουλτούρας κλπ.).

Ωστόσο, με όλη τη σχετικότητα ή την κινητικότητα των χρονολογικών προσώπων, με τους αναπόφευκτες γενετικές συνδέσεις με το παρελθόν και την άνιση μετάβαση στο μέλλον, για τη μουσική κουλτούρα του δυτικού μεσαιωνικού ηλικιωμένου, τα σημαντικά φαινόμενα και τις διαδικασίες που είναι ιδιαιτερότητες μόνο σε αυτό και αδιανόητα μόνο σε αυτό και αδιανόητα σε άλλες συνθήκες χαρακτηρίζονται. Αυτό, πρώτον, το κίνημα και η ύπαρξη στη Δυτική Ευρώπη πολλές φυλές και λαοί που βρίσκονται σε διαφορετικά στάδια της ιστορικής ανάπτυξης, πολλαπλής απασχόλησης στυλ και διάφορα πολιτικά κτίρια και, με όλα αυτά, η επίμονη επιθυμία της καθολικής εκκλησίας στην ενοποίηση ολόκληρης της τεράστιας εκκλησίας , ο ταραχώδης, ο μακροχρόνιος κόσμος δεν είναι μόνο γενικό ιδεολογικό δόγμα, αλλά και τις γενικές αρχές της μουσικής κουλτούρας. Αυτό, δεύτερον, είναι η αναπόφευκτη δυαδικότητα του μουσικού πολιτισμού καθ 'όλη τη διάρκεια του Μεσαίωνα: η εκκλησία τέχνης αντιτάχθηκε πάντα στους κανόνες της με την ποικιλομορφία της λαϊκής μουσικής παντού στην Ευρώπη. Στους αιώνες I-XIII, οι νέες μορφές κοσμικής μουσικής και ποιητικής δημιουργικότητας έχουν ήδη προκύψει και η εκκλησιαστική μουσική μεταμορφώθηκε. Αλλά αυτές οι νέες διαδικασίες συνέβησαν σε συνθήκες ανάπτυξης φεουδαρχίας.

Όπως είναι γνωστό, ο ειδικός χαρακτήρας του μεσαιωνικού πολιτισμού, της μεσαιωνικής εκπαίδευσης, της μεσαιωνικής τέχνης καθορίζεται σε μεγάλο βαθμό από την εξάρτηση από τη χριστιανική εκκλησία.

Η μουσική της χριστιανικής εκκλησίας ήταν εμφανής στις αρχικές της μορφές στις ιστορικές συνθήκες της υψηλής ισχύος της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας. Η πίστη στη μετά θάνατον ζωή, στην υψηλότερη ανταμοιβή για τα πάντα τέλεια στη γη, καθώς και την ιδέα της εξόφλησης των αμαρτιών της ανθρωπότητας, το θύμα του σταυρωτή στον σταυρό του Χριστού ήταν σε θέση να αιχμαλωτίσει τις μάζες.

Η ιστορική προετοιμασία του χορωδίου GregoRianskopooy ως τελετουργικό τραγούδι της κυρίαρχης χριστιανικής εκκλησίας ήταν μακρύ και ευπροσάρμοστο.

Στο τέλος του IV αιώνα, συνέβη, όπως γνωρίζετε, ο διαχωρισμός της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας στη Δυτική (Ρώμη) και στην Ανατολική (Βυζάντιο), των οποίων τα ιστορικά προορισμοί είναι τότε διαφορετικά. Έτσι, η Δυτική και Ανατολική Εκκλησία διέταξε, αφού η χριστιανική θρησκεία ήταν εκείνη την εποχή έγινε κατάσταση.

Με τη διαίρεση της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας και το σχηματισμό δύο κέντρων της χριστιανικής εκκλησίας του μονοπατιού της εκκλησιαστικής τέχνης, η οποία ήταν στη διαδικασία του τελικού σχηματισμού, σε μεγάλο βαθμό ευθυγραμμισμένο στη Δύση και την Ανατολή.

Η Ρώμη επεξεργάστηκε τα πάντα με τον δικό του τρόπο από ό, τι η χριστιανική εκκλησία είχε τοποθετήσει και δημιουργήθηκε σε αυτή τη βάση την κανονισμένη τέχνη - Grigorian χορωδία.

Ως αποτέλεσμα, η εκκλησία, επιλεγμένη, ζυγισμένη, που διανεμήθηκε στο χρόνο της εκκλησίας, ανήλθαν σε Pape Gregory (τουλάχιστον στην πρωτοβουλία του). Επίσημη Αψίδα - - Αντιφονάριο. Εισερχόμενες χρωωρίες σε πήρε ένα όνομα Γρηγοριανή Χορυδαία Και έγινε η βάση του λειτουργικού τραγουδιού της Καθολικής Εκκλησίας. Το Arch of Gregorian Jerseys είναι τεράστια ..

Η αψίδα του Gregorian που τραγουδάει από τους Xi-XII αιώνες, και στη συνέχεια στην εποχή της Αναγέννησης χρησίμευσε ως την αρχική βάση για τη δημιουργία πολυ-φωνής δοκίμιων, στην οποία οι θρησκευτικές μελωδίες έλαβαν την πιο ποικίλη ανάπτυξη.

Όσο πιο επεκταθεί η σφαίρα της επιρροής της, η Ρωμαϊκή Εκκλησία στην Ευρώπη, τόσο περισσότερο η γρηγοριανή χορωδιακή από τη Ρώμη βόρεια και η Δύση επέκτεινε.

Η μεταρρύθμιση του μουσικού ρεκόρ πραγματοποιήθηκε από έναν ιταλικό μουσικό, θεωρητικό και δάσκαλο Guido d "Arezzo το δεύτερο τρίμηνο του XI αιώνα.

Η μεταρρύθμιση του GUIDO ήταν ισχυρή στην απλότητα και τη οργανικότητα της αρχικής σκέψης: πέρασαν τέσσερις γραμμές και, τοποθετώντας το ποτέ πάνω τους ή μεταξύ τους, τους έδωσε σε όλο το ακριβές νόημα υψηλού υψομέτρου. Μια άλλη καινοτομία του Guido από το Arezzo, ουσιαστικά η εφεύρεσή του, ήταν η επιλογή ενός ορισμένου ήχου έξι κομματιών (Pre-re-mi-fa-sol-la).

Από το τέλος του XI αιώνα, στο XII και ειδικά στους XIII αιώνες στη μουσική ζωή και στο μουσικό έργο μιας σειράς χωρών της Δυτικής Ευρώπης, πρώτα είναι λιγότερο αισθητά, τότε όλο και πιο αισθητά - σημάδια νέας κίνησης . Από τις αρχικές μεσαιωνικές μορφές μουσικής κουλτούρας, η ανάπτυξη καλλιτεχνικών προτιμητών και δημιουργικής σκέψης πηγαίνει σε άλλους, πιο προοδευτικούς τύπους ενδισιών, σε άλλες αρχές της μουσικής δημιουργικότητας.

Στους αιώνες XII -XIII, οι ιστορικές προϋποθέσεις εμφανίστηκαν σταδιακά όχι μόνο για την προσθήκη νέων δημιουργικών ρευμάτων, αλλά και για τη γνωστή κατανομή της στη Δυτική Ευρώπη. Έτσι, το μεσαιωνικό μυθιστόρημα ή η ιστορία που υπήρχε στο γαλλικό έδαφος στους αιώνες XII - XIII δεν παραμένουν μόνο γαλλικά φαινόμενα. Μαντάμια με το μυθιστόρημα για το Tristan και το Isolde και την ιστορία για την Okasen και την Nicette, το "Parsifal" και το "φτωχό Heinrich" εισήλθαν στην ιστορία της λογοτεχνίας. Νέο, γοτθικό στυλ στην αρχιτεκτονική, που παρουσιάζονται από κλασικά δείγματα στη Γαλλία (καθεδρικοί ναοί στο Παρίσι, Chartres, Reims), βρήκαν την έκφρασή του και στις γερμανικές και τσεχικές πόλεις, στην Αγγλία κλπ.

Η πρώτη άνθηση του κοσμικού μουσικού και ποιητικού στιχουργού, ο οποίος έρχεται στην Προβηγκία από τον XII αιώνα, στη συνέχεια καταγράφηκε τη Βόρεια Γαλλία, απάντησε στην Ισπανία, βρήκε μια έκφραση αργότερα στο γερμανικό Minnezang. Με όλη την ταυτότητα καθεμιάς από αυτές τις τάσεις και έδειξαν ένα νέο πρότυπο χαρακτηριστικό της εποχής στην ευρεία κλίμακα της. Με τον ίδιο τρόπο, η προέλευση και η ανάπτυξη μιας πολυφωνίας στις επαγγελματικές του μορφότες - σχεδόν η σημαντικότερη πλευρά της μουσικής εξέλιξης - συνέβη σχεδόν με τη συμμετοχή της γαλλικής δημιουργικής σχολής και τις περισσότερες από μία ομάδες μουσικών από τον καθεδρικό ναό της Notre Dame, ανεξάρτητα από το πόσο μεγάλη αξία.

Δυστυχώς, κρίνουμε τα μονοπάτια της μεσαιωνικής μουσικής σε κάποιο βαθμό επιλεκτικά. Ως κατάσταση πηγών, είναι αδύνατο να εντοπιστούν ειδικοί σύνδεσμοι, για παράδειγμα, στην ανάπτυξη της πολυφωνίας μεταξύ των πηγών της στα βρετανικά νησιά και τις μορφές της στην ήπειρο, ειδικότερα, στα αρχικά στάδια.

Οι μεσαιωνικές πόλεις με το χρόνο έχουν γίνει σημαντικά κέντρα του πολιτισμού. Τα πανεπιστήμια (Μπολόνια, Παρίσι) ιδρύθηκαν στην Ευρώπη. Η αστική κατασκευή επεκτάθηκε, οι πλούσιοι καθεδρικοί ναοί ανεγερθήκαν και σε αυτά, με μεγάλη υπέροχη, η λατρεία διαπράχθηκε με τη συμμετοχή των καλύτερων χορωδιακών τραγουδιστών (προετοιμαζόταν σε ειδικές σχολές - μετρήσεις - με μεγάλες εκκλησίες). Η υποτροφία (και η μουσική υποτροφία, ιδιαίτερα χαρακτηριστική του Μεσαίωνα, ειδικότερα), δεν επικεντρώθηκε πλέον μόνο στα μοναστήρια. Νέες μορφές, το νέο στυλ της εκκλησιαστικής μουσικής συνδέεται αναμφισβήτητα με τον πολιτισμό της μεσαιωνικής πόλης. Εάν παρασκευάστηκαν εν μέρει από τις προηγούμενες δραστηριότητες των επιστημόνων των μοναχών μουσικών (όπως ο Hokbald από την Saint-Amanda και Guido από το Arezzo), αν τα πρώτα πολυφωνικά δείγματα προχωρούν από τα μοναστικά σχολεία της Γαλλίας, ιδίως από τα μοναστήρια της Χάρτρα και του Λιμόζ, - Όλα τα ίδια συνεπή, η ανάπτυξη νέων μορφών πολυφωνίας αρχίζει στο Παρίσι XII - XIII αιώνες.

Άλλα, επίσης μια πολύ βασική δεξαμενή μεσαιωνικού μουσικού πολιτισμού επισυνάπτεται στην αρχή με τις δραστηριότητες, τον κύκλο συμφερόντων και την περίεργη ιδεολογία της ευρωπαϊκής ιππότη. Διασταυρούμενες εκδρομές προς τα ανατολικά, τεράστιες κινήσεις για μακρινές αποστάσεις, μάχες, πολιορκία πόλεων, πολιτικές διαμάχες, τολμηρές, επικίνδυνες περιπέτειες, κατακτώντας τις εκτάσεις άλλων ανθρώπων, επικοινωνήστε με τους διάφορους λαούς της Ανατολής, τα τελωνεία τους, τον τρόπο ζωής, τον πολιτισμό, τις εντελώς ασυνήθιστες εντυπώσεις - Όλα αυτά επέβαλαν το σημάδι της στους νέους παγκόσμιους-φαινομενικούς σταυροφόρους ιππότες. Όταν ένα μέρος του κόλπου ήταν σε θέση να υπάρχει σε ευνοϊκές ειρηνικές συνθήκες, η προηγούμενη ιδέα της ιππικής τιμής (φυσικά, κοινωνικά περιορισμένη) συνδέθηκε με τη λατρεία εξαιρετικών κυρίες και την υπηρεσία του ιππότη, με το ιδεώδες του δικαστηρίου αγάπη και σχετικούς κανόνες συμπεριφοράς. Στη συνέχεια, η μουσική και η ποιητική τέχνη του Trubadurov έλαβε την προηγούμενη εξέλιξή του, η οποία έδωσε την πρώτη στα ευρωπαϊκή δείγματα των γραμμάτων που καταγράφονται αμφίδρομα κοσμικά φωνητικά στίχοι.

Άλλα στρώματα μουσικής κουλτούρας του Μεσαίωνα συνέχισαν να υπάρχουν, συζυγές με τη ζωή των ανθρώπων, με τις δραστηριότητες αδέσποτων μουσικών, με τις επερχόμενες αλλαγές στο περιβάλλον και τον τρόπο ζωής τους.

Πληροφορίες σχετικά με τους αδέσποους λαϊκούς μουσικούς Μεσαίωνα γίνεται από το IX στο XIV αιώνα γίνονται όλο και πιο άφθονες και ορίζονται. Αυτά τα juggles, τα minstrels, τα σπίτια - όπως κλήθηκαν σε διαφορετικές χρονικές στιγμές και σε διαφορετικά μέρη - για μεγάλο χρονικό διάστημα ήταν οι μόνες εκπρόσωποι της κοσμικής μουσικής κουλτούρας του χρόνου τους και έτσι πραγματοποίησαν σημαντικό ιστορικό ρόλο. . Σε ένα μεγάλο μέτρο που βασίζεται στη μουσική τους πρακτική, οι παραδόσεις του τραγουδιού τους ήταν οι πρώιμες μορφές κοσμικών στίχων των αιώνων XII - XIII. Αυτοί οι περιπλανώμενοι μουσικοί, δεν συμμετείχαν με μουσικά όργανα, ενώ η Εκκλησία ή απέρριψε τη συμμετοχή τους ή το πήρε με μεγάλη δυσκολία. Εκτός από τα διάφορα παράθυρα (σωλήνες, κέρατα, στροβιλίζεται, φλάουτα, γλάστρες), με την πάροδο του χρόνου, η μουσική ζωή περιλαμβάνει την άρπα (από τους αρχαίους), Clotort (Celtic εργαλείο), ποικιλίες εργαλείων Brook, προγόνους του μελλοντικού βιολιού - Rebab, Vila, Fidel (ίσως από την Ανατολή).

Κατά πάσα πιθανότητα, αυτοί οι μεσαιωνικοί ηθοποιοί, οι μουσικοί, οι χορευτές, οι ακροβάτες (συχνά σε ένα άτομο), που ονομάζονται jonglers ή άλλα παρόμοια ονόματα, είχαν τις πολιτιστικές και ιστορικές τους παραδόσεις, αφήνοντας για μακρινούς χρόνους. Θα μπορούσαν να υιοθετηθούν - μέσα από μια σειρά γενεών - η κληρονομιά της συνθετικής τέχνης των αρχαίων ρωμαϊκών ηθοποιών, των οποίων οι απογόνοι, που ονομάζονται οι ιστορικοί και τα μίμια, περιπλανιόταν για μεγάλο χρονικό διάστημα, που τρέχουν στη μεσαιωνική Ευρώπη. Οι παλαιότεροι έξι εκπρόσωποι της Κελτικής (Μπάρδου) και της Γερμανικής Έπθνης θα μπορούσαν επίσης να είναι κάπως σε θέση να μεταφέρουν τις παραδόσεις τους στους jugglers, οι οποίες, αν και δεν ήταν σε θέση να τα διατηρήσουν πίστη, αλλά παρ 'όλα αυτά, μάθασαν από αυτούς για τον εαυτό τους . Εν πάση περιπτώσει, στο IX αιώνα, όταν ο πρώτος αναφέρει τους ιστορούς και τα μίμια αντικαθίσταται ήδη από μηνύματα σχετικά με τους Juggles, αυτά τα τελευταία είναι γνωστά για εκείνους και ως επικά καλλιτέχνες. Στρίβοντας από τόπο σε τόπο, οι Juggles εκτελούν τους εορτασμούς στις αυλές (όπου συρρέουν σε ορισμένες ημερομηνίες), στα κάστρα, στα χωριά, και ακόμη και επιτρέπονται στην εκκλησία. Στα ποιήματα, τα μυθιστορήματα και τα τραγούδια του Μεσαίωνα περισσότερα από μόλις αναφέρθηκαν στη συμμετοχή του Juggler σε εορταστική διασκέδαση, στη συσκευή όλων των ειδών γυαλιών σε εξωτερικούς χώρους. Όσο οι ιδέες αυτές, κατάλληλες σε μεγάλες διακοπές στους ναούς ή τα νεκροταφεία, πραγματοποιήθηκαν μόνο από τους λατινικούς, φοιτητές μοναστικών σχολείων και νέων κληρικών θα μπορούσαν να συμμετάσχουν σε παραστάσεις. Αλλά από το XIII αιώνα, η Λατινική αντικατάστασε από τις τοπικές λαϊκές γλώσσες - και στη συνέχεια οι αδέσποτοι μουσικοί που υποβάλλουν αίτηση για την εκπλήρωση κόμικς ρόλων και επεισοδίων σε πνευματικές ιδέες, κατά κάποιον τρόπο να εισέλθουν στον αριθμό των ηθοποιών και στη συνέχεια να κατακτήσει την επιτυχία με τα αστεία τους στο κοινό και τους ακροατές. Έτσι, για παράδειγμα, στους καθεδρικούς ναούς του Στρασβούργου, Ρουέν, Ρεϊμά, Cambre. Μεταξύ των "ιστοριών", οι οποίες παρουσιάστηκαν σε διακοπές, υπήρχαν Χριστούγεννα και Πάσχα "Denites", "Crying Mary", "Ιστορία για τις συσκευές λογικών και βοηθών παράλογων", κλπ. Σχεδόν παντού στις ιδέες, υπέρ τους Οι επισκέπτες, εισήχθησαν αυτά ή άλλα κωμικά επεισόδια που σχετίζονται με τη συμμετοχή κακών δυνάμεων ή περιπέτειας και αντιγράφων υπαλλήλων. Εδώ και ανοιχτός χώρος για τις δράσεις μουσικών ικανοτήτων του Juggler με την παραδοσιακή τους τίκτη.

Σε ένα ιδιαίτερο ρόλο, πολλά από τα minstrels αντιτάχθηκαν, όταν άρχισαν να συνεργάζονται με τον Τρανμπάδα, που συνοδεύουν τις κασέτες τους-ιππότες παντού, που συμμετέχουν στην απόδοση των τραγουδιών τους, επικοινωνώντας σε νέες μορφές τέχνης.

Ως αποτέλεσμα, το μέσο των "αδέσποτων ανθρώπων", οι jugglers, τα σπίτια, τα minstrels, που αντιμετωπίζουν σημαντικούς μετασχηματισμούς με το χρόνο, δεν παραμένουν ενωμένες στη σύνθεσή της. Υπήρξε επίσης μια παλίρροια νέων δυνάμεων - αρμόδιων, αλλά έχασε μια σταθερή θέση στην κοινωνία, δηλαδή, ουσιαστικά αποθηκεύει ηττημένους από έναν μικρό κληρικό, περίεργο schotyarov, δρομολογημένους μοναχούς. Εμφανίζονται στις τάξεις των αδέσποτων ηθοποιών και των μουσικών στους Xi - XII αιώνες στη Γαλλία (και στη συνέχεια σε άλλες χώρες), έλαβαν τα ονόματα των ανανέωσης και του Γολιαδόφ. Με αυτούς σε στρώματα των Jongs, νέες ιδέες ζωής και συνήθειες, παιδεία, μερικές φορές ακόμη και μια διάσημη εκρήξεις έχουν έρθει.

Από το τέλος του αιώνα XIII, τα συνδικάτα του Spiers, οι Jugglers, τα minstrels σχηματίζονται σε διάφορα ευρωπαϊκά κέντρα - για την προστασία των δικαιωμάτων τους, καθορίζουν τον τόπο στην κοινωνία, τη διατήρηση των επαγγελματικών παραδόσεων και τη μεταφορά των μαθητών τους. Το 1288, ο Tu στη Βιέννη ιδρύθηκε από την "Αδελφότητα του Αγίου Αγίου Α. Νικόλαος ", United από μουσικούς, το 1321" Αδελφότητα του Αγίου Αγίου Αγίου Α. Ο Julien "στο Παρίσι ήταν μια οργάνωση εργαστηρίου τοπικών minosters. Στη συνέχεια, η Βασιλική Αντιλεκτή Γόνατα σχηματίστηκε στην Αγγλία. Αυτή η μετάβαση στο εργαστήριο θα τερμάτισε ουσιαστικά την ιστορία της μεσαιωνικής jugglery. Αλλά οι αδέσποιοι μουσικοί απέχουν πολύ από την ονειρική τους για τις αδελφότητες, τους συντεχνίες, τα καταστήματα. Οι περιπλανήσεις τους συνέχισαν στις XIV, XV, XVI αιώνες, που καλύπτουν ένα τεράστιο έδαφος και δημιουργώντας ως αποτέλεσμα νέων μουσικών και οικιακών συνδέσεων μεταξύ των μακρινών περιοχών.

Τροπανάδες, Τρομπέτες, Μιννεζίνγκντερ

Η τέχνη του Trubadurov, που προέρχεται από την Προβηγκία του 19ου αιώνα, ήταν ουσιαστικά μόνο η αρχή ενός ειδικού δημιουργικού κινήματος, χαρακτηριστικό του χρόνου και σχεδόν εξ ολοκλήρου που σχετίζεται με την ανάπτυξη νέων, κοσμικών μορφών καλλιτεχνικής δημιουργικότητας. Πολύ ευνοήθηκε τότε στην Προβηγκία την πρώιμη άνθηση της κοσμικής καλλιτεχνικής κουλτούρας: σχετικά μικρότερη καταστροφή και καταστροφή στο παρελθόν, κατά την επανεγκατάσταση των λαών, παλιές παραδόσεις χειροτεχνίας και διατηρούνται μακροπρόθεσμες εμπορικές δεσμοί. Σε τέτοιες ιστορικές συνθήκες, η ιππική καλλιέργεια εξελίχθηκε.

Μια περίεργη διαδικασία της εξέλιξης της πρώιμης κοσμικής τέχνης, η οποία προκύπτει από την καλλιτεχνική πρωτοβουλία της προβληματικής ιπποδρομιών, τροφοδοτείται σε μεγάλο βαθμό από μελωδικές πηγές τραγουδιών πληθυσμού και διανέμεται σε ευρύτερο φάσμα πολιτών, αντίστοιχα, εξελίσσονται με την έννοια του θέματος του αντικειμένου Εικονικό περιεχόμενο.

Η τέχνη του Troubadurov αναπτύσσεται μέσα στα όρια ενός μικρού μήκους από το τέλος του XI αιώνα. Στο δεύτερο μισό του XII αιώνα, τα ονόματα των σωλήνων ως μουσικοί ποιητών στο βόρειο τμήμα της Γαλλίας, στην σαμπάνια, στο Arras είναι γνωστοί. Στον XIII αιώνα, η λειτουργία των σωλήνων γίνεται πιο έντονη, ενώ η τέχνη του Προβηγκουλίου Troubadur ολοκληρώνει την ιστορία της.

Οι σάλπιγγες σε κάποιο βαθμό κληρονομήθηκαν από τη δημιουργική παράδοση του Troubadurov, αλλά ταυτόχρονα τα έργα τους συνδέονταν σαφώς με το Knightly, αλλά με την κουλτούρα της πόλης του χρόνου τους. Ωστόσο, υπήρχαν εκπρόσωποι διαφόρων δημόσιων κύκλων στο περιβάλλον Troubadur. Έτσι, ο πρώτος τριβουβάρας ήταν: Guillaume VII, μετρήστε τους Poitiers, Duke Akvitan (1071 - 1127) - και Gasconian-Coor Markabryun.

Οι προφοβιακές τροβαδόρες, όπως γνωρίζετε, συνήθως συνεργάστηκαν με juggles, που περιπλανήθηκαν μαζί τους, έκαναν τα τραγούδια τους ή συνοδεύουν το τραγούδι τους, σαν να συνδέονται ταυτόχρονα τις ευθύνες των υπαλλήλων και βοηθών. Ο Trubadur εκτελείται ως φυσίγγιο, ο συγγραφέας του μουσικού έργου και του Jonggler - καλλιτέχνης.

Στη μουσική και ποιητική τέχνη του Trubadurov, διακρίθηκαν διάφορα χαρακτηριστικά ποικιλίες τύπου του ποίημα τραγουδιού: Alba (τραγούδι της αυγής), παστέλ, SiRvent, τραγούδια των Σταυροφόρων, τα τραγούδια του διαλόγου, το κλάμα, τα τραγούδια του χορού. Αυτή η λίστα δεν είναι αυστηρή ταξινόμηση. Ο Love Lyrics ενσωματώνεται στο Alback, και σε παστεριές, και σε τραγούδια χορού.

Sirevent - Ο χαρακτηρισμός δεν είναι πολύ σαφής. Σε κάθε περίπτωση, δεν είναι λυρικό τραγούδι. Ηχητική από την όψη του ιππότη, πολεμιστής, θαρραλέος τρόμπανο, μπορεί να είναι ένα σατιρικό, κατηγορηματικό, με στόχο μια ποικιλία, σε ορισμένους συγχρόνους ή γεγονότα. Αργότερα, προκύπτουν τα είδη των μπαλάντων και του Rondo.

Όπως μπορεί να κριθεί με βάση το υλικό της ειδικής έρευνας, η τέχνη του Troubadurov τελικά δεν απομονώνεται από τις παραδόσεις του παρελθόντος, ούτε από άλλες σύγχρονες μορφές μουσικής και ποιητικής δημιουργικότητας.

Η τέχνη του Trubadurov χρησίμευσε ως σημαντική σύνδεση μεταξύ της πρώτης στη Δυτική Ευρώπη μορφές μουσικής και ποιητικών στίχων, μεταξύ της μουσικής και της οικιακής παράδοσης και των ιδιαίτερα επαγγελματικών κατευθύνσεων της μουσικής δημιουργικότητας στο XIII -. XIV αιώνες. Οι καθυστερημένοι εκπρόσωποι αυτής της τέχνης ήδη για τον μουσικό επαγγελματία, κατέκτησαν τα βασικά στοιχεία των νέων μουσικών δεξιοτήτων.

Takov Adam de la al (1237-1238 - 1287), ένα από τα τελευταία drovers, ένας εγγενής Arras, ο γάλλος ποιητής, συνθέτης, ο θεατρικός συγγραφέας του δεύτερου μισού του XIII αιώνα. Από το 1271 αποτελούταν από υπηρεσία στο δικαστήριο της Count Robert d "Artoi, μαζί με τις οποίες το 1282 πήγε στο Karl Anzhuy, ο βασιλιάς της Σικελίας, στη Νάπολη. Κατά τη διάρκεια της παραμονής του στη Νάπολη," το παιχνίδι για τον Robin και τον Μάριον " δημιουργήθηκε και σημαντική και σημαντική και σημαντική εργασία του συνθέτη του ποιητή.

Τέτοια έργα είναι η προϊστορία της γέννησης της γαλλικής μουσικής κωμωδίας HU111 στο. και Operetta x1x in.

Τα δείγματα τέχνης Trubadur πέφτουν στους αιώνες XII-XIII στη Γερμανία, ενδιαφερόμενη προσοχή στον εαυτό τους. Οι στίχοι μεταφράζονται σε γερμανικά, ακόμη και οι μελωδίες είναι μερικές φορές ικανές για νέες λέξεις. Η ανάπτυξη από το δεύτερο εξάμηνο του XII αιώνα (μέχρι την αρχή του XV) του Γερμανικού Minnenzang ως μια καλλιτεχνική ενσάρκωση της τοπικής ιππασίας κουλτούρα κάνει αυτό το ενδιαφέρον για τη μουσική και ποιητική τέχνη του γαλλικού troubadur - ειδικά σε πρώιμους παράγοντες minnesing.

Η τέχνη των Minnesingers ανέπτυξε σχεδόν έναν αιώνα αργότερα από την τέχνη του Troubadurov, σε ένα κάπως διαφορετικό ιστορικό περιβάλλον, στη χώρα όπου δεν είχε αρχικά, εξακολουθούν να υπάρχουν τέτοια ισχυρά θεμέλια για την προσθήκη μιας νέας, καθαρά κοσμικής κοσμημάτων.

Οι μεγαλύτεροι εκπρόσωποι της Minnezang ήταν ο Walter Von Der Fogelweed, ο ποιητής, ο συγγραφέας της Parsifhala Wolfram Von Eschenbach. Έτσι, ο θρύλος που βασίζεται στο Wagner "Tangeizer" βασίζεται στα ιστορικά γεγονότα.

Ωστόσο, η υπηρεσία και οι ομιλίες στις αυλές δεν περιορίζονται σημαντικά στις δραστηριότητες των γερμανικών minnesingers: ήταν το πιο σημαντικό από αυτούς που πραγματοποίησε ένα σημαντικό μέρος της ζωής σε μακρινές περιόδους.

Έτσι, η τέχνη του Minnezang δεν είναι τόσο ακατανόητη: διάφορες τάσεις συνδυάζονται σε αυτό, και η μελωδική πλευρά ως σύνολο είναι πιο προοδευτική από την ποιητική. Το είδος ποικιλίας των τραγουδιών από το Minnesinger είναι σε πολλούς τρόπους παρόμοια με εκείνους που καλλιεργήθηκαν από τους προβλεχμένους σωλήνες: τραγούδια των Σταυροφόρων, αγαπώντας-λυρικά τραγούδια διαφόρων ειδών, φανέλες χορού.

Η πνευματική μουσική των τελευταίων μεσαιωνικών ηλικιών συνεχίζει την ανάπτυξή της. Έλαβε μια μεγάλη ανάπτυξη μιας μουσικής δήλωσης πολλαπλών φωνητικών.

Η ανάπτυξη μιας γραφής πολλαπλών φωνητικών, χαρακτηριστικών στην αρχή της εκκλησιαστικής τέχνης, οδήγησε στην προσθήκη νέων μουσικών ειδών ως πνευματικού και κοσμικού περιεχομένου. Το πιο κοινό γονιδίωμα της πολυφωνίας γίνεται μικρός ύμνος.

Motet, ο οποίος είχε ένα πολύ μεγάλο μέλλον, αναπτύχθηκε πολύ εντατικά στο XIII αιώνα. Το λανθασμένο είναι ακόμα στον προηγούμενο αιώνα, όταν προέκυψε σε σχέση με τη δημιουργική δραστηριότητα της σχολής Notre Dame και είχε αρχικά ένα λειτουργικό διορισμό.

Το Motet XIII αιώνα είναι μια πολλαπλή (πιο συχνά τριών φωνή) εργασίας ενός μικρού ή μεσαίου μεγέθους. Το χαρακτηριστικό του είδους του MOTT ήταν η αρχική υποστήριξη στο τελικό μελωδικό μοτίβο (από τα φανέλες της εκκλησίας, από κοσμικά τραγούδια) στα οποία άλλες φωνές διαφόρων χαρακτήρων και ακόμη και μερικές φορές διάφορες προέλεις. Αποδείχθηκε ο συνδυασμός διαφορετικών μελωδών με διαφορετικά κείμενα.

Τα όργανα (Villai, Psalterium, όργανο) θα μπορούσαν να συμμετάσχουν σε ορισμένα μοτέλ. Τέλος, στο XIII αιώνα, η περίεργη μορφή εγχώριας πολυφωνίας, η οποία έλαβε τα ονόματα του Rondel, Rota, Ru (τροχού) έχει κερδίσει δημοτικότητα. Αυτό είναι ένα κωμικό canon, το οποίο ήταν γνωστό και μεσαιωνικό spiels.

Μέχρι το τέλος του XIII αιώνα, η μουσική τέχνη της Γαλλίας έθεσε σε μεγάλο βαθμό τον τόνο στη Δυτική Ευρώπη. Η μουσική και ποιητική κουλτούρα των σωληνωτών και των αναπηριών, καθώς και σημαντικά στάδια στην ανάπτυξη πολυφωνίας, επηρέασε εν μέρει τη μουσική τέχνη άλλων χωρών. Στην ιστορία της μουσικής του 19ου αιώνα (περίπου από τις 1230), αξιολογήθηκε η ονομασία "Ags antiqua" ("παλιά τέχνη").

Ars nova στη Γαλλία. Guyom Masha

Στις 1320, ο Philip de Comberse ονομάζεται "Ags Nova" δημιουργήθηκε στο Παρίσι. Αυτές οι λέξεις - "νέα τέχνη" - αποδείχθηκε ότι καλύπτεται: ήταν ο ορισμός της εποχής του Ags Nova, η οποία είναι αποδεκτή από τη γαλλική μουσική του XIV αιώνα. Οι εκφράσεις "Νέα τέχνη", "Νέο Σχολή", "Νέοι Τραγουδιστές" συναντήθηκαν συχνά κατά τη διάρκεια των χρόνων του Philip de Vitrate όχι μόνο στη θεωρητική εργασία. Είτε τα θεωρητικά υποστηρίχθηκαν νέα ρεύματα είτε τους φώναζαν, είτε τους καταδίκασαν ο Πάπας τους », υπήρχε εγώ το νέο στην ανάπτυξη της μουσικής τέχνης, η οποία δεν ήταν πριν από την εμφάνιση αναπτυγμένων μορφών πολλαπλών δοκών.

Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος του AGS NOVA στη Γαλλία ήταν guillaume de masho- Ουσιαστικός ποιητής και συνθέτης του χρόνου του, του οποίου η δημιουργική κληρονομιά μελετάται επίσης στην ιστορία της λογοτεχνίας.

Ανεξάρτητα από το πόσο περίπλοκο στο XIV αιώνα, η περαιτέρω ανάπτυξη των μορφών πολλαπλών φωνητών, η γραμμή της μουσικής και της ποιητικής τέχνης, η οποία προέρχεται από τους αγωγούς και τους σωλήνες, δεν χάθηκε πλήρως στην ατμόσφαιρα του γαλλικού ARS Nova. Εάν η Philippe de Vitrate ήταν πρωτίστως ένας μουσικός επιστήμονας, και ο Guillaume de Masho έγινε Μητέρα γαλλικών ποιητώνΌλα τα ίδια, και οι δύο ήταν ποιητές-μουσικοί, δηλαδή, υπό την έννοια αυτή, οι παραδόσεις των σωλήνων του XIII αιώνα συνέχισαν. Στο τέλος, δεν είναι τόσο μεγάλο χρονικό διάστημα χωριστά χωριστά τη δημιουργική δραστηριότητα του Philippe de Vitrate, η οποία άρχισε να συνθέτει μουσική γύρω στα 1313-1314, ακόμη και τις δραστηριότητες του Masha (από 1320-1330) - από τα τελευταία χρόνια του δημιουργικού Η ζωή του Adam de la al (το μυαλό, το 1286 ή το 1287).

Ο ιστορικός ρόλος του Guillaume DS Masha είναι πολύ πιο σημαντικός. Χωρίς αυτόν, στη Γαλλία δεν θα υπήρχε καμία ARS Nova. Είναι η μουσική και ποιητική δημιουργικότητα, άφθονη, πρωτότυπη, πολυμερή και επικεντρωμένη από μόνη της τα πιο σημαντικά χαρακτηριστικά αυτής της εποχής. Στην τέχνη του, όπως ήταν, οι γραμμές που διέρχονται, αφενός, από τη μουσική και ποιητική κουλτούρα των σωληνών και των σωλήνων στο μακροχρόνιο τραγούδι της, από την άλλη και από τα γαλλικά σχολεία της πολύπλευρας του X11111 αιώνες.

Σχετικά με τη διαδρομή ζωής του Masho μέχρι το 1323, δυστυχώς, δεν είναι γνωστό τίποτα. Είναι γνωστό μόνο ότι γεννήθηκε γύρω στο 1300 στο Masha. Ήταν ένας πολύ μορφωμένος ποιητής ευρείας εκδήλωσης και ενός πραγματικού πλοιάρχου της επιχείρησής του ως συνθέτης. Με την αναμφισβήτητα υψηλή προικισμό, θα έπρεπε, φυσικά, να πάρει μια λεπτομερή προετοιμασία για λογοτεχνικές και μουσικές δραστηριότητες την πρώτη ημερομηνία, με την οποία συνδέεται το γεγονός της βιογραφίας του Masha, - 1322 - 1323, όταν η υπηρεσία του ξεκίνησε στην αυλή του Ο βασιλιάς. Hymanie Yana Luxembourg (πρώτος στον υπάλληλο θέσης, τότε ο βασιλικός γραμματέας). Για περισσότερα από είκοσι χρόνια, η Masha βρισκόταν στην αυλή του βασιλιά Βοημία, στη συνέχεια στην Πράγα, στη συνέχεια, στη συνέχεια, συμμετέχοντας συνεχώς στις εκστρατείες του, τα ταξίδια, τις εορταστικές εκδηλώσεις, το κυνήγι κ.λπ. στο Spect Yana Luxembourg, είχε την ευκαιρία να επισκεφθεί σημαντικά κέντρα Γερμανία στην Πολωνία. Κατά πάσα πιθανότητα, όλα αυτά έδωσαν στην Guillaume de Masho πολλές εντυπώσεις και πλήρως εμπλουτίστηκαν την εμπειρία της ζωής του. Μετά το θάνατο του βασιλιά Βοημία το 1346, ήταν στην υπηρεσία των γαλλικών βασιλιάδων του John Good και Karl V, και έλαβε επίσης ένα Canonikat στον καθεδρικό ναό της Notre Dame στη Ρεϊμά. Αυτό συνέβαλε στη φήμη του ως ποιητή. Η Masha εκτιμήθηκε ιδιαίτερα κατά τη διάρκεια της ζωής του, και μετά το θάνατο το 1377 δοξάστηκε από τους σύγχρονους σε πλούσια επιτατάκια. Η Masha είχε σημαντικό αντίκτυπο στη γαλλική ποίηση, δημιούργησε ένα ολόκληρο σχολείο για το οποίο χαρακτηρίστηκαν οι ποιητικοί στίχοι που αναπτύχθηκαν από αυτούς.

Η κλίμακα της μουσικής και ποιητικής δημιουργικότητας της Masha με την πολυμερή ανάπτυξη των ειδών, την ανεξαρτησία της θέσης του, η οποία είχε τον ισχυρότερο αντίκτυπο στους γάλλους ποιητές, η υψηλή κυριαρχία του μουσικού - όλα αυτά τον καθιστά το πρώτο ένα τόσο σημαντικό άτομο στο την ιστορία της μουσικής τέχνης.

Η δημιουργική κληρονομιά του Masha είναι εκτενώς και ποικίλη. Δημιούργησαν Motges, Μπαλάντες, Rondo, Cangons κ.λπ.

Μετά το Masha, όταν το όνομά του τιμήθηκε ιδιαίτερα από ποιητές και μουσικούς και η επιρροή θα μπορούσε να αισθανθεί κάπως σαν τους άλλους, δεν είχε πραγματικά μεγάλους διαδόχους μεταξύ των γαλλικών συνθετών. Έμαθαν πολλά για την εμπειρία του ενός πολυφωνίου, μάχονται την τεχνική της, συνέχισε να καλλιεργεί τα ίδια είδη όπως αυτός, αλλά κάπως συνθλίβεται, η πειραματική λεπτομέρεια, η τέχνη τους.

ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗ

Η διαπιστευτική αξία της εποχής της Αναγέννησης για τον πολιτισμό και την τέχνη της Δυτικής Ευρώπης έχει πραγματοποιηθεί από καιρό από τους ιστορικούς και έχει γίνει γνωστή. Η μουσική της Αναγέννησης αντιπροσωπεύεται από μια σειρά από νέα και επιρροή δημιουργικά σχολεία, τα ένδοξά του Francesco Landini στη Φλωρεντία του XIV αιώνα, το Guillaume Dufai και του Johannes Okhemema στο XV αιώνα, Joskene Dere στην αρχή του XVI αιώνα και η Joskene Dere Το Pleiadrian Classics ενός αυστηρού στυλ στο τέλος της Αναγέννησης - Palestrina, Orlando Lasso.

Στην Ιταλία, η αρχή της νέας εποχής έχει έρθει για τη μουσική τέχνη στο XIV αιώνα. Το Κάτω Χώρο Σχολείο προέκυψε και έφτασε στις πρώτες κορυφές του XV, μετά την οποία ξεκίνησε η ανάπτυξή της και ο αντίκτυπος του με τον ένα ή τον άλλο τρόπο κατέλαβε επίσης τους δασκάλους άλλων εθνικών σχολείων. Τα σημάδια της αναβροχής εκδηλώθηκαν σαφώς στη Γαλλία στο XVI αιώνα, αν και τα δημιουργικά επιτεύγματά της ήταν μεγάλα και αναμφισβήτητα σε προηγούμενους αιώνες. Από τον XVI αιώνα, η άνοδος της τέχνης στη Γερμανία, η Αγγλία και ορισμένες άλλες χώρες που ανήκουν στην αναγεννησιακή τροχιά είναι.

Έτσι, στη μουσική τέχνη των χωρών της Δυτικής Ευρώπης, προφανή χαρακτηριστικά της αναβιαστικής είναι, αν και με κάποια ανομοιότητα, μέσα στους αιώνες XIV XVI. Καλλιτεχνική κουλτούρα της Αναγέννησης, ειδικότερα, μουσικό πολιτισμό, χωρίς αμφιβολία στραφεί μακριά από τα καλύτερα δημιουργικά επιτεύγματα των τελευταίων μεσαιωνιών. Η ιστορική πολυπλοκότητα της Αναγέννησης μίλησε ριζωμένη στο γεγονός ότι η φεουδαρχική εγκεφαλική επεισόνη παρέμεινε σχεδόν παντού στην Ευρώπη και πραγματοποιήθηκαν σημαντικές βάρδιες στην ανάπτυξη της κοινωνίας, η ευέλικτη προετοίμαζε την επίθεση της νέας εποχής. Αυτό εκφράστηκε στην κοινωνική και προωθητική σφαίρα, την πολιτική ζωή, στην επέκταση των ορίζοντων των σύγχρονων - γεωγραφικών, επιστημονικών, καλλιτεχνικών για την υπέρβαση της πνευματικής δικτατορίας της Εκκλησίας, στην άνοδο του ανθρωπισμού, η αύξηση της αυτοσυνείδησης ενός σημαντικού πρόσωπο. Με μια ειδική φωτεινότητα, σημάδια νέου κόσμου παγκοσμίως αναζητούνται και εγκαταστάθηκαν σε καλλιτεχνική εργασία, στη μεταφραστική κίνηση των διαφόρων τεχνών, για τις οποίες η "επανάσταση των μυαλών" ήταν εξαιρετικά σημαντική, η οποία προκάλεσε την Αναγέννηση.

Δεν υπάρχει καμία αμφιβολία ότι ο ανθρωπισμός στην «αναβιώσει» της κατανόηση έριξε τεράστιες φρέσκες δυνάμεις στην τέχνη του χρόνου του, εμπνευσμένους καλλιτέχνες σε αναζήτηση νέων θεμάτων, καθόρισαν σε μεγάλο βαθμό τη φύση των εικόνων και το περιεχόμενο των έργων τους. Για τη μουσική τέχνη, ο ανθρωπισμός σήμαινε πρώτα απ 'όλα τα εμβάσιμα με μια αίσθηση του ανθρώπου, αναγνωρίζοντάς τα με μια νέα αισθητική αξία. Αυτό συνέβαλε στην αναγνώριση και την εφαρμογή των ισχυρότερων ιδιοτήτων της μουσικής ιδιαιτερότητας.

Για ολόκληρη την εποχή, γενικά, η προφανής υπεροχή των φωνητικών ειδών, ιδίως η φωνητική πολυφωνία. Μόνο πολύ αργά, η σταδιακή οργάνωση της μουσικής αποκτά κάποια ανεξαρτησία, η άμεση εξάρτηση των φωνητικών μορφών και από τις εγχώριες πηγές (χορός, τραγούδι) θα ξεπεραστεί μόνο λίγο αργότερα. Τα μεγάλα μουσικά είδη παραμένουν συνδεδεμένα με το λεκτικό κείμενο.

Το μεγάλο μονοπάτι της μουσικής τέχνης, που ταξίδεψε από το XIV μέχρι το τέλος του XVI αιώνα, δεν ήταν καθόλου απλό και απλό, καθώς και όλη η πνευματική κουλτούρα της αναβίας δεν αναπτύχθηκε μόνο και μόνο στην ανερχόμενη ευθεία γραμμή. Στη μουσική τέχνη, όπως στις παρακείμενες περιοχές, υπήρξε η "γοτθική γραμμή τους" και η βιώσιμη και η αλυσίδα τους, η κληρονομιά του Μεσαίωνα.

Η μουσική τέχνη των χωρών της Δυτικής Ευρώπης, η μουσική τέχνη των χωρών της Δυτικής Ευρώπης, πλησίασε την πολλαπλή ιταλική, ολλανδία, γαλλικά, γερμανικά, ισπανικά, αγγλικά και άλλα δημιουργικά σχολεία και ταυτόχρονα με σαφώς έντονες γενικές τάσεις. Το κλασικό ενός αυστηρού στυλ δημιουργήθηκε ήδη, ένα είδος "εναρμόνισης" της πολυφωνίας ήταν και η κίνηση σε ένα ομόφωνο γράψιμο αυξήθηκε, αύξησε ο ρόλος της δημιουργικής ατομικότητας του καλλιτέχνη, η αξία της μουσικής της ζωής και ο αντίκτυπός του στο Επαγγελματική τέχνη ενός υψηλού επιπέδου, εμπλουτισμένα και εξατομικευμένα κοσμικά μουσικά είδη (ειδικά ιταλικά Madrigal), η νεαρή οργανική μουσική προσέγγισε το κατώφλι της ανεξαρτησίας. Όλοι αυτοί οι XVII αιώνα αντιλήφθηκαν άμεσα από το XVI - ως κληρονομιά της Αναγέννησης.

Ars Nova στην Ιταλία. Francesco Landini

Η ιταλική μουσική τέχνη του XIV αιώνα (Kreteno) παράγει γενικά την εκπληκτική εντύπωση της φρεσκάδας, σαν να είσαι νέος, μόνο ένα αναδυόμενο ύφος. Η μουσική του ARS Nova στην Ιταλία είναι απλά ελκυστική και ισχυρή στην καθαρά ιταλική της φύση και τις διαφορές της από τη γαλλική τέχνη της ταυτόχρονα. ARS NOVA στην Ιταλία - ήδη η Renaissance της Ζάρας, η σημαντική πρόβλεψη του. Το κέντρο των δημιουργικών δραστηριοτήτων των ιταλικών εκπροσώπων της ARS Nova δεν ήταν τυχαίο ότι η Φλωρεντία ήταν, η σημασία της οποίας επηρεάστηκε από την πρωτοβάθμια και τη νέα βιβλιογραφία της ανθρωπιστικής κατεύθυνσης και - σε μεγάλο βαθμό - για τις εικαστικές τέχνες.

Η περίοδος του ARS Nova καλύπτει το XIV αιώνα από περίπου 20 έως τη δεκαετία του '80 και σημειωμένη με ένα PSUR γνήσιο | την άνθηση της κοσμικής μουσικής δημιουργικότητας στην Ιταλία. Για το ιταλικό ARS Nova, η αδιαμφισβήτητη κυριαρχία των κοσμικών δοκίμων πάνω από το πνευματικό είναι χαρακτηριστικό. Στις περισσότερες περιπτώσεις, αυτά είναι δείγματα μουσικών στίχων ή κάπως το είδος του είδους.

Στο κέντρο του κινήματος ARS Nova, η φιγούρα του Francesco Landini, πλούσια και ευπροσάρμοστη καλλιτέχνη, που έκανε μια ισχυρότερη εντύπωση στους προχωρημένους συγχρόνους.

Ο Landini γεννήθηκε σε Fyzole, κοντά στη Φλωρεντία, στην οικογένεια του ζωγράφου. Μετά το Psrenin στην παιδική ηλικία, το eseplen είναι για πάντα. Σύμφωνα με τον Villani, άρχισε νωρίς να κάνει μουσική (πρώτα τραγουδά και στη συνέχεια να παίξει χορδές και όργανο). Η μουσική εξέλιξή του πήγε με υπέροχη ταχύτητα και έκπληκτοι άλλους. Υπενθύμισε το σχεδιασμό πολλών εργαλείων, έκανε βελτιώσεις και εφευρέθηκε νέα δείγματα. Με τα χρόνια, ο Francesco Landini ξεπέρασε όλους τους σύγχρονους Ιταλούς μουσικούς.

Ιδιαίτερα δοξάστηκε το παιχνίδι του στο όργανο, για το οποίο, παρουσία Petrarch, στέφθηκε με δάφνες στη Βενετία το 1364. Οι σύγχρονοι ερευνητές περιλαμβάνουν τα πρώτα έργα της έως το 1365-1370. Στη δεκαετία του 1380, η δόξα της Landini ως συνθέτη έχει ήδη εκλείψει τις επιτυχίες όλων των ιταλών του συγχρότιστα. Ο Landini πέθανε στη Φλωρεντία και θάφτηκε στην εκκλησία του San Lorenzo. Στη σόμπα της ταπετσαρίας σημείωσε την ημερομηνία: 2 Σεπτεμβρίου, 1397

Σήμερα, είναι γνωστές 154 συνθέσεις Landini. Οι μπαλάντες επικρατούν μεταξύ τους.

Η δημιουργικότητα των Landini, ουσιαστικά ολοκληρώνει την περίοδο της ARS Nova της Ιταλίας. Δεν υπάρχει αμφιβολία ότι το συνολικό επίπεδο της τέχνης και της ποιοτικής ποιότητας της Landini δεν επιτρέπεται να θεωρείται επαρχιακός, πρωτόγονος, καθαρός ηδονιστικός.

Τις τελευταίες δύο δεκαετίες, ο αιώνας X1U στη μουσική τέχνη της Ιταλίας, υπάρχουν αλλαγές, οι οποίες παραβιάζουν πρώτα την ακεραιότητα της θέσης της ARS Nova και στη συνέχεια να οδηγήσει στο τέλος της εποχής του. Η τέχνη του Hu αιώνα ανήκει στη νέα ιστορική περίοδο.

Περισσότερα από 1000 χρόνια ανέπτυξαν τη μουσική τέχνη του Μεσαίωνα. Είναι ένα αγχωτικό και αμφιλεγόμενο στάδιο της εξέλιξης της μουσικής σκέψης - από το Monoment (One-S) έως το πιο περίπλοκο πολυφωνικό. Πολλά ευρωπαϊκά μουσικά όργανα έχουν βελτιωθεί στην εποχή του Μεσαίωνα, σχηματίστηκαν τα είδη της εκκλησίας και της κοσμικής μουσικής, σχηματίστηκαν διάσημες μουσικές σχολές της Ευρώπης: Κάτω Χώρες, γαλλικά, γερμανικά, ιταλικά, ισπανικά κ.λπ. κλπ.

Στη Μεσαίωνα υπήρχαν δύο κύριες κατευθύνσεις στην ανάπτυξη της μουσικής: πνευματική μουσική και κοσμική, διασκεδαστική. Ταυτόχρονα, η κοσμική μουσική πιστεύεται στη θρησκεία, θεωρήθηκε το "διαβολικό πνεύμα".

Η μουσική ήταν ένα από τα εργαλεία της θρησκείας, ένα "υπογείων" σημαίνει ότι εξυπηρετούσαν τους στόχους της εκκλησίας, καθώς και μία από τις ακριβείς επιστήμες. Η μουσική τοποθετήθηκε μαζί με τα μαθηματικά, τη ρητορική, τη λογική, τη γεωμετρία, την αστρονομία και τη γραμματική. Η εκκλησία ανέπτυξε τραγουδιστές και συνθέτες σχολεία με έμφαση στην αριθμητική μουσική αισθητική (για επιστήμονες αυτής της εποχής, η μουσική ήταν μια προβολή του αριθμού στην ηχητική ύλη). Αυτή ήταν η επιρροή του Ύστερη Ελληνισμού, των ιδεών της Πυθαγόρειας και του Πλάτωνα. Με αυτή την προσέγγιση, η μουσική δεν είχε ανεξάρτητη αξία, ήταν η αλληγορία της υψηλότερης, θείας μουσικής.

Έτσι, η μουσική χωρίστηκε σε 3 τύπους:

• Η παγκόσμια μουσική είναι μουσικές σφαίρες, πλανήτες. Σύμφωνα με τη μουσική και αριθμητική αισθητική του Μεσαίωνα, κάθε πλανήτης του ηλιακού συστήματος ήταν προικισμένος με τον ήχο, τον τόνο του και η κίνηση των πλανητών δημιούργησε την ουράνια μουσική. Εκτός από τους πλανήτες, οι εποχές προωθήθηκαν με τον τόνο του.
• Ανθρώπινη μουσική - κάθε όργανο, μέρος του σώματος, η ψυχή ενός ατόμου ήταν προωθηθεί με τον ήχο τους, οι οποίες ήταν αρμονικές συνέπειες.
• Οργάνωση μουσικής - η τέχνη των εργαλείων παιχνιδιού, μουσική για φάκελο, χαμηλότερο είδος ιεραρχίας.

Η πνευματική μουσική ήταν φωνητική, χορωδία και κοσμική - οργανική φωνητική. Η οργάνωση της μουσικής θεωρήθηκε φως, επιπόλαια και, οι μουσικοί θεωρητικοί της εποχής δεν το αντιλαμβάνονται σοβαρά. Αν και το Craft Minstrel απαιτούσε τους μουσικούς των μεγάλων δεξιοτήτων.

Η μεταβατική περίοδος από τον Μεσαίωνα έως την εποχή της νέας ώρας στην Ευρώπη, η οποία διήρκεσε σχεδόν δυόμισι αιώνα. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, σημειώθηκαν σημαντικές αλλαγές σε πολλούς τομείς της ζωής. Θυελλώδης ακουστική επιστήμη και τέχνη. Η περίοδος της αναβάτης χωρίζεται σε πολλά εξαρτήματα και φάσεις ανάπτυξης. Διάφορες δεισιδαιμονίες συνδέονται επίσης με αυτό, οι ρίζες, τόσο σταθερά, ακόμη και σήμερα υπάρχουν σημαντικές προσπάθειες να τα διαψύξουν.

• Ο πρώτος και, πιθανώς, η κύρια εσφαλμένη αντίληψη πρέπει να ληφθεί υπόψη (όπως πολλοί από τους ιδεολόγους της Αναγέννησης) η αναβίωση της αναβάτης, η ανάσταση του πολιτισμού και του πολιτισμού, η οποία έχει έρθει μετά από μια μακρά περίοδο των βαρβαρικών "Μεσαίνων" , ζοφερή ώρα, η περίοδος του χάσματος στην ανάπτυξη του πολιτισμού. Αυτή η προκατάληψη βασίζεται στην πλήρη άγνοια του Μεσαίωνα και τη στενή σχέση μεταξύ του και της αναβίας. Για παράδειγμα, θα υπάρχουν αρκετές δύο εντελώς διαφορετικές περιοχές - ποίηση και οικονομική ζωή. Ο Ντάντ έζησε στο XIII αιώνα, δηλ. Στην κορύφωση του Μεσαίωνα, Petarka - στο XIV. Όσον αφορά την οικονομική ζωή, η αυθεντική αναγέννησή της εμπίπτει επίσης στο XIII αιώνα, ο χρόνος της ταχείας ανάπτυξης του εμπορίου και των τραπεζών. Λέγεται ότι είμαστε υποχρεωμένοι να αναβιώσουμε τους αρχαίους συγγραφείς, αλλά αυτή είναι επίσης δεισιδαιμονία. Είναι γνωστό ότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ανακαλύφθηκαν μόνο δύο αρχαία ελληνικά χειρόγραφα, τα υπόλοιπα ήταν ήδη στη Δύση (κυρίως στη Γαλλία), επειδή η επιστροφή στην αρχαιότητα που συνδέεται με το ενδιαφέρον για πρόσωπο και τη φύση, η Δυτική Ευρώπη επέζησε στα XII και XIII αιώνες.
• Η δεύτερη δεισιδαιμονία συνδέεται με την ανάμειξη δύο συστατικών της αναβιαστικής αντίθετης μεταξύ τους, δηλαδή τον λεγόμενο ανθρωπισμό και τη νέα φυσική επιστήμη. Ο ανθρωπισμός είναι εχθρός σε οποιαδήποτε λογική, κάθε λόγος, οποιαδήποτε φυσική επιστήμη, την οποία θεωρεί τη "μηχανική" εργασία, άξια ενός πολιτιστικού προσώπου, που έχει σχεδιαστεί για να είναι συγγραφέας, ανύψωση, πολιτικός. Το σχήμα της Αναγέννησης, το οποίο συνδυάζει το Erasma του Ρότερνταμ και της Γαλιλαίας ταυτόχρονα, είναι η μυθική, και η πίστη σε ένα συγκεκριμένο ενυπάρχιο στην εποχή της αναβαλλόμενης εικόνας του κόσμου - τίποτα παρά μια δεισιδαιμονία.
• Η τρίτη προκατάληψη συνίσταται στην επαίνεση της φιλοσοφίας της εποχής της Αναγέννησης ως "Μεγάλης" σε σύγκριση με το σχολικό πριν από αυτό.

Στην πραγματικότητα, με εξαίρεση τον Nicholas Kuzansky (μακρινό από το πνεύμα της Αναγέννησης) και τη Γαλιλαία (που ζούσαν στην Αναγέννηση, οι Αναγεννησιακοί Φιλοσόφοντες, σύμφωνα με την εύλογη έγκριση του Kristencher, δεν ήταν ούτε καλές, ούτε κακές, δεν ήταν φιλόσοφοι στο όλα. Πολλοί από αυτούς ήταν εξαιρετικοί συγγραφείς, οι επιστήμονες, οι γνώστες των αρχαίων κείμενων, ήταν διάσημοι για την κοροϊδευτική και οξεία νοημοσύνη, λογοτεχνικές δεξιότητες. Αλλά δεν είχαν σχεδόν καμία σχέση με τη φιλοσοφία. Έτσι, αντιτίθενται στους στοχαστές του Μεσαίωνα - Καθαρή δεισιδαιμονία νερού.

• • Μια άλλη εσφαλμένη αντίληψη είναι να εξετάσουμε την αναβίωση μιας θυελλώδους επανάστασης, ένα πλήρες κενό με το παρελθόν. Πράγματι, κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου υπάρχουν βαθιές αλλαγές, αλλά όλα συνδέονται βιολογικά με το παρελθόν, και σε κάθε περίπτωση, η προέλευσή τους μπορεί να βρεθεί στον Μεσαίωνα. Αυτές οι αλλαγές έχουν στις παρελθόντες τόσο βαθιές ρίζες που ένας από τους μεγαλύτερους επαγγελματίες της εποχής της Αναγέννησης, η ύπαρξη, είχε κάθε λόγο να ονομάσει αυτή την εποχή του "φθινοπωρινού Μεσαίωνα".

Τέλος, η δεισιδαιμονία είναι η άποψη ότι οι άνθρωποι που ζούσαν στην εποχή της Αναγέννησης, τουλάχιστον οι περισσότεροι από αυτούς, στο πνεύμα των προτεσταντών τους, των μονάδων, των αθεϊστών ή των ορθολογιστικών. Στην πραγματικότητα, η συντριπτική πλειοψηφία των γνωστών εκπροσώπων της Αναγέννησης και στον τομέα της φιλοσοφίας σχεδόν τα πάντα, από τον Leonardo και το Ficino έως το Galilean και Campennel, ήταν καθολικοί, υποστηρικτές και υπερασπιστές34 καθολική πίστη. Έτσι, ο Martilyo Ficino στο 40ο έτος της ζωής πήρε τη χριστιανική πίστη και δημιούργησε μια καθολική απολογία της νέας εποχής.

Μουσικός Θεωρολόγος Μεσαίωνα Guido Aretinsky (Τέλος του 15ου αιώνα) δίνει τον ακόλουθο ορισμό μουσικής:

"Η μουσική είναι η κίνηση των φωνητικών ήχων".

Σε αυτόν τον ορισμό, ο μεσαιωνικός μουσικός θεωρητικός εξέφρασε τη στάση απέναντι στη μουσική ολόκληρης της ευρωπαϊκής μουσικής κουλτούρας αυτής της εποχής.

Μουσικά είδη εκκλησίας και κοσμικής μουσικής.

Η πηγή πνευματικής μουσικής του Μεσαίωνα ήταν το περιβάλλον του μοναστηριού. Τα Chants ήταν παγιδευμένα σε σχολεία τραγουδιού για ακοή και διανέμονται σε εκκλησιαστικό περιβάλλον. Λαμβάνοντας υπόψη την εμφάνιση μιας μεγάλης πολλαπλής, η Καθολική Εκκλησία αποφάσισε να κανονίσει και να ρυθμίσει τα ψέματα που αντανακλούν την ενότητα του χριστιανικού δόγματος.

Έτσι, η χορωδιακή εμφανίστηκε, η οποία έγινε η προσωποποίηση της εκκλησιαστικής μουσικής παράδοσης. Βασίζεται σε άλλα είδη που δημιουργούνται ειδικά για ορισμένες διακοπές, λατρεία.

Η πνευματική μουσική του Μεσαίωνα αντιπροσωπεύεται από τα ακόλουθα είδη: · Χορωδιακή, Γρηγοριανή Χορωδιακή - Μονοκατοικία Θρησκευτική Τσάντη στη Λατινική, σαφώς ρυθμιζόμενη, εκτελέστηκε από μια χορωδία, ορισμένα τμήματα - σολίστ

• • • Η μάζα είναι η κύρια λατρεία της Καθολικής Εκκλησίας, που αποτελείται από 5 αειφόρα μέρη (Ortarden) - I. Kyrie Eleison (Lord, Pomemui), II. Gloria (δόξα), iii. Credo (Πιστέψτε), IV. Sanctus (ιερό), V. Agnus dei (Αρνί του Θεού).
    • Λειτουργία, Λειτουργικό δράμα - Πάσχα ή χριστουγεννιάτικη λατρεία, όπου οι Γρηγοριανοί χορωδά εναλλάσσονται με μη μαγνητικές διαδρομές, οι λειτουργίες πραγματοποιήθηκαν από τη χορωδία, το κόμμα των χαρακτήρων (Mary, Evenangelist) - σολίστες, μερικές φορές εμφανίστηκαν κάποια κοστούμια
    • Μυστήριο - ένα λειτουργικό δράμα με λεπτομερή δράση σκηνής, κοστούμια
    • Το Rondel (Rondo, Ru) είναι ένα είδος πολλαπλών φωνητών ώριμων και αργά μεσαίωνα, που βασίζεται στην μελωδία του συγγραφέα (σε αντίθεση με την κανονισμένη κοπριά), η οποία εκτελέστηκε με τον αυτοσχεδιαστικό τρόπο από σολίστες που ένωσαν στροφές (πρόωρη μορφή canon)
    • ΠΡΟΓΡΑΜΜΑ - Μέρος της μάζας του είδους, που ποικίλλουν ανάλογα με το ημερολόγιο της εκκλησίας (σε αντίθεση με το σταθερό μέρος της μάζας-ρήξεως)
    • Antifone - το αρχαίο είδος της μουσικής χορωδικής εκκλησίας, με βάση τα εναλλακτικά κόμματα από δύο χορωδιακές ομάδες

Δείγματα εκκλησιαστικής μουσικής:

1) Kyrie Eleyson

2) θύματα Pashali

Η κοσμική μουσική του Μεσαίωνα ήταν, ως επί το πλείστον, μουσική από αδέσποους μουσικούς και διακρίνεται από την ελευθερία, την εξατομικευμένη και τη συναισθηματικότητα. Επίσης, η κοσμική μουσική ήταν μέρος του Courtie, Knightly Culture of Feugal. Επειδή ο κώδικας προβλέπει τον Ιππότη των Εξαιρετικών τρόπων, της γενναιοδωρίας, της γενναιοδωρίας, τα καθήκοντα να χρησιμεύουν ως μια όμορφη κυρία, αυτά τα κόμματα δεν μπορούσαν να βρουν την αντανάκλαση τους στα τραγούδια του Troubadur και του Minnesinger.

Πραγματοποίησαν την κοσμική μουσική των μιμών, των jugglers, τους τρομελτικά ή τους σωλήνες, τα minstrels (στη Γαλλία), Minnesinger, Spielmen (στις γερμανικές χώρες), Chogres (στην Ισπανία), τα ψίχουλα (στη Ρωσία). Αυτοί οι καλλιτέχνες δεν έπρεπε όχι μόνο να τραγουδούν, να παίζουν και να χορέψουν, αλλά και να είναι σε θέση να δείξουν παραστάσεις τσίρκου, κόλπα, θεατρικές σκηνές και θα έπρεπε να έχουν με άλλους τρόπους να διασκεδάσει το κοινό.
Λόγω του γεγονότος ότι η μουσική ήταν μία από τις επιστήμες και διδάχθηκε σε πανεπιστήμια, φεουδαρχικοί και ευγενείς που έλαβαν εκπαίδευση θα μπορούσαν να εφαρμόσουν τις γνώσεις και την τέχνη τους.
Έτσι, η μουσική που αναπτύχθηκε στο δικαστικό μέσο. Σε αντίθεση με τον χριστιανικό ασκητισμό, η ιππική μουσική αμφισβήτησε την αισθησιακή αγάπη και το ιδανικό μιας εξαιρετικής κυρίας. Μεταξύ της ευγένειας, όπως ήταν γνωστοί οι μουσικοί - Guyom - VII, μετρήστε τους Poitiers, Duke Aquitania, Jean Briensky - βασιλιάς της Ιερουσαλήμ, Pierre Moklar - Duke της Βρετάνης, Tibo Champagne - King Navarre.

Κύρια χαρακτηριστικά και χαρακτηριστικά του Μεσαίωνα:

• • • βασίζεται στη λαϊκή γλώσσα, δεν εκτελείται στα λατινικά, αλλά στις εγγενείς γλώσσες διαλέκτους,
    • Μεταξύ των αδρανών καλλιτεχνών δεν χρησιμοποιείται, η μουσική είναι μια προφορική παράδοση (αργότερα στο περιβάλλον του δικαστηρίου, αναπτύσσεται μια μουσική γραφή)
    • Το κύριο θέμα είναι η εικόνα ενός ατόμου σε όλη την πολλαπλή της γήινης ζωής του, εξιδανικευμένη αισθησιακή αγάπη
    • Μονόδρομος - ως ένας τρόπος έκφρασης μεμονωμένων συναισθημάτων σε ποιήματα και μορφή τραγουδιού
    • Η φωνητική και η οργάνωση εκτέλεση, ο ρόλος των εργαλείων δεν είναι πολύ υψηλός, το όργανο ήταν κυρίως εισόδου, ενδιάμεσα και κώδικες
    • Η μελωδία ήταν ποικίλη, αλλά οι ρυθμοί ταυτόχρονα - ζυγοί, "η επίδραση της εκκλησιαστικής μουσικής, των ποικιλιών ρυθμού (ρυθμικές λειτουργίες), ήταν μόνο 6, και ο καθένας είχε ένα αυστηρά διαμορφωμένο περιεχόμενο.

Τρομπέτες, Τροπανάδες και Minnesingers, Παίζοντας Music Trumpet Knight, δημιούργησαν τα αρχικά τους είδη:

• • • "Weavky" και "Μαΐου" τραγούδια
    • Rondo - μορφή με βάση την επαναλαμβανόμενη ανανέωση
    • Ballad - Textzy τραγούδι
    • Virlael - Poems STAROFRONZUZ με τριών στρίβων Stanza (η τρίτη γραμμή είναι συντομευμένη), το ίδιο ομοιοκαταληξία και με τη χορωδία
    • Ηρωική EPOS ("Τραγούδι του Roland", "Τραγούδι του Nibelunga")
    • Σταυροφόροι τραγούδια (τραγούδια της Παλαιστίνης)
    • Kanzona (στο Minnesinger ονομάστηκε - Alba) - Αγάπη, λυρικό τραγούδι

Χάρη στην ανάπτυξη της αστικής κουλτούρας στους αιώνες X - XI. Η κοσμική τέχνη έχει γίνει πιο ενεργή. Παρακολουθώντας τους μουσικούς επιλέγουν όλο και περισσότερο ένα στυλ καθίζησης, συμπληρωματισμένα ολόκληρα μπλοκ της πόλης.

Είναι ενδιαφέρον, αδέσποτοι μουσικοί από τους αιώνες XII - XIII. Επιστρέψτε στο πνευματικό θέμα. Η μετάβαση από τις λατινικές έως τις τοπικές γλώσσες και η τεράστια δημοτικότητα αυτών των ερμηνευτών τους επέτρεψαν να συμμετάσχουν σε πνευματικές ιδέες στους καθεδρικούς ναούς του Στρασβούργου, Ρουέν, Ρεϊμά. Cambone. Με την πάροδο του χρόνου, μερικοί από τους περιπλανώμενους μουσικούς έλαβαν το δικαίωμα να οργανώνουν παραστάσεις στα κάστρα της ευγένειας και στις αυλές της Γαλλίας, της Αγγλίας, της Σικελίας και άλλων χωρών.

Από τους αιώνες XII - XIII, οι δραπετεύτες μοναχοί, τα περιπλανώμενα σχολεία εμφανίζονται μεταξύ των αδέσποτων μουσικών και τα χαμηλότερα στρώματα του κληρικού - Golant και τη Γολιάδα.

Έχουν διαμορφωθεί μουσικοί στις μεσαιωνικές πόλεις ολόκληρα μουσικά καταστήματα - «Αδελφότητα του Αγίου Ιουλέν» (Παρίσι, 1321), «Αδελφότητα του Αγίου Νικολάου» (Βιέννη, 1288). Οι στόχοι αυτών των ενώσεων ήταν η προστασία των δικαιωμάτων των μουσικών, η διατήρηση και η μεταφορά επαγγελματικών παραδόσεων.

Στους XIII - XVI αιώνες. Δημιουργούνται νέα είδη, τα οποία αναπτύσσονται περαιτέρω ήδη στο ARS Nova Epoch:

• • • Κοντάκια (από τον Franz. - "Word") - ένα είδος πολλαπλών φωνητών, που διακρίνεται από τη μελωδική νοσηλευτική ψήφου που δεν ήταν ταυτόχρονα διαφορετικά κείμενα, μερικές φορές ακόμη και σε διαφορετικές γλώσσες, θα μπορούσε να είναι τόσο κοσμική περιεκτικότητα όσο και πνευματική
    • Madrigal (από το Ital. - "Τραγούδι στη μητρική γλώσσα", δηλ. Ιταλικά) - λυρικά, ποιμενικά τραγούδια,
    • Kachche (από το Ital. - "Κυνήγι") - ένα φωνητικό παιχνίδι για το θέμα του κυνήγι.

Η κοσμική μουσική του Troubadur και των επαγγελματιών συνθετών.

Επιπλέον πληροφορίες:

Στην ηλικία των πληροφοριών μας, τον αιώνα των υψηλών τεχνολογιών, συχνά ξεχνάμε τις μη αναμφισβήτητες πνευματικές αξίες. Μία από αυτές τις τιμές είναι κλασική μουσική - η πνευματική κληρονομιά των προγόνων μας. Τι είναι η κλασική μουσική, γιατί χρειάζεται από ένα σύγχρονο άτομο; Γιατί πολλοί πιστεύουν ότι αυτό είναι πολύ βαρετό; Ας προσπαθήσουμε να καταλάβουμε αυτές τις δύσκολες ερωτήσεις. Μπορείτε να ακούσετε τη γνώμη ότι η κλασσική μουσική υποτίθεται ότι αυτή που έχει γραφτεί εδώ και πολύ καιρό. Αυτό δεν συμβαίνει, δεδομένου ότι αυτή η έννοια συνεπάγεται το καλύτερο που δημιουργήθηκε στον κόσμο της μουσικής από την ύπαρξη ανθρώπινου πολιτισμού. Sonata Beethoven, που δημιουργήθηκε στο XVIII αιώνα, και ρομαντική Sviridova, προστέθηκαν πριν από 40 χρόνια, - όλα αυτά είναι ένα κλασικό! Το κύριο πράγμα είναι ότι αυτή η μουσική έχει περάσει τη δοκιμασία του χρόνου. Και κατά τη στιγμή του Μπετόβεν, και τώρα υπάρχουν σκελίδες από την τέχνη που παράγει ένα βασικό μουσικό προϊόν. Αυτό το προϊόν είναι χαλασμένο πολύ γρήγορα και η γνήσια τέχνη κάθε μέρα γίνεται όλο και πιο όμορφη και πιο όμορφη.

Την εμφάνιση σημειώσεων

Γράφοντας, η ίδια εφεύρεση της ανθρωπότητας, επιτρέπεται να συσσωρεύσει και να μεταδώσει σκέψεις, ιδέες και εντυπώσεις στις επερχόμενες γενιές. Μια άλλη εφεύρεση, όχι λιγότερο μεγάλη, μουσική εγγραφή, επιτρέπεται να μεταφέρει ήχους σε απογόνους, μουσική. Για τη μουσική στην ευρωπαϊκή μουσική, χρησιμοποιήθηκαν ειδικές πινακίδες - το NEMA.

Ο εφευρέτης του σύγχρονου συστήματος ρεκόρ της δεξαμενής είναι ο μοναχός Benedictine του Guido Aretinsky (Guido d'ISSET) (990-1050). Το Arezzo είναι μια μικρή πόλη στην Τοσκάνη, όχι μακριά από τη Φλωρεντία. Στο τοπικό μοναστήρι, ο αδελφός Gvido διδάσκει τραγούδι την εκτέλεση των Chants Chants. Δεν ήταν εύκολο και πολύ. Όλες οι γνώσεις και οι δεξιότητες μεταδόθηκαν από το στόμα σε άμεση επικοινωνία. Το τραγούδι υπό την καθοδήγηση του δασκάλου και από τη φωνή του έμαθε σταθερά κάθε ύμνος και κάθε ψαλμωδία της καθολικής μάζας. Ως εκ τούτου, ένα πλήρες "μάθημα" χρειάστηκε περίπου 10 χρόνια.

Ο Guido Arettinsky άρχισε να σημειώνει τους ήχους σημειώσεων (από τη λατινική λέξη Nota - ένα σημάδι). Σημειώσεις, σκιασμένα τετράγωνα, τοποθετήθηκαν σε κασσίτερο, αποτελούμενες από τέσσερις παράλληλες γραμμές. Τώρα αυτές οι γραμμές είναι πέντε και οι σημειώσεις απεικονίζονται από κύκλους, αλλά η αρχή που εισάγεται από την Guido παρέμεινε αμετάβλητη. Οι υψηλότερες σημειώσεις απεικονίζονται σε υψηλότερη γραμμή. Σημειώσεις επτά, σχηματίζουν μια οκτάβα.

Κάθε μία από τις επτά σημειώσεις της Octave Gwido έδωσε ονόματα: UT, RE, MI, FA, SOL, LA, SI. Αυτές είναι οι πρώτες συλλαβές του ύμνου του Αγίου Αγίου Αγίου Αγίου Γιάννης. Κάθε γραμμή αυτού του ύμνου έρχεται στον τόνο πάνω από το προηγούμενο.

Οι σημειώσεις της επόμενης οκτάβας ονομάζονται το ίδιο, αλλά έρχονται σε υψηλότερη ή χαμηλότερη φωνή. Όταν μετακινείται από μία οκτάβα σε άλλη συχνότητα ήχου, η οποία υποδεικνύεται με την ίδια σημείωση, αυξάνεται ή μειώνεται δύο φορές. Για παράδειγμα, τα μουσικά όργανα δημιουργούν μια σημείωση της πρώτης οκτάβας. Αυτή η σημείωση αντιστοιχεί στη συχνότητα 440 Hz. Το επόμενο, δεύτερο, οκτάβα θα αντιστοιχεί στη συχνότητα 880 Hz.

Τα ονόματα όλων των σημειώσεων, εκτός από το πρώτο, τελειώστε σε ένα φωνήεν ήχο, είναι βολικό να τραγουδήσετε. Το Sloget - κλειστό και εξαφανίζεται είναι αδύνατο. Ως εκ τούτου, το όνομα της πρώτης εγκοπής της οκτάβας, το UT, στον δέκατο έκτο αιώνα αντικατέστησε το DO (πιθανότερο, από τη Λατινική λέξη Dominus - ο Κύριος). Η τελευταία σημείωση της οκτάβας, η SI είναι η μείωση δύο λέξεων της τελευταίας γραμμής του ύμνου, επιβάλλουν κύρωση των Ιωάννων. Στις χώρες της αγγλικής γλώσσας, το όνομα "Si" αντικαταστάθηκε από το "Ti" για να μην συγχέεται με το γράμμα C, που χρησιμοποιείται επίσης σε ένα αρχείο ειδοποίησης.

Οι σημειώσεις της Invenus, Guido διδάσκουν τους τραγουδιστές αυτού του είδους αλφαβήτου και τους διδάσκουν επίσης να τραγουδούν στις σημειώσεις. Δηλαδή, το γεγονός ότι σε σύγχρονα μουσικά σχολεία ονομάζεται Solfeggio. Τώρα ήταν αρκετό να γράψω ολόκληρο το σύνολο των σημειώσεων Mesa και οι τραγουδιστές θα μπορούσαν ήδη να βιάζουν την επιθυμητή μελωδία. Εξαφανίστηκε η ανάγκη διδασκαλίας κάθε τραγουδιού προσωπικά. Ο Guido είχε μόνο να ελέγξει τη διαδικασία. Ο χρόνος κατάρτισης Pevichi μειώθηκε πέντε φορές. Αντί δέκα χρόνια - δύο χρόνια.

Μια πλάκα μνημείων στο Arezzo στην οδό Ricassolley στο σπίτι στο οποίο γεννήθηκε η Guido. Σε αυτό απεικονίστηκαν τετράγωνα σημειώσεις.

Πρέπει να πω ότι ο μοναχός Guido από το Arezzo δεν ήταν ο πρώτος που έρχεται με τη συγγραφή μουσικής με τη βοήθεια σημείων. Πριν από αυτόν, στη Δυτική Ευρώπη, υπήρχε ήδη ένα σύστημα τρίτου (από την ελληνική λέξη "pneumo" - αναπνοή), τα εμβλήματα τοποθετημένα πάνω από το κείμενο των Ψαλμών για να ορίσουν την άνοδο ή τη μείωση του τόνου του τραγουδιού. Στη Ρωσία, για τον ίδιο σκοπό, χρησιμοποίησαν τα δικά τους "άγκιστρα" ή "πανό".

Οι τετράγωνες νότες του Guido Aretinsky, που βρίσκονται στις τέσσερις γραμμές του MOT, αποδείχθηκε το ευκολότερο και πιο βολικό σύστημα μουσικής. Χάρη σε αυτήν, ένας βαθμοί αφής εξαπλώνεται σε όλο τον κόσμο. Η μουσική έφυγε από τα σύνορα της εκκλησίας και έφυγε στα παλάτια του Βλαντάκ και του Noble, και στη συνέχεια σε θέατρα, αίθουσες συναυλιών και σε πλατείες της πόλης, καθιστώντας τη γενική κληρονομιά.

Ποιος είναι ένας τρόπος.

Το Lada είναι ένας από τους κεντρικούς όρους στη θεωρία της μουσικής. Κατανόηση του τρόπου με τον οποίο κατασκευάζονται και η επιδέξια χρήση της χρήσης τους ανοίγει απεριόριστες ευκαιρίες μπροστά από έναν μουσικό. Και συχνά εξηγεί ακριβώς πώς δημιουργείται μια ενδιαφέρουσα μετάβαση σε μια συγκεκριμένη σύνθεση, είναι αδύνατο - αν ένα άτομο δεν καταλάβει τι είναι ένας τρόπος. Υπάρχει όμως ένα snag: ο όρος "τρόπος" οι ίδιοι οι ίδιοι οι μουσικοί χρησιμοποιούν, συχνά σημαίνει ότι δεν είναι καθόλου το ίδιο. Γιατί αυτό? Και τι είναι έτσι γενικά; Η σύγχυση αποδείχθηκε εξαιτίας αυτής της λέξης σε διαφορετικές εποχές επενδύθηκε ένα πολύ διαφορετικό νόημα.

Δεν συνειδητοποιούμε πώς η αντίληψή μας αναδεικνύεται και δεμένη στην κλασική μουσική. (Ενώ η έννοια της "σύγχρονης μουσικής" είναι μια απόκλιση από τις κλασσικές αρχές). Η εποχή του κλασικισμού είναι ένα μεγάλο ιστορικό στρώμα στην ανθρώπινη αντίληψη του κόσμου. Μετά τον Μεσαίωνα, οι άνθρωποι ανακαλύπτουν την αντίκες τέχνη και τους γοητεύουν. Οποιοδήποτε προϊόν του κλασικισμού είναι χτισμένο σε αυστηρούς κανόνες, βρίσκοντας έτσι την εδείη και τη λογιστικότητα του ίδιου του σύμπαντος. Ο κλασικισμός δημιούργησε μια δομική τάξη - μια σαφή ιεραρχία του υψηλότερου και κατώτερου, κύριου και δευτερογενούς, κεντρικού και δευτερεύοντος. Επομένως, για παράδειγμα, ξεκινώντας από τα κλασικά της Βιέννης και τη ρομαντική μουσική, σκεφτόμαστε στο σύστημα - "μεγάλων δευτερευόντων". Τι είναι αυτό και πόσο επηρεάζει την αντίληψή μας;

Οι μεγάλοι και οι ανήλικοι είναι τόνοι. Το Tonal Lad είναι ένα συγκεκριμένο σύστημα σχέσεων μεταξύ των τόνων. Τι σημαίνει? Ποιος είναι ο τόνος; Ας προσπαθήσουμε να καταλάβουμε. Ας υποθέσουμε ότι είστε πιάνο μπροστά σας: κοιτάξτε το πληκτρολόγιο: Είμαστε εξοικειωμένοι με τα προ-mi-fa-sol-la-si, 7 λευκά κλειδιά και μεταξύ τους είναι άλλα 5 μαύρα, μόνο 12. Η απόσταση μεταξύ καθενός από αυτά είναι ημίτονο. Μεταξύ του γειτονικού μαύρου και του λευκού - πάντα ημίτονο. Μεταξύ του παρακείμενου λευκού - ο τόνος (υπάρχουν εξαιρέσεις από το MI-FA και η SI-UP είναι ημίτονο).

Οποιοδήποτε σύνολο τόνων και ημίτονο είναι μια πηγή. Στην εποχή του κλασικισμού, άρχισε να το χτίζει με αυστηρή υποταγή όλων των τόνων του τονωτικού - τον κύριο τόνο. Αυτός είναι ένας σημαντικός ή ορυχείο. Όλη η μουσική τόνου (ολόκληρο το κλασικό) βασίζεται στη σχέση μεταξύ των κύριων και των δευτερευόντων συμφωνιών. Για φήμες, διακρίνουμε διαισθητικά τον κύριο και το μικρό τρόπο για το πώς είναι ζωγραφισμένα - "χαρούμενα" ή "λυπημένα". Ένας μεταβλητός τρόπος είναι όταν τα μεγάλα και δευτερεύοντα χαρακτηριστικά είναι ταυτόχρονα σε μία εργασία. Αλλά η αρχή αυτών είναι κοινά - τόνα.

Ωστόσο, αυτή η αρχή δεν είναι η μόνη δυνατή. Πριν από την εποχή του κλασικισμού, όταν όλοι εντοπίστηκαν τελικά σε ένα λεπτό σύστημα τόνων, η μουσική σκέψη ήταν διαφορετική. Ιόνιο, Dorian, Frigian, Lidy, Mickolidian, Eoli, Lokuri ... Αυτή είναι η οκτάβα Lada των Ελλήνων. Και υπήρχαν τριβείς εκκλησίας της Γαλλικής Μουσικής. Όλα αυτά είναι το Modal Lada. Συνθέτουν μουσική στην αρχαιότητα, μεσαίωνα, η παράδοση του Modalna ανατολικής μουσικής (ινδικά κουρέλια ή αραβικά MACM, για παράδειγμα). Στη μουσική της Ευρώπης, η εποχή της αναβίας επικράτησε επίσης τη μέθοδο.

Ποια είναι η κύρια διαφορά από τη συνήθη ματιά μας; Στους τόνους φρικιασμούς, διακρίνεται αυστηρά τις λειτουργίες της κύριας σύμβουλης και των χορδών, και στη μουσική μόσχου είναι πολύ πιο θολή. Για το Modal Lada, ο ίδιος ηχητικός ήχος είναι σημαντικός - τόσο οι έννοιες και τα χρώματα που μπορεί να φέρει μουσική. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο είμαστε εύκολα στη φήμη να διακρίνουμε την ινδική μουσική από μεσαιωνικούς χρωστικούς - σύμφωνα με ορισμένες συνημίες και μουσικά εγκεφαλικά επεισόδια.

Μέχρι τον 20ό αιώνα, οι συνθέτες φαίνεται να έχουν δοκιμάσει όλες τις επιλογές ήχου μέσα στην Tonal Music. "Είμαι βαρεμένος, ο δαίμονας!", "Είπαν και σε αναζήτηση νέων χρωμάτων στράφηκαν στον παλιό κύκλο εργασιών και κινούνται. Έτσι υπήρξε μια νέα μέθοδος. Στη σύγχρονη μουσική, εμφανίστηκαν νέα τριβή - για παράδειγμα, Blues. Επιπλέον, υπήρχε ένα ειδικό είδος - Modal Jazz. Miles Davis, για παράδειγμα, που ονομάζεται Modal Music "απόκλιση από ένα κανονικό γάμμα από επτά σημειώσεις, όπου κάθε σημείωμα δεν είναι στο επίκεντρο." Και είπε ότι «πηγαίνετε προς αυτή την κατεύθυνση, πηγαίνετε στο άπειρο». Η ύπαιθρο είναι ότι οι tonal και οι γραμμικές αρχές δεν αποκλείουν ο ένας τον άλλον καθόλου. Σε ένα παιχνίδι, τα σημάδια τους μπορούν να αναμειχθούν. Η μόνωση είναι σαν ένα άλλο στρώμα, το οποίο υπερβαίνει το συνηθισμένο κύριο / δευτερεύον. Και η χρήση διαφόρων κορμών modal αλλάζει το χρώμα της μουσικής: για παράδειγμα, οι στροφές της φρυγανιάς Lada είναι σχάρες, επειδή τα χαλιά ήχου είναι κυρίως μειωμένα βήματα. Γνωρίζοντας τέτοια λαχανικά, μπορείτε να πετύχετε ενδιαφέρον ήχο αν γράφετε μουσική.

Χρώμα, διάθεση, χαρακτήρας - Αυτά είναι σημάδια Lada, τα οποία ακούμε, αλλά συχνά δεν το συνειδητοποιούμε. Συχνά, οι μετατροπές μετακινούνται με τα τραγούδια - επειδή είναι ασυνήθιστα. Φήμες, έφερε την κλασική μουσική, τραβά την αναχώρηση από την καθημερινή ζωή. Όλα αυτά και πολλά άλλα ανοίγουν όταν καταλαβαίνετε τη γλώσσα της μουσικής.

ΜΟΥΣΙΚΗ Τις εποχές του Μεσαίωνα - Περίοδος ανάπτυξηςΜουσικός πολιτισμόςΥπάρχει ένα χρονικό διάστημα που αρπάγεταιV στο XIV αιώνα μ.Χ. .
Στην εποχή του Μεσαίωνα στην Ευρώπη Υπάρχει μια μουσική κουλτούρα ενός νέου τύπου -φεουδαρχικός Ενώτοντας επαγγελματική τέχνη, ερασιτεχνική ενότητα καιΛαογραφία. Από την εκκλησία κυριαρχεί σε όλους τους τομείς της πνευματικής ζωής, η βάση της επαγγελματικής μουσικής τέχνης είναι οι δραστηριότητες των μουσικώνΝαούς και Μοναστήρια . Η κοσμική επαγγελματική τέχνη παρουσιάστηκε στους πρώτους μοναδικούς τραγουδιστές που δημιουργούν και εκτελούν επικούς θρύλους στην αυλή, στα σπίτια για τη γνώση, μεταξύ των πολεμιστών κλπ. (Δελτία, Scaldy και τα λοιπά.). Με την πάροδο του χρόνου, αναπτύσσονται ερασιτεχνικά και ημι-επαγγελματικά καλούπια μυκήτων.Ιππότες: Στη Γαλλία - η τέχνη του Trubadurov και τα πώληματια (Adam de la, XIII αιώνα), στη Γερμανία - Minnesinger ( Tungsten von eschenbach, Walter φόντο der fogelweed, XII - XIII αιώνα ), καθώς και αστικέςΤεχνίτες. Σε φεουδαρχικά κάστρα και στις πόλεις καλλιεργούνται όλα τα είδη του τοκετού,Είδη και μορφές τραγουδιών (Epic, "Dawn", Rondo, Le, Velel, Ballads, Chancests, Εγκαταστάσεις κ.λπ.).
Περιλαμβάνεται στη ζωή νέαμουσικά όργανα, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που έρχονται μεΑνατολή (Viola, Lute κ.λπ.), προκύπτουν (ασταθείς συνθέσεις). Folklore ανθίζει στο χωρικό μέσο. Οι "επαγγελματίες των ανθρώπων" λειτουργούν επίσης:Αθλητές. , Φορώντας συνθετικούς καλλιτέχνες (juggles, Mimes, Minstrels, Spiens, Scrolls ). Η μουσική επαναλαμβάνει κυρίως εφαρμοζόμενες και πνευματικές και πρακτικές λειτουργίες. Η δημιουργικότητα εκτελεί ενότητα μεΕκτέλεση (συνήθως σε ένα άτομο).
Και στο περιεχόμενο της μουσικής, και στη μορφή της κυριαρχείΣυλλογικότητα ? Μια ξεχωριστή αρχή υπόκειται στον στρατηγό, χωρίς να ξεπεράσει από αυτό (ο μουσικός πλοίαρχος είναι ο καλύτερος εκπρόσωποςκοινότητες ). Σε όλους τους βασιλεύοντεςΠαραδοσιακό και κανονισμό . Ενοποίηση, συντήρηση και διανομήΠαραδόσεις και πρότυπα.
Σταδιακά, αν και αργά, το περιεχόμενο της μουσικής εμπλουτίζεται, τηςΕίδη, μορφές , Εκφραστικά μέσα. ΣΕΔυτική Ευρώπη με VI - VII αιώνες . Υπάρχει ένα αυστηρά ρυθμισμένο σύστημα.Μονοκατοικία (μονοδικική ) Εκκλησία μουσική με βάσηdiaonic ladins ( grigorian τραγούδι), ενώντη περίπαξη (ψαλμωδία) και τραγούδι (ύμνος ). Με τη στροφή της 1ης και 2ης χιλιετίας γεννήθηκεπολυφωνία . Δημιουργήθηκε νέαΦωνητική (χορωδιαία ) και φωνητική οργάνωση (χορωδία καιΌργανο) Γενικά: όργανα, mott, konduct, στη συνέχεια στη Μέσα. Στη Γαλλία στο XII αιώνα Το πρώτο σχηματίζεταισυνθέτης (δημιουργικό) σχολείο με Καθεδρικός ναός της Παριζιάνικης Μητέρας του Θεού. (Leonin, Peroths). Με τη στροφή της Αναγέννησης (στυλ ARS Nova στη Γαλλία και την Ιταλία, το XIV αιώνα) στο Επαγγελματική μουσική Το Single-Glazier είναι αντικατασταμένοπολυφωνία Η μουσική αρχίζει να απελευθερώνεται από καθαρά πρακτικές λειτουργίες (συντήρηση εκκλησίαςτελετουργικά ), αυξάνει την αξίακοσμικός είδη, συμπεριλαμβανομένων τραγουδιών (Gille de Masho).

Αναβίωση.

Μουσική κατά την περίοδο των αιώνων XV-XVII.
Στον Μεσαίωνα, η μουσική ήταν το προνόμιο της εκκλησίας, οπότε τα περισσότερα από τα μουσικά έργα ήταν ιερά, βασίστηκαν στην εκκλησία Chants (Gregorian χορωδιακή), η οποία ήταν μέρος της θρησκείας από την αρχή του Χριστιανισμού. Στην αρχή του XVII αιώνα, οι λατρευτικές καταχωρήσεις, με την άμεση συμμετοχή του Πάπερ Γρηγόρη, τελικά ζυγίζουν. Ο Gregorian Khoral πραγματοποιήθηκε από επαγγελματίες τραγουδιστές. Μετά την ανάπτυξη της εκκλησιαστικής μουσικής, η Grigorian χορωδιακή παρέμεινε τη θεματική βάση των πολυφωνικών θρησκευτικών έργων (Mess, Motetov κ.λπ.).

Ο Μεσαίνων ακολούθησε την Αναγέννηση, η οποία ήταν για τους μουσικούς των ανακαλύψεων εποχής, τις καινοτομίες και την έρευνα, την εποχή της αναβάτης όλων των στρωμάτων της πολιτιστικής και επιστημονικής εκδήλωσης ζωής από τη μουσική και τη ζωγραφική στην αστρονομία και τα μαθηματικά.
Αν και ως επί το πλείστον η μουσική παρέμεινε θρησκευτική, αλλά η αποδυνάμωση του ελέγχου της εκκλησίας πάνω στην κοινωνία άνοιξε τους συνθέτες και τους ερμηνευτές με μεγάλη ελευθερία στην εκδήλωση των ταλέντων τους.
Με την εφεύρεση της μηχανής εκτύπωσης, ήταν δυνατό να εκτυπώσετε και να διανείμετε τις σημειώσεις, από τώρα και στο εξής και να αρχίσει τι ονομάζουμε κλασική μουσική.
Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, εμφανίστηκαν νέα μουσικά όργανα. Τα πιο δημοφιλή εργαλεία στα οποία οι λάτρεις της μουσικής ήταν εύκολοι και απλά, χωρίς να απαιτούνται ειδικές δεξιότητες.
Ήταν αυτή τη στιγμή ότι η Viola εμφανίστηκε - ο προκάτοχος του βιολιού. Χάρη στα κορίτσια (ξύλινες ρίγες σε ολόκληρο το γκριφ), ήταν εύκολο να παίξει και ο ήχος της ήταν ήσυχος, απαλός και ακούγεται καλά σε μικρές αίθουσες.
Τα εργαλεία ορείχαλκου ήταν επίσης δημοφιλή - φλάουτο μπλοκ, φλάουτο και κέρατο. Η πιο περίπλοκη μουσική γράφτηκε για το νεοσυσταθέν σύμπλεγμα, δέντρα (Αγγλικά Harpsichin, διακρίνονται με μικρό μέγεθος) και όργανο. Ταυτόχρονα, οι μουσικοί δεν ξεχάσουν να βάλουν τη μουσική ευκολότερη, η οποία δεν απαιτούσε υψηλές δεξιότητες. Ταυτόχρονα, υπήρχαν αλλαγές στη μουσική επιστολή: το ιταλικό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό κινητό metal lisers ήρθε να αντικαταστήσει τα βαριά ξύλινα τυπωμένα μπλοκ. Δημοσιευμένα μουσικά έργα γρήγορα αγόρασαν, όλο και περισσότεροι άνθρωποι άρχισαν να ενταχθούν στη μουσική.
Το τέλος της εποχής της αναβροχής χαρακτηρίστηκε από το σημαντικότερο γεγονός στη μουσική ιστορία - τη γέννηση της όπερας. Στη Φλωρεντία συγκεντρώθηκαν μια ομάδα ανθρωπιστικών, μουσικών, ποιητών υπό την αιγίδα του ηγέτη του γράφημα Jovani de Bardi (1534 - 1612). Η ομάδα ονομάστηκε "κάμερα", τα κύρια μέλη του ήταν ο Julio Kachchini, ο Pietro Strozzi, ο Vincenzo Galilee (πατέρας αστρονομία Galileo Galilean), Giloramo Mei, Emilio de Kavalii και Ottavio Rhincchini στα νεαρά χρόνια.
Η πρώτη τεκμηριωμένη συναρμολόγηση του Ομίλου πραγματοποιήθηκε το 1573 και τα πιο ενεργά χρόνια εργασίας »Φλωρεντίνη Camerata "Ήταν 1577-1582. Πίστευαν ότι η μουσική ήταν" χαλασμένη "και προσπάθησε να επιστρέψει στη μορφή και το ύφος της αρχαίας Ελλάδας, πιστεύοντας ότι η μουσική τέχνη θα μπορούσε να βελτιωθεί και, κατά συνέπεια, η κοινωνία θα βελτιώσει επίσης την υπάρχουσα μουσική. για την υπερβολική χρήση της πολυφωνίας εις βάρος του εντέρου. Το κείμενο και η απώλεια του ποιητικού συστατικού του έργου προτάθηκαν επίσης για να δημιουργήσουν ένα νέο μουσικό στυλ στο οποίο το κείμενο στο μονοδικικό στυλ συνοδεύτηκε από οργανική μουσική. Τα πειράματά τους οδήγησε στη δημιουργία μιας νέας φωνητικής μουσικής μορφής - ένα Cleattee που χρησιμοποιείται από τον Emilio de Cavalieri, στη συνέχεια που σχετίζεται άμεσα με την ανάπτυξη της όπερας.
Αρχικά αναγνωρισμένο επίσημαΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ Αντιστοιχεί στα σύγχρονα πρότυπα, η όπερα "Daphne" (Daphne) παρουσιάστηκε για πρώτη φορά το 1598 από τους συγγραφείς "Daphne" ήταν Jacopo Pier και Jacopo Corsi, Libretto Ottavio Rhincchini. Αυτή η όπερα δεν διατηρείται. Η πρώτη επιζώντα όπερα είναι "Eurydick" (1600) των ίδιων συγγραφέων - Jacopo ανά. Και ο othavio rhincchini. Αυτή η δημιουργική ένωση δημιούργησε επίσης πολλά έργα, τα περισσότερα από τα οποία χάνονται.

Μουσική του πρώιμου μπαρόκ (1600-1654)

Το υπό όρους της μετάβασης μεταξύ της εποχής του μπαρόκ και της αναγεννησιακής εποχής μπορεί να θεωρηθεί η δημιουργία του ιταλικού συνθέτη Claudio Monteverdi (1567-1643) του ανιχνευτικού του στυλ και της συνεπούς ανάπτυξης της ιταλικής όπερας. Η αρχή των επιδόσεων της όπερας στη Ρώμη και ειδικά στη Βενετία σήμαινε την αναγνώριση και τη διανομή ενός νέου είδους στη χώρα. Όλα αυτά ήταν μόνο μέρος μιας πιο εκτεταμένης διαδικασίας που κατέλαβε όλες τις τέχνες και ιδιαίτερα έντονα εκδηλωμένη στην αρχιτεκτονική και τη γραφή ζωγραφιές.
Οι συνθέτες Renaissance έδωσαν την προσοχή στην εκπόνηση κάθε μέρους του μουσικού έργου, σχεδόν χωρίς να δίδουν προσοχή στη σύγκριση αυτών των τμημάτων. Ξεχωριστά, κάθε μέρος μπορεί να ακούγεται εξαιρετικό, αλλά το αρμονικό αποτέλεσμα της προσθήκης ήταν, μάλλον, η περίπτωση της υπόθεσης από τα πρότυπα. Η εμφάνιση ενός κομματισμένου μπάσου έδειξε μια σημαντική αλλαγή στη μουσική σκέψη - δηλαδή το γεγονός ότι η αρμονία, η οποία είναι "προσθήκη εξαρτημάτων σε ένα ολόκληρο", εξίσου σημαντικά με τα μελωδικά μέρη (πολυφωνία) από μόνα τους. Όλο και περισσότερο πολυφωνία και αρμονία έμοιαζαν με δύο πλευρές μιας ιδέας της σύνθεσης της αρμονικής μουσικής: Όταν γράφει, οι αρμονικές αλληλουχίες δόθηκε η ίδια προσοχή με τις ουσίες όταν δημιουργούσαν δυσχέρεια. Η αρμονική σκέψη υπήρχε επίσης σε ορισμένους συνθέτες της προηγούμενης εποχής, για παράδειγμα, Karlo Jesualdo, αλλά στην μπαρόκ εποχή, έγινε γενικά αποδεκτή.
Αυτά τα μέρη των έργων όπου είναι αδύνατο να διαχωρίσετε σαφώς τη μέθοδο από τον τόνο, σημείωσε σαν μικτό κύριο ή μικτό μικρό (αργότερα για αυτές τις έννοιες εισήγαγαν τους όρους "Major" και το "Minoral Minor", αντίστοιχα) . Από το τραπέζι, μπορεί να δει κανείς πώς η tonal αρμονία ήδη στην πρώιμη μπαρόκ περιθώρια σχεδόν μετατοπίζει την αρμονία της προηγούμενης εποχής.
Η Ιταλία γίνεται το κέντρο ενός νέου στυλ. Η παπολογία, αν και κατέλαβε ο αγώνας με την αναμόρφωση, αλλά, ωστόσο, διαθέτει τεράστιους πόρους χρημάτων, αναπληρώνονται από τις στρατιωτικές εκστρατείες των Αψβουργών, αναζητούσαν τη δυνατότητα της εξάπλωσης της καθολικής πίστης, επεκτείνοντας την πολιτιστική επιρροή. Η μεγαλοκριστικότητα, το μεγαλείο και η πολυπλοκότητα της αρχιτεκτονικής, των εικαστικών τεχνών και της μουσικής, ο καθολικισμός, όπως υποστηρίχθηκε με ασκητικό προτεσταντισμό. Οι πλούσιες ιταλικές δημοκρατίες και οι κυριαρχίες, διεξήγαγαν επίσης ενεργό ανταγωνισμό στον τομέα των καλών τεχνών. Ένα από τα σημαντικά κέντρα της μουσικής τέχνης ήταν η Βενετία, πρώην κατά τη διάρκεια της κοσμικής και κάτω από την εκκλησία.
Μια σημαντική ποσότητα της πρώιμης μπαρόκ περιόδου, της οποίας η θέση ήταν στην πλευρά του καθολικισμού, η οποία αντιτίθεται στην αυξανόμενη ιδεολογική, πολιτιστική και δημόσια επίδραση του Προτεσταντισμού, ήταν ο Giovanni Gabrieli. Το έργο του ανήκει στο ύφος της "υψηλής αναγέννησης" (η ακμή της Αναγέννησης). Ωστόσο, μερικές από τις καινοτομίες του στον τομέα των εργαλείων (διορίζοντας ένα συγκεκριμένο εργαλείο για τα δικά τους, συγκεκριμένα καθήκοντα) δείχνουν σαφώς ότι ήταν ένας από τους συνθέτες που επηρέασαν την εμφάνιση ενός νέου στυλ.
Μία από τις απαιτήσεις που επιβάλλει η εκκλησία στο έργο της πνευματικής μουσικής ήταν ότι τα κείμενα στα έργα με τα φωνητικά ήταν επιλεκτικά. Απαιτεί το φορτίο από την πολυφωνία με μουσικές τεχνικές, όπου οι λέξεις πήγαν στο προσκήνιο. Τα φωνητικά έγιναν πιο περίπλοκα, ζουν σε σύγκριση με συνοδεία. Έτσι πήρα την ανάπτυξη ομοφώνιας.
Monteverd claudio (1567-1643), Ιταλός συνθέτης. Τίποτα δεν τον προσέλκυσε ως την έκθεση της εσωτερικής, ψυχικής ειρήνης του ανθρώπου στις δραματικές συγκρούσεις και τις συγκρούσεις του με τον εξωτερικό κόσμο. Το Monteverdi είναι μια γνήσια πρωτεύουσα του δράματος της σύγκρουσης του σχεδίου τραγωδίας. Είναι ένας τραγουδιστής του ανθρώπου ντους. Επιδιώκει επίμονα τη φυσική εκφραστικότητα της μουσικής. "Η ομιλία είναι ο άνθρωπος - η κυρία της αρμονίας, και όχι ο υπάλληλος του".
"Ορφέας" (1607) -Η μουσική της όπερας επικεντρώνεται στην αποκάλυψη του εσωτερικού κόσμου του τραγικού ήρωα. Το κόμμα του είναι ασυνήθιστα πολύπλευρο, συγχωνεύει διάφορα συναισθηματικά και εκφραστικά ρεύματα και γραμμές είδους. Εμφανίζεται με ενθουσιασμό στα εγγενή δάση και τις ακτές του ή θρηνεί την απώλεια του Euidic του στα μη λεηλατή τραγούδια της λαϊκής αποθήκης.

Μουσική Μουσική Μπαρόκ (1654-1707)

Η περίοδος συγκέντρωσης της υπέρτατης εξουσίας στην Ευρώπη ονομάζεται συχνά απολυτατισμός. Ο absolutism έφτασε στο Apogee του με τον γαλλικό βασιλιά Louis XIV. Για ολόκληρη την Ευρώπη, ο Louis Louis ήταν ένα πρότυπο. Συμπεριλαμβανομένης της μουσικής που εκτελείται στο δικαστήριο. Η αυξημένη διαθεσιμότητα μουσικών οργάνων (που σχετίζεται ιδιαίτερα με το πληκτρολόγιο) έδωσε ώθηση στην ανάπτυξη της μουσικής δωματίου.
Το ώριμο μπαρόκ είναι διαφορετικό από την πρώιμη διαδεδομένη εξάπλωση ενός νέου στυλ και ενισχυμένο διαχωρισμό μουσικών μορφών, ειδικά στην όπερα. Όπως και στη βιβλιογραφία, η δυνατότητα ροής εκτύπωσης μουσικών έργων οδήγησε σε επέκταση του κοινού. Σχέση της ανταλλαγής μεταξύ των κέντρων μουσικής κουλτούρας.
Ένας εξαιρετικός εκπρόσωπος των συνθέσεων του δικαστηρίου του ναυπηγείου Louis XIV Giovanni Battista Lulley (1632-1687).Ήδη στις 21, έλαβε τον τίτλο του "Ζευγάρι Συνθέτης της Οργασίας Μουσικής". Δημιουργικό έργο Lully από την αρχή ήταν στενά συνδεδεμένη με το θέατρο. Μετά την οργάνωση της μουσικής του δωματίου του δικαστηρίου και τη σύνταξη "Airs de Cour", άρχισε να γράφει μουσική μπαλέτου. Ο ίδιος ο Louis XIV χορεύεται σε μπαλέτες, τα οποία ήταν τότε αγαπημένη ψυχαγωγία της ευγένειας, Ο Lully ήταν ένας εξαιρετικός χορευτής. Ήταν σε θέση να συμμετάσχει στην παραγωγή, χορεύει μαζί με τον βασιλιά. Είναι γνωστός για τη συνεργασία του με το Moliere, στα έργα των οποίων έγραψε μουσική. Αλλά το κύριο πράγμα στα έργα του Lully εξακολουθούσε να γράφει την όπερα. Παραδόξως, δημιούργησε τον πλήρη τύπο γαλλικής όπερας. Η λεγόμενη λυρική τραγωδία στη Γαλλία (FR. TRANDIE Lyrique) και έφτασε στην αναμφισβήτητη δημιουργική ωριμότητα κατά τα πρώτα χρόνια του έργου του στην Όπερα. Χρησιμοποιήθηκε συχνά η αντίθεση μεταξύ του μαγευτικού ήχου του ορχηστρικού τμήματος και των απλών παραληπτών και του Arias. Η μουσική γλώσσα του γκρεμού δεν είναι πολύ περίπλοκη, αλλά, φυσικά, η σαφήνεια της αρμονίας, της ρυθμικής ενέργειας, η σαφήνεια της ένταξης της εντύπων, η καθαρότητα της υφής μιλάει για τη νίκη των αρχών της σκέψης ομοφυλόφιλων. Σε μεγάλο βαθμό, η επιτυχία του διευκολύνθηκε επίσης από την ικανότητά του να επιλέξει μουσικούς στην ορχήστρα και το έργο του μαζί τους (ο ίδιος διεξήγαγε πρόβες). Ένα αναπόσπαστο στοιχείο του έργου του ήταν η προσοχή στην αρμονία και ένα εργαλείο συγκέντρωσης.
Στην Αγγλία, το ώριμο μπαρόκ χαρακτηρίστηκε από τη φωτεινή ιδιοφυία του Henry Peressella (1659-1695). Πέθανε τους νέους, στην ηλικία των 36 ετών, έγραψε μεγάλο αριθμό έργων και να γίνει ευρέως γνωστό κατά τη διάρκεια της ζωής του. Το Purcell ήταν εξοικειωμένο με το έργο του Corelli και άλλων ιταλικών μπαρόκ συνθέτες. Ωστόσο, οι προστάτες και οι πελάτες του ήταν άνθρωποι μιας άλλης ποικιλίας από την ιταλική και τη γαλλική κοσμική και την εκκλησία να γνωρίζουν, έτσι τα γραπτά του Pörslla είναι πολύ διαφορετικά από την ιταλική σχολή. Η Purcell εργάστηκε σε ένα ευρύ φάσμα ειδών. Από απλούς θρησκευτικούς ύμνους έως την πορεία της μουσικής, από φωνητικά δοκίμια μεγάλης μορφής σε διοργανική μουσική. Ο κατάλογός του έχει περισσότερα από 800 έργα. Ο Purcell έγινε ένας από τους πρώτους συνθέτες της μουσικής πληκτρολογίου, η επιρροή του οποίου ισχύει για τον νεωτερισμό.
Σε αντίθεση με τους παραπάνω συνθέτες Dietrich BuxThhun (1637-1707) δεν ήταν συνθέτης δικαστηρίου. Ο Buxtehude εργάστηκε από έναν οργανισμό, πρώτα στο Helsingborg (1657-1658), στη συνέχεια στο Elsinor (1660-1668), και στη συνέχεια ξεκινώντας από το 1668, στην εκκλησία του Αγίου Αγίου Αγίου Σεμί. Μαρία στο Lübeck. Δεν κέρδισε τη δημοσίευση των έργων του, αλλά η εκτέλεσή του και η υποστήριξη της αριστοκρατίας προτιμούσε ένα δοκίμιο μουσικής σε κείμενα εκκλησίας και την εκτέλεση της δικής του οργάνου. Δυστυχώς, δεν έχουν διατηρηθεί όλα τα έργα αυτού του συνθέτη. Η μουσική του σταθμού βούρτσας είναι σε μεγάλο βαθμό χτισμένη στην κλίμακα των ιδεών, του πλούτου και της ελευθερίας της φαντασίας, την τάση να αξιολύπτει Η δημιουργικότητά του είχε ισχυρή επιρροή σε τέτοιους συνθέτες όπως ο Ι. Σ. Bach και ο Temen.

Μουσική αργά μπαρόκ (1707-1760)

Η ακριβής γραμμή μεταξύ ώριμου και αργού μπαρόκ είναι ένα θέμα συζήτησης. Βρίσκεται κάπου μεταξύ 1680 και 1720. Σε σημαντικό βαθμό πολυπλοκότητας της αποφασιστικότητάς του, το γεγονός ότι σε διάφορες χώρες των στυλ αντικαταστάθηκε από ακατανόητη. Οι καινοτομίες που έχουν ήδη υιοθετηθεί από τον κανόνα σε ένα μέρος στο άλλο ήταν φρέσκα ευρήματα
Οι μορφές που ανοίγουν από την προηγούμενη περίοδο έφθασαν τη λήξη και τη μεγάλη μεταβλητότητα. Συναυλία, Σουίτα, Σονάτα, Confrato Grosso, Oratoria, Όπερα και Μπαλέτο δεν είχαν πλέον έντονη εθνικά χαρακτηριστικά. Παγκοσμίως καθιερώσει γενικά αποδεκτά συστήματα έργων: ένα επαναλαμβανόμενο δύο γράφημα (AABB), ένα απλό τριχωτό (ABC) και το Rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Ιταλός συνθέτης, που γεννήθηκε στη Βενετία. Το 1703 δέχτηκε τον Πανα Καθολικό ιερέα. Είναι σε αυτά, ενώ εξακολουθούν να αναπτύσσουν οργανικά είδη (μπαρόκ σονάτα και μπαρόκ συναυλία), ο Βιβάλντι και η σημαντικότερη συμβολή τους. Ο Vivaldi συνέθεσε περισσότερες από 500 συναυλίες. Έδωσε επίσης ονόματα προγραμμάτων σε μερικά από τα έργα του, όπως οι περίφημες "εποχές".
Domenico Scarlatti (1685-1757) Ήταν ένας από τους κορυφαίους συνθέτες πληκτρολογίου και ερμηνευτές του χρόνου του. Αλλά ίσως ο πιο διάσημος συνθέτης του δικαστηρίου έγινε Georg Friedrich Handel (1685-1759).Γεννήθηκε στη Γερμανία, σπούδασε στην Ιταλία για τρία χρόνια, αλλά το 1711 το Λονδίνο έφυγε, όπου άρχισε τη λαμπρή και εμπορικά επιτυχημένη καριέρα του ανεξάρτητου συνθέτη της Όπερας, που εκτελεί εντολές για την ευγένεια. Έχοντας μια ακούραστη ενέργεια, το Handel ανακυκλώθηκε το υλικό άλλων συνθέσεων και συνεχώς επανεξέτασε τα δικά του δοκίμια. Για παράδειγμα, είναι γνωστό ότι επανεξετάζεται από τους διάσημους ομιλητές "Μεσσία" όσες φορές δεν υπάρχει έκδοση που δεν μπορεί να ονομαστεί "αυθεντικό".
Μετά το θάνατο, αναγνωρίστηκε ως ο κορυφαίος ευρωπαίος συνθέτης και μελετήθηκε από τους μουσικούς της εποχής του κλασικισμού. Το Handel αναμειγνύεται στη μουσική του τις πλούσιες παραδόσεις αυτοσχεδιασμού και αντιστάθμισης. Η τέχνη του μουσικού κοσμήματος έχει φτάσει σε ένα πολύ υψηλό επίπεδο ανάπτυξης στα έργα της. Ταξίδεψε σε όλη την Ευρώπη για να μελετήσει τη μουσική άλλων συνθετών και ως εκ τούτου είχε ένα πολύ ευρύ φάσμα χρονολόγησης μεταξύ συνθέσεων άλλων μορφών.
Johann Sebastian Bach Γεννήθηκε στις 21 Μαρτίου 1685 στην πόλη Eisenah της Γερμανίας. Για τη ζωή του, συνέθεσε περισσότερα από 1000 έργα σε διάφορα είδη, εκτός από την όπερα. Αλλά κατά τη διάρκεια της ζωής του, δεν επιτύχει καμία ουσιαστική επιτυχία. Πολλές φορές κινείται, ο Bach αντικατέστησε μία όχι πολύ υψηλή θέση για την άλλη: στη Βαϊμάρη, ήταν μουσικός δικαστηρίου στο Weimar Duke Johanna Ernst, έγινε συντηρητής στην εκκλησία του Αγίου Bonifacea στο Arnstadt, μετά από μερικά χρόνια πήρε τη θέση ενός οργανισμού στην εκκλησία του Αγίου Αγίου Mussea στο Mülhausen, όπου εργάστηκε μόνο για ένα χρόνο, μετά από το οποίο επέστρεψε στη Βαϊμάρη, όπου πήρε τη θέση του δικαστηρίου οργανισμού και ο διοργανωτής συναυλιών. Σε αυτή τη θέση καθυστέρησε για εννέα χρόνια. Το 1717, ο Leopold, ο Duke Anhalt-Kotensky, προσέλαβε τη Baha στη θέση του Kapelmeister και ο Bach άρχισε να ζει και να εργάζεται στο Koten. Το 1723, ο Bach μετακόμισε στη Λειψία, όπου παρέμεινε μέχρι το θάνατό του το 1750. Τα τελευταία χρόνια της ζωής, μετά το θάνατο του Bach, η φήμη του, καθώς ο συνθέτης άρχισε να μειώνεται: το στυλ του θεωρήθηκε ντεμοντέ σε σύγκριση με το ανθιστό κλασικισμό. Τον γνώριζε περισσότερο και θυμήθηκε ως καλλιτέχνης, ο δάσκαλος και ο πατέρας του Bakhov Junior, πρώτα απ 'όλα, ο Charles Philip Emmanuel, της οποίας η μουσική ήταν διάσημη.
Μόνο η εκτέλεση των "πάθους Matthew" από τον Mendelson, 79 χρόνια μετά το θάνατο του Ι. Σ. Μπαχά, αναζωογονεί το ενδιαφέρον του για το έργο του. Τώρα ο Ι. Ο S. Bach είναι ένας από τους πιο δημοφιλείς συνθέτες.
Κλασσικότης
Κλασικισμός - Στυλ και κατεύθυνση στην τέχνη του XVII - Πρώιμη XIX αιώνες.
Η λέξη αυτό συνέβη από το Latin Classicus - παραδειγματικό. Ο κλασικισμός βασίστηκε στην καταδίκη στη νοημοσύνη της ύπαρξης, στο γεγονός ότι η ανθρώπινη φύση είναι αρμονική. Το ιδεώδες των κλασικών του παρατηρήθηκε στην αντίκες τέχνη, η οποία θεωρήθηκε η υψηλότερη μορφή τελειότητας.
Στον δέκατο όγδοο αιώνα, αρχίζει ένα νέο στάδιο ανάπτυξης της κοινωνικής συνείδησης - η εποχή του Διαφωτισμού. Η παλιά δημόσια τάξη καταστρέφεται. Οι ιδέες του σεβασμού της ανθρώπινης αξιοπρέπειας, της ελευθερίας και της ευτυχίας είναι υψίστης σημασίας. Η προσωπικότητα κερδίζει ανεξαρτησία και ωριμότητα, χρησιμοποιεί το μυαλό και την κριτική σκέψη. Ένας νέος τρόπος ζωής, με βάση τη φυσικότητα και την απλότητα, έρχεται να αντικαταστήσει τα ιδανικά της μπαρόκ εποχής και της επισημότητας. Η ώρα των ιδεαλιστικών απόψεων του Jean-Jacques Rousseau, καλώντας πίσω στη φύση, στη φυσική αρετή και την ελευθερία. Μαζί με τη φύση, η αρχαιότητα είναι ιδεώδης, δεδομένου ότι πίστευε ότι κατά τη διάρκεια της αρχαιότητας στους ανθρώπους κατάφεραν να ενσωματώσουν όλες τις ανθρώπινες φιλοδοξίες. Η αντίκες τέχνη παίρνει το όνομα του κλασικού, αναγνωρίζεται από την παραδειγματική, πιο ειλικρινή, τέλεια, αρμονική και, σε αντίθεση με την τέχνη της εποχής μπαρόκ, θεωρείται απλή και κατανοητή. Το κέντρο της προσοχής, μαζί με άλλες σημαντικές πτυχές, υπάρχει εκπαίδευση, η θέση ενός απλού λαού σε μια κοινωνική δομή, ιδιοφυΐα ως ανθρώπινη ιδιοκτησία.

Το μυαλό βασιλεύει στην τέχνη. Θέλοντας να τονίσει τον υψηλό ραντεβού τέχνης, τον δημόσιο και τον πολιτικό του ρόλο, ο γαλλικός φιλοσοφικός διαφωτιστής Denis dedro έγραψε: "Κάθε έργο γλυπτών ή ζωγραφικής θα πρέπει να εκφράσει κάθε μεγάλο κανόνα ζωής, θα πρέπει να διδάξει".

Το θέατρο ταυτόχρονα ήταν ένα βιβλίο της ζωής και η ίδια η ζωή του. Επιπλέον, στο θέατρο, η δράση είναι εξαιρετικά διαταγμένη, μετρούμενη. Είναι χωρισμένο σε πράξεις και σκηνές, εκείνοι με τη σειρά τους, διατομή σε ξεχωριστά αντίγραφα χαρακτήρων, δημιουργώντας ένα τέτοιο ιδανικό τέχνη που είναι τόσο ακριβό 18 αιώνα, όπου όλα είναι στη θέση του και υπόκεινται σε λογικούς νόμους.
Η μουσική του κλασικισμού είναι εξαιρετικά θεατρική, φαίνεται να αντιγράφεται από την τέχνη του θεάτρου, τον Imites.
Ο διαχωρισμός της κλασικής σονάτας και της συμφωνίας σε μεγάλα τμήματα - μέρη, σε κάθε μία από τις οποίες υπάρχουν πολλές μουσικές "εκδηλώσεις", όπως η κατανομή των επιδόσεων στις δράσεις και οι σκηνές.
Στη μουσική του κλασικού αιώνα, το οικόπεδο συχνά σημαίνει, ένα είδος δράσης που αναπτύσσεται μπροστά στους ακροατές καθώς και η δράση του ηθοποιού που αναπτύσσεται μπροστά από το κοινό.
Ο ακροατής παραμένει μόνο να συμπεριλάβει τη φαντασία και να μάθετε στα "μουσικά ρούχα" των χαρακτήρων μιας κλασικής κωμωδίας ή τραγωδίας.
Η τέχνη του θεάτρου βοηθά να εξηγήσει τη μεγάλη αλλαγή στην απόδοση της μουσικής, η οποία ολοκληρώθηκε τον 18ο αιώνα. Προηγουμένως, ο κύριος τόπος όπου η μουσική που ακούγεται ήταν ο ναός: υπήρχε ένας άνθρωπος μέσα του κάτω, σε ένα τεράστιο χώρο, όπου η μουσική σαν να τον βοήθησε να κοιτάξει το κάτω και να αφιερώσει τις σκέψεις του στον Θεό. Τώρα, τον 18ο αιώνα, η μουσική ακούγεται στο αριστοκρατικό σαλόνι, στην αίθουσα του Baln του ευγενούς ακινήτου ή στην πλατεία της πόλης. Ο ακροατής της εκπαίδευσης του Διαφωτισμού φαίνεται να μετατρέπεται με τη μουσική "σε εσάς" και δεν βιώνει περισσότερη απόλαυση και την επιδείνωση ότι τον ενέπνευσε όταν ακούγεται στο ναό.
Δεν υπάρχει ισχυρός, επίσημος ήχος του οργάνου, ο ρόλος της χορωδίας έχει ήδη μειωθεί. Η μουσική του κλασικού στυλ ακούγεται εύκολα, υπάρχουν πολύ λιγότεροι ήχοι σε αυτό, σαν να είναι "λιγότερο ζυγίζει" από το φορτίο, πολυστρωματική μουσική του παρελθόντος. Ο ήχος του οργάνου και της χορωδίας άλλαξε τον ήχο της συμφωνίας ορχήστρας. Ο ανυψωμένος arias έδωσε τη θέση τους στη μουσική με το φως, ρυθμικό και χορό.
Χάρη στην απεριόριστη πίστη στη δυνατότητα του ανθρώπινου νου και η δύναμη της γνώσης του 18ου αιώνα άρχισε να καλέσει τη μέση του νου ή την εποχή του φωτογράφου.
Το κλασικισμό ακμάζει στη δεκαετία του '80 του δέκατου όγδοου αιώνα. Το 1781, το Y. Gaidn δημιουργεί διάφορα καινοτόμα έργα, μεταξύ των οποίων είναι το κουαρτέτο της σειράς. 33; Την πρεμιέρα της όπερας V.A. Mozart "απαγωγή seryla"? Δράμα F. Schiller "ληστές" και "cleanver cleanver" I. Kant δημοσιεύονται.

Οι πιο λαμπροί εκπρόσωποι της κλασσικής περιόδου είναι οι συνθέτες της κλασικής σχολής της Βιέννης Josef Gaidn, Wolfgang Amadeus Mozart και Ludwig Van Beethoven. Η τέχνη τους θαυμάζει την τελειότητα του συνθέτη εξοπλισμού, του ανθρωπιστικού αρχικού και την επιθυμία, ιδιαίτερα απτή στη μουσική του V. A. Mozart, να αντανακλά τα τέλεια εργαλεία ομορφιάς.

Η ίδια η έννοια της κλασικής σχολής της Βιέννης εμφανίστηκε λίγο μετά το θάνατο του L. Beethoven. Η κλασική τέχνη διακρίνεται από μια λεπτή ισορροπία μεταξύ συναισθημάτων και λόγων, σχήματος και περιεχομένου. Η μουσική αναβίωση αντανακλά το πνεύμα και την ανάσα της εποχής τους. Στην μπαρόκ εποχή, το αντικείμενο της κατάστασης εμφάνισης ενός ατόμου στη μουσική. Η μουσική της εποχής του κλασικισμού ψαντένουν τις ενέργειες και τις ενέργειες ενός ατόμου που βιώνει συναισθήματα και συναισθήματα, προσεκτικό και ολιστικό ανθρώπινο μυαλό.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Ο Γερμανός συνθέτης, ο οποίος συχνά θεωρεί τον μεγαλύτερο δημιουργό όλων των εποχών.
Η δημιουργικότητά του αναφέρεται ως κλασικισμός και ρομαντισμός.
Σε αντίθεση με τον προκάτοχό του του Μότσαρτ, ο Μπετόβεν αποτελείται από δυσκολίες. Τα βιβλία εγχειριδίων Beethoven δείχνουν πόσο σταδιακά, μια μεγαλοπρεπή σύνθεση προκύπτει βήμα με αυξητικό σκίτσο, σημειωμένο με πειστική λογική κατασκευής και σπάνια ομορφιά. Είναι η λογική ότι η κύρια πηγή του μεγέθους Bethovensky, η ασύγκριτη ικανότητά του να οργανώνει στοιχεία αντίθεσης σε έναν μονολιθικό ακέραιο αριθμό. Ο Beethoven σβήνει παραδοσιακές κασσούρες μεταξύ των τμημάτων σχήματος, αποφεύγει τη συμμετρία, συγχωνεύει τμήματα του κύκλου, αναπτύσσει εκτεταμένη κατασκευή από θεματικά και ρυθμικά μοτίβα, με την πρώτη ματιά που δεν περιέχουν τίποτα ενδιαφέρον. Με άλλα λόγια, ο Μπετόβεν δημιουργεί ένα μουσικό χώρο της δύναμης του νου, τη δική του θέληση. Αναμενόταν και δημιούργησε αυτές τις οδηγίες τέχνης που ήταν αποφασιστικές για τη μουσική τέχνη 19 V.

Ρομαντισμός.
καλύπτει υπό όρους 1800-1910 χρόνια
Οι συνθέτες-ρομαντισμός προσπάθησαν με τη βοήθεια μουσικών μέσων για να εκφράσουν το βάθος και τον πλούτο του εσωτερικού κόσμου του ανθρώπου. Η μουσική γίνεται πιο ανάγλυφο, άτομο. Η ανάπτυξη ειδών τραγουδιού, συμπεριλαμβανομένων των μπαλάντων, λαμβάνεται.
Οι κύριοι εκπρόσωποι του ρομαντισμού στη μουσική είναι:Αυστρία - Franz Schubert. ? Στα γερμανικά - Ernest Theodore Hoffman, Karl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelson, Robert Schuman, Ludwig Spur; σε
και τα λοιπά.................