Σχολική Εγκυκλοπαίδεια. Δείτε τι είναι ο "Κόσμος της Τέχνης (σύλλογος)" σε άλλα λεξικά World of Art και καλλιτεχνική δραστηριότητα

Στα τέλη του 19ου αιώνα, η καλλιτεχνική ζωή στη Ρωσία ήταν πολύ ζωηρή. Η κοινωνία έδειξε αυξημένο ενδιαφέρον για πολυάριθμες εκθέσεις τέχνης και δημοπρασίες, για άρθρα και περιοδικά αφιερωμένα στις καλές τέχνες. Όχι μόνο η Μόσχα και η Αγία Πετρούπολη, αλλά και πολλές επαρχιακές εφημερίδες και περιοδικά είχαν αντίστοιχους μόνιμους τίτλους. Προέκυψαν διάφορα είδη καλλιτεχνικών συλλόγων, που έθεσαν στον εαυτό τους διάφορα καθήκοντα, αλλά κυρίως εκπαιδευτικού χαρακτήρα, που επηρεάστηκαν από τις παραδόσεις των Περιπλανώμενων.

Υπό αυτές τις συνθήκες, η ιδέα του Diaghilev να ενώσει τις νεαρές καλλιτεχνικές δυνάμεις της Αγίας Πετρούπολης και της Μόσχας, η ανάγκη της οποίας ήταν από καιρό αισθητή στη ρωσική τέχνη, έγινε ευνοϊκή αποδεκτή.

Το 1898, ο Diaghilev πέτυχε για πρώτη φορά την κοινή τους παράσταση στην Έκθεση Ρώσων και Φινλανδών Καλλιτεχνών. Σε αυτό συμμετείχαν οι Bakst, Benois, A. Vasnetsov, K. Korovin, Nesterov, Lansere, Levitan, Malyutin, E. Polenova, Ryabushkin, Serov, Somov κ.α.

Το ίδιο 1898, ο Diaghilev κατάφερε να πείσει τις γνωστές προσωπικότητες και φιλότεχνους S. I. Mamontov και M. K. Tenisheva να χρηματοδοτήσουν ένα μηνιαίο περιοδικό τέχνης. Σύντομα κυκλοφόρησε στην Αγία Πετρούπολη ένα διπλό τεύχος του περιοδικού «World of Art», με επιμέλεια του Sergei Pavlovich Diaghilev.

Ήταν το πρώτο περιοδικό τέχνης του οποίου ο χαρακτήρας και η κατεύθυνση καθορίστηκαν από τους ίδιους τους καλλιτέχνες. Οι συντάκτες ενημέρωσαν τους αναγνώστες ότι το περιοδικό θα εξετάσει τα έργα Ρώσων και ξένων δασκάλων "όλων των εποχών της ιστορίας της τέχνης, εφόσον τα αναφερόμενα έργα παρουσιάζουν ενδιαφέρον και σημασία για τη σύγχρονη καλλιτεχνική συνείδηση".

Την επόμενη χρονιά, το 1899, πραγματοποιήθηκε η Πρώτη Διεθνής Έκθεση του περιοδικού «World of Art». Παρουσίασε πάνω από 350 έργα και παρουσίασε σαράντα δύο Ευρωπαίους καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένου του P. de Chavannes. D. Whistler, E. Degas, C. Monet, O. Renoir. Εκθεση

επέτρεψε σε Ρώσους καλλιτέχνες και θεατές να εξοικειωθούν με διάφορους τομείς της δυτικής τέχνης.

Χάρη στην εμφάνιση του περιοδικού «Κόσμος της Τέχνης» και τις εκθέσεις του 1898-1899, αναδύθηκε ένας κύκλος νέων καλλιτεχνών που συμπάσχουν με τη διεύθυνση του περιοδικού.

Το 1900, ο Diaghilev κατάφερε να ενώσει πολλούς από αυτούς στη δημιουργική κοινότητα "World of Art". Αυτή η «λαμπρή ομάδα» (έκφραση της A.P. Ostroumova-Lebedeva) αποτελούνταν από αξιόλογους καλλιτέχνες που ήρθαν στην τέχνη τη δεκαετία του 1890, και συγκεκριμένα: Bakst, Alexander Benois, Bilibin, Braz, Vrubel, Golovin, Grabar, Dobuzhinsky. K. Korovin, Lansere, Malyutin, Malyavin, Ostroumova, Purvit, Roerich, Ruschits, Serov, Somov, Trubetskoy, Zionglinsky, Yakunchikova και Yaremich.

Επιπλέον, οι Repin, V. and E. Polenov, A. Vasnetsov, Levitan, Nesterov, Ryabushkin συμμετείχαν σε κάποιες από τις τότε εκθέσεις του Κόσμου της Τέχνης.

Από το 1900 έως το 1903 πραγματοποιήθηκαν τρεις εκθέσεις του «Κόσμου της Τέχνης». Οργανώνοντας αυτές τις εκθέσεις, ο Diaghilev επικεντρώθηκε σε νέους Ρώσους καλλιτέχνες. Ήταν Petersburgers - Bakst, Benois. Somov, Lansere και Μοσχοβίτες - Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Malyutin, Ryabushkin και άλλοι. Ήταν οι Μοσχοβίτες στους οποίους ο Ντιαγκίλεφ άφησε τις μεγαλύτερες ελπίδες του. Έγραψε: «... όλη η παρούσα τέχνη μας και ό,τι μπορούμε να περιμένουμε το μέλλον, βρίσκεται στη Μόσχα». Ως εκ τούτου, προσπάθησε με κάθε δυνατό τρόπο να προσελκύσει καλλιτέχνες της Μόσχας στις εκθέσεις του Κόσμου της Τέχνης, τις οποίες δεν πέτυχε πάντα.

Οι εκθέσεις World of Art εισήγαγαν διεξοδικά τη ρωσική κοινωνία στα έργα διάσημων Ρώσων δασκάλων και ανερχόμενων καλλιτεχνών που δεν έχουν ακόμη αναγνωριστεί, όπως οι Bilibin, Ostroumova, Dobuzhinsky, Lansere, Kustodiev, Yuon, Sapunov, Larionov, P. Kuznetsov, Saryan.

Δεν χρειάζεται να καλύψουμε λεπτομερώς τις δραστηριότητες του Κόσμου της Τέχνης εδώ, αφού πρόσφατα εμφανίστηκαν εκδόσεις αφιερωμένες σε αυτόν. Θα πρέπει να ειπωθεί για ορισμένα από τα γενικά χαρακτηριστικά του, τα οποία τονίστηκαν από τον ίδιο τον κόσμο των τεχνών και πολλούς σύγχρονους.

Ο σύλλογος "World of Art" δεν ήταν ένα τυχαίο φαινόμενο στη ρωσική τέχνη, αλλά ιστορικά εξαρτημένο. Τέτοια, για παράδειγμα, ήταν η γνώμη του I. E. Grabar: «Αν δεν ήταν ο Diaghilev<...>, μια τέχνη αυτής της τάξης επρόκειτο να αναδυθεί».

Σχετικά με το ζήτημα της συνέχειας της καλλιτεχνικής κουλτούρας, ο Diaghilev είπε το 1906: «Όλο το παρόν και το μέλλον της ρωσικής πλαστικής τέχνης... θα τρέφονται με τον ένα ή τον άλλο τρόπο από τις ίδιες αρχές που έχει λάβει ο Κόσμος της Τέχνης από μια προσεκτική μελέτη των μεγάλων Ρώσων δασκάλων από την εποχή του Πέτρου».

ΕΝΑ. Ο Μπενουά έγραψε ότι ό,τι έκανε ο Κόσμος της Τέχνης «δεν σήμαινε καθόλου» ότι «έσπασε με όλο το παρελθόν». Αντίθετα, υποστήριξε ο Μπενουά, ο ίδιος ο πυρήνας του «Κόσμου της Τέχνης» «βρισκόταν πίσω από την ανανέωση πολλών, τόσο τεχνικών όσο και ιδεολογικών παραδόσεων της ρωσικής και διεθνούς τέχνης». Και περαιτέρω: «... θεωρούσαμε τους εαυτούς μας σε μεγάλο βαθμό εκπροσώπους των ίδιων αναζητήσεων και των ίδιων δημιουργικών μεθόδων που εκτιμούσαμε στους πορτραίτες του 18ου αιώνα, και στον Κιπρένσκι, και στον Βενετσιάνοφ, και στον Φεντότοφ, επίσης. όπως και στους εξαιρετικούς δασκάλους απευθείας η γενιά που προηγήθηκε - στο Kramskoy, Repin, Surikov.

Ο Β. Ε. Μακόφσκι, γνωστός περιπλανώμενος, σε συνέντευξή του σε δημοσιογράφο, είπε: «Κάναμε τη δουλειά μας<...>Μας αναφέρουν συνεχώς ως παράδειγμα η Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών και ο Κόσμος της Τέχνης, όπου υποτίθεται ότι συγκεντρώνονται τώρα όλες οι καλύτερες δυνάμεις της ρωσικής ζωγραφικής. Ποιοι είναι όμως αυτοί, αυτές οι καλύτερες δυνάμεις, αν όχι τα δικά μας παιδιά;<...>Γιατί μας άφησαν; Ναι, γιατί ένιωθαν στριμωγμένοι και αποφάσισαν να ιδρύσουν τη νέα τους κοινωνία».

Στο έργο του Κόσμου της Τέχνης, αυτή η συνέχεια των καλύτερων παραδόσεων των Περιπλανώμενων εκδηλώθηκε κατά την επανάσταση του 1905. Οι περισσότεροι καλλιτέχνες του «Κόσμου της Τέχνης» εντάχθηκαν στον αγώνα κατά του τσαρισμού, παίρνοντας ενεργό μέρος στην κυκλοφορία εκδόσεων πολιτικής σάτιρας.

Το "World of Art" έπαιξε σημαντικό, και μερικές φορές ακόμη και καθοριστικό ρόλο στη δημιουργική μοίρα πολλών καλλιτεχνών. Ο I. E. Grabar, για παράδειγμα, μόνο μετά από συνάντηση με μέλη της επιτροπής έκθεσης World of Art, Diaghilev, Benois και Serov, «πίστεψε στον εαυτό του και άρχισε να εργάζεται». Ακόμη και για τον ίδιο τον Σέροφ, όχι χωρίς λόγο, είπαν ότι «η ενεργή συμπάθεια του κύκλου του «Κόσμου της Τέχνης» ενέπνευσε και ενίσχυσε θαυματουργικά το έργο του»

Ο K. S. Petrov-Vodkin έγραψε το 1923 στα απομνημονεύματά του για τον Κόσμο της Τέχνης: «Ποια είναι η γοητεία των Diaghilev, Benois, Somov, Bakst, Dobuzhinsky; Τέτοιοι αστερισμοί ανθρώπινων ομάδων προκύπτουν στα όρια των ιστορικών καμπών. Ξέρουν πολλά και κουβαλούν μαζί τους αυτές τις αξίες του παρελθόντος. Ξέρουν να βγάζουν πράγματα από τη σκόνη της ιστορίας και, αναζωογονώντας τα, να τους δίνουν έναν σύγχρονο ήχο... Το “The World of Art” έπαιξε έξοχα τον ιστορικό του ρόλο.” Και σε άλλο σημείο των ίδιων απομνημονευμάτων: «Όταν θυμάσαι πώς πριν από είκοσι χρόνια, μέσα στο μίασμα της παρακμής, μέσα στην ιστορική κακογουστιά, τη μαυρίλα και τη λάσπη της ζωγραφικής, ο Σεργκέι Ντιάγκιλεφ και οι σύντροφοί του εξόπλισαν το πλοίο τους, πώς τότε εμείς οι νέοι άνδρες, πήραν φτερά μαζί τους, ασφυκτιώντας στον σκοταδισμό που μας περιβάλλει - θυμηθείτε όλα αυτά, πείτε: ναι, μπράβο παιδιά, μας φέρατε στο παρόν στους ώμους σας.

Ο N. K. Roerich δήλωσε ότι ήταν ο «Κόσμος της Τέχνης» που «ύψωσε το λάβαρο για νέες κατακτήσεις της τέχνης».

Ανακαλώντας τη μακρινή δεκαετία του 1900 στην πλαγιά της ζωής της, η AP Ostroumova-Lebedeva έγραψε: «Οι σπουδαστές της Παγκόσμιας Τέχνης επέλεξαν και προσκάλεσαν νέους καλλιτέχνες στην κοινωνία τους όταν παρατήρησαν σε αυτούς, εκτός από το ταλέντο, μια ειλικρινή και σοβαρή στάση απέναντι στην τέχνη και τους δουλειά<...>Ο Κόσμος της Τέχνης υποστήριζε επίμονα την αρχή της «χειροτεχνίας στην τέχνη», δηλαδή ήθελαν οι καλλιτέχνες να κάνουν πίνακες με πλήρη, λεπτομερή γνώση των υλικών με τα οποία εργάζονταν και να φέρνουν την τεχνική στην τελειότητα.<...>Επιπλέον, όλοι μίλησαν για την ανάγκη να αυξηθεί ο πολιτισμός και το γούστο μεταξύ των καλλιτεχνών και ποτέ δεν αρνήθηκαν τα θέματα στους πίνακες και, ως εκ τούτου, δεν στέρησαν τις καλές τέχνες από τις εγγενείς ιδιότητες της ταραχής και της προπαγάνδας. Το συμπέρασμα της Ostroumova-Lebedeva ήταν πολύ σαφές: «Είναι απλά αδύνατο να καταστρέψουμε τη σημασία της κοινωνίας του «Κόσμου της Τέχνης» και να την αρνηθούμε, για παράδειγμα, όπως κάνουν οι κριτικοί τέχνης στη χώρα μας λόγω της αρχής «η τέχνη για την τέχνη ".

Ο Κ.Φ. Ο Yuon σημείωσε: «Ο Κόσμος της Τέχνης» υποδείκνυε την ανέγγιχτη παρθένα γη των διαφορετικών μέσων καλλιτεχνικής έκφρασης. Ενθάρρυνε κάθε τι χώμα και εθνικό...”. Το 1922, ο A. M. Gorky όρισε αυτή τη συγκέντρωση αξιοσημείωτων ταλέντων ως «μια ολόκληρη τάση που αναβίωσε τη ρωσική τέχνη».

Ο «κόσμος της τέχνης» έπαψε να υπάρχει το 1903, αλλά συνέχισε να διατηρεί μια τεράστια έλξη για τους σύγχρονους. Το 1910, η εταιρεία World of Art επανεμφανίστηκε στην Αγία Πετρούπολη, αλλά ο Diaghilev δεν συμμετείχε πλέον στο έργο της. Η καλλιτεχνική δραστηριότητα του Ντιαγκίλεφ πήρε διαφορετική κατεύθυνση.

Το 1905, στο παλάτι Tauride στην Αγία Πετρούπολη, οργάνωσε μια μεγάλη ιστορική και καλλιτεχνική έκθεση ρωσικών πορτρέτων. Χωρίς να περιορίζεται σε έργα από τα ανάκτορα και τα μουσεία της πρωτεύουσας, ο Ντιαγκίλεφ περιόδευσε τις επαρχίες, αποκαλύπτοντας συνολικά περίπου 4.000 πορτρέτα. Στην έκθεση υπήρχαν πολλά ενδιαφέροντα και απροσδόκητα ευρήματα. Η ρωσική τέχνη πορτρέτου εμφανίστηκε ασυνήθιστα σημαντική και πλούσια. Ο V. E. Borisov-Musatov έγραψε εκείνες τις μέρες στον V. A. Serov: «Για αυτό το έργο [τόμ. ε. διευθέτηση της έκθεσης] Ο Ντιαγκίλεφ είναι ιδιοφυΐα και το ιστορικό του όνομα θα γινόταν αθάνατο. Το νόημά του είναι λίγο κατανοητό, και τον λυπάμαι ειλικρινά που με κάποιο τρόπο έμεινε μόνος. Οι φωτογραφίες που τραβήχτηκαν με πρωτοβουλία του Diaghilev από τα περισσότερα εκθέματα (τα αρνητικά αποθηκεύονται στο TG) καθιστούν τώρα δυνατή τη γνωριμία με πολλά αριστουργήματα της ρωσικής τέχνης που πέθαναν ή εξαφανίστηκαν κατά τη διάρκεια των ταραγμένων γεγονότων της επανάστασης του 1905, του πολιτικού και του κόσμου πολέμους (για παράδειγμα, η μοίρα δεκαοκτώ έργων του D. G. Levitsky, που, μεταξύ των άλλων έργων του, εκτέθηκαν στην έκθεση Tauride).

Την άνοιξη του 1905, πολιτιστικές προσωπικότητες στη Μόσχα αποφάσισαν να τιμήσουν τον Diaghilev σε ένδειξη ευγνωμοσύνης για το γεγονός ότι επιμελήθηκε το περιοδικό "World of Art" και κανόνισε μια ιστορική και καλλιτεχνική έκθεση. Απαντώντας στους χαιρετισμούς, ο Ντιαγκίλεφ δήλωσε: «... ήταν ιδιαίτερα πεπεισμένος ότι είχε έρθει η ώρα για τα αποτελέσματα, μετά από αυτές τις άπληστες περιπλανήσεις [ο Ντιάγκιλεφ σημαίνει ταξίδια στη Ρωσία που έκανε, συλλέγοντας έργα για την Έκθεση Ιστορίας και Τέχνης. Αυτό το παρατήρησα όχι μόνο στις λαμπρές εικόνες των προγόνων, τόσο προφανώς απομακρυσμένων από εμάς, αλλά κυρίως στους απογόνους που ζούσαν τη ζωή τους. Το τέλος της ζωής είναι εδώ<...>Είμαστε μάρτυρες της μεγαλύτερης ιστορικής στιγμής αποτελεσμάτων και τελειωμάτων στο όνομα μιας νέας, άγνωστης κουλτούρας που θα αναδυθεί για εμάς, αλλά και θα μας σαρώσει. Και επομένως, χωρίς φόβο και δυσπιστία, υψώνω ένα ποτήρι στους ερειπωμένους τοίχους των όμορφων παλατιών, καθώς και στις νέες διαθήκες μιας νέας αισθητικής».

Ρωσική Ένωση Τέχνης. Δημιουργήθηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1890. (επίσημα το 1900) με βάση έναν κύκλο νέων καλλιτεχνών και φιλότεχνων, με επικεφαλής τους A. N. Benois και S. P. Diaghilev. Ως εκθεσιακό σωματείο υπό την αιγίδα του περιοδικού Mir ... ... Εγκυκλοπαίδεια Τέχνης

Σύλλογος (1898 1924) καλλιτεχνών, που δημιουργήθηκε στην Αγία Πετρούπολη από τον Α.Ν. Μπενουά και Σ.Π. Ντιαγκίλεφ. Οι εκπρόσωποι του Κόσμου της Τέχνης απέρριψαν τόσο τον ακαδημαϊσμό όσο και την τάση των περιπλανώμενων. βασιζόμενοι στην ποιητική του συμβολισμού, πήγαιναν συχνά στον κόσμο του παρελθόντος ... Σύγχρονη Εγκυκλοπαίδεια

"Κόσμος της Τέχνης"- «WORLD OF ART», σύλλογος (1898 1924) καλλιτεχνών, που δημιουργήθηκε στην Αγία Πετρούπολη από τον Α.Ν. Μπενουά και Σ.Π. Ντιαγκίλεφ. Οι εκπρόσωποι του «Κόσμου της Τέχνης» απέρριψαν τόσο τον ακαδημαϊσμό όσο και την τάση των περιπλανώμενων. βασιζόμενοι στην ποιητική του συμβολισμού, συχνά ... ... Εικονογραφημένο Εγκυκλοπαιδικό Λεξικό

E. E. Lansere. Πλοία της εποχής του Πέτρου Α. Τέμπερα. 1911. Πινακοθήκη Τρετιακόφ. Μόσχα. "World of Art", Ρωσική καλλιτεχνική ένωση. Δημιουργήθηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1890. (επίσημα το 1900) με βάση έναν κύκλο νέων καλλιτεχνών και φιλότεχνων ... Εγκυκλοπαίδεια Τέχνης

- (1898–1904; 1910–1924), σύλλογος καλλιτεχνών και πολιτιστικών μορφών της Αγίας Πετρούπολης (A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. Ya. Golovin, I. Ya. Bilibin, Z. Serebryakova, BM Kustodiev, NK Roerich, ... ... Εγκυκλοπαίδεια Τέχνης

- "World of Art", Ρωσική καλλιτεχνική ένωση. Δημιουργήθηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1890. (επίσημα το 1900) στην Αγία Πετρούπολη στη βάση ενός κύκλου νέων καλλιτεχνών και φιλότεχνων, με επικεφαλής τους A. N. Benois και S. P. Diaghilev. Ως εκθεσιακό σωματείο υπό ... ... Μεγάλη Σοβιετική Εγκυκλοπαίδεια

"Κόσμος της Τέχνης"- «Κόσμος της Τέχνης», καλλιτεχνικός σύλλογος. Δημιουργήθηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1890. (το καταστατικό εγκρίθηκε το 1900) με βάση έναν κύκλο νέων καλλιτεχνών, ιστορικών τέχνης και φιλότεχνων («κοινωνία αυτοεκπαίδευσης»), με επικεφαλής τον A. N. Benois και ... ... Εγκυκλοπαιδικό βιβλίο αναφοράς "Αγία Πετρούπολη"

Ένας σύλλογος Ρώσων καλλιτεχνών που αντιτάχθηκαν στην τάση, τον κομματισμό και τον αντιαισθητισμό των σύγχρονών τους «ηγέτες της κοινής γνώμης», στις επιταγές του γούστου του ακαδημαϊσμού και του πλανόδιου. Σχηματίστηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1890 στην Αγία Πετρούπολη με βάση έναν κύκλο ... ... Ρωσική ιστορία

1) καλλιτεχνικός σύλλογος. Δημιουργήθηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1890. (το καταστατικό εγκρίθηκε το 1900) με βάση έναν κύκλο νέων καλλιτεχνών, ιστορικών τέχνης και φιλότεχνων (η «κοινωνία αυτοεκπαίδευσης»), με επικεφαλής τους A. N. Benois και S. P. Diaghilev. Πως … Αγία Πετρούπολη (εγκυκλοπαίδεια)

"Κόσμος της Τέχνης"- Τέχνη ΚΟΣΜΟΥ ΤΕΧΝΗΣ. κατά την Εποχή του Αργυρού. Υπήρξε από το 1898 έως το 1927 κατά διαστήματα, λαμβάνοντας διαφορετικές οργανώσεις. έντυπα: περιοδικό, έκθεση, για καλλιτέχνες. Η 1η περίοδος του Μ.Ι. Ρωσικό ανθρωπιστικό εγκυκλοπαιδικό λεξικό

Βιβλία

• Κόσμος της Τέχνης. 1898-1927, G. B. Romanov, Αυτή η έκδοση είναι αφιερωμένη στην 30ετή περίοδο της ιστορίας του συλλόγου "World of Art". Η έκδοση περιέχει πορτρέτα, βιογραφίες και έργα καλλιτεχνών. Κατά την προετοιμασία αυτής της εγκυκλοπαίδειας για… Κατηγορία: Ιστορία της ρωσικής τέχνης Εκδότης: Global View, Ορχήστρα Αγίας Πετρούπολης,
• Κόσμος της Τέχνης. Εικαστικός Σύλλογος των αρχών του εικοστού αιώνα, Vsevolod Petrov, «World of Art», Ρωσική καλλιτεχνική ένωση. Δημιουργήθηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1890. (επίσημα το 1900) στην Αγία Πετρούπολη με βάση έναν κύκλο νέων καλλιτεχνών και φιλότεχνων, με επικεφαλής τον A. N. ... Κατηγορία: Ιστορία και θεωρία των τεχνώνΕκδότης:

Ο καλλιτεχνικός σύλλογος «World of Art» ανακοίνωσε τον εαυτό του με την έκδοση ενός ομώνυμου περιοδικού στο γύρισμα του 19ου-20ου αιώνα. Η έκδοση του πρώτου τεύχους του περιοδικού "World of Art" στην Αγία Πετρούπολη στα τέλη του 1898 ήταν το αποτέλεσμα δέκα ετών επικοινωνίας μεταξύ μιας ομάδας ζωγράφων και γραφιστών με επικεφαλής τον Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960).

Η κύρια ιδέα του συλλόγου εκφράστηκε στο άρθρο του εξαιρετικού φιλάνθρωπου και γνώστη της τέχνης Sergei Pavlovich Diaghilev (1872 - 1929) «Σύνθετες ερωτήσεις. Η φανταστική μας παρακμή. Ο κύριος στόχος της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας δηλώθηκε ότι είναι η ομορφιά και η ομορφιά στην υποκειμενική κατανόηση κάθε δασκάλου. Μια τέτοια στάση στα καθήκοντα της τέχνης έδωσε στον καλλιτέχνη απόλυτη ελευθερία στην επιλογή θεμάτων, εικόνων και μέσων έκφρασης, κάτι που ήταν αρκετά νέο και ασυνήθιστο για τη Ρωσία.

Ο Κόσμος της Τέχνης άνοιξε για το ρωσικό κοινό πολλά ενδιαφέροντα και προηγουμένως άγνωστα φαινόμενα του δυτικού πολιτισμού, ιδιαίτερα τη φινλανδική και σκανδιναβική ζωγραφική, τους Άγγλους καλλιτέχνες του Προραφαηλίτη και τον γραφίστα Aubrey Beardsley. Μεγάλη σημασία για τους δασκάλους που ενώθηκαν γύρω από τον Μπενουά και τον Ντιαγκίλεφ ήταν η συνεργασία με συμβολιστές συγγραφείς. Στο δωδέκατο τεύχος του περιοδικού το 1902, ο ποιητής Andrey Bely δημοσίευσε ένα άρθρο "Μορφές Τέχνης" και έκτοτε οι μεγαλύτεροι συμβολιστές ποιητές δημοσιεύονται τακτικά στις σελίδες του. Ωστόσο, οι καλλιτέχνες του «Κόσμου της Τέχνης» δεν έκλεισαν στα πλαίσια του συμβολισμού. Προσπάθησαν όχι μόνο για τη στιλιστική ενότητα, αλλά και για τη διαμόρφωση μιας μοναδικής, ελεύθερης δημιουργικής προσωπικότητας.

Ως αναπόσπαστο λογοτεχνικό και καλλιτεχνικό σωματείο, ο Κόσμος της Τέχνης δεν κράτησε πολύ. Οι διαφωνίες μεταξύ καλλιτεχνών και συγγραφέων οδήγησαν το 1904 στο γεγονός ότι το περιοδικό έκλεισε. Η επανέναρξη των δραστηριοτήτων της ομάδας το 1910 δεν μπορούσε πλέον να επιστρέψει τον προηγούμενο ρόλο της. Αλλά στην ιστορία του ρωσικού πολιτισμού, αυτή η σύνδεση άφησε το βαθύτερο αποτύπωμα. Ήταν αυτό που άλλαξε την προσοχή των δασκάλων από τα ζητήματα περιεχομένου στα προβλήματα της μορφής και της εικονογραφικής γλώσσας.

Ένα ιδιαίτερο χαρακτηριστικό των καλλιτεχνών του «Κόσμου της Τέχνης» ήταν η πολυχρηστικότητα. Ασχολήθηκαν με τη ζωγραφική, το σχεδιασμό θεατρικών παραγωγών και τις τέχνες και τη χειροτεχνία. Ωστόσο, η πιο σημαντική θέση στην κληρονομιά τους ανήκει στα γραφικά.

Τα καλύτερα γραφικά έργα του Μπενουά. μεταξύ αυτών, ιδιαίτερα ενδιαφέρουσες είναι οι εικονογραφήσεις για το ποίημα του A. S. Pushkin «The Bronze Horseman» (1903-1922). Η Πετρούπολη έγινε ο κύριος «ήρωας» ολόκληρου του κύκλου: οι δρόμοι, τα κανάλια, τα αρχιτεκτονικά αριστουργήματα εμφανίζονται είτε στην ψυχρή αυστηρότητα των λεπτών γραμμών είτε στη δραματική αντίθεση φωτεινών και σκοτεινών σημείων. Στο αποκορύφωμα της τραγωδίας, όταν ο Ευγένιος τρέχει από τον τρομερό γίγαντα, ένα μνημείο του Πέτρου, καλπάζοντας πίσω του, ο κύριος ζωγραφίζει την πόλη με σκούρα, ζοφερά χρώματα.

Η ρομαντική ιδέα του να εναντιωθείς σε έναν μοναχικό ήρωα που υποφέρει και τον κόσμο, αδιάφορο γι' αυτόν και έτσι να τον σκοτώσεις, είναι κοντά στο έργο του Μπενουά.

Ο σχεδιασμός των θεατρικών παραστάσεων είναι η πιο φωτεινή σελίδα στο έργο του Lev Samuilovich Bakst (πραγματικό όνομα Rosenberg, 1866-1924). Τα πιο ενδιαφέροντα έργα του συνδέονται με παραγωγές όπερας και μπαλέτου των Ρωσικών Εποχών στο Παρίσι 1907-1914. - ένα είδος φεστιβάλ ρωσικής τέχνης, που διοργανώθηκε από τον Diaghilev. Ο Μπακστ έκανε σκίτσα με σκηνικά και κοστούμια για την όπερα «Salome» του R. Strauss, τη σουίτα «Scheherazade» του N. A. Rimsky-Korsakov, το μπαλέτο «Afternoon of a Faun» σε μουσική του C. Debussy και άλλες παραστάσεις. Ιδιαίτερα αξιόλογα είναι τα σκίτσα των κοστουμιών, που έχουν γίνει ανεξάρτητα γραφικά έργα. Ο καλλιτέχνης μοντελοποίησε το κοστούμι, εστιάζοντας στο σύστημα κινήσεων του χορευτή, μέσα από γραμμές και χρώμα, προσπάθησε να αποκαλύψει το μοτίβο του χορού και τη φύση της μουσικής. Στα σκίτσα του, η ευκρίνεια της όρασης της εικόνας, η βαθιά κατανόηση της φύσης των κινήσεων μπαλέτου και η εκπληκτική χάρη είναι εντυπωσιακά.

Ένα από τα κύρια θέματα για πολλούς δασκάλους του «Κόσμου της Τέχνης» ήταν η έκκληση στο παρελθόν, η λαχτάρα για τον χαμένο ιδανικό κόσμο. Αγαπημένη εποχή ήταν ο XVIII αιώνας, και κυρίως η περίοδος του Ροκοκό. Οι καλλιτέχνες όχι μόνο προσπάθησαν να αναστήσουν αυτή τη φορά στο έργο τους - τράβηξαν την προσοχή του κοινού στην αληθινή τέχνη του 18ου αιώνα, ανακαλύπτοντας εκ νέου το έργο των Γάλλων ζωγράφων Antoine Watteau και Honore Fragonard και των συμπατριωτών τους Fyodor Rokotov και Dmitry Levitsky.

Οι εικόνες της «γαλάντιας εποχής» συνδέονται με τα έργα του Μπενουά, στα οποία τα παλάτια και τα πάρκα των Βερσαλλιών παρουσιάζονται ως ένας όμορφος και αρμονικός κόσμος, αλλά εγκαταλειμμένος από τους ανθρώπους. Ο Yevgeny Evgenievich Lanceray (1875-1946) προτιμούσε να απεικονίζει εικόνες της ρωσικής ζωής τον 18ο αιώνα.

Με ιδιαίτερη εκφραστικότητα, τα μοτίβα ροκοκό εμφανίστηκαν στα έργα του Konstantin Andreevich Somov (1869-1939). Από νωρίς εντάχθηκε στην ιστορία της τέχνης (πατέρας

καλλιτέχνης ήταν ο επιμελητής των συλλογών Ερμιτάζ). Μετά την αποφοίτησή του από την Ακαδημία Τεχνών, ο νεαρός δάσκαλος έγινε μεγάλος γνώστης της παλιάς ζωγραφικής. Ο Somov μιμήθηκε έξοχα την τεχνική της στους πίνακές του. Το κύριο είδος της δουλειάς του θα μπορούσε να ονομαστεί παραλλαγές στο θέμα της «γαλαντόμης σκηνής». Πράγματι, στους καμβάδες του καλλιτέχνη, οι χαρακτήρες του Watteau φαίνεται να ξαναζωντανεύουν - κυρίες με υπέροχα φορέματα και περούκες, ηθοποιοί της κωμωδίας των μασκών. Φλερτάρουν, φλερτάρουν, τραγουδούν σερενάτες στα σοκάκια του πάρκου, περιτριγυρισμένοι από τη χαϊδευτική λάμψη του φωτός του ηλιοβασιλέματος.

Ωστόσο, όλα τα μέσα της ζωγραφικής του Somov στοχεύουν στο να δείξουν τη «γαλαντική σκηνή» ως ένα φανταστικό όραμα που φούντωσε για μια στιγμή και αμέσως εξαφανίστηκε. Το μόνο που μένει είναι μια ανάμνηση που πονάει. Δεν είναι τυχαίο ότι ανάμεσα στο φωτεινό γαλαντόμο εμφανίζεται η εικόνα του θανάτου, όπως στην ακουαρέλα "Arlequin and Death" (1907). Η σύνθεση χωρίζεται ξεκάθαρα σε δύο επίπεδα. Στο βάθος, το παραδοσιακό «σετ γραμματοσήμων» του Ροκοκό: ένας έναστρος ουρανός, ερωτευμένα ζευγάρια κ.λπ. Και σε πρώτο πλάνο υπάρχουν επίσης παραδοσιακοί χαρακτήρες μάσκας: ο Αρλεκίνος με πολύχρωμο κοστούμι και ο Θάνατος - ένας σκελετός με μαύρο μανδύα. Οι σιλουέτες και των δύο φιγούρων σκιαγραφούνται από έντονες διακεκομμένες γραμμές. Σε μια φωτεινή παλέτα, σε μια συγκεκριμένη σκόπιμη επιθυμία για ένα πρότυπο, γίνεται αισθητό ένα ζοφερό γκροτέσκο. Η εκλεπτυσμένη κομψότητα και η φρίκη του θανάτου αποδεικνύονται οι δύο όψεις του ίδιου νομίσματος και ο ζωγράφος φαίνεται να προσπαθεί να μεταχειριστεί και τα δύο με την ίδια ευκολία.

Ο Somov κατάφερε να εκφράσει τον νοσταλγικό του θαυμασμό για το παρελθόν ιδιαίτερα διακριτικά μέσα από γυναικείες εικόνες. Το διάσημο έργο «Η κυρία με τα μπλε» (1897-1900) είναι ένα πορτρέτο του σύγχρονου καλλιτέχνη E. M. Martynova. Είναι ντυμένη με παλιά μόδα και απεικονίζεται με φόντο ένα ποιητικό πάρκο τοπίου. Ο τρόπος ζωγραφικής μιμείται έξοχα το στυλ Biedermeier. Αλλά η προφανής νοσηρότητα της εμφάνισης της ηρωίδας (η Μαρτίνοβα πέθανε σύντομα από φυματίωση) προκαλεί ένα αίσθημα οξείας λαχτάρας και η ειδυλλιακή απαλότητα του τοπίου φαίνεται εξωπραγματική, που υπάρχει μόνο στη φαντασία του καλλιτέχνη.

Ο Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) εστίασε την προσοχή του κυρίως στο αστικό τοπίο. Η Αγία Πετρούπολη του, σε αντίθεση με την Αγία Πετρούπολη του Μπενουά, στερείται ρομαντικού φωτοστέφανου. Ο καλλιτέχνης επιλέγει τις πιο μη ελκυστικές, «γκρίζες» απόψεις, δείχνοντας την πόλη ως έναν τεράστιο μηχανισμό που σκοτώνει την ψυχή ενός ανθρώπου.

Η σύνθεση του πίνακα «Ο άνθρωπος με τα γυαλιά» («Portrait of K. A. Syunnerberg», 1905-1906) βασίζεται στην αντίθεση του ήρωα και της πόλης, η οποία είναι ορατή από ένα πλατύ παράθυρο. Με την πρώτη ματιά, η ετερόκλητη σειρά των σπιτιών και η φιγούρα ενός άνδρα με πρόσωπο βυθισμένο στη σκιά φαίνονται απομονωμένα το ένα από το άλλο. Αλλά υπάρχει μια βαθιά εσωτερική σύνδεση μεταξύ των δύο αεροπλάνων. Πίσω από τη φωτεινότητα των χρωμάτων κρύβεται η «μηχανική» θαμπάδα των σπιτιών της πόλης. Ο ήρωας αποσπάται, βυθίζεται στον εαυτό του, στο πρόσωπό του δεν υπάρχει παρά κούραση και κενό.

Ο Κόσμος της Τέχνης είναι μια δημιουργική ένωση καλλιτεχνών που υπάρχει από τα τέλη της δεκαετίας του 1890. μέχρι το 1924 (με διακοπές). Ο κύριος πυρήνας του συνδέσμου περιελάμβανε τους A. N. Benois, L. S. Bakst, K. A. Somov, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, I. Ya. Bilibin. Οι K. A. Korovin, A. Ya. Golovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, S. Yu. Sudeikin, B. I. Anisfeld και άλλοι εντάχθηκαν στον κόσμο της τέχνης.

Το πρόγραμμα World of Art ήταν αμφιλεγόμενο. Σε αντίθεση με τις δραστηριότητές του με τους Wanderers και την Ακαδημία Τεχνών, ο «Κόσμος της Τέχνης» ήταν υποστηρικτής της «καθαρής τέχνης». Ταυτόχρονα, οι καλλιτέχνες του συλλόγου δεν έσπασαν με τον ρεαλισμό, πολλοί από αυτούς ανταποκρίθηκαν στην Επανάσταση του 1905 και στη δεκαετία του 1910. Ο «κόσμος της τέχνης» αντιτάχθηκε στην παρακμή και στον φορμαλισμό. Στο έργο των καλλιτεχνών του «Κόσμου της Τέχνης» υπήρχε μια έντονη αναδρομική τάση, ένα πάθος για τον πολιτισμό του 17ου-18ου αιώνα.

Οι πιο δυνατές πτυχές της δραστηριότητας του «Κόσμου της Τέχνης» είναι τα γραφικά των βιβλίων και τα θεατρικά σκηνικά. Υπερασπίζοντας το περιεχόμενο και την ακεραιότητα της λύσης της παράστασης, τον ενεργό ρόλο του καλλιτέχνη σε αυτήν, ο "Κόσμος της Τέχνης" συνέχισε τη μεταρρύθμιση της θεατρικής και διακοσμητικής τέχνης, που ξεκίνησε από τους διακοσμητές της όπερας S. I. Mamontov.

Τα σκηνικά έργα των καλλιτεχνών του «Κόσμου της Τέχνης» χαρακτηρίζονται από υψηλή κουλτούρα, τον εμπλουτισμό του θεάτρου με τα επιτεύγματα της σύγχρονης ζωγραφικής, την καλλιτεχνική ακεραιότητα των λύσεων, το λεπτό γούστο και το βάθος ερμηνείας των σκηνικών έργων, συμπεριλαμβανομένου του μπαλέτου αυτές.

Ένας μεγάλος ρόλος ανήκε στους καλλιτέχνες του «Κόσμου της Τέχνης» στο σχεδιασμό των παραστάσεων

Καλλιτεχνικός Σύλλογος
"Κόσμος της Τέχνης"

Direct-Media, Μόσχα, 2016

ΑΡΤΟΤΕΚΑ, αρ. 36

Ο καλλιτεχνικός σύλλογος "World of Art" αναπτύχθηκε από ένα γυμνάσιο και στη συνέχεια έναν κύκλο μαθητών, που συγκεντρώθηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1880 - αρχές της δεκαετίας του 1890 γύρω από τον νεότερο γιο του διάσημου αρχιτέκτονα της Αγίας Πετρούπολης N. Benois - Alexander, στο μέλλον καλλιτέχνη , εικονογράφος βιβλίων, σκηνογράφος, ιστορικός τέχνης, κριτικός τέχνης.

Δημιουργήστε μια ένωση

Ο καλλιτεχνικός σύλλογος "World of Art" αναπτύχθηκε από ένα γυμνάσιο και στη συνέχεια έναν κύκλο μαθητών, που συγκεντρώθηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1880 - αρχές της δεκαετίας του 1890 γύρω από τον νεότερο γιο του διάσημου αρχιτέκτονα της Αγίας Πετρούπολης N. Benois - Alexander, στο μέλλον καλλιτέχνη , εικονογράφος βιβλίων, σκηνογράφος, ιστορικός τέχνης, κριτικός τέχνης. Αρχικά, ήταν ένας φιλικός κύκλος, τον οποίο οι ίδιοι οι συμμετέχοντες ονόμασαν «κοινωνία της αυτοεκπαίδευσης». Ακόμη και τότε, εμφανίστηκε στο μέλλον ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του "Κόσμου της Τέχνης" - η επιθυμία για μια συνθετική κάλυψη των φαινομένων της τέχνης, του πολιτισμού στο σύνολό του. Τα ενδιαφέροντα των νέων ήταν εκτεταμένα: ζωγραφική, λογοτεχνία, μουσική, ιστορία, ήταν ιδιαίτερα παθιασμένοι με το θέατρο.

Στον κύκλο μπήκαν πολλοί μελλοντικοί υπάλληλοι του περιοδικού «World of Art»: V. Nouvel, D. Filosofov, L. Rosenberg (μετέπειτα γνωστός ως L. Bakst). Της εμφάνισης αυτής της έκδοσης προηγήθηκαν πολλές προπαρασκευαστικές εργασίες, που συνδέονται κυρίως με τη διοργάνωση εκθέσεων ξένης τέχνης στη Ρωσία. Ο S. Diaghilev (1872−1929), μετέπειτα σημαντική καλλιτεχνική προσωπικότητα και κριτικός, που κάποια στιγμή άρχισε να διαδραματίζει εξέχοντα ρόλο στον φιλικό σύλλογο, το αντιμετώπισε. Ήταν αυτός που έθεσε ως στόχο να συγκεντρώσει εξαιρετικούς Ρώσους καλλιτέχνες και να κάνει το έργο τους γνωστό στη Δύση.

Τον Φεβρουάριο του 1897, με πρωτοβουλία του Ντιαγκίλεφ, άνοιξε στην Αγία Πετρούπολη έκθεση υδατογραφιών από την Αγγλία και τη Γαλλία. Εξέθεσε τα έργα μεγάλων δασκάλων από αυτές τις δύο χώρες, υπήρχαν ιδιαίτερα πολλές ακουαρέλες του Menzel, ο οποίος επηρέασε την επιμελημένη επίλυση ιστορικών θεμάτων από τον A. Benois και άλλους καλλιτέχνες του Κόσμου της Τέχνης.

Αλλά πιο σημαντική ήταν η έκθεση Σκανδιναβών καλλιτεχνών, που άνοιξε το φθινόπωρο του ίδιου έτους στις αίθουσες της Ακαδημίας Τεχνών, και η έκθεση Ρώσων και Φινλανδών καλλιτεχνών στο Μουσείο Στίγκλιτς τον Ιανουάριο του 1898. Χάρη στο οργανωτικό του ταλέντο, Ο Diaghilev μπόρεσε να προσελκύσει όχι μόνο τα κύρια μέλη του φιλικού κύκλου, αλλά και τους μεγαλύτερους Ρώσους ζωγράφους - M. Vrubel, I. Levitan, V. Serov, K. Korovin, M. Nesterov, A. Ryabushkin. Οι Φινλανδοί δάσκαλοι με επικεφαλής τους A. Gallen και A. Edelfelt παρουσίασαν επίσης τα έργα τους. Αυτές οι εκθέσεις, στην πραγματικότητα, αποδείχθηκαν από τις πρώτες εκθέσεις ξένης τέχνης στη Ρωσία και πραγματοποιήθηκαν με φόντο την υπέρβαση καθιερωμένων συντηρητικών απόψεων τόσο μεταξύ των ίδιων των καλλιτεχνών όσο και της κοινωνίας στο σύνολό της. Ο Diaghilev και οι συνεργάτες του είχαν μια παθιασμένη επιθυμία να εμπλέξουν πιο ενεργά τη ρωσική τέχνη στη διαδικασία αγώνα ενάντια στη στασιμότητα του ακαδημαϊσμού, την οποία είχαν ήδη βιώσει οι βόρειες χώρες, και θεώρησαν τις κοινές εκθέσεις με ξένους δασκάλους ως έναν από τους πιο αποτελεσματικούς τρόπους για την ανανέωση της τέχνης . Η κοινή έκθεση Ρώσων και Φινλανδών καλλιτεχνών θεωρήθηκε στη συνέχεια από τον Κόσμο των Τεχνών ως «η πρώτη παράσταση του Κόσμου της Τέχνης, αλλά όχι ακόμη με αυτό το όνομα». Ο Α. Μπενουά είπε ότι μετά από αυτήν ενώθηκαν μαζί με τους φίλους του σε μια ομάδα, που ονομάζεται «Κόσμος της Τέχνης».

Όπως ήδη σημειώθηκε, ήταν η διοργάνωση εκθέσεων ξένης τέχνης που συνέβαλε στην εμφάνιση του περιοδικού World of Art. Μια από τις αρετές του ήταν ότι αποδείχθηκε μια ελεύθερη πλατφόρμα για συζητήσεις τόσο στον τομέα της ζωγραφικής όσο και στον τομέα της θρησκείας, της φιλοσοφίας και της λογοτεχνίας. Στις σελίδες της έκδοσης συζητήθηκαν τα πιο επείγοντα προβλήματα της πνευματικής ζωής της Ρωσίας και της Δύσης. Από την αρχή, το περιοδικό πήρε σταθερή θέση στην καλλιτεχνική ζωή της Ρωσίας και κέρδισε μεγάλο αριθμό θαυμαστών. Επιμελητής του ήταν ο S. Diaghilev, αλλά και ο A. Benois έπαιξε ενεργό ρόλο, καθορίζοντας την καλλιτεχνική πολιτική του Κόσμου της Τέχνης και σκιαγράφοντας ένα ολόκληρο αισθητικό πρόγραμμα: πρώτον, την αναγνώριση των κλασικών, δεύτερον, την άρνηση κάθε τι οδυνηρού στην τέχνη. και παρακμή, και δεύτερον, τρίτον, προσανατολισμός στην ιδέα της βιομηχανίας τέχνης του W. Morris με την αρχή της σκοπιμότητας. Ο Α. Μπενουά πρότεινε να ονομαστεί το περιοδικό «Αναγέννηση» και ζήτησε «να ανακοινωθεί η δίωξη και ο θάνατος σε παρακμή<…>που απειλεί να καταστρέψει ολόκληρο τον πολιτισμό.

Στο πρώτο τεύχος του περιοδικού, που κυκλοφόρησε το 1899, δημοσιεύτηκε το άρθρο του S. Diaghilev «Δύσκολες ερωτήσεις», στο οποίο διατυπώθηκε η αισθητική του συλλόγου «World of Art». Από την αρχή ο Ντιαγκίλεφ έθεσε ως στόχο του «την ανάλυση όλων των ιδεών στον τομέα της αισθητικής». Κατά τη γνώμη του, οι αισθητικές έννοιες και αρχές στη σύγχρονη ζωγραφική έχουν αποκλίνει από την καλλιτεχνική πρακτική: «Αυτή η αμαλγαματική ιστορία της καλλιτεχνικής ζωής του αιώνα είχε την κύρια πηγή της στην τρομερή επισφάλεια των αισθητικών εννοιών και απαιτήσεων της εποχής. Δεν εδραιώθηκαν για μια στιγμή σταθερά, δεν αναπτύχθηκαν λογικά ή ελεύθερα. Τα καλλιτεχνικά ζητήματα μπλέχτηκαν στο γενικότερο χάλι των κοινωνικών ανατροπών...». Σημειώνει επίσης ότι η χρηστική στάση απέναντι στην τέχνη ήταν κυρίαρχη καθ' όλη τη διάρκεια του 19ου αιώνα, αν και υπήρχαν καλλιτεχνικές και αισθητικές τάσεις που αντιτάχθηκαν στην υποταγή της τέχνης σε οποιουσδήποτε εξωτερικούς στόχους.

Ο Diaghilev αντιπαραβάλλει την αρχή του ωφελιμισμού με την αρχή του αισθητισμού ως αναγνώριση της ομορφιάς ως την υψηλότερη και ανεξάρτητη αξία. ο συγγραφέας του άρθρου υποστήριξε ότι η τέχνη είναι πολύτιμη από μόνη της, ότι ο στόχος της είναι ο εαυτός της. Ο Α. Μπενουά συμμερίστηκε την πεποίθηση του συντρόφου του ότι η ομορφιά πρέπει να είναι το υψηλότερο κριτήριο στη σφαίρα της καλλιτεχνικής εκτίμησης.

Αισθητισμός είναι η αναγνώριση των ειδικών, αποκλειστικών δικαιωμάτων της αισθητικής, η διεκδίκηση του αυτάρκειας ρόλου της ομορφιάς, η ανεξαρτησία της από την ηθική, τη θρησκεία και την πολιτική. Η έννοια του αισθητισμού αντικατοπτρίστηκε για πρώτη φορά ευρέως στο έργο των Άγγλων προ-ραφαηλιτών καλλιτεχνών. Στο περιοδικό «World of Art» οι δημοσιεύσεις για την αγγλική τέχνη και τους Προραφαηλίτες ήταν συνεχείς. Οι εκδότες δήλωσαν ότι πρωταρχικό τους καθήκον ήταν η ανάπτυξη μιας νέας έννοιας του πολιτισμού, στην οποία η κεντρική θέση δόθηκε στις «νιτσεϊκές» αξίες: δημιουργικότητα, ομορφιά, αισθητική αίσθηση. Το περιοδικό εκδόθηκε από το 1899 έως το 1904 υπό την επιμέλεια του S. Diaghilev και με τη συμμετοχή της ομάδας καλλιτεχνών της Αγίας Πετρούπολης, από το 1901 εντάχθηκε ο I. Grabar, ο οποίος σύντομα έγινε ένας από τους πιο σημαντικούς κριτικούς στη ρωσική τέχνη. Εκθέσεις τέχνης που ονομάζονταν «Ο κόσμος της τέχνης» πραγματοποιούνταν κάθε χρόνο και συγκέντρωναν Ρώσους και Δυτικοευρωπαίους δασκάλους.

Έτσι, η δραστηριότητα του συλλόγου της Αγίας Πετρούπολης σηματοδότησε την αρχή μιας νέας εποχής στην πολιτιστική ζωή του τέλους του 19ου αιώνα.

Ο κύριος πυρήνας των εκθέσεων του "World of Art" ήταν τα έργα των δασκάλων της ομάδας Diaghilev (στην πραγματικότητα World of Art) - A. Benois, K. Somov και οι στενότεροι συνεργάτες τους, που συνεργάστηκαν με τους ζωγράφους της Μόσχας - M. Vrubel, I. Levitan, V. Serov, K. Korovin, M. Nesterov, A. Ryabushkin. Ο Miriskusniki ενέπλεξε μεγάλους Ρώσους δασκάλους στις δραστηριότητές τους, το έργο των οποίων αναπτύχθηκε ανεξάρτητα από τις ιδεολογικές κατευθυντήριες γραμμές της ομάδας της Αγίας Πετρούπολης και διακρίθηκε επίσης για τη ζωγραφική του γλώσσα.

Προτιμώμενο ενδιαφέρον για την ιστορία και τα ιστορικά στυλ, τη νοσταλγία για τις περασμένες εποχές, τη λατρεία της ομορφιάς, τη ρομαντική ειρωνεία - αυτά είναι τα ιδεολογικά χαρακτηριστικά των ανθρώπων του Κόσμου της Τέχνης. Επηρέασαν την καθιέρωση του αγαπημένου τους κύκλου πλοκών και μοτίβων στη δουλειά τους.

Η δημιουργική κληρονομιά του Alexander Nikolayevich Benois (1870−1960), του ιδρυτή και ιστοριογράφου του Κόσμου της Τέχνης, είναι πλούσια και ευέλικτη. Το αποτέλεσμα του πάθους του Μπενουά για βιβλία που αφηγούνται τη ζωή και τα έθιμα της αυλής του «Βασιλιά Ήλιου», καθώς και τη μελέτη της γαλλικής τέχνης, ήταν μια σειρά από υπέροχες ακουαρέλες. Απεικονίζουν το παλάτι, το πάρκο, τις βόλτες του βασιλιά και των αυλικών, τις μαρκήσιες που λούζονται. Ο πρώτος τέτοιος κύκλος ονομάζεται "The Last Walks of Louis XIV" και δημιουργήθηκε το 1897-1898, ο δεύτερος - "Versailles Series" 1905-1906. Στα έργα "King's Walk" (1897, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη), "Feeding the Fish" (1897, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη), "Ceres Pool" (1897, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη ), «The King walks in any weather» (1898, συλλογή του I. Zilberstein), όπως και σε άλλα φύλλα από τη «σειρά Βερσαλλιών», αν και ενώνεται από έναν μοναδικό χαρακτήρα - τον Λουδοβίκο XIV, ο σύνδεσμος είναι η εικόνα του ανθρώπου- έγινε φύση της βασιλικής κατοικίας. Στα σκίτσα των Βερσαλλιών κυριαρχεί το θέμα του «αρχαίου πάρκου», στο οποίο το παρελθόν ζωντανεύει. Όλα τα έργα συνδέονται με το αντικείμενο της εικόνας και την ενότητα της διάθεσης. Στο The King's Walk (1906, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα), η φύση μετατρέπεται σε θεατρικό σκηνικό, τα χαριτωμένα πράσινα παρασκήνια ανοίγουν μια μικρή περιοχή σκηνής. Με ελαφρότητα και σαφήνεια σιλουέτες, οι φιγούρες μοιάζουν με παιχνίδια εγγεγραμμένα σε ένα γραφικό τοπίο. Το πάρκο αφήνει τη θεατρική παράσταση στους χώρους του, όπως σε μια από τις αίθουσες του παλατιού.

Ο Evgeny Evgenievich Lanceray (1875−1946) στράφηκε στο έργο του στην εποχή του Petrine. Τα αγαπημένα του θέματα ήταν η ναυπήγηση της Αγίας Πετρούπολης και ο νέος ρωσικός στόλος. Ο καλλιτέχνης δεν «αποκατέστησε» το ιστορικό σκηνικό, αλλά δημιούργησε την εικόνα του κρύου και θυελλώδους πνευματικού τέκνου του Peter I. Ένας από τους πρώτους ήταν ο εκφραστικός και δυναμικός πίνακας «Η Πετρούπολη στις αρχές του 18ου αιώνα. Κτίριο των Δώδεκα Κολεγίων» (1902, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη), που απεικονίζει μια βροχερή, θυελλώδη μέρα όταν τα νερά του ανήσυχου Νέβα χτυπούσαν την προβλήτα του νησιού Βασιλιέφσκι. Ένα σκάφος είναι αγκυροβολημένο στην προβλήτα. Στις σκάλες υπάρχουν πολλές ανθρώπινες φιγούρες, μεταξύ των οποίων μπορεί κανείς να αναγνωρίσει τον Πέτρο Α', ο οποίος ήρθε να επιθεωρήσει το πρόσφατα ανεγερθέν κτίριο των Δώδεκα Κολεγίων. Ο συγγραφέας αναπλάθει την ατμόσφαιρα της κατασκευής της Αγίας Πετρούπολης, η αρχιτεκτονική και η φύση δίνονται σε μια αδιάσπαστη ενότητα. Τα τοπία "Boat of Peter I" (1906, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα) και "Ships under Peter I" (1911, State Tretyakov Gallery, Μόσχα) είναι γεμάτα αέρα, αίσθηση ευρυχωρίας και πιτσίλισμα κυμάτων. Ο Lansere στράφηκε στις επόμενες εποχές. Έτσι, έχει τη σύνθεση "Αυτοκράτειρα Ελιζαβέτα Πετρόβνα στο Tsarskoye Selo" (1905, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα), στην οποία η δράση λαμβάνει χώρα με φόντο το πάρκο Tsarskoye Selo και το Μεγάλο Παλάτι, διακοσμημένο με υπέροχα γλυπτά. Η Lansere απεικονίζει χιουμοριστικά τη μεγαλειώδη πομπή της αυτοκράτειρας, συνοδευόμενη από κυρίες σε αναμονή. Η ενότητα αρχιτεκτονικής και κοστουμιών αποκαλύπτει και τονίζει την εξαίσια κομψότητα και φιλαρέσκεια και των δύο αυτών στοιχείων. Με τη θέληση του καλλιτέχνη, το κανονικό πάρκο έγινε ζωντανός χαρακτήρας, μάρτυρας της συνεχιζόμενης δράσης. Ο καλλιτέχνης μπόρεσε να μεταφέρει τον συνδυασμό της επιπολαιότητας και της τελετουργικής τυπικότητας, του αισθησιασμού και του ορθολογισμού που ενυπάρχουν στον 18ο αιώνα.

Ο Valentin Alexandrovich Serov (1865−1911) ήταν ένας από τους κύριους εκπροσώπους του καλλιτεχνικού συλλόγου "World of Art", όχι μόνο σταθερός συμμετέχων, αλλά και ο διοργανωτής εκθέσεων του "World of Art" μαζί με τους A. Benois και S. Diaghilev.

Η γνώμη του V. Serov εκτιμήθηκε ιδιαίτερα, θεωρήθηκε ως αδιαμφισβήτητη αυθεντία. Ήταν αυτός που, σε μια κρίσιμη περίοδο για τον κόσμο της τέχνης, το 1902, ζήτησε από τον αυτοκράτορα Νικόλαο Β' (εκείνη την εποχή ο καλλιτέχνης ζωγράφιζε το πορτρέτο του) χρηματική επιδότηση για τον Κόσμο της Τέχνης, χάρη στην οποία υπήρχε το περιοδικό για άλλα δύο χρόνια. Ο Σερόφ, παραμένοντας κύριος ρεαλιστής, εφάρμοσε τις καλλιτεχνικές αρχές της ενοποίησης στο έργο του και γοητεύτηκε από τον ρωσικό 18ο αιώνα. Ένα παράδειγμα αυτού είναι ο πίνακας "Ο Πέτρος Β' και η Τσεσαρέβνα Ελισάβετ σε κυνήγι σκύλου" (1900, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη), "Αικατερίνη Β' σε ένα γεράκι", "Ο Πέτρος Α σε ένα κυνήγι σκύλου" (και τα δύο - 1902 , Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Πετρούπολη), «Πέτρος Α'» (1907, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα). Στο τελευταίο είναι εμφανής η επιθυμία για θεατροποίηση της δράσης, που ενυπάρχει στα έργα του Α. Μπενουά. Η συμβατικότητα, η ευκρίνεια της εικόνας, η ανάπτυξη της διακοσμητικότητας, η θεαματική θεατροποίηση της εικόνας είναι χαρακτηριστικά των έργων του πλοιάρχου, που δημιουργήθηκαν το 1910 - "Portrait of Ida Rubinstein" (Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη) και "The Rape of Europe» (επιλογές σε διαφορετικές συλλογές).

Ο Konstantin Andreevich Somov (1869−1939) ήταν ένα από τα κεντρικά πρόσωπα στον κόσμο της τέχνης. Το έργο του εξέφραζε με ιδιαίτερη σαφήνεια τις βασικές αρχές της αισθητικής του Κόσμου της Τέχνης: ο δάσκαλος στράφηκε στην ιστορική αναδρομή, έτεινε σε ένα εξαίσιο στυλ, εκλεπτυσμένο αισθησιασμό, τα περισσότερα από τα έργα του είναι θεατρικά. Τα φανταστικά τοπία του καλλιτέχνη εμφανίστηκαν ταυτόχρονα με περιόδους εργασίας από τη φύση. Τα αναδρομικά οράματα, καθώς η τέχνη του αναπτύχθηκε, αποκτούσαν όλο και περισσότερες νέες πτυχές. Το μοτίβο του έργου του Somov ήταν σκηνές αγάπης στο εσωτερικό και στους κόλπους της φύσης. Ο Somov επέλεξε τους ήρωες της ιταλικής κωμωδίας με μάσκες, που αγαπούσε η τέχνη του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα, ως ήρωες της σειράς Fireworks: τον έξυπνο και επιτυχημένο Αρλεκίνο, τον χλωμό, αδύναμο χαμένο Πιέρο, την επιπόλαιη Κολομβίνα. . Η κωμωδία αγάπης που παίζουν είναι ένας υπαινιγμός για το αμετάβλητο και την επανάληψη των ανθρώπινων παθών. "Πυροτεχνήματα" (1904, ιδιωτική συλλογή, Μόσχα) - ένα έργο από εκείνη τη σειρά, φτιαγμένο σε γκουάς. Οι σιλουέτες μιας κυρίας και ενός κυρίου σε πρώτο πλάνο με τα ντυσίματα και τις κομμώσεις τους θυμίζουν τον 18ο αιώνα. Το μεγαλύτερο μέρος της εικόνας καταλαμβάνεται από τον ουρανό με μια φωτεινή δέσμη πυροτεχνημάτων να εκτοξεύεται, σκορπίζοντας χρυσά φώτα. Το εικονιζόμενο εκλαμβάνεται ως ένα όμορφο όραμα.

Τα αναδρομικά πορτρέτα του Somov έχουν γίνει ένα νέο φαινόμενο στη ρωσική τέχνη. Ο διάσημος πίνακας «Η κυρία με τα μπλε» (1897−1900, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα) είναι μια εικόνα στενού φίλου του καλλιτέχνη, συμφοιτητή στην Ακαδημία Τεχνών Ε. Μαρτίνοβα. Αυτό το έργο εμφανίστηκε το 1900 στην έκθεση "World of Art" και έγινε το πρώτο που αποκτήθηκε από τον πλοίαρχο της γκαλερί Tretyakov. Με τη θέληση του συγγραφέα, το μοντέλο μεταφέρεται στο παρελθόν, σε ένα παλιό πάρκο, χωρίς ιστορική ιδιαιτερότητα. Ολόκληρη η φιγούρα της Martynova είναι γραμμένη με ειλικρίνεια σε σημείο απτό. Το φόντο διατηρείται σε ένα εύρος υπό όρους, ο θάμνος είναι εντελώς διακοσμητικός, οι χαρακτήρες στο φόντο είναι επίσης υπό όρους. Το τοπίο μοιάζει να είναι μια ανάμνηση ενός αρμονικού παρελθόντος, παρά ένα πραγματικό περιβάλλον. Η αντίφαση μεταξύ της εικόνας της ηρωίδας και του φόντου γίνεται αντιληπτή ως μια λεπτή γραμμή ανάμεσα στο πραγματικό και το ιδανικό, τα όνειρα και την πραγματικότητα.

Η Maria Vasilievna Yakunchikova (1870−1902) συμμετείχε στις εκθέσεις World of Art περισσότερες από μία φορές και ασχολήθηκε με το σχεδιασμό του ομώνυμου περιοδικού. Το πάρκο των Βερσαλλιών, τόσο αγαπητό της Α. Μπενουά, εμφανίστηκε στα έργα της τη δεκαετία του 1890. Αλλά η Yakunchikova αντιλήφθηκε τις Βερσαλλίες όχι σαν τον υπόλοιπο κόσμο της τέχνης - μέσα από το πρίσμα των ιστορικών αναμνήσεων ή των απομνημονευμάτων - αλλά προσπάθησε να μεταφέρει την άμεση εντύπωση του κινήτρου που χτύπησε τη φαντασία της. Δεν μένει στο παρελθόν. Η συμβατικότητα των μορφών και των χρωμάτων, η αρχή της διακοσμητικότητας είναι σύμφωνες με τα έργα των δασκάλων του Κόσμου της Τέχνης, αν και η Yakunchikova αναμφίβολα χρησιμοποίησε τις ανακαλύψεις των Γάλλων ιμπρεσιονιστών στους πίνακές της. Στο τοπίο «Βερσαλλίες» (1891, μουσείο-κτήμα του V. D. Polenov, περιοχή Τούλα), ένας τεράστιος πράσινος θάμνος από στολισμένο πράσινο, που βρίσκεται στο προσκήνιο, φωτίζεται από τις ακτίνες του ήλιου που δύει. Το φως του ήλιου και οι σκιές μεταφέρουν την αίσθηση της βραδιάς και θυμίζουν τα έργα των ιμπρεσιονιστών. Το φως και η σκιά για την Yakunchikova είναι οι εκπρόσωποι των πολικών ψυχολογικών καταστάσεων. Στα βερσαλλικά τοπία της δεν υπάρχει ειρωνεία και θεατρικότητα των A. Benois και K. Somov. Οι επίσημες τεχνικές - μεγέθυνση, γενίκευση όγκων, κατακερματισμός - ενισχύουν την ελεγειακή διάθεση, ο θεατής γίνεται σιωπηλός μάρτυρας του παρελθόντος σε ένα πραγματικό φυσικό περιβάλλον.

Η Yakunchikova ζωγράφισε όχι μόνο τοπία. Αυτή, όπως και ο υπόλοιπος «Κόσμος της Τέχνης», έδωσε προσοχή στους αρχαίους εσωτερικούς χώρους. Πολλοί τέτοιοι πίνακες μπορούν να φανούν σε εκθέσεις World of Art.

Τέτοια έργα έφεραν τη σφραγίδα της εποχής και τα εικονιζόμενα δωμάτια των περασμένων εποχών δεν έγιναν τόσο «πορτρέτα» του παλιού τρόπου ζωής, αλλά ένας απόηχος της κοσμοθεωρίας των ανθρώπων που τα δημιούργησαν («πορτρέτα»), νοσταλγικά για η χαμένη ομορφιά. Έβαλαν αντίθεση τον κόσμο έξω από το παράθυρο και τον κόσμο μέσα στο σπίτι με την ήρεμη ζωή των πραγμάτων και τη συμμετοχή τους στην ανθρώπινη ύπαρξη. Κάποιος μπορεί επίσης να θυμηθεί την έκθεση "Modern Art" το 1903, στην οργάνωση της οποίας συμμετείχαν άμεσα οι άνθρωποι του Κόσμου της Τέχνης: ήταν οι συγγραφείς της γενικής έννοιας των εσωτερικών χώρων, σκίτσα λεπτομερειών διακόσμησης, διακοσμητικοί πίνακες και είδαν το έργο τους δημιουργώντας «επιδεικτικούς εσωτερικούς χώρους με όλα τα έπιπλα, όπου οι καλλιτέχνες του Κόσμου της Τέχνης» θα μπορούσαν να βάλουν το γούστο τους για κομψότητα και αίσθηση στυλ - όλα όσα χάθηκαν εντελώς στη ζωή της Αγίας Πετρούπολης»5.

Η Yakunchikova προσπάθησε να μεταδώσει στον θεατή την ομορφιά του εξερχόμενου κόσμου του κτήματος σε έργα όπως Εξώφυλλα, Σκάλα στο Παλιό Σπίτι (1899, συλλογή A. S. Weber, Evian), From the Window of the Old House. Vvedenskoye» (1897, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα). Αυτά τα μοτίβα θα γίνουν ευρέως διαδεδομένα στη ρωσική τέχνη. Τα έργα γεμίζουν με επιπλέον νοήματα, ο θεατής έχει μια αίσθηση τραγωδίας. Στον πίνακα «Σκάλα προς το Παλιό Σπίτι», ο συγγραφέας επιλέγει την οπτική γωνία, που θα ήταν ένα άτομο που πρόκειται να ανέβει τις σκάλες. Η κομμένη σύνθεση θυμίζει το έργο του Α. Μπενουά. Ο καλλιτέχνης εξετάζει προσεκτικά τη σκάλα, κοιτάζει στοχαστικά από τη μια λεπτομέρεια στην άλλη. σημειώνει με οίκτο τα ίχνη της καταστροφής που άφησε ο χρόνος.

Από τα μέσα της δεκαετίας του 1890, ο Lev Nikolaevich Bakst (1866−1924), ο οποίος αργότερα έγινε ένας από τους εμπνευστές της δημιουργίας του Κόσμου της Τέχνης, εντάχθηκε στον κύκλο των συγγραφέων και των καλλιτεχνών που ενώθηκαν γύρω από τον S. Diaghilev και τον A. Benois. Είχε πολύπλευρα δημιουργικά ενδιαφέροντα: ασχολήθηκε με το πορτρέτο, το τοπίο, τα γραφικά βιβλίων, τα ζωγραφικά διακοσμητικά πάνελ. Το αληθινό επάγγελμα του πλοιάρχου ήταν η θεατρική και διακοσμητική ζωγραφική, στην οποία το ταλέντο του εκδηλώθηκε πιο ξεκάθαρα. Το πάθος για την παλιά Αγία Πετρούπολη, τη ζωή της, τα κοστούμια της είναι εμφανές στις εικονογραφήσεις για τη «Μύτη» του Γκόγκολ (1904, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα), τις ακουαρέλες «Γκόστινι Ντβορ τη δεκαετία του 1850» (1905, ιδιωτική συλλογή, Αγία Πετρούπολη), γκουάς "ντους "(1906, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη). Το τελευταίο επώνυμο έργο εκφράζει ξεκάθαρα τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα της καλλιτεχνικής πρακτικής του Κόσμου της Τέχνης - παραστατικότητα, αναδρομική τυποποίηση, ειρωνική στάση στο παρελθόν.

Το πάνελ "Βάζο (Αυτοπροσωπογραφία)" (1906, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη) φέρει μια αξιοσημείωτη αντανάκλαση των τοπίων των Βερσαλλιών του Μπενουά και των γενναίων σκηνών του Σόμοφ. Σε αυτό το έργο, δεν υπάρχει καμία αναφορά σε περασμένες εποχές, που είναι χαρακτηριστικό για τους καλλιτέχνες του "Κόσμου της Τέχνης", η ασάφεια του νοήματος γεννιέται σε αυτό ως αποτέλεσμα του παιχνιδιού του πλοιάρχου με τα σχέδια της εικόνας και ενός ενιαίου θέμα - ένα μοτίβο κήπου.

Στο διακοσμητικό πάνελ του Bakst «Ancient Horror» (1908, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη), βρήκε έκφραση η συμβολική αισθητική, εν μέρει χαρακτηριστική του Κόσμου της Τέχνης. Παρουσιάζεται ένα πανόραμα ενός τοπίου που φαίνεται από την όψη ενός πτηνού, που φωτίζεται από λάμψεις γιγάντιων κεραυνών. Ένα αρχαϊκό άγαλμα της θεάς Αφροδίτης υψώνεται πάνω από την αρχαία βραχώδη γη, πλημμυρισμένη από ένα βίαιο υδάτινο στοιχείο, με ένα παγωμένο χαμόγελο στα χείλη της. Απομακρυνόμενη από τον ετοιμοθάνατο κόσμο, η θεά παραμένει ήρεμη και ατάραχη. Κάποια ανώτερη σοφία τη χωρίζει από το γύρω τρελό χάος. Στο χέρι της, πιεσμένο στο στήθος της, κρατά ένα μπλε πουλί - σύμβολο των ονείρων και της ευτυχίας. Ένας αρχαίος πολιτισμός χάνεται, μένει μόνο η ομορφιά που βασιλεύει στον κόσμο.

Το 1902, ένα άρθρο του A. Benois "Picturesque Petersburg"6 εμφανίστηκε στις σελίδες του περιοδικού World of Art, συνοδευόμενο από πολλές φωτογραφίες αρχαίων κτιρίων και σχέδια των E. Lansere, A. Ostroumova-Lebedeva, L. Bakst. Το επόμενο έτος, ο Κόσμος της Τέχνης διοργάνωσε μια έκθεση Η Ιωβηλαία Έκθεση του Tsarskoye Selo (1910), η Ιστορική Έκθεση Αρχιτεκτονικής (1911) και η έκθεση Lomonosov and the Elizabethan Age (1912) είχαν επίσης μεγάλη σημασία στην αποκάλυψη της εικόνας του παλιού Πετρούπολη και στην προώθηση των καλλιτεχνικών της αξιών. Arts» προσπάθησε να απεικονίσει μια πόλη απαλλαγμένη από τις καθημερινές σκηνές, όταν η αρχιτεκτονική αναλαμβάνει τον κύριο ρόλο στη δημιουργία της καλλιτεχνικής της εικόνας: στην Αγία Πετρούπολη, το αναστημένο παρελθόν είναι συνυφασμένο με τα χαρακτηριστικά του παρόντος.

Το 1902, ο Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875−1946) έγινε μέλος του World of Art. Ιδιαίτερα εντυπωσιακά είναι τα σεντόνια του που απεικονίζουν την Αγία Πετρούπολη σε μια εμφατικά ασυνήθιστη μορφή, ασυνήθιστη στη μορφή και στον έντονο εσωτερικό τους ήχο. Αυτά περιλαμβάνουν αστικά τοπία - "Γωνία της Αγίας Πετρούπολης" (1904, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα), "Πόλη" (1904, Περιφερειακό Μουσείο Τέχνης Κίροφ), "Παλιό Σπίτι" (1905, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα). Η πόλη που είδε στερείται ρομαντικής αίσθησης. Ο Dobuzhinsky απεικονίζει πολυάριθμες πολυκατοικίες με στενά παράθυρα και στενές αυλές, κενούς τοίχους με γρίλιες εξαερισμού, παρόμοιους με αυτούς της φυλακής. Η ερημιά των έργων του είναι μια ιδιαίτερη καλλιτεχνική τεχνική που ενισχύει την εντύπωση της μοναξιάς και της απελπισίας.

Ο ρόλος του αστικού τοπίου είναι σημαντικός στον καβαλέτο πίνακα του Dobuzhinsky «Ο άνθρωπος με τα γυαλιά» (1905−1906, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα). Πρόκειται για ένα πορτρέτο του K. Syunnerberg, ποιητή και κριτικού τέχνης κοντά στον κύκλο του Κόσμου της Τέχνης. Ο Dobuzhinsky ζωγράφισε έναν φίλο στο διαμέρισμά του, από το παράθυρο του οποίου άνοιξε το τοπίο της πόλης. Η εικόνα του παραθύρου αποδείχθηκε κυρίαρχη εδώ. Σας επιτρέπει να συνδυάσετε το πορτρέτο του Sünnerberg και το αστικό τοπίο, που αποτελείται από λαχανόκηπους με σωρούς καυσόξυλων, μονότονα σπίτια στοιβαγμένα το ένα πάνω στο άλλο και καμινάδες εργοστασίων που καλύπτουν τον ορίζοντα.

Το όνομα της Anna Petrovna Ostroumova-Lebedeva (1871−1955) συνδέεται πάντα με τις μεγαλειώδεις εικόνες των αστικών συνόλων της πόλης στον Νέβα. Τόσο στη χαρακτική όσο και στην ακουαρέλα, το κύριο θέμα στη δουλειά του καλλιτέχνη ήταν το αστικό τοπίο. Κατάφερε εκπληκτικά με ακρίβεια να μαντέψει τον χαρακτήρα της πόλης στον λεπτό ρυθμό των αρχιτεκτονικών μορφών, σε ένα συγκεκριμένο χρώμα που ήταν εγγενές μόνο σε αυτόν. Κάθε κύκλος έχει ένα μοναδικό συνδυασμό χρωμάτων. Αναμφίβολα, η εργασία στη χαρακτική άφησε το στίγμα της στο ύφος και τον χαρακτήρα της ακουαρέλας της Ostroumova-Lebedeva. Η συντομία της έκφρασης, ο λακωνισμός, η σαφήνεια των γραμμών, χαρακτηριστικό της ξυλογλυπτικής, εκδηλώθηκαν και με ακουαρέλα.

Το 1901, για το περιοδικό "World of Art", ο καλλιτέχνης ολοκλήρωσε την πρώτη σειρά χαρακτικών αφιερωμένη στην Αγία Πετρούπολη. ένα από τα πιο διάσημα σεντόνια είναι το «Petersburg. Νέα Ολλανδία". Σε αυτό το έργο, όπως και σε πολλά έργα, ο καλλιτέχνης απεικόνισε μια χειμερινή πόλη.

Σκούρα αεροπλάνα δημιούργησαν τη σιλουέτα της καμάρας στο νεοκλασικό ύφος του διάσημου μνημείου, η αίσθηση της χιονισμένης λευκότητας μεταφέρεται από τη λευκότητα του ίδιου του χαρτιού. Η μνημειακότητα της χαρακτικής επιτυγχάνεται με την επιλογή και τη γενίκευση των λεπτομερειών. Οι τεχνικές που βρέθηκαν - η ήρεμη ακρίβεια της φόρμας, η ρυθμική ισορροπία της σύνθεσης - αναπτύχθηκαν από τον καλλιτέχνη σε επόμενα έργα. Το Spit of Vasilevsky Island, οι Rostral Columns, το κτίριο του Χρηματιστηρίου, το Admiralty είναι τα αγαπημένα της εικονογραφικά μοτίβα στο έργο της.

Οι νέοι καλλιτέχνες που εντάχθηκαν στον κύριο πυρήνα του "Κόσμου της Τέχνης", επανασχεδιάζοντας τη δημιουργική ιδέα του συλλόγου, έγιναν οι διάδοχοι του έργου που ξεκίνησε ο Diaghilev.

Ως εκθεσιακός οργανισμός, ο «Κόσμος της Τέχνης» κατάφερε να υπάρχει από το 1899 έως το 1903. Οι ζωγράφοι της Μόσχας που συμμετείχαν στις εκθέσεις του συλλόγου της Αγίας Πετρούπολης δημιούργησαν τη δική τους ομάδα με το όνομα «36 Καλλιτέχνες». Και τον Φεβρουάριο του 1903, κατά τη διάρκεια της πέμπτης έκθεσης του «Κόσμου της Τέχνης» στην Αγία Πετρούπολη, αποφασίστηκε να δημιουργηθεί μια νέα κοινωνία - η Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών. Πολλοί δάσκαλοι του πινέλου, που ήταν μέλη της ομάδας της Αγίας Πετρούπολης, έγιναν μέλη της Ένωσης Ρώσων Καλλιτεχνών.

Το 1904 έπαψε να υπάρχει και το περιοδικό «World of Art», για την έκδοση του οποίου οι A. Benois και S. Diaghilev δεν είχαν πια αρκετά χρήματα.

Όμως ο S. Diaghilev συνέχισε τις οργανωτικές του δραστηριότητες. Το 1905, οργάνωσε μια έκθεση ρωσικών πορτρέτων στο παλάτι Tauride, και το 1906 - μια έκθεση μοντέρνας ζωγραφικής με το προηγούμενο όνομα "World of Art", η οποία περιλάμβανε στην έκθεση τα έργα των M. Vrubel, K. Korovin, M. Larionov, N. Sapunov, P. Kuznetsov και τον ήδη αποθανόντα Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870−1905). Ο τελευταίος ήταν ιδιαίτερα κοντά στον «Κόσμο της Τέχνης» ως προς τις εικόνες και τις τεχνικές της δουλειάς του, αλλά όσο ζούσε δεν είχε προσκληθεί στις εκθέσεις του συλλόγου. Όταν άλλαξε η στάση απέναντι στο έργο του Μπορίσοφ-Μουσάτοφ, είχε ήδη πεθάνει. Το 1902, ο πίνακας "Tapestry" (1901, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα) παρουσιάστηκε στο κοινό και στη συνέχεια ο Diaghilev στην κριτική του αποκάλεσε τον συγγραφέα του "έναν ενδιαφέροντα καλλιτέχνη", "περίεργο και σημαντικό". Όμως μόλις τέσσερα χρόνια αργότερα, το 1906, περισσότερα από πενήντα έργα του Μπορίσοφ Μουσάτοφ συμπεριλήφθηκαν στην τελευταία έκθεση του συλλόγου της Αγίας Πετρούπολης.

Από το δεύτερο μισό του 1900, ο Κόσμος της Τέχνης δεν υπήρχε επίσημα, αλλά τα μέλη του Κόσμου της Τέχνης διατήρησαν την ομαδική συνοχή, μπαίνοντας στην Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών. Μετά τη διάσπασή του τον Οκτώβριο του 1910, ήταν αυτοί που αναβίωσαν τον σύλλογο. Από το 1910, ο «Κόσμος της Τέχνης» ήταν επίσης ένας εκθεσιακός οργανισμός, που αποτελούνταν από καλλιτέχνες διαφόρων κατευθύνσεων. Τέτοιοι δάσκαλοι όπως οι N. Roerich, G. Narbut, S. Chekhonin, D. Mitrokhin, Z. Serebryakova, B. Kustodiev συνέχισαν να αναπτύσσουν τις καλλιτεχνικές αρχές των ανώτερων καλλιτεχνών του World of Art. Οι K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, P. Kuznetsov, N. Altman, I. Mashkov είναι καλλιτέχνες που αποδείχθηκαν δεκτικοί σε νέα φαινόμενα και διατήρησαν πλήρη ανεξαρτησία από τις δημιουργικές έννοιες που αναπτύχθηκαν στις απαρχές του Κόσμου της Τέχνης .

Τη θέση του προέδρου κατείχε ο Nicholas Roerich (1874−1947). Από το 1903 συμμετείχε τακτικά στις εκθέσεις του Κόσμου της Τέχνης. Ο Ρέριχ ανησυχούσε για τη σλαβική παγανιστική αρχαιότητα, το σκανδιναβικό έπος και τους θρησκευτικούς θρύλους της μεσαιωνικής Ρωσίας.

Ενδιαφέρον παρουσιάζουν τα είδωλά του (Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη) και οι Επισκέπτες του εξωτερικού (1901, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα), που δημιουργήθηκαν το 1901, κατά τη διάρκεια της παραμονής του καλλιτέχνη στη Γαλλία. Χαρακτηριστικά της στυλιζαρίσματος, η κυριαρχία των γραφικών τεχνικών έναντι των εικονογραφικών, η διακοσμητική κατανόηση του χρώματος κάνουν αυτά τα έργα να σχετίζονται με τα έργα του Κόσμου της Τέχνης. Στο "Idols", η βάση της καλλιτεχνικής λύσης αποτελείται από διακοσμητικές και γραφικές τεχνικές χαρακτηριστικές του στυλ Art Nouveau, μια σύνθεση δαχτυλιδιού, οι γραμμές περιγράμματος και οι τοπικές χρωματικές κηλίδες παίζουν καθοριστικό ρόλο. Απεικονίζεται ένας αρχαίος ειδωλολατρικός ναός - ένα μέρος για προσευχές και θυσίες στους θεούς. Στη μέση του ναού υψώνεται το μεγαλύτερο είδωλο, γύρω - μικρότερα. Τα είδωλα είναι διακοσμημένα με φωτεινά στολίδια και σκαλίσματα. Δεν υπάρχουν φιγούρες ανθρώπων, κυριαρχεί το μοτίβο του τοπίου. Στη σκηνή του θεατρικού τοπίου, η μαγευτική ηρεμία της φύσης και η ομορφιά του ναού συγχωνεύονται. Ο Roerich προσελκύθηκε από την ικανότητα των ανθρώπων του απώτερου παρελθόντος να διαλύονται στη φύση, βάζοντας τις δικές τους εμπειρίες και συναισθήματα σε αυτήν.

Το ενδιαφέρον για τη σλαβική αρχαιότητα είναι επίσης εμφανές στο έργο Οι Επισκέπτες στο εξωτερικό. Κομψά ζωγραφισμένα σκάφη με πολύχρωμα πανιά επιπλέουν κατά μήκος του ποταμού. το τόξο τελειώνει με τα κεφάλια των δράκων. Τα μοτίβα στολίδια του θαλασσοπλοϊκού σκάφους Varangian, χρωματιστές ασπίδες, έντονα κόκκινα πανιά συνδυάζονται τέλεια με τα καταγάλανα νερά και την καταπράσινη βλάστηση των λόφων. Ο ρυθμός του έργου καθορίζεται από τη διαγώνια σύνθεση και τη χρήση στολιδιού - γραμμικού και χρώματος. Τα μοτίβα των υψηλών φτερών των πουλιών, το κύμα που έτρεχε αποτέλεσαν τη βάση του ρυθμού των "Overseas guests". Το ίδιο μοτίβο των φτερών που πετούν στα ύψη επαναλαμβάνεται στα περιγράμματα των ακτών και φαίνεται ότι η γη «πετά» προς τα πλοία. Υπάρχουν πολλά κοινά μεταξύ των «Guests from Overseas» και «Slavs on the Dnieper» (1905, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη) τόσο σε σύνθεση όσο και σε χρωματισμό. Η εκφραστικότητα ενός σχεδίου βασίζεται στην απλοποίηση και τη γενίκευσή του. σημαντικό ρόλο παίζουν στους πίνακες η ρυθμική αρχή, οι φωτεινές χρωματικές κηλίδες. Ο Roerich επιλέγει μια υψηλή άποψη για το τοπίο, όταν τα περιγράμματα των δασών, των στροφών, της παράξενης ακτογραμμής, με αυλακώσεις από κόλπους, φαίνονται ιδιαίτερα διακοσμητικά και ταυτόχρονα «υπέροχα» ασυνήθιστα (ο καλλιτέχνης εργάστηκε επίσης στον τομέα του θεάτρου και του σκηνικού ζωγραφική). Το θέμα των έργων, ξένο προς τη νεωτερικότητα, καταδεικνύει την προσοχή του Roerich στην αρχαία ρωσική καλλιτεχνική παράδοση και ένα υπογραμμισμένο ενδιαφέρον για τις εικόνες και τα θέματα της ρωσικής ιστορίας.

Η αγροτική αρχαιότητα, η μικροαστική-εμπορική Ρωσία είναι τα κύρια θέματα στο έργο του Boris Mikhailovich Kustodiev (1878−1927). Ήταν γνωστός ως ζωγράφος πορτρέτων, αλλά στα έργα του είδους τηρούσε τις αρχές του World of Art. Στους πίνακες που απεικονίζουν πολυάριθμες εκθέσεις, Shrovetide και γιορτές, ο καλλιτέχνης τραγούδησε την ομορφιά της ρωσικής φύσης, τα λαϊκά έθιμα και το εύρος του ρωσικού λαού. Τα χειμερινά τοπία, με τα οποία γίνονται χαρούμενα πανηγύρια της Μασλένιτσας, μερικές φορές μαγεύουν σε συνδυασμούς πράσινου-ροζ ουρανού και εκθαμβωτικού μπλε χιονιού. Ανάμεσα σε αυτή τη λάμψη της φύσης, τα κοστούμια και τα αναψοκοκκινισμένα πρόσωπα είναι ιδιαίτερα εορταστικά φωτεινά. Ο Κουστόντιεφ στήνει πολλές πλοκές, αποκαλύπτει τη σχέση των χαρακτήρων και ταυτόχρονα δείχνει την έκθεση ως ένα υπέροχο θέαμα, το οποίο θαυμάζει μαζί με το κοινό.

Το 1910, ο καλλιτέχνης άρχισε να εργάζεται σε ένα ομαδικό πορτρέτο μελών της εταιρείας World of Art για την Πινακοθήκη Tretyakov, αλλά δεν το ολοκλήρωσε ποτέ. Ο πλοίαρχος έκανε μόνο ένα σκίτσο (1916−1920, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη). Απεικονίζονται (από αριστερά προς τα δεξιά): I. Grabar, N. Roerich, E. Lansere, I. Bilibin, A. Benois, G. Narbut, N. Milioti, K. Somov, M. Dobuzhinsky, K. Petrov-Vodkin, A. Ostroumova-Lebedeva, B. Kustodiev.

Έχουν επίσης διατηρηθεί αρκετά προπαρασκευαστικά σκίτσα.

Το 1911 ο Sergei Yurievich Sudeikin (1882−1946) έγινε μέλος της ένωσης World of Art. Είχε στενή φιλία με τον Κ. Σόμοβ. Με πολλούς τρόπους, ο Sudeikin απωθήθηκε από τον «μαρκήσιο» Somovskiy στα έργα του, τα οποία αναπαρήγαγαν επίσης τις ποιμενικές σκηνές της γαλαντόμου εποχής: αυτές είναι το «Walking» (1906, State Tretyakov Gallery, Μόσχα), «Arlequin Garden» (1915−1916). , Κρατικό Μουσείο Τέχνης Σαράτοφ με το όνομα A. . N. Radishcheva). Η ρομαντική πλοκή λάμβανε συχνά από αυτόν μια αφελή, πρωτόγονη λαϊκή ερμηνεία, περιείχε στοιχεία παρωδίας, γκροτέσκου, θεατρικότητας. Οι νεκρές φύσεις, όπως το «Λουλούδια και πορσελάνη» (αρχές της δεκαετίας του 1910, ιδιωτική συλλογή, Μόσχα), θυμίζουν επίσης θεατρική παράσταση, σκηνή. Το θέμα του θεάτρου εμφανίστηκε περισσότερες από μία φορές στη ζωγραφική του Sudeikin: απεικόνισε το μπαλέτο και το κουκλοθέατρο, την ιταλική κωμωδία και τις ρωσικές γιορτές Maslenitsa. Η θεατρική και διακοσμητική τέχνη έγινε η κύρια δραστηριότητα του καλλιτέχνη. Ο Σ. Μαμόντοφ ήταν ο πρώτος που τον προσέλκυσε στο σχεδιασμό παραστάσεων όπερας στο θέατρο Ερμιτάζ της Μόσχας. Το 1911, ο καλλιτέχνης εργάστηκε σε παραστάσεις μπαλέτου στο Maly Drama Theatre της Αγίας Πετρούπολης και το 1912, μαζί με τον A. Tairov, στο Russian Drama Theatre της Αγίας Πετρούπολης. Το 1913, ο Sudeikin συμμετείχε στις Ρωσικές Εποχές στο Παρίσι, ολοκληρώνοντας τα σκηνικά και τα κοστούμια για τα μπαλέτα The Red Mask του N. Tcherepnin και The Tragedy of Salome του F. Schmidt.

Η Zinaida Evgenievna Serebryakova (1884−1967), η οποία έγινε μέλος της ένωσης World of Art το 1911, επέλεξε λαϊκά θέματα, οι πίνακές της διακρίνονται από αρμονία, ισχυρή πλαστικότητα, γενίκευση εικονογραφικών λύσεων. Ο καλλιτέχνης έχει μια σειρά από έργα του είδους αφιερωμένα στο έργο και τη ζωή των αγροτών - Harvest (1915, Κρατικό Μουσείο Τέχνης της Οδησσού), Whitening the Canvas (1917, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα). Η αγαπημένη τεχνική της Serebryakova είναι η επιλογή για τη σύνθεση του ψηλού ορίζοντα, που κάνει τις φιγούρες ιδιαίτερα μνημειώδεις και μεγαλειώδεις.

Το 1914 ανατέθηκε στον A. Benois ο σχεδιασμός του σιδηροδρομικού σταθμού Kazansky στη Μόσχα (δεν πραγματοποιήθηκε), 3. Η Serebryakova συμμετείχε επίσης στις εργασίες, μαζί με τους E. Lansere, B. Kustodiev, M. Dobuzhinsky.

Στο έργο της καλλιτέχνιδας αναπτύχθηκε επίσης ένα βαθιά προσωπικό, θηλυκό στοιχείο, το οποίο ήταν ιδιαίτερα έντονο στη δουλειά της για αυτοπροσωπογραφίες: σε αυτά, η αφελής φιλαρέσκεια του κοριτσιού αντικαταστάθηκε από μια έκφραση ενός αισθήματος μητρικής χαράς ή από απαλή ποιητική λύπη. Τέτοιοι, για παράδειγμα, είναι οι πίνακες «Πίσω από την τουαλέτα. Αυτοπροσωπογραφία (1909, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα) και Αυτοπροσωπογραφία με κόρες (1921, Κρατικό Ιστορικό, Αρχιτεκτονικό και Μουσείο Τέχνης-Αποθεματικό Rybinsk).

Ο Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878−1939), ο οποίος έγινε μέλος της ένωσης το 1911, γνώρισε μελλοντικούς ομοϊδεάτες - P. Kuznetsov, P. Utkin, M. Saryan - στο MUZhViZe. Ο Petrov-Vodkin είναι ένα παράδειγμα καλλιτέχνη που αναζητούσε μια σύνθεση της σύγχρονης καλλιτεχνικής γλώσσας με την πολιτιστική κληρονομιά περασμένων εποχών. Το 1912 δημιούργησε τον πίνακα Bathing a Red Horse (Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα). Ο καμβάς παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στην έκθεση World of Art το 1912. Στο έργο, μια έκκληση στις εικόνες της αρχαίας ρωσικής τέχνης είναι προφανής: το κόκκινο άλογο αναφέρεται στο μοτίβο της ρωσικής εικόνας - το άλογο του Αγίου Γεωργίου του Νικηφόρου . Η κεντρική εικόνα, σύμφωνα με το σχέδιο, δεν είναι ένας καβαλάρης, αλλά ένα φλεγόμενο κόκκινο ζώο. Η σύνθεση είναι ισορροπημένη και στατική. Συναρπαστική διακοσμητική, μνημειακή φύση του καμβά. Ένα ισχυρό, σαν φωτιά άλογο, γεμάτο συγκρατημένη δύναμη, μπαίνει στο νερό, πάνω του είναι ένα εύθραυστο αγόρι με αδύνατα χέρια, αποκομμένο πρόσωπο, προσκολλάται στο ζώο, αλλά δεν το συγκρατεί - υπήρχε κάτι ανησυχητικό, προφητικό. αυτή η σύνθεση. Η εικόνα δεν αφορά μόνο τη νεολαία, την όμορφη φύση ή τη χαρά της ζωής, αλλά και, ίσως, τη μοίρα της Ρωσίας.

Ο Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878−1968) είναι ένας καλλιτέχνης για τον οποίο οι γραφικές ανακαλύψεις του Borisov-Musatov απέκτησαν ιδιαίτερη σημασία. Η σάρκα του ορατού κόσμου λιώνει στους καμβάδες του, τα γραφικά οράματα είναι σχεδόν σουρεαλιστικά, πλεγμένα από εικόνες-σκιές, που δηλώνουν τις λεπτές κινήσεις της ψυχής. Το αγαπημένο μοτίβο του Kuznetsov είναι το σιντριβάνι, που διαφοροποιεί το θέμα του αιώνιου κύκλου της ζωής, το Blue Fountain (1905, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα). Ο Κουζνέτσοφ προτιμούσε την τέμπερα, αλλά χρησιμοποίησε τις διακοσμητικές της δυνατότητες με έναν πολύ περίεργο τρόπο, σαν να κοιτούσε τις τεχνικές του ιμπρεσιονισμού, ασπρίζοντας τις αποχρώσεις του χρώματος. Πολλά έργα είναι σχεδιασμένα σε ψυχρά χρώματα - γκρι-μπλε, απαλό λιλά - τα περιγράμματα των αντικειμένων είναι ασαφή, η εικόνα του διαστήματος τραβάει προς διακοσμητικές συμβάσεις, για παράδειγμα, Mirage in the Steppe (1912, State Tretyakov Gallery, Μόσχα), Βράδυ στο η Στέπα (1912, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα). Μια ιδιόμορφη σύνθεση νεκρής φύσης και τοπίου είναι ο πίνακας «Πρωί» (1916, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα). Ο καλλιτέχνης δεν ήταν ακόμη τριάντα όταν τα έργα του συμπεριλήφθηκαν στην έκθεση ρωσικής τέχνης που διοργάνωσε ο S. Diaghilev στο Παρίσι το 1906.

Τα πρώτα έργα του Nikolai Nikolaevich Sapunov (1880−1912), ο οποίος ήρθε στον σύλλογο από τη συμβολική ομάδα Blue Rose, ήταν κοντά στις αισθητικές αρχές του Κόσμου της Τέχνης. Στο πνεύμα των γενναίων εορτασμών του 18ου αιώνα, ο πίνακας «Νυχτερινή γιορτή. Masquerade» (1907, Μουσείο Ρωσικής Τέχνης, συλλογή A. Ya. Abrahamyan, Yerevan). Από το έργο των δασκάλων του "Κόσμου της Τέχνης" τα έργα του Σαπούνοφ διαφέρουν ως προς τις ζωγραφικές τους ιδιότητες και τα θέματα που δεν συνδέονται με συγκεκριμένα ιστορικά γεγονότα. Μεγάλη θέση στο έργο του καλλιτέχνη κατέλαβαν εικόνες λουλουδιών, στη μεταφορά τους πέτυχε πραγματική δεξιοτεχνία, αποκαλύπτοντας στο έπακρο το χρωματικό του ταλέντο. Ένα παράδειγμα αυτού είναι το έργο Μπλε Ορτανσίες (1907, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα), Βάζα, Λουλούδια και Φρούτα (1910, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα). Αγαπημένα κίνητρα του Ν. Σαπούνοφ ήταν οι λαϊκές γιορτές και οι γιορτές με τις παραδοσιακές τους ιδιότητες, όπως στους καμβάδες «Καρουσέλ» (1908, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη), «Άνοιξη. Masquerade» (1912, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη).

Ο Alexander Yakovlevich Golovin (1863−1930) από το 1899 συμμετείχε σε εκθέσεις του Κόσμου της Τέχνης, από το 1902 - μέλος του συλλόγου, συνεργάστηκε στο ομώνυμο περιοδικό. Στα τέλη της δεκαετίας του 1890 εργάστηκε στο εργαστήριο κεραμικής του Abramtsev μαζί με τον M. Vrubel, με πρόταση του οποίου συμμετείχε στο σχεδιασμό της πρόσοψης του ξενοδοχείου Metropol. Σχεδίασε τις παραστάσεις του θεάτρου Μπολσόι στη Μόσχα, το 1901 μετακόμισε στην Αγία Πετρούπολη, από το 1902 υπηρέτησε ως επικεφαλής διακοσμητής των Αυτοκρατορικών Θεάτρων και σύμβουλος της διεύθυνσης για καλλιτεχνικά θέματα. Ο Golovin συνεργάστηκε με τα θέατρα Alexandrinsky και Mariinsky, δημιούργησε πορτρέτα καλλιτεχνών, ηθοποιών σε ρόλους, τελετουργικά πορτρέτα, τοπία. Στη ζωγραφική πορτρέτων όξυνε τις τεχνικές της θεατροποίησης της εικόνας. Συχνά ο καλλιτέχνης μετέφερε τους ήρωές του στο θέατρο και τους φώτιζε με το φως του ποδοσφαίρου, για παράδειγμα, στο «Πορτρέτο του καλλιτέχνη D. Smirnov ως Cavalier de Grieux στην Opera Manon του J. Massenet» (1909, Κρατικό Θέατρο Μουσείο με το όνομα A. Bakhrushin, Μόσχα) ή στο «Πορτρέτο του F. Chaliapin στον ρόλο του Boris Godunov στην όπερα του M. Mussorgsky «Boris Godunov» (1912, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη). Η διακοσμητικότητα, η χρωματικότητα, η πολυπλοκότητα της γραφικής λύσης είναι τυπικά για τα έργα του πλοιάρχου. Αγαπημένα στο έργο του Golovin ήταν διακοσμητικά φυτικά μοτίβα, τα οποία βρίσκονται σε αφθονία σε κεραμικά προϊόντα σύμφωνα με τα σκίτσα του, τα γραφικά πάνελ, τα σκηνικά του θεάτρου και ακόμη και τα πορτρέτα του.

Igor Emmanuilovich Grabar (1871−1960) από το 1901 - μέλος του συλλόγου, από το 1902 - συμμετέχων στις εκθέσεις "World of Art". Ήταν ένας από αυτούς που αποχώρησαν από την Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών το 1910 και συμμετείχαν στη διοργάνωση ενός εκθεσιακού συλλόγου με το όνομα «Ο κόσμος της τέχνης» την ίδια χρονιά. Ενώ ήταν ακόμη φοιτητής, ο Grabar έγραψε άρθρα και κριτικές για την τέχνη για τα διάσημα περιοδικά Niva, Dragonfly και World of Art. Η φύση της κεντρικής Ρωσίας και της περιοχής της Μόσχας ήταν ένα από τα κύρια θέματα του εικονογραφικού του έργου. Όλα τα έργα του Grabar είναι γεμάτα αρμονία, ποίηση, εύθυμη διάθεση. Η εντυπωσιακή, φωτεινή, ανάγλυφη ζωγραφική συνδυάζεται με την αμετάβλητη ομορφιά της σύνθεσης και του χρώματος. Ο Γκράμπαρ προσπάθησε να συλλάβει τη άπιαστη μεταβλητότητα των «εποχών». Του άρεσαν ιδιαίτερα τα χειμερινά τοπία: "February Blue" (1904, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα), "March Snow" (1904, State Tretyakov Gallery, Μόσχα). Αναζητώντας τρόπους για να μεταδώσει τη δύναμη του φωτός και των χρωμάτων της φύσης, χρησιμοποίησε τα επιτεύγματα Γάλλων ιμπρεσιονιστών καλλιτεχνών, αλλά ποτέ δεν υπήρξε άμεσος ακόλουθος της σκηνοθεσίας τους. Εκτός από έργα τοπίου, ο Igor Emmanuilovich δημιούργησε πολλές νεκρές φύσεις. Έγραψε επίσης μονογραφίες για το έργο των V. Serov και I. Repin, το αυτοβιογραφικό βιβλίο «My Life», που μιλά για την καλλιτεχνική ζωή της Ευρώπης και της Ρωσίας στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα. Για δώδεκα χρόνια - από το 1913 έως το 1925 - ο Γκραμπάρ ήταν διευθυντής της Πινακοθήκης Τρετιακόφ. Με τα χρόνια, έχει γίνει πολλή δουλειά για την απογραφή της γκαλερί, την αναπλήρωση των κεφαλαίων της, την πραγματοποίηση εκθέσεων και την έκδοση του πρώτου επιστημονικού καταλόγου. Το ενδιαφέρον για τη ρωσική ιστορία, τα μνημεία του παρελθόντος, η αγιογραφία τον συνέδεσαν με τους A. Benois, M. Dobuzhinsky, E. Lansere, B. Kustodiev, A. Ostroumova-Lebedeva και N. Roerich. Ο Grabar είναι συγγραφέας μιας σειράς μονογραφιών για Ρώσους καλλιτέχνες. Έθεσε στον εαυτό του καθήκον να αποκαταστήσει την ακολουθία ανάπτυξης του ρωσικού εθνικού σχολείου, παρουσιάζοντας το έργο μεγάλων Ρώσων καλλιτεχνών.

Το 1924 πραγματοποιήθηκε η τελευταία έκθεση του συλλόγου "World of Art", στην οποία κρεμάστηκαν έργα των Benois, Somov, Dobuzhinsky, Golovin, Ostroumova-Lebedeva, Kustodiev, Serebryakova.

Στο Παρίσι το 1927, μια ομάδα Ρώσων μεταναστών προσπάθησε να συγκεντρώσει συμπατριώτες καλλιτέχνες σε μια έκθεση με τίτλο The World of Art, στην οποία συμμετείχαν πρώην μέλη της ένωσης, με επικεφαλής τον M. Dobuzhinsky. Η ιδέα της ανασύστασης του συλλόγου, που προέκυψε από την Επιτροπή Ρωσικής Μετανάστευσης, δεν βρήκε υποστήριξη ούτε από τον Α. Μπενουά, ο οποίος αρνήθηκε να συμμετάσχει σε αυτή την έκθεση. Στις αρχές της δεκαετίας του 1930, μέλη του Κόσμου της Τέχνης όλων των γενεών που είχαν μεταναστεύσει από τη Ρωσία διατηρούσαν φιλικούς δεσμούς μεταξύ τους και εμφανίζονταν μαζί σε εκθέσεις ρωσικής τέχνης στο Παρίσι, το Βελιγράδι και τις Βρυξέλλες. Αλλά στη σύγχρονη ρωσική καλλιτεχνική ζωή, ο Κόσμος της Τέχνης, δυστυχώς, δεν υπήρχε πλέον.

Βιβλίο γραφικά του κόσμου της τέχνης

Η πιο ολοκληρωμένη και ζωντανή ενσάρκωση των δημιουργικών φιλοδοξιών των δασκάλων του συλλόγου της Αγίας Πετρούπολης βρίσκεται στον καλλιτεχνικό σχεδιασμό βιβλίων και στη θεατρική σκηνή (όπερα και μπαλέτο).

Με τις προσπάθειες των καλλιτεχνών του «Κόσμου της Τέχνης» ο καλλιτεχνικός σχεδιασμός του βιβλίου έφτασε σε υψηλό επίπεδο, ενέκριναν μια νέα κατανόηση της ομορφιάς και της καλλιτεχνίας του. Το περιοδικό «World of Art» είναι μια έκδοση μεγάλου μεγέθους, όλα τα στοιχεία του εξωφύλλου και της διακόσμησης της σελίδας συντονίστηκαν στην ενότητα του στυλ. Η κομψή καλλιγραφία των τίτλων, η κομψότητα των βινιετών, το ματ κιτρινωπό στρωμένο χαρτί και η έγχρωμη εκτύπωση το έκαναν αντικείμενο πολυτελείας. Τον Αύγουστο του 1898, η M. Yakunchikova, μετά από αίτημα του S. Diaghilev, άρχισε να συνεργάζεται με τον κόσμο της τέχνης. Έφτιαξε το εξώφυλλο για την έκδοση: ο συνδυασμός του τοπίου με σχέδια και η έκφραση της σιλουέτας ενός κύκνου τόνιζε την επιπεδότητα του εξωφύλλου και εναρμονίστηκε τέλεια με τον στυλιζαρισμένο τύπο. Και παρόλο που το πρώτο τεύχος σχεδιάστηκε από τον K. Korovin, αργότερα οι συντάκτες επέστρεψαν στο σχέδιο της M. Yakunchikova.

Όλες οι έντυπες εκδόσεις, στον καλλιτεχνικό σχεδιασμό των οποίων συμμετείχαν οι ειδικοί του World of Art, διακρίνονταν από εκλεπτυσμένο γούστο.

Η Πετρούπολη, η ιστορία της, η αντανάκλασή της στην ποίηση, τη λογοτεχνία, την αρχιτεκτονική έγιναν το κύριο θέμα στα γραφικά του βιβλίου του A. Benois. Έκανε πολλές εικονογραφήσεις για τον Χάλκινο Καβαλάρη του Πούσκιν (1916, 1921−1922, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο Αγίας Πετρούπολης, Πανρωσικό Μουσείο Α. Σ. Πούσκιν, Μόσχα, Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών του Α. Σ. Πούσκιν, Μόσχα, ιδιωτικές συλλογές στη Μόσχα και Πετρούπολη)7. Τα γραφικά του Μπενουά δημιούργησαν μια οργανική ενότητα με το κείμενο του Πούσκιν. Οι εικονογραφήσεις της εισαγωγής συνδέονταν με τα κίνητρα της τέχνης της εποχής του Πούσκιν, αφού στους στίχους αναδημιουργήθηκε η εικόνα μιας κλασικά καθαρής πόλης με την αρχιτεκτονική καθαρότητα των γραμμών. Σε επόμενες εικονογραφήσεις, οι συνθέσεις αποκτούν δυναμική, η χαριτωμένη αρμονία, η κυνηγημένη λογική του αστικού τοπίου εξαφανίζεται. Η μονομαχία του Ευγένιου με τον αναβάτη τελειώνει με ένα δραματικό τέλος: τρομερά κύματα που υψώνονται στον ουρανό, λοξή βροχή και η θριαμβευτική σιλουέτα του μνημείου.

Η εικόνα της πόλης γίνεται το μοτίβο της γραφικής ερμηνείας του ποιήματος. Γρανιτένια επιχώματα, ο όγκος των ανακτόρων, η έκταση των πλατειών - σε όλα κρύβεται η στοργική στάση του Μπενουά απέναντι στη δημιουργία του Πέτρου. Όμως η εικόνα δεν γεννιέται μόνο της όμορφης πρωτεύουσας, αλλά και της πόλης της τραγικής απελπισίας, τρομερής και αδίστακτης.

Ο Μ. Ντομπουζίνσκι μίλησε πολλές φορές για το πώς ενθουσιάστηκε από τα έργα του Ντοστογιέφσκι. Στην εικονογράφηση του για τις «Λευκές νύχτες» (1923), η Πετρούπολη γίνεται ο κεντρικός χαρακτήρας, σύμφωνα με το κείμενο του έργου. Μικρές φιγούρες, σχεδόν διαλυμένες στο σούρουπο των δρόμων, τόνιζαν τη γενική λυρική διάθεση που ενυπάρχει σε αυτό το έργο. Αν και τα ασπρόμαυρα σεντόνια διακρίνονταν από αυστηρά γραφικά, ο Ντομπουζίνσκι μετέφερε την απόκοσμη ατμόσφαιρα της λευκής νύχτας. Απέφευγε τη διακοσμητική, αλλά η λευκότητα του χαρτιού έρχεται σε αντίθεση με τους βαρείς λεκέδες μελανιού, δημιουργώντας έτσι ένα διακοσμητικό αποτέλεσμα των σχεδίων. Η πόλη μοιάζει θανάσιμα άδεια, μάρτυρας του πνευματικού δράματος ενός ανθρώπου, προσωποποιεί τον πνευματικό κόσμο των ηρώων. Ο καλλιτέχνης αποκάλυψε τη συναισθηματική δομή της ιστορίας του Ντοστογιέφσκι με τη βοήθεια εικόνων της δικής του δημιουργικότητας - αστικά τοπία.

Ivan Yakovlevich Bilibin (1876−1942) - εκπρόσωπος του Κόσμου της Τέχνης, ο οποίος στράφηκε εντελώς στα γραφικά βιβλίων. Παρά το γεγονός ότι το έργο του Bilibin αντιτίθεται εξωτερικά στον εκδυτικισμό των περισσότερων καλλιτεχνών του Κόσμου της Τέχνης, η επίδραση των αγγλικών γραφικών, της γαλλικής αρ νουβό και της ιαπωνικής χαρακτικής στο έργο του είναι πολύ αισθητή. Τα έργα του καλλιτέχνη διακρίνονται από την ομορφιά του μοτίβου με μοτίβο, την εξαιρετική διακοσμητικότητα των χρωματικών συνδυασμών, τη λεπτή οπτική ενσάρκωση του κόσμου, τον συνδυασμό της φωτεινής φαντασίας με μια αίσθηση λαϊκού χιούμορ. Τόνισε το επίπεδο της σελίδας του βιβλίου με γραμμή περιγράμματος, έλλειψη φωτισμού, χρωματική ενότητα, υπό όρους διαίρεση του χώρου σε σχέδια και συνδυασμό διαφορετικών απόψεων στη σύνθεση. Ο κύριος σχεδίασε ρωσικά λαϊκά παραμύθια, έπη. Οι εικονογραφήσεις για το The Tale of Tsar Saltan του Πούσκιν (1905, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη) είναι σημαντικές· αυτό το παραμύθι παρείχε πλούσια τροφή στη φαντασία του Bilibino. Με εκπληκτική δεξιοτεχνία και μεγάλες γνώσεις, ο καλλιτέχνης απεικόνισε αρχαίες στολές και σκεύη σε πολύχρωμους πίνακες της αρχαίας ρωσικής ζωής. Πρέπει να σημειωθεί ότι το 1902-1904, με οδηγίες του εθνογραφικού τμήματος του Ρωσικού Μουσείου, ο Bilibin ταξίδεψε στις επαρχίες Vologda, Arkhangelsk, Olonets και Tver, συλλέγοντας έργα λαϊκής τέχνης και φωτογραφίζοντας μνημεία ξύλινης αρχιτεκτονικής. Με τα έργα του, ο πλοίαρχος έφερε μνημεία της αρχαίας ρωσικής τέχνης και της αγροτικής καλλιτεχνικής τέχνης στη σφαίρα των παγκόσμιων καλλιτεχνικών συμφερόντων.

Το 1901, ο Georgy Ivanovich Narbut (1886−1920) μετακόμισε στην Αγία Πετρούπολη και συνάντησε τον Bilibin. τον πήρε υπό την προστασία του, εισάγοντάς τον στον κύκλο του Κόσμου της Τέχνης. Ο Narbut έκανε το ντεμπούτο του το 1907 με εικονογραφήσεις για παιδικά βιβλία, που του έφεραν αμέσως φήμη: μεγάλη επιτυχία ήταν το "Dance, Matvey, don't spare bast shoes" (1910) και δύο βιβλία με το ίδιο όνομα "Toys" (1911). Και στα τρία χρησιμοποίησε με μαεστρία στυλιζαρισμένες εικόνες ρωσικών λαϊκών παιχνιδιών. Σε αυτές τις εικονογραφήσεις, το προσεκτικό σχέδιο περιγράμματος, χρωματισμένο διακριτικά με ακουαρέλες, έφερε ακόμα ίχνη της επιρροής του Bilibin. Στο σχεδιασμό των παραμυθιών και των μύθων, ο Narbut χρησιμοποιούσε συχνά ένα σχέδιο σιλουέτας σε συνδυασμό με το χρώμα.

Ο Ντμίτρι Ισιντόροβιτς Μιτρόχιν (1883−1973) εικονογράφησε πολλά παιδικά βιβλία, μεταξύ των οποίων το «Little Flour» του V. Gauf (1912), το «Roland the Squire» του V. Zhukovsky (1913). Καθένα από αυτά ήταν υποδειγματικό ως προς την άψογη γραφιστική και την ενότητα σχεδίων, επιγραφών και στολιδιών.

Οι καλλιτέχνες του Κόσμου της Τέχνης, έχοντας ανανεώσει τις παραδόσεις, αναβίωσαν το εικονογραφικό σχέδιο και τα γραφικά σχεδιασμού στη Ρωσία, δημιούργησαν ένα συνεπές σύστημα σχεδιασμού βιβλίων. Με το έργο τους, οι δάσκαλοι συνέβαλαν στη βελτίωση της κουλτούρας του σχεδιασμού βιβλίων και επηρέασαν την ανάπτυξη των ρωσικών γραφικών στο πρώτο τέταρτο του 20ού αιώνα.