«Φυσικά, θα μπορούσα χωρίς λουλούδια, αλλά με βοηθούν να διατηρήσω τον σεβασμό για τον εαυτό μου, γιατί αποδεικνύουν ότι δεν με δεσμεύουν τα χέρια και τα πόδια από τις καθημερινές ανησυχίες. Είναι η απόδειξη της ελευθερίας μου.» (Ραμπιντρανάθ Ταγκόρ)

Τι ενδιαφέρουσα και βαθιά σκέψη: λουλούδια - και ελευθερία του ατόμου! Ακόμα πιο εκπληκτικό είναι αυτό που λέει ο άντρας για αυτό. Συγγραφέας, ποιητής, συνθέτης, καλλιτέχνης, δημόσιο πρόσωπο, βραβείο Νόμπελ Λογοτεχνίας… Βρήκε χρόνο να απολαύσει την ομορφιά των λουλουδιών και να νιώσει ελεύθερος!

Έξι μήνες κρύου καιρού στη Ρωσία είναι πολλοί! Χιονισμένοι κήποι, χωράφια και δάση, γκρίζοι ουρανοί... Η ανάγκη να νιώσουν την πληρότητα της ζωής ανέκαθεν ωθούσε τους ανθρώπους να δημιουργούν ανάλογα όμορφων δημιουργιών της φύσης που μπορούν να χαρούν την καρδιά και την ψυχή όλο το χρόνο.

Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο η ρωσική λαϊκή τέχνη είναι τόσο φωτεινή και εορταστική. Και δεν είναι τυχαίο ότι τον 19ο αιώνα, στο κέντρο της Ρωσίας, γεννήθηκε μια άλλη υπέροχη βιοτεχνία, η οποία ονομάστηκε, όπως συμβαίνει συχνά σε τέτοιες περιπτώσεις, από την «κατοικία» της - Zhostovo! Είναι απίθανο στη χώρα μας να υπάρξει ένα άτομο στη μνήμη του οποίου τα φωτεινά, σχεδόν υπέροχα, μπουκέτα λουλουδιών δεν θα προκύψουν αμέσως, αν ακούσει αυτή τη λέξη! Συνθέσεις λουλουδιών - σε μεταλλικό δίσκο. Και πρέπει να πω ότι η ελευθερία που σημείωσε η ιδιοφυΐα του Ταγκόρ όταν ασχολήθηκε με τα λουλούδια εκδηλώνεται πιο ξεκάθαρα στη δημιουργία των διάσημων ανθοδεσμών Zhostovo.

Εκπρόσωπος μιας από τις γνωστές δυναστείες των καλλιτεχνών Zhostov - Larisa Goncharova (παραδείγματα του έργου του πλοιάρχου). Μια δυναστεία σε οποιοδήποτε τομέα δραστηριότητας είναι η ιστορία μιας δεδομένης περίπτωσης. Γυρνώντας σε μια οικογένεια, μαθαίνετε την μακραίωνη ιστορία της ανάπτυξης μιας ολόκληρης τέχνης. Μιλώντας λοιπόν για τα μυστικά της δεξιοτεχνίας, η Λάρισα είπε ότι η ζωγραφική είναι αυτοσχεδιασμός: ο ίδιος ο συγγραφέας δεν ξέρει τι θα συμβεί, το χέρι πάει «αυτόματα»!

Τι Δάσκαλος πρέπει να είσαι, ώστε αυτά τα μαγευτικά λουλούδια, που λάμπουν από τα βάθη των μπουμπουκιών με μαγικό φως, να «ηχούν» ευλαβικά στη λακαρισμένη επιφάνεια, σαν νότες βιρτουόζου μουσικού αυτοσχεδιασμού! Η εξαίσια ομορφιά των λουλουδιών που δημιούργησαν οι Γκοντσάροφ είναι γεμάτη με ένα ιδιαίτερο νόημα που μας μεταφέρει τη διάθεση είτε των χαρούμενων διακοπών είτε της αμερόληπτης περισυλλογής.

Θαυμάζοντας την τελειότητα της ενσάρκωσης αυτού που σχεδιάστηκε, απολαμβάνοντας την ελευθερία και την ευάερη ελαφρότητα στην εικόνα των ανθοδέσμων, αρχίζετε να καταλαβαίνετε ότι από τη στιγμή που ένα χρηστικό αντικείμενο έχει γίνει από καιρό σύμβολο της τέχνης και ότι η ζωγραφική Zhostovo είναι η ανεξάρτητη μορφή του.

Το χωριό Zhostovo, που βρίσκεται πολύ κοντά στην πρωτεύουσα, αποτελεί σύμβολο της μοναδικής ρωσικής τέχνης εδώ και αρκετούς αιώνες. Τις τελευταίες δεκαετίες του 20ου αιώνα, οι νέοι Ρώσοι, κουρασμένοι από τη φασαρία της πόλης και την επιδεινούμενη οικολογία, επέλεξαν το χωριό. Παρεμπιπτόντως, η Gerda από τη Βασίλισσα του Χιονιού, γνωστή σε εμάς από την παιδική ηλικία, ή μάλλον, η δημοφιλής ηθοποιός θεάτρου και κινηματογράφου Έλενα Πρόκλοβα, που την έπαιξε, έζησε επίσης σε αυτό το χωριό κοντά στο δάσος για πολλά χρόνια, απολαμβάνοντας το σχεδιασμό τοπίου, μεγαλώνοντας βιολογικά φρούτα και λαχανικά. Δεν ξέφυγε από τον πειρασμό να μάθει να βάφει δίσκους!

Με φόντο τη διαρκώς επεκτεινόμενη «πόλη των αρχοντικών», τα σπίτια των παλαιών χρόνων όλο και πιο χαμηλά, «μεγαλώνονταν» στην πατρίδα τους, κολλώντας όλο και πιο βαθιά, σαν να φοβούνται μην ξεριζωθούν. Και υπήρχαν λόγοι για αυτό.

Στην αρχή υπήρχαν φήμες, αλλά δεν ήθελα να το πιστέψω. Πώς μπορούσε η αρχαία λαϊκή βιοτεχνία, για την οποία περηφανευόταν τόσο το κράτος, να γίνει ιδιωτική ιδιοκτησία; Πέρασε λίγη ώρα και οι φήμες έγιναν τετελεσμένο γεγονός. Η Τράπεζα έγινε ιδιοκτήτρια του θρυλικού αλιευτικού Zhostovo (δεν θα κάνουμε πρόσθετη διαφήμιση για αυτό, ειδικά καθώς ο ιδιοκτήτης της τράπεζας μπορεί να το πουλήσει!). Και όλα πήγαν σύμφωνα με το συνηθισμένο σχέδιο. Η τράπεζα υποσχέθηκε να διατηρήσει τη λαϊκή χειροτεχνία και το περίφημο Μουσείο των Δίσκων Zhostovo, αλλά άρχισε να εκμισθώνει την περιοχή και τις περιοχές του εργοστασίου. Υπάρχουν τώρα περίπου τριάντα επιχειρήσεις που δεν σχετίζονται με τη βιομηχανία δίσκων. Οι τριάντα νέοι δάσκαλοι που παρέμειναν στο εργοστάσιο στριμώχνονται σε τέσσερα μικρά δωμάτια που προορίζονται για εργαστήρια ζωγραφικής. Τώρα δουλεύουν «για τον ιδιοκτήτη». Όλοι οι μεγάλοι καλλιτέχνες, οι παλιοί δάσκαλοι, οι πραγματικοί δημιουργοί έχουν αφήσει τη τέχνη και τη δουλειά στο σπίτι. Πρόσφατα, ουσιαστικά διέκοψαν τη συνεργασία τους με το εργοστάσιο.

Ο δίσκος ως οικιακό αντικείμενο ήταν γνωστός από την αρχαιότητα, αλλά από τις αρχές του 19ου αιώνα, λόγω της ανάπτυξης των πόλεων, η εμφάνιση πολυάριθμων ξενοδοχείων, ταβέρνων, εστιατορίων, δίσκοι άρχισαν να απαιτούνται σε μεγάλες ποσότητες και χρησιμοποιήθηκαν όχι μόνο για τον προορισμό τους, αλλά και για τη διακόσμηση εσωτερικών χώρων. Φωτεινά μπουκέτα, νεκρές φύσεις, σκηνές τσαγιού ή ιππασίας σε μια τρόικα είναι τα παραδοσιακά θέματα ζωγραφικής σε δίσκους που κοσμούσαν τους τοίχους τέτοιων εγκαταστάσεων.

Οι δίσκοι Zhostovo ανήκουν στην κατεύθυνση, η οποία έχει την κοινή ονομασία "Ρωσικά βερνίκια". Πρώτα, στα τέλη του 18ου αιώνα, εμφανίστηκε η μινιατούρα με λάκα σε papier-mâché. Το χωριό Danilkovo κοντά στο Fedoskino, τα χωριά Zhostovo και Ostashkovo ήταν γνωστά για την παραγωγή κασετιών, ταμπακιέρα, κουτιά, ποτήρια μολυβιών, τσιγαροθήκες, άλμπουμ, μπισκότα, πορτοφόλια - αντικείμενα διακοσμημένα με μινιατούρες ζωγραφικής. Οι καλλιτέχνες εκείνη την εποχή στράφηκαν σε γνωστά έργα καβαλέτας, χαρακτικά, ερμηνεύοντας ελεύθερα τα οποία δημιούργησαν τα έργα τους. Ξεκινώντας σύμφωνα με τις μινιατούρες λάκας, η παραγωγή δίσκων αναδείχθηκε σταδιακά ως ανεξάρτητο εμπόριο. Το σημείο εκκίνησης είναι το 1807, όταν το εργαστήριο του Philip Nikitich Vishnyakov άρχισε να εργάζεται στο Zhostovo. Αν και η ίδρυση του σκάφους συνδέεται με το όνομα ενός άλλου Vishnyakov - Osip Filippovich. Μέχρι τα μέσα του 19ου αιώνα, υπήρχαν ήδη δώδεκα εργαστήρια στην περιοχή: Belyaev, Mitrofanov, Zaitsev, Leontiev και άλλοι. Η χειροτεχνία αναπτύχθηκε και οι δίσκοι άρχισαν να κατασκευάζονται όχι μόνο από papier-mâché, αλλά και από σίδηρο. Αναμφίβολα, από αυτή την άποψη, η επιρροή του γνωστού κέντρου παραγωγής δίσκων στο Nizhny Tagil από τον 18ο αιώνα.

Αν στην αρχή οι ιδιοκτήτες δούλευαν ισότιμα ​​με τους εργάτες, τότε στις δεκαετίες του 1870 και του 1880 μετατράπηκαν όλο και περισσότερο σε επιχειρηματίες. Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, υπήρχαν περισσότεροι από 240 μισθωμένοι εργάτες στη βιομηχανία δίσκων κοντά στη Μόσχα. Τρία άτομα δούλευαν συνήθως σε έναν δίσκο: ένας σιδεράς που έφτιαχνε ένα καλούπι, ένας στόκος που αστάρωσε την επιφάνεια και ένας ζωγράφος που έβαφε το δίσκο. Μετά το στέγνωμα, το αστάρι το σκέπασε με βερνίκι.

Στις αρχές του 20ου αιώνα, έχοντας κατακτήσει όλα τα πιο ενδιαφέροντα πράγματα που υπήρχαν στην παραγωγή δίσκων της Αγίας Πετρούπολης, του Nizhny Tagil, σε μινιατούρες λάκας κοντά στη Μόσχα, ζωγραφική σε καβαλέτο, ζωγραφική πορσελάνης και άλλα είδη τέχνης, οι καλλιτέχνες του Zhostov δημιούργησαν τους το δικό τους στυλ, βασισμένο, ωστόσο, καταρχήν στην ανάπτυξη των τοπικών τους παραδόσεων. Αναπτύχθηκε ένα σύστημα, ένας επαγγελματικός εικονογραφικός κανόνας, εγγενής στην τέχνη του Zhostov μέχρι σήμερα. Στην ακολουθία τεχνικών πολυεπίπεδης γραφής Zhostovo, στερεώνεται ένα περίεργο αλφάβητο, το οποίο απορροφάται από τους δασκάλους, το οποίο ονομάζεται "με γάλα". Ζωγραφική, σκίαση, τοποθέτηση, επισήμανση, σχέδιο, δέσιμο - αυτά είναι τα «βήματα» που οδήγησαν από τις γενικευμένες σιλουέτες των λουλουδιών και των φύλλων του πίνακα στη δημιουργία των πιο περίπλοκων συνθέσεων με τις πιο λεπτές λεπτομέρειες του δέσιμου, που συνδυάζει λουλούδια σε μπουκέτα και το συνδέει με το φόντο. Και μόνο έχοντας κατακτήσει αυτό το αλφάβητο "άψογα καλά", έχοντας μάθει να "μιλάει καθαρά τις πιο σύνθετες λέξεις", ο καλλιτέχνης λαμβάνει την πολυαναμενόμενη Ελευθερία. Τώρα το χέρι του Δασκάλου έχει το δικαίωμα να τον οδηγήσει στα δικά του μονοπάτια των μαγικών κήπων, όπου ζουν τα πουλιά του παραδείσου, και αυτοσχεδιάζοντας με μαεστρία, δημιουργούν νέα μπουκέτα υπέροχης ομορφιάς.

Επικοινωνώντας με γνωστούς δασκάλους διαφόρων ρωσικών τεχνών, παρατήρησα ότι είναι όλοι ταλαντούχοι όχι μόνο στο κύριο επάγγελμά τους, αλλά συχνά σε πολλούς άλλους τομείς δραστηριότητας. Πριν από μερικά χρόνια, συμμετέχων στο φεστιβάλ του νησιού Buyan στο Σότσι ήταν ο Nikolai Gushchin, Λαϊκός Καλλιτέχνης της Ρωσίας, επικεφαλής καλλιτέχνης της τέχνης του Nizhny Novgorod "Khokhloma Artist". Εντυπωσίασε τους συμμετέχοντες όχι μόνο με τα έργα που έφεραν στην έκθεση, με την ταλαντούχα ζωγραφική, την οποία επέδειξε στο master class, αλλά και με... ένα υπέροχο δώρο ενός χορευτή! Πώς χόρεψε στο συμπόσιο! Δεν είναι πολλοί οι άνδρες που μπορούν να καυχηθούν για τέτοιες ικανότητες. Και κάτι ακόμα: τα μάτια του καλλιτέχνη αρπάζουν συνεχώς από τη γύρω πραγματικότητα τα απαραίτητα στοιχεία για τη δημιουργικότητα και κάθε δημιουργός έχει τα δικά του. Θυμάμαι πώς, έχοντας έρθει να με επισκεφτεί, ο Gushchin βρήκε αμέσως νέες ιδέες για τους πίνακές του: στο πρώτο λεπτό της βόλτας στον κήπο, διάλεξε ένα δυσδιάκριτο λουλούδι. Κοιτάζοντας με θαυμασμό τις μπούκλες του «ζιζανίου», είπε ότι δεν είχε δει τέτοια στη μεσαία λωρίδα και σίγουρα θα τα χρησιμοποιούσε στους πίνακές του. Τύλιξε προσεκτικά τη λεπίδα του χόρτου και την έβαλε στην τσέπη του. Τα λουλούδια είναι το πιο δημοφιλές μοτίβο ζωγραφικής στη ρωσική τέχνη.

Έτσι αναπτύσσονται οι παραδόσεις. Κάθε καλλιτέχνης φέρνει τα δικά του στους καθιερωμένους κανόνες, όσα έχει δει και βιώσει. Κάθε συγγραφέας έχει το δικό του ξεχωριστό στυλ. Από τη φύση των εγκεφαλικών επεισοδίων, οι επαγγελματίες ξεχωρίζουν εύκολα τα «χέρια» των δασκάλων και, σημειώνοντας την ατομικότητα που καλλιεργείται από την εργασία και το ταλέντο, συχνά δίνουν ορισμούς που δεν είναι σε καμία περίπτωση όροι ιστορίας της τέχνης. «Χορεύοντας» αποκαλούν με ενθουσιασμό ένα εγκεφαλικό επεισόδιο της Τιμώμενης Καλλιτέχνιδας της Ρωσίας Larisa Goncharova - της δασκάλας της ζωγραφικής Zhostovo. Η Λάρισα τραγουδά όπως ζωγραφίζει τα διάσημα λουλούδια της (ή γράφει πώς τραγουδά!).

Διπλωματική εργασία της Larisa Goncharova στο Καλλιτεχνικό Σχολείο. Η Καλίνινα εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από την επιτροπή και στάλθηκε στο VDNKh και η Λάρισα έλαβε το βραβείο της Κεντρικής Επιτροπής Komsomol.

Ως παιδί, η Λάρισα ασχολήθηκε με τη χορογραφία, αλλά έχοντας λάβει το επάγγελμα του καλλιτέχνη, για πολλά χρόνια τραγούδησε στο λαογραφικό σύνολο της Ρωσίας και περιόδευσε. Και είναι επίσης γεννημένη σχεδιάστρια μόδας, μπορεί να ράψει μια όμορφη στολή για τον εαυτό της μέσα σε μια νύχτα. Προσπαθήστε να επαναλάβετε: ένα φόρεμα φτιαγμένο από ταφτά με «κουνέλι» τελειώματα και βαμμένο με λουλούδια Zhostovo είναι αποκλειστικότητα!

Ένας θετικός χαρακτήρας, οι φωτεινές καλλιτεχνικές κλίσεις βρήκαν μια φυσική αντανάκλαση στον πίνακα. Εξ ου και η «χορευτική» κηλίδα!

Καλλιτέχνης στην τέταρτη γενιά, από την παιδική ηλικία, η Λάρισα μπορούσε να παρατηρήσει όλα τα στάδια δημιουργίας των διάσημων δίσκων Zhostovo, τρέχοντας στη μητέρα της στη δουλειά (ευτυχώς, το εργοστάσιο διακοσμητικής ζωγραφικής Zhostovo βρισκόταν δίπλα στο σπίτι!), αν και δεν ήταν καθόλου πρόκειται να ακολουθήσει τα βήματά της. Αλλά η μητέρα μου ήταν μια σοφή γυναίκα και μπόρεσε να την καθοδηγήσει σταδιακά στον σωστό δρόμο. Εδώ προφανώς έπαιξαν ρόλο τα γονίδια. Εξάλλου, ο ίδιος ο Timofey Maksimovich Belyaev, ο οποίος τη δεκαετία του 1830 είχε το δικό του εργαστήριο κατασκευής δίσκων στο Zhostovo, ήταν ο προπάππους της μητέρας της Larisa Goncharova, Nina Nikolaevna, Λαϊκός Καλλιτέχνης της Ρωσίας, Βραβευμένη με το Κρατικό Βραβείο. Ι. Ε. Ρεπίνα.

Η προπολεμική ιστορία του ψαρέματος μας έχει αφήσει μόνο αντρικά ονόματα. Όμως το 1941 ανέτρεψε τη ζωή της χώρας και άρχισε να γράφει τη δική της ιστορία σε όλους τους τομείς και τους τομείς της ζωής. Οι άνδρες οδηγήθηκαν στο μέτωπο. Και για πρώτη φορά, για να μην χαθεί το σκάφος Zhostovo, το οποίο ήταν ήδη πάνω από 100 ετών, μεταφέρθηκαν έξι κορίτσια 13-14 ετών στο εργοστάσιο. Ανάμεσά τους ήταν η Nina Belyaeva (αργότερα σύζυγος του Goncharov). Η στρατιωτική παιδική ηλικία στην εργασία είναι ένα ξεχωριστό άρθρο. Μπορείτε να γράψετε μυθιστορήματα και να κάνετε ταινίες μεγάλου μήκους! Η Νίνα Νικολάεβνα είπε πώς, μικρά κορίτσια, έσυραν κούτσουρα από το δάσος για να παράγουν θερμότητα και ζωγράφισαν κονσέρβες τροφίμων, αφού δεν υπήρχε σίδερο (όλο το μέταλλο πήγε στην άμυνα). Είναι απίθανο ότι εκείνα τα χρόνια η Νίνα μπορούσε να παρουσιάσει τα έργα της σε συλλογές μουσείων και στους καλύτερους εκθεσιακούς χώρους στον κόσμο! Προφανώς: δεν έχει σημασία τι τοίχους, δάπεδα, γλάστρες και βάζα ζωγραφίζει το χέρι του παιδιού σας. Είναι σημαντικό - ποιος "βάζει" αυτό το χέρι. Τα κορίτσια διδάχθηκαν από τον γηραιότερο δάσκαλο Αντρέι Παβλόβιτς Γκόγκιν, ο οποίος έπαιξε έναν εξαιρετικό ρόλο στην ιστορία του Zhostovo. Ήταν ο Gogin που, τη δεκαετία του 1920, έγινε ενεργός οργανωτής του artel, βάσει του οποίου δημιούργησε πολλά εξαιρετικά έργα και δίδαξε σε πολλούς μαθητές την παραδοσιακή δεξιοτεχνία. Ήταν ένας από αυτούς που οι δραστηριότητες τους βοήθησαν να επιβιώσουν από την κρίση που διέκοψε το έργο κυριολεκτικά όλων των λαϊκών τεχνών στις αρχές του 20ού αιώνα. Το 1928, τα artels συγχωνεύτηκαν σε ένα - το "Metalpodnos", το οποίο το 1960 μετονομάστηκε σε Zhostovo Decorative Painting Factory. Όλα αυτά τα στάδια ήταν η ζωή του Αντρέι Πάβλοβιτς και μετά τον πόλεμο, από το 1948 έως το 1961, ηγήθηκε της τέχνης ως καλλιτεχνικός διευθυντής και επικεφαλής καλλιτέχνης. Εκείνη την εποχή, η ομάδα καλλιτεχνών του Zhostov έπρεπε ακόμη να ξεπεράσει τις προσπάθειες των σοβιετικών κυβερνητικών υπηρεσιών που ξεκίνησαν τη δεκαετία του 1920 και του 1930 να αλλάξουν την τρέχουσα κατεύθυνση ανάπτυξης της τέχνης εισάγοντας μια απλή δήλωση ρεαλισμού. Τέτοιες καινοτομίες θα μπορούσαν να καταστρέψουν μια ολόκληρη τάση στην τέχνη της Ρωσίας. Αλλά οι κορυφαίοι τεχνίτες μπόρεσαν να αντισταθούν σε αυτό, κατευθύνοντας την εφαρμογή νέων ιδεών για την εμβάθυνση της παραδοσιακής χειροτεχνίας.

Στο έργο του, ο Gogin πειραματίστηκε τόσο με τη μορφή δίσκων όσο και με σχέδια σύνθεσης, χρησιμοποιώντας ένθετα από φίλντισι, έγχρωμα και χρυσά φόντο. Το λυρικό του χάρισμα παρέμεινε αναλλοίωτο, το οποίο μεταβίβασε στη μαθήτριά του, Νίνα Γκοντσάροβα. Για περισσότερο από μισό αιώνα δημιουργεί έργα που μας ενθουσιάζουν με την τελειότητά τους.

Έχει αποδειχθεί εδώ και καιρό ότι ένα άτομο που δεν ζει στην περιοχή όπου ξεκίνησε και αναπτύχθηκε η βιοτεχνία δεν θα γίνει ποτέ ο αντιπρόσωπός της, δεν θα μπορέσει να αναπτύξει παραδόσεις. Η τέχνη των ρωσικών λαϊκών χειροτεχνιών είναι πραγματικά ζωντανή μόνο στην πατρίδα της και εμπνέεται από αυτήν. Παρόλα αυτά, σε διάφορα μέρη της χώρας μας και σε πολλές χώρες του κόσμου υπάρχουν άνθρωποι που ελκύονται με πάθος από την ομορφιά της ρωσικής τέχνης και ονειρεύονται να κατακτήσουν τουλάχιστον τα βασικά της χειροτεχνίας. Ως εκ τούτου, οι καλλιτέχνες μας προσκαλούνται σε διαφορετικές χώρες, οργανώνονται σχολεία, γίνονται master classes. Η Λάρισα ταξιδεύει συχνά στο εξωτερικό, διδάσκοντας ξένους. Όλοι μπορούν να μάθουν τα βασικά της ζωγραφικής Zhostovo, αλλά δεν μπορούν όλοι να είναι καλλιτέχνες αυτού του πίνακα. Οι ξένοι σπουδάζουν γιατί είναι καινούργιο για αυτούς. Για πολλούς, η γνωριμία με τη ρωσική τέχνη περιοριζόταν σε κούκλες που φωλιάζουν για πολλά χρόνια. Για κάποιους πλέον είναι διασκέδαση, για άλλους είναι δουλειά. Η L. Goncharova δίδαξε στην Αυστραλία, στην Ταϊβάν. Είχε την ευκαιρία να επισκεφθεί την Αμερική περισσότερες από μία φορές: στούντιο τέχνης σε 8 πολιτείες οργάνωσαν τα master classes της. Και κάποτε ένα τέτοιο master class σε δίσκους ζωγραφικής μετατράπηκε σε μια πραγματική και μοναδική παράσταση: πραγματοποιήθηκε με φόντο μια παράσταση από ένα λαογραφικό σύνολο, τα μέλη του οποίου ήταν ντυμένα με κομψά πολύχρωμα ρωσικά κοστούμια. Τραγούδησε και η Λάρισα, εναλλάσσοντας τις εμφανίσεις της με την προπόνηση. Με ένα πολυτελές κοστούμι καθόταν σε ένα δίσκο με φόντο το σύνολο! Αμερικανίδες έτρεξαν να δουν πώς η τραγουδίστρια-καλλιτέχνης αλλάζει ρούχα σε ένα λεπτό, αλλάζει ντύσιμο: το θέαμα κόβει την ανάσα!

«Το εξωτερικό θα μας βοηθήσει» είναι μια τόσο γνωστή φράση για όλους. Κλασσικός. Τα συχνά ταξίδια των καλλιτεχνών μας στο εξωτερικό για μεγάλα διαστήματα τα τελευταία χρόνια το επιβεβαιώνουν χωρίς χιούμορ. Συνθήκες εργασίας και διαβίωσης, μισθοί - υπάρχουν αμέτρητα υψηλότερα! Αν και όχι, είναι απλώς δυνατό να το «μετρήσετε», αλλά δεν το θέλετε! Τα χρήματα είναι καλά: ένας τεχνίτης ικανοποιείται όχι μόνο από το ψωμί και το βούτυρο που μπορεί να αγοράσει. Τα χρήματα είναι «μέτρηση», εκτίμηση του δημιουργού: «Είμαι καλά πληρωμένος, που σημαίνει ότι εκτιμούν το ταλέντο μου, τα έργα που έχω δημιουργήσει. Άρα κάτι έχω πετύχει! Όχι μάταια μελέτησε και δούλεψε σκληρά! Αποδεικνύεται ότι τα χρήματα είναι ένα κίνητρο για να εργαστείτε περαιτέρω! Και να η φράση: «Ένας καλλιτέχνης πρέπει να πεινάει» ... Λιμοκτονήστε κύριοι!

Ο χρόνος αλλάζει, η ζωγραφική Zhostovo, ανταποκρινόμενη στις τάσεις της μόδας, διακοσμεί στην εποχή μας όχι μόνο παραδοσιακούς δίσκους, αλλά και άλλα εσωτερικά αντικείμενα: ντουλάπια, τραπέζια, σεντούκια, κασετίνες ... ακόμα και κουβάδες! Θα υπήρχαν παραγγελίες: μπορείτε να βάψετε και παπούτσια και ένα φόρεμα. Και είναι πραγματικά όμορφο. Πριν από μερικά χρόνια στη Μόσχα υπήρχε μια έκθεση «Όλα για την παγκόσμια τάξη». Οι διοργανωτές διέταξαν τη Larisa Goncharova να ζωγραφίσει έναν υπολογιστή. Αποδείχθηκε ότι ήταν ένα υπέροχο και ασυνήθιστο τεχνούργημα!

Κι όμως, ταλαντούχοι τεχνίτες κάνουν ό,τι μπορούν για να διατηρήσουν τον δίσκο Zhostovo ως φαινόμενο της ρωσικής κουλτούρας. Και τα Λουλούδια του Γκοντσάροφ, με τον λεπτό λυρισμό και την εξαίσια ζωγραφική τους ομορφιά, μας ξεσκίζουν τα καθημερινά δεσμά από τα χέρια και τα πόδια μας και μας δίνουν μια αίσθηση ελευθερίας και χαράς!

Ναταλία Τσυγικάλο

Μ .: Λιθογραφία V. Tityaev, . 39 l. Κυκλοφορία 220 αντίτυπα. Στο εξώφυλλο του εκδότη, εκτελεσμένο στην τεχνική του κολάζ, υπάρχουν δύο αυτοκόλλητα: κείμενο: Μιρσκόντσα /Α. Kruchenykh/V. Khlebnikov και στο κέντρο: ένα κολάζ από χρωματιστό χαρτί της N. Goncharova [λουλούδι]. 18,7x15 εκ. Όλες οι λιθογραφίες (μελάνη) είναι τυπωμένες στη μία πλευρά του φύλλου. Λιθογραφημένη συλλογική συλλογή Ρώσων φουτουριστών. Εδώ η Natalya Sergeevna Goncharova (1881-1962) ενήργησε ως δημιουργός του πρώτου κολάζ βιβλίων στον κόσμο. Εδώ έγκειται η αξία αυτής της λιθογραφημένης έκδοσης.

Εξώφυλλο, πάνω - κάτω κείμενο:

Μιρσκόντσα /Α. Kruchenykh/V. Khlebnikov;

στο κέντρο: ένα κολάζ από χρωματιστό χαρτί της N. Goncharova [λουλούδι].

Το πιο ενδιαφέρον σε αυτή τη συλλογή είναι ότι για πρώτη φορά τοποθετήθηκε ένα κολάζ στο εξώφυλλο. Μια τέτοια εξαιρετική τεχνική στο σχεδιασμό του βιβλίου χρησιμοποίησε η Natalia Goncharova. Ένα αυτοκόλλητο από χρωματιστό χαρτί σε μορφή λουλουδιού κατέχει κυρίαρχη θέση στο χώρο του εξωφύλλου. Σήμερα, είναι γνωστές περίπου 12 διαφορετικές εκδοχές του εξωφύλλου αυτής της έκδοσης. Τα κολάζ διαφέρουν σημαντικά σε όλα τα αντίτυπα του βιβλίου. Στο σχέδιό τους χρησιμοποιούνται διάφορα είδη χαρτιού, πιο συχνά μαύρο, πράσινο ή χρυσό, με ανάγλυφα και μαρμάρινα σχέδια. Το ίδιο το λουλούδι αλλάζει επίσης σχήμα και βρίσκεται είτε στο κάτω μέρος είτε στην κορυφή του φύλλου. Το κολάζ είναι μια τεχνική στην τέχνη, η κόλληση υλικών που διαφέρουν από αυτό σε χρώμα και υφή σε μια βάση. Ένα κολάζ ονομάζεται επίσης ένα έργο που γίνεται με αυτή την τεχνική. Χρησιμοποιείται κυρίως σε γραφικά και αφίσες για να ενισχύσει τη συναισθηματική εκφραστικότητα της υφής του έργου, τον απροσδόκητο συνδυασμό ανόμοιων υλικών. Ως επίσημο πείραμα, το κολάζ εισήχθη στη ζωγραφική από εκπροσώπους του κυβισμού, του φουτουρισμού και του ντανταϊσμού. Και αργότερα, ήδη στις δεκαετίες 20-40, φάνηκε ξεκάθαρα ως καλλιτεχνική μέθοδος φωτομοντάζ σε μια αφίσα.

Μ. Λαριόνοφ. Κορυφαίο κείμενο: Πόσο δύσκολο είναι να αναστήσεις νεκρούς...;

κατάληξη: Εικ. [ακτινοβόλο σύνθεση];

κάτω: αριστερά: Λιθογραφία / V. Tityaeva Moscow, δεξιά: M. Larionov

Μ. Λαριόνοφ. [Η κυρία στο τραπέζι], πάνω δεξιά: Λαριόνοφ

Μ. Λαριόνοφ. [Akhmet], στα αριστερά της εικόνας: AX/ME;

κάτω: αριστερά: αναμ. V. Tityaeva / Μόσχα; δεξιά: Λαριόνοφ

Κείμενο: AKHMET/ ΤΟ ΜΠΟΛ ΚΡΑΤΑΕΙ...

Μ. Λαριόνοφ. [Θόρυβος δρόμου], πάνω δεξιά: Larionov. Μ.

Μ. Λαριόνοφ. Κείμενο: Τα μαύρα σπαθιά σφυρηλατούνται...

Μ. Λαριόνοφ. [Προφίλ ατόμου και ήχοι], πάνω δεξιά: Larionov;

στο σχ. περιλαμβάνονται γράμματα: 033

Ν. Γκοντσάροβα. Το κείμενο του ποιήματος «στον νεκροθάφτη» (ρατ τα τατ...);

δεξιά και κάτω από το κείμενο: εικ. [λουλούδια]; κάτω δεξιά μονόγραμμα: ΝΓ

Ν. Γκοντσάροβα. Το κείμενο του ποιήματος "όνειρο" (Τ-shirts κάθονται...);

δεξιά και κάτω από το κείμενο: εικ. [λουλούδια].

Ν. Γκοντσάροβα. [Αστικό τοπίο], κάτω από την εικόνα στα δεξιά: Natalia Goncharova.

N. Rogovin. [Μια αγελάδα, μια βάρκα με κωπηλάτες, ένα σκυλί και ένα ανθρώπινο πρόσωπο].

N. Rogovin. [Φιγούρες], δεξιά: N. Rogovin.

Ν. Γκοντσάροβα. [Καθιστή γυναίκα με ατημέλητα μαλλιά], κάτω αριστερά: Γκοντσάροβα.

A. Kruchenykh. Κείμενο: ξέρουν ότι λένε αντίο, θα το έβαζα στον ώμο μου….

κέντρο: εικ. N. Goncharova [ελάφι].

Ν. Γκοντσάροβα. [Σκελετός κάτω από ένα δέντρο], κάτω δεξιά: Natalia Goncharova.

Ν. Γκοντσάροβα. [Θηρίο που γρυλίζει], κάτω αριστερά: N Goncharova

A. Kruchenykh. Κείμενο: αλλά μετά η γη πέθανε και ζάρωσε...

κέντρο: εικ. N. Goncharova [ιστιοφόρα].

Ν. Γκοντσάροβα. [Ζώα κάτω από ένα δέντρο], κάτω αριστερά: Ν. Γκοντσάροβα.

Ν. Γκοντσάροβα. Κείμενο: αποθηκεύστε το ψαλίδι...

κέντρο: κατάληξη [λουλούδι], δεξιά: Goncharova;

κάτω από την εικόνα: διασκέδαση / διασκέδαση.

N. Rogovin. Κείμενο: O Dostoevsky / mo; στα αριστερά του κειμένου και κάτω δεξιά:

ρύζι. [ανθρώπινες φιγούρες].

Μ. Λαριόνοφ. [Κόκορας και Μαχαίρι], στα αριστερά της εικόνας. κατά μήκος της άκρης του φύλλου: Or. Νο. 8c;

Επάνω αριστερά: Larionov, κάτω από την εικ. κείμενο (σε καθρέφτη):

Η κοκέτα μας ανησυχεί πολύ...

Μ. Λαριόνοφ. [ανθρώπινες φιγούρες],

Αριστερά της εικόνας. κατά μήκος της άκρης του φύλλου: Larionov,

κάτω από την εικ. κείμενο: Το σύμπαν λέγεται κόσμος, είναι μισοπεθαμένη...

Μ. Λαριόνοφ. Κείμενο: Από τα τραγούδια των Γαϊδαμάκων...;

κατάληξη [ιπτάμενο πουλί με ένα κλαδί στο ράμφος του], κάτω δεξιά: Larionov

Ν. Γκοντσάροβα. [Στρατιώτες], κάτω δεξιά: Natalia Goncharova.

Ν. Γκοντσάροβα. [Βίλα και Γκόμπλιν].

Ν. Γκοντσάροβα. Κείμενο: Από το “Fork and Lashgo”...;

δεξιά στα περιθώρια και κάτω από την εικόνα: εικ. [λουλούδια]; πάνω δεξιά: NG.

N. Rogovin. Κείμενο: Σκοπευτής του οποίου το στρατόπεδο ήταν στενό...; οριακή δεξιά: εικ. [Αρτεμίδα].

Μ. Λαριόνοφ. Κείμενο: Να είστε τρομεροί ως Σελίδα...;

κατάληξη [ακτινοβολούμενο σχέδιο], κάτω δεξιά: ML

Μ. Λαριόνοφ. Κείμενο: MIP ΑΠΟ ΤΟ ΤΕΛΟΣ...;

Το πίσω μέρος του εξωφύλλου, στο κάτω αριστερό μέρος του εκτυπωτή, μέθοδος: τιμή 70 καπίκια.

Βιβλιογραφικές πηγές:

1. Polyakov, Νο. 16;

2. The Russian avant-garde book/1910-1934 (Ίδρυμα Judith Rothschild, αρ. 14),R. 88-89;

3. Μάρκοφ. Με. 41-42;

4. Χατσατούροφ. Με. 88;

5. Kovtun, 2;

7 Compton. R. 12, 19, 72-74; 90-92, στόλ. πι 2-3;

8. Rozanov, αρ.

9. Zheverzheev, 1230;

10. Βιβλίο. l., Νο. 33950;

11. Αρουραίοι, 59;

12. Tarasenkov. Με. 197;

Η πρώτη συλλογική λιθογραφημένη συλλογή Ρώσων φουτουριστών. Εκτός από τα σχέδια, ποιητικά και πεζογραφήματα των Khlebnikov και Kruchenykh αναπαράχθηκαν με λιθογραφημένο τρόπο (ο συγγραφέας της καλλιτεχνικής λύσης της σελίδας αναφέρεται στην περιγραφή). Μερικά από αυτά τυπώθηκαν από τον A. Kruchenykh χρησιμοποιώντας ένα παιδικό αλφάβητο στοιχειοθεσίας (σημειώνεται με έναν αστερίσκο στην περιγραφή). Το πίσω μέρος του εξωφύλλου είναι κατασκευασμένο από χοντρό χαρτί, οι σελίδες του κειμένου και οι εικόνες είναι τυπωμένες σε λεπτό γυαλιστερό χαρτί.

N. Rogovin (Nikolai Efimovich). Ζωγράφος και γραφίστας.

Έζησε στη Μόσχαστην Οστοζένκα, στο σπίτι του.

Ήταν κοντά στον κύκλο του Μ.Φ. Ο Λαριόνοφ.

Συμμετείχε στις εκθέσεις "Jack of Diamonds" (1910-1911),

«Ένωση Νέων» (1911), «Ουρά του Γαϊδάρου» (1912), «Στόχος» (1913).

Στη σοβιετική εποχή, η περιοχή ενδιαφέροντός του μετατοπίστηκε στην αρχιτεκτονική.

Τα σχέδια του Larionov και του Rogovin είναι σχεδιασμένα με πρωτόγονο τρόπο, ιδιαίτερα αξιοσημείωτη είναι η προσπάθεια αξιοποίησης των εκφραστικών δυνατοτήτων της πρωτόγονης και παιδικής τέχνης (φύλλα αρ. 5, 28, 30). Ο Larionov, μαζί με τα πρωτογονιστικά φύλλα, δίνει παραδείγματα του «λουχιστικού» στυλ (φύλλα αρ. I, 3, 7, κ.λπ.). Ενδιαφέρουσα είναι και η πρώτη εμπειρία του Tatlin στην εικονογράφηση ενός βιβλίου. Η εικόνα μιας παράστασης τσίρκου με ένα κεφάλι κομμένο, εξ ολοκλήρου χτισμένο σε γρήγορες «τρομερές» γραμμές, αποδείχθηκε ότι ήταν ένα πολύ επιτυχημένο ισοδύναμο με τις περίφημες γραμμές του Χλεμπνίκοφ «Να είσαι τρομερός σαν Οπάτζ…». Το φύλλο Larionovsky Νο. 9 γίνεται αντιληπτό ως εικονογράφηση σε γραμμές από ένα ποίημα του ποιητή Lotov, που αναφέρεται από τον Larionov στη συλλογή «Ουρά και στόχος του γαϊδάρου» («Oz zz zz zz o», σελ. 140). Ο μεγαλύτερος αριθμός σχεδίων ανήκε στη Ν. Γκοντσάροβα. Εκτός από τις απεικονίσεις σελίδα προς σελίδα για το Ταξίδι στον κόσμο της Kruchenykh, δημιούργησε μια σειρά από διακοσμητικά σχέδια (για παράδειγμα, φύλλα αρ. 10 και 11) που «στολίζουν» τη σελίδα με το κείμενο. Η συλλογή εκδόθηκε προφανώς στα τέλη Νοεμβρίου, αφού σημειώθηκε στο Χρονικό του Βιβλίου την πρώτη δεκαετία του Δεκεμβρίου. Η πρώτη «κριτική» του βιβλίου κυκλοφόρησε επίσης τον Δεκέμβριο [Blue Magazine]. Εξώφυλλο κάθε αντιγράφου. αντί για σχέδια στολίστηκε με χρωματιστό χάρτινο αυτοκόλλητο της Ν. Γκοντσάροβα. Υπάρχουν τρεις τύποι χαρτιού: πιο συχνά μαύρο (όπως στο περιγραφόμενο αντίγραφο), πράσινο (col. Cl. Leclanche-Boule, Paris) και χρυσό, με ανάγλυφο σχέδιο. Υπάρχουν 5 αντίγραφα στη συλλογή του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη. συλλογή με διαφορετικά σχεδιασμένο εξώφυλλο, σε μια περίπτωση το κολάζ ήταν από χαρτί με το λεγόμενο μαρμάρινο σχέδιο. Το ίδιο το αυτοκόλλητο έχει σχήμα λουλουδιού. Σε αυτό σημειώνονται καθαρά ο κάλυκας του άνθους, ο μίσχος και τα φύλλα που κατευθύνονται σε διαφορετικές κατευθύνσεις. Στην περίπτωσή μας, το «λουλούδι» βρίσκεται διαγώνια και με τη σιλουέτα του μοιάζει με παιδικό χάρτινο σκάφος (συμμετρικά τοποθετημένα «φύλλα» δίνονται ως ενιαία μάζα), τοποθετείται κάτω από ένα αυτοκόλλητο στο οποίο είναι τυπωμένη η επικεφαλίδα. Μια άλλη εκδοχή [Kovtun, Compton] προτείνει μια διαφορετική λύση: το «λουλούδι» βρίσκεται στο πάνω μέρος του εξωφύλλου, πάνω από τον τίτλο, και το σχήμα του είναι εμφατικά κατακόρυφο. Τρία προπαρασκευαστικά σχέδια της Ν. Γκοντσάροβα για τις λιθογραφίες Νο. 22, 24 και 34 είναι γνωστά, βρίσκονται σε ιδιωτική συλλογή στη Μόσχα. Αντίγραφο που ανήκε στον V. Bart βρίσκεται στην Εθνική Βιβλιοθήκη της Ρωσίας. Μέρος των λιθογραφιών των Goncharova και Larionov από αυτή τη συλλογή τυπώθηκε σε χοντρό χαρτί και συμπεριλήφθηκε στη συλλογή "16 Drawings by Natalia Goncharova and Mikhail Larionov".

Η ανομοιότητα μεταξύ των δημιουργικών αρχών του Larionov και της Goncharova δεν εμπόδισε και τους δύο καλλιτέχνες να εμφανιστούν μαζί. Το πρώτο πείραμα αυτού του είδους πραγματοποιήθηκε από αυτούς στη συλλογή των A. Kruchenykh και V. Khlebnikov "Mirskonets". Σε αυτό συμμετείχαν και οι Ν. Ρογκόβιν και Β. Τάτλιν, αλλά το κύριο μέρος των σχεδίων ανήκε στους Λαριόνοφ και Γκοντσάροβα. Τα σχέδια του Larionov διακρίθηκαν από τη μεγαλύτερη στυλιστική ποικιλομορφία. Δίπλα στα λουχιστικά «Street Noise» και «Lady at the Table», με τον περίφημο «Akhmet» να συντηρείται στο πνεύμα του «νηπιακού» πρωτογονισμού, τοποθετήθηκαν δύο συνθέσεις που μαρτυρούν τη μέγιστη προσέγγιση του καλλιτέχνη με τον κόσμο των πρωτόγονων. εικόνες. Και τα δύο προκαλούν το μεγαλύτερο ενδιαφέρον από την πλευρά των ερευνητών και συχνά ερμηνεύονται από αυτούς ως αδιαμφισβήτητη απόδειξη των ενισχυμένων αρχαιολογικών «μελετών» του καλλιτέχνη. Σύμφωνα με τον E. Parton, ο πρωτογονισμός του Larion οφείλει την ανάπτυξή του σε αρχαιολογικά ενδιαφέροντα. Το πρώτο σχέδιο είναι ένα πρωτόγονα ερμηνευμένο προφίλ ενός τραγουδιστή με επιμήκη κάτω γνάθο και σημειωμένους - με τη μορφή των γραμμάτων "033" - ήχους που εκπέμπονται από το στόμα. Ο Πάρτον το διαβάζει ως εικόνα ενός πρωτόγονου σαμάνου που αλλάζει την εμφάνισή του υπό την επίδραση του πνεύματος που τον έχει κατοικήσει. Το δεύτερο σχέδιο αποτελείται από σχηματικά ερμηνευμένα ειδώλια που υποδηλώνουν ανθρώπους που τρέχουν. Οι ρίγες, οι οποίες σχεδιάζονται με αταξία σε όλο το περιθώριο της σελίδας, γίνονται αντιληπτές τόσο από τον E. Parton όσο και από τον S. Compton ως απομίμηση εγκοπών χαρακτηριστικών της ροκ τέχνης. Η εξάρτηση από την πρωτόγονη «εικονογραφία» σε αυτά τα έργα του Larionov είναι αδιαμφισβήτητη - απλά κοιτάξτε τη σιλουέτα μιας γυναικείας φιγούρας που τοποθετείται στο δεύτερο σχέδιο με «κομμένα» μέλη τυπικά της παλαιολιθικής τέχνης. Αλλά από την άλλη πλευρά, είναι αδύνατο να αγνοηθεί εντελώς, όπως κάνουν και οι δύο ερευνητές, το γεγονός ότι τα σχέδια είναι εικονογραφήσεις που συνδέονται με συγκεκριμένα ποιήματα. Έτσι, στην πρώτη περίπτωση, το σχέδιο συσχετίζεται συνειρμικά με τις γραμμές του Kruchenykh:

Οι Old Believers χτυπούν από μέσα με τη φωτιά ενός πόκερ -από το απόσπασμά του «Μαύρα σπαθιά σφυρηλατούνται...».

Η δεύτερη σύνθεση συνδέεται με ένα μικρό θραύσμα του Khlebnikov, η αρχή του οποίου:

Το σύμπαν λέγεται Μίρια μισόπαιδα και βρίζουν τους ετοιμοθάνατους -

τοποθετείται στο ίδιο το φύλλο στο πλάι της εικόνας. Το όραμα του επικείμενου θανάτου που κωδικοποιείται σε αυτές τις γραμμές βρίσκει τη συνέχισή του στο σχέδιο του Larionov - στα αστέρια που πέφτουν από τον ουρανό, στο "βρυχηθμό των σπαθιών" που απεικονίζεται στην αριστερή πλευρά της σύνθεσης, στο σφύριγμα των σφαιρών, η πτήση των οποίων υποδεικνύεται με τεμνόμενες γραμμές κ.λπ. Η δεύτερη θέση στον αριθμό των σχεδίων της συλλογής ανήκε στη Ν. Γκοντσάροβα. Ο καλλιτέχνης εικονογράφησε το πεζό απόσπασμα των Kruchenykhs "Ταξίδι σε όλο τον κόσμο". Εκτός από τα σχέδια σελίδα προς σελίδα, ενωμένα στην παραδοσιακή της «σειρά», πρέπει επίσης να σημειωθούν δύο σελίδες κειμένου, που περιλαμβάνουν: στην πρώτη περίπτωση, μια εικόνα ενός ελαφιού, στη δεύτερη, ιστιοπλοϊκά σκάφη που επιπλέουν κατά μήκος του ποτάμι. Σε αντίθεση με το «Παιχνίδι στην Κόλαση», όπου η εικόνα και το κείμενο, που συναντώνται στην ίδια σελίδα, έμπαιναν σε σύγκρουση συνύπαρξης μεταξύ τους, εδώ βρίσκουμε ένα παράδειγμα πιο αρμονικής λύσης. Ένας από τους λόγους για αυτό είναι ότι οι φιγούρες που τοποθετήθηκαν στο κείμενο δεν είχαν σκούρο φόντο, οι γραμμές τους ήταν επομένως στο ίδιο επίπεδο με τις γραμμές του κειμένου. Έπαιξε επίσης τον ρόλο του ότι τα σχέδια, όπως και ολόκληρη η συλλογή στο σύνολό της, εκτελούνταν με μελάνι, που προκαθόριζε τον διακεκομμένο χαρακτήρα τους.

Σ. Κρασίτσκι. Περίπου στριμμένα. Στην αρχή των ένδοξων πράξεων.

Κακή γλώσσα

οι κραυγές μου αυτοαποκαλούνται

δεν χρειάζεται πρόλογος

Είμαι όλα καλά ακόμα και υβριστικά!

A. Kruchenykh για τον εαυτό του

Είστε οι πιο πεισματάρηδες από εμάς, για να πάρω παράδειγμα από εσάς.

Β. Παστερνάκ

«Η οξιά της ρωσικής λογοτεχνίας», το «παιδί τρομερό» του ρωσικού φουτουρισμού, ο «φουτουριστικός Ιησουίτης της λέξης», ο Alexei Kruchenykh είναι μια από τις βασικές προσωπικότητες και, ίσως, η πιο συνεπής φιγούρα της ρωσικής πρωτοπορίας στα έργα του. ριζοσπαστικές επιδιώξεις. Μπορούμε να πούμε με βεβαιότητα ότι κανένας από τους Ρώσους συγγραφείς του 20ου αιώνα δεν συνάντησε μια τόσο σταθερή παρεξήγηση μεταξύ των συγχρόνων, δεν υποβλήθηκε σε τέτοια υποτιμητική κριτική και, τελικά, σε μια τέτοια άδικη αξιολόγηση, όπως ο Kruchenykh. Επιπλέον, αυτή η παρεξήγηση (ή η προκλητική μη αναγνώριση), με προφανές ενδιαφέρον για τις δραστηριότητες του ποιητή, δεν ήταν απλώς μια στιγμιαία, γρήγορα παρελθούσα αντίδραση, αλλά επεκτάθηκε σε πολλές μεγάλες δεκαετίες και, στην πραγματικότητα, διήρκεσε αρκετές λογοτεχνικές εποχές. Ωστόσο, αυτού του είδους η «αντίδραση απόρριψης» δύσκολα μπορεί να εξηγηθεί μόνο με ιδεολογικούς λόγους (όπως ήταν στη σοβιετική περίοδο), αλλά οφείλεται επίσης σε πολλές έμφυτες ιδιότητες του έργου του Kruchenykh, στη θεμελιωδώς «ακραία» θέση που τήρησε. σε όλη τη μισή και πλέον αιώνα δημιουργικής του διαδρομής . Η φήμη ενός απελπισμένου περιθωριακού, ενός ακούραστου γραφομανή, ενός ακαταμάχητου πειραματιστή, ενός φρενήρη πολεμιστή που φαινόταν ανίκανος να φανταστεί την παραμονή του στην τέχνη εκτός μιας κατάστασης μόνιμης διαμάχης και ανατροπής των αρχών (που συχνά δημιουργούσε την εντύπωση της απόλυτης αυτάρκειας αυτή η διαμάχη, θα λέγαμε, μια διαμάχη "καθαυτή") είναι όλα αυτά που έκαναν τη θέση των Kruchenykhs πολύ ευάλωτη και, όπως λέγαμε, προοριζόταν για καταδίκη, γελοιοποίηση και απόρριψη. Χωρίς έντονη επιθυμία κατανόησης, εμβαθύνετε στην ουσία, το νόημα, το πάθος του έργου του ποιητή, χωρίς «μεθοδολογική εμπιστοσύνη» (κατά τα λόγια του Π. Φλορένσκι) στη δραστηριότητα του συγγραφέα, που είναι τόσο απαραίτητη όταν αναφερόμαστε στη λογοτεχνική κληρονομιά των Kruchenykhs (λόγω των εξαιρετικών ιδιαιτεροτήτων του υλικού), χωρίς να συνειδητοποιήσουμε ότι είναι αδύνατο να προσεγγίσουμε την ποίησή του ως "απλή ποίηση", καθώς κατά την ανάγνωση είναι απαραίτητο να ληφθούν υπόψη πολλές πρόσθετες προϋποθέσεις, αναπτύσσοντας έτσι μια ειδική μέθοδος ανάγνωσης - χωρίς όλα αυτά, μια περισσότερο ή λιγότερο επαρκής αντίληψη του φαινομένου Kruchenykh είναι πραγματικά αδύνατη. Και υπό αυτή την έννοια, η αντίδραση της πλειονότητας των κριτικών στο έργο των «πιο άγριων» (από αυτοπροσδιορισμό) ποιητών φαίνεται στο σύνολό της φυσική και λογική. Ωστόσο, τώρα, με τη δυνατότητα μιας πιο ολιστικής εξέτασης της διαδρομής της ρωσικής λογοτεχνίας (ή κάποιου πολύ σημαντικού μέρους της) στον 20ο αιώνα, μέχρι τις τελευταίες τάσεις, γίνεται προφανής όχι μόνο η αυτάρκης φύση του Τα ποιητικά πειράματα του Kruchenykh ως ιστορικό και πολιτιστικό φαινόμενο μιας ορισμένης περιόδου, περιόδου της κλασικής ρωσικής πρωτοπορίας, αλλά και σίγουρα πολλά υποσχόμενος και κατά κάποιο τρόπο οραματικός χαρακτήρας των δραστηριοτήτων του. Αυτό ισχύει επίσης για την επιρροή, άμεση ή έμμεση, στο έργο των ποιητών της επόμενης γενιάς και για το γεγονός ότι ο Kruchenykh ήταν ένας από τους πρώτους που έθεσε και, με τον δικό του τρόπο, προσπάθησε να επιλύσει το ζήτημα των εντελώς νέων αρχών για η ύπαρξη της λογοτεχνίας ως τέχνη του λόγου στο πλαίσιο πραγματικοτήτων που προέκυψαν ακριβώς τον 20ο αιώνα, σχετικά με τη σχέση της λογοτεχνίας με άλλα είδη τέχνης και άλλους τομείς της ανθρώπινης ύπαρξης.

στριμμένα, Alexey Eliseevich γεννήθηκε το 1886 σε μια αγροτική οικογένεια στο χωριό Olivskoye, Vavilov volost, επαρχία Kherson. Μετά την αποφοίτησή του από το Κολέγιο Τέχνης της Οδησσού, το 1906 έλαβε το δίπλωμα του καθηγητή γραφικών τεχνών. Η καλλιτεχνική εκπαίδευση και η επαγγελματική ζωγραφική για τη μελλοντική λογοτεχνική πρακτική των Kruchenykhs θα είναι εξαιρετικής σημασίας. για τον ρωσικό φουτουρισμό, ο οποίος εμφανίστηκε σε λίγα χρόνια ως μια δεμένη ομάδα, αυτό θα γίνει γενικά το πιο σημαντικό φαινόμενο, καθώς μια από τις κύριες αρχές της λογοτεχνικής πρακτικής των «μπουντελίαν» (το ρωσικό συνώνυμο της λέξης «φουτουριστές» που προτείνει ο V. Khlebnikov) θα είναι ο προσανατολισμός της λογοτεχνίας στις μεθοδολογικές αρχές της τελευταίας ζωγραφικής, που εκφράζεται στο κάλεσμα του Khlebnikov: «Θέλουμε η λέξη να ακολουθεί με τόλμη τη ζωγραφική». Προφανώς, η γνωριμία στην Οδησσό (περίπου 1904-1905) με τον David Burliuk έγινε σημαντική για τη δημιουργική μοίρα των Kruchenykhs (τόσο μοιραία όσο και οι επόμενες γνωριμίες με τον μελλοντικό «πατέρα του ρωσικού φουτουρισμού» Vladimir Mayakovsky, Benedikt Livshits και ορισμένους άλλους συμμετέχοντες στο φουτουριστικές κινήσεις). Εν τω μεταξύ, πριν από τον πραγματικό σχηματισμό μιας θορυβώδους φουτουριστικής εταιρείας που έλαβε χώρα την άνοιξη του 1912, ο Kruchenykh συμμετέχει στις εκθέσεις τέχνης Impressionists (Αγία Πετρούπολη) και Wreath (Kherson), ενεργεί ως καλλιτέχνης σε έντυπη μορφή, δημοσιεύει έναν αριθμό έργων ζωγραφικής, καθώς και μυθοπλασίας. Το πρώτο ποιητικό έργο των Kruchenykhs εμφανίστηκε στην εφημερίδα Kherson Vestnik στις αρχές του 1910. Το ποίημα «Η θεατρική εγκυκλοπαίδεια της Χερσώνας» δεν διαφέρει πολύ από πολλά άλλα ποιητικά φειλετόνια τυπικά του περιοδικού Τύπου. Αλλά γνωρίζοντας την περαιτέρω δημιουργική μοίρα του συγγραφέα του, είναι ήδη δυνατό να εξετάσουμε μερικά από τα περιγράμματα της λογοτεχνικής θέσης των Kruchenykhs σε αυτό: συνειδητοποίηση και διεκδίκηση του εαυτού του στην πολεμική, η καταπολέμηση των στερεοτύπων, μια ματιά στα φαινόμενα και τα φαινόμενα της ζωής της τέχνης, σκηνοθετημένη, όπως λες, από το πλάι, από την άκρη, από το πλάι, σε μια ιδιαίτερη, απροσδόκητη, ασυνήθιστη οπτική. Θα παραμένει πάντα πιστός σε μια τέτοια θέση (ενώ αλλάζει συνεχώς τη γωνία παρατήρησης). Μιάμιση δεκαετία αργότερα, ο B. Pasternak, χαρακτηρίζοντας αυτό το «ακραίο», «οριακό» αισθητικό δόγμα των Kruchenykhs, θα γράψει αναφερόμενος σε αυτόν: «Ο ρόλος σου σε αυτό (στην τέχνη) είναι περίεργος και διδακτικός. Είσαι στην άκρη του. Κάνετε στην άκρη, και είστε έξω από αυτό, δηλαδή σε έναν ακατέργαστο φιλισταίο, που έχει περισσότερες ιδιορρυθμίες από ό,τι συνήθως πιστεύεται. Είσαι ένα ζωντανό κομμάτι των νοητών συνόρων του». Είναι αρκετά δύσκολο να μιλήσουμε για τους λογοτεχνικούς «δάσκαλους» του Kruchenykh, για τους συγγραφείς που επηρέασαν περισσότερο το έργο του. Ο ίδιος δεν μίλησε ανοιχτά για τις λογοτεχνικές του προτιμήσεις ούτε σε θεωρητικά ούτε στα απομνημονεύματα, και αυτό δύσκολα θα μπορούσε να το περίμενε κάποιος από εκείνους που πέταξαν σχεδόν όλη την προηγούμενη και σύγχρονη λογοτεχνία «από το ατμόπλοιο της νεωτερικότητας». Ωστόσο, όπως είναι γνωστό, η ανάπτυξη των υφιστάμενων τάσεων και παραδόσεων μπορεί να εκδηλωθεί διαλεκτικά στην άρνησή τους, την απώθησή τους και τις προσπάθειες υπέρβασής τους. Ναι, και ένα πράγμα είναι οι κατηγορικές απαιτήσεις των μανιφέστων και των διακηρύξεων, άλλο είναι η λογοτεχνική πρακτική (εξάλλου, ο B. Livshits παραδέχτηκε στα απομνημονεύματά του ότι ακόμη και εκείνη την εποχή «κοιμόταν με τον Πούσκιν κάτω από το μαξιλάρι»: «... είμαι εγώ μόνος;Δεν συνέχισε και σε όνειρο να ενοχλεί αυτούς που το δήλωναν πιο ακατανόητο από τα ιερογλυφικά;»). Ο Kruchenykh, όπως κανένας από τους Ρώσους μελλοντολόγους, διακρίθηκε από συνεχή έντονη προσοχή στη ρωσική λογοτεχνία. Ένα άλλο πράγμα είναι ότι επιλέγει και πάλι μια ειδική, συγκεκριμένη προσέγγιση σε αυτό (για παράδειγμα, από τη σκοπιά της πάλης των Ρώσων συγγραφέων με τον «διάβολο», σε πτυχές της «μετατοποθέτησης» ή του πρωκτικού ερωτισμού): από τη μια πλευρά , αυτό πρότεινε μια νέα, φρέσκια ματιά στο , φαίνεται ότι όλοι γνώριζαν από καιρό, αλλά από την άλλη πλευρά, θα έπρεπε να είχε συμβάλει στην απαξίωση των κλασικών ή των πιο εξέχων σύγχρονων συγγραφέων (κυρίως συμβολιστών) και στην καθιέρωση του τελευταία τέχνη, συμπεριλαμβανομένου του ίδιου του ("Ρώσοι συγγραφείς αντικαταστάθηκαν από δημιουργούς ομιλίας - μελλοντικοί άνθρωποι bayachi"). Στην περίπτωση του Kruchenykh, οι λογοτεχνικές του συμπάθειες, προφανώς, μπορούν να κριθούν από το ποιος από τους συγγραφείς έγινε συχνότερα αντικείμενο των επιθέσεων του σε ποιητικά και θεωρητικά έργα. Ιδιαίτερο ενδιαφέρον, φυσικά, για την «αρχή όλων των αρχών». Και ήδη στο πρώτο βιβλίο στίχων των Kruchenykhs, το ποίημα «Game in Hell» (1912), που δημιουργήθηκε σε συνεργασία με τον V. Khlebnikov, το οποίο ο ίδιος ο συγγραφέας περιέγραψε ως «ειρωνικό, φτιαγμένο με τη λαϊκή εκτύπωση, κοροϊδία του αρχαϊκού διάβολος», η έκκληση των συγγραφέων στην παράδοση Πούσκιν είναι προφανής (ο R. Jacobson έγραψε επίσης γι 'αυτό αργότερα). Αργότερα, στο "Abstract Rot", ο Kruchenykh θα προσφέρει τη δική του εκδοχή του "Eugene Onegin", που θα εκτίθεται σε δύο γραμμές. Ακόμη αργότερα, ο Πούσκιν θα αποδειχτεί σύμμαχος των Κρουτσενίκ στην ανάπτυξη της θεωρίας του για τη «μετατόπιση». Το ενδιαφέρον των Ρώσων φουτουριστών για τον παράλογο, παράλογο, παράλογο κόσμο των έργων του Γκόγκολ είναι γνωστό. Αναφέρεται επανειλημμένα στα έργα του Kruchenykh Lermontov. Από τους σύγχρονους από το Kruchenykh, ο Fyodor Sologub παίρνει τα περισσότερα από όλα (σύμφωνα με τον Kruchenykh - "Sologubeshka"): "η ξυπνημένη ακρίδα (κακά πνεύματα) άρπαξε νυσταγμένα τη Salogub και, μασώντας τα χείλη της, τον έκανε εμετό και βγήκε από το στόμα της ζαρωμένο, χαλαρό και ξυρισμένο»· «Δεν είναι τυχαίο που σε ορισμένες επαρχίες το να σκοτώνεις σόλο σημαίνει να ασχολείσαι με τον αυνανισμό! «Στην «Πρώτη βραδιά των δημιουργών λόγου στη Ρωσία», που πραγματοποιήθηκε στη Μόσχα τον Οκτώβριο του 1913, ο Kruchenykh (μπορεί να υποτεθεί ότι είναι αρκετά ειλικρινής) αποκάλεσε τον Ardalyon Peredonov από το μυθιστόρημα «The Petty Demon» τον μόνο θετικό τύπο στη ρωσική λογοτεχνία , γιατί «είδε άλλους κόσμους έχει τρελαθεί». Και ίσως είναι η επιρροή του Sologub (τονισμός, κίνητρα, γλώσσα - μια τέτοια χαρακτηριστική γλώσσα δεμένη με γλώσσα) που είναι αισθητή στα ποιήματα των Kruchenykhs, που περιλαμβάνονται στα βιβλία "Old Love" (M.,) και "Forest Boom " (Αγία Πετρούπολη,). Ωστόσο, ο ίδιος παραδέχτηκε αργότερα ότι στα πρώτα του ποιητικά πειράματα ασχολήθηκε με το «λάδωμα των ελών της περιοχής Sologub». Για τον ρωσικό φουτουρισμό, ειδικά για τους πιο ριζοσπαστικούς και μαχητικούς από τις ομάδες του - τους κυβοφουτουριστές γενικά, ήταν χαρακτηριστικό να συνειδητοποιεί κανείς και να επιβεβαιώνει τον εαυτό του κυρίως μέσω της άρνησης. Οι μηδενιστικές, εξωτερικά καταστροφικές τάσεις, κυρίως στην αρχή, κυριάρχησαν στη ζωγραφική, στη λογοτεχνία, στα θεωρητικά έργα, στη συμπεριφορική πρακτική των «μπουντελλιανών». Έτσι οι κύριες συμβολιστικές εικόνες αντικαθίστανται στην ποίηση των μελλοντολόγους από τον «νεκρό ουρανό», τα αστέρια «σκουλήκια», το «ψείρα» φεγγάρι του David Burliuk, τον κατακτημένο ήλιο και τον ετοιμοθάνατο κόσμο του Alexei Kruchenykh, το «φτύνει». αστέρια και το «σύννεφο με το παντελόνι» του Βλαντιμίρ Μαγιακόφσκι. Αντί για την ιδανική «αιώνια θηλυκότητα» - μια «απλή ένδοξη» Ίνκα ή «Μάσα με κόκκινο πρόσωπο» (ή γενικά η διακήρυξη της «κακής περιφρόνησης για τις γυναίκες και τα παιδιά»). Και επίσης - μια συγγνώμη για "γουρούνα", βιβλία που δημοσιεύονται σε ταπετσαρία ή χαρτί περιτυλίγματος, σκανδαλώδεις, προκλητικές ομιλίες, που συχνά καταλήγουν σε σκάνδαλα και παρέμβαση αστυνομικού, προκλητική εμφάνιση (ζωγραφισμένα πρόσωπα, καρότα σε μια κουμπότρυπα, "κίτρινο" του Μαγιακόφσκι σακάκι», κλπ.). ). Έτσι η τέχνη ξεπέρασε τη γραμμή που την χώριζε παραδοσιακά από τη ζωή, εισέβαλε στη ζωή με τον πιο αποφασιστικό τρόπο, επηρέασε τη ζωή, έγινε μέρος της ζωής. Η δημιουργία ζωής, ένας αποφασιστικός, επαναστατικός μετασχηματισμός της πραγματικότητας -αυτό ήταν το υπερ-καθήκον του φουτουρισμού- ο στόχος, φυσικά, όπως πίστευαν οι ίδιοι οι «μπουντελίαν», δικαιολογεί τα μέσα. Και δεν έχει σημασία ποια ήταν η αντίδραση του απαίσιου λαϊκού (γέλιο, εκνευρισμός, αγανάκτηση, αλαζονική αηδία, επιθυμία να χαλιναγωγηθούν οι «ιππότες του πράσινου γαϊδάρου» με τη βοήθεια του νόμου) - το κύριο πράγμα είναι ότι αυτή η αντίδραση ήταν. «Μου αρέσει ο τρόμος. Ο Τσουκόφσκι, ο Ρέντκο και ο Φιλοσόφωφ μπροστά στους «σβινοφίλους», έγραψε ο Κρουτσενίκ. - Ναι, απωθήσαμε την ομορφιά και το μυαλό, τη γυναίκα και τη ζωή σας έξω, πείτε μας ληστές, βαρετούς, χούλιγκαν! .. "Και τόσα πολλά στη φουτουριστική πρακτική έγιναν σύμφωνα με τις αρχές" Εσείς! "και" Nate! "; εξ ου και ο σαφώς υπερτροφικός ανθρωποκεντρισμός πολλών φουτουριστών (μια άλλη αρχή είναι το «εγώ!»), Και παρόλο που αυτή η «αρχή» συνδέεται συνήθως δικαίως με την προσωπικότητα του Β. Μαγιακόφσκι, αναμφίβολα, εκπροσωπήθηκε και στο έργο των συνεργατών του, συμπεριλαμβανομένων και μεταξύ των Kruchenykhs, αν και σε μια πολύ περίεργη μορφή, που καθορίζεται από προσωπικές ιδιότητες και καθήκοντα που πρέπει να επιλυθούν. Γενικά, συνολικά, η ομάδα των «budetlyans» ήταν, προφανώς, ένα πολύ εντυπωσιακό σύνολο αποτελούμενο από πολύχρωμες φιγούρες, σε καθεμία από τις οποίες - τόσο στην τέχνη όσο και, ας πούμε, στη ζωή - είχε ανατεθεί ένας ατομικός ρόλος που έρχεται σε αντίθεση με άλλοι . Και τώρα είναι δύσκολο να προσδιοριστεί με βεβαιότητα τι στη θέση, στη συμπεριφορά αυτού ή του άλλου μελλοντολόγο ήταν μια αληθινή, ειλικρινής εκδήλωση προσωπικών ιδιοτήτων και ποιο ήταν το αποτέλεσμα συνειδητής και σκόπιμης εργασίας για τη δημιουργία μιας εικόνας, στοχαστική ή αυθόρμητη παιχνίδι για το κοινό, μπράβο, εκφοβισμός - κατ 'αρχήν, δεν έχει σημασία, και αυτό ακριβώς το κοινό ανησυχούσε λιγότερο από όλα για το ζήτημα της «ειλικρίνειας» των μελλοντολόγους. Σε πολυάριθμα ρεπορτάζ των ρεπόρτερ, σε φωτογραφίες που τους απαθανάτισαν, σε απομνημονεύματα, έμειναν για πάντα: επιβλητικοί, μονόφθαλμοι, με μια λοργκνέ στα χέρια, κυνικός και άθραυστος David Burliuk. ισχυρός, έτοιμος, φαίνεται, να συντρίψει τα πάντα στο πέρασμά του, με δυνατή φωνή, «όμορφο είκοσι δύο ετών» Βλαντιμίρ Μαγιακόφσκι. Ο Velimir Khlebnikov, μια ήσυχη ιδιοφυΐα, αποξενωμένος, προφανώς, από οτιδήποτε εγκόσμιο, μένει συνεχώς στον εσωτερικό του κόσμο και χτυπάει έντονα τους γρίφους μιας παγκόσμιας κλίμακας. Και στη συνέχεια (πάλι - δίπλα, στο πλάι, όχι στο κέντρο) - ευκίνητος, νευρικός, ανήσυχος, ένα είδος πονηρού "αστείου τύπου" από το διάσημο ποίημα Khlebnikov, και ακόμη και με ένα τόσο εκφραστικό επώνυμο - Kruchenykh. Τον αποκαλούν «γουρουτσόφιλο» - και συμφωνεί. Τον λένε τρελό, τηλεφωνούν να τον στείλουν σε άσυλο τρελών - ο ίδιος πηγαίνει χαρούμενος «στην Ουντελνάγια» και απαγορεύει να διαβάζει τα βιβλία του «με τα καλά του». Αλλά αν ο Kruchenykh προκαλούσε γέλιο, ήταν συχνά τεταμένο, νευρικό γέλιο, που συνόρευε με μια αίσθηση κινδύνου, ακόμη και φόβο. Επιπλέον, είδαν σε αυτόν μια από τις ενδεικτικές προσωποποιήσεις του φουτουρισμού, ένα από τα πρόσωπα του «Ερχόμενου Ζαμπόν» (κατά τα λόγια του Ντ. Μερεζκόφσκι). Και τον πήραν πολύ στα σοβαρά.

Goncharova N.S. «Γυναίκες με τσουγκράνα» 1907 Λάδι σε καμβά

"Παγώνι κάτω από τον λαμπερό ήλιο" 1911 Λάδι σε καμβά. 129 x 144 εκ.
Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Περιγραφή της εικόνας

Ο καλλιτέχνης απεικόνισε το ίδιο παγώνι σε 10 στυλ (στο "αιγυπτιακό" στυλ, με τη μορφή "ρωσικού κεντήματος", φουτουριστικό, κυβιστικό κ.λπ.). Δημιουργήθηκε μια ολόκληρη σειρά με τίτλο «Καλλιτεχνικές δυνατότητες για το παγώνι». Ήταν το σύμβολό της, το σύμβολο της τέχνης της.

Το παγώνι ήταν κοντά στην Goncharova, γιατί είναι ένα βαθύ ολιστικό σύμβολο. Για παράδειγμα, στη ρωμαϊκή τέχνη, θα μπορούσε να σημαίνει τον θρίαμβο των θυγατέρων του αυτοκράτορα. Στην Ανατολή, το παγώνι ήταν η έκφραση της ψυχής, που αντλούσε τη δύναμή της από τις αρχές της ενότητας. Στον Χριστιανισμό, το παγώνι θεωρούνταν εικόνα πίστης στην αθανασία και την ανάσταση και το φτέρωμά του από τα «χίλια μάτια» έδειχνε παντογνωσία. Το πολύχρωμο φτέρωμα υπαινίσσεται την ομορφιά του κόσμου (στην Κίνα) και η ίδια η πράξη της δημιουργίας στο Ισλάμ είναι σύμβολο του Σύμπαντος).

Το παγώνι μπορεί να εκληφθεί ως σημάδι της ενότητας του Είναι. Ο συμβολισμός του συνδέεται με εκείνους τους αρχαίους συγκριτικούς πολιτισμούς που τόσο πολύ αγάπησε ο καλλιτέχνης. Στην αιγυπτιακή εκδοχή, το κεφάλι και ο λαιμός του παγωνιού απεικονίζονται σε προφίλ και η ουρά, σύμφωνα με τους κανόνες της αιγυπτιακής τέχνης, είναι στραμμένη μετωπικά. Ταυτόχρονα, φαίνεται να απλώνεται στο επίπεδο ενός σκούρου φόντου, ξεχωρίζοντας με το μοναδικό φτέρωμά του. Φαίνεται να καλύπτεται όχι με φτερά, αλλά με έντονα χρώματα, επηρεάζοντας τον θεατή πιο φυσιολογικά.

Μια πραγματικά αρχέγονη ενέργεια ενσωματώνεται σε έντονα χρώματα, που θυμίζουν παρόμοιες ενσαρκώσεις ανθρώπινων συναισθημάτων στη ρωσική λαϊκή τέχνη. Προφανώς, αυτός ο πίνακας αντανακλούσε το πάθος του νεαρού καλλιτέχνη για τους πίνακες του Γκωγκέν με τον πολύχρωμο εξωτισμό τους και την ελευθερία της φυσικής ζωής.

Goncharova N.S. «Κουρή προβάτων» 1907 Λάδι σε καμβά

"Ποδηλάτης" 1913 Λάδι σε καμβά. 78x105 εκ.
Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη, Ρωσία

Περιγραφή της εικόνας

Η εικόνα αποδίδει με ακρίβεια τη γρήγορη ταχύτητα κίνησης. Οι πινακίδες του δρόμου τρεμοπαίζουν μπροστά από έναν ποδηλάτη που τρέχει με ταχύτητα και συγχωνεύονται σε ένα. Η γρήγορη κίνηση των τροχών μεταδίδεται μέσω της επαναλαμβανόμενης επανάληψης τους ο ένας δίπλα στον άλλο.

Και ο ίδιος ο άνθρωπος, σκύβοντας στο τιμόνι, στρωματοποιείται, γίνεται υποταγμένος στη γενική ιδέα - ταχύτητα. Αυτά είναι τα κύρια σημάδια του φουτουρισμού - η μετατόπιση των περιγραμμάτων, η επανάληψη των λεπτομερειών και η συμπερίληψη ημιτελών θραυσμάτων. Αποσυνθέτοντας τις μορφές του ορατού κόσμου, η Goncharova, ωστόσο, κατάφερε να δημιουργήσει μια ολιστική εικόνα της δυναμικής στη ζωή ενός ατόμου.

Αυτή η εικόνα ενσωματώνει την αισθητική του εικοστού αιώνα - έναν αιώνα τεχνολογικής προόδου και επιταχυνόμενου ρυθμού ζωής.

Η πρώτη ρωσική επανάσταση του 1905 έχει ήδη γίνει. Την παραμονή του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, που ξεκίνησε το 1914, η ταραχώδης κατάσταση στην κοινωνία καταγράφηκε διακριτικά από τον καλλιτέχνη και εκφράστηκε σε μια αθώα πλοκή - μια υπό όρους φιγούρα ενός άνδρα σε ένα ποδήλατο.

Αυτός είναι ένας από τους καλύτερους πίνακες του καλλιτέχνη στο στυλ του κυβοφουτουρισμού. Το επόμενο έργο της Goncharova πήγε στο πνεύμα του νέου στυλ που εφευρέθηκε από τον M. Larionov "Rayonism".

Khorovod 1910 Μουσείο Ιστορίας και Τέχνης Λάδι σε καμβά, Serpukhov, Ρωσία

Αρχάγγελος Μιχαήλ 1910 Λάδι σε καμβά 129,5 x 101,6 εκ.

Goncharova N.S. «Λειτουργία, Αγ. Andrey" 1914

Goncharova N.S. "Η Παναγία και το παιδί." Περιγραφή του πίνακα

Η εικόνα είναι φτιαγμένη στο πνεύμα της ρωσικής εικονογραφίας. Η καλλιτέχνης χρησιμοποίησε παραδοσιακά σχήματα και τεχνικές, και ταυτόχρονα δεν περιοριζόταν από κανένα όριο.

Η Μητέρα του Θεού απεικονίζεται με κίτρινες ρόμπες με καφέ πτυχώσεις. Στο αριστερό της χέρι κάθεται ένα μωρό, το οποίο κρατά με το δεξί. Σε αντίθεση με τις ορθόδοξες παραδόσεις, το παιδί δεν κοιτάζει ούτε αυτήν ούτε τον θεατή. Ένα απλό μπλε φόντο είναι γεμάτο με πρωτόγονα ερμηνευμένα πράσινα φυτά και φιγούρες αγγέλων. Η υπό όρους ερμηνεία του προσώπου της Μητέρας του Θεού συμπληρώνεται από τον μη παραδοσιακό χρωματισμό του, που είναι χαρακτηριστικός για τον Ραγιονισμό.

Η ελεύθερη πλαστική μεταμόρφωση των μορφών των αγγέλων και του παιδιού Χριστού συμπληρώνεται από την ηχητικότητα των φωτεινών χρωμάτων, που απομακρύνει την εικόνα από τους κανόνες της αγιογραφίας και την τοποθετεί σε μια άξια θέση ανάμεσα στα επιτεύγματα των ομοϊδεατών.

Goncharova N.S. "Κορέσιμο" 1910

Goncharova N.S. «Συγκομιδή» 1911

Goncharova N.S. "Μικρός σταθμός" 1911

"Airplane over the train" 1913 Λάδι σε καμβά. 55 x 83 εκ
Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών της Δημοκρατίας του Ταταρστάν, Καζάν, Ρωσία

Goncharova N.S. "Γάτες" 1913

Goncharova N.S. "Χοροί των χωρικών" 1911

Goncharova N.S. "Λουλούδια" 1912

Goncharova N.S. "Washerwomen" 1911

Goncharova N.S. "Dynamo" 1913

"Πορτρέτο του Λαριόνοφ" 1913 Λάδι σε καμβά. Μουσείο Ludwig, Κολωνία, Γερμανία

Goncharova N.S. Nutbumort με μια τίγρη, 1915

Goncharova N.S. «Φυτεύοντας πατάτες» 1908-1909

Goncharova N.S. «Λεν» 1908

Goncharova N.S. Pillars of Salt, 1908 Περιγραφή του πίνακα

Ο πίνακας χαρακτηρίζεται από μεγάλη αρχιτεκτονικότητα, πολυπλοκότητα και πολυμορφική σύνθεση, ποικιλία γωνιών, ελευθερία στην κατασκευή των μορφών.

Χρησιμοποιώντας την τεχνική της «γραφικής ιστορίας», η Goncharova παίρνει ως βάση της σύνθεσης τον βιβλικό μύθο του Lot, αλλά τον επαναλαμβάνει με μια παρέκβαση.

Το σημείο έλξης για την κυβιστική ερμηνεία είναι η στιγμή της μετατροπής της ανθρώπινης φιγούρας σε κρύσταλλο αλατιού με φόντο την ανατρεπόμενη πόλη.

Στην ερμηνεία του Goncharov, όλοι οι συμμετέχοντες στη σκηνή μετατράπηκαν σε στύλους - ο Λοτ και η σύζυγός του και οι κόρες του, ακόμη και τα μελλοντικά τους παιδιά.

Πολλές εικονογραφικές και πλαστικές τεχνικές απορρέουν από τον προηγούμενο πίνακα «Ο Θεός της Γονιμότητας», δηλαδή η ερμηνεία του προσώπου, ειδικά το διπλό χείλος των ματιών, η γραμμή των φρυδιών που περνά στη μύτη, το κεφάλι φυτεμένο στους ώμους, τα λεπτά χέρια και πόδια, έντονες παραμορφώσεις αναλογιών, κυριαρχία 4- μορφών άνθρακα.

Στην εικαστική ανάπτυξη της επιφάνειας σκιαγραφείται επίσης ένα νέο στοιχείο - που έχει σχήμα «χελονοουράς» στην εικόνα του Λωτ. Εδώ δεν έχει ακόμη αποκαλυφθεί επαρκώς ούτε λειτουργικά ούτε εικονογραφικά, αλλά σε επόμενα έργα θα βρει τη θέση του.

Goncharova N.S. "Stone Maiden" 1908

Goncharova N.S. «Χωριάτες» 1910

Goncharova N.S. «Γυμνή Νίγρη». Περιγραφή της εικόνας

Αυτός ο πίνακας είναι ένα καλό παράδειγμα του πρωτογονισμού της Goncharova. Αναπνέει την υπερενέργεια της κίνησης της φύσης και τον δυναμισμό του ίδιου του πίνακα. Ταυτόχρονα είναι κοντά και στον Πικάσο και στον Ματίς.

Στην ερμηνεία των ποδιών, των χεριών, και ειδικά στη μορφή και το στήσιμο του κεφαλιού, μπορεί κανείς να νιώσει την πλαστική εγγύτητα του Dryade and Friendship του Πικάσο. Η σκίαση στο πρόσωπο προκαλεί συσχετισμούς με τον «Χορό με Πέπλα».

Η επιρροή του Matisse είναι αισθητή στην ομαδοποίηση της φιγούρας που απεικονίζεται σε έναν γρήγορο χορό, που επιτρέπει την ταυτόχρονη εμφάνιση από διαφορετικές γωνίες, χρωματικές αντιθέσεις (μαύρη φιγούρα σε κατακόκκινο-ροζ φόντο), στην έκφραση της κίνησης, συνοπτικότητα της φιγούρας σε ελάχιστο χώρο και υπερανακούφιση των περιγραμμάτων, στην αισιοδοξία των εικόνων.

Η Goncharova μαλακώνει την κυβιστική κοπή και επιτυγχάνει μεγαλύτερη πλαστικότητα της εικόνας, σε σύγκριση με τα συναισθηματικά σπασίματα των μορφών στους καμβάδες των ειδώλων της. Η δημοτικότητα της εικόνας διευκολύνθηκε από την πολιτιστική επέκταση του πληθυσμού από τις κατακτημένες χώρες, οι οποίες σάρωσαν τις χώρες της Ευρώπης. Το πάθος για τις νέες φόρμες αναπτύχθηκε από Ρώσους καλλιτέχνες ακολουθώντας τους Ευρωπαίους ομολόγους τους.

Goncharova N.S. «Κενό». Περιγραφή της εικόνας

Αυτή η εικόνα είναι εξαίρεση και καινοτομία ταυτόχρονα. Στο έργο της Goncharova, για πρώτη φορά σχεδόν σε όλη τη ρωσική avant-garde ζωγραφική, εμφανίζεται μια αφηρημένη δομή με τη μορφή πολύχρωμων ομόκεντρων δακτυλίων ακανόνιστου σχήματος.

Αυτή η δομή, η οποία έχει μια βιολογική, πρωτεϊνική μορφή, είναι ασταθής στο περίγραμμα, συρρικνώνεται και διαστέλλεται σε πλάτος και βάθος, παρόμοια με μια άγνωστη υλική ουσία, μια έκρηξη ενέργειας. Είναι γεμάτο, όπως πάντα με την Goncharova, με πνοή ζωής, ωστόσο, η ζωή ενός διαφορετικού επιπέδου - η ζωή της σκέψης έχει σημασία.

Ο ρυθμός και η εναλλαγή μπλε και λευκών δαχτυλιδιών μειούμενου μεγέθους με το μεταβαλλόμενο πλάτος της ζώνης με πυκνή λεία υφή δημιουργεί τον δικό του χώρο, που ρέει μέσα σε αυτές τις φόρμες, ρέει γύρω από έναν άλλο χώρο, που σχηματίζεται από μια γραφική μάζα μαύρου-πράσινου-λιλά χρώματος με ματ υφή. Ο περιβάλλον χώρος γίνεται διαπερατός, παρά την ιδιότητα της σκούρας ματ δομής να απορροφά όλο το φως.

Η Goncharova παραβιάζει τη φυσική του χρώματος και τη φυσική της ύλης, καταστρέφοντας την ενότητα και την πυκνότητα του υλικού που δημιουργούνται από τις χρωστικές χρωστικές, εισάγοντας στοιχεία λευκής βαφής που μοιάζουν με ανταύγειες καθρέφτη. Το επίπεδο ολόκληρου του εικονιστικού πεδίου της εικόνας φαίνεται να χάνει τα υλικά του όρια. Και η σύνθεση είναι έτοιμη να τα ξεπεράσει, αποτελώντας, σαν να λέγαμε, μια απεικόνιση της θέσης στις 4 διαστάσεις: "Η εικόνα ολισθαίνει, δίνει μια αίσθηση αυτού που μπορεί να ονομαστεί 4η διάσταση - διαχρονική και εξωχωρική ... ".

Όγκος υλικού - χρώματα, η υφή τους, δηλ. "γεμάτο" - απεικονίζει "κενό": το "γεμάτο" προκαλεί "κενό", ο όγκος γίνεται κατηγορία χώρου. Η εικόνα μπορεί να φαίνεται καθαρά αφηρημένη. Αν σκεφτείτε τη θεοσοφική γνώση, μπορείτε να φανταστείτε ότι η κεντρική λευκή κηλίδα μοιάζει με προσδιορισμό ενός τούνελ που οδηγεί σε έναν άλλο κόσμο, σε ένα φανταστικό «κενό». Αυτό είναι ένα απόκοσμο χρώμα. Οι μπλε δακτύλιοι είναι ένα είδος βημάτων μέσα από αυτό το τούνελ σε έναν άλλο κόσμο.

Το θέμα της μετάβασης σε έναν άλλο κόσμο δεν είναι η πρώτη φορά που τίθεται στα έργα των καλλιτεχνών. Παρόμοια τούνελ υπήρχαν στα έργα άλλων καλλιτεχνών-φαντάσματα. Εντυπωσιακό παράδειγμα είναι το «The Birth of the Human Soul» το 1808 του Γερμανού ρομαντικού F.O. Runge.

Goncharova N.S. «Άγγελοι που ρίχνουν πέτρες στην πόλη». Περιγραφή της εικόνας

Ένας από τους 9 εκφραστικούς πίνακες του γενικού κύκλου που ονομάζεται «Συγκομιδή».

Σε αυτή την εικόνα, η Goncharova χτίζει τη δική της θρησκευτική εικόνα του κόσμου. Η κορυφή αυτού του κόσμου είναι ο θεϊκός ουράνιος κόσμος. Τα πάντα στη γη γίνονται υπό την αιγίδα του και πολεμιστές άγγελοι παρεμβαίνουν άμεσα στην επίγεια ζωή, αντιτιθέμενοι στον τεχνισμό και την πολεοδομία και ταυτόχρονα φυλάγοντας καλλιεργήσιμες εκτάσεις και κήπους. Έτσι χτίζονται οι αντιθέσεις «πόλη-χωριό» και «φυσικό-τεχνικό».

Επιπλέον, η ιδέα της ανταπόδοσης, της ουράνιας τιμωρίας, της μοίρας, της μοίρας, γενικά, των αποκαλυπτικών διαθέσεων, που συσχετίζονται με χριστιανικά σύμβολα, είναι ισχυρή. Η εικόνα δημιουργήθηκε από τον καλλιτέχνη κατά την περίοδο των δημιουργικών αναζητήσεων: Rayonism, Futurism - όλα αυτά ήταν μπροστά. Μόνο ο πρωτογονισμός και η συμμετοχή στο «Jack of Diamonds» αποτέλεσαν μέχρι στιγμής τη δημιουργική εμπειρία της Goncharova. Αυτός λοιπόν ο καμβάς σε νεοπρωτογονιστικό στυλ θεωρείται ένας από τους καλύτερους.

Όπως πολλοί άλλοι, αυτός ο πίνακας έχει εξαιρετική διακοσμητική αξία. Συγκεκριμένα, οι ρυθμικές κινήσεις γραμμών και κηλίδων είναι αισθητές, η τονισμένη έλξη προς το επίπεδο - τη γη - εκδηλώνεται ξεκάθαρα. Όλα αυτά τόνισαν την επιθυμία της Goncharova για μνημειακές μορφές.

Goncharova N.S. «Κίτρινο και Πράσινο Δάσος». Περιγραφή της εικόνας

Ένα από μια σειρά από «ακτινοβόλα τοπία». Τα πάντα σε αυτήν την εικόνα είναι θολά από τις αναλαμπές των ακτίνων που διασταυρώνονται, πίσω από αυτά τα περιγράμματα των δέντρων μόλις μαντεύονται. Στο κέντρο της σύνθεσης υπάρχουν 2 τρουκς που ανεβαίνουν, θαμποί μπλε και καφέ τόνοι. Ένα έντονο κίτρινο σημείο στο στέμμα του δέντρου, από το οποίο ξεσπούν ακτίνες, πυκνοί πράσινοι και σκούρο μπλε τόνοι φτάνουν στο απόλυτο βάθος χρώματος.

Ψηλές κορώνες δέντρων - όλα σε διασταυρούμενα δοκάρια. Ακόμη και στον πυκνό καφέ τόνο της γης, αναβοσβήνουν αναλαμπές από δέσμες φωτός. Αυτό φέρνει στο τοπίο έναν ταραγμένο και αισιόδοξο, αλλά εξωπραγματικό, σχεδόν μυστικιστικό ήχο.

Πιστεύεται ότι αυτό το τοπίο είναι μια απλή απεικόνιση των φιλοσοφικών κατασκευών του Π.Δ. Uspensky "Tertium Organum. Το κλειδί για τα μυστήρια του κόσμου. Ο μυστικισμός και ο εσωτερισμός συνδυάστηκαν στην πορεία της ζωής του με τον αποκρυφισμό και τη θεραπεία. Το καινοτόμο μοντέλο του Σύμπαντος που προτείνει ο φιλόσοφος, στο οποίο δεν υπάρχουν 3, αλλά 4 διαστάσεις, συμπεριλαμβανομένου του χρόνου. Ζήτησε επίσης τη δημιουργία ενός κόσμου βασισμένου στην ιδέα της σύνθεσης της Ψυχολογίας και του Εσωτερισμού, που οδήγησε στο υψηλότερο επίπεδο κατανόησης και επίγνωσης της ανθρώπινης ζωής.

Γεννήθηκε στις 16 Αυγούστου 1881 στο χωριό Ladyzhino της περιφέρειας Τούλα. Η Ναταλία μεγάλωσε στην οικογένεια ενός αρχιτέκτονα. Αυτή η οικογένεια ανήκε στην αρχαία οικογένεια των Γκοντσάροφ.

Γοητευμένη από την τέχνη, η Goncharova ξεκίνησε τις σπουδές της στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας, οι οποίες διήρκεσαν από το 1901 έως το 1909. Στην αρχή, η Ναταλία ασχολήθηκε κυρίως με τη γλυπτική και αργότερα άρχισε να ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική. Ο πρώτος μέντορας του αρχικού καλλιτέχνη ήταν ο Κ.Α. Κοροβίν. Ταυτόχρονα, τα γλυπτά του καλλιτέχνη εκτιμήθηκαν επίσης.

Τα πρώτα έργα της Goncharova ήταν πίνακες ζωγραφικής στο πνεύμα του ιμπρεσιονισμού. Αυτοί οι καμβάδες εκτέθηκαν με επιτυχία στις εκθέσεις του Κόσμου της Τέχνης και του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας. Αργότερα, έλαβε πρόσκληση από τον S.P. Ντιαγκίλεφ. Κάλεσε τον αρχάριο καλλιτέχνη να συμμετάσχει στο Φθινοπωρινό Σαλόνι στο Παρίσι.

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Goncharova ζωγράφισε κυρίως δρόμους με παλιά κτίρια, πάρκα της πόλης με παστέλ. Τα χαρακτηριστικά της κοσμοθεωρίας, που εντοπίζονται σε αυτούς τους καμβάδες, μιλούν ξεκάθαρα για την επιρροή στον καλλιτέχνη του έργου των δασκάλων της ομάδας Nabis. Ωστόσο, ο απαλός λυρισμός που διέκρινε το έργο της πρώιμης περιόδου σύντομα έδωσε τη θέση του σε έναν συνεπή νεοπρωτογονισμό.

Ενώ ακόμη σπούδαζε στο σχολείο Goncharova, γνώρισε τον M.F. Ο Λαριόνοφ. Σύντομα αυτή η γνωριμία θα οδηγήσει σε μια ζεστή σχέση και ο Λαριόνοφ θα γίνει σύζυγος του καλλιτέχνη. Μαζί του, η Goncharova συμμετείχε σε διάφορες ρωσικές και ευρωπαϊκές εκθέσεις. Η δημιουργική άνοδος του νεαρού καλλιτέχνη συνδέθηκε με το 1906, όταν η Goncharova άρχισε να ασχολείται με πίνακες στο πνεύμα του πρωτογονισμού. Ο καλλιτέχνης ελκύεται από το θέμα της αγροτικής τέχνης. Επιδιώκει να γνωρίσει την ουσία της δημιουργικότητας των ανθρώπων σε όλο της το βάθος.

Αργότερα, η Goncharova θα εργαστεί σε άλλα στυλ, χρησιμοποιώντας ενεργά τις παραδόσεις διαφορετικών εποχών. Αυτή την εποχή εμφανίζονται οι πίνακες «Μητέρα», «Στρογγυλός χορός», «Συγκομιδή ψωμιού», «Ευαγγελιστές».

Το 1913, η Goncharova εργάστηκε σκληρά σε εικονογραφήσεις για λογοτεχνικά έργα, συμπεριλαμβανομένων των εκδόσεων του S.P. Μπόμπροβα, Α.Ε. Kruchenykh, V.V. Χλεμπνίκοφ. Από το 1914, ο καλλιτέχνης σχεδιάζει θεατρικές παραγωγές, όπως το The Golden Cockerel. Στην ύστερη περίοδο της δημιουργικότητας η Goncharova δημιουργεί πολλά έργα που υποστηρίζουν την ιδέα της μη αντικειμενικής τέχνης. Αυτή τη στιγμή εμφανίζονται οι πίνακες "Radiant Lilies", "Orchids".

Το 1915, η Goncharova και ο σύζυγός της έφυγαν για τη Γαλλία. Εδώ η ζωή του καλλιτέχνη θα τελειώσει στις 17 Οκτωβρίου 1962.

Ναταλία Γκοντσάροβα- Ρώσος καλλιτέχνης, ζωγράφος, γραφίστας, θεατρολόγος, εικονογράφος βιβλίων. Εκπρόσωπος της ρωσικής πρωτοπορίας των αρχών της δεκαετίας του 1910, ένας από τους λαμπρότερους σκηνογράφους του 20ού αιώνα.

Η Natalya Sergeevna Goncharova γεννήθηκε στις 3 Ιουλίου 1881 στο χωριό Ladyzhino, στην περιοχή Tula. Ανήκε στην αρχαία ευγενή οικογένεια των Γκοντσάροφ, ήταν σύζυγος προγιαγιά Αλεξάντερ Σεργκέεβιτς Πούσκιν.

Σεργκέι Μιχαήλοβιτς,Ο πατέρας της Ναταλίας ήταν αρχιτέκτονας, εκπρόσωπος της Art Nouveau της Μόσχας. Μαμά Ekaterina Ilyinichna- κόρη ενός καθηγητή της θεολογικής ακαδημίας της Μόσχας. Η καλλιτέχνης πέρασε τα παιδικά της χρόνια στην επαρχία Τούλα, όπου ο πατέρας της είχε πολλά χωριά και κτήματα, τα οποία της ενστάλαξαν την αγάπη για την αγροτική ζωή. Είναι με αυτό που οι ιστορικοί τέχνης συνδέουν τη διακοσμητικότητα της ώριμης δουλειάς της.

Το 1891, όταν το κορίτσι ήταν 10 ετών, η οικογένεια μετακόμισε στη Μόσχα.

Εκπαίδευση

Στη Μόσχα, η Natalya Goncharova μπήκε στο γυναικείο γυμνάσιο, το οποίο αποφοίτησε το 1898 με ένα ασημένιο μετάλλιο.

Παρά την κλίση της στο σχέδιο, στη νεολαία της η Goncharova δεν σκέφτηκε σοβαρά την πιθανότητα να γίνει καλλιτέχνης.

Το 1900 μπήκε σε ιατρικά μαθήματα, αλλά τα παράτησε μετά από τρεις ημέρες. Την ίδια χρονιά σπούδασε στην Ιστορική Σχολή των Ανωτάτων Γυναικείων Μαθημάτων για έξι μήνες.

Στη συνέχεια άρχισε να ενδιαφέρεται πολύ για την τέχνη και ένα χρόνο αργότερα μπήκε στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας, στην τάξη γλυπτικής των S. Volnukhin και P. Trubetskoy.

Το 1904 έλαβε ένα μικρό ασημένιο μετάλλιο για το έργο της, αλλά σύντομα εγκατέλειψε τις σπουδές της.

Natalya Sergeevna Goncharova Φωτογραφία: Commons.wikimedia.org

Συνάντηση με τον σύζυγο

Ενώ σπούδαζε στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας, η Goncharova γνώρισε τον μελλοντικό της σύζυγο: έναν ζωγράφο Μιχαήλ Λαριόνοφ. Η συνάντηση μαζί του άλλαξε τη ζωή και τις προθέσεις του κοριτσιού: αρχίζει να γράφει πολλά και να αναζητά το δικό της στυλ. Ήταν ο Λαριόνοφ που τη συμβούλεψε να μην χάνει χρόνο στη γλυπτική και να ασχοληθεί με τη ζωγραφική. «Ανοίξτε τα μάτια σας στα μάτια σας. Έχεις ταλέντο στο χρώμα και είσαι σε φόρμα», είπε.

Το 1904, η Goncharova επέστρεψε στις σπουδές της, αλλά μετακόμισε στο στούντιο ζωγραφικής Konstantin Korovin. Τα πρώτα έργα της Goncharova ήταν πίνακες ζωγραφικής στο πνεύμα του ιμπρεσιονισμού. Το κορίτσι δεν εγκατέλειψε το γλυπτό και το 1907 έλαβε ένα άλλο μετάλλιο.

Το 1909, η Ναταλία αποφασίζει τελικά να εγκαταλείψει τις σπουδές της. Σταματά να κάνει δίδακτρα και αποβάλλεται από το σχολείο.

Έχοντας συνδέσει τη ζωή της με τον Μιχαήλ Λαριόνοφ, μοιράστηκε τις φιλοδοξίες και τις καλλιτεχνικές του απόψεις. Η Goncharova δοκιμάζει τον εαυτό της σε πολλούς τομείς της ζωγραφικής: τον κυβισμό («Πορτρέτο του M. Larionov», 1913) και τον πρωτογονισμό («Washing the canvas», 1910).

Αυτή τη στιγμή, ο καλλιτέχνης προσελκύθηκε από το θέμα της αγροτικής τέχνης. Επιδιώκει να γνωρίσει την ουσία της δημιουργικότητας των ανθρώπων. Η Goncharova επιστρέφει στις τέχνες και τις χειροτεχνίες: γράφει σχέδια για ταπετσαρίες, σχεδιάζει ζωφόρους σπιτιών.

Αναπαραγωγή του πίνακα "Washing the Canvas" της Natalia Goncharova. 1910 Φωτογραφία: « RIA News »

Από το 1908 έως το 1911 παρέδιδε ιδιαίτερα μαθήματα στο εργαστήριο τέχνης του ζωγράφου. Ilya Mashkov.

απεικόνιση

Ο καλλιτέχνης συμμετείχε στις δραστηριότητες της Futurist Society, συνεργαζόμενος με Velimir Khlebnikovκαι Alexey Kruchenykh. Η φιλία με τους μελλοντολόγους την οδήγησε στο βιβλίο γραφικών. Το 1912, η ​​Goncharova σχεδίασε τα βιβλία των Kruchenykh και Khlebnikov "Mirskonets", "Game in Hell". Ήταν μια από τις πρώτες γραφίστριες βιβλίων στην Ευρώπη που χρησιμοποίησε την τεχνική του κολάζ.

Εκθέσεις

Στις 24 Μαρτίου 1910, στις εγκαταστάσεις του λογοτεχνικού και καλλιτεχνικού κύκλου της Εταιρείας Ελεύθερης Αισθητικής, η Γκοντσάροβα οργάνωσε την πρώτη της ατομική έκθεση, στην οποία παρουσιάστηκαν 22 πίνακες. Η έκθεση διήρκεσε μόνο μία ημέρα: λόγω του πίνακα που παρουσιάστηκε "Το μοντέλο (σε μπλε φόντο)" η Goncharova κατηγορήθηκε για πορνογραφία, πολλά έργα κατασχέθηκαν. Το δικαστήριο σύντομα την αθώωσε.

Το 1911, μαζί με τον Larionov, οργάνωσε την έκθεση Jack of Diamonds και το 1912, The Donkey's Tail. Επόμενο - "Στόχοι", "Νο. 4". Ο καλλιτέχνης ήταν μέλος του Munich Blue Rider Society. Η Goncharova υποστήριξε ενεργά πολυάριθμες δράσεις και επιχειρήσεις εκείνης της εποχής.

Το 1912, στη διάσημη έκθεση "Ουρά του γαϊδάρου" η Νατάλια Γκοντσάροβα εξέθεσε έναν κύκλο 4 ζωγραφικής "Ευαγγελιστές". Αυτό το έργο εξόργισε τους λογοκριτές με τη μη τετριμμένη απεικόνιση των αγίων.

Το 1914 πραγματοποιήθηκε μια μεγάλη προσωπική έκθεση έργων της Goncharova, εκτέθηκαν 762 καμβάδες. Αλλά υπήρξε επίσης ένα σκάνδαλο: 22 έργα αφαιρέθηκαν, μετά τα οποία οι λογοκριτές πήγαν στο δικαστήριο, κατηγορώντας την Goncharova για βλασφημία.

Το 1915 πραγματοποιήθηκε η τελευταία έκθεση των έργων της Goncharova στη Ρωσία. Τον Ιούνιο Ντιαγκίλεφκαλεί την Γκοντσάροβα και τον Λαριόνοφ για μόνιμη δουλειά στις «Ρωσικές εποχές» του, φεύγουν από τη Ρωσία.

Μετανάστευση

Η Goncharova και ο Larionov έφτασαν στη Γαλλία, όπου το ζευγάρι παρέμεινε μέχρι το τέλος της ζωής του. Η επανάσταση τους εμπόδισε να επιστρέψουν στη Ρωσία.

Εγκαταστάθηκαν στο Καρτιέ Λατέν του Παρισιού, όπου άρεσε να επισκέπτεται όλο το χρώμα της ρωσικής μετανάστευσης. Η Goncharova και ο Larionov οργάνωσαν φιλανθρωπικές μπάλες για αρχάριους ζωγράφους. Επισκεπτόντουσαν συχνά το σπίτι τους. Νικολάι Γκουμιλιόφ και Μαρίνα Τσβετάεβα.

Η Γκοντσάροβα δούλεψε πολύ στο Παρίσι, οι κύκλοι της «Παγώνια», «Μανόλια», «Φραγκουδιά» μιλούν για αυτήν ως ώριμη ζωγράφο. Η Marina Tsvetaeva έγραψε: «Πώς λειτουργεί η Natalya Goncharova; Πρώτον, πάντα, δεύτερον, παντού, τρίτον, τα πάντα. Όλα τα θέματα, όλα τα μεγέθη, όλες οι μέθοδοι υλοποίησης (λάδι, ακουαρέλα, τέμπερα, παστέλ, μολύβι, χρωματιστά μολύβια, κάρβουνο - τι άλλο;), όλους τους τομείς της ζωγραφικής, τα παίρνει όλα και δίνει κάθε φορά. Το ίδιο φαινόμενο της ζωγραφικής με ένα φαινόμενο της φύσης.

Νατάλια Γκοντσάροβα. Peacock under the φωτεινό ήλιο, 1911 Φωτογραφία: Commons.wikimedia.org

Ωστόσο, η Goncharova αφιέρωσε το μεγαλύτερο μέρος της ενέργειάς της στη δουλειά στο θέατρο. Μέχρι το θάνατο του Diaghilev το 1929, ήταν μια από τις κορυφαίες καλλιτέχνες της επιχείρησής του. Σχεδίασε τα μπαλέτα "Spanish Rhapsody" (σε μουσική Μ. Ραβέλ), "The Firebird" (σε μουσική Ι. Στραβίνσκι), "Bogatyrs" (μουσική Α. Μποροντίνα), την όπερα Koschey the Immortal (σε μουσική Ν. Ρίμσκι-Κόρσακοφ).

Στη δεκαετία του '50, η Natalya Sergeevna ζωγράφισε πολλές νεκρές φύσεις και καμβάδες του "διαστημικού κύκλου".

Στη δεκαετία του εξήντα υπήρξε μια αναβίωση του ευρέος ενδιαφέροντος για την τέχνη των Larionov και Goncharova, οι εκθέσεις τους πραγματοποιήθηκαν σε πολλές χώρες και πόλεις στην Ευρώπη και την Αμερική. Το 1961, μια μεγάλη αναδρομική έκθεση των έργων των Λαριόνοφ και Γκοντσάροβα οργανώθηκε στο Λονδίνο από το Συμβούλιο Τεχνών της Μεγάλης Βρετανίας.

Η Natalya Goncharova πέθανε στο Παρίσι στις 17 Οκτωβρίου 1962. Τάφηκε στο νεκροταφείο στο Ivry-sur-Seine.

Μετά τον θάνατό της, το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στο Παρίσι αφιέρωσε μια μεγάλη αναδρομική έκθεση σε αυτήν και τον Λαριόνοφ.