Έργα του Kandinsky. Εντύπωση, αυτοσχεδιασμός, σύνθεση

Το Kandinsky, ίσως, πάνω απ 'όλα, ο στοχαστής, και στη συνέχεια ο καλλιτέχνης. Αναγνώρισε μόνο την κατεύθυνση στην οποία μια κορεσμένη διαμόρφωση μπορεί να κινηθεί και να το επιδιώξει αμείλικτα, υποβάλλει ένα παράδειγμα σε άλλους πρωτοποριακούς δημιουργούς. Η ουσία της αφαίρεσης του Kandinsky είναι να βρει μια καθολική σύνθεση μουσικής και ζωγραφικής, θεωρείται παράλληλα με τη φιλοσοφία και την επιστήμη.

Ο Vasily Kandinsky γεννήθηκε στη Μόσχα το 1866. Από την πρώιμη παιδική ηλικία, εκπλήσθηκε από μια ποικιλία χρωμάτων στη φύση και συνεχώς ενδιαφερόταν για την τέχνη. Παρά τις επιτυχίες στη μελέτη της οικονομίας και του δικαιώματος, αρνήθηκε μια υποσχόμενη καριέρα στον τομέα των κοινωνικών επιστημών για να ακολουθήσει τη δημιουργική αποστολή.

Μια έκθεση του Claude Monet, την οποία επισκέφθηκε ένας νέος καλλιτέχνης, έγινε αποφασιστική ώθηση που τον ενέπνευσε να αφιερώσει τον εαυτό του στη μελέτη της Καλής Τέχνης. Όταν εισήλθε σε μια σχολή τέχνης στο Μόναχο, ο Kandinsky ήταν ήδη 30 ετών. Δεν είναι καν την πρώτη φορά την πρώτη φορά, συνέχισε την ανεξάρτητη εκπαίδευση.

Δύο χρόνια Vasily Vasilyevich που πέρασε σε μια σχολή τέχνης, μετά την οποία ακολουθήθηκε μια περίοδος περιπλανήσεων. Ο καλλιτέχνης επισκέφθηκε τις Κάτω Χώρες, τη Γαλλία, την Ιταλία και την Τυνησία. Την εποχή εκείνη, δημιούργησε εικόνες υπό την έντονη επιρροή της υποκατάστασης, αναβιώνοντας την παιδική του ηλικία στη Ρωσία σε δημιουργικά τοπία που έχουν ιδεαλιστική σημασία για τον καλλιτέχνη. Εγκαταστάθηκε στην πόλη Murnau, κοντά στο Μόναχο και συνέχισε τη μελέτη των τοπίων, τους έλεγε με ενεργητικές γραμμές και τολμηρά, σκληρά χρώματα.

Ο Kandinsky αντανακλάται στη μουσική, προσπαθώντας να μεταφέρει τα αφηρημένα χαρακτηριστικά του σε άλλους τύπους τέχνης. Το 1911, μια ομάδα ομοειδών καλλιτεχνών με επικεφαλής του Kandinsky σχηματίστηκε στο Μόναχο. Κάλεσαν " Blue Rider "-" Der Blaue Reiter" Μεταξύ των συμμετεχόντων υπήρχαν τόσο γνωστοί γερμανοί εξπρεσιονιστές όπως ο Αύγουστος κάνουν και ο Franz Mark. Ο Όμιλος δημοσίευσε τον Almanac με τις δικές του απόψεις για τη σύγχρονη τέχνη και πραγματοποιήθηκε δύο εκθέσεις, μετά την οποία έσπασε στην αρχή του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου το 1914.

Η μετάβαση στη χρήση των κύριων οπτικών στοιχείων σημείωσε την αρχή της δραματικής περιόδου στο έργο του Kandinsky και έγινε οι εκ των προίθουσες της εμφάνισης της αφηρημένης τέχνης. Σχεδιάστηκε ένα νέο στυλ, γνωστό αυτή τη στιγμή ως Λυρική αφαίρεση. Ο καλλιτέχνης μέσω σχεδίου και το σχέδιο μιμείται το μάθημα και το βάθος του μουσικού έργου, η οδυνηρότητα αντανακλά το θέμα της βαθιάς περισυλλογής. Το 1912 έγραψε και δημοσίευσε μια θεμελιώδη μελέτη " Για το πνευματικό στην τέχνη».

Το 1914, ο Kandinsky έπρεπε να επιστρέψει στη Ρωσία, αλλά δεν παύει να πειραματιστεί. Συμμετείχε ακόμη και στην αναδιάρθρωση των ρωσικών ιδρυμάτων τέχνης μετά την επανάσταση. Αλλά η αληθινή έννοια της έξυπνης καινοτομίας του έγινε προφανής μόνο το 1923, αφού επέστρεψε στη Γερμανία και εντάχθηκε στο Διδακτικό Σώμα » Bauhauses"Πού έκανε φίλους με ένα άλλο δημιουργικό Avant-Garde - Paul Clee.

Ο Kandinsky εργάστηκε σε μια νέα οπτική φόρμουλα που αποτελείται από γραμμές, σημεία και συνδυασμένα γεωμετρικά σχήματα που αντιπροσωπεύουν τις οπτικές και πνευματικές του μελέτες. Η λυρική αφαίρεση μετατοπίστηκε προς μια πιο δομημένη, επιστημονική σύνθεση.

Μετά από δέκα χρόνια καρποφόρων εργασιών το 1933, οι ναζιστικές αρχές έκλεισαν το σχολείο Bauhauses. Ο Kandinsky αναγκάστηκε να μετακομίσει στη Γαλλία, όπου πέρασε το υπόλοιπο της ζωής του.

Για τα τελευταία έντεκα χρόνια, η ρωσική ιδιοφυΐα αφιέρωσε μια μόνιμη επιδίωξη της μεγάλης σύνθεσης των αφηρημένων ιδεών και οπτικών ευρημάτων της. Επέστρεψε σε έντονο χρώμα και στίχους, και πάλι επιβεβαιώνοντας τις αρχικές του απόψεις για την αληθινή φύση της ζωγραφικής. Ο μεγάλος καλλιτέχνης υιοθέτησε τη γαλλική ιθαγένεια και δημιούργησε μια σειρά από διάσημα έργα τέχνης στη νέα του πατρίδα. Πέθανε το 1944 στην πόλη Neuya ηλικίας 77 ετών.

Νέες ναζιστικές αρχές το 1937 διακήρυξαν το έργο του Vasily Kandinsky, καθώς και τα έργα του σύγχρονου Mark Stegal, Paul Clee, Franz Mark και Petya Mondriana, "εκφυλιστική τέχνη" και δύο χρόνια αργότερα, περισσότερο από χίλιες ζωγραφιές και χιλιάδες Τα σκίτσα καίγονται δημόσια στο αίθριο του πυροσβεστικού σταθμού στο Βερολίνο. Παρ 'όλα αυτά, η πειστική δύναμη των καλλιτεχνικών έργων της Vasily Kandinsky δεν πεθάνει υπό ιστορικούς όρους και βγήκε ο νικητής στη σκηνή της ιστορίας της τέχνης.

Ζωγραφική Vasily Kandinsky:

1. "ακολουθία", 1935

Αυτό είναι ένα πρακτικά ένα μουσικό έργο που σημειώνεται αργά στο έργο του Kandinsky. Κλειστά πεδία με διάσπαρτα στοιχεία της σύνθεσης που ρέει σε ορισμένες μορφές. Ο καλλιτέχνης επέστρεψε στις αφηρημένες πηγές του.

2. "Blue Rider", 1903

Αυτή η εικόνα χρησίμευσε ως έμπνευση για να δημιουργηθεί μια από τις πιο σημαντικές ομάδες στην ιστορία της σύγχρονης τέχνης - Der Blaue Reiter. Αυτή η πρώιμη εργασία είναι γραμμένη στα πρόθυρα της αφαίρεσης.

3. "Καλάθια στην Ολλανδία", 1904

Τοπίο που δανείστηκε από ένα ταξίδι στην Ολλανδία. Στη σκηνή, πιθανώς η επίδραση του ιμπρεσιονισμού.

4. "Φθινόπωρο στο Murnau", 1908

Μια σταδιακή μετάβαση στην αφαίρεση χαρακτηρίζεται από τον εξπρεσιονισμό στο τοπίο.

5. "Akhtyrka. Κόκκινη Εκκλησία ", 1908

Το ρωσικό τοπίο, στο οποίο ο καλλιτέχνης έθεσε το longuing στο σπίτι.

6. "Βουνό", 1909

Σχεδόν ένα εντελώς αφηρημένο τοπίο με μικρά περιγράμματα, ανέλαβε το λόφο και τα ανθρώπινα πρόσωπα.

7. "Πρώτη αφηρημένη ακουαρέλα", 1910

Αυτό το έργο έχει ιστορική αξία ως την πρώτη πλήρη αφηρημένη ακουαρέλα Kandinsky.

8. "αυτοσχεδιασμός 10", 1910

Ο αυτοσχεδιασμός στο σχήμα και το χρώμα δίνει ώθηση, αλλά δεν αποκαλύπτει πλήρως και δεν καθορίζει εικόνες. Πρώμη αφαίρεση.

9. "Lyrical", 1911

Στη ζωγραφική του, ο καλλιτέχνης βασιζόταν συχνά στις μουσικές ιδέες, οπότε ο στρογγυλός χαρακτήρας των επιχρισμάτων του ήρθε φυσιολογικά. Αυτό είναι ένα από τα "καλλιτεχνικά ποιήματά του".

10. "Σύνθεση IV", 1911

Υπάρχει μια ιστορία που ο Kandinsky σκέφτηκε ότι ολοκλήρωσε την εικόνα, αλλά μόλις ο βοηθός του στρίβει κατά λάθος με το άλλο μέρος, η προοπτική και η συνολική εντύπωση του καμβά άλλαξε, η οποία τον έκανε όμορφη.

11. "αυτοσχεδιασμός 26 (κωπηλασία)", 1912

Ο Kandinsky συχνά κάλεσε τους πίνακές του με τον τρόπο των μουσικών έργων - αυτοσχεδιασμό και σύνθεση.

12. "αυτοσχεδιασμός 31 (θαλάσσια μάχη), 1913

Τυπικό παράδειγμα λυρικής αφαίρεσης με ισχυρό χρώμα και συναισθηματικό περιεχόμενο.

13. "Πλατείες με ομόκεντρους κύκλους", 1913

Ήδη μια πραγματική βαθιά αφαίρεση. Έτσι, ο Kandinsky διεξήγαγε μια μελέτη στον τομέα του χρώματος και της γεωμετρίας.

14. "Σύνθεση VI", 1913

Μετά από εκτεταμένες προετοιμασίες για τη σύνταξη αυτής της εικόνας, ο Kandinsky το τελείωσε για τρεις ημέρες, επαναλαμβάνοντας ως μάντρα για έμπνευση η γερμανική λέξη "Uberflut", που σημαίνει πλημμύρα.

15. "Μόσχα", 1916

Κατά τη διάρκεια της παραμονής του στη Μόσχα κατά τη διάρκεια του πολέμου, ο Kandinsky χτύπησε την αναταραχή της μεγάλης πόλης. Είναι μάλλον ένα πορτρέτο της πρωτεύουσας από το τοπίο, αντανακλώντας όλη τη δύναμη και την αναταραχή του.

Η καταγραφή της ζωγραφικής "Suprematic Composition" (1916) Από τη θρυλική σειρά του Καζιμίρ Μαλβιχίτη στη δημοπρασία του CHRISTIE του Μάιο του 2018 ήταν ένας λόγος για εμάς να συλλέξουμε μαζί τα επιτεύγματα των τιμών των πωλήσεων των ρωσικών καλλιτεχνών. Ποια μέγιστα ποσά που καταβάλλονται σε διαφορετικά έτη αγοραστές για την Valentina Serov, Mark Shagal, Nikolai Roerich, Vasily Kandinsky, Natalia Goncharova;

Η λάμψη του πάθους στη δημοπρασία της Christie ήταν σοβαρή. Εκτός από τον άμεσο αγώνα για την "υπερμετρική σύνθεση" των ιστορικών τέχνης και των ιδιοκτητών της γκαλερί, περίμεναν αν το έργο του αρχείου του Kandinsky θα νικήσει τις πωλήσεις των ρωσικών καλλιτεχνών που ιδρύθηκαν από το έργο του Mark Rotko το 2012; Το αρχείο παρέμεινε το ίδιο: η τιμή της "ερώτησης" είναι μια διαφορά 1 εκατομμυρίου δολαρίων.

1. Mark rotko

Η πρώτη θέση στον κατάλογο των πιο ακριβών ρωσικών καλλιτεχνών το έκτο έτος καταλαμβάνεται από τη διάσημη κύρια ζωγραφική του χρωμάτων του πεδίου Mark Rothko. Ο καμβάς «πορτοκαλί, κόκκινο, κίτρινο», που γράφτηκε από τον καλλιτέχνη το 1961, πωλήθηκε στη δημοπρασία της Christie στις 8 Μαΐου 2012 για 86,88 εκατομμύρια δολάρια. Οι γνώστες της τέχνης του Rotko ψηφίζουν τακτικά πλήρες δολάριο για μια επιθυμία να ενταχθούν στο φαινόμενο αυτού του μυστηριώδους καλλιτέχνη. Η ζωγραφική "πορτοκαλί, κόκκινο, κίτρινο" είναι επίσης διάσημο για να γίνει το πιο ακριβό έργο του μεταπολεμικού και σύγχρονου τέχνης που πωλούνται σε ανοιχτές δημοπρασίες.

Mark Rothko. Πορτοκαλί, κόκκινο, κίτρινο
1961, 236,2 × 206,4 cm

2. Kazimir Malevich

Η "υπερμετρική σύνθεση" (1916) από τη θρυλική σειρά Casimir Malevich έγινε η πιο ακριβή παρτίδα για την πώληση της Christie, τελευταία 15 Μαΐου 2018. Έτσι, ο Malevich παρέμεινε ο αριθμός 2 στους κορυφαίους 10 πιο ακριβούς ρώσους καλλιτέχνες: αν και η τιμή του πιο ακριβού έργου του αυξήθηκε από 60 εκατομμύρια δολάρια στη δημοπρασία το 2008 σε 85,8 εκατομμύρια δολάρια το 2018 και μόνο 1 εκατομμύριο δεν αρκούν για τον Malevich η λίστα.

Η εικόνα απέκτησε την ιδιωτική γκαλερί "Levy Gorlfi", ορίζοντας ένα νέο ανώτατο όριο τιμών για τα έργα της ρωσικής περίληψης.

Kazimir severinovich malevich. Υπερμετρική σύνθεση
1916, 88,5 × 71 cm

Εμφανίζονται σε δημοπρασίες, το έργο του Kazimir Malevich δημιουργεί πάντα έναν ενθουσιασμό. Έτσι ήταν το 2015, όταν ένας άγνωστος αγοραστής απέκτησε στη δημοπρασία του Sotheby στη Νέα Υόρκη, τον καμβά Suprematism της λίστας (1922). Για τη ζωγραφική που ανήκει στους κληρονόμους του καλλιτέχνη, πληρώθηκαν 37,7 εκατομμύρια δολάρια.

Kazimir severinovich malevich. Μυστικιστική υπερατότητα
1922, 100,5 × 60 cm

Την ίδια περίοδο του 2015, στις 24 Ιουνίου, το προηγούμενο μέγιστο ήταν σπασμένο, το οποίο καταβλήθηκε για το Malevich σε ανοικτή δημοπρασία. Για την εικόνα "υπερεκτισμός. Η 18η κατασκευή "(1915), η οποία πωλήθηκε επίσης από τους κληρονόμους του Malevich, στο Aunts του Sotheby στο Λονδίνο, ένας άγνωστος αγοραστής πλήρωσε 33,8 εκατομμύρια δολάρια.

Kazimir severinovich malevich. Suprematism 18η κατασκευή
1915, 53,3 × 53,3 cm

3. Vasily Kandinsky

Στις 21 Ιουνίου 2017, η Vasily Kandinsky πωλήθηκε για 41,8 εκατομμύρια δολάρια στη "ζωγραφική με λευκές γραμμές του Sotheby. Έσπασε το αρχείο της ίδιας δημοπρασίας: 20 λεπτά πριν από αυτόν τον καμβά "Murnau. Τοπίο με πράσινο σπίτι "(1909)" Αφαίρεση Πατέρα "πωλήθηκε για 26,4 εκατομμύρια δολάρια. Αυτά τα δύο έργα σημειώνονται με σημεία στροφής τόσο στο έργο του καλλιτέχνη όσο και σε όλη την τέχνη του 20ού αιώνα και εισέρχονται σε ένα μικρό αριθμό σημαντικών ζωγραφιών του Kandinsky που παραμένουν σε ιδιωτικά χέρια.

Vasily kandinsky. Ζωγραφική με λευκές γραμμές
1913, 119,5 × 110 cm

Vasily kandinsky. Murnau. Τοπίο με πράσινο σπίτι
1909

Το αρχείο για τις πωλήσεις του Kandinsky ζωγραφιές πραγματοποιήθηκε από το 2012, όταν η εικόνα του "Σκίτσο για τον αυτοσχεδιασμό αριθ. 8" πωλήθηκε στη δημοπρασία της Christie στη Νέα Υόρκη για 23 εκατομμύρια δολάρια.

Vasily kandinsky. Σκίτσο για "αυτοσχεδιασμό 8"
1909, 98 × 70 cm

Και μέχρι το 2012, η \u200b\u200bπιο ακριβή εικόνα του Vasily Kandinsky ήταν "Fugue" (1914). Για την 17η Μαΐου 1990, η δημοπρασία Sotheby του Sotheby πληρώθηκε 20,9 εκατομμύρια ελβετοί συλλέκτη Ernst Beeiler.

Vasily kandinsky
1914, 129,5 × 129,5 cm

4. Mark shagal

Την βραδινή πώληση των έργων των ιμπρεσιονιστών Sotheby στις 14 Νοεμβρίου 2017, ένας από τους πρώιμους πίνακες του Shagal "Valblown" (1928) πωλήθηκε για ένα ρεκόρ 28,5 εκατομμύρια δολάρια με εκτίμηση από 12 εκατομμύρια έως 18 εκατομμύρια δολάρια. Ο πόλεμος των ποσοστών μεταξύ τριών αιτούντων διήρκεσε περισσότερα από δέκα λεπτά. Στην εικόνα (Les Amoureux), ο καλλιτέχνης απεικονίζεται με τη μούσα του και την πρώτη σύζυγο του White Rosenfeld. Ο καμβάς αποκτήθηκε λίγο μετά την ολοκλήρωση μέσω της γκαλερί Bernheim Jeune & Cie Paris. Με και στη συνέχεια, παρέμεινε στην κατοχή μιας οικογένειας.

Mark Zakharovich Chagall. Αγαπώ
1928

Το προηγούμενο "ανώτατο όριο" για ανοιχτούς εμπορικούς πίνακες από τον Shagal έφτασε πίσω το 1990. Στη συνέχεια, στη δημοπρασία του Sotheby στη Νέα Υόρκη, έναν ιαπωνικό επιχειρηματία και έναν ζήλο συλλέκτη του έργου του Mark Shagal, Hironori Aoki, αγόρασε μια εικόνα της επετείου (1923). Το νέο μαργαριτάρι της ιαπωνικής συλλογής (περίπου 30 επιλογές stegal) τον κοστίζει περίπου 14 εκατομμύρια δολάρια.

Mark Zakharovich Chagall. Επέτειος
1915, 80,8 × 100,3 cm

5. Haim Soutin

Στις 11 Μαΐου 2015 στη δημοπρασία της Christie στη Νέα Υόρκη, το Khaim Soutine Sutin ("Le Bœuf"), που γράφτηκε γύρω στο 1923, πωλήθηκε για $ 28,2 εκατομμύρια, που δεν υπερβαίνει την κορυφή της εκτίμησης 30 εκατομμυρίων που δημιουργήθηκε κατά την περίοδο από το 1923 Το 1925, ο καμβάς είναι ένας από τους εννέα πίνακες με ταύρους, γραμμένο από την ηλιοβασίλεμα από τη φύση. Μόνο τρεις πίνακες από αυτή τη σειρά βρίσκονται σε ιδιωτική ιδιοκτησία.

Haim Solomonovich Sutin. Bullway Tusha
1923, 81 × 60 cm

6. Alexey Yalvsky

Την εποχή της πώλησης της ζωγραφικής του Alexei Shvsky "School σε ένα ευρύχωρο καπέλο", οι ειδικοί που ονομάζονται αυτή τη συναλλαγή "Επιτυχία των επενδυτών". Εάν το 2003, η εικόνα απέκτησε στο Sotheby για 8,3 εκατομμύρια δολάρια, στη συνέχεια στη δημοπρασία της ίδιας δημοπρασίας στις 5 Φεβρουαρίου 2008, η τιμή του Schokko έφυγε περισσότερο από 2 φορές και ανήλθε σε σχεδόν 18,6 εκατομμύρια δολάρια. Τότε πολλοί τόνισαν την ικανότητα των τιμών να αναπτυχθούν ταχέως ταυτόχρονα με το ενδιαφέρον για το έργο του καλλιτέχνη. Ίσως μετά την έκθεση στο ρωσικό μουσείο, το οποίο άνοιξε το έργο της Δημοκρατίας του Yale στο ευρύ κοινό, το ενδιαφέρον για το έργο του μεταξύ των ρωσικών συλλεκτών θα αυξηθεί ακόμη περισσότερο.

Alexey Georgievich Shvsky. Shokko σε ένα καπέλο ευρείας κεφαλής
1910, 75 × 65,1 cm

7. Valentin Serov

"Πορτρέτο της Μαρίας Zetlin" (1910), γραμμένο από τον διάσημο ρωσικό ζωγράφο, πωλήθηκε στις 24 Νοεμβρίου 2014 της Christie 2014. Το ποσό που έγινε αποδεκτό για την εικόνα είναι λίγο πάνω από 14,5 εκατομμύρια δολάρια - έχει γίνει ένα αρχείο εξειδικευμένης "ρωσικής προσφοράς", το οποίο η Christie ξοδεύει τακτικά στο Λονδίνο.

Valentin Aleksandrovich Serov. Πορτρέτο της Μαρίας Ζευτίνα
1910, 109 × 74 cm

8. Nikolai Roerich

Η πώληση της ζωγραφικής από τον Νικολάι Ροεριχχώ "Madonna Laborsis" (1931) έγινε ένα αρχείο των πωλήσεων έργων ρωσικών ζωγράφων δημοπρασιών Bonhams. 5 Ιουνίου 2013 στο Λονδίνο, αυτή η παρτίδα πήγε με ένα σφυρί για 12 εκατομμύρια δολάρια. Μέχρι τότε, η μέγιστη τιμή του Nikolai Roerich ήταν περίπου 3,4 εκατομμύρια δολάρια (2007). Και τώρα 6 χρόνια αργότερα, ο Bonhams εκτέθηκε από ένα πολύ γνωστό, ακόμη και το άγχος, το οποίο από τη δεκαετία του 1930 δεν ήταν διαθέσιμη στο ευρύ κοινό. Παρά το γεγονός ότι ένα μειωμένο αντίγραφο της Madonna Laboris βρίσκεται στο Μουσείο Rhinuter στη Νέα Υόρκη, στην κατοχή του πρωτοτύπου και της ιστορίας, το έργο έχει επηρεάσει σίγουρα τα υψηλά αποτελέσματα της διαπραγμάτευσης.

Nikolai Konstantinovich Roerich. Η Madonna Laboris (διαδικασία της Παναγίας)
1931, 8,4 × 12,4 cm

9. Natalia Goncharov

Το μόνο θηλυκό όνομα που έχει πέσει στον κατάλογο των δέκα πιο ακριβών ρωσικών καλλιτεχνών είναι "Amazon Avangard" Natalia Goncharov Για τα τελευταία τελευταία χρόνια, το έργο του "λουλούδια" (1912) παραμένει το πιο ακριβό μεταξύ των έργων ζωγραφικής των ρωσικών καλλιτεχνών που εφαρμόζονται σε ανοιχτές δημοπρασίες. Το έργο πωλήθηκε στη δημοπρασία της Christie στο Λονδίνο στις 24 Ιουνίου 2008, σχεδόν 10,9 εκατομμύρια δολάρια, ελαφρώς υπερβαίνει την κορυφή της εκτίμησης.

Natalia Sergeevna Gonchareov. Λουλούδια
1912, 72,7 × 93 cm

10. Nikolay Feshin

Ολοκληρώνει τους κορυφαίους δέκα από τους πιο ακριβάς ρώσους καλλιτέχνες Νικολάι Φέιν και την εικόνα του "Little Cowboy". Με αποτέλεσμα 10,8 εκατομμυρίων δολαρίων, ο καμβάς πωλήθηκε στη δημοπρασία του Macdougall στο Λονδίνο στις 2 Δεκεμβρίου 2010 - η πιο ακριβή ρωσική τέχνη που πωλήθηκε ποτέ από αυτό το σπίτι δημοπρασίας. Εκτός από αυτό, η εικόνα ήταν η κορυφαία-παρτίδα ολόκληρης της ρωσικής εβδομάδας αυτού του έτους στο Λονδίνο. Με την ανώτερη εκτίμηση της εκτίμησης 700 χιλιάδων λιρών, ο "μικρός καουμπόι" προκάλεσε έναν τεράστιο ενθουσιασμό και αγοράστηκε από έναν συλλέκτη από τη Ρωσία.

Nikolai Ivanovich Feshin. Μικρός καουμπόι
1940, 7,6 × 5,1 cm

Ετοιμάζεται για τα υλικά των εκδόσεων της Artinvestment.ru, Sothebys.com, Christies.com, Macdougallauction.com, Bonhams.com, Tass.ru, τις δικές του δημοσιεύσεις της Arthiva. Εικονογράφηση τίτλου: Κολάζ από έργα του Mark Rotko "Orange, Κόκκινο, Κίτρινο" (1961), Kazimir Malevich "Suprematic Composition" (1916), Vasily Kandinsky "Εικόνα με λευκές γραμμές" (1913).

Ρώσος καλλιτέχνης, θεωρητικός τέχνης και ποιητής, ένας από τους ηγέτες του προσανατολισμού του πρώτου μισού του 20ού αιώνα. Μπήκε στους ιδρυτές της αφηρημένης τέχνης.

Γεννήθηκε στη Μόσχα στις 22 Νοεμβρίου (4 Δεκεμβρίου) 1866 στην οικογένεια ενός εμπόρου. ανήκε στη φύση των ανόητων εμπόρων, τους απόγονους του Cortex της Σιβηρίας. Το 1871-1885, έζησε με τους γονείς του στην Οδησσό, όπου το γυμναστήριο άρχισε να ασκεί μουσική και ζωγραφική. Από το 1885 σπούδασε στο Πανεπιστήμιο της Μόσχας, ονειρεύεται μια καριέρα ενός δικηγόρου, αλλά περίπου. Το 1895 αποφάσισε να αφιερώσει τον εαυτό του στην τέχνη. Δύο σημεία έχουν καθορίσει την επιλογή του: Πρώτον, τις εντυπώσεις των ρωσικών μεσαιωνικών αρχαιοτήτων και καλλιτεχνικής λαογραφίας, που ελήφθησαν στην εθνογραφική αποστολή στην επαρχία Vologda (1889), δεύτερον, επισκέπτοντας τη γαλλική έκθεση στη Μόσχα (1896), όπου ήταν συγκλονισμένος από το Εικόνα K. Monet στοίβα σανό. Το 1897 έφτασε στο Μόναχο, όπου από το 1900 ασχολήθηκε με την τοπική Ακαδημία Τέχνων υπό την καθοδήγηση του F.FON. Ταξίδευαν πολλά στην Ευρώπη και τη Βόρεια Αφρική (1903-1907), από το 1902 έζησαν κυρίως στο Μόναχο και το 1908-1909 στο χωριό Murnau (Βαυαρικές Άλπεις). Εισάγετε οργανικά την Τετάρτη της Γερμανικής Μοντερνιστικής Βοημίας, ενήργησε επίσης ως ενεργός διοργανωτής: ίδρυσε την Ομάδα Falang (1901), "Νέο Ένωσης Τέχνης του Νέου Μονάχου" (1909, μαζί με το A.G.Velensky et αϊ.) Και τέλος, "Blue Horseman" (1911; μαζί με τον F. Lark και άλλους.) - Η κοινωνία που έχει γίνει σημαντικός σύνδεσμος μεταξύ συμβολισμού και πρωτοποριακού. Δημοσιευμένες καλλιτεχνικές και κρίσιμες επιστολές από το Μόναχο στα περιοδικά "Ο Κόσμος Τέχνης" και "Απόλλωνα" (1902, 1909), συμμετείχαν στις εκθέσεις του Vault Bubnovaya.

Από τις πρώτες, ήδη αρκετές φωτεινές και ζουμερές ιμπρεσιονιστικές ζωγραφιές, στράφηκε σε Bridure, Flowery και "λαϊκό" από συνθέσεις χρωματισμού, όπου τα χαρακτηριστικά κίνητρα του ρωσικού εθνικού νεωτερισμού με το ρομαντικό του μεσαιωνικού θρύλου και του αρχαίου πολιτισμού του αρχαίου αρχοντικού είχαν συγκεντρώσει (Μόναχο , 1907, Lenbachhaus, Μόναχο, Κυρίες σε Κρινολίνες, 1909, Tretyakov γκαλερί). Το 1910, δημιούργησε τους πρώτους αφηρημένους εικονογραφικούς αυτοσχεδιασμούς και ολοκλήρωσε την πραγματεία για το πνευματικό στην τέχνη (το βιβλίο δημοσιεύθηκε το 1911 στα γερμανικά). Λαμβάνοντας υπόψη την κύρια εσωτερική τέχνη, το πνευματικό περιεχόμενο, πίστευε ότι εκφράστηκε καλύτερα από τις άμεσες ψυχοφυσικές επιδράσεις της καθαρής πολύχρωμης συμφόρησης και των ρυθμών. Στην καρδιά των επόμενων "εντυπώσεων", "αυτοσχεδιασμών" και "συνθέσεις" (όπως ο ίδιος ο Κάντινσκι διακρίνει τους κύκλους των έργων του) έγκειται στην εικόνα ενός εξαιρετικού ορεινού τοπίου, καθώς θα λιώσει στα σύννεφα, σε κοσμική μη- Ύπαρξη, ως την εμφάνιση του προβολέα που εξετάζει. Οι ώριμες ζωγραφιές από το πετρέλαιο και οι ακουαρέλες χτίζονται λόγω του ελεύθερου παιχνιδιού των χρωμάτων, των σημείων, των γραμμών, των μεμονωμένων χαρακτήρων (τύπος αναβάτη, rooks, παλέτες, εκκλησία θόλος κλπ.). Η μεγαλύτερη προσοχή, ο πλοίαρχος πληρώνει πάντοτε ένα πρόγραμμα, συμπεριλαμβανομένης της χάραξης ξύλου. Στα γερμανικά ποιητικά ποιήματα του άλμπουμ, οι ήχοι (Klänge, 1913) προσπάθησαν να γνωρίζουν την ιδανική διασύνδεση των ελεύθερων οπτικών γραφικών εικόνων με το κείμενο. Τα αντικείμενα της σύνθεσης των τεχνών έβαλαν στην ιδέα ενός κίτρινου ήχου, σχεδιασμένο να συνδυάζει το χρώμα, το φως, την κίνηση και τη μουσική (συνθέτης Fagartman, το παιχνίδι, το κείμενο του οποίου τοποθετήθηκε στο Almana του μπλε ιππέα , Το 1912, δεν πραγματοποιήθηκε λόγω της έναρξης του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου).

Το 1914 επέστρεψε στη Ρωσία, όπου ζούσε κυρίως στη Μόσχα. Ένα είδος "αποκάλυψης", η αναρρόφηση της καθολικής μεταμόρφωσης-ενότητας, χαρακτηριστικών των αφαίρεσών του, αποκτά όλο και πιο ενοχλητικό και δραματικό χαρακτήρα κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου (Μόσχα. Κόκκινη πλατεία, 1916, Tretyakov γκαλερί, λυκόφως, λυκόφως , Ρωσικό Μουσείο, Γκρι Οβάλ, Γκαλερί Τέχνης, Ekaterinburg; Όλα τα έργα - 1917). Το 1918 εξέδωσε αυτοβιογραφικό υλικό. Ενίσχυσε ενεργά τις δημόσιες και ανθρωπιστικές και ερευνητικές δραστηριότητες, ήταν μέρος της Επιτροπής Λαϊκού, το Ινστιτούτο Πολιτισμού Τέχνης (INHUK) και η ρωσική ακαδημία των Επιστημών της Τέχνης (Rakhn), που διδάσκονται στην υψηλότερη τέχνη και τεχνικά εργαστήρια (Vhutemas), ωστόσο, Ερεθισμένο από ιδεολογικά squabbles, αριστερά Ρωσία για πάντα μετά την αποστολή σε ένα επαγγελματικό ταξίδι στο Βερολίνο (1921).

Στη Γερμανία, δίδαξε στο Bauhaus (από το 1922, στη Βιϊμάρα και το Dessau), ασχολήθηκε κυρίως με τη γενική θεωρία του σχηματισμού. Περιγράφεται η παιδαγωγική του εμπειρία στο σημείο του βιβλίου και η γραμμή στο αεροπλάνο που δημοσιεύθηκε στα γερμανικά το 1926. Οι κοσμολογικές φαντασιώσεις της (η γραφική σειρά των μικρών κόσμων, το 1922) κερδίζουν περισσότερο ορθολογικό γεωμετρικό χαρακτήρα κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου με τις αρχές του υπερεκτιμείου και του κονστρουκτιβισμού, Αλλά διατηρώντας το φωτεινό και ρυθμικό διακριτικότητα του (σε μαύρη πλατεία, 1923. Αρκετοί γύροι, 1926, και οι δύο πίνακες - στο μουσείο του S.Guggenheim, Νέα Υόρκη). Το 1924, ο πλοίαρχος σχηματίστηκε μαζί με τον Yalvsky, L. Fininger και P. Kleie τον Σύνδεσμο "Blue Four", διευθέτηση κοινών εκθέσεων μαζί τους. Έκανε ως καλλιτέχνης της γραφικής έκδοσης της σουίτα M.P.Morsorgian Pictures από την έκθεση στο Theatre Decuau (1928).

Μετά το κλείσιμο των Ναζί "Bauhaus" (1932) μετακόμισε στο Βερολίνο και το 1933 - στη Γαλλία, όπου η Nyui-Sur-Sen έζησε στο Παρίσι και το προάστιο του. Έχοντας βιώσει μια σημαντική επίδραση του σουρεαλισμού που εισήγαγε όλο και περισσότερο στις εικόνες της - μαζί με τις προηγούμενες γεωμετρικές δομές και σημάδια - βιομορφικά στοιχεία όπως ορισμένοι κύριοι οργανισμοί, αυξάνοντας σε ένα διαπλανητικό κενό (κυρίαρχη καμπύλη, το 1936, το κέντρο του κέντρου J.Pompidid, Παρίσι, μια ποικιλία ενεργειών, 1941, Μουσείο S.Guggenheim, Νέα Υόρκη). Με την αρχή της γερμανικής κατοχής (1939) προορίζεται να μεταναστεύσει στις Ηνωμένες Πολιτείες και πέρασε αρκετούς μήνες στα Πυρηναία, αλλά τελικά επέστρεψε στο Παρίσι, όπου συνέχισε να εργάζεται ενεργά, συμπεριλαμβανομένου του έργου του μπαλέτου κωμωδίας, το οποίο προορίζεται να δημιουργήσετε μαζί με τον συνθέτη gatman.

Καλλιτέχνης της νέας τέχνης, αφαίρεσης, επιζώντων πολέμων και επαναστάσεων. Οι μπολσεβίκοι κάλεσαν τον ζωγραφικό του "εκφυλισμό". Στην Εργασία - "Πνευματική στην Τέχνη" - ο Kandinsky αποκαλύπτει τον ψυχολογικό αντίκτυπο του καθαρού χρώματος ανά άτομο, βρίσκει μια σύνδεση μεταξύ ζωγραφικής και μουσικής. Kandinsky Master of "Συνθέσεις", "αυτοσχεδιασμούς" και "εντυπώσεις".

Υπό την προϋπόθεση ότι μια ευημερούσα οικογένεια από μια νεαρή ηλικία υποστήριξε την επιθυμία του Βασιλείου Kandinsky στην τέχνη. Ωστόσο, στο μέλλον, έπρεπε να γίνει δικηγόρος. Ο νεαρός άνδρας αποφοίτησε από το Πανεπιστήμιο της Μόσχας, μετά που δίδαξε.

Η μοίρα του Βασιλείου Kandinsky τον επέστρεψε στην τέχνη όταν η έκθεση των γαλλικών ιμπρεσιονιστών έλαβε χώρα το 1895. Ο Vasily Kandinsky έκπληκτος από το έργο του Monet - "Stacks". Αφήνοντας το πανεπιστήμιο, τρώει στο Μόναχο, μαθησιακή ζωγραφική. Τις μέρες αυτές, το Μόναχο θεωρήθηκε το κέντρο της ευρωπαϊκής τέχνης, το 1892 ο νεωτεριστικός σύλλογος καλλιτεχνών οργανώθηκε - αποκεκληση.

Για δύο χρόνια, ο Ρώσος καλλιτέχνης έχει μελετηθεί στον Γιουγκοσλαβικό ζωγράφο Anton Ashbe, όλο και πιο λάτρης της δημιουργικότητας και όχι η τεχνική εκτέλεσης. Το πρώτο ιμπρεσιονιστικό έργο διέφερε από ένα ειδικό σχέδιο χρωμάτων, ο Kandinsky έφτασε μεγάλη σημασία σε καμία μορφή, χρώμα χρώματος. Αυτό είναι αργότερα, όταν ο Kandinsky πήρε μαθήματα από τη διάσημη Franz Γαλλία, τον καλλιτέχνη της κατάστασής), έπρεπε να εγκαταλείψει τη φωτεινή παλέτα του και να γράψει στο ασπρόμαυρο γάμμα, μελετώντας τη φόρμα. Αυτές οι ισχυρισμοί ιδρύθηκαν από έναν δάσκαλο που θεωρούσε τον Kandinsky έναν καλό φοιτητή, αλλά με μια επιτυχημένη ικανότητα ενός φωτεινού χρώματος.

Ο Kandinsky πέρασε τέσσερα χρόνια στο Μόναχο, αλλά δεν υπήρχε δουλειά εκείνης της εποχής. Παραμένει ένα μυστήριο, ποια είναι η μοίρα τους, είτε καταστράφηκαν από έναν καλλιτέχνη είτε έχασαν.

Έχοντας τελειώσει τη μελέτη στην ηλικία των 35 ετών, ο Vasily Kandinsky δημιουργεί την κίνηση των καλλιτεχνών αφαίρεσης που ονομάζεται "Φλαράγγα", η οποία τον έκανε τον ηγέτη της αδελφότητας των καλλιτεχνών του Μονάχου. Το 1901, η πρώτη έκθεση του Συλλόγου πραγματοποιήθηκε στο Βερολίνο, κατά την οποία παρουσιάστηκαν το έργο των ιμπρεσιονιστών και τις αποκαλύψεις του γερμανικού "Yuggendistil". Αυτή τη στιγμή, ο καλλιτέχνης συναντήθηκε με έναν νεαρό καλλιτέχνη Gabriela Müntter, διαζευγμένος τη σύζυγό του. Για 5 χρόνια, ταξίδεψε με την Gabriela στην Ευρώπη, μελετώντας τη ζωγραφική και συμμετείχε σε εκθέσεις.

Το 1908, ο Kandinsky και η Gabriela επέστρεψαν στο Μόναχο, συνέβη έτσι ώστε να εγκατασταθούν κοντά στο στούντιο του καλλιτέχνη Paulle. Δέκα χρόνια αργότερα, συνεργάστηκαν στο Bauhauz, καθιστώντας τους ανθρώπους. Η Gabriela αγόρασε ένα σπίτι, έζησαν σε αυτό για 6 χρόνια. Το σπίτι βρίσκεται στο Marnaau, κοντά στους πρόποδες των Βαυαρικών Άλπεων. Αυτή η περίοδος έχει γίνει η πιο παραγωγική στη ζωή του καλλιτέχνη. Ο καλλιτέχνης όλο και περισσότερο προήλθε από μια συγκεκριμένη εικόνα στην αφαίρεση.

Το 1911, μαζί με έναν άλλο καλλιτέχνη Franz Mark, ο Kandinsky διοργάνωσε την ομάδα Blue Horseman. Οι καλλιτέχνες ήταν σε θέση να οργανώσουν μόνο δύο εκθέσεις.

Το 1912 πραγματοποιήθηκε η πρώτη προσωπική έκθεση. Ο θεατής δεν έκανε φωτογραφίες του Kandinsky, που τον βυθίστηκε σε βαθιά απογοήτευση.

Ο Παγκόσμιος Πόλεμος άρχισε και ο Kandinsky μετακόμισε από τη Γερμανία στην Ελβετία. Εδώ άρχισε να εργάζεται στο βιβλίο "Point and Line". Μέχρι τον Νοέμβριο του 1914, χωρίστηκε με τη Γκαμπρίλα και πηγαίνει στη Μόσχα, σχεδόν δύο χρόνια ο καλλιτέχνης δεν έλαβε ζωγραφική.

Το 1916, η Kandinsky γνώρισε τη Νίνα Andreevskaya, την κόρη του Ρώσου Γενικού, ένα χρόνο αργότερα το παντρεύτηκε. Έχοντας λάβει την κληρονομιά μετά το θάνατο του Πατέρα, ο καλλιτέχνης έχασε αμέσως κεφάλαια στην ύπαρξη, οι Μπολσεβίκοι κατασχέθηκαν όλη την ιδιοκτησία. Όντας πίσω από τη γραμμή φτώχειας Kandinsky έπεσε σε απελπισία. Ο ενθουσιασμός της συζύγου του έσωσε το Kandinsky. Προχωρεί στην εργασία στον εθισμό του Διαφωτισμού, καθιστώντας το κεφάλι της ταινίας και του θεάτρου. Στη συνέχεια προσκλήθηκε στο Πανεπιστήμιο της Μόσχας για τη θέση του Καθηγητή, οργανώνοντας ταυτόχρονα το Ινστιτούτο Πολιτισμού Τέχνης. Χάρη στο Kandinsky, περίπου 22 γκαλερί τέχνης στη Ρωσία ανοίχτηκαν. Αλλά, δυστυχώς, όλες οι προσπάθειες του Kandinsky βρίσκονται στη δική τους χώρα δεν στέφθηκαν με επιτυχία, ο αφαίρεσης κηρύχθηκε "Faldechsky" και ο Kandinsky ονομάστηκε "Minion of the Bourgeoisie". Και το 1921, λαμβάνοντας μια προσφορά στον τόπο του δασκάλου στο Bauhauz, στην Weimara, ο Kandinsky εγκαταλείπει τη χώρα.

Η τύχη του "Bauhaus" ήταν δύσκολη. Το 1924, για πολιτικές εκτιμήσεις, το σχολείο δέχτηκε επίθεση και έπρεπε να το μεταφράσει στο Dessau, υπήρχε μέχρι το 1932. Υπό την πίεση των τοπικών ναζίων, το σχολείο μεταφέρθηκε στο Βερολίνο. Τον Απρίλιο 1833, τελικά έκλεισε. Ο Kandinsky και η σύζυγός του αφήνει τη Γερμανία για λόγους ασφαλείας, εγκαθίστανται στο προάστιο του Παρισιού.

Πολλές κριτικές του Vasily Kandinsky ακούγονται στη διεύθυνσή του, οι γκαλερί δεν έλαβαν τα έργα του καλλιτέχνη. Αλλά παρά τα πάντα, ο καλλιτέχνης εργάστηκε μέχρι το τέλος της ζωής του, παραμένοντας λατρευτική δημιουργικότητα.

Διάσημα έργα του Vasilyevich Kandinsky

Η εικόνα "αυτοσχεδιασμός 21a" γράφτηκε από τον ρωσικό καλλιτέχνη το 1911, βρίσκεται στην κρατική γκαλερί του Lenbachhauses, στο Μόναχο. Η εικόνα γράφτηκε κατά την έγκριση του Kandinsky - αφαίρεσης. Στην ουσία, αυτή είναι η αντίδραση του καλλιτέχνη στον κόσμο γύρω του, με βάση τις εντυπώσεις και τη διαίσθηση.

Με την πρώτη ματιά, φαίνεται ότι η εικόνα διαταράσσεται απολύτως από πραγματικά αντικείμενα, αλλά αν κοιτάξετε, αρχίζουν να εμφανίζονται εικόνες. Για παράδειγμα, ένα βουνό είναι ορατό στο κέντρο. Τα φωτεινά έγχρωμα κηλίδες περιγράφονται από το μαύρο περίγραμμα - το χαρακτηριστικό γνώρισμα της ζωγραφικής του Kandinsky σε ολόκληρη την επόμενη εργασία. Μια άλλη εικόνα από σκυρόδεμα είναι μια στυλιζαρισμένη φιγούρα ενός ατόμου σε μια αφύσικη τοποθεσία.

Η ζωγραφική "σε γκρι" πραγματοποιήθηκε το 1919, που βρίσκεται στο Εθνικό Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης, στο κέντρο αυτών. J. Pompidou, στο Παρίσι. Μπορεί να βρεθεί στους πίνακες της "ρωσικής περιόδου" (1915-21). Αυτή η εικόνα σημείωσε την ολοκλήρωση της μελέτης της αλληλεπίδρασης της μορφής Kandinsky. Ο καλλιτέχνης σχεδίασε τη "σύνθεση", που αποτελείται από εικόνες - βουνά, στοιχεία ανθρώπων, βάρκες. Μετά την ολοκλήρωση της εργασίας, η εικόνα μετατράπηκε σε μια αφαίρεση με μια μαλακότερη γεύση σε σύγκριση με τα προηγούμενα έργα.

Στην εικόνα, τα αυστηρά γεωμετρικά σχήματα αντικαθίστανται από βιομορφικές μορφές, χαρακτηριστικές ζωγραφικής του καλλιτέχνη στο Παρίσι. Ο χρωματισμός ακούγεται σε σίγαση γκρι, καφέ και μπλε σκιές. Η σύνθεση αντικαθίσταται από το χάος.

Η ζωγραφική "δόνηση" πραγματοποιήθηκε το 1925, που βρίσκεται στη γκαλερί Tate, στο Λονδίνο. Η εικόνα δείχνει γεωμετρικά σχήματα, για τα οποία γράφει ο καλλιτέχνης στο "σημείο και γραμμή".

Η επαφή μεταξύ του αιχμηρού τριγώνου και του κύκλου δεν παράγει λιγότερη επίδραση από το δάκτυλο του Θεού επεκταθεί από τον Αδάμ στην εικόνα του Michelangelo.

Β. Kandinsky

Το φωτεινότερο στοιχείο είναι μια σκακιέρα. Η σύνθετη δομή επιτυγχάνεται με την ενότητα του σχήματος και του χρώματος. Η ίδια η εικόνα γίνεται σε σιωπηρούς τόνους. Η τάση μεταδίδεται συγκρίνοντας τα έντυπα και το χρώμα. Οι κύκλοι κυριαρχούν ως ανεξάντλητες κρυφές δυνατότητες (Kandinsky).

Η ζωγραφική "UP" γράφτηκε το 1929, από τη συλλογή του Peggy Guggenheim, στη Βενετία. Στην περίοδο Bauhauzovsky, ο καλλιτέχνης έγραψε κυρίως φωτογραφίες που αποτελούνται από γεωμετρικά σχήματα. Το "Up" είναι μια εικόνα ενός ατόμου που έχει δημιουργήσει από γεωμετρικά σχήματα. Εδώ μπορείτε να δείτε την επίδραση της κόλλας ζωγραφικής του Παύλου. Η θεωρία των "σημείων και των γραμμών στο αεροπλάνο" εντοπίζεται. Όταν ο Kandinsky απεικονίζει το υπόβαθρο, προσπάθησε να ξεφύγει από το στενό πλαίσιο, το οποίο ο ίδιος οδήγησε τον εαυτό του στο Bauhauz. Ότι κατάφερε αργότερα στο Παρίσι.

Masdew kandinsky v.v. - Ζωγραφική "Λεπτομέρειες για τη σύνθεση IV"

Η εικόνα εκτελέστηκε το 1910, που βρίσκεται στη γκαλερί Tate, στο Λονδίνο. Το δεύτερο όνομα είναι "Κοζάκια". Ο ίδιος ο καλλιτέχνης δήλωσε ότι το οικόπεδο αυτής της εικόνας τους μεταφέρθηκε από τα γεγονότα της επανάστασης του 1905, όταν οι Κοζάκοι πηδούν στους δρόμους της Μόσχας. Μπροστά από τον θεατή, δύο κουτάκια μάχης, κάτω από αυτά - ένα ουράνιο τόξο, σχηματίζοντας το δρόμο που οδηγεί στο παλάτι σε ένα μπλε λόφο. Δεξιά - άλλα τρία κουτσάκια. Δύο από αυτούς έχουν κορυφές. Τα στοιχεία της εικόνας είναι δύσκολο να αναγνωριστούν, πράγμα που προκαλεί τον θεατή για μεγάλο χρονικό διάστημα να κοιτάξει προσεκτικά τις εικόνες, σταδιακά βυθίζοντας στο οικόπεδο. Η αφαίρεση αναλαμβάνει την απόσπαση της προσοχής από πραγματικές μορφές και δημιουργική έκφραση σε γεωμετρικά στοιχεία.