Pussy πίνακες με τίτλους και περιγραφές. Nikola Pussen Πίνακες

Η Normandes από την προέλευση, ο Νικολάος Poussin (1594-1665) γεννήθηκε στο Les-Anselli, μια μικρή πόλη στην ακτή του Σηκουάνα. Μια καλή εκπαίδευση δόθηκε με μια καλή εκπαίδευση και την ευκαιρία να διερευνήσουν τα στάδια της αρχικής τέχνης του καλλιτέχνη. Για πιο λεπτομερή γνωριμία με τα μυστικά των δεξιοτήτων, έμαθε μετά τη μετάβαση στο Παρίσι, όπου σπούδασε στους Δασκάλους.

Ο πορτραίτης Ferdinand Van Elle έγινε ο πρώτος μέντορας ενός νεαρού ζωγράφου, αργότερα ο Poussa σπούδασε στο Master, ζωγραφική εκκλησίες - Kgenna Varna και ο καλλιτέχνης του δικαστηρίου George Lallleman, ο οποίος τηρεί το νέο στυλ του Mañaryism. Για να "γεμίσει το χέρι" τον βοήθησε και αντιγράφοντας φωτογραφίες από αναγνωρισμένους δασκάλους ζωγραφικής, από αυτό θα μπορούσε να ασκήσει ελεύθερα στο Λούβρο.

Πρώτη περίοδος δημιουργικότητας στην Ιταλία

Το 1624, το όνομα του Poussin ήταν ήδη γνωστό μεταξύ των γνώσεων της ζωγραφικής και το πιο συνηθισμένο το έργο των ιταλικών πλοιάρχων. Αποφασίζοντας ότι οι γάλλοι μέντορες έμαθαν όλα όσα μπορούσε, ο Poussin μετακόμισε στη Ρώμη. Εκτός από την ιταλική ζωγραφική, ο Poussin εκτιμάται ιδιαίτερα και η ποίηση, από πολλές απόψεις, χάρη σε μια συνάντηση με τον Giambattist Marino, έναν εκπρόσωπο της Halane Poetry. Έκαναν φίλους στο Παρίσι και ο Νικολά έδειξε το ποίημα του φίλου του "Adonis". Από την αρχική περίοδο του Παρισιού δημιουργικότητας του καλλιτέχνη, διατηρούνται μόνο οι εικονογραφήσεις στην εποχή μας.

Ο Poussin σπούδασε τα μαθηματικά και την ανατομία, τα γλυπτά της εποχής της αρχαιότητας τον εξυπηρετούσαν δείγματα και τα επιστημονικά έργα της Durera και Da Vinci βοήθησαν στην κατανόηση του τρόπου με τον οποίο οι αναλογίες του ανθρώπινου σώματος πρέπει να μεταφερθούν στην καλλιτεχνική τέχνη. Θεωρητικές γνώσεις που απέκτησε στη γεωμετρία, την οπτική, τις προοπτικές.

Carragechi, Titian, Raphael και Michelangelo - Τα έργα αυτών των πλοιάρχοι εντυπωσιάστηκαν βαθιά από τον γαλλικό ζωγράφο. Τα πρώτα χρόνια της ζωής στη Ρώμη ήταν η ώρα να ψάξουν για το δικό τους στυλ και η δουλειά του στη συνέχεια χαρακτηρίστηκε από αιχμηρές γωνίες, ζοφερούς τόνους και αφθονία σκιών. Αργότερα, το καλλιτεχνικό στυλ του έχει αλλάξει, το χρώμα του χρωμάτων έχει γίνει πιο ζεστό, και τα στοιχεία των ζωγραφικών υπακούσαν στο ενοποιημένο κέντρο. Το θέμα του έργου εκείνης της εποχής ήταν τα ηρωικά οικόπεδα και πράξεις της αρχαίας μυθολογίας.

Με την τάξη ενός από τους ρωμαϊκούς προστάτες του Poussin, ο Cassiano del Pozzo, μια σειρά ζωγραφιών "επτά μυστήρια" δημιουργήθηκε από τον καλλιτέχνη και η "καταστροφή της Ιερουσαλήμ" και η "απαγωγή των σαμπινών" του έφερε ευρύτερη φήμη. Στα μυθολογικά θέματα των ζωγραφιών τους, πρόσθεσε τις τάσεις της νεωτερικότητας, διοργανώνοντας τη σύνθεση και τη μεταφορά της δράσης στην πρώτη γραμμή της εικόνας. Ο Poussin προσπάθησε να επιτύχει τη φυσικότητα των διατάξεων των φορέων και να τους δώσει τις χειρονομίες και τις εκφράσεις των προσώπων. Η αρμονία και η ενότητα με τη φύση που χαρακτηρίζει τους αντίκες μύθους ενέπνευσε τον καλλιτέχνη, μπορεί να εντοπιστεί στις εικόνες του "Venus και Satira", "Diana και Endimion", "Εκπαίδευση του Δία".

Η "μεταμόρφωση" του Ovid χρησίμευσε ως βάση για το "βασίλειο της χλωρίδας", η εικόνα έγινε ένα είδος ύμνος αναβιαστικής και άνοιξης της φύσης. Οι προηγουμένως αποκτήθηκαν θεωρητικές γνώσεις του επέτρεψαν να ακολουθήσει με ακρίβεια τις συνθέσεις που υιοθετήθηκαν από τους νόμους και τα ζεστά, τα σαφή χρώματα έκαναν ζωγραφιές από πραγματικά ζωντανές ("Tancred and Hermine", "Venus and Shephi"). Πρόσθετη ακρίβεια των εικόνων που επισυνάπτονται προκαταρκτική προετοιμασία: Έκανε τα μοντέλα των μορφών σχήματος από κερί και, προτού προχωρήσουν στην εργασία στην εικόνα, πειραματίστηκαν με το παιχνίδι του φωτός και τη θέση αυτών των μορφών.

Παρίσι ίντριγκα και επιστροφή στη Ρώμη

Η πιο επιτυχημένη καριέρα του Pussen ήταν τα χρόνια που πέρασε στο έργο στη διακόσμηση της γκαλερί του Λούβρου στην πρόσκληση του Cardinal Richelieu (το δεύτερο μισό της δεκαετίας του '30.). Έχοντας λάβει τον τίτλο του πρώτου βασιλικού ζωγράφου, εργάστηκε επίσης στην γκαλερί, και πάνω από πολλές άλλες παραγγελίες. Η επιτυχία αυτή δεν τον πρόσθεσε δημοτικότητα μεταξύ των συναδέλφων και όσοι ισχυρίστηκαν επίσης ότι εργάζονται στο Λούβρο ήταν ιδιαίτερα δυσαρεστημένοι.

Οι ίντριρις των κακουχιών ανάγκασαν τον καλλιτέχνη να εγκαταλείψει το Παρίσι και το 1642 να κινηθεί ξανά στη Ρώμη. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου δημιουργικότητας (μέχρι τη δεκαετία του '50), η πηγή θεμάτων για έργα ζωγραφικής από την Pusssen έγινε η Βίβλος και το Ευαγγέλιο. Εάν η φυσική αρμονία βασανίστηκε στα πρώτα έργα, τώρα οι ήρωες των έργων ζωγραφικής έγιναν βιβλικοί και μυθολογικοί χαρακτήρες που κέρδισαν τη νίκη πάνω από τα πάθη τους και κατέχουν τη δύναμη της θέλησης (Coriolian, Diogen). Ένα σημάδι αυτής της περιόδου - "Arcade Shepherds", συνθετικά για την αναπόφευκτη θάνατο και την ειρηνική υιοθέτηση αυτής της συνείδησης. Αυτή η εικόνα έγινε ένα μοντέλο κλασικισμού, ο τρόπος του καλλιτέχνη απέκτησε έναν πιο διακριτικό χαρακτήρα, όχι τόσο συναισθηματικά λυρικό, όπως και στα έργα της πρώτης ρωμαϊκής περιόδου. Στο χρώμα του χρωμάτων, η κυρίαρχη ήταν η αντίθεση των διαφόρων χρωμάτων.

Το τελευταίο έργο, το "Απόλλωνα και ο Δάφνη", δεν είχαν χρόνο να ολοκληρώσουν τον καλλιτέχνη, αλλά ήταν στους πίνακές του ότι σχηματίστηκε ο γαλλικός κλασικισμός.

Η δημιουργικότητα του Poussin για την ιστορία της ζωγραφικής είναι δύσκολο να υπερεκτιμηθεί. Είναι ο ιδρυτής ενός τέτοιου τύπου ζωγραφικής ως κλασικισμός. Οι γαλλικοί καλλιτέχνες ήταν παραδοσιακά εξοικειωμένοι με την τέχνη των ιταδιοδευών. Αλλά εμπνεύστηκαν από τα έργα των πλοιάρχων της ιταταταλανανομανίας, μπαρόκ, καραβοσιτισμό. Ο Pussen ήταν ο πρώτος Γάλλος ζωγράφος που πήρε την παράδοση του κλασικού στυλ Leonardo da Vinci και Raphael. Στρέφοντας στα θέματα της αρχαίας μυθολογίας, της αρχαίας ιστορίας, της Βίβλου, ο Poussin αποκάλυψε τα θέματα της σύγχρονης εποχής. Έφερε την τέλεια προσωπικότητα, δείχνοντας και έχοντας αστεία παραδείγματα υψηλής ηθικής, πολιτικών αξιών. Η σαφήνεια, η σταθερότητα και η τάξη των ωραίων τεχνικών του Pussen, ο ιδεολογικός και ηθικός προσανατολισμός της τέχνης του αργότερα έκανε το έργο του με την αναφορά στην εκπαιδευμένη ζωγραφική και τη γλυπτική της Γαλλίας, η οποία ανέλαβε την ανάπτυξη αισθητικών κανόνων, επίσημων κανόνων και γενικά δεσμευτικούς κανόνες της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας (ο λεγόμενος ακαδημαϊκός).

Nikola Poussin (Nicolas Poussin), 1594-1665 · Ο διάσημος γαλλικός καλλιτέχνης, ο ιδρυτής του στυλ του κλασικισμού. Στρέφοντας στα θέματα της αρχαίας μυθολογίας, της αρχαίας ιστορίας, της Βίβλου, ο Poussin αποκάλυψε τα θέματα της σύγχρονης εποχής. Έφερε την τέλεια προσωπικότητα, δείχνοντας και έχοντας αστεία παραδείγματα υψηλής ηθικής, πολιτικών αξιών.

Γαλλία XVII αιώνα. Ήταν ένα προηγμένο ευρωπαϊκό κράτος που την παρείχε ευνοϊκές συνθήκες για την ανάπτυξη του εθνικού πολιτισμού, η οποία έγινε διαδοχή της Αναγέννησης της Ιταλίας. Οι απόψεις του Descartes (1596-1650) επηρεάστηκαν από την ανάπτυξη της επιστήμης, της φιλοσοφίας, της λογοτεχνίας, της τέχνης. Ο Descartes - ο μαθηματικός, ο επιστήμονας, ο δημιουργός του φιλοσοφικού ορθολογισμού - άγγιξε τη φιλοσοφία από τη θρησκεία και τη δέχτηκε με τη φύση, υποστηρίζοντας ότι οι αρχές της φιλοσοφίας εξάγονται από τη φύση. Ο Descartes δημιούργησε την αρχή της υπεροχής του νου πάνω από μια έννοια. Αυτή η ιδέα βασίστηκε στον κλασικισμό στην τέχνη. Νέοι θεωρητικοί στυλ είπαν ότι ο «κλασικισμός είναι το δόγμα του νου». Η καλλιτεχνική κατάσταση ανακηρύχθηκε συμμετρία, αρμονία, ενότητα. Σύμφωνα με το δόγμα του κλασικισμού, η φύση έπρεπε να αποδειχθεί ότι δεν είναι, και όμορφη και λογική, οι κλασικοί δηλώνουν ταυτόχρονα υπέροχα τι αληθινά, προτρέποντας να μάθετε αυτή την αλήθεια από τη φύση. Ο κλασσικισμός καθιέρωσε μια αυστηρή ιεραρχία ειδών, καθιστώντας τους στο "Υψηλό", στο οποίο ανήκουν ιστορικό και μυθολογικό και "χαμηλό" νοικοκυριό.

Ο Νίκολα Πεσέν γεννήθηκε το 1594 στη Νορμανδία, κοντά στην πόλη του Le Anselki. Ο πατέρας του, ο βετεράνος του στρατού του βασιλιά Henry IV (1553-1610), έδωσε τον γιο του μια καλή εκπαίδευση. Από την παιδική ηλικία, ο Poussin έδωσε προσοχή στις τάσεις του να σχεδιάσει. Στις 18, βόλτα στο Παρίσι να ασχοληθεί με τη ζωγραφική. Πιθανώς ο πρώτος δάσκαλός του ήταν η πορτραίτα του Ferdinand Van Elle (1580-1649), ο δεύτερος είναι ο ιστορικός ζωγράφος Georges Lallman (1580-1636). Έχοντας εξοικειωθεί με το Cameryman της Widrow Queen Mary Mary Medici, ο κάτοχος των βασιλικών συλλογών και των βιβλιοθηκών της Βασιλικής Τέχνης, ο Poussin πήρε την ευκαιρία να επισκεφθεί το Louri αντίγραφο εκεί φωτογραφίες των Ιταλών καλλιτεχνών. Το 1622, ο Pushsen και άλλοι καλλιτέχνες εντοπίστηκαν να γράψουν έξι μεγάλες ζωγραφιές στα οικόπεδα της ζωής τους του Αγίου Αγοράς. Ignatia Liiol και St. Francis Xaveria (δεν επιζώνεται).

Το 1624, ο Poussin πήγε στη Ρώμη. Εκεί, μελετά την τέχνη ενός αρχαίου κόσμου, το έργο των δασκάλων της εποχής της υψηλής αναγέννησης. Το 1625-1626, έλαβε εντολή να γράψει μια εικόνα της "καταστροφής της Ιερουσαλήμ" (δεν διατηρείται), αλλά αργότερα έγραψε μια δεύτερη έκδοση αυτής της εικόνας (1636-1638, Βιέννη, Μουσείο Τέχνης Ιστορίας).

Το 1627, ο Poussin έγραψε μια εικόνα του "θανάτου της Γερμανίας" (Ρώμη, Palazzo Barberini) στο οικόπεδο της αρχαίας ρωμαϊκής ιστορικής tacitis, το οποίο θεωρεί το πρόγραμμα εργασίας του κλασικισμού. Δείχνει το αποχαιρετισμό των λεγεωνάριων με έναν διοικητή που πεθαίνει. Ο θάνατος του ήρωα θεωρείται ως τραγωδία κοινωνικής σημασίας. Το θέμα ερμηνεύεται με το πνεύμα των ήρεμων και των σκληρών ήρωων μιας αρχαίας αφήγησης. Η ιδέα της εικόνας είναι το υπουργείο χρέους. Ο καλλιτέχνης έβαλε τα στοιχεία και τα αντικείμενα σε ένα ρηχό χώρο, διαλύοντας το σε διάφορα σχέδια. Σε αυτό το έργο αποκαλύφθηκαν τα κύρια χαρακτηριστικά του κλασικισμού: τη σαφήνεια της δράσης, της αρχιτεκτονίας, της πλεξούδας της σύνθεσης, την αντιπολίτευση των ομάδων. Το ιδανικό της ομορφιάς στα μάτια του Poussin συνίστατο στην αναλογικότητα των τμημάτων του συνόλου, στην εξωτερική τάξη, η αρμονία, η σαφήνεια της σύνθεσης, η οποία θα γίνει τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά του ώριμου στυλ του οδηγού. Μία από τις ιδιαιτερότητες της δημιουργικής μεθόδου του Pussen ήταν ο ορθολογισμός, ο οποίος δεν επηρεάστηκε μόνο από τις σκηνές, αλλά και στην ευεξία της σύνθεσης.

Poussin έγραψε μηχανές ζωγραφικής κυρίως μεσαίου μεγέθους. Το 1627-1629, εκπλήρωσε μια σειρά από πίνακες: "Πάρσα" (Μαδρίτη, Πράντο), "Έμπνευση ποιητής" (Παρίσι, Λούβρο), "Σωτηρία του Μωυσή", "Μωυσής, Καθαρισμός Water Merra", "Madonna, ο οποίος είναι St. Jacob Senior "(" Madonna on the post ") (1629, Παρίσι, Λούβρο). Το 1629-1630, ο Poussin δημιουργεί μια θαυμάσια έκφραση και την πιο ζωτική αληθινή "απομάκρυνση από το Σταυρό" (Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ).

Την περίοδο 1629-1633, το θέμα των ζωγραφων του Poussin αλλάζει: Είναι λιγότερο συχνά γράφει εικόνες σε θρησκευτικά θέματα, αναφερόμενα σε μυθολογικά και λογοτεχνικά οικόπεδα. "Νάρκισσος και ηχώ" (περίπου 1629, Παρίσι, Λούβρο), "Selena and Endimion" (Ντιτρόιτ, Ινστιτούτο Τέχνης). Ιδιαίτερη προσοχή δίνεται στον κύκλο των ζωγραφων που γράφονται από τα ποιήματα του Torquatto Tasso "Liferated by Jerusalem": "Rinaldo και Armida" (OK 1634, Μόσχα, ΓΜΙΑ. Α. Α.Α. Πούσκιν). Η ιδέα των ανθρώπινων αγαθών και το πρόβλημα της ζωής και του θανάτου βασίστηκε στην πρώιμη έκδοση της ζωγραφικής "Arcade Shepherds" (1632-1635, Αγγλία, Cheworth, ιδιωτική συνάντηση), στην οποία επέστρεψε στη δεκαετία του '50 (1650 , Παρίσι, Λούβρο). Στον καμβά ύπνου (περίπου 1630, η Δρέσδη, η γκαλερί τέχνης) η θεά της αγάπης αντιπροσωπεύεται από τη γήινη γυναίκα, ενώ παραμένει ένα απρόσιτο ιδανικό. Εικόνα "Το Βασίλειο της χλωρίδας" (1631, Δρέσδη, Πινακοθήκη), γραμμένο στα κίνητρα της σημασίας, είναι εκπληκτική η ομορφιά της γραφικής ενσωμάτωσης των αρχαίων εικόνων. Αυτή είναι μια ποιητική αλληγορία της προέλευσης των λουλουδιών, όπου απεικονίζονται οι ήρωες των αρχαίων μύθων σε λουλούδια. Ο Pussen σύντομα έγραψε μια άλλη έκδοση αυτής της εικόνας - "Triumph Flora" (1631, Παρίσι, Λούβρο).

Το 1632, ο Pussen εκλέχτηκε μέλος της Ακαδημίας του Αγίου Αγίου Αγίου Αγίου Σερ. Λουκάς.

Η τεράστια δημοτικότητα του Poussin το 1640 προσέλκυσε την προσοχή του Louis XIII (1601-1643) στο έργο του, με την πρόσκληση της οποίας ο Poussin ήρθε να εργαστεί στο Παρίσι. Ο καλλιτέχνης έλαβε μια παραγγελία από τον βασιλιά για να γράψει εικόνες για το παρεκκλήσι του στο Fontainebleau και τον Saint-Germain.

Το φθινόπωρο του 1642, ο Poussin αφήνει και πάλι στη Ρώμη. Θέματα των ζωγραφικών του για αυτή την περίοδο ήταν οι αρετές και η εγκυρότητα των ηγεμόνων, των βιβλικών ή αντίκα ήρωες: «Γενότο της Σκυφής» (1643, Μόσχα, ΓΤΟ. Α.Α. Πούσκιν). Στις καμβά του, έδειξε τέλειους ήρωες, πιστό αστικό χρέος, ανιδιοτελές, γενναιόδωρο, δείχνοντας παράλληλα την απόλυτη παγκόσμια ιδανική ιθαγένεια, πατριωτισμό, ειλικρινούς μεγαλοπρέπεια. Δημιουργία ιδανικών εικόνων με βάση την πραγματικότητα, διορθώθηκε σκόπιμα τη φύση, λαμβάνοντας ένα όμορφο και απορρίπτοντας το άσχημο.

Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του '40, ο Poussin δημιούργησε έναν κύκλο "επτά μυστήρια", στα οποία αποκάλυψε τη βαθιά φιλοσοφική έννοια των χριστιανικών δογμάτων: "Τοπίο με το Apostle Matfey", "Τοπίο με τον Αποστόλο Ιωάννη στο νησί της Πάτμου" (Σικάγο, Ινστιτούτο Τεχνών).

Το τέλος της δεκαετίας του '40 - η αρχή της δεκαετίας του '50 είναι μία από τις γόνιμες περιόδους στο έργο του Poussin: έγραψε τους πίνακες "Eliasar και Rebeka", "Τοπίο με Diogen", "Τοπίο με μεγάλο δρόμο", "Το Δικαστήριο του Σολομώντος" " "," Ecstasy St. Paul "," Arcade Shepherds ", το δεύτερο αυτοπροσωπογραφία.

Κατά την τελευταία περίοδο της δημιουργικότητας (1650-1665), ο Pussen έγινε όλο και περισσότερο εφαρμοσμένος στο τοπίο, οι ήρωες συνδέονταν με το λογοτεχνικό, μυθολογικό οικόπεδα: "Τοπίο με ένα polyfem" (Μόσχα, ΓΤΟ τα. Α.Α. Πούσκιν). Το καλοκαίρι του 1660 δημιουργεί μια σειρά από τοπία "τετραεπτή έτους" με βιβλικές σκηνές, που συμβολίζουν την ιστορία της ειρήνης και της ανθρωπότητας: "Άνοιξη", "καλοκαίρι", "φθινόπωρο". Τα τοπία των πολλαπλών ευρημάτων του Poussin, τα εναλλασσόμενα σχέδια υπογράμμισαν με λωρίδες φωτός και σκιών, η ψευδαίσθηση του χώρου και το βάθος τους απευθύνονταν την επική εξουσία και το μεγαλείο. Όπως και στις ιστορικές ζωγραφιές, οι κύριοι χαρακτήρες βρίσκονται συνήθως στο προσκήνιο και θεωρούνται ως αναπόσπαστο μέρος του τοπίου. Τελευταίο, ημιτελές ύφασμα αναγωγέας - "Απόλλωνα και Δάφνη"(1664).

Η αξία της δημιουργικότητας του Pussen για το ιστορικό ζωγραφικής είναι τεράστιο. Γάλλοι καλλιτέχνες και μπροστά του ήταν παραδοσιακά εξοικειωμένοι με την τέχνη της ιταλικής αναγέννησης. Αλλά εμπνεύστηκαν από τα έργα των πλοιάρχων της ιταλικής μορφής, μπαρόκ, καραβοσιτισμό. Ο Poussin ήταν ο πρώτος Γάλλος ζωγράφος που πήρε την παράδοση του κλασικού στιλ Leonardo da Vincia Rafael. Η σαφήνεια, η συνέπεια και η παραγγελία των ωραίων τεχνικών του Pussen, ο ιδεολογικός και ηθικός προσανατολισμός της τέχνης του αργότερα έκανε τη δημιουργικότητά του με μια αναφορά για την Ακαδημία Ζωγραφικής και Γλυπτικής της Γαλλίας, η οποία ανέλαβε την ανάπτυξη αισθητικών κανόνων, επίσημων κανόνων και γενικά δεσμευτική Κανόνες καλλιτεχνικής δημιουργικότητας.

Κλασικό τοπίο στη γαλλική ζωγραφικήXvii αιώνας.

Τον 17ο αιώνα, ενώπιον του γαλλικού λαού, μετά την περίοδο των αιματηρών εμφύλιων πολέμων και του οικονομικού καταστροφέα, τα καθήκοντα περαιτέρω εθνικής ανάπτυξης αντιμετώπισαν σε όλους τους τομείς της οικονομικής, πολιτικής και πολιτιστικής ζωής. Υπό τις συνθήκες της απόλυτης μοναρχίας - με τον Henrich IV και ειδικά το δεύτερο τρίμηνο του 17ου αιώνα. Με τον Richelieu, ο ενεργός υπουργός θεραπείας Louis XIII, το σύστημα κρατικής συγκέντρωσης τέθηκε και εντατικοποιήθηκε. Ως αποτέλεσμα του συνεπούς αγώνα κατά της φεουδαρχικής αντιπολίτευσης, της αποτελεσματικής οικονομικής πολιτικής και η ενίσχυση του διεθνούς καθεστώς της, η Γαλλία έχει επιτύχει σημαντική επιτυχία, καθιστώντας μια από τις πιο ισχυρές ευρωπαϊκές δυνάμεις.

Η δήλωση της γαλλικής απολυτατισμού βασίστηκε στη λαϊκή εκμετάλλευση των μαζών. Ο Richelieu είπε ότι οι άνθρωποι ήταν σαν Mulu, ο οποίος χρησιμοποιήθηκε για να φέρει τη βαρύτητα και χαλάρωση από μια μακρά παραμονή περισσότερο από ό, τι από την εργασία. Η γαλλική αστική τάξη, η ανάπτυξη του οποίου ο absolutism που επιτρέπει με την οικονομική πολιτική του ήταν σε μια διπλή κατάσταση: προσπάθησε να κυριαρχεί πολιτικά, αλλά λόγω της ανωριμίας του, δεν μπορούσε να σταθεί στην πορεία του χάσματος με τη βασιλική εξουσία, κατευθύνοντας τις μάζες, Η μπουρζουαζία φοβόταν τους και ενδιαφέρεται για τη διατήρηση των προνομίων που δόθηκε από τον απολυτατισμό. Αυτό επιβεβαιώθηκε στην ιστορία του λεγόμενου κοινοβουλευτικού προσώπου (1648-1649), όταν η μπουρζουαζία, φοβισμένη από μια ισχυρή άνοδο στο λαϊκό επαναστατικό στοιχείο, έχοντας κάνει μια άμεση προδοσία, έκανε έναν συμβιβασμό με την αριστοκρατία.

Ο απολυτατισμός προέβλεπε πολλά χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά στην ανάπτυξη της γαλλικής κουλτούρας του 17ου αιώνα. Οι επιστήμονες, οι ποιητές, οι καλλιτέχνες προσελκύονταν στο Βασιλικό Δικαστήριο. Τον 17ο αιώνα, το μεγαλοπρεπές ανάκτορο και οι δημόσιες δομές ανεγέρθηκαν στη Γαλλία, δημιουργήθηκαν Majestic City Ensembles. Αλλά θα ήταν λάθος να μειωθεί ολόκληρη η ιδεολογική ποικιλία του γαλλικού πολιτισμού 17 αιώνα. Μόνο στην έκφραση των ιδεών του απολυτατισμού. Η ανάπτυξη γαλλικής κουλτούρας, που συνδέεται με την έκφραση των εθνικών συμφερόντων, ήταν πιο περίπλοκη, συμπεριλαμβανομένων των τάσεων, πολύ μακριά από τις επίσημες απαιτήσεις.

Η δημιουργική μεγαλοφυία του γαλλικού λαού έδειξε ότι είναι φωτεινή και πολύπλευρη στη φιλοσοφία, στη λογοτεχνία και στην τέχνη. Ο 17ος αιώνας έδωσε τη Γαλλία των μεγάλων στοχαστών του Descartes και του Gassendi, Korifeev Korneli, racina και moliere, και σε πλαστικές τέχνες - τέτοιους μεγάλους δασκάλους, όπως ο αρχιτέκτονας Arduuen-Mansar και ο ζωγράφος Νικολάβος.

Οξεία κοινωνικός αγώνας επέβαλε ένα ορισμένο αποτύπωμα σε όλη την ανάπτυξη της γαλλικής κουλτούρας της εποχής. Οι δημόσιες αντιφάσεις εμφανίστηκαν, ιδίως, στο γεγονός ότι ορισμένες προχωρημένες μορφές γαλλικής κουλτούρας ήταν σε κατάσταση σύγκρουσης με το βασιλικό δικαστήριο και αναγκάστηκαν να ζήσουν και να εργαστούν εκτός Γαλλίας: ο Descartes έφυγε για την Ολλανδία, και ο Poussin πέρασε σχεδόν όλη τη ζωή του στην Ιταλια. Επίσημη δικαστική τέχνη το πρώτο εξάμηνο του 17ου αιώνα. Αναπτύχθηκε κυρίως στις μορφές πομπού μπαρόκ. Στην καταπολέμηση της επίσημης τέχνης, έχουν αναπτυχθεί δύο καλλιτεχνικές γραμμές, καθένα από τα οποία ήταν έκφραση προηγμένων ρεαλιστικών τάσεων της εποχής. Ο πλοίαρχος της πρώτης από αυτές τις κατευθύνσεις, ο οποίος έλαβε το όνομα του Peintres de la Realite στους γάλλους ερευνητές, δηλαδή οι ζωγράφοι του πραγματικού κόσμου, εργάστηκαν στην πρωτεύουσα, καθώς και σε σχολεία επαρχίας, και με όλο το άτομο τους Οι διαφορές συνδυάστηκαν με ένα κοινό χαρακτηριστικό: αποφεύγοντας τις ιδανικές μορφές, στρέφονται σε άμεση, άμεση ενσωμάτωση φαινομένων και πράξεων πραγματικής πραγματικότητας. Τα καλύτερα επιτεύγματά τους σχετίζονται κυρίως σε μια οικιακή εικόνα και πορτρέτο. Βιβλικά και μυθολογικά οικόπεδα ενσωματώνονται επίσης από αυτούς τους δασκάλους σε εικόνες εμπνευσμένες από την καθημερινή πραγματικότητα.

Αλλά η πιο βαθιά αντανάκλαση των ουσιωδών χαρακτηριστικών της εποχής εκδηλώθηκε στη Γαλλία στις μορφές του δεύτερου αυτών των προοδευτικών ρευμάτων - στην τέχνη του κλασικισμού.

Οι ιδιαιτερότητες διαφόρων περιοχών καλλιτεχνικής κουλτούρας εντόπισαν ορισμένα χαρακτηριστικά της εξέλιξης αυτού του στυλ στο δράμα, την ποίηση, στην αρχιτεκτονική και τις εικαστικές τέχνες, αλλά με όλες αυτές τις διαφορές, οι αρχές του γαλλικού κλασικισμού έχουν κάποια ενότητα.

Στις συνθήκες του απολυταντή, η εξάρτηση ενός ατόμου από δημόσιους θεσμούς θα πρέπει να ανακαλυφθεί με ειδική ευκρίνεια, από κρατική ρύθμιση και εμπόδια ακίνητης περιουσίας. Στη βιβλιογραφία στην οποία το ιδεολογικό πρόγραμμα του κλασικισμού βρήκε την πιο ολοκληρωμένη έκφρασή της, το κυρίαρχο του δημόσιου χρέους, η νίκη του δημόσιου ξεκίνησε στην αρχή του προσωπικού. Η ατέλεια του κλασσικού πραγματικότητας αντιτίθεται στα ιδανικά της ορθολογικότητας και της σκληρής πειθαρχίας του ατόμου, με τη βοήθεια της οποίας πρέπει να ξεπεραστούν οι αντιφάσεις της πραγματικής ύπαρξης. Μια σύγκρουση από το μυαλό και τα συναισθήματα, το πάθος και το χρέος που χαρακτηρίζει το δραματικό του κλασικισμού, την αντανάκλαση των αντιφάσεων που είναι εγγενείς σε αυτή την εποχή και τον κόσμο γύρω του. Οι εκπρόσωποι του κλασικισμού βρήκαν την ενσάρκωση των δημόσιων ιδεών τους στην αρχαία Ελλάδα και τη Ρεπουμπλικανική Ρώμη, καθώς και την προσωποποίηση των αισθητικών κανόνων για αυτούς ήταν μια αντίκες τέχνη.

Στις αρχές του 17ου αιώνα, μετά την περίοδο των εμφυλίων πολέμων και η γνωστή μείωση της πολιτιστικής ζωής, στις εικαστικές τέχνες, όπως στην αρχιτεκτονική, ήταν δυνατόν να παρατηρήσουμε τον αγώνα των υπολειμμάτων του παλιού με τα βλαστάρια του Νέα, παραδείγματα μετά από λοξές παραδόσεις και τολμηρή καλλιτεχνική καινοτομία.

Ο πιο ενδιαφέρουσα καλλιτέχνης αυτής της εποχής εργάστηκε στις πρώτες δεκαετίες του 17ου αιώνα, χαράκτη και το συρτάρι του Jacques Callo (περίπου 1592-1635). Γεννήθηκε στο Nancy, στη Λωρραίνη, οι νέοι άνδρες πήγαν στην Ιταλία, όπου ζούσε στην αρχή στη Ρώμη, και στη συνέχεια στη Φλωρεντία, όπου ήταν μέχρι την επιστροφή του στην πατρίδα του το 1622.

Ένας πολύ παραγωγικός πλοίαρχος, ο Callo δημιούργησε περισσότερα από χίλια πεντακόσια χαρακτικά, εξαιρετικά διαφορετικά στα θέματα του. Έπρεπε να συνεργαστεί με τη γαλλική βασιλική αυλή και τους δούκες της Τοσκάνης και της Λωρραίνης. Ωστόσο, η λαμπρότητα της ζωής του δικαστηρίου δεν ήταν λυπηρό από αυτόν - ένας λεπτός και οξεικός παρατηρητής - η ποικιλομορφία της γύρω πραγματικής πραγματικότητας, γεμάτη αιχμηρές κοινωνικές αντιθέσεις, οι οποίοι υπέβαλαν σκληρούς στρατιωτικούς σοκ.

Callo - ένας καλλιτέχνης της εποχής μετάβασης. Η πολυπλοκότητα και η ασυνέπεια του χρόνου του εξηγούν τα αντιφατικά χαρακτηριστικά στην τέχνη του. Το Callo Remnants της Msyism είναι ακόμα αισθητή - επηρεάζουν την κοσμοθεωρία του καλλιτέχνη και στις οπτικές δεξιώσεις. Ταυτόχρονα, η δημιουργικότητα του Callo δίνει ένα ζωντανό παράδειγμα διείσδυσης στη γαλλική τέχνη νέων, ρεαλιστικών τάσεων.

Ο Callo εργάστηκε στην τεχνική της χάραξης, την οποία βελτίωσε. Συνήθως ο κύριος που χρησιμοποιείται όταν χάνεται η επαναλαμβανόμενη χάραξη, η οποία επέτρεψε να επιτύχει τον ειδικό ορισμό των γραμμών και τη σκληρότητα του σχεδίου.



Jacques Callo. Η χάραξη από τη σειρά "ζητιάνοι". 1622.



Jacques Callo. Cassandr. Η χάραξη από τη σειρά "Τρία παντελόνι". 1618.

Στα έργα της πρώιμης περιόδου Calla, τα στοιχεία μυθοπλασίας εξακολουθούν να είναι ισχυρά. Επηρεάζουν την επιθυμία για παράξενα οικόπεδα, για υπερβολική εκφραστικότητα grotesque. Η δεξιότητα του καλλιτέχνη παίρνει μερικές φορές το χαρακτήρα της αυτοπεποίθησης της δεξιοτεχνίας. Αυτά τα χαρακτηριστικά είναι ιδιαίτερα φωτεινά στη σειρά Gravy 1622.- "Balley" ("Χοροί") και Gobby ("Gorbny"), που δημιουργήθηκαν υπό την εντύπωση της ιταλικής κωμωδίας των μάσκες. Τα έργα αυτού του είδους, εξακολουθούν να είναι σε μεγάλο βαθμό επιφανειακά, δείχνουν μια κάπως μονόπλευρη αναζήτηση από τον καλλιτέχνη της εξωτερικής εκφραστικότητας. Αλλά σε άλλες σειρές, οι χαρακτικές εκφράζονται σαφέστερα από ρεαλιστικές τάσεις. Αυτή είναι η όλη γκαλερί των τύπων, την οποία ο καλλιτέχνης θα μπορούσε να δει άμεσα στους δρόμους: πολίτες, αγρότες, στρατιώτες (Σειρά Caprichecchi, 1617), Τσιγγάνος (σειρά "Τσιγγάνοι", 1621), Vagrant και ζητιάνοι (Σειρά "Beggars", 1622 ). Αυτά τα μικρά στοιχεία, που έγιναν με εξαιρετική ευκρίνεια και παρατήρηση, διαθέτουν εξαιρετική κινητικότητα, οξεία χαρακτηριστική, η εκφραστικότητα των θέσεων και των χειρονομιών. Με την Arttists Virtuoso, ο Caldo έχει μεταδοθεί από την κομψή ευκολία του Cavallar (Series Caprichecchi), ένα σαφές ρυθμό χορού στις φιγούρες των ιταλικών ηθοποιών και των εσώρουχων τους (σειρά "Balli"), βαριά υπεροχή της επαρχιακής αριστοκρατίας (Larring Norness Series ), γεροντικά στοιχεία σε κουρέλια (σειρά "ζητιάνοι").



Jacques Callo. Μαρτύριο του SV. Sebastian. Χαλκογραφία. 1632-1633

Το πιο ενημερωτικό στο έργο του Callo των πολυστρωματικών συνθέσεων του. Τα θέματα είναι πολύ διαφορετικά: αυτή είναι η εικόνα των φεστιβάλ του Δικαστηρίου ("Τουρνουά στη Νανσί", 1626), εκθέσεις ("δίκαιη", 1620), στρατιωτικά θριάμβους, μάχες (πανόραμα "πολιορκία Bredi, 1627), κυνήγι ( "Μεγάλο κυνήγι", 1626), σκηνές για μυθολογικά και θρησκευτικά οικόπεδα ("Μάρτυραμα του Αγίου Σεμπαστιάν", 1632-1633). Σε αυτούς τους σχετικά μικρούς καταλόγους, ο πλοίαρχος δημιουργεί μια ευρεία εικόνα της ζωής. Τα χαρακτικά του Callo είναι πανοραμική. Ο καλλιτέχνης εξετάζει τι συμβαίνει σαν να από μακριά, το οποίο το επιτρέπει να επιτύχει την ευρύτερη χωρική κάλυψη, να συμπεριλάβει στην εικόνα τεράστιες μάζες ανθρώπων, πολυάριθμα variekractive επεισόδια. Παρά το γεγονός ότι τα σχήματα (και ακόμη περισσότερες λεπτομέρειες) στις συνθέσεις του Callo είναι συχνά πολύ μικρές σε μέγεθος, κατασκευάζονται από τον καλλιτέχνη όχι μόνο με την αξιοσημείωτη μορφή σχεδίασης, αλλά και πλήρως να έχει ζωτικότητα και χαρακτηριστικά. Ωστόσο, η μέθοδος Callo από μόνη της αρνητικές πλευρές. Ατομικά χαρακτηριστικά των ηθοποιών, οι μεμονωμένες λεπτομέρειες είναι συχνά αόριστες στη συνολική μάζα πολλών συμμετεχόντων εκδηλώσεων, το κύριο πράγμα χάνονται μεταξύ των δευτερογενών. Δεν είναι περίεργο ότι συνήθως λέγεται ότι ο Callo εξετάζει τις σκηνές του σαν σε ένα ανεστραμμένο κιάλια: η αντίληψή του δίνει έμφαση στην απομάκρυνση του καλλιτέχνη από την εκδήλωση που απεικονίζεται. Αυτό το συγκεκριμένο χαρακτηριστικό του Callo δεν είναι καθόλου επίσημη τεχνική, είναι φυσικά συνδεδεμένη με το ArtView του. Ο Callo εργάστηκε στην εποχή της κρίσης, όταν τα ιδανικά της Αναγέννησης έχουν χάσει τη δύναμή τους και τα νέα θετικά ιδανικά δεν έχουν ακόμη εγκριθεί. Ο άνθρωπος στο Callo είναι ουσιαστικά ανίσχυρος πριν από τις εξωτερικές δυνάμεις. Δεν είναι τυχαίο ότι το θέμα ορισμένων συνθέσεων του Callo να αποκτήσει ένα τραγικό χρώμα. Τέτοιες, για παράδειγμα, χάραξη "Μάρτυρα του Αγίου Αγίου Ιουλίου. Sebastian. " Η τραγική αρχή σε αυτό το έργο ολοκληρώνεται όχι μόνο στην ιστορία του - ο καλλιτέχνης παρουσίασε πολυάριθμους σκοπευτές, ήρεμα και διευκολύνθη, ως στόχος στην σειρά σκοποβολής, παραγωγής βέλη στο Sebastian Post, αλλά και σε αυτή την έννοια της μοναξιάς και της ανικανότητας , το οποίο εκφράζεται σε ανώτατο όριο από τα θολό βέλη του μικροσκοπικού, δύσκολο να διακρίνει το σχήμα του Αγίου, σαν να χάνεται σε έναν τεράστιο απεριόριστο χώρο.

Το μεγαλύτερο οξεία φτάνει στο Callo στις δύο σειρές "καταστροφών πολέμου" (1632-1633). Με την ανελέητη ειλικρίνεια έδειξε έναν καλλιτέχνη δεινού, η οποία έπεσε στην μητρική του Λορένη, που καταγράφηκε από βασιλικά στρατεύματα. Χαρακτηριστικά αυτού του κύκλου απεικονίζουν τις σκηνές εκτελέσεων και ληστειών, την τιμωρία των Μαρακιών, των πυρκαγιών, των θυμάτων πολέμου και οδού. Ο καλλιτέχνης λέει λεπτομερώς για τρομερές εκδηλώσεις. Σε αυτές τις εικόνες δεν υπάρχει εξιδανικοποίηση και συναισθηματική κρίμα. Callo σαν να μην εκφράζει την προσωπική του στάση απέναντι σε αυτό που συνέβαινε, φαινόταν αδιέξοδο παρατηρητή. Αλλά στο ίδιο το γεγονός μιας αντικειμενικής απόψεως από την καταστροφή του πολέμου, μια συγκεκριμένη εστίαση και η προοδευτική έννοια της τέχνης αυτού του καλλιτέχνη ολοκληρώθηκε.

Στο πρώιμο στάδιο της γαλλικής απολυτατισμού στην τέχνη του δικαστηρίου, η κυρίαρχη σημασία ήταν η κατεύθυνση ενός μπαρόκ χαρακτήρα. Αρχικά, ωστόσο, δεδομένου ότι δεν υπήρχαν σημαντικοί δάσκαλοι στη Γαλλία, η βασιλική αυλή στράφηκε σε διάσημους ξένους καλλιτέχνες. Για παράδειγμα, το 1622 για να δημιουργηθούν μνημειώδεις συνθέσεις, διακοσμημένα το νεόκτιστο παλάτι του Λουξεμβούργου, προσκλήθηκε Rubens.

Σταδιακά, μαζί με τους αλλοδαπούς άρχισαν να προωθούν τους γάλλους πλοιάρχους. Στο τέλος της 1620. Ο τιμητικός τίτλος του "πρώτου καλλιτέχνη του βασιλιά" έλαβε τον Simon Veu (1590-1649). Για μεγάλο χρονικό διάστημα, η VWE ζούσε στην Ιταλία, εργαζόμαστε για τα muffins των εκκλησιών και στις παραγγελίες των προστάτων. Το 1627, ονομαζόταν από τον Louis XIII στη Γαλλία. Πολλοί από τους πίνακες που δημιουργούνται από το VEU δεν έχουν διατηρηθεί πριν από το χρόνο μας και είναι γνωστά από χαρακτικά. Ανήκει στο πομπώδες, ξεπερασμένο στους φωτεινούς πολύχρωμους τόνους της σύνθεσης του θρησκευτικού, μυθολογικού και αλληγορικού περιεχομένου. Τα δείγματα του έργου του μπορούν να υπηρετήσουν "St. Karl Borry "(Βρυξέλλες)," Φέρνοντας στο ναό "(Λούβρο)," Η Ηρακλής μεταξύ των θεών του Ολύμπου (Ερμιτάζ).

Ο VEU δημιουργήθηκε και κατέγραψε την επίσημη, δικαστική κατεύθυνση στη γαλλική τέχνη. Μαζί με τους οπαδούς του, υπέφερε στις γαλλικές μνημειώδεις διακοσμητικές τεχνικές ζωγραφικής ιταλικής και φλαμανδικής μπαρόκ. Ουσιαστικά, το έργο αυτού του δασκάλου δεν ήταν αρκετό. Η έφεση του VEU στα μεταγενέστερα έργα του στον κλασικισμό μειώθηκε επίσης μόνο σε καθαρά εξωτερικό δανεισμό. Lisured γνήσια μνημειωτική και δύναμη, μερικές φορές προτεραιότητα στην προτεραιότητα, επιφανειακή και ξυλοδαρμό για το εξωτερικό αποτέλεσμα, η τέχνη του VEU και οι οπαδοί του ήταν κακώς συνδεδεμένοι με μια ζωντανή εθνική παράδοση.

Στην καταπολέμηση της επίσημης κατεύθυνσης της τέχνης της Γαλλίας, σχηματίστηκε το νέο ρεαλιστικό ρεύμα - Peintres de la Realite ("Χρώματα του πραγματικού κόσμου"). Οι καλύτεροι πλοίαρχοι αυτού του προορισμού, ο οποίος γύρισε στην τέχνη τους σε μια συγκεκριμένη εικόνα της πραγματικής πραγματικότητας, δημιούργησε το ανθρώπινο, γεμάτο υψηλή αξιοπρέπεια της εικόνας του γαλλικού λαού.

Στο αρχικό στάδιο της ανάπτυξης αυτής της περιοχής, πολλοί από τους ασήμαντους δασκάλους έχουν βιώσει τις επιπτώσεις της τέχνης του Caravaggio. Για κάποιο Caravaggio, αποδείχθηκε ότι είναι ένας καλλιτέχνης, σε μεγάλο βαθμό προκαθορισμένο τα θέματα και οι ίδιοι οι οπτικές τεχνικές, άλλοι δάσκαλοι κατάφεραν να χρησιμοποιήσουν πιο δημιουργικά τις πολύτιμες πτυχές της μεθόδου Karavaggist.

Ο πρώτος από αυτούς ανήκε στο Valenten (στην πραγματικότητα, Jean de Boulon, 1594-1632). Το 1614, ο Valenten έφτασε στη Ρώμη, όπου η δραστηριότητά του έπεσε. Όπως και άλλοι Karavagers, ο Valenten έγραψε φωτογραφίες σε θρησκευτικά οικόπεδα, αντιμετωπίζοντας τους στο πνεύμα του είδους (για παράδειγμα, "η απαρουσίαση του Πέτρου". Το Μουσείο Καλών Τεχνών. Α. S. Pushkin), αλλά οι μεγάλες συνθέσεις του είδους του είδους είναι πιο διάσημες. Τα μοτίβα παραδοσιακά για καρβαύματα σε αυτά είναι σε αυτά, ο Valenten τείνει στην πιο οξεία ερμηνεία τους. Ένα παράδειγμα αυτής είναι μια από τις καλύτερες φωτογραφίες των "παίκτες χάρτη" \u200b\u200b(Δρέσδη, γκαλερί), όπου το δράμα της κατάστασης είναι θεαματικό. Ο Naivety από τον άπειρο νεαρό άνδρα, η ψυχραιμία και η αυτοπεποίθηση του Shulera που παίζουν μαζί του και ιδιαίτερα η δυσοίωνική εμφάνιση μιας φιλοφρόνησης για τον σύντροφό του, η τροφοδοσία των σημείων πίσω από τους νεαρούς άνδρες, είναι επίσης εκφραστικός. Αντιθέσεις φωτισμού σε αυτή την περίπτωση χρησιμοποιούνται όχι μόνο για πλαστική μοντελοποίηση, αλλά και για την ενίσχυση της δραματικής πίεσης της εικόνας.

Οι εκκρεμείς μάστερ του χρόνου τους ανήκουν στο Georges de Latur (1593-1652). Διάσημο στην εποχή του, συνεχίστηκε εντελώς ξεχασμένος. Η εμφάνιση αυτού του οδηγού αποκάλυψε μόνο πρόσφατα.

Μέχρι στιγμής, η δημιουργική εξέλιξη του καλλιτέχνη παραμένει με πολλούς τρόπους ασαφής. Λίγες βιογραφικές πληροφορίες, διατηρημένες για την ωραία, εξαιρετικά αποσπασματική. Το Lattat γεννήθηκε στη Λωρραίνη κοντά στην Nancy, στη συνέχεια μετακόμισε στο Luneville, όπου πέρασε το υπόλοιπο του. Υπάρχει μια πρόταση ότι στη νεολαία του επισκέφθηκε την Ιταλία. Latur γνώρισε μια ισχυρή επιρροή της τέχνης του caravaggio, αλλά το έργο του πέρασε πολύ τα όρια ενός απλού μετά τις δεξιώσεις του καραβοσιτισμού. Στην τέχνη των πλοιάρχης Luneville, τα αρχικά χαρακτηριστικά της αναδυόμενης εθνικής γαλλικής ζωγραφικής του 17ου αιώνα βρήκαν την έκφραση.

Ο Latt έγραψε κυρίως πίνακες σε θρησκευτικά οικόπεδα. Το γεγονός ότι πέρασε τη ζωή του στην επαρχία επέβαλε το σημάδι του στην τέχνη του. Στις αφηρημένες από τις εικόνες του, στη σκιά της θρησκευτικής έμπνευσης, η οποία μπορεί να πιαστεί σε μερικά από τα έργα του, στην υπογραμμισμένη στατική διαταραχή των εικόνων του και σε μια ιδιαίτερη στοιχειώδες της καλλιτεχνικής του γλώσσας επηρεάζει επίσης κάποια έκταση στην ηχώ του μεσαιωνικού worldview. Αλλά στα καλύτερα έργα, ο καλλιτέχνης δημιουργεί τις εικόνες μιας σπάνιας πνευματικής καθαρότητας και της μεγάλης ποιητικής εξουσίας.



Georges de latat. Χριστούγεννα. 1640-E.

Ένα από τα πιο λυρικά έργα της Λατέρας, η εικόνα "Χριστούγεννα" (Rennes, Μουσείο). Χαρακτηρίζεται από απλότητα, σχεδόν εφεδρικές τέχνες και ταυτόχρονα βαθιά ειλικρίνεια, η οποία απεικονίζεται από μια νεαρή μητέρα, με μια προσεκτική τρυφερότητα ενός παιδιού ψησίματος, και μια ηλικιωμένη γυναίκα που, φροντίζει προσεκτικά με ένα καίγοντας κερί, συνομιλεί στο Χαρακτηριστικά του νεογέννητου. Το φως σε αυτή τη σύνθεση έχει μεγάλη σημασία. Διαλύθηκε το νυχτερινό σκοτάδι, υπογραμμίζει σαφές με πλαστικές λεπτομερείς, στο όριο των γενικευμένων όγκων των αριθμών, το πρόσωπο του αγρότη του αγρότη και το συγκινητικό σχήμα ενός ώριμου παιδιού. Κάτω από τη δράση του φωτός, βαθιά, πλούσια σε ισχυρό χρώμα ήχο του τόνου των ρούχων. Η ομαλή και χαλαρωτική του ακτινοβολία δημιουργεί μια ατμόσφαιρα σοβαρότητας της σιωπής της νύχτας, η οποία διαταράσσεται μόνο από τη μέτρηση της αναπνοής του ύπνου.

Στενά στη διάθεσή του στο "Χριστούγεννα" και τη λατρεία "λατρεία των βοσκών". Η αληθινή εμφάνιση των γαλλικών αγροτών, η ομορφιά του απλού συναίσθητούτός τους, ο καλλιτέχνης ενσωματώνει με ειλικρίνεια ζυθοποιίας.



Georges de latat. Ο St. Joseph-Carpenter. 1640-E.



Georges de latat. Το φαινόμενο του αγγέλου του Αγίου Αγίου Αγίου Ιωσήφ. 1640-E.

Οι εικόνες του Lattaural για τα θρησκευτικά θέματα συχνά ερμηνεύονται στο πνεύμα του είδους, αλλά ταυτόχρονα στερούνται της σκιάς των τριχωτών και της καθημερινής ζωής. Αυτά έχουν ήδη αναφερθεί "Χριστουγεννιάτικα" και "λατρεία των βοσκών", "τολμηροί Magdalen" (Λούβρο) και γνήσια αριστουργήματα της Λατέρας ", St. Joseph-Carpenter "(Λούβρο) και το φαινόμενο του Άγγελου του Αγίου Joseph "(Νάντη, Μουσείο), όπου ένας άγγελος είναι ένα λεπτό κορίτσι - αφορά το χέρι του κεριού του Ιωσήφ με μια χειρονομία ταυτόχρονα και απαλή. Το αίσθημα της πνευματικής καθαρότητας και η ηρεμία σκέψη σε αυτά τα έργα αυξάνει τις εικόνες ενός τρόπου με την καθημερινή ζωή.

1. 

   Georges de latat. Ο Άγιος Σεμπαστιάν, θρήνος από τον Άγιο. Ιρίνα. 1640-1650-E.

   Στα υψηλότερα επιτεύγματα της LATURATION αναφέρεται "St. Sebastian, που θρηνούσε από το St. Irina "(Βερολίνο). Στη σιωπή των βαθιών νύχτας, που φωτίζεται μόνο από μια φωτεινή φλόγα του κεριού, πάνω από το ανοιχτό σώμα που τρυπήθηκε από την Αρλάσια Σβαστιάν να πένσε τα θλιβερά στοιχεία του πένθους των γυναικών του. Ο καλλιτέχνης κατόρθωσε να περάσει εδώ όχι μόνο τη συνολική αίσθηση που ενώνει όλους τους συμμετέχοντες στη δράση, αλλά και τις αποχρώσεις αυτού του συναισθηματικού σε κάθε ένα από τα τέσσερα αλιεύματα - ένα εξαντλητικό παγετό, θλιβερή αμηχανία, τραγική απελπισία. Αλλά το latur είναι πολύ συγκρατημένο στην περίπτωση των ταλαιπωριών, δεν επιτρέπει την υπερβολή οπουδήποτε, και όσο ισχυρότερη ο αντίκτυπος των εικόνων της στις οποίες δεν υπάρχει τόση ένα πρόσωπο, πόση κίνηση, χειρονομίες, οι ίδιοι οι σιλουέτες απέκτησαν ένα τεράστιο Συναισθηματική εκφραστικότητα. Τα νέα χαρακτηριστικά παρακολουθούνται με τη μορφή του Sebastian. Στο εξαιρετικό του αυξημένο ύψος, η ηρωική αρχή ενσωματώνεται, η οποία σχετίζεται αυτή την εικόνα με τις δημιουργίες των πλοιάρχων του κλασικισμού.

   Σε αυτή την εικόνα, ο Latour απομακρύνθηκε από το εγχώριο χρώμα των εικόνων, από αρκετές αφελείς στοιχειώδες που είναι εγγενείς στα προηγούμενα έργα του. Η πρώην κάλυψη των φαινομένων του θαλάμου, η διάθεση της εστιασμένης οικειότητας έχει αλλάξει εδώ πιο μνημειικότητα, μια αίσθηση τραγικού μεγέθους. Ακόμη και μια αγαπημένη του κινήτρου που καίει το κερί γίνεται αντιληπτό σε ένα διαφορετικό, πιο αξιολύπητο - το τεράστιο, ο οποίος ανήκε τη φλόγα υπενθυμίζει τη φλόγα του φακού.

   Εξαιρετικά σημαντική θέση στην ρεαλιστική ζωγραφική της Γαλλίας του πρώτου μισού του 17ου αιώνα. Καταλαμβάνει την τέχνη του Louis Lenin. Ο Louis Lenen, όπως ο αδελφός του Antoine και Mathieu, εργάστηκε κυρίως στον τομέα του αγροτικού είδους. Η εικόνα της ζωής των αγροτών δίνει τα έργα του Lenen φωτεινό δημοκρατικό χρώμα. Η τέχνη τους συγχωρέθηκε για μεγάλο χρονικό διάστημα, και μόνο από τα μέσα του 19ου αιώνα. Η μελέτη και η συλλογή των έργων τους άρχισαν.

   Brothers Lenen - Antoine (1588-1648), Louis (1593-1648) και Mathieu (1607-1677) - από τους ντόπιους της πόλης Lana στην Πικαρδία. Ήρθαν από μια μικρή αστική οικογένεια. Η νεολαία που δαπανάται στην μητρική πικάρδαλη του έδωσε τις πρώτες και πιο ζωντανές εντυπώσεις της αγροτικής ζωής. Έχοντας μετακινηθεί στο Παρίσι, ο Λένος παρέμεινε αλλοδαπός στον θόρυβο και τη λάμψη της πρωτεύουσας. Είχαν ένα κοινό εργαστήριο, με επικεφαλής τον μεγαλύτερο από αυτά - Antoine. Ήταν ο άμεσος δάσκαλος των νεαρών αδελφών του. Το 1648, ο Antoine και ο Louis Lenen υιοθετήθηκαν στη νεοσυσταθείσα βασιλική ακαδημία ζωγραφικής και γλυπτικής.

   Ο Anoine Lenin ήταν μια ευσυνείδητη, αλλά όχι πολύ προικισμένη από τον καλλιτέχνη. Στο έργο του, στον οποίο επικράτησαν τα πορτραίτα, πολλά περισσότερα αρχαϊκά. Η σύνθεση είναι κλάσμα και κατεψυγμένο, τα χαρακτηριστικά δεν διακρίνονται από την πολλαπλή ("οικογενειακό πορτρέτο", 1642, Λούβρο). Η τέχνη του Antoine σημείωσε την αρχή της δημιουργικής αναζήτησης για τους μικρότερους αδελφούς του, και πάνω απ 'όλα τα μεγαλύτερα από αυτά - Louis Lenin.

   Τα πρώτα έργα του Louis Lenin είναι κοντά στα έργα του μεγαλύτερου αδελφού του. Είναι πιθανό ότι ο Louis, μαζί με το Mathieu, ταξίδεψε στην Ιταλία. Η Karavadzhist παράδοση παρείχε γνωστό αντίκτυπο στο σχηματισμό της τέχνης του. Από το 1640 ο Louis Lenen εκδηλώνεται ως ένας εντελώς ανεξάρτητος και πρωτότυπος καλλιτέχνης.

   Ο Georges de Lutur, οι άνθρωποι από τους ανθρώπους απεικονίστηκαν σε έργα για θρησκευτικά οικόπεδα. Ο Louis Lenen γύρισε άμεσα το έργο του στη ζωή της γαλλικής αγροτιάς. Η καινοτομία του Louis Lenin είναι μια θεμελιωδώς νέα ερμηνεία της ζωής του λαού. Είναι στους αγρότες ότι ο καλλιτέχνης βλέπει τα καλύτερα κόμματα στον άνθρωπο. Ανήκει στους ήρωες του με μια αίσθηση βαθιάς σεβασμού. Το αίσθημα της αυστηρότητας, της απλότητας και της ειλικρίνειας γεμίζει με τις σκηνές του για την αγροτική ζωή, όπου τα μεγέθη-ηρεμία, τα πλήρη πλεονεκτήματα είναι οι μέτριοι, χαλαροί άνθρωποι.

   Στις καμβά του, εξαντλούν τη σύνθεση στο επίπεδο σαν ανακούφιση, τοποθετώντας στοιχεία σε ορισμένα χωρικά όρια. Αποκαλυφθείσα από μια σαφή, γενικευμένη γραμμή βρόχου, οι αριθμοί είναι δευτερεύουσες στο καλάθεσμο σύνθετο σύνθετο. Ο Louis Colorist, ο Louis Lenen υφίσταται ο συγκρατημένος φεγγάρι λουλουδιών με ένα ασημένιο τόνο, φτάνοντας στην απαλότητα και την πολυπλοκότητα των πολύχρωμων μεταβάσεων και των αναλογιών.

   Τα πιο ώριμα και τέλεια έργα του Louis Lenin δημιουργήθηκαν στη δεκαετία του 1640.

   

   Louis Lenen. Επισκέπτης της γιαγιάς. 1640-E.

   Δάπεδο πρωινό μιας φτωχής αγροτικής οικογένειας στη ζωγραφική "αγρόκτημα" (Λούβρο), αλλά ποια είναι η αίσθηση αυτοεκτίμησης με αυτούς τους εργαζόμενους που επικεντρώνονται στη μελωδία, την οποία το αγόρι παίζει στο βιολί. Πάντα συγκρατημένο, λίγο συνδεδεμένο μεταξύ τους, οι ήρωες του Λένιν αντιλαμβάνονται, ωστόσο, ως μέλη της ομάδας, ενώθηκαν από την ενότητα της διάθεσης, η γενικότητα της αντίληψης της ζωής. Ένα ποιητικό συναίσθημα, που ασχολείται με τη ζωγραφική του "Προσευχή πριν από το γεύμα" (Λονδίνο, Εθνική Πινακοθήκη). Ασφαλώς και απλή, χωρίς καμία σκιά του συναισθηματικού, μια σκηνή απεικονίζεται μια επίσκεψη στην παλιά αγροτική γυναίκα με εγγόνια στο καμβά ερημίτη "Επισκεφθείτε Babushka". Σίγουρα γεμάτη ήρεμη χαρούμενη, κλασικά σαφή "στάση αναβάτη" (Λονδίνο, Βικτόρια και Μουσείο Αλβέρτου).

   

   Louis Lenen. Οικογένεια της τσίχλας. 1640-E.

   Στη δεκαετία του 1640. Ο Louis Lenen δημιουργεί επίσης ένα από τα καλύτερα έργα του, "Familia" (Ερμιτάζ). Νωρίς, κατεστραμμένο ομίχλη το πρωί. Η οικογένεια των αγροτών πηγαίνει στην αγορά. Με μια ζεστή έννοια, ο καλλιτέχνης αυτών των συνηθισμένων ανθρώπων απεικονίζει, τους ανοιχτούς τους ανθρώπους: έναν κουρασμένο αγρότη, ένα holstip, συνετό εργαζόμενο και οδυνηρό, εύθραυστο, χωρίς σοβαρό κορίτσι. Η Πλάτα τελείωσε τα στοιχεία που προεξέχουν σαφώς σε ένα ελαφρύ φόντο του αέρα. Υπέροχο τοπίο: μια ευρεία κοιλάδα, μια μακρινή πόλη στον ορίζοντα, με αέρα με ασημένια καμινάδα μπλε στο εξωτερικό ουρανό. Με μεγάλη επιδεξιότητα, ο καλλιτέχνης μεταφέρει την σημαντικότητα των αντικειμένων, τα υφή τους, η βαρετή ακτινοβολία του χαλκού Bidon, η σκληρότητα του βραχώδους εδάφους, της αγνότητας των απλών νοικοκυριών των αγροτών, Shaggy μαλλί. Η τεχνική του κηλίδας είναι πολύ διαφορετική: μια ομαλή, σχεδόν μια επιστολή σμάλτου συνδέεται με μια ελεύθερη αδέσποτη ζωγραφική.

   

   Louis Lenen. Σιδηρουργείο. 1640-E.

   Το Louis "Forge" μπορεί να ονομαστεί το υψηλότερο επίτευγμα του Louis Lenin. Συνήθως ο Louis Lenen απεικονίζει τους αγρότες κατά τη διάρκεια των γευμάτων, την αναψυχή, την ψυχαγωγία. Εδώ το αντικείμενο της εικόνας του έχει γίνει μια σκηνή εργασίας. Είναι υπέροχο ότι ήταν στο έργο που ο καλλιτέχνης είδε την αληθινή ομορφιά του ανθρώπου. Δεν θα βρούμε στο έργο των εικόνων του Louis Lenin που θα επεκταθούν στη δύναμη και την υπερηφάνεια ως οι ήρωες του "Forge" του - ένα απλό σιδερά που περιβάλλεται από μια οικογένεια. Στη σύνθεση περισσότερη ελευθερία, κίνηση, ευκρίνεια. Παλαιότερα λείο, πολλαπλός φωτισμός άλλαξε αντιθέσεις φωτισμού, ενισχύοντας τη συναισθηματική εκφραστικότητα των εικόνων. Στην ίδια την ενέργεια. Η έξοδος πέρα \u200b\u200bαπό τα παραδοσιακά οικόπεδα, η έκκληση στο νέο θέμα συνέβαλε στην προκειμένη περίπτωση στη δημιουργία μιας από τις πρώιμες εντυπωσιακές εικόνες της εργασίας στις ευρωπαϊκές εικαστικές τέχνες.

   Στο αγροτικό είδος Louis Lenin, που απορροφάται με ειδική ευγένεια και σαφές, σαν να καθαρίζεται η αντίληψη της ζωής, δεν αντικατοπτρίζονται με την άμεση μορφή αιχμηρών κοινωνικών αντιφάσεων εκείνης της εποχής. Οι ψυχολογικές του εικόνες είναι μερικές φορές πολύ ουδέτερες: το αίσθημα της ηρεμίας ηρεμίας καθώς θα απορροφήσει όλη την ποικιλία εμπειριών των ηρώων του. Παρ 'όλα αυτά, στην εποχή της εκμετάλλευσης των λαϊκών μαζών, έφερε τη ζωή της γαλλικής αγροτιάς σε σχεδόν το βιοτικό επίπεδο των ζώων, υπό τις συνθήκες μιας ισχυρής λαϊκής λαϊκής διαμαρτυρίας, ο Louis Lenin, ο οποίος υποστήριξε την ανθρώπινη αξιοπρέπεια, το ηθικό Η καθαρότητα και η ηθική δύναμη του γαλλικού λαού, είχε μεγάλη προοδευτική σημασία.

   Κατά τη διάρκεια της περαιτέρω ενίσχυσης του απολυτατισμού, το ρεαλιστικό αγροτικό είδος δεν είχε ευνοϊκές προοπτικές για την ανάπτυξή της. Αυτό επιβεβαιώνεται από ένα παράδειγμα της δημιουργικής εξέλιξης του νεότερου του Lenen - Mathieu. Όντας νεότερος από το Louis για δεκατέσσερα χρόνια, ανήκε ουσιαστικά σε άλλη γενιά. Στην τέχνη του, ο Mathieu Lenen έχει για τα γούστα της ευγενής κοινωνίας. Ξεκίνησε το δημιουργικό του μονοπάτι ως οπαδός Louis Lenin ("Αγρυθοί στη Ζαμπάχκα", Ερμιτάζ). Στο μέλλον, τα θέματα και ολόκληρη η φύση της δημιουργικότητας αλλάζει δραματικά - ο Mathieu γράφει πορτρέτα των αριστοκράτων και των κομψών σκηνών του είδους από τη ζωή μιας "καλής κοινωνίας".

   Από την κατεύθυνση των "ζωγράφων του πραγματικού κόσμου" ανήκε σε μεγάλο αριθμό επαρχιακών καλλιτεχνών που, σημαντικά κατώτερες από τέτοιους τεχνίτες, όπως ο Georges de Latur και ο Louis Lenen, κατάφερε να δημιουργήσει ζωντανά και ειλικρινά έργα. Τέτοιες, για παράδειγμα, ο Robert Turny (1604 - 1670), συγγραφέας μιας αυστηρής και εκφραστικής ζωγραφικής "αφαίρεση από το Σταυρό" (Τουλούζη, Μουσείο), Rishar Tassel (1580 - 1660), ο οποίος έγραψε ένα απότομο πορτρέτο του πορτρέτου του Nun Catherine de Montolon (Dijon, Μουσείο), Άλλο.

   Στο πρώτο μισό του 17ου αιώνα Οι ρεαλιστικές τάσεις αναπτύσσονται επίσης στον τομέα του γαλλικού πορτρέτου. Το μεγαλύτερο πορτρέτο αυτής της εποχής ήταν ο Philip de Champion (1602 - 1674). Φλένδες στην προέλευση, πέρασε ολόκληρη τη ζωή του στη Γαλλία. Όντας κοντά στην αυλή, η Shampeny χρησιμοποίησε την ομιλία του βασιλιά και του Richelieu.

   Το Shampen ξεκίνησε την καριέρα του ως πλοίαρχος διακοσμητικής ζωγραφικής, έγραψε επίσης έργα ζωγραφικής σε θρησκευτικά οικόπεδα. Ωστόσο, η πιο διαδεδομένη αποφοίτηση των Σαμπένων που αποκαλύφθηκε στον τομέα Πορτρέτο. Ήταν ένα είδος ιστοριογράφου του χρόνου του. Διαθέτει πορτρέτα μελών του βασιλικού σπιτιού, πολιτών, επιστημόνων, συγγραφέων, εκπροσώπων του γαλλικού κληρικού.

   

   Philip de Champin. Πορτρέτο του Arno d "Andilia. 1650

   Μεταξύ των έργων του Champs είναι το πιο διάσημο πορτρέτο του Cardinal Richelieu (1636, Λούβρο). Ο καρδινάλιος απεικονίζεται με πλήρη ανάπτυξη. Φαίνεται αργά μπροστά από τον θεατή. Η φιγούρα του στο καρδινάλιο μανδύα με μεγάλη πεσμένη αναδίπλωση διαδίδει διαυγή και καθαρό περίγραμμα στο φόντο της μπάρας. Ο κορεσμένος τόνος του ροζ-κόκκινου μανδύα και το χρυσό φόντο σκιάζονται με ένα λεπτό, χλωμό πρόσωπο του καρδινάλινου, τα κινητά του. Με όλο το παροχές του, το πορτρέτο, ωστόσο, στερείται εξωτερικού υπέρυθρων και δεν υπερφορτωθεί με αξεσουάρ. Η γνήσια μνημειωτή του είναι υπό την έννοια της εσωτερικής δύναμης και συγκεντρώνει, στην απλότητα της απόφασης τέχνης. Φυσικά, τα πορτρέτα των Champs, στερούνται αντιπροσωπευτικού χαρακτήρα διαφέρουν ακόμη μεγαλύτερη σοβαρότητα και ζωτική πειστικότητα. Στα καλύτερα έργα του πλοιάρχου ανήκει στο πορτρέτο του Arno d "Andilia (1650).

   Και οι καλλιτέχνες του κλασικισμού και οι "ζωγράφοι του πραγματικού κόσμου" ήταν κοντά στις προηγμένες ιδέες της εποχής - μια μεγάλη ιδέα για την αξιοπρέπεια ενός ατόμου, την επιθυμία για ηθική αξιολόγηση των πράξεών του και σαφώς, καθαρίζονται από το Ολόκληρη η τυχαία αντίληψη του κόσμου. Λόγω αυτού, και οι δύο κατευθύνσεις στη ζωγραφική, παρά τις διαφορές που είχαν μεταξύ τους, στενά επαφή μεταξύ τους.

   Ο κλασσικισμός αποκτά την ηγετική σημασία στη γαλλική ζωγραφική από το δεύτερο τρίμηνο του 17ου αιώνα. Το έργο του μεγαλύτερου αντιπροσώπου του του Nicola Poussin είναι η κορυφή της γαλλικής τέχνης 17 αιώνων.

   Ο Poussin γεννήθηκε το 1594 κοντά στην πόλη του Andeli στη Νορμανδία στην οικογένεια ενός φτωχού στρατού. Στα νεανικά χρόνια του Poussin και η πρώιμη δουλειά του είναι γνωστή ελάχιστα. Ίσως ο πρώτος δάσκαλός του που επισκέφθηκε το Aneli Kantnen Waren αυτών των ετών, η συνάντηση με την οποία ήταν ζωτικής σημασίας για να καθορίσει την καλλιτεχνική αποστολή του νεαρού άνδρα. Μετά τη Waren, ο Poussin αφήνει κρυφά την μητρική του πόλη και τα φύλλα του για το Παρίσι. Ωστόσο, αυτό το ταξίδι δεν φέρει καλή τύχη. Μόνο ένα χρόνο αργότερα, αμέσως πέφτει στην πρωτεύουσα και ξοδεύει αρκετά χρόνια εκεί. Ήδη στα νεανικά χρόνια, ο Poussin αποκαλύπτει μεγάλη σκόπιμη και ακούραστη δίψα για τη γνώση. Μελετά τα μαθηματικά, την ανατομία, την αρχαία λογοτεχνία, γνωστοποίησε σε χαρακτικά με έργα του Rafael και του Julio Roman.

   Στο Παρίσι, ο Poussin συναντά με τον μοντέρνο ιταλικό ποιητή Kavaler Marino και απεικονίζει το ποίημά του "Adonis". Αυτές οι απεικονίσεις που διατηρούνται στην εποχή μας είναι τα μόνα αξιόπιστα έργα του Pussen της πρώιμης παριζιάνικης περιόδου. Το 1624, ο καλλιτέχνης αφήνει την Ιταλία και εγκαθίσταται στη Ρώμη. Παρόλο που ο Poussin προορίζονταν να ζήσει σχεδόν όλη τη ζωή του στην Ιταλία, αγαπούσε θερμά την πατρίδα του και ήταν στενά συνδεδεμένη με τις παραδόσεις της γαλλικής κουλτούρας. Ήταν αλλοδαπός στον καριέρα και δεν είναι διατεθειμένη να βρει εύκολη επιτυχία. Η ζωή του στη Ρώμη ήταν αφιερωμένη στην επίμονη και συστηματική εργασία. Το Poussin σκιαγραφεί και μετράται αντίκα αγάλματα, συνέχισε τις σπουδές του με την επιστήμη, τη λογοτεχνία, μελέτησε τις πραγματικότητες του Alberti, Leonardo da Vinci και Durera. Εφηγήθηκε ένας από τους καταλόγους της Συνθήκης Leonardo. Επί του παρόντος, αυτό το πιο πολύτιμο χειρόγραφο είναι στο Ερμιτάζ.

   Δημιουργική αναζήτηση του Poussin στη δεκαετία του 1620. Ήταν πολύ περίπλοκα. Ο Δάσκαλος πήγε πολύ καιρό δημιουργώντας την καλλιτεχνική του μέθοδο. Η αντίκες τέχνη και οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης ήταν γι 'αυτόν με τα υψηλότερα δείγματα. Μεταξύ των σύγχρονων δασκάλων της Μπολόνια, εκτίμησε το πιο αυστηρό ένα από αυτά - Domenicino. Η θεραπεία αρνητικά στο Caravaggio, ο Poussin εξακολουθεί να μην παραμένει αδιάφορη για την τέχνη του.

   Σε όλη τη δεκαετία του 1620. Ο Pussen, που ήδη ενισχύει την πορεία του κλασικισμού, συχνά φαινόταν απότομα πέρα \u200b\u200bαπό το πλαίσιο του. Τέτοιες εικόνες όπως το "Beating of Babies" (Shantilia), "Μάρτυι Το Erasmus "(1628, το Βατικανό Pinakotek) χαρακτηρίζεται από τα χαρακτηριστικά της εγγύτητας με την καραβοσιτισμό και το μπαρόκ, μια γνωστή μείωση των εικόνων, υπερβολική δραματική ερμηνεία της κατάστασης. Ασυνήθιστα για την Pussen στην επιδεινούμενη έκφρασή της στη μετάδοση μιας αίσθησης της καρδιάς θλίψης, ενός ερμηνευτικού "αφαίρεσης από το Σταυρό" (περίπου 1630). Το δράμα της κατάστασης ενισχύεται από μια συναισθηματική ερμηνεία του τοπίου: η δράση αναπτύσσεται στο φόντο του ουρανού καταιγίδας με τις αντανακλάσεις της κόκκινης δυσοίωνης αυγής. Μια άλλη προσέγγιση χαρακτηρίζει το έργο του που εκτελείται στο πνεύμα του κλασικισμού.

   Η λατρεία του νου είναι μία από τις κύριες ιδιότητες του κλασικισμού και επομένως ούτε ένας από τους μεγάλους δασκάλους του 17ου αιώνα. Η ορθολογική αρχή δεν παίζει τόσο σημαντικό ρόλο ως Poussin. Ο ίδιος ο κύριος δήλωσε ότι η αντίληψη του έργου τέχνης απαιτεί μια συμπυκνωμένη σκέψη και τεταμένη εργασία. Ο ορθολογισμός επηρεάζει όχι μόνο στη σκόπιμη παρακολούθηση του ηθικού και καλλιτεχνικού ιδανικού, αλλά και στην τέχνη που δημιουργήθηκε από αυτό. Δημιούργησε τη θεωρία των λεγόμενων τρόπων, που προσπάθησαν να ακολουθήσουν στο έργο του. Το modus του Pussen σήμαινε ένα είδος εικονιστικού κλειδιού, το άθροισμα των τεχνικών για τα συναισθηματικά χαρακτηριστικά και τη σύνθεση-γραφική λύση, η οποία αντιστοιχεί περισσότερο στην έκφραση ενός συγκεκριμένου θέματος. Αυτοί οι τρόποι του Poussin έδωσαν ονόματα που προέρχονται από τα ελληνικά αντικείμενα διαφόρων εδαφών ενός μουσικού κτιρίου. Για παράδειγμα, το θέμα του ηθικού κατ ' - στις μορφές "Ιονίου" και "Lidius" Ladins. Η αντοχή των έργων του Pussense επιτυγχάνεται ως αποτέλεσμα αυτών των καλλιτεχνικών τεχνικών μια σαφώς έντονη ιδέα, σαφή λογική, υψηλό βαθμό ολοκλήρωσης του σχεδίου. Αλλά ταυτόχρονα, η υποταγή της τέχνης με ορισμένα σταθερά πρότυπα, η εισαγωγή ορθολογιστικών στιγμών ήταν επίσης ένας μεγαλύτερος κίνδυνος, δεδομένου ότι θα μπορούσε να οδηγήσει στην προμήθεια ενός ασυνήθιστου δόγμα, μια θανατηφόρα δημιουργική διαδικασία. Ήταν σε αυτό που όλοι οι ακαδημαϊκοί που ακολούθησαν μόνο τις εξωτερικές τεχνικές του Pussen έρχονταν. Στη συνέχεια, αυτός ο κίνδυνος στάθηκε μπροστά από τον ίδιο τον Pussen.

   

   Poussin. Θάνατος της Γερμανίας. 1626-1627

   Ένα από τα χαρακτηριστικά δείγματα του ιδεολογικού και καλλιτεχνικού προγράμματος του κλασικισμού μπορεί να χρησιμεύσει ως σύνθεση Pusshenovsky "θάνατος της Γερμανίας" (1626/27, Μινεάπολη, Ινστιτούτο Τεχνών). Εδώ είναι ήδη ενδεικτική της επιλογής του ήρωα - ένας θαρραλέος και ευγενής διοικητής, η ομάδα των καλύτερων ελπίδων των Ρωμαίων, δηλητηριασμένων με εντολή του ύποπτου και ζηλευμένου αυτοκράτορα Τίμπηη. Η εικόνα απεικονίζει τη Γερμανία στο θάνατό του αλπικό, που περιβάλλεται από την οικογένειά του και τους αφιερώτες σε αυτόν στρατιώτες που αγκαλιάστηκαν από το γενικό αίσθημα ενθουσιασμού και θλίψης.

   Πολύ γόνιμη για τη δημιουργικότητα του Poussin ήταν το πάθος για την τέχνη του Τίταϊου στο δεύτερο μισό της 1620. Η έκκληση προς την Tizian παράδοση διευκόλυνε την αποκάλυψη των πιο ζωντανών μερών στο ταλέντο του Pussen. Ο ρόλος ήταν ο ρόλος του χρωσισμού των Τιτιδίων και στην ανάπτυξη της ζωγραφικής για να δώσει στο Pussen.

   

   Poussin. Το Βασίλειο της χλωρίδας. Θραύσμα. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1635.

   Στην ταινία της Μόσχας "Rinaldo και Armida" (1625-1627), το οικόπεδο του οποίου λαμβάνεται από το ποίημα του Τάσσο "απελευθερωμένο από την Ιερουσαλήμ", το επεισόδιο από το θρύλο της μεσαιωνικής ιπποσύνης αντιμετωπίζεται περισσότερο σαν ένα κίνητρο της αντίκες μυθολογίας . Ο μάγος του εμπορίου, η εύρεση του ύπνου ιππότη-σταυροφόρος Rinaldo, τον παίρνει στους μαγικούς κήπους του, και τα άλογα του εμπορίου, που έβαλαν το άρμα της στα σύννεφα και μόλις κράτησε πίσω από τα όμορφα κορίτσια, μοιάζουν με τα άλογα του Θεού του ήλιου του Ήλιου (αυτό το κίνητρο συχνά βρίσκεται συχνά στις ζωγραφιές του Pussen). Το ηθικό ύψος ενός ατόμου προσδιορίζεται για το Pussen από την αλληλογραφία των συναισθημάτων και των ενεργειών του λογικού νόμου περί φύσης. Επομένως, το ιδανικό του Poussin είναι ένας άνθρωπος που ζει μια ενιαία ευτυχισμένη ζωή με τη φύση. Αυτό το θέμα, ο καλλιτέχνης αφιέρωσε τέτοιους ιστούς 1620-1630, όπως "Απόλλωνα και Δάφνη" (Μόναχο, Pinakotek), "Vakhanlia" στο Λούβρο και την Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου ", το Βασίλειο της Flora (Δρέσδη, Γκαλερί). Αναβεί τον κόσμο των αρχαίων μύθων, όπου το σκοτάδι σώζει, οι λεπτές νύμφες και οι χαρούμενοι αμυγδάλοντες απεικονίζονται στην ενότητα με όμορφη και χαρούμενη φύση. Ποτέ δεν εμφανίζονται στη συνέχεια στο έργο του Poussin, τέτοιες γαλήνιες σκηνές, εμφανίζονται τέτοιες αξιολόμενες εικόνες γυναικών.

   Κατασκευή έργων ζωγραφικής, όπου τα πλαστικά απτά στοιχεία περιλαμβάνονται στον συνολικό ρυθμό της σύνθεσης, έχει σαφήνεια και πληρότητα. Είναι πάντοτε σαφές ότι η κίνηση των αριθμών, αυτό, σύμφωνα με τον Poussin, τη "γλώσσα του σώματος" είναι πάντα διαφορετική. Η σειρά χρωμάτων, συχνά κορεσμένη και πλούσια, υποδεικνύει επίσης με την προσεγμένη ρυθμική αναλογία πολύχρωμων σημείων.

   Στη δεκαετία του 1620. Δημιούργησε μια από τις πιο αιχμάλωτες εικόνες του Poussin - Dresden "Sleep Venus". Το κίνητρο αυτής της ζωγραφικής είναι η εικόνα της θεάς βυθισμένης στον ύπνο που περιβάλλεται από το όμορφο τοπίο - πηγαίνει πίσω στα δείγματα της βενετικής αναγέννησης. Ωστόσο, στην περίπτωση αυτή, ο καλλιτέχνης έλαβε την ιδανικότητα των εικόνων από τους πλοίαρχους της αναβίας και ο άλλος της βασικής τους ποιότητας είναι μια τεράστια ζωτικότητα. Το ίδιο το χρώμα είναι ο τύπος της θεάς, νεαρή κοπέλα με πρόσωπο με πρόσωπο, με μια λεπτή κομψή φιγούρα, γεμάτη τέτοια φυσικότητα και κάποια ιδιαίτερη οικειότητα της αίσθησης ότι αυτή η εικόνα φαίνεται να χτυπάει δεξιά από τη ζωή. Σε αντίθεση με το γαλήνιο υπόλοιπο της θεάς ύπνου ακόμη πιο αισθάνθηκε ακόμα περισσότερο η τάση βροντή μιας ζεστήςς ημέρας. Στο Dresden Canvas φωτεινότερο από οπουδήποτε, η σύνδεση του Poussin με χρωματισμό του Titian είναι απτή. Σε σύγκριση με το κοινό καφέ, κορεσμένο σκούρο χρυσό μοτίβο, οι αποχρώσεις του γυμνού σώματος της θεάς είναι ιδιαίτερα διακριτικές.

   

   Poussin. Τραγανό και ερμίνη. 1630-E.

   Η πλωτή οδός Ερμιτάζ "Tancred και Hermine" (1630s) (1630s) ήταν αφιερωμένη στο δραματικό θέμα της αγάπης της Αμαζονίας Ερμινίας στον Ιππότη-Σταυροφόρου Tancredu. Το οικόπεδο λαμβάνεται επίσης από το ποίημα του Tasso. Στο έρημο έδαφος, στο βραχώδες έδαφος, τραυματίστηκε σε μια ανθρακική μονομαχία. Με μια τρυφερότητα φροντίδας υποστηρίζει τον πιστό φίλο της Wafrine. Η Herminia, απλά, έχοντας κατεβεί από το άλογο, βυθίζεται στην αγαπημένη και ταχεία σιωπή του αφρώδους σπαθιού, κόβει το σκέλος των ξανθών μαλλιών του για να δέσει τις πληγές του. Το πρόσωπό της, μια ματιά, αλυσοδεμένη για την τοποθέτηση, οι ταχείες κινήσεις μιας λεπτής φιγούρας είναι πνευματισμένες από ένα μεγάλο εσωτερικό συναίσθημα. Η πνευματική ανύψωση της εικόνας του ηρωίνης τονίζεται από τη χρωματική απόφαση των ρούχων της, όπου οι αντιθέσεις των γκρίζων χάλυβα και οι βαθύ μπλε τόνοι ακούγονται με αυξημένη δύναμη και η γενική δραματική διάθεση της εικόνας βρίσκει τη δική του ηχώ στο τοπίο γεμάτο με τη φλεγόμενη στιλπνότητα της αυγής βράδυ. Η πανοπλία του Tancred και το σπαθί του ερμινίου αντανακλούν όλο τον πλούτο των χρωμάτων στα σκουπίδια τους.

   Στο μέλλον, η συναισθηματική στιγμή στο έργο του Poussin είναι σε μεγαλύτερο βαθμό που συνδέεται με την οργανωτική αρχή του λόγου. Στα έργα των μέσων 1630. Ο καλλιτέχνης φτάνει σε μια αρμονική ισορροπία μεταξύ μυαλού και συναισθημάτων. Η κύρια σημασία είναι η εικόνα ενός ηρωικού, τέλειου ατόμου ως ενσωμάτωσης της ηθικής μεγαλειότητας και της πνευματικής δύναμης.

   

   Poussin. Arcade Shepherds. Μεταξύ 1632 και 1635

   Το παράδειγμα μιας βαθιάς φιλοσοφικής αποκάλυψης του θέματος στα έργα του Poussin δίνει δύο επιλογές για τη σύνθεση "Arcade Shepherds" (μεταξύ 1632 και 1635, CEZOORT, το συγκρότημα του Δούκα του Devonshire, βλέπε ill. Και 1650, Λούβρο). Ο μύθος της Αρκαδίας, μια χώρα γαλήνιας ευτυχίας, συχνά ενσωματώνεται στην τέχνη. Αλλά ο Pussen σε αυτό το ειδυλλιακό οικόπεδο εξέφρασε μια βαθιά ιδέα για τη συχνότητα της ζωής και την αναπόφευκτη θάνατο. Παρουσιάστηκε τους βοσκούς, που είδε ξαφνικά τον τάφο με την επιγραφή "και ήμουν στην Αρκαδία ...". Προς το παρόν, όταν ένα άτομο γεμίζει με ένα αίσθημα νεότητας χωρίς σύννεφο, φαίνεται να ακούει τη φωνή του θανάτου - μια υπενθύμιση της μικρής διάρκειας ζωής, για το αναπόφευκτο τέλος. Στην πρώτη, πιο συναισθηματική και δραματική έκδοση του Λονδίνου, η σύγχυση των βοσκών είναι ισχυρότερη, η οποία σαν να εμφανίζεται ξαφνικά ενάντια στο θάνατο, ο οποίος εισέβαλε τον λαμπρό κόσμο τους. Στο δεύτερο, μια πολύ αργότερα η έκδοση Louis των Ηρώων δεν επισκιάζεται καν, διατηρούν την ηρεμία, αντιλαμβανόμαστε το θάνατο ως φυσικό μοτίβο. Αυτή η σκέψη με ένα ειδικό βάθος ενσωματώνεται στην εικόνα μιας εξαιρετικής νεαρής γυναίκας, η εμφάνιση της οποίας ο καλλιτέχνης έδωσε τα χαρακτηριστικά της στωικής σοφίας.

   

   Poussin. Έμπνευση του ποιητή. Μεταξύ 1635 και 1638

   Η εικόνα Louvra "Η έμπνευση του ποιητή" είναι ένα παράδειγμα του πώς η αφηρημένη ιδέα ενσωματώνεται από το Pussen στο βαθύ, το οποίο έχει μεγάλη δύναμη έκθεσης σε εικόνες. Ουσιαστικά, το οικόπεδο αυτού του έργου φαίνεται να συνορεύει με αλληγορίες: βλέπουμε τον νεαρό ποιητή, που ολοκληρώνεται με ένα στεφάνι με την παρουσία του Απόλλωνα και τη μούσα, ωστόσο, το λιγότερο σε αυτή την εικόνα της αλληγορικής ξηραίας και της ελλείψεως. Η ιδέα της εικόνας είναι η γέννηση ενός εξαιρετικού στην τέχνη, η γιορτή του δεν θεωρείται αφηρημένη, αλλά ως μια συγκεκριμένη, εικονιστική ιδέα. Σε αντίθεση με το κοινό τον 17ο αιώνα. Οι αλληγορικές συνθέσεις των οποίων οι εικόνες συνδυάζονται εξωτερικά ρητορικά, για την εικόνα του Louvro χαρακτηρίζεται από μια εσωτερική ένωση εικόνων με το γενικό κτίριο των αισθήσεων, την ιδέα της πανέμορφης ομορφιάς της δημιουργικότητας. Η εικόνα μιας εξαιρετικής μούσα στην εικόνα Pussy σας κάνει να θυμάστε τις πιο ποιητικές γυναίκες εικόνες στην τέχνη της Κλασικής Ελλάδας.

   Σύνθετη κατασκευή μιας ζωγραφικής στο είδος του υποδειγματικού για τον κλασικισμό. Χαρακτηρίζεται από μια μεγάλη απλότητα: η εικόνα του Απόλλωνα τοποθετείται στο κέντρο, και στις δύο πλευρές, οι μορφές της μούσας και του ποιητή βρίσκονται συμμετρικά. Αλλά στην απόφαση αυτή δεν υπάρχει παραμικρή ξηρότητα και τεχνητότητα. Οι δευτερεύουσες αναθεωρήσεις, οι μετακινήσεις, οι μετακινήσεις, οι κινήσεις των αριθμών, ένα δέντρο, που πετούν προς την πλευρά, πετώντας Amur - Όλες αυτές οι τεχνικές, που δεν στερούν τη σύνθεση της σαφήνειας και της ισορροπίας, φέρνουν σε αυτό την αίσθηση της ζωής, που διακρίνεται από αυτό το έργο τις υπό όρους σχηματικές δημιουργίες των ακαδημαϊκών που έχουν patched.

   Στη διαδικασία να γίνει ένα καλλιτεχνικό και σύνθετο σχέδιο για το γραφικό έργο του Poussin, τα υπέροχα σχέδια του είχαν μεγάλη σημασία. Αυτά τα σπιτικά σκίτσα που γίνονται με εξαιρετικό γεωγραφικό πλάτος και θάρρος που βασίζονται σε σύγκριση ελαφρών και λεκέδων σκιάς παίζουν προπαρασκευαστικό ρόλο στην ενεργοποίηση της ιδέας του έργου σε έναν τελικό ακέραιο αριθμό. Ζωντανή και δυναμική, όπως ήταν, αντικατοπτρίζουν όλο τον πλούτο της δημιουργικής φαντασίας του καλλιτέχνη στην αναζήτηση ενός σύνθετου ρυθμού και ένα συναισθηματικό κλειδί που αντιστοιχεί στην ιδεολογική πρόθεση.

   Στα επόμενα χρόνια, η αρμονική ενότητα των καλύτερων έργων της 1630s. Σταδιακά χάνει. Στη ζωγραφική Pussense, τα χαρακτηριστικά της αφαίρεσης και της ορθολογικότητας αυξάνονται. Η κρίση της δημιουργικότητας της δημιουργικότητας είναι έντονα εντονότερη κατά τη διάρκεια του ταξιδιού του στη Γαλλία.

   Η φήμη Pussen φτάνει στη γαλλική αυλή. Έχοντας λάβει μια πρόσκληση για επιστροφή στη Γαλλία, ο Poussa με κάθε τρόπο τραβάει τη βόλτα. Μόνο μια προσωπική επιστολή του βασιλιά Louis Xiii που τον κάνει να υπακούει. Το φθινόπωρο του 1640, τα φύλλα του Poussin για το Παρίσι. Ένα ταξίδι στη Γαλλία φέρνει πολλή πικρή απογοήτευση στον καλλιτέχνη. Η τέχνη του ανταποκρίνεται στην έντονη αντοχή σε εκείνους που εργάστηκαν με τους εκπροσώπους του δικαστηρίου της διακοσμητικής κατεύθυνσης μπαρόκ με επικεφαλής τον Simon Veu. Το δίκτυο βρώμικων intrigues και καταγγελίες των "αυτών των ζώων" (που ονομάζεται ο καλλιτέχνης τους στις επιστολές του) καταλήγει σε Pussen, η άψογη φήμη ενός ατόμου. Η όλη ατμόσφαιρα της ζωής του δικαστηρίου τον εμπνέει μια αηδιαστική αηδία. Ο καλλιτέχνης, σύμφωνα με τον ίδιο, είναι απαραίτητο να ξεφύγουμε από το βρόχο, το οποίο έβαλε στο λαιμό του στο λαιμό, έτσι ώστε και πάλι στη σιωπή του εργαστηρίου του να συμμετάσχει στην πραγματική τέχνη, γιατί "αν μείνω σε αυτό Χώρα, γράφει, - θα πρέπει να μετατρέψω στο Pachkun, όπως και ένα άλλο εδώ είναι εδώ. " Το Βασιλικό Δικαστήριο δεν προσελκύει έναν μεγάλο καλλιτέχνη. Το φθινόπωρο του 1642, ο Pussen υπό το πρόσχημα της νόσου της συζύγου του αφήνει πίσω στην Ιταλία, αυτή τη φορά για πάντα.

   Δημιουργικότητα Poussin στη δεκαετία του 1640. Σημειωμένα από τα χαρακτηριστικά της βαθιάς κρίσης. Αυτή η κρίση δεν εξηγείται όχι τόσο από τα συγκεκριμένα γεγονότα της βιογραφίας του καλλιτέχνη, καθώς καταρχάς όλες οι εσωτερικές αντιφάσεις του ίδιου του κλασικισμού. Η ζωντανή πραγματικότητα εκείνης της εποχής δεν αντιστοιχούσε μακριά στα ιδανικά της ορθολογικότητας και της αρετής του πολίτη. Ένα θετικό πρόγραμμα ηθικού κλασικισμού άρχισε να χάνει το έδαφος.

   Εργασία στο Παρίσι, ο Poussin δεν μπορούσε να τον απολύσει εντελώς από τα καθήκοντα που βρίσκονται μπροστά του. Τα έργα της περιόδου του Παρισιού είναι κρύα, υπάλληλο στη φύση, εκφράζονται σημαντικά στην επίτευξη του εξωτερικού αποτελέσματος του χαρακτηριστικού της μπαρόκ τέχνης ("ο χρόνος σώζει την αλήθεια από το φθόνο και τη διαφωνία", το 1642, η Λιλ, το Μουσείο; "Θαύμα του St. Francis Xaveria ", 1642, Λούβρο). Ήταν αυτό το είδος εργασίας που στη συνέχεια αντιλαμβανόταν ως δείγματα των καλλιτεχνών του ακαδημαϊκού στρατοπέδου, με επικεφαλής τον Charlin Lebed.

   Αλλά ακόμη και σε εκείνα τα έργα στα οποία ο δάσκαλος προσκολλάται αυστηρά στο κλασικό καλλιτεχνικό δόγμα, δεν έφτασε πλέον το ίδιο βάθος και ζωτικότητα των εικόνων. Ο ορθολογισμός που χαρακτηρίζει αυτό το σύστημα, τον κανονισμό, την κυριαρχία μιας αφηρημένης ιδέας για μια έννοια, η επιθυμία για ιδανικότητα λαμβάνεται από την μονόπλευρη υπερβολική έκφρασή του. Ένα παράδειγμα είναι η "γενναιοδωρία του Scypion" του Μουσείου Καλών Τεχνών. Α. S. Pushkin (1643). Που απεικονίζουν τον ρωμαϊκό διοικητή της Scypion της Αφρικής, ο οποίος εγκατέλειψε τα δικαιώματά του στην πριγκίπισσα Captive Cartharginian και την επέστρεψε στο γαμπρό, ο καλλιτέχνης δοξάζει την αρετή των σοφών διοικητών. Αλλά στην περίπτωση αυτή, το θέμα του πειρασμού του ηθικού χρέους έλαβε μια κρύα, ρητορική ενσωμάτωση, οι εικόνες έχασαν τη ζωτικότητα και την πνευματικότητα, οι χειρονομίες είναι υπό όρους, το βάθος της σκέψης αντικαταστάθηκε από αντίφαση. Τα στοιχεία φαίνεται να είναι κατεψυγμένα, χρώματα - motley, με κυριαρχία κρύων τοπικών χρημάτων, ένας γραφικός τρόπος διακρίνεται από δυσάρεστες βλάβες. Παρόμοια χαρακτηριστικά χαρακτηρίζονται από δημιουργηθεί το 1644-1648. Εικόνες από τον δεύτερο κύκλο των "επτά μυστηρίων".

   Η κρίση της κλασικής μεθόδου επηρεάστηκε κυρίως στις συνθέσεις Pussen Plot. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1640. Τα υψηλότερα επιτεύγματα του καλλιτέχνη εκδηλώνονται σε άλλα είδη - στο πορτρέτο και στο τοπίο.

   Μέχρι το 1650, ένα από τα σημαντικότερα έργα του Poussin είναι το διάσημο αυτοπροσωπικό της Λουβριανίας. Ο καλλιτέχνης για τον Poussin είναι, πάνω απ 'όλα, ένας στοχαστής. Στην εποχή, όταν τα χαρακτηριστικά της εξωτερικής αντιπροσωπευτικότητας υπογραμμίστηκαν στο πορτραίτο, όταν η σημασία της εικόνας καθορίστηκε από την κοινωνική απόσταση που διαχωρίζει το μοντέλο από τους συνηθισμένους θνητούς, ο Pussen βλέπει την αξία ενός ατόμου με τη δύναμη της διάνοιας του, στο δημιουργική δύναμη. Και σε αυτοπροσωπογραφία, ο καλλιτέχνης διατηρεί την αυστηρή σαφήνεια της κατασκευής της σύνθεσης και της σαφήνειας της γραμμικής και της ογκομετρικής λύσης. Το βάθος του ιδεολογικού περιεχομένου και η υπέροχη ολοκλήρωση του «αυτοπροσωπογραφία» του Poussin υπερβαίνει σημαντικά τα έργα των γαλλικών πορτρέτων και ανήκει στο καλύτερο πορτρέτο της ευρωπαϊκής τέχνης του 17ου αιώνα.

   Το πάθος στο τοπίο σχετίζεται με μια αλλαγή. Την κοσμοθεωρία του. Δεν υπάρχει αμφιβολία ότι η Pussen έχει χάσει όλη την ιδέα ενός ατόμου που ήταν χαρακτηριστικό των έργων του 1620-1630. Προσπάθειες να ενσωματώσει αυτή την παρουσίαση στις συνθέσεις οικόπεδο των 1640. οδήγησε σε αποτυχία. Το εικονιστικό σύστημα του Pussen από τα τέλη της δεκαετίας του 1640. Είναι ήδη χτισμένο σε άλλες αρχές. Στα έργα αυτής της περιόδου, η προσοχή του καλλιτέχνη είναι η εικόνα της φύσης. Για τον Poussna, η φύση είναι η προσωποποίηση της υψηλότερης αρμονίας της ύπαρξης. Ένα άτομο έχει χάσει τη δεσπόζουσα θέση του. Θεωρείται μόνο ως ένα από τα πολλά είδη της φύσης, οι νόμοι της οποίας αναγκάζονται να υπακούσουν.

   Περπατώντας γύρω από τη Ρώμη, ο καλλιτέχνης με την εγγενή αλιευτική του μελέτησε τα τοπία των ρωμαϊκών εκστρατειών. Οι άμεσες εντυπώσεις του μεταφέρθηκαν σε υπέροχα σχέδια τοπίου από τη φύση, διακρίνονται από την εξαιρετική φρεσκάδα της αντίληψης και του λεπτή λυισμό.

   Τα γραφικά τοπία του Poussin δεν έχουν αίσθηση της οδηγίας, η οποία είναι εγγενής στα σχέδιά του. Στα γραφικά έργα του, η τέλεια, γενικευμένη αρχή είναι ισχυρότερη και η φύση σε αυτά εμφανίζεται ως φορέας τέλειας ομορφιάς και μεγαλοπρέπειας. Ακούγεται ιδεολογικό και συναισθηματικό περιεχόμενο, τα τοπία του Poussin ανήκουν στα υψηλότερα επιτεύγματα κοινά τον 17ο αιώνα. Το λεγόμενο ηρωικό τοπίο.

   Τα Pussenian τοπία εμπίπτουν με την αίσθηση του μεγαλείου και του μεγαλείου του κόσμου. Οι τεράστιοι ογκώδεις βράχοι, πλούσια προσκρούσεις, πλούσια διαφανή λίμνες, δροσερές πηγές, ρεύμα ανάμεσα σε πέτρες και σκιερά θάμνους, συνδέονται με πλαστική διαυγή, ολιστική σύνθεση βασισμένη σε εναλλασσόμενα χωρικά σχέδια, καθένα από τα οποία βρίσκεται παράλληλα με το επίπεδο καμβά. Άποψη του θεατή, ακολουθώντας το ρυθμικό κίνημα, καλύπτει το χώρο σε ολόκληρη την διαβάθμιση του. Το Colorist Gamma είναι πολύ συγκρατημένο, πιο συχνά είναι χτισμένο σε ένα συνδυασμό με κρύο μπλε και μπλε τόνους ουρανού και νερού και ζεστούς καφέ γκρίζους τόνους εδάφους και βράχων.

   Σε κάθε τοπίο, ο καλλιτέχνης δημιουργεί μια μοναδική εικόνα. Ως ευρύ και επίσημος ύμνος, η φύση γίνεται αντιληπτή από το "τοπίο με ένα polyfem" (1649; Ερμιτάζ). Η ισχυρή του μεγαλοπρέπεια κατακτά το "τοπίο με τον Ηρακλή" (1649). Που απεικονίζει τον Ιωάννη τον Θεολόγο στο νησί της Πάτμου (Σικάγο, Ινστιτούτο Τεχνών), ο Pussen αρνείται την παραδοσιακή ερμηνεία αυτού του οικόπεδο. Δημιουργεί μια σπάνια ομορφιά και δυνάμεις του τοπίου - η ζωντανή προσωποποίηση της πανέμορφης Eldla. Η εικόνα του Ιωάννη στην ερμηνεία του Poussin υπενθυμίζει όχι έναν χριστιανικό ερημίτη, αλλά έναν αρχαίο στοχαστή.

   Στα τελευταία χρόνια, ακόμη και οι θεματικές ζωγραφιές του Poussin ενσωματώνει σε μορφές τοπίου. Αυτή είναι η εικόνα της κηδείας Fokion (μετά το 1648, Λούβρο). Ο αρχαίος ήρωας Fokion εκτελέστηκε από την ποινή των αχρεωστήτως συναδέλφων του. Απαγορεύτηκε ακόμη και στην ταφή στην πατρίδα του. Ο καλλιτέχνης παρουσίασε τη στιγμή που οι σκλάβοι είναι έξω από την Αθήνα στα φορείο των υπολειμμάτων του Φωκίου. Στο φόντο του μπλε ουρανού και των πράσινων δέντρων, οι ναοί, οι πύργοι, οι αστικοί τοίχοι επισημαίνονται. Η ζωή πηγαίνει σε αυτήν! Ο βοσκός αρπάζει το κοπάδι, στο δρόμο του θα τραβήξει το βαγόνι και το αναβάτη βούλησα. Ένα όμορφο τοπίο με μια ιδιαίτερη ευκρίνεια σας κάνει να νιώσετε την τραγική ιδέα αυτού του έργου - το θέμα της μοναξιάς ενός ατόμου, της ανικανότητας και της ευθραυστότητας μπροστά στην αιώνια φύση. Ακόμα και ο θάνατος του ήρωα δεν μπορεί να επισκιάσει την αδιάφορο ομορφιά της. Εάν τα προηγούμενα τοπία ισχυρίστηκαν την ενότητα της φύσης και του ανθρώπου, η ιδέα της αντίθεσης του ήρωα και ο γύρω από τον κόσμο εμφανίζεται στη φλόγα, η οποία προσωποποιεί την ανθρώπινη σύγκρουση και την πραγματικότητα χαρακτηριστικό αυτής της εποχής.

   Η αντίληψη του κόσμου στις τραγικές αντιφάσεις του αντανακλάται στον περίφημο διαμορφωμένο κύκλο του Pussen "τέσσερις φορές το έτος", που έγιναν τα τελευταία χρόνια της ζωής του (1660 -1664, Λούβρο). Ο καλλιτέχνης βάζει και αποφασίζει σε αυτά τα έργα το πρόβλημα της ζωής και του θανάτου, της φύσης και της ανθρωπότητας. Κάθε τοπίο έχει μια συγκεκριμένη συμβολική αξία. Για παράδειγμα, το "άνοιξη" (Αδάμ και Εύα παρουσιάζεται στο Paradam στον παράδεισο) - αυτή η άνθιση του κόσμου, η παιδική ηλικία της ανθρωπότητας, "χειμώνας" απεικονίζει μια πλημμύρα, το θάνατο της ζωής. Η φύση του Poussin και στον τραγικό "χειμώνα" εκτελείται με μέγεθος και δύναμη. Το νερό που κυματίζει στο έδαφος, με αμείλικτη αναπόφευκτη απορροφά όλα τα ζωντανά πράγματα. Πουθενά δεν είναι σωτηρία. Το ξέσπασμα της αστραπής κόβει τη νύχτα στο σκοτάδι και ο κόσμος που αγκαλιάστηκε από την απελπισία εμφανίζεται, καθώς ήταν απολιθωμένη σε ακινησία. Στην αίσθηση του ψύξης πιάτων, διείσδυση της εικόνας, ο Pussen ενσωματώνει την ιδέα να προσεγγίσει αδίστακτος θάνατος.

   Ο τραγικός "χειμώνας" ήταν το τελευταίο έργο του καλλιτέχνη. Το φθινόπωρο του 1665, ο Pussen - πεθαίνει.

   Η αξία της τέχνης της Pussena για το χρόνο και τις ακόλουθες εποχές είναι τεράστια. Οι αληθινοί κληρονόμοι του δεν ήταν γάλλοι ακαδημαϊκοί του δεύτερου μισού του 17ου αιώνα και εκπρόσωποι του επαναστατικού κλασικισμού του 18ου αιώνα, ο οποίος κατάφερε στις μορφές αυτής της τέχνης να εκφράσουν τις μεγάλες ιδέες του χρόνου τους.

   Εάν η δημιουργικότητα του Pussen βρήκε τη βαθιά εφαρμογή τους διάφορα είδη - μια ιστορική και μυθολογική εικόνα, ένα πορτρέτο και το τοπίο, τότε οι άλλοι δάσκαλοι του γαλλικού κλασικισμού εργάστηκαν κυρίως σε οποιοδήποτε είδος. Για παράδειγμα, το Claude Lorrene μπορεί να ονομαστεί (1600-1682) -RUPLEN, μαζί με την προχολή, έναν εκπρόσωπο του κλασικού τοπίου.

   Ο Claude Jelly γεννήθηκε στην Λωρραίνη (Γαλλική Λωρραίνη), από όπου συνέβη το ψευδώνυμο Lorren. Ήρθε από την αγροτική οικογένεια. Ο πρώιμος Osapotev, η Lorrane πήγε στην Ιταλία, όπου σπούδασε ζωγραφική. Σχεδόν όλη η ζωή είναι η Lorrena, εκτός από μια διαμονή δύο ετών στη Νάπολη και μια βραχυπρόθεσμη επίσκεψη στη Λωρραίνη, πέρασε στη Ρώμη.

   Το Lorren ήταν ο δημιουργός ενός κλασικού τοπίου. Ξεχωριστά έργα αυτού του είδους εμφανίστηκαν στην τέχνη των ιταλικών πλοιάρχων του τέλους του 16ου - αρχές 17 V.-Annibal Karracchi και Domenicino. Ο γερμανός ζωγράφος Elsheimer που εργάστηκε στη Ρώμη ήταν μια μεγάλη συμβολή στην ζωγραφική τοπίου. Αλλά μόνο το τοπίο Lorrene έχει αναπτυχθεί στο τελικό σύστημα και μετατράπηκε σε ανεξάρτητο είδος. Το Lorren εμπνεύστηκε από τα κίνητρα της πραγματικής ιταλικής φύσης, αλλά αυτά τα κίνητρα μετατρέπονται σε μια ιδανική εικόνα που αντιστοιχεί στα πρότυπα του κλασικισμού. Σε αντίθεση με το Pussen, της οποίας η φύση θεωρήθηκε στο ηρωικό σχέδιο, Lorren, κυρίως στίχοι. Εκφράζεται περισσότερο άμεσα με τη ζωντανή έννοια, μια σκιά προσωπικής εμπειρίας. Του αρέσει να απεικονίζει την απεριόριστη έδωσε στη θάλασσα (το Lorren συχνά έγραψε θαλάσσιο λιμάνι), ευρύς ορίζοντες, υπερχείλιση φωτός στο ρολόι της ανατολής ή ηλιοβασίλεμα, προφανής ομίχλη, συμπυκνωμένο λυκόφως. Για τα πρώτα τοπία, η Lorrena χαρακτηρίζεται από κάποια αρχιτεκτονικά μοτίβα υπερφόρτωσης, αποχρωματισμένα τόνους, ισχυρές αντιθέσεις φωτισμού - για παράδειγμα, στο Campo Vachchino (1635, Louvre) που απεικονίζουν το λιβάδι στην περιοχή του αρχαίου ρωμαϊκού φόρουμ, όπου οι άνθρωποι περιφέρονται ανάμεσα στα αρχαία ερείπια .

   

   Claude Lorren. Seascape με Acisis και Galatea. 1657.

   Στη δημιουργική άνθηση του, το Lorren ενώνει το 1650s. Από αυτή τη φορά, εμφανίζονται τα καλύτερα έργα του. Τέτοιες, για παράδειγμα, "απαγωγή της Ευρώπης" (περίπου 1655, το Μουσείο Καλών Τεχνών Α. S. Pushkin). Οι συνθέσεις της ώριμης λωρένης δεν απεικονίζουν - για λίγες εξαιρέσεις - οποιοδήποτε συγκεκριμένο μοτίβο τοπίου. Δημιουργούν μια γενικευμένη εικόνα της φύσης. Στην εικόνα της Μόσχας παρουσιάζεται ένας όμορφος Azure Bay, η ακτή του οποίου συνορεύει με τους λόφους των ηρεμιστικών περιγραμμάτων και τα διαφανή λουτρά δέντρων. Το τοπίο θα πλημμυρίσει με έντονο ηλιακό φως, μόνο στο κέντρο του κόλπου στη θάλασσα καθορίζει μια ελαφριά σκιά από το σύννεφο. Όλα γεμάτα ευτυχισμένα υπόλοιπα. Οι ανθρώπινες μορφές δεν έχουν τόσο σημαντική σημασία από τη λουρίνη, όπως στα τοπία του Poussin (ο ίδιος ο Lorren δεν ήθελε να γράψει αριθμούς και τους έδωσε εντολή να εκτελούν άλλους δασκάλους). Ωστόσο, ένα επεισόδιο από έναν αρχαίο μύθο στο ειδυλλιακό πνεύμα ενός αρχαίου μύθου για την απαγωγή του Δία, η οποία μετατράπηκε σε ένα ταύρο, ένα όμορφο κορίτσι στην Ευρώπη αντιστοιχεί στη συνολική διάθεση του τοπίου. Το ίδιο ισχύει και για τις ζωγραφιές του άλλου Lorren - η φύση και οι άνθρωποι τους δίνονται σε μια συγκεκριμένη θεματική σχέση. Στο καλύτερο έργο Lorrene 1650s. Βάλτε τη σύνθεση της Δρέσδης "Acyc και Galatia" 1657.

   Στην καθυστερημένη εργασία της Lorrena, η αντίληψη της φύσης γίνεται όλο και πιο συναισθηματική. Ενδιαφέρεται, για παράδειγμα, αλλαγές στο τοπίο ανάλογα με την εποχή της ημέρας. Το κύριο μέσο στη μεταφορά της διάθεσης είναι το φως και το χρώμα. Έτσι, στους πίνακες του ολιστικού κύκλου που αποθηκεύονται στο Ερμιτάζ του Λένινγκραντ, ο καλλιτέχνης ενσαρκώνει την λεπτή ποίηση "το πρωί", σαφή ειρήνη της "μισής ημέρας", ένα ομίχλη-χρυσό ηλιοβασίλεμα "βράδυ", ένα μπλε σκοτάδι "νύχτες". Το πιο ποιητικό από αυτά τα έργα είναι "πρωί" (1666). Εδώ είναι όλα ασημένια ασημένια-μπλε καπνό που αρχίζει την αυγή. Στον λαμπερό ουρανό, επισημαίνεται μια διαφανής σιλουέτα ενός μεγάλου σκοτεινού δέντρου. Σε μια ζοφερή σκιά, τα αντίκα ερείπια εξακολουθούν να αποστέλλονται - το κίνητρο που εισάγει τη σκιά της θλίψης σε ένα σαφές και ήσυχο τοπίο.

   Το Lorren είναι επίσης γνωστό ως Χαρακτήρας Echerer και ως συντάκτης γνωμοδότησης. Τα σκίτσα του τοπίου από τη φύση που εκτελείται από τον καλλιτέχνη κατά τη διάρκεια των βάδων γύρω από τη Ρώμη είναι ιδιαίτερα αξιοσημείωτα. Σε αυτούς τους αριθμούς με εξαιρετική φωτεινότητα, το συναισθηματικό και άμεσο συναίσθημα της φύσης που επηρεάζεται από την Lorrane. Τα σκίτσα αυτών, που εκτελούνται εσωτερικά με τη χρήση του πλυσίματος, χαρακτηρίζονται από εκπληκτικό γεωγραφικό πλάτος και ελευθερία γραφικού τρόπου, η ικανότητα να επιτευχθούν ισχυρά αποτελέσματα. Τα μοτίβα των σχεδίων είναι πολύ διαφορετικές: είναι ένα τοπίο μιας πανοραμικής φύσης, όπου μερικά τολμηρά εγκεφαλικά επεισόδια κάνουν την εντύπωση του ατελείωτου γεωγραφικού πλάτους, στη συνέχεια ένα παχύ σοκάκι και τις ακτίνες του ήλιου, κάνοντας το δρόμο του μέσα από το φύλλωμα Από τα δέντρα, πέφτουν στο δρόμο, απλά κατάφυτα με μια πέτρα στις όχθες του ποταμού, τέλος, τελείωσε το σχέδιο ενός μαγευτικού κτιρίου που περιβάλλεται από ένα όμορφο πάρκο ("Villa Albani").

   Εικόνες του Lorrene για μεγάλο χρονικό διάστημα - μέχρι τις αρχές 19 V. - παρέμειναν δείγματα για τους δασκάλους ζωγραφικής τοπίου. Αλλά πολλοί από τους οπαδούς του που αντιλαμβάνονται μόνο τις εξωτερικές του οπτικές τεχνικές έχασαν την αληθινά ζωντανή αίσθηση της φύσης.

   Η επίδραση του Lorren αισθάνεται στο έργο της σύγχρονης Gaspara Dug (1613-1675), το οποίο εισήγαγε στοιχεία συγκίνησης και δράματος στο κλασικό τοπίο, ειδικά στη μετάδοση των επιπτώσεων του ανησυχητικού φωτισμού. Μεταξύ των έργων του DU είναι οι πιο διάσημοι κύκλοι τοπίου στα ρωμαϊκά παλάτια της Doria Pamphili και της στήλης.

   Η κλασική κατεύθυνση συνδέθηκε με το Estash Lesyur (1617-1655). Ήταν ο μαθητής του Vouse και τον βοήθησε στην εκτέλεση διακοσμητικής δουλειάς. Στη δεκαετία του 1640. Ο Leuer γνώρισε ισχυρό αντίκτυπο της τέχνης του Pussen.

   Η δημιουργικότητα του Lesuer αποτελεί παράδειγμα της προσαρμογής των αρχών του κλασικισμού στις απαιτήσεις που οι ρίζες και οι κληρικοί κύκλοι στέκονταν πριν από την τέχνη. Στη μεγαλύτερη ζωγραφική του στο Lambera Hotel στο Παρίσι, ο Lesuer προσπάθησε να συνδυάσει τις αρχές του αισθητικού κλασικού δόγματος με καθαρά διακοσμητικά αποτελέσματα. Δεν είναι τυχαίο ότι δεν υπάρχει τρόπος να μην υπάρχει κανείς ο μεγάλος κύκλος της "Life of St. Bruno "(1645 -1648, Λούβρο), που έγιναν με τη σειρά των εκκλησιαστικών κύκλων, υπάρχουν κατακερματισμοί στην μπαρόκ κατεύθυνση, η οποία επηρεάζει τη ζαχαρούχο εξιδανίκευση των εικόνων και στο συνολικό πνεύμα του καθολικού φανατισμού, το οποίο διεισδύει σε όλο τον κύκλο. Η τέχνη του Lesuer είναι ένα από τα πρώτα συμπτώματα της αναγέννησης της κλασικής κατεύθυνσης στον ακαδηματισμό του δικαστηρίου.

   Στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα. Η απόλυτη μοναρχία στη Γαλλία φτάνει στη μεγαλύτερη οικονομική και πολιτική εξουσία και εξωτερική ακμή.

   Η διαδικασία συγκέντρωσης του κράτους έλαβε τελική ολοκλήρωση. Μετά την ήττα του μπροστινού (1653), η βασιλική ενέργεια εντατικοποιήθηκε και υιοθετήθηκε απεριόριστο, δεσποτικό χαρακτήρα. Σε ένα ανώνυμο φυλλάδιο της βιβλιογραφίας της αντιπολίτευσης του τέλους του 17ου αιώνα. Ο Louis XIV ονομάζεται είδωλο, το θύμα της οποίας έφερε ολόκληρη η Γαλλία. Προκειμένου να ενισχυθεί η οικονομική κατάσταση της ευγένειας, διεξήχθησαν σημαντικά γεγονότα. Ένα οικονομικό σύστημα πραγματοποιήθηκε βάσει των κατακτημένων πολέμων και στη συνεπή εφαρμογή των πολιτικών μερκαντιλισμού. Αυτό το σύστημα ονομάστηκε Κολελισμός - Ονομάστηκε Kolbera, ο πρώτος υπουργός King. Η βασιλική αυλή ήταν το πολιτικό κέντρο της χώρας. Η τοποθεσία του σερβίρεται υπέροχη εξοχικές κατοικίες και πάνω απ 'όλα (από τη δεκαετία του 1680.) - Διάσημα Βερσαλλίες. Η ζωή στην αυλή πραγματοποιήθηκε σε ατελείωτες εορταστικές εκδηλώσεις. Το επίκεντρο αυτής της ζωής ήταν η προσωπικότητα του βασιλιά του ήλιου. Η αφύπνιση του από τον ύπνο, το καλοκαίρι τουαλέτα, το μεσημεριανό γεύμα κ.λπ. - Όλοι τήρησε ένα ορισμένο τελετουργικό και συνέβη με τη μορφή τελετής τελετουργίας.

   Ο κεντρικός ρόλος του απολυτατισμού επηρέασε επίσης το γεγονός ότι γύρω από το Βασιλικό Δικαστήριο κατά το δεύτερο εξάμηνο του 17ου αιώνα. Συγκεντρώθηκαν ουσιαστικά όλες οι πολιτιστικές δυνάμεις της Γαλλίας. Οι πιο εξέχοντες αρχιτέκτονες, ποιητές, συγγραφείς, καλλιτέχνες, μουσικοί δημιουργήθηκαν από τις εντολές της αυλής. Η εικόνα του Louis XIV είναι ως ένας γενναιόδωρος μονάρχης, ο προσωρινός νικητής εξυπηρετούσε το θέμα για ιστορικές, αλληγορικές, μάχητες ζωγραφιές, για τα μπροστινά πορτραίτα και για ταπετσαρίες.

   Διαφορετικές κατευθύνσεις στην τέχνη της Γαλλίας υπερασπίστηκαν από τώρα στο εξής στο "μεγάλο στυλ" της ευγενικής μονάρχης. Η διάρκεια ζωής της χώρας έχει υποστεί αυστηρότερη συγκέντρωση. Πίσω το 1648, η Βασιλική Ακαδημία Ζωγραφικής και Γλυπτικής ιδρύθηκε. Η βάση της Ακαδημίας είχε θετική αξία: για πρώτη φορά οι δραστηριότητες καλλιτεχνών απελευθερώθηκαν από την καταπίεση του εργαστηρίου και δημιουργήθηκε ένα διατεταγμένο σύστημα εκπαίδευσης τέχνης. Ωστόσο, από την έναρξη της ύπαρξής της, οι δραστηριότητες της Ακαδημίας υποτάσσονταν με τα συμφέροντα του απολυτατισμού. Το 1664, σύμφωνα με τα νέα καθήκοντα, ο Kolber κατείχε την αναδιοργάνωση της Ακαδημίας, το μετατρέποντάς το σε κρατικό ίδρυμα, παραδίδεται πλήρως στην αυλή.

Αυτοπροσωπογραφία. 1650.

Στο αυτοπροσωπογραφία, ο Νικολάς Poussin απεικονίζει τον εαυτό του έναν στοχαστή και τον Δημιουργό. Δίπλα του, το προφίλ μουσικής, σαν να προσωποποιεί τη δύναμη της αρχαιότητας πάνω του. Και ταυτόχρονα είναι μια εικόνα μιας φωτεινής προσωπικότητας, ενός ανθρώπου της εποχής του. Το πορτρέτο ενσωματώνει το πρόγραμμα κλασικισμού με τη δέσμευσή του για τη φύση και τον ιδεαλισμό, την επιθυμία για την έκφραση υψηλών ιδανικών ιδεών, που εξυπηρετούσαν την τέχνη του Pussen.

Ο Nikola Poussin είναι γαλλικός καλλιτέχνης, ο ιδρυτής του στυλ του "κλασικισμού". Στρέφοντας τα θέματα της αρχαίας μυθολογίας, της αρχαίας ιστορίας, της Βίβλου, αποκάλυψε τα θέματα της σύγχρονης εποχής. Έφερε την τέλεια προσωπικότητα, δείχνοντας και έχοντας αστεία παραδείγματα υψηλής ηθικής, πολιτικών αξιών.

Ο Νίκολα Πουσίνης γεννήθηκε στις 5 Μαΐου 1594 στη Νορμανδία, κοντά στην πόλη του Le Anselki. Ο πατέρας του, ο βετεράνος του στρατού του βασιλιά Henry IV (1553-1610), έδωσε τον γιο του μια καλή εκπαίδευση. Από την παιδική ηλικία, ο Poussin έδωσε προσοχή στις τάσεις του να σχεδιάσει. Στις 18, βόλτα στο Παρίσι να ασχοληθεί με τη ζωγραφική. Πιθανώς ο πρώτος δάσκαλός του ήταν η πορτραίτα του Ferdinand Van Elle (1580-1649), ο δεύτερος είναι ο ιστορικός ζωγράφος Georges Lallman (1580-1636). Έχοντας εξοικειωθεί με το Cameryman της Widdling Queen Mary Medici, ο κάτοχος των βασιλικών συλλογών και των βιβλιοθηκών της Βασιλικής Τέχνης, ο Poussin πήρε την ευκαιρία να επισκεφθεί το Λούβρο και να αντιγράψει φωτογραφίες των ιταλών καλλιτεχνών εκεί. Το 1622, η Pussena και άλλοι καλλιτέχνες δήλωσαν εντολή να γράψουν έξι μεγάλες ζωγραφιές στις σκηνές της ζωής του Αγίου Αγίου Ιουλίου. Ignatia Liiol και St. Francis Xaveria (δεν επιζώνεται).

Το 1624, ο Nicolas Poussin πήγε στη Ρώμη. Εκεί σπούδασε την τέχνη ενός αρχαίου κόσμου, το έργο των πλοιάρχων της εποχής υψηλής αναγέννησης. Το 1625-1626 έλαβε εντολή να γράψει μια εικόνα της "καταστροφής της Ιερουσαλήμ" (δεν επιζώνεται), αργότερα έγραψε μια δεύτερη έκδοση αυτής της εικόνας (1636-1638, Βιέννη, Μουσείο Τέχνης Ιστορίας).

Το 1627, ο Poussin έγραψε μια εικόνα του "θανάτου της Γερμανίας" (Ρώμη, Palazzo Barberini) στο οικόπεδο της αρχαίας ρωμαϊκής ιστορικής tacitis, το οποίο θεωρεί το πρόγραμμα εργασίας του κλασικισμού. Δείχνει το αποχαιρετισμό των λεγεωνάριων με έναν διοικητή που πεθαίνει. Ο θάνατος του ήρωα θεωρείται ως τραγωδία κοινωνικής σημασίας. Το θέμα ερμηνεύεται με το πνεύμα των ήρεμων και των σκληρών ήρωων μιας αρχαίας αφήγησης. Η ιδέα της εικόνας είναι το υπουργείο χρέους. Ο καλλιτέχνης έβαλε τα στοιχεία και τα αντικείμενα σε ένα ρηχό χώρο, διαλύοντας το σε διάφορα σχέδια. Σε αυτό το έργο αποκαλύφθηκαν τα κύρια χαρακτηριστικά του κλασικισμού: τη σαφήνεια της δράσης, της αρχιτεκτονίας, της πλεξούδας της σύνθεσης, την αντιπολίτευση των ομάδων. Το ιδανικό της ομορφιάς στα μάτια του Poussin συνίστατο στην αναλογικότητα των τμημάτων του συνόλου, στην εξωτερική τάξη, η αρμονία, η σαφήνεια της σύνθεσης, η οποία θα γίνει τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά του ώριμου στυλ του οδηγού. Μία από τις ιδιαιτερότητες της δημιουργικής μεθόδου του Pussen ήταν ο ορθολογισμός, ο οποίος δεν επηρεάστηκε μόνο από τις σκηνές, αλλά και στην ευεξία της σύνθεσης.

Την περίοδο 1629-1633, το θέμα των ζωγραφων του Poussin αλλάζει: Είναι λιγότερο συχνά γράφει εικόνες σε θρησκευτικά θέματα, αναφερόμενα σε μυθολογικά και λογοτεχνικά οικόπεδα.

Νάρκισσος και ηχώ, περίπου 1629

Rinaldo και Armida. 1635.

Το οικόπεδο των ζωγραφιών δανείζεται από το ποίημα του ιταλικού ποιητή του ΤΑΚΒΑΜΑΤΟΥ ΤΣΟ ΑΙΘΩΝ Τούσο "απελευθερωμένη από την Ιερουσαλήμ". Ο μάγος της Αρρίδας μετατοπίζει τον νεαρό ιππότη Rinaldo, που αποστέλλεται στην σταυροφορία. Θέλει να σκοτώσει έναν νεαρό άνδρα, αλλά, κατακτήθηκε από την ομορφιά του, ερωτεύεται τον Rinaldo και το παίρνει στους γοητευμένους κήπους του. Pussen, ο επικεφαλής της ζωγραφικής του κλασικισμού, ερμηνεύει τον μεσαιώνα μύθο στο πνεύμα ενός αντίκες μύθου. Ολοκλήρωση της σύνθεσης, η ενότητα της ρυθμικής κατασκευής είναι τα κύρια χαρακτηριστικά της τέχνης του Pussen. Η γεύση αισθάνεται ότι η επιρροή του Τίταϊου, του οποίου η δημιουργικότητα ο Poussin είχε αγαπήσει αυτά τα χρόνια. Η ζωγραφική είναι ένα ατμόλουτρο στο "Tancredu και Herminia" που αποθηκεύεται στο Κρατικό Ερμιτάζ.

Τραγανό και ερμίνη. 1630 - 40.

Ο ηγέτης του Αμαζονίου της Ερμινίας, ερωτευμένος με τον Ιππότη της Tancreda, τον βρίσκει τραυματιστεί μετά τον αγώνα με έναν γιγαντιαίο αναλεκτικό. Το Spire του Waphrin σηκώνει το σώμα της Τραγούδας, και την Ερμίνη, στην απεριόριστη ώθηση της αγάπης και της συμπόνιας, κόβει τα μαλλιά του με ένα σπαθί για να σχίσει τις πληγές του ιππότη. Σχεδόν όλοι στον καμβά έγαναπαν ότι βρίσκεται στο έδαφος, πάγωσε τους Waffers πάνω του, στατικά άλογα, το σώμα της Αργάντας απλώνεται σε απόσταση, το ερημικό και μειονεκτικό τοπίο. Αλλά σε αυτή την κατεψυγμένη σιωπή, η αξιολύπητη κίνηση του ερμινίου είναι σπασμένη και όλα γύρω από την ακάθαρτη πνευματική απογείωση του φωτίζουν. Η ακινησία γίνεται έντονη, ισχυρή και βαθιά πολύχρωμες κηλίδες που αντιμετωπίζουν ο ένας τον άλλον σε αιχμηρές αντιθέσεις, οι αναλαμπές του πορτοκαλί ηλιοβασίλεμα στον ουρανό γίνονται απειλητικά και ενοχλητικά. Το συναίσθημα της Ερμινίας μεταδίδεται σε κάθε λεπτομέρεια της εικόνας, κάθε γραμμή και φωτεινή λάμψη.

Το 1640. Πολυούνια Polick Policty Ο Louis XIII προσέλκυσε την προσοχή του Louis XIII (1601-1643) και, σύμφωνα με την επίμονη πρόσκλησή του, ο Pussen ήρθε να εργαστεί στο Παρίσι, έλαβε μια παραγγελία από τον βασιλιά για να γράψει εικόνες για το παρεκκλήσι του στο Fontainebleau και το Saint-Germain.

Το φθινόπωρο του 1642, ο Poussin αφήνει και πάλι στη Ρώμη. Θέματα αυτής της περιόδου ήταν οι αρετές και η εγκυρότητα των ηγεμόνων, των βιβλικών ή των παλαιών ήρωων.

Genhable Scipiona. 1643.

Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του '40, ο Poussin δημιούργησε έναν κύκλο "επτά μυστήρια", στα οποία αποκάλυψε τη βαθιά φιλοσοφική έννοια των χριστιανικών δογμάτων: "Τοπίο με το Apostle Matfey", "Τοπίο με τον Αποστόλο Ιωάννη στο νησί της Πάτμου" (Σικάγο, Ινστιτούτο Τεχνών).

Τέλος 40.- - Οι αρχές της δεκαετίας του '50 είναι μία από τις γόνιμες περιόδους στο έργο του Poussin: έγραψε τους πίνακες "Eliasar και Rebek", "Τοπίο με Διογόνο", "Τοπίο με ένα μεγάλο αγαπητό", "ECSTASY" Ο Άγιος Παύλος "," Arcade Shepherds ", το δεύτερο αυτοπροσωπογραφία.

Τοπίο με polyfem. 1648

Στην τελευταία περίοδο της δημιουργικότητας (1650-1665), ο Pussen έγινε όλο και περισσότερο απευθυνόμενος στο τοπίο, οι ήρωες συνδέονταν με λογοτεχνικά, μυθολογικά οικόπεδα.

Το καλοκαίρι του 1660 δημιουργεί μια σειρά από τοπία "τετραεπτή έτους" με βιβλικές σκηνές, που συμβολίζουν την ιστορία της ειρήνης και της ανθρωπότητας: "Άνοιξη", "καλοκαίρι", "φθινόπωρο".

Τα τοπία των πολλαπλών ευρημάτων του Poussin, τα εναλλασσόμενα σχέδια υπογράμμισαν με λωρίδες φωτός και σκιών, η ψευδαίσθηση του χώρου και το βάθος τους απευθύνονταν την επική εξουσία και το μεγαλείο. Όπως και στις ιστορικές ζωγραφιές, οι κύριοι χαρακτήρες βρίσκονται συνήθως στο προσκήνιο και θεωρούνται ως αναπόσπαστο μέρος του τοπίου.

Το τελευταίο, ημιτελές πανί του πλοιάρχου - "Απόλλωνα και Δάφνη" (1664).

Η ιστορία της αγάπης του Απόλλωνα και του Δάφνη λέγεται από τον Ovid. Ο Δάφνη έδωσε το πάτωμα για να κρατήσει την αγνότητα και να μείνει celibe, όπως το Bogynesetemide. Ο Απόλλων, έχοντας αγάπη στην όμορφη νύμφη, προκάλεσε τη φρίκη της. Σαν να το είδε μέσα από την τυφλή ομορφιά, την αγριότητα του λύκου. Αλλά στην ψυχή του Θεού, το αίσθημα της άρνησης, το συναίσθημα ήταν όλο και πιο λανθασμένο.

Τι τρέχετε από μένα, νύμφη; - Φώναξε, προσπαθώντας να την καλύψει. - όχι ληστής I! Δεν είναι ένας άγριος βοσκός! Είμαι ο Απόλλων, γιος ZEUS! Να σταματήσει!

Ο Δάφνη συνέχισε να ξεφύγει από αυτό που είχε δύναμη. Κλειστό κυνηγητό, το κορίτσι αισθάνεται ήδη πίσω από την καυτή ανάσα του Απόλλωνα. Μη φύγεις! Και προσευχήθηκε στον πατέρα στη βοήθεια:

Πατέρας! Βοηθήστε την κόρη σας! Κρύψτε με ή αλλάξτε την εμφάνισή μου έτσι ώστε αυτό το θηρίο να μην με αγγίζει!

Κυρίως ακούγεται αυτές τις λέξεις, καθώς ο Daphne αισθάνθηκε ότι τα πόδια της αντιμετωπίστηκαν και πήγαν στη γη στον αστράγαλο. Οι πτυχές είναι υγρές από τον ιδρώτα των ενδυμάτων μετατρέπονται σε ένα φλοιό, τα χέρια τραβιούνται στα κλαδιά: οι θεοί γύρισαν τη Δάφνη στο δέντρο δάφνης. Σε μάταιο, ο Απόλλων αγκαλιάζει μια όμορφη δάφνη, έκανε το αγαπημένο και ιερό φυτό του από τη θλίψη και διακοσμήσει το κεφάλι του με ένα στεφάνι υφασμένο από κλαδιά δάφνης.

Στις εντολές του Απόλλωνα, το τραγούδι του βασιλιά της Πελοποννήσου Enonaya Levkipp, στην αγάπη μαζί της, και επιδιώκοντας τη μεταμφιεσμένη σε ένα θηλυκό φόρεμα, έτσι ώστε κανείς να μην το μάθει.

Daphne - μια αρχαία θεότητα των λαχανικών, εισήλθε στον κύκλο του Απόλλωνα, χάνοντας την ανεξαρτησία της και να γίνει το χαρακτηριστικό του Θεού. Πριν από το DELPHIC Oracle άρχισε να ανήκει στον Απόλλωνα, στη θέση του ήταν το μαντείο της γης του Gay, και στη συνέχεια Daphne. Και αργότερα στις νίκες του ΔέλταΟι διοργανωτές του διαγωνισμού έλαβαν στεφάνια δάφνης. Σχετικά με τον ιερό Lauer στο Delje αναφέρει το Callima. Ο πρωθυπουργός Gomemerg αναφέρεται από τον ύμνο της Gomerovsky. Στην γιορτή του Δαφναντορίου στον Φίλα έφερε κλαδιά δάφνης.

19 Νοεμβρίου 1665. ΝικόλαΟ Pussen πέθανε. ΣΕelico Τη σημασία της δημιουργικότητάς του για την ιστορία της ζωγραφικής. Γάλλοι καλλιτέχνες και μπροστά του ήταν παραδοσιακά εξοικειωμένοι με την τέχνη της ιταλικής αναγέννησης. Αλλά εμπνεύστηκαν από τα έργα των πλοιάρχων της ιταλικής μορφής, μπαρόκ, καραβοσιτισμό. Ο Pussen ήταν ο πρώτος Γάλλος ζωγράφος που πήρε την παράδοση του κλασικού στυλ Leonardo da Vinci και Raphael. Σαφήνεια, σταθερότητα και τάξη λεπτών τεχνικών, ιδεολογικός και ηθικός προσανατολισμός της τέχνης Βούτυρο Αργότερα, έκανε το έργο του με αναφορά για την Ακαδημία Ζωγραφικής και Γλυπτικής της Γαλλίας, ο οποίος πήρε την παραγωγή των Cangons,Αισθητικά πρότυπα και τους γενικούς κανόνες της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας.

Τοπίο με Diana και Orion. 1660 - 64.

Η Ντιάνα είναι η θεά της βλάστησης, η παρόμοια με τα εσώρουχα, η προσωποποίηση της Σελήνης, εντοπίστηκε με την Αρτέμιδα και τον Περικούτο. Ονομάστηκε Trivia - η "θεά τριών δρόμων" (η εικόνα της τοποθετήθηκε στις διασταυρώσεις), ερμηνεύονταν επίσης ως σημάδι της υπέρτατης δύναμης Diana: στον ουρανό, στη γη και το υπόγειο.

Γνωστό ιερό της Diana στο Mount Typhate στην εκστρατεία (επομένως το επίθετο της Diana Tipatina) και στην περιοχή της Αριζά στο άλσος στη Νέμη της λίμνης. Η Ντιάνα θεωρήθηκε η προστάτη της Λατινικής Ένωσης και με τη μετάβαση του βάθους αυτής της Ένωσης στη Ρώμη στη Ρώμη, ο βασιλιάς της Ντιάνας, ο οποίος έγινε ένας αγαπημένος προορισμός για όσους προέρχονταν από εκείνους που είχαν μετακινηθεί ή κατέλαβε τη Λατινική, Plebeev και οι σκλάβοι ιδρύθηκαν στην Αβίντα. Η επέτειος του Ιδρύματος του Ναού θεωρήθηκε η γιορτή των σκλάβων - πεθαίνει η εξυπηρέτηση. Παρέφερε τη δημοτικότητα της Diana μεταξύ των κατώτερων τάξεων που συνθέτουν τα πολυάριθμα κολέγια των θαυμαστών του.

Ένας μύθος της ασυνήθιστης αγελάδας συνδέθηκε με το ναό της Diana στην αυθίνα, του οποίου ο ιδιοκτήτης προέβλεπε ότι αυτός που θα θυσιάσει τη Ντιάνα σε αυτόν τον ναό θα προσφέρει στην πόλη της στην Ιταλία. Ο βασιλιάς της εξυπηρέτησης της Tully, έχοντας μάθει για αυτή την πρόβλεψη, η πονηρή πονηρή ποντίκι, έφερε τη θυσία της και έφερε τα κέρατα της στο ναό.

Η Diana θεωρήθηκε από την προσωποποίηση της Σελήνης, καθώς και ο αδελφός της Απόλλων στην περίοδο της Ατενής Αρχαιότητας της Ρίμας εντοπίστηκε με τον Ήλιο. Στη συνέχεια, εντοπίστηκε με την ουράνια θεά και την ουράνια θεά του NeMeless και της Carthtaginian. Οι ρωμαϊκές επαρχίες κάτω από το όνομα Diana σεβαστήκαν στις εγγενές θεές - "Διάφορα των δασών", η μητέρα Bogny, μια παντοπωλείο λαχανικών και ζωοτροφών.

greekroman.ru/gallery/art_poussin.htm.

Νωρίτερα:

Αυτή η εικόνα είναι ένα από τα πιο δημοφιλή έργα του γαλλικού καλλιτέχνη Nikola Pussen. Ένα παρόμοιο θρησκευτικό οικόπεδο έχει αντιγραφεί από άλλους κύριους πολλές φορές, αφού οι βιβλικές ιστορίες πλύθηκαν με ένα φωτοστέφανο αλληγορικής και αλληγορίας, και αυτό είναι [...]

Φωτεινή, πολύχρωμη εικόνα του Nikola Poussin "Vakhanalia", που απομνημονεύεται από τις εικόνες του, γραμμένο σε ρομαντικό και μυθολογικό στιλ, τώρα βρίσκεται στη γκαλερί τέχνης του Λονδίνου. Οι κύριοι χαρακτήρες αυτής της υπέροχης ζωγραφικής είναι τα νεαρά, ανέμελα πλάσματα, οι οποίοι είναι αλλοδαποί στη σωματική εργασία. [...]

Μια φωτεινή και ζωντανή ζωγραφική "Parnas" απεικονίζει τους θεούς, τους ποιητές, τη νύμφη και άλλους ήρωες της ελληνικής μυθολογίας και της ιστορίας. Αυτό είναι ένα πολύ χαρακτηριστικό έργο του Poussin, το οποίο συνδυάζει όλα τα χαρακτηριστικά του καλλιτεχνικού στυλ του. Οικόπεδο [...]

Σύμφωνα με τους ρωμαϊκούς ιστορικούς, μόνο οι άνδρες έζησαν στη Ρώμη. Οι φυλές που ζουν στη γειτονιά δεν ήθελαν να δώσουν τις κόρες τους για τους συνηθισμένους φτωχούς. Στη συνέχεια, ένας από τους ιδρυτές της Ρώμης είναι ο θρυλικός Romulus, έρχεται με ένα πονηρό [...]

Η εικόνα γράφεται από τον ιδρυτή μιας τέτοιας κατεύθυνσης στη ζωγραφική, ως κλασικισμός, το 1649. Ο Nikola Poussin ήταν διάσημος για την ικανότητά του να αποκαλύψει τα θέματα της σύγχρονης εποχής γι 'αυτόν, αναφέροντας συχνά τα θέματα της αντίκες μυθολογίας. Προσπάθησε να δείξει [...]

Ο γάλλος καλλιτέχνης Poussin εφαρμόζεται συχνά στα θέματα της μυθολογίας. Στη Ρώμη, ένα εξαιρετικό έργο γράφτηκε με τον φιλοσοφικό τίτλο "Χορός στη μουσική του χρόνου". Προσέγγιση χρόνου δημιουργίας ενός μεγάλου υφάσματος - 1638. Οι αντίκες μύθοι καθορίζουν [...]

Το όνομα του Nicola Pussen δεν είναι μάταιο σταθερά κατοχυρωμένο με την έννοια του "κλασικισμού". Ήταν αυτός ο γαλλικός καλλιτέχνης που ήταν ο ιδρυτής, ο αρχικός εκπρόσωπος της ζωγραφικής αυτής της κατεύθυνσης και όλοι οι πίνακές του είναι μια φωτεινή ενσωμάτωση των κλασικών και η μνημειικότητα της ζωγραφικής. [...]

Πιάστε το πουλί της ευτυχίας για μια πολύχρωμη ουρά είναι μακριά από όλους. Και, δυστυχώς, όχι ο καθένας προορίζεται να δοξάσει το όνομά τους, καθώς κατόρθωσε σε ένα ταλαντούχο πρόσωπο που είχε μόνο δύο βούρτσες, παλέτα και καμβά στο οπλοστάσιο. Nikola Poussin (Nicolas Poussin) - Ένας εξαιρετικός γαλλικός καλλιτέχνης και ένας από τους ιδρυτικούς πατέρες που στάθηκαν στην προέλευση του κλασικισμού.

Το 1594, στη Νορμανδία, κοντά στην πόλη του Le Andeli, ένα αγόρι εμφανίστηκε στον κόσμο, ο οποίος από την παιδική ηλικία απέδειξε εκπληκτική επιτυχία στο σχέδιο. Έχοντας φτάσει στην ηλικία της πλειοψηφίας, η Nicola πήγε στη γαλλική πρωτεύουσα για να αφιερώσει τον εαυτό του σε πεισματάρες μαθήματα ζωγραφικής. Στο Παρίσι, το ταλέντο ενός νεαρού άνδρα είδε τον πορτρέτο Ferdinand Van Elle, ο οποίος έγινε ο πρώτος δάσκαλος του Poussin. Μετά από λίγο, ο τόπος του δασκάλου πήρε το ζωγράφο Georges LALMAN. Αυτή η γνωριμία έφερε το Nikola Dual Office: Εκτός από την ευκαιρία να ξεπεράσει την ικανότητα υπό την ευαίσθητη ηγεσία του διάσημου μέντορα, ο Poussin πήρε πρόσβαση στο Λούβρο, όπου αντιγράψαμε τις φωτογραφίες των ιταλών καλλιτεχνών της Αναγέννησης.

Μέχρι εκείνη την εποχή, η σταδιοδρομία ενός νεαρού καλλιτέχνη κέρδισε δυναμική και το κεφάλι του περιστρέφεται από την ευαισθητοποίηση σχετικά με τις κορυφές που μπορεί να αναρριχηθεί αν συνεχίσει να εργάζεται σκληρά. Ως εκ τούτου, για να βελτιώσει την ικανότητα, ο Poussin πήγε στη Ρώμη - μια περίεργη μέκκα όλων των καλλιτεχνών αυτών των ετών. Εδώ ο καλλιτέχνης είναι ενεργά "Groning Science Granite", μελετώντας την εργασία, και. Εστιάζοντας στους μεγάλους προκατόχους και επικοινωνώντας με τους σύγχρονους καλλιτέχνες, ο Poussin ασχολείται ενεργά με την αρχαία και έμαθε να μετρήσει τις αναλογίες πέτρινης γλυπτικής με φανταστική ακρίβεια.

Ο καλλιτέχνης είδε την πηγή της έμπνευσης του στην ποίηση, το θέατρο, φιλοσοφικές θεραπείες και βιβλικά θέματα. Ήταν αυτή η πολιτιστική βάση που τον βοήθησε να πετύχει να επιδείξει την εικόνα της σύγχρονης εποχής στους πίνακες. Ο ήρωας των έργων του Νικολά είναι μια εξιδανικευμένη προσωπικότητα.

Στη Ρώμη, ο Nicola Pussen δοξάσει το όνομά του, ο έγκυρος Δάσκαλος εμπιστεύτηκε τη ζωγραφική των καθεδρικών ναών, έκανε παραγγελίες για τον καμβά με κλασικά ή ιστορικά οικόπεδα. Ένας από αυτούς ήταν ο ζωγραφικός "θάνατος της Γερμανίας", η οποία βασίζεται στο έργο του ιστορικού της tacitis. Γράφτηκε το 1627, ο καλλιτέχνης απεικονίζεται σε αυτό τα τελευταία λεπτά της ζωής του ρωμαϊκού διοικητή.

Η μοναδικότητα του καμβά είναι ότι συνδυάζει απολύτως όλα τα χαρακτηριστικά του κλασικισμού των οποίων η ομορφιά για το Pussen αντανακλάται στην αναλογικότητα κάθε μέρους, τη σαφήνεια της σύνθεσης και της ακολουθίας δράσεων.

Μετά τον «θάνατο της Γερμανίας» και μέχρι το 1629, ο καλλιτέχνης δημιούργησε αρκετές ζωγραφιές, μεταξύ των οποίων ένας ειδικός τόπος λαμβάνεται από την "απομάκρυνση από τον καμβά".

Στην εικόνα, η οποία βρίσκεται τώρα στο Ερμιτάζ, ο Poussin έδωσε μεγάλη προσοχή στο θλιβερό πρόσωπο της Μαρίας, ο οποίος μεταδίδει τη θλίψη όλων των ανθρώπων για τον αποθανόντα Σωτήρα. Ένα δυσοίωνο κόκκινο φόντο και σκοτεινό ουρανό - σύμβολα της προσέγγισης της επικείμενης ώρας της αντλίας για την πράξη. Αλλά ακόμα και ισχυρότερη αντίθεση με τα χιονισμένα ρούχα του Ιησού Χριστού με ένα τσαλακωμένο φόντο ζωγραφικής. Τα πόδια του Σωτήρα θρηνούσαμε αθώα άγγελα.

Τα επόμενα χρόνια, ο κύριος προτιμητής με μυθολογικά οικόπεδα. Για σύντομο χρονικό διάστημα, γράφτηκε μια ζωγραφική "Tancred and Herminine", η οποία βασίστηκε στο ποίημα "Liferated by Jerusalem" Tasquatto Tasso και το Βασίλειο της Flora, που γράφτηκε υπό την επίδραση των έργων του Ovid.

Λίγο μετά την ολοκλήρωση του έργου στην πρόσκληση του καρδινάλλου Richelieu Nikola Poussin επιστρέφει στο Παρίσι για να διακοσμήσει τη γκαλερί του Λούβρου. Ένα χρόνο αργότερα, ο Louis XIII ενδιαφέρεται για το ταλέντο του καλλιτέχνη. Σύντομα έκανε τον Poussin τον πρώτο ζωγράφο στο γήπεδο. Ο καλλιτέχνης πήρε την επιθυμητή δόξα και οι εντολές έπεσαν ως ένα κόρνα αφθονίας. Αλλά η γλυκιά γεύση του θρίαμβου poussin χαλάσει το ζηλιάρης κουτσομπολιά από την τέχνη ελίτ, η οποία το 1642 αναγκάστηκε η Nikola να εγκαταλείψει το Παρίσι και να πάρει την αντίστροφη πορεία στη Ρώμη.

Από εκείνη την εποχή μέχρι το τέλος των ημερών του, ο Poussin ζούσε στην Ιταλία. Αυτή η περίοδος ήταν για τον καλλιτέχνη την πιο καρποφόρα και πλούσια σε φωτεινή εργασία, μεταξύ των οποίων ένας ειδικός χώρος καταλαμβάνει τον κύκλο "εποχές".

Το οικόπεδο βασίστηκε στα γεγονότα που περιγράφονται στην Παλαιά Διαθήκη, την οποία ο καλλιτέχνης αλληλοσυνδέεται με την εποχή του χρόνου, προσδιορίζοντας το καθένα με μια περίοδο προέλευσης, αυξανόμενη, γήρανση και θάνατο. Σε μια εργασία, ο Poussin έδειξε ορεινό τοπίο της Χανάνης, διάσημη για τη γονιμότητά του και συλλέγει τα σταφύλια του Αβραάμ με πολλά σαν ένα σύμβολο της θείας γενναιοδωρίας. Και το τέλος μιας αμαρτωλής ζωής, ο καλλιτέχνης που απεικονίζεται στην τελευταία εικόνα του κύκλου, ο τύπος του οποίου θα μπορούσε να χτυπήσει ακόμα και το πιο επίμονο κοινό.

Τα τελευταία χρόνια, ο Pussen έχει ενεργά ζωγραφισμένα τοπία και εργάστηκε γρήγορα για να πιάσει το φινίρισμα που ξεκινά την εικόνα. Ο καλλιτέχνης δεν είχε χρόνο να ολοκληρώσει το πανί "Απόλλωνα και ο Δάφνη".

Ο Nikola Poussin υπέγραψε το όνομά του σε μια σειρά με τους ένδοξους δασκάλους, της οποίας η εμπειρία κάποτε μελετήθηκε.