"Παίκτες σε κάρτες"

Συντάκτης

Paul Cesanne

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1839–1906
Στυλ Ταχυδρομική ύλη

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στα νότια της Γαλλίας σε μια μικρή πόλη πρώην en-provence, αλλά η ζωγραφική άρχισε να συμμετέχει στο Παρίσι. Αυτή η επιτυχία ήρθε σε αυτόν μετά την προσωπική έκθεση που διοργάνωσε ο συλλέκτης Ambruz Vollar. Το 1886, 20 χρόνια πριν τη φροντίδα του, μετακόμισε στα περίχωρα της πατρίδας του. Οι νέοι καλλιτέχνες τον κάλεσαν ονομάζεται "προσκύνημα στην πρώην".

130x97 cm
1895 έτος
Κόστος
250 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2012
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση

Η δημιουργικότητα Cezanne είναι εύκολο να κατανοηθεί. Ο μόνος κανόνας του καλλιτέχνη ήταν η άμεση μετάδοση του θέματος ή του οικόπεδο στον καμβά, έτσι ώστε οι πίνακές του να μην προκαλούν την αμηχανία του θεατή. Cezanne συνέδεσε δύο κύριες γαλλικές παραδόσεις στην τέχνη του: κλασικισμός και ρομαντισμός. Με τη βοήθεια μιας πολύχρωμης υφή, έδωσε μια εκπληκτική πλαστικότητα των αντικειμένων.

Μια σειρά από πέντε πίνακες "παίκτες στους χάρτες" γράφτηκε το 1890-1895. Το οικόπεδο τους είναι το ίδιο - πολλοί άνθρωποι παίζουν ενθουσιώδες πόκερ. Διατίθεται μόνο από τον αριθμό των παικτών και μεγεθών καμβά.

Τέσσερις πίνακες αποθηκεύονται στα Μουσεία της Ευρώπης και της Αμερικής (Μουσείο του Μελφαρίου, Μητροπολιτικό Μουσείο, Barnes Ίδρυμα και το Ινστιτούτο Κούρτο) και η πέμπτη φορά μέχρι πρόσφατα ήταν η διακόσμηση της ιδιωτικής συλλογής του ελληνικού δισεκατομμυριούχου-εφοπλιστή Georg Negbyricos. Λίγο πριν από το θάνατό του, το χειμώνα του 2011, αποφάσισε να το θέσει στην πώληση. Ο αντιπρόσωπος της τέχνης William Akvavella και ένα glimpical όνομα του Larry Gagosyan, ο οποίος το προσέφερε περίπου 220 εκατομμύρια δολάρια, οι οποίοι προσφέρουν περίπου 220 εκατομμύρια δολάρια για αυτό από τους πιθανούς αγοραστές "ελεύθερης" εργασίας. Ως αποτέλεσμα, η εικόνα πήγε στη βασιλική οικογένεια του Αραβικού Κράτους Κατάρ για 250 εκατομμύρια. Η μεγαλύτερη συμφωνία τέχνης στην ιστορία της ζωγραφικής έκλεισε τον Φεβρουάριο του 2012. Αυτό στην Vanity Fair ανέφερε έναν δημοσιογράφο Αλέξανδρο Pierce. Ανακάλυψε το κόστος της εικόνας και το όνομα του νέου ιδιοκτήτη και στη συνέχεια πληροφορίες διείσδυσε τα μέσα σε όλο τον κόσμο.

Το 2010, το Αραβικό Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης και το Εθνικό Μουσείο του Qatari άνοιξε στο Κατάρ. Τώρα οι συλλογές τους αναπληρώνονται. Ίσως η πέμπτη έκδοση των "παικτών στην κάρτα" αποκτήθηκε από τον Sheikh για το σκοπό αυτό.

ΣάμηΑγαπητέ ζωγραφικήστον κόσμο

Ιδιοκτήτης
Σέιχ Χαμάς
bin caliph al-tanya

Η δυναστεία al-tanya κυβερνά το Κατάρ πάνω από 130 χρόνια. Περίπου πριν από περίπου μισό αιώνα, βρέθηκαν τεράστια αποθέματα πετρελαίου και φυσικού αερίου εδώ ότι το VMIG έκανε το Κατάρ μία από τις πλουσιότερες περιοχές του κόσμου. Χάρη στην εξαγωγή υδρογονανθράκων σε αυτή τη μικρή χώρα, καταγράφεται το μεγαλύτερο κατά κεφαλήν ΑΕΠ. Ο Sheikh Hamad Bin Califa Al-Tanya το 1995, ενώ ο πατέρας του ήταν στην Ελβετία, με την υποστήριξη των μελών της οικογένειας κατασχέθηκαν εξουσία. Η αξία του σημερινού κυβερνήτη, σύμφωνα με τους εμπειρογνώμονες, σε μια σαφή στρατηγική για την ανάπτυξη της χώρας, δημιουργώντας μια επιτυχημένη κατάσταση. Τώρα το Σύνταγμα και ο Πρωθυπουργός εμφανίστηκαν στο Κατάρ και οι γυναίκες έλαβαν το δικαίωμα να ψηφίσουν στις κοινοβουλευτικές εκλογές. Με την ευκαιρία, ήταν το emir του Κατάρ που ίδρυσε το κανάλι News Al-Jazeera. Τεράστια προσοχή των αρχών του αραβικού κράτους να πληρώσουν τον πολιτισμό.

2

"Αριθμός 5"

Συντάκτης

Jackson Pollock

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1912–1956
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Ο ψεκαστήρας Jack - ένα τέτοιο ψευδώνυμο δόθηκε στο αμερικανικό κοινό για την ειδική τεχνική της ζωγραφικής. Ο καλλιτέχνης αρνήθηκε τη βούρτσα και το καβαλέτο, και το χρώμα που χύθηκε πάνω από την επιφάνεια του καμβά ή του φιορίτη κατά τη διάρκεια της συνεχούς κίνησης γύρω και μέσα τους. Από νεαρή ηλικία, αγαπούσε τη φιλοσοφία Jedda Krishnamurti, η κύρια υπόσχεση της οποίας - η αλήθεια ανοίγει κατά τη διάρκεια της ελεύθερης "εκσυγχρονισμού".

122x244 cm
1948.
Κόστος
140 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Sotheby's.

Η αξία του έργου του Midfield δεν αποτελεί αποτέλεσμα, αλλά στη διαδικασία. Ο συγγραφέας δεν αποκλείει τυχαία την τέχνη της δράσης ζωγραφικής. Με το ελαφρύ χέρι του έγινε ο κύριος τομέας της Αμερικής. Jackson Pollock Μικτή βαφή με άμμο, σπασμένο γυαλί και έγραψε ένα κομμάτι χαρτονιού, μαστίγιο, μαχαίρι, σέσουλα. Ο καλλιτέχνης ήταν τόσο δημοφιλής ότι στη δεκαετία του 1950, οι μιμητές βρέθηκαν ακόμη και στην ΕΣΣΔ. Η εικόνα "Αριθμός 5" αναγνωρίζεται ως ένα από τα πιο παράξενα και ακριβά στον κόσμο. Ένας από τους δημιουργούς των Dreamworks David Hepfen το απέκτησε για μια ιδιωτική συλλογή και το 2006 πωλήθηκε στη δημοπρασία Sotheby »για 140 εκατομμύρια δολάρια στο Μεξικάνικο David Martinez. Ωστόσο, σύντομα μια δικηγορική εταιρεία εξ ονόματος του πελάτη του κυκλοφόρησε ένα δελτίο τύπου, το οποίο ανέφερε ότι ο David Martinez δεν είναι ο ιδιοκτήτης της ζωγραφικής. Προφανώς μόνο ένα πράγμα είναι γνωστό: Ο Μεξικανός χρηματοδότης έχει πράγματι πρόσφατα συλλογή έργων σύγχρονης τέχνης. Είναι απίθανο ότι θα είχε χάσει ένα τέτοιο "μεγάλο ψάρι" ως "αριθμός 5" του μεσουού.

3

"Γυναίκα ΙΙΙ"

Συντάκτης

Villem de Kuning

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1904–1997
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Η αποχώρηση από τις Κάτω Χώρες, μετανάστευσε στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1926. Το 1948 πραγματοποιήθηκε μια προσωπική έκθεση του καλλιτέχνη. Οι επικριτές της τέχνης εκτιμάται σύνθετες, νευρικές ασπρόμαυρες συνθέσεις, αναγνωρίζοντας στον συγγραφέα του μεγάλου καλλιτέχνη-μοντερνιστή. Έχει υποστεί το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του με τον αλκοολισμό, αλλά η χαρά της δημιουργίας νέας τέχνης αισθάνεται σε κάθε έργο. Ο De Kuning διακρίνεται από την παρορμητικότητα της ζωγραφικής, τα ευρεία εγκεφαλικά επεισόδια, που μερικές φορές η εικόνα δεν ταιριάζει στα όρια του καμβά.

121x171 cm
1953.
Κόστος
137 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση

Στη δεκαετία του 1950, οι γυναίκες με κενά μάτια, μαζικά στήθη, άσχημη χαρακτηριστικά του προσώπου εμφανίζονται στους πίνακες του de Kuning. Η "Woman III" έγινε η τελευταία δουλειά από αυτή τη σειρά που συμμετείχε στη δημοπρασία.

Από τη δεκαετία του 1970, η εικόνα διατηρήθηκε στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης Τεχεράνης, αλλά μετά την εισαγωγή σκληρών κανόνων ηθικής στη χώρα, προσπάθησαν να το ξεφορτωθούν. Το 1994, το έργο αφαιρέθηκε από το Ιράν και μετά από 12 χρόνια ο ιδιοκτήτης του David Hepfen (ο πιο παραγωγός που πώλησε το κανάλι Jackson Pollock "Number 5") έδωσε την εικόνα στο Milliona Stephen Cohen για 137,5 εκατομμύρια δολάρια. Είναι ενδιαφέρον ότι ο Hepfhen άρχισε να πωλεί τη συλλογή ζωγραφικής του σε ένα χρόνο. Δημιούργησε ένα βάρος φήμης: για παράδειγμα, ο παραγωγός αποφάσισε να αγοράσει την εφημερίδα του Λος Άντζελες.

Σε ένα από τα φόρουμ της τέχνης, εκφράστηκε γνώμη σχετικά με την ομοιότητα των "γυναικών ΙΙΙ" με την εικόνα της Leonardo da Vinci "κυρία με το Mornosta". Για ένα χαμόγελο οδοντωτού και μια άμορφη φιγούρα της ηρωίδας, ο γνώστης της ζωγραφικής είδε τη χάρη του βασιλικού αίματος. Αυτό αποδεικνύεται από την κακώς βαμμένη κορώνα, το κεφάλι του γάμου μιας γυναίκας.

4

"Πορτρέτο του AdeliBloch-Bauer I »

Συντάκτης

Gustav klimt

Χώρα Αυστρία
Χρόνια της ζωής 1862–1918
Στυλ Μοντέρνο

Ο Gustav Klimt γεννήθηκε στην οικογένεια μιας οικογένειας χαράκτη και ήταν το δεύτερο από τα επτά παιδιά. Τρεις γιοι του Ernest Klimt έγιναν καλλιτέχνες, και μόνο ο Γκουσβός είχε γίνει διάσημος για ολόκληρο τον κόσμο. Το μεγαλύτερο μέρος της παιδικής ηλικίας που πέρασε στη φτώχεια. Μετά το θάνατο του πατέρα του, ήταν υπεύθυνος για όλη την οικογένεια. Είναι αυτή τη στιγμή ότι η αναρρίχηση αναπτύσσει το ύφος του. Μπροστά από τους πίνακές του, οποιοσδήποτε προβολέας παγώνει: κάτω από τα λεπτά επιχρίσματα του χρυσού είναι σαφώς ορατό στον ερωτισμό του Frank.

138x136 cm
1907 έτος
Κόστος
135 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Sotheby's.

Η τύχη της εικόνας, η οποία ονομάζεται "Αυστριακή Mona Liza", μπορεί εύκολα να γίνει η βάση για το μπεστέλες. Το έργο του καλλιτέχνη ήταν η αιτία της σύγκρουσης ολόκληρου του κράτους και μιας ηλικιωμένης κυρίας.

Έτσι, στο "πορτρέτο του Adeli Bloch-Bauer" έδωσα έναν αριστοκράτη, τη σύζυγο του Ferdinand Bloch. Η τελευταία της θέληση ήταν να μεταφέρει την εικόνα της αυστριακής κρατικής γκαλερί. Ωστόσο, οι ψύλλοι στην ακυρωμένη δωρεά και ο καμβάς απαλλοτριώθηκε στους ναζί. Αργότερα, η γκαλερί μόλις αγόρασε το "Golden Adel", αλλά εδώ εμφανίστηκαν οι κληρονόμοι - Maria Altman, η ανιψιά του Ferdinand Bloch.

Το 2005 ξεκίνησε η δυνατή διαδικασία "Maria Altman εναντίον της Αυστριακής Δημοκρατίας", ακολουθώντας την εικόνα "Αριστερά" μαζί της στο Λος Άντζελες. Αυστρία υιοθέτησε πρωτοφανή μέτρα: Υπήρξαν διαπραγματεύσεις για τα δάνεια, ο πληθυσμός θυσιάστηκε χρήματα για να αγοράσει ένα πορτρέτο. Καλή και δεν κέρδισε το κακό: Η τιμή του Altman αύξησε στα 300 εκατομμύρια δολάρια. Κατά τη στιγμή της διαδικασίας, ήταν 79 ετών και εισήλθε στην ιστορία ως πρόσωπο που είχε αλλάξει τη βούληση του Bloch Bauer υπέρ των προσωπικών συμφερόντων. Η εικόνα αποκτήθηκε από τον Ronald Laoupere, τον ιδιοκτήτη της "Νέας Γκαλερί" στη Νέα Υόρκη, όπου βρίσκεται ακόμα αυτή τη μέρα. Όχι για την Αυστρία, γι 'αυτόν ο Altman μειώνει την τιμή των 135 εκατομμυρίων δολαρίων.

5

"Ποταμάκι"

Συντάκτης

Edward munk.

Χώρα Νορβηγία
Χρόνια της ζωής 1863–1944
Στυλ εξπρεσιονισμός

Η πρώτη εικόνα της λάσπης, η οποία έχει γίνει διάσημη παγκοσμίως, - "άρρωστο κορίτσι" (υπάρχει σε πέντε αντίγραφα) - αφιερωμένη στην αδελφή του καλλιτέχνη που αποβιώνει από τη φυματίωση ηλικίας 15 ετών. Η MINCA ενδιαφέρεται πάντα για το θέμα του θανάτου και της μοναξιάς. Στη Γερμανία, η βαριά, μανιακή ζωγραφική του προκάλεσε ακόμη ένα σκάνδαλο. Ωστόσο, παρά τα καταθλιπτικά οικόπεδα, οι πίνακές του έχουν ειδικό μαγνητισμό. Πάρτε τουλάχιστον κολπίσκο.

73,5х91 cm
1895 έτος
Κόστος
119,992 εκατομμύρια δολάρια
Πωλούνται Β. 2012.
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το πλήρες όνομα της εικόνας είναι το Der Schrei Der Natur (μεταφράζεται από το Γερμανό - "Creek of Nature"). Το πρόσωπο είναι αν το άτομο είναι, ή οι αλλοδαποί που εκφράζουν απελπισία και πανικό - το ίδιο συναίσθημα βιώνει έναν θεατή όταν κοιτάζει την εικόνα. Ένα από τα βασικά έργα του εξπρεσιονιστή προειδοποιεί τα θέματα που έχουν γίνει οξεία στην τέχνη του XX αιώνα. Σύμφωνα με μια από τις εκδόσεις, ο καλλιτέχνης το δημιούργησε υπό την επιρροή της ψυχικής διαταραχής, ο οποίος υπέστη όλη του τη ζωή.

Η εικόνα έχει κλαπεί δύο φορές από διαφορετικά μουσεία, αλλά επιστράφηκε. Η προκύπτουσα μικρή ζημιά μετά την κλοπή "Creek" ανακαινίστηκε και ήταν και πάλι έτοιμος να δείξει στο Μουσείο του μύλου το 2008. Για τους εκπροσώπους της ποπ κουλτούρας, το έργο έγινε πηγή έμπνευσης: ο Andy Warhol δημιούργησε μια σειρά από τα έντυπα εκτύπωσης και η μάσκα από την ταινία "Creek" έγινε στην εικόνα και την ομοιότητα του ήρωα της εικόνας.

Για ένα οικόπεδο, ο Munk έγραψε τέσσερις εκδόσεις της εργασίας: το ένα είναι στην ιδιωτική συλλογή, εκτελούνται παστέλ. Νορβηγικός δισεκατομμυριούχος Petter Olsen το έβαλε στη δημοπρασία στις 2 Μαΐου 2012. Ο αγοραστής ήταν ο Leon Black, ο οποίος δεν αντέχει στη "κλάμα" του ποσού ρεκόρ. Ιδρυτής εταιρειών Apollo Advisors, L.P. και τους συμβούλους λιονταριού, L.P. Γνωστό από την αγάπη του για την τέχνη. Το Black είναι ένα Patron του College Dartmouth, Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης, Κέντρο Τέχνης Λίνκολν, Μητροπολιτικό Μουσείο Τεχνών. Έχει τη μεγαλύτερη συλλογή έργων ζωγραφικής των σύγχρονων καλλιτεχνών και κλασικών πλοιάρχων των παρελθόντων αιώνων.

6

"Γυμνό στο φόντο της προτομής και των πράσινων φύλλων"

Συντάκτης

Πάμπλο Πικάσο

Χώρα Ισπανία, Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1881–1973
Στυλ κυβισμός

Με προέλευση, είναι ένας Ισπανός, και στο πνεύμα και τον τόπο κατοικίας - ένας πραγματικός Γάλλος. Το στούντιο της τέχνης του Πικάσο άνοιξε στη Βαρκελώνη όταν ήταν μόλις 16 ετών. Στη συνέχεια πήγε στο Παρίσι και πέρασε την πλειοψηφία της ζωής εκεί. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο στην επώνυμό του διπλή έμφαση. Στην καρδιά του στυλ, εφευρέθηκε Picasso, υπάρχει άρνηση της άποψης ότι το αντικείμενο που απεικονίζεται στον καμβά μπορεί να θεωρηθεί μόνο υπό μία άποψη.

130x162 cm
1932 έτος
Κόστος
106,482 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί Το έτος 2010
στη δημοπρασία Christie.

Κατά τη διάρκεια της δουλειάς του στη Ρώμη, ο καλλιτέχνης συναντήθηκε ο χορευτής της Olga Khokhlov, ο οποίος σύντομα έγινε η σύζυγός του. Τελείωσε με την Vagrancy, μετακόμισε μαζί της σε ένα πολυτελές διαμέρισμα. Μέχρι τότε, η αναγνώριση βρήκε έναν ήρωα, αλλά ο γάμος καταστράφηκε. Ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες του κόσμου δημιουργήθηκε σχεδόν τυχαία - σε μεγάλη αγάπη, η οποία, όπως πάντα, ο Πικάσο ήταν σύντομος. Το 1927, παρασύρθηκε από το Young Marie Terez Walter (ήταν 17 ετών, ήταν 45). Σε μυστικό, έφυγε από τη σύζυγό του με την ερωμένη του στην πόλη κοντά στο Παρίσι, όπου έγραψε ένα πορτρέτο, που απεικονίζει τη Marie Terez στην εικόνα της Δάφνης. Ο καμβάς απέκτησε τον αντιπρόσωπο της Νέας Υόρκης Paul Rosenberg και το 1951 τον έδωσε το Σίδνεϊ Σ. Μπρούδα. Οι σύζυγοι Brody έδειξαν μια εικόνα του κόσμου μόνο μία μέρα και μόνο επειδή ο καλλιτέχνης ήταν 80 ετών. Μετά το θάνατο του συζύγου της, κυρία Brody, τον Μάρτιο του 2010, έβαλε ένα έργο για τη δημοπρασία στο σπίτι της Christie's. Για έξι δεκαετίες, η τιμή έχει αυξηθεί περισσότερο από 5.000 φορές! Ένας άγνωστος συλλέκτης την απέκτησε για 106,5 εκατομμύρια δολάρια. Το 2011, η "Έκθεση ενός σχεδίου" έλαβε χώρα στη Βρετανία, όπου είδε το φως της δεύτερης ώρας, αλλά το όνομα του ιδιοκτήτη είναι ακόμα άγνωστο.

7

"Οκτώ elvis"

Συντάκτης

Andy warhole

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1928-1987
Στυλ
ποπ art

"Το σεξ και τα κόμματα είναι τα μόνα μέρη όπου πρέπει να εμφανιστείτε με το δικό σας πρόσωπο", δήλωσε ο καλλιτέχνης Pop Art, σκηνοθέτης, ένας από τους ιδρυτές του περιοδικού συνέντευξης, σχεδιαστής Andy Warhol. Εργάστηκε με τη μόδα και το παζάρι του Harper, καταρτίζει το εξώφυλλο των αρχείων, ήρθε με παπούτσια για i.Miller. Στη δεκαετία του 1960, εμφανίστηκαν εικόνες των συμβόλων της Αμερικής: η σούπα Campbell και η Coca-Cola, Presley και Monroe - το έκανε ο θρύλος.

358x208 cm
1963 χρόνια
Κόστος
100 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση

Warholovsky 60s - η εποχή της Pop Art's Era στην Αμερική. Το 1962 εργάστηκε στο Μανχάταν στο στούντιο "εργοστάσιο", όπου συγκεντρώθηκαν όλη η Βοημία Νέα Υόρκη. Οι λαμπεροί αντιπροσώπους του: Mick Jagger, Bob Dylan, Trueman Hood και άλλος άνθρωπος γνωστός στον κόσμο. Ταυτόχρονα, η Warhol προσπάθησε τη μεταξογραφική τεχνολογία - μια πολλαπλή επανάληψη μιας εικόνας. Χρησιμοποίησε αυτή τη μέθοδο και κατά τη δημιουργία "οκτώ elvis": ο θεατής φαίνεται να βλέπει τα πλαίσια από την ταινία, όπου το αστέρι έρχεται στη ζωή. Υπάρχουν όλα όσα αγαπάει τόσο πολύ ο καλλιτέχνης: η νίκη-νίκη δημόσια εικόνα, το ασημένιο χρώμα και η προδικασία του θανάτου ως κύρια υπόσχεση.

Υπάρχουν δύο αντιπροσώπους τέχνης που προωθούν το έργο του Warhol στην παγκόσμια αγορά σήμερα: ο Larry Gagosyan και ο Alberto Morbai. Το πρώτο το 2008 δαπάνησε 200 εκατομμύρια δολάρια για να αποκτήσει περισσότερα από 15 έργα Warhol. Το δεύτερο αγοράζει και πωλεί τα έργα του ως Χριστουγεννιάτικες κάρτες, μόνο πιο ακριβό. Αλλά όχι, και ο μέτριος σύμβουλος της Γαλλικής Τέχνης Philip Segalo βοήθησε τον ρωμαϊκό γνώρισμα της τέχνης της Annibal Berlingheri να πουλήσει τον άγνωστο αγοραστή "οκτώ Elvis" για ένα αρχείο για Warhol - 100 εκατομμύρια δολάρια.

8

"Πορτοκάλι,Κόκκινο κίτρινο"

Συντάκτης

Mark rotko

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1903–1970
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Ένας από τους δημιουργούς της ζωγραφικής του χρωμάτων που γεννήθηκε στο Dvinsk, Ρωσία (τώρα - Daugavpils, Λετονία), σε μια μεγάλη οικογένεια του εβραϊκού φαρμακοποιού. Το 1911, μετανάστευσαν στις Ηνωμένες Πολιτείες. Ο Rotko σπούδασε στη Σχολή Τέχνης του Πανεπιστημίου Yale, πέτυχε υποτροφίες, αλλά τα αντισημιτικά συναισθήματα τον ανάγκασαν να εγκαταλείψει τις σπουδές του. Παρά τα πάντα, η κριτική της τέχνης του καλλιτέχνη φυλάσσεται και τα μουσεία ακολούθησαν όλη τη ζωή του.

206x236 cm
1961 έτος
Κόστος
86.882 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Christie.

Τα πρώτα καλλιτεχνικά πειράματα του Rotko ήταν ένας σουρεαλιστικός προσανατολισμός, αλλά με την πάροδο του χρόνου απλουστεύει το οικόπεδο στα έγχρωμα σημεία, στερούσε τους οποιοδήποτε αντικείμενο. Αρχικά είχαν φωτεινές αποχρώσεις, και τη δεκαετία του 1960 χύθηκαν καφέ, βιολετί, πάχοντας μαύρα μέχρι τη στιγμή του θανάτου του καλλιτέχνη. Ο Mark Rotko προειδοποίησε ενάντια στην αναζήτηση οποιασδήποτε σημασίας στους πίνακές του. Ο συγγραφέας ήθελε να πει ακριβώς τι είπε: μόνο ένα χρώμα που διαλύεται στον αέρα, και τίποτα περισσότερο. Συνιστάται να κοιτάζει το έργο από απόσταση 45 cm, έτσι ώστε ο θεατής να "καθυστερήσει" στο χρώμα, όπως σε μια χοάνη. ΠΡΟΣΟΧΗ: Ψάχνετε για όλους τους κανόνες μπορεί να οδηγήσει στην επίδραση του διαλογισμού, δηλαδή, σταδιακά έρχεται στην επίγνωση του άπειρου, πλήρης εμβάπτιση από μόνη της, χαλάρωση, καθαρισμό. Το χρώμα στις ζωγραφιές του ζει, αναπνέει και έχει ισχυρότερο συναισθηματικό αντίκτυπο (λένε, μερικές φορές θεραπεύοντας). Ο καλλιτέχνης δήλωσε: "Ο θεατής πρέπει να κλάψει, κοιτάζοντας τους" και τέτοιες περιπτώσεις ήταν πράγματι. Στη θεωρία του Rotko, αυτή τη στιγμή οι άνθρωποι ζουν την ίδια πνευματική εμπειρία καθώς στη διαδικασία της εργασίας στην εικόνα. Εάν καταφέρατε να το καταλάβετε σε ένα τόσο λεπτό επίπεδο, τότε δεν θα εκπλαγείτε ότι αυτά τα έργα της ακρίβειας που συχνά συγκρίνονται με τα εικονίδια.

Το έργο "πορτοκαλί, κόκκινο, κίτρινο" εκφράζει όλη την ουσία της ζωγραφικής σήμανσης Rothko. Το αρχικό του κόστος στη δημοπρασία της Christie στη Νέα Υόρκη 35-45 εκατομμύρια δολάρια. Ένας άγνωστος αγοραστής προσέφερε μια τιμή δύο φορές ως υπέρβαση. Το όνομα του χαρούμενου ιδιοκτήτη ζωγραφικής, όπως συμβαίνει συχνά, δεν αποκαλύπτεται.

9

"Τρίπτυχο"

Συντάκτης

Φράνσις Μπέικον

Χώρα
Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια της ζωής 1909–1992
Στυλ εξπρεσιονισμός

Οι περιπέτειες του Francis Beckon, ένα πλήρες ομώνυμο και εκτός από έναν μακρύ απόγονο του μεγάλου φιλόσοφου, ξεκίνησε όταν ο Πατέρας τον παραιτηθεί, δεν μπορεί να δεχτεί τις ομοφυλοφιλικές τάσεις του Υιού. Ο Μπέικον πήγε πρώτα στο Βερολίνο, στη συνέχεια στο Παρίσι, και στη συνέχεια τα ίχνη του συγχέονται σε όλη την Ευρώπη. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, το έργο του εκτέθηκε σε κορυφαία πολιτιστικά κέντρα του κόσμου, μεταξύ των οποίων το μουσείο Guggenheim και η γκαλερί Tretyakov.

147,5х198 cm (το καθένα)
1976
Κόστος
$ 86,2 εκατομμύρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.

Τα διάσημα μουσεία προσπάθησαν να κατέχουν πίνακες της Bekon, αλλά το αρχικό αγγλικό κοινό δεν βιάζεται να επιβιώσει για την τέχνη αυτή. Ο θρυλικός πρωθυπουργός της British Margaret Thatcher μίλησε γι 'αυτόν: "Ένα άτομο που αντλεί αυτούς τους τρομακτικούς πίνακες".

Η περίοδος εκκίνησης στο έργο του, ο ίδιος ο καλλιτέχνης εξέτασε τον μεταπολεμικό χρόνο. Επιστρέφοντας από την υπηρεσία, έλαβε και πάλι ζωγραφική και δημιούργησε τα κύρια αριστουργήματα. Πριν από τη συμμετοχή του Triptych, το 1976 στη δημοπρασία του πιο ακριβού έργου μπέικον ήταν "Eterude στο πορτρέτο του Πάπα Innokentia X" (52,7 εκατομμύρια δολάρια). Στο Triptykh, το 1976, ο καλλιτέχνης απεικονίζει ένα μυθικό οικόπεδο της διώξεως της οργής ορεστέ. Φυσικά, ο ίδιος ο ίδιος είναι ο ίδιος ο Bacon, και ο Furi είναι το μαρτύριο του. Για περισσότερα από 30 χρόνια, η εικόνα ήταν στην ιδιωτική συλλογή και δεν συμμετείχε σε εκθέσεις. Το γεγονός αυτό το δίνει μια ειδική αξία και, κατά συνέπεια, αυξάνει το κόστος. Αλλά τι είναι μερικά εκατομμύρια για έναν γνώστη τέχνης, και ακόμη και στα ρωσικά γενναιόδωρα; Ο Ρωμαίος Abramovich άρχισε να δημιουργεί τη συλλογή του τη δεκαετία του 1990, η φίλη Dasha Zhukov τον επηρέασε σημαντικά, το οποίο έγινε μια μοντέρνα γκαλερί στη σύγχρονη Ρωσία. Σύμφωνα με ανεπίσημα δεδομένα, στην προσωπική ιδιοκτησία του επιχειρηματία, υπάρχουν έργα του Alberto Dzhacometti και του Pablo Picasso, αγόρασαν για ποσά που υπερβαίνουν τα 100 εκατομμύρια δολάρια. Το 2008, έγινε ιδιοκτήτης του Triptych. Με την ευκαιρία, το 2011 αποκτήθηκε μια άλλη πολύτιμη δουλειά του Bekon - "τρία σκίτσα στο πορτρέτο του Lucien Freud". Οι κρυφές πηγές λένε ότι ο Ρωμαίος Arkadyevich έγινε και πάλι ο αγοραστής.

10

"Λίμνη με νούφαρο"

Συντάκτης

Claude monet

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1840–1926
Στυλ ιμπρεσιονισμός

Ο καλλιτέχνης αναγνωρίζεται από τον πρόγονο του ιμπρεσιονισμού, "με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας" αυτή τη μέθοδο στις καμβά της. Η πρώτη σημαντική δουλειά ήταν η ζωγραφική "πρωινό στο γρασίδι" (η αρχική έκδοση του έργου του Edward Mane). Στη νεολαία του, ζωγράφισε καρικατούρες και μια πραγματική ζωγραφική ανέλαβε κατά τη διάρκεια των ταξιδιών του κατά μήκος της ακτής και σε εξωτερικούς χώρους. Στο Παρίσι, οδήγησε τον Bohemian Lifestyle και δεν τον άφησε ακόμη και μετά την υπηρεσία στο στρατό.

210x100 cm
1919 έτος
Κόστος
80,5 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Christie.

Εκτός από το γεγονός ότι ο Monet ήταν ένας σπουδαίος καλλιτέχνης, έλαβε επίσης ενθουσιασμό με την κηπουρική, λατρευμένη ζωντανή φύση και λουλούδια. Στα τοπία του, η κατάσταση της φύσης είναι ελαφρώς, αντικείμενα σαν να θολωθεί από την κίνηση του αέρα. Η εντύπωση ενισχύεται από μεγάλα κηλίδες, από μια ορισμένη απόσταση γίνονται ανεπαίσθητα και συγχωνεύονται σε μια υφή, τρισδιάστατη εικόνα. Στη ζωγραφική του καθυστερημένου γάμου, το θέμα του νερού και της ζωής σε αυτό καταλαμβάνει μια ειδική θέση. Στην πόλη της Γκβέρνης, ο καλλιτέχνης ήταν η δική του λίμνη, όπου μεγάλωσε η Πίτα από τους σπόρους, που έφερε ειδικά από την Ιαπωνία. Όταν τα λουλούδια τους ανθίζουν, έψαχνε να σχεδιάσει. Μια σειρά από "γλυκά" αποτελείται από 60 έργα που ο καλλιτέχνης έγραψε για σχεδόν 30 χρόνια μέχρι θανάτου. Το όραμά του έχει επιδεινωθεί με την ηλικία, αλλά δεν σταμάτησε. Ανάλογα με τον άνεμο, την εποχή του χρόνου και τον καιρό, η λίμνη έχει αλλάξει συνεχώς, αυτές οι αλλαγές ήθελαν να καταγράψουν το Monet. Μέσω διεξοδικά για αυτόν, η κατανόηση της ουσίας της φύσης ήρθε. Μερικά από τα κελύφη της σειράς αποθηκεύονται στις κορυφαίες γκαλερί του κόσμου: το Εθνικό Μουσείο της Δυτικής Τέχνης (Τόκιο), το πορτοκαλί (Παρίσι). Η έκδοση της επόμενης "λίμνης με το νούφαρο" πήγε στα χέρια ενός άγνωστου αγοραστή για ένα αρχείο ρεκόρ.

11

Ψεύτικο αστέρι Τ.

Συντάκτης

Jasper Jones

Χώρα ΗΠΑ
Ετος γέννησης 1930
Στυλ ποπ art

Το 1949, ο Jones εισήλθε στο σχολείο σχεδιασμού στη Νέα Υόρκη. Μαζί με τον Jackson Pollock, Willem de Cunning και άλλους, αναγνωρίζεται ως ένας από τους κύριους καλλιτέχνες του 20ού αιώνα. Το 2012 έλαβε το "προεδρικό μετάλλιο της ελευθερίας" - το υψηλότερο άμαχο βραβείο των Ηνωμένων Πολιτειών.

137.2х170,8 cm
1959
Κόστος
80 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
σχετικά με την ιδιωτική διαπραγμάτευση

Όπως η Μασσαλία Dushan, ο Jones εργάστηκε με πραγματικά αντικείμενα, τα οποία τους απεικονίζουν σε καμβά και σε γλυπτική σε πλήρη συμφωνία με το πρωτότυπο. Για το έργο τους, χρησιμοποίησε απλά και κατανοητά αντικείμενα: μπουκάλι μπύρας, σημαία ή κάρτα. Η ψευδή εικόνα εκκίνησης δεν έχει καμία σαφή σύνθεση. Ο καλλιτέχνης σαν να παίζει με το κοινό, συχνά "λάθος" που υπογράφει χρώματα στην εικόνα, στρέφοντας την έννοια του ίδιου του χρώματος: "Ήθελα να βρω έναν τρόπο να απεικονίσω το χρώμα έτσι ώστε να μπορεί να καθοριστεί από κάποια άλλη μέθοδο". Το πιο εκρηκτικό και "ανθεκτικό στον εαυτό του", σύμφωνα με τους κριτικούς, η εικόνα αποκτήθηκε από έναν άγνωστο αγοραστή.

12

"ΣυνεδρίασηΓυμνός στον καναπέ"

Συντάκτης

Amedeo modiganiani

Χώρα Ιταλία, Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1884–1920
Στυλ εξπρεσιονισμός

Το Moodigaliani συχνά άρρωστοι από την παιδική ηλικία, κατά τη διάρκεια μιας πυρετωδούς ανοησίας, αναγνώρισε τον σχεδιαστή του καλλιτέχνη. Σπούδασε ζωγραφική στο Λιβόρνο της Φλωρεντίας, της Βενετίας και το 1906 πήγε στο Παρίσι, όπου η τέχνη του άνθισε.

65x100 cm
1917 χρόνια
Κόστος
$ 68.962 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί Το έτος 2010
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το 1917, ο Modigliani συναντήθηκε το 19χρονο Jeanne Ebutern, ο οποίος έγινε το μοντέλο του, και στη συνέχεια η σύζυγός του. Το 2004, ένα από τα πορτρέτα της πωλήθηκε για $ 31,3 εκατομμύρια, τα οποία έγιναν το τελευταίο ρεκόρ πριν από την πώληση "συνεδρίαση γυμνό στον καναπέ" \u200b\u200bτο 2010. Η εικόνα απέκτησε έναν άγνωστο αγοραστή για το μέγιστο για το modigliani τη στιγμή της τιμής. Οι ενεργοί πωλήσεις εργασίας άρχισαν μόνο μετά το θάνατο του καλλιτέχνη. Πέθανε σε μια φτώχεια, άρρωστη φυματίωση και την επόμενη μέρα που διαπράχθηκε μαζί του και ο Zhanna Ebutern, ο οποίος έμεινε στον ένατο μήνα της εγκυμοσύνης.

13

"Αετός στο πεύκο"

Συντάκτης

Qi Bayshi.

Χώρα Κίνα
Χρόνια της ζωής 1864–1957
Στυλ Gokhua

Το ενδιαφέρον για την καλλιγραφία οδήγησε Qi Baisha στη ζωγραφική. Στην ηλικία των 28 ετών, έγινε φοιτητής του καλλιτέχνη HU Zinyuan. Το Υπουργείο Πολιτισμού της Κίνας του διέκοψε τον τίτλο του «μεγάλου καλλιτέχνη του κινεζικού λαού», το 1956 έλαβε ένα διεθνές βραβείο του κόσμου.

10x26 cm
1946
Κόστος
65,4 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Κίνα Guardian.

Ο Qi Bayshi ενδιαφέρεται για αυτές τις εκδηλώσεις του περιβάλλοντος κόσμου, το οποίο πολλοί δεν δίνουν αξίες και σε αυτό το μεγαλείο του. Ένας άνδρας χωρίς εκπαίδευση έγινε καθηγητής και ένας εξαιρετικός δημιουργός στην ιστορία. Ο Pablo Picasso μίλησε γι 'αυτόν: "Φοβάμαι να πάω στη χώρα σας, γιατί στην Κίνα υπάρχουν qi baisha". Η σύνθεση "αετός σε ένα πεύκο" αναγνωρίζεται ως το μεγαλύτερο έργο του καλλιτέχνη. Εκτός από τον καμβά, περιλαμβάνει δύο ιερογλυφικά κύλιση. Για την Κίνα, το ποσό για το οποίο αγοράστηκε η εργασία, αντιπροσωπεύει ένα αρχείο - 425,5 εκατομμύρια γιουάν. Μόνο ένας κύλισης ενός αρχαίου calligrapher Juan Tinjiang πωλήθηκε για 436,8 εκατομμύρια.

14

"1949-A-№1"

Συντάκτης

Clifford ακόμα

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1904–1980
Στυλ Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Στην ηλικία των 20 ετών επισκέφτηκα το Μητροπολιτικό Μουσείο στη Νέα Υόρκη και ήταν απογοητευμένος. Αργότερα, υπογράφηκε για την πορεία του φοιτητικού πρωταθλήματος των Τεχνών, αλλά άφησε 45 λεπτά μετά την έναρξη των τάξεων - αποδείχθηκε ότι δεν είναι "όχι". Η πρώτη προσωπική έκθεση προκάλεσε ένα συντονισμό, ο καλλιτέχνης βρήκε τον εαυτό του, και με αυτή την αναγνώριση

79x93 cm
1949 έτος
Κόστος
61,7 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's.

Όλα τα έργα τους, και αυτό είναι πάνω από 800 καμβά και 1600 έργα σε χαρτί, ο στυλίστας κέρδισε την αμερικανική πόλη, όπου θα ανοίξει το μουσείο του ονόματός του. Ο Ντένβερ έγινε μια τέτοια πόλη, αλλά μόνο η κατασκευή ήταν δαπανηρή στις αρχές, και για την ολοκλήρωσή της, τέσσερα έργα τέθηκαν σε δημοπρασία. Τα έργα της Stille είναι απίθανο να συμμετάσχουν στη δημοπρασία που προχώρησε ακόμα, η οποία προχώρησε την τιμή τους εκ των προτέρων. Η ζωγραφική "1949-A-No.1" πωλήθηκε για ένα αρχείο για τον καλλιτέχνη, αν και οι εμπειρογνώμονες πρόβλεψαν την πώληση 25-35 εκατομμυρίων δολαρίων.

15

"Suprematic composition"

Συντάκτης

Kazimir malevich

Χώρα Ρωσία
Χρόνια της ζωής 1878–1935
Στυλ Υπερεστισμός

Η Malevich έμαθε ζωγραφική στο σχολείο τέχνης Κίεβο, στη συνέχεια στη Μόσχα Ακαδημία Τεχνών. Το 1913 άρχισε να γράφει αφηρημένες γεωμετρικές ζωγραφιές με στυλ, το οποίο ονομάζεται υπερεκτισμός (από το LAT. "Κυριαρχία").

71x 88,5 cm
1916
Κόστος
60 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.

Στο αστικό μουσείο του Άμστερνταμ, η εικόνα διατηρήθηκε περίπου 50 ετών, αλλά μετά από μια 17χρονη διαμάχη με τους συγγενείς του Malevich, το μουσείο της έδωσε. Ο καλλιτέχνης έγραψε αυτή τη δουλειά σε ένα χρόνο με το "Manifesto of Suprematism", οπότε η Sotheby`s ανακοινώθηκε πριν από την προσφορά, δεν θα πάει στην ιδιωτική συλλογή σε μια ιδιωτική συλλογή. Ετσι κι εγινε. Είναι καλύτερο να το κοιτάξουμε: τα σχήματα στον καμβά μοιάζουν με την άποψη της γης από τον αέρα. Με την ευκαιρία, λίγα χρόνια νωρίτερα, οι ίδιοι συγγενείς απαλλοκοπικοί από το Μουσείο της MOMA μια άλλη "υπερμετρική σύνθεση" για να το πουλήσει στη δημοπρασία Phillips για 17 εκατομμύρια δολάρια.

16

"Πόρπες"

Συντάκτης

Paul Gajen

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1848–1903
Στυλ Ταχυδρομική ύλη

Μέχρι και επτά χρόνια, ο καλλιτέχνης έζησε στο Περού, τότε με την οικογένειά του επέστρεψε στη Γαλλία, αλλά οι αναμνήσεις των παιδιών τον έσπρωξαν συνεχώς να ταξιδεύουν. Στη Γαλλία, άρχισε να γράφει χρώματα, ήταν φίλοι με το Van Gogh. Πέρασε ακόμη και αρκετούς μήνες μαζί του στην Arles, μέχρι το Van Gogh κατά τη διάρκεια μιας διαμάχης να κόψει το αυτί του.

93,4х60,4 cm
1902 έτος
Κόστος
55 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2005
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το 1891, ο Gauguen διευθετείται να πουλήσει τους πίνακες του για να πάει βαθιά στο νησί της Ταϊτής στα αντίστροφα χρήματα. Εκεί δημιούργησε την εργασία στην οποία αισθάνεται η λεπτή σχέση της φύσης και του ανθρώπου. Το GOGEN έζησε σε μια καλύβα άχυρου και ένας τροπικός παράδεισος άνθισε στις καμβά του. Η σύζυγός του έγινε η 13χρονη Tahitiankah Teehra, η οποία δεν εμπόδισε τον καλλιτέχνη να συμμετάσχει με διαταραχές. Ασθένεια Σύφλεση, έφυγε για τη Γαλλία. Ωστόσο, η Mogen ήταν στενά και επέστρεψε στην Ταϊτή. Αυτή η περίοδος ονομάζεται "δεύτερος taitian" - τότε ήταν ότι η εικόνα των "swimsters" γράφτηκε, ένα από τα πιο πολυτελή στο έργο του.

17

"Νάρκισσος και τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ τόνους"

Συντάκτης

Henri Matisse

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1869–1954
Στυλ Φοβισόφ

Το 1889, ο Henri Matisse είχε επίθεση απόκενττιδα. Όταν ανακτήθηκε από τη λειτουργία, η μητέρα αγόρασε τα χρώματα. Αρχικά, η Matisse από την Boredom αντιγράφηκε χρωματικά καρτ ποστάλ, τότε - τα έργα των μεγάλων ζωγράφων, που είδε στο Λούβρο, και στις αρχές του 20ού αιώνα ήρθαν με ένα στυλ - σχηματισμό.

65.2x81 cm
1911
Κόστος
46,4 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2009
στη δημοπρασία Christie.

Η εικόνα "Νάρκισσος και τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ τόνους" για μεγάλο χρονικό διάστημα ανήκε στο Iva Saint-Laurent. Μετά το θάνατο του Kuturier, η όλη της συλλογή τέχνης έχει μετακομίσει στα χέρια του φίλου του και ο εραστής Pierre Berez, ο οποίος αποφάσισε να το θέσει στη δημοπρασία της Christie. Το μαργαριτάρι της συλλογής που πωλείται ήταν η ζωγραφική "Νάρκισσος και ένα τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ τόνους", γραμμένο σε ένα απλό τραπεζομάντιλο αντί για καμβά. Ως δείγμα της αχυρώνας, γεμίζει με έγχρωμη ενέργεια, τα χρώματα φαίνεται να εκραγούν και να φωνάζουν. Από τη διάσημη σειρά έργων ζωγραφικής που γράφτηκαν στο τραπεζομάντιλο, σήμερα αυτό το έργο είναι το μόνο, το οποίο βρίσκεται στην ιδιωτική συλλογή.

18

"Κοιμάται κορίτσι"

Συντάκτης

ΡομΨέμα

khtenstein

Χώρα ΗΠΑ
Χρόνια της ζωής 1923–1997
Στυλ ποπ art

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη Νέα Υόρκη και αποφοίτησε από το σχολείο, πήγε στο Οχάιο, όπου πήγε στα μαθήματα τέχνης. Το 1949, ο Λιχτενστάιν έλαβε ένα μεταπτυχιακό δίπλωμα σε κομψές τέχνες. Το ενδιαφέρον για τα κόμικς και η ικανότητα να σιδερώσουν τον καλλιτέχνη λατρείας του περασμένου αιώνα.

91x91 cm
1964
Κόστος
$ 44.882 εκατομμύρια
Πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Sotheby's.

Μια μέρα ένα τσίχλα χτύπησε το Λιχτενστάιν. Επαναλάσσει την εικόνα από την επένδυση στον καμβά και έγινε διάσημος. Σε αυτό το οικόπεδο από τη βιογραφία του, ολόκληρη η αποστολή ποπ τέχνης ολοκληρώνεται: η κατανάλωση είναι ένας νέος Θεός και στην καραμέλα από το Zhwachka όχι λιγότερο ομορφιά από ό, τι στο Mont Lisa. Οι πίνακές του μοιάζουν με κόμικς και κινούμενα σχέδια: Το Λιχτενστάιν απλώς αύξησε την τελειωμένη εικόνα, αντλώντας τα rasters, χρησιμοποιημένη εκτύπωση μεμβράνης και μεταξοτυπία. Η εικόνα "κοιμάται κορίτσι" ανήκε για σχεδόν 50 χρόνια στους συλλέκτες Beatris και Philip Pearrs, των οποίων οι κληρονόμοι το πωλήθηκαν σε δημοπρασία.

19

"Νίκη. Boogie woogie "

Συντάκτης

Πιτ Μονδικά

Χώρα Ολλανδία
Χρόνια της ζωής 1872–1944
Στυλ Νεοφισμός

Το πραγματικό του επώνυμο - Cornelis - ο καλλιτέχνης άλλαξε στο Mondrian, όταν το 1912 μετακόμισε στο Παρίσι. Μαζί με τον καλλιτέχνη Teo Vann Dusburg ίδρυσε το κίνημα "Nexousticism". Προς τιμήν της Mondrian, η γλώσσα Piet προγραμματισμού ονομάζεται.

27x127 cm
1944
Κόστος
40 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί Το 1998.
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το πιο "μουσικό" από τους καλλιτέχνες του 20ού αιώνα κέρδισε ζωντανό με ακουαρέλα ακόμα ζωφάβες, αν και έγινε διάσημος για έναν νεοπλασματικό καλλιτέχνη. Στις ΗΠΑ, μετακόμισε τη δεκαετία του 1940 και πέρασε εκεί το υπόλοιπο της ζωής. Jazz και Νέα Υόρκη - Αυτό τον ενέπνευσε περισσότερο! Εικόνα "Νίκη. Το Bogi-Vuy "είναι το καλύτερο παράδειγμα αυτού. Τα "επώνυμα" καθαρά τετράγωνα ελήφθησαν λόγω της χρήσης της κολλητικής ταινίας - του αγαπημένου υλικού του Mondrian. Στην Αμερική, ονομάστηκε "πιο διάσημος μετανάστης". Στη δεκαετία του εξήντα, ο Yves Saint Laurent κυκλοφόρησε τα Μονιακά φορέματα που είναι γνωστά σε ολόκληρο τον κόσμο με μια εκτύπωση σε ένα μεγάλο κύτταρο χρώματος.

20

"Σύνθεση αριθ. 5"

Συντάκτης

ΒασιλικόςΚανδινίνσκι

Χώρα Ρωσία
Χρόνια της ζωής 1866–1944
Στυλ avant-garde

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη Μόσχα και ο πατέρας του ήταν από τη Σιβηρία. Μετά την επανάσταση, προσπάθησε να συνεργαστεί με τη σοβιετική εξουσία, αλλά σύντομα συνειδητοποίησε ότι οι νόμοι του προλεταριάτου δεν δημιουργήθηκαν γι 'αυτόν και δεν μετανάστευσαν στη Γερμανία χωρίς δυσκολίες.

275x190 cm
1911
Κόστος
40 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2007.
στη δημοπρασία Sotheby's.

Kandinsky Ένα από τα πρώτα αρνήθηκε εντελώς το θέμα ζωγραφικής, για το οποίο έλαβε τον τίτλο της ιδιοφυΐας. Κατά τη διάρκεια του ναζισμού στη Γερμανία, οι πίνακές του αποδόθηκαν στην "εκφυλιστική τέχνη" και δεν έχουν εκδηλωθεί οπουδήποτε. Το 1939, η Kandinsky υιοθέτησε τη γαλλική ιθαγένεια, συμμετείχε στην καλλιτεχνική διαδικασία στο Παρίσι. Οι ζωγραφιές του "ήχοι", σαν τη φούγκα, τόσοι πολλοί κλήθηκαν "συνθέσεις" (η πρώτη γράφτηκε το 1910, το τελευταίο - το 1939). "Σύνθεση αριθ. 5" είναι ένα από τα κλειδιά που λειτουργεί σε αυτό το είδος: "Η λέξη" σύνθεση "ακούστηκε για μένα ως προσευχή", δήλωσε ο καλλιτέχνης. Σε αντίθεση με πολλούς οπαδούς, σχεδίαζε τι θα απεικονίζει σε έναν τεράστιο καμβά, σαν να έγραψε σημειώσεις.

21

"Eterude γυναίκες με μπλε χρώμα"

Συντάκτης

Fernian Leo

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1881–1955
Στυλ Cubism-Postressistrism

Ο Legeway έλαβε αρχιτεκτονική εκπαίδευση, και στη συνέχεια ήταν ακροατής της Σχολής Κομψών Τεχνών στο Παρίσι. Ο καλλιτέχνης θεωρείται ο οπαδός της Cezanna, ήταν απολογητής του κυβισμού και στον XX αιώνα ήταν επίσης επιτυχής ως γλύπτης.

96,5x129,5 cm
1912-1913 Έτος
Κόστος
39,2 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.

Ο David Norman, πρόεδρος του Διεθνούς Τμήματος Εμπρόσημο και ο Μοντερνισμός Sotheby`s, θεωρεί ένα τεράστιο ποσό που καταβάλλεται για την "κυρία με μπλε χρώμα", δικαιολογημένη. Η εικόνα ανήκει στη διάσημη συλλογή Lesion (ο καλλιτέχνης έγραψε τρεις φωτογραφίες σε ένα οικόπεδο, σε ιδιωτικά χέρια σήμερα - το τελευταίο. - ed. Ed.) Και η επιφάνεια του καμβά διατηρείται σε παρθένα. Ο ίδιος ο συγγραφέας έδωσε αυτή τη δουλειά στη γκαλερί του Der Sturm, τότε έπεσε στη συλλογή Hermann Lang, τους γερμανούς συλλέκτες του μοντερνισμού και τώρα ανήκει σε έναν άγνωστο αγοραστή.

22

"Σκηνή δρόμου. Βερολίνο"

Συντάκτης

Ernst ludwigKirchner

Χώρα Γερμανία
Χρόνια της ζωής 1880–1938
Στυλ εξπρεσιονισμός

Για τον γερμανικό εξπρεσιονισμό, ο Kirchner έγινε υπογράψει πρόσωπο. Ωστόσο, οι τοπικές αρχές τον κατηγόρησαν τη δέσμευση να «εκφυλιστική τέχνη», η οποία επηρέασε τραγικά τη μοίρα των ζωγραφικών του και στη ζωή του καλλιτέχνη που αυτοκτόνησε το 1938.

95x121 cm
1913 χρόνια
Κόστος
38.096 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Christie.

Μετά τη μετάβαση στο Βερολίνο, ο Kirchner δημιούργησε 11 σκίτσα σκηνών δρόμου. Ήταν εμπνευστείτε από την αναταραχή και τη νευρικότητα μιας μεγάλης πόλης. Στην ταινία που πωλείται το 2006 στη Νέα Υόρκη, μια ανησυχητική κατάσταση του καλλιτέχνη είναι ιδιαίτερα οξεία: οι άνθρωποι στο δρόμο του Βερολίνου μοιάζουν με τα πουλιά - κομψά και επικίνδυνα. Έγινε η τελευταία δουλειά από τη διάσημη σειρά που πωλείται στη δημοπρασία, τα υπόλοιπα αποθηκεύονται σε μουσεία. Το 1937, οι Ναζί ασχολήθηκαν σκληρά με τον Kirchner: 639 από τα έργα του αποσύρθηκαν από γερμανικές γκαλερί, καταστράφηκαν ή πωλούνται στο εξωτερικό. Ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε να επιβιώσει αυτό.

23

"Αναψυχήχορεύτρια"

Συντάκτης

Edgar degas

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1834–1917
Στυλ ιμπρεσιονισμός

Η ιστορία της DEGI ως καλλιτέχνη άρχισε με το γεγονός ότι εργάστηκε ως copywriter στο Λούβρο. Ονειρευόταν να γίνει "διάσημο και άγνωστο" και τελικά ήταν δυνατό. Στο τέλος της ζωής, οι κωφοί και οι Dazzle 80-year-old degas συνέχισαν να παρακολουθούν εκθέσεις και δημοπρασίες.

64x59 cm
1879 χρόνια
Κόστος
37.043 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's.

"Η μπαλαρίνα ήταν πάντα για μένα μόνο ένα πρόσχημα για να απεικονίσει τα υφάσματα και να αρπάξει την κίνηση", δήλωσε ο Degas. Οικόπεδα από τη ζωή των χορευτών σαν να είναι peeped: τα κορίτσια δεν δημοσιεύονται από έναν καλλιτέχνη, αλλά απλά γίνετε μέρος της ατμόσφαιρας που έπιασε μια ματιά στις Degas. Ο "χορευτής ανάπαυσης" πωλήθηκε για 28 εκατομμύρια δολάρια το 1999 και σε λιγότερο από 10 χρόνια το αγόρασαν για 37 εκατομμύρια - σήμερα είναι το πιο ακριβό έργο του καλλιτέχνη, που έβαλαν ποτέ δημοπρασία. Πολλή προσοχή δόθηκε στο Ramam, ο ίδιος τους σχεδίασε και τους απαγόρευσε. Αναρωτιέμαι τι είδους πλαίσιο είναι εγκατεστημένο σε μια φωτογραφία που πωλείται;

24

"Ζωγραφική"

Συντάκτης

Χουάν Miro

Χώρα Ισπανία
Χρόνια της ζωής 1893–1983
Στυλ αφηρημένη τέχνη

Κατά τη διάρκεια του εμφυλίου πολέμου στην Ισπανία, ο καλλιτέχνης βρισκόταν στην πλευρά των Ρεπουμπλικανών. Το 1937 έτρεξε από τη φασιστική δύναμη στο Παρίσι, όπου ζούσε σε μια φτώχεια με την οικογένειά του. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Miro γράφει την εικόνα "Βοήθεια Ισπανία!", Δίνοντας προσοχή σε ολόκληρο τον κόσμο στην κυριαρχία του φασισμού.

89x115 cm
1927 έτος
Κόστος
36,824 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το δεύτερο όνομα της εικόνας είναι το "μπλε αστέρι". Ο καλλιτέχνης το έγραψε την ίδια χρονιά όταν ανακοίνωσε: «Θέλω να σκοτώσω τη ζωγραφική» και ανελέω να κοροϊδεύουν τον καμβά, γρατσουνίζοντας το χρώμα με τα νύχια, κολλήσει στον καμβά των φτερών, που καλύπτει την εργασία με τα σκουπίδια. Ο στόχος του ήταν να καταστρέψουν τους μύθους για το μυστήριο της ζωγραφικής, αλλά, αντιμετώπιση αυτού, ο Miro δημιούργησε το δικό του μύθο - σουρεαλιστική αφαίρεση. Η "ζωγραφική" του αναφέρεται στον κύκλο της "snowstice". Στη δημοπρασία, τέσσερις αγοραστές αγωνίστηκαν γι 'αυτήν, αλλά ένα τηλεφωνικό incognito λύσει τη διαφορά και η "ζωγραφική" έγινε η πιο ακριβή εικόνα του καλλιτέχνη.

25

"Μπλε τριαντάφυλλο"

Συντάκτης

Yves klein

Χώρα Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1928–1962
Στυλ Μονόχρωμη ζωγραφική

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στην οικογένεια των ζωγράφων, αλλά σπούδασε ανατολίτικο, ναυτικούς, τις βιοτεχνίες του Golden Ram, Zen-Buddhism και πολλά. Η προσωπικότητά του και τα χαραγμένα κόλπα του ήταν μερικές φορές πιο ενδιαφέροντα σε μονόχρωμες ζωγραφιές.

153x199x16 cm
1960.
Κόστος
36.779 εκατομμύρια δολάρια
Που πωλούνται το 2012
Στη δημοπρασία της Christie

Η πρώτη έκθεση μονοφωνικών κίτρινων, πορτοκαλί, ροζ δουλειά δεν προκαλούσε ενδιαφέρον μεταξύ του κοινού. Ο Klein προσβάλλεται και την επόμενη φορά που παρουσίασα 11 πανομοιότυπα καμβά χρωματίστηκε με υπεριώδη ξεχώριστη με μια ειδική συνθετική ρητίνη. Μάναι με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας αυτή τη μέθοδο. Στην ιστορία, το χρώμα εισήλθε ως το "διεθνές μπλε χρώμα του Klein". Ένας άλλος καλλιτέχνης που πωλούσε την κενότητα, δημιούργησε εικόνες, αντικαθιστώντας το χαρτί για τη βροχή, που βρίσκεται στο χαρτόνι, κάνοντας τον καμβά του αποτυπώματος του ανθρώπινου σώματος. Σε μια λέξη, πειραματίζεται όπως μπορούσε. Για να δημιουργήσετε ένα "μπλε τριαντάφυλλο" που χρησιμοποιούνται ξηρές χρωστικές, ρητίνες, βότσαλα και φυσικό σφουγγάρι.

26

"Σε αναζήτηση του Μωυσή"

Συντάκτης

Sir Lawrence Alma Tadema

Χώρα Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια της ζωής 1836–1912
Στυλ Νεοκλασικότητα

Το πρόθεμα "Alma" στο επώνυμό του Sir Lawrence πρόσθεσε τον εαυτό του να είναι ο πρώτος στους καλλιτεχνικούς καταλόγους. Στη βικτοριανή Αγγλία, οι πίνακές του ισχυρίστηκαν έτσι ώστε ο καλλιτέχνης ανατέθηκε η ιππική τάξη.

213,4х136,7 cm
1902 έτος
Κόστος
35,922 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το κύριο θέμα της δημιουργικότητας του Alma Tadema ήταν η αρχαιότητα. Στις φωτογραφίες, προσπάθησε στις μικρότερες λεπτομέρειες να απεικονίσει την εποχή της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας, γι 'αυτό που ασχολείται ακόμη και σε αρχαιολογικές ανασκαφές στη χερσόνησο του Apenninsky και στο σπίτι του στο Λονδίνο αναπαράγεται το ιστορικό εσωτερικό των ετών. Τα μυθολογικά οικόπεδα έχουν γίνει μια άλλη πηγή έμπνευσης γι 'αυτόν. Ο καλλιτέχνης ήταν εξαιρετικά σε ζήτηση κατά τη διάρκεια της ζωής του, αλλά μετά το θάνατο γρήγορα ξέχασε. Τώρα το ενδιαφέρον ξαναγεννίζεται, ως το κόστος της εικόνας "στην αναζήτηση του Μωυσή", επτά φορές, που υπερβαίνει την εκτίμηση πριν από την πώληση.

27

"Πορτρέτο του ύπνου γυμνό επίσημο"

Συντάκτης

Lucien Freud.

Χώρα Γερμανία,
Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια της ζωής 1922–2011
Στυλ Εικονική ζωγραφική

Ο καλλιτέχνης είναι εγγονός Sigmund Freud, πατέρας ψυχανάλυσης. Μετά τη δημιουργία του φασισμού στη Γερμανία, η οικογένειά του μετανάστευσε στο Ηνωμένο Βασίλειο. Τα έργα του Freud βρίσκονται στο Μουσείο του Λονδίνου "Συνάντηση Wallace", όπου δεν εκτίθεται προηγουμένως σύγχρονος καλλιτέχνης.

219.1х151,4 cm
1995.
Κόστος
33,6 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Christie.

Ενώ οι καλλιτέχνες μόδας του 20ού αιώνα δημιούργησαν θετικούς "έγχρωμους λεκέδες στον τοίχο" και τους πώλησε για εκατομμύρια, ο Freud έγραψε εξαιρετικά φυσιολογικούς πίνακες και τους πώλησε ακόμα πιο ακριβό. "Καταγράφω τις φωνές της ψυχής και υποφέρουν από τη σάρκα ξεθωριασμού", είπε. Οι κριτικοί πιστεύουν ότι όλη αυτή η "κληρονομιά" Sigmund Freud. Οι πίνακες εκτέθηκαν τόσο ενεργά και πωλούσαν επιτυχώς ότι οι ειδικοί είχαν αμφιβολία: Έχουν υπνωτικές ιδιότητες; Το "πορτρέτο του ύπνου γυμνό επίσημη", σύμφωνα με την ηλιοθεραπεία, απέκτησε γνώση του πανέμορφου και δισεκατομμυριούχου Ρωμαϊκή Αμπράμιτς.

28

"Βιολί και κιθάρα"

Συντάκτης

Η.uan gras.

Χώρα Ισπανία
Χρόνια της ζωής 1887–1927
Στυλ κυβισμός

Γεννήθηκε στη Μαδρίτη, όπου αποφοίτησε από τη σχολική τέχνη και τη βιοτεχνία. Το 1906 μετακόμισε στο Παρίσι και εισήλθε στον κύκλο των πιο σημαντικών καλλιτεχνών της εποχής: Πικάσο, Modigliani, γάμο, Matisse, Lyzh, επίσης συνεργάστηκε με τον Σεργκέι Dyagilev και το τεμάχιο του.

5x100 cm
1913 χρόνια
Κόστος
$ 28.642 εκατομμύρια
Πωληθεί Το έτος 2010
στη δημοπρασία Christie.

Ο Γκρί, σύμφωνα με τα δικά του λόγια, ασχολήθηκε με "αεροπλάνο, έγχρωμη αρχιτεκτονική". Οι πίνακές του σκέφτονται με ακρίβεια: Δεν άφησε ένα μόνο τυχαίο επίχρισμα, το οποίο σχετίζεται με τη δημιουργικότητα με τη γεωμετρία. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε την έκδοση του κυβισμού, αν και ο Pablo Picasso, ο ιδρυτής της κατεύθυνσης πολύ σεβαστός. Ο διάδοχος ήταν ακόμη αφιερωμένος σε αυτόν την πρώτη δουλειά του στο ύφος του κυβισμού «αφιέρωμα στον Πικάσο». Η ζωγραφική "βιολί και κιθάρα" αναγνωρίζεται ως εξαιρετική στο έργο του καλλιτέχνη. Κατά τη διάρκεια της ζωής, ο Γκς ήταν γνωστός, κλινικά επικριτές και ιστορικούς τέχνης. Τα έργα του εκτίθενται στα μεγαλύτερα μουσεία του κόσμου, που αποθηκεύονται σε ιδιωτικές συλλογές.

29

"ΠορτρέτοΠεδία elouar »

Συντάκτης

Σαλβαδόρ Νταλί

Χώρα Ισπανία
Χρόνια της ζωής 1904–1989
Στυλ σουρεαλισμός

"Ο σουρεαλισμός είναι εγώ", δήλωσε ο Ντάλι, όταν αποκλείστηκε από την ομάδα των σουρεαλιστών. Με την πάροδο του χρόνου, έγινε ο πιο διάσημος σουρεαλιστικός καλλιτέχνης. Η δημιουργικότητα δόθηκε παντού και όχι μόνο στις γκαλερί. Για παράδειγμα, ήρθε με μια συσκευασία για chupa-chupa.

25x33 cm
1929 έτος
Κόστος
20,6 εκατομμύρια δολάρια
Πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's.

Το 1929, επισκεφθείτε το μεγάλο προκλητή και ο σκανδαλιστής Dali ήρθε ο ποιητής Paul Eluro με τη ρωσική σύζυγό του Galo. Η συνάντηση ήταν η αρχή της ιστορίας της αγάπης που διήρκεσε περισσότερο από μισό αιώνα. Η εικόνα "Πορτρέτο του πεδίου Eloire" γράφεται μόνο κατά τη διάρκεια αυτής της ιστορικής επίσκεψης. "Ένιωσα ότι χρεώθηκα για ένα καθήκον να συλλάβει το πρόσωπο του ποιητή, με τον Ολύμπο του οποίου απνήνω ένα από τη μουσική", δήλωσε ο καλλιτέχνης. Πριν γνωρίσετε με το Galo, ήταν παρθένο και έμπειρο αηδία με σκέψη για σεξ με μια γυναίκα. Το τρίγωνο αγάπης υπήρχε πριν από το θάνατο του ελούαρ, μετά από το οποίο έγινε ένα ντουέτο Dali Gala.

30

"Επέτειος"

Συντάκτης

Σημάδι shagal

Χώρα Ρωσία, Γαλλία
Χρόνια της ζωής 1887–1985
Στυλ Avangard

Ο Moisha Segal γεννήθηκε στο Vitebsk, αλλά το 1910 μετανάστευσε στο Παρίσι, αντικατέστησε το όνομα, έγινε κοντά στους κορυφαίους πρωτοπορικούς της εποχής. Στη δεκαετία του 1930, όταν καταγράφουν τις αρχές, οι φασίστες πήγαν στις Ηνωμένες Πολιτείες με τη βοήθεια του Αμερικανικού Προξενείου. Επέστρεψε στη Γαλλία μόνο το 1948.

80x103 cm
1923
Κόστος
14,85 εκατομμύρια δολάρια
Που πωλούνται το 1990
στη δημοπρασία του Sotheby

Η εικόνα "επετείου" αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα έργα του καλλιτέχνη. Έχει όλα τα χαρακτηριστικά της δημιουργικότητάς του: οι φυσικοί νόμοι του κόσμου έχουν διαγράψει, η αίσθηση των παραμυθιών στο τοπίο της ζωής του Meshchansky παραμένει, και στο κέντρο του οικόπεδο - αγάπη. Ο Chagall δεν σχεδίασε ανθρώπους από τη φύση, αλλά μόνο στη μνήμη ή τη φαντασία. Στην εικόνα "επέτειος" που συλλαμβάνεται από τον καλλιτέχνη με τη σύζυγό του Bel. Η εικόνα πωλήθηκε το 1990 και από τότε δεν συμμετείχε στη δημοπρασία. Είναι ενδιαφέρον ότι στο Νέα Υόρκη Moma Museum Moma είναι απολύτως το ίδιο, μόνο που ονομάζεται "γενέθλια". Με την ευκαιρία, γράφτηκε πριν - το 1915.

Έργο προετοιμασμένο
Tatyana Palaceov
Βαθμολογία που αποτελείται από
Με τη λίστα www.art-spb.ru.
Περιοδικό TMN №13. (Μάιος-Ιούνιος 2013)

"Ο νέος κόσμος γεννήθηκε όταν οι ιμπρεσιονιστές το έγραψαν"

Henri Canyiler

XIX αιώνα. Γαλλία. Στη ζωγραφική συνέβη πρωτοφανής. Μια ομάδα νέων καλλιτεχνών αποφάσισε να κλονίσει μια 500χρονη παράδοση. Αντί για ένα σαφές σχέδιο, χρησιμοποίησαν ένα ευρύ "απρόσεκτο" επίχρισμα.

Και από τις συνήθεις εικόνες και εγκαταλείφθηκε, απεικονίζοντας όλα στη σειρά. Και τις κυρίες της συμπεριφοράς του πνεύμονα και τους άρχοντες της αμφίβολης φήμης.

Το κοινό δεν ήταν έτοιμο για τη ζωγραφική των ιμπρεσιονιστών. Ήταν γελοιοποιημένοι, έμπειροι. Και το πιο σημαντικό, δεν αγόρασαν τίποτα.

Αλλά η αντίσταση ήταν σπασμένη. Και μερικοί ιμπρεσιονιστές έζησαν στο θρίαμβο τους. Είναι αλήθεια ότι ήταν ήδη σε 40. Όπως ο Claude Monet ή Auguste Renuar. Άλλοι περίμεναν αναγνώριση μόνο στο τέλος της ζωής ως Camille Pissarro. Κάποιος μπροστά του δεν ζούσε ως Alfred Sisley.

Ποιο είναι το επαναστατικό που διαπράττεται καθένα από αυτά; Γιατί δεν τα δέχτηκε το κοινό για τόσο πολύ καιρό; Εδώ είναι οι 7 πιο διάσημοι γαλλικοί ιμπρεσιονιστές που γνωρίζουν ολόκληρο τον κόσμο.

1. Eduard Mana (1832-1883)

Eduard Mana. Αυτοπροσωπογραφία με παλέτα. 1878 ιδιωτική συλλογή

Η Mana ήταν παλαιότερη από τους περισσότερους ιμπρεσιονιστές. Ήταν ο κύριος εμπνευσμένος τους.

Ο ίδιος ο Mana για το ρόλο του ηγέτη των επαναστατών δεν ισχυριζόταν. Ήταν ένας κοσμικός άνθρωπος. Ονειρευόταν επίσημα βραβεία.

Αλλά περιμένει την αναγνώριση για πολύ καιρό. Το κοινό θέλησε να δει τις ελληνικές θεές ή να ζει ακόμα στο χειρότερο άκρο, να κοίταξε όμορφα στην τραπεζαρία. Η Mane ήθελε να γράψει τη σύγχρονη ζωή. Για παράδειγμα, οι κουρτίνες.

Ως αποτέλεσμα, εμφανίστηκε "πρωινό στο γρασίδι". Δύο dandies ξεκουράζονται στην κοινωνία κυρίες της φωτεινής συμπεριφοράς. Ένα από αυτά όπως τίποτα δεν κάθεται δίπλα στους ντυμένοι άνδρες.

Eduard Mana. Πρωινό στο γρασίδι. 1863, Παρίσι

Συγκρίνετε το "πρωινό στο γρασίδι" με το έργο του Tom Couture "Ρωμαίους κατά τη διάρκεια μιας παρακμής." Η ζωγραφική Couture παρήγαγε μια φούρνος. Ο καλλιτέχνης έγινε αμέσως διάσημος.

"Το πρωινό στο γρασίδι" κατηγορήθηκε για χυδαιότητα. Η έγκυος δεν συστήθηκε απολύτως σοβαρά να το παρακολουθήσει.

Tom Kutur. Ρωμαίους της εποχής της παρακμής. 1847 Μουσείο D'Ors, Παρίσι. Artchive.ru.

Στην εικόνα της Couture, βλέπουμε όλα τα χαρακτηριστικά του ακαδημαϊκού (παραδοσιακή ζωγραφική των αιώνων XVI-XIX). Στήλες και αγάλματα. Άνθρωποι Apollo Εμφάνιση. Παραδοσιακά χρώματα. Η πορεία θέτει και χειρονομίες. Το οικόπεδο από την μακρινή ζωή ενός εντελώς διαφορετικού λαού.

"Πρωινό στο γρασίδι" Η Mana είναι μια άλλη μορφή. Πριν από αυτόν, κανείς δεν απεικονίζει τις κουρτίνες όπως αυτό. Δίπλα σε σεβαστούς πολίτες. Αν και πολλοί άνδρες της εποχής έχουν περάσει τον ελεύθερο χρόνο τους. Ήταν η πραγματική ζωή των πραγματικών ανθρώπων.

Μόλις απεψυχήθηκα μια σεβαστή κυρία. Ασχημος. Δεν μπορούσε να κολακεύει με ένα πινέλο. Η κυρία ήταν απογοητευμένη. Πήγα από αυτόν σε δάκρυα.

Eduard Mana. Αγγελίνα. 1860 Μουσείο D'Ors, Παρίσι. Wikimedia.commons.org.

Ως εκ τούτου, συνέχισε να πειραματιστεί. Για παράδειγμα, με χρώμα. Δεν προσπάθησε να απεικονίσει τη λεγόμενη φυσική γεύση. Εάν το γκρίζο-καστανό νερό του φαίνεται φωτεινό μπλε, απεικόνισε επίσης το φωτεινό της μπλε.

Αυτό, φυσικά, ενοχλούσε το κοινό. "Μετά από όλα, ακόμη και η Μεσόγειος Θάλασσα δεν μπορεί να καυχηθεί από ένα τόσο μπλε όπως ο άνθρωπος του νερού." - Yazvili αυτοί.

Eduard Mana. Arzhante. 1874 Μουσείο Καλών Τεχνών, Περιήγηση, Βέλγιο. Wikipedia.org.

Αλλά το γεγονός παραμένει ένα γεγονός. Η Mana στο κτήμα άλλαξε το σκοπό της ζωγραφικής. Η εικόνα έγινε μια ενσωμάτωση της ατομικότητας του καλλιτέχνη, ο οποίος γράφει όπως ευχαριστεί. Ξεχνώντας τα πρότυπα και τις παραδόσεις.

Ο Namationut δεν τον συγχωρεί για μεγάλο χρονικό διάστημα. Οι αναγνώσεις περίμεναν μόνο στο τέλος της ζωής. Αλλά δεν ήταν ήδη απαραίτητο. Οδυνηθεί οδυνηρά από την ανίατη ασθένεια.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Αυτοπροσωπογραφία στη λήψη. 1886 ιδιωτική συλλογή

Το Claude Monet μπορεί να ονομάζεται Impressionist για εγχειρίδιο. Δεδομένου ότι ήταν πιστός σε αυτόν τον τομέα όλη τη μακρά ζωή του.

Έγραψε όχι αντικείμενα και ανθρώπους, αλλά ένας έγχρωμος σχεδιασμός της λάμψης και των κηλίδων. Ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια. Αέρα κούνημα.

Claude Monet. Paddling πισίνα. 1869 Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη. Metmuseum.org.

Ο Monet έγραψε όχι μόνο τη φύση. Διαχειριζόταν και τα τοπία της πόλης. Ένα από τα πιο διάσημα -.

Σε αυτή την εικόνα υπάρχουν πολλά από τη φωτογραφία. Για παράδειγμα, η κίνηση μεταδίδεται χρησιμοποιώντας θολή εικόνα.

Σημείωση: Τα δέντρα και οι φιγούρες μεγάλης εμβέλειας είναι σαν να βρίσκονται στον καπνό.

Claude Monet. Kapuchin Boulevard στο Παρίσι. 1873 (Πινακοθήκη της Ευρώπης και Αμερικής 19-20 VZ.), Μόσχα

Πριν από εμάς είναι μια στάση της ταχείας ζωής του Παρισιού. Καμία ευελιξία. Κανείς δεν θέτει. Οι άνθρωποι απεικονίζονται ως ένα σύνολο των επιχρισμάτων. Μια τέτοια ανοσία και η επίδραση του "πλαισίου στάσης" είναι το κύριο χαρακτηριστικό του ιμπρεσιονισμού.

Μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του '80, οι καλλιτέχνες ήταν απογοητευμένοι από τον ιμπρεσιονισμό. Η αισθητική είναι, φυσικά, καλά. Αλλά η ασυνέπεια πολλών καταπιεσμένων.

Μόνο ο Monet συνέχισε να επιμείνει, ο υπερτροφισμός ιμπρεσιονισμός. Μετατράπηκε σε μια σειρά έργων ζωγραφικής.

Το ίδιο τοπίο που απεικονίζει δεκάδες φορές. Σε διαφορετικούς χρόνους της ημέρας. Σε διαφορετικούς χρόνους του έτους. Για να δείξετε πόση θερμοκρασία και το φως μπορεί να αλλάξει την ίδια εμφάνιση πέρα \u200b\u200bαπό την αναγνώριση.

Έτσι υπήρχαν αμέτρητες στοίβες σανού.

Εικόνες του Claude Monet στο Μουσείο Καλών Τεχνών στη Βοστώνη. Αριστερά: Hay Stacks κατά το ηλιοβασίλεμα στο Zhiverny, 1891 στα δεξιά: Μια στοίβα σανού (επίδραση χιονιού), 1891

Παρακαλείστε να σημειώσετε ότι οι σκιές σε αυτές τις εικόνες είναι χρωματισμένες. Και όχι γκρι ή μαύρο, όπως ήταν συνηθισμένο σε ιμπρεσιονιστές. Αυτή είναι μια άλλη εφεύρεση τους.

Ο Monet κατόρθωσε να απολαύσει την επιτυχία και την ευημερία των υλικών. Μετά από 40, ξέχασε ήδη για τη φτώχεια. Έχεις ένα σπίτι και ένα όμορφο κήπο. Και για μεγάλο χρονικό διάστημα πέρασε για πολλά χρόνια.

Σχετικά με την πιο πινακίδα του Master Διαβάστε στο άρθρο

3. Αύγουστο Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Αυτοπροσωπογραφία. 1875 Ινστιτούτο Τέχνης Sterling και Francin Clark, Μασαχουσέτη, ΗΠΑ. Pinterest.ru.

Ο ιμπρεσιονισμός είναι η πιο θετική ζωγραφική. Και το πιο θετικό μεταξύ των ιμπρεσιονιστών ήταν η Renoir.

Στους πίνακους του, δεν θα βρείτε δράματα. Ακόμα και το μαύρο χρώμα που δεν χρησιμοποίησε. Μόνο η χαρά της ύπαρξης. Ακόμα και το πιο κοινό Renoire φαίνεται όμορφη.

Σε αντίθεση με το Monet, η Renoir έγραψε τους ανθρώπους πιο συχνά. Τα τοπία γι 'αυτόν ήταν λιγότερο σημαντικές. Οι εικόνες ξεκουράζονται και απολαμβάνουν τη ζωή των φίλων και των γνωστών του.

Pierre-Auguste Renoir. Πρωινό κωπηλάτες. 1880-1881 Συλλογή Phillips, Ουάσιγκτον, ΗΠΑ. Wikimedia.commons.org.

Δεν μπορείτε να βρείτε Renoara και βαθιά. Ήταν πολύ χαρούμενος που ένωσε τους ιμπρεσιονιστές που ήταν μολυσμένοι από οικόπεδα.

Όπως είπε ο ίδιος, τελικά έχει την ευκαιρία να γράψει λουλούδια και να τους καλέσει απλά "λουλούδια". Και μην εφεύρουν τις ιστορίες γι 'αυτούς.

Pierre-Auguste Renoir. Γυναίκα με ομπρέλα στον κήπο. 1875 Μουσείο Tissen-Burnis, Μαδρίτη. Arteuam.com.

Το καλύτερο Renoir αισθάνθηκε στην κοινωνία των γυναικών. Ζήτησε από την καμαριέρα του να τραγουδήσει και να αστείο. Το πιο ηλίθιο και το τραγούδι ήταν πιο αφελές, τόσο το καλύτερο γι 'αυτόν. Και η κουβέρτα των ανδρών ήταν κουρασμένη. Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι η Renoir είναι διάσημη για τα γυμνά πανιά.

Το μοντέλο στην εικόνα "γυμνή στο φως του ήλιου" σαν να εκδηλώνεται σε ένα πολύχρωμο αφηρημένο φόντο. Επειδή δεν υπάρχει τίποτα μικρό για την Renuara. Το μάτι του μοντέλου ή του τμήματος πίσω φόντου είναι ισοδύναμο.

Pierre-Auguste Renoir. Γυμνό στο φως του ήλιου. 1876 \u200b\u200bΜουσείο D'Orsov, Παρίσι. wikimedia.commons.org.

Η Renoir έζησε μια μακρά ζωή. Και ποτέ δεν σβήνουν τη βούρτσα και την παλέτα. Ακόμα και όταν τα χέρια του τροφοδοτούνται εντελώς ρευματισμοί, έδεσε ένα πινέλο στο χέρι του με ένα σχοινί. Και ζωγραφισμένα.

Όπως το Monte, περίμενε την αναγνώριση μετά από 40 χρόνια. Και είδε τις ζωγραφιές του στο Λούβρο, δίπλα στα έργα των διάσημων πλοιάρχων.

Περίπου ένα από τα πιο γοητευτικά πορτρέτα της Renuara που διαβάζονται στο άρθρο

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Αυτοπροσωπογραφία. 1863 Μουσείο Galust Gulbenkyan, Λισαβόνα, Πορτογαλία. Cultured.com.

Η DEGI δεν ήταν κλασικός ιμπρεσιονιστής. Δεν ήθελε να εργαστεί στο αιχμάλωτο (σε εξωτερικούς χώρους). Δεν θα βρει μια σκόπιμη παλέτα.

Αντίθετα, αγαπούσε μια σαφή γραμμή. Έχει ένα μαύρο χρώμα. Και εργάστηκε αποκλειστικά στο στούντιο.

Αλλά εξακολουθεί να είναι πάντα σε μια σειρά με άλλους μεγάλους ιμπρεσιονιστές. Επειδή ήταν μια ιμπρεσιονιστική χειρονομία.

Απροσδόκητες προοπτικές. Ασυμμετρία στη θέση των αντικειμένων. Ραγισμένα χαρακτήρες έκπληξης. Εδώ είναι τα κύρια χαρακτηριστικά των έργων ζωγραφικής του.

Σταμάτησε τις στιγμές της ζωής χωρίς να δίνει τους χαρακτήρες να έρθουν στις αισθήσεις του. Κοιτάξτε τουλάχιστον στην "Opera Orchestra" του.

Edgar Degas. Όπερα Ορχήστρα. 1870 Μουσείο D'Ors, Παρίσι. Commons.wikimedia.org.

Στο προσκήνιο, το πίσω μέρος της καρέκλας. Μουσικός για μας πίσω. Και στο πίσω φόντο, η μπαλαρίνα στη σκηνή δεν ταιριάζει στο "πλαίσιο". Τα κεφάλια τους είναι ανελέητα "περιτομή" την άκρη των έργων ζωγραφικής.

Έτσι, οι χορευτές τους αγαπούσαν ποτέ δεν απεικονίζονται πάντα σε όμορφες πόζες. Μερικές φορές κάνουν ένα τέντωμα.

Αλλά αυτός ο αυτοσχεδιασμός είναι μειωμένος. Φυσικά, η Dega σκεπτόσε προσεκτικά τη σύνθεση. Αυτό είναι μόνο το αποτέλεσμα ενός πλαισίου στάσης και όχι ένα πραγματικό πλαίσιο ποδιών.

Edgar Degas. Δύο χορευτές μπαλέτου. 1879 Μουσείο Σημπούρνο, Βερμούτ, ΗΠΑ

Ο Edgar Degas αγάπησε να γράψει τις γυναίκες. Αλλά η ασθένεια ή τα χαρακτηριστικά του σώματος δεν τον επέτρεπε να έχει φυσική επαφή μαζί τους. Δεν παντρεύτηκε ποτέ. Κανείς δεν τον είδε ποτέ με την κυρία.

Η έλλειψη πραγματικών οικόπεδων στην προσωπική του ζωή πρόσθεσε μια λεπτή και έντονη ερωτικότητα στις εικόνες του.

Edgar Degas. Αστέρι μπαλέτου. 1876-1878 Μουσείο D'Ors, Παρίσι. wikimedia.coms.org.

Παρακαλείστε να σημειώσετε ότι μόνο η ίδια η μπαλαρίνα σχεδιάζεται στην εικόνα "Ballet Star". Οι συνάδελφοί της πίσω από τις σκηνές μόλις διακρίνονται. Είναι μερικά πόδια.

Αυτό δεν σημαίνει ότι η DEGA δεν ολοκλήρωσε την εικόνα. Αυτή είναι η λήψη. Αφήστε να εστιάσετε μόνο το πιο σημαντικό πράγμα. Το υπόλοιπο να εξαφανιστεί, δυσανάγνωστο.

Για άλλους πίνακες του κύριου διαβάσει στο άρθρο

5. Berta Morizo \u200b\u200b(1841-1895)

Eduard Mana. Πορτρέτο της Berth Morizo. 1873 Μουσείο Maroton Monet, Παρίσι.

Ο Bert Morizo \u200b\u200bσπάνια έβαλε στην πρώτη σειρά μεγάλων ιμπρεσιονιστών. Είμαι βέβαιος ότι είναι ανεπιθύμητη. Απλά έχετε όλα τα κύρια χαρακτηριστικά και τις τεχνικές του ιμπρεσιονισμού. Και αν σας αρέσει αυτό το στυλ, αγαπάτε το έργο της με όλη την ψυχή.

Ο Morizo \u200b\u200bεργάστηκε γρήγορα και ώθησε, μετατοπίζοντας την εντύπωση του στον καμβά. Στοιχεία όπως πρόκειται να διαλυθούν στο διάστημα.

Bert morizo. Καλοκαίρι. 1880 Μουσείο Famon, Montpellier, Γαλλία.

Όπως μια DEGI, συχνά δεν διδάσκει κάποιες λεπτομέρειες. Και ακόμη και τμήματα του μοντέλου σώματος. Δεν μπορούμε να διακρίνουμε μεταξύ των κοριτσιών στην εικόνα "καλοκαίρι".

Η διαδρομή για την αυτο-έκφραση στο Morizo \u200b\u200bήταν δύσκολη. Όχι μόνο είχε ασχοληθεί με μια "απρόσεκτη" ζωγραφική. Ήταν ακόμα μια γυναίκα. Εκείνη την εποχή, η κυρία έπρεπε να ονειρεύεται το γάμο. Μετά από αυτό, οποιοδήποτε χόμπι ξεχάστηκε.

Ως εκ τούτου, η Berta έχει μακρά αρμόδια γάμο. Μέχρι να βρω έναν άνθρωπο που πήρα με σεβασμό το μάθημά της. Ο Eugene Mana ήταν ο εγγενής αδελφός του του καλλιτέχνη Eduard Man. Υπέρει ότι φορούσε ένα καβαλέτο και το χρώμα.

Bert morizo. Ο Eugene Mane με την κόρη της στο Buhval. 1881 Μουσείο Maroton Monet, Παρίσι.

Αλλά η περίπτωση ήταν στο XIX αιώνα. Όχι, τα παντελόνια του Morizo \u200b\u200bδεν φορούσαν. Αλλά δεν μπορούσε να προσφέρει πλήρη ελευθερία κίνησης.

Δεν μπορούσε να πάει στο πάρκο για να δουλέψει μόνος του, ασυνήθιστο από κάποιον από τους αγαπημένους. Δεν μπορούσε να καθίσει μόνος στο καφενείο. Ως εκ τούτου, οι πίνακές του είναι άνθρωποι από τον οικογενειακό κύκλο. Σύζυγος, κόρη, συγγενείς, νταντά.

Bert morizo. Γυναίκα με ένα παιδί στον κήπο στην αποθήκη. 1881 Εθνικό Μουσείο της Ουαλίας, Κάρντιφ.

Η αναγνώριση του Morizo \u200b\u200bδεν περίμενε. Πέθανε σε 54 χρόνια από τη φλεγμονή των πνευμόνων, σχεδόν κανείς δεν λειτουργεί στη ζωή. Στη μαρτυρία της θανάτου στη στήλη στη στήλη "τάξεις ράβδων" στάθηκαν ένα χαντάκι. Ήταν αδιανόητο σε μια γυναίκα που ονομάζεται καλλιτέχνης. Ακόμα κι αν ήταν πραγματικά.

Σχετικά με τους πίνακες του Master Διαβάστε στο άρθρο

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille pissarro. Αυτοπροσωπογραφία. 1873 Μουσείο D'Ors, Παρίσι. Wikipedia.org.

Camille pissarro. Μη σύγκρουση, εύλογη. Πολλοί άνθρωποι που αντιλαμβάνονται ως δάσκαλοι. Ακόμα και οι πιο ιδιοσυγκρασιακοί συνάδελφοι για το Pissarro δεν μιλούσαν άσχημα.

Ήταν ένας πιστός οπαδός του ιμπρεσιονισμού. Χρειάζεται έντονα, έχοντας μια γυναίκα και πέντε παιδιά, εξακολουθεί να εργάζεται σκληρά στο αγαπημένο του στυλ. Και ποτέ δεν μετατράπηκε στη ζωγραφική σαλόνι για να γίνει πιο δημοφιλής. Δεν είναι γνωστό πού πήρε τη δύναμη να πιστέψει στον εαυτό του.

Για να μην πεθάνουν καθόλου με την πείνα, το Pisserro ζωγράφισε έναν ανεμιστήρα, το οποίο θα ήταν ευτυχισμένο. Και αυτή η αναγνώριση ήρθε μετά από 60 χρόνια! Τότε τελικά ήταν σε θέση να ξεχάσει την ανάγκη.

Camille pissarro. Επιμέλεια στο Luvezienne. 1869 Μουσείο D'Ors, Παρίσι

Αέρα σε πίνακες pissarro πάχους και πυκνό. Ασυνήθιστο κράμα χρώματος και όγκου.

Ο καλλιτέχνης δεν φοβόταν να γράψει τα πιο μεταβλητά φαινόμενα της φύσης, τα οποία εμφανίζονται για μια στιγμή και εξαφανίζονται. Πρώτο χιόνι, παγωμένος ήλιος, μεγάλες σκιές.

Camille pissarro. Παγωνιά. 1873 Μουσείο D'Orsov, Παρίσι

Τα πιο διάσημα έργα του είναι τα είδη του Παρισιού. Με μεγάλες λεωφόρους, ένα πλήθος Bay Motley. Τη νύχτα, το απόγευμα, σε διαφορετικό καιρό. Κάτι που αντλείται με τη σειρά εικόνων του Claude Monet.

Η γαλλική ζωγραφική της 19ης έως τις αρχές του 20ου αιώνα αντιπροσωπεύεται από περίπου 850 αντικείμενα. Χρονικά, αυτή η ενότητα αρχίζει με έργα καλλιτεχνών από τα τέλη του 18ου και αρχές του 19ου αιώνα, των οποίων οι συνεισφορές στην ιστορία της τέχνης ποικίλλουν σε μεγάλο βαθμό, αλλά των οποίων τα έργα ενσωματώνουν τις καλλιτεχνικές φιλοδοξίες της ηλικίας: Lethiere, Lefebre, Caraffe, C. Vernet, Girodet, C. Vernet, Girodet, Π. Chauvin, καλλιτέχνες που ήταν πολύ δημοφιλείς κατά τη διάρκεια της αυτοκρατορίας, όπως ο Guerin, ο F. Gerard και άλλοι.

Κάθε ένας από τους πιο εορτασμένους δασκάλους εκπροσωπείται εδώ: ο Δαβίδ από το υπέροχο του Σαπφώ και Φαών.(1809), Gros Ναπολέων στη γέφυρα στο Arcole (Περίπου 1797), INGRES Πορτρέτο του Count Guriev (1821), Delacroix, το πιο λαμπρό των γαλλικών ρομαντικών καλλιτεχνών, από δύο καμβά: Μαροκινή Saddling ένα άλογο (1855) και Lion Hunt στο Μαρόκο (1854).

Η συλλογή Hermitage παρέχει μια καλή επισκόπηση της Σχολής Barbizon, μια ομάδα καλλιτεχνών που εγκαταστάθηκαν στο χωριό Μπαρμπιζόν κοντά στο Παρίσι: Θεόδωρος Ρουσιγιόν, Dupre, Daubigny και άλλοι, που έπρεπε να έχουν μια τόσο μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη της γαλλικής ζωγραφικής τοπίου , Και η Corot, των οποίων τα έργα περιέχουν ένα ιδιόμορφο συνδυασμό νεοκλασικότητας, ρεαλισμού και ρομαντισμού. Ένα από τα σημεία εστίασης του μουσείου είναι η συλλογή των καθυστερημένων έργων του 19ου και του 20ου αιώνα, το οποίο περιλαμβάνει πάνω από 250 έργα.

Περιέχει επτά έργα από έναν από τους ιδρυτές του ιμπρεσιονισμού, Claude Monet, επιτρέποντάς μας να κρίνουμε όχι μόνο τη δημιουργική του δουλειά, αλλά και την εξέλιξη του σχολείου συνολικά: από τις αρχές του Κυρία σε έναν κήπο (1867) έως τα αργά Γέφυρα Waterlolo.(1903). Υπάρχουν έξι πίνακες από την Renoir, συμπεριλαμβανομένου του αξιοσημείωτου Πορτρέτο της ηθοποιού Jeanne Samary(1878); Δύο σκηνές του Παρισιού από το pissarro. Τρία τοπία από τον Sisley. Και μια σειρά από παστέλ σχέδια από τη Degas.

Τα έργα του Cezanne, Gauguin και Van Gogh έχουν την υψηλότερη ποιότητα. Ο Cezanne εργάστηκε σε διαφορετικά είδη, όπως φαίνεται από την επιλογή των έργων ζωγραφικής του στην οθόνη. Το Gauguin "S Oeuvre είναι εδώ εδώ με έργα ζωγραφισμένα κατά τη διάρκεια της ζωής του στην Ταϊτή. Μεταξύ των ζωγραφων του Van Gogh είναι Το θάμνο λιλά. (1889), ένας από τους μεγαλύτερους παίκτες του, και Θωρακισμένα σπίτια. (1890), μεταξύ των τελευταίων έργων του.

Carriere, Puvis de Chavannes, Odilon Redon και άλλοι ένας μεταξύ των κορυφαίων συμβολικών καλλιτεχνών των οποίων η εργασία μπορεί να δει στην οθόνη. Έργα από τον Όμιλο Nabis - Denis, Denis, Roussel, Vuillard, Bonnard, Valotton - καθώς και Marquet, Derain, Van Dongen, Vlaminck και Manguin, η έκθεση Ερμιτάζ παρέχει μια ολοκληρωμένη άποψη της ανάπτυξης της γαλλικής ζωγραφικής εκείνη τη στιγμή.

Το αποκορύφωμα της συλλογής γαλλικής ζωγραφικής του 20ού αιώνα έρχεται με την εξαιρετική εμφάνιση έργων του Matisse και του Πικάσο. Με 37 πίνακες ζωγραφικής από matisse, συμπεριλαμβανομένων τέτοιων αξιοσημείωτων καμβάδων Το κόκκινο δωμάτιο (1908), Οικογενειακό πορτραίτο.(1911), και τα σημαντικά πάνελ Χορός και μουσική (Τόσο το 1910) και 31 πίνακες από τον Πικάσο, από τις αρχές Ο αψίνθιος πότης. (1901), μια μεγάλη δουλειά από την μπλε περίοδο του - Η επίσκεψη.(1902), να εργαστεί ζωτικής σημασίας για την κατανόηση του κυβισμού - Χορός με πέπλα. (1907), Τρεις γυναίκες, γυναίκα με έναν ανεμιστήρα (1908) - Αυτά τα δωμάτια είναι σωστά μεταξύ των πιο δημοφιλή στο μουσείο.

Είναι κάτι περισσότερο από όμορφες εικόνες, αυτή είναι μια αντανάκλαση της πραγματικότητας. Στα έργα των μεγάλων καλλιτεχνών, μπορείτε να δείτε πώς άλλαξαν ο κόσμος και η συνείδηση \u200b\u200bτων ανθρώπων.

Η τέχνη είναι επίσης μια προσπάθεια να δημιουργήσετε μια εναλλακτική πραγματικότητα όπου μπορείτε να κρύψετε από τις φρίκες του χρόνου σας, ή την επιθυμία να αλλάξετε τον κόσμο. Η τέχνη του αιώνα XX δικαίως καταλαμβάνει μια ιδιαίτερη θέση στην ιστορία. Οι άνθρωποι που ζούσαν και εργάστηκαν εκείνες τις μέρες έχουν επιβιώσει κοινωνικά σοκ, πόλεμο, πρωτοφανή ανάπτυξη επιστήμης. Και όλα αυτά βρήκαν ένα δακτυλικό αποτύπωμα στις καμβά τους. Οι καλλιτέχνες του 20ού αιώνα συμμετείχαν στη δημιουργία ενός σύγχρονου οράματος του κόσμου.

Τα ονόματα κάποιου είναι ακόμα προφέρονται με κολύμπι και κάποιος ξεχασμένος άδικα. Κάποιος είχε έναν τέτοιο αμφιλεγόμενο δημιουργικό τρόπο που εξακολουθούμε να του δώσουμε μια αδιαμφισβήτητη αξιολόγηση. Αυτή η αναθεώρηση είναι αφιερωμένη στους μεγαλύτερους καλλιτέχνες του 20ού αιώνα. Camille Pisarro- Γάλλος ζωγράφος. Έναν εξαιρετικό αντιπρόσωπο του ιμπρεσιονισμού. Το έργο του καλλιτέχνη επηρεάστηκε από τον John Consthebla, Camille Coro, Jean Francois Mill.
Γεννημένος στις 10 Ιουλίου 1830 στην πόλη Saint-Thomas, πέθανε στις 13 Νοεμβρίου 1903 στο Παρίσι.

Ερμιτάζ στο Pontoise, 1868

Λειτουργικό πέρασμα στο Παρίσι, 1898

Ηλιοβασίλεμα στο Varenzhville, 1899

Edgar Degas -Γαλλικό σπίτι, ένας από τους μεγαλύτερους ιμπρεσιονιστές. Κατά το έργο της DEGI, η επιρροή των ιαπωνικών γραφικών γεννήθηκε στις 19 Ιουλίου 1834 στο Παρίσι, πέθανε στις 27 Σεπτεμβρίου 1917 στο Παρίσι.

Absintle, 1876.

Αστέρι, 1877.

Αναπνεύσιμη γυναίκα, 1885

Paul Cezanne -Γάλλος καλλιτέχνης, ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους του Postsionism. Στο έργο του, προσπάθησε για την αποκάλυψη αρμονίας και ισορροπίας της φύσης. Η δημιουργικότητά του είχε τεράστια επιρροή στην κοσμοθεωρία των καλλιτεχνών του 20ού αιώνα.
Γεννήθηκε στις 19 Ιανουαρίου 1839 στην πόλη Ex-En-Provence, Γαλλία, πέθανε στις 22 Οκτωβρίου 1906 στην Ex-En-Provence.

Παιχνίδια, 1893.

Σύγχρονη Ολυμπία, 1873

Νεκρή φύση με χελώνες, 1900

Claude monet - Εξαιρετικό γαλλικό ζωγράφο. Ένας από τους ιδρυτές του ιμπρεσιονισμού. Στα έργα του, ο Monet προσπάθησε να μεταφέρει τον πλούτο και τον κορεσμό του κόσμου. Για την καθυστερημένη περίοδο, την αποκοπή και
Για την καθυστερημένη περίοδο της δημιουργικότητας MONE, χαρακτηρίζεται η αποχρωματισμοί, αυξάνοντας τη διάλυση των αντικειμένων των μορφών σε εξελιγμένους συνδυασμούς χρωμάτων.
Γεννήθηκε στις 14 Νοεμβρίου 1840 στο Παρίσι, πέθανε στις 5 Δεκεμβρίου 1926 στην κοιλιά.

Rock Welk στο Purville, 1882

Μετά το γεύμα, 1873-1876

Erthet, ηλιοβασίλεμα, 1883

Archka Queenji -Διάσημος ρώσος καλλιτέχνης, πλοίαρχος της ζωγραφικής τοπίου. Νωρίς έχασε τους γονείς του. Από νεαρή ηλικία, η αγάπη για τη ζωγραφική άρχισε να εκδηλώνεται. Το έργο του Archproun είναι μια μεγάλη επιρροή στο Nikolai Roerich.
Γεννήθηκε στις 15 Ιανουαρίου 1841 στη Μαριουπόλ, πέθανε στις 11 Ιουλίου 1910 στην Αγία Πετρούπολη.

Βόλγα, 1890-1895

"Βόρεια", 1879

"Άποψη του Κρεμλίνου από Zamoskvorechye", 1882

Pierre Auguste Renoir -Γάλλος καλλιτέχνης, πρόγραμμα, γλύπτης, ένας από τους εξέχοντες εκπροσώπους του ιμπρεσιονισμού. Επίσης γνωστό ως κύριο ενός κοσμικού πορτρέτου. Ο Auguste Roden έγινε ο πρώτος ιμπρεσιονιστής που έγινε δημοφιλής στους πλούσιους Παρισαίνους.
Γεννημένος στις 25 Φεβρουαρίου 1841 στο Limoges France, πέθανε στις 2 Δεκεμβρίου 1919 στο Παρίσι.

Γέφυρα τέχνης στο Παρίσι, 1867

Μπάλα στο Moulin de la Gaette, 1876

Zhanna Samari, 1877

Paul Gajen - Γάλλος καλλιτέχνης, γλύπτης-κεραμίστας, πρόγραμμα. Σε ισοτιμία με ένα πεδίο με ένα πεδίο του Cesan και Vincent Van Goghom είναι ένας από τους σημαντικότερους εκπροσώπους της τεχνυγισότητας. Ο καλλιτέχνης έζησε στη φτώχεια, επειδή οι πίνακές του δεν ήταν σε ζήτηση.
Γεννημένος στις 7 Ιουνίου 1848 στο Παρίσι, πέθανε στις 8 Μαΐου 1903 στο νησί Hiva-OA, Γαλλική Πολυνησία.

Breton τοπίο, 1894

Βρετόντας χωριό στο χιόνι, 1888

Είσαι ζηλιάρης? 1892.

Ημέρα του Αγίου, 1894

Vasily Kandinsky -Ρωσικός και γερμανός καλλιτέχνης, ποιητής, θεωρητικός τέχνης. Θεωρείται ένας από τους ηγέτες της πρωτοπορίας του 1ου μισού του 20ου αιώνα. Είναι μεταξύ των ιδρυτών της αφηρημένης τέχνης.
Γεννημένος στις 22 Νοεμβρίου 1866 στη Μόσχα, πέθανε στις 13 Δεκεμβρίου 1944 στην πόλη Neu-Sur-Sane, Γαλλία.

Ζευγάρι ταξιδεύοντας ιππασία στο άλογο, 1918

Pest Life, 1907

Μόσχα 1, 1916

Σε γκρι, 1919

Henri Matisse -Ένας από τους μεγαλύτερους Γάλλους καλλιτέχνες και γλύπτες. Ένας από τους ιδρυτές της ροής των περιπατητών. Στο έργο του, προσπάθησε για τη μεταφορά συναισθημάτων μέσω χρώματος. Στο έργο του γνώρισε τον αντίκτυπο της ισλαμικής κουλτούρας του Δυτικού Μαγκρέμπ. Γεννήθηκε στις 31 Δεκεμβρίου 1869 στην πόλη Le Kato, πέθανε στις 3 Νοεμβρίου 1954 στην πόλη Spode.

Πλατεία στο Saint-Tropez, 1904

Περιγράφει Notre-Lads τη νύχτα, 1902

Γυναίκα στο καπέλο, 1905

Χορός, 1909.

Ιταλικά, 1919.

Πορτρέτο του Deleign, 1934

Nikolai roerich - Ρώσος καλλιτέχνης, συγγραφέας, επιστήμονας, μυστικιστής. Για τη ζωή σας, έγραψαν περισσότερες από 7000 πίνακες ζωγραφικής. Ένα από τα εξαιρετικά πολιτιστικά στοιχεία του XX αιώνα, ο ιδρυτής του κινήματος "κόσμου μέσω του πολιτισμού".
Γεννημένος στις 27 Οκτωβρίου 1874 στην Αγία Πετρούπολη, πέθανε στις 13 Δεκεμβρίου 1947 στην πόλη Kulu, Himachal Pradesh, Ινδία.

Υπερπόντιοι επισκέπτες, 1901

Μεγάλο πνεύμα Himalayev, 1923

Μήνυμα Shambhala, 1933

Kuzma Petrov-Vodkin -Ρώσος καλλιτέχνης, πρόγραμμα, θεωρητικός, συγγραφέας, δάσκαλος. Ήταν ένας από τους ιδεολόγους να αναδιοργανώσει την εκπαίδευση τέχνης στην ΕΣΣΔ.
Γεννημένος στις 5 Νοεμβρίου 1878 στην πόλη της επαρχίας Sharnsk Saratov, πέθανε στις 15 Φεβρουαρίου 1939 στο Λένινγκραντ.

"1918 στο Petrograd", 1920

"Παίζοντας αγόρια", 1911

Κολύμβηση κόκκινο Kony, 1912

Πορτρέτο της Άννας Αχλατόβα.

Kazimir malevich - Ρώσος καλλιτέχνης, ιδρυτής υπερεθνισμού - Οδηγίες στην αφηρημένη τέχνη, δάσκαλος, θεωρητικός τέχνης και φιλόσοφος
Γεννήθηκε στις 23 Φεβρουαρίου 1879 στο Κίεβο, πέθανε στις 15 Μαΐου 1935 στη Μόσχα.

Αναψυχή (κοινωνία σε κυλίνδρους), 1908

"Οι αγρότες με κάδους", 1912-1913

Μαύρη Suprematic Square, 1915

Suprematic Ζωγραφική, 1916

Στη λεωφόρο, 1903

Πάμπλο Πικάσο - Ισπανός καλλιτέχνης, γλύπτης, γλύπτης, κεραμίστας σχεδιαστών. Ένας από τους ιδρυτές του κυβισμού. Η δημιουργικότητα Pablo Picasso είχε σημαντικό αντίκτυπο στην ανάπτυξη της ζωγραφικής του 20ού αιώνα. Σύμφωνα με τα αποτελέσματα της έρευνας των αναγνωστών του περιοδικού χρόνου
Γεννημένος στις 25 Οκτωβρίου 1881 στην πόλη της Μάλαγα της Ισπανίας, πέθανε στις 8 Απριλίου 1973 στη μουσική της Γαλλίας.

Κορίτσι σε ένα μπολ, 1905

Πορτρέτο του Ambruz Vallora, 1910

Τρεις χάρτες

Πορτρέτο της Όλγας

Χορός, 1919.

Γυναίκα με λουλούδι, 1930

Amadeo modiganiani - Ιταλός καλλιτέχνης, γλύπτης. Έναν από τους πιο λαμπρούς εκπροσώπους του εξπρεσιονισμού. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, είχε μόνο μία έκθεση τον Δεκέμβριο του 1917 στο Παρίσι. Γεννημένος στις 12 Ιουλίου 1884 στην πόλη Livorno της Ιταλίας, πέθανε στις 24 Ιανουαρίου 1920 από τη φυματίωση. Η παγκόσμια αναγνώριση έλαβε μεταθανάτια παγκόσμια αναγνώριση έλαβε μεταθανάτια.

Cellist, 1909.

Σύζυγοι, 1917.

Joan Ebutern, 1918

Μεσογειακό τοπίο, 1918

Diego Rivera - Μεξικάνικος ζωγράφος, τοιχογραφία, πολιτικός. Ήταν ένας σύζυγος Frida Calo. Στο σπίτι τους, βρήκαν ένα καταφύγιο για ένα σύντομο χρονικό διάστημα λιοντάρι Τρότσκι.
Γεννήθηκε στις 8 Δεκεμβρίου 1886 στο Guanajuato, πέθανε στις 21 Δεκεμβρίου 1957 στην πόλη του Μεξικού.

Notre Dame de Beta στη βροχή, 1909

Γυναίκα στο πηγάδι, 1913

Ένωση αγροτών και εργαζομένων, 1924

Βιομηχανία Ντιτρόιτ, 1932

Σημάδι shagal - Ρωσικός και Γάλλος ζωγράφος, πρόγραμμα, εικονογράφος, καλλιτέχνης θεάτρου. Ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους των Avangonds.
Γεννήθηκε στις 24 Ιουνίου 1887 στην πόλη Liozino, επαρχία Mogilev, πέθανε στις 28 Μαρτίου 1985 στο Saint-Paul-de-Provence.

Annie (αδελφή πορτρέτο), 1910

Νύφη με ανεμιστήρα, 1911

Εγώ και το χωριό, 1911

Αδάμ και Εύα, 1912

Mark rotko (Nast. Mark Rotkovich) είναι ένας Αμερικανός καλλιτέχνης, ένας από τους ιδρυτές της αφηρημένης εξπρεσιονίας και ο ιδρυτής της ζωγραφικής του πεδίου χρωμάτων.
Ωστόσο, τα πρώτα έργα του καλλιτέχνη δημιουργήθηκαν σε ρεαλιστικό πνεύμα, τότε από τα μέσα της δεκαετίας του '40 Mark Rotko απευθύνεται στον σουρεαλισμό. Μέχρι το 1947, συμβαίνει το σημαντικότερο κάταγμα στο έργο του Mark Rotko, δημιουργεί το δικό του στυλ - αφηρημένο εξπρεσιονισμό, το οποίο αναχωρεί από τα αντικείμενα.
Γεννήθηκε στις 25 Σεπτεμβρίου 1903 στην πόλη Dvinsk (τώρα Daugavpils), πέθανε στις 25 Φεβρουαρίου 1970 στη Νέα Υόρκη.

Χωρίς τίτλο

Αριθμός 7 ή 11

Πορτοκαλί και κίτρινο

Σαλβαδόρ Νταλί - Ζωγράφος, πρόγραμμα, γλύπτης, συγγραφέας, σχεδιαστής, σκηνοθέτης. Ίσως ο πιο διάσημος εκπρόσωπος του σουρεαλισμού και ενός από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες του 20ού αιώνα.
Ο συγγραφέας του σχεδιασμού του Chupa Chups.
Γεννήθηκε στις 11 Μαΐου 1904 στην πόλη Figueras της Ισπανίας, πέθανε στις 23 Ιανουαρίου 1989 στην Ισπανία.

Ο πειρασμός του Αγίου Αντωνίου, 1946

Τελευταίο δείπνο, 1955

Γυναίκα με κεφάλια από τριαντάφυλλα, 1935

Η γυναίκα μου γκαλά, γυμνή, κοιτάζει το σώμα της, 1945

Frida Kalo -Μεξικανός καλλιτέχνης και πρόγραμμα, ένας από τους πιο λαμπρούς εκπροσώπους του σουρεαλισμού.
Ο Frida Kalo άρχισε να σχεδιάζει μετά το ατύχημα του αυτοκινήτου, το οποίο ήταν το αποτέλεσμα ενός έτους αλυσοδεμένη στο κρεβάτι για ένα χρόνο.
Ήταν παντρεμένος με τον διάσημο Μεξικάνικο καλλιτέχνη-κομμουνιστικό ποταμό Ντιέγκο. Δεν βρήκαν ένα λιοντάρι Τρότσκι στο σπίτι για μεγάλο χρονικό διάστημα.
Γεννήθηκε στις 6 Ιουλίου 1907 στην πόλη Koyoacan του Μεξικού, πέθανε στις 13 Ιουλίου 1954 στο Koyoacan.

Αγκαλιές της Universal Love, Γη, Ι, Ντιέγκο και Καθού, 1949

Μωυσής (πυρήνας της δημιουργίας), 1945

Δύο Frida, 1939

Andy warhole (Nasty. Andrei Varchol) - Αμερικανός καλλιτέχνης, σχεδιαστής, σκηνοθέτης, παραγωγός, εκδότης, συγγραφέας, συλλέκτης. Ο ιδρυτής της ποπ τέχνης, είναι από μία από τις πιο αντι-καλλιεργητικές προσωπικότητες στην ιστορία του πολιτισμού. Στη ζωή του καλλιτέχνη, πολλές ταινίες πυροβολήθηκαν.
Γεννημένος στις 6 Αυγούστου 1928 στο Πίτσμπουργκ, Πενσυλβάνια, πέθανε το 1963 στη Νέα Υόρκη.

Ιμπρεσιονισμός.

Eduard Mana (Fr. Édouard Manet, 23 Ιανουαρίου 1832, Παρίσι - 30 Απριλίου, 1883, Παρίσι) - Γάλλος καλλιτέχνης, ένας από τους Hedlemen του Impressionism.

Το χόμπι της παλιάς ζωγραφικής οδήγησε πολυάριθμες ταξιδιωτικές χαίτη. Επισκέφτηκε επανειλημμένα τα ολλανδικά μουσεία, όπου θαύμαζε τη ζωγραφική της Γαλλίας HALS. Το 1853 έκανε ένα παραδοσιακό ταξίδι στην Ιταλία για τους Γάλλους καλλιτέχνες, όπου επισκέφθηκαν η Βενετία και η Φλωρεντία. Ήταν τότε ότι η αρχή της επιρροής στους νέους ζωγραφιές καλλιτεχνών από τη χειρότερη και υψηλή αναβίωση. Ένας από τους καλλιτέχνες που είχε τη μεγαλύτερη επιρροή στη Μάννα γίνεται Velasquez. Ίσως τα καθυστερημένα έργα του, ειδικά διάσημα bodegons, είχαν τεράστιο αντίκτυπο στο σχηματισμό της κίνησης του ιμπρεσιονισμού. Το ταξίδι επιστροφής στη Γαλλία ήταν μακρά - Mane πέρασε από την Κεντρική Ευρώπη, επισκέπτοντας τα μουσεία στη Δρέσδη, την Πράγα, τη Βιέννη και το Μόναχο.

Το 1863 και το 1864, η Manne τοποθετείται τόσο στην καμπίνα όσο και στο επίσημο σαλόνι, όπου οι νέοι πίνακες του, ειδικά το "πρωινό στο γρασίδι" προκάλεσε μια απότομη αγανάκτηση από τους κριτικούς. Η κορυφή της απόρριψης πέφτει για το 1865, όταν η Manne έβαλε τη (διάσημη) "Ολυμπία" της στην καμπίνα - η εικόνα που βρέθηκε από τους συγχρόνους του είναι εξαιρετικά άσεμνο και χυδαίο και προκάλεσε μια μεγαλοπρέπεια για εκείνους το σκάνδαλο.

Κατά τη διάρκεια της πολιορκίας του Παρισιού το 1870, η Mana, ως πεπεισμένος δημοκρατικός, παρέμεινε στην πρωτεύουσα. Μετά τον Γάλλο-Πρωσβαρικό Πόλεμο και το Παρίσι, ο καλλιτέχνης συγκλίνει ακόμη πιο κοντά με τους νέους ιμπρεσιονιστές. Αυτό αποδεικνύεται, για παράδειγμα, πολλές εικόνες γραμμένες στο Pleaire, δίπλα-δίπλα με Claude Monet στο Argenthe το 1874. Παρ 'όλα αυτά, η Mana δεν ήθελε να συμμετάσχει στις εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών. Προτίμησε με οποιοδήποτε κόστος για την αναγνώριση της κριτικής επιτροπής των επίσημων σαλόνι. Μια άλλη διαφημιστική εκστρατεία γύρω από το όνομά του προήλθε το 1874. Το "σιδηρόδρομο" προκάλεσε και πάλι την οξεία αντιπάθεια της κριτικής επιτροπής. Και μόνο το 1879, το σαλόνι εκτίμησε την επιμονή του καλλιτέχνη: ο καμβάς "στο θερμοκήπιο" και "στη βάρκα" συναντήθηκε πολύ θερμά.

"Αψέντι ερασιτέχνης", 1858-1859, New Gilipotka Karlsberg

"Μουσική στο Tuilery", 1862, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο

Ολυμπία, 1863, Μουσείο Orsay, Παρίσι

Ισπανικός μουσικός (Galterrelo). 1860 Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη.

Εκτέλεση του αυτοκράτορα Μεξικό Maximilian. 1867, Kunsthalla, Mannheim.

Edgar-Germain-Ilher de Ga, ή Edgar Degas (Fr. Edgar Degas) (19 Ιουλίου 1834, Παρίσι - 27 Σεπτεμβρίου 1917) - Γάλλος ζωγράφος, ένας από τους σημαντικότερους και πρωτότυπους εκπροσώπους του ιμπρεσιονισμού.

Σε 20 χρόνια (1854), η Degas εισέρχεται στον φοιτητή στο εργαστήριο στην εποχή του τον καλλιτέχνη της κυρίας, ο οποίος, με τη σειρά του, ο σπουδαστής του μεγάλου αυγού. Σε μια γνωστή οικογένεια Degius, έγινε ο Engra, και είχε διατηρήσει καιρό την εμφάνισή του στη μνήμη του και για τη ζωή του είχε διατηρήσει την αγάπη της γραμμής του τραγουδιστή και σαφώς. Η DEGI αγάπησε άλλα μεγάλα συρτάρια - Nikola Poussna, Hans Golbien - και αντιγράφηκε το έργο τους στο Λούβρο με τέτοια επιμέλεια και δεξιότητα, η οποία ήταν δύσκολο να διακρίνει ένα αντίγραφο του πρωτοτύπου.

Τα προϊόντα της DEGI με την αυστηρά επαληθευμένη και ταυτόχρονα δυναμική, συχνά ασύμμετρη σύνθεση, ένα ακριβές εύκαμπτο μοτίβο, απροσδόκητες γωνίες, ενεργή αλληλεπίδραση του σχήματος και του χώρου συνδυάζουν την φαινομενική ατελής και την τυχαία κινήτρια και αρχιτεκτονική της εικόνας με προσεκτική προσοχή και υπολογισμό. "Δεν υπήρχε τέχνη, λιγότερο άμεσα από τη δική μου," ο ίδιος ο καλλιτέχνης αξιολογεί τη δική του δημιουργικότητα. Κάθε έργο του είναι το αποτέλεσμα μακροχρόνιων παρατηρήσεων και πεισματάρων, επίπλεπτων εργασιών για την εφαρμογή τους σε μια καλλιτεχνική εικόνα. Στο έργο των Δασκάλων δεν υπάρχει τίποτα από την έκφραση. Η ολοκλήρωση και η σκέψη των συνθέσεων του προκαλεί μερικές φορές να ανακαλέσει τον ιστό του Pussen. Όμως, ως αποτέλεσμα, οι εικόνες προκύπτουν σε καμβά που δεν θα είναι υπερβολή που ονομάζεται μια άντιγξη στιγμιαία και τυχαία. Στη γαλλική τέχνη του 19ου αιώνα, η καταστροφή της διαμόρφωσης από αυτή την άποψη είναι η διαμετρική αντίθετη απέναντι της δημιουργικότητας CEzann. Στην Cesanna, η εικόνα φέρει όλο το αμετάβλητο της παγκόσμιας τάξης και φαίνεται πλήρως συμπληρωμένο από το μικρόκοσμο. Το DEGAS περιέχει μόνο ένα μέρος ενός πλαισίου αποκοπής ενός ισχυρού ρεύματος ζωής. Οι εικόνες φαρμάκων εκτελούνται από το δυναμισμό, ενσωματώνουν τους επιταχυνόμενους ρυθμούς του σύγχρονου καλλιτέχνη της εποχής. Ήταν το πάθος για τη μετάδοση της κίνησης - αυτό, σύμφωνα με τις λέξεις που εντόπισαν ένα debit ιστορικά οικόπεδα: εικόνες άλματα άλογα, μπαλαρίνες στις πρόβες, πλυντήρια και σιδερώνες στην εργασία, ντυμένες ή χτένισμα γυναίκες.

Edgar Degas. Τα δεξιά άλογα μπροστά από τα περίπτερα. 1869-1872 Λούβρο, Παρίσι.

Μπλε χορευτές. Μουσείο. Πούσκιν, Μόσχα.

Γραφείο στο Cotton Trading στη Νέα Ορλεάνη. 1873.

Το πλύσιμο των πιάτων. 1886 Μουσείο Stand Stand, Farmington, Κονέκτικατ, ΗΠΑ.

Αψέντι, 1876, Μουσείο Orsay, Παρίσι

Πριν ξεκινήσετε, 1862-1880, Μουσείο OSA, Παρίσι

Απόδοση μπαλέτου - Άποψη της σκηνής από τα καταλύματα, 1885, Μουσείο Τέχνης, Φιλαδέλφεια

Σχολή μπαλέτου.

Miss Lala στο Circus Fernando.

Bundoras με λινά.

Στο MODIST.

Χαρούμενος

Pierre Augene Renoir (Fr. Pierre-Auguste Renoir, 25 Φεβρουαρίου, 1841, Limoges - 2 Δεκεμβρίου 1919, Kan-sur-Mer) - Γάλλος ζωγράφος, χρονοδιάγραμμα και γλύπτης, ένας από τους κύριους εκπροσώπους του ιμπρεσιονισμού. Η Renoir είναι γνωστή κυρίως ως κύριος ενός κοσμικού πορτρέτου, που δεν στερείται συναισθηματικότητα. Πρώτα από τους ιμπρεσιονιστές έχει κερδίσει επιτυχία στους πλούσιους Παρισαίνους. Στα μέσα της δεκαετίας του 1880. Στην πραγματικότητα, έσπασε με τον ιμπρεσιονισμό, επιστρέφοντας στη γραμμικότητα του κλασικισμού, στο συναυλισμό. Πατέρας διάσημος διευθυντής.

"Άνοιξη μπουκέτο" (1866). Μουσείο του Πανεπιστημίου του Χάρβαρντ

"Μπάλα στο Le Moulin de la Gaette" (1876). Μουσείο Orsay

"Big Swimsters" (1887). Μουσείο Τεχνών, Φιλαδέλφεια.

"Πιάνο κορίτσια" (1892). Μουσείο Orsay.

"Gabriel σε κόκκινη μπλούζα" (1910). Συνάντηση Μ. Vestema, Νέα Υόρκη.

Oscar Claude Monet (FR. Oscar-Claude Monet, 1840-1926) - Γάλλος ζωγράφος, ένας από τους ιδρυτές του ιμπρεσιονισμού.

Όταν το αγόρι ήταν πέντε ετών, η οικογένεια μετακόμισε στη Νορμανδία, στο GAVR. Στην ακτή της θάλασσας, ο Normandy Monet συναντήθηκε ο Ezhen Budanene, ένας διάσημος οριζόντιος παίκτης και ένας από τους κυρίαρχους της εντύπωσης του ιμπρεσιονισμού. Ο Budy έδειξε νεαρός καλλιτέχνης κάποια γραφική εργασία από τη φύση

Η εικόνα "στο δρόμο του Σηκουάνα" (Bennecourt, 1868), αυτό είναι ένα πρώιμο παράδειγμα ενός αιχμαλωσιακού ιμπρεσιονισμού, στην οποία η επιδέξια και αφύπνιση της χρήσης των ελαίων παρουσιάστηκε ως τελικό προϊόν της τέχνης.

Απογοητευμένος στην παραδοσιακή τέχνη, η οποία διδάχθηκε στα σχολεία τέχνης, το 1862 ο Monet εισήλθε στο πανεπιστήμιο που ονομάστηκε μετά τον Charles Gleira στο Παρίσι, όπου γνώρισε τον Pierre-Auguste Renoir, τον Basil και τον Alfred Sisley. Μοιράζονταν ο ένας τον άλλον νέες προσεγγίσεις στην τέχνη, η τέχνη των εφέ εικόνων του φωτός σε στυλ σαφούς με παραβίαση του χρωμάτων και τα γρήγορα εγκεφαλικά επεισόδια, το γεγονός ότι αργότερα έγινε γνωστός ως ιμπρεσιονισμός. Εικόνα με ένα πορτρέτο του Camilla Monet ή "Γυναίκα σε ένα πράσινο φόρεμα" (La Femme και La Robe Verte), που γράφτηκε το 1866, έφερε τον αναγνώριση και ήταν ένα από τα πολλά έργα που απεικονίζουν τη μελλοντική σύζυγό του, Camillas Donsen. Ένα χρόνο αργότερα, έθεσε για τις εικόνες των "γυναικών στον κήπο" και "στο δρόμο του Σηκουάνα" (Bennecourt, 1868).

Μετά την έναρξη του Franco Prussian War (19 Ιουλίου 1870), ο Monte βρήκε ένα καταφύγιο στην Αγγλία τον Σεπτέμβριο του 1870, όπου μελέτησε τα έργα του John ConsΘΗΜΑ και τον Joseph Mallord William Turner, των οποίων οι πίνακες των τοπίων θα αποτελέσουν πηγή έμπνευσης για Η καινοτομία του Monet σε μια έγχρωμη μελέτη.

"Εντύπωση. Αύξουσα Ήλιος ", 1872, Μουσείο Μαρμετάν Μάρκα, Παρίσι

"Boulevard Kapuchin", 1873

"Λιμάνι"

"Λίμνη με κρίνα", 1899G, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο

"Regatta στο Arzhate", 1872, Μουσείο Orsay, Παρίσι

"Frog", 1869, Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη, ΗΠΑ

"Γυναίκες στον κήπο", 1866-1867, Μουσείο Orsay, Παρίσι, Γαλλία

"Παραλία στο Purville", 1882, Εθνικό Μουσείο Πολωνίας, Πόζναν, Πολωνία

"Νούφαρα", 1915

Jacob Abraham Camille Pissarro (Franz. Jacob Abraham Camille Pissarro, 10 Ιουλίου 1830, Saint Thomas Island - 12 Νοεμβρίου 1903, Παρίσι) - Γάλλος ζωγράφος, ένας από τους πρώτους και πιο συνεπούς εκπροσώπους του ιμπρεσιονισμού.

Το Pizarro ξεκίνησε σαν φοιτητής camilla choro. Σε αυτή την επιλογή του δασκάλου επηρέασε ήδη την έμφυτη αγάπη του καλλιτέχνη για τη ζωγραφική τοπίου. Αλλά καμία λιγότερο προσοχή στην αρχή του δημιουργικού του μονοπατιού Camille Pisilo πληρώνει το σχέδιο. Ήδη σε πρώιμες εργασίες, ο καλλιτέχνης προσέφερε ιδιαίτερη προσοχή στην εικόνα των φωτεινών αντικειμένων στον αέρα. Το φως και ο αέρας έχουν γίνει το κορυφαίο θέμα στο έργο του Pisarro.

Σταδιακά, ο Pisarro άρχισε να απελευθερώνεται από την επιρροή του κορίου, το δικό του στυλ ωριμάστηκε. Από το 1866, η παλέτα του καλλιτέχνη γίνεται αναπτήρας, η κυρίαρχη του οικοπέδου του γίνεται ο χώρος που διαπερνάται με το φως του ήλιου και τον ελαφρύ αέρα, και οι περίεργοι ουδέτεροι τόνοι που εξαφανίζονται.

Η εργασία, δοξασμένη από το Pisarro, είναι ένας συνδυασμός παραδοσιακών οικόπεδων τοπίου και ασυνήθιστου εξοπλισμού στο σχέδιο φωτός και φωτεινών αντικειμένων. Εικόνες από ώριμο Pizarro γραμμένο με πυκνά εγκεφαλικά επεισόδια και γεμίζουν με τη φυσική αίσθηση του φωτός, να εκφράσουν το οποίο ζήτησε.

Το Pissarro είχε ισχυρή επιρροή στους Impressionists, έχοντας ανεξάρτητα πολλές αρχές με βάση το στυλ ζωγραφικής τους. Ήταν φίλοι με τέτοιους καλλιτέχνες ως DEGAS, CEZANNE και GAJN. Ο Pizarro είναι ο μόνος συμμετέχων σε όλες τις οκτώ εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών.

"Boulevard Montmartre. Το απόγευμα, ηλιόλουστο. " 1897.

Αυτοπροσωπογραφία, 1873.

Νευρεπλευρικός.

Paul Signac (Fr. Paul Signac, 11 Νοεμβρίου, 1863, Παρίσι - 15 Αυγούστου 1935, Παρίσι) - Γάλλοι βαθμοί-Postimizessismist, εκπρόσωπος της κατεύθυνσης του Poentonism.

Το 1882, στο Παρίσι και η Βρετάνη άρχισαν να γράφουν εικόνες υπό την επίδραση των ιμπρεσιονιστών, κυρίως Monet. Το 1884 συμμετέχει στη δημιουργία μιας «κοινωνίας ανεξάρτητων καλλιτεχνών», όπου γνώρισε τον George Siera, με τον οποίο το 1889 ανέπτυξε τη γραφική τεχνική της επισκοπής, αν και στην τελευταία έκθεση των ιμπρεσιονιστών των έργων του αντανακλούσαν την αισθητική του διαχωρισμού.

Στη ζωή, ο καλλιτέχνης ήταν αναγνωρισμένος κλασικός. Το 1911, απονεμήθηκε η τάξη της τιμητικής λεγεώνας.

Les Andlys (1886)

Femme Lisant (1887), Μουσείο Orsay, Παρίσι. Λάδι, δέντρο

Château de Comblat (1887), Μουσείο Λιέγης, Βέλγιο

La Bouée Rouge (1895) Μουσείο Orsay

L'Orage, (1895) Musée de l "Annonciade,

Le phare d'Antibes, (1909)

Postressistrism.

Ο Paul Cezanne (Fr. Paul Cézanne) είναι ένας γάλλος καλλιτέχνης, ένας λαμπρός εκπρόσωπος του μετασχισησκιο.

Ο Paul Cesann γεννήθηκε στη Γαλλία στις 19 Ιανουαρίου 1839 στην πόλη Ex-en-Provence στην οικογένεια πλούσιων αστικών. Στο Κολέγιο, Bourbon, στην οποία σπούδασε, ο Παύλος έγινε φίλοι με τον μελλοντικό διάσημο συγγραφέα Emil Zol. Ο Παύλος σπούδασε το δικαίωμα στο Πανεπιστήμιο Εξαιτίας, αλλά δεν αποφοίτησε από το μάθημα, αποφασίζοντας εξ ολοκλήρου να αφιερώσει τον εαυτό του στη ζωγραφική.

Μετά από μια σύντομη μελέτη στη Σχολή Καλών Τεχνών, η Ex-en-Provence Cesanne πήγε στο Παρίσι, όπου συναντήθηκε με τον Camiel Piserro, Pierre-Auguste Renoir, Claude Mona και Alfred Siseli. Μαζί μαζί τους, συμμετείχε στην πρώτη έκθεση Impressionsists το 1874 στο φωτογραφικό στούντιο του Nadar στο Παρίσι.

Τα έργα της Cezanne φέρουν το αποτύπωμα της εσωτερικής ζωής του καλλιτέχνη. Είναι γεμάτα με την εσωτερική ενέργεια της έλξης και της απόρριψης. Οι αντιφάσεις ήταν αρχικά ιδιόμορφες στον ψυχικό κόσμο του καλλιτέχνη και τις καλλιτεχνικές του φιλοδοξίες. Το νότιο ιδιοσυγκρασία συνδυάστηκε σε νοικοκυριό Cezanna με την κορυφή και την ασκητισμό, την εσφαλμένη - με προσπάθειες να ελευθερώσουν από την ιδιοσυγκρασία των θρησκευτικών παραδόσεων. Σίγουρος στην ιδιοφυΐα του, Cezanne, ωστόσο, ήταν πάντα εμμονή με το φόβο του γεγονότος ότι δεν θα βρει ακριβή μέσα για να εκφράσει αυτό που είδε και ήθελε να εκφράσει στην εικόνα με τη ζωγραφική ζωγραφικής. Πάντα είπε για την αδυναμία να «εφαρμόσει» το δικό του όραμα, όλη την ώρα αμφιβάλλει ότι ήταν σε θέση να το κάνει αυτό, και κάθε νέα εικόνα έγινε τόσο η άρνηση όσο και η επιβεβαίωση αυτού.

Πιάνο κορίτσι (Overture στο "Tangseyzer"). ΕΝΤΑΞΕΙ. 1868. Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Μπουκέτο λουλουδιών σε μπλε βάζο. 1873-1875. Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Η γέφυρα πάνω από την Marla στο Creek (Marn Bank). 1888-1894. Τους. Α. S. Πούσκιν, Μόσχα

Καπνιστής. 1890-1892. Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Mount St. Βικτώρια. 1897-1898. Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Vincent Villem Van Gogh (Notherl. Vincent Willem Van Gogh, 30 Μαρτίου 1853, Grottoes-Sunting, κοντά Breda, Ολλανδία - 29 Ιουλίου 1890, Over-sur-Uaz, Γαλλία) - Παγκόσμιο-διάσημο καλλιτέχνης αποφοίτησης Κάτω Χώρες.

Στη δεκαετία του 1880, ο Van Gogh άσκησε έφεση στην τέχνη, επισκέφθηκε την Ακαδημία Τεχνών στις Βρυξέλλες (1880-1881) και στην Αμβέρσα (1885-1886), απολαμβάνοντας τις άκρες του ζωγράφου Α. Mauwe στη Χάγη, με χόμπι, ζωγραφισμένα ορυχεία, αγρότες , τεχνίτες. Σε μια σειρά έργων ζωγραφικής και etudes στα μέσα της δεκαετίας του 1880. ("Peasantkaya", 1885, Μουσείο Kleller-Muller, Otterlo, "" Parato Etheries ", 1885, κρατικό μουσείο Vincent Van Gogh, Άμστερνταμ), γραμμένο στη σκούρα γραφική σειρά που σημειωθεί με την οδυνηρή αντίληψη της ανθρώπινης ταλαιπωρίας και των συναισθημάτων κατάθλιψης , ο καλλιτέχνης αναδημάτισε καταπιεστικό την ατμόσφαιρα των ψυχολογικών εντάσεων.

Το 1886-1888, ο Van Gogh ζούσε στο Παρίσι, επισκέφθηκε το διάσημο ιδιωτικό στούντιο τέχνης του δασκάλου P. Kormon διάσημο για ολόκληρη την Ευρώπη, μελέτησε τη ζωγραφική του ιμπρεσιονισμού, της ιαπωνικής χάραξης, των συνθετικών έργων του πεδίου Gaugaen. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η παλέτα του Wan Gogh έγινε φως, το πήλινο κολάρο εξαφανίστηκε, καθαρό μπλε, χρυσα-κίτρινο, κόκκινο τόνους, χαρακτηριστικό του δυναμικού, σαν να το επίχρισμα τζόκινγκ ("γέφυρα πάνω από το Σηκουάνα", 1887, κρατικό μουσείο Vincent van Gogh, Άμστερνταμ, "Daddy Tangi", 1887, Μουσείο Roden, Παρίσι).

Το 1888, ο Van Gogh μετακόμισε στους Arles, όπου τελικά καθορίστηκε από την πρωτοτυπία του δημιουργικού του τρόπου. Flaming ιδιοσυγκρασία τέχνης, οδυνηρή βιασύνη για την αρμονία, την ομορφιά και την ευτυχία και, ταυτόχρονα, ο φόβος των εχθρικών ανδρών, βρίσκουν την ενσωμάτωση των νότιων τοπίων που λάμπουν από τα ηλιόλουστα χρώματα ("συγκομιδή. Κοιλάδα του La Cro", 1888, κράτος Μουσείο Vincent Van Gogh, Άμστερνταμ), στη συνέχεια στο απειλητικό, θυμίζοντας τον εφιάλτη των εικόνων ("Νυχτερινό Cafe", 1888, Μουσείο του Kleller-Muller, Otterlo). Η δυναμική του χρώματος και του κηλίδας γεμίζει την πνευματική ζωή και το κίνημα όχι μόνο τη φύση και κατοικούν στους ανθρώπους της ("Κόκκινο αμπελώνες στην Arle", 1888, το κρατικό μουσείο καλών τεχνών που ονομάστηκε ως Pushkin, Μόσχα), αλλά και τα άψυχα αντικείμενα ( "Υπνοδωμάτιο Van Gogh σε Arles, 1888, Vincent Van Gogh State Museum, Άμστερνταμ). Την τελευταία εβδομάδα της ζωής του, ο Van Gogh έγραψε την τελευταία και διάσημη εικόνα του: ένα πεδίο σιτηρών με κορώνα. Ήταν αποδείξεις του τραγικού θανάτου του καλλιτέχνη.

Eugene Henri Paul Gaugugen (7 Ιουνίου 1848 - 8 Μαΐου 1903) - Γάλλος ζωγράφος, γλύπτης-κεραμίστας και χρονοδιάγραμμα.

Μαζί με το Cezanne και το Van Gogh, ήταν ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της Postressistrism.

Στις αρχές της δεκαετίας του 1870 άρχισε να ασχολείται με τη ζωγραφική ως ερασιτέχνες. Η πρώιμη περίοδος δημιουργικότητας (υπό την επίδραση του Pissarro) συνδέεται με τον ιμπρεσιονισμό. Από το 1880 συμμετείχε στις εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών. Από το 1883, ένας επαγγελματίας καλλιτέχνης.

Η δοκιμή από την παιδική ηλικία που δαπανάται στο Περού (στη μητέρα της μητέρας), λαχτάρα για εξωτικά μέρη και λαμβάνοντας υπόψη τον πολιτισμό "ασθένεια", Gauguin, δίψα να "συγχωνευθεί με τη φύση", το 1891 φύγει για την Ταϊτή, όπου έζησε στο Papeete και πού έζησε Γράφει το 1892 έως 80 καμβά. Μετά από βραχυπρόθεσμα (1893-1895) επιστροφή στη Γαλλία, λόγω της ασθένειας και της απουσίας κεφαλαίων, αφήνει για την Ωκεανία για πάντα - πρώτα στην Ταϊτή, και από το 1901, στο νησί Khiva OA (Marquis Islands), όπου Παίρνει τον εαυτό του έναν νεαρό Ταϊτόν και εργάζεται σε πλήρη δύναμη: γράφει τοπία, ιστορίες, εργάζεται από δημοσιογράφο. Σε αυτό το νησί, πεθαίνει. Παρά τις ασθένειες, τη φτώχεια και την κατάθλιψη, που τον έφερε στην προσπάθεια αυτοκτονίας, τα καλύτερα έργα του HOGEN έγραψαν ακριβώς εκεί. Παρατήρηση της πραγματικής ζωής και η ζωή των ανθρώπων της ωκεανίας είναι να τους βγάλουν με τοπικούς μύθους.

Ράψιμο γυναίκα (1880)

Κίτρινο Χριστό (1889)

Γυναίκα με λουλούδι (1891)

Το πνεύμα των νεκρών δεν κοιμάται (1892)

Είσαι ζηλιάρης? (1892)

Διασκεδαστικό κακό πνεύμα (1894)

Από πού προέρχονταν; Ποιοι είμαστε? Που πάμε? (1897-1898)

Πιο ποτέ (1897)

Francois Auguste Rene Roden (Fr. François-Auguse-René Rodin) (12 Νοεμβρίου 1840 - 17 Νοεμβρίου 1917) - Ο διάσημος γάλλος γλύπτης, ένας από τους ιδρυτές του ιμπρεσιονισμού στη γλυπτική.

Ο Auguste Roden γεννήθηκε στο Παρίσι. Σπούδασε στη Σχολή Σχολή και Μαθηματικά του Παρισιού, εγγράφοντας εκεί, σε αντίθεση με τις επιθυμίες του Πατέρα και Αντοίϊ Μπάρι στο Μουσείο Φυσικής Ιστορίας.

Το 1864, το πρώτο έργο της Ρόδου - "Μια σπασμένη μύτη" ο άνθρωπος απορρίφθηκε στο σαλόνι του Παρισιού, καθώς κυνηγούσε την πρόκληση στους ακαδημαϊκούς κανόνες της ομορφιάς. Ο Roden δεν έγινε δεκτός στη Σχολή Καλών Τεχνών και από το 1864 έως το 1870 εργάστηκε στο εργαστήριο A.Karie-Belleza κατά τη διάρκεια του σοβαρού εργοστασίου, κερδίζοντας τη δημιουργία διακοσμητικού γλυπτού.

Γλυπτική "Thinker"

"Kale Kale". Μουσείο Roden στη Φιλαδέλφεια

Άγαλμα της τιμής de Balzac. Μουσείο Roden στη Φιλαδέλφεια

"Πύλη κόλαση" του Μουσείου Rodin στη Φιλαδέλφεια

Ένας άνδρας με σπασμένη μύτη. Μουσείο Roden στη Φιλαδέλφεια

Theophile-Alexander Steinlen (FR. Théophile-Alexandre Steinlen, 10 Νοεμβρίου, 1859, Λωζάνη - 14 Δεκεμβρίου 1923, Παρίσι) - Γαλλικός και ελβετικός καλλιτέχνης, πρόγραμμα και εικονογράφος, που εργάζεται τόσο σε ρεαλιστικό στυλ όσο και σε μοντέρνο στυλ.

Τ.-α. Ο Steinlen έγινε διάσημος χάρη στις αφίσες του Παρισιού που δημιούργησαν περίπου το 1900, οι σκηνές του από τη νυχτερινή ζωή της Μονμάρτρης και, φυσικά, την εικόνα της "γάτας" του και το γράφημα που τον έκανε το όνομα. Άλλες άκρες του ταλέντου του καλλιτέχνη είναι λιγότερο γνωστοί: η ζωγραφική, η γλυπτική και τα γραφικά που αφιερώθηκαν στα γεγονότα του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, ειδικά τα γεγονότα στη Σερβία και το Βέλγιο. Ο Steinlen ήταν αυτοδίδακτος, και παρόλα αυτά, ο κληρονόμος σε πλούσιες καλλιτεχνικές παραδόσεις. Τα έργα του αισθάνονται την επίδραση της δημιουργικότητας της Δελακά, του Δομυχού, του Νόρο και του ανθρώπου. Αυτή η διάδοση και η δημοτικότητα που ο Steinlen είχε τα έργα στο Παρίσι κατά τη στιγμή της Belle Epoque, έκανε τον καλλιτέχνη από την κεντρική φιγούρα στον ευρωπαϊκό καλλιτέχνη της έναρξης του XX αιώνα. Έγιναν πηγή έμπνευσης για πολλούς πρωτοποριακούς δασκάλους, συμπεριλαμβανομένου του Πικάσο

Aristide Brian: à la Villette

Ανατολική Γαλλία.

Suzanna Valadon

Georges Khorutlen: Une Canaille

Αποθηκεύστε τη Σερβία!

Ποτό βρασμένο γάλα!

Καλύψτε το βιβλίο Eugene Buffe "Η ζωή μου, η αγάπη μου, οι περιπέτειές μου" εργάζονται steinlen

Στοκχόλμη Le Gil Blas εφημερίδα