Ο ιμπρεσιονισμός προέκυψε πρώτα στη Γαλλία πιο κοντά προς το τέλος του 19ου αιώνα. Πριν από την εμφάνιση αυτής της κατεύθυνσης, οι ακίνητες βλάστηση, τα πορτραίτα και ακόμη και τα τοπία γράφτηκαν κυρίως από καλλιτέχνες σε στούντιο. Οι εικόνες των ιμπρεσιονιστών δημιουργήθηκαν συχνά σε εξωτερικούς χώρους και τα οικόπεδα τους έγιναν πραγματικές φευγαλέες σκηνές από τη σύγχρονη ζωή. Και παρόλο που ο ιμπρεσιονισμός αρχικά επικρίθηκε, σύντομα συγκέντρωσε πολλούς οπαδούς και έβαλε την αρχή παρόμοιων κινήσεων στη μουσική και τη λογοτεχνία.

Διάσημους γαλλικούς ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες

Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι ο ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική ήταν μία από τις πιο διάσημες κατευθύνσεις της εικαστικής τέχνης: οι καλλιτέχνες που εργάστηκαν σε αυτό το ύφος έμειναν μετά από τον εαυτό τους καταπληκτικό καμβά, πνεύμονες, σαν γουλιά φρέσκου αέρα, γεμάτο φως και χρώματα. Πολλά από αυτά τα υπέροχα έργα γράφονται από τους ακόλουθους δασκάλους του ιμπρεσιονισμού, ο οποίος γνωρίζει κάθε αυτοσεβασκόμενο γνώρισμα της παγκόσμιας ζωγραφικής.

Eduard Mana

Παρά το γεγονός ότι η εντελώς δημιουργικότητα του Edward Man δεν μπορεί να τοποθετηθεί μόνο στο πλαίσιο του ιμπρεσιονισμού, ο ζωγράφος επηρέασε σε μεγάλο βαθμό την εμφάνιση αυτής της ροής και άλλοι γαλλικοί καλλιτέχνες που εργάζονται σε αυτό το στυλ θεωρούσαν τον ιδρυτή του ιμπρεσιονισμού και του ιδεολογικού εμπνευσμένου του. Οι άλλοι διάσημοι γαλλικοί ιμπρεσιονιστές ήταν καλοί κύριοι φίλοι: ο Edgar Degas, ο Pierre Augene Renoir, καθώς και ένας καλλιτέχνης-Impressionist με ένα παρόμοιο επώνυμο, το οποίο βάζει ένα αδιέξοδο των αρχαρίων στον κόσμο της ζωγραφικής, - Claude Monet.

Μετά τη γνωριμία με αυτούς τους καλλιτέχνες, πραγματοποιήθηκαν ιμπρεσιονιστικές αλλαγές στον εργάτη: άρχισε να προτιμά να προτιμά την εργασία σε εξωτερικούς χώρους, το φως, τα φωτεινά χρώματα, η αφθονία του φωτός και η κλασματική σύνθεση άρχισαν να επικρατούν στους πίνακες. Αν και από τα σκοτεινά λουλούδια, εξακολουθεί να μην αρνείται και τα τοπία προτιμούν τη ζωγραφική στο είδος του νοικοκυριού - αυτό μπορεί να εντοπιστεί στα έργα του ζωγράφου "μπαρ στο Foli-Berger", "Μουσική στο Tuilery", "Πρωινό στο γρασίδι "," Κούκλα Latuille, "" Argent "και άλλοι.

Claude monet

Το όνομα αυτού του γαλλικού καλλιτέχνη, ίσως, τουλάχιστον μία φορά στη ζωή του ακούσει το καθένα. Ο Claude Monet ήταν ένας από τους ιδρυτές του Impressionism, και ήταν η εικόνα του "εντύπωση: ανερχόμενη ηλιοφάνεια" έδωσε το όνομα σε αυτό το κίνημα.

Στη δεκαετία του 1960 του 19ου αιώνα, ένας ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης ήταν ένας από τους πρώτους που δούλευαν τη γραφή των έργων ζωγραφικής στον καθαρό αέρα και πολλοί αργότερα δημιούργησαν μια νέα πειραματική προσέγγιση στην εργασία. Αποτελείται με την παρατήρηση και την εικόνα του ίδιου θέματος σε διαφορετικούς χρόνους της ημέρας: έτσι η όλη σειρά υφασμάτων δημιουργήθηκε με θέα την πρόσοψη του καθεδρικού ναού Ruan, απέναντι από την οποία ο καλλιτέχνης εγκαταστάθηκε ακόμη και για να μην χάσει το κτίριο από το θέαμα.

Μελετώντας τον ιμπρεσιονισμό στη ζωγραφική, μην χάσετε τα έργα του Monet, όπως το "πεδίο παπαρούνας της Αργίας", "περπατήστε στο βράχο στο Purville", "Γυναίκες στον κήπο", "Κυρία με μια ομπρέλα", "Boulevard Kapuchini", καθώς και μια σειρά έργων "νούφαρα νερού".

Pierre Auguste Renoir

Αυτός ο ατακταστικός καλλιτέχνης είχε ένα μοναδικό όραμα της ομορφιάς, το οποίο έκανε τον Renoire με έναν από τους πιο διάσημους εκπροσώπους αυτής της κατεύθυνσης. Πρώτα απ 'όλα, είναι διάσημο για τις φωτογραφίες του από θορυβώδη παρισινική ζωή και αναψυχή το αργά το 19ο αιώνα. Η Renoir γνώριζε τέλεια πώς να δουλέψει με το χρώμα και το φως, ιδίως την εξαιρετική ικανότητά του να γράφει γυμνή φύση, με μοναδική μετάδοση τόνου και υφές.

Ξεκινώντας ήδη από τη δεκαετία του '80, ο ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης άρχισε να είναι πιο διατεθειμένος για την κλασική επιστολή της επιστολής και έγινε ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική της Αναγέννησης, η οποία τον ανάγκασε να συμπεριλάβει πιο σαφείς γραμμές και μια σαφή σύνθεση στην ώριμη δουλειά του. Ήταν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ότι ο Pierre Augene Renoir δημιουργεί μερικά από τα πιο αυστηρά έργα της εποχής του.

Δίνουμε ιδιαίτερη προσοχή στον καμβά του Ρακερίου ως το "πρωινό των κωπηλαίων", "Ball in Moulin de la Galette", "Χορός στο χωριό", "Ομπρέλες", "Χορός στο Buhval", "Κορίτσια για το πιάνο ".

Edgar degas

Στην ιστορία της τέχνης, ο Edgar Dega παρέμεινε ως ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνη, αν και ο ίδιος αρνήθηκε αυτή την ετικέτα, προτιμούσε να ονομάσει τον εαυτό του πιο ανεξάρτητο καλλιτέχνη. Πράγματι, έπεσε ένα συγκεκριμένο ενδιαφέρον για τον ρεαλισμό, ο οποίος διακρίνει τον καλλιτέχνη από άλλους ιμπρεσιονιστές, αλλά ταυτόχρονα χρησιμοποίησε στο έργο του πολλές τεχνικές ιμπρεσιονιών, ειδικότερα, το ίδιο "έπαιξε" με το φως και το λάτρεις της εικόνας των σκηνών από την αστική ζωή.

Η DEGI προσέλκυσε πάντα μια φιγούρα ενός ατόμου, απεικονίζει συχνά τραγουδιστές, χορευτές, πλυντήριο, επιδιώκοντας να απεικονίσει το ανθρώπινο σώμα σε διάφορες θέσεις, για παράδειγμα, στις καμβάδες "χορού τάξη", "πρόβα", "Συναυλία στο Coffassador Cafe, "Όπερα Ορχήστρα", "Χορευτές σε μπλε χρώμα".

Camille Pisserro

Ο Pissarro ήταν ο μόνος καλλιτέχνης που συμμετείχε σε όλες τις οκτώ εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών από το 1874 έως το 1886. Ενώ οι εικόνες των ιμπρεσιονιστών είναι γνωστοί για τα οικόπεδα των αστικών και χώρων ανάπαυσης, οι πίνακες του Pisser δείχνουν τον θεατή την καθημερινή ζωή των γαλλικών αγροτών, που απεικονίζουν μια ρουστίκ φύση σε διάφορες συνθήκες και με διαφορετικό φωτισμό.

Γνωρίζω με τους πίνακες ζωγραφικής που έγραψε αυτός ο ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης, πρώτα απ 'όλα αξίζει να δείτε το έργο "Boulevard Montmartre τη νύχτα", "συγκομιδή στην Eustia", "η Jacia ξεκουράζει", "κήπος στο Pontoise" και "είσοδος στο Vouisen's χωριό."

Παρουσίαση " Ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική"Γνωρίστε τα έργα των εξαιρετικών γαλλικών καλλιτεχνών: Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Alfred Sisley και Auguste Renoara θα πει για την επανάσταση που έχουν κάνει στην τέχνη.

Ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική

Σχετικά με την προέλευση του όρου " ιμπρεσιονισμός "Θα πω μόνο για παραγγελία, είμαι βέβαιος ότι ο περίεργος αναγνώστης μου το γνωρίζει από τα σχολικά χρόνια. Για πρώτη φορά, ο όρος αυτός εμφανίστηκε σε ένα κρίσιμο άρθρο στην εφημερίδα " Sharivari.", Αφιερωμένο στην έκθεση καλλιτεχνών που αποφάσισαν να δείξουν εργασία, που δεν έγιναν δεκτές στο σαλόνι, όπου η ακαδημαϊκή τέχνη χαιρετίστηκε εκείνη την εποχή. Οι ήρωες που αγαπούν την ελευθερία μας, που δεν θέλουν να υπακούσουν σε κανόνες, που επιτυγχάνονται από την άδεια του αυτοκράτορα Ναπολέοντα ΙΙΙ για να οργανώσουν την έκθεση τους. Η πρώτη τέτοια ενέργεια το 1863 ονομάστηκε " Σαλόνι" Μετά από δέκα χρόνια, οι καλλιτέχνες τοποθετούνται ξανά. Σε αυτή την έκθεση, μεταξύ άλλων παραθύρων, το κοινό ήταν και η διάσημη εικόνα του κόσμου Claude Monet "εντύπωση. Ανατολή ηλίου", Έδωσε το όνομα μια υπέροχη κατεύθυνση στην τέχνη.

Οι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές υπήρχαν και υπάρχουν πολλά. Η παρουσίασή μου είναι αφιερωμένη μόνο στη δημιουργικότητα των πέντε πιο σημαντικών. Κάθε δημιουργικό πρόσωπο αντιπροσωπεύει τέλεια πόσο δύσκολο είναι να παραμείνετε πιστοί στις ιδέες του σε μια αυταρχική κοινωνία. Οι ήρωές μας συχνά αποδείχθηκαν σε μια απελπιστική κατάσταση, χωρίς να έχουν κεφάλαια για να τροφοδοτήσουν την οικογένεια (από το Camille Pissarro, για παράδειγμα, υπήρχαν επτά παιδιά!).

Τέχνη και επιστήμη

Το άνοιγμα των ιμπρεσιονιστών στον τομέα της τέχνης ήταν άρρηκτα συνδεδεμένες με τις επιστημονικές ανακαλύψεις και δημιουργικές γνώσεις των προκατόχων τους. Ο κύριος κανόνας των ζωγράφων-ιμπρεσιονιστές ήταν η κατάσταση της εργασίας Στο plenier. Αυτή η ιδέα δεν ήταν νέα. Στο Pleaire, έγραψαν τα υπέροχα, ζωντανά τοπία τους, αλλά, όχι Μπαρβιζόνια, ούτε οι ιμπρεσιονιστές θα μπορούσαν να εργαστούν στον αέρα, αν το 1841, το αμερικανικό πορτρέτο του John Rend δεν εφευρέθηκε από τον κασσίτερο, συμπιεστικό σωλήνα για τα χρώματα λαδιού. Η εφεύρεση της φωτογραφίας δεν μπορούσε να επηρεάσει τη μοίρα της ζωγραφικής. Με την ευκαιρία, ένας από τους πρώτους επαγγελματικούς φωτογράφους Ralph Nadar ήταν ένας φίλος των ιμπρεσιονιστών και ικανοποίησαν τις πρώτες εκθέσεις τους στο εργαστήριό του.

"Αυτή η θεωρία, ο φίλος μου ..."

Σε αντίθεση με τη ζωγραφική στα τοπία των ιμπρεσιονιστών, δεν θα βρούμε βάθος και ψυχή. Το καθήκον των ηρώων της παρουσίασής μου ήταν να συλλάβει τη στιγμιαία κατάσταση του αέρα στον καμβά. Ο κύριος χαρακτήρας των καλλιτεχνών-ιμπρεσιονιστές δεν ήταν η φύση, αλλά Φως και αέρας, αλλάζοντας κάθε στιγμή. Για να πιάσετε αυτές τις αλλαγές και δοκιμάσει Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley. Αυτή η επιθυμία οφείλει την ύπαρξη της διάσημης σειράς Claude Monet: "Stacks", "Ruran Cathedral", "Stop Lazar", "λεύκα", το κτίριο του Κοινοβουλίου του Λονδίνου "," Nimifia "και άλλοι. Σε σύνδεση Gallerix.ru. Μπορείτε να δείτε αυτές τις εικόνες σε καλή ποιότητα.

Ιμπρεσιονιστικές ιδέες

• Κανένα χρώμα δεν υπάρχει από μόνο του. Μορφή και βαφή - αδιάσπαστες έννοιες. Το φως προκαλεί φόρμες. Το φως εξαφανίζεται, τα σχήματα και τα χρώματα εξαφανίζονται.

• Κάθε χρώμα αποτελείται από στοιχεία ηλιακού φωτός, στη συνέχεια - υπάρχει από 7 τόνους του φάσματος.

• Το γεγονός ότι προηγουμένως ονομάζεται τοπικός τόνος - αυταπάτη: ένα φύλλο δεν είναι πράσινο, ο κορμός ενός δέντρου δεν είναι καφέ.

• Ο αέρας είναι ο μόνος πραγματικός οικόπεδο των έργων ζωγραφικής, μόνο μέσω αυτού βλέπουμε ότι όλα απεικονίζονται σε αυτό.

• Ο ζωγράφος θα πρέπει να γράψει μόνο από τα επτά των χρωμάτων φάσματος και να εκδιώξει όλα τα υπόλοιπα από την παλέτα. Αυτό είναι που έγινε τολμηρό claude monet, προσθέτοντας μόνο λευκό και μαύρο. Στη συνέχεια, αντί να διαμορφώσετε ένα μείγμα στην παλέτα, θα πρέπει να εισάγει μόνο τα εγκεφαλικά επεισόδια επτά καθαρού χρώματος σε καμβά, αναδιπλώνει μόνο τους κοντά στο άλλο, παρέχοντας ξεχωριστά χρώματα για να ενταχθούν στο μείγμα ήδη στο μάτι του θεατή, επομένως, όταν κάνετε το ίδιο το φως. Αυτή είναι η θεωρία της αποσύνθεσης των τόνων, η οποία αποτελεί την κύρια βάση της τεχνικής των ιμπρεσιονιστών.

• Το φως γίνεται το μοναδικό οικόπεδο των έργων ζωγραφικής, το ενδιαφέρον για τα θέματα στα οποία παίζει γίνεται δευτεροβάθμια.
  Volynsky. Πράσινο δέντρο της ζωής

"Οι απολιθωτές μεταμόρφωσαν την αντίληψη της ζωγραφικής και της φύσης. Είναι απίθανο ότι μετά από τους εραστές της τέχνης ή του καλλιτέχνη που θα αποφασίσει να υποστηρίξει ότι ο ουρανός είναι απλά μπλε, το χιόνι είναι λευκό, και το γρασίδι είναι χόρτα. Χωρίς να παρατηρούμε ότι, τώρα κοιτάζουμε τον κόσμο μέσα από το πρίσμα της ιμπρεσιονιστικής ζωγραφικής. Άνοιξαν την ευκαιρία να δουν όχι μόνο ένα συγκεκριμένο αντικείμενο, αλλά ότι "τι ζει μεταξύ του καλλιτέχνη και του θέματος της εικόνας". Φυσικά, είχαν μεγάλους προκατόχους, αλλά το παράθυρο στον κόσμο του ήλιου και ο αέρας άνοιξε τόσο ευρέως από ιμπρεσιονιστές »
Fomin n.n.

Στην ιστοσελίδα Arthive υπάρχει ένα ενδιαφέρον υλικό αφιερωμένο στους ιμπρεσιονιστές: " Ταξιδεύοντας στη Γαλλία με ιμπρεσιονιστές ". Οι οπαδοί της ιμπρεσιονιστικής τέχνης θα είναι ενδιαφέρον.

Εάν αποφασίσετε να δείτε την παρουσίασή μου, τότε μην είστε τεμπέληδες για να το κατεβάσετε στον υπολογιστή σας (, ωστόσο, αποδείχθηκε πολύ σκληρά, ήθελα να κάνω όμορφα και η μορφή PNG είναι βαριά). Διαφορετικά, πολλά εφέ κινουμένων σχεδίων δεν θα λειτουργήσουν.

Βιβλιογραφικές αναφορές:

• Τέχνη. Εγκυκλοπαίδεια μικρών παιδιών. - Μ.: Ρωσική Εγκυκλοπαιδική, 2001.
• Εγκυκλοπαίδεια για παιδιά. Τ.5. Τέχνη. - M.: Avanta +, 2000.
• Εγκυκλοπαιδεία. Τοπίο. - m.: "Εκπαίδευση OLMA-Τύπου", 2002.
• Μεγάλοι καλλιτέχνες. Τόμος 72. Camille Jacob Pissarro. - Μ.: Εκδοτικός οίκος "Direct-Media", 2011.
• Beckett Β. Ιστορία της ζωγραφικής. - Μ.: LLC "Εκδόσεις Astrel": AST Εκδοτικός Οίκος, 2003.
• Μεγάλοι καλλιτέχνες. Τόμος 25. Edgar erer Jerma Degas. - M.: Εκδότης "Direct-Media", 2010.
• Μεγάλοι καλλιτέχνες. Τόμος 59. Alfred Sisley. - M.: Εκδότης "Direct-Media", 2010.
• Μεγάλοι καλλιτέχνες. Τόμος 4. Claude Monet. - M.: Εκδότης "Direct-Media", 2009.
• Emokhonova l.g. Παγκόσμια καλλιέργεια τέχνης: Μελέτες. Εγχειρίδιο για μελέτες περιβάλλοντα Ped. σπουδές. ιδρύματα. - Μ.: Εκδοτικό Κέντρο "Ακαδημία", 1998.
• Lvova E.P., Sarabenov D.V., Borisova Ε.Α., Fomin N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Παγκόσμια τέχνη. XIX αιώνα. Καλή τέχνη, μουσική, θέατρο. - SPB.: Peter, 2007.
• Raymond Konya. Pissarro. - M.: Word, 1995
• Samin dk Εκατό σπουδαίοι καλλιτέχνες. - m.: Veva, 2004.

Καλή τύχη!

Η αναζήτηση πολλών Mane πήραν και αναπτύχθηκαν από μια ομάδα καλλιτεχνών που μπήκαν στην ιστορία της τέχνης με το όνομα των ιμπρεσιονιστών. Ο ιμπρεσιονισμός είναι η τελευταία σημαντική καλλιτεχνική ροή της τέχνης του 19ου αιώνα - προέρχεται από τη Γαλλία στη δεκαετία του 1860. Το όνομά του προέρχεται από τη γαλλική λέξη εντύπωση - την εντύπωση. Το λεγόμενο το τοπίο του Claude Monet ("Ανατολή. Sunrise", 1872), που εμφανίζεται το 1874 μαζί με τα έργα άλλων νέων γαλλικών καλλιτεχνών στην έκθεση "Ανεξάρτητη" στο Paris. Αυτή ήταν η πρώτη έκθεση των ιμπρεσιονιστών, αν και μέχρι εκείνη την εποχή οι κορυφαίοι εκπρόσωποι του ιμπρεσιονισμού ήταν ήδη αρκετά σχηματισμένοι από καλλιτέχνες.
Ο ιμπρεσιονισμός είναι ένα πολύπλοκο καλλιτεχνικό φαινόμενο, προκαλώντας αντιφατικές αξιολογήσεις μέχρι σήμερα. Είναι εν μέρει λόγω του γεγονότος ότι οι καλλιτέχνες με έντονη ατομικότητα μαζί του συνδέονται μαζί του, συχνά με πολύ μη συντονισμένες δημιουργικές αναζητήσεις. Ωστόσο, ορισμένα σημαντικά κοινά χαρακτηριστικά μας επιτρέπουν να ενώσουμε έναν αριθμό πλοιάρχων γαλλικών εικαστικών τεχνών (καθώς και τη λογοτεχνία και τη μουσική) σε ένα μόνο ρεύμα.
Ο ιμπρεσιονισμός προέκυψε στα βάθη της γαλλικής ρεαλιστικής τέχνης. Νέοι εκπρόσωποι αυτής της ροής που ονομάζονται στους οπαδούς του ρολογιού. Εκτός από τον ρεαλισμό των μέσων 19ου αιώνα, τον ιμπρεσιονισμό, ειδικά στα πρώτα στάδια της ανάπτυξής της, σε αντίθεση με την επίσημη ακαδημαϊκή τέχνη. Οι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές απορρίφθηκαν από το σαλόνι, η τέχνη τους αντιμετώπισε έντονη επιθέσεις επίσημης κριτικής.
Μετά τους δασκάλους του ρεαλισμού των μέσων του αιώνα, οι ιμπρεσιονιστές αντιτάχθηκαν στους νεκρούς, σχισμένο από τη ζωή της ακαδημαϊκής τέχνης. Με το κύριο καθήκον του, θεωρούσαν την εικόνα της σύγχρονης πραγματικότητας στις διάφορες μεμονωμένες εκδηλώσεις της. Προσπάθησαν να συλλάβουν τα απλούστερα κίνητρα της σύγχρονης ζωής και της φύσης, οι οποίες προηγουμένως σπάνια προσέλκυσαν την προσοχή των καλλιτεχνών. Διαμαρτύρονται ενάντια στην ξηρότητα και την απόσπαση της ακαδημαϊκής τέχνης, εναντίον των υπό όρους γραμματόσημα και τα συστήματα, οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να μεταφέρουν όλη τη φρεσκάδα των άμεσων εντυπώσεων τους από την πραγματικότητα, τον πολύχρωμο πλούτο του ορατού κόσμου, την ποικιλομορφία και τη μεταβλητότητά του. Ως εκ τούτου, η αναζήτηση μιας νέας δημιουργικής μεθόδου που χαρακτηρίζει τον ιμπρεσιονισμό, αναπτύσσοντας μερικά νέα καλλιτεχνικά εκφραστικά εργαλεία. Αυτό είναι κυρίως μια περίεργη κατανόηση της σύνθεσης, ελεύθερης, άμεσης, σαν να τυχαία, ενδιαφέρον για τη μεταφορά της δυναμικής του περιβάλλοντος κόσμου, τέλος, ιδιαίτερη προσοχή στα γραφικά προβλήματα, στη μετάδοση του φωτός και του αέρα. Έχοντας προφητηθεί ως υποχρεωτική απαίτηση για να εργαστείς στον παίκτη, οι ιμπρεσιονιστές έχουν εμπλουτισμένη ζωγραφική από πολλά επιτεύγματα χρώματος, ξεπέρασε τη συμβατικότητα του πολύχρωμου γάμμα χαρακτηριστικού των περισσότερων προκατοχών τους, έχει επιτύχει μεγάλη επιτυχία στη μετάδοση ενός περιβάλλοντος φωτός, τα αποτελέσματα του φωτός στο χρώμα. Όλα αυτά ενημερώνουν τη ζωγραφική των ιμπρεσιονιστών. Φρεσκάδα και πολύχρωμο πλούτο.
Ωστόσο, η πληρωμή του φόρου τιμής στην αδιαμφισβήτητη ρεαλιστική κατάκτηση των ιμπρεσιονιστών, είναι αδύνατο να μην σημειωθεί οι περιορισμοί της κοσμοθεωρίας και της μεθόδου τους. Η ίδια η προσέγγιση των ιμπρεσιονιστών στην εικόνα της πραγματικότητας ήταν από μόνη της ένας κίνδυνος ολίσθησης στην επιφάνεια των φαινομένων, αρνούμενη μεγάλη ζωτικότητα και όλες τις πιο κοινωνικές γενικεύσεις. Σε ένα seaken, πρώτα απ 'όλα, οι πιο άμεσα περνούν τον κόσμο γύρω τους, οι ιμπρεσιονιστές αποδίδουν κορυφαία σημασία σε μια οπτική εντύπωση. Η σταθεροποίηση του φευγαλέα, οι δρομολογημένες οπτικές αισθήσεις φτάνουν στην εντυπωσιακή αξιοπιστία στο έργο τους, αλλά μερικές φορές αντικαθιστά τη βαθιά και ολοκληρωμένη γνώση του κόσμου. Επομένως, αν και η τέχνη του ιμπρεσιονισμού εμπλουτίζεται με νέα οικόπεδα και μοτίβα, δεν λύνει πλέον τα μεγάλα θέματα υψηλής κοινωνικής σημασίας. Οι ιμπρεσιονιστές μεταδόθηκαν τέλεια στη φύση, αλουμινένιο από τον ήλιο και τον αέρα, το Rainbow τρεμοπαίζει τα χρώματα και τις υπερχείλιση του φωτός. Κατέλαβαν τη μαγευτική χρώματα και τη δυναμική της σύγχρονης ζωής στις καμβάδες τους. Άνοιξαν την καλλιτεχνική αξία πολλών κινήτρων πραγματικότητας. Αλλά δεν μπόρεσαν να εκφράσουν προηγμένα δημοκρατικά ιδανικά του χρόνου τους. Κοινωνικά, και μερικές φορές ψυχολογικά προβλήματα παύουν να ενδιαφέρουν αυτούς τους καλλιτέχνες και η τέχνη τους χάνει την ενεργό δημόσια σημασία που είχε προοδευτικό ρομαντισμό στη Γαλλία και τον δημοκρατικό ρεαλισμό. Ως εκ τούτου, σε σχέση με τον ιμπρεσιονισμό, μπορούμε να μιλήσουμε για τα στοιχεία της κρίσης της ρεαλιστικής τέχνης, η οποία στερείται από το πραγματικά δημοκρατικό περιεχόμενο και κρίσιμη οξεία.
Οι ιδεολογικοί περιορισμοί αυτής της ροής ήταν ο κύριος λόγος για τη βραχυπρόθεσμη ακμή. Η περίοδος αύξησης του εξπρεσιονισμού αναφέρεται στη δεκαετία του 1870 και στις αρχές της δεκαετίας του 1880. Το 1886 πραγματοποιήθηκε η τελευταία έκθεση των ιμπρεσιονιστών, αλλά υπήρχαν σημαντικές διαφορές στην ομάδα. Και παρόλο που στο μέλλον, πολλοί εξέχοντες κύριοι του ιμπρεσιονισμού εξακολουθούν να συνεχίζουν να εργάζονται, αυτοί ή να αναχωρούν από τις αρχές αυτού του μαθήματος, που αντιμετωπίζουν δυσαρέσκεια με τους περιορισμούς της (Renoir), ή δεν δημιουργούν πλέον τίποτα νέο νέο. Για μια κρίση, η οποία αντιμετωπίζει τον ιμπρεσιονισμό από τα μέσα της δεκαετίας του 1880, είναι ενδεικτική, ιδιαίτερα και το γεγονός ότι πολλά επιτεύγματα αυτής της ροής που ανακοινώνονται στα άκρα μετατρέπονται στο αντίθετο τους. Αυτή τη στιγμή, ορισμένοι καλλιτέχνες, όλο και περισσότερο αδιάφοροι για το περιεχόμενο της τέχνης τους, όλες οι δυνάμεις δίνονται σε γραφικές και τεχνικές αναζητήσεις, συχνά συνδυάζοντάς τα με διακοσμητικές τάσεις (Κ. Monte). Η επιθυμία για την ακριβή μεταβίβαση του ηλιακού φωτός τους οδηγεί σε υπερβολική παλέτα Lavey, την επιθυμία να συλλάβει τη δόνηση του αέρα - στην κατάχρηση του συστήματος χωριστών επιχρισμάτων. Οι επίμονες τεχνικές αναζητήσεις στον τομέα του φωτός και το χρώμα είναι συχνά σε εξέλιξη για τη ζημιά σε πλαστικό σχήμα και σχέδιο. Πολλοί ιμπρεσιονιστές, αρνείνοντας τη θεματική εικόνα οικόπεδο, έρχονται στα etuds, παραμένοντας την πλήρη, στοχαστική, ολιστική σύνθεση.
Μέχρι το 1886, όλες οι εργασίες που επεκταθούν με τον ιμπρεσιονισμό λύθηκαν. Ήταν αδύνατο να αναπτυχθεί περαιτέρω στη σφαίρα στενών καθηκόντων αυτού του τομέα, απαιτούσε επειγόντως την παραγωγή νέων μεγάλων θεμάτων, βαθύτερα προβλήματα, καθώς και μεγαλύτερο γεωγραφικό πλάτος και ποικιλομορφία της δημιουργικής μεθόδου.
Η απόκτηση και η προσέγγιση της πληρέστερης ακμή στη Γαλλία, ο ιμπρεσιονισμός από το τέλος της δεκαετίας του 1880 έλαβε διανομή σε άλλες χώρες όπου πολλοί εξέχοντες καλλιτέχνες προσχώρησαν σε αυτή τη ροή.
Edgar Degas. Με τον ιμπρεσιονισμό συνδέθηκε στενά από τον μεγαλύτερο γαλλικό καλλιτέχνη αυτού του χρόνου Edgar Degas (1834-1917). Ήταν ένας από τους διοργανωτές και τους συμμετέχοντες σχεδόν όλων των εκθέσεων των ιμπρεσιονιστών. Ωστόσο, σε αυτό το μάθημα, η Degas καταλαμβάνει μια ειδική θέση. Με τον ιμπρεσιονισμό, η επιθυμία του να συλλάβει τη δυναμική της σύγχρονης ζωής, το ενδιαφέρον για τη μεταφορά του φωτός, μερικές γραφικές και πολύχρωμες αναζητήσεις. Ταυτόχρονα, πολλά στη μέθοδο των ιμπρεσιονιστών ήταν βαθιά αλλοδαπός σε αυτόν. Συγκεκριμένα, δεν εγκρίνει τη δέσμευσή τους σε μια οπτική εντύπωση, λαμβάνοντας υπόψη την προσέγγισή τους στην πραγματικότητα πολύ παθητική. Η DEGI αρνήθηκε την εργασία στον παίκτη και σχεδόν όλοι οι πίνακές του που δημιουργήθηκαν στο εργαστήριο. Συνοψίζοντας τις παρατηρήσεις του στη φύση, ο καλλιτέχνης πάντα προσπάθησε να μεταφέρει την ύπαρξη και τον χαρακτήρα του. "Είναι αδύνατο να φανταστούμε την τέχνη λιγότερο άμεσα από τη δική μου, δήλωσε ο Degas. - Η δουλειά μου είναι το αποτέλεσμα της προβληματισμού, μελετώντας τους Δασκάλους, αυτό είναι θέμα έμπνευσης, χαρακτήρα, παρατήρηση ασθενών. "
Η DEGAS πέρασε ακαδημαϊκό σχολείο στο εργαστήριο του Lamott. Το χόμπι του ENGROM και ο Pussen επηρέασε τα πολλά πρώιμα έργα του καλλιτέχνη που λύνεται στο κλασικό πνεύμα ("ανταγωνισμός της Σπαρτάν Νεολαίας και Κορίτσι", 1860, Λονδίνο, Εθνική Πινακοθήκη). Ήδη σε αυτούς τους πίνακες υπάρχει μια εγγενής καταστροφή της σχεδίασης δεξιότητας, ενδιαφέρον για τη μεταφορά κίνησης, καθώς και την επιθυμία ενημέρωσης της ακαδημαϊκής ζωγραφικής με οξεία παρατήρηση της φύσης. Στο μέλλον, η DEGAS απευθύνεται αποκλειστικά στην εικόνα της σύγχρονης ζωής. Τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά της κυριαρχίας της DEGI συνήθιζαν να εκδηλωθούν στα πορτρέτα του, πολλά από τα οποία μπορούν να κληθούν μεταξύ των καλύτερων δειγμάτων ενός ρεαλιστικού πορτρέτου της νέας εποχής. Μεταφέρουν μοντέλα ειλικρινά και με ακρίβεια διαφέρουν με ακρίβεια τη σοβαρότητα και τη λεπτότητα των ψυχολογικών χαρακτηριστικών, την πρωτοτυπία των σύνθετων λύσεων, την κλασική σοβαρότητα του σχεδίου, εξελιγμένα από την ικανότητα του χρώματος. Μεταξύ αυτών, μπορείτε να καλέσετε ένα πορτρέτο της οικογένειας Bellel (1860-1862, Λούβρο), ένα γυναικείο πορτρέτο (1867, το Παρίσι, το Λούβρο), ένα πορτρέτο του πατέρα του καλλιτέχνη και έναν παγανιστικό κιθαρίστα (εντάξει 1872, Σικάγο, Μια ιδιωτική συνέλευση) και η καταπληκτική, οι ικανότητες και η αμεσότητα της αποφάσεως Πορτρέτο ενός σκανδάλου με κόρες ("πλατεία Concord", 1873).
Τα έργα του είδους της Degas κάνουν μια λαμπρή εικόνα των ηθών του σύγχρονου Παρισιού. Τα θέματα αυτών είναι διαφορετικά και καλύπτουν πολλά φαινόμενα της σύγχρονης πραγματικότητας. Η κατάσταση παρατήρησης και η προσεκτική μελέτη της φύσης συχνά συνδυάζονται σε αυτά με ειρωνεία και απαισιόδοξες στάσεις στις απεικονισμένες. Η DEGI συχνά επικεντρώνει την προσοχή τους στις μη διαθέσιμες πλευρές της πραγματικότητας και τα μεταδίδει με μια ψυχρή ανελέητη εγγενή στο σκεπτικό μυαλό του. Αυτό είναι χαρακτηριστικό των φωτογραφιών του που απεικονίζουν τη ζωή της Βοημίας, οι επισκέπτες του καφέ, οι τραγουδιστές μιλούν σε cafe-συναυλίες. Έτσι, στη διάσημη ζωγραφική "AbsinThe" 1876, Λούβρο), η Degi κατάφερε με μεγάλη ρεαλιστική πειστικότητα και ευκρίνεια για να συλλάβει τη χαρακτηριστική σκηνή της σύγχρονης ζωής και να δημιουργήσει εκφραστικές εικόνες δύο μειωμένων ανθρώπων.
Το αγαπημένο θέμα της δημιουργικότητας της DEGI ήταν το θέατρο, μπαλέτο. Ο καλλιτέχνης με ίση δεξιότητα απεικονίζει βαρετές κουραστικές εβδομαδιαίες μπαλαρίνες - μαθήματα, πρόβες, σκηνές στις τουαλέτες και πολύχρωμες, εορταστικές εορταστικές παραστάσεις μπαλέτου. Σε αυτά τα έργα, ο εγγενής ο Degius επηρεάζεται από την ικανότητα να πιάσει και να μεταδίδει συχνά παροδικές, στιγμιαίες, αλλά πάντα χαρακτηριστικές στάσεις και κίνηση των αριθμών, εκφράσεις του προσώπου.
Η προσοχή της DEGA προσέλκυσε και τις δύο σκηνές εργασίας. Σε πολλές εικόνες του πλυντηρίου (Παρίσι, Λούβρο, Νέα Υόρκη, μια ιδιωτική συλλογή), ο καλλιτέχνης κατόρθωσε να μεταφέρει και τη βαρύτητα και την κουραστική του μονοτονία. Σε αυτά τα έργα, οι DEGAS συχνά αυξάνονται στις κοινωνικές γενικεύσεις σε χαρακτηριστικές και οξεία μεταδιδόμενες εικόνες γυναικών από τον λαό. Είναι αλήθεια, σε αντίθεση με το σπίτι, δεν είναι χαρακτηριστικό για την επιθυμία να τονίσει την ηθική δύναμη και την αξιοπρέπεια ενός απλού ατόμου.
Ο γραφικός τρόπος της Degas αναπτύσσεται από την προσοχή στα πρώτα έργα για να γίνει περισσότερη ελευθερία και γεωγραφικό πλάτος. Στη γραφική αναζήτηση του, πλησιάζει σε μεγάλο βαθμό τους ιμπρεσιονιστές. Η παλέτα του φωτίζει, χρησιμοποιεί καθαρό χρώμα, το επιβάλλει με ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια ή εγκεφαλικά επεισόδια (σε παστέλ). Ο καλλιτέχνης δείχνει ένα μεγάλο ενδιαφέρον για τη μετάδοση του φωτός (κυρίως τεχνητού) και αέρα. Το τελευταίο επηρεάζει ιδιαίτερα πολλές εικόνες αγώνων. Ωστόσο, η κατά προσέγγιση, η μονοτονία και ο περιορισμένος τρόπος των ιμπρεσιονιστών ήταν ασυνήθιστοι. Γραφικές αναζητήσεις, τεχνικά πειράματα, ανάπτυξη αιχμηρών και ποικίλων πολύχρωμες αποφάσεις της DEGI σε συνδυασμό με ένα αυστηρό πρότυπο και μεγάλη προσοχή στη σύνθεση. Με όλες τις ζωντανές, οι εκπλήξεις και η αμεσότητα της σύνθεσης DEGI θεωρείται πάντα και χτίστηκε κυριότερα.
Στην καθυστερημένη περίοδο της δημιουργικότητας της DEGI, εργάστηκε κυρίως σε τεχνικές παστέλ, που συχνά απεικονίζουν γυμνό χαρακτήρα. Αυτές είναι συνήθως γυναίκες που ασχολούνται με νιπτήρα, χτένισμα μαλλιών, που βγαίνουν από ένα ντύσιμο μπάνιου. Ο καλλιτέχνης διορθώνεται απότομα σε αυτά τα έργα ποικίλη, μερικές φορές αμήχανες και άσχημες κινήσεις του ανθρώπινου σώματος, όλα αυτά τα έργα χαρακτηρίζονται από υψηλή και αρχική ικανότητα. Ωστόσο, η σχεδόν εξαιρετική έκκληση της καταστροφής στην εικόνα της γυμνής φύσης υποδεικνύει τους διάσημους ιδεολογικούς και θεματικούς περιορισμούς της καθυστερημένης δημιουργικότητάς του.
Εκτός από πίνακες με πετρέλαιο και παστέλ, η DEGI άφησε πολλά έργα στο γράφημα. Πραγματοποίησε επίσης μια σειρά γλυπτών (μπαλαρίνα, jockey με άλογα, γυμνό χαρακτήρα), κυρίως στο τέλος της ζωής, όταν, ενόψει της σχεδόν πλήρους απώλειας όραμα, στερήθηκε της ευκαιρίας να εργαστεί στη ζωγραφική.
Η DEGI είχε μεγάλη επιρροή σε πολλούς γάλλους καλλιτέχνες των τελευταίων 19ου αιώνα, ιδίως στους λεγόμενους "καλλιτέχνες της Μονμάρτρης". Henri Toulouse-Lotrek (1864-1901), ένα αιχμηρό συρτάρι και ένα λεπτό χρωματιστό, ο οποίος εργάστηκε πολύ σε μια αφίσα και δημιούργησε σε μια σειρά από λιθογραφία εκφραστική, συχνά σατρική, μη στερημένη κρίσιμα χαρακτηριστικά του Παρισιού Boghele σε μια σειρά λιθογραφιών .
Pierre Auguste Renoir. Φυσικά, το έργο της Renuara (1841-1919) είναι ένας από τους σημαντικότερους εκπροσώπους του ιμπρεσιονισμού. Σε αντίθεση με την Degi, ήταν ένας χαρούμενος καλλιτέχνης, που κατέλαβε στις ποιητικές εικόνες του καμβά των σύγχρονων παρισίων και πολύχρωμες σκηνές της παριζιάνιας ζωής. Η Renoir ξεκίνησε την καλλιτεχνική του δραστηριότητα ως ζωγράφος στην πορσελάνη. Στο εργαστήριο της Gleira, όπου σπούδασε ζωγραφική για μικρό χρονικό διάστημα, η Renoir έγινε κοντά στον Κ. Monet και Sishal, διαιρώντας μαζί τους την απόρριψη της ακαδημαϊκής ρουτίνας και το πάθος του Κούμπα. Η επίδραση του τελευταίου χαρακτηρίστηκε από πολλά από τα έργα του Renuar, που έγιναν τη δεκαετία του 1860, για παράδειγμα, η "Kabachi Aunt Antonia" (1865, Στοκχόλμη, Εθνικό Μουσείο), ένα πορτρέτο ενός Sisty με τη σύζυγό του (1868, Κολωνία, Μουσείο Vallraf Richard), "Λίζα" (1867, Έσσεν, Μουσείο Folkwang). Ήδη σε αυτά τα πρώτα έργα, η Renoir πληρώνει σημαντική προσοχή στη μεταφορά φωτός και γραφικά και πολύχρωμα προβλήματα.
Εικόνες που γίνονται στα τέλη της δεκαετίας του 1860, ειδικότερα, "Σημαίες" (1868-1869, Μόσχα, ΓΤΟ), περιθώριο την αρχή μιας ιμπρεσιονιστικής περιόδου στο έργο του καλλιτέχνη όταν εκτελεί τα πιο διάσημα έργα του. Αυτή τη στιγμή (το τέλος της δεκαετίας του 1860 και του 1870) γράφει κυρίως πορτρέτα και ζωγραφιές του είδους, πληρώντας κάποια προσοχή και τοπίο.
Μεταξύ των πορτρέτων του Renoire είναι τα πιο επιτυχημένα παιδιά και γυναίκες. Τα έργα του, όπως το "Lodge" (1874, Λονδίνο, Ινστιτούτο Κούρτο), "Κορίτσι με ανεμιστήρα" (Ερμιτάζ), "Πορτρέτο της κυρίας Sharpate με τα παιδιά" (1878, Νέα Υόρκη, Μητροπολιτικό Μουσείο), Πορτρέτο των καλλιτεχνών Samari (1877, Μόσχα, ΓΤΟ), αναδημιουργία των χαρακτηριστικών εικόνων του σύγχρονου Παριζιάνικου σε αυτόν, την περίεργη, μοναδική γοητεία τους. Αυτά τα πορτρέτα δεν μπορούν να ονομαστούν ψυχολογικά, αλλά προσελκύουν γραφική δεξιότητα και πειστικά για τη μεταφορά μοντέλων, τη ζωντάνια της έκφρασης, μια περίεργη ποίηση και εγγενή στην πλειοψηφία του Renoire έργα από το αίσθημα της πληρότητας της ζωής.
Οι ζωγραφιές του Genre Renoara δεν διακρίνονται από μια ποικιλία ή σημασία του θέματος. Εκδρομές σε χώρους Παριζιάνοι, υπαίθριες διακοπές - Αυτά είναι τα οικόπεδα πολλών ζωγραφιών του. Σε αυτά, όπως και σε όλα τα έργα του καλλιτέχνη, το χαρούμενο κοσμοθεωρό του και μια μερικότητα επιφανειακής, απλή στάση απέναντι στην πραγματικότητα επηρεάζουν. Αλλά η αξιοπρέπειά τους είναι η φρεσκάδα και το όραμα της ερμηνείας, η ικανότητα να αισθάνονται η ποιητική γοητεία απλά κίνητρα, αποκαλύπτουν τον γραφικό πλούτο της πραγματικότητας. Η γεύση του γίνεται ένα διαφορετικό, διαφορετικό και ουράνιο τόξο, το λαμπρό φως του ήλιου ρίχνει τον καμβά του, ένα κύλινδρο θορυβώδες πλήθος του Παρισιού δίνεται σε ενότητα με το περιβάλλον ελαφρύς αέρα, διαγράφοντας τα περιγράμματα των αριθμών και στερώνουν τα αντικείμενα της πλαστικής σιγουριά τους ("Moulin De La Gaette ", 1876, Παρίσι, Λούβρο." Πρωινό των Boatmen ", 1881, Ουάσινγκτον, Gallery Phillips). Λαμβάνοντας κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου οι αρχές και η μέθοδος του ιμπρεσιονισμού, η Renoir, εντούτοις, διατηρεί πλήρως την ατομική του κοσμοθεωρία και τις τεχνικές. Η γραφική του τεχνική συνδυάζει ένα κλασματικό επίχρισμα χαρακτηριστικό των ιμπρεσιονιστών και του lescing, η οποία δίνει στον καμβά του Renoire όχι μόνο ένα σπάνιο πολύχρωμο πλούτο, αλλά και χρωστική ενότητα.
Στην καθυστερημένη περίοδο της δημιουργικότητας, η Renoir μετακινείται μακριά από την εντύπωση και το ma. "Έφτασα στα όρια του ιμπρεσιονισμού και δήλωσα ότι δεν ξέρω πώς να γράψω, ούτε να σχεδιάσω" ο καλλιτέχνης έγραψε στις αρχές της δεκαετίας του 1880. Το πρόβλημα της μετάδοσης του φωτός και του αέρα το παίρνει αυτή τη φορά σημαντικά λιγότερα, δίνει μεγαλύτερη προσοχή στη σύνθεση, επιδιώκει να γενικευτεί, μνημειωτική, πλαστική ορισμός στην ερμηνεία των αριθμών. Ωστόσο, όλες οι αλλαγές που έρχονται στα έργα του καλλιτέχνη σχετίζονται με την μόνη επίσημη πλευρά της τέχνης του. Αυτή τη στιγμή, η Renoir περιορίζει επίσης το θέμα της δημιουργικότητάς του, πληρώνοντας προτιμησιακή προσοχή στην εικόνα της γυμνής φύσης. Το πάθος για επίσημα προβλήματα συνδυάζεται με αμιγώς διακοσμητικές τάσεις, η οποία οδηγεί σε σημαντικές μορφές κατασκευής μετατροπής και χρώμα σε πολλά αργότερα έργα του καλλιτέχνη.
Claude Monet. Όλα τα χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού βρήκαν την πιο πλήρη έκφραση στο έργο του Claude Monet (1840-1926). Ήταν ο ηγέτης αυτού του τρέχοντος, διατύπωσε για πρώτη φορά τις αρχές του, ανέπτυξε το πρόγραμμα του παίκτη και χαρακτηριστικό της γραφικής τεχνικής του ιμπρεσιονισμού. Με το όνομά του, πολλά επιτεύγματα αυτής της ροής συνδέονται. Και ταυτόχρονα, στην τέχνη του Monet, οι περιορισμοί του ιμπρεσιονισμού και της κρίσης, την οποία εμφανίστηκε από τα μέσα της δεκαετίας του 1880.
Τα πρώτα έργα του Monet σχετίζονται με τον ιμπρεσιονισμό με την ρεαλιστική τέχνη του Kurba, Coro και Korotov, και επίσης μαρτυρούν την επίδραση της Ε. Μανάνα. Είναι κυρίως τοπία, πορτρέτα και σγουρές συνθέσεις σε εξωτερικούς χώρους: "Πρωινό στο γρασίδι" (1866, Μόσχα, ΓΤΟ), "Camilla" (1866, Βρέμη, Μουσείο), "Γυναίκα στον κήπο" (1865-1866, Ερμιτάζ). Πολλοί από αυτούς γράφονται στο Pleinier, ο καλλιτέχνης δίνει μεγάλη προσοχή στη μετάδοση του φωτός. Από το τέλος της δεκαετίας του 1860, ο Monet εργάζεται σχεδόν αποκλειστικά στην περιοχή του τοπίου, μεταδίδοντας άμεσες εντυπώσεις της φύσης ή των αστικών στον καμβά της, δίνοντας μια αυξανόμενη αξία της μεταφοράς φωτός και αέρα. Η καλύτερη περίοδος του έργου του είναι η δεκαετία του 1870, όταν δημιουργεί πείθει και ολοκληρώσει τις διαθέσεις της εικόνας της γαλλικής φύσης, που χαρακτηρίζεται από μια μεγάλη φρεσκάδα και μια πολύχρωμη ελευθερία. Αυτή τη στιγμή, βρίσκει πολλά νέα μοτίβα τοπίου, απλή, αλλά ελκυστική, εισάγει την εικόνα της πόλης, των τετραγώνων και των λεωφόρων, ζωντανά με τα φλεγόμενα πληρώματα και ένα βιαστικό πλήθος. Για να εκφράσετε αυτά τα μοτίβα, ο καλλιτέχνης αναζητά τις κατάλληλες γραφικές τεχνικές - ζωντανές, καθαρό χρώμα, τριφύρωμα, ξεχωριστό εγκεφαλικό επεισόδιο ("Kapuchin Boulevard", 1873, Μόσχα, ΓΤΟ, τοπία που έγιναν στο Argente). Ωστόσο, στο μέλλον, η σταθεροποίηση του μεταβατικού φωτός και των ατμοσφαιρικών επιδράσεων γίνεται συχνά για το μονοκύλινδρο. Το σχήμα και τα περιγράμματα των αντικειμένων διαλύονται στο περιβάλλον φωτός, χάνουν πυκνότητα και σημαντικότητα, μετατρέπονται σε μη ακανόνιστα πολύχρωμα λεκέδες. Ο Monet προσπάθησε να επιστραφεί στην επιστημονική ακρίβεια στη μεταφορά του φωτός και του αέρα σε τοπικά χρώματα αντικειμένων, μελέτησε τους νόμους των πρόσθετων χρωμάτων, δίνοντας ιδιαίτερη προσοχή στη μεταφορά αντανακλαστικών και σε αυτή την πορεία των τεχνικών αναζητήσεων έφθασαν σημαντικές υπερβολές. Η επίσημη τεχνική πλευρά εκτοπίζεται βαθιά γνώση και αποκάλυψη της πραγματικότητας στο έργο του και αναχώρησε σε πολλά από τα μεταγενέστερα έργα του μια ολιστική καλλιτεχνική εικόνα. Το πιο κίνητρο της φύσης παύει να ενδιαφέρει τον καλλιτέχνη και στρέφεται μόνο στην πρόθεση για τη μεταφορά χρώματος και ελαφρού αέρα. Αυτό είναι ιδιαίτερα σημαντικό για τη δημιουργικότητα του Monet από τα τέλη της δεκαετίας του 1880, όταν δημιουργεί μια σειρά τοπίων που απεικονίζουν το ίδιο κίνητρο σε διαφορετικές χρονικές στιγμές της ημέρας: μια σειρά από στοίβες, καθεδρικούς ναυπηγούς, τύποι Τάμεσης, Βενετία. Η αντίληψη της φύσης σε αυτά τα έργα γίνεται όλο και πιο υποκειμενική και η επιθυμία να μεταφερθεί οι φευγαλέες οπτικές εντυπώσεις οδηγούν στην εγκατάλειψη της σύνθετης κατασκευασμένης εικόνας και την αντικατάστασή του με ένα τυχαίο etude. Πολλά μεταγενέστερα έργα του Monet σημειώθηκαν όχι μόνο από επίσημες τεχνικές, αλλά και διακοσμητικές αναζητήσεις. Αυτό καθορίζει σε ορισμένες περιπτώσεις μια σημαντική συμβατικότητα και η συζήτηση σύνθετων και χρωμάτων διαλύσεων (σειρά "καταρράκτες").
Όντας ο επικεφαλής του γαλλικού ιμπρεσιονισμού, ο Monet είχε μεγάλη επιρροή σε έναν αριθμό καλλιτεχνών που προσχώρησαν στην πορεία και εργάστηκαν κυρίως στον τομέα του τοπίου. Μεταξύ αυτών αναφέρονται κυρίως το Pussarro και το Sischi.
Camill Pissarro. Camill Pissarro (1830-1903) Σε πρώιμα έργα, αναπτύσσονται οι παραδόσεις του γαλλικού ρεαλιστικού τοπίου (Kurba, Coro, Barbizonians). Στη συνέχεια, από το τέλος της δεκαετίας του 1860, συγκεντρώνει με τον Ε. Manne και ομαδοποιείται γύρω του με νέους καλλιτέχνες, το Pissarro γυρίζει στον παίκτη, στην αναμμένη, ακτινοβολημένη παλέτα και γίνεται ένας από τους χαρακτηριστικούς αντιπροσώπους του γαλλικού ιμπρεσιονισμού. Στους πίνακές του, ο Pissarro απεικονίζει τους δρόμους του Rouran και το Παρίσι, τα προάστια και τα περίχωρά του, τις ακτές του Σηκουάνα, λιβάδια και τους επαρχιακούς δρόμους. Σε αντίθεση με άλλους ιμπρεσιονιστές, εισάγει συχνά τις μορφές των αγροτών στα αγροτικά του τοπία. Όπως όλοι οι ιμπρεσιονιστές, ο Pissarro πληρώνει πολλή προσοχή στη γραφική αναζήτηση, τη μετάδοση φωτός και αέρα. Ωστόσο, οι ελαφριές επιπτώσεις που σπάνια γίνονται στους πίνακές του από το κύριο κίνητρο. Στο καλύτερο τοπίο της, ο Pissarro Sololy αντιλαμβάνεται τη φύση, μεταφέρει τον πλούτο και μια ποικιλία της ζωής της. Συνοψίζοντας τις άμεσες εντυπώσεις του, ο καλλιτέχνης συνήθως σκέφτεται πλήρως μια σύνθετη κατασκευή του τοπίου και μπορεί να κάνει τα μνημειωτικά με τα πιο καθημερινά κίνητρα.
Alfred διογκώνεται. Περισσότερο λυρικό ήταν το έργο του Alfred Sisley (1839-1899). Comrade Mona στο εργαστήριο της Gleira, προεξέχει στα πρώτα έργα του στο Coro και Korotov, και στη συνέχεια έγινε ένας από τους πρώτους συμμετέχοντες στις εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών. Εργασία αποκλειστικά στον τομέα της ζωγραφικής τοπίου, η Sisley έγραψε συνήθως τη φύση του Ile de France. Ήταν προσέλκυσε από οικεία, άμεσα μοτίβα - πεδία, χωριά, τράπεζες ποταμών και καναλιών, και ήξερε πώς να αποκαλύψει την πρωτοτυπία και την ελκυστικότητα τους. Η Sisley διέθετε μια λεπτή αίσθηση χρώματος, που αλιεύθηκε αισθητά η μεταβλητότητα της φύσης, η κατάσταση του ελαφρού μέσου. Αλλά, λαμβάνοντας τη μέθοδο του ιμπρεσιονισμού, ήταν πιο συγκρατημένη στις επίσημες τεχνικές αναζητήσεις του από άλλους ιμπρεσιονιστές, ιδιαίτερα το Monet.

Εισαγωγή

Ιμπρεσιονισμός ως φαινόμενο στην τέχνη

Ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική

Καλλιτέχνες - Impressionsists

3.1 Claude Monet

3.2 Edgar Degas

3.3 Alfred Sisley

3.4 Camille Pisserro

συμπέρασμα

Βιβλιογραφική λίστα

Εισαγωγή

Αυτή η περίληψη είναι αφιερωμένη στον ιμπρεσιονισμό στη δήλωση της ζωγραφικής.

Ο ιμπρεσιονισμός είναι ένα από τα πιο λαμπρά και σημαντικότερα φαινόμενα της ευρωπαϊκής τέχνης, από πολλές απόψεις που καθορίζονται από όλη την ανάπτυξη της σύγχρονης τέχνης. Επί του παρόντος, το έργο που δεν αναγνωρίζεται στους εποχιακά τους ιμπρεσιονιστές αποτιμάται πολύ άκρως και τα καλλιτεχνικά πλεονεκτήματα τους είναι αδιαμφισβήτητα. Η συνάφεια του επιλεγμένου θέματος οφείλεται στην ανάγκη για κάθε σύγχρονο άτομο να κατανοήσει το ύφος της τέχνης, να γνωρίζει τα κύρια ορόσημα της ανάπτυξής της.

Επιλέξαμε αυτό το θέμα, επειδή ο ιμπρεσιονισμός ήταν ένα είδος επανάστασης στην τέχνη που άλλαξε την ιδέα των έργων τέχνης ως ολιστικά, μνημειώδη πράγματα. Ο ιμπρεσιονισμός έφερε την προσωπικότητα του δημιουργού στην πρώτη θέση, το δικό του όραμα του κόσμου, έσπρωξε πολιτικά και θρησκευτικά οικόπεδα στο παρασκήνιο, ακαδημαϊκούς νόμους. Είναι ενδιαφέρον, τα συναισθήματα και η εντύπωση, και όχι ο οικόπεδο και ο ηθικός ρόλος διαδραμάτισαν σημαντικό ρόλο στα έργα των ιμπρεσιονιστών.

Ιμπρεσιονισμός (fr. imrenternisme, ΟΤ. Εντύπωση - την εντύπωση) - η κατεύθυνση της τέχνης του τελευταίου τρίτου του XIX - η αρχή του 20ου αιώνα, προέρχονται από τη Γαλλία και στη συνέχεια εξαπλώθηκε σε ολόκληρο τον κόσμο, των οποίων οι εκπρόσωποί τους ζήτησαν το πιο φυσικό και περιττό να συλλάβουν τον πραγματικό κόσμο στο δικό του Κινητικότητα και μεταβλητότητα, μεταφέροντας τις εντυπώσεις τους. Συνήθως, υπό τον όρο "ιμπρεσιονισμός" σημαίνει μια κατεύθυνση στη ζωγραφική, αν και οι ιδέες του βρήκαν επίσης την ενσωμάτωσή τους στη λογοτεχνία και τη μουσική.

Ο όρος "ιμπρεσιονισμός" προέκυψε με το ελαφρύ χέρι του κριτηρίου του περιοδικού "Le Charivari" Louis Lurua, ο οποίος με τίτλο Feuilleton του για το σαλόνι της έκθεσης "Έκθεση Impressionists", λαμβάνοντας ως βάση το όνομα αυτής της εικόνας Claude Monet .

Aucture Renoir Κουπόνι, Μητροπολιτικό Μουσείο, Νέα Υόρκη

Πηγές

Στην εποχή της αναβάτης, οι ζωγράφοι της Ενετικής Σχολής προσπάθησαν να μεταφέρουν ζωντανή πραγματικότητα χρησιμοποιώντας φωτεινά χρώματα και ενδιάμεσους τόνους. Οι Ισπανοί εκμεταλλεύτηκαν τα πειράματά τους, αυτό εκφράζεται σαφέστερα σε τέτοιους καλλιτέχνες όπως ο El Greco, Velasquez και Goya, η δημιουργικότητα της οποίας στη συνέχεια είχε σοβαρή επιρροή στη Mana και Renoara.

Ταυτόχρονα, ο Rubens κάνει τις σκιές στις καμβάδες του με χρώμα, χρησιμοποιώντας διαφανές ενδιάμεσες αποχρώσεις. Παρατηρώντας το Delacroix, το Rubens εμφανίζεται φως με λεπτούς, εξαιρετικούς ήχους και σκιές - θερμότερο και πλούσια χρώματα, μεταδίδοντας την επίδραση του φωτισμού. Ο Rubens δεν χρησιμοποίησε το μαύρο χρώμα, το οποίο αργότερα θα γίνει μία από τις βασικές αρχές της ζωγραφικής των ιμπρεσιονιστών.

Στο Eduar Mana, ο Κάτω Χώσος καλλιτέχνης Frans Hals, ο οποίος έγραψε με αιχμηρά αστέρια και αγάπησε την αντίθεση των φωτεινών χρωμάτων και του μαύρου.

Η μετάβαση της ζωγραφικής σε ιμπρεσιονισμό παρασκευάστηκε επίσης αγγλικός ζωγράφοι. Κατά τη διάρκεια του Franco-Prussian War (1870-1871), Claude Monet, Sisley και Pissarro πήγε στο Λονδίνο για να μπορέσει να διερευνήσει τους μεγάλους παίκτες τοπίου - const blows, bonington και turnner. Όσο για το τελευταίο, ήδη στην μεταγενέστερη δουλειά του, είναι αισθητό πώς εξαφανίζεται η σύνδεση με την πραγματική εικόνα του κόσμου και η φροντίδα της ατομικής μετάδοσης των εντυπώσεων.

Ο Eugene Delacroix είχε ισχυρό αντίκτυπο, έχει ήδη διακρίνει το τοπικό χρώμα και το χρώμα που αποκτήθηκε υπό την επίδραση του φωτισμού, οι ακουαρέλες του γραμμένες στη Βόρεια Αφρική το 1832 ή στο Etretat το 1835 και ιδιαίτερα η εικόνα "θάλασσα στο Dieppe" (1835) μας επιτρέπουν Για να μιλήσετε για αυτό είναι σαν τον προκάτοχό του ιμπρεσιονιστή.

Το τελευταίο στοιχείο που επηρεάζει τους καινοτόμους ήταν οι Ιάπωνες. Από το 1854, χάρη στις εκθέσεις στο Παρίσι, οι νέοι καλλιτέχνες ανακαλύπτουν τους δασκάλους των ιαπωνικών χαρακτικών όπως το Utamaro, το Hokusai και το Hiroshig. Ειδικός, άγνωστος αναψυχής στην ευρωπαϊκή οπτική τέχνη, η θέση της εικόνας σε ένα φύλλο χαρτιού είναι μια προκατειλημμένη σύνθεση ή μια σύνθεση κλίσης, μια σχηματική μετάδοση του σχήματος, μια τάση για την καλλιτεχνική σύνθεση, κέρδισε τη θέση των ιμπρεσιονιστών και των οπαδών τους.

Ιστορία

Edgar Dega, Μπλε χορευτές, 1897, ΓΤΟ. Πούσκιν, Μόσχα

Η αρχή της αναζήτησης των ιμπρεσιονιστών ανήκει στη δεκαετία του 1860, όταν οι νέοι καλλιτέχνες δεν είναι πλέον ικανοποιημένοι με τα μέσα και τους στόχους του ακαδημαϊκού τομέα, ως αποτέλεσμα της οποίας ο καθένας από αυτούς αναζητά ανεξάρτητα άλλους τρόπους για την ανάπτυξη του στυλ τους. Το 1863, ο Edward Mana εκθέτει μια εικόνα του "πρωινού στο γρασίδι" στο "σαλόνι" και εκτελεί ενεργά στις συναντήσεις ποιητών και καλλιτεχνών στο Cafe Gerbua, ο οποίος επισκέφθηκε όλους τους μελλοντικούς ιδρυτές του νέου ρεύματος, χάρη στις οποίες έγινε Ο κύριος αμυντικός της σύγχρονης τέχνης.

Το 1864, ο Eugene Budyon καλεί τον Monet στο Onefleur, όπου έζησε όλο το φθινόπωρο, βλέποντας τον δάσκαλό του γράφει τον Pastel και την ακουαρέλα του Etonudes και ο φίλος του Yonkind επιβάλλει χρώμα στο έργο του με δονητικά εγκεφαλικά επεισόδια. Ήταν εδώ που τον δίδαξαν να εργαστούν στο Plenier και να γράψουν με ελαφριά τόνους.

Το 1871, κατά τη διάρκεια του Franco-Prussian War, ο Monet και ο Pissarro φεύγουν από το Λονδίνο, όπου εξοικειώνονται με το έργο του προκατόχου του ιμπρεσιονισμού από τον William Törsner.

Claude Monet. Εντύπωση. Ανατολή ηλίου. 1872, Μουσείο Marottan Monet, Παρίσι.

Την εμφάνιση του ονόματος

Η πρώτη σημαντική έκθεση των ιμπρεσιονιστών πραγματοποιήθηκε από τις 15 Απριλίου έως τις 15 Μαΐου 1874 στο εργαστήριο του φωτογράφου Nadar. Υπήρχαν 30 καλλιτέχνες, μόνο 165 έργα. Canvas Monet - "εντύπωση. Ανατολή του ηλίου" ( Εντύπωση, Levant Soleil) Τώρα στο μουσείο Marmotten, το Παρίσι, γραμμένο το 1872 γέννησε τον όρο "ιμπρεσιονισμός": ένας πολύ γνωστός δημοσιογράφος Louis Lerua στο άρθρο του στο περιοδικό "Le Charivari" για να εκφράσει την παραμέληση του που ονομάζεται ομάδα "ιμπρεσιονιστή". Οι καλλιτέχνες, από την πρόκληση, αποδέχτηκαν αυτή την επιθετική, στη συνέχεια, είχε πάρει ρίζα, έχασε το αρχικό αρνητικό του νόημα και έγινε ενεργό.

Το όνομα "ιμπρεσιονισμός" είναι αρκετά άπλυτος σε αντίθεση με το όνομα "School Barbizonskaya", όπου τουλάχιστον υπάρχει ένδειξη της γεωγραφικής θέσης της ομάδας τέχνης. Ακόμη λιγότερο σαφήνεια με ορισμένους καλλιτέχνες που δεν περιλαμβάνονται επίσημα στον κύκλο των πρώτων ιμπρεσιονιστών, αν και οι τεχνικές τεχνικές και τα κεφάλαιά τους είναι εντελώς "ιμπρεσιονιστικά" Waterler, Edward Mana, η Eugene Budy, κλπ.) Επιπλέον, Γνωστή πολύ πριν από το XIX τους αιώνες και τους (μερικώς περιορισμένους) χρησιμοποιήθηκαν ακόμα τιτς και Velasquez, χωρίς να δώσουν την εποχή με τις κυρίαρχες ιδέες.

Υπήρξε ένα άλλο άρθρο (συγγραφέας Emil Cardon) και ένα άλλο όνομα - "Έκθεση Rebel", απολύτως αποδοκιμάζοντας και καταδικάζοντας. Ήταν ακριβώς το πώς αναπαράγει με ακρίβεια την αποδοκιμαστική στάση του αστικού κοινού και επικρίνει τους καλλιτέχνες (Impressionsists), που κυριάρχησαν χρόνια. Οι ιμπρεσιονιστές κατηγορήθηκαν αμέσως για την ανηθικότητα, τις επαναστατικές διαθέσεις, η αφερεγγυότητα να είναι αξιοσέβαστη. Προς το παρόν είναι εκπληκτικό, διότι δεν είναι σαφές ότι ανήθικο στο τοπίο του Camille Pissarro, Alfred Sisley, οικιακές σκηνές του Edgar Degas, ακόμα Lifes Monet και Renuara.

Υπάρχουν δεκαετίες. Και η νέα γενιά καλλιτεχνών θα έρθει στην παρούσα κατάρρευση των εντύπων και το φθαρμένο περιεχόμενο. Τότε η κριτική, και το κοινό, είδε σε καταδικασθέντες ιμπρεσιονιστές - ρεαλιστές, και λίγο αργότερα και τα κλασικά της γαλλικής τέχνης.

Ιμπρεσιονισμός ως φαινόμενο στην τέχνη

Ο ιμπρεσιονισμός είναι ένας από τους πιο λαμπρούς και ενδιαφέροντες προορισμούς στη γαλλική τέχνη του τελευταίου τριμήνου του 19ου αιώνα, γεννήθηκε σε μια πολύ δύσκολη κατάσταση, που διακρίθηκε από τις ποικιλίες και τις αντιθέσεις, οι οποίες έδωσαν ώθηση στην εμφάνιση πολλών σύγχρονων τάσεων. Ο ιμπρεσιονισμός, παρά τη βραχυπρόθεσμη στιγμή, είχε σημαντικό αντίκτυπο στην τέχνη όχι μόνο τη Γαλλία, αλλά και άλλες χώρες: οι Ηνωμένες Πολιτείες, Γερμανία (Μ. Lieberman), Βέλγιο, Ιταλία, Αγγλία. Στη Ρωσία, η επίδραση του ιμπρεσιονισμού βίωσε από τον Κ. Balmont, Andrei White, Stravinsky, Κ. Korovin (το πλησιέστερο στην αισθητική της σε ιμπρεσιονιστές), πρώιμη V. Serov, καθώς και - Ι. Grabar. Ο ιμπρεσιονισμός έχει γίνει το τελευταίο πλουσιιστό καλλιτεχνικό κίνημα στη Γαλλία του XIX αιώνα, η οποία διήρκεσε το πρόσωπο μεταξύ της τέχνης του νέου και της τελευταίας στιγμής.

Σύμφωνα με τον M. Aplasov, ο "καθαρός ιμπρεσιονισμός πιθανότατα δεν υπήρχε. Ο ιμπρεσιονισμός δεν είναι ένα δόγμα, δεν θα μπορούσε να έχει κανονισμένες μορφές ... Οι γάλλοι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές είναι εγγενείς σε διάφορους βαθμούς των χαρακτηριστικών του. " Συνήθως, υπό τον όρο "ιμπρεσιονισμός" σημαίνει μια κατεύθυνση στη ζωγραφική, αν και οι ιδέες του βρήκαν την ενσωμάτωσή τους και σε άλλους τύπους τέχνης, για παράδειγμα, στη μουσική.

Ο ιμπρεσιονισμός είναι κατά κύριο λόγο η τέχνη της τήρησης της πραγματικότητας, της μεταφοράς ή της δημιουργίας μιας εντύπωσης, της τέχνης στο οποίο το οικόπεδο δεν είναι σημαντικό. Αυτή είναι μια νέα, υποκειμενική καλλιτεχνική πραγματικότητα. Οι ιμπρεσιονιστές υπέβαλαν τις δικές τους αρχές αντίληψης και εμφάνισης του περιβάλλοντος κόσμου. Διαγράψαμε το πρόσωπο μεταξύ των κύριων αντικειμένων που άξιζαν υψηλή τέχνη και δευτερεύοντα αντικείμενα.

Μια σημαντική αρχή του ιμπρεσιονισμού ήταν η τυπική. Η τέχνη περιλαμβάνει ορμή, μια τυχαία εμφάνιση, φαίνεται ότι ο καμβάς των ιμπρεσιονιστών γράφεται από τους απλούς περαστικούς, περπατώντας κατά μήκος των λεωφόρων και απολαμβάνουν τη ζωή. Ήταν μια επανάσταση στην όραση.

Η αισθητική του ιμπρεσιονισμού ήταν εν μέρει ως μια προσπάθεια να απελευθερωθούν αποφασιστικά από τη Σύμβαση της Κλασικής Τέχνης, καθώς και από τον επίμονο συμβολισμό και το βαθμό της καθυστερημένης εσωτερικής ζωγραφικής, το οποίο πρότεινε να δούμε τις κρυπτογραφημένες έννοιες σε όλη την εξέταση. Ο ιμπρεσιονισμός εγκρίνει όχι μόνο την ομορφιά της καθημερινής πραγματικότητας, αλλά και κάνει την καλλιτεχνική σημαντική ταχυδρομική μεταβλητότητα του κόσμου, τη φυσικότητα της αυθόρμητης, απρόβλεπτης, τυχαίας εντύπωσης. Οι ιμπρεσιονιστές προσπαθούν να το διορθώσουν με μια πολύχρωμη ατμόσφαιρα, όχι λεπτομερώς και να μην σβήνουν.

Ως καλλιτεχνική πορεία του ιμπρεσιονισμού, ιδίως στη ζωγραφική, εξαντλήσει γρήγορα τις δυνατότητές της. Ο κλασικός γαλλικός ιμπρεσιονισμός ήταν πολύ στενός, και λίγες όλες οι ζωές τους παρέμειναν πιστοί στις αρχές του. Στη διαδικασία ανάπτυξης μιας ιμπρεσιονιστικής μεθόδου, η υποκειμενικότητα της γραφικής αντίληψης ξεπέρασε το θέμα και ανέβηκε σε ένα όλο και πιο υψηλό τυπικό επίπεδο, ανοίγοντας το δρόμο προς όλες τις ροές της μεταποίησης, συμπεριλαμβανομένου του συμβολισμού του HOGEN και του εξπρεσιονισμού Van Gogh. Αλλά, παρά το στενό προσωρινό πλαίσιο - περίπου δύο δεκαετίες, ο ιμπρεσιονισμός έφερε την τέχνη σε ένα ουσιαστικά διαφορετικό επίπεδο, έχοντας σημαντικό αντίκτυπο σε όλα: σύγχρονη ζωγραφική, μουσική και λογοτεχνία, καθώς και κινηματογράφος.

Ο Ιπολιτισμός εισήγαγε νέα θέματα. Τα ώριμα έργα στυλ διακρίνονται από τη φωτεινή και άμεση ζωτικότητα, το άνοιγμα των νέων καλλιτεχνικών χαρακτηριστικών του χρώματος, την αισθητική της νέας γραφικής τεχνολογίας, τη δομή του έργου. Αυτά τα χαρακτηριστικά που έχουν προκύψει στον ιμπρεσιονισμό λαμβάνουν περαιτέρω ανάπτυξη στον νεο-συγχάρτιστο και την κατάλογο. Ο αντίκτυπος του ιμπρεσιονισμού ως προσέγγισης στην πραγματικότητα ή ως σύστημα εκφραστικών δεξιώσεων έχει βρει σε όλες σχεδόν τις σχολές τέχνης της έναρξης του XX αιώνα, έχει γίνει ένα σημείο εκκίνησης για την ανάπτυξη ορισμένων κατευθύνσεων, μέχρι την αφαίρεση. Ορισμένες αρχές του ιμπρεσιονισμού - η μετάδοση της στιγμιαίας κίνησης, η ρευστότητα της μορφής - σε διαφορετικούς βαθμούς εκδηλώθηκαν στο γλυπτό της δεκαετίας του 1910., UFA, OH. Roden, Μ. Bluebina. Καλλιτεχνικός ιμπρεσιονισμός σε ένα σημαντικό έκταση που εμπλουτίστηκαν εκφραστικά κεφάλαια στο Literketura (P. Motlen), Μουσική (Κ. Debussy), Θέατρο.

2. Ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική

Την άνοιξη του 1874, μια ομάδα νεαρών καλλιτεχνών ζωγράφου, συμπεριλαμβανομένου του Monet, Renuara, Pizarro, Sislai, Degas, Cesan και Bert Morizo, παραμελημένη το επίσημο σαλόνι και ταξινόμησε τη δική του έκθεση, με τις κεντρικές μορφές της νέας κατεύθυνσης. Έλαβε χώρα από τις 15 Απριλίου έως τις 15 Μαΐου 1874 στο εργαστήριο του φωτογράφου Nadar στο Παρίσι, στη λεωφόρο Kapuchin. Υπήρχαν 30 καλλιτέχνες, μόνο 165 έργα. Μια παρόμοια πράξη από μόνη της ήταν επαναστατική και σχισμένη με αιώνες, οι πίνακες αυτών των καλλιτεχνών με την πρώτη ματιά φαινόταν ακόμα πιο εχθρικές παραδόσεις. Χρειάστηκαν χρόνια πριν από αυτούς, στη συνέχεια αναγνώρισαν, οι κλασικοί της ζωγραφικής ήταν σε θέση να πείσουν το κοινό όχι μόνο στην ειλικρίνεια τους, αλλά και στο ταλέντο τους. Όλοι αυτοί οι πολύ διαφορετικοί καλλιτέχνες ενωτούν τη συνολική καταπολέμηση του συντηρητισμού και του ακαδημαϊκού δυναμισμού της τέχνης. Οι ιμπρεσιονιστές πέρασαν οκτώ εκθέσεις, το τελευταίο - το 1886.

Ήταν στην πρώτη έκθεση το 1874 στο Παρίσι μια εικόνα του Claude Monet, που απεικονίζει την ανατολή του ηλίου. Προσέλκυσε όλη την προσοχή κυρίως από ένα ασυνήθιστο όνομα: "εντύπωση. Ανατολή ηλίου". Αλλά η ίδια η ζωγραφική ήταν ασυνήθιστη, πέρασε το σχεδόν φευγαλέα, μεταβλητό παιχνίδι χρωμάτων και φωτός. Είναι το όνομα αυτής της εικόνας - "impression" - χάρη σε μια κοροϊδία ενός από τους δημοσιογράφους, σημείωσε την έναρξη μιας ολόκληρης κατεύθυνσης στη ζωγραφική, που ονομάζεται ιμπρεσιονισμός (από τη γαλλική λέξη "εντύπωση" - την εντύπωση).

Προσπαθώντας να εκφράσετε τις άμεσες εντυπώσεις σας όσο το δυνατόν ακριβέστερα, οι ιμπρεσιονιστές δημιούργησαν μια νέα μέθοδο ζωγραφικής. Η ουσία της συνίστατο στη μεταφορά της εξωτερικής εντύπωσης του φωτός, των σκιών, των αντανακλαστικών στην επιφάνεια των αντικειμένων με ξεχωριστά επιχρίσματα των καθαρών χρωμάτων, τα οποία προβάλλουν οπτικά τη μορφή στο περιβάλλον περιβάλλοντος φωτός.

Η αλήθεια θυσιάστηκε στον προσωπικό αντίληψη - οι ιμπρεσιονιστές θα μπορούσαν να εξαρτηθούν από το όραμά τους να γράψουν πράσινο, και το γρασίδι του μπλε, τα φρούτα στις ακουσίες τους ήταν μη αναγνωρίσιμα, οι ανθρώπινες μορφές είναι ασαφείς και σχηματικά. Δεν ήταν σημαντικό όχι αυτό που απεικονίζεται, αλλά είναι σημαντικό "πώς". Το αντικείμενο γίνεται λόγος επίλυσης οπτικών προβλημάτων.

Είναι χαρακτηριστικό, το σκίτσο της δημιουργικής μεθόδου ιμπρεσιονισμού. Μετά από όλα, μόνο ένα σύντομο Eterude επέτρεψε να διορθώσει με ακρίβεια τις μεμονωμένες καταστάσεις της φύσης. Το γεγονός ότι προηγουμένως επιτρέπεται μόνο στους Epudes, τώρα έγινε το κύριο χαρακτηριστικό των ολοκληρωμένων καμβά. Οι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να ξεπεράσουν τη στατική ζωγραφική, να καταγράψουν για πάντα ολόκληρη τη γοητεία μιας αόριστης στιγμής. Άρχισαν να χρησιμοποιούν ασύμμετρους συνθέσεις για να τονιστούν καλύτερα εκείνοι που ενδιαφέρονται για τα άτομα και τα αντικείμενα τους. Σε ορισμένες εφαρμογές της αποτυπωτικής κατασκευής της σύνθεσης και του χώρου, η επιρροή του ενθουσιασμού για την ηλικία του δεν είναι αρχαιότητα όπως προηγουμένως, ιαπωνικά χαρακτικά (όπως το Matrov, όπως ο Katsusik Hokusai, ο Hirosign, Utamaro) και εν μέρει οι φωτογραφίες, το κοντινό του σχέδια και νέα απόψεις.

Οι ιμπρεσιονιστές ενημέρωσαν επίσης τη γεύση, εγκατέλειψαν σκοτεινά, γήινα χρώματα και βερνίκια και εφαρμόστηκαν καθαρά, φασματικά χρώματα σε καμβά, σχεδόν χωρίς να τα αναμιγνύουν πριν από την παλέτα. Το υπό όρους, το "μουσείο" μαύρο στον καμβά τους είναι κατώτερο από το παιχνίδι των χρωματιστών σκιών.

Χάρη στην εφεύρεση των μεταλλικών σωλήνων για τα χρώματα, ήδη έτοιμη και κατάλληλα για μεταφορά, τα οποία αντικατέστησαν τα παλιά χρώματα, τα οποία μαγειρεύονται με το χέρι από τα χρωστικά πετρελαίου και σε σκόνη, οι καλλιτέχνες ήταν σε θέση να εγκαταλείψουν τα εργαστήρια τους για να εργαστούν στο αιχμάλωτο. Εργάστηκαν πολύ γρήγορα, επειδή η κίνηση του ήλιου έχει αλλάξει φωτισμό και αρωματίζει το τοπίο. Μερικές φορές συμπίπτουν τη βαφή σε καμβά ευθεία από το σωλήνα και έλαβαν καθαρά αφρώδη χρώματα με το φαινόμενο. Βάζοντας ένα επίχρισμα ενός χρώματος δίπλα στο άλλο, έφυγαν συχνά την επιφάνεια των έργων ζωγραφικής με τραχύ. Προκειμένου να διατηρηθεί η φρεσκάδα και η ποικιλία των χρωμάτων στην εικόνα, οι ιμπρεσιονιστές δημιούργησαν ένα γραφικό σύστημα, το οποίο χαρακτηρίζεται από την αποσύνθεση σύνθετων τόνων σε καθαρά χρώματα και την ενσωμάτωση ξεχωριστών καθαρών επιχρισμάτων, σαν να αναμιγνύονται στο μάτι του θεατή , με χρωματιστές σκιές και αντιλαμβάνονται από τον θεατή σύμφωνα με το νόμο πρόσθετων χρωμάτων.

Σε μια προσπάθεια να μεγιστοποιηθεί η Αδυναμμηνότητα στη μεταφορά του κόσμου, οι ιμπρεσιονιστές για πρώτη φορά στην ιστορία της τέχνης άρχισαν να γράφουν κυρίως σε εξωτερικούς χώρους και αύξησαν την έννοια του Eterude από τη φύση, σχεδόν ο παραδοσιακός τύπος εικόνας, προσεκτικά και αργά δημιουργήθηκε στο εργαστήριο. Λόγω της μεθόδου εργασίας στο Plenuera, το τοπίο, συμπεριλαμβανομένου του τοπίου της πόλης, πήρε ένα πολύ σημαντικό μέρος στην τέχνη των ιμπρεσιονιστών. Το κύριο θέμα γι 'αυτούς ήταν το χαλαρό φως, ο αέρας, στον οποίο βυθίζονται οι άνθρωποι και τα αντικείμενα. Ο άνεμος αισθάνθηκε στους πίνακές τους, η γη που θερμάνθηκε από τον ήλιο. Προσπάθησαν να δείξουν τον καταπληκτικό πλούτο του χρώματος στη φύση.

Ιμπρεσιονισμός Εισήχθη σε νέα θέματα τέχνης - η καθημερινή ζωή της πόλης, τα τοπία του δρόμου και της ψυχαγωγίας. Η θεματική περιοχή και η σκηνή ήταν πολύ μεγάλη. Στα τοπία τους, τα πορτραίτα, οι πολυπειρωμένες συνθέσεις, οι καλλιτέχνες επιδιώκουν να διατηρήσουν τον αδιάβροχο, τη δύναμη και τη φρεσκάδα των "πρώτων εντυπώσεων", χωρίς να μπαίνουν σε ξεχωριστές λεπτομέρειες, όπου ο κόσμος είναι πάντα ένα μεταβαλλόμενο φαινόμενο.

Ο ιμπρεσιονισμός διακρίνεται από τη φωτεινή και άμεση ζωτικότητα. Χαρακτηρίζεται από την ατομικότητα και την αισθητική αυτο-ανακούφιση του καμβά, το σκόπιμο ατύχημα και την ατέλεια τους. Γενικά, τα έργα των ιμπρεσιονιστών χαρακτηρίζονται από χαρούμενη, παθιασμένη με την αισθησιακή ομορφιά του κόσμου.

franz.-Impression): Καλλιτεχνική κατεύθυνση που προκύπτει στη Γαλλία στη δεκαετία του '60 - 70s 19 V. και έλαβε την πιο ζωντανή υλοποίηση στο μηχάνημα στην τέχνη. Οι ιμπρεσιονιστές έχουν αναπτύξει νέες γραφικές τεχνικές - χρωματιστές σκιές, ανάμειξη χρώματα, φλεβική γεύση, καθώς και αποσύνθεση σύνθετων τόνων σε καθαρούς τόνους (επικαλύπτοντας τους σε καμβά με μεμονωμένα επιχρίσματα που δημιουργούν την οπτική ανάμειξη στα μάτια του θεατή). Προσπάθησαν να μεταφέρουν την ομορφιά των φευγαλέων κρατών της φύσης, της μεταβλητότητας και της κινητικότητας της γύρω ζωής. Αυτές οι τεχνικές συνέβαλαν στη μεταφορά της αίσθησης του αφρώδους ηλιακού φωτός, η δόνηση του φωτός και του αέρα, δημιούργησε την εντύπωση της εορτασμού της ύπαρξης, της αρμονίας του κόσμου. Οι ιμπρεσιονιστικές τεχνικές χρησιμοποιήθηκαν σε άλλους τύπους τέχνης. Στη μουσική, για παράδειγμα, συνέβαλαν στη μεταφορά των πιο λεπτών ψυχικών κινήσεων και του φευγαλέα συναισθημάτων.

Εξαιρετικός ορισμός

Ελλιπής ορισμός ↓

Ιμπρεσιονισμός

από τον Franz. Η εντύπωση είναι η εντύπωση) κατεύθυνση στην τέχνη που προέκυψε στη Γαλλία το τελευταίο τρίτο του 19ου αιώνα. Κύριοι εκπρόσωποι και.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camill Pissarro, Alfred Sisley, Berta Morizo, καθώς και Adukent Mae, Edgar Dega και μερικούς άλλους καλλιτέχνες. Η ανάπτυξη ενός νέου στυλ I. έλαβε χώρα στη δεκαετία του '60-70., Και για πρώτη φορά ως μια νέα κατεύθυνση, αντίθετα προς το ακαδημαϊκό σαλόνι, οι ιμπρεσιονιστές δήλωσαν στην πρώτη τους έκθεση το 1874. Ειδικότερα, η εικόνα της εντύπωσης του K.Mona. Soleil Levant "(1872). Η επίσημη καλλιτεχνική κριτική αντέδρασε αρνητικά στη νέα κατεύθυνση και στην κοροϊδία "Ongoretal" Οι εκπρόσωποί του "Impressionists", υπενθυμίζοντας την ιδιαίτερα ενοχλητική εικόνα του Monet. Ωστόσο, το όνομα αντανακλά την ουσία της κατεύθυνσης και τα εργαλεία της το δέχτηκαν ως επίσημη ονομασία της μεθόδου τους. Ως ολιστική κατεύθυνση, ο Ι. Υπήρχε για μεγάλο χρονικό διάστημα - από το 1874 έως το 1886, όταν οργανώθηκαν 8 κοινές εκθέσεις από τους ιμπρεσιονιστές. Η επίσημη αναγνώριση των ίδιων γνώσεων και καλλιτεχνικής κριτικής ήρθε σημαντικά αργότερα - μόνο στα μέσα της δεκαετίας του '90. Ι. Υπό την προϋπόθεση ότι έγινε προφανώς τον επόμενο αιώνα, ένας τεράστιος αντίκτυπος σε όλες τις επακόλουθες ανάπτυξη της τέχνης (και καλλιτεχνικής κουλτούρας στο σύνολό της). Στην πραγματικότητα, ένα ουσιαστικά νέο στάδιο της κουλτούρας μυθοπλασίας άρχισε με αυτό, το οποίο οδήγησε σε Ser. HCHW. Στη μετά τον πολιτισμό (βλ.: Μετά-), δηλ. Για τη μετάβαση του πολιτισμού σε κάποια θεμελιώδη άλλη ποιότητα. O.Shpengler, ο οποίος εξαπλώθηκε την έννοια του Ι. Ο πολιτισμός, θεωρείται ένα από τα τυπικά σημάδια της "ηλιοβασίλεμα της Ευρώπης", δηλαδή η καταστροφή της ακεραιότητας της κοσμοθεωρίας, η καταστροφή του παραδοσιακού ιδρυμένου ευρωπαϊκού πολιτισμού. Αντίθετα, οι πρωτοπορικοί (βλέπε: Avangard) ξεκίνησαν το XX αιώνα. Είδαμε στον Ι. Ο πρόδρομος του, ο οποίος άνοιξε τους νέους ορίζοντες πριν από την τέχνη, ο οποίος τον απελευθέρωσε από εξαιρετικά εξελιγμένα καθήκοντα, από τα δόγματα του θετικισμού, τον ακαδηματισμό, τον ρεαλισμό κ.λπ., με την οποία είναι αδύνατο να διαφωνείτε. Οι ίδιοι οι ιμπρεσιονιστές, όπως οι καθαροί ζωγράφοι, δεν σκέφτονταν για μια τέτοια παγκόσμια έννοια του πειράματός τους. Δεν προσπάθησαν ούτε καν για μια ειδική επανάσταση στην τέχνη. Απλώς είδαν τον κόσμο που τους περιβάλλει κάπως διαφορετικά από ότι είδε τους επίσημους εκπροσώπους του σαλόνι και προσπάθησε να εδραιώσει αυτό το όραμα καθαρά γραφικά μέσα. Ταυτόχρονα, βασίζονται σε καλλιτεχνικά ευρήματα των προκατόχων τους - πρώτα απ 'όλα, οι γαλλικοί ζωγράφοι του 19ου αιώνα. Delacroix, Coro, Kourbe, Barbizontev. Στο Κ. Ο Monet που επισκέφθηκε το Λονδίνο το 1871, το έργο έγινε από το έργο του W.Terner. Επιπλέον, οι ίδιοι οι ιμπρεσιονιστές καλούν μεταξύ των προκατόχων τους και των γαλλικών κλασικιστών του Poussin, Lorrena, Sharden, και της ιαπωνικής χρωστικής χαρακτικής του XVIII αιώνα και οι ιστορικοί τέχνης βλέπουν τα χαρακτηριστικά της εγγύτητας με τον ιμπρεσιονιστή και στους αγγλικούς καλλιτέχνες T.geensboro και J. Constable, για να μην αναφέρουμε. Οι ιμπρεσιονιστές απαλλάσσουν μια σειρά γραφικών τεχνικών αυτών των πολύ διαφορετικών καλλιτεχνών και δημιούργησαν ένα σύστημα ολιστικού στυλ σε αυτή τη βάση. Στους αντι-ακαδημαϊσούς, οι ιμπρεσιονιστές αρνήθηκαν τη θεματική ιδιαιτερότητα (φιλοσοφική, ηθική, θρησκευτική, κοινωνικοπολιτική κ.λπ.) της τέχνης, από το στοχαστικό, πριν από ουσιαστικές και σαφώς σχεδιασμένες συνθέσεις οικόσημα, δηλαδή άρχισαν να αγωνίζονται με την «λογοτεχνική αγορά "Στη ζωγραφική, εστιάζοντας την κύρια προσοχή σε ειδικά γραφικά μέσα - στο χρώμα και το φως. Βγήκαν από τα εργαστήρια στο Plenuer, όπου ζήτησαν μια συνεδρία να ξεκινήσουν και να εργαστούν σε ένα συγκεκριμένο έργο. Εγκατέλειψαν τα σκοτεινά λουλούδια και πολύπλοους τόνους (γήινα, "άσφαλτο" λουλούδια), χαρακτηριστικά της τέχνης της νέας ώρας, θα καθαρίσει τα φωτεινά χρώματα (η παλέτα από αυτά περιορίζεται σε 7-8 χρώματα), που τοποθετούνται στον καμβά συχνά ξεχωριστά τα εγκεφαλικά επεισόδια, μετρώντας συνειδητά την οπτική ανάμεσή τους ήδη στην ψυχή του θεατή, η οποία έφθασε στην επίδραση της ειδικής φρεσκάδας και της αμεσότητας. Ακολουθώντας το Delacroe, κατέκτησαν και απολύθηκαν τη σκιά χρώματος, το παιχνίδι των αντανακλαστικών χρώματος σε διάφορες επιφάνειες. Αποκλείοντας το αντικείμενο του ορατού κόσμου, το διαλύοντας στο περιβάλλον του φωτός, το οποίο ήταν το κύριο θέμα της προσοχής τους ως καθαρού ζωγράφους. Στην πραγματικότητα εγκατέλειψαν την προσέγγιση του είδους στις εικαστικές τέχνες, εστιάζοντας στη γραφική μεταφορά της υποκειμενικής τους εντύπωσης κατά την ευκαιρία ενός τυχαία δει το κομμάτι της πραγματικότητας - πιο συχνά ένα τοπίο (όπως το Monet, Sisley, Pissarro), λιγότερο συχνά οικόπεδα (όπως Renuara, DEGA). Ταυτόχρονα, προσπάθησαν να μεταφέρουν την εντύπωση συχνά με μια σχεδόν ψευδαίσθηση ακρίβεια της αντιστοίχισης της ατμόσφαιρας του φωτός-φωτός του απεικονιζόμενου θραύσματος και τη στιγμή της ορατής πραγματικότητας. Το ατύχημα της οπτικής όψης στην καλλιτεχνική όραση ενός θραύσματος της φύσης, προσοχή σε ένα γραφικό περιβάλλον, και δεν υπόκειται στο υποκείμενο, δόθηκε συχνά σε τολμηρές σύνθετες λύσεις, οξεία απροσδόκητες γωνίες προβολής, περικοπές, ενεργοποίηση της αντίληψης του Ο θεατής κλπ. Επιδράσεις, πολλά από τα οποία στη συνέχεια χρησιμοποιήθηκαν από τους εκπροσώπους μιας ποικιλίας avant-garde. I. έγιναν μία από τις οδηγίες της "καθαρής τέχνης" στο THRK. XIHV., Των οποίων οι εκπρόσωποι της κύριας τέχνης θεωρούσαν την καλλιτεχνική και αισθητική αρχή του. Οι ιμπρεσιονιστές βίωσαν την ομορφιά του φωτός-έγχρωμο περιβάλλον του υλικού κόσμου με τις λέξεις και προσπάθησαν σχεδόν με την ακρίβεια των ντοκιμαντέρ (μερικές φορές κατηγορούνται για το φυσιολογικό για αυτό, το οποίο είναι δύσκολο νόμιμο) να το καταγράψει στις καμβά τους. Στη ζωγραφική, είναι ένα είδος αισιόδοξων πυγονιστών, τους τελευταίους τραγουδιστές της απρόσεκτης χαράς της γήινης ύπαρξης, των ηλιόλων. Καθώς ο νεο-συμππρόσλεκτος P. Signac γράφτηκε με θαυμασμό, έχουν "ηλιακό φως πλημμυρίζει ολόκληρη την εικόνα. Ο αέρας σε φέτες, τα ελαφρά κλιπ, χαϊδεύει, διαλύει το σχήμα, διεισδύει παντού, ακόμη και στην περιοχή σκιάς. " Χαρακτηριστικά στυλ Ι. Στη ζωγραφική, ειδικά η επιθυμία για την εκλεπτυσμένη καλλιτεχνική εικόνα των φευγαλέων εντυπώσεις, το σκίτσο, η φρεσκάδα της άμεσης αντίληψης κλπ. Αποδείχθηκε ότι είναι στενή και εκπρόσωποι άλλων τύπων τέχνης της εποχής, η οποία οδήγησε στην εξάπλωση Από αυτή την έννοια σχετικά με τη λογοτεχνία, την ποίηση, τη μουσική. Ωστόσο, σε αυτούς τους τύπους τέχνης δεν υπήρχε ειδική κατεύθυνση I., αν και πολλά από τα χαρακτηριστικά του βρίσκονται στα έργα πολλών συγγραφέων και συνθέτες του τελευταίου τρίτου του xih. Xx αιώνα Τέτοια στοιχεία της ιμπρεσιονιστικής αισθητικής ως θολή της μορφής, τη στερέωση της προσοχής σε φωτεινά, αλλά τυχαίες λεπτομέρειες φευγαλέα, φθηνές, ομίχλη, κτλ., Εισαγωγή στη δημιουργικότητα του G. De Moopassana, AP. Chekhov, νωρίς t.mann, Ποίηση R.- M. Rileka, αλλά ειδικά - Brothers Zh. Και E. Gekrur, εκπρόσωποι του λεγόμενου "Ψυχολογικού και\u003e, μερικώς - Κ. Gamsun. Οι ιμπρεσιονιστικές τεχνικές βασίστηκαν, η ουσιαστικά αναπτύσσουν, m.Prust και συγγραφείς της "ροής συνείδησης". Στη μουσική, οι γάλλοι συνθέτες του Κ. Trydsevi, M. Iravel, P. Dyuk και μερικοί άλλοι, οι οποίοι χρησιμοποίησαν το στυλ και την αισθητική Ι. Στο έργο τους, θεωρούν τους ιμπρεσιονιστές. Η μουσική τους γεμίζει με τις άμεσες εμπειρίες της ομορφιάς και της λυιμότητας του τοπίου, σχεδόν απομίμηση του παιχνιδιού των θαλάσσιων κυμάτων ή το σκουριασμένο των φύλλων, η πολυπολιτική γοητεία των αρχαίων μυθολογικών οικόπεδων, η χαρά της στιγμιαίας ζωής, η πνευματικότητα του Γήινη ύπαρξη, απολαμβάνοντας ατελείωτες υπερχείλιση της ηχητικής ύλης. Όπως και οι ζωγράφοι, θολή πολλά παραδοσιακά μουσικά είδη, γεμίζοντάς τα με διαφορετικό περιεχόμενο, ενισχύουν την προσοχή στις αμιγώς αισθητικές επιδράσεις της μουσικής γλώσσας, εμπλουτίζοντας σημαντικά την παλέτα εκφραστικών και οπτικών μέσων. "Αυτό ισχύει κατ 'αρχάς," ο μουσικολόγος I. γράφει V.NESTEV, - στη σφαίρα της αρμονίας με την τεχνική του παραλληλισμού και έναν καταπληκτικό κίνδυνο ανεπίλυτων πολύχρωμων κηλίδων. Οι ιμπρεσιονιστές επεκτάθηκαν αισθητά το σύγχρονο τόννο σύστημα ανοίγοντας το δρόμο σε πολλές αρμονικές καινοτομίες του XX αιώνα. (Παρόλο που διαπιστώθηκε αισθητά από τη σαφήνεια των λειτουργικών σχέσεων). Η επιπλοκή και η διόγκωση των συγκροτημάτων χορδών (Nonakkord, usormaccords, εναλλακτικά τέταρτα) συνδυάζονται με μια απλούστευση, αρχαιοποίηση της σκέψης του Lade (φυσικές ελευθερίες, πεντατονικά, συναίσθημα συναισθημάτων). Στην ενορχήστρωση, οι συνθέτες-ιμπρεσιονιστές επικρατούν καθαρά χρώματα, ιδιότροπη λάμψη. Το σόλο των ξύλινων ανέμων ισχύει συχνά, διέλευση της άρπα, πολύπλοκη συμβολοσειρά Divisi, Con Sordino Effects. Τυπικά και καθαρά διακοσμητικά, ομοιόμορφα οκταϋπικά υπόβαθρα. Ρυθμικά πέρα \u200b\u200bαπό το σύσκα και αόριστο. Δεν υπάρχουν στρογγυλεμένες κατασκευές που χαρακτηρίζουν τις μελωδίες, αλλά σύντομα εκφραστικές φράσεις-σύμβολα, απλότητα των μοτίβων. Ταυτόχρονα, η σημασία κάθε ήχου, του Timbre, της χορδής, των απεριόριστων δυνατοτήτων της επέκτασης της Lada αποκάλυψε εξαιρετικά στη μουσική των ιμπρεσιονιστών. Ειδική φρεσκάδα της μουσικής των ιμπρεσιονιστών έδωσε μια συχνή έκκληση στα είδη τραγουδιού-χορού, η λεπτή υλοποίηση των λιπάντ, ρυθμισμένα ρυθμισμένα στη λαογραφία των λαών της Ανατολής της Ισπανίας, στις πρώτες μορφές του Negro Jazz "(Μουσική Εγκυκλοπαίδεια. Τ. 2, Μ., 1974. STB. 507). Τοποθετώντας την προσοχή του καλλιτέχνη του καλλιτέχνη στο προσκήνιο και με επίκεντρο την ηδονιστική αισθητική λειτουργία της τέχνης, I. αποκάλυψε νέες προοπτικές και ευκαιρίες μπροστά στην καλλιτεχνική κουλτούρα, την οποία εκμεταλλεύτηκε (και ακόμη και μερικές φορές υπερβολικά) στο XX αιώνα. Lit.: Venturi L. Από τη Mana στο Λευκό. Μ., 1938; Revalad J. Ιστορία του ιμπρεσιονισμού. L.-M., 1959; Ιμπρεσιονισμός. Γράμματα καλλιτεχνών. L., 1969; Serullaz M. Encyclopedie de LiminishingNisme. P., 1977; Montieret S. Limishernisme et γιος Epoque. Τ. 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus στο der musik. Λειψία. 1957. L.B.