Παραδείγματα ιμπρεσιονισμού στη ζωγραφική. Γαλλικός ιμπρεσιονισμός: Γενικά χαρακτηριστικά, κύριοι κύριοι

Σήμερα είναι δύσκολο να συναντηθεί ένας πολιτιστικός άνθρωπος που δεν γνωρίζει τους κομψούς Ballerinas της Degi, την μεγεθυμένη ομορφιά της Renuara ή τα τοπία με τα νούφαρα του Claude Monet. Ο ιμπρεσιονισμός προέρχεται από τη Γαλλία στο τέλος του XIX - πρώιμη XX αιώνα και στη συνέχεια εξαπλώθηκε σε όλο τον κόσμο. Τώρα οι ιμπρεσιονιστές αυξήθηκαν σε μια σειρά με τα κλασικά εναντίον τους οποίους ήταν κάποτε ανοργασία, αλλά ταυτόχρονα ήταν μια προοδευτική και επαναστατική κατεύθυνση στη ζωγραφική.

Κρίση τέχνης στο XIX αιώνα

Στη μέση του XIX αιώνα, τρία στυλ αγωνίστηκαν στη ζωγραφική - κλασικισμός, ρομαντισμό και ρεαλισμό. Όλα απαιτούσαν από τον καλλιτέχνη των μεγάλων δεξιοτήτων στο σχήμα και την ακριβή αντιγραφή του στοιχείου που απεικονίζεται. Εν τω μεταξύ, ο κλασικισμός και ο ρομαντισμός έδειξαν τον κόσμο πολύ εξιδανικευμένο και ρεαλισμό, αντίθετα, πολύ προσγειώθηκε.

Ένας αρχάριος καλλιτέχνης στη Γαλλία για να πετύχει, σίγουρα αναγκαία να σπουδάσει στη Σχολή Καλών Τεχνών ή σε γνωστούς καλλιτέχνες και να εκτίθενται στο σαλόνι - μια έκθεση που κατηγορείται από το κράτος στο πρόσωπο των αναγνωρισμένων ακαδημαϊκών ακαδημαϊκών. Εάν ο ζωγράφος ήθελε να πωληθεί και να έχει επιτυχία μεταξύ του κοινού, έπρεπε να πάρει ένα βραβείο σαλόνι, δηλαδή, να ευχαριστήσουν τα γούστα της δήλωσης της Επιτροπής. Εάν η κριτική επιτροπή απέρριψε το έργο, ο καλλιτέχνης θα μπορούσε να βάλει ένα σταυρό όπως αναγνωρίζεται όπως αναγνωρίζεται.

Το 1863, αφού η κριτική επιτροπή του σαλόνι απέρριψε περίπου 3000 πίνακες ζωγραφικής, η αγανάκτηση καλλιτεχνών έφθασε στο όριο της. Οι καταγγελίες έφτασαν στον αυτοκράτορα Ναπολέοντα ΙΙΙ και διέταξε να οργανώσει μια έκθεση ανεπιτυχούς έργου, το οποίο ονομάστηκε "σαλόνι Landscreen". Η έκθεση παρακολούθησε τους συγγραφείς ως Edward Mana, Camille Pissarro, Paul Cesanne. Μια εναλλακτική έκθεση είχε μια εκκωφαντική επιτυχία. Αληθινή, ο όγκος του κοινού πήγε εκεί για να μην παρακολούθησε τους "μη μορφοποιημένους" καλλιτέχνες.

Καθώς ο Eduard Mana εδώ και πολύ καιρό θεωρήθηκε μια τέτοια αποσύνδεση. Οι πίνακές του "Πρωινό στο γρασίδι" και "Ολυμπία" προκάλεσαν σοκ από το αξιότιμο κοινό. Η χιονοστιβάδα κριτικής και αγανάκτηση των κατάφυτων της ηθικής κατέρρευσε στον συγγραφέα.

Τι είναι αυτό σε αυτά τα έργα; Από την άποψη της νεωτερικότητας, ο καμβάς είναι αρκετά παραδοσιακές, γυμνές γυναίκες έγραψαν και νωρίτερα. Για τον θεατή την ίδια στιγμή, η Mane έχει μια πρόκληση. Στο "πρωινό στο γρασίδι", ήταν αμηχανία από την εικόνα μιας εντελώς γυμνής γυναίκας στην εταιρεία ντυμένων ανδρών. Ένα παρόμοιο οικόπεδο βρίσκεται στο Georgeon στην ζωγραφική "αγροτική συναυλία" και η Ολυμπία είναι ένα επαναληπτικό αντίγραφο της Venus Urbinskaya Titian. Οι γυμνές κυρίες Georgeon και Titian είναι ιδανικοί, είναι κάπου μακριά σε άλλους κόσμους. Και οι εικόνες της Manne απεικονίζουν τις κουρτίνες, τη σύγχρονη και ικανοποιημένη ζωή. Αυτό έχει βυθιστεί στο σοκ του αστικού κοινού, συνηθίστηκε με τη θεά και τη βασίλισσα.

Όλα αυτά μαρτυρούν στην ουρανική κρίση στην τέχνη της Γαλλίας το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Ο ιμπρεσιονισμός ήταν μια προσπάθεια να βρεθεί ένας νέος τρόπος, αν και αποδείχθηκε για να είναι για πολλούς θεραπεία με σοκ.

Φόντο αντικοινωνία

Δεν μπορεί να ειπωθεί ότι ο ιμπρεσιονισμός προέκυψε από μόνη της. Μέχρι τη στιγμή της πρώτης έκθεσής της, πολλοί από τους συμμετέχοντες ήταν ήδη σε μια ώριμη ηλικία, έχοντας ένα μεγάλο έτος εκμάθησης ζωγραφικής από πολλά χρόνια.

Οι προϋποθέσεις για αυτό το νέο ρεύμα, εάν είναι επιθυμητό, \u200b\u200bμπορούν να βρεθούν από τους κυρίους της Αναγέννησης του Velasquez, El Greco, Goya, Rubens, Titian, Rembrandt. Αλλά η άμεση εντύπωση στους ιμπρεσιονιστές είχαν τέτοιους σύγχρονους καλλιτέχνες όπως το Delacroix, Kourbe, Korota, Koro.

Η ιαπωνική ζωγραφική, οι εκθέσεις των οποίων διεξήχθησαν συνεχώς στο Παρίσι στους ιμπρεσιονιστές της Μανάρας. Τα εξελιγμένα έργα του Utamaro, Hocus, Hiroshig ήταν τελετουργική κάθε στιγμή της ζωής που ήταν χαρακτηριστικό της νοοτροπίας της Ανατολής. Απλοποιημένη μορφή, σύνθεση μετατόπισης, καθαρότητα χρώματος σε ιαπωνικά χαρακτικά Κατακλήθηκε νέους καλλιτέχνες και άνοιξε νέους ορίζοντες τους.

Επιπλέον, η δημιουργικότητα των ιμπρεσιονιστών είχε την επίδραση της φωτογραφίας. Με αυτό, ήταν δυνατό να κάνετε απροσδόκητες γωνίες, γκρο πλαν, εικόνα σε κίνηση. Η φωτογραφία έχει γίνει η τέχνη της σύλληψης της στιγμής, αυτό ήταν που ήταν κοντά στους καλλιτέχνες-πρωτοπόρους. Με την έλευση της φωτογραφίας, ήταν δυνατό να μην ακολουθήσουμε την ακρίβεια της εικόνας, αλλά να προτιμάτε την εσωτερική του κατάσταση, το συναισθηματικό χρώμα. Ο αυθορμητισμός έχει γίνει ένας από τους κανόνες της νέας ζωγραφικής.

Χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού

Οι δημιουργίες κριτικών δεν ήταν μόνο τα οικόπεδα των ζωγραφων, αλλά και στον τρόπο σχεδίασης ιμπρεσιονιστών. Ήταν θεμελιωδώς διαφορετική από το γεγονός ότι διδάσκονται στη Σχολή Καλών Τεχνών του Παρισιού.

Οι ιμπρεσιονιστές δεν τηρήθηκαν σε ένα σαφές περίγραμμα, έβαλαν τα επιχρίσματα άνετα, χωρίς να ανησυχούν για ένα διεξοδικό σχέδιο κάθε θέματος. Τα χρώματα αναμίχθηκαν αμέσως στον καμβά, επιτυγχάνοντας την καθαρότητα της σκιάς. Η προοπτική χτίστηκε όχι με γεωμετρικό νόμο, αλλά λόγω του βάθους των χρωμάτων, η μείωση της έντασης χρώματος ως η αφαίρεση του θέματος.

Εγκατέλειψαν την εικόνα αντίθεσης του φωτισμού. Από την παλέτα τους εξαφανίστηκε μαύρο, λευκό, γκρι, καφέ χρώματα σε καθαρή μορφή. Οι σκιές θα μπορούσαν να είναι πράσινες και μπλε και μοβ, ανάλογα με το πώς ο καλλιτέχνης τους είδε.

Οι ιμπρεσιονιστές χρησιμοποίησαν ευρέως μια τεχνική οπτικής ανάμειξης: ο καμβάς τοποθετούνται στο επίχρισμα δύο χρωμάτων, τα οποία κατά την εξέταση του θεατή δίδει το αποτέλεσμα του τρίτου. Για παράδειγμα, πράσινο και κίτρινο στροφή σε μπλε, μπλε και κόκκινο - σε μοβ, κλπ.

Τα οικόπεδα των έργων δεν ήταν η μυθολογία ή τα ιστορικά γεγονότα, αλλά τα τοπία, τα πορτραίτα, ακόμα ζωντανά - όλα αυτά θεωρούνταν ένα "χαμηλό" είδος. Οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να απεικονίσουν τη φύση ή το θέμα σε ένα συγκεκριμένο χρονικό σημείο, έχοντας μεταφέρει φωτεινό συναίσθημα. Έτσι υπήρχαν μια σειρά έργων όταν απεικονίζεται το ίδιο κίνητρο, αλλά σε διαφορετικές περιόδους του έτους ή της ημέρας με διαφορετικό φωτισμό. Για παράδειγμα, τα έργα του Claude Monet: "Hay Stacks", "Poplar", "Ruran Cathedral", κλπ.

Για αυτό, οι ιμπρεσιονιστές συχνά ζωγραφίστηκαν από τη φύση, στο Plenier, για να καταγράψουν με ακρίβεια. Ο Ακαδημίτης ήταν ο κύριος χρόνος στο στούντιο, ο Honinging The Drawing Technique.

Αυτή η προσέγγιση έκανε τα έργα ζωγραφικής με πιο συναισθηματική, ποιητική, έδωσε την ευκαιρία να δουν το όμορφο πράγμα στα πιο συνηθισμένα πράγματα, αξίζει την απλότητα της στιγμής, κάθε στιγμή της ζωής. Μια εικόνα των συνηθισμένων πραγμάτων μέσω του πρίσματος της αντίληψης του καλλιτέχνη έκανε κάθε εικόνα μοναδική.

Ιστορία του ρεύματος

Στις 15 Απριλίου 1874, η εταιρεία των νέων καλλιτεχνών-καινοτόμων διοργάνωσε την έκθεση της στην καμπίνα του φωτογράφου Felix Nodar στο Kapuchin Boulevard στο Παρίσι.

Η ίδια η ιδέα μιας ανεξάρτητης έκθεσης παρακάμπτοντας το επίσημο σαλόνι ήταν ήδη το κουδούνισμα, αλλά η εικόνα που εμφανίζεται από το κοινό προκάλεσε ακόμα μεγαλύτερη αγανάκτηση. Μετά από όλα, περπάτησαν εναντίον όλων των ακαδημαϊκών κανόνων και ήταν σε αντίθεση με τα εξιδανικευμένα έργα εκπροσώπων του δημοφιλούς κλασικισμού ή ρομαντισμού στη Γαλλία.

30 Καλλιτέχνες και 165 έργα συμμετείχαν στην έκθεση. Περιλάμβαναν το Monet, Renoir, Pisserro, Sisan, Mana, Degas, Cesanne, Berta Morizo. Μετά από κάποιο χρονικό διάστημα, θα υπάρξουν ολόκληρες συνθήκες για τους πίνακές τους, αλλά στη συνέχεια μια αναταραχή κριτικών κατέρρευσε στο γενναίο. Καταχωρήθηκαν για κρατώντας, με στόχο την προσέλκυση της προσοχής του κοινού, να υποτιμηθούν σε "σκουριασμένο", "ατέλειωτη" της εργασίας και ακόμη και στην ανηθικότητα.

Διάσημος κριτικός και δημοσιογράφος Louis Lerua, που περιγράφει την εικόνα του Claude Monet σε ένα σατιρικό άρθρο. "Εντύπωση. Ο ανερχόμενος ήλιος ", θα καλέσει τους καλλιτέχνες από τους ιμπρεσιονιστές (από τη γαλλική εντύπωση - εντύπωση). Εγώ ο ίδιος δεν γνωρίζω, θα δώσει ένα όνομα σε ολόκληρη τη ροή στην παγκόσμια ζωγραφική.

Η δεύτερη έκθεση πραγματοποιήθηκε δύο χρόνια μετά τον θρυλικό πρώτο - τον Απρίλιο του 1876 προκάλεσε ακόμη μεγαλύτερη απόρριψη κριτικών και το κοινό. Καλλιτέχνες σε σύγκριση με ψυχικά άρρωστοι. Κάποιος μπορεί να τροφοδοτηθεί μόνο με θάρρος και εμπιστοσύνη στην ορθότητα αυτών των γενναιόδωρων, η οποία συνέχισε να δημιουργεί, παρά την έλλειψη χρημάτων, στην ατμόσφαιρα της συνεχούς γελοιοποίησης και του εκφοβισμού.

Τον Μάρτιο του 1875 πραγματοποιήθηκε η δημοπρασία των έργων της Sisley, Monet, Renuara και Berth Morizo. Πέρασε με ένα σκάνδαλο, το κοινό έγραψε κάτω από την εικόνα που παρουσιάστηκε προς πώληση. Πολλά υφάσματα πωλήθηκαν για ένα άγονο. Ορισμένα έργα καλλιτεχνών και οι φίλοι τους έπρεπε να αγοράσουν τους εαυτούς τους, απλά να μην δώσουν μακριά σε ένα πολύ δώρο.

Ωστόσο, οι ιμπρεσιονιστές είχαν αφιερωμένους οπαδούς. Είχαν ένα πάρτι γκαλερί και ένας συλλέκτης Paul Durane-Ruele, βοήθησε πάντα τους καλλιτέχνες στην οργάνωση εκθέσεων και να πωλούν πίνακες ζωγραφικής. Εκτός από έναν συλλέκτη Victor Shoche, ο οποίος ερωτεύτηκε το έργο των ιμπρεσιονιστών με την πρώτη ματιά.

Από το 1877 έως το 1886, 6 περισσότερες εκθέσεις ιμπρεσιονιστών πέρασε στη Γαλλία. Όλοι τους, εκτός από το τελευταίο, εκτέθηκαν σε μια κηλίδα κριτικής και γελοιοποίηση.

Εν τω μεταξύ, υπήρχαν διαφορές μεταξύ των ίδιων των καλλιτεχνών. Έτσι, η Mane και η Renoir συμμετείχαν στις εκθέσεις του σαλόνι το 1879 και το 1880. Οι πίνακές τους επιλέχθηκαν από την εποικοδομητική κριτική επιτροπή. Ο Claude Monet αντιπροσώπευε επίσης το έργο του για την καμπίνα, αλλά οι πίνακές του δεν έγιναν δεκτοί. Συνάντησε την περιφρόνηση της Degas και την καταδίκη άλλων καλλιτεχνών.

Το φθινόπωρο του 1885, ο Durane Ruel έλαβε μια προσφορά για να οργανώσει μια έκθεση ιμπρεσιονιστών στη Νέα Υόρκη. Αρχικά, οι καλλιτέχνες αντέδρασαν σκεπτικά σε αυτή την επιχείρηση. Αλλά τον Μάρτιο του 1886, ο Durane Ruel έφυγε από τη Γαλλία στην Αμερική με μια συλλογή φωτογραφιών της πρωτεΐνης του. Στις Ηνωμένες Πολιτείες, το έργο των ιμπρεσιονιστών φρόντισε ενδιαφέρον, η έκθεση ήταν πολύ δημοφιλής. Ο τύπος είχε τόσο θετική ανατροφοδότηση όσο και αρνητική. Αρκετοί πίνακες κατάφεραν να πουλήσουν τοπικούς συλλέκτες.

Εν τω μεταξύ, οι διαφωνίες μεταξύ των ιμπρεσιονιστών αυξήθηκαν. Ο Monet άρχισε να ορκίζεται με το Durane Ryulele και να πουλήσει πίνακες του μέσω άλλων αντιπροσώπων της τέχνης. Το Pissarro και η Renoir εντάχθηκε στην Mona. Συγκρουόμενους καλλιτέχνες και μεταξύ τους.

Η ομάδα των ιμπρεσιονιστών έχει ενωθεί κάποτε στην καταπολέμηση του αρχοντισμού έχασε μια κοινή ιδέα και έπαψε να υπάρχει.

Στην τελευταία έκθεση το 1886, οι καλλιτέχνες που θα καλούνται από τους posimeigursissists εμπλέκονται. Αυτό είναι το Georges Sere και το Paul Signac. Οι μάγοι ως Vincent Van Gogh, Paul Gajan, Henri Matisse και άλλοι ανήκουν επίσης στις μετα-αποδοχές.

Η ιδέα του ιμπρεσιονισμού έχει ξεπεράσει τον εαυτό της, αλλά άνοιξε τον τρόπο με τον οποίο μια άλλη, ακόμα πιο καινοτόμος τέχνη του τέλους Xix - πρώιμη XX αιώνα.

Καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές

Είναι αδύνατο να εξεταστεί ο ιμπρεσιονισμός στον διαχωρισμό της μοίρας των δασκάλων. Εξετάστε τις σύντομες βιογραφίες πολλών καλλιτεχνών.

Eduard Mana

Η Mana γεννήθηκε το 1832 στην αξιοσέβαστη οικογένεια δικηγόρου και κόρης του διπλωμάτη. Στο σχολείο, το αγόρι δεν ήταν ισχυρό, αλλά έδειξε ενδιαφέρον για το σχέδιο. Ωστόσο, οι γονείς δεν υποστήριξαν το πάθος του. Ο πατέρας ήθελε τον Eduard να πάει στα βήματα του. Ο Junior βοήθησε τον θείο, πληρώθηκε για μαθήματα τέχνης.

Το 1847, ένας νεαρός αποφασίζει να εισέλθει στην ναυτική σχολή, αλλά αποτυγχάνει την εξέταση. Ως ζούγκλα, πηγαίνει στο πλοίο στη Νότια Αμερική. Κατά τη διάρκεια του ταξιδιού, κάνει πολλά σχέδια και σκίτσα.

Μετά την επιστροφή στη Γαλλία, ο Eduard αποφασίζει να ασχοληθεί με τη ζωγραφική. Είναι 6 ετών που σπουδάζουν στο εργαστήριο του Tom Kutur. Παράλληλα, ταξιδεύουν στην Ευρώπη, εξοικειωμένοι με μνημεία τέχνης. Μεταξύ των ιμπρεσιονιστών, η Mane θα θεωρηθεί ο πιο "ακαδημαϊκός" καλλιτέχνης. Δημιουργικότητα των Δασκάλων της Αναγέννησης, δεν θα επανεξετάσει τα έργα του. Αγαπημένοι οι ζωγράφοι του ήταν Velasquez, Titian, Goya.

Η Mane προσφέρει το έργο του στην κριτική επιτροπή της καμπίνας πολλές φορές και πάντοτε λαμβάνει μια άρνηση. Ως αποτέλεσμα, συμμετέχει στην έκθεση "σαλόνι της λεηλασίας". Εκεί, η εικόνα του "πρωινό στο γρασίδι" προκάλεσε ένα μεγάλο σκάνδαλο. Στο ίδιο 1863, ο καλλιτέχνης έγραψε μια άλλη εικόνα της Ολυμπίας. Η Mana αποδείχθηκε πάντα κάτω από τη σφαίρα της κριτικής. Σχετικά με την υπεράσπιση του καλλιτέχνη, ο φίλος του Emil Zola σηκώθηκε. Ένας άλλος στενός σύντροφος ήταν ο Charles Baudelaire.

Το 1866, η Manne βγήκε με τους Impressionsists, όπως απορρίφθηκε τους ακαδημαϊκούς. Ο ίδιος δεν κατατάσσει ποτέ τον εαυτό της. Χρησιμοποίησε το μαύρο χρώμα του στην παλέτα του και δεν αναγνώρισε τον τίτλο ζωγραφικής. Αλλά ήταν ο Eduard Mana που θεωρείται η αντιστάθμιση του ιμπρεσιονισμού.

Η Mana, που δεν δέχεται ακαδημαϊκό, παρ 'όλα αυτά, έστειλε πάντα το έργο του στο σαλόνι. Ανησυχούσε σοβαρά για τις αρνήσεις και την αδιαφορία του κοινού στο έργο τους. Ο καλλιτέχνης γράφει πολλά πορτρέτα και σκηνές είδους, η παλέτα του δεν είναι τόσο χαρούμενη, όπως οι υπόλοιποι ιμπρεσιονιστές. Λειτουργεί επίσης στο Plenier και αντλεί νεκρή φύση.

Μέχρι το τέλος της δεκαετίας του '70, το έργο του Eduard Mana αποκτά σταδιακά αναγνώριση. Τα έργα του εκτίθενται στα σαλόνια, σε ένα θα πάρει ακόμη και ένα μετάλλιο. Το 1881, η Manne θα παραδώσει τη σειρά της τιμητικής λεγεώνας. Μέχρι αυτή τη φορά ο καλλιτέχνης ήταν ήδη άρρωστος αταξία (έλλειψη συνέπειας των κινήσεων). Δεν μπορούσε πλέον να αντλήσει μεγάλο καμβά.

Το 1883, η Manne ακρωτηριαστεί στο πόδι λόγω του Γκανογόνα, αλλά η επιχείρηση δεν βοήθησε. Μετά από λίγους μήνες, ο καλλιτέχνης πέθανε.

Claude monet

Ο Claude Monet γεννήθηκε το 1840 στην οικογένεια του έμπορου παντοπωλείου. Το αγόρι έγινε διάσημο στην εγγενή του HAV, χάρη στη σχεδίαση κινούμενων σχεδίων και κινούμενων σχεδίων. Στις 17, η μοίρα τον έφερε στον καλλιτέχνη Eugene Buden. Ο Budywa πήρε έναν νεαρό Monna με τον εαυτό του στο Plenuir και ενσταλάξει την αγάπη του για ζωγραφική.

Το 1859, ο Claude πηγαίνει στο Παρίσι. Αρχίζει να σπουδάζει στην Ακαδημία Suis, και στη συνέχεια παίρνει μαθήματα από τον Charles Gleira. Το 1865, το Monte εκτίθεται στην καμπίνα. Τα έργα του αντιλαμβάνονται αρκετά ευνοϊκά. Τότε συναντά τη μελλοντική του γυναίκα Camilla.

Ο Monet με Renoir και άλλοι ιμπρεσιονιστές συχνά ταξιδεύουν στην αιχμαλωσία, σχεδιάζοντας τοπία που τους συλλαμβάνουν όλα πολλά.

Το 1870, ο Monet αφήνει στο Λονδίνο. Στην Αγγλία, συναντά τον Paul Durane Ruelem. Μετά από 2 χρόνια, επιστρέφοντας στη Γαλλία, ο Monet εγκαθίσταται στο Argene. Για 4 χρόνια, το Monte έχει γράψει πολλά έργα σε αυτό το άνετο μέρος.

Το 1874, ο Claude Monet συμμετέχει στην πρώτη έκθεση των ιμπρεσιονιστών. Οι πίνακές του επικρίθηκαν ως έργο των υπόλοιπων συμμετεχόντων.

Το 1878, η οικογένεια Monet εγκαθίσταται στην πόλη VITUE. Εκεί δημιουργεί πολλές ζωγραφιές. Αλλά σε ένα χρόνο, η γυναίκα του Camilla πεθαίνει. Για λίγο, σκοτώθηκε από το θλίψη του Monet αρνείται τοπία, σχεδιάζοντας ένα εργαστήριο ακόμα ζωής.

Το 1883, ο Monte τελικά βρίσκει ένα μέρος όπου θα ζήσουν 40 χρόνια. Αυτός ο τόπος είναι το σπίτι στο Givernie. Ο νέος ιδιοκτήτης σπάει έναν υπέροχο κήπο εκεί και θα κάνει μια διάσημη λίμνη που δεν θα κουραστεί στις μέρες του ηλιοβασιλέματος.

Το 1892, ο Claude Monet παίρνει μια χήρα του φίλου του Alisa Oshda.

Ο Monet αντλεί μια σειρά έργων, που απεικονίζει την ίδια άποψη σε διαφορετικούς χρόνους του έτους και της ημέρας, με διαφορετικό φωτισμό. Υπάρχουν αρκετές πολλές σειρές: "Στοίβα της Σενά", "λεύκα", "λίμνη με νούφαρο", "καθεδρικός ναός Ruran" και άλλοι. Ο Claude Monet είναι ο βιτρίτου στη μεταφορά διαφορετικών χρωμάτων αποχρώσεις, απεικονίζει μια διφορούμενη στιγμή μέσω του πρίσματος της αντίληψής του. Ο καμβάς του είναι επιτυχείς, είναι στην ευχάριστη θέση να αγοράσουν συλλέκτες, συμπεριλαμβανομένης της εξωτερικής Γαλλίας.

Όλη η ζωή του έγραψε τη φύση. Μέχρι το τέλος της ζωής του, εστιάστηκε στον κήπο του στον δωρητή, ο οποίος μετατράπηκε σε ένα άλλο έργο τέχνης. Ο δάσκαλος γράφει ακούραστα τους τύπους: λουλούδια, σκιερικά σοκάκια και μια διάσημη λίμνη. Το 1919, ο Monet δίνει το κράτος των 12 μεγάλων ζωγραφικής από τη σειρά Nymfei. Για τους διαθέσει δύο περίπτερα στο Μουσείο του Ορο τοραγγερού.

Εν τω μεταξύ, ο καλλιτέχνης άρχισε να τυφλός. Έχοντας επιβιώσει τη λειτουργία των ματιών το 1925, ήταν σε θέση να επιστρέψει στην εργασία. Ο Claude Monet πέθανε το 1926, ενώ έγινε ακόμα ένα κλασικό. Δεν ήταν μόνο ο ιδρυτής του ιμπρεσιονισμού, αλλά και ο προκάτοχος της αφηρημένης τέχνης, μπροστά από το χρόνο του και άνοιξε μια ολόκληρη εποχή του έργου του.

Aucture Renoir

Το Augusted γεννήθηκε σε μια μεγάλη οικεία οικογένεια το 1841. Όντας έφηβος ασχολήθηκε με ζωγραφική πιάτα. Το 1862 εισήλθε στη Σχολή Καλών Τεχνών, καθώς παρακολουθούσε ευρέως τα μαθήματα από τον Charles Gleira. Το 1864, οι πίνακές του εγκρίνουν να συμμετάσχουν στην καμπίνα. Μαζί με τους ιμπρεσιονιστές της Renoir πηγαίνει στο Plenu. Ο καλλιτέχνης εμφανίζεται το μοναδικό χειρόγραφο της - έντονα ευρεία εγκεφαλικά επεισόδια, ένα χαρούμενο παιχνίδι φωτός και χρώματος.

Μετά την πρώτη έκθεση των ιμπρεσιονιστών, η Renoir υποβλήθηκε σε μια ανελέητη κριτική. Στη συνέχεια, συμμετείχε σε 3 εκθέσεις. Το 1879, που εκτίθεται στην καμπίνα, παρά τις επιρροές των φίλων. Η εικόνα του "Madame Scarate με παιδιά" έλαβε αναγνώριση και οι υποθέσεις του καλλιτέχνη πήγαν στο βουνό. Άρχισε να δίνει εντολές για πορτρέτα που παρέχονται από τους πολίτες. Το Renuar ήταν ιδιαίτερα επιτυχημένο για γυναίκες εικόνες, έγραψε πολλά παιδιά. Αισθάνονται ιδιαίτερη θερμότητα και ευκολία.

Το 1870-80 είναι η άνθηση της δημιουργικότητας του καλλιτέχνη. Γράφει πολύπλοκο μεγάλο καμβά με πολλούς ήρωες. Σε αυτή την περίοδο περιλαμβάνουν τις διάσημες ζωγραφιές της "μπάλα στο Moulin de la Gaette", "Πρωινό των Rowers". Η Renoir πίστευε ότι η ζωγραφική πρέπει να διακοσμήσει τη ζωή των ανθρώπων. Η τέχνη του ήταν φωτεινή, ειλικρινή, ηλιόλουστη, όπως η ίδια η Γαλλία.

Το 1890, παντρεύεται το μοντέλο του Alina Sharigo, θα έχουν τρία παιδιά. Το 1881, η Renoir βόλτες στην Ιταλία. Επιστρέφοντας, αλλάζει το ύφος της ζωγραφικής, σε ένα πιο "ακαδημαϊκό". Αυτή η περίοδος περιλαμβάνει εικόνες από "ομπρέλες", "Big Swimsters". Η Renoir πλήρωσε μεγάλη προσοχή γυμνή φύση. Επιστρέφοντας στις αρχές του ιμπρεσιονισμού, γράφει μια σειρά από πίνακες ζωγραφικής με τα Swimsters - την ομορφιά και τη χάρη των γυναικών Odu.

Renoir, σε αντίθεση με πολλούς ιμπρεσιονιστές, μια αναγνώριση τιμήθηκε κατά τη διάρκεια της ζωής του. Οι κριτικοί του επαίνεσαν, είχε πολλούς πελάτες, οι πίνακες ήταν καλά αγορασμένοι. Σε ηλικιωμένη ηλικία, η Renoir υπέφερε από αρθρίτιδα. Έγραψε, τείνει μια βούρτσα για να παραμορφώσει το ρευματισμό. "Ο πόνος περνάει και η ομορφιά παραμένει", δήλωσε ο καλλιτέχνης. Ο Auguste Renoir πέθανε το 1919 από την πνευμονική νόσο.

Camille Pisserro

Γεννημένος στο νησί του Αγίου Θωμά στην Καραϊβική το 1831. Σε ηλικία 25 ετών, μετακόμισε στη Γαλλία, στο Παρίσι, σπούδασε στη Σουίζα και στο Κορώ. Συμμετείχε στο "Σαλόνι". Ταυτόχρονα, συναντήθηκε Mana, Cezanne, Monet, Σισύλα. Το Pissarro έγραψε τοπία, πληρώντας μεγάλη προσοχή στα αντικείμενα φωτισμού. Το 1868, που εκτίθεται στην καμπίνα. Το επόμενο έτος, λόγω της έναρξης του πολέμου, αναγκάστηκε να φύγει στο Λονδίνο. Εκεί, ο Pissarro συναντήθηκε με τον φίλο του Claude Monet. Μαζί πήγαν στην αιχμαλωσία, μελετώντας τη φύση της Αγγλίας.

Με την επιστροφή στη Γαλλία, ο Camille Pissarro εγκαθίσταται στο Pontoise. Το 1872 φτάνει ο Cesann με την οικογένειά του. Οι καλλιτέχνες γίνονται αδιάσπαστοι φίλοι. Και το 1881, ο Paul Gauguen τους ενώνει. Το Pissarro βοήθησε πρόθυμα τους νέους καλλιτέχνες, να μοιραστούν μαζί τους την εμπειρία του. Ζήτησε να μην πληρώσει μεγάλη προσοχή στο σχέδιο των αντικειμένων, το κύριο πράγμα είναι να περάσει την ουσία. Πρέπει να γράψετε τι βλέπετε και αισθάνεστε, δεν εστιάζετε στην ακρίβεια του εξοπλισμού. Μόνο η φύση μπορεί να είναι δάσκαλος με τον οποίο πρέπει πάντα να σας συμβουλεύονται.

Κατά τη διάρκεια της ζωής του στην Pontoise, ο Pissarro ήταν σε θέση να εργαστεί τον ιδιαίτερο τρόπο ζωγραφικής του. Ο καλλιτέχνης έζησε εκεί για 10 χρόνια. Συχνά εφαρμόζει στα οικόπεδα από την αγροτική ζωή. Τα έργα του γεμίζουν με το φως και στίχοι.

Ωστόσο, οι καμβά του Pissarro πωλούνταν άσχημα, και ήταν δύσκολο για αυτόν να παράσχει τη μεγάλη του οικογένεια. Το 1884 ο καλλιτέχνης εγκαταστάθηκε στο χωριό Euras, περιστασιακά επίσκεψη στο Παρίσι με την ελπίδα να πουλήσει τις ζωγραφιές του ή να βρει έναν προστάτη. Σε ένα τέτοιο πρόσωπο, ο Paul Dureane Ruele έγινε το δικαίωμα έκφρασης να εξαργυρώσει το έργο του πλοιάρχου.

Το 1885, ο Camille Pissarro αποφασίζει να ενταχθεί στις μετα-αποδοχές του George Sere και του πεδίου Xinyak, δοκιμάζει μια νέα κατεύθυνση - υποδείγματος. Λόγω της συμμετοχής του θείου και του Xinyak στην όγδοη έκθεση των ιμπρεσιονιστών, των πνευσμάτων Pissarro με Monte, Renoir, Sisyl. Ως αποτέλεσμα, το Pissarro με τους νέους φίλους του εκτέθηκε σε ξεχωριστό δωμάτιο. Ωστόσο, το κοινό δεν εκτιμούσε τη νέα κατεύθυνση.

Το 1889, ο Pissarro αρνείται τον δείκτη και επιστρέφει στον παλιό του τρόπο. Τα σημεία ζωγραφικής δεν θα μπορούσαν να ικανοποιήσουν την επιθυμία του να μεταφέρει τη βιωσιμότητα και τη φρεσκάδα της εσωτερικής αίσθησης. Οι πίνακές του αρχίζουν να αγοράζουν και πάλι. Ο Durane Ruele διοργανώνει πολλές εκθέσεις του καλλιτέχνη.

Τα τελευταία χρόνια, το Pissarro έχει μεταφέρει σοβαρά γραφικά, λιθογραφία και χάραξη. Ο καλλιτέχνης πέθανε στο Παρίσι σε 73 χρόνια. Στη ζωή, δεν έλαβε βραβεία από το κράτος. Το Pissarro βοήθησε πάντα τους νέους καλλιτέχνες και προσπάθησε να συμφιλιώσει ιμπρεσιονιστές του εντάλματος. Ήταν ο μόνος που συμμετείχε σε όλες τις εκθέσεις τους.

Edgar degas

Η DEGI γεννήθηκε το 1834. Ο πατέρας-τραπεζίτης με δυσκολία έδωσε την άδεια του Edgar για την εκπαίδευση της ζωγραφικής. Στο 21 Ένας νεαρός άνδρας εισήλθε στη Σχολή Χαριτωμένων Τεχνών. Το 1865, η εικόνα της διαμόρφωσης της "σκηνής από τη ζωή του Μεσαίωνα" εγκρίνει για την έκθεση στην καμπίνα. Η γνωριμία με τους ιμπρεσιονιστές αλλάζει την κοσμοθεωρία του καλλιτέχνη. Αναχωρεί από τον ακαδημαϊκό. Η DEGI προτιμά την ζωγραφική του είδους, που απεικονίζει τους γύρω απλούς ανθρώπους.

Ξεκινώντας από τη δεκαετία του 1870, ο Degius προσπαθεί να γράψει παστέλ. Αυτό το υλικό ήρθε στον καλλιτέχνη στην ψυχή, επειδή ενωμένος ζωγραφική με γραφικά. Το στυλ DEGI ήταν διαφορετικό από τους υπόλοιπους ιμπρεσιονιστές που έβαλαν το φως στην πρώτη θέση. Επιπλέον, η DEGI δεν πήγαινε στο Plenier, προτιμώντας να κάνει σκίτσα σε ένα καφενείο, σε αγώνες, στα καταστήματα. Προσπάθησε να εκφράσει την έκφραση μέσω μιας γραμμής και σχεδίου, το οποίο δεν βρήκε πάντα μια κατανόηση άλλων ιμπρεσιονιστών.

Η DEGI πήρε πάντα ενεργό ρόλο στην οργάνωση των εκθέσεων των ιμπρεσιονιστών στη Γαλλία. Έχασε μόνο ένα από αυτά σε ιδεολογικούς λόγους. Ωστόσο, ο ίδιος δεν θεωρεί τον εαυτό του έναν ιμπρεσιονιστή.

Τα έργα της DEGA δεν είναι τόσο χαρούμενα όσο οι πίνακες των συντρόφων του. Συχνά απεικονίζει τη ζωή χωρίς μπαστούνια, όπως στη ζωγραφική "AbsinThe Lovers".

Γύρω από τη Dagie συγκέντρωσε τον κύκλο των νέων καλλιτεχνών - Vidal, κασέτα, Rafaelli, Tilla, Forene, και άλλων. Έκανε μια διάσπαση στην κοινωνία των ιμπρεσιονιστών και οδήγησε σε μια αναπόφευκτη σύγκρουση και, στο τέλος, στην κατάρρευση της εταιρικής σχέσης .

Στη δεκαετία του 1880, η Degas δημιουργεί μια σειρά έργων: "Στο κατάστημα καπέλων", "γυμνές γυναίκες πίσω από την τουαλέτα". Η τελευταία σειρά παστέλ προκάλεσε την αγανάκτηση του κοινού, καθώς οι γυναίκες απεικονίστηκαν ρεαλιστικά, σε οικεία μορφή για καθημερινές τάξεις.

Μια σειρά από "άλματα" και "χορευτές" επέτρεψε στον καλλιτέχνη να περάσει το σχέδιο σε κίνηση. Το θέμα του μπαλέτου ήταν κοντά στα Degas. Κανείς, όπως αυτός, δεν μπορούσε να μεταφέρει την ουσία του χορού. Ο Edgar έσβησε εύθραυστους χορευτές στη σκηνή και πίσω από τις σκηνές. Συχνά έκανε τα σχέδια στο στούντιο, το οποίο ήταν επίσης ασυνήθιστο σε ιμπρεσιονιστές.

Η DEGA δεν δημιούργησε μια οικογένεια. Ήταν διάσημος για τον δύσκολο, μη συμβουλευτικό χαρακτήρα του. Το μόνο πάθος του ήταν η τέχνη με την οποία αφιέρωσε όλο το χρόνο του.

Μετά το 1890, ο Degius υποφέρει από το μάτι και εν μέρει χάνει την όρασή του. Ο Master απευθύνεται στη γλυπτική. Κοίταξε από πηλό και κερί χορευτές και άλογα, αλλά πολλά από τα ειδώλια του στη συνέχεια πέθαναν λόγω της ευθραυστότητας του υλικού. Ωστόσο, 150 έργα που παραμένουν μετά το θάνατο του καλλιτέχνη, κατάφερε να μεταφράσει σε χάλκινο.

Τα τελευταία χρόνια, ο Degas πέρασε τυφλός. Ήταν μια μεγάλη τραγωδία γι 'αυτόν. Ο Edgar Dega πέθανε το 1917 στο Παρίσι, αφήνοντας πίσω μια μεγάλη κληρονομιά με τη μορφή σχεδίων, πίνακες, γλυπτά.

Με βάση τις ιστορίες της ζωής των καλλιτεχνών, μπορεί να φανεί ότι ο ιμπρεσιονισμός έχει πολλά πρόσωπα. Κάποτε έγινε επανάσταση στην τέχνη της Γαλλίας και ολόκληρου του κόσμου, ανοίγοντας την ευκαιρία για την εμφάνιση πολλών νέων κατευθύνσεων. Αλλά ένας ενιαίος όλοι ιμπρεσιονιστές. Αυτή είναι η επιθυμία για την εικόνα μιας εύθραυσιας, αόριστης ομορφιάς των στιγμών, από τις οποίες η ζωή είναι χτισμένη.

Όλα παίρνουν την προέλευσή τους κάπου στο παρελθόν, συμπεριλαμβανομένης της ζωγραφικής αλλάζει μαζί με τους καιρούς και οι τρέχουσες ροές δεν είναι σαφείς σε όλους. Αλλά όλα τα νέα είναι καλά ξεχασμένα παλιά, και να κατανοήσουν την τρέχουσα ζωγραφική, δεν χρειάζεται να γνωρίζετε την ιστορία της τέχνης από την αρχαιότητα, αρκεί μόνο να θυμάστε τη ζωγραφική των αιώνων XIX και XX.

Το μέσο του 19ου αιώνα είναι η εποχή της αλλαγής όχι μόνο στην ιστορία, αλλά και στην τέχνη. Το μόνο που ήταν πριν: ο κλασικισμός, ο ρομαντισμός και ο πιο περισσότερος ακαδημαϊκός - τα ρεύματα περιορίζονται σε ορισμένα πλαίσια. Στη Γαλλία, η 50-60, η τάση της ζωγραφικής ζήτησε από το επίσημο σαλόνι, αλλά η τυπική τέχνη "σαλόνι" που ταιριάζει σε όλους, εξήγησε τις νέες κατευθύνσεις που εμφανίστηκαν. Σε ζωγραφική εκείνης της εποχής, συνέβη μια επαναστατική έκρηξη, η οποία έσπασε με τις ηλικιακές παραδόσεις και στάθηκε. Και ένας από τους επίκεντρους έγινε Παρίσι, όπου την άνοιξη του 1874, οι νέοι καλλιτέχνες ζωγράφος, μεταξύ των οποίων ήταν ο Monet, ο Pissaro, ο Sisan, η Degas, η Ρεννοί και ο Cesan, διοργάνωσαν τη δική τους έκθεση. Τα έργα που παρουσιάζονται εκεί διέφεραν εντελώς από το σαλόνι. Οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν μια άλλη μέθοδο - τα αντανακλαστικά, οι σκιές και το φως μεταφέρθηκαν σε καθαρά χρώματα, ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια, το σχήμα κάθε θέματος φαινόταν να διαλύεται στο μέσο του φωτός αέρα. Καμία άλλη οδηγίες στη ζωγραφική δεν γνώριζε τέτοιες μεθόδους. Αυτά τα αποτελέσματα βοήθησαν να μεγιστοποιήσουν τις εντυπώσεις τους από τα πράγματα που αλλάζουν για πάντα, τη φύση, τους ανθρώπους. Ένας δημοσιογράφος κάλεσε τον όμιλο "ιμπρεσιονιστές", έτσι ήθελε να δείξει την αδιαφορία του για τους νέους καλλιτέχνες. Αλλά αποδέχονταν αυτόν τον όρο, και τελικά εμπλακεί και εισήλθε στην ενεργό χρήση, έχοντας χάσει ένα αρνητικό νόημα. Έτσι, ο ιμπρεσιονισμός εμφανίστηκε, σε αντίθεση με όλους τους άλλους προορισμούς στη ζωγραφική του 19ου αιώνα.

Αρχικά, η αντίδραση στην καινοτομία ήταν περισσότερο από εχθρική. Κανείς δεν ήθελε να αγοράσει πολύ τολμηρή και νέα ζωγραφική, και φοβόταν, επειδή όλοι οι κριτικοί δεν δέχθηκαν σοβαρά τους ιμπρεσιονιστές, γέλασαν σε αυτά. Πολλοί είπαν ότι οι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές ήθελαν να επιτύχουν γρήγορη δόξα, δεν ήταν ικανοποιημένοι με ένα απότομο κενό με συντηρητικό και ακαδημαϊκό, καθώς και ημιτελή και "παραπλανητικό" τύπο εργασίας. Αλλά οι καλλιτέχνες δεν μπορούσαν να εγκαταλείψουν τις πεποιθήσεις του ακόμη και την πείνα και τη φτώχεια και έδειξαν επιμονή μέχρι να αναγνωρίστηκαν τελικά οι πίνακές τους. Αλλά η αναμονή για αναγνώριση έπρεπε να είναι πάρα πολύ καιρό, ορισμένοι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές δεν ήταν πλέον ζωντανοί.

Ως αποτέλεσμα, το σημερινό στο Παρίσι κατά τη δεκαετία του '60 είχε μεγάλη σημασία για την ανάπτυξη της παγκόσμιας τέχνης των αιώνων XIX και XX. Μετά από όλα, οι μελλοντικές κατευθύνσεις στη ζωγραφική απωθήθηκαν με ακρίβεια από τον ιμπρεσιονισμό. Κάθε επόμενο στυλ εμφανίστηκε σε αναζήτηση ενός νέου. Η Postressistrism δημιούργησε τους ίδιους ιμπρεσιονιστές που αποφάσισαν ότι η μέθοδος τους είναι περιορισμένη: ένας βαθύ και πολλαπλασιαστικός συμβολισμός ήταν μια απάντηση στη ζωγραφική, "χαμένο νόημα" και η νεωτερικότητα καλεί ακόμη και ένα νέο. Φυσικά, από το 1874, πολλές αλλαγές συνέβησαν στην τέχνη, αλλά όλες οι σύγχρονες κατευθύνσεις στη ζωγραφική είναι κατά κάποιο τρόπο απωθημένα από τη φευγαλέα εντύπωση του Παρισιού.

Ιμπρεσιονισμός (Ιμπρεσιονισμός, franz. Εντύπωση - η εντύπωση) είναι μια κατεύθυνση στη ζωγραφική, προέρχεται από τη Γαλλία στη δεκαετία του 1860. και καθόρισαν σε μεγάλο βαθμό την ανάπτυξη της τέχνης του 19ου αιώνα. Οι κεντρικές μορφές αυτής της κατεύθυνσης ήταν η Cezanne, η Degas, η Mane, Monet, Pissarro, Renoir και Sisley και η συμβολή καθενός από αυτούς είναι μοναδική στην ανάπτυξή της. Οι ιμπρεσιονιστές αντιτάχθηκαν στις συμβάσεις του κλασικισμού, του ρομαντισμού και του ακαδημαϊκού, υποστήριξαν την ομορφιά της καθημερινής πραγματικότητας, απλά, δημοκρατικά κίνητρα, πέτυχε η ζωντανή αυθεντικότητα της εικόνας, προσπάθησε να πιάσει μια "εντύπωση" από το τι βλέπει το μάτι σε ένα συγκεκριμένο σημείο.

Οι πιο χαρακτηριστικές για τον ιμπρεσιονιστή το θέμα είναι ένα τοπίο, ωστόσο, επηρέασαν την εργασία τους και πολλά άλλα θέματα. Η DEGI, για παράδειγμα, απεικονίζεται άλματα, μπαλαρίνες και πλυντήριο, και ηρεμική - γοητευτικές γυναίκες και παιδιά. Στα ιμπρεσιονιστικά τοπία που δημιουργήθηκαν στον ύπνο, ένα απλό, εγχώριο κίνητρο μετατρέπεται συχνά από το λαμπερό κινούμενο φως που κάνει εορταστικό συναίσθημα στην εικόνα. Σε ορισμένες εφαρμογές αποχρωματιστικής κατασκευής της σύνθεσης και του χώρου, η επίδραση των ιαπωνικών χαρακτικών και εν μέρει η φωτογραφία. Ο Impressionists δημιούργησε για πρώτη φορά μια πολύπλευρη εικόνα της καθημερινής ζωής της σύγχρονης πόλης, κατέλαβε την ιδιαιτερότητα του τοπίου του και την εμφάνιση των ανθρώπων που κατοικούσαν τον λαό του, τη ζωή, την εργασία και την ψυχαγωγία τους.

Οι ιμπρεσιονιστές δεν προσπάθησαν να επηρεάσουν τα οξεία κοινωνικά προβλήματα, τη φιλοσοφία ή τη συγκλονιστική στη δημιουργικότητα, εστιάζοντας μόνο σε διάφορους τρόπους έκφρασης της εντύπωσης της γύρω καθημερινής ζωής. Σε μια προσπάθεια να δει μια στιγμή και να αντανακλά τη διάθεση.

Ονομα " Ιμπρεσιονισμός"Προέκυψε μετά την έκθεση του 1874 στο Παρίσι, στην οποία εκτίθεται η εικόνα του Monet." Ενδεικτική. Αύξουσα ήλιος "(1872, η εικόνα το 1985 κλαπεί από το μουσείο Marmottan στο Παρίσι και σήμερα παρατίθεται στους καταλόγους της Interpol).

Περισσότερες από τις επτά ιμπρεσιονιστικές εκθέσεις πραγματοποιήθηκαν μεταξύ 1876 και 1886. Μετά την ολοκλήρωση του τελευταίου, μόνο ο Monet συνέχισε να ακολουθεί αυστηρά τα ιδανικά του ιμπρεσιονισμού. Οι "ιμπρεσιονιστές" ονομάζονται επίσης καλλιτέχνες εκτός της Γαλλίας, που έγραψαν υπό την επιρροή του γαλλικού ιμπρεσιονισμού (για παράδειγμα, ο Άγγλος F.O. Styr).

Καλλιτέχνες impressionism

Διάσημοι πίνακες imds ιμπρεσιονισμός:

Edgar degas

Claude monet

Πιστεύεται ότι η ζωγραφική στον ιμπρεσιονισμό δεν παίρνει ένα τόσο σημαντικό μέρος. Αλλά ο ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική είναι απέναντι. Η δήλωση είναι πολύ παράδοξη και αμφιλεγόμενη. Αλλά είναι μόνο για την πρώτη, επιφανειακή εμφάνιση.

Ίσως ότι ολόκληρη η ύπαρξη της χιλιετίας στο οπλοστάσιο της ανθρωπότητας της καλλιτεχνικής έκθεσης δεν είναι τίποτα περισσότερο από το νέο, επαναστατικό. Ο ιμπρεσιονισμός είναι σε κάθε σύγχρονο καλλιτεχνικό καμβά. Μπορεί να δει σαφώς στα πλαίσια της ταινίας της διάσημης Matra και ανάμεσα στη στιλπνότητα του περιοδικού Lady. Διείσσει τη μουσική και τα βιβλία. Αλλά μόλις ήταν διαφορετικά.

Την προέλευση του ιμπρεσιονισμού

Το 1901, στη Γαλλία, στο σπήλαιο Kombarel, ανακάλυψαν τυχαία τις ροκ πίνακες, τα νεότερα από τα οποία είχαν 15.000 χρόνια. Και ήταν ο πρώτος ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική. Επειδή ο πρωτόγονος καλλιτέχνης δεν έβαλε το στόχο της ανάγνωσης του οθονικού θεατή. Απλά ζωγράφισε αυτή τη ζωή που τον περιβάλλει.

Και τότε αυτή η μέθοδος ξεχάσει για πολλά, πολλά χρόνια. Η ανθρωπότητα εφευρέθηκε άλλα και η μεταφορά των συναισθημάτων από την οπτική μέθοδο έπαψε να είναι ένα τοπικό για αυτόν.

Με κάποιους τρόπους, οι αρχαίοι Ρωμαίοι ήταν κοντά στον ιμπρεσιονισμό. Αλλά το μέρος των προσπαθειών τους έπεσαν ως κοιμισμένοι στάχτες. Και εκεί, όπου το Vesuviwi δεν έφτασε, ήρθαν βάρβαροι.

Η ζωγραφική έχει διατηρηθεί, αλλά άρχισε να απεικονίζει κείμενα, μηνύματα, μηνύματα, γνώσεις. Σταμάτησε να είναι ένα συναίσθημα. Έγινε παραβολή, εξήγηση, ιστορία. Κοιτάξτε το ταπετσαρία από τον Baye. Είναι όμορφο και ανεκτίμητο. Αλλά αυτό δεν είναι μια εικόνα. Είναι εβδομήντα μέτρα ενός κόμικ του λίνου.

Ζωγραφική στον ιμπρεσιονισμό: την αρχή

Αργά και αναπτύχθηκε πολύ ζωγραφική στον κόσμο για χιλιάδες χρόνια. Εμφανίστηκαν νέα χρώματα και τεχνικές. Οι καλλιτέχνες έχουν μάθει τη σημασία της προοπτικής και της επίδρασης των επιπτώσεων ενός πολύχρωμου χειροποίητου μηνύματος στο ανθρώπινο μυαλό. Η ζωγραφική έχει γίνει ακαδημαϊκή επιστήμη και απέκτησε όλα τα χαρακτηριστικά της μνημειακής τέχνης. Έγινε σκληρή, πρωταρχική και μέτρια αξιολύπητη. Ταυτόχρονα, το honed και ασταθές, ως ένα κανονικό θρησκευτικό αξίωμα.

Η πηγή των οικόπεδων για έργα ζωγραφικής σερβίρονται θρησκευτικά παραπειστικά, λογοτεχνία, σκηνές σκηνής. Τα κηλίδες ήταν μικρά, αόρατα. Το μικρότερο εισήχθη στην τάξη του δόγματος. Και η τέχνη της σχεδίασης στο προβλέψιμο μέλλον υποσχέθηκε να κατηγορήσει ως ένα πρωτόγονο δάσος.

Η ζωή έχει αλλάξει, η τεχνολογία αναπτύσσεται γρήγορα, και μόνο οι καλλιτέχνες συνέχισαν να σφραγίζουν τα πρωταρχικά πορτρέτα και τα ενωμένα σκίτσα των χωρών. Αυτή η κατάσταση των πραγμάτων έχει κανονίσει όλα. Αλλά η αδράνεια της συνείδησης της κοινωνίας ήταν με δυσκολία ανά πάσα στιγμή.

Ωστόσο, ο XIX αιώνας είχε ήδη βρισκόταν στην αυλή, η οποία είχε εδώ και πολύ καιρό κατά το δεύτερο εξάμηνο. Οι διαδικασίες στην κοινωνία, που προηγουμένως κατέλαβαν τον αιώνα, σημειώθηκαν τώρα στα μάτια μιας γενιάς. Η βιομηχανία, η ιατρική, η οικονομία, η λογοτεχνία, η ίδια η κοινωνία αναπτύχθηκε γρήγορα γρήγορα. Αυτό ήταν όπου η ζωγραφική έδειξε στον ιμπρεσιονισμό.

Χαρούμενα γενέθλια! Ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική: πίνακες ζωγραφικής

Ο ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική, όπως οι πίνακες, έχει ακριβή χρονολόγηση της γέννησης του - 1863. Και η εμφάνισή του στο φως δεν κοστίζει χωρίς περιέργεια.

Το κέντρο της παγκόσμιας τέχνης ήταν σίγουρα το Παρίσι. Σε αυτό, τα μεγάλα σαλόνια του Παρισιού πραγματοποιήθηκαν κάθε χρόνο - παγκόσμιες εκθέσεις και πωλήσεις γραφικών καμβάδων. Η κριτική επιτροπή, η οποία ξεκίνησε την εργασία για τα σαλόνια, βυθίστηκε σε μικρές εσωτερικές εισβολές, άχρηστα squabbles και επίμονα επικεντρώθηκε στις γευστικές γεύσεις των τότε ακαδημιών. Ως αποτέλεσμα, νέοι, φωτεινοί καλλιτέχνες δεν πέφτουν στην έκθεση στο σαλόνι, του οποίου το ταλέντο δεν ταιριάζει με το ακαδημαϊκό Dogmam Zaradnoye. Κατά την επιλογή των συμμετεχόντων εκθέσεων το 1863, πάνω από το 60% των αιτήσεων απορρίφθηκαν. Αυτά είναι χιλιάδες ζωγράφοι. Κάλεσα το σκάνδαλο.

Αυτοκρατών

Και το σκάνδαλο ξέσπασε. Η αδυναμία εκθέσεως στερούσε την επιβίβαση και την κλειστή πρόσβαση στο ευρύ κοινό στον τεράστιο αριθμό καλλιτεχνών. Μεταξύ αυτών είναι τα ονόματα που είναι γνωστά στον κόσμο: Monet και Mana, Renoir και Pisarro.

Είναι σαφές ότι δεν ήταν ικανοποιημένος. Και υπήρξε μεγάλο θόρυβο στον Τύπο. Αποδείχθηκε ότι στις 22 Απριλίου 1863, το σαλόνι του Παρισιού επισκέφθηκε το Ναπολέοντα ΙΙΙ και εκτός από την έκθεση, εξετάστηκε σκόπιμα από ορισμένες από τις απορριφθείσες εργασίες. Και δεν βρήκε τίποτα καταδικαστικό σε αυτά. Και ακόμη και έκανε αυτή τη δήλωση στον Τύπο. Ως εκ τούτου, παράλληλα με το μεγάλο σαλόνι του Παρισιού, άνοιξε μια εναλλακτική έκθεση ζωγραφικής με έργα, απορρίφθηκε από την κριτική επιτροπή της καμπίνας. Στην ιστορία, εισήλθε στην ονομασία "Έκθεση Μαλλιδωτών".

Έτσι, στις 22 Απριλίου 1863, μπορεί να θεωρηθεί τα γενέθλια όλων των σύγχρονων τέχνης. Τέχνη που έχει γίνει ανεξάρτητη από τη λογοτεχνία, τη μουσική και τη θρησκεία. Επιπλέον: η ίδια η ζωγραφική άρχισε να υπαγορεύει τις συνθήκες τους στους συγγραφείς και τους συνθέτες, για να απαλλαγούμε από τον υποκείμενο ρόλους για πρώτη φορά.

Εκπρόσωποι του ιμπρεσιονισμού

Όταν μιλάμε για τον ιμπρεσιονισμό, εννοώ κυρίως τον ιμπρεσιονισμό στη ζωγραφική. Οι εκπρόσωποι είναι πολυάριθμοι και πολύπλευροι. Αρκεί να ονομάσετε το πιο διάσημο: Degas, Renouan, Pizarro, Cezanne, Morizo, Lepic, Lepher, Gauguin, Renoir, Tilo, Forene και πολλά, πολλά άλλα. Ο Impressionists έθεσε πρώτα την εργασία για να πιάσει όχι μόνο μια στατική εικόνα της ζωής, αλλά το συναίσθημα, το συναίσθημα, την εσωτερική εμπειρία. Ήταν μια άμεση κοπή, η φωτογραφία υψηλής ταχύτητας του κόσμου του εσωτερικού, του κόσμου συναισθηματική.

Από εδώ, νέες αντιθέσεις και χρώματα, που δεν έχουν χρησιμοποιήσει στη ζωγραφική. Ως εκ τούτου, μεγάλα, τολμηρά εγκεφαλικά επεισόδια και μια συνεχής αναζήτηση νέων μορφών. Δεν υπάρχει προηγούμενη σαφήνεια και βιωσιμότητα. Η εικόνα είναι θολή και φευγαλέα, ως διάθεση ενός ατόμου. Αυτό δεν είναι μια ιστορία. Αυτά είναι τα συναισθήματα ορατά στο μάτι. Κοιτάξτε τους όλα είναι ελαφρώς σκισμένα σε μια μισή λέξη, ελαφρώς φευγαλέα. Αυτά δεν είναι έργα ζωγραφικής. Αυτά είναι σκίτσα που έφεραν σε έξυπνη τελειότητα.

Την εμφάνιση της νεοσσούς

Είναι η επιθυμία για το πρώτο σχέδιο να φέρει το συναίσθημα, και να μην παγώσει ένα προσωρινό κομμάτι και ήταν για εκείνη την εποχή επαναστατική, καινοτόμο. Και έπειτα παρέμεινε μόνο ένα βήμα πριν από την ηιθυμότητα - η ροή της τέχνης που δεν ήταν συγκίνηση στους πρώτους ρόλους, αλλά τα πρότυπα. Ακριβώς, η μετάδοση από τον καλλιτέχνη της εσωτερικής, προσωπικής πραγματικότητάς του. Αυτή είναι μια προσπάθεια να το πω όχι για τον υπαίθριο κόσμο, αλλά για τον εσωτερικό τρόπο, καθώς ο καλλιτέχνης βλέπει τον κόσμο. αντίληψη.

Ο ιμπρεσιονισμός και η δημοσιοποίηση στη ζωγραφική είναι πολύ κοντά. Και η ίδια η διαίρεση είναι πολύ υπό όρους. Και τα δύο ρεύματα είναι κοντά στο χρόνο και οι ίδιοι οι συγγραφείς, συχνά οι ίδιοι, κατά κανόνα, που περνούν από έναν τρόπο σε άλλο ελεύθερα ελεύθερα.

Και ακόμη. Κοιτάξτε το έργο των ιμπρεσιονιστών. Μερικά αφύσικα χρώματα. Ο κόσμος μας είναι εξοικειωμένος, αλλά ταυτόχρονα εφευρέθηκε λίγο. Έτσι τον είδε ο καλλιτέχνης. Δεν μας δίνει τη φύση, σύγχρονη γι 'αυτόν. Απλώς παίρνει την ψυχή του λίγο για εμάς. Η ψυχή του Bonnar και της Τουλούζης-Lotrek, Van Gogh και Denis, Gaugugen και housur.

Ρωσικός ιμπρεσιονισμός

Η εμπειρία του ιμπρεσιονισμού, ο οποίος κατέλαβε ολόκληρο τον κόσμο, δεν έφυγε και η Ρωσία. Εν τω μεταξύ, στη χώρα μας, συνήθης για την πιο μετρούμενη ζωή, χωρίς να κατανοήσουμε τη φασαρία και την επιθυμία του Παρισιού, ο ιμπρεσιονισμός δεν μπορούσε να απαλλαγεί από την ακαδημαϊκή ενέργεια. Είναι ακριβώς το πουλί που σπεύδουν την απογείωση, αλλά κατεψυγμένα στο μισό δρόμο στον ουρανό.

Ο ιμπρεσιονισμός στη ρωσική ζωγραφική δεν έλαβε τη δυναμικότητα της γαλλικής βούρτσας. Αλλά απέκτησε ένα ντυμένο σημασιολογικό κυρίαρχο, το οποίο κατέστησε ένα φωτεινό, κάπως ξεχωριστό φαινόμενο στην παγκόσμια τέχνη.

Ο ιμπρεσιονισμός είναι ένα συναίσθημα που εκφράζεται με τη μορφή μιας εικόνας. Δεν εκπαιδεύει, δεν απαιτεί. Ισχυρίζεται.

Ο ιμπρεσιονισμός χρησίμευσε ως σημείο εκκίνησης για τον σύγχρονο και εξπρεσιονισμό, τον κονστρουκτιβισμό και την πρωτοπορία. Όλη η σύγχρονη τέχνη, στην ουσία, άρχισε την έκθεσή της από την Άπω 20 Απριλίου 1863. Ζωγραφική στον ιμπρεσιονισμό - Τέχνη που γεννήθηκε στο Παρίσι.

Ο ιμπρεσιονισμός είναι μια κατεύθυνση στη ζωγραφική, προέρχεται από τη Γαλλία στους αιώνες XIX-XX, η οποία είναι μια καλλιτεχνική προσπάθεια να συλλάβει οποιαδήποτε στιγμή σε όλη τη μεταβλητότητα και την κινητικότητά του. Οι εικόνες των ιμπρεσιονιστών σαν ποιοτικά πλύθηκαν φωτογραφίες, αναβιώνοντας τη συνέχιση της ιστορίας που παρατηρείται στη φαντασία. Σε αυτό το άρθρο θα εξετάσουμε τους 10 πιο διάσημους ιμπρεσιονιστές του κόσμου. Ευτυχώς, οι ταλαντούχοι καλλιτέχνες είναι πολύ περισσότερο από δέκα, είκοσι ή ακόμα και εκατό, οπότε ας επικεντρωθούμε σε αυτά τα ονόματα που πρέπει να γνωρίζετε.

Για να μην προσβάλλουν ούτε τους καλλιτέχνες ή τους θαυμαστές τους, ο κατάλογος δίνεται στη ρωσική αλφαβητική σειρά.

1. Alfred Sisley

Αυτός ο γαλλικός ζωγράφος της αγγλικής προέλευσης θεωρείται το πιο διάσημο τοπίο του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Στη συλλογή του υπάρχουν περισσότερους από 900 έργα ζωγραφικής, εκ των οποίων το πιο διάσημο "αγροτικό δρομάκι", "Frost στο Luveseyne", "γέφυρα στο Argentee", "νωρίς χιόνι στο Luvurezenne", "γκαζόν την άνοιξη" και πολλά άλλα.

2. Van Gogh.

Διάσημος σε ολόκληρο τον κόσμο μια θλιβερή ιστορία για το αυτί του (δίπλα στο δρόμο, κόβει όλο το αυτί, αλλά μόνο ένας λοβός), ο Wang Gon έγινε δημοφιλής μόνο μετά το θάνατό του. Και για τη ζωή ήταν σε θέση να πουλήσει μια μοναδική εικόνα, 4 μήνες πριν από το θάνατο. Λένε ότι ήταν και ένας επιχειρηματίας, και ένας ιερέας, αλλά συχνά έπεσε σε ψυχιατρικά νοσοκομεία λόγω της κατάθλιψης, οπότε όλοι οι αντάρτες της ύπαρξής του είχαν ως αποτέλεσμα τα θρυλικά έργα.

3. Camille pissarro

Το Pissarro γεννήθηκε στο νησί του Αγίου Θωμά, στην οικογένεια των αστικών Εβραίων και ήταν ένας από τους λίγους ιμπρεσιονιστές, των οποίων οι γονείς ενθάρρυναν το πάθος του και σύντομα αποστέλλονται στο Παρίσι για την κατάρτιση. Πάνω απ 'όλα, ο καλλιτέχνης έπρεπε να δοκιμάσει τη φύση, την απεικονίζει επίσης σε όλα τα χρώματα και αν το λέω πιο ακρίβεια, ο Pissarro είχε ένα ειδικό ταλέντο για να επιλέξει την απαλότητα των λουλουδιών, τη συμβατότητα, μετά την οποία ο αέρας εμφανίστηκε στις εικόνες.

4. Claude Monet

Από την παιδική ηλικία, η Γουινέα αποφάσισε ότι θα γίνει καλλιτέχνης, παρά τις απαγορεύσεις της οικογένειας. Μόνο μετακόμισε στο Παρίσι, ο Claude Monet βυθίστηκε στις γκρίζες εργάσιμες ημέρες της σκληρής ζωής: δύο χρόνια στην υπηρεσία στις ένοπλες δυνάμεις στην Αλγερία, διαφορές με τους πιστωτές λόγω φτώχειας, ασθένειας. Ωστόσο, φαίνεται ότι οι δυσκολίες δεν καταπιέζουν, αλλά αντιθέτως, ενέπνευσε τον καλλιτέχνη για να δημιουργήσει τέτοιους φωτεινούς πίνακες ως "την εντύπωση, την ανατολή του ηλίου", το "κτίριο του Κοινοβουλίου στο Λονδίνο", "γέφυρα στην Ευρώπη", το φθινόπωρο στο Argenthe "," στην ακτή Tuvillie, "και πολλοί άλλοι.

5. Konstantin Korovin

Είναι ωραίο να γνωρίζετε ότι ανάμεσα στους γονείς της γαλλικής, ιμπρεσιονισμού, μπορείτε να τοποθετήσετε περήφανα τον συμπατριώτη μας - Konstantin Korovina. Η παθιασμένη αγάπη για τη φύση τον βοήθησε διαισθητικά μια στατική εικόνα μιας στατικής εικόνας, χάρη στον συνδυασμό κατάλληλων χρωμάτων, το πλάτος των επίχρων, της επιλογής του θέματος. Είναι αδύνατο να περάσετε από τις ζωγραφιές του "Pier στο Gurzuf", "Ψάρια, κρασί και φρούτα", "Φθινόπωρο τοπίο", "φως του φεγγαριού. Χειμώνας και μια σειρά έργων του αφιερωμένα στο Παρίσι.

6. Paul Gogen

Μέχρι 26 χρονών ο Paul Gauguin και δεν σκέφτηκε τη ζωγραφική. Ήταν ένας επιχειρηματίας και είχε μια μεγάλη οικογένεια. Ωστόσο, όταν είδα για πρώτη φορά τις εικόνες του Camille Pissarro, αποφάσισα ότι σίγουρα θα σχεδιάσει. Με την πάροδο του χρόνου, το ύφος του καλλιτέχνη άλλαξε, αλλά οι πιο διάσημοι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες είναι "ο κήπος στο χιόνι", "στο βράχο", "στην παραλία στο Dieppe", "γυμνό", "φοίνικες στη Μαρτινίκα" και οι υπολοιποι.

7. Paul Cesanne

Cezanne, σε αντίθεση με τους περισσότερους από τους συναδέλφους του, έγινε γνωστός για τη ζωή. Κατάφερε να οργανώσει τη δική του έκθεση και να κόψει σημαντικά εισοδήματα από αυτό. Οι άνθρωποι γνώριζαν την παρτίδα στις ζωγραφιές του - καθώς κανείς δεν έμαθε να συνδυάσει το παιχνίδι του φωτός και των σκιωνών, έκανε μια δυνατή έμφαση στις σωστές και ακατάλληλες γεωμετρικές μορφές, η αυστηρότητα του θέματος των έργων του ήταν αρμονία με το ρομαντισμό.

8. Pierre Auguste Renoir

Μέχρι τα 20 χρόνια, η Renoir εργάστηκε ως διακοσμητής των οπαδών από τον μεγαλύτερο αδερφό της και μόνο στη συνέχεια μετακόμισε στο Παρίσι, όπου γνώρισε τον Monet, Basal και Sispel. Αυτή η γνωριμία τον βοήθησε στο μέλλον να γίνει ένας εντυπωσιασμός στο δρόμο και να γίνει διάσημος γι 'αυτήν. Η Renoir είναι γνωστή ως συγγραφέας του συναισθηματικού πορτρέτου, μεταξύ των σημαντικότερων έργων του - "στη βεράντα", "Walk", "Πορτρέτο μιας ηθοποιού Zhanna Samari", "Lodge", "Alfred Sisley και η σύζυγός του" μια κούνια "," πάτωμα "και πολλά άλλα.

9. Edgar Degas

Εάν δεν έχετε ακούσει τίποτα για τους "Blue Dancers", "Ballet Rehearsal", "Σχολή Μπαλέτου" και "Absinthe" - βιαστικά για να μάθετε περισσότερα για το έργο του Edgar Degi. Επιλογή των αρχικών χρωμάτων, μοναδικά θέματα για έργα ζωγραφικής, το αίσθημα της κίνησης της εικόνας - όλα αυτά και πολλά περισσότερα έκαναν ένα degass έναν από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες.

10. Eduard Mana

Μην συγχέετε τη Mane με το Monet - Αυτά είναι δύο διαφορετικοί άνθρωποι που εργάστηκαν ταυτόχρονα και σε μια καλλιτεχνική κατεύθυνση. Η Mana προσέλκυσε πάντα μια εγχώρια σκηνή, ασυνήθιστη εμφάνιση και τύπο, όπως και κατά λάθος "πιάστηκε" στιγμές στη συνέχεια φυλακίστηκαν για αιώνες. Μεταξύ των διάσημων ζωγραφιών Manne: Olympia, "Πρωινό στο γρασίδι", "Bar στο Foli-Berger, Floutist," Nana "και άλλους.

Εάν έχετε τουλάχιστον την παραμικρή ευκαιρία να δείτε τους πίνακες αυτών των πλοιάρχων ζωντανά - θα ερωτευτείτε για πάντα τον εντυπωσιακό!