Αστικός ιμπρεσιονισμός. Αστικό τοπίο στον ιμπρεσιονισμό

18-19 αιώνες. Διαταραχή της περιόδου της ακμή της ευρωπαϊκής τέχνης. Στη Γαλλία, ο αυτοκράτορας Ναπολέων ΙΙΙ διέταξε να αρχίσει να ανακατασκευάζει το Παρίσι, μετά από εχθροπραξίες κατά τη διάρκεια του Franco-Prussian War. Το Παρίσι έγινε γρήγορα την ίδια "λαμπρή πόλη" καθώς ήταν με τη δεύτερη αυτοκρατορία και ανακηρύχθηκε και πάλι το κέντρο της ευρωπαϊκής τέχνης. Ως εκ τούτου, πολλοί καλλιτέχνες - οι ιμπρεσιονιστές αντιμετώπισαν την εργασία τους για το θέμα της σύγχρονης πόλης. Στα έργα τους, η σύγχρονη πόλη δεν είναι τέρας, αλλά ο τόπος της πατρίδας, όπου ζουν οι άνθρωποι. Πολλά έργα εμποτίζονται με έντονη αίσθηση πατριωτισμού.

Αυτό μπορεί να εντοπιστεί ιδιαίτερα στις εικόνες του Claude Monet. Δημιούργησε περισσότερους από 30 πίνακες με τις απόψεις του καθεδρικού ναού Ruan στον πιο διαφορετικό φωτισμό και την κατάσταση της ατμόσφαιρας. Για παράδειγμα, το 1894, ο Monet έγραψε δύο φωτογραφίες - "Cathedral Rueny στο μεσημέρι" και "Ruran Cathedral το βράδυ". Και οι δύο πίνακες απεικονίζουν το ίδιο κομμάτι του καθεδρικού ναού, αλλά σε διαφορετικές αμυγδαλές - σε ζεστά κίτρινα ροζ χρώματα του γεύματος και κρύες-μπλεχρωμένες αποχρώσεις του ερχόμενου λυκόφως φως. Στους πίνακες ζωγραφικής, η πολύχρωμη κηλίδα διαλύει εντελώς τη γραμμή, ο καλλιτέχνης μεταδίδει όχι η σοβαρότητα του υλικού της πέτρας, αλλά όπως ήταν, ένα ελαφρύ πολύχρωμο πέπλο.

Οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να κάνουν μια εικόνα ενός παρόμοιου ανοικτού παραθύρου, μέσω της οποίας ο πραγματικός κόσμος είναι ορατός. Συχνά επέλεξαν μια άποψη από το παράθυρο στο δρόμο. Το παρουσιασμένο διάσημο "Kapuchin Boulevard" Κ. Monte, γραμμένο το 1873 και εμφανίζεται στην πρώτη έκθεση Impressionsists το 1874, αποτελεί εξαιρετικό παράδειγμα αυτής της υποδοχής. Υπάρχουν πολλά καινοτόμα - το κίνητρο για το τοπίο επιλέχθηκε μια άποψη ενός μεγάλου δρόμου της πόλης, αλλά ο καλλιτέχνης ενδιαφέρεται για την εμφάνισή της γενικά και όχι τα αξιοθέατα της. Όλη η μάζα των ανθρώπων απεικονίζεται με ολισθαίνοντα εγκεφαλικά επεισόδια, γενικευμένα, στα οποία είναι δύσκολο να αποσυναρμολογηθούν μεμονωμένα στοιχεία.

Το Monte μεταδίδει σε αυτό το έργο μια στιγμιαία, καθαρά οπτική εντύπωση από τον ελάχιστα αξιοσημείωτο δονητικό αέρα, από τους δρόμους των οδών, των ανθρώπων και των αναχωρούμενων πληρώματος. Καταστρέφει την ιδέα του αεροπλάνου του καμβά, δημιουργώντας την ψευδαίσθηση του χώρου και να το γεμίσει με το φως, τον αέρα και την κίνηση. Το ανθρώπινο μάτι βιάζεται στο άπειρο, και δεν υπάρχει κανένα όριο όπου θα μπορούσε να σταματήσει.

Η υψηλή προβολή επιτρέπει στον καλλιτέχνη να εγκαταλείψει το πρώτο σχέδιο και μεταδίδει λαμπρό ηλιακό φωτισμό στην αντίθεση με μια σκιά Bluish-Lilac από σπίτια που βρίσκονται στο πεζοδρόμιο στο δρόμο. Η ηλιόλουστη πλευρά του Monet δίνει ένα πορτοκαλί, χρυσό-ζεστό, σκιά - μοβ, αλλά μια ενιαία ομίχλη φωτός που συνδέεται με ολόκληρο το τοπίο μια tonal αρμονία και τα περιγράμματα των σπιτιών και των δέντρων αναδύονται στον αέρα, διείσδυση από το φως του ήλιου.

Το 1872, στο Havre Mona γράφει "εντύπωση. Sunrise "- η θέα του λιμανιού της Γαβρικιάς, που υποβλήθηκε στη συνέχεια στην πρώτη έκθεση των ιμπρεσιονιστών. Εδώ ο καλλιτέχνης, όπως φαίνεται, απελευθερώθηκε τελικά από την γενικά αποδεκτή ιδέα του αντικειμένου της εικόνας ως ένας ορισμένος όγκος και όλη η απαλή αφιερωμένη στη μεταφορά της ορμής της ατμόσφαιρας σε μπλε και ροζ-πορτοκαλί τόνους . Στην πραγματικότητα, όλα φαίνονται άυλα: τα Γαβρικιά Mol και τα πλοία συγχωνεύονται με διαζύγια στον ουρανό και αντανάκλαση στο νερό, και οι σιλουέτες των αλιέων και των σκαφών στο προσκήνιο είναι απλά σκοτεινά σημεία από διάφορα έντονα εγκεφαλικά επεισόδια. Η άρνηση της ακαδημαϊκής τεχνολογίας, η ζωγραφική στο Plenier και η επιλογή των ασυνήθιστων οικόπεδων στις μπαγιονιές θεωρήθηκε αντιληπτή από την κριτική εκείνη την εποχή. Louis Letew, συγγραφέας ενός άγριου αντικειμένου που εμφανίστηκε στο περιοδικό "Sharivari", για πρώτη φορά, λόγω αυτής της εικόνας, χρησιμοποίησε τον όρο "ιμπρεσιονισμό" ως ο ορισμός μιας νέας πορείας στη ζωγραφική.

Ένα άλλο εξαιρετικό έργο αφιερωμένο στην πόλη ήταν η εικόνα του Claude Monet "Σταθμός Saint-Lazar". Στον παρακινητικό σταθμό Saint-Lazar Monet εκτέλεσε πάνω από δέκα πίνακες, επτά από τους οποίους εκτέθηκαν στην 3η Έκθεση Impressionsists το 1877.

Ο Monet έβγαλε το μικροσκοπικό διαμέρισμα στην οδό Monini, που βρίσκεται κοντά στο σταθμό. Ο καλλιτέχνης δόθηκε πλήρης ελευθερία δράσης. Κίνημα τρένων για λίγο ανασταλεί και θα μπορούσε να δει τις πλατφόρμες, τα fireboxes των ατμομηχανών καπνίσματος, τα οποία ήταν γεμάτα με άνθρακα - έτσι ώστε από τους σωλήνες των ζευγών ζευγών. Ο Monet σταθερά "εγκαταστάθηκε" στο σταθμό, οι επιβάτες τον παρακολούθησαν με σεβασμό και πετώστρα.

Δεδομένου ότι η εμφάνιση του σταθμού αλλάζει διαρκώς, μόνο σκίτσα έκαναν στο "Nature" Monet και πάνω τους οι ίδιοι οι πίνακες έγραψαν στο εργαστήριο. Στον καμβά, βλέπουμε ένα μεγάλο σιδηροδρομικό σταθμό που καλύπτεται από ένα θόλο που ενισχύεται στους πυλώνες σιδήρου. Στα αριστερά και δεξιά είναι πλατφόρμες: ένας τρόπος προορίζεται για προαστιακά τρένα, το άλλο - για τα τρένα μεγάλων αποστάσεων. Η ειδική ατμόσφαιρα μεταδίδεται μέσω της αντίθεσης του αμυδού φωτισμού μέσα στο σταθμό και το φωτεινό εκθαμβωτικό εξωτερικό φως. Οι λέσχες καπνού και ατμού διάσπαρτα σε όλο τον καμβά ισορροπούν αντιθέσεις φωτισμού. Smoke Sweps παντού, λαμπερά σύννεφα της Tuergain στο φόντο των μόλις διακριτές σιλουέτες κτιρίων. Τα παχιά ζεύγη σαν να συνδέονται το σχήμα των τεράστιων πύργων, που τους καλύπτουν με ένα ελαφρύ πέπλο, παρόμοιο με το καλύτερο αράχνη. Η εικόνα είναι γραμμένη σε απαλές σίγαση τόνους με τις καλύτερες μεταβάσεις αποχρώσεων. Τα ταχεία ακριβή εγκεφαλικά επεισόδια με τη μορφή κόμμα, χαρακτηριστικά εκείνης της εποχής, θεωρούνται ένα μωσαϊκό, ο θεατής έχει την εντύπωση ότι ο ατμός είναι διάσπαρτος, είναι παχιά.

Ένας άλλος εκπρόσωπος των ιμπρεσιονιστών, ο Κ. Pisserro, όπως όλοι οι ιμπρεσιονιστές, αγαπούσαν να σχεδιάσουν την πόλη, η οποία τον κατέλαβε με την άπειρη κίνηση του, τη ροή των ροών αέρα και το παιχνίδι του φωτός. Τον αντιληφθεί ως ζωντανός, ανήσυχος οργανισμός, ικανός να αλλάξει ανάλογα με την εποχή του χρόνου, ο βαθμός φωτισμού.

Τον χειμώνα και την άνοιξη του 1897, ο Pissarro εργάστηκε σε μια σειρά από υφάσματα "Boulevards of Paris". Αυτά τα έργα έφεραν τη φήμη του καλλιτέχνη και προσελκύουν την προσοχή των κριτικών που δεσμεύουν το όνομά του με την κίνηση του διαχωρισμού. Σκίτσα για τη σειρά Ο καλλιτέχνης έκανε από το παράθυρο του δωματίου στο ξενοδοχείο του Παρισιού και ολοκλήρωσε τις εργασίες για τις ζωγραφιές στο στούντιο του στην Ehrania στα τέλη Απριλίου. Αυτή η σειρά είναι η μόνη Pisserro στο έργο του Pissarro, στην οποία ο καλλιτέχνης ζήτησε τη μέγιστη ακρίβεια για να συλλάβει διάφορες πολιτείες και τον ηλιακό φωτισμό. Έτσι, για παράδειγμα, ο καλλιτέχνης έγραψε 30 πίνακες ζωγραφικής με την εικόνα της λεωφόρου Montmartre, θεωρώντας το από το ίδιο παράθυρο.

Στις ζωγραφιές "Μονμάρτρη στο Παρίσι" ζωγραφιές, ο πλοίαρχος Κ. Pissarro Virtuoso παρέδωσε τον πλούτο των ατμοσφαιρικών επιδράσεων, της πολύχρωμης πολυπλοκότητας και της έκθεσης μιας συννεφιασμένης ημέρας. Δυναμική της αστικής ζωής, τόσο πειστικά ενσωματωμένο από μια γρήγορη βούρτσα του ζωγράφου, δημιουργεί την εικόνα μιας σύγχρονης πόλης - όχι μια παρέλαση, όχι επίσημη, αλλά ενθουσιασμένη και ζωντανή. Το τοπίο της πόλης έγινε το κύριο είδος στο έργο αυτού του εξαιρετικού ιμπρεσιονιστή - "τραγουδιστής του Παρισιού".

Ειδικό μέρος είναι στο έργο του Pissarro, της πρωτεύουσας της Γαλλίας. Ο καλλιτέχνης έζησε συνεχώς έξω από την πόλη, αλλά το Παρίσι τον προσέλκυσε επίμονα. Το Παρίσι αιχμαλωτίζει την αδιάκοπη και καθολική κίνηση του - πεζούς περπατώντας και τρέχοντας τα πληρώματα, τη ροή των ροών αέρα και το παιχνίδι του φωτός. Η πόλη του Pissarro δεν είναι μια λίστα με αξιοθέατα που ήρθαν στον τομέα της άποψης του καλλιτέχνη και ενός ζωντανού και ανήσυχου οργανισμού. Καταγράφηκε από αυτή τη ζωή, δεν γνωρίζουμε τις εκλογές των κτιρίων της λεωφόρου της Μονμάρτρης. Η μοναδική γοητεία βρίσκει έναν καλλιτέχνη στην ανησυχία των μεγάλων λεωφόρων. Η Boulevard της Μονμάρτρης του Μονμάρτρου κατέλαβε τη Μονμάρτρη, την εξέτασε από το ίδιο παράθυρο, κατέλαβε το πρωί και την ημέρα, το βράδυ και τον νυχτερινό ήλιο. Ένα σαφές και απλό κίνητρο της εξερχόμενης απόστασης στο δρόμο δημιουργεί μια σαφή σύνθετη βάση που δεν αλλάζει από τον καμβά στον καμβά. Συνολικά χτίστηκε διαφορετικά ένα κύκλο καμβά που γράφτηκε το επόμενο έτος από το παράθυρο του ξενοδοχείου Louvras. Σε μια επιστολή προς τον γιο, κατά τη διάρκεια της εργασίας στον κύκλο, ο Pissarro υπογράμμισε τον χαρακτήρα αυτού του χώρου διαφορετικό από τις λεωφόρους, δηλαδή την πλατεία του γαλλικού θεάτρου και της παρακείμενης περιοχής. Πράγματι, όλα βιάζουν κατά μήκος του άξονα του δρόμου. Εδώ - η περιοχή που εξυπηρέτησε την τελική στάση αρκετών γραμμών Omnibus τέμνει σε μια μεγάλη ποικιλία κατευθύνσεων και αντί για ένα ευρύ πανόραμα με αφθονία αέρα, ο κλειστός χώρος του προσκηνίου εμφανίζεται στα μάτια μας.

Μία από τις μεγαλύτερες τάσεις της τέχνης των τελευταίων δεκαετιών του δέκατου ένατου αιώνα και η αρχή του εικοστού είναι ιμπρεσιονισμός, εξαπλωθεί σε όλο τον κόσμο από τη Γαλλία. Οι εκπρόσωποί του ασχολούνταν με την ανάπτυξη τέτοιων μεθόδων και τεχνικών ζωγραφικής, γεγονός που θα επέτρεπε στον πραγματικό κόσμο να είναι περισσότερο και φυσικά αντανακλάται στη δυναμική, να μεταφέρει τις φευγαλέες εντυπώσεις από αυτόν.

Στο ύφος του ιμπρεσιονισμού, πολλοί καλλιτέχνες δημιούργησαν τον καμβά τους, αλλά οι ιδρυτές του κινήματος ήταν ο Claude Monet, Edward Mana, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederick Basil, Camille Pissaro. Είναι αδύνατο να καλέσετε τα καλύτερα έργα τους, καθώς είναι όλα όμορφα, αλλά υπάρχουν τα πιο διάσημα, είναι γι 'αυτούς περαιτέρω και θα συζητηθεί.

Claude Monet: "εντύπωση. Ανατολή του ηλίου"

Ο καμβάς, από το οποίο να ξεκινήσει μια συνομιλία σχετικά με τις καλύτερες εικόνες των ιμπρεσιονιστών. Ο Claude Monet το έγραψε το 1872 από τη φύση στο παλιό λιμάνι της Γαλλικής Gauring. Δύο χρόνια αργότερα, η εικόνα καταδείχτηκε για πρώτη φορά στο κοινό στο πρώην εργαστήριο του γαλλικού καλλιτέχνη και του γελοιογράφου του Nadar. Αυτή η έκθεση έχει γίνει μια μοιραία τέχνη για τον κόσμο. Εντυπωσιασμένος (όχι με την καλύτερη έννοια) από το έργο του Monet, το όνομα της οποίας στην αρχική γλώσσα ακούγεται σαν "εντύπωση, το Soleil Levant", ο δημοσιογράφος Louis Lerua εισήγαγε για πρώτη φορά σε κυκλοφορία ο όρος "ιμπρεσιονισμός" αναφερόμενος σε αυτούς α Νέα κατεύθυνση στη ζωγραφική.

Η εικόνα κλαπεί το 1985 με τα έργα του Ο. Renuara και B. Morizo. Το βρήκε πέντε χρόνια αργότερα. Επί του παρόντος, "εντύπωση. Ο ανερχόμενος ήλιος "ανήκει στο Μουσείο Μαρμετάν Monet στο Παρίσι.

Eduard Monet: Ολυμπία

Η ζωγραφική "Ολυμπία", που δημιουργήθηκε από τον γαλλικό ιμπρεσιονιστικό Edward Mana το 1863, είναι ένα από τα αριστουργήματα της σύγχρονης ζωγραφικής. Πρώτα εισήχθη στο σαλόνι του Παρισιού το 1865. Οι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές και οι πίνακες τους ήταν συχνά στο κέντρο των δυνατών σκανδάλων. Ωστόσο, η Ολυμπία έχει προκαλέσει το μεγαλύτερο από αυτά στην ιστορία της τέχνης.

Στον καμβά βλέπουμε μια γυμνή γυναίκα, πρόσωπο και σώμα που αντιμετωπίζει το κοινό. Ο δεύτερος χαρακτήρας είναι μια μαύρη κοπέλα, στα χέρια των οποίων ένα πολυτελές μπουκέτο τυλιγμένο σε χαρτί. Η πτήση στο κρεβάτι έχει ένα μαύρο γατάκι σε μια χαρακτηριστική στάση με την καμπύλη πλάτη. Σχετικά με την ιστορία της δημιουργίας της ζωγραφικής είναι γνωστή όχι τόσο πολύ, μόνο δύο σκίτσα μας έφτασε. Το μοντέλο που εξυπηρετείται, πιθανότατα, ένας αγαπημένος προσομοιωτής Mana - Quiz Mönar. Πιστεύεται ότι ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε την εικόνα της Margarita Bellands - η ερωμένη του Ναπολέοντα.

Σε αυτή την περίοδο δημιουργικότητας, όταν δημιουργήθηκε η "Ολυμπία", η Mane ήταν παθιασμένη με την ιαπωνική τέχνη και επομένως σκόπιμα αρνήθηκε να μελετήσει τις αποχρώσεις του σκοτεινού και του φωτός. Εξαιτίας αυτού, οι σύγχρονοι του δεν είδαν τον όγκο του σχήματος του σχήματος, μετράει επίπεδη και χονδροειδής. Ο καλλιτέχνης κατηγορείται για την ανθρακωλεία, χυδαιότητα. Ποτέ πριν από αυτή την εικόνα των ιμπρεσιονιστών δεν προκαλεί μια τέτοια αναταραχή και κοροϊδία από το πλήθος. Η διοίκηση αναγκάστηκε να βάλει τους φρουρούς γύρω της. Η DEGAS συνέκρινε τη φήμη της Μάννα, κατάκτηση της Ολυμπίας και το θάρρος με τον οποίο έλαβε κριτική, με την ιστορία της ζωής του Γαρίμπαλντη.

Σχεδόν το ένα τέταρτο του αιώνα μετά την έκρηξη διατηρήθηκε σε ένα απρόσιτο με τα ξένα μάτια του εργαστηρίου. Στη συνέχεια, έβαλε και πάλι στο Παρίσι το 1889. Ήταν σχεδόν αγόρασε, αλλά οι φίλοι του καλλιτέχνη συγκέντρωσαν το απαραίτητο ποσό και αγόρασε την "Ολυμπία" από τον άνθρωπο χήρας και στη συνέχεια πέρασε στο κράτος. Τώρα η εικόνα ανήκει στο Μουσείο Orsay στο Παρίσι.

Auguste Renoir: "Big Swimsters"

Η εικόνα γράφεται από τον γαλλικό καλλιτέχνη το 1884-1887. Λαμβάνοντας υπόψη τις γνωστές ζωγραφιές των ιμπρεσιονιστών στο διάστημα μεταξύ 1863 και της έναρξης του εικοστού αιώνα, "μεγάλα μαγιό" ονομάζονται το μεγαλύτερο ύφασμα με γυμνές γυναίκες. Ο Renoir εργάστηκε πάνω του περισσότερα από τρία χρόνια και πολλά σκίτσα δημιουργήθηκαν κατά τη διάρκεια αυτού του χάσματος, σκίτσα. Δεν υπήρχε πλέον ζωγραφική στο έργο του, το οποίο θα αφιερώσει τόσο πολύ χρόνο.

Στο προσκήνιο, ο θεατής βλέπει τρεις γυμνές γυναίκες, δύο από τις οποίες βρίσκονται στην ακτή και το τρίτο είναι στο νερό. Οι αριθμοί γράφονται πολύ ρεαλιστικές και σαφώς, το οποίο είναι χαρακτηριστικό γνώρισμα του καλλιτέχνη. Οι προσομοιωτές του Renuara ήταν η Alina Sharigo (μελλοντική σύζυγός του) και η Suzanna Valadon, ο οποίος στο μέλλον και ο ίδιος έγινε διάσημος καλλιτέχνης.

Edgar Degas: "Μπλε χορευτές"

Το βούτυρο στον καμβά είναι γραμμένο ότι όλοι οι διάσημοι καλλιτέχνες των ιμπρεσιονιστών γράφονται στο άρθρο. Η παραπάνω φωτογραφία καθιστά δυνατή την κατανόηση της εικόνας "Blue Dancers". Είναι το παστέλ σε ένα φύλλο χαρτιού με μέγεθος 65x65 cm και ανήκει στην καθυστερημένη περίοδο της δημιουργικότητας του καλλιτέχνη (1897). Το επέστησε με ήδη αποδυναμωμένο όραμα, οπότε ο διακοσμητικός οργανισμός είναι υψίστης σημασίας: μια εικόνα γίνεται αντιληπτή ως μεγάλες έγχρωμες κηλίδες, ειδικά αν το θεωρείτε κοντά. Το θέμα των χορευτών ήταν κοντά στην Degas. Επανειλημμένα επαναλήφθηκε στο έργο του. Πολλοί επικριτές πιστεύουν ότι στην αρμονία του χρώματος και οι συνθέσεις των "μπλε χορευτών" μπορούν να θεωρηθούν το καλύτερο έργο του καλλιτέχνη σε αυτό το θέμα. Επί του παρόντος, η εικόνα διατηρείται στο μουσείο τέχνης. Α. S. Πούσκιν στη Μόσχα.

Frederick Basil: "Ροζ φόρεμα"

Ένας από τους ιδρυτές του γαλλικού ιμπρελιισμού Frederick Basil γεννήθηκε στην αστική οικογένεια πλούσιων οινοποιείων. Πίσω στα χρόνια της μελέτης στο Λύκειο, άρχισε να ασχολείται με τη ζωγραφική. Έχοντας μετακινηθεί στο Παρίσι, άρχισε να γνωρίζει με τον Κ. Monet και τον Ο. Renohar. Δυστυχώς, ο καλλιτέχνης πεπρωμένο λήφθηκε από μια μικρή διαδρομή ζωής. Πέθανε στα 28 μπροστά κατά τη διάρκεια του Φραγκο-Πρωσίας Πολέμου. Ωστόσο, αν και λίγοι, ο καμβάς δικαίως περιλαμβάνει τις λίστα "Καλύτερες εικόνες". Ένας από αυτούς είναι ένα "ροζ φόρεμα", γραμμένο το 1864 σε όλα τα σημάδια του καμβά μπορεί να αποδοθεί στον πρώιμο ιμπρεσιονισμό: χρωματιστικές αντιθέσεις, προσοχή στο χρώμα, ηλιακός φωτισμός και μια στάση άμεση, το ίδιο πράγμα που ονομάστηκε "εντύπωση" . Ως μοντέλο, πραγματοποιήθηκε ένας από τους ξάδερφος του καλλιτέχνη Teresa de Horse. Επί του παρόντος, η ζωγραφική ανήκει στο Μουσείο Orsay στο Παρίσι.

Camille Pissaro: "Boulevard Montmartre. Απόγευμα, ηλιόλουστη

Ο Camille Pissero έγινε διάσημος για τα τοπία της, του οποίου χαρακτηριστικό χαρακτηριστικό του οποίου είναι το σχέδιο φωτός και φωτισμένων αντικειμένων. Το έργο του είχε αξιοσημείωτο αντίκτυπο στο είδος του ιμπρεσιονισμού. Ο καλλιτέχνης ανέπτυξε ανεξάρτητα πολλές από τις αρχές που είναι εγγενές σε αυτόν, το χαλαρωτικό της δημιουργικότητας στο μέλλον.

Ο Pissaro αγάπησε να γράψει την ίδια θέση σε διαφορετικές ώρες της ημέρας. Έχει μια ολόκληρη σειρά υφασμάτων με τις λεωφόρες του Παρισιού και τους δρόμους. Το πιο διάσημο από αυτά είναι "Boulevard Montmartre" (1897). Αντικατοπτρίζει όλη τη γοητεία ότι ο καλλιτέχνης βλέπει στη βραστή και ανήσυχη ζωή αυτής της γωνίας του Παρισιού. Λαμβάνοντας υπόψη τη λεωφόρο από τον ίδιο τόπο, αποδεικνύει τον θεατή του σε μια ηλιόλουστη και συννεφιασμένη μέρα, το πρωί, το απόγευμα και αργά το βράδυ. Στην παρακάτω φωτογραφία - η εικόνα "Boulevard Montmartre".

Αυτός ο τρόπος υιοθετήθηκε από πολλούς καλλιτέχνες αργότερα. Αναφέρουμε μόνο τι εικόνες των ιμπρεσιονιστών γράφονται υπό την επιρροή του Pissaro. Αυτή η τάση εντοπίζεται σαφώς στο έργο του Monet (σειρά υφασμάτων "στοίβες").

Alfred Sisley: "Άνοιξη γκαζόν"

"Οι χλοοτάπητες την άνοιξη" είναι ένας από τους τελευταίους πίνακες του Lord Sisaleya Landscape Player, γραμμένο το 1880-1881. Από αυτήν, ο θεατής βλέπει ένα δασικό μονοπάτι κατά μήκος της ακτής του Σηκουάνα με ένα χωριό στην απέναντι ακτή. Στο προσκήνιο, το κορίτσι είναι η κόρη του καλλιτέχνη Jeanne Sisley.

Τα τοπία του καλλιτέχνη μεταφέρουν την πραγματική ατμόσφαιρα της ιστορικής περιοχής της Il de France και διατηρούν τον εαυτό τους την ειδικότητα και τη διαφάνεια των φυσικών φαινομένων που χαρακτηρίζουν συγκεκριμένες εποχές. Ο καλλιτέχνης δεν ήταν ποτέ υποστηρικτής ασυνήθιστων επιδράσεων και τηρήθηκε σε μια απλή σύνθεση και περιορισμένη παλέτα χρωμάτων. Τώρα η εικόνα αποθηκεύεται στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου.

Παρακαλούσαμε τις πιο διάσημες εικόνες των ιμπρεσιονιστών (με τίτλους και περιγραφές). Αυτά είναι αριστουργήματα της παγκόσμιας ζωγραφικής. Το μοναδικό στυλ ζωγραφικής στη Γαλλία αρχικά θεωρήθηκε με μια κοροϊδία και ειρωνεία, οι κριτικοί τόνισαν τις ειλικρινείς καλλιτέχνες καλλιτεχνών με τη γραφή υφάσματα. Τώρα είναι απίθανο να τολμήσει να αμφισβητήσει τη μεγαλοφυία τους. Οι εικόνες των ιμπρεσιονιστών εκτίθενται στα πιο διάσημα μουσεία του κόσμου και είναι η επιθυμητή έκθεση για οποιαδήποτε ιδιωτική συλλογή.

Το στυλ δεν πήγαινε στη μύγα και έχει πολλούς οπαδούς. Ο συμπατριώτης Andrei Koch, ο γάλλος ζωγράφος Laurent Parsely, η αμερικανική Diana Leonard και η Karen Tarlton είναι διάσημοι σύγχρονοι ιμπρεσιονιστές. Οι πίνακές τους γίνονται στις καλύτερες παραδόσεις του είδους, γεμάτες με φωτεινά χρώματα, τολμηρά εγκεφαλικά επεισόδια και ζωή. Στη φωτογραφία παραπάνω - το έργο του Laurent Passelyee "στις ακτίνες του ήλιου".

Η περαιτέρω ανάπτυξη της ευρωπαϊκής ζωγραφικής συνδέεται με τον ιμπρεσιονισμό. Αυτός ο όρος γεννήθηκε τυχαία. Ο λόγος ήταν το όνομα του σκηνικού του Κ. Mone "εντύπωση. Sunrise "(βλ. Παράρτημα # 1, Εικ. 3) (από fr. Εντύπωση - εντύπωση), η οποία εμφανίστηκε στην έκθεση ιμπρεσιονιστών το 1874. Αυτή είναι η πρώτη δημόσια ομιλία της ομάδας καλλιτεχνών, όπου η Κ. Mona, E.Dega, Ο. Rewar, A.Sisley, K. Pissarro και άλλοι, χαιρετίστηκε από την επίσημη αστική κριτική για την αγενής γελοιοποίηση και την παρενόχληση. Αληθινή, από τα τέλη της δεκαετίας του 1880, οι επίσημες τεχνικές των ζωγραφιών τους παραλήφθηκαν από εκπροσώπους ακαδημαϊκής τέχνης, οι οποίοι έδωσαν τον λόγο για τη διαμόρφωση με πικρία: «Ήμασταν πυροβολούμε, αλλά ταυτόχρονα οι τσέπες μας κουνώντας».

Τώρα που τα καυτά σπόρια για τον ιμπρεσιονισμό πήγαν στο παρελθόν, είναι απίθανο κάποιος να αποφασίσει να αμφισβητήσει ότι η κίνηση των ιμπρεσιονιστών ήταν ένα ακόμη βήμα στην ανάπτυξη της ευρωπαϊκής ρεαλιστικής ζωγραφικής. "Ο ιμπρεσιονισμός είναι κατά κύριο λόγο η τέχνη της παρατήρησης της πραγματικής πραγματικότητας (V.N. Prokofyev), έφτασε κυρίως την πρωτοφανή βελτίωση. Σε μια προσπάθεια να μεγιστοποιηθεί η ζωτικότητα και την ακρίβεια στη μεταφορά του ιξώδους κόσμου, άρχισαν να γράφουν κυρίως στον υπαίθριο αέρα και έθεσαν την έννοια του etude από τη φύση, σχεδόν τον παραδοσιακό τύπο εικόνας, προσεκτικά και αργά δημιουργήθηκε στο εργαστήριο .

Συνεχώς διαφωτιστικά την παλέτα του, οι ιμπρεσιονιστές απελευθερώνουν ζωγραφική από γήινα και καφέ βερνίκια και χρώματα. Το υπό όρους, το "μουσείο" μαύρο στις καμβά τους είναι κατώτερη από το άπειρο διαφορετικό παιχνίδι αντανακλαστικών και χρωμάτων σκιών. Ανεπαρκείς επεκτείνει τις δυνατότητες της εικαστικής τέχνης ανοίγοντας όχι μόνο τον κόσμο του ήλιου, του φωτός και του αέρα, αλλά και την ομορφιά των ομίχλων, μια ανήσυχη ατμόσφαιρα της ζωής μιας μεγάλης πόλης, μια άξια νυχτερινών φώτων και ένα ρυθμό Συνεχής κίνηση.

Λόγω της μεθόδου εργασίας στο Plenuera, το τοπίο, συμπεριλαμβανομένου του τοπίου της πόλης, πήρε ένα πολύ σημαντικό μέρος στην τέχνη των ιμπρεσιονιστών. Πόσο οργανικά συγχωνεύθηκε στην τέχνη των ιμπρεσιονιστών της παράδοσης και της καινοτομίας, μαρτυρεί, πρώτα απ 'όλα, το έργο ενός εξαιρετικού ζωγράφου της Edoara Mannea (1832-1883). Είναι αλήθεια ότι ο ίδιος δεν θεωρεί τον εαυτό του έναν εκπρόσωπο του ιμπρεσιονισμού και εμφανίστηκε πάντα ξεχωριστά, αλλά σε ιδεολογικούς και ιδεολογικούς όρους, αναμφισβήτητα, ήταν ταυτόχρονα ο πρόδρομος και ο ιδεολογικός ηγέτης αυτού του κινήματος.

Στην αρχή του δημιουργικού του μονοπατιού, ο E.many εκτίθεται στον Ostracism (κοινωνία της κοινωνίας). Στα μάτια του αστικού κοινού και των κριτικών, η τέχνη του γίνεται συνώνυμη με τον άσχημο, και ο ίδιος ο καλλιτέχνης ονομάζεται "τρελός, ο οποίος γράφει την εικόνα, κουνώντας σε λευκό ζεστό" (βλέπε παράρτημα # 1, εικ. 4). Μόνο τα πιο διοικητικά μυαλά της εποχής ήταν σε θέση να εκτιμήσουν τον δίνει τον άνθρωπο. Μεταξύ αυτών ήταν Sh. Bajler και Young E. Zolla, ο οποίος δήλωσε ότι "ο κ. Mana προορίζεται για μια θέση στο Λούβρο".

Ο πιο συνεπής, αλλά και ο πολύχρωμενος ιμπρεσιονισμός έκφρασης που έλαβε στο έργο του Claude Monet (1840-1926). Με το όνομά του, συχνά συνδέεται με τέτοια επιτεύγματα αυτής της εικονογραφικής μεθόδου, καθώς η μετάδοση αόριστων μεταβατικών κρατών, οι δονήσεις του φωτός και του αέρα, η σχέση τους στη διαδικασία των αδιάκοπων αλλαγών και μετασχηματισμών. "Αυτό αναμφισβήτητα ήταν η μεγάλη νίκη της τέχνης της νέας εποχής," γράφει v.n.prokofiev και προσθέτει: "αλλά η τελική νίκη". " Δεν είναι τυχαία Cezann, αφήστε ένα έντονα να επικεντρωθεί η θέση του, υποστήριξε αργότερα ότι η τέχνη του Monet είναι "μόνο μάτι".

Τα πρώτα έργα του Monet είναι αρκετά παραδοσιακά. Έχουν ακόμα ανθρώπινα στοιχεία, τα οποία όλο και περισσότερο γίνονται όλο και περισσότερο μετατρέπονται όλο και περισσότερο στο Staffez και σταδιακά εξαφανίζονται από τα έργα του. Στη δεκαετία του 1870, ένας ιμπρεσιονιστικός τρόπος του καλλιτέχνη αναπτύσσεται τελικά, η Hencen είναι όλα αφιερωμένη στο τοπίο. Από αυτή τη φορά, λειτουργεί σχεδόν αποκλειστικά στο Plenier. Είναι στο έργο του ότι ο τύπος μεγάλης ζωγραφικής είναι τελικά εγκριθεί - etude.

Ένας από τους πρώτους Monet αρχίζει να δημιουργεί μια σειρά έργων ζωγραφικής στις οποίες το ίδιο κίνητρο επαναλαμβάνεται σε διαφορετικές περιόδους του έτους και της ημέρας, με διαφορετική κατάσταση φωτισμού και καιρού (βλέπε προσάρτημα Νο. 1, Σχ. 5, 6). Όχι όλοι αυτοί είναι ίσοι, αλλά ο καλύτερος καμβάς αυτών των επεισοδίων χτυπά τη φρεσκάδα των χρωμάτων, της έντασης χρώματος και της τέχνης της μετάδοσης των εφέ φωτισμού

Στην καθυστερημένη περίοδο δημιουργικότητας στη ζωγραφική του Monet, οι τάσεις της αποχρωματισμοί και η επιπερατότητα αυξάνονται. Η φωτεινότητα και η καθαρότητα των χρωμάτων μετατρέπονται στο αντίθετο τους, εμφανίζεται κάποια ευλογία. Μιλώντας για την κατάχρηση των καθυστερημένων ιμπρεσιονιστών "Ένας ελαφρύς τόνος, στρέφοντας κάποια έργα στον αποχρωματισμένο καμβά", έγραψε η E. Zolation: "Και σήμερα δεν υπάρχει τίποτα άλλο παρά το plenier ... μόνο τα σημεία παραμένουν μόνο σημεία, αριθμοί μόνο κηλίδες, μόνο κηλίδες ".

Άλλοι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές ήταν επίσης στα πιο τοπικά πονταρίσματά τους. Η δημιουργικότητά τους παρέμεινε συχνά στη σκιά δίπλα σε μια πραγματικά πολύχρωμη και εντυπωσιακή φιγούρα του Monet, αν και δεν έκαναν κατώτερη από αυτόν στο όραμα του οράματος της φύσης και στη γραφική δεξιότητα. Μεταξύ αυτών πρέπει να ονομάζονται κυρίως μετά την Alfred Sisley (1839-1899) και Camille Pissarro (1831-1903). Τα έργα του Sisley, ο Άγγλος στην προέλευση, που είναι εγγενής στην ειδική γραφική κομψότητα. Brilliant Master of Plenäer, ήξερε πώς να περάσει τον διαφανή αέρα ενός σαφούς το πρωί το πρωί, ένα ελαφρύ ομίχλη του ήλιου που ζεσταίνεται από τον ήλιο, τρέχει γύρω από τον ουρανό σε μια μέρα Windy Cloud. Το γάμμα του χαρακτηρίζεται από τον πλούτο των αποχρώσεων και της πιστότητας των τόνων. Τα τοπία του καλλιτέχνη είναι πάντα εμπιστευτικές με μια βαθιά διάθεση που αντανακλά το λυρικό του, στη βάση της, την αντίληψη της φύσης (βλέπε προσάρτημα Νο. 1, Σχ. 7, 9).

Περισσότερο συγκρότημα ήταν ο δημιουργικός τρόπος του Pissarro, ο μόνος καλλιτέχνης που συμμετείχε σε όλες τις οκτώ εκθέσεις Impressionists, - ο J. Revald τον κάλεσε "πατριάρχη" αυτού του κινήματος. Ξεκινώντας από τα τοπία κοντά στη ζωγραφική Barbozons, ήταν κάτω από την επιρροή της Mana και οι νέοι φίλοι του άρχισαν να εργάζονται στο Plenuel, διαδοχικά κορδόνια της παλέτας. Σταδιακά, παράγει τη δική του ιμπρεσιονιστική μέθοδο. Ένας από τους πρώτους αρνήθηκε να φάει μαύρο χρώμα. Το Pissarro έχει πάντα τείνει σε μια αναλυτική προσέγγιση στη ζωγραφική, εξ ου και τα πειράματά του στην έγχρωμη αποσύνθεση - "Διευθυντής" και "Ποθυλακισμός". Ωστόσο, επιστρέφει σύντομα σε έναν εντυπωσιακό τρόπο με τον οποίο δημιουργούνται τα καλύτερα έργα του - η θαυμάσια σειρά τοπίων της πόλης του Παρισιού (βλέπε προσάρτημα Νο. 1, Σχ. 10,11,12,13). Η σύνθεσή τους θεωρείται πάντα και ισορροπημένη, η ζωγραφική είναι εξελιγμένη σε χρώμα και εικονική τεχνική.

Στη Ρωσία, ο Konstantin Korovin φωτίζει το τοπίο της πόλης στον ιμπρεσιονισμό. "Το Παρίσι έγινε σοκ για μένα ... ιμπρεσιονιστές ... Είδα κάτι σε αυτά, για τα οποία ορκίζομαι στη Μόσχα." Korovin (1861-1939) Μαζί με τον φίλο του Valentin Serov ήταν οι κεντρικές μορφές της ρωσικής ιμπρεσιονισμών. Κάτω από τη μεγάλη επιρροή του γαλλικού κινήματος, δημιούργησε το δικό του στυλ, το οποίο αναμιγνύεται τα κύρια στοιχεία του γαλλικού ιμπρεσιονισμού με πλούσια χρώματα ρωσικής τέχνης εκείνης της περιόδου (βλέπε προσάρτημα # 1, Εικ.15).

Σε αυτό το άρθρο θα δείτε την Petersburg Αστικό τοπίο Που παρουσιάζονται στην γκαλερί τέχνης "Art-Breeze". Εδώ είναι τα έργα διαφόρων συγγραφέων που γίνονται σε διάφορα στυλ και τεχνικές. Όλα αυτά τα έργα ενοποιούνται ένα πράγμα - απεικονίζονται το St., όπως ο καλλιτέχνης τον είδε.

Αστικό τοπίο Καθώς το είδος ζωγραφικής σχηματίστηκε αρκετά αργά, τον 18ο αιώνα. Ήταν τότε ότι οι πόλεις άρχισαν να αποκτήσουν τον σύγχρονο χαρακτήρα τους και ο αριθμός των αστικών κατοίκων άρχισε να αυξάνεται ραγδαία. Πριν από αυτό, μόνο μερικοί μεσαιωνικοί καλλιτέχνες απεικονίζουν πόλεις στους καμβά τους. Αυτές οι εικόνες ήταν πολύ πρωτόγονες, δεν είχαν τοπογραφική ακρίβεια και χρησίμευσαν για να ορίσουν τον τόπο των γεγονότων που ήταν αφιερωμένες στο οικόπεδο. Rodonarchists Αστικό τοπίο Στη ζωγραφική, μπορείτε να καλέσετε τους ολλανδούς καλλιτέχνες του 17ου αιώνα του Vermer Delftsky, ya.goien και ya. Raysdala. Είναι στα έργα τους που μπορείτε να συναντήσετε το τοπίο της πόλης καθώς το βλέπουμε σε σύγχρονες ζωγραφιές.

Σύγχρονοι καλλιτέχνες που παρουσιάζουν τις δικές τους αστικές στο Gallery της Αγίας Πετρούπολης "Ar-Braz", απεικονίζουν την Αγία Πετρούπολη, κυρίως μια ομίχλη παραθαλάσσια πόλη με μια ζωντανή ζωή και υπέροχη αρχιτεκτονική. Οι περισσότεροι πίνακες δημιουργούνται στο στυλ του ιμπρεσιονισμού και των κλασικών. Ο κορεσμός των χρωμάτων και η πιθανότητα να γεμίσει τον καμβά με το φως, το οποίο παρέχει την τεχνική των ιμπρεσιονιστών ζωγραφικής, σας επιτρέπει να αντικατοπτρίζετε το πνεύμα αυτής της πόλης στο Neva!