Η Χρυσή Εποχή της Ολλανδικής ζωγραφικής είναι μια από τις πιο σημαντικές εποχές στην ιστορία όλης της παγκόσμιας ζωγραφικής. Θεωρείται η χρυσή εποχή της ολλανδικής ζωγραφικής 17ος αιώνας... Ήταν εκείνη την εποχή που οι πιο ταλαντούχοι καλλιτέχνες και ζωγράφοι δημιούργησαν τα αθάνατα έργα τους. Οι πίνακές τους θεωρούνται ακόμα αξεπέραστα αριστουργήματα που φυλάσσονται σε διάσημα μουσεία σε όλο τον κόσμο και θεωρούνται ανεκτίμητη κληρονομιά της ανθρωπότητας.

Στην αρχή 17ος αιώναςστην Ολλανδία, μια μάλλον πρωτόγονη τέχνη ακόμη άνθιζε, η οποία δικαιολογούνταν από τα προσγειωμένα γούστα και τις προτιμήσεις των πλουσίων και ισχυρών ανθρώπων. Ως αποτέλεσμα πολιτικών, γεωπολιτικών και θρησκευτικών αλλαγών, η ολλανδική τέχνη έχει αλλάξει δραματικά. Αν προηγουμένως οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να συγκινήσουν τους Ολλανδούς μπιφτέκι, απεικονίζοντας τη ζωή και την καθημερινότητά τους, χωρίς υψηλή και ποιητική γλώσσα, και δούλευαν επίσης για την εκκλησία, η οποία παρήγγειλε καλλιτέχνες ενός μάλλον πρωτόγονου είδους με μακροχρόνια θέματα, τότε οι αρχές του 17ου αιώνα ήταν μια πραγματική ανακάλυψη. Στην Ολλανδία βασίλευε η κυριαρχία των Προτεσταντών, οι οποίοι ουσιαστικά έπαψαν να παραγγέλνουν πίνακες με θρησκευτικά θέματα από καλλιτέχνες. Η Ολλανδία ανεξαρτητοποιήθηκε από την Ισπανία και επιβλήθηκε στο γενικό ιστορικό βάθρο. Οι καλλιτέχνες πέρασαν από τα παλιά γνωστά θέματα στην απεικόνιση καθημερινών σκηνών, πορτρέτων, τοπίων, νεκρών φύσεων και ούτω καθεξής. Εδώ, σε ένα νέο πεδίο, οι καλλιτέχνες της χρυσής εποχής έμοιαζαν να έχουν μια νέα πνοή και πραγματικές ιδιοφυΐες της τέχνης άρχισαν να εμφανίζονται.

Ολλανδοί καλλιτέχνες του 17ου αιώνα έφεραν τον ρεαλισμό στη μόδα στη ζωγραφική. Εκπληκτικοί στα συστατικά τους μέρη, σε ρεαλισμό, σε βάθος και ασυνήθιστη, οι πίνακες άρχισαν να έχουν τεράστια επιτυχία. Η ζήτηση για ζωγραφική έχει αυξηθεί δραματικά. Ως αποτέλεσμα, άρχισαν να εμφανίζονται όλο και περισσότεροι καλλιτέχνες, οι οποίοι με εκπληκτικά γρήγορους ρυθμούς ανέπτυξαν τα θεμέλια της ζωγραφικής, ανέπτυξαν νέες τεχνικές, στυλ και είδη. Μερικοί από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες της Χρυσής Εποχής ήταν οι: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel the Elder, Esayas van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck και πολλοί άλλοι.

Ολλανδικά έργα ζωγραφικής

Cornelis de Man - Whale Oil Processing Manufactory

Cornelis Trost - Διασκέδαση στο πάρκο

Ludolph Bakhuisen - Ανατολική Ινδία Campaign Dock στο Άμστερνταμ

Πίτερ Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος - Η Καταστροφή του Αλχημιστή

Ρέμπραντ - Άντρις ντε Γκρεφ

Η κύρια θρησκεία είναι ο Προτεσταντισμός. Οι Ολλανδοί άρχισαν να δημιουργούν ένα πορτρέτο της Ολλανδίας. Αυτά είναι πορτρέτα των νικητών του πολέμου, εμφανίστηκαν τοπία, νεκρές φύσεις, είδος ή καθημερινή ζωγραφική. Πρόκειται για πίνακες ζωγραφικής με ασπρόμαυρη σύνθεση της εποχής του μπαρόκ. Εδώ εμφανίζεται για πρώτη φορά η εξειδίκευση των καλλιτεχνών. Εμφανίστηκαν μόνο δάσκαλοι της νεκρής φύσης ή του τοπίου. 12 είδη τοπίων: αστικό, θάλασσα, αμμόλοφος, καταρράκτες, δασικό τοπίο. Στην αρχή της ολλανδικής τέχνης, η προσωπογραφία έγινε η κύρια εστίαση. Στο πρώτο μισό του 17ου αιώνα, ο μεγαλύτερος προσωπογράφος στην Ολλανδία είναι ο Φρανς Χαλς.

Δημιουργικότητα του Φρανς Χαλς.

Γεννήθηκε το 1574 στο Antvarpan. Στη συνέχεια η οικογένειά του μετακόμισε στο Χάρλεμ. Εκεί σπούδασε με τον καλλιτέχνη Van Mander. Ο Van Mander δημιούργησε βιογραφίες μεγάλων Ολλανδών καλλιτεχνών. Ο Φρανς Χαλς κατάφερε να κάνει μια ολόκληρη επανάσταση στην προσωπογραφία. Ο Hals φέρνει δυναμική στα πορτρέτα. «Συμπόσιο αξιωματικών του λόχου του Αγίου Γεωργίου» -το πρώτο έργο που του έφερε δημοτικότητα. Ο Khals απεικονίζει αξιωματικούς κατά τη διάρκεια μιας γιορτής, κάθε αξιωματικός απεικονίζεται με τη σειρά του. Μια ενεργή διαγώνιος λαμβάνεται στην εικόνα. Όλα βασίζονται στην αρχή της ασυμμετρίας. Είναι ενεργό στο χρώμα.

Ο Χαλς ζωγραφίζει τα πορτρέτα του πολύ γρήγορα χρησιμοποιώντας μια ανοιχτή δυναμική πινελιά. "Τσιγκάνκα"... Το όνομα είναι πολύ αυθαίρετο. " Mali Babe"- ένα ανοιχτό, έντονα πεταχτό εγκεφαλικό επεισόδιο. Αυτή την περίοδο, σχεδόν σε όλα τα έργα του Χαλς, όλοι οι χαρακτήρες του χαμογελούν. «Χαμογελαστός Καβαλάρης».

Η δυναμική στο πορτρέτο είναι ιδιαίτερα ενεργή. William Van Gate Heisen... Δεν έχει διασωθεί ούτε μία εικόνα της Khalsa. Το πιθανότερο είναι ότι ζωγράφισε τα πορτρέτα του χωρίς να σχεδιάσει και ζωγράφισε πολύ γρήγορα.

Ο Χαλς ζωγράφισε τον Βαν Ντικ σε δύο ώρες. Ο Φαν Ντάικ τον κάλεσε να πάει μαζί του στην Αγγλία.

Εύθυμη συντροφιά.Γραμμένο με τον ίδιο γρήγορο και δυναμικό τρόπο που ο Χαλς αγαπούσε να γράφει.

Ο Χαλς ζωγράφισε επίσης σοβαρά πορτρέτα: "Πορτρέτο του Πίτερ Βαν Ντεν Μπροκ",το πορτρέτο έχει ανατεθεί, επομένως ο Χαλς ζωγραφίζει με λεπτομέρεια, ένα πολύ συγκρατημένο και λακωνικό πορτρέτο Ρενέ Ντεκάρτ. Οικογενειακό πορτραίτο,το τοπίο ζωγράφισε γι' αυτόν ο Πίτερ Μολίν. Γυναικείο πορτρέτο -πολύ εκφραστικό πορτρέτο του Χαλς. Πορτρέτο Ο Ισαάκ Μας και η γυναίκα του -ένα πορτρέτο του φίλου του.

Σε ηλικία 30 ετών ζωγράφισε μια εικόνα πορτρέτο των Αξιωματικών του λόχου του Αγίου Αδριανού.Κάθε φιγούρα έχει τη δική της στροφή και κίνηση. Στη δεκαετία του '40, η ζωγραφική του Khalsa άλλαξε δραματικά. Αυτή τη στιγμή, το πορτρέτο του Van Dyck μπήκε στη μόδα. Πορτρέτα της δεκαετίας του 40-50 - πορτρέτα με επικράτηση του μαύρου. Από αυτούς πορτρέτο του αντιβασιλέα του γηροκομείου.Υπάρχουν 27 αποχρώσεις του μαύρου σε αυτό το πορτρέτο. Ένα από τα τελευταία έργα του Χαλς - Αντιβασιλείς του γηροκομείου.Αναδύεται η εικόνα των γηρατειών. Η φθορά της σάρκας μεταφέρει στο πορτρέτο. Ζωγραφίζει ένα πορτρέτο με εντελώς διαφορετικό τρόπο. Αντιβασιλείς του νοσοκομείου St. Elizabeth.Στο πορτρέτο, μπορείτε να δείτε καθαρά την επιλογή των μορφών με ένα τρίγωνο, κάθε πρόσωπο είναι ευδιάκριτα. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Χαλς δημιούργησε περισσότερους από 200 πίνακες. Υπάρχει ένα μουσείο του στο Χάρλεμ. Εκεί συγκεντρώνονται σχεδόν όλα τα έργα.

Το έργο του Rembrandt Van Rijn.

Πρόκειται για έναν από τους σπουδαίους καλλιτέχνες του 17ου αιώνα. Γεννήθηκε το 1606 στην οικογένεια ενός μυλωνά στην πόλη Leiden. Το αγόρι ήταν αρχικά πολύ προικισμένο. Ο Ρέμπραντ σπουδάζει για λίγο στο πανεπιστήμιο. Ήταν 14 ετών όταν ένιωσε την κλίση του στη ζωγραφική και άφησε το πανεπιστήμιο. Νοικιάζει έναν αχυρώνα στις όχθες του ποταμού και δημιουργεί το δικό του σχολείο σε ηλικία 16 ετών. Καλλιτέχνες όπως ο Dow σπουδάζουν στο σχολείο του. Τα πρώτα έργα που έγραψαν - Εκδίωξη των εμπόρων από το ναό.Στα πρώτα του έργα μιλάει για το ότι ανήκει στο μπαρόκ. Το έργο έχει διαγώνια σύνθεση, σύνθεση φωτός και σκιάς. Η αυτοπροσωπογραφία του ζωγραφίστηκε στο Λέιντεν. Ασυνήθιστη δουλειά με υφή. Αυτή την ώρα έρχεται ο υπουργός της Ολλανδίας και αγοράζει αρκετά έργα του Ρέμπραντ. Ο Ρέμπραντ αφήνει το Λέινταν και πηγαίνει στο Άμστερνταμ, όπου μπαίνει στο στούντιο του καλλιτέχνη Lastman. Ένα εξωπραγματικό φως εμφανίζεται στα έργα. Αυτό φαίνεται ιδιαίτερα στην εικόνα. Η δυσπιστία του Θωμά . Στο Άμστερνταμ, λαμβάνει την πρώτη του παραγγελία για ένα ομαδικό πορτρέτο – Ανατομία του Δρ Τουλίπ . Εδώ ζωγράφισε μια εικόνα Θυσία του Αβραάμ. Ο Προφήτης Ιερεμίας στα ερείπια της Ιερουσαλήμ. Στον πίνακα το κεφάλι του αγίου εκπέμπει φως. Η επιτυχία του στη ζωγραφική τον οδήγησε να παντρευτεί τον Saski Van Elenburg. Ο Ρέμπραντ αγοράζει ένα παλάτι στο Άμστερνταμ. Αυτοπροσωπογραφία με τον Sasuke γονατιστός. Saski με ένα λουλούδι.Εκείνη τη χρονιά που ο Sasuke είναι άρρωστος, ο Rembrandt λαμβάνει μια παραγγελία για ένα ομαδικό πορτρέτο της εταιρείας του Captain Kok - Η νυχτερινή φύλαξη. Απεικονίζει την έξοδο των σκοπευτών στις ασκήσεις. Ο πίνακας είναι ένα αριστούργημα του Ρέμπραντ της δεκαετίας του '40. Η εικόνα βασίζεται στην υποταγή. Ξεκίνησε μια μακρά δίκη για τα χρέη του Ρέμπραντ. Ο αποχαιρετισμός του Ντέιβιντ στον Τζόναθανγράφτηκε σε ένα χρόνο από τότε Νυχτερινή βάρδια.Ο πίνακας αποκτήθηκε από τον Peter I και έγινε ένας από τους πρώτους πίνακες στο Ερμιτάζ.

Δανάη.

Η υπηρέτρια του Χέντρικ έγινε η αξιόπιστη βοηθός του Ρέμπραντ. Θα γίνει η δεύτερη σύζυγος του Ρέμπραντ. Στην φωτογραφία Αγία οικογένεια με αγγέλους,σε αυτή την εικόνα υπάρχουν δύο φωτεινές διαγώνιες, η εικόνα διαπερνάται από ζεστό φως. Ο Gendrike εμφανίζεται σε ένα πορτρέτο - Hendrike στο παράθυρο, Γυναίκα που κάνει μπάνιο, Versavia,στην ιστορία της εικόνας βρίσκεται η ιστορία του Δαβίδ και της Βερσαβίας.

Δαβίδ και Ουρίας -Το φως παίζει τεράστιο ρόλο στην εικόνα.

Πορτρέτο του Jan Sixx.Όλη η προσοχή είναι στραμμένη στο πρόσωπο.

Συνωμοσία του Claudius Civilis.Αυτός είναι ο μοναδικός πίνακας από την ιστορία των Ολλανδών του Ρέμπραντ .

Πορτρέτο ενός ηλικιωμένου με κόκκινο χρώμα.Πορτραίτο βιογραφία. Ένα πορτρέτο στο χρόνο.

Πορτρέτο ενός ηλικιωμένου Εβραίου.Σε αυτό το πορτρέτο, τονίζεται μόνο το κύριο πράγμα: το πρόσωπο και τα χέρια.

Πορτρέτο μιας ηλικιωμένης γυναίκας.Σε αυτό το πορτρέτο, οι πιο λεπτές μεταβάσεις από το φως στη σκιά.

Portet που διαβάζει τον Τίτο.

Πορτρέτο του ποιητή Decker.

Ασούρ, Αμάν, Ισφίρ.Το κύριο έργο από τους τελευταίους πίνακες του Ρέμπραντ. Η εικόνα βασίζεται σε μια πολύ περίπλοκη λύση φωτισμού.

Ο Ρέμπραντ γράφει μια επανάληψη αυτής της εικόνας Ο Χάμαν ζητά συγχώρεση από τον Ισφίρ.

Ο Ρέμπραντ λαμβάνει μια προμήθεια για ένα ομαδικό πορτρέτο - Σύνδικοι.

Εβραία νύφη.Το θέμα της αγάπης είναι το κύριο σε αυτήν την εικόνα. Αυτός είναι ένας αγαπημένος πίνακας του Βαν Γκογκ και του Σούτιν.

Οικογενειακή πορτρα.Ομαδικό πορτρέτο. Ένα φανταστικό πορτρέτο της οικογένειάς του.

Δύο αυτοπροσωπογραφίες.

Το 66-68 ο Ρέμπραντ ζωγραφίζει μια εικόνα Επιστροφή του Άσωτου Υιούπου ολοκληρώνει το έργο του.

Seimon στο ναό.Η τελευταία του φωτογραφία.

Ο Ρέμπραντ πεθαίνει το 1669. Είχε πολλούς μαθητές: Gerard Dow, Fabricius, Gelder, έναν από τους τελευταίους μαθητές του Rembrandt. Το σχολείο του υπήρχε μέχρι τα τέλη του 17ου αιώνα.

Θέματα για αντιστάθμιση:

Γερμανική αναγέννηση.

Ιταλικό μπαρόκ. Μπαρόκ αρχιτεκτονική. Lorenzo Bernini, Francesco Boromini και Carlo Moderno. Γλυπτό του Μπερνίνι. Δύο ζωγράφοι Caravaggio και Anibali Karachi. Ρούμπενς. Βαν Ντάικ. Jordaens. Σνάιντερς. Browver.

Ολλανδικό τοπίο του 17ου αιώνα.

Γιαν Φαν Γκόγιεν.

Χαρακτηρίζεται από ποτάμια τοπία.

Ανεμόμυλος δίπλα στο ποτάμι -χαρακτηριστικό ολλανδικό τοπίο.

Τοπίο ποταμού.

Σχεδόν πάντα στα έργα του, το φως στον ουρανό αντανακλάται στο έδαφος.

Salomon Reizdal

Ζωγράφιζε τοπία νωρίς το πρωί.

Τοπίο με ένα καρότσι -ένα χαρακτηριστικό τοπίο για αυτόν τον ζωγράφο.

Διέλευση πορθμείων.Θυελλώδες πρωί

Μεγάλωσε έναν από τους κύριους ζωγράφους του 17ου αιώνα, τον Jacob Reizad.

Jacob Reizdal.

Άποψη του Edmond.Φως στον ουρανό, ρυθμικό τοπίο, κάθετο καμπαναριό ταιριάζει ακριβώς με την κάθετη μορφή.

Ο Τζέικομπ ζωγράφισε και τα 12 τοπία και δημιούργησε πολλά από αυτά ο ίδιος.

Ο Reisadl ήταν μεγάλος δεξιοτέχνης του δασικού τοπίου.

Ήδη οι σύγχρονοι σημείωσαν ότι ο Reizdal είναι δασικός ψυχολόγος. Κάθε δέντρο έχει το δικό του πορτρέτο Γράφει μια βιογραφία του δέντρου.

Δασικό τοπίο.

Λίμνη ανάμεσα στα δέντρα.Στο πρώτο πλάνο είναι ένα πεσμένο δέντρο, δίπλα του ένα ξερό δέντρο και στο βάθος νεαρές σημύδες. Υπάρχουν πολλές ηλικίες δέντρων. Μεταφέρει αυτή την τεχνική σε μια σειρά από πίνακες:

Ποτάμι στο δάσος

Δρυς δάσος

Τέλμα

Δασικό τοπίο

Δρόμος

Πανοραμικό τοπίο: Κάτω από το κάστρο τους, τοπίο με ερείπια κάστρου και εκκλησία.

Μύλος στη Βέκα.Το κύριο τοπίο του Reizdal. Ο Ρέιζνταλ μεγεθύνει επίτηδες το μύλο. Αυτό το τοπίο είναι ένα από τα σύμβολα της Ολλανδίας.

Τα τρία κύρια έργα της Ολλανδίας: Night Watch, Mill in Vecca, θέα στην πόλη του Δέλτα.

Δύο πίνακες με έναν τίτλο: Εβραϊκό νεκροταφείο.Φανταστικό σχέδιο. Μεταφέρει την κατάσταση κατά τη διάρκεια μιας καταιγίδας. Σε πρώτο πλάνο είναι ένα ξερό, αλλά ακόμα ζωντανό δέντρο. Ένα ρεύμα που τρέχει είναι σύμβολο της γρήγορης ροής ζωής. Το δέντρο απεικονίζεται με φόντο ένα ζωντανό και πλούσιο δέντρο. Σε πρώτο πλάνο είναι μια ταφόπλακα με το πορτρέτο του ίδιου του καλλιτέχνη και την υπογραφή του Reizdal. Στο βάθος βλέπουμε τον ναό, που έχει σχεδόν καταστραφεί και ταυτόχρονα βλέπουμε πώς μετά την καταιγίδα εμφανίζεται ένα ουράνιο τόξο - σύμβολο ελπίδας. Ο κεντρικός κεραυνός είναι το μνημείο. Η εικόνα έχει μια επανάληψη, δημιουργεί μια ακόμα πιο έντονη αίσθηση ζωής και θανάτου. Η δεύτερη εικόνα είναι πολύ σκοτεινή, η αντίθεση ξηρού και πράσινου ξύλου απεικονίζεται πολύ έντονα. Η πλάκα με το πορτρέτο του Reizdal εμφανίζεται ξανά και ο ναός έχει αλλάξει όψη, σαν ένα πλάσμα με τεράστιες κόγχες στα μάτια - η εικόνα ενός κόσμου που πεθαίνει. Ο Reizdal θεωρείται ο δημιουργός φιλοσοφικό τοπίο.

Ο Reizdal ζωγράφισε χειμερινά τοπία όπως: Χειμερινό τοπίο, Χειμώναςπου αποκαλύπτει το θέμα της μοναξιάς. Ο Reizdal είναι ο συγγραφέας του τοπίου της διάθεσης.

Ήταν επίσης δεξιοτέχνης της θαλάσσιας ζωγραφικής: Θύελλα στη θάλασσα, Ακτή.

Ήταν κύριος του αστικού τοπίου: Άποψη του Άμστερνταμ με τον ποταμό Άμστελ, Θέα του Χάρλεμ (θέα της γενέτειράς του).

Τα τελευταία χρόνια, ο Reizdal έχει ζωγραφίσει πολλά τοπία που απεικονίζουν καταρράκτες: Βραχώδες τοπίο με έναν καταρράκτη, ένας καταρράκτης στη Νορβηγία, ένας καταρράκτης.

Δύο μύλοι- ένα ασυνήθιστο τοπίο, ο ένας μύλος είναι σαφώς ορατός και ο δεύτερος είναι στα βάθη.

Ορεινό τοπίο με ιστιοφόρο -ένα από τα τελευταία έργα του Reizdal. Σε αυτό το έργο συνοψίζει τη ζωή του. Πρόκειται για ένα ποιητικό, λυρικό τοπίο.

Η δημιουργικότητα του Mendet Hobeme.

Ήταν μαθητής του Reizdal.

Σοκάκι στη μέση του Χάρλς. Ήταν ο πρώτος που ζωγράφισε τοπία από τη φύση.Μερικές φορές ζωγράφιζε τοπία από σχέδια τοπίων.

Ήταν δημοφιλής στην Αγγλία και συνέβαλε στο αγγλικό τοπίο. Οι Thomas Gainsbrat, Turner, John Constable βασίστηκαν στο έργο των Hobeme και Reizdal.

Ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης του ρεαλιστικού τοπίου. Εκτός από το αγγλικό τοπίο, η αρχή του γαλλικού εθνικού τοπίου εκδηλώθηκε με πολλούς τρόπους.

Ερωτήσεις για τα εισιτήρια:

Το έργο του Ρέμπραντ.

Έχοντας κερδίσει μια νίκη στον αγώνα ενάντια στην Ισπανία για την ανεξαρτησία της, η αστική Ολλανδία έγινε το πιο ανεπτυγμένο οικονομικά κράτος στη Δυτική Ευρώπη. Η κύρια ολλανδική πόλη του Άμστερνταμ έχει αναγνωριστεί ως ένα από τα μεγαλύτερα εμπορικά κέντρα στην Ευρώπη.

Μαζί με την οικονομία αναπτύσσεται και η ολλανδική ζωγραφική. Σε αντίθεση με άλλες χώρες της Δυτικής Ευρώπης, οι μπαρόκ πίνακες παλατιών και κάστρων δεν ήταν δημοφιλείς στην Ολλανδία - η αδυναμία των ευγενών χρησίμευσε ως εμπόδιο στην ανάπτυξη των διακοσμητικών τεχνών. Η Καλβινιστική Εκκλησία στην Ολλανδία επίσης δεν επιδίωξε να διακοσμήσει τους ναούς της με πίνακες.

Ωστόσο, η ζωγραφική άνθισε στην Ολλανδία: οι καλλιτέχνες έλαβαν πολλές παραγγελίες από ιδιώτες. Ακόμη και οι Ολλανδοί χωρικοί μπορούσαν να κρεμάσουν μια μικρή εικόνα στο σπίτι τους - αυτά τα έργα καλλιτεχνών ήταν τόσο φθηνά.

Τον XVII αιώνα. πάνω από δύο χιλιάδες καλλιτέχνες εργάστηκαν στη μικρή Ολλανδία. Έβαλαν την παραγωγή έργων ζωγραφικής, παρήγαγαν καμβάδες σε ολόκληρες παρτίδες και τους παρέδιδαν στους πωλητές. Σχεδόν κάθε δάσκαλος έπαιζε από δύο έως πέντε συνθέσεις την εβδομάδα.

Συχνά, η παραγωγή έργων ζωγραφικής ξεπερνούσε τη ζήτηση, επομένως, για να τραφούν, οι καλλιτέχνες έπρεπε να κάνουν ταυτόχρονα και άλλες εργασίες. Τέτοιοι διάσημοι δάσκαλοι όπως ο J. Steen, ο M. Gobbema, ο J. van Goyen και πολλοί άλλοι ήταν ταυτόχρονα υπάλληλοι, κηπουροί και ξενοδόχοι.

Συνήθως οι ζωγράφοι ειδικεύονται σε ένα συγκεκριμένο θέμα. Για παράδειγμα, ο H. Averkamp ζωγράφισε χειμερινές όψεις, ο E. van der Poole απεικόνισε νυχτερινές φωτιές, ο G. Terborch και ο G. Metsu - καθημερινές σκηνές, ο P. Claes και ο V. K. Heda - πρωινές νεκρές φύσεις.

Πολύ συχνά, οι καλλιτέχνες εργάζονταν συλλογικά σε μια εικόνα: ο ένας ζωγράφιζε τον ουρανό, ο άλλος - γρασίδι και δέντρα, ο τρίτος - ανθρώπινες φιγούρες. Τα πιο επιτυχημένα έργα που είχαν επιτυχία στο κοινό αντιγράφηκαν και λειτούργησαν ως πρότυπο για τη δημιουργία αμέτρητων παραλλαγών.

Αν και η τέχνη των ταλαντούχων ζωγράφων ήταν υποταγμένη σε εμπορικούς σκοπούς, οι πλοίαρχοι συνήθως κατάφερναν να αποφύγουν την ψευδαίσθηση. Οι περισσότεροι από αυτούς τους καμβάδες διακρίνονται από ρεαλισμό, ακεραιότητα και σαφήνεια σύνθεσης, φρέσκο ​​χρώμα και εξαιρετική τεχνική εκτέλεσης.

Το είδος του πορτρέτου έγινε ευρέως διαδεδομένο στην ολλανδική ζωγραφική. Ένας μεγάλος ρόλος στη ζωή της χώρας έπαιξαν διάφοροι οργανισμοί (η εταιρεία σκοποβολής, ομάδες εκπροσώπων της ιατρικής εταιρείας και εμπορικά εργαστήρια), που συνέβαλαν στην εμφάνιση ενός ομαδικού δημόσιου πορτρέτου.

Ο μακροχρόνιος αγώνας με τους Ισπανούς αποικιοκράτες όξυνε την αίσθηση της εθνικής ταυτότητας, επομένως, στη ζωγραφική, εκτός από τον ρεαλισμό, ήταν ιδιαίτερα ευπρόσδεκτη η απεικόνιση χαρακτηριστικών εθνικών χαρακτηριστικών. Καλλιτέχνες ζωγράφισαν τη θάλασσα και τα πλοία, τα βοοειδή, τα λουλούδια. Εκτός από το πορτρέτο, αναπτύχθηκαν είδη όπως το τοπίο και η νεκρή φύση. Υπήρχε επίσης θρησκευτική ζωγραφική, αλλά δεν υπήρχε στοιχείο μυστικισμού σε αυτήν. παρουσιάστηκαν βιβλικές ιστορίες
στον καλλιτέχνη αρέσουν μάλλον οι καθημερινές σκηνές.

Φρανς Χαλς

Ο Φρανς Χαλς γεννήθηκε γύρω στο 1581 στην Αμβέρσα από την οικογένεια ενός υφαντή. Ως έφηβος, ήρθε στο Χάρλεμ, όπου έζησε σχεδόν χωρίς διάλειμμα μέχρι το θάνατό του (το 1616 επισκέφτηκε την Αμβέρσα και στα μέσα της δεκαετίας του 1630 - το Άμστερνταμ). Λίγα είναι γνωστά για τη ζωή του Χαλς. Το 1610 μπήκε στη συντεχνία του Αγίου Λουκά και το 1616 - στην αίθουσα των ρητόρων (ερασιτέχνες ηθοποιοί).

Ο Χαλς έγινε γρήγορα ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους πορτρέτων στο Χάρλεμ. Στους XV-XVI αιώνες. Στη ζωγραφική της Ολλανδίας, υπήρχε η παράδοση να ζωγραφίζουν πορτρέτα μόνο εκπροσώπων των κυρίαρχων κύκλων, διάσημων ανθρώπων και καλλιτεχνών. Η τέχνη του Khals είναι βαθιά δημοκρατική: στα πορτρέτα του μπορούμε να δούμε έναν αριστοκράτη, έναν πλούσιο κάτοικο της πόλης, έναν τεχνίτη και ακόμη και έναν άνθρωπο από τα κάτω. Ο καλλιτέχνης δεν προσπαθεί να εξιδανικεύσει τα εικονιζόμενα, το κύριο πράγμα για αυτόν είναι η φυσικότητα και η πρωτοτυπία τους. Οι ευγενείς του συμπεριφέρονται με τον ίδιο χαλαρό τρόπο με τους εκπροσώπους των κατώτερων στρωμάτων της κοινωνίας, οι οποίοι στους πίνακες του Χαλς απεικονίζονται ως εύθυμοι άνθρωποι, χωρίς αυτοεκτίμηση.

Το ομαδικό πορτρέτο κατέχει σημαντική θέση στο έργο του ζωγράφου. Τα καλύτερα έργα αυτού του είδους ήταν τα πορτρέτα των αξιωματικών του λόχου του όπλου του Αγίου Γεωργίου (1627) και του λόχου τουφεκιού του Αγίου Ανδριανού (1633). Κάθε χαρακτήρας στους πίνακες έχει τη δική του ζωντανή προσωπικότητα, και ταυτόχρονα, αυτά τα έργα διακρίνονται για την ακεραιότητά τους.

Ο Khals ζωγράφισε επίσης ειδικά κατασκευασμένα πορτρέτα στα οποία οι πλούσιοι μπέργκερ και οι οικογένειές τους τοποθετούνται σε χαλαρές πόζες (Portrait of Isaac Massa, 1626· Portrait of Hetheisen, 1637). Οι εικόνες του Huls είναι ζωντανές και δυναμικές, φαίνεται ότι οι άνθρωποι στα πορτρέτα μιλούν με έναν αόρατο συνομιλητή ή απευθύνονται στον θεατή.

Οι εκπρόσωποι του λαϊκού περιβάλλοντος στα πορτρέτα της Khalsa διακρίνονται για τη ζωηρή εκφραστικότητα και τον αυθορμητισμό τους. Στις εικόνες των αγοριών του δρόμου, των ψαράδων, των μουσικών, των επισκεπτών σε ταβέρνες, γίνεται αισθητή η συμπάθεια και ο σεβασμός του συγγραφέα. Ο «Τσιγγάνος» του είναι αξιοσημείωτος. Μια χαμογελαστή νεαρή φαίνεται εκπληκτικά ζωντανή, το πονηρό της βλέμμα στρέφεται στον αόρατο για το κοινό συνομιλητή. Ο Χαλς δεν εξιδανικεύει το μοντέλο του, αλλά η εικόνα μιας εύθυμης, ατημέλητης τσιγγάνας απολαμβάνει με τη ζωηρή γοητεία της.

Πολύ συχνά, τα πορτρέτα του Huls περιλαμβάνουν στοιχεία μιας σκηνής του είδους. Αυτές είναι οι εικόνες των παιδιών που τραγουδούν ή παίζουν μουσικά όργανα (The Singing Boys, 1624-1625). Στο ίδιο πνεύμα παίχτηκε και το περίφημο «Malle Babbe» (αρχές της δεκαετίας του 1630), αντιπροσωπεύοντας τον γνωστό στο Χάρλεμ φύλακα μιας ταβέρνας, τον οποίο οι επισκέπτες αποκαλούσαν πίσω από την πλάτη τους μάγισσα του Χάρλεμ. Ο καλλιτέχνης απεικόνισε σχεδόν γκροτέσκο μια γυναίκα με μια τεράστια κούπα μπύρας και μια κουκουβάγια στον ώμο της.

Στη δεκαετία του 1640. υπάρχουν σημάδια καμπής στη χώρα. Έχουν περάσει μόνο μερικές δεκαετίες από τη νίκη της επανάστασης και η αστική τάξη έπαψε να είναι μια προοδευτική τάξη βασισμένη σε δημοκρατικές παραδόσεις. Η αλήθεια της ζωγραφικής του Χαλς δεν προσελκύει πλέον πλούσιους πελάτες που θέλουν να βλέπουν τον εαυτό τους σε πορτρέτα καλύτερα από ό,τι πραγματικά είναι. Αλλά ο Hulse δεν εγκατέλειψε τον ρεαλισμό και η δημοτικότητά του έπεσε κατακόρυφα. Στη ζωγραφική αυτής της περιόδου εμφανίζονται νότες θλίψης και απογοήτευσης («Πορτρέτο ανθρώπου με φαρδύ καπέλο»). Η παλέτα του γίνεται πιο αυστηρή και ήρεμη.

Σε ηλικία 84 ετών, ο Χαλς δημιουργεί δύο από τα αριστουργήματά του: ομαδικά πορτρέτα των αντιβασιλέων (έμπιστοι) και τον αντιβασιλέα του ασύλου για ηλικιωμένους (1664). Αυτά τα τελευταία έργα του Ολλανδού πλοιάρχου διακρίνονται από τη συναισθηματικότητα και τη φωτεινή προσωπικότητα των εικόνων. Οι εικόνες των αντιβασιλέων -γέροι και γυναίκες- αναπνέουν από θλίψη και θάνατο. Αυτή η αίσθηση τονίζεται επίσης από το χρώμα, που διατηρείται σε μαύρους, γκρι και λευκούς τόνους.

Ο Χαλς πέθανε το 1666 σε βαθιά φτώχεια. Η αληθινή, που επιβεβαιώνει τη ζωή του τέχνη έχει επηρεάσει σε μεγάλο βαθμό πολλούς Ολλανδούς καλλιτέχνες.

Ρέμπραντ

Στη δεκαετία 1640-1660. Η ολλανδική ζωγραφική άνθιζε. Ο πιο σημαντικός καλλιτέχνης αυτής της εποχής ήταν ο Ρέμπραντ.

Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn γεννήθηκε το 1606 στο Leiden. Ο πατέρας του ήταν πλούσιος μυλωνάς. Οι γονείς ονειρεύτηκαν μια καλή εκπαίδευση για τον γιο τους και τον ανέθεσαν σε ένα λατινικό σχολείο, μετά το οποίο ο Ρέμπραντ μπήκε στο Πανεπιστήμιο του Λέιντεν. Όμως ο νεαρός τον τράβηξε η τέχνη. Άφησε το πανεπιστήμιο και άρχισε να σπουδάζει με τον ζωγράφο Jacob Svannenburch. Τρία χρόνια αργότερα, ο νεαρός καλλιτέχνης πήγε στο Άμστερνταμ, όπου άρχισε να παίρνει μαθήματα από τον Peter Lastman.

Το 1624, ο Ρέμπραντ επέστρεψε στο Λέιντεν. Εδώ, μαζί με τον ζωγράφο Jan Lievens, νοίκιασαν ένα στούντιο. Ο καλλιτέχνης δουλεύει πολύ από τη ζωή, ζωγραφίζει όχι μόνο στο στούντιο, αλλά και στο δρόμο και στο παζάρι της πόλης.

Στα τέλη της δεκαετίας του 1620. Ο Ρέμπραντ κέρδισε δημοτικότητα μεταξύ των κατοίκων του Λέιντεν. Έλαβε πολλές παραγγελίες και ο πρώτος του μαθητής - ο Gerard Dow, ο οποίος αργότερα έγινε ένας αρκετά διάσημος ζωγράφος.

Οι πρώιμοι πίνακες του Ρέμπραντ χαρακτηρίζονται από σχολαστική σύνθεση και ευσυνειδησία στην εκτέλεση. Ταυτόχρονα, χαρακτηρίζονται από κάποιο περιορισμό («The Torment of St. Sebastian», 1625).

Το 1631, ο Ρέμπραντ εγκαταστάθηκε στο Άμστερνταμ. Η φήμη του εξαπλώθηκε πολύ γρήγορα σε όλη την πόλη και οι εντολές έπεσαν στον ζωγράφο. Η προσωπική ζωή του Ρέμπραντ ήταν επίσης επιτυχημένη: το 1634 παντρεύτηκε τη Saskia van Eulenburg, μια κοπέλα από γνωστή αστική οικογένεια. Ο γάμος έφερε στον καλλιτέχνη μια σημαντική περιουσία, η οποία του παρείχε δημιουργική ανεξαρτησία και του επέτρεψε να ασχοληθεί με τη συλλογή έργων τέχνης και αντίκες.

Ο Ρέμπραντ απολάμβανε την ευτυχία παρέα με την αγαπημένη του γυναίκα, την οποία απεικόνιζε πολλές φορές. Συχνά η Saskia χρησίμευε ως μοντέλο για πίνακες ζωγραφικής με μεγάλη ποικιλία θεμάτων («Flora», 1634· «Αυτοπροσωπογραφία με τη Saskia στα γόνατα», περ. 1639).

Το έργο του Ρέμπραντ αυτή την περίοδο είναι ποικίλο, γράφει ιστορικές, μυθολογικές και θρησκευτικές συνθέσεις, πορτρέτα, καθημερινές σκηνές, τοπία, νεκρές φύσεις, πίνακες με εικόνες ζώων. Αλλά το κύριο αντικείμενο της προσοχής του είναι ένα άτομο. Όχι μόνο στα πορτρέτα, αλλά και στα άλλα έργα του, ο καλλιτέχνης επιδιώκει να αποδώσει τον χαρακτήρα και τον εσωτερικό κόσμο των ηρώων του.

Ένας αξιόλογος δεξιοτέχνης του είδους των πορτρέτων, μόλις τη δεκαετία του 1630. Ο Ρέμπραντ ερμήνευσε περισσότερα από εξήντα πορτρέτα που είχαν παραγγείλει. Το κύριο πράγμα για έναν ζωγράφο δεν είναι μια εξωτερική ομοιότητα με ένα μοντέλο, αλλά το βάθος του εσωτερικού κόσμου, η δύναμη των συναισθηματικών κινήσεων και εμπειριών. Το ομαδικό πορτρέτο «Anatomy of Doctor Tulpa» (1632) χαιρετίστηκε με χαρά από τους συγχρόνους του. Ο καλλιτέχνης έκανε αλλαγές στην παραδοσιακή σύνθεση του κλασικού ομαδικού πορτρέτου, τακτοποιώντας τις φιγούρες όχι στη σειρά, όπως συνηθιζόταν, αλλά ελεύθερα. Αυτή η κατασκευή έδωσε στην εικόνα ζωντάνια και φυσικότητα.

Στα τέλη της δεκαετίας του 1630. Ο Ρέμπραντ έγινε ο πιο διάσημος τεχνίτης στην Ολλανδία. Στην περίοδο αυτή ανήκει το αριστούργημά του, η περίφημη «Δανάη» (1636), η μαεστρία της οποίας ξεπερνά κάθε τι που δημιούργησαν οι σύγχρονοί του.
καλλιτέχνης. Η τελειότητα της σύνθεσής του και ο πλούτος των χρωμάτων, διατηρημένος σε χρυσές αποχρώσεις, εκπλήσσει. Φαίνεται ότι δεν υπάρχει τίποτα περιττό σε αυτό το έργο, κάθε λεπτομέρεια είναι προσεκτικά μελετημένη από τον συγγραφέα. Με τη βοήθεια μιας ελεύθερης και ζωηρής πινελιάς, ο πλοίαρχος μεταφέρει την ελαφρότητα του καλύμματος κρεβατιού, τις πτυχές των βαριών κουρτινών και τις κουρτίνες. Το εύκαμπτο πλαστικό μιας νεαρής γυναίκας ξαπλωμένης στο κρεβάτι είναι εντυπωσιακό, οι απαλές χρυσές αποχρώσεις του σώματος φωτίζονται από απαλό φως. Αν και η Δανάη δεν λάμπει από ιδανική ομορφιά, η εικόνα της χαροποιεί τον θεατή με ζωηρή γοητεία και φρεσκάδα.

Στη δεκαετία του 1630. ο καλλιτέχνης δουλεύει πολύ και στο χαρακτικό. Τον ελκύουν καθημερινά κίνητρα («Ο πωλητής του ποντικοφάρμακου», 1632). Στοιχεία του είδους είναι επίσης εγγενή σε έργα με βιβλικά θέματα (The Return of the Prodigal Son, 1636). Ένα από τα καλύτερα χαρακτικά αυτής της περιόδου είναι το The Death of Mary (1639), συναισθηματικό και εμποτισμένο με μια αίσθηση βαθιάς θλίψης. Το αξιοσημείωτο έργο «Χριστός που θεραπεύει τους άρρωστους» (το λεγόμενο «Εκατό Φύλλο Γκίλντερ» - αυτό το όνομα μιλά για την αξία του έργου) διακρίνεται επίσης από την πολυπλοκότητα της σύνθεσης και το μνημειώδες μεγαλείο των εικόνων.

Στη δεκαετία του 1640. Ο Ρέμπραντ γίνεται ο πιο διάσημος και πιο ακριβοπληρωμένος ζωγράφος στο Άμστερνταμ. Του ανέθεσαν πορτρέτα και συνθέσεις για το ολλανδικό παλάτι Stadtholder στη Χάγη. Πολλοί επίδοξοι καλλιτέχνες είναι πρόθυμοι να σπουδάσουν στο εργαστήριό του. Η φήμη της τέχνης του Ρέμπραντ ξεπερνά τα όρια της Ολλανδίας. Στο παλάτι του Άγγλου βασιλιά Καρόλου Α' φυλάσσονται αρκετοί πίνακες του διάσημου δασκάλου.

Το ταλέντο του Ρέμπραντ εκδηλώθηκε στις ρεαλιστικές και εκφραστικές νεκρές φύσεις του («Carcas of a bull») και στα τοπία του («Landscape with a mill», περ. 1650). Ο λεπτός λυρισμός είναι εγγενής στα ανεπιτήδευτα ολλανδικά τοπία, που εντυπωσιάζουν τον θεατή με την σχεδόν απτή πραγματικότητά τους.

Ο θάνατος της αγαπημένης του συζύγου το 1642 αποξένωσε τον Ρέμπραντ από τους ευγενείς συγγενείς της. Ο καλλιτέχνης σταμάτησε να επικοινωνεί με γνωστούς του από την αριστοκρατική κοινωνία. Οι αλλαγές στη ζωή του δασκάλου αποτυπώθηκαν στη ζωγραφική του, η οποία γίνεται βαθύτερη και πιο εστιασμένη. Αν τα πρώτα έργα του Ρέμπραντ διακρίνονται από μια ήρεμη και ομοιόμορφη διάθεση, τώρα στους πίνακές του αρχίζουν να ακούγονται νότες ανησυχίας και αμφιβολίας. Αλλάζει και η παλέτα, στην οποία κυριαρχούν οι κόκκινες και οι χρυσές αποχρώσεις.

Ο καμβάς "David and Jonathan" (1642, Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη), που εκτελείται σε χρυσοροζ και χρυσομπλε τόνους, διακρίνεται για τη ζωηρή εκφραστικότητα του.

Όλα αυτά τα νέα χαρακτηριστικά στη ζωγραφική του Ρέμπραντ δεν συνάντησαν την κατανόηση μεταξύ των συγχρόνων του. Δυσαρέσκεια προκάλεσε η μεγάλη μνημειακή σύνθεση «Night Watch» (1642). Ο πίνακας έλαβε αυτό το όνομα τον 19ο αιώνα. Στην πραγματικότητα, η δράση λαμβάνει χώρα όχι τη νύχτα, αλλά την ημέρα, στο φως του ήλιου, που επιβεβαιώνει τη φύση των σκιών.

Με τον καιρό, τα χρώματα σκουραίνουν και μόνο η αποκατάσταση που πραγματοποιήθηκε το 1946-1947 έδειξε ότι ο συνδυασμός χρωμάτων αυτού του έργου ήταν κάποτε πολύ πιο ανοιχτός.

Ο πίνακας δείχνει τα βέλη της εταιρείας του Captain Banning Cock. Ο πελάτης περίμενε να δει ένα παραδοσιακό τελετουργικό πορτρέτο (σκηνή γιορτής ή παρουσίαση από έναν διοικητή των υφισταμένων του στον θεατή). Ο Ρέμπραντ δημιούργησε επίσης ένα
Ροϊκό-ιστορικός καμβάς που απεικονίζει την απόδοση των σκοπευτών με εντολή του καπετάνιου. Οι χαρακτήρες είναι ταραγμένοι και δυναμικοί. ο διοικητής δίνει διαταγές, ο σημαιοφόρος σηκώνει το πανό, ο ντράμερ χτυπάει το τύμπανο, οι σκοπευτές γεμίζουν το όπλο. Εδώ, δεν είναι ξεκάθαρο από πού γυρίζει το κοριτσάκι που έχει έρθει με έναν κόκορα στη ζώνη.

Κατά τη διάρκεια αυτών των χρόνων, ο Hendrickje Stoffels εμφανίζεται στη ζωή του Ρέμπραντ, αρχικά υπηρέτη και μετά η γυναίκα του, που έγινε πιστός φίλος και βοηθός του. Ο καλλιτέχνης εξακολουθεί να εργάζεται σκληρά. Δημιουργεί την περίφημη «Η Αγία Οικογένεια» (1645), στην οποία το θρησκευτικό θέμα αντιμετωπίζεται ως είδος. Μαζί με τις βιβλικές συνθέσεις, ο ζωγράφος αποδίδει ρεαλιστικά τοπία με εικόνες του χωριού («Winter View», 1646). Τα πορτρέτα του από αυτή την περίοδο διακρίνονται από την επιθυμία να δείξουν τα μεμονωμένα χαρακτηριστικά των μοντέλων.

Στη δεκαετία του 1650. ο αριθμός των παραγγελιών μειώνεται σημαντικά. Ο Ρέμπραντ αντιμετωπίζει μεγάλες οικονομικές δυσκολίες. Αντιμετωπίζει την πλήρη καταστροφή, επειδή το χρέος που σχετίζεται με την αγορά ενός σπιτιού κατά τη διάρκεια της ζωής της πρώτης συζύγου του Saskia δεν έχει ακόμη πληρωθεί. Το 1656 ο καλλιτέχνης κηρύχθηκε αφερέγγυος και η συλλογή έργων τέχνης του και όλη η περιουσία του πουλήθηκαν σε δημοπρασία. Η οικογένεια Ρέμπραντ έπρεπε να μετακομίσει στη φτωχή εβραϊκή συνοικία του Άμστερνταμ.

Παρ' όλες τις κακουχίες, το ταλέντο του μεγάλου ζωγράφου δεν στερεύει. Τώρα όμως το κριτήριο για την ικανότητά του είναι τελείως διαφορετικό. Στα μεταγενέστερα έργα του Ρέμπραντ, πολύχρωμες πινελιές εμφανίζονται έντονα στην επιφάνεια του καμβά. Τώρα τα χρώματα στους πίνακές του χρησιμεύουν όχι μόνο για να μεταφέρουν την εξωτερική εμφάνιση των χαρακτήρων και την εικόνα του εσωτερικού - είναι το χρώμα που αναλαμβάνει το σημασιολογικό φορτίο του έργου. Έτσι, η αίσθηση του έντονου δράματος στον πίνακα «Assur, Aman and Esther» (1660) δημιουργείται μέσα από ένα σύνθετο τονικό εύρος και ειδικά εφέ φωτισμού.

Στερούμενος από παραγγελίες, ζώντας σε βαθιά φτώχεια, ο Ρέμπραντ δεν σταματά να γράφει. Δημιουργεί εκφραστικά και πνευματικά πορτρέτα, μοντέλα για τα οποία είναι συγγενείς και φίλοι ("Portrait of the Artist's Brother's Wife", 1654; "Portrait of an Old Man in Red", 1652-1654; "Portrait of Titus's Son Reading", 1657; "Πορτρέτο του Hendrickje Stoffels στα παράθυρα", περίπου 1659).

Ο γιος Τίτος, που τελικά έλαβε την κατάσταση της νεκρής μητέρας του, προσπαθεί να προστατεύσει τον πατέρα του από υλικές δυσκολίες και να του δημιουργήσει συνθήκες για να εργάζεται ήσυχα. Αλλά οι κακοτυχίες συνεχίζουν να στοιχειώνουν την καλλιτέχνιδα: το 1663 ο Hendrickje πεθαίνει και λίγα χρόνια αργότερα ο Τίτος την ακολούθησε.

Ήταν κατά τη διάρκεια αυτής της τραγικής εποχής που ο γέρος μοναχικός καλλιτέχνης δημιούργησε τα αριστουργήματά του, που διακρίνονται από μνημειώδες μεγαλείο και πνευματικότητα (David and Uriah, 1665-1666· Return of the Prodigal Son, περ. 1668-1669).

Ο Ρέμπραντ πέθανε το 1669, ξεχασμένος από όλους. Μόλις τον 18ο αιώνα. η τέχνη του έγινε τελικά κατανοητή και εκτιμήθηκε.

Στη δεκαετία 1640-1660. το είδος ήταν το κορυφαίο είδος στην ολλανδική ζωγραφική. Οι εικόνες που απεικονίζουν τις πιο συνηθισμένες στιγμές της πραγματικότητας είναι εκπληκτικά ποιητικές και λυρικές. Το κύριο αντικείμενο της προσοχής των ζωγράφων είναι ένα άτομο και ο κόσμος γύρω του. Οι περισσότερες από τις συνθέσεις του είδους χαρακτηρίζονται από ήρεμη αφήγηση και έλλειψη δραματουργίας. Μιλούν για τις δουλειές του σπιτιού της οικοδέσποινας του σπιτιού (αγορά φαγητού, φροντίδα παιδιών, χειροτεχνία), για τη διασκέδαση του Ολλανδού μπέργκερ (τραπουλόχαρτα, υποδοχή καλεσμένων, συναυλίες). Οι καλλιτέχνες απεικονίζουν όλα όσα συμβαίνουν στο σπίτι ενός πλούσιου κατοίκου της πόλης, αγνοώντας τη δημόσια πλευρά της ζωής ενός ανθρώπου.

Οι ζωγράφοι του είδους απολάμβαναν μεγάλη δημοτικότητα: ο G. Dow, του οποίου οι πίνακες πωλήθηκαν σε πολύ υψηλές τιμές, ο A. van Ostade, ο οποίος ζωγράφιζε σκηνές της αγροτικής ζωής ("Country Concert"), ο J. Sten, του οποίου τα αγαπημένα θέματα ήταν σκηνές διασκέδασης και διακοπές ("Merry Society" ), G. Terborch, του οποίου η χαριτωμένη ζωγραφική αντιπροσώπευε τη ζωή μιας πλούσιας οικογένειας μπιφτέκι ("Glass of Lemonade"), G. Metsu με την ευφυή αφήγησή του ("Sick Child"), P. de Hooch, που δημιούργησε στοχαστικούς λυρικούς καμβάδες («Η ερωμένη και ο υπηρέτης»).

Ο K. Fabricius, ο οποίος έζησε μια σύντομη ζωή (πέθανε στο Ντελφτ από την έκρηξη μιας πυριτιδαποθήκης), προσπάθησε να διευρύνει το εύρος του είδους του είδους. Ένα από τα καλύτερα έργα του είναι η Ανάσταση του Λαζάρου (περ. 1643), που ξεχωρίζει για τη δραματουργία και τη σχεδόν μνημειώδη εμβέλειά του. Αξιοσημείωτα είναι και τα πορτρέτα και οι αυτοπροσωπογραφίες του, τοποθετώντας τον καλλιτέχνη στο ίδιο επίπεδο με τον Φ. Χαλς και τον Ρέμπραντ.

Τραγική είναι η μοίρα του E. de Fabricius, ενός ταλαντούχου δεξιοτέχνη της εγχώριας σκηνής και των έργων που απεικονίζουν εσωτερικούς χώρους εκκλησιών («Market in the Port», «Interior with a Woman at the Harpsichord»). Ο καλλιτέχνης δεν επιδίωξε να ικανοποιήσει τα γούστα του αστικού κοινού, έτσι τα έργα του, τα οποία δεν είχαν επιτυχία με τους σύγχρονους, πουλήθηκαν για ελάχιστα χρήματα. Συχνά, ο Fabricius αναγκαζόταν να αποπληρώσει τα χρέη στους ιδιοκτήτες σπιτιού. Μια χειμωνιάτικη νύχτα του 1692, ένας εβδομήντα πέντε ετών καλλιτέχνης, που πέταξε έξω από το σπίτι του από τον ιδιοκτήτη, κρεμάστηκε στο κιγκλίδωμα μιας γέφυρας. Μια παρόμοια μοίρα ήταν χαρακτηριστική για πολλούς Ολλανδούς ζωγράφους που δεν ήθελαν να εγκαταλείψουν τις ρεαλιστικές παραδόσεις για να ευχαριστήσουν το κοινό.

Γιαν Βέρμερ Ντελφτ

Ένας εξέχων εκπρόσωπος της ολλανδικής ζωγραφικής είναι ο Γιαν Βέρμερ, με το παρατσούκλι Ντελφτ από τη γενέτειρά του και το έργο του. Ο ζωγράφος γεννήθηκε το 1623 στην οικογένεια ενός εμπόρου έργων ζωγραφικής και μεταξιού. Λίγα είναι γνωστά για τη ζωή του Βερμέερ. Ίσως δάσκαλός του ήταν ο Κ. Φαμπρίκιους. Το 1653 ο καλλιτέχνης έγινε μέλος της συντεχνίας του Αγίου Λουκά και παντρεύτηκε την κόρη ενός πλούσιου κατοίκου της πόλης Κατερίνα Μπόλνες. Στο Ντελφτ, ήταν σεβαστός και διάσημος, ζούσε σε ένα μεγάλο σπίτι που βρισκόταν στην πλατεία της αγοράς.

Ο Βερμέερ δούλεψε τους πίνακές του πολύ αργά και διεξοδικά, γράφοντας προσεκτικά κάθε λεπτομέρεια. Η ζωγραφική δεν μπορούσε να προσφέρει στην οικογένεια του καλλιτέχνη μια άνετη ζωή, αν και οι καμβάδες του γνώρισαν μεγάλη επιτυχία. Αυτός είναι πιθανώς ο λόγος που ο Βερμέερ άρχισε να εμπορεύεται έργα ζωγραφικής, συνεχίζοντας το έργο του πατέρα του.

Ήδη στα πρώτα έργα του Βερμέερ, εμφανίζεται ένας συνδυασμός ρεαλισμού και ορισμένης εξιδανίκευσης των εικόνων, χαρακτηριστικό του έργου του ("Diana with the Nymphs", "Christ with Martha and Mary" - και τα δύο μέχρι το 1656). Το επόμενο έργο - ο μεγάλος καμβάς "At the Pimp" (1656), γραμμένος σε μια πλοκή που χρησιμοποιείται από πολλούς ζωγράφους, διακρίνεται για την πρωτοτυπία εκτέλεσής του. Η συνηθισμένη καθημερινή σκηνή του καλλιτέχνη αποκτά μια σχεδόν μνημειώδη σημασία. Ο πίνακας ξεχωρίζει μεταξύ άλλων έργων με παρόμοιο θέμα για το τολμηρό του χρώμα, διατηρημένο σε καθαρά κίτρινα, κόκκινα, ασπρόμαυρα χρώματα και τη φωτεινή εκφραστικότητα των εικόνων.

Αργότερα, ο Βερμέερ στράφηκε σε συνθέσεις δωματίου παραδοσιακές για την ολλανδική ζωγραφική. Όπως και άλλοι Ολλανδοί δάσκαλοι, απεικονίζει γεγονότα που λαμβάνουν χώρα σε εύπορα σπίτια. Η αγαπημένη εικόνα του καλλιτέχνη είναι ένα κορίτσι που διαβάζει ένα γράμμα ή δοκιμάζει ένα κολιέ. Οι καμβάδες του αντιπροσωπεύουν απλές καθημερινές σκηνές: η υπηρέτρια δίνει στην ερωμένη της ένα γράμμα, ο κύριος φέρνει στην κυρία ένα ποτήρι κρασί. Αλλά αυτοί οι πίνακες, απλοί στη σύνθεση, εκπλήσσουν με την ακεραιότητα, την αρμονία και τον λυρισμό τους, οι εικόνες τους ελκύουν με τη φυσικότητα και την ήρεμη ποίησή τους.

Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1650. ο καλλιτέχνης δημιούργησε τα πιο αξιόλογα έργα του. Με μια ζεστή αίσθηση σημαδεύτηκαν τα βαθιά λυρικά «Sleeping Girl», «Glass of Wine», «Girl with a Letter». Πολλοί Ολλανδοί ζωγράφοι εκείνης της εποχής στους πίνακές τους απεικόνιζαν υπηρέτες απασχολημένους στη δουλειά, αλλά μόνο στην εικόνα μιας γυναίκας από τον λαό του Βερμέερ έχει χαρακτηριστικά γνήσιας ομορφιάς και μεγαλείου («Μια υπηρέτρια με μια κανάτα γάλα»).

Ο Βερμέερ είναι ένας πραγματικός βιρτουόζος στο να μεταφέρει την ουσία του κόσμου των πραγμάτων με τη βοήθεια εικονογραφικών μέσων. Οι νεκρές φύσεις στους πίνακές του εκτελούνται με μεγάλη δεξιοτεχνία. Ένα πιάτο με μήλα και δαμάσκηνα, που στέκεται σε ένα τραπέζι καλυμμένο με ένα τραπεζομάντιλο με σχέδια στον καμβά "Girl with a Letter", φαίνεται εκπληκτικά όμορφο και φυσικό.

Στον πίνακα «Η υπηρέτρια με μια κανάτα γάλα», το ψωμί και το γάλα, που ξεχύνονται από την κανάτα σε ένα πυκνό ρυάκι, απολαμβάνουν τη φρεσκάδα τους.

Το φως παίζει σημαντικό ρόλο στα έργα του Βερμέερ. Γεμίζει το χώρο των καμβάδων, δημιουργώντας την εντύπωση εξαιρετικής ευάερης φύσης. διαμορφώνει τα σχήματα και διεισδύει στα χρώματα, κάνοντάς τα να λάμπουν από μέσα. Χάρη σε αυτή την ποσότητα φωτός και αέρα δημιουργείται μια ιδιαίτερη συναισθηματική ανάταση των περισσότερων έργων του Βερμέερ.

Η αξιοσημείωτη δεξιοτεχνία του ζωγράφου εκδηλώθηκε στη ζωγραφική τοπίου. Μια μικρή γωνιά της πόλης, τυλιγμένη στην υγρή ατμόσφαιρα μιας συννεφιασμένης μέρας, αναπαράγει τη σαφή και λιτή σύνθεση «Οδός» (περ. 1658). Η πόλη, που πλένεται από τη βροχή, εμφανίζεται καθαρή και φρέσκια στον πίνακα "View of Delft" (μεταξύ 1658 και 1660). Οι ακτίνες του ήλιου διασχίζουν τα ευαίσθητα ασημένια σύννεφα, δημιουργώντας πολλές λαμπερές λάμψεις στην επιφάνεια του νερού. Ο ηχητικός χρωματισμός με τις λεπτές χρωματικές μεταβάσεις του δίνει στην εικόνα εκφραστικότητα και αρμονία.

Στη δεκαετία του 1660. Η ζωγραφική του Βερμέερ γίνεται πιο εκλεπτυσμένη και κομψή. Αλλάζει και η παλέτα, η οποία πλέον κυριαρχείται από ψυχρές πολύχρωμες αποχρώσεις («Κορίτσι με Πέρλα»). Οι κύριοι χαρακτήρες των καμβάδων είναι πλούσιες κυρίες και κύριοι που περιβάλλονται από πολυτελή αντικείμενα («Ερωτική επιστολή», περ. 1670).

Γιαν Βέρμερ Ντελφτ. Μια υπηρέτρια με μια κανάτα γάλα. Μεταξύ 1657 και 1660
Γιαν Βέρμερ Ντελφτ. Εργαστήριο ζωγράφου. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1665 g.

Στην τελευταία περίοδο της ζωής του Βερμέερ, τα έργα του γίνονται επιφανειακά και κάπως τραβηγμένα («Αλληγορία της πίστης»), και η παλέτα χάνει τον πλούτο και την ηχητικότητα της. Αλλά ακόμη και σε αυτά τα χρόνια, μεμονωμένα έργα του καλλιτέχνη εκπλήσσουν με την προηγούμενη εκφραστική τους δύναμη. Τέτοιο είναι το «Εργαστήρι του Ζωγράφου» (1665), στο οποίο ο Βερμέερ απεικόνιζε τον εαυτό του στη δουλειά, και οι πίνακες «Αστρονόμος» και «Γεωγράφος», που αιχμαλώτισαν τους επιστήμονες.

Η μοίρα του Βερμέερ, όπως και πολλών άλλων Ολλανδών δασκάλων, είναι τραγική. Στο τέλος της ζωής του, ο άρρωστος καλλιτέχνης, που είχε χάσει τους περισσότερους από τους πρώην πελάτες του, αναγκάστηκε να μεταφέρει την πολυμελή οικογένειά του από το παλιό του σπίτι σε μια φθηνότερη κατοικία. Τα τελευταία πέντε χρόνια, δεν έχει ζωγραφίσει ούτε έναν πίνακα. Ο ζωγράφος πέθανε το 1675. Η τέχνη του ξεχάστηκε για πολύ καιρό και μάλιστα μόλις στα μέσα του 19ου αιώνα. Ο Βέρμερ εκτιμήθηκε και τοποθετήθηκε στο ίδιο επίπεδο με ολλανδούς δασκάλους όπως ο Ρέμπραντ και ο Φ. Χαλς.

Η νίκη της αστικής επανάστασης στη Βόρεια Ολλανδία οδήγησε στο σχηματισμό του ανεξάρτητου κράτους της Δημοκρατίας των επτά ενωμένων επαρχιών της Ολλανδίας (που πήρε το όνομά της από την πιο σημαντική από αυτές τις επαρχίες). για πρώτη φορά σε μια από τις χώρες της Ευρώπης εγκαθιδρύθηκε ένα αστικό-ρεπουμπλικανικό σύστημα. Οι κινητήριες δυνάμεις της επανάστασης ήταν οι αγρότες και τα φτωχότερα στρώματα του αστικού πληθυσμού, αλλά τις κατακτήσεις της εκμεταλλεύτηκε η αστική τάξη που ήρθε στην εξουσία. Ωστόσο, τις πρώτες δεκαετίες μετά την εγκαθίδρυση της δημοκρατίας, οι δημοκρατικές παραδόσεις της επαναστατικής περιόδου ήταν ζωντανές. Το εύρος του εθνικοαπελευθερωτικού κινήματος, η άνοδος της αυτοσυνείδησης του λαού, η χαρά της απελευθέρωσης από τον ξένο ζυγό ένωσαν τα πιο ετερόκλητα στρώματα του πληθυσμού. Στη χώρα έχουν διαμορφωθεί οι συνθήκες για την ανάπτυξη των επιστημών και της τέχνης. Οι προοδευτικοί στοχαστές εκείνης της εποχής, ιδιαίτερα ο Γάλλος φιλόσοφος Ντεκάρτ, βρήκαν καταφύγιο εδώ και διαμορφώθηκε το ουσιαστικά υλιστικό φιλοσοφικό σύστημα του Σπινόζα. Τα υψηλότερα επιτεύγματα πέτυχαν οι καλλιτέχνες της Ολλανδίας. Ήταν οι πρώτοι στην Ευρώπη. απελευθερώθηκε από την καταπιεστική επιρροή των αυλικών κύκλων και της Καθολικής Εκκλησίας και δημιούργησε τέχνη που είναι δημοκρατική και ρεαλιστική άμεσα, αντικατοπτρίζοντας την κοινωνική πραγματικότητα.

Ένα ιδιαίτερο χαρακτηριστικό της ανάπτυξης της ολλανδικής τέχνης ήταν η σημαντική κυριαρχία μεταξύ όλων των τύπων ζωγραφικής της. Οι εικόνες κοσμούσαν τα σπίτια όχι μόνο των εκπροσώπων της άρχουσας ελίτ της κοινωνίας, αλλά και των φτωχών κτηνοτρόφων, τεχνιτών, αγροτών. πωλήθηκαν σε δημοπρασίες και εκθέσεις. μερικές φορές οι καλλιτέχνες τα χρησιμοποιούσαν ως μέσο πληρωμής λογαριασμών. Το επάγγελμα του καλλιτέχνη δεν ήταν σπάνιο, υπήρχαν πολλοί ζωγράφοι και ανταγωνίζονταν σκληρά μεταξύ τους. Η ραγδαία ανάπτυξη της ζωγραφικής εξηγήθηκε όχι μόνο από τη ζήτηση για πίνακες από όσους ήθελαν να διακοσμήσουν τα σπίτια τους με αυτούς, αλλά και βλέποντάς τους ως εμπόρευμα, ως μέσο κέρδους, ως πηγή κερδοσκοπίας. Έχοντας απαλλαγεί από τον άμεσο πελάτη της Καθολικής Εκκλησίας ή έναν ισχυρό φιλάνθρωπο-φεουδάρχη, ο καλλιτέχνης βρέθηκε απόλυτα εξαρτημένος από τις απαιτήσεις της αγοράς. Τα γούστα της αστικής κοινωνίας προκαθόρισαν τον δρόμο της ανάπτυξης της ολλανδικής τέχνης και οι καλλιτέχνες που τους εναντιώθηκαν, υπερασπίστηκαν την ανεξαρτησία τους σε θέματα δημιουργικότητας, βρέθηκαν απομονωμένοι, πέθαναν πρόωρα στη φτώχεια και τη μοναξιά. Επιπλέον, αυτοί ήταν, κατά κανόνα, οι πιο ταλαντούχοι δάσκαλοι. Αρκεί να αναφέρουμε τα ονόματα των Χαλς και Ρέμπραντ.

Το κύριο αντικείμενο της εικόνας για τους Ολλανδούς καλλιτέχνες ήταν η περιρρέουσα πραγματικότητα, η οποία ποτέ πριν δεν είχε αποτυπωθεί τόσο πλήρως στα έργα ζωγράφων άλλων εθνικών σχολών. Η έκκληση στις πιο διαφορετικές πτυχές της ζωής οδήγησε στην ενίσχυση των ρεαλιστικών τάσεων στη ζωγραφική, στην οποία την πρωταγωνιστική θέση κατέλαβε το είδος του είδους και του πορτρέτου, του τοπίου και της νεκρής φύσης. Όσο πιο αληθινά, όσο πιο βαθιά αντανακλούσαν οι καλλιτέχνες τον πραγματικό κόσμο που ανοίγεται μπροστά τους, τόσο πιο σημαντικά ήταν τα έργα τους. Φεστιβάλ Frans Hals Maslenitsa

Κάθε είδος είχε τις δικές του παραφυάδες. Έτσι, για παράδειγμα, μεταξύ των τοπιογράφων υπήρχαν θαλάσσιοι ζωγράφοι (που απεικονίζουν τη θάλασσα), ζωγράφοι που προτιμούσαν τη θέα των πεδιάδων ή των δασών, υπήρχαν δεξιοτέχνες που ειδικεύονταν σε χειμερινά τοπία και τοπία με σεληνόφως: μεταξύ των ζωγράφων του είδους, υπήρχαν καλλιτέχνες που απεικονίζουν αγρότες, μπέργκερ, σκηνές γιορτών και οικιακής ζωής, σκηνές κυνηγιού και αγορές. ήταν κύριοι των εσωτερικών εκκλησιών και διαφόρων τύπων νεκρών φύσεων «πρωινών», «επιδορπίων», «καταστημάτων» κ.λπ. Επηρεασμένοι από τους περιορισμούς της ολλανδικής ζωγραφικής, που περιόριζαν τον αριθμό των εργασιών που έπρεπε να επιλυθούν για τους δημιουργούς της. Ταυτόχρονα όμως, η συγκέντρωση του καθενός από τους καλλιτέχνες σε ένα συγκεκριμένο είδος συνέβαλε στην τελειοποίηση της δεξιοτεχνίας του ζωγράφου. Μόνο οι μεγαλύτεροι από τους Ολλανδούς καλλιτέχνες έχουν εργαστεί σε διάφορα είδη. Frans Hals Ομάδα παιδιών

Ο ιδρυτής του ολλανδικού ρεαλιστικού πορτρέτου ήταν ο Φρανς Χαλς (οκ :), του οποίου η καλλιτεχνική κληρονομιά με φρέσκια οξύτητα και δύναμη, αγκαλιάζοντας τον εσωτερικό κόσμο ενός ατόμου ξεπερνά κατά πολύ την εθνική ολλανδική κουλτούρα. Καλλιτέχνης με ευρεία οπτική, τολμηρός καινοτόμος, κατέστρεψε τους κανόνες του κτήματος (ευγενούς) πορτρέτου του 16ου αιώνα που είχε αναπτυχθεί πριν από αυτόν. Δεν τον ενδιέφερε ένα πρόσωπο που απεικονίζεται σύμφωνα με την κοινωνική του θέση σε μια μεγαλοπρεπή και επίσημη πόζα και τελετουργικό φόρεμα, αλλά για ένα άτομο με όλη τη φυσική του ουσία, χαρακτήρα, με τα συναισθήματα, τη διάνοια, τα συναισθήματά του.

Συνάντηση των αξιωματικών του λόχου του Αγίου Ανδριανού στο Χάρλεμ Στη γιορτή εκπροσωπούνται δυναμικοί άνθρωποι που συμμετείχαν ενεργά στον απελευθερωτικό αγώνα κατά των Ισπανών κατακτητών. Μια χαρούμενη διάθεση με μια νότα χιούμορ ενώνει αξιωματικούς διαφορετικών χαρακτήρων και τρόπων. Εδώ δεν υπάρχει πρωταγωνιστής. Όλοι οι παρόντες συμμετέχουν ισότιμα ​​στις διακοπές.

Ο Khals απεικόνιζε τους ήρωές του χωρίς εξωραϊσμό, με τους ασυνήθιστους τρόπους, την ισχυρή αγάπη για τη ζωή. Διεύρυνε το εύρος του πορτρέτου εισάγοντας στοιχεία πλοκής, αποτυπώνοντας το απεικονιζόμενο σε δράση, σε μια συγκεκριμένη κατάσταση ζωής, δίνοντας έμφαση στις εκφράσεις του προσώπου, τις χειρονομίες, τη στάση, που αποτυπώνονται άμεσα και με ακρίβεια. Ο καλλιτέχνης αναζήτησε τη συναισθηματική δύναμη και ζωντάνια των χαρακτηριστικών των εικονιζόμενων, τη μεταφορά της ακατανίκητης ενέργειας τους. Όχι μόνο αναμόρφωσε τα ατομικά έθιμα και τα ομαδικά πορτρέτα, αλλά ήταν ο δημιουργός ενός πορτρέτου που συνορεύει με το είδος της καθημερινής ζωής. Πότερ-μουσικός

Τα πορτρέτα του Khals ποικίλλουν σε θέματα και εικόνες. Αλλά οι απεικονιζόμενοι ενώνονται με κοινά χαρακτηριστικά: την ακεραιότητα της φύσης, την αγάπη για τη ζωή. Ο Χαλς είναι ένας ζωγράφος του γέλιου, ενός χαρούμενου, μολυσματικό χαμόγελο. Ο καλλιτέχνης αναβιώνει τα πρόσωπα των απλών ανθρώπων, των επισκεπτών σε ταβέρνες, των αγοριών του δρόμου με αστραφτερή χαρά. Οι χαρακτήρες του δεν αποσύρονται στον εαυτό τους, στρέφουν τα βλέμματα και τις χειρονομίες τους στον θεατή. Εύθυμη συντροφιά

Η εικόνα του «Τσιγγάνου» (περίπου, Παρίσι, Λούβρο) φουντώνει με μια ελεύθερη πνοή. Η Χαλς θαυμάζει την περήφανη θέση του κεφαλιού της σε ένα φωτοστέφανο από χνουδωτά μαλλιά, ένα σαγηνευτικό χαμόγελο, μια ζωηρή λάμψη των ματιών της, μια έκφραση ανεξαρτησίας. Το δονούμενο περίγραμμα της σιλουέτας, οι συρόμενες ακτίνες φωτός, τα τρεχούμενα σύννεφα, πάνω στα οποία απεικονίζεται ένας τσιγγάνος, γεμίζουν την εικόνα με τη συγκίνηση της ζωής.

Το πορτρέτο του Malle Babbe (αρχές x χρόνια, Berlin Dahlem, Art Gallery), του ξενοδόχου, που όχι τυχαία του δόθηκε το παρατσούκλι «μάγισσα του Χάρλεμ», εξελίσσεται σε μια σκηνή μικρού είδους. Μια άσχημη ηλικιωμένη γυναίκα με φλεγόμενο πονηρό βλέμμα, που γυρίζει απότομα και χαμογελάει πλατιά, σαν να απαντά σε κάποιον από τους θαμώνες της ταβέρνας της. Μια απαίσια κουκουβάγια απλώνεται σκυθρωπά στον ώμο της. Η οξύτητα του οράματος του καλλιτέχνη, η ζοφερή δύναμη και ζωντάνια της εικόνας που δημιούργησε είναι εντυπωσιακά. Η ασυμμετρία της σύνθεσης, η δυναμική, ο πλούτος της γωνιακής πινελιάς αυξάνουν το άγχος της σκηνής.

Τα μεταγενέστερα πορτρέτα του Χαλς βρίσκονται δίπλα στις πιο αξιόλογες δημιουργίες της παγκόσμιας ζωγραφικής πορτρέτων: στον ψυχολογισμό τους, πλησιάζουν τα πορτρέτα του μεγαλύτερου Ολλανδού ζωγράφου, Ρέμπραντ, ο οποίος, όπως ο Χαλς, επέζησε από τη δόξα της ζωής του, έχοντας έρθει σε σύγκρουση με τον εκφυλισμένο αστική ελίτ της ολλανδικής κοινωνίας. Αντιβασιλείς Γηροκομείου

Το πιο δημοφιλές είδος στην ολλανδική ζωγραφική ήταν το είδος, το οποίο καθόρισε σε μεγάλο βαθμό τους ιδιόρρυθμους τρόπους ανάπτυξής του σε σύγκριση με την τέχνη άλλων χωρών. Η έκκληση στις πιο διαφορετικές πτυχές της καθημερινής ζωής, η ποιητικότητά της οδήγησε στη διαμόρφωση διαφόρων τύπων ζωγραφικής του είδους. Η υψηλή ζωγραφική δεινότητα των δημιουργών τους, ο αισιόδοξος χαρακτήρας, ο απαλός λυρισμός τους δίνουν εκείνη τη γοητεία που δικαιολογεί την απεικόνιση των πιο ασήμαντων κινήτρων. Peter de Hooch Κοντά στη λινοντουλάπα

Ο Ολλανδός δεξιοτέχνης του μπαρόκ Peter de Hooch (Hooch) ήταν ένας από τους κορυφαίους εκπροσώπους της σχολής του Ντελφτ του 17ου αιώνα. Τα έργα του ζωγράφου είναι αφιερωμένα σε καθημερινά, μικρά εξαιρετικά γεγονότα της ήσυχης, ήρεμης ζωής μιας οικογένειας μπέργκερ. Οι εσωτερικοί χώροι είναι προσεγμένες αυλές ή τακτοποιημένα δωμάτια. Οι πίνακες του Hoch χαρακτηρίζονται από ένα εξαιρετικό ακριβές σχέδιο με ήρεμο χρώμα και διακριτικές χρωματικές πινελιές. Ο πλοίαρχος είχε μια εκπληκτική ικανότητα να συλλαμβάνει τη "στιγμή της ύπαρξης" - μια συζήτηση σταμάτησε για μια στιγμή, κάποιου είδους δράση. Αυτή η ικανότητα κάνει τους πίνακες του Hoch ελκυστικούς, δημιουργώντας μια αίσθηση μυστηρίου, αν και δεν φαίνεται, όπως φαίνεται, τίποτα ασυνήθιστο στην εικόνα. Αυτή η αντίληψη για τη ζωγραφική του Χοχ διευκολύνεται και από τη βιρτουόζικη ρεαλιστική του δεινότητα, ικανή να μετατρέψει την καθημερινότητα σε ενδιαφέρον θέαμα.

Ένα βαθύ ποιητικό συναίσθημα, το άψογο γούστο, ο λεπτός χρωματισμός καθορίζουν το έργο των πιο εξαιρετικών δασκάλων της ζωγραφικής του είδους, του τρίτου μετά τον Hals και τον Rembrandt, του μεγάλου Ολλανδού ζωγράφου Jan Vermeer Delft (). Διαθέτοντας ένα εκπληκτικά οξυδερκές μάτι, φιλιγκράν τεχνική, πέτυχε την ποίηση, την ακεραιότητα και την ομορφιά της εικονιστικής λύσης, δίνοντας μεγάλη προσοχή στη μετάδοση του περιβάλλοντος φωτός-αέρα. Η καλλιτεχνική κληρονομιά του Βερμέερ είναι σχετικά μικρή, καθώς δούλευε σε κάθε πίνακα αργά και με εξαιρετική φροντίδα. Για να κερδίσει χρήματα, ο Βερμέερ αναγκάστηκε να εμπορεύεται έργα ζωγραφικής.

Για τον Βερμέερ, ο άνθρωπος είναι αχώριστος από τον ποιητικό κόσμο, τον οποίο θαυμάζει ο καλλιτέχνης και που βρίσκει μια τόσο ιδιόμορφη διάθλαση στις δημιουργίες του, ενσαρκώνοντας με τον δικό τους τρόπο την ιδέα της ομορφιάς, τη μετρημένη ήρεμη ροή της ζωής και την ευτυχία του ανθρώπου. . Ιδιαίτερα αρμονικό και καθαρό στη σύνθεση "Girl with a Letter" (τέλη δεκαετίας 1650, Δρέσδη, Πινακοθήκη), ένας πίνακας κορεσμένος με αέρα και φως, διατηρημένος σε μπρονζοπράσινους, κοκκινωπούς, χρυσούς τόνους, μεταξύ των οποίων κυριαρχούν τα κίτρινα και μπλε χρώματα λάμψης σε πρώτο πλάνο νεκρή φύση.

Αβίαστα σίγουρη για τις κινήσεις της, γοητευτική και φυσική, μια γυναίκα από τους ανθρώπους στον πίνακα «Η υπηρέτρια με μια κανάτα γάλα» είναι εμποτισμένη με λαμπερή αισιοδοξία και αναπλάθει την ιδιαίτερη, ποιητική ατμόσφαιρα της καθημερινότητας. Η εμφάνιση μιας νεαρής γυναίκας αναπνέει με υγιή δύναμη, ηθική καθαρότητα. τα αντικείμενα που την περιβάλλουν είναι γραμμένα με εκπληκτική αυθεντικότητα, η απαλότητα του φρέσκου ψωμιού, η λεία επιφάνεια της κανάτας, το πάχος του γάλακτος που χύνεται φαίνεται να είναι χειροπιαστά. Εδώ, όπως και σε πολλά άλλα έργα του Βερμέερ, το εκπληκτικό του χάρισμα εκδηλώνεται να αισθάνεται και να μεταδίδει διακριτικά τη ζωή των πραγμάτων, τον πλούτο και την ποικιλία των μορφών πραγματικών αντικειμένων, τη δόνηση του φωτός και του αέρα γύρω τους.

Η εκπληκτική δεξιοτεχνία του Βερμέερ βρίσκεται και σε δύο τοπία που ζωγράφισε, τα οποία ανήκουν στα υπέροχα δείγματα αυτού του είδους ζωγραφικής, όχι μόνο στην ολλανδική, αλλά και στην παγκόσμια τέχνη. Το κίνητρο του "Ulichka", ή μάλλον, του μικρού του τμήματος, με την πρόσοψη ενός σπιτιού από τούβλα, που απεικονίζεται μια γκρίζα, συννεφιασμένη μέρα, είναι εξαιρετικά απλό. Η υλική απτή κάθε αντικειμένου, η πνευματικότητα κάθε λεπτομέρειας, εκπλήσσει.

Το «View of the City of Delft» έχει εντελώς διαφορετικό χαρακτήρα.Ο καλλιτέχνης κοιτάζει τη γενέτειρά του μια καλοκαιρινή μέρα μετά τη βροχή. Οι ακτίνες του ήλιου αρχίζουν να διαπερνούν τα υγρά ασημένια σύννεφα, και ολόκληρη η εικόνα αστράφτει και αστράφτει με πολλές πολύχρωμες αποχρώσεις και αντανακλάσεις φωτός, και ταυτόχρονα αιχμαλωτίζει με ακεραιότητα και ποιητική ομορφιά.

Οι αρχές του ολλανδικού ρεαλιστικού τοπίου διαμορφώθηκαν κατά το πρώτο τρίτο του 17ου αιώνα. Αντί για συμβατικούς κανόνες και εξιδανικευμένη, εφευρεμένη φύση στους πίνακες των δασκάλων της ιταλικής τάσης, οι δημιουργοί του ρεαλιστικού τοπίου στράφηκαν στην απεικόνιση της πραγματικής φύσης της Ολλανδίας με τους αμμόλοφους και τα κανάλια, τα σπίτια και τα χωριά της. Όχι μόνο αποτύπωσαν τον χαρακτήρα της περιοχής με όλα τα σημάδια, δημιουργώντας χαρακτηριστικά κίνητρα του εθνικού τοπίου, αλλά προσπάθησαν να μεταδώσουν την ατμόσφαιρα της εποχής, τον υγρό αέρα και τον χώρο. Αυτό συνέβαλε στην ανάπτυξη της τονικής ζωγραφικής, στην υποταγή όλων των στοιχείων της εικόνας σε έναν μόνο τόνο.

Ο εξαιρετικός τοπιογράφος της Ολλανδίας ήταν ο Jacob van Ruisdael (1628/291682), ο οποίος ενέπνευσε τα τοπία του με μεγάλα προσωπικά συναισθήματα και εμπειρίες. Όπως και άλλοι μεγάλοι Ολλανδοί καλλιτέχνες, δεν έκανε παραχωρήσεις στα γούστα των αστών πελατών, παραμένοντας πάντα ο ίδιος. Ο Ruisdael δεν περιορίστηκε σε ορισμένα θέματα της εικόνας. Η γκάμα των μοτίβων του τοπίου είναι πολύ μεγάλη: θέα σε χωριά, πεδιάδες και αμμόλοφους, δασικούς βάλτους και θάλασσα, που απεικονίζονται με τον πιο διαφορετικό καιρό και διαφορετικές εποχές. Χειμερινές σκηνές

Η δημιουργική ωριμότητα του καλλιτέχνη πέφτει στα μέσα του 17ου αιώνα. Αυτή την εποχή δημιουργεί έργα γεμάτα βαθύ δράμα, μεταφέροντας την εσωτερική ζωή της φύσης: «View of the Egmond Village», «Forest Swamp», «Jewish Cemetery» που με τον συγκρατημένο, ζοφερό χρωματισμό τους, τη μνημειοποίηση μορφών και κατασκευών. , ανταποκρίθηκε στις εμπειρίες του καλλιτέχνη. Πετυχαίνει τη μεγαλύτερη συναισθηματική δύναμη και βάθος φιλοσοφικού νοήματος στην απεικόνιση ενός εβραϊκού νεκροταφείου με τις λευκές επιτύμβιες στήλες και τα ερείπια, με ένα αφρισμένο ρεύμα, μαραμένα κλαδιά δέντρου που φωτίζονται από μια αστραπή που φωτίζει το φρέσκο ​​πράσινο ενός νεαρού βλαστάρι. Έτσι, η ιδέα μιας αιώνια ανανεωτικής ζωής που ξεσπά μέσα από όλες τις καταιγίδες και τις καταστροφικές δυνάμεις κερδίζει σε αυτόν τον ζοφερό διαλογισμό.

Μαζί με τη ζωγραφική τοπίου, η νεκρή φύση, η οποία διακρινόταν από έναν οικείο χαρακτήρα, διαδόθηκε ευρέως στην Ολλανδία. Οι Ολλανδοί καλλιτέχνες επέλεξαν μια μεγάλη ποικιλία αντικειμένων για τις νεκρές φύσεις τους, ήξεραν πώς να τα τακτοποιήσουν τέλεια, να αποκαλύψουν τα χαρακτηριστικά κάθε αντικειμένου και την εσωτερική του ζωή, άρρηκτα συνδεδεμένη με την ανθρώπινη ζωή. Ο Peter Claesz (ok) και ο Willem Heda (/ 82) έγραψαν πολλές παραλλαγές του "πρωινού", που απεικονίζουν ζαμπόν, καφέ ρολά, πίτες βατόμουρου, εύθραυστα ποτήρια γυαλιού, μισογεμάτα με κρασί στο τραπέζι, μεταφέροντας το χρώμα, τον όγκο, την υφή του καθενός. αντικείμενο με εκπληκτική δεξιοτεχνία. Peter Klas Νεκρή φύση με ένα χρυσό ποτήρι.

Στην Ολλανδία του 17ου αιώνα. το είδος της νεκρής φύσης έχει γίνει ευρέως διαδεδομένο. Οι αισθητικές αρχές της νεκρής φύσης ήταν μάλλον συντηρητικές: η οριζόντια μορφή του καμβά, η κάτω άκρη του τραπεζιού με την απεικονιζόμενη φύση είναι αυστηρά παράλληλη με το πλαίσιο. Οι πτυχές στο τραπεζομάντιλο της τραπεζαρίας, κατά κανόνα, πήγαιναν σε παράλληλες γραμμές, αντίθετα με τους νόμους της προοπτικής, στο βάθος του καμβά. τα αντικείμενα βλέπονταν από ψηλή σκοπιά (για να είναι πιο εύκολο να τα αποτυπώσεις όλα με μια ματιά), βρίσκονταν σε μια γραμμή ή σε κύκλο και πρακτικά δεν άγγιζαν Heda Willem Claes Πρωινό με καβούρι

Η Heda Willem Claes Still Life with the Gold Cup of Heda και ο σημαντικός Peter Claes είναι οι πιο σημαντικοί εκπρόσωποι αυτού του είδους νεκρής φύσης στην Ολλανδία. Οι δύο τεχνίτες του Χάρλεμ συχνά συγκρίνονται. Και οι δύο δημιούργησαν σεμνά «πρωινά» με ένα απλό σύνολο απλών αντικειμένων. Ο Kheda και ο Klas έχουν κοινούς πρασινωπό-γκρι ή καφέ τόνους, αλλά τα έργα του Kheda είναι συνήθως πιο προσεκτικά φινιρισμένα και το γούστο του είναι πιο αριστοκρατικό, το οποίο εκδηλώθηκε στην επιλογή των αντικειμένων που απεικονίζονται: ασημένια και όχι τσίγκινα σκεύη, στρείδια και όχι ρέγγα, κλπ. ΝΣ.

Ολλανδία. 17ος αιώνας. Η χώρα βιώνει μια πρωτόγνωρη ακμή. Η λεγόμενη «Χρυσή Εποχή». Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν την ανεξαρτησία τους από την Ισπανία.

Τώρα η Prostane Netherlands πήρε το δικό της δρόμο. Και η Καθολική Φλάνδρα (σημερινό Βέλγιο), υπό την πτέρυγα της Ισπανίας, είναι δική της.

Στην ανεξάρτητη Ολλανδία, σχεδόν κανείς δεν χρειαζόταν θρησκευτική ζωγραφική. Η Προτεσταντική Εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτέλεια της διακόσμησης. Αλλά αυτή η περίσταση «έπαιξε στα χέρια» της κοσμικής ζωγραφικής.

Κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας ξύπνησε για να αγαπήσει αυτή τη μορφή τέχνης. Οι Ολλανδοί ήθελαν να δουν τη δική τους ζωή στους πίνακες. Και οι καλλιτέχνες πήγαν πρόθυμα να τους συναντήσουν.

Ποτέ πριν δεν απεικόνισαν τόσο πολύ τη γύρω πραγματικότητα. Απλοί άνθρωποι, συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό των κατοίκων της πόλης.

Ο ρεαλισμός άνθισε. Μέχρι τον 20ο αιώνα θα είναι άξιος ανταγωνιστής του ακαδημαϊσμού με τις νύμφες και τις Ελληνίδες θεές του.

Αυτοί οι καλλιτέχνες ονομάζονται «μικροί» Ολλανδοί. Γιατί; Οι πίνακες ήταν μικροί σε μέγεθος, γιατί δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλοι οι πίνακες του Γιαν Βερμέερ δεν έχουν ύψος πάνω από μισό μέτρο.

Αλλά η άλλη εκδοχή μου αρέσει περισσότερο. Στην Ολλανδία τον 17ο αιώνα έζησε και δούλεψε ένας μεγάλος δάσκαλος, ο «μεγάλος» Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι ήταν «μικροί» σε σύγκριση με αυτόν.

Μιλάμε φυσικά για τον Ρέμπραντ. Ας ξεκινήσουμε με αυτόν.

1. Ρέμπραντ (1606-1669)

Ρέμπραντ. Αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών. 1669 Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου

Ο Ρέμπραντ είχε την ευκαιρία να βιώσει το μεγαλύτερο εύρος συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο υπάρχει τόσο πολύ κέφι και γενναιοδωρία στα πρώτα του έργα. Και υπάρχουν τόσα δύσκολα συναισθήματα στα μεταγενέστερα.

Εδώ είναι νέος και ανέμελος στον πίνακα Ο Άσωτος Υιός σε μια Ταβέρνα. Στα γόνατά μου είναι η αγαπημένη μου σύζυγος Saskia. Είναι ένας δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες ρέουν σαν ποτάμι.

Ρέμπραντ. Ο άσωτος γιος στην ταβέρνα. 1635 Old Masters Gallery, Δρέσδη

Όλα αυτά όμως θα εξαφανιστούν σε καμιά 10ετία. Η Saskia θα πεθάνει από την κατανάλωση. Η δημοτικότητα θα διαλυθεί σαν καπνός. Ένα μεγάλο σπίτι με μοναδική συλλογή θα αφαιρεθεί για χρέη.

Θα εμφανιστεί όμως ο ίδιος Ρέμπραντ, που θα μείνει για αιώνες. Γυμνά συναισθήματα ηρώων. Οι ενδόμυχες σκέψεις τους.

2. Φρανς Χαλς (1583-1666)

Φρανς Χαλς. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

Ο Φρανς Χαλς είναι ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορτρέτων όλων των εποχών. Επομένως, θα τον κατατάξω και στους «μεγάλους» Ολλανδούς.

Στην Ολλανδία εκείνη την εποχή ήταν συνηθισμένο να παραγγέλνουν ομαδικά πορτρέτα. Έτσι εμφανίστηκαν πολλά παρόμοια έργα, που απεικονίζουν ανθρώπους να συνεργάζονται: σκοπευτές από την ίδια συντεχνία, γιατροί από την ίδια πόλη, να διαχειρίζονται ένα γηροκομείο.

Σε αυτό το είδος, ο Χαλς ξεχωρίζει περισσότερο. Εξάλλου, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα έμοιαζαν με τράπουλα. Άνθρωποι με την ίδια έκφραση προσώπου κάθονται στο τραπέζι και κοιτάζουν. Με τον Χαλς ήταν διαφορετικά.

Δείτε το ομαδικό του πορτρέτο του St. Γεώργιος ".

Φρανς Χαλς. Βέλη της συντεχνίας του αγ. Γεώργιος. 1627 Μουσείο Φρανς Χαλς, Χάρλεμ, Ολλανδία

Εδώ δεν θα βρείτε ούτε μία επανάληψη στη στάση ή την έκφραση του προσώπου. Επιπλέον, εδώ δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται περιττός. Χάρη στην εκπληκτικά σωστή τοποθέτηση των φιγούρων.

Και σε ένα μόνο πορτρέτο, ο Khals ήταν ανώτερος από πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοτίβα του είναι φυσικά. Άνθρωποι από την υψηλή κοινωνία στους πίνακές του στερούνται επινοημένου μεγαλείου και τα μοντέλα από τα κατώτερα στρώματα δεν φαίνονται ταπεινωμένα.

Και επίσης οι χαρακτήρες του είναι πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν, χειρονομούν. Όπως, για παράδειγμα, αυτό είναι «Τσιγγάνος» με πονηρό βλέμμα.

Φρανς Χαλς. Αθίγγανος. 1625-1630

Ο Χαλς, όπως και ο Ρέμπραντ, τελείωσε τη ζωή του στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του πήγαινε κόντρα στα γούστα των πελατών. Που ήθελαν να στολίσουν την εμφάνισή τους. Ο Khals δεν πήγε σε καθαρή κολακεία και έτσι υπέγραψε τη δική του πρόταση - "Oblivion".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Mauritshuis Royal Gallery, Χάγη, Ολλανδία

Ο Terborch ήταν κύριος του είδους του είδους. Οι πλούσιοι και όχι τόσο μπέργκερ μιλάνε χαλαρά, οι κυρίες διαβάζουν τα γράμματα και ο μαστροπός παρακολουθεί την ερωτοτροπία. Δύο ή τρεις φιγούρες σε κοντινή απόσταση.

Ήταν αυτός ο δάσκαλος που ανέπτυξε τους κανόνες του καθημερινού είδους. Το οποίο στη συνέχεια θα δανειστούν οι Jan Vermeer, Peter de Hooch και πολλοί άλλοι «μικροί» Ολλανδοί.

Gerard Terborch. Ένα ποτήρι λεμονάδα. δεκαετία του 1660. Κρατικό Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Το A Glass of Lemonade είναι ένα από τα διάσημα έργα του Terborch. Δείχνει μια άλλη αξιοπρέπεια του καλλιτέχνη. Μια απίστευτα ρεαλιστική εικόνα του υφάσματος του φορέματος.

Ο Terborch έχει επίσης ασυνήθιστα έργα. Κάτι που μιλά για την επιθυμία του να ξεπεράσει τις απαιτήσεις των πελατών.

Το Grinder του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων ανθρώπων στην Ολλανδία. Έχουμε συνηθίσει να βλέπουμε φιλόξενες αυλές και καθαρά δωμάτια στους πίνακες «μικρών» Ολλανδών. Όμως ο Τέρμπορχ τόλμησε να δείξει την αντιαισθητική Ολλανδία.

Gerard Terborch. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κρατικά μουσεία στο Βερολίνο

Όπως μπορείτε να φανταστείτε, τέτοια έργα δεν είχαν ζήτηση. Και είναι σπάνιο φαινόμενο ακόμη και με τον Terborch.

4. Γιαν Βερμέερ (1632-1675)

Γιαν Βερμέερ. Εργαστήρι καλλιτέχνη. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Το πώς έμοιαζε ο Jan Vermeer δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα. Είναι προφανές μόνο ότι στον πίνακα «The Artist's Workshop» απεικόνιζε τον εαυτό του. Η αλήθεια από πίσω.

Ως εκ τούτου, είναι εκπληκτικό ότι πρόσφατα έγινε γνωστό ένα νέο γεγονός από τη ζωή του πλοιάρχου. Συνδέεται με το αριστούργημά του «Οδός Ντελφτ».

Γιαν Βερμέερ. Οδός Ντελφτ. 1657 Rijksmuseum στο Άμστερνταμ

Αποδείχθηκε ότι τα παιδικά χρόνια του Βερμέερ πέρασαν σε αυτόν τον δρόμο. Το σπίτι που απεικονίζεται ανήκε στη θεία του. Σε αυτό μεγάλωσε τα πέντε παιδιά της. Ίσως κάθεται στο κατώφλι και ράβει και τα δύο παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ο Βερμέερ έμενε στο απέναντι σπίτι.

Πιο συχνά όμως απεικόνιζε το εσωτερικό αυτών των σπιτιών και τους κατοίκους τους. Φαίνεται ότι οι πλοκές των πινάκων είναι πολύ απλές. Εδώ είναι μια όμορφη κυρία, μια πλούσια κάτοικος της πόλης, που ελέγχει τη δουλειά της ζυγαριάς της.

Γιαν Βερμέερ. Γυναίκα με βάρη. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον

Πώς ξεχώρισε ο Βερμέερ ανάμεσα σε χιλιάδες άλλους «μικρούς» Ολλανδούς;

Ήταν ο απόλυτος κύριος του φωτός. Στον πίνακα «Γυναίκα με βάρη», το φως τυλίγει απαλά το πρόσωπο, τα υφάσματα και τους τοίχους της ηρωίδας. Δίνοντας στην εικόνα μια άγνωστη πνευματικότητα.

Και επίσης οι συνθέσεις των πινάκων του Vermeer επαληθεύονται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε ούτε μια περιττή λεπτομέρεια. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η εικόνα "θρυμματίζεται" και η μαγεία θα φύγει.

Όλα αυτά δεν ήταν εύκολα για τον Βερμέερ. Μια τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούσε επίπονη δουλειά. Μόνο 2-3 πίνακες το χρόνο. Ως αποτέλεσμα, η αδυναμία σίτισης της οικογένειας. Ο Βερμέερ εργάστηκε επίσης ως έμπορος έργων τέχνης, πουλώντας έργα άλλων καλλιτεχνών.

5. Peter de Hooch (1629-1884)

Πήτερ ντε Χουχ. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Ο Χόχα συγκρίνεται συχνά με τον Βερμέερ. Δούλευαν ταυτόχρονα, υπήρξε μάλιστα περίοδος στην ίδια πόλη. Και σε ένα είδος - καθημερινό. Στο Hoch, βλέπουμε επίσης μία ή δύο φιγούρες σε άνετες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.

Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν τον χώρο των πινάκων του πολυεπίπεδο και διασκεδαστικό. Και οι μορφές είναι εγγεγραμμένες σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στον πίνακα του «Μια υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή».

Πήτερ ντε Χουχ. Μια υπηρέτρια με μια κοπέλα στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου

Μέχρι τον 20ο αιώνα, ο Χο είχε μεγάλη εκτίμηση. Όμως τα λίγα έργα του ανταγωνιστή του Βερμέερ, λίγοι τα παρατήρησαν.

Αλλά στον 20ο αιώνα, όλα άλλαξαν. Η δόξα του Χο έσβησε. Ωστόσο, είναι δύσκολο να μην αναγνωρίσεις τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική. Λίγοι άνθρωποι θα μπορούσαν να συνδυάσουν τόσο καλά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.

Πήτερ ντε Χουχ. Οι παίκτες καρτών στο ηλιόλουστο δωμάτιο. 1658 Βασιλική Συλλογή Τέχνης, Λονδίνο

Σημειώστε ότι σε ένα λιτό σπίτι, ο καμβάς "Card Players" κρεμάει μια εικόνα σε ένα ακριβό πλαίσιο.

Αυτό δείχνει για άλλη μια φορά πόσο δημοφιλής ήταν η ζωγραφική στους απλούς Ολλανδούς. Εικόνες κοσμούσαν κάθε σπίτι: το σπίτι ενός πλούσιου κτηνοτρόφου, ενός σεμνού κατοίκου της πόλης, ακόμη και ενός αγρότη.

6. Jan Steen (1626-1679)

Γιαν Στεν. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. δεκαετία του 1670 Μουσείο Thyssen-Bornemisza, Μαδρίτη

Ο Jan Steen είναι ίσως ο πιο αστείος «μικρός» Ολλανδός. Αγαπώντας όμως την ηθική. Συχνά απεικόνιζε ταβέρνες ή φτωχικά σπίτια στα οποία κυριαρχούσε η κακία.

Οι κύριοι χαρακτήρες του είναι γλεντζέδες και κυρίες της εύκολης αρετής. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποιούσε λανθασμένα για μια φαύλο ζωή.

Γιαν Στεν. Ενα χάλι. 1663 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Ο Sten έχει και πιο αθόρυβα έργα. Όπως, για παράδειγμα, η «Πρωινή τουαλέτα». Αλλά και εδώ, ο καλλιτέχνης εκπλήσσει τον θεατή με πολύ ειλικρινείς λεπτομέρειες. Υπάρχουν ίχνη ελαστικού στις κάλτσες, και όχι ένα άδειο δοχείο θαλάμου. Και κάπως έτσι ο σκύλος είναι ξαπλωμένος ακριβώς στο μαξιλάρι.

Γιαν Στεν. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Όμως, παρά την επιπολαιότητα, οι χρωματικοί συνδυασμοί του Sten είναι πολύ επαγγελματικοί. Σε αυτό ξεπέρασε πολλούς «μικρούς Ολλανδούς». Δείτε πώς ταιριάζει μια κόκκινη κάλτσα με ένα μπλε σακάκι και ένα έντονο μπεζ χαλί.

7. Jacobs van Ruisdael (1629-1882)

Το πορτρέτο του Ruisdael. Λιθογραφία από βιβλίο του 19ου αιώνα.