Διακοσμητικές και εφαρμοσμένες τέχνες και μουσική του 18ου αιώνα. Διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη του 18ου - πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα Ρωσική διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη του 18ου αιώνα εν συντομία

Ανάπτυξη τεχνών και χειροτεχνίαςσυνέβαλε στη βελτίωση της τεχνικής της βιοτεχνίας και της βιοτεχνικής παραγωγής, στη γέννηση της καλλιτεχνικής βιομηχανίας (παραγωγή ταπετσαριών, γυαλιού τέχνης, φαγεντιανής, κοπής πέτρας, παραγωγή μεταξιού και υφάσματος), κατασκευή ειδών μόδας, είδη πολυτελείας, ανακάλυψη και ανάπτυξη κοιτασμάτων χαλκού, κασσίτερου, αργύρου, έγχρωμης πέτρας, αργίλων υψηλής ποιότητας.

Ο ρόλος της Ακαδημίας Επιστημών στην «ευημερία των ελεύθερων τεχνών και των βιοτεχνιών», αντανακλώντας νέες φυσικές επιστήμες και τεχνικά ενδιαφέροντα στις τέχνες και τη χειροτεχνία, είναι σημαντικός. Στο πρώτο μισό του 18ου αιώνα, νέες μορφές εκπαίδευσης και κατάρτισης δασκάλων εμφανίστηκαν στα καλλιτεχνικά εργοστάσια. υπάρχουν βιοτεχνικές οργανώσεις τεχνιτών στη Ρωσία, γεγονός που δεν αναιρεί την ευρεία διανομή ξένων τεχνιτών σε διάφορους τομείς των τεχνών και της χειροτεχνίας.

Στη διακοσμητική και εφαρμοσμένη τέχνη (εσωτερικά είδη, έπιπλα, διακόσμηση), η μόδα υπαγορεύει ενεργά το στυλ. Ως αποτέλεσμα, εμφανίζονται νέοι τύποι αντικειμένων, οι αισθητικές ιδέες σε τέχνες και χειροτεχνίες ενημερώνονται. Στις διακοσμητικές και εφαρμοσμένες τέχνες των μέσων του 18ου αιώνα, υπάρχει μια τάση για σύνθεση τεχνών, όπου η αρχιτεκτονική, η γλυπτική, η ζωγραφική και οι εφαρμοσμένες χειροτεχνίες συγχωνεύονται σε ένα διακοσμητικό σύνολο.

Ως αποτέλεσμα, η τέχνη της εσωτερικής διακόσμησης γίνεται ένα ιδιαίτερο είδος καλλιτεχνικής δραστηριότητας στο έργο των αρχιτεκτόνων του 18ου αιώνα. Αυτός ο τύπος καλλιτεχνικής δραστηριότητας καθορίζει την εμφάνιση νέων τύπων χώρων (γραφεία, τελετές, υπνοδωμάτια, σαλόνια, "δωμάτια εικόνων") και το περιεχόμενό τους (Summer Palace, A.D. Menshikov's Palace, Peterhof Grand Palace, Monplaisir).

Όλα αυτά συμβάλλουν στην ανάπτυξη της επιχείρησης επίπλων, εμφανίζονται νέοι τύποι και μορφές επίπλων, υλικά και μέθοδοι διακόσμησής τους. Η επιρροή των αγγλικών και ολλανδικών επίπλων είναι πολύ έντονη εδώ. Υπό την επιρροή της Ευρώπης, ακόμη και το μπαρόκ και το ροκοκό στυλ στα έπιπλα διαμορφώνεται στη Ρωσία.

Τα έπιπλα κλασικισμού έχουν χαρακτηριστικό χαρακτήρα και σχήμα. Σε μεγάλο βαθμό, μοτίβα αντίκες εντοπίζονται στις μορφές και τη διακόσμηση των επίπλων. Στα μέσα του 18ου αιώνα, οι αρχιτέκτονες συμμετείχαν στην ανάπτυξη νέων τύπων επίπλων, η τέχνη επίπλων εμφανίστηκε στη Ρωσία και τα έπιπλα σχεδιαστών (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα εμφανίζονται τα πρώτα εργαστήρια επίπλων (εργαστήριο των G. Gambs και I. Ott). Για αυτήν την περίοδο, το στυλ του "jacob" είναι χαρακτηριστικό στην τέχνη του επίπλου. Μέχρι το δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, τα υλικά στην τέχνη των επίπλων άλλαζαν: εδώ εμφανίστηκαν μαόνι, επιχρυσωμένο ξύλο, λεύκα, σημύδα Καρελίας. Όλο και περισσότερα υφάσματα και κεντήματα χρησιμοποιούνται στην κατασκευή επίπλων.

Η κεραμική και η φαγεντιανή κατέχουν ιδιαίτερη θέση στις τέχνες και τις χειροτεχνίες. Αυτό οφείλεται κυρίως στην επέκταση των εισαγωγών πήλινων προϊόντων από την Αγγλία και την Ολλανδία. Ωστόσο, σύντομα το πρώτο ιδιωτικό εργοστάσιο του A. Grebenshchikov εμφανίστηκε στη Μόσχα, φτιάχνοντας ρωσική εκλεκτή φαγεντιανή. Αργότερα, διαμορφώθηκε το στυλ των τελετουργικών πιάτων του παλατιού με ματ γκραβούρα και εξαπλώθηκε η μόδα για το κρύσταλλο ως αντικείμενο εσωτερικού χώρου. Αυτό συνεπάγεται το άνοιγμα του πρώτου ιδιωτικού εργοστασίου γυαλιού και κρυστάλλων του Maltsov στην περιοχή Mozhaisky.

Τον 18ο αιώνα, λόγω της αυξανόμενης δημοτικότητας των τεχνών και των χειροτεχνιών, της διακόσμησης των δωματίων, αυξήθηκε η κατανάλωση γυαλιού, το οποίο χρησιμοποιείται για τη δημιουργία μιας ποικιλίας καθρεφτών και φωτιστικών.

Γλυπτική και ζωγραφική του δεύτερου μισού του 18ου αιώνα

Σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη της ζωγραφικής τον 18ο αιώνα διαδραμάτισε ο δημιουργία Βλαντιμίρ Λούκιτς Μποροβικόφσκι. Παρά το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης δεν ήταν επίσημα καταχωρημένος ως φοιτητής της Ακαδημίας, αναμφίβολα ακολούθησε τις συμβουλές των δασκάλων της και, κυρίως, του Λεβίτσκι. Το φυσικό ταλέντο και η σιδερένια επιμονή του νεαρού καλλιτέχνη οδήγησαν σύντομα στον Μποροβικόφσκι να γίνει ένας από τους πρώτους δασκάλους του τέλους του 18ου αιώνα. Δημιούργησε μια σειρά από εξαιρετικά πορτρέτα των συγχρόνων του, μεταξύ των οποίων οι G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova και πολλοί άλλοι. Το συνεχές ενδιαφέρον για τις συναισθηματικές εμπειρίες ενός ατόμου, ο τονισμένος λυρισμός και ο στοχασμός, καλυμμένοι με μια ομίχλη συναισθηματισμού, τόσο χαρακτηριστικό της εποχής, είναι χαρακτηριστικά των περισσότερων έργων του Borovikovsky. Ο καλλιτέχνης δεν ακολούθησε ποτέ τον εξωτερικό, επιφανειακό χαρακτηρισμό της εικόνας, προσπαθώντας συνεχώς να μεταφέρει τις πιο λεπτές συναισθηματικές κινήσεις των εικονιζόμενων προσώπων.

Στο έργο του επικρατεί ένα πορτρέτο δωματίου. Ο Borovikovsky επιδιώκει να επιβεβαιώσει την εγγενή αξία και την ηθική αγνότητα ενός ατόμου (πορτρέτο της "Lizynka and Dashinka", πορτρέτο του E.N. Arsenyeva, κ.λπ.). Στο γύρισμα του 18ου-19ου αιώνα, ο Borovikovsky προσελκύθηκε από δυνατές, ενεργητικές προσωπικότητες, εστιάζει στο αστικό πνεύμα, την ευγένεια και την αξιοπρέπεια αυτών που απεικονίζονται. Η εμφάνιση των μοντέλων του γίνεται πιο συγκρατημένη, το φόντο του τοπίου αντικαθίσταται από την εικόνα του εσωτερικού (πορτρέτα των A.A. Dolgorukov, M.I.Dolgoruka, κ.λπ.).

Ο Μποροβικόφσκι είναι επίσης αναγνωρισμένος δεξιοτέχνης της μινιατούρας πορτρέτου. Η συλλογή του Ρωσικού Μουσείου περιέχει έργα που ανήκουν στο πινέλο του - πορτρέτα των A.A.Menelas, V.V. Kapnist, N.I.Lvova κ.α. Ο καλλιτέχνης χρησιμοποιούσε συχνά λευκοσίδηρο ως βάση για τις μινιατούρες του.

Η ρωσική ζωγραφική πορτρέτου του 18ου αιώνα φτάνει στην πραγματική της ακμή στη δημιουργικότητα D.G. Levitsky . Ήδη σε ένα από τα πρώτα του έργα - ένα πορτρέτο του αρχιτέκτονα A. Kokorinov - ο Levitsky έδειξε εξαιρετικές ικανότητες ζωγράφου. Το πορτρέτο του μεγάλου Γάλλου υλιστή φιλοσόφου D. Diderot, ζωγραφισμένο από τον Levitsky στην Αγία Πετρούπολη το 1773, και η σειρά πορτρέτων των μαθητών του Ινστιτούτου Smolny, που δημιούργησε ο καλλιτέχνης, διακρίνονται για υψηλή καλλιτεχνική αξία. Οι εικόνες αυτών των κοριτσιών σημειώνονται με ειλικρίνεια και ζεστασιά, η πρωτοτυπία καθενός από αυτά μεταφέρεται αριστοτεχνικά.

Τα πορτρέτα των επόμενων χρόνων -της Λβόβα, του πατέρα του καλλιτέχνη, των Μπακούνιν, της Άννας Ντάβια και πολλών άλλων αριστουργημάτων του Λεβίτσκι- αποτελούν ζωντανή απόδειξη του λαμπρού ταλέντου του.

Ο Λεβίτσκι δημιούργησε μια εκτενή συλλογή πορτρέτων των συγχρόνων του, αποτυπώνοντας ευρέως και πλήρως, όπως κανένας άλλος, ζωντανές εικόνες ανθρώπων της εποχής. Η τέχνη του Λεβίτσκι ολοκληρώνει την ιστορία της ανάπτυξης της ρωσικής προσωπογραφίας τον 18ο αιώνα. Ωστόσο, πρέπει να σημειωθεί ότι ορισμένοι από τους ιστορικά καθορισμένους περιορισμούς του έργου του: όπως και άλλοι αξιόλογοι καλλιτέχνες της εποχής του, ο Λεβίτσκι δεν μπορούσε να αντικατοπτρίζει τις κοινωνικές αντιφάσεις της πραγματικότητας. Οι άνθρωποι που απεικονίζει ο καλλιτέχνης, σύμφωνα με τις κυρίαρχες αισθητικές ιδέες, ποζάρουν πάντα κάπως, μοιάζουν να προσπαθούν να φανούν στον θεατή με το «πιο ευχάριστο» φως. Ωστόσο, σε μια σειρά από έργα του, ο καλλιτέχνης πετυχαίνει εκπληκτική απλότητα και ζωντάνια.

Η κληρονομιά του Levitsky είναι τεράστια και εξακολουθεί να προκαλεί στο κοινό μια αίσθηση άμεσης αισθητικής απόλαυσης. Η επαγγελματική αριστεία των έργων του και ο ρεαλιστικός προσανατολισμός τους τοποθετούν τον καλλιτέχνη σε μια από τις πιο τιμητικές θέσεις σε ολόκληρη την ιστορία της ρωσικής τέχνης.

Από τα πιο διάσημα έργα του D. G. Levitsky είναι τα ακόλουθα: "Πορτρέτο της E. A. Vorontsova", "Portrait of the architect A. F. Kokorinov", "Portrait of N. A. Lvov", "Portrait of M. Dyakova", "Portrait Ursula Mnishek "," Πορτρέτο της κόρης του Αγάσα με ρωσική φορεσιά ", κ.λπ.

Στον τομέα της ζωγραφικής πορτρέτων, νέο λόγο είχαν και οι Ρώσοι καλλιτέχνες του δεύτερου μισού του 18ου αιώνα. Η οξύτητα του ψυχολογικού χαρακτηριστικού, που σημάδεψε πολλά πορτρέτα αυτής της εποχής, είναι εντυπωσιακή - το πινέλο των καλύτερων Ρώσων δασκάλων τείνει όλο και περισσότερο στην αληθινή μεταφορά της εικόνας ενός ατόμου. Είναι σημαντικό ότι εκείνη την εποχή δημιουργήθηκαν ήδη πορτρέτα όχι μόνο των ευγενών και των «ισχυρών αυτού του κόσμου», αλλά και ορισμένων προοδευτικών δημοσίων προσώπων. Σε αυτά τα πορτρέτα, δεν υπάρχουν απολύτως στοιχεία λαμπρότητας και εξωτερικής στιλπνότητας. Οι καλλιτέχνες δίνουν την προσοχή τους στη μεταφορά του εσωτερικού περιεχομένου ενός ανθρώπου, στην αποκάλυψη της δύναμης του μυαλού του, στην ευγένεια των σκέψεων και των φιλοδοξιών του.

Η ανάπτυξη της ρωσικής προσωπογραφίας βρήκε την έκφρασή της Το έργο του F. Rokotov.

Fedor Stepanovich Rokotov- ένας από τους καλύτερους Ρώσους προσωπογράφους. Έχοντας λάβει καλλιτεχνική εκπαίδευση υπό την ηγεσία του L.-J. Ο Λε-Λορέν και ο Κόμης Πιέτρο Ρόταρυ, δούλεψαν με τον τρόπο αυτού του τελευταίου, αλλά αυτός εμβαθύνει περισσότερο στη φύση και ήταν επιμελής στην απόδοσή του. Το 1762 έγινε δεκτός ως βοηθός στο νεοσύστατο SPb. Ακαδημία Τεχνών για τον πίνακα «Αφροδίτη» που της παρουσιάστηκε και για το πορτρέτο του Αυτοκράτορα Πέτρου Γ'.

Η λεπτή εικαστική ικανότητα διακρίνει τα πορτρέτα αυτού του καλλιτέχνη. Η οικεία πνευματικότητα της εικόνας, ειδικά στα γυναικεία πορτρέτα, ο Rokotov φέρνει σε μεγάλη εκφραστικότητα και δύναμη. Υψηλή τεχνική τελειότητα των έργων του καλλιτέχνη - στη φύση του σχεδίου και της εικαστικής ικανότητας, μπορεί κανείς να συγκριθεί μόνο μαζί του ο Λεβίτσκι. Τα πορτρέτα που δημιουργεί ο Rokotov διακρίνονται από την κομψότητα του σχεδίου και τη χάρη του χρώματος.

Τα πιο διάσημα έργα του Rokotov περιλαμβάνουν: "Πορτρέτο μιας άγνωστης γυναίκας με ροζ φόρεμα", "Πορτρέτο του A.I. Vorontsov", "Portrait of G.G. Orlov in Armor", "Coronation Portrait of Catherine II", "Portrait of A.P. Struyskaya" , «Πορτρέτο του ποιητή VI Maikov», «Portrait of Surovtseva» κ.λπ.

Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα. στη ρωσική ζωγραφική άρχισε να αναπτύσσεται καθημερινό είδος... Ωστόσο, η ζωγραφική του είδους θεωρήθηκε από την ηγεσία της Ακαδημίας Τεχνών και τα προνομιούχα στρώματα της κοινωνίας ως κάτι το ευτελές, ανάξιο του πινέλου του καλλιτέχνη. Παρόλα αυτά, μετά τον πόλεμο των αγροτών υπό την ηγεσία του E. Pugachev, τόσο στη λογοτεχνία, το θέατρο και τη μουσική, όσο και στη ζωγραφική της δεκαετίας 1770-1780. άρχισε να δείχνει ενδιαφέρον για την αγροτιά, τον τρόπο ζωής του, τον τρόπο ζωής του. Συχνά αυτές ήταν συναισθηματικές εικόνες ειδυλλιακών βοσκών και βοσκών που δεν είχαν καμία σχέση με την πραγματική ζωή των αγροτών. Υπήρχαν όμως και εξαιρέσεις.

Ένας από τους πρώτους στη ρωσική ζωγραφική που ανέπτυξε το θέμα των χωρικών ήταν ο δουλοπάροικος πρίγκιπας G.A. Potemkin Μιχαήλ Σιμπάνοφ ... Ζωγράφισε τις εικόνες «Αγροτικό δείπνο», «Η γιορτή της συνωμοσίας του γάμου» κ.λπ. Στους πίνακες του Σιμπάνοφ δεν υπάρχει καταγγελία της δουλοπαροικίας, αλλά σε αυτούς τους καμβάδες δεν υπάρχει εξιδανίκευση της αγροτικής ζωής. Ο καλλιτέχνης διακρίνεται από τη γνώση και την κατανόησή του για τη ζωή και τον χαρακτήρα του Ρώσου αγρότη.

Το θέμα των αγροτών αντικατοπτρίστηκε στο έργο του καλλιτέχνη IM Tankov (1739 - 1799), του συγγραφέα του πίνακα "Διακοπές στο χωριό" και του IA Ermenev (1746 - μετά το 1792), ο οποίος ζωγράφισε ακουαρέλες "Αγροτικό δείπνο", "Ζήτης Τραγουδιστές» κ.λπ.). Για πρώτη φορά στην ιστορία της ρωσικής τέχνης, ο καλλιτέχνης μετέφερε τις σκοτεινές πλευρές της λαϊκής ζωής, την εξαθλίωση της φτώχειας.

Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα. αρχίζει η πραγματική άνθηση της ρωσικής γλυπτικής. Αναπτύχθηκε αργά, αλλά η ρωσική διαφωτιστική σκέψη και ο ρωσικός κλασικισμός ήταν τα μεγαλύτερα ερεθίσματα για την ανάπτυξη της τέχνης μεγάλων ιδεών του πολίτη, μεγάλης κλίμακας προβλημάτων, που οδήγησαν σε ενδιαφέρον για τη γλυπτική αυτή την περίοδο. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos - ο καθένας από μόνος του ήταν το πιο λαμπρό άτομο, άφησε το στίγμα του στην τέχνη... Αλλά όλοι τους ενώνονταν με κοινές δημιουργικές αρχές, τις οποίες έμαθαν από τον καθηγητή Nicolas Gillet, ο οποίος από το 1758 έως το 1777 ήταν επικεφαλής της τάξης γλυπτικής στην Ακαδημία, οι γενικές ιδέες της αστικής συνείδησης και του πατριωτισμού και τα υψηλά ιδανικά της αρχαιότητας.

Η αναζήτηση της γενικευμένης ομορφιάς δεν αποκλείει το πλήρες βάθος της κατανόησης του ανθρώπινου χαρακτήρα, την επιθυμία να μεταδοθεί η ευελιξία του. Αυτή η προσπάθεια είναι αντιληπτή στη μνημειακή διακοσμητική πλαστική και γλυπτική καβαλέτο του δεύτερου μισού του αιώνα, αλλά κυρίως στο είδος των πορτρέτων.

Τα υψηλότερα επιτεύγματά του συνδέονται κυρίως με τη δημιουργικότητα. Φεντό Ιβάνοβιτς Σούμπιν (1740-1805), συμπατριώτης του Lomonosov, που έφτασε στην Αγία Πετρούπολη ως καλλιτέχνης που είχε αντιληφθεί τις περιπλοκές της οστικής λάξεως. Το πρώτο έργο του Shubin στην πατρίδα του είναι μια προτομή του A.M. Ο Γκολίτσιν μαρτυρεί ήδη την πλήρη ωριμότητα του κυρίου. Όλη η ευελιξία των χαρακτηριστικών του μοντέλου αποκαλύπτεται κατά την κυκλική του εξέταση, αν και υπάρχει αναμφίβολα η κύρια άποψη του γλυπτού.

Ο Shubin εργάστηκε όχι μόνο ως ζωγράφος πορτρέτων, αλλά και ως διακοσμητής. Εκτέλεσε 58 οβάλ μαρμάρινα ιστορικά πορτρέτα για το παλάτι Τσέσμε (βρίσκεται στο Οπλοστάσιο), γλυπτά για το Μαρμάρινο Παλάτι και για τον Πέτερχοφ, ένα άγαλμα της Αικατερίνης Β' - του νομοθέτη (1789-1790). Δεν υπάρχει αμφιβολία ότι το Shubin είναι το μεγαλύτερο φαινόμενο στη ρωσική καλλιτεχνική κουλτούρα του 18ου αιώνα. Ο Γάλλος γλύπτης Etienne-Maurice Falconet εργάστηκε μαζί με Ρώσους δασκάλους στη Ρωσία, οι οποίοι εξέφρασαν την κατανόησή του για την προσωπικότητα του Πέτρου και τον ιστορικό ρόλο του στη μοίρα της Ρωσίας στο μνημείο του Πέτρου Α στην πλατεία Γερουσίας στην Αγία Πετρούπολη.

Fedor Fedorovich Shchedrin(1751-1825). Πέρασε τα ίδια στάδια εκπαίδευσης στην Ακαδημία και συνταξιοδότηση σε Ιταλία και Γαλλία με τον Shubin. Ο Μαρσύας, που ερμήνευσε ο ίδιος το 1776, είναι γεμάτος ταραχώδη κίνηση και τραγική στάση. Όπως όλοι οι γλύπτες της εποχής του κλασικισμού, ο Shchedrin γοητεύεται από αρχαίες εικόνες ("Sleeping Endymion"; "Venus"), ενώ δείχνει μια ιδιαίτερα ποιητική διείσδυση στον κόσμο τους.

Στο πλαίσιο του εορτασμού της 35ης επετείου στο Πανρωσικό Μουσείο Διακοσμητικής, Εφαρμοσμένης και Λαϊκής Τέχνης, ανοίγει μια ενημερωμένη μόνιμη έκθεση "Διακοσμητική και Εφαρμοσμένη Τέχνη της Ρωσίας του 18ου - πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα".

«Ο Μέγας Πέτρος προκάλεσε τη Ρωσία και εκείνη του απάντησε με τον Πούσκιν», η συνθηματική φράση του Χέρτσεν καθορίζει με μεγαλύτερη ακρίβεια το νόημα και τα όρια της εποχής στην οποία είναι αφιερωμένη η έκθεση αυτών των αιθουσών. Τα αντικείμενα που παρουσιάζονται εδώ είναι ζωντανά ορόσημα που σημάδεψαν τη διαμόρφωση και την άνθηση του ρωσικού πολιτισμού στους κόλπους της ευρωπαϊκής πολιτιστικής παράδοσης της Νέας Εποχής. Απεικονίζουν αλλαγές στον τρόπο ζωής και καλλιτεχνικά ορόσημα, τη μεταμόρφωση των παλαιών και την εμφάνιση νέων αντικειμένων μορφών, τεχνικών, ακόμη και ειδών τέχνης και χειροτεχνίας.

Ο σχεδιασμός της νέας έκθεσης βασίζεται στην αρχή της επίδειξης των εκθεμάτων ως μοναδικών αντικειμένων τέχνης, τα οποία συνδυάζονται σε θεματικά, στιλιστικά και τυπολογικά μπλοκ. Αυτή η λύση σάς επιτρέπει να αξιολογήσετε την αξία κάθε αντικειμένου ως προς το χρόνο, το στυλ, την ανάπτυξη ενός συγκεκριμένου τύπου διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης και εστιάζει στην καλλιτεχνική του αξία από μόνη της.

Το σενάριο της επιθεώρησης βασίζεται στη χωρική λύση της έκθεσης, όχι μόνο ουσιαστικά (τυπολογία, θεματολογία, ύφος και χρονολογία), αλλά και οπτικά - από την εποχή του Μεγάλου Πέτρου μέχρι τον Biedermeier.

Terrina με καπάκι 1795

Τα κεντρικά θέματα της νέας έκθεσης είναι: «Η Εποχή των Αλλαγών: Η στροφή του 17ου-18ου αιώνα», στην οποία γειτνιάζουν οι λεγόμενοι «πρωτόγονοι του 18ου αιώνα», που μεταμόρφωσαν τις πραγματικότητες της νέας εποχής στην μορφές παραδοσιακής τέχνης· "Κλασικοί του Ρωσικού XVIII αιώνα", που αντιπροσωπεύουν την εποχή από τον Πέτρο στον Παύλο σε υψηλά δείγματα αυλικής τέχνης, καθώς και τα "Ρωσική Αυτοκρατορία" και "Στα Δωμάτια", επιδεικνύοντας δύο πτυχές του ρωσικού πολιτισμού στο πρώτο τρίτο του XIX αιώνα - το λαμπρό αυτοκρατορικό στυλ και η εμφάνιση μιας κουλτούρας της ιδιωτικής ζωής, που συσχετίζεται με το φαινόμενο του γερμανικού Biedermeier. Ταυτόχρονα, η έκθεση επιτρέπει την προβολή έργων με τη συνήθη σειρά - ανά είδος τέχνης, τονίζοντας έπιπλα, μέταλλο τέχνης, γυαλί, πορσελάνη, κεραμικά, τέχνη κοπής πέτρας, κόκαλα και χάντρες.

Ιδιαίτερα αξιοσημείωτα είναι μοναδικά εκκλησιαστικά αντικείμενα όπως ο Σταυρός της Λειψανοθήκης και η Παναγία, που χρονολογούνται από τον 17ο αιώνα. Κατασκευάζονταν χρησιμοποιώντας μια ακριβή τεχνική εκείνη την εποχή - φιλιγκράν σμάλτο. Μεταξύ των αρχαιότερων εκθεμάτων είναι μπαούλα με μεταλλικά εξαρτήματα και διακοσμητικά στολίδια, μελανοταινίες, ορειχάλκινα πιάτα Ural του 17ου - αρχές του 18ου αιώνα. Οι ορειχάλκινες κούπες από το εργοστάσιο των Demidovs στα Ουράλια είναι ένα εντυπωσιακό παράδειγμα τελετουργικών αντιπροσωπευτικών μεταλλικών επιτραπέζιων σκευών για το στήσιμο του τραπεζιού.

Στη συνέχεια, το στήσιμο του τραπεζιού και τα στοιχεία δίσκου κατασκευάστηκαν χρησιμοποιώντας διαφορετικές τεχνικές. Για παράδειγμα, δύο γυάλινα, σκούρα μπλε κύπελλα με τα μονογράμματα "EML" και "WGS", που παράγονται από το Imperial Glass Factory, είναι ένα σπάνιο παράδειγμα ζωγραφικών αντικειμένων από τα τέλη του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα. Τα λατινικά μονογράμματα σε κύπελλα ανήκουν στον Σουηδό πρεσβευτή στη Ρωσία το 1793 Werner Gottlob von Schwenier - "WGS" - και στη μητέρα του Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Τα κύπελλα φυλάσσονταν για περισσότερο από δύο αιώνες στο Κάστρο Skarhult, Skane (Σουηδία), αποτελώντας οικογενειακή ιδιοκτησία.

Στην έκθεση θα παρουσιαστούν μοναδικά δείγματα ρωσικών ανακτορικών επίπλων του 18ου-19ου αιώνα, μεταξύ των οποίων ιδιαίτερο ενδιαφέρον παρουσιάζουν τα τραπέζια σκακιού και χαρτονιού στην τεχνική της μαρκετερί. Ανάμεσα στα εκθέματα επίπλων τυπικά του πρώτου μισού του 19ου αιώνα, αξίζει να προσέξουμε δύο διαφάνειες σπάνιας ποιότητας σε στυλ «jacob». Δύο πολυθρόνες σχεδιασμένες από τον Osip Ivanovich Bove ανήκουν στην ίδια εποχή. Ενδιαφέρον παρουσιάζει και το ρολόι με μαντήλι "Minin and Pozharsky", κατασκευασμένο από τον Παριζιάνο καλλιτέχνη χάλκινου Pierre-Philippe Thomir και, αναπαράγοντας σε εσωτερικό σχήμα, το διάσημο μνημείο του Ivan Martos, που στέκεται στην Κόκκινη Πλατεία.

Bove I.O. Πολυθρόνα Α' τέταρτο του 19ου αιώνα

Ξεχωριστή θέση στην έκθεση κατέχει η ταπισερί «Η διάσωση των ψαράδων», που κατασκευάστηκε στη Φλάνδρα σε άγνωστο εργαστήριο στο δεύτερο μισό του 17ου - αρχές του 18ου αιώνα. Εισήλθε στο VMDPNI το 1999 με τη συλλογή του Μουσείου Λαϊκής Τέχνης. S. T. Morozova. Το θέμα της ταπισερί είναι δανεισμένο από τη Βίβλο: στο κέντρο της σύνθεσης απεικονίζεται ένα από τα θαύματα - "Περπατώντας στο νερό". Η ταπισερί αποκαταστάθηκε σε διάφορα στάδια - αποκαταστάθηκε μερικώς από ειδικούς του Μουσείου Λαϊκής Τέχνης. S. T. Morozov και, ήδη το 2014, ολοκληρώθηκε η πλήρης αποκατάσταση από ειδικούς-αναστηλωτές του Πανρωσικού Μουσείου Διακοσμητικής, Εφαρμοσμένης και Λαϊκής Τέχνης. Έτσι, η ταπισερί απέκτησε νέα ζωή και θα παρουσιαστεί για πρώτη φορά στην έκθεση.

Στις αντίστοιχες θεματικές ενότητες υπάρχουν φωτιστικά από γυαλί και κρύσταλλο, εσωτερικά είδη από πορσελάνη και μπρούτζο του τέλους του 18ου-19ου αιώνα. Κάθε έκθεμα αποτελεί παράδειγμα αναφοράς ενός συγκεκριμένου στυλ, αποτυπώνει το πνεύμα της εποχής του και αντιπροσωπεύει τις δυνατότητες καλλιτεχνικής και τεχνικής ικανότητας.

Μια τέτοια χωρική διάταξη της έκθεσης θα επιτρέψει στο μουσείο να οργανώσει εκδρομές και ειδικά προγράμματα με τον πιο αποτελεσματικό και ενδιαφέροντα τρόπο. Τα πιο ενδιαφέροντα και σημαντικά εκθέματα θα παρουσιαστούν με εκτεταμένους σχολιασμούς, καθώς και συνοδευτικούς κωδικούς QR, χάρη στους οποίους οι επισκέπτες θα μπορούν να λαμβάνουν πιο λεπτομερείς πληροφορίες. Η έκθεση είναι εξοπλισμένη με σύγχρονο σύστημα φωτιστικού εξοπλισμού. Λόγω της υψηλής διαδραστικότητας, η νέα έκθεση υπόσχεται να είναι πιο ζωντανή και ενδιαφέρουσα, καθώς και να διευκολύνει τον δημιουργικό διάλογο με τους επισκέπτες, ειδικά με το παιδικό και νεανικό κοινό.

Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, η ρωσική εφαρμοσμένη τέχνη γνώρισε σημαντική άνοδο. Αυτό διευκολύνθηκε από την ανάπτυξη της οικονομίας, του εμπορίου, της επιστήμης και της τεχνολογίας και, σε μεγάλο βαθμό, οι στενοί δεσμοί με την αρχιτεκτονική και τις εικαστικές τέχνες. Ο αριθμός των μεγάλων και μικρών εργοστασίων, εργοστασίων, εργαστηρίων παραγωγής υφασμάτων, γυαλιού, πορσελάνης και επίπλων αυξήθηκε. Οι γαιοκτήμονες στα κτήματά τους στήνουν διάφορα εργαστήρια με βάση την εργασία των δουλοπάροικων.

Οι ανθρωπιστικές ιδέες του διαφωτισμού αντικατοπτρίστηκαν ιδιόμορφα στην εφαρμοσμένη τέχνη του τέλους του 18ου αιώνα. Οι τεχνίτες αυτής της εποχής διακρίνονταν από την προσοχή στα προσωπικά γούστα και τις ανάγκες ενός ατόμου, την αναζήτηση της ευκολίας στο περιβάλλον.

Ένα νέο στυλ - ο ρωσικός κλασικισμός - καθιερώθηκε σε όλους τους τύπους εφαρμοσμένων τεχνών στις αρχές της δεκαετίας του 1770 και του 1780. Οι αρχιτέκτονες M.F. Kazakov, I.E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A.N. Voronikhin δημιούργησαν εσωτερικούς χώρους στο πνεύμα της ευγενούς απλότητας και συγκράτησης με σαφή διαχωρισμό των μερών, με μια εποικοδομητικά αιτιολογημένη διάταξη τόσο πλαστικού όσο και γραφικού αρχιτεκτονικού ντεκόρ.

Οι ίδιες αρχές χρησιμοποιήθηκαν για το σχεδιασμό επίπλων, καντηλιών και πολυελαίων για τους χώρους του παλατιού. Στη διακόσμηση επίπλων, πιάτων, υφασμάτων, χτισμένα σε καθαρό ρυθμό, εμφανίστηκαν μοτίβα αντίκες - άκανθος, μαίανδρος, ιοντικά, ζωηρά ερμηνευμένα λουλούδια, γιρλάντες, εικόνες ερωτιδών, σφίγγες. Η επιχρύσωση και τα χρώματα έγιναν πιο απαλά και πιο συγκρατημένα από ό,τι στα μέσα του 18ου αιώνα.

Στα τέλη του 18ου αιώνα, ο ενθουσιασμός για την αρχαιότητα τους ανάγκασε να εγκαταλείψουν ακόμη και μια περίπλοκη και υπέροχη φορεσιά. Τα ελαφριά φαρδιά φορέματα με ρέουσες πτυχώσεις, με ψηλή ζώνη στον αντίκα τρόπο έχουν γίνει μόδα (VL Borovikovsky. «Portrait of MI Lopukhina». 1797).

Η σύνθεση των τεχνών στον ρωσικό κλασικισμό βασίζεται στην αρχή ενός αρμονικού συνδυασμού όλων των τύπων τεχνών.

Επιπλα. Την περίοδο του κλασικισμού οι μορφές του είναι απλές, ισορροπημένες, καθαρά κατασκευασμένες, οι ρυθμοί ήρεμοι. Τα περιγράμματα εξακολουθούσαν να διατηρούν κάποια απαλότητα, στρογγυλότητα, αλλά οι κάθετες και οριζόντιες γραμμές ήταν ήδη εμφανείς. Οι διακοσμήσεις (χαμηλά σκαλίσματα, πίνακες ζωγραφικής, επιθέματα από μπρούτζο και ορείχαλκο) έδιναν έμφαση στην εκφραστικότητα των σχεδίων. Υπήρχε περισσότερη ανησυχία για ευκολία. Για τελετουργικά δωμάτια για διάφορους σκοπούς, σχεδιάστηκαν σετ-ακουστικά: ένα σαλόνι, ένα γραφείο, ένα μπροστινό υπνοδωμάτιο, μια αίθουσα. Έχουν προκύψει νέες φόρμες επίπλων: τραπέζια για παιχνίδια με χαρτιά, χειροτεχνίες, ελαφριά φορητά τραπέζια (με καπάκι σε σχήμα bob) και διάφορα είδη κομοδίνας. Οι καναπέδες έχουν γίνει ευρέως διαδεδομένοι και στα έπιπλα γραφείου υπάρχουν γραμματείς, γραφεία με κυλινδρικό κάλυμμα.

Όπως και σε προηγούμενες περιόδους, τα ρωσικά έπιπλα, σε σύγκριση με τα δυτικά έπιπλα, είναι πιο μαζικά, πιο γενικευμένα, πιο απλά σε λεπτομέρειες. Το υλικό γι 'αυτό ήταν τοπικά είδη ξύλου - φλαμουριά, σημύδα (επιχρυσωμένη και βαμμένη σε ανοιχτά χρώματα), καρυδιά, δρυς, λεύκα, τέφρα, αχλάδι, βαλανιδιά. Στα τέλη του 18ου αιώνα άρχισαν να χρησιμοποιούνται η σημύδα της Καρελίας και η εισαγόμενη έγχρωμη ξυλεία από μαόνι, αμάρανθος, ροδόξυλο και άλλα είδη. Οι τεχνίτες ήξεραν πώς να δείξουν την ομορφιά, τη δομή, το χρώμα, τη λάμψη τους, τονισμένα επιδέξια με το γυάλισμα.

Οι Ρώσοι δάσκαλοι έχουν επιτύχει μεγάλα επιτεύγματα στην τεχνική της στοιχειοθεσίας (μαρκετερί). Η ουσία του έγκειται στη συλλογή στολιδιών και ολόκληρων Πίνακες (συνήθως από χαρακτικά) στην επιφάνεια ξύλινων αντικειμένων από κομμάτια έγχρωμου ξύλου. Αυτό το είδος εργασίας είναι γνωστό όχι μόνο στους κατασκευαστές αυλικών επίπλων της πρωτεύουσας, αλλά και στους πρώην δουλοπάροικους που εργάστηκαν στη Μόσχα και την περιοχή της Μόσχας: ο Νικιφόρ Βασίλιεφ (Εικ. 78), ο Ματβέι Βερετέννικοφ και ανώνυμοι τεχνίτες από το Τβερ και το Αρχάγγελσκ, που εισήγαγαν τον υδάτινο θαλάσσιο ίππο κόκαλο στο σετ. Δείγματα της υψηλής τέχνης της σκάλισης των επίπλων του παλατιού Ostankino ανήκουν στους δουλοπάροικους Ivan Mochalin, Gavrila Nemkov και άλλους. Στην Αγία Πετρούπολη, ήταν διάσημα έπιπλα και σκαλίσματα από δασκάλους από την Okhta, που μεταφέρθηκαν στην πρωτεύουσα από διάφορα μέρη υπό τον Πέτρο Α. Η καλλιτεχνική εμφάνιση των επίπλων ολοκληρώθηκε με ταπετσαρίες με μεταξωτά σχέδια, βελούδο, εμπριμέ τσίτι, λινά υφάσματα , σε αρμονία με τη διακόσμηση των τοίχων.

Υφάσματα. Από όλες τις βιομηχανίες στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, η κλωστοϋφαντουργία αναπτύχθηκε με μεγαλύτερη επιτυχία (Μόσχα, Ιβάνοβο, Γιαροσλάβλ, επαρχία Βλαντιμίρ). Η άνοδός της καθορίστηκε όχι μόνο από τα μεγάλα εργοστάσια, αλλά και από τις μικρές αγροτικές επιχειρήσεις. Οι Masters έχουν επιτύχει ιδιαίτερη τελειότητα στα νέα μοτίβα λινά υφάσματα με περίπλοκες πλέξεις, με ένα παιχνίδι από φυσικές ασημί-λευκές αποχρώσεις του λινού. Εδώ επηρεάζονται οι παραδόσεις της αγροτικής ύφανσης, η βαθιά κατανόηση του υλικού. Παρήχθη επίσης τεράστια φτηνά ετερόκλητα και βαφή. Οι διακοσμητικές ιδιότητες των χρωματιστών υφασμάτων και των μάλλινων υφασμάτων έχουν βελτιωθεί σημαντικά.

Η παραγωγή μεταξωτών υφασμάτων για φορέματα και διακοσμητικά υφάσματα, κασκόλ και κορδέλες αναπτύχθηκε γρήγορα (Εικ. 80). Μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα, δεν ήταν κατώτερα σε ποιότητα από τα γαλλικά - τα καλύτερα στην Ευρώπη. Οι Ρώσοι υφαντές έμαθαν να χρησιμοποιούν μια ποικιλία από νήματα, τις πιο σύνθετες υφαντικές ύφαντες, που θυμίζουν κέντημα. Οι τεχνικές σύνθεσης, ο πλούτος της παλέτας σε διακοσμητικά υφάσματα πέτυχαν τη μεταφορά του χώρου, τη λεπτότητα των μεταβάσεων των τόνων, την ακρίβεια του σχεδίου λουλουδιών, πουλιών, τοπίων. Τέτοια υφάσματα χρησιμοποιήθηκαν στη διακόσμηση των παλατιών, που αποστέλλονταν ως δώρα στο εξωτερικό.

Σε υφάσματα για φορέματα, ειδικά σε υφάσματα sarafan, μέχρι τη δεκαετία του 1780 - 1790 χρησιμοποιήθηκαν σχέδια από σύνθετες, κυματιστές γιρλάντες λουλουδιών, κορδέλες, χάντρες. Σταδιακά όμως οι γιρλάντες αντικαταστάθηκαν από ρίγες, τα σχέδια έγιναν πιο απλά, οι ρυθμοί τους πιο απαλοί, τα χρώματα πιο ανοιχτά και απαλά.

Τις δεκαετίες 1750-1760 στην Αγία Πετρούπολη και αργότερα στη Μόσχα, στο χωριό. Στο Ivanovo (τώρα η πόλη Ivanovo), αναπτύχθηκε η παραγωγή chintz (βαμβακερό ύφασμα με εμπριμέ σχέδιο με κρέμα, μη ξεθωριασμένα χρώματα και επακόλουθο γυάλισμα). Στα μοτίβα του τσιντς, οι μάστορες, ιδιαίτερα εκείνοι του Ιβάνοβο, επεξεργάζονταν με έναν ιδιόρρυθμο τρόπο τα μοτίβα των μεταξωτών υφασμάτων. Με βάση τα λαϊκά τακούνια, συνδύασαν ένα λαχταριστό εικονογραφικό σημείο και γραφική κοπή (σχεδίαση περιγραμμάτων, δικτυωτά πλέγματα, κουκκίδες φόντου). Στην αρχή, τα τσίτι ήταν πολύ ακριβά. Στα τέλη του 18ου αιώνα άρχισαν να παράγονται οι φτηνές ποικιλίες τους.

Πορσελάνη. Μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα, η ρωσική πορσελάνη έγινε μία από τις καλύτερες στην Ευρώπη. Το Κρατικό Εργοστάσιο Πορσελάνης στην Αγία Πετρούπολη λειτούργησε με επιτυχία. Τα προϊόντα του διακρίνονταν από λευκότητα ελαφρώς ζεστού τόνου, γυαλιστερό λούστρο και υψηλή τεχνική ποιότητα. Τα σχήματα των πιάτων, των αγγείων, η ζωγραφική τους δεν ήταν κατώτερα από τα δυτικά.

Δημιουργήθηκε η πιο σημαντική από τις υπηρεσίες - Arabesque για δεξιώσεις δικαστηρίων (1784, ill. 77). Η επιτραπέζια διακόσμηση αυτού του συνόλου των εννέα αλληγορικών γλυπτών εξυμνεί την προσάρτηση της Γεωργίας και της Κριμαίας, τις «αρετές» της Αικατερίνης Β' (γλύπτης J. D. Rachet). Κυριαρχείται από τις ήρεμες στάσεις που χαρακτηρίζουν τον κλασικισμό του τέλους του 18ου αιώνα, το ελαφρύ επιχρύσωμα και τις αυστηρές αναλογίες των μορφών επιτραπέζιων σκευών με πίνακες με τη μορφή αραβουργημάτων, βασισμένες σε στολίδια αντίκες.

Στη δεκαετία του 1780, δημιουργήθηκε μια σειρά γλυπτών "Λαοί της Ρωσίας" (δημιουργική επεξεργασία χαρακτικών) - έντονα διακοσμητικά, με χαρακτηριστικές εικόνες - εκπρόσωποι ορισμένων εθνικοτήτων (Yakut, Samoyed, Tatar). Παρήχθησαν γλυπτικές φιγούρες πλανόδιων πωλητών, τεχνιτών, που απεικονίζονται σε κίνηση, εν ώρα εργασίας. Η γλυπτική από πορσελάνη έχει γίνει η αγαπημένη διακόσμηση των ευγενών εσωτερικών χώρων για πολλές δεκαετίες.

Από τα ιδιωτικά εργοστάσια πορσελάνης, το εργοστάσιο Franz Gardner (1765) (το χωριό Verbilki κοντά στη Μόσχα) αποδεικνύεται το πιο βιώσιμο. Ήδη στα τέλη του 18ου αιώνα, εκτελούσε υπηρεσίες για τον βασιλικό οίκο με την αρχική χρήση κινήτρων ρωσικών παραγγελιών στους πίνακες. Αρκετά φθηνά επιτραπέζια σκεύη από πορσελάνη Gardner, που διακρίνονταν για την απλότητα των μορφών, την πλούσια ζωγραφική των φυτών, κοντά στις λαϊκές παραδόσεις, γνώρισαν επιτυχία τόσο στην πρωτεύουσα όσο και στις επαρχίες (Εικ. 79).

Ποτήρι. Το χρωματιστό γυαλί φέρνει αληθινή δόξα στο ρωσικό γυαλί στο τελευταίο τρίτο του 18ου αιώνα. Ο MV Lomonosov, με το έργο του στη θεωρία του χρώματος και την τεχνολογία του έγχρωμου γυαλιού, άνοιξε νέους δρόμους για τη ρωσική υαλουργία, εμπλούτισε την παλέτα του γυαλιού και αναβίωσε τα ρωσικά μωσαϊκά. Οργάνωσε ένα εργοστάσιο για την παραγωγή smalt, χάντρες και γυαλί στο χωριό Ust-Ruditsa, στην επαρχία Πετρούπολης. Οι πλοίαρχοι του κρατικού εργοστασίου στην Αγία Πετρούπολη, οι Druzhinin και Kirillov εκπαιδεύτηκαν στο λιώσιμο έγχρωμου γυαλιού από τον Lomonosov. Το εργοστάσιο κατακτά την παραγωγή γυαλιού με βαθιά και καθαρά χρώματα - μπλε, μοβ, ροζ-κόκκινο, σμαραγδένιο πράσινο. Τώρα στην παραγωγή του δεν κυριαρχεί το χαραγμένο κρύσταλλο, αλλά το λεπτό χρωματιστό και άχρωμο γυαλί. Τα ποτήρια, τα ποτήρια, οι καράφες αποκτούν λεία σχήματα, στα οποία το σώμα μετατρέπεται ομαλά σε πόδι, δημιουργώντας απαλά, χαριτωμένα περιγράμματα. Πίνακες σε χρυσό και ασήμι από γιρλάντες, φιόγκους, αστέρια, μονογράμματα είναι ήρεμοι σε ρυθμό, τονίζοντας τους πλαστικούς όγκους των αγγείων.

Παράγεται επίσης το λεγόμενο γαλακτώδες-λευκό γυαλί (κούπες, καράφες, εκκλησιαστικά αντικείμενα), το οποίο μοιάζει με πιο ακριβή πορσελάνη στην εμφάνιση και στη φύση των πινάκων.

Μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα, τα ιδιωτικά εργοστάσια γυαλιού του Bakhmetyev στην επαρχία Penza, τα Maltsevs στις επαρχίες Vladimir και Orel και πολλά άλλα αναπτύχθηκαν και σημείωσαν μεγάλη επιτυχία. Το άχρωμο και έγχρωμο γυαλί και το κρύσταλλό τους διανέμονται ευρέως σε όλη τη Ρωσία.

Καλλιτεχνική επεξεργασία μετάλλων. Η άνθηση της τέχνης του κοσμήματος στη Ρωσία ξεκινά στα μέσα του 18ου αιώνα και συνεχίζεται σε ολόκληρο τον αιώνα. Διαθέτει υλικά τέχνης εξαιρετικής ομορφιάς: διαμάντια, σμαράγδια, ζαφείρια και άλλες πολύτιμες και ημιπολύτιμες πέτρες, βαμμένα σμάλτα, μη σιδηρούχα μέταλλα (χρυσός, ασήμι, πλατίνα, κράματα). Η τέχνη της κοπής πέτρες φτάνει σε υψηλό βαθμό τελειότητας. Για να ενισχύσουν το παιχνίδι της πέτρας, οι κοσμηματοπώλες βρίσκουν μια ποικιλία καλλιτεχνικών και τεχνικών μεθόδων τοποθέτησης, κινητής στερέωσης εξαρτημάτων. Καλλιτέχνες-κοσμηματοπώλες δημιουργούν ιδιόμορφα σχήματα, πολύχρωμα κοσμήματα: σκουλαρίκια, δαχτυλίδια, ταμπακιέρα, αγκράφες παπουτσιών, κουμπιά για πολυτελή κοστούμια για άνδρες και γυναίκες.

Στο τελευταίο τρίτο του 18ου αιώνα, οι μορφές των κοσμημάτων αποκτούν μια ισορροπία, η χρωματική γκάμα των πολύτιμων λίθων γίνεται πιο αυστηρή.

Την περίοδο αυτή οι αργυροχόοι σημείωσαν μεγάλη επιτυχία. Σύμφωνα με τα νέα γούστα, τα σχήματα των ασημένιων σετ είναι απλά και καθαρά. Είναι διακοσμημένα με φλάουτα, αντίκες στολίδια. Σε ασημένια ποτήρια και ταμπακιέρα, οι δάσκαλοι του Veliky Ustyug αναπαράγουν εικόνες από σκηνές αντίκες και νίκες ρωσικών στρατευμάτων από γκραβούρες.

Ένα εξαιρετικό φαινόμενο στην εφαρμοσμένη τέχνη του 18ου αιώνα είναι τα προϊόντα τέχνης από χάλυβα των δασκάλων της Τούλα: έπιπλα, κουτιά, κηροπήγια, κουμπιά, πόρπες, ταμπακιέρα. Οικοδομούν το διακοσμητικό αποτέλεσμα των έργων τους στην αντιπαράθεση λείου ελαφρού χάλυβα και διακοσμητικών με τη μορφή πολυεπίπεδων κομματιών, αστραφτερών σαν διαμάντια. Οι τεχνίτες χρησιμοποιούν μπλε (θερμική επεξεργασία σε φούρνο σε διαφορετικές θερμοκρασίες) μετάλλου, το οποίο δίνει διάφορες αποχρώσεις - πράσινο, μπλε, λιλά, από παχύ έως λευκασμένο. Οι παραδόσεις της λαϊκής τέχνης αντικατοπτρίζονται στην αγάπη για τα φωτεινά χρώματα, στη βαθιά κατανόηση του υλικού.

Έγχρωμη πέτρα. Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, ανακαλύφθηκαν κοιτάσματα μαρμάρου, κερασιο-ροζ αετός στα Ουράλια, πολύχρωμος ίασπις, ποικιλόχρωμη μπρέτσια, πορφύριος Αλτάι και μπλε λάπις λάζουλι Baikal. Εκτός από το Peterhof (1722-1723) και το Yekaterinburg (αρχές της δεκαετίας του 1730), στην καρδιά του Altai, το εργοστάσιο Loktevskaya άρχισε να λειτουργεί το 1787 (από το 1802 αντικαταστάθηκε από το Kolyvanskaya). Υπάρχουν ευρείες ευκαιρίες για τη χρήση έγχρωμης πέτρας στη διακόσμηση και διακόσμηση μνημειακών και διακοσμητικών έργων εσωτερικών χώρων του παλατιού.

Η ικανότητα αποκάλυψης των αισθητικών ιδιοτήτων του υλικού ανέκαθεν διέκρινε τους Ρώσους τεχνίτες, αλλά εκφράστηκε ιδιαίτερα έντονα στην τέχνη της κοπής πέτρας. Δουλεύοντας πάνω σε έργα αρχιτεκτόνων, οι λιθοκόπτες αποκαλύπτουν καλλιτεχνικά την υπέροχη ομορφιά της πέτρας, το φυσικό της σχέδιο, τις εξαιρετικές αποχρώσεις του χρώματος, τη λάμψη, ενισχύοντάς τα με εξαιρετικό γυάλισμα. Επιχρυσωμένος μπρούτζος σε μορφή λαβών, που μόνο συμπληρώνει και τονίζει το σχήμα. Έργα για προϊόντα κοπής πέτρας, οβελίσκους, βάζα, τα οποία βασίστηκαν σε αντίκες φόρμες, δημιουργήθηκαν από τους Quarenghi και Voronikhin.

Η άνθηση της ρωσικής εφαρμοσμένης τέχνης του 18ου αιώνα συνδέθηκε με το έργο των αρχιτεκτόνων Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin και ορισμένων εκπαιδευμένων λαϊκών καλλιτεχνών. Αλλά η αληθινή του φήμη δημιουργήθηκε ως επί το πλείστον από τους εναπομείναντες άγνωστους δουλοπάροικους - επιπλοποιούς, γλυπτές, υφαντές, λιθοκόπτες, κοσμηματοπώλες, υαλουργούς, κεραμιστές.

Η ιστορία της Ρωσίας στα τέλη του 17ου - πρώτο τέταρτο του 18ου αιώνα είναι αδιαχώριστη από το όνομα μιας από τις μεγαλύτερες πολιτικές προσωπικότητες στη Ρωσία - Peter I. Σημαντικές καινοτομίες αυτή τη στιγμή εισβάλλουν όχι μόνο στον τομέα του πολιτισμού και της τέχνης, αλλά και στη βιομηχανία - μεταλλουργία, ναυπηγική κλπ. Στις αρχές του 18ου αιώνα εμφανίστηκαν οι πρώτοι μηχανισμοί και εργαλειομηχανές επεξεργασίας μετάλλων. Πολλά σε αυτόν τον τομέα έχουν γίνει από τους Ρώσους μηχανικούς Nartov, Surnin, Sobakin και άλλους.

Ταυτόχρονα μπαίνουν οι βάσεις του κρατικού συστήματος γενικής και ειδικής αγωγής. Το 1725 ιδρύθηκε η Ακαδημία Επιστημών, στην οποία άνοιξε ένα τμήμα καλλιτεχνικής χειροτεχνίας.

Α. Νάρτοφ.Τόρνος. Η εποχή του Πέτρου. XVIII αιώνα

Τον 18ο αιώνα διαμορφώθηκαν νέες αρχές αρχιτεκτονικής και πολεοδομίας, η οποία σημαδεύτηκε από την ενίσχυση στη διαμόρφωση προϊόντων των χαρακτηριστικών του δυτικοευρωπαϊκού μπαρόκ (Ολλανδία, Αγγλία).

Ως αποτέλεσμα των επιχειρήσεων του Πέτρου Α, προϊόντα παραδοσιακών ρωσικών μορφών εξαφανίζονται γρήγορα από τη βασιλική και αριστοκρατική ανακτορική ζωή, παραμένοντας ακόμα στις κατοικίες των μαζών του αγροτικού και αστικού πληθυσμού, καθώς και στην εκκλησιαστική χρήση. Ήταν στο πρώτο τέταρτο του 18ου αιώνα που σκιαγραφήθηκε η σημαντική διαφορά στη στυλιστική εξέλιξη, η οποία παρέμεινε για μεγάλο χρονικό διάστημα χαρακτηριστικό της επαγγελματικής δημιουργικότητας και της λαϊκής τέχνης. Στην τελευταία αναπτύσσονται άμεσα και οργανικά οι παλαιές παραδόσεις των εφαρμοσμένων τεχνών της Ρωσίας, της Ουκρανίας, της Εσθονίας κ.λπ.

Οι κανόνες της ευγενούς ζωής απαιτούν επίδειξη πλούτου, επιτήδευσης και λαμπρότητας στη ζωή ενός κυρίαρχου ατόμου. Οι μορφές του παλιού τρόπου ζωής, συμπεριλαμβανομένου του Πέτρου (ακόμα επιχειρηματικό, αυστηρό), στα μέσα του 18ου αιώνα τελικά αντικαταστάθηκαν. Κυρίαρχη θέση στη ρωσική τέχνη κατέχει το λεγόμενο στυλ ροκοκό, που λογικά ολοκλήρωσε τις τάσεις του ύστερου μπαρόκ. Οι τελετουργικοί εσωτερικοί χώροι αυτής της εποχής, για παράδειγμα, ορισμένα δωμάτια των ανακτόρων Peterhof και Tsarskoye Selo, είναι σχεδόν εξ ολοκλήρου διακοσμημένα με περίτεχνα σκαλίσματα.

Τα γενικά χαρακτηριστικά της διακόσμησης με rocaille (καμπυλότητα γραμμών, άφθονη και ασύμμετρη διάταξη στυλιζαρισμένων ή κοντά στη φύση λουλουδιών, φύλλων, κοχυλιών, ματιών κ.λπ.) αναπαράγονται πλήρως στη ρωσική αρχιτεκτονική και έπιπλα εκείνης της εποχής, κεραμικά, ρούχα, άμαξες, τελετουργικά όπλα κ.λπ. ε. Όμως η ανάπτυξη της ρωσικής εφαρμοσμένης τέχνης ακολούθησε ωστόσο μια εντελώς ανεξάρτητη πορεία. Παρά την άνευ όρων ομοιότητα των μορφών των δικών μας προϊόντων με τα δυτικοευρωπαϊκά, είναι εύκολο να παρατηρήσετε τις διαφορές μεταξύ τους. Έτσι, αλλά σε σύγκριση με τα γαλλικά, τα ρωσικά προϊόντα επίπλων έχουν πολύ πιο ελεύθερες μορφές και πιο απαλά σε περιγράμματα και σχέδια. Οι τεχνίτες εξακολουθούσαν να διατηρούν τις δεξιότητες της λαϊκής γλυπτικής, μεγαλύτερες και πιο γενικευμένες από ό,τι στη Δύση. Όχι λιγότερο χαρακτηριστική είναι η πολυχρωμία των ρωσικών προϊόντων και ο συνδυασμός της επιχρύσωσης με τη ζωγραφική, που σπάνια συναντάται στη Γαλλία, και είναι αποδεκτή παντού στη Ρωσία.

Από τη δεκαετία του '60 του 18ου αιώνα, η μετάβαση στον κλασικισμό ξεκίνησε στη ρωσική αρχιτεκτονική με τις λακωνικές και αυστηρές μορφές της, στράφηκε στην αρχαιότητα και χαρακτηρίστηκε από μεγάλη εγκράτεια και χάρη. Η ίδια διαδικασία γίνεται και στις εφαρμοσμένες τέχνες.

Στον σχεδιασμό, τον εξοπλισμό και τη διακόσμηση των αρχοντικών και των ανακτόρων της πόλης (αρχιτέκτονες Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov κ.λπ.), υπάρχει μια σαφής συμμετρία, ανάλογη με τη σαφήνεια. Οι τοίχοι των χώρων (μεταξύ των παραθύρων ή απέναντι τους) κρύβονται από καθρέφτες και πάνελ από μεταξωτό δαμασκηνό, διακοσμητικά βαμβακερά υφάσματα και ύφασμα.

.

Καναπές σε στυλ ροκοκό. Ρωσία (θραύσμα). Μέσα 18ου αιώνα

Πολυθρόνα στυλ κλασικισμού. Ρωσία. Δεύτερο μισό του 18ου αιώνα

Τα δάπεδα είναι κατασκευασμένα από διάφορους τύπους ξύλου και μερικές φορές καλύπτονται με καμβά ή ύφασμα. οι οροφές είναι βαμμένες (για παράδειγμα, η τεχνική grisaille που μιμείται το ανάγλυφο καλούπι). Αντί για ένθετο παρκέ χρησιμοποιούνται δάπεδα από σανίδα ελάτης "υπό κερί". Οι τοίχοι και οι οροφές είναι συχνά επικαλυμμένες με ύφασμα ή ταπετσαρία. Εάν στις αίθουσες τελετών είναι διατεταγμένα εντυπωσιακά μαρμάρινα τζάκια, τότε στους οικείους θαλάμους στήνονται πιο παραδοσιακές σόμπες σε βάθρα ή πόδια, επενδεδυμένες με πλακάκια. Η διαφορά στα φωτιστικά είναι εξίσου αισθητή: στις αίθουσες υπάρχουν κοσμήματα και ακριβοί πολυέλαιοι, καντήλια, απλίκες, στους θαλάμους υπάρχουν πολύ πιο μέτρια κηροπήγια και λάμπες. Υπάρχει ακόμη μεγαλύτερη αντίθεση στις μορφές τελετουργικών και οικιακών επίπλων. Όλα αυτά δεν μιλούν τόσο για την επιθυμία των ιδιοκτητών των παλατιών και των αρχοντικών να εξοικονομήσουν χρήματα, αλλά για την εκ μέρους τους θεώρηση του θεματικού περιβάλλοντος ως σημαντικό παράγοντα σε μια ψυχολογικά κατάλληλη ατμόσφαιρα.

Τα περισσότερα από τα έπιπλα και μια σειρά από άλλα προϊόντα στα τέλη του 18ου και το πρώτο μισό του 19ου αιώνα δεν χρειάζονταν συνεχώς. Εάν δεν ήταν απαραίτητο, είτε αφαιρέθηκαν είτε μεταφέρθηκαν σε ανενεργά χρησιμοποιούμενα μέρη των χώρων. Τα έπιπλα του καθίσματος ήταν απαραίτητα καλυμμένα. Από αυτή την άποψη, τα μετασχηματιζόμενα έπιπλα με επιφάνεια εργασίας έχουν λάβει μεγάλη ανάπτυξη - τραπέζια τσαγιού και καρτών, ένα πτυσσόμενο τραπέζι φαγητού, ένα τραπέζι για κεντήματα, ένα σύστημα τραπεζιών διαφορετικών υψών που χωρούν το ένα κάτω από το άλλο κ.λπ. Όλα αυτά αύξησαν σημαντικά την άνεση ζωής, μια λεπτή διαφοροποίηση της λειτουργικής του υποστήριξης και η ποικιλία της εμφάνισης των χώρων σε διάφορες καθημερινές καταστάσεις. Ταυτόχρονα, ξεχώρισαν μια σειρά από οικιακές διεργασίες που πραγματοποιήθηκαν έξω από το κτίριο τη ζεστή εποχή - στη βεράντα και στο πάρκο. Ως αποτέλεσμα, εξαπλώνονται νέοι τύποι προϊόντων - έπιπλα κήπου, τέντες ομπρελών, λάμπες πάρκου κ.λπ. Τον 18ο αιώνα οργανώθηκαν εργαστήρια δουλοπάροικων σε μεμονωμένα κτήματα, παράγοντας αρκετά μεγάλες παρτίδες επίπλων, πορσελάνης, χαλιών και άλλων προϊόντων.

Στα τέλη του 18ου αιώνα, στον εξοπλισμό μεγάλων ανακτόρων, ο διαχωρισμός του πραγματικού σχεδιασμού των προϊόντων (έπιπλα, φωτιστικά, ρολόγια, ταπετσαρίες και άλλα σκεύη και είδη διακόσμησης) ως ειδικός χώρος δημιουργικής δραστηριότητας από τη χειροτεχνία τους. είχε ήδη επηρεαστεί αισθητά. Οι περισσότεροι από τους σχεδιαστές είναι αρχιτέκτονες και επαγγελματίες καλλιτέχνες. Στην παραγωγή προϊόντων για τη μαζική αγορά χρησιμοποιούνται μηχανές και μηχανικές μέθοδοι επεξεργασίας υλικών, καθιστώντας τον μηχανικό κορυφαία φυσιογνωμία στην παραγωγή. Αυτό οδηγεί στη στρέβλωση και απώλεια των υψηλών αισθητικών ιδιοτήτων που ενυπάρχουν στα καταναλωτικά αγαθά, στον διαχωρισμό της βιομηχανίας από την τέχνη. Αυτή η τάση ήταν φυσική στις συνθήκες της καπιταλιστικής ανάπτυξης της κοινωνίας και μια από τις κύριες τάσεις για ολόκληρο τον 19ο αιώνα.

Στην πορεία της εντατικής ανάπτυξης των καπιταλιστικών σχέσεων στη Ρωσία τον 19ο αιώνα, η ικανότητα της βιομηχανικής παραγωγής αυξήθηκε. Στα μέσα του 19ου αιώνα, η ανάγκη για καλλιτεχνικά επαγγελματικό προσωπικό σχεδιαστών προϊόντων και τεχνιτών ήταν ήδη έντονα αισθητή. Για την προετοιμασία τους άνοιξαν εξειδικευμένα εκπαιδευτικά ιδρύματα στη Μόσχα (Κόμης Στρογκάνοφ) και στην Αγία Πετρούπολη (Βαρόνος Στίγκλιτς). Το ίδιο το όνομά τους - «τεχνικές σχολές σχεδίου» - μιλά για την εμφάνιση ενός νέου τύπου καλλιτέχνη. Από το 1860, αναπτύσσεται μια ειδική εκπαίδευση χειροτεχνίας για κορυφαίους ερμηνευτές. Εκδίδονται πολλά βιβλία για την τεχνολογία επεξεργασίας διαφόρων υλικών: ξύλο, μπρούτζο, σίδηρο, χρυσό κ.λπ. Εκδίδονται εμπορικοί κατάλογοι, που αντικαθιστούν το περιοδικό «Οικονομικό Κατάστημα» που είχε εκδοθεί παλαιότερα. Από τα μέσα του 19ου αιώνα έχουν διαμορφωθεί επιστήμες που σχετίζονται με θέματα υγείας της εργασίας και χρήσης ειδών οικιακής χρήσης. Ωστόσο, καθ' όλη τη διάρκεια του 19ου αιώνα, όλα τα προϊόντα μαζικής κατασκευής με την καλλιτεχνική έννοια παραμένουν πλήρως υποταγμένα στην αδιαίρετα κυρίαρχη έννοια της ομορφιάς ως διακοσμητικού και διακοσμητικού σχεδίου προϊόντων. Συνέπεια αυτού ήταν η εισαγωγή στοιχείων κλασικού στυλ στη μορφή των περισσότερων προϊόντων: σύνθετα φινιρίσματα προφίλ, κολόνες με αυλακωτές ράβδους, ροζέτες, γιρλάντες, στολίδια βασισμένα σε μοτίβα αντίκες κ.λπ. Σε ορισμένες περιπτώσεις, αυτά τα στοιχεία εισήχθησαν σε τις μορφές ακόμη και βιομηχανικού εξοπλισμού – εργαλειομηχανών.

Στη στυλιστική ανάπτυξη της εφαρμοσμένης τέχνης και των προϊόντων οικιακής χρήσης τον 19ο αιώνα, τρεις κύριες περίοδοι διακρίνονται συμβατικά χρονολογικά: η συνέχιση των τάσεων του κλασικισμού στην επικρατούσα τάση του λεγόμενου στυλ Empire (πρώτο τέταρτο του αιώνα). όψιμος κλασικισμός (περίπου 1830-1860) και εκλεκτικισμός (μετά τη δεκαετία του 1860).

Το πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα σημαδεύτηκε από μια γενική άνοδο της ιδεολογίας και του οικοδομικού πεδίου στη ρωσική αρχιτεκτονική, η οποία προκάλεσε σημαντική αναβίωση στην εφαρμοσμένη τέχνη.

Πολυθρόνα σε στυλ αυτοκρατορίας. Πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα.

Η νίκη στον πόλεμο του 1812, ως ένα βαθμό, επιταχύνει και ολοκληρώνει τη διαδικασία διαμόρφωσης του ρωσικού εθνικού πολιτισμού, που αποκτά πανευρωπαϊκή σημασία. Οι δραστηριότητες των πιο διάσημων αρχιτεκτόνων - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, στενά συνδεδεμένες με τον κλασικισμό της προηγούμενης περιόδου, εμπίπτουν μόνο στην πρώτη δεκαετία του αιώνα. Αντικαθίστανται από έναν γαλαξία τόσο αξιόλογων δασκάλων όπως ο Rossi, ο Stasov, ο Grigoriev, ο Bove, που έφεραν νέες ιδέες και ένα διαφορετικό στυλιστικό πνεύμα στη ρωσική τέχνη.

Η λιτότητα και η μνημειακότητα είναι χαρακτηριστικά γνωρίσματα της αρχιτεκτονικής και των μορφών διαφόρων ειδών οικιακής χρήσης σε στυλ Empire. Στο τελευταίο, τα διακοσμητικά μοτίβα αλλάζουν αισθητά, πιο συγκεκριμένα, η τυπολογία τους επεκτείνεται λόγω της χρήσης διακοσμητικών συμβόλων της Αρχαίας Αιγύπτου και της Ρώμης - γρύπες, σφίγγες, περιοδείες, στρατιωτικές ιδιότητες ("τρόπαια") περιπλέκονται με μια γιρλάντα από στεφάνια κ.λπ. Σε σύγκριση με παραδείγματα του πρώιμου κλασικισμού γενικά, ο αριθμός της διακόσμησης, το "οπτικό βάρος" του στη σύνθεση σύνθεσης των προϊόντων αυξάνεται. Η μνημειοποίηση, μερικές φορές, όπως ήταν, μια χονδροποίηση των μορφών, συμβαίνει λόγω της μεγαλύτερης γενίκευσης και γεωμετρίας των κλασικών διακοσμητικών μοτίβων - okant, στεφάνια, λύρα, πανοπλίες κ.λπ., που απομακρύνονται όλο και περισσότερο από τα πραγματικά πρωτότυπα τους. Η ζωγραφική (σκηνές, τοπία, μπουκέτα) η ζωγραφική των αντικειμένων εξαφανίζεται σχεδόν εντελώς. Το στολίδι τείνει να κηλιδώνει, να κάνει περίγραμμα, να εφαρμόζει. Τα περισσότερα από τα προϊόντα, ειδικά τα έπιπλα, γίνονται μεγάλα, ογκώδη, αλλά ποικίλλουν σε συνολική διαμόρφωση και σιλουέτα. Η βαρύτητα του στυλ Empire στα έπιπλα σχεδόν εξαφανίστηκε ήδη από τη δεκαετία του 1830.

Από τα μέσα του 19ου αιώνα ξεκίνησαν νέες αναζητήσεις στον τομέα της αρχιτεκτονικής, της εφαρμοσμένης και της βιομηχανικής δημιουργικότητας.

Γεννήθηκε ένα πανευρωπαϊκό καλλιτεχνικό κίνημα, που ονομάστηκε «Biedermeier», από το όνομα του αστού ενός από τους χαρακτήρες του Γερμανού συγγραφέα L. Eichrodt (το έργο εκδόθηκε τη δεκαετία του 1870) με το ιδανικό του για άνεση και οικειότητα.

Εργοστασιακό σίδερο. Ρωσία. Δεύτερο μισό του X1X αιώνα.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, παρατηρείται περαιτέρω εκτόπιση της χειρωνακτικής εργασίας από την παραγωγή χρηστικών προϊόντων οικιακής χρήσης. Για αιώνες, οι εξελισσόμενες μέθοδοι και τεχνικές της καλλιτεχνικής τους λύσης, οι αρχές της διαμόρφωσης έρχονται σε σύγκρουση με τις νέες οικονομικές τάσεις στη μαζική παραγωγή και την κερδοφορία της παραγωγής πραγμάτων στην αγορά. Η απάντηση σε μια μεταβαλλόμενη κατάσταση είναι διπλή. Μερικοί κύριοι -οι περισσότεροι από αυτούς- κάνουν συμβιβασμούς. Θεωρώντας την απαράβατη παραδοσιακή θεώρηση όλων των καθημερινών πραγμάτων ως αντικείμενο διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης, αρχίζουν να προσαρμόζουν τα διακοσμητικά κίνητρα του κλασικισμού στις δυνατότητες των τεχνολογιών μηχανής και σειρών. Εμφανίζονται «αποτελεσματικοί» τύποι διακόσμησης και φινιρίσματος προϊόντων. Ήδη από τη δεκαετία του 1830 στην Αγγλία, ο Henry Cool πρόβαλε ένα εξωτερικά μεταρρυθμιστικό σύνθημα για να διακοσμήσει τα εργοστασιακά προϊόντα με στοιχεία «από τον κόσμο των καλών μορφών τέχνης». Πολλοί βιομήχανοι υιοθετούν πρόθυμα το σύνθημα, προσπαθώντας να αξιοποιήσουν στο έπακρο την προσκόλληση του καταναλωτή σε εξωτερικά διακοσμημένες, διακοσμητικές μορφές εμπλουτισμού οικιακών επίπλων.

Άλλοι θεωρητικοί και επαγγελματίες των εφαρμοσμένων τεχνών (D. Ruskin, W. Morris), αντίθετα, προτείνουν να οργανωθεί ένα μποϊκοτάζ της βιομηχανίας. Η πίστη τους είναι η καθαρότητα των παραδόσεων της μεσαιωνικής τέχνης.

Στις χώρες της Δυτικής Ευρώπης και στη Ρωσία, για πρώτη φορά, οι χειροτεχνίες και οι τεχνίτες, στο έργο των οποίων έχουν διατηρηθεί βαθιές λαϊκές παραδόσεις, προσελκύουν την προσοχή θεωρητικών και επαγγελματιών καλλιτεχνών. Στη Ρωσία, οι εκθέσεις Nizhny Novgorod της δεκαετίας 1870-1890 καταδεικνύουν τη βιωσιμότητα αυτών των παραδόσεων στις νέες συνθήκες. Πολλοί επαγγελματίες καλλιτέχνες - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich και άλλοι - είναι ενθουσιασμένοι με τη λαϊκή προέλευση της διακοσμητικής τέχνης. Σε διάφορες περιοχές και επαρχίες της Ρωσίας, σε πόλεις όπως το Pskov, το Voronezh, το Tambov, η Μόσχα, το Kamenets-Podolsk κ.λπ., εμφανίζονται βιοτεχνικές επιχειρήσεις, η βάση των οποίων είναι η χειρωνακτική εργασία. Ιδιαίτερα σημαντικό για την αναβίωση των δημιουργικών χειροτεχνιών που εξαφανίζονται ήταν το έργο των εργαστηρίων στο Abramtsov κοντά στη Μόσχα, στο Talashkino κοντά στο Smolensk, η επιχείρηση του P. Vaulin κοντά στην Αγία Πετρούπολη, το κεραμικό artel "Murava" στη Μόσχα.

Σαμοβάρι. XIX αιώνα.

Ρωσία. Δεύτερο ημίχρονο

Βιομηχανική αντλία. XIX αιώνα.

Ωστόσο, τα προϊόντα όλων αυτών των εργαστηρίων αποτελούσαν τόσο ασήμαντο μέρος της συνολικής κατανάλωσης που δεν μπορούσαν να έχουν αξιοσημείωτη επίδραση στη μαζική παραγωγή, αν και απέδειξαν τη νομιμότητα της ύπαρξης, μαζί με τη μαζική παραγωγή μηχανών, διακοσμητικών ειδών τέχνης που διατηρούν λαϊκές παραδόσεις. Αργότερα αυτό επιβεβαιώθηκε από την εισβολή της τεχνολογίας των μηχανών σε τομείς διακοσμητικών και εφαρμοσμένων τεχνών όπως το κόσμημα (μπιτζουτέρια), η ταπητουργία, το ράψιμο ρούχων, που οδήγησε σε απότομη πτώση της καλλιτεχνικής τους ποιότητας.

Στις μορφές του κύριου όγκου των βιομηχανοποιημένων προϊόντων του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα, τίποτα καινούργιο ουσιαστικά δεν έχει αναπτυχθεί ακόμη. Ωστόσο, η καινοτομία της πιο γενικής κατάστασης ήδη αυτή τη στιγμή συμβάλλει στην προσθήκη εσωτερικών προϋποθέσεων για καινοτόμες αναζητήσεις - η επίγνωση των αναζητήσεων στυλ ως σημαντική δημιουργική ανάγκη, ως εκδήλωση της καλλιτεχνικής ατομικότητας του πλοιάρχου. Αν μέχρι τώρα οι τάσεις του στυλ (γοτθικό, αναγεννησιακό, μπαρόκ, κλασικισμός κ.λπ.) γεννήθηκαν και διαδόθηκαν, κατά κανόνα, ως αποτέλεσμα γενικών, σχεδόν «παγκόσμιων», αυθόρμητα αποκρυσταλλωμένων τάσεων στην αισθητική ανάπτυξη του κόσμου, τότε από στα μέσα του 19ου αιώνα, η πρωτοτυπία του στυλ θεωρείται άμεσο δημιουργικό επίτευγμα ενός μεμονωμένου καλλιτέχνη, αρχιτέκτονα. Από αυτή την άποψη, το ενδιαφέρον για την κληρονομιά της τέχνης όλων των εποχών και των λαών ενεργοποιείται έντονα. Αυτή η πλούσια κληρονομιά γίνεται πηγή μίμησης, άμεσου δανεισμού ή φανταχτερής δημιουργικής επανεπεξεργασίας.

Τραπέζι με πολυθρόνα σε στιλ Art Nouveau. Τέλη 19ου αιώνα

Ως αποτέλεσμα, ο κύριος όγκος των προϊόντων είναι μια ασυνήθιστα διαφοροποιημένη εικόνα, στην οποία υπάρχουν πλέον σαφείς, πλέον λεπτές αναμνήσεις της αρχαιότητας, της ρωμανικής εποχής, της γοτθικής, της ιταλικής ή γαλλικής Αναγέννησης, της τέχνης του Βυζαντίου και της Αρχαίας Ρωσίας, της Μπαρόκ, κ.λπ., που συχνά αναμιγνύεται εκλεκτικά στο σχεδιασμό ενός προϊόντος, εσωτερικού, κτιρίου. Ως εκ τούτου, αυτή η περίοδος στην ιστορία της αρχιτεκτονικής και της εφαρμοσμένης τέχνης ονομάστηκε εκλεκτική. Ωστόσο, τα προϊόντα (λάμπες, μεταλλικοί κάδοι, γούρνες, πιάτα, σκαμπό κ.λπ.) είναι σχετικά φθηνά, αλλά φτιαγμένα χωρίς κανένα καλλιτεχνικό σκοπό, συχνά σε άσχημα σχήματα και κακής ποιότητας, στη ζωή των ανθρώπων.

Η αναζήτηση ενός νέου στυλ πραγματοποιείται λαμβάνοντας υπόψη την πραγματική ανάγκη στις συνθήκες παραγωγής μηχανών, μια θεμελιωδώς νέα προσέγγιση στη διαμόρφωση των προϊόντων, αφενός, και τη διατήρηση των διακοσμητικών παραδόσεων του παρελθόντος, άλλα. Η αστική τάξη, η οποία μέχρι το τέλος του 19ου αιώνα είχε πάρει ισχυρές θέσεις στη ρωσική οικονομία, αγωνίστηκε για τη δική της καλλιτεχνική ιδεολογία στην αρχιτεκτονική και το σχέδιο - τη λατρεία της ορθολογικής, σχετικής ελευθερίας από τους αρχαϊσμούς της ευγενούς κουλτούρας, ενθαρρύνοντας στην τέχνη τα πάντα που θα μπορούσε να διαφωνήσει με τα στυλ του παρελθόντος. Τέτοιο στα τέλη του 19ου αιώνα ήταν το μοντέρνο στυλ - «new art» στο Βέλγιο, τη Μεγάλη Βρετανία και τις ΗΠΑ, το «Jugendstil» στη Γερμανία, το «Secession style» στην Αυστρία, το «free style» στην Ιταλία. Το όνομά του - "μοντέρνο" (από τα γαλλικά. Moderne) σήμαινε "νέο, μοντέρνο" - από το λατ. modo - "μόλις πρόσφατα". Στην καθαρή του μορφή, ξεθωριάζοντας και ανακατεύοντας με άλλες στιλιστικές τάσεις, διήρκεσε για σχετικά μικρό χρονικό διάστημα, περίπου μέχρι το 1920, δηλαδή περίπου 20-25 χρόνια, όπως όλες σχεδόν οι στιλιστικές τάσεις του 17ου-20ου αιώνα.

Ο μοντερνισμός είναι ποικίλος σε διάφορες χώρες και στο έργο μεμονωμένων δασκάλων, γεγονός που περιπλέκει την κατανόηση των καθηκόντων που επέλυαν. Χαρακτηριστική όμως έγινε η σχεδόν πλήρης εξάλειψη όλων των παλαιότερα χρησιμοποιούμενων διακοσμητικών και διακοσμητικών μοτίβων και τεχνικών και η ριζική ανανέωσή τους. Παραδοσιακά γείσα, ρόδακες, κιονόκρανα, φλάουτα, ζώνες «επικείμενων κυμάτων» κ.λπ. αντικαθίστανται από στυλιζαρισμένα τοπικά φυτά (κρίνος, ίριδα, γαρύφαλλα κ.λπ.), γυναικεία κεφάλια με μακριά σγουρά μαλλιά κ.λπ. Συχνά δεν υπάρχει καθόλου διακόσμηση , και το καλλιτεχνικό αποτέλεσμα επιτυγχάνεται λόγω της εκφραστικότητας της σιλουέτας, των αρθρώσεων της φόρμας, των γραμμών, κατά κανόνα, με λεπτό ίχνος, σαν να ρέει ελεύθερα, να πάλλεται. Στις μορφές των προϊόντων Art Nouveau, σχεδόν πάντα μπορεί κανείς να αισθανθεί κάποια ιδιότροπη βούληση του καλλιτέχνη, την ένταση μιας σφιχτά τεντωμένης χορδής, την υπερβολή των αναλογιών. Σε ακραίες εκδηλώσεις, όλα αυτά επιδεινώνονται απότομα, ανυψώνονται σε μια αρχή. Μερικές φορές υπάρχει μια αδιαφορία για την εποικοδομητική λογική της φόρμας, ένας σχεδόν ψεύτικος ενθουσιασμός για τη θεαματική πλευρά του έργου, ειδικά στη λύση των εσωτερικών χώρων, που συχνά είναι θεαματικά θεατρικά.

Με όλες τις αδυναμίες - επιτηδειότητα, μερικές φορές ηχητικότητα των μορφών, έχει προκύψει μια νέα προσέγγιση στη λύση του κτιρίου, του εσωτερικού, της επίπλωσης με τη συνέπεια μιας λειτουργικής, εποικοδομητικής και τεχνολογικής λύσης.

Κηροπήγιο σε στυλ αρ νουβό. Αρχές του εικοστού αιώνα.

Σετ πιάτων. Τέλη 19ου αιώνα

Μπουντουάρ από την περίοδο της Art Nouveau. Αρχές του ΧΧ αιώνα.

Το σύγχρονο στη συντριπτική πλειοψηφία των δειγμάτων του δεν εγκατέλειψε τη διακόσμηση των προϊόντων, αλλά αντικατέστησε μόνο τα παλιά διακοσμητικά μοτίβα και τεχνικές με νέα. Ήδη στις αρχές του 20ου αιώνα, την εποχή των θριάμβων του νέου στυλ, πάλι, στην αρχή δειλά, μετά επανήλθε ευρέως η μόδα των παλιών στυλ, η οποία είχε μια γνωστή σχέση με τις προετοιμασίες που είχαν ξεκινήσει για ο εορτασμός της εκατονταετηρίδας του Πατριωτικού Πολέμου του 1812. Η έκθεση «Σύγχρονη Τέχνη», που πραγματοποιήθηκε στην Αγία Πετρούπολη το 1903, έδειξε ξεκάθαρα τη γέννηση της «κλασικής Art Nouveau».

Τα αποτελέσματα της νεωτερικότητας είναι πολύπλοκα. Αυτή είναι η κάθαρση της εφαρμοσμένης τέχνης τόσο από τον εκλεκτικισμό, όσο και από τον «αντιμηχανισμό» των υποστηρικτών της χειροτεχνίας και από τις αποτυχημένες προσπάθειες αποκατάστασης των στυλ του παρελθόντος. Αυτά είναι τα πρώτα συμπτώματα της ανάδυσης της αρχιτεκτονικής και της εφαρμοσμένης τέχνης στο δρόμο του λειτουργισμού και του κονστρουκτιβισμού, στο δρόμο του μοντέρνου design. Ταυτόχρονα, ανακαλύπτοντας σύντομα μια τάση εθνικοποίησης του στυλ, η Art Nouveau προκάλεσε ένα νέο κύμα καθαρά διακοσμητικών αναζητήσεων. Πολλοί ζωγράφοι στρέφονται στην εφαρμοσμένη τέχνη και τη διακόσμηση εσωτερικών χώρων (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin, κ.λπ.), έλκονται προς τη χρωματικότητα του ρωσικού παραμυθιού, προς το «μελόψωμο» κ.λπ. προοπτική της μετέπειτα ιστορικής διαδικασίας, η επίλυση επειγόντων προβλημάτων μαζικής βιομηχανικής παραγωγής, τέτοια πειράματα δεν θα μπορούσαν να έχουν σοβαρή ιδεολογική και καλλιτεχνική αξία, αν και έδωσαν ώθηση στην ανάπτυξη ενός άλλου κλάδου εφαρμοσμένης τέχνης - καλλιτεχνικής χειροτεχνίας και ιδιαίτερα θεατρικής και διακοσμητικής τέχνη.

Η νεωτερικότητα, όπως λες, καθάρισε και προετοίμασε τον δρόμο για την καθιέρωση νέων αισθητικών και δημιουργικών αρχών στην τέχνη της δημιουργίας καθημερινών πραγμάτων, επιτάχυνε την εμφάνιση ενός νέου καλλιτεχνικού επαγγέλματος - καλλιτεχνικού σχεδίου (σχεδιασμού).

Η επισημοποίηση του λειτουργισμού και του κονστρουκτιβισμού σε ειδικές κατευθύνσεις στην αρχιτεκτονική και τον καλλιτεχνικό σχεδιασμό των δυτικών χωρών έγινε στα τέλη της δεκαετίας του 1910 σε σχέση με τη σταθεροποίηση της ζωής και την επιτυχία της οικονομίας μετά τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο. Όμως τα θεμελιώδη θεμέλια της νέας μοντέρνας αρχιτεκτονικής καθορίστηκαν στην προπολεμική περίοδο στο έργο αρχιτεκτόνων όπως οι T. Garnier και O. Perret (Γαλλία), H. Berlaga (Ολλανδία), A. Loos (Αυστρία), P. Behrens (Γερμανία), F. Wright (ΗΠΑ), I. Shekhtel, I. Rerberg (Ρωσία) κ.α.. Καθένας από αυτούς με τον δικό του τρόπο ξεπέρασε την επιρροή της νεωτερικότητας και πολέμησε.

Το 1918, στο τμήμα καλών τεχνών του Λαϊκού Επιμελητηρίου για την Εκπαίδευση, σχηματίστηκαν ειδικά τμήματα για την αρχιτεκτονική και τη βιομηχανία τέχνης. Δίνεται σοβαρή προσοχή στην εκπαίδευση των ειδικών. Το 1920, ο Β. Ι. Λένιν υπέγραψε διάταγμα για την ίδρυση των Ανώτερων Κρατικών Καλλιτεχνικών και Τεχνικών Εργαστηρίων (VKHUTEMAS). Οι απόφοιτοι δημιούργησαν νέα δείγματα υφασμάτων, επίπλων, πιάτων κ.λπ.

Οι σπουδές σε εργαστήρια (το 1927, το All-Union Art and Technical Institute μετατράπηκε σε VKHUTEIN), διεξήχθη στις ακόλουθες σχολές: αρχιτεκτονική, κεραμική, υφαντουργία κ.λπ. Στη Σχολή Επεξεργασίας Ξύλου και Μετάλλου υπό την ηγεσία του A. Rodchenko, . Ο Lissitzky, ο V. Tatlin και άλλοι δάσκαλοι αναζητούσαν νέες μορφές και σχέδια διαφόρων αντικειμένων. Όλες οι δραστηριότητες του VKHUTEMAS στόχευαν στην ανάπτυξη των δεξιοτήτων των μαθητών για μια ολοκληρωμένη προσέγγιση στο σχεδιασμό του θεματικού περιβάλλοντος της καθημερινής ζωής και της παραγωγής.

Στη δεκαετία του 1920, μια τάση «βιομηχανικής τέχνης» διαμορφώθηκε, αναπτύσσοντας τις αρχές του λειτουργισμού και του κονστρουκτιβισμού, προσπαθώντας να επιβεβαιώσει στο μυαλό των καλλιτεχνών το αισθητικό ιδανικό της ορθολογικά οργανωμένης υλικής παραγωγής. Οποιεσδήποτε προηγούμενες μορφές τέχνης κηρύχθηκαν αστοί «εργάτες παραγωγής», απαράδεκτες για το προλεταριάτο. Ως εκ τούτου, αρνήθηκαν όχι μόνο τις «πρακτικά άχρηστες» καλές τέχνες, αλλά και κάθε καθαρά διακοσμητική τέχνη, όπως το κόσμημα.Τη δεκαετία του 1920 οι τεχνικές και οικονομικές συνθήκες για την υλοποίηση των ιδεών τους δεν είχαν ακόμη ωριμάσει στη χώρα μας.

Ο VKHUTEMAS και οι «εργάτες παραγωγής» της δεκαετίας του 1920 συνδέθηκαν ιδεολογικά και αισθητικά στενά με το Bauhaus και σε μια σειρά από σημαντικές στιγμές αντιπροσώπευαν με αυτό, στην ουσία, μια ενιαία τάση στον καλλιτεχνικό σχεδιασμό εκείνης της εποχής. Στα πλαίσια αυτής της νέας κίνησης διαμορφώθηκε η αισθητική του μοντέρνου design, ξεπερνώντας τις αντιφάσεις στην εφαρμοσμένη τέχνη της προηγούμενης περιόδου. Η πρακτική καλλιτεχνική δραστηριότητα των ιδρυτών του σχεδιασμού ήταν επίσης η ανάπτυξη ενός οπλοστασίου καλλιτεχνικών και εκφραστικών μέσων της τέχνης της δημιουργίας πραγμάτων. Στα έργα τους (έπιπλα, λάμπες, πιάτα, υφάσματα κ.λπ.), η μεγαλύτερη προσοχή δόθηκε σε ιδιότητες υλικών και μορφών όπως η υφή, το χρώμα, η πλαστική εκφραστικότητα, η ρυθμική δομή, η σιλουέτα κ.λπ., τα οποία απέκτησαν καθοριστική σημασία σύνθεση.προϊόντων, χωρίς να έρχεται σε αντίθεση με τις απαιτήσεις της εποικοδομητικής λογικής και της δυνατότητας κατασκευής της μορφής. Ένας άλλος τομέας που αναπτύχθηκε με επιτυχία στη χώρα μας τη δεκαετία του 1920 είναι ο μηχανικός σχεδιασμός. Το 1925, ο διάσημος ραδιοφωνικός πύργος ανεγέρθηκε στη Μόσχα σύμφωνα με το έργο του εξαιρετικού μηχανικού V. Shukhov, η διάτρητη σιλουέτα του οποίου έγινε το σύμβολο του σοβιετικού ραδιοφώνου για μεγάλο χρονικό διάστημα. Ένα χρόνο νωρίτερα, ο J. Gakkel δημιούργησε την πρώτη σοβιετική ατμομηχανή ντίζελ με βάση τα τελευταία επιτεύγματα της τεχνολογίας, η μορφή της οποίας ακόμη και σήμερα φαίνεται αρκετά μοντέρνα. Στη δεκαετία του 1920, έγινε αντιληπτή η ανάγκη για επιστημονική έρευνα των νόμων της ανθρώπινης δραστηριότητας σε ένα τεχνητά δημιουργημένο περιβάλλον αντικειμένων. Οργανώνεται το Κεντρικό Ινστιτούτο Εργασίας, εντός των τειχών του διεξάγεται έρευνα για τα θέματα της επιστημονικής οργάνωσης της εργασίας και της κουλτούρας της παραγωγής. Την προσοχή επιστημόνων και σχεδιαστών τραβούν θέματα εμβιομηχανικής, οργανοληπτικών ιδιοτήτων κ.λπ. Ανάμεσα στα αξιόλογα έργα εκείνων των χρόνων είναι το έργο του χώρου εργασίας ενός οδηγού τραμ (Ν. Μπέρνσταϊν).

J. Gakkel.Κινητήριος. Αρχές της δεκαετίας του 1930

Γαμήλιο στήθος. Ιταλία. 17ος αιώνας

Η γλυπτική ομάδα «Χειμώνας». Από τη σειρά "The Four Seasons". Γερμανία. Μάισεν

Είδη εξυπηρέτησης. Γαλλία. Σεβρές. 1780-1784. Μαλακή πορσελάνη, ζωγραφική. Καταψύκτης

Αίθουσα Γαλλικής Τέχνης 18ου-19ου αιώνα

Υπουργικό συμβούλιο. Άουγκσμπουργκ. XVII αιώνα. Ξύλο, σκάλισμα, λευκό μέταλλο, επιχρύσωση, 196x135x61

Κύλινδρος γραφείου. Ρωσία. Τέλη 18ου αιώνα.

Βάζο. Ρωσία. Πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα. Γυαλί, βαμμένο σε χρυσό. Ύψος 35,5

Καταψύκτης. Ρωσία. Imperial Porcelan Factory. Πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα. Πορσελάνη, ζωγραφική. Ύψος 40

Συλλογές διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης συνδέονται επίσης με το όνομα του A.P. Bogolyubov, ο οποίος δώρισε 40 αντικείμενα από παλιά πορσελάνη, κυρίως σαξονική, στα εγκαίνια του μουσείου. Υπήρχαν 92 είδη από διάφορα σκεύη και έπιπλα. Το 1897, μετά το θάνατο του Bogolyubov, σύμφωνα με τη διαθήκη του, παρελήφθη μια άλλη ομάδα πραγμάτων, όπως έπιπλα, γυαλί, μπρούτζος και ασημικά.

Οι συλλογές του Bogolyubov, ιδίως η πορσελάνη, αναπληρώθηκαν σημαντικά τα πρώτα μεταεπαναστατικά χρόνια από το Ταμείο του Κρατικού Μουσείου, όπου συνέρρεαν όλα τα εθνικοποιημένα έργα τέχνης. Το 1970, το μουσείο έλαβε δείγματα ρωσικής και δυτικοευρωπαϊκής πορσελάνης (πάνω από 300 αντικείμενα) που κληροδοτήθηκαν στον O. A. Gordeeva, έναν διάσημο οφθαλμίατρο Saratov.

Η ιστορία αυτής της λεπτής και εκλεπτυσμένης τέχνης χρονολογείται από αιώνες. Η πορσελάνη προήλθε στις αρχές του 7ου-8ου αιώνα στην Κίνα. Στην Ευρώπη, έμαθαν γι 'αυτόν τον XIII αιώνα. Ο διάσημος Βενετός περιηγητής Μάρκο Πόλο έφερε αρκετά πορσελάνινα αγγεία από την Ανατολή. Η Ευρώπη καταλήφθηκε από τον «πυρετό της πορσελάνης», όλοι ήθελαν να έχουν προϊόντα από αυτό το γυαλιστερό λευκό υλικό, βαμμένα με λαμπερά χρώματα που δεν ξεθωριάζουν. Υπάρχουν πληροφορίες ότι όταν τα πράγματα από πορσελάνη έσπασαν, συνέχιζαν να αποθηκεύονται ούτως ή άλλως· τα θραύσματα συχνά τοποθετούνταν σε πολύτιμα μέταλλα και τα φορούσαν ως κόσμημα. Στην πορσελάνη, εκτιμήθηκε όχι μόνο η ομορφιά, αλλά και οι πρωτόγνωρες ιδιότητες. Η υαλωμένη επιφάνεια της πορσελάνης δεν ήταν εκτεθειμένη σε χημική επίθεση και ήταν αδιαπέραστη. Υπήρχαν θρύλοι για την πορσελάνη. Το μυστικό της παραγωγής του δεν μπορούσε να λυθεί παρά τις αρχές του 18ου αιώνα. Αλλά στην πορεία, ανακαλύφθηκαν πολλά νέα υλικά, παρόμοια σε εμφάνιση με τα προϊόντα των Κινέζων δασκάλων. Έτσι εμφανίστηκε το γυαλί γάλακτος στη Βενετία, η ισπανομαυριτανική κεραμική, η φαγεντιανή στην Αγγλία και την Ολλανδία.

Ο πρώτος στην Ευρώπη που έλαβε πορσελάνη ήταν ο I. F. Betger, ο οποίος βρήκε κοιτάσματα λευκού πηλού (καολίνη) κοντά στο Meissen στη Σαξονία. Ανακαλύφθηκε το μυστικό της παραγωγής πορσελάνης, το οποίο πολεμούσαν στην Ευρώπη για αιώνες. Σύντομα η πορσελάνη του εργοστασίου Meissen έγινε γνωστή σε όλη την Ευρώπη. Και τώρα τα προϊόντα αυτού του φυτού είναι δημοφιλή στους λάτρεις της τέχνης.

Στη συλλογή του μουσείου μας, η πορσελάνη Meissen παρουσιάζεται πολύ καλά και πλήρως. Αυτό περιλαμβάνει αντικείμενα που κληροδότησε ο Bogolyubov και αντικείμενα από πορσελάνη από τη συλλογή του O. A. Gordeeva, καθώς και άλλα εκθέματα.

Το μεγαλύτερο ενδιαφέρον παρουσιάζει η πορσελάνη Meissen του 18ου αιώνα. Αυτή η εποχή θεωρείται η κλασική περίοδος στην ανάπτυξη της ευρωπαϊκής πορσελάνης. Αυτή τη στιγμή, ο πλοίαρχος επιδιώκει να τονίσει τη λευκότητα και τη λεπτότητα της πορσελάνης, υποβάλλει το υλικό λαμβάνοντας υπόψη τις φυσικές του ιδιότητες.

Η Meissen - η πρώτη ευρωπαϊκή παραγωγή πορσελάνης - είναι ιδιαίτερα γνωστή για τα μικρά πλαστικά. Στις εικόνες κυριών, κυρίων, αλληγορικών συνθέσεων και ποιμένων, μια από τις ιδιότητες του στυλ ροκοκό εκδηλώθηκε με ιδιαίτερη δύναμη - η ψευδαίσθηση μιας συνεχούς ομαλής ροής της γραμμής. Τα ονόματα των Johann Joachim Kendler και Peter Reinicke συνδέονται με το σχηματισμό των πλαστικών Meissen. Τα έργα τους συνδυάζουν στοιχεία γλυπτικής και διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης. Η ιδιορρυθμία των περιγραμμάτων και η ομορφιά του χρώματος - αυτό είναι που χαρακτηρίζει τα γλυπτά που κατασκευάζονται σύμφωνα με τα μοντέλα τους.

Δύο αλληγορικές φιγούρες από τη σειρά "Four Seasons" - "Winter" και "Spring", φτιαγμένες σύμφωνα με τα μοντέλα του Johann Joachim Kendler, αποκαλύπτουν τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του στυλ ροκοκό στην πορσελάνη. Οι εποχές αναπαρίστανται στις εικόνες των αρχαίων θεών που κάθονται στα σύννεφα. Ο χειμώνας προσωποποιείται από τον Κρόνο και την Ήβη, την άνοιξη από τον Άρη και τη Χλώρα. Οι γλυπτικές ομάδες είναι στολισμένες με εκλεκτό γυψομάρμαρο και ζωηρά ζωγραφισμένα λουλούδια για τα οποία ήταν διάσημο το εργοστάσιο του Meissen τον 18ο αιώνα.

Η μικρή συλλογή προϊόντων του εργοστασίου του Βερολίνου διακρίνεται για υψηλές καλλιτεχνικές ιδιότητες. Βασικά, πρόκειται για είδη για το στήσιμο του τραπεζιού και την εσωτερική διακόσμηση. Το πιο λεπτό μωβ, που ήταν η δόξα αυτής της παραγωγής, είναι ζωγραφισμένο με βάση το "κύπελλο μεταφοράς" του A. Watteau. Τα σώματα από τσαγιέρες, καφετιέρες και διακοσμητικά βάζα είναι διακοσμημένα με τα αγαπημένα ποιμενικά και λουλουδάτα σχέδια του 18ου αιώνα.

Μια ομάδα ειδών από το εργοστάσιο της Βιέννης παρουσιάζεται τον 18ο - αρχές του 19ου αιώνα, όταν τα χαρακτηριστικά ενός νέου στυλ - το στυλ Empire - διαμορφώνονταν στην ευρωπαϊκή πορσελάνη. Φροντίζοντας την αυξημένη διακοσμητικότητα, οι Βιεννέζοι μάστορες έδωσαν τη δική τους εκδοχή του πίνακα. Στον καθρέφτη των πιάτων στο πλούσιο χρυσό πλαίσιο του στολιδιού, τις περισσότερες φορές τοποθετούνταν αντίγραφα από τους πίνακες των δασκάλων της Αναγέννησης.

Κάθε χώρα ακολούθησε το δικό της δρόμο προς την πορσελάνη, αναπτύσσοντας ταυτόχρονα μια ειδική τεχνολογία και έναν ιδιαίτερο χαρακτήρα διακόσμησης, μερικές φορές στο ίδιο στυλ. Σε όλη την Ευρώπη ήταν διάσημα γαλλικά πιάτα με χρωματιστό φόντο: τιρκουάζ, ροζ, μπλε, ζωγραφισμένα σε μετάλλια πλαισιωμένα με επιχρυσωμένα στολίδια. Τέτοιες πορσελάνες κατασκευάζονταν στο Sevres Manufactory, την κύρια παραγωγή πορσελάνης στη Γαλλία.

Έτσι βάφεται η μπλε παγωτομηχανή, ο δίσκος και ο δίσκος με μπαχαρικά, που ήταν μέρος της υπηρεσίας που ανήκε στον πρίγκιπα Γιουσούποφ. Αυτή η υπηρεσία κατασκευάζεται για περισσότερο από ένα χρόνο και διακοσμήθηκε από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορσελάνης. Η παγωτομηχανή ζωγραφίστηκε από τον Βίνσεντ τον Νεότερο, τον συγγραφέα του πίνακα στη διάσημη υπηρεσία καμέο που παρήγγειλε η Αικατερίνη Β' Σεβρές και τώρα φυλάσσεται στο Ερμιτάζ. Η υπηρεσία Yusupov ήταν κατασκευασμένη από "μαλακή πορσελάνη". Και οι συγκεκριμένες ιδιότητες αυτού του υλικού δεν θα μπορούσαν να είναι πιο συνεπείς με το στυλ ροκοκό με τα συνηθισμένα απαλά περιγράμματα και τις κυματιστές γραμμές του. Οι ιδιαιτερότητες της μάζας των Σεβρών καθόρισαν και τη φύση του πίνακα: κανένα κεραμικό υλικό δεν δίνει τόσο ηχητικούς βαθιούς τόνους με πολλές αποχρώσεις.

Στη Ρωσία, η πορσελάνη αποκτήθηκε για πρώτη φορά στα μέσα του 18ου αιώνα από τον D.I. Vinogradov στο Imperial Porcelain Factory (IPZ) στην Αγία Πετρούπολη. Στη συλλογή του μουσείου, η ρωσική πορσελάνη αντιπροσωπεύεται από προϊόντα πολυάριθμων ιδιωτικών επιχειρήσεων. Το μουσείο μπορεί να υπερηφανεύεται για τα υπέροχα δείγματα των εργοστασίων IPE, Gardner, Popov, Kornilov, Gulin, Safronov, που έχουν τη δική τους μοναδική γοητεία.

Τα επιτεύγματα των Ρώσων δασκάλων στο στυλ κλασικισμού των αρχών του 19ου αιώνα, ή στυλ Αυτοκρατορίας, είναι γνωστά. Η ρωσική πορσελάνη σε αυτό το στυλ, καθώς και άλλοι κλάδοι της εφαρμοσμένης τέχνης, παρέχουν εξαιρετικά παραδείγματα.

Το στυλ της αυτοκρατορίας εμπνεύστηκε από την αρχαιότητα. Στη διακόσμηση κυριαρχούν τα δάφνινα στεφάνια, τα λιοντάρια, οι γρύπες, τα στρατιωτικά χαρακτηριστικά κ.λπ. Οι μορφές αποκάλυπταν τη στιβαρότητα των μαζών, τον στατικό τους χαρακτήρα. Σύμφωνα με τους νόμους αυτού του στυλ, οι τεχνίτες της IPZ έφτιαξαν ένα επιτραπέζιο βάζο με τη μορφή δύο κλασικών μορφών που στηρίζουν ένα μπολ σε σχήμα οβάλ. Οι φιγούρες, φτιαγμένες από μπισκότο (χωρίς γυαλάδα πορσελάνης), έρχονται σε αντίθεση με το λευκό χρώμα του μπλε τόνου και την επιχρύσωση της βάσης. Επηρεάζει την αγάπη του στυλ Empire για τη φωτεινότητα και την αντίθεση του χρώματος. Ένα άλλο αγγείο είναι επίσης μια γλυπτική ομάδα: η Αφροδίτη βάζει μια φαρέτρα με βέλη στον Έρωτα. Τέτοια βάζα κατασκευάζονταν για μεγάλες τελετουργικές ή επετειακές λειτουργίες και τοποθετούνταν στο κέντρο του εορταστικού τραπεζιού.

Τα χαρακτηριστικά του ίδιου στυλ είναι ευδιάκριτα σε μια παγωτομηχανή σε τρία πόδια σκούρου χρώματος, κάτω από το παλιό μπρούτζο. Το χρώμα του συνδυάστηκε υπέροχα με τη λάμψη της επιχρύσωσης.

Τα προϊόντα των ιδιωτικών εργοστασίων είναι πιο διακριτικά. Μπορείτε να μιλήσετε για την πορσελάνη του ιερέα, του Gardner ή του Safronov. Αυτά τα εργοστάσια αντιπροσωπεύονται από αντικείμενα που δεν είναι μοναδικά, σε αντίθεση με το IPE, αλλά από τα λεγόμενα συνηθισμένα πιάτα που σχετίζονται με τη ζωή μιας συγκεκριμένης τάξης. Είναι εύκολο να μαντέψει κανείς την κοινωνική ιδιοκτησία των λεγόμενων «ταβέρνας» φωτεινών κομψών τσαγιέρες, διακοσμημένες με ανεπιτήδευτη ζωγραφική λουλουδιών, που δημιουργήθηκαν στο εργοστάσιο Popov τη δεκαετία 1830-1850.

Η πηγή από την οποία οι τεχνίτες αντλούσαν τα σχήματα των πιάτων και τα κίνητρα της ζωγραφικής είναι η παραδοσιακή ρωσική λαϊκή τέχνη. Αυτό το μονοπάτι θα είναι το πιο γόνιμο στην εποχή του διαστυλ που πλησιάζει, θα σώσει σε μεγάλο βαθμό τα ρωσικά ιδιωτικά εργοστάσια σε αυτή τη δύσκολη εποχή από την απώλεια κεραμικών ", αναπόφευκτη στην εποχή του εκλεκτικισμού. πράσινα κύπελλα, φτιαγμένα από τους δασκάλους του ιερέα εργοστάσιο, το κύριο πράγμα δεν έχει χαθεί: η ισορροπία της μορφής και του λειτουργικού σκοπού του αντικειμένου.

Η συλλογή σοβιετικής πορσελάνης είναι σχετικά μικρή. Αντιπροσωπεύεται από πορσελάνη προπαγάνδας, που τη δεκαετία του 1920 ήταν ένα από τα μέσα επαναστατικής προπαγάνδας.

Ένα πιάτο και κύπελλα, ζωγραφισμένα σύμφωνα με σχέδια των S. Chekhonin και N. Altman, γλυπτά του N. Danko, πιάτα της A. Schekatikhina-Pototskaya με επαναστατικά συνθήματα και εμβλήματα του νεαρού σοβιετικού κράτους - αυτή η πρώτη πορσελάνη της Χώρας των Σοβιέτ μιλούσε τη γλώσσα της εποχής του. Εκτέθηκε σε ειδικές προθήκες στη Μόσχα στο Kuznetsky Most και στο Petrograd στο Nevsky. «Αυτή η πορσελάνη ήταν νέα από ένα υπέροχο μέλλον, για το οποίο η σοβιετική χώρα πολέμησε σε τρομερές μάχες ενάντια στην πείνα, την καταστροφή και την επέμβαση», έγραψε ο E.Ya.Danko, καλλιτέχνης και ιστορικός του εργοστασίου Lomonosov (πρώην Imperial Porcelain Factory). , στα απομνημονεύματά της.

Τα γυάλινα σκεύη που αποθηκεύονταν στο Μουσείο A.N. Radishchev ήρθαν με τον ίδιο τρόπο όπως και η πορσελάνη: το 1897, σύμφωνα με τη διαθήκη του A.P. Bogolyubov, μέσω του Ταμείου του Κρατικού Μουσείου, από ιδιωτικές συλλογές.

Μια μικρή αλλά ενδιαφέρουσα συλλογή ρωσικού γυαλιού του τέλους του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα κληροδοτήθηκε στο μουσείο της E.P. Razumova το 1973.

Ρωσικά εργοστάσια γυαλιού, κρατικά και ιδιωτικά, εμφανίστηκαν στις αρχές του 18ου αιώνα στη Μόσχα και την Αγία Πετρούπολη, κοντά στο Σμολένσκ και την Καλούγκα. Η ζήτηση για γυάλινα είδη αυξάνεται. Ο αριθμός των εργοστασίων αυξάνεται επίσης. Το διάσημο φυτό Maltsev εμφανίζεται στον ποταμό Gus κοντά στον Βλαντιμίρ, το εργοστάσιο Bakhmetyev κοντά στην Penza στο χωριό Nikolskoye.

Τα πρώτα κομμάτια της βιομηχανίας γυαλιού του 18ου αιώνα στη συλλογή μας είναι αυτά των ιδιωτικών εργοστασίων. Πρώτα απ 'όλα, πρόκειται για ένα πράσινο γυάλινο δαμασκηνό με ένα ανεπιτήδευτο φυτικό στολίδι και την επιγραφή: "Φτιάξτε αυτό το δοχείο στο εργοστάσιο Gavrilov το 726...". Αυτό είναι ένα πρώιμο παράδειγμα ρωσικών συνηθισμένων πιάτων, τα οποία παρασκευάζονταν σε μεγάλες ποσότητες, δεν τα γλίτωσαν ούτε τα φρόντισαν. Αντί για τα χαμένα και σπασμένα, αγόρασαν ένα καινούργιο. Επομένως, ελάχιστα τέτοια σκεύη έχουν διασωθεί. Το Shtof είναι επίσης ενδιαφέρον επειδή είναι συνδρομή. Δείχνει την ημερομηνία και τον τόπο κατασκευής. Είναι γνωστό ότι το 1724 ιδρύθηκε το εργοστάσιο των Gavrilov και Loginov στην περιοχή της Μόσχας. Δεν υπάρχουν περισσότερες πληροφορίες για αυτήν την παραγωγή. Το damask μας δίνει μια ιδέα για τη φύση των προϊόντων μιας ελάχιστα γνωστής εταιρείας.

Το γυαλί στη Ρωσία πρακτικά δεν είχε σήμανση. Μόλις ξεκινώντας από τη δεκαετία του '20 του XIX αιώνα (από την εποχή του Νικολάου Α') το Imperial Glass Factory άρχισε να βάζει γραμματόσημα στα προϊόντα του. Η παρουσία μιας σφραγίδας, φυσικά, δεν είναι ο μόνος τρόπος για να προσδιοριστεί ο τόπος και ο χρόνος κατασκευής ενός συγκεκριμένου είδους. Αξιόλογα μνημεία υαλουργίας είναι τα ψηλά, κωνικά κύπελλα του 18ου αιώνα, συχνά με καπάκια, διακοσμημένα με σκαλιστά εμβλήματα βασιλέων ή μονογράμματα. Τα μπένζελ πλαισιώθηκαν από βλαστούς φυτών και μπούκλες που ονομάζονταν «ροκάιγ». Κατά μήκος της κορυφής των κύλικων, στο χείλος, υπάρχει σχέδιο χαραγμένων και στιλβωμένων «λάκκων» με τόξα. Τα ράφια των ποδιών κατασκευάζονταν με τη μορφή κάγκελων με "μήλα", τα οποία ήταν κορδόνια στο ράφι, μερικές φορές μέχρι και πέντε κομμάτια. Η γκραβούρα σε αυτά τα αντικείμενα ήταν ρηχή και σαρωτική. Αυτές οι ιδιότητες διακρίνουν τα ρωσικά κύπελλα από τα κύπελλα της Βοημίας και της Γερμανίας, που φυλάσσονται στο μουσείο.

Προφανώς, στα ιδιωτικά εργοστάσια κατασκευάζονται πολυάριθμα χρωματιστά ποτήρια, καράφες και μπουκάλια. Το έγχρωμο γυαλί ήταν πολύ δημοφιλές στη Ρωσία. Σε αντίθεση με τη Δυτική Ευρώπη, εδώ έφτιαχναν πιάτα από μονόχρωμο γυαλί, που εμφανίστηκαν σε μεγάλους αριθμούς στα μέσα του 18ου αιώνα. Αυτό οφείλεται στα επιτυχημένα πειράματα του M. Lomonosov.

Στα τέλη του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα, εμφανίστηκαν ψηλές πολύπλευρες καράφες με φελλούς διαφόρων σχημάτων, ποτήρια υψωμένα σε λεπτά πόδια, χαριτωμένα ποτήρια, αστραφτερά με όψεις, - περίτεχνα πιάτα με τα οποία ήταν διακοσμημένα εορταστικά τραπέζια και προμηθευτές. Τα πολύπλευρα πιάτα είναι κατασκευασμένα από άχρωμο γυαλί με την προσθήκη μολύβδου, που δίνει μια ιδιαίτερη λάμψη. Ονομάζεται κρύσταλλο και κόβεται από τη λεγόμενη «διαμαντένια όψη». Αυτή η τεχνική χρησιμοποιείται ακόμα στην κατασκευή γυαλιού.

Το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα ήταν μια εποχή αυξημένου ενδιαφέροντος για τις τέχνες και τη χειροτεχνία, ειδικά στην ιστορία του. Η συλλογή αντίκες γίνεται ευρέως διαδεδομένη. Δεν είναι τυχαίο ότι την ίδια περίοδο διαπιστώθηκε επίσης αυξημένο ενδιαφέρον για έπιπλα αντίκες. Συλλέκτες συλλέγουν σκαλιστά επιχρυσωμένα έπιπλα του 18ου αιώνα, συρταριέρες, ντουλάπια, ιταλικές και γερμανικές γαμήλιες ντουλάπες, ογκώδεις ντουλάπες από ξύλο βελανιδιάς και καρυδιάς στη Γερμανία του 17ου αιώνα. Παρόμοια αντικείμενα υπήρχαν στη συλλογή του Bogolyubov.

Το πάθος για τα έπιπλα αντίκες γεννά απομιμήσεις που έχουν κατακλύσει τα παλαιοπωλεία. Το ένα μετά το άλλο στο Παρίσι, τη Βενετία, την Αγία Πετρούπολη, δημιουργούνται εργαστήρια που φτιάχνουν έπιπλα αντίκες, μερικές φορές που δεν διακρίνονται από το γνήσιο - το ξύλο είναι τόσο απαλά γυαλισμένο, οι αναλογίες των δομικών του μερών τηρούνται τόσο πιστά.

Τα παλαιότερα έπιπλα στη συλλογή του μουσείου χρονολογούνται από τον 16ο-17ο αιώνα. Πρόκειται για έπιπλα από Γερμανία, Γαλλία, Ιταλία, Ολλανδία, συναρμολογημένα από τον A.P. Bogolyubov. Φυσικά, η συλλογή επίπλων εκείνης της εποχής δεν δίνει λόγο για να μιλήσουμε για το κυρίαρχο εσωτερικό, αλλά μας επιτρέπει να αναπαραστήσουμε τα εθνικά χαρακτηριστικά κομματιών τέχνης επίπλων από διάφορες χώρες σε ένα αρκετά ευρύ χρονολογικό πλαίσιο.

Τα έπιπλα είναι βραχύβια, το ξύλο χρησιμοποιείται ως υλικό για την κατασκευή τους, το οποίο εκτίθεται εύκολα σε ποικίλες επιρροές. Πολλά από αυτήν πέθανε τόσο από φυσικές καταστροφές ή ως αποτέλεσμα πολέμων, όσο και για λόγους που σχετίζονται με την επιρροή της μόδας. Τα έπιπλα ανήκουν σε καταναλωτικά αγαθά. Αυτό σημαίνει ότι με την πάροδο του χρόνου φθείρεται και πρέπει να αντικατασταθεί με νέο. Ελάχιστα έπιπλα έχουν σωθεί από τις κατοικίες των απλών ανθρώπων. Ωστόσο, τα κύρια στάδια στην ιστορία της τέχνης επίπλων σε ορισμένες ευρωπαϊκές χώρες μπορούν να εντοπιστούν στα αντικείμενα της συλλογής μας.

Στην Ιταλία του 16ου αιώνα κατασκευάστηκε μια μασίφ ξύλινη καρέκλα με σκαλιστή πλάτη, ένα γαμήλιο μπαούλο, ένα βενετσιάνικο σετ εργασίας και ένας βωμός. Για την κατασκευή αυτού του επίπλου χρησιμοποιήθηκε καφέ καρυδιά, υλικό χαρακτηριστικό της Ιταλίας, το οποίο επιτρέπει στον πλοίαρχο να επιτύχει ένα εξαιρετικό καλλιτεχνικό αποτέλεσμα. Τα μοτίβα του σκαλίσματος αντλήθηκαν από την κληρονομιά της αρχαίας τέχνης. Σε ένα γαμήλιο σεντούκι, προφανώς φλωρεντίνικης δουλειάς, εκπλήσσει η σπάνια ενότητα μορφής και διακόσμησης που διέκρινε τους Ιταλούς επιπλοποιούς του 16ου - αρχές του 17ου αιώνα.

Τα έπιπλα αυτής της εποχής στην εποικοδομητική τους λογική είναι παρόμοια με τις αρχιτεκτονικές κατασκευές. Ο βωμός έχει σχεδιαστεί με τη μορφή μιας πύλης με κίονες συνυφασμένες με ένα κλήμα, με ένα βάθρο σε μια κόγχη για τη μορφή της Μητέρας του Θεού - αυτά τα αρχιτεκτονικά στοιχεία είναι εξαιρετικά χαρακτηριστικά των επίπλων του 16ου-17ου αιώνα. Αυτό γίνεται ιδιαίτερα αισθητό στα έπιπλα ντουλαπιών που κατασκευάζονται στη νότια Γερμανία. Η ντουλάπα μετατρέπεται σε ένα είδος διώροφου κτιρίου, κάθε βαθμίδα του οποίου χωρίζεται από ένα γείσο. Τα επίπεδα είναι διακοσμημένα με κολώνες ή παραστάδες. Οι πόρτες της ντουλάπας μοιάζουν με πύλες ή παράθυρα με πλάκες ή αετώματα. Όλες αυτές οι αρχιτεκτονικές λεπτομέρειες ενισχύονται με κόλλα και είναι, στην πραγματικότητα, μια διακόσμηση που κρύβει τη δομή ενός ντουλαπιού που αποτελείται από δύο σεντούκια. Αυτή η εντύπωση ενισχύεται από τις πτυσσόμενες λαβές στήθους στις πλαϊνές όψεις του. Έτσι είναι σχεδιασμένη η ντουλάπα που είναι διακοσμημένη με μπούρδες (βλάστημα σε δέντρο, ελάττωμα ξύλου που δίνει μια πλούσια όμορφη υφή). Οι ντουλάπες εφοδιάζονταν απαραίτητα με ράφια και τα ρούχα διατηρούνταν διπλωμένα σε αυτά. Θα μπορούσαν επίσης να χρησιμεύσουν για την αποθήκευση διαφόρων σκευών.

Το σχήμα μιας πτυσσόμενης καρέκλας, η λεγόμενη καρέκλα curule, μπορεί επίσης να θεωρηθεί παραδοσιακό για τη Γερμανία του 16ου-17ου αιώνα. Για τους αρχαίους ήταν σύμβολο δύναμης. Μόνο καθισμένος σε μια τέτοια καρέκλα, ήταν δυνατό να επιβληθεί η κρίση και τα αντίποινα. Μια τέτοια καρέκλα φοριόταν συνήθως για προξένους, ανώτερους στρατιωτικούς ηγέτες και δικτάτορες. Ομαλά κυρτά πόδια-όρθια, κατασκευασμένα από πολλές στενές πηχάκια, διασταυρώνονται και συνδέονται με εγκάρσιες δοκούς για αντοχή, και μια αφαιρούμενη σανίδα τοποθετημένη στο πάνω μέρος της καρέκλας ως διαχωριστικό αποτελεί την πλάτη.

Από τον 16ο αιώνα, μια ιδιόμορφη μορφή καρέκλας εμφανίστηκε στη Γερμανία, η οποία έγινε ευρέως διαδεδομένη στην τέχνη επίπλων αυτής της χώρας τον 17ο αιώνα - η λεγόμενη καρέκλα αγροτών. Το μουσείο μας διαθέτει μια ολόκληρη σειρά από παρόμοια αντικείμενα με διαφορετικές εκδοχές του ίδιου στολιδιού. Το πρωτότυπο μιας τέτοιας καρέκλας ήταν στην αρχή απλώς ένα κούτσουρο δέντρου, απογυμνωμένο από κλαδιά και ενισχυμένο για σταθερότητα σε τρία πόδια. Και για άνετες αστικές κατοικίες, κατασκευάστηκαν καρέκλες με τέσσερα πόδια - παραδείγματα υψηλής δεξιοτεχνίας. Μόνο μια σανίδα που χρησιμεύει ως πλάτη είναι διακοσμημένη με αυτά. Μπορεί να είναι όχι μόνο καρυδιά, αλλά δρυς και πεύκο. Εξαρτάται από το πού κατασκευάστηκε το αντικείμενο. Στο σκάλισμα, κατά κανόνα, χρησιμοποιούνται μοτίβα γκροτέσκου στολιδιού, τα οποία συχνά μετατρέπονται σε ένα υπέροχο σχέδιο από τη φαντασία του πλοιάρχου.

Ο 17ος αιώνας φέρνει πολλά νέα πράγματα στην τέχνη των επίπλων. Αυτό οφείλεται πρωτίστως στους κοινωνικούς μετασχηματισμούς στην Ευρώπη, που οδήγησαν σε αλλαγή της θέσης της τρίτης εξουσίας. Έχοντας έρθει στην εξουσία, καλλιεργεί τη σεμνότητα, την απλότητα και την ιερότητα της οικογενειακής εστίας. Τα ολλανδικά έπιπλα έχουν μεγάλη ζήτηση και εξάγονται σε όλες τις χώρες. Στο άλλο άκρο βρίσκεται η Γαλλία, στην τέχνη της οποίας θριαμβεύει ένα υπέροχο, επίσημο στυλ.

Υπάρχει μόνο ένα κομμάτι στη συλλογή επίπλων μας, το οποίο είναι χαρακτηριστικό της τελετουργικής επίπλωσης του παλατιού του 17ου αιώνα. Αυτό είναι το λεγόμενο ντουλάπι - ένα ντουλάπι με πολλά συρτάρια, διαμερίσματα και μια συρόμενη σανίδα. Κατασκευάστηκε από τους τεχνίτες της πόλης του Άουγκσμπουργκ, διακοσμημένο στην πρόσοψη με μεταλλικές πλάκες που απεικονίζουν ζώα, στριφτούς επίχρυσους στύλους. Η σανίδα είναι κατασκευασμένη από λεπτό ξύλο.

Τέτοια γραφεία εμφανίστηκαν τον 16ο αιώνα. Η πατρίδα τους είναι η Ισπανία. Τα πρώτα γραφεία ήταν κουτιά στο κάτω πλαίσιο. Τον 17ο αιώνα, αυτές ήταν ήδη μεγάλες ντουλάπες, οι οποίες έγιναν μέρος της διακόσμησης του δωματίου, το οποίο έλαβε το όνομα της μελέτης. Σε ντουλάπες φυλάσσονταν μετάλλια, γράμματα, κοσμήματα.

Το μεγαλύτερο μέρος της συλλογής ρωσικών επίπλων, που περιλαμβάνει έργα του 18ου-19ου αιώνα, κατασκευάστηκε είτε σε μικρά ιδιωτικά εργαστήρια είτε από επιπλοποιούς ευγενών κτημάτων. Οι τεχνίτες εισήγαγαν στα έργα τους ποικίλα καλλιτεχνικά γούστα, όλες τις γνώσεις και δεξιότητες που είχαν συσσωρεύσει, μεθόδους ξυλουργικής, διακόσμησης και διακόσμησης. Αντικατοπτρίστηκαν κυρίως στις μορφές των οικιακών επίπλων εκείνης της εποχής, που επηρεάστηκαν σε μεγάλο βαθμό από τη λαϊκή τέχνη. Αυτό εκδηλώθηκε όχι μόνο στις φόρμες και τη διακόσμηση, αλλά στην επιλογή και την επεξεργασία του ξύλου. Η καρελιανή σημύδα και λεύκα έγιναν το αγαπημένο υλικό ήδη από τα τέλη του 18ου αιώνα. Χρησιμοποιούνται μόνο στη Ρωσία.

Κάθε χώρα στην τέχνη του επίπλου ήταν είτε ο πρόγονος ενός συγκεκριμένου στυλ, όπως η Ιταλία στην Αναγέννηση, είτε η γενέτειρα ενός διάσημου επιπλοποιού, όπως ο T. Chippendale στην Αγγλία ή ο J. Jacob στη Γαλλία.

Τα ρωσικά έπιπλα αντιπροσωπεύονται κυρίως από τα έπιπλα του ευγενούς εσωτερικού του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα. Ήταν μια από τις πιο λαμπρές εποχές στην ιστορία της διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης στη Ρωσία, και ειδικότερα των επίπλων. Στην τέχνη των πρώτων δεκαετιών του 19ου αιώνα κυριαρχεί το στυλ Empire, το οποίο ξεκίνησε από τη Γαλλία και έγινε ιδιοκτησία όλης της Ευρώπης. Η Ρωσία, στην οποία έγινε ο εκπρόσωπος των υψηλών και προοδευτικών ιδεών, δίνει τη δική της ιδιαίτερη, πρωτότυπη εκδοχή αυτού του στυλ. Η διακοσμητικότητα που χαρακτηρίζει το στυλ της Αυτοκρατορίας, η επιθυμία για μνημειακότητα και γενίκευση των μορφών καθορίζουν στα έπιπλα την ίδια την επιλογή του υλικού και τη φύση της αλληλεπίδρασής του με τη μορφή και τη διακόσμηση. Τα κύρια υλικά των Ρώσων επιπλοποιών θα είναι το μαόνι και η σημύδα Καρελίας, που λατρεύουν για την όμορφη υφή του ξύλου.

Τα έπιπλα που αποθηκεύονται στο μουσείο μας κατασκευάζονται κυρίως από τα χέρια δουλοπάροικων τεχνιτών και αντιπροσωπεύουν αυτή την εκδοχή του στυλ της Αυτοκρατορίας, που συμπεριλήφθηκε ευρέως στη ζωή των ρωσικών ευγενών. Είναι πιο απλό από τα έπιπλα του παλατιού. Αυτό το έπιπλο ήρθε στο μουσείο μετά τη Μεγάλη Οκτωβριανή Σοσιαλιστική Επανάσταση από τα γύρω κτήματα, τα αρχοντικά και έχει όχι μόνο καλλιτεχνική, αλλά και ιστορική αξία.

Τα έπιπλα καθιστικού είναι ιδιαίτερα ποικίλα. Δύο ζευγαρωμένες πολυθρόνες με διάτρητες σκαλιστές πλάτες διακοσμημένες με επιχρυσωμένες λύρες είναι ένα παράδειγμα ρωσικών οικιακών επίπλων του πρώτου τετάρτου του 19ου αιώνα. Υπάρχουν μορφές που στερούνται σχεδόν στολίδια, με καπλαμά με χρυσή σημύδα Καρελίας με μαύρα μάτια.

Εκείνη την εποχή, ένα άλλο δωμάτιο εμφανίστηκε στο εσωτερικό του ευγενούς κτήματος, το λεγόμενο δωμάτιο καναπέ, και το απαραίτητο αξεσουάρ του ήταν ο καναπές. Συνήθως πρόκειται για μαλακούς, ορθογώνιους καναπέδες, οι κορυφές της πλάτης και των αγκώνων είναι επενδυμένες με σημύδα Καρελίας ή μαόνι, που έγινε ευρέως διαδεδομένο εκείνα τα χρόνια. Στο εσωτερικό, ο καναπές συνδυάστηκε με πολυθρόνες και μπροστινό τραπέζι. Τέτοιες παραλλαγές βρίσκονται στην έκθεσή μας και μαρτυρούν το ήδη καθιερωμένο εσωτερικό στην εποχή της Αυτοκρατορίας. Αυτό το έπιπλο διαφέρει από το μπροστινό: υπάρχει λιγότερη επιχρύσωση, αντί για μπρούτζο, χρησιμοποιείται ξύλο επιχρυσωμένο σε λεύκες, διατηρείται μια από τις παραδοσιακές μεθόδους επεξεργασίας ξύλου, τόσο αγαπημένη στους Ρώσους τεχνίτες - η σκάλισμα.

Η συλλεκτική δραστηριότητα του μουσείου συνεχίζεται. Τα τελευταία χρόνια, οι συλλογές διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης έχουν αναπληρωθεί με ενδιαφέροντα εκθέματα, τα καλύτερα από τα οποία έχουν βρει τη θέση τους στην έκθεση.