Συνάδελφοι, Μεγάλη τύχη: Πρόσφατα αγόρασα στο δρόμο Buccinistic κατάρρευση του βιβλίου Ball Aronovna Erengrosus "Σύμφωνα με τους νόμους της ομορφιάς", 1961 της δημοσίευσης. Το βιβλίο είναι γραμμένο για εφήβους, αλλά σας διαβεβαιώνω - το βιβλίο απέχει πολύ από τα παιδιά. Αυτό το βιβλίο προέρχεται από την κατηγορία των βιβλίων που δίνουν το σωστό "σημείο εισόδου" σε ένα νέο θέμα. Είναι γραμμένο εξαιρετικά απλό και κατανοητό. Επιτρέπουν τον εαυτό μου μικρές περικοπές στο κείμενο. Ας μάθουμε να κατανοούμε τη ζωγραφική, τα γραφικά, τη γλυπτική. Το βιβλίο θα δημοσιευθεί στα μέρη του ιστότοπού μας.

Σχετικά με το ΑΠΘ

Balla Aronovna Erengross - Πρύτανης, Καθηγητής του Ρώσου Πολιτισμού Νεολαίας του Πολιτισμού Νεολαίας "Πολιτισμός για την Τρίτη Χιλιετία", Νικητής του Βραβείου Κράτος της ΕΣΣΔ, ο συντάκτης πολλών βιβλίων τέχνης για τη νεολαία.

Από τον συγγραφέα

Η τέχνη θα σας διδάξει να δείτε και να κατανοήσετε τη φύση των ανθρώπων, οι άνθρωποι θα γοητεύσουν για τη ζωή. Ακούστε πώς ο ισπανός συγγραφέας Survantes λέει για αυτή την ικανότητα τέχνης, ο συγγραφέας του διάσημου μυθιστορήματος "Don Quixote": "Ούτε ένα πλοίο ούτε ένα καροτσάκι, χωρίς ιππασία, ούτε τα πόδια σας θα σας επιτρέψουν μέχρι στιγμής και έτσι βαθιά διεισδύστε στις χώρες άλλων ανθρώπων καθώς κάνει ένα καλό βιβλίο. " Στις "άλλες χώρες" δεν είστε μόνο ένα βιβλίο, αλλά και μια εικόνα, και μια ταινία, και ένα παιχνίδι και μουσική.

Λέμε "τέχνη", αλλά γνωρίζετε καλά ότι η τέχνη ονομάζεται μυθοπλασία και ο κινηματογράφος, το θέατρο και η ζωγραφική και η γλυπτική και τα γραφικά και τα γραφικά και η μουσική κλπ. Κάθε ένα από αυτά έχει τα δικά τους χαρακτηριστικά, τα χαρακτηριστικά τους. Για να κατανοήσουμε καλύτερα κάθε τέχνη για να αισθανθείτε καλύτερα να αισθανθείτε και να απολαμβάνετε την αντίληψή του, είναι απαραίτητο να μάθουμε να κατανοούν τα χαρακτηριστικά του, τη γλώσσα του.

Σε αυτό το βιβλίο, μιλάμε μόνο για την Art Visual-OH ζωγραφική, σχετικά με τα γραφικά, για τη γλυπτική. Βλέπετε τα έργα των έργων ζωγραφικής, σχεδίων, γλυπτών;

"Είδα," "λέτε, χωρίς να σκεφτείτε πώς είδατε.

Ήρθατε στην γκαλερί τέχνης. Πέρασε αργά μέσα από τις αίθουσες, παραμένουν σε κάποιες καμβάδες και γλυπτά. Σκέφτηκα για τον εαυτό μου: "Λοιπόν, ναι, αυτό είναι γνωστό όπου ο Ivan Grozny σκοτώνει τον γιο ... αναρωτιέμαι ..." και συνεχίστηκε. Έτσι σε μια ώρα πήγατε σε πολλά δωμάτια, και αν και λίγο προσέλκυσε την προσοχή σας, τότε θα μιλήσετε τότε: "Είδα τις εικόνες στην γκαλερί τέχνης".

Και όταν βρεθείτε άγνωστα έργα ή συγγραφείς, τότε είναι ακόμα πιο εύκολο. Δεν αναγνωρίζονται πλέον από την ανθρωπότητα των έργων ζωγραφικής, δοκιμασμένες από το χρόνο και τους γνώστες. Και, κοιτάζοντας μια τέτοια έκθεση, λέτε: "Ναι, ήταν, είδα, αλλά τίποτα ξεχωριστό."

Δεν,. Δεν είδατε! Μόλις κοίταξα τους πίνακες, τα γλυπτά, τα σχέδια. Παρακολούθησα, αλλά δεν έχω δει ακόμα.

Γνωρίζετε ότι για κάθε πανί, για κάθε έργο του καλλιτέχνη κοστίζει μια τεράστια δουλειά, τεταμένες αναζητήσεις, τη χαρά των ευρημάτων και της πικρίας των αποτυχιών; Γνωρίζετε ότι ο καλλιτέχνης και ο ποιητής Taras Shevchenko, που δίνεται στους στρατιώτες και εξορίστηκε στη στέπα, σχεδόν πήγαινε για τη χαρά, όταν οι φίλοι του έστειλαν ζωγραφίζει με τα οποία θα μπορούσε να εργαστεί ξανά; Και ο καλλιτέχνης Pavel Andreevich Fedotov; Εργάστηκε πριν από την εξάντληση, έβαλε τις συμπιέσεις στα μάτια για τη νύχτα, ώστε να ξεκουραστούν, αλλά θεωρούσαν ευτυχείς, επειδή θα μπορούσε να δει και να γράψει πίνακες ζωγραφικής. Το όλο το χρόνο του Fedotov πέρασε μόνο για να γράψει ένα συρτάρι μαόνι μαόνι και πάνω από τη μικρή εικόνα της "χήρα", όπου μόνο μία θηλυκή φιγούρα, εργάστηκε για δύο χρόνια. Δύο χρόνια! Αποφοίτησες από δύο τάξεις κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, πήγε στο στρατόπεδο το καλοκαίρι, έκανε πολλά διαφορετικά πράγματα. Και αυτος? Και δύο χρόνια έγραψε όλη την ώρα το πρωί και πριν από τη νύχτα, παρακολούθησε, επανεμφανίστηκε και έγραψε και πάλι.

Ναι, μόνο ο Fedotov! Και Rembrandt; Και Michelangelo; Οποιοσδήποτε από τους ανθρώπους που γέννησε την τέχνη θα μπορούσε, μαζί με ένα ταλαντούχο, πρώιμο νεκρό τοπίο του Φ. Α. Βασιλείου, να πει: «Δεν ζωγραφίζω κάθε εικόνα, και στη συνέχεια με το αίμα».

Γνωρίζετε ότι ο Ι. Ν. Kramskaya και ο I. K. Aivazovsky πέθανε με μια βούρτσα στα χέρια της, και ο V. I. Surikov ονειρευόταν έναν τέτοιο θάνατο; Γιατί εκεί! Κάθε πραγματικός καλλιτέχνης ζει με το έργο του, δίνει το έργο του όλες τις σκέψεις, όλη την καρδιά, όλη την ώρα του. Έτσι, πραγματικά, το MoboTanic έργο του καλλιτέχνη αξίζει να παρακολουθήσατε το έργο του, οι πίνακές του, στις οποίες έβαλε τη ζωντανή ψυχή του και ταυτόχρονα είπε αδιάφορα: "Πολύ ωραία, πόσο καλά είναι γραμμένο! θέλουν να αγγίξουν ακόμη και. " Ή κάτι άλλο.

Δεν! Η τέχνη στην οποία ο καλλιτέχνης επενδύει το καλύτερο από το γεγονός ότι του έδωσε τη φύση - μια τέτοια τέχνη δεν μπορεί να κοιτάξει αδιάφορη μάτια. Πρέπει να είναι σε θέση να δει, να αισθάνεται, να καταλάβει. Και αυτό πρέπει να μάθει. Ας περάσουμε από τις αίθουσες εκθέσεων και γκαλερί τέχνης. Θα παρακολουθήσουμε προσεκτικά φωτογραφίες, σχέδια, γλυπτά. Θα προσπαθήσουμε να μάθουμε τι ήθελε ο συγγραφέας ήθελε να μας δώσει γιατί, και όχι διαφορετικά. Ας πάμε κατά μήκος των δρόμων της πόλης. Εκεί, πολλά έργα της Fine Art. Αλλά δεν θα βιαζόμαστε.

Έτσι, ας ξεκινήσουμε!

Τι χρώμα ομίχλης;

Και εδώ βρισκόμαστε στην αίθουσα όπου τοποθετούνται τα έργα ζωγραφικής, γραφικών και γλυπτών. Στους τοίχους που κρέμονται πίνακες που γράφονται στις ζωγραφιές καμβά ζωγραφισμένα με σχέδια μολυβιών, και στις γωνίες και στο κέντρο της αίθουσας υπάρχουν ογκομετρικά έργα που έγιναν από στερεά υλικά και απεικονίζουν ανθρώπους, και μερικές φορές ζώα. Είναι γλυπτά. Οι εικόνες, τα σχέδια, τα γλυπτά είναι διαφορετικοί τύποι εξαιρετικής τέχνης.

Και όμως, όλοι αυτοί οι διαφορετικοί τύποι τέχνης έχουν πολλά κοινά: απεικονίζουν διάφορα αντικείμενα, γεγονότα, φαινόμενα της ζωής, που αντιλαμβάνονται από το όραμα. Και βλέπουμε πολλά. Στα σπίτια και άλλα κτίρια, λεωφορεία, τρόλεϊ, τραμ. Αφήνοντας την πόλη - δάσος και ποτάμι, δρόμους αυτοκινητοδρόμων και λουλούδια ή οπωροφόρα δέντρα. Στο δωμάτιο - τραπέζια, καρέκλες, βιβλία, γραφεία και διάφορα πράγματα. Και παντού στο δρόμο, έξω από την πόλη και στο σπίτι - βλέπουμε τους ανθρώπους. Εργάζονται, ξεκουραστείτε, μιλούν ή απλά βιάζουν κάπου.
Εδώ είναι ο κόσμος γύρω μας, μπορείτε να απεικονίσετε στο αεροπλάνο και στο διάστημα. Οι τέχνες που μεταδίδουν στο αεροπλάνο και σε χώρους ορατά φαινόμενα της ζωής ονομάζονται Πρόστιμο.

Αλλά τελικά, τα διάφορα γεγονότα και τα φαινόμενα της ζωής που βλέπουμε στον κινηματογράφο και στο θέατρο, μαθαίνουμε γι 'αυτούς από τη λογοτεχνία. Τι διαφέρουν από εκείνους που παρουσιάζουν εικαστικές τέχνες;

Στη βιβλιογραφία, στον κινηματογράφο και στο θέατρο, όλα τα γεγονότα εμφανίζονται σε δράση και αναπτύσσονται εγκαίρως. Για παράδειγμα, στην ταινία η εικόνα αλλάζει όλη την ώρα. Μπορείτε να δείτε ολόκληρη τη ζωή ενός ατόμου από τη στιγμή της γέννησής του και να θάνατος. Αλλά, αν ξαφνικά η συσκευή θα επιδεινωθεί και η εικόνα θα σταματήσει να κινείται, σύντομα θα κουραστεί να κοιτάτε την οθόνη. Ένα άτομο παύει να είναι ζωντανό, παγώνει σε ένα σταθερό, και μερικές φορές γελοίο θέτουν, και αν είναι η φύση, τότε όλη η ώρα να κοιτάξει τα σύννεφα και τα λουλούδια θα είναι απλά βαρετή.

Και στην εικόνα μπορεί να απεικονιστεί κάποιο φαινόμενο της φύσης ή ακόμα και απλά να βάλει φρούτα ή ένα βάζο με λουλούδια στο τραπέζι. Ι. Αν και τίποτα παρά φρούτα ή μπουκέτο λουλουδιών, δεν υπάρχει καμβάς. Οι άνθρωποι κοιτάζουν την εικόνα με την ευχαρίστηση και να βρουν κάτι ενδιαφέρον για τον εαυτό τους σε αυτή την εικόνα.

Σε αντίθεση με τους άλλους τύπους τέχνης, όπου η ανάπτυξη πραγματοποιείται εγκαίρως, η οπτική τέχνη μπορεί να δείξει μόνο μια στιγμή της ανθρώπινης ζωής ή στην κατάσταση της φύσης. Αυτό είναι το κύριο χαρακτηριστικό του, αλλά σε αυτό και την πολυπλοκότητά του.

Αλλά πώς σε ένα που συλλαμβάνεται αυτή τη στιγμή τη στιγμή που μπορείτε να απεικονίσετε την συνεχώς μετακίνηση και την αλλαγή ζωής, τη φύση και τους ανθρώπους, έτσι ώστε αυτή τη στιγμή να πει για πολλά πράγματα;
Μετά από όλα, είναι ενδιαφέρον να γνωρίζουμε τα πάντα για ένα άτομο ή τουλάχιστον μερικά από τα πιο σημαντικά επεισόδια από τη ζωή του. Και δεν υπάρχουν επεισόδια και κανένα ιστορικό της ζωής. Απλώς απεικονίζεται μια στιγμή. Αλλά αν ένα άτομο φαίνεται να είναι αναποτελεσματικό στην Κινοκάντρα, αν η ατέλεια των κινήσεών του προκαλεί το γέλιο, τότε εδώ ...

Κοιτάξτε την εικόνα ενός ατόμου, της φύσης, στη σκηνή από τη ζωή, και θα δείτε ότι το ανθρώπινο κίνημα είναι φυσικό, η φύση δεν είναι παγωμένη, όχι νεκρή και ταυτόχρονα και οι δύο άνθρωποι και η φύση είναι παρόμοια και ταυτόχρονα Μην μοιάζετε πραγματικά. Όταν ο καλλιτέχνης απεικονίζει ένα άτομο, επιδιώκει να βρει ένα τέτοιο κράτος που είναι πιο χαρακτηριστικό ενός συγκεκριμένου προσώπου, όταν όλες οι δημιουργικές δυνάμεις του αποκαλύπτονται περισσότερο. Στη συνέχεια, βλέπουμε μόνο μία τέτοια στιγμή της ζωής στο έργο της εικαστικής τέχνης, μπορούμε να μάθουμε τι είδους πρόσωπο είναι και τι κάνει. Η δύναμη και το χαρακτηριστικό της εικαστικής τέχνης είναι ότι φέρνει αμέσως στο μυαλό και η καρδιά των θεατών του είναι ότι το βιβλίο θα ειπωθεί σε πολλές σελίδες, στον κινηματογράφο - σε χιλιάδες κουφώματα. Ταινίες.

Εδώ έχουμε μια μικρή εικόνα σε μέγεθος. Το κύριο γεγονός που εμφανίζεται εδώ είναι κατανοητό αμέσως.

Φως, χύνεται ηλιοβασίλεμα. Μόλις εισήλθε στον άνθρωπο. Είναι περίεργα ντυμένος. Κουρασμένα, βαθιά αφρώδη μάτια εξετάζουν την ερώτηση. Στη στροφή του κεφαλιού, σε όλη την εμφάνισή του υπάρχει κάποιο είδος αβεβαιότητας. Σταμάτησε σε αναποφασιστικότητα. Κανείς δεν τον περίμενε, και η άφιξή του είναι μια έκπληξη. Μπορεί να δει κανείς από το πώς όλοι οι άνθρωποι στο δωμάτιο έχουν αντιδράσει στην εμφάνισή του. Κρατώντας από την καρέκλα μια ηλικιωμένη γυναίκα με μαύρο χρώμα. Πλήρης απώλεια και τρόμος, αφήνοντας τους αλλοδαπούς. Η περιέργεια κοιτάζει έξω από την μπροστινή παλιά γριά. Ολοκλήρωση και ευτυχισμένη γυναίκα κάθεται στο πιάνο. Κύριε, σοβαρά και αυστηρά το κοιτάζει ένα κορίτσι. Είναι προφανές ότι δεν τον γνωρίζει ή δεν θυμάται. Και αγόρι! Κοιτάξτε, με ποια απόλαυση εξετάζει το συμπεριλαμβανόμενο. Τον αναγνώρισε. χαρούμενος. Μια άλλη στιγμή, και με μια κραυγή απόλαυσης, βυθίζει σε αυτόν.

Ο καλλιτέχνης, οπότε όλα απεικονίζουν ότι οι εξηγήσεις δεν είναι απαραίτητες: είναι απολύτως σαφές ότι ήταν απροσδόκητα πίσω στην οικογένειά του μετά από μια μακρά έλλειψη του κεφαλαίου της. Η εικόνα ονομάζεται: "Δεν περίμεναν", και γράφτηκε από την ilea efimovich repin. Και, αν και όλοι καταλαβαίνουμε με την πρώτη ματιά, ας δούμε ακόμα το πιο στενά.

Ο άνθρωπος μπήκε στο δωμάτιο που επέστρεψε από τη σύνδεση. Λέει όχι μόνο τα ρούχα του, αλλά το εξαντλημένο πρόσωπο και τα βαθιά σπινθηρισμένα μάτια σωστά, έχει αλλάξει πάρα πολύ αν και οι συγγενείς τους δεν τον αναγνώρισαν αμέσως. Μια γυναίκα που κάθεται στο πιάνο, η σύζυγος αναφέρεται φαίνεται αδύναμη, επώδυνη. Η εμφάνισή της εκφράζει χαρά και κάποια σύγχυση. Σχήμα Μητέρα Ο καλλιτέχνης έβαλε την πλάτη του στον θεατή. Αξίζει μόνο να δει αυτό το σωρό πίσω, καθώς καθίσταται άμεσα σαφές ότι όχι μόνο η γήρανση, αλλά και η Yura και οι δυσκολίες την παρακάμπτουν.

Έτσι, σκεφτείτε σταδιακά κάθε ενεργός, μπορείτε να μάθετε και να παρατηρήσετε πολλά. Από αυτή την περιεχόμενο ζωγραφικής γίνεται βαθύτερη, πληρέστερη. Η πνευματική κατάσταση του καθενός μεταδίδεται μέσω της έκφρασης του προσώπου, θέτουν, κίνηση, χειρονομίες αισθάνεται λεπτότερο. Όλα είναι τόσο ειλικρινείς, ζωτικής σημασίας, πειστικά, φαίνεται ότι η απεικόνιση εκτελείται στα μάτια μας και είμαστε ακούσιοι, αόρατοι μάρτυρες του τι συνέβη.

Γράψτε μια φωτογραφία με τέτοια ακραία απλότητα και πειστική, πολύ δύσκολη. Ο καλλιτέχνης πρέπει να επιλέξει μια στιγμή στην οποία ο χαρακτήρας του καθενός από τους ηθοποιούς θα είχε εκδηλωθεί ιδιαίτερα πλήρως. Φανταστείτε ότι επέλεξε αυτή τη στιγμή, και το άλλο. Όλα έχουν ήδη μάθει τους αλλοδαπούς. Ο γιος έτρεξε περισσότερο από άλλους στο λαιμό του πατέρα του. Η μητέρα ήρθε από τη μία πλευρά, η σύζυγός του - από την άλλη. Εδώ είναι ένα κορίτσι, πιθανώς ακόμα πεθαίνει και θαύματα και η υπηρέτρια συνεχίζει να στέκεται στην πόρτα. Ή ίσως δεν είναι πλέον: συνειδητοποίησα ότι ήρθα ο άνθρωπος μου και δεν έμεινε να μην παρεμβαίνω. Γίνε όλα, θα καταλάβουμε τι συνέβη; Γιατί το αγόρι χαρούμενος, γιατί ένα κορίτσι βλέπει τα μάτια του, και η μητέρα και η σύζυγος βιάζεται στο συμπεριλαμβανόμενο;

Ή ο καλλιτέχνης θα απεικονίσει ακόμη και ένα μεταγενέστερο σημείο: ο νεοφερμένος πλένονται, άλλαξε το πρόσωπό του και στον οικογενειακό κύκλο λέει για κάτι που βιώνει. Και πάλι όλα θα ήταν μακριά τόσο ξεκάθαρα όσο τώρα. Θα σκεφτούμε ότι ήταν όλα για μια ενδιαφέρουσα ιστορία που όλοι ακούνε τόσο προσεκτικά. Είναι δυνατόν να μάθετε σε ένα τέτοιο οικόπεδο ενός πολύπλοκου δράματος που αντιμετωπίζει η οικογένεια; Φυσικά και όχι. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο η επιλογή της στιγμής που θα απεικονίζεται στην εικόνα είναι τόσο ασυνήθιστη. Μερικές φορές λένε μάλιστα: "Η στιγμή θα βρεθεί - υπάρχει μια φωτογραφία, δεν βρέθηκε - όχι". Πιστεύετε, βρείτε αυτή τη στιγμή; Δεν. Πολύ δύσκολο.

Εδώ είναι η repin, για παράδειγμα, πόσο χτύπησε πάνω από αυτό. Ναι, και όχι μόνο αυτός. Κάθε καλλιτέχνης. Σε αυτό, η ικανότητα του καλλιτέχνη είναι ότι μπορεί να επιλέξει μια τέτοια στιγμή, ένα τέτοιο γεγονός που καθιστά δυνατή την καλύτερη εμφάνιση των χαρακτήρων των ανθρώπων, η ουσία τους. Επιπλέον: ο καλλιτέχνης, έτσι απεικονίζει αυτό το γεγονός ότι ο θεατής μπορεί εύκολα να φανταστεί ότι ήταν πριν από την απεικόνιση της στιγμής που θα συμβεί αργότερα. Και αυτό. Ότι είμαστε τόσο εύκολοι και απλά κατανοητό και αντιληπτό, ξεκίνησα τον καλλιτέχνη μιας τεράστιας έντασης και δυσκολίας. Πόσο καλά ήταν καλό να γνωρίζουμε τους ανθρώπους που γράφει, την κατάσταση στην οποία ζουν για να το αναπαράγουν στο canvase! Και πόσο ήταν απαραίτητο να περάσετε χρόνο και να εργαστούμε για να βρείτε κατάλληλους ανθρώπους, που απεικονίζουν το καλύτερο για να αποκαλύψετε τη βασική ιδέα του έργου!

Αλλά τελικά, η ιδέα της εργασίας αποκαλύπτει όχι μόνο ένα άτομο, αλλά και οποιοδήποτε στοιχείο στην εικόνα. Ο καλλιτέχνης Paul Andreevich Fedotov είναι μια μικρή εικόνα του "Watchtime of Major". Φυσικά την γνωρίζετε.

Ένας από τους φίλους του Fedotov λέει πώς ο καλλιτέχνης συγκέντρωσε το υλικό για αυτή τη ζωγραφική: "Όταν τελειώσει ο" Matchmaker "Fedotov, πρώτα απ 'όλα, χρειάστηκε ένα δείγμα του δωματίου, ένα αξιοπρεπές οικόπεδο των έργων." Κάτω από διαφορετικά pretexts, πήγε Σε πολλά εμπορικά σπίτια, εφευρέθηκαν, κοιτάζοντας έξω και παρέμειναν δυσαρεστημένοι. Υπήρχαν μόνο οι τοίχοι υπήρχαν καλά, αλλά τα πράγματα δεν είχαν τεθεί μαζί τους. υπήρξε μια κατάσταση, αλλά τα δωμάτια ήταν πολύ φωτεινά και υπέροχα ... μία φορά, περνώντας κοντά κοντά Κάποιο ρωσικό εστιατόριο, ο καλλιτέχνης παρατήρησε μέσα από τα παράθυρα του κεντρικού πολυέλαιου με τυλιγμένο γυαλί. Αμέσως πήγε στην ταβέρνα και με απερίγραπτη ευχαρίστηση βρήκε τι ψάχνει τόσο πολύ. Τοίχοι, λεηλατημένοι από σκούρο καφέ χρώμα, Το μεγαλύτερο φινίρισμα, το ανώτατο όριο, ζωγραφισμένο με βαμμένο "popicamn". Κίτρινες πόρτες - όλα αυτά που συμφωνήθηκαν εντελώς με την ιδανική, τόσες μέρες που φοριούνται στη φαντασία Fedotov ".
Ο ίδιος ο Fedotov λέει για το έργο για την εικόνα του τα εξής: "Όταν χρειαζόμουν τον τύπο του εμπόρου για το" major "μου, συχνά περπάτησα γύρω από το σαλόνι και την αυλή του apraxin, κοιτάζοντας τους ανθρώπους των εμπόρων. Ακούγοντας το govaru και τη μελέτη τους την κόλλα τους. περπάτησε κατά μήκος της προοπτικής του Nevsky με τον ίδιο σκοπό, αλλά για μεγάλο χρονικό διάστημα δεν μπορούσα να βρω αυτό που ήθελα.
Τέλος, μια μέρα, η γέφυρα Anichkova, συναντήθηκα το ιδανικό μου, και όχι τυχεροί που διορίστηκε στο Nevsky, το πιο ευχάριστο Randene, δεν θα μπορούσε να αναφερθεί περισσότερο στην ομορφιά του, καθώς ήμουν ευτυχής με την κόκκινη γενειάδα και μια κοιλιά λίπους.
Πέρασα το να το βρω στο σπίτι, στη συνέχεια βρήκα μια υπόθεση μαζί του για να γνωρίσω, το έκανε δύσκολο γι 'αυτόν για ένα ολόκληρο έτος, μελετήσαμε τον χαρακτήρα του, έλαβα την άδεια να γράψω από την αξιοσέβαστη θεία μου (αν και θεωρούσε αμαρτία και ένα κακό Omen) και στη συνέχεια το έκαναν μόνο στην εικόνα του.
Για ένα ολόκληρο έτος, σπούδασα ένα άτομο και τι έκανα ο άλλος! "

Έτσι ο καλλιτέχνης εργάζεται πάνω στην εικόνα. Έτσι επιλέγει, μελετά τον καθένα από τα χαρακτήρα της. Αλλά στη ζωή ο καλλιτέχνης θα γράψει όχι μόνος, αλλά πολλοί πίνακες. Και τα θέματα τους θα είναι διαφορετικά και οι άνθρωποι και όλα θα είναι διαφορετικά. Και έτσι ώστε οι πίνακες να είναι αληθινές, πειστικές, έτσι ώστε ο θεατής να απορροφήσει και να συμπιεστεί το κύριο πράγμα για το πόσο πρέπει να ξέρετε, να καταλάβετε, να μελετήσετε! Από όλες τις συνθήκες ζωής, ο καλλιτέχνης επιλέγει το πιο χαρακτηριστικό. Μετά από όλα, δείχνοντας ότι δεν είναι τυχαία, αλλά τυπικοί χαρακτήρες και η τοποθέτησή τους δεν είναι τυχαία, αλλά σε τυπικές συνθήκες, ο καλλιτέχνης στα έργα του αποκαλύπτει την αλήθεια της ζωής. Στη ζωή, ο καλλιτέχνης είδε τα οικόπεδα, βρήκαν τα δείγματα για τους ήρωες του, τη ζωή, του έδωσε το περιεχόμενο για τους πίνακές του. Εξετάζει τα "και τα δύο μάτια", αλλά αυτό δεν αρκεί. Δεν είναι μόνο στη μνήμη όλη την ώρα, αλλά και σε χαρτί προσπαθεί να διορθώσει αυτό που είδε.

Κάπως ρωτήστε, πάρτε τα άλμπουμ των καλλιτεχνών του Fedotov. Surikova. Repin, serov. Πόσα σε αυτά είναι παρόμοια και όχι παρόμοια, πανομοιότυπα και διαφορετικά σκίτσα, σχέδια!
Fedotova, για παράδειγμα, υπάρχει ένα φύλλο "Όπως κάθονται", όπου τα πιο διαφορετικά κινήματα που κάνει ένα άτομο όταν κάθεται στην καρέκλα. Τα άλμπουμ είναι τα σημειωματάρια - υπάρχει κάθε καλλιτέχνης. Εάν οι λέξεις συγγραφέων γράφουν τις παρατηρήσεις του, τις πιο αξέχαστες εκφράσεις, χαρακτηριστικές λέξεις, ο καλλιτέχνης κάνει όλα, αναπαράγοντας τα στοιχεία, θέτει, χειρονομίες, κίνηση. Ή ίσως έπρεπε να δείτε ποτέ τον καλλιτέχνη σε μια συνάντηση ή το βράδυ μεταξύ άλλων; Αν όχι. Κοιτάξτε και το γνωρίζετε πάντα. Έτσι ακούει την έκθεση, αλλά ξαφνικά το χέρι του εκτείνεται πίσω από το χαρτί, γρήγορα έτρεξε στο μολύβι της. Κοιτάζετε - έκανε πάνω από τον εισηγητή ή από οποιονδήποτε από τους γείτονές του. Κάποιος παρατήρησε έναν ενδιαφέροντα τρόπο για να τονίσει τη χειρονομία ιδιαίτερα σημαντικούς χώρους της ομιλίας του και άλλος. Πώς εκτείνεται σε ένα ποτήρι με νερό. Χειρονομίες, στροφές, κινήσεις, χαρακτηριστικά του Mimici - Όλα αυτά απεικονίζουν τον καλλιτέχνη. Για ποιο λόγο? Ίσως τίποτα από αυτές τις παρατηρήσεις τότε ακριβώς με αυτή τη μορφή θα εισέλθει μελλοντική εργασία, αλλά τα μόνιμα σκίτσα αναπτύσσουν παρατήρηση και οι ίδιοι είναι συνέπεια της παρατήρησης. Και τότε, όλο αυτό το υλικό που απαιτείται από τον καλλιτέχνη για περαιτέρω εργασία. Εάν θα κάνει ένα περίγραμμα του ομιλητή εκατοντάδες φορές, τότε θα το χρησιμοποιήσει όταν θα δημιουργήσει ένα έργο σε αυτό το θέμα. Από πολυάριθμες παρατηρήσεις, θα έχει ένα ολόκληρο, το οποίο θα του δώσει την ευκαιρία να ειλικρινά και πειστικά να απεικονίσει ένα πρόσωπο που μιλάει στο βάθρο. Φυσικά, τότε ο καλλιτέχνης δεν θα ελέγξει τις εντυπώσεις του περισσότερες από μία φορές, αλλά οι παρατηρήσεις της ζωής είναι απαραίτητες γι 'αυτόν.
Αλλά συμβαίνει ότι κανένα από τα σκίτσα που δεν έγινε άμεσα στο έργο του. Όλα τα ίδια - το έργο του καλλιτέχνη δεν περνάει για αυτόν χωρίς ίχνος. Θα είναι σε θέση να μεταδώσει πιο ελεύθερα τα πάντα και αναπαράγονται πολλές φορές. Και, επιπλέον, η ίδια η παρατήρηση προτείνει τον καλλιτέχνη και το θέμα και το οικόπεδο.

Ο καλλιτέχνης ζει σε μια συγκεκριμένη κοινωνία. Έχει τις απόψεις του για τη ζωή, τους ανθρώπους, στις ανθρώπινες σχέσεις, τις απόψεις του για καλό και κακό, όμορφο και άσχημο, γεύση τους, καθώς και άλλους ανθρώπους. Αυτή είναι μια ματιά στον κόσμο - το Worldview. Mimo κάτι που περνάει ο καλλιτέχνης, δεν παρατηρεί, και κάτι που τον προσελκύει, τα ενδιαφέροντα, ανησυχίες και καταγράφει τη φαντασία του. Αλλά η δημιουργία ενός έργου από τον καλλιτέχνη δεν είναι τόσο απλό όσο μπορεί να φαίνεται τόσο απλό όσο μπορεί να φαίνεται τόσο απλό όσο μπορεί να φανεί εκ πρώτης όψεως. Σκέφτηκα και αποφάσισα: "Θα γράψω γι 'αυτό." Όχι, όταν γεννιέται το σχέδιο, ο καλλιτέχνης δεν έχει μόνο ένα γεγονός (οικόπεδο), το οποίο θέλει να μεταφέρει, αλλά και εκείνους τους σημαίνει ότι σκέφτεται να εκφράσει την ιδέα του: την κύρια θέση των αριθμών και τις κύριες αναλογίες χρώματος. Φαίνεται, τώρα όλα - πηγαίνετε στο εργαστήριο, καθίστε και γράψτε! Αλλά πριν από αυτό, ο καλλιτέχνης είναι πολύ μακριά. Ο καλλιτέχνης είναι ο πρώτος, το προκαταρκτικό σκίτσο της μελλοντικής εργασίας του αποτελεί τη βάση των παρατηρήσεων. σκίτσο. Στη συνέχεια, συλλέγει ήδη το υλικό και οδηγεί απευθείας παρατηρήσεις για αυτό το έργο, αναζητώντας ανθρώπους και την κατάσταση που χρειάζεται για τη ζωγραφική. Για παράδειγμα, αν τα γεγονότα εμφανίζονται σε εσωτερικούς χώρους, τότε το αντίστοιχο δωμάτιο, αν στο δρόμο, τότε πρέπει να βρείτε και να γράψετε αυτό το μέρος απευθείας από τη φύση. Ναι, δεν είναι εύκολο να το αντιγράψετε, αλλά να το δώσετε μια εικόνα σε μια συγκεκριμένη εποχή του έτους, σε μια συγκεκριμένη ώρα της ημέρας και σε ορισμένο φωτισμό. Εξαρτάται από το πώς όλα τα απεικονίστηκαν και ποια συναισθήματα και σκέψεις θα φέρουν στους μελλοντικούς θεατές. Για αυτό, ο καλλιτέχνης γράφει, σχεδιάζει και γλυπτά, κοιτάζοντας άμεσα τη φύση και τον άνθρωπο, δηλαδή από τη φύση.

Μικρές προπαρασκευαστικές εργασίες γραμμένες απευθείας από τη φύση καλούνται etudami. Σε κάθε Eterude, ο καλλιτέχνης λύνει κάποιο συγκεκριμένο και απαραίτητο για αυτό το έργο: βρίσκει μια συγκεκριμένη κίνηση του ατόμου που είναι απαραίτητη για την εικόνα τη θέση των αριθμών ή των αντικειμένων, μια συγκεκριμένη κατάσταση της φύσης. Και μόνο όταν ο καλλιτέχνης αναπτύχθηκε σαφώς στο Η φαντασία του καλλιτέχνη, όταν συναρμολογείται όλο το απαραίτητο προπαρασκευαστικό υλικό, προχωρά στην άμεση εργασία σε αυτό. Και στη συνέχεια όχι αμέσως. Μετά από όλα, πριν προχωρήσετε στην εργασία, κάθε άτομο πρέπει να σκεφτεί και πάλι και να ελέγξει.

Εδώ ο εργαζόμενος έλαβε το υλικό από το οποίο θα έπρεπε να κάνει μια λεπτομέρεια, μηχανή και εργαλείο. Αλλά δεν θα αρχίσει αμέσως να επεξεργάζεται το στοιχείο. Εξετάζει τι και πού να αφαιρέσετε αυτή την άδεια, ποια εργαλεία για να κάνετε μια εργασία, η οποία άλλα. Και το εργαλείο θα τοποθετηθεί έτσι. Έτσι, τόσο πιο απαραίτητο ήταν στο χέρι, και λιγότερο απαραίτητο να απομακρυνθεί.
Ο αρχιτέκτονας πηγαίνει επίσης. Πριν ξεκινήσετε την κατασκευή, κάνει πρώτα ένα έργο σπίτι, στο οποίο υπάρχει μια γενική άποψη, τοποθεσία δωματίων, δάπεδα, σκάλες.
Ο συγγραφέας είναι το σχέδιο του μελλοντικού του έργου. Ο καλλιτέχνης, και πριν προχωρήσει στην τελική εργασία, κάνει ένα σχέδιο του έργου, αλλά το γράφει με λόγια, αλλά απεικονίζει πλήρως σε καμβά ή χαρτί. Για το σκοπό αυτό, αρχικά σχεδιάζει ένα γενικό σχέδιο: τι πρέπει να είναι στο κέντρο και να εμφανίζεται σε μεγάλο βαθμό, από τη μία πλευρά, από την άλλη, η οποία θα έπρεπε πρώτα να δώσει προσοχή και οπουδήποτε πρέπει να πάει η δουλειά. Όλοι Τα στοιχεία του έργου δεν πρέπει να είναι τυχαία, αλλά σύμφωνα με την κύρια ιδέα ότι ο καλλιτέχνης θέλει να εκφράσει στο έργο του.

Η γενική κατασκευή του έργου και ο συνδυασμός όλων των στοιχείων σε αυτό, επιτρέποντας την ιδεολογική ιδέα με τη μεγαλύτερη πληρότητα, ονομάζεται σύνθεση (Από τη σύνθεση Λατινικής λέξης - συλλογή).

Η επιθυμία για τη μεγαλύτερη εκφραστικότητα δημιουργεί μερικές φορές νέες εικόνες. Έτσι, η εργασία στην εικόνα "δεν περίμενε", ο I. E. Repin πέρασε πολλές επιλογές. Αρχικά, σχεδιάστηκε ως ξαφνική επιστροφή της κορυφογραμμής (φοιτητής).

Οι κατάρα κατά τη στιγμή ήταν τα πιο προοδευτικά και ακόμη και επαναστατικά κορίτσια. Συχνά ενάντια στις διαθήκες των γονέων, έφυγαν από το σπίτι για να πάρουν μια εκπαίδευση. Ως εκ τούτου, η άφιξη του riverkit στο εγγενές σπίτι θα μπορούσε να είναι ένα γεγονός που έδωσε το υλικό για το έργο. Η Repin έγραψε ακόμη και μια επιλογή ζωγραφικής. Αλλά στη συνέχεια, εργάζονται στην εικόνα, ο καλλιτέχνης την άλλαξε, εμβαθύνοντας το περιεχόμενο. Και δεν έρχεται πλέον η κορυφογραμμή και οι επαναστατικές επιστροφές από τη σύνδεση. Νέες λεπτομέρειες εμφανίστηκαν στην εικόνα - την κομψή κοπέλα, αφήνοντας την αναφορά, την οποία όλα τα είδη του δίνουν ακόμη περισσότερο, καθώς η άφιξη ενός τέτοιου ατόμου σε αυτό το Σώμα είναι ασυνήθιστο. Στην τελική έκδοση, ο χαρακτήρας κάθε χαρακτήρα, η αναλογία στο SEMIAN αναφοράς είναι εξαιρετικά σαφής και η εικόνα απέκτησε ένα εντελώς διαφορετικό νόημα.

Και πόσοι καλλιτέχνης εργάζεται με κάθε τρόπο, πόσες φορές επαναρυθμίζονται, αλλάζουν! Η Repein δεν έχει λάβει επαναστατικό για μεγάλο χρονικό διάστημα. Ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε να βρει τη στάση του, ή μάλλον το κίνημα, ήταν δυσαρεστημένος με τον εαυτό του, υπέστησα, επανεξετάσαμε και ακόμη και το δομημένο για την πρόκληση της εικόνας. Η Repin προσπάθησε να διασφαλίσει ότι ο επαναστατικός στην εικόνα του ήταν ένας ήρωας και ταυτόχρονα απλό, συνηθισμένο πρόσωπο. Ήθελε να δείξει στη στάση του και κάποια αναποφασιστικότητα - θα δεχόταν κατά κάποιο τρόπο; - και αμέσως έκλεισε τη χαρά από το γεγονός ότι η οικογένεια τον δέχτηκε.
Σκέφτεστε μόνο, επειδή τέτοια σύνθετα συναισθήματα - η χαρά της επιστροφής και της αναποφασιστικότητας εξαιτίας του τρόπου με τον οποίο ο περίπου ο χρόνος του. , και εικονογραφεί ακόμη πιο δύσκολη. Έτσι αγωνίστηκε πάνω από αυτή την απάτη για τέσσερα χρόνια.
Και ακόμη και μετά την ολοκλήρωση της εικόνας και έδειξε στο κοινό, επέστρεψε επανειλημμένα στην εικόνα του επαναστατικού και το πρόσθεσε. Αυτός είναι ο τρόπος που οι καλλιτέχνες δουλεύουν σχεδόν κάθε εικόνα.

Και μερικές φορές συμβαίνει. Ο καλλιτέχνης εργάζεται για μεγάλο χρονικό διάστημα σε οποιοδήποτε σχήμα και στη συνέχεια αποδεικνύεται ότι είναι περιττό, και ... το αφαιρεί από τον καμβά, επειδή τίποτα δεν μιλάει στοιχεία ή αντικείμενα που μπορούν να αποσπάσουν την προσοχή του κοινού από το κύριο πράγμα . Για παράδειγμα, η ταινία "δεν περίμενε" η repin αφαίρεσε το σχήμα του γέρου που εισέρχεται στα αριστερά του μπαλκονιού. Και πόσο κόπο δαπανήθηκε για να το γράψω!

Ας δούμε μια άλλη εικόνα. Αυτό είναι επίσης μια πολύ διάσημη δουλειά που γράφτηκε από τον Vasily Ivanovich Surikov, "Menshikov στο Berezov".

Ποιος είναι ο Menshikov, θυμάστε από την ιστορία. Κοινωνία και φίλος Peter I καλλιτέχνης που απεικονίζεται στη σύνδεση όπου πήρε μετά το θάνατο του Πέτρου. Στο σκοτάδι, η κρύα καλύβα κάθεται στο Menshikov που περιβάλλεται από τα παιδιά του νεότερη κόρη διαβάζει. Αλλά κανείς δεν ακούει ότι ο καθένας της σκέφτεται γι 'αυτήν. Menshikov, Sullen, συγκεντρωμένες, προχωρημένες αναμνήσεις. Εξετάζει και πάλι το παρελθόν. Εξωτερικά, είναι ήρεμος, αλλά δεν συμφιλιώνει με το πεπρωμένο του. Η ισχυρή, υπερήφανη στάση, συμπιεσμένη σε μια γροθιά, το χέρι θα δώσει μια έντονη δύναμη σε αυτό. Αυτός, ως ένα τεράστιο βαρύ ογκόλιθο, ασφαλίζει πάνω από τα υπόλοιπα. Τα πόδια του έχουν μια ανώτερη κόρη. Λεπτό, ψυχρός αναπνοή σε ένα παλτό γούνας, κοίταξε τη ματιά της και ... δεν βλέπει τίποτα. Μια τέτοια κριτική εμφάνιση είναι ένας βαθιά συλλεκτικός άνθρωπος. Ο γιος του Menshikov επίσης δεν παρατηρεί επίσης το περιβάλλον, ακούει τις φωνές της νεότερης αδελφής. Τα δάχτυλά του θεωρούν αυτόματα το κερί με ένα κηροπήγιο. Από το κατεψυγμένο παράθυρο του Αρτίμου υπάρχει ένα φως, μια χαμηλή οροφή, φαίνεται, πιέζει πάνω τους.

Εάν δεν γνωρίζετε καν ποιοι άνθρωποι και τι συνέβη σε αυτούς, δεν μπορεί να είναι ήρεμος, κοιτάζοντας την εικόνα. Και πάλι, όπως "δεν περίμενε" repin, τόσο περισσότερο βλέπετε, τόσο περισσότερο παρατηρείτε, ανοίγετε περισσότερα, αρχίζετε να βλέπω τι δεν έδωσα προσοχή. Συνολικά, σχεδόν αγγίζοντας ο ένας τον άλλον, η οικογένεια Menshikov κάθεται, αλλά και μόνος καθένας από αυτούς! Πόσο μακριά είναι ο ένας από τον άλλο. Όλοι σκέφτονται για το δικό του. Και πώς είναι τα ρούχα τους, ^ Ισκουρά αρκούδα στο πάτωμα και ακριβό τραπεζομάντιλο ενός άθλιου, καταγγέλλοντας!

Κοιτάξτε και τις δύο αδελφές. Ανώτερος, χλωμός, με χαλαρά, και ίσως απρόσιτα μαλλιά, τυλιγμένα σε ένα παλτό γούνας. Νεότερος προσεκτικά χτενισμένος, ντυμένος είναι έξυπνος. Θα το παρατηρήσετε και να καταλάβετε: Το μεγαλύτερο δεν πιστεύει σε τίποτα, δεν ελπίζει για τίποτα, και η αδελφή της δεν έχει ακόμη χάσει τις ίδιες συνήθειες για την πολυτέλεια. Όσο περισσότερο κοιτάζετε την εικόνα, τόσο περισσότερο θα δείτε σε αυτό, και η έννοια του τι συμβαίνει θα γίνει ακόμα πιο βαθιά. Αλλά ανεξάρτητα από το πόσο παρακολούθησα, τα μάτια μας επιστρέφουν όλη την ώρα στο Menshikov, και εξ ου και η γεμάτη ευαίσθητη φιγούρα της παλαιότερης κόρης, από αυτά στο γιο του, την νεότερη κόρη του και πάλι σε αυτόν, στον Menshikov. Και δεν είναι τυχαία. Ο καλλιτέχνης συνειδητά δημιουργεί έτσι το έργο του έτσι ώστε η θέα του θεατή να περάσει από το ένα σχήμα στο άλλο, από το ένα θέμα στο άλλο. Στην ικανότητα να γράφετε ένα έργο έτσι ώστε ο θεατής να κερδίσει πρώτα μια εντύπωση από την εικόνα και στη συνέχεια πέρασε σε εξέταση εξαρτημάτων που θα τον βοηθούσαν να διαγράψει το περιεχόμενο βαθύτερο, αποτελείται από ένα από τα βασικά της σύνθετης δεξιοτήτων.

Πώς επιτυγχάνεται;

Ίσως ο κύριος καλλιτέχνης πρόσωπο που ενεργεί γράφει μεγαλύτερο ή να το φέρει στον θεατή; Εάν υπήρχε ένας τέτοιος απλός κανόνας, τότε όλες οι εικόνες θα ήταν πολύ παρόμοιες μεταξύ τους. Και δεν θα ήταν ενδιαφέρον να τα παρακολουθήσετε. Αλλά εξακολουθεί να υπάρχει κάποιος λόγος που προκαλεί τον θεατή να δώσει προσοχή στο κύριο πράγμα στην εικόνα, αλλά από αυτόν να πάει στα κόμματα.
Φυσικά, ο καλλιτέχνης έχει μια φιγούρα στην εικόνα με τέτοιο τρόπο ώστε ορισμένοι να είχαν παρατηρηθεί αμέσως, ενώ άλλοι πήγαν στο δεύτερο σχέδιο. Το κύριο πράγμα παραμένει στον τομέα της άποψης, υπάρχει ένας κανόνας: δεν πρέπει να υπάρχει τίποτα περισσότερο από Οτιδήποτε περιστασιακά στην εικόνα. Ο καλλιτέχνης εισάγει διάφορες λεπτομέρειες στην εικόνα δεν είναι εύκολη επειδή ήθελε να τα εισέλθει στην εικόνα και για να κάνει την ιδέα της εργασίας με τη βοήθειά τους. Διαφορετικά, όλες αυτές οι λεπτομέρειες θα αποσπάσουν τον θεατή από το κύριο. Αλλά έτσι σε καλά έργα δεν συμβαίνουν. Αυτός ο καλλιτέχνης δεν εισάγει τίποτα τυχαίο στην εικόνα και αν δεν ήταν πολύ σημαντικός κατά τη διάρκεια της εργασίας και εισήγαγε τίποτα, σίγουρα θα το αφαιρέσει.

Φυσικά, σε κάθε εργασία δεν υπάρχει μόνο το κύριο πράγμα, αλλά και δευτερεύον. Μετά από όλα, οι άνθρωποι που απεικονίζονται στην εικόνα ζουν όχι σε μηδέν, αλλά σε ένα συγκεκριμένο περιβάλλον και όλα όσα συμβαίνουν μεταξύ τους είναι στο σπίτι, στο δρόμο, στον τομέα, στο δάσος, στην εργασία. Και ο καλλιτέχνης δείχνει μια τέτοια κατάσταση που ακόμη καλύτερα βοηθά στην κατανόηση των ανθρώπων και της σχέσης τους.
Υπενθυμίστε την εικόνα της Repin "δεν περίμενε". Στα τείχη του δωματίου βλέπουμε πορτρέτα του Nekrasov και του Shevchenko. Και οι δύο ποιητές ήταν τραγουδιστές και οι μεσολαβητές του λαού. Έτσι, στο δωμάτιο όπου τα πορτρέτα τους κρέμονται, οι άνθρωποι που αγαπούν και θα σεβόμαστε απλούς ανθρώπους. Φανταστείτε ότι αντί για αυτά τα πορτραίτα θα κρεμαστούν ακριβώς εικόνες από μερικούς ανθρώπους που δεν είναι εξοικειωμένοι με εμάς, τότε η συγκεκριμένη βεβαιότητα θα εξαφανιστεί αμέσως που μας βοήθησε καλύτερα να κατανοήσουμε το νόημα.

Κοιτάξτε την κοπέλα. Διατηρεί ακόμα τη λαβή της πόρτας. Σκεφτείτε τυχαία; Δεν. Αυτή η χειρονομία υπογραμμίζει τον φόβο και την αμηχανία της: άνοιξε ελαφρώς την πόρτα, αλλά δεν την άνοιξε ανοικτή και άκουσε το άγνωστο άτομο. Και το γυμναστήριο; Έχει ένα λεπτό, λεπτό, το ρούχο είναι λίγο μεγάλο, αγόρασε την ανάπτυξη. Δεν λέει για τη σπάνια της οικογένειας; Στεφείς ότι ο καλλιτέχνης εισέρχεται στην εικόνα μόνο τέτοιες λεπτομέρειες που συμβάλλουν στην κατανόηση της σημασίας. Και ανεξάρτητα από το πόσο καλό είναι κάπως λεπτομέρειες, λεπτομέρειες, αλλά αν δεν συμβάλλει σε μια βαθύτερη κατανόηση του περιεχομένου, βλάπτει μόνο το έργο. Αλλά ο καλλιτέχνης όχι μόνο αφήνει τις απαραίτητες λεπτομέρειες στην εικόνα του, αλλά αυτό Έχει τα πάντα σε αυτό, έτσι ώστε το κύριο πράγμα να είναι αισθητό, έτσι ώστε το δευτερεύον να μην βγαίνει προς τα εμπρός και βοήθησε να κατανοήσουμε το κύριο πράγμα που οι λεπτομέρειες δεν παραβιάζουν την ακεραιότητα της αντίληψης. Και ακόμη και το μέγεθος της εικόνας δεν είναι τυχαίο, είτε είναι χτισμένο κάθετα ή τεντωμένο στυλ.

Κάθε εικόνα δεν έχει μόνο ένα συγκεκριμένο μέγεθος, μια αυστηρή σύνθεση, αλλά και γράφτηκε από τα χρώματα, ζωγραφισμένα.

Επομένως, η ζωγραφική λαμβάνει το όνομά του, πράγμα που σημαίνει ένα σχέδιο, δηλαδή μια εικόνα στο επίπεδο των διαφόρων αντικειμένων με χρώμα.
Το γεγονός ότι η εικόνα χορηγείται με το χρώμα είναι ένα σημαντικό χαρακτηριστικό χαρακτηριστικό της ζωγραφικής. Για να αντιληφθεί το γραφικό έργο, το χρώμα είναι πολύ σημαντικό, αλλά είναι σημαντικό όχι μόνο στη ζωγραφική.

Φανταστείτε ότι μπροστά σας σε μια αρκετά μεγάλη απόσταση είναι πολλοί άνθρωποι. Σε ποιον στρίβετε πρώτα; Φυσικά, σε αυτόν που είναι έντονα ντυμένος, ειδικά αν τα χρώματα εναλλάσσονται μεταξύ τους: μαύρο - με λευκό, κόκκινο - με μπλε, κλπ. D.and φανταστείτε ότι όλοι θα ντυθούν με τον ίδιο τρόπο με τους φυσικούς συμβούλους στο Parade, τότε δεν θα παρατηρήσετε κάθε άτομο ξεχωριστά, αλλά η στήλη στο σύνολό της. Εδώ είναι οι ίδιοι νόμοι, μόνο, φυσικά, σε έναν πιο πολύπλοκο συνδυασμό, ο καλλιτέχνης εφαρμόζεται.

Στην ταινία Repin "δεν περίμενα", πρώτα η εμφάνιση σταματά στη μητέρα, επειδή είναι ντυμένη με μαύρο χρώμα και το μεγάλο σχήμα του σε μαύρο είναι ιδιαίτερα αισθητό στο φόντο των φωτεινών τοίχων του δωματίου.
Στην εικόνα του Surikov, ο γκρίζος επικεφαλής του Menshikov ξεχωρίζει στο φόντο της ζοφερής καλύβας και των βρώμικων τοίχων του. Όλη η φωτογραφία του Surikov είναι χτισμένη σε απότομες έγχρωμες αντιθέσεις. Φωτεινά λεκέδες των παραθύρων, τα πρόσωπα, τα βιβλία, τα λευκά δέρματα φέρουν τα δέρματα επισημαίνονται στο φόντο των σκοτεινών τόνων του τοίχου και των παλτών γούνας της ηλικιωμένης κόρης.

Σημαίνει ότι ο καλλιτέχνης χτίζει τη σύνθεση όχι μόνο στη συνεπή ανάπτυξη του οικόπεδο, αλλά και στην αντίθεση των χρωμάτων σημείων. Και όλα αυτά τα μαζί αποκαλύπτουν το περιεχόμενο.
Φανταστείτε ότι ο καλλιτέχνης θα κανονίσει όλους τους αριθμούς της εικόνας κατά τυχαία, θα τους έκανε το ίδιο μέγεθος και κέρδισε σε εξίσου φωτεινά ρούχα. Στη συνέχεια, η άποψη του θεατή μετακινήθηκε ανήσυχα από ένα σχήμα σε άλλο, χωρίς να γνωρίζει τι να σταματήσει. Όλα θα προσελκύσουν εξίσου και η έννοια του έργου δεν θα ήταν προφανής σε εμάς.
Προκειμένου να εντοπίσει την ιδέα του έργου του, ο καλλιτέχνης δεν είναι μόνο αριθμοί και αντικείμενα, αλλά και τα έγχρωμα κηλίδες στην εικόνα είναι πολύ προσεκτική, σύμφωνα με την ιδέα της εργασίας.

Αυτός είναι όταν όλα αυτά ληφθούν υπόψη, συναρμολογείται όταν όλα βρίσκονται όλα, συνέβη τελικά στα μέρη μας, τότε το έργο γίνεται εκπληκτικά στερεό και φαίνεται ότι όλα πρέπει να είναι διαφορετικά. Και τώρα είναι αδύνατο να αφαιρέσετε οτιδήποτε από το έργο και να προσθέσετε τίποτα σε αυτόν για να μην αλλάξει το νόημά της.
Και εμείς, το κοινό, ας δούμε, να σηκωθούμε δέκα και δεκαπέντε λεπτά, και πριν από αυτό όλοι μας φαίνονται καλά και απλά ότι δεν θα έχουμε καν την ιδέα για το πόση δουλειά, η ενθουσιασμός και τα συναισθήματα επενδύουν τον καλλιτέχνη στο πνευματικό του. Και το πιο πιστό σημάδι ότι το έργο είναι εντελώς, τι δεν παρατηρούμε πώς γίνεται. Κοιτάζουμε, απολαμβάνουμε, η εικόνα ευχαριστεί το μάτι, ξυπνάει, κάνει κάτι να αισθάνεται και να σκεφτεί κάτι. Βλέπουμε και παρατηρούμε το περιεχόμενο, σχεδόν δίνοντας προσοχή στην εκτέλεση. Και, αν ναι, τότε επιτυγχάνεται ο σκοπός του καλλιτέχνη.

Αλλά αν κάτι στην εικόνα δεν κατάφερε να δώσει ξαφνικά προσοχή σε κάποιες λεπτομέρειες ή δεν θα ήταν σαφές τι έδειξε τι ήθελε να πει ο καλλιτέχνης. Ή μόνο οι άνθρωποι θα φαίνονται, θαυμαστούν, αλλά ... καθόλου που πρέπει να θαυμάσουν.
Πιθανότατα έπρεπε να ακούσετε το κοινό, να στέκεστε κοντά στην εικόνα, λένε: "Ω, τι γοητεία! Δείτε πώς αυτό το κουμπί είναι υπέροχο εδώ: απλά θέλετε να αγγίξετε και το φόρεμα; Ή, επιστρέφοντας στο σπίτι, συμβουλεύστε τους οικεία και τους γείτονες να δουν την εικόνα, αλλά να επαινέσετε το έργο για εκτέλεση σε αυτό μερικές λεπτομέρειες, κάποια μικροσκοπική.
Ή ίσως εσείς μερικές φορές παρακολουθούσε τις εικόνες και λοιπόν μίλησε γι 'αυτούς;

Λοιπόν, εδώ είναι δύο λόγοι: ή ο καλλιτέχνης απέτυχε να μεταφέρει το κύριο πράγμα και οι λεπτομέρειες αναχώρησαν από εσάς την οντότητα ή δεν μπορείτε να παρακολουθήσετε εικόνες. Και μάλλον, και τα δύο.
Θυμηθείτε τον Menshikov στο Berezov. Με την οποία η αξεπέραστη δεξιότητα γράφεται από ένα βελούδινο παλτό, σύγχυση με λευκή γούνα, μια φούστα απόνοθηκον, λαμπτήρες φωτός στη γωνία, ένα φευγαλέα παράθυρο! Ναι, οποιοδήποτε κομμάτι ζωγραφικής. Είτε το πρόσωπο ενός ατόμου ή ενός ένδυσης, το περιβάλλον της καλύβας - όλα γράφονται με ακραία τελειότητα.
Αλλά τελικά, δεν αγγίζει κανέναν να πει: "Πηγαίνετε στη γκαλερί tretyakov, δείτε πώς η φούστα Parchka είναι γραμμένη στην κόρη του Menshikov!" Θα πείτε διαφορετικά: "Κοιτάξτε την εικόνα της Surikova. Τι ισχυρή προσωπικότητα του Menshikov είναι απλά ένα λιοντάρι σε ένα κλουβί! Τι μια τραγωδία έχει βιώσει έναν άνθρωπο!"
Αλλά μην θαυμάζουμε πώς γράφεται αυτή η εικόνα; Φυσικά, θαυμάστε. Προσέγγιση για πρώτη φορά, μερικές φορές το θεωρούμε για μεγάλο χρονικό διάστημα, όπως τελείωσε, είμαι έκπληκτος που φαίνεται να αναμιγνύεται στο χρώμα, πολύ τυχαία, τα ακατέργαστα ακατανόητα εγκεφαλικά επεισόδια, αλλά. Αξίζει να απομακρυνθεί μόνο να απομακρυνθούν, τα ίδια χρώματα στην ίδια εικόνα φαίνεται να είναι στη θέση τους και δεν φαίνεται πλέον ούτε χρώματα ούτε κηλίδες, αλλά με ακρίβεια μεταφέρουν το χρώμα των διαφορετικών αντικειμένων.

Τι ο καλλιτέχνης φτάνει στην εκφραστικότητα, η πειστικότητα των έργων του;
Έχουμε ήδη πει ότι στο έργο μας έχει ανθρώπους και αντικείμενα έτσι ώστε οι λεπτομέρειες να εξαρτώνται από το κύριο πράγμα. Αλλά επίσης σημείωσε ότι στη ζωή και στην εικόνα είμαστε εντυπωσιασμένοι αυτό που διακρίνεται από τη φωτεινότητα, στο χρώμα. Και αυτό το χαρακτηριστικό, ο καλλιτέχνης λαμβάνει επίσης υπόψη, συνδυάζοντας την εικόνα.
Και τις παρατηρήσεις και τις αναζητήσεις και την επιλογή των ηρώων των μελλοντικών έργων και την επιλογή της κατάστασης στην οποία θα δράσουν και η υποταγή ολόκληρης του έργου του ιδεολογικού σχεδιασμού - όλα αυτά είναι εγγενή σε κάθε τύπο τέχνης , συμπεριλαμβανομένης της οπτικής τέχνης.

Τότε θα μιλήσουμε για τη γλυπτική και τα γραφικά, και θα δείτε ότι η κύρια διαφορά στη ζωγραφική από αυτά τα είδη εξαιρετικής τέχνης είναι ότι ο καλλιτέχνης δημιουργεί μια εικόνα του χρώματος. Φαίνεται να είναι το γεγονός ότι κάθε αντικείμενο στην εικόνα είναι παρόμοια με το πρωτότυπο του στην πραγματικότητα.
Ο καλλιτέχνης παίρνει τα πιο συνηθισμένα χρώματα από το σωλήνα και. Έχοντας τους σε καμβά με κάποιο τρόπο, φτάνει στο γεγονός ότι το πρόσωπο και τα χέρια του ίδιου του ατόμου είναι το χρώμα του σώματος, το δέντρο μοιάζει με ένα δέντρο, και κάθε ύφασμα θα φανεί βαρύ ή ελαφρύ, διαφανές ή λαμπερό.

Αλλά καθώς αυτός είναι ένας καλλιτέχνης με συμβατικά χρώματα πετρελαίου, που αποτελείται από φυτικά έλαια, αυτό που όλοι μπορούν να γράψουν, επιτυγχάνει ένα τέτοιο εξαιρετικό αποτέλεσμα; Υπάρχουν πολλές ευαίσθητες τεχνικές, τρόπους, νόμους, αλλά θα πούμε μόνο για τα πιο βασικά.
Μπορεί να ειπωθεί ότι ο καλλιτέχνης έτσι αναμιγνύει τα χρώματα που αποκτούν αυτό το ειδικό χρώμα που είναι εγγενές στην εικόνα. Στη συνέχεια, το χρώμα από το σωλήνα παύει να είναι απλά μπλε ή λευκό, και γίνεται το κόκκινο χιόνι και το γαλάζιο του ουρανού.

Πιθανώς θα εκπλαγείτε και να σκεφτείτε:
"Και τι γίνεται με αυτό; και γιατί χρειάζεστε για να αναμίξετε το χρώμα; Το λευκό είναι λευκό, μπλε - μπλε, μπλε - μπλε."
Αποδεικνύεται ότι δεν είναι. Ο γαλάζιος ουρανός είναι ένα πράγμα, και το μπλε φόρεμα είναι εντελώς διαφορετικό. Λευκό χιόνι, λευκό καπέλο γούνας, λευκό γιατρός μπουρνούζι, λευκά σύννεφα και πολλά άλλα φαινόμενα της φύσης και αντικειμένων του λευκού willa είναι όλα διαφορετικά.
Και όχι επειδή το χιόνι είναι χνουδωτό, αλλά μια ρόμπα είναι ομαλή, δηλαδή όχι μόνο λόγω της ποιότητας του ίδιου του υλικού, αλλά και στο χρώμα.

Παρακολουθήστε με κάποιο τρόπο πώς τα λευκά κύπελλα μοιάζουν με ένα λευκό τραπεζομάντιλο. Ή λευκό παλτό γούνας στο χιόνι. Και δεν μπορείτε να βοηθήσετε, αλλά να παρατηρήσετε ότι υπάρχουν πολλές αποχρώσεις ενός λευκού χρώματος. Το λευκό παλτό γούνας στο χιόνι μπορεί να φαίνεται κάπως πιο σκούρο από το χιόνι, και στο σπίτι, μεταξύ άλλων παλτών, φαίνεται ασυνήθιστα λευκό.
Και επίσης το χιόνι: το πρωί είναι ένα χρώμα, θα είναι διαφορετικό το απόγευμα, το βράδυ - το τρίτο. Και όχι επειδή θα μολυνθεί για μια μέρα, αλλά επειδή το πρωί, το απόγευμα και το βράδυ θα υπάρξει διαφορετικός φωτισμός και θα φανεί διαφορετικά στο χρώμα.
Και έτσι κάθε στοιχείο έχει το δικό του χρώμα, αλλά σε διαφορετικές ώρες της ημέρας. Με διαφορετικό φωτισμό, ανάλογα με το χρώμα που περιβάλλεται, το χρώμα θα φαίνεται διαφορετικό.
Ως εκ τούτου, για να γράψετε ένα απλό κομμάτι λευκού καμβά, δεν αρκεί για να πάρετε ένα λευκό χρώμα και να ζωγραφίσετε την εικόνα του υφάσματος. Θα υπάρχει χρώμα και τα χρώματα δεν θα.
"Τι χρειάζεστε," ρωτήστε ξανά, "έτσι ώστε το χρώμα να γίνει χρώμα στην εικόνα του καλλιτέχνη;"
Είναι απαραίτητο το χρώμα να συνδυάζεται με άλλους, που βρίσκεται στην εικόνα, για κάθε ζωγραφισμένο αντικείμενο δίνει μια άλλη από τις σκιά του.
Είναι απαραίτητο τα χρώματα της εικόνας να συνδυάζονται έτσι. Έτσι ώστε όλοι μαζί δημιούργησαν ένα γραφικό σύνολο.

Πάρτε οποιοδήποτε κομμάτι της εικόνας και το εξαντλήσει από το υπόλοιπο τι συνέβη;
Ο Μαύρος έπαψε να είναι μαύρος, και έγινε σαν γκρι. Και το λευκό έγινε ένα είδος θαμπό, βρώμικο και καθόλου σαν ένα υπέροχο λευκό φόρεμα, το οποίο φαινόταν όταν φαινόταν όλη την εικόνα γενικά.
Τώρα ανοίξτε τους υπόλοιπους πίνακες και όλα θα είναι στη θέση τους ξανά: το λευκό έχει γίνει λευκό, μαύρο - μαύρο.

Βρείτε την ενότητα των σχέσεων χρωμάτων - σημαίνει να αρχίσετε να γυρίζετε το χρώμα στο χρώμα. Αυτός ο συνδυασμός διαφορετικών χρωμάτων στην εικόνα που σχηματίζει μια ενιαία οπτική εντύπωση έχει το δικό του ειδικό όνομα. Λέγεται Χρωμάτινο (από τη λατινική λέξη χρώμα - χρώμα).

Ο καλλιτέχνης θα πρέπει να καθορίσει ακριβώς, να βρει το χρώμα του θέματος, να δείξει πώς θα φανεί ανάλογα με τον φωτισμό.
Και είναι επίσης απαραίτητο να ληφθεί υπόψη ότι εάν το ένα μέρος του θέματος ανάβει και το άλλο δεν είναι. Φαίνεται ότι θα είναι διαφορετικά, αν και το χρώμα τους είναι ένα.
Δεδομένου ότι ο καλλιτέχνης δημιουργεί το έργο του με χρώμα, στη συνέχεια από τη σωστή αναπαραγωγή χρωμάτων, από τη δυνατότητα να βρει τη συμμόρφωσή τους με τη σχέση με πολλούς τρόπους, όχι μόνο καλλιτεχνικές ιδιότητες, αλλά και η αλήθεια του έργου.

Το μόνο που είπαμε τώρα, μπορούν να εντοπιστούν σε οποιοδήποτε γραφικό έργο και σε όσους θεωρήσαμε. Αλλά ας δούμε και άλλες εικόνες. Κοιτάξτε, τι είναι;

Ένας άνδρας σε ένα μαύρο δερμάτινο μπουφάν και ένα ναυτικό ριγέ γιλέκο, με τα χέρια που βρίσκονται πίσω από την πλάτη του ήρεμα στέκεται, εξαπλώνεται τα πόδια πλάτος. Κοντά στο κορίτσι στην Τουλούκ. Αυτοί είναι υπόγεια που εργάστηκαν στο πίσω μέρος σε λευκό. Πιάστηκαν και ανακρίθηκαν. Η εικόνα ονομάζεται. "Ανακάλυψη των κομμουνιστών" και έγραψε το διάσημο σοβιετικό ζωγραφισμένο Β. V. Johanson.
Ο ναυτικός και η κοπέλα δεν στέκονται μόνο, αλλά αντιτίθενται στην ομάδα των ερωτηθέντων των λευκών φρουρών τους. Ανακρίνετε τον Γενικό Γενικό άνθρωπο και δύο νέους
αξιωματικός.

Τώρα ας δούμε προσεκτικά την ανακριβή.
Ένας άνδρας κατέχει ήρεμα, το κορίτσι κρατά πίσω τον ενθουσιασμό. Τράβηξε τα χέρια της (έτσι οι άνθρωποι κάνουν όταν θέλουν να απομακρυνθούν το εσωτερικό τρέμωμα, έτσι ώστε κανείς δεν την παρατήρησε) και να έβλαψαν τα μάτια της ελαφρώς.
Και λευκό;
Ο στρατηγός δεν είναι σχεδόν αισθητός λόγω της καρέκλας στην οποία κάθεται, μόνο τα κεφάλια του και ένας λαιμός bugger είναι ορατά.
Ένας θυμωμένος κοιτάζει έναν νεαρό αξιωματικό στο Cherkysk, με μια στοίβα στο χέρι. Ο τρίτος, αξιωματικός με ομαλά χτενισμένα σε ίσια μαλλιά δείγμα, θεωρεί κάποιο κομμάτι χαρτιού.
Ότι ήταν τόσο εξοργισμένοι - η σιωπή των κομμουνιστών ή μια απότομη ανταπόκριση του ναύτη, είναι άγνωστη. Ναι, και όχι τόσο σημαντικό. Άλλα σημαντικά: Οι κομμουνιστές είναι ισχυρότεροι από αυτούς τους ανθρώπους. Που διατηρούσαν, επέζησαν.
Και, αν και θεωρείται ότι οι αξιωματικοί που έσπευσαν από την επιμονή τους μπορούν να τους πυροβολούν, ξέρετε ότι η δύναμη είναι αλήθεια - από την πλευρά των κομμουνιστών. Είναι τόσο ήρεμοι, επειδή είναι σίγουροι, που σχετίζονται με την επιχείρησή τους. Και δεν μπορούμε να τους θαυμάσουμε και το κατόρθωμά τους.

Είδαμε μαζί σας τι είναι γραμμένο στην εικόνα "ανάκριση των κομμουνιστών", μιλήσαμε για το περιεχόμενό του.
Τώρα ας δούμε πώς ο καλλιτέχνης έγραψε την εικόνα του, ποια εικονογραφική σημαίνει ότι έδωσε το περιεχόμενό της, και σε αυτό θα σταματήσουμε περισσότερα, γιατί πρέπει να μάθουμε πώς να κατανοήσουμε τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής και, ειδικότερα, είναι ακόμα καλύτερο να καταλάβουμε τι Το χρώμα είναι και ποιος ρόλος παίζει σε ένα γραφικό έργο.
Η προσοχή μας επικεντρώνεται στους κομμουνιστές, επειδή το φως που πέφτει από πάνω, με τη μεγαλύτερη δύναμη φωτίζει τα πρόσωπά τους και τα στοιχεία τους. Στους αξιωματικούς της ομάδας PU, το φως δεν πέφτει τόσο έντονα, όπως ήταν, στη σκιά, και ως εκ τούτου τους παρατηρήσουν αργότερα.
Το μόνο που δεν σχετίζεται άμεσα με αυτή τη σύγκρουση των δύο δυνάμεων. Δίνεται ένας καλλιτέχνης μόνο για να καθορίσει το θέμα, αλλά να μην καθυστερήσει την προσοχή του θεατή σε αυτό. Μόλις αισθητά το παράθυρο με ένα μπλε-eyed χιόνι από το βραδινό φωτισμό με χιόνι, οι τοίχοι του δωματίου είναι ελαφρώς γραμμένοι.

Τα κομμουνιστικά στοιχεία είναι ιδιαίτερα εκφραστικά λόγω της αντίθεσης τους με το περιβάλλον. Θυμηθείτε, είπαμε ότι η αντίθεση είναι ένα σημαντικό μέσο εκφραστικής σύνθεσης. Αλλά εκεί αφορούσαμε μόνο μία πλευρά αντίθεσης - την αντίθεση του χρώματος. Τώρα προσθέστε σε ό, τι έχει ειπωθεί ότι η αντίθεση μπορεί να είναι ψυχολογική όπως. Για παράδειγμα, σε αυτή την εικόνα.
Αντιθέτησε ολόκληρη την κατάσταση για αυτούς τους ασυνήθιστους ανθρώπους σε αυτό, πράγμα που φαίνεται να έχει ανθρώπους άλλων ανθρώπων εδώ. Αυτή η αντίθεση βοηθά να αισθανθεί ο αιχμηρός αγώνας που αναπαράγεται ο καλλιτέχνης. Το χαλί στο πάτωμα, φωτεινές στολές των αξιωματικών, καρέκλες με καλή ταπετσαρία, από τη μία πλευρά, και τις χοντρές περιελίξεις, το δερμάτινο μπουφάν και το γιλέκο ναυτικών, το απλό tuluochik και ένα μη-turbid κορίτσι καπέλο - Onfer? Οι πλήρεις, οι κομψοί άνθρωποι των αξιωματικών και των απλών ευγενών αντιμετωπίζουν - όλα αυτά αντιτίθενται μεταξύ τους.

Η ένταση της κατάστασης υπογραμμίζεται με τις έγχρωμες αντιθέσεις του κόκκινου, του μπλε, του αγοριού, του μαύρου.
Με τη βοήθεια του χρώματος, ο καλλιτέχνης μεταδίδει φωτισμό, τη μορφή αντικειμένων, το υλικό, και αν ούτε το φωτεινό χρώμα, το οποίο είναι γραμμένο στην εικόνα, είναι συνεπείς μεταξύ τους, συνιστούν ενότητα.
Εάν δεν ήταν, κάθε σχήμα στην εικόνα θα γίνει αντιληπτή ξεχωριστά, η εικόνα θα ήταν motley και θα ήταν πολύ δύσκολο να το εξετάσουμε.

Και στην εικόνα "Δεν περίμενα", για το οποίο γνωρίζετε ήδη, εντελώς διαφορετικά χρώματα: φωτεινή μπλε ταπετσαρία, Lilac φόρεμα, απαλό χρώμα της ταπετσαρίας των καρέκλες. Με τέτοια χρώματα, το ακίνητο δεν μπορούσε να είναι. αλλά. Εάν ο καλλιτέχνης το έκανε λίγο λιγότερο από το μπλε, λιλά, κλπ., Αναπόφευκτα θα υπήρχε μια απαλλαγή, μυρμήγκιασμα, όπως λένε οι καλλιτέχνες. Και δεν θα υπήρχε κανένα χαρούμενο, ελαφρύ συναίσθημα, το οποίο δημιουργεί την εικόνα της Repin.

Λίγο, λίγο λιγότερο - και θα ήταν κακό, και όταν ακριβώς σωστό - είναι καλό.
Αυτό είναι ένα πολύ λεπτό πρόσωπο, και δεν είναι τυχαίο ότι η ζωγραφική "κρατάει λίγο."
Εάν με τη βοήθεια του χρώματος, ο καλλιτέχνης μεταδίδει τη ζωγραφική του αντικειμένου, το σχήμα του, το υλικό από το οποίο γίνεται, τότε η γεύση έχει το σύνολο της ζωγραφικής και όχι μόνο αποκαλύπτει τον θεατή όλο τον πολύχρωμο πλούτο του κόσμου, αλλά συμβάλλει επίσης στην έκφραση του περιεχομένου. Και πόσο σημαντικό είναι να βρείτε την επιθυμητή γεύση να λύσει την εικόνα, να αποκαλύψει την ιδέα, ακολουθήστε την εργασία B. V. Johanson πάνω από την "ανάκριση των κομμουνιστών".

Όταν η ιδέα της εικόνας ήταν σαφής (σε σύγκριση με τις ασυμβίβαστες δυνάμεις της κλάσης), το οικόπεδο βρέθηκε (η ανάκριση των κομμουνιστών με λευκούς φρουρούς) βρέθηκε, η κατάσταση (το σπίτι του κατασκευαστή) καθορίστηκε και ακόμη και τις λεπτομέρειες του ( Τα δάπεδα ήταν ζωγραφισμένα, υπήρχε ένα χαλί πάνω τους, στη γωνία - εικόνες, παγωμένες μέρες, τα παράθυρα του Zeindeva), ο καλλιτέχνης άρχισε να αναζητά την πολύ γραφική απόφαση.
Σε ένα από τα σκίτσα, προσπάθησε να δώσει μια σκηνή στον φωτισμό ημέρας. Αποδείχθηκε, σύμφωνα με τον ίδιο, κάτι χαρούμενο: "Κατεψυγμένο παράθυρο, ο ήλιος λάμπει μέσα από αυτό", τα κουνελάκια του ήλιου τρέχουν στους τοίχους και το πάτωμα.
Μήπως ένας τέτοιος φωτισμός μπορεί να εκφράσει όλη την ευκρίνεια της στιγμής που έπρεπε να είναι στην εικόνα; Φυσικά και όχι.
Και ο καλλιτέχνης σε ένα άλλο σκίτσο απεικόνισε αυτή τη σκηνή τη νύχτα, με φωτισμό βράδυ. Αποδείχθηκε έντονη, δραματική. Ταυτόχρονα, η σύνθεση της εικόνας. Όλα αυτά μαζί - ο φωτισμός και η άλλη θέση των αριθμών - έδωσαν ένα άλλο νόημα: οι κομμουνιστές, αν και στέκονται συνδεδεμένοι, σαν να έρχονται σε λευκούς φρουρούς.
Ναυτικό σχήμα, ντυμένος με μαύρο χρώμα, και κορίτσι σε κίτρινο σαφώς ορατό σε ένα κόκκινο χαλί σε μια φωτεινή δέσμη φωτός. Λόγω του φωτισμού, και οι δύο αριθμοί φαίνονται απότομα.

Η ζωγραφική Β. V. Johanson γράφτηκε σε κόκκινο-καφέ τόνους, στην "ζεστή γεύση", όπως θα έλεγε ο καλλιτέχνης. Και ήταν απαραίτητο να δημιουργηθούν εντάσεις που απαιτούνται στην εικόνα.
Όπως μπορείτε να δείτε, δεν είναι καθόλου ούτως ή άλλως για την έννοια της εικόνας, όταν η εικόνα: θυμωμένος τι συμβαίνει, το απόγευμα ή τη νύχτα, σε ένα φωτεινό χρώμα ή σκοτεινό.
Ο καλλιτέχνης όχι μόνο μεταφέρει ορατά, όχι μόνο δίνει την εκτίμησή του για τα γεγονότα, αλλά και τον ίδιο τρόπο της επιστολής συμβάλλει στην αποκάλυψη της σημασίας της απεικονιζόμενης.

Έτσι, το χρώμα και ιδιαίτερα η γεύση συμβάλλουν στην αποκάλυψη του περιεχομένου του εικονογραφικού έργου, της έκφρασης της ιδέας. Ο χρωματισμός δημιουργεί μια διάθεση, βοηθά στη μεταφορά της χαράς ή της θλίψης, το αίσθημα του χώρου, το γεωγραφικό πλάτος της φύσης και πολλά άλλα και έχει μεγάλη σημασιολογική έννοια στην εικόνα.

Μερικοί καλλιτέχνες πιστεύουν ακόμη ότι ένα πολύχρωμο συναίσθημα, δηλαδή η ικανότητα να βλέπεις και να συνδυάζει την ομορφιά των χρωματιστών σχέσεων, υπάρχει η πιο σημαντική ποιότητα του καλλιτέχνη.
"Υπάρχει μια γεύση - υπάρχει ένας καλλιτέχνης, δεν υπάρχει χρώμα - κανένας καλλιτέχνης", δήλωσε ο Surikov.
Μπορούμε να πούμε ότι το χρώμα είναι το έγχρωμο όραμα του κόσμου από τον καλλιτέχνη. Μετά από όλα, σκεφτόμαστε ένα νέο έργο, δεν βρίσκει όχι μόνο ένα γεγονός που θέλει να απεικονίσει, αλλά και αυτές τις σχέσεις χρώματος που μπορούν να το εκφράσουν γραφικά.
Και ο καλλιτέχνης που ξέρει πώς να δει, να μαντέψει και να μεταφέρει τα χρώματα, εκ των οποίων αυτό το χρώμα αποτελείται, βρίσκει γεύση.
Μερικές φορές ο καλλιτέχνης θα τον αισθανθεί αμέσως, μερικές φορές ψάχνει για μεγάλο χρονικό διάστημα. Και να βρούμε μια γεύση - σημαίνει να κάνετε πολλά για να λύσετε την εικόνα.
Αλλά θα ήταν λάθος αν αποφασίσετε ότι το χαρούμενο γεγονός θα πρέπει να γραφτεί με φωτεινά, ελαφρά χρώματα και τραγικό - σκοτεινό, ζοφερές. Δεν. Εάν ήταν γνωστό εκ των προτέρων το χρώμα που θα μπορούσε να εκφραστεί ποια διάθεση, τότε θα ήταν απλό. Θέλετε να εκφράσετε τη χαρά - γράφοντας κόκκινο, θλίψη - μαύρο. Και, αν και είναι πραγματικά ένα κόκκινο χρώμα μαζί μας σχετίζεται με τις διακοπές, και το μαύρο - με πένθος, στη ζωγραφική τα πάντα είναι πολύ πιο περίπλοκα.

Είπαμε ότι η εικόνα του Johanson "ανάκριση των κομμουνιστών" γράφτηκε στο καφέ-κόκκινο γάμμα, στην "ζεστή γεύση", και αυτό το χρώμα βοηθά να αποκαλύψει το δράμα που απεικονίζεται από τον καλλιτέχνη.
Αλλά μια άλλη εικόνα, η γεύση του οποίου μπορεί επίσης να καθοριστεί από τη λέξη "Hot". Φυσικά, δεν είναι τόσο αρέσει στην "ανάκριση των κομμουνιστών", αλλά εδώ κυριαρχούν επίσης καφέ και κόκκινο, ζεστούς τόνους. Αυτό είναι το "δείπνο των οδηγών του ελκυστήρα" Α. Α. Plastov.

Καλοκαιρινό βράδυ. Εκείνη την ώρα όταν ο ήλιος, πριν κρύβεται πίσω από τον ορίζοντα, φωτίζει τη γη με τις τελευταίες πορτοκαλί-κόκκινες ακτίνες. Αυτές οι ακτίνες είναι γεμάτες με μεγάλα πατώματα και τεντώνουν τη γη και τους ανθρώπους στο προσκήνιο. Ο οδηγός του ελκυστήρα σε ένα κόκκινο μπλουζάκι και άγγιξε πάνω του. Στέκεται στα γόνατά του, κόβει ένα ψωμί μεγάλων φέτες. Ένα κορίτσι σε μια λευκή ασθενή και ένα λευκό παλτό ρίχνει το γάλα σε ένα μπολ. Ο νεαρός άνδρας, προφανώς ο βοηθός του οδηγού ελκυστήρα, βρίσκεται στο έδαφος και κοιτάζει το γάλα από το Bidon.
Δεν υπάρχει μεγάλη, λεπτομερής αφήγηση. Ο καλλιτέχνης έδειξε ελάχιστα, αλλά είπε πολλά για αυτούς τους ανθρώπους.

Μπορεί να φανεί ότι είναι ένα Prad, όταν είναι ιδιαίτερα ακριβό. Ο οδηγός του ελκυστήρα διακόπτει μόνο το έργο για ένα λεπτό και εδώ, όχι το ντους του κινητήρα του ελκυστήρα, πρόκειται να φάει γρήγορα και να το πάρει ξανά. Έχει εργαζόμενους, γυμνά χέρια, ένα πρόσωπο αντίχειρα με σκληρές τρίχες, τα μαλλιά με μακριά μαλλιά χτυπούν από κάτω από το καπάκι. Τώρα δεν έχει χρόνο να ακολουθήσει την εμφάνισή του. Αλλά έχει ομορφιά. Αυτή είναι η ομορφιά του ίδιου του ατόμου, ο εργαζόμενος ξεχνάει την εργασία για τον εαυτό του. Η σκληρή και θαρραλέα εικόνα του οδηγού ελκυστήρα υπογραμμίζεται ακόμη περισσότερο από την απαλή εμφάνιση του κοριτσιού.
Όλη αυτή η ομάδα είναι ένας οδηγός τρακτέρ, ένας νεαρός άνδρας και ένα κορίτσι - παράγει μια εντύπωση της ολότητας και της ποίησης. Στη δημιουργία της ποιητικής εικόνας, η Torista εμπλέκεται επίσης στη φύση που φαίνεται ιδιαίτερα εντυπωσιακή στο λαμπερό βραδινό φως και γεύση τους πίνακες.

Φανταστείτε ότι ο καλλιτέχνης θα γράψει την ίδια ομάδα όχι στο ζεστό έτος, όχι το βράδυ, αλλά σε μια ζοφερή μέρα ή όταν ο ήλιος έχει ήδη φύγει. Θα είχε εξαφανιστεί μια αίσθηση έντασης εργασίας.
Και εδώ - οι ακτίνες του ήλιου πέφτουν απευθείας στον οδηγό του ελκυστήρα και τον βοηθό του, και αυτός ο φωτισμός ρίχνει αιχμηρά χρώματα και σκιές στα πρόσωπά τους και τα στοιχεία τους.
Το κορίτσι φωτίζεται διαφορετικά από τους οδηγούς του ελκυστήρα. Αντιμετωπίζει πρόσωπο σε αυτούς. Και ο ήλιος φωτίζει την πλάτη της, οπότε στο πρόσωπό της δεν υπάρχει πλέον τόσο απότομη, και μαλακές, φωτεινές σκιές και ενισχύει την εντύπωση απαλότητας.
Μια μεγάλη κρύα σκιά πέφτει από το τρακτέρ, που καλύπτει το κεφάλι του κοριτσιού, το χέρι της κρατώντας ένα bidon και ένα μπολ με γάλα. Από αυτό το λευκό χρώμα, ο συνδυασμός, το λευκό χρώμα του μπουρνούζι και το γάλα αποκτούν διαφορετικές αποχρώσεις. Το γάλα φαίνεται παχύ και κρύο, επειδή οι ακτίνες εξακολουθούν να πέφτουν στο gol.

Αλλά, μιλώντας για την εικόνα, χρησιμοποιήσαμε άγνωστο και ίσως οι λέξεις είναι ακατανόητες για εσάς. Είπαμε: "White Hairer Warmer από το λευκό γάλα". Αλλά συνήθως η έννοια της θερμότητας εφαρμόζεται σε αυτό που έχει μια θερμοκρασία. Και για τα χρώματα που λένε - φωτεινό ή θαμπό ή απλά ονομάζεται χρώμα: κόκκινο, μπλε, μπλε.
Αλλά ο καλλιτέχνης εξακολουθεί να διακρίνει τα χρώματα σε ζεστό: κίτρινο, πορτοκαλί, κόκκινο, καφέ και κρύο: μπλε, μπλε, πράσινο, μοβ.
Τώρα καταλαβαίνετε γιατί μπορείτε να πείτε: "Η εικόνα είναι γραμμένη με κρύο τόνο ή σε ζεστή γεύση".

Βιβλία ήδη για πολλές χιλιετίες, αντανακλούν και συνοδεύουν τον ανθρώπινο πολιτισμό. Έχουν ήδη 4,5 χιλιάδες χρόνια. Το βιβλίο εκτυπώνεται (με τη σύγχρονη έννοια της λέξης) γίνεται το θέμα της τέχνης από την έναρξή της (περίπου από το 1440, στη Ρωσία - στο δεύτερο μισό του XVI αιώνα).

Sandro botticelli. "Madonna με ένα βιβλίο"

Giuseppe archimboldo. "Βιβλιοθηκάριος"

Η σχέση ενός ατόμου με ένα βιβλίο παρέμεινε πάντοτε ένα παράδειγμα ειλικρίνειας, εμπιστοσύνης και ανάγκης ο ένας στον άλλο. Συλλογή υλικού στο θέμα, είμαστε έκπληκτοι από την ποικιλία των ειδών (ξεκινώντας με ζωγραφική εικονιδίων και τελειώνοντας με διακοσμητικές και εφαρμοσμένες τέχνες) και είδη που έδειξαν το βιβλίο και τον αναγνώστη (αυτό είναι ένα πορτρέτο, γραφικό και γλυπτό και νεκρή φύση, και ακόμα γραφικά υπολογιστή). Σε αυτά, η τέχνη φαίνεται να αναγνωρίζεται στην αγάπη για το βιβλίο - μια εκπληκτική δημιουργία και, ταυτόχρονα, πηγή ανθρώπινης νοημοσύνης. Για ορισμένους καλλιτέχνες, είναι ο κύριος χαρακτήρας και το σημασιολογικό κέντρο (στο είδος της νεκρή φύση). Αλλά ως επί το πλείστον το βιβλίο στα χέρια ενός ατόμου είναι ένας τρόπος να αποκαλύψει τον εσωτερικό του κόσμο, τονίζει την ψυχική του κατάσταση και την ομορφιά του.

Περισσότερα από 570 μνημεία τέχνης σχετικά με το βιβλίο και την ανάγνωση από την αρχαιότητα στο νεότερο χρόνο συλλέγονται και σχολιάζονται με το γνωστό έργο του δυτικού γερμανικού βιβλίου του Ζ. Taubert "Bibooflac". Αυτά είναι έργα του Georgeon, Titian, A. Bronzino, D. Velasquez, Rafael, Rembrandt, Rubens, Κ. Koro και πολλούς άλλους τιτάνες των αιώνων XV-XVIII. Τον 19ο αιώνα, αυτό είναι ένα αγαπημένο θέμα των ιμπρεσιονιστών: O. Renoara και K. Monet, Van Gogh και E. Mana, Α. Τούλου-Lotrek και Β. Morizo. Έργα ρωσικών δασκάλων της κλασικής εποχής - O.A. Kipriensky, V.A. Tropinin, i.n. Kramsky, δηλ. Repina, V.I. Surikova, ma VRUBEL, V.A. Serov, N.N. GE, και αυτοί οι καλλιτέχνες του περασμένου αιώνα, όπως το M.V. Nesterov, δηλ. Grabar, Ν.Ρ. Ulyanov, Α.Α. Ο Daeneck και άλλοι μας δείχνουν πώς το βιβλίο στη Ρωσία έχει εξαπλωθεί ευρέως, καθώς ο αναγνώστης έχει αλλάξει.

Είναι αδύνατο να πούμε για τα πάντα. Επιλέξαμε τι, κατά τη γνώμη μας, μπορούμε να εκπλήξουμε το σύγχρονο στη χαρτογράφηση "μιας ανάγνωσης ενός προσώπου" στην τέχνη. Μια ταλαντούχος εργασία με τις συγκεκριμένες λεπτομέρειες μπορεί να πει το προσεκτικό μάτι περισσότερο από τις ιστορικές δημοσιεύσεις πολλών όγκων. Και τότε οι ίδιες οι εικόνες αποκτούν τη δύναμη και την ακρίβεια των εγγράφων. Αλλά πρώτα απ 'όλα, μας ενδιαφέρει πώς με τη βοήθεια του βιβλίου ο χαρακτήρας ενός προσώπου που διαβάζει, και μέσα από αυτό - και η φύση της εποχής. Τα πρώτα βιβλία εμφανίζονται στις εικόνες των πλοιάρχων στα χέρια των Αγίων, αυτό είναι, φυσικά, ιερή γραφή. Στη συνέχεια - στα μπροστινά πορτραίτα των μεσαιωνικών ευγενών. Τα βιβλία είναι πολύ ακριβά και μιλούν όχι μόνο για τον πλούτο των ιδιοκτητών τους, αλλά και για τη συμμετοχή στην πνευματική ελίτ του χρόνου τους.

Το πορτρέτο της Lucretia Panchatika ανήκει στα καλύτερα έργα του Anolo Bronzino (1503-1572) και σε μία από τις πιο όμορφες γυναίκες εικόνες στην παγκόσμια ζωγραφική. Το πορτρέτο δημιουργήθηκε ως ατμόλουτρο σε ένα πορτρέτο του συζύγου της Lucretia - Πρέσβης του Φλωρεντικού Δούκα κάτω από τη γαλλική αυλή Bartolomeo Panchatiki. Στο Παρίσι, οι σύζυγοι έπεσαν υπό την επιρροή των Huguenots. Μετά την επιστροφή στη Φλωρεντία, έπρεπε να περάσουν από το δικαστήριο της ανακοίνωσης. Ωστόσο, αργότερα το έλεος του δούκα επιστράφηκε. Σε αυτή την περίοδο και αναφέρεται στη δημιουργία ενός αριστουργήματος. Όλα τα πορτρέτα "Courtesy" Bronzino διακρίνουν την ολυμπιακή απομάκρυνση από την καθημερινή ζωή και την πεζογραφία του. Πριν από εμάς είναι μια εικόνα ενός όμορφου νεαρού αριστοκράτη. Υπερήφανη στάση. Ήσυχη εμπιστοσύνη στο δικό σας ακαταμάχητο και δεξί χέρι - στον "πρόεδρο της Παναγίας", το οποίο μαθαίνεται στην προσευχή αφιερωμένη στην Παναγία. Το Filigree εκκενώνεται πυκνό και ακριβό σατέν, ακριβές διακοσμήσεις υπογραμμίζουν το δέρμα του χρώματος του ελεφαντόδοντου και των κρυστάλλων. Στη χρυσή αλυσίδα με σμάλτο (ενδεχομένως παρουσιάστηκε bartolomeo για τη δέσμευση ή το γάμο) την επιγραφή: "Η αγάπη δεν έχει τέλος."

Στην ιταλική τέχνη της Αναγέννησης, ο ζωγράφος, διευθυντής εορταστικών ιδεών, διακοσμητής, εκπρόσωπος του Μανιέκτου Juseppe Archimbold (1527-1593) ξεχωρίζει στην ιταλική τέχνη της Αναγέννησης. Το Archimboldo ήταν καλλιτέχνης που τελείωσε με ανεξάντλητη φαντασία και γενική εκδήλωση. Τα πιο διάσημα έργα που δημιουργήθηκαν από αυτόν είναι τα λεγόμενα "σύνθετα κεφάλια" από τη σειρά "εποχές" (1562-1563) και "τέσσερα στοιχεία" (1569). Ασυνήθιστα πρωτότυπη και εντυπωσιακή από τη μοναδικότητά τους, και συχνά η ομοιότητα της πορτραίτο, το έργο του είναι κατασκευασμένο εντελώς από υπέροχα φρούτα, λαχανικά, χρώματα, καρκινοειδή, ψάρια, μαργαριτάρια, μουσικά όργανα, βιβλία κλπ. Έτσι, για παράδειγμα, ένα σχέδιο "cook" αποτελείται από στοιχεία κουζίνας. Τα άτομα είναι στυλιζαρισμένα. Η επίδραση του σχήματος και του φωτισμού στο διάστημα δημιουργείται πολύ ικανότητα με διάταξη στοιχείων. Πριν από εσάς, ο βιβλιοθηκονόμος του, ένας άνθρωπος-βιβλίο. Λοιπόν, τι δεν είναι ένα κολάζ που επεξεργάζεται στο Photoshop; Τώρα ο ξεχασμένος καλλιτέχνης διακηρύχθηκε τον 20ό αιώνα ο πρόδρομος του σουρεαλισμού και ο ζωγραφικός "βιβλιοθηκονόμος" ονομάστηκε "Triumpham της αφηρημένης τέχνης τον 16ο αιώνα".

Jean-Onor Fragonar. "Κορίτσι για την ανάγνωση"

Κατά τη διάρκεια των επόμενων αιώνων, το βιβλίο έχει γίνει πιο προσιτή, αναπτύχθηκε κοσμική λογοτεχνία, η εμφάνιση του αναγνώστη άλλαξε. Το 1769, ο παριζιάνικος καλλιτέχνης Jean-Onore Fragonar (1732-1806) σκέφτεται μια μοναδική σειρά υφασμάτων του ίδιου μεγέθους, τα λεγόμενα "φανταστικά στοιχεία". Τα περισσότερα από αυτά δεν έχουν πραγματικά πρωτότυπα και δημιουργείται για ένα απίστευτα σύντομο χρονικό διάστημα, περίπου μία ώρα. Αυτό είναι το "κορίτσι για ανάγνωση". Στη θέση του ατόμου που διαβάζει το κορίτσι, ένας γαλλικός καλλιτέχνης επέστησε πρώτα ένα αρσενικό κεφάλι. Ίσως το θηλυκό πρόσωπο δεν είναι επίσης ένα πορτρέτο από τη φύση και ως εκ τούτου μπορεί να θεωρηθεί ως ένα από τα "φανταστικά στοιχεία". Αλλά η φυσική θέτει που απορροφάται από την ανάγνωση (μυθιστόρημα αγάπης, ποιήματα;) τα κορίτσια κάνουν τη ζωή της και ζεστή, η οποία έδωσε την ευκαιρία να γράψει γι 'αυτό το 1844 από τη γαλλική ιστορία της τέχνης: "γοητεύει το φρέσκο \u200b\u200bπρόσωπο ενός νεαρού κοριτσιού, με ένα απαλό , όπως το ροδάκινο, το δέρμα. Είναι ντυμένος με ένα φωτεινό, λεμόνι κίτρινο, αντανακλώντας γενναιόδωρα φόρεμα φωτός ... η ηρωίδα της εικόνας κάθεται, κλίνει σε ένα μαξιλάρι πασχαλιά, το οποίο πέφτει σε βαθιές μοβ σκιές. Το πορτρέτο είναι εντυπωσιακό με το βάθος και τη ζωτικότητα. "

Στα έργα καλλιτεχνών του XIX αιώνα, το βιβλίο εμφανίζεται όλο και πιο συχνά. Τα βιβλία τεντώνουν έναν απλό χωρικό και μια κοσμική κυρία, έναν αριστοκράτη και έναν έμπορο. Το βιβλίο περιλαμβάνεται ως κεντρική φιγούρα στο είδος και ιστορικά καμβά: "Menshikov στο Berezov"

V. Surikova, "Πρωινό του αριστοκράτη" P. Fedotova, "στον πάγκο βιβλίων" V. Vasnetsov και πολλούς άλλους.

Οι ιμπρεσιονιστές έχουν πολλές φωτογραφίες για τον αναγνώστη και το βιβλίο. Το βιβλίο στα χέρια ενός ατόμου, που βρίσκεται στη φύση, είναι ένα αγαπημένο θέμα: claude monet ("στο λιβάδι", "οικογένεια του καλλιτέχνη στον κήπο", "στα δάση της κυβέρνησης", "τιμή") ? Henri Toulouse-Lotreka ("Desire Dio"), Keibott Gustava (πορτοκαλί δέντρο). Το βιβλίο ως μέρος της οικογενειακής ζωής αντανακλάται ευρέως από την Ο. Renuara. Οι χαρακτήρες των ζωγραφικών του διαβάζονται στο πρωινό ("πρωινό στο Bernevale"), ένα βιβλίο για δύο κορίτσια διαβάζοντας ("ανάγνωση κοριτσιών"), έχει ένα "κορίτσι διαβάζοντας ένα βιβλίο", "ανάγνωση γυναίκα" και ιδιαίτερα πολλά γοητευτικά παιδιά ανάγνωσης .

Ο κατάλογος των ονομάτων και των ενδιαφερόντων έργων των ιμπρεσιονιστών μπορεί να συνεχιστεί. Ωστόσο, αυτό είναι ένα θέμα για μια μονογραφία όγκου, η οποία περιμένει τον συγγραφέα του. Και δεν μπορούμε να παρακάμψουμε το πρόσωπο του εξαιρετικού προκάτοχου των ιμπρεσιονιστών του γαλλικού ζωγράφου, τον πλοίαρχο του τοπίου και του πορτρέτου του Jean-Batista Camille Koro (1796-1875). Καθώς ένα τοπίο του Κ. Κοριού είχε μεγάλη επιρροή στο έργο των ιμπρεσιονιστών με την εξαιρετική του διαβίβαση του φωτός του περιβάλλοντος, τον πλούτο του χρώματος και την ικανότητα να δημιουργήσει μια αξέχαστη εντύπωση του τοπίου στο σύνολό του. Το CORO αγάπησε να συμπεριλάβει τις σκέψεις στα τοπία. Συνολικά γνωστούς 323 πίνακες ζωγραφικής με αριθμούς. Συνήθως ο καλλιτέχνης έθεσε τους φίλους και τους συγγενείς του. Ακριβώς όπως τα τοπία, οι σγουρές συνθέσεις της κορώ είναι εγγενές στην καθορισμένη διάθεσή του. Συχνά, αυτές είναι εικόνες όμορφων κοριτσιών, sootimy και ολοκληρωμένα, προσελκύοντας την καθαρότητα και τη γοητεία της νεολαίας, την τεράστια, βυθισμένη στην ανάγνωση ή τα όνειρα. Πρόκειται για μια "διαβάζει μούσα" και "κορίτσι για τη διδασκαλία", "δάσος στο Fontainebleau" και "το κορίτσι ανάγνωσης σε ένα κόκκινο πουκάμισο". Στο πορτρέτο "διακοπτόμενη ανάγνωση" απεικονίζει ένα από αυτά τα μοντέλα ακριβώς τη στιγμή του βαθού διαλογισμού, πρέπει να εμπνέεται από την ανάγνωση. Στην εμφάνισή της, η ομορφιά και η θηλυκότητα συνδυάζονται με το μυαλό. Το νοικοκυριό χαρακτηριστικό του χαρακτήρα είναι πολύ απλό, το μέτριο χρώμα ανοιχτό καφέ γάμμα με αποχρώσεις ροζ, το λεπτό χρωματιστικό σύστημα αντιστοιχεί ακριβώς στη διάθεση της λυρικής περισυλλογής και την προσφορά μιας γυναίκας ονείρου, ιδανικό, πνευματικά κοντά στον συγγραφέα.

V. Surikov. "Menshikov στο Berezov"

V. Vasnetsov. "Στον πάγκο βιβλίων"

Claude Monet. "Στο λιβάδι"

Στη Ρωσία στο XIX αιώνα, το βιβλίο και η ανάγνωση αρχίζουν να διαδραματίζουν εξέχοντα ρόλο στην κοινωνία και μια ταχέως αναπτυσσόμενη πορτρέτο ζωγραφική σε ολόκληρη την ποικιλία αντανακλά αυτό το θέμα. Ένας από τους καλύτερους Ρώσους πορτραίτες, έναν ιδεολόγο και διοργανωτή της "Ένωσης Κινητών Εκθέσεων Τέχνης" (1870), ο συγγραφέας ενός τέτοιου παγκοσμίου φήμης αριστούργημα, ως "Χριστός στην έρημο", I.N. Kramskaya (1837-1887), που είναι ένας παραδειγματικός οικογενειακός άνθρωπος, σε πολλούς δημιουργεί πορτρέτα των δαπανηρών ανθρώπων, πάνω απ 'όλα η σύζυγός του. Η Σοφία Νικολάβνα ήταν ένας μεγάλος φίλος, ένας αξιόπιστος βοηθός στις υποθέσεις του Kramsky. Έδειξε την εργασία της πρώτα, η γνώμη της ήταν πολύ σημαντική γι 'αυτόν. Ο καλλιτέχνης απεικόνισε μια γυναίκα για την ανάγνωση στον κήπο που φωτίζεται από τον προ-συνηθισμένο ήλιο. Πρόκειται για ένα θάλαμο, οικείο πορτρέτο, που εμπλέκεται με την αγάπη και τον καλύτερο λυρισμό. Ο συνδυασμός ζεστών χρυσών και ψυχρών ροζ τριαντάφυλλου ενός μεταξοτυπικού φόρεμα και σατέν σασέλλι δημιουργεί μια εκπληκτικά ελαφριά εμφάνιση της Σόφιας Νικολάβνα, προικισμένη με μια ειδική αριστοκρατική βελτίωση και πνευματική ζεστασιά. Κοιτάζοντας μια ήρεμη πόζα της ανάγνωσης, καταλαβαίνουμε ότι ο καλλιτέχνης στην οικογένεια είδε το φρούριο, όπου μπορείτε να χαλαρώσετε από τις αδιάκοπες (και όχι πάντα επιτυχημένες) μάχες για νέα τέχνη, αισθανόμαστε τον σεβασμό, την αγάπη και την τρυφερότητα.

ΣΕ. Ο Kramskoy άφησε τους απογόνους της εικόνας των πιο διάσημων συγχρόνων με ένα βιβλίο στα χέρια του. Αρκεί να ανακαλέσετε τα έργα όπως "N.A. Nekrasov κατά τη διάρκεια των τελευταίων τραγουδιών "," Πορτρέτο του Α. Suvorin. " Αλλά πολύ κοντά του στην παγκόσμια ζωγραφική υπήρχε ένα θέμα που μπορεί να χαρακτηριστεί υπό όρους ως "πορτρέτο ενός στοχαστή", δηλ. Ένα άτομο με τη βοήθεια ενός βιβλίου που δημιουργεί νέες γνώσεις (είτε είναι φιλόσοφος, συγγραφέας ή καλλιτέχνης). Το βιβλίο γίνεται ένα στοιχείο σημείου στην εικόνα τους, μια απαραίτητη λεπτομέρεια. "Πορτραίτο του Erasmus Rotterdam" Golbaine, Eterude Kurba "ανάγνωση Baudelaire", "Πορτρέτο του Emil Zol" και "Πορτρέτο του Stephen Mallarme Poet" E. Mana, "Lev Nikolaevich Tolestoy στις διακοπές στο δάσος" και "Πορτρέτο του Δ.Ι. Mendeleev στο μανδύα του Καθηγητή του Πανεπιστημίου του Εδιμβούργου "Ι.Ε. Repin, "πορτρέτο του n.n. Ge »n.a. Yaroshenko, "Πορτρέτο ενός φυσιολόγου i.p. Pavlova "M.V. Nesterova και πολλά, πολλά άλλα.

Είναι αδύνατο να μην πούμε για το "Πορτρέτο του φιλόσοφου V.S. Solovyov "(1885) I.N. Kramsky. Ο ρωσικός φιλόσοφος, ο θεολόγος, ποιητής, δημοσιογράφος, λογοτεχνικός κριτικός Βλαντιμίρ Σεργέβεβιχης Σολοβύοφ (1853-1900) στάθηκε κατά την προέλευση της «πνευματικής αναβίας» της Ρωσίας του Ύστερη XIX - πρώιμη XX αιώνα. Ο Kramsky κατάφερε να δει και τονίζει την πρωτοτυπία της προσωπικότητάς του. Ο καλλιτέχνης το βάζει σε μια ψηλή μαζική καρέκλα, στεφανωμένη με ξύλινα γλυπτά, και, σαν να δίνει το μοντέλο της από τη συνηθισμένη πεζογραφία της ζωής, ενισχύοντας τη στιγμή του να αποκαλύψει φιλόσοφο, την εμβάπτιση στις σκέψεις και τη Duma του. Το πορτρέτο ακτινοβολεί την ευγένεια, το μυαλό, την ανθρωπότητα. Αυτό είναι σίγουρα ένας από τους καλύτερους εκπροσώπους της ανθρώπινης φυλής. Δεν είναι περίεργο οι σύγχρονοι να μπερδεύουν την ομοιότητά του με τον Χριστό ("Χριστός στην έρημο"), και τώρα, στις μέρες μας, ένας νέος blogger τον συνέκρινε με το Atos. Ο επιστήμονας ήρθε τακτικά στις συνεδρίες του καλλιτέχνη και ανέβηκε υπομονετικά μέχρι το τέλος. Ενδιαφερόμενος να παρακολουθήσει το θαύμα της δημιουργικότητας της τέχνης και το πορτρέτο διατηρεί την αφορούσα έκφραση των προσεκτικών οφθαλμών του μεγάλου φιλόσοφου. Άμυνας σπάζει κατ 'ανώτατα το αναστεναγμό της λύπης ότι τέτοια υπέροχα πρόσωπα δεν βλέπουν όχι μόνο στο πλήθος των περαστικών, αλλά και μεταξύ των υψηλότερων διανοούμενων.

ΣΕ. Kramskaya. "Πορτρέτο της συζύγου της Σοφίας Νικολάβνα"

Γ. Κούρκ. "Ανάγνωση του baudelaire"

ΣΤΟ. Yaroshenko. "Πορτρέτο του Ν.Ν. Ge "

Ένα πολύ ιδιαίτερο και εκτεταμένο τμήμα του θέματος - παιδιών που διαβάζουν. Τα παιδιά διαλύονται στο βιβλίο, βυθίστε σε έναν φανταστικό κόσμο, όπου πολλά όμορφα, ηρωικά, μυστηριώδη, ταυτόχρονα παραμένουν φυσικά. Αυτό προσελκύεται επίσης από καλλιτέχνες, ξεκινώντας από τους Canvases F. Hals και Rembrandt (XVII αιώνας) στους ιμπρεσιονιστές, την τέχνη της Avant-Garde, τον κοινωνικό ρεαλισμό και τον μεταμοντερνισμό. Ας ασχοληθούμε για το τι είναι δύσκολο να περάσετε, - το πορτρέτο του πορτρέτου της κόρης του βούρτσας Natasha M. Nesterova (1862-1942). Η σοβαρότητα και η αξιοπρέπεια του γοητευτικού μικρού μοντέλου προσελκύει την προσοχή, την εντυπωσιακή πνευματικότητα της εικόνας του. Στο πορτρέτο της έντεκα ετών κόρης, ο συγγραφέας κατάφερε να μεταφέρει κυρίως ότι στο μέλλον θα είναι αποφασιστικής σημασίας στον χαρακτήρα του: την ευγένεια, την πνευματική καθαρότητα, τα βασανιστήρια του μυαλού και της ενεργού στάσης στη ζωή. Ένας εξαίσιος συνδυασμός χρυσού με μπλε, σκιασμένο ουδέτερο πράσινο, δημιουργεί την καλύτερη αρμονία ενός ειδικού, υπέροχου κόσμου δεν είναι πλέον παιδί, αλλά και μια ενήλικη γυναίκα. "Και το κορίτσι στην εικόνα του Mikhail Nesterov" Natasha σε έναν πάγκο κήπου "φαίνεται πολύ μοντέρνο. Θα μπορούσε να χωρέσει στην εποχή μας, "- Σχόλιο στο LJ.

Μέχρι τώρα, μιλήσαμε για πίνακες που γράφτηκαν με κλασικό ρεαλιστικό τρόπο. Αλλά είναι δύσκολο να περιμένετε ότι σχεδόν ένας αιώνας (XX αιώνας!) Η τέχνη και η στάση απέναντί \u200b\u200bτου δεν θα αλλάξει, όταν η πραγματικότητα έχει αλλάξει τόσο ισοτιμία. Ο καλλιτέχνης Yosef Ostrovsky (1935-1993) δεν μου άρεσε οι στυλιστικοί ορισμοί της δημιουργικότητάς του: "Είμαι καλλιτέχνης. Όχι "ρεαλιστής" και όχι "μοντέρνο". Απλά ένας καλλιτέχνης. Μόνο έτσι είμαι ελεύθερος και να εκφράσω τη φιλοσοφία μου σε καμβά. " Δεν ήταν σαν κανείς και ασυνήθιστα ταλαντούχος. Ήταν ήδη στην ηλικία των 15 ετών, υιοθετήθηκε στην Ακαδημία Ακαδημίας της Οδησσού, σε 20 χρόνια έγινε μέλος της Ένωσης καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ. Τα έργα του, με βάση τις αναμνήσεις των παιδιών της ζωής του εβραϊκού χώρου, φέρουν φως και ζεστασιά. Πρόκειται για απλά και αιώνια. Έγραψε τα πρόσωπα των ηλικιωμένων που είχαν περάσει τους αιώνες πριν, και σήμερα βλέπουμε ότι η σοφία και η καλοσύνη τους δεν πήγαν μαζί τους.

Εδώ και ο "άνθρωπος με ένα βιβλίο" προσελκύεται αμέσως η αφέλεια και η καθαρότητά του. Ο γέρος γκρίζου σειρά είναι μαγεμένος κοιτάζοντας το βιβλίο, ως θαύμα. Αλλά είναι τόσο! Ο J. Ostrovsky δημιούργησε τον κόσμο του, ένα συγκρότημα, χαρούμενο και λυπηρό, είναι ο κόσμος του φιλόσοφου και ενός αφηγητή. Ο καλλιτέχνης απέδειξε ότι στην αγαπημένη του Οδησσό, δεν υπήρχε μόνο επίσημη-εξαίσια, αλλά και ζεστή, ανθρώπινη ζωγραφική. Το εσωτερικό φως είναι γεμάτο από τον καμβά του και το πιο διάσημο από αυτά είναι σε μουσεία και ιδιωτικές συλλογές του Ισραήλ, της Ρωσίας, των Ηνωμένων Πολιτειών και άλλων χωρών.

Ο καλλιτέχνης, ο οποίος θα συζητηθεί παρακάτω, - Rob Gonzalves, γεννήθηκε στο Τορόντο (Καναδάς) το 1959. Μετά την εξέταση της τεχνικής των προοπτικών και τα θεμέλια της αρχιτεκτονικής, έχει ήδη αρχίσει να σχεδιάζει τους πρώτους πίνακους του σε 12 χρόνια. Αφού έγινε ενήλικας, εργάστηκε ως αρχιτέκτονας, ζωγραφισμένο θεατρικό τοπίο και συνέχισε να ασχολείται με τη ζωγραφική. Μετά από μια επιτυχημένη ομιλία στην έκθεση το 1990, ο Gonzalves είχε αφιερώσει εντελώς τον εαυτό του στη ζωγραφική. Ορισμένοι ιστορικοί τέχνης παραπέμπουν το έργο του στον σουρεαλισμό, θεωρώντας το από τον οπαδό S. Dali. Αλλά δεν είναι έτσι. Αντίθετα, το στυλ του μπορεί να ονομαστεί "μαγικός ρεαλισμός", όταν κάνει την εξαιρετική φαντασία του σε πραγματικές σκηνές.

Η ζωγραφική του είναι μια προσπάθεια να δείξουμε ότι είναι αδύνατο το μυστήριο του κάτι άλλο να κρύβει πίσω από τη συνηθισμένη πραγματικότητα - σοφός και φως. Όσον αφορά τον καλλιτέχνη, να κρίνουν τους εμπειρογνώμονες και τους οπαδούς της ζωγραφικής, αλλά κάτι ιδιαίτερο και ελκυστικό στη δουλειά του δεν μπορεί να παρατηρηθεί. Στην εικόνα "Άνθρωποι και βιβλία" βλέπουμε τους αναγνώστες διαφορετικών ηλικιών που επιλέγουν βιβλία. Όλοι βρίσκουν το σωστό, ανοίγει και πέφτει στο, όχι παρόμοιο με άλλα, ασυνήθιστα ενδιαφέροντα και ακόμη και σε κάτι στον μαγικό κόσμο. Φωτεινό, απροσδόκητο, καταπληκτικό, το οποίο ευχαρίστησε με το ασυνήθιστο έργο του καλλιτέχνη είναι δημοφιλές στην πατρίδα τους και στις Ηνωμένες Πολιτείες. Οι πίνακές του εκτέθηκαν στις μεγαλύτερες και πιο διάσημες εκθέσεις σύγχρονης τέχνης στην ήπειρο. Πολλοί εξαιρετικοί άνθρωποι, διάσημες εταιρείες, πρεσβείες, συλλέγουν τα έργα των Gonzalves.

Στο site "πλανήτης των ανθρώπων" http://www.planeta-l.ru/catalog1 Μπορείτε να εξοικειωθείτε με τα έργα του. Από το σχόλιο του επισκέπτη της εικονικής έκθεσης Rob Gonzalves: "Μου αρέσει αυτή η ελκυστικότητα των εικόνων, που μετακινείται από το ένα στο άλλο, που μεταδίδεται από το χέρι του καλλιτέχνη και η φανταστική της ένωση, που ρέει ο ένας στον άλλο σε διαφορετικούς κόσμους."

Αυτός είναι ο τρόπος με τον οποίο η σύγχρονη τέχνη βλέπει τους αναγνώστες.

Και τι σημαίνει ο λαμπρός κινέζος γλύπτης, δημιουργώντας ένα χιμπατζή "στοχαστής" στο διάσημο πάρκο πιθήκων; Ίσως το γεγονός ότι, αν ο άνθρωπος "υψηλής τεχνολογίας γενιάς" θα χρησιμοποιήσει ένα βιβλίο όπως αυτός ο πίθηκος ή πώς οι πρόγονοί μας στις αρχές του περασμένου αιώνα, ο οποίος προσφέρθηκε να "επαναφέρει τα κλασικά από το πλοίο της νεωτερικότητας", ο ανθρώπινος πολιτισμός θα παύουν να υπάρχουν; Στον κόσμο, όλα συνδέονται, η οικολογική καταστροφή συμπληρώνεται από την καταστροφή της πνευματικής και η εξέλιξη θα επιστρέψει στην αρχή του, ο κύκλος θα κλείσει; Ελπίζουμε ότι αυτό είναι μόνο μια πολύ πνευματική και οπτική προειδοποίηση: παιδιά, ο καθένας είναι αρκετός χώρος στον κόσμο του νου. Και το ηλεκτρονικό βιβλίο, το οποίο αναπτύσσεται γρήγορα και παίρνει ενδιαφέρουσες μορφές, και ένα τέτοιο μητρικό και κοντά στον φίλο μας σε μια σύνδεση με σελίδες χαρτιού. Ο αναγνώστης, φυσικά, θα αλλάξει, η εικόνα του θα αλλάξει στην τέχνη. Πιστεύουμε ότι θα είναι ένα άτομο και θα είναι καλύτερο από εμάς.

Natalia Gorbunova,

κεφάλι Τομέας της Επιστημονικής Βιβλιοθήκης.

Lyudmila Kononova,

Οδηγός βιβλιοθηκονόμος nb togu

Φωτογραφίες

Alexander Grigoriev Savrasov 2015-11-20 στις 01:11

Πολλοί άνθρωποι πιστεύουν ότι η οπτική τέχνη είναι η απλούστερη για να αντιληφθεί από όλες τις υπάρχουσες τέχνες, αλλά αυτό είναι μακριά από αυτό. Η έλλειψη εργασίας, όπως, για παράδειγμα, η ανάγνωση ή η μακροπρόθεσμη σκέψη της θεατρικής δράσης, είναι παραπλανητική.

Κατά κανόνα, είμαστε στο τρέξιμο από τη γνώμη μας για την εικόνα που είδαμε, αποφασίζοντας για το κλάσμα ενός δευτερολέπτου - όπως ή όχι. Έγραψα ήδη για το γεγονός ότι η τέχνη και η γενικά πνευματική δραστηριότητα απέχουν πολύ από τα αλμυρά ψάρια, τα οποία ίσως κάποιος δεν δοκιμάζει.

Πρώτα θέλουμε να αλλάξουμε τον κόσμο, χωρίς να αλλάξουμε τίποτα από μόνα τους. Ψάρια για να διαρροή, και η εικόνα ανεβαίνουν τη συνηθισμένη "αγάπη - δεν μου αρέσει" και τρέχω.

Πολλοί σκέφτονται το γεγονός ότι δεν είναι απλό αυτή η απλότητα, και μια ματιά δεν αρκεί για να καθορίσει ποια τιμή μιας συγκεκριμένης εικόνας.

Η εικόνα είναι πρωτίστως ένα επίπεδο στο οποίο εμφανίζεται η απομίμηση ενός πραγματικού ή υπό όρους οικοπέδου και πρέπει να επικεντρωθεί μόνο στην απεικόνιση των απεικονισθέντων;

Ερώτηση σχετικά με τη ραχοκοκαλιά: Πρέπει να έχω ζωγραφισμένα ψάρια; Είναι ένας τέτοιος στόχος που επιδιώκει ο συγγραφέας, προσπάθησε να μας εξαπατήσει δημιουργώντας την ψευδαίσθηση της πραγματικότητας;

Πολλοί άνθρωποι πιστεύουν ότι η δημιουργική διαδικασία είναι μόνο η δημιουργία, δηλαδή, που μιμείται τον πραγματικό κόσμο. Αλλά η καταστροφή είναι επίσης δημιουργικότητα, και ο Cubism Picasso είναι το καλύτερο παράδειγμα. Καταστρέφοντας τη φόρμα, δημιουργεί, οι εικόνες της αιμαιρίας, που δημιουργήθηκε από τον κόσμο είναι μοναδικό.

Πορτρέτο του Ambruz Volatra, Πικάσο.

Είναι εύκολο να κατανοήσουμε τους πίνακες, όπως φαίνεται με την πρώτη ματιά, και είναι οι εικαστικές τέχνες για την αντίληψη σε όλους όσους ενοχλεί τις μύγες με κοτολέτες και ζωγραφιές με ψάρια;

Σε αντίθεση με τον κινηματογράφο, το θέατρο και άλλα είδη τέχνης, η εικόνα δεν υπάρχει εγκαίρως, δηλαδή, δεν χρειάζεται να ακολουθήσουμε τη δράση για να καταλάβουμε τι συμβαίνει. Εικόνα σε στατικό καμβά. Απλές λέξεις, η εικόνα δεν κινείται, βλέπουμε μόνο τον συγγραφέα που σταματάει ο συγγραφέας, ο οποίος αξιολογεί τη στιγμιαία, όχι απόλαυση στις λεπτομέρειες.

Για να κάνετε μια εντύπωση της ταινίας, πρέπει να το παρακολουθήσετε για δύο ώρες και η εικόνα αξίζει μια ματιά. Ένα μάλλον μεγάλο ποσοστό του κοινού είναι ακριβώς τα κόλπα για ολόκληρη την εικαστική τέχνη.

Δεν τρέχουμε γύρω από τις αίθουσες του μουσείου; Εικόνες Πώς αναβοσβήνουν οι διαφάνειες μπροστά στα μάτια, συγχωνεύοντας σε μια ταινία, και ότι ως αποτέλεσμα - κουάκερ από δεκάδες εικόνες που εμείς αύριο και δεν θυμάμαι.

Στην ιδανική περίπτωση, το Μουσείο θα πρέπει να επισκεφθεί κάθε φορά για χάρη μιας ζωγραφικής, είναι μια ίδια ταινία, θεατρική εκπροσώπηση, αν θέλετε. Είναι άξιος για να την δώσετε περισσότερο από μια στιγμή.

Αν μιλάμε για την κλασική κατανόηση της εικαστικής τέχνης, η εικόνα έχει το χρόνο και τη δράση που απεικονίζει, το οικόπεδο αναπτύσσεται με συνέπεια.

Εικόνες, επαναλαμβάνω, στην κλασική της κατανόηση (δεν μιλάμε τώρα για τη σύγχρονη τέχνη τώρα) υπάρχει μια είσοδος στη σύνθεση και την πρόταση που καθορίζεται από τον συγγραφέα. Ο θεατής δεν εξετάζει μόνο το οικόπεδο, αλλά κινείται στην εικόνα καθώς ο συγγραφέας σχεδιάστηκε.

Στην εικόνα υπάρχει τόσο το παρελθόν όσο και το μέλλον, μπορούμε εύκολα να το φανταστούμε, με βάση το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης έχει καταγράψει. Φυσικά, όλα αυτά θα είναι δυνατά αν σταματήσουμε να αντιμετωπίζουμε την οπτική τέχνη ως το πιο εύκολο να αντιληφθεί.

Οι αρχαίοι Έλληνες προσπάθησαν για την ικανότητα του καλλιτέχνη για το πώς θα μπορούσε να εξαπατήσει το κοινό από τον ρεαλισμό των απεικονισθέντων. Στην ιστορία, είπε ο συγγραφέας, η ενορία ανώτερος (υπενθυμισμός. Ν. Ε.), Τα πουλιά συγχέονται από τα απεικονιζόμενα σταφύλια με την πραγματική.

Θα θαυμάσουμε σήμερα το παρόμοιο οικόπεδο; Κάποιος, φυσικά, θα είναι μεταξύ εκείνων που συγχέουν τα ψάρια με την εικόνα και τρέχουν στην πορεία των κρίσεων σχετικά με ορισμένα έργα, αλλά σίγουρα δεν είναι όλα.

Πάρτε, για παράδειγμα, εγώ, γιατί να πάτε μακριά; Δεν είμαι πειστική ρεαλιστική απεικόνιση σταφύλια, δεν είμαι πουλί, έχω αρκετά από αυτό. Θαυμάστε την φωτογραφική εικόνα στον εικοστό πρώτο αιώνα, τουλάχιστον περίεργα.

Δεν αρκεί για μένα ότι το εμφανιζόμενο οικόπεδο είναι πανομοιότυπο με το πρωτότυπο. Θέλω να δω, και πάνω απ 'όλα, αισθάνομαι ότι ο συγγραφέας ανησυχούσε. Θέλω να παρακολουθώ πώς σκέφτεται, όπως επικοινωνεί με τον θεατή, ποιες τεχνικές χρησιμοποιούν, τεχνική και σύνθεση.

Έχω τις δικές μου προτιμήσεις, αφού είμαι ζωγράφος - χρώμα, χρώμα. Αυτό με συναρπάζει. Τονίζω ακριβώς το χρώμα, όχι βαφή, όπως πολλοί δεν βλέπουν καμία διαφορά. Πρέπει να σημειωθεί ότι η ζωγραφική είναι το παιχνίδι των αποχρώσεων, και όχι ζωγραφισμένο αεροπλάνο.

Θαυμάζω και κάνει την απόλαυση να αναπνέει την επιφάνεια των έργων από μένα από τους αγαπημένους μου καλλιτέχνες, μπορώ να εξετάσω την υφή στις καμβάδες που έχουν ευκολία και φρεσκάδα της ζωγραφικής.

Βλέπω στη σύγχρονη ζωγραφική ένα καθαρό είδος που απελευθερώνεται από ιδεολογικές και ευχάριστες έννοιες. Για μένα, η ζωγραφική είναι ανεξάρτητη, και μερικές φορές απλά χρωματίζω μόνο για να καταλάβω, να αισθάνομαι, να συναισθανόμαστε στον συγγραφέα.

Φυσικά, ήρθα σε αυτό όχι αμέσως, τα κρασιά της δημιουργικής αναζήτησης και της συνεχώς αποκτήθηκαν στη γνώση. Έγραψα ότι είμαστε όλοι αυτοδίδακας, αλλιώς και δεν μπορούσαν. Είναι δύσκολο για μένα να φανταστώ ότι μπορείτε να ολοκληρώσετε την εκπαίδευση σε κάποιο σημείο και να πείτε ότι έχω αρκετές γνώσεις.

Είναι γνωστό ότι η απροθυμία να εξαπατηθεί, δεν περιμένω από τον καλλιτέχνη της ταυτότητας των απεικονισθέντων, είμαι σημαντικός για μένα την ατομικότητα του, τη δημιουργική του γλώσσα, την ειλικρίνεια του. Αυτές οι ιδιότητες δεν μπορούν να επαναλάβουν οποιαδήποτε τεχνική συσκευή. Είναι αυτοί που είναι μοναδικοί και ενδιαφέροντες για το εκπαιδευμένο ακροατήριο, το οποίο είναι κοντά, πρώτα απ 'όλα, φρέσκες αποφάσεις και μη δοκιμασμένα γραμματόσημα.

Ας επιστρέψουμε στην ερώτηση που θέσατε - πώς να κατανοήσετε την εικόνα; Η πρώτη στάση, πάρτε λίγο περισσότερο από το συνηθισμένο από το συνηθισμένο. Έχοντας επιβιώσει την πρώτη εντύπωση συναισθηματικά, ρωτήστε τον εαυτό σας ποια καθήκοντα βάζουν τον συγγραφέα μπροστά μου και τους επιτύχει;

Εάν η εικόνα είναι οικόπεδο, ιστορική, εννοιολογική, θα πρέπει να γνωρίζετε το υποκείμενο.

Εκτός από την κατανόηση του οικόπεδο, οι αρχές της καλλιτεχνικής οράσεως θα ήταν χρήσιμες για εσάς, όπως για παράδειγμα, καθώς ο συγγραφέας χειρίζεται το λεκέ στο αεροπλάνο.

Έχοντας γνώση, θα είχατε δει τον κόσμο σε άλλα πράγματα και τα έργα νωρίτερα έργα που σας αποκαλύφθηκαν.

Ανοίγοντας, θα πω ότι το έργο τέχνης χωρίς θεατή δεν υπάρχει, για να κατανοήσουμε την εικόνα - σημαίνει να συμμετάσχετε με τον συγγραφέα στη δημιουργία της. Φυσικά, δεν λέω ότι πρέπει να πάρετε στα χέρια της βούρτσας και να διορθώσετε κάτι ή να προσθέσετε. Όχι, συμμετέχουν - σημαίνει να βοηθήσει στη συσχετισμένη από τη σειρά συγγραφέα συσχετισμού, να διαβάζει εικόνες, για να δείτε την ενότητα του σχεδίου κλπ.

Να είστε προσεκτικοί στην εικόνα. Σε μια βιασύνη δεν μπορείτε ποτέ να δείτε το κύριο. Η όρεξη έρχεται κατά τη διάρκεια των γευμάτων και το πάθος για την εικαστική τέχνη αναπτύσσεται καθώς ανοίγετε νέους ορίζοντες όπου υπήρχε μια ομίχλη παρεξηγήσεων πριν από τον τοίχο.

Σας εύχομαι όλη την δημιουργική επιτυχία και θέλω να σας υπενθυμίσω ότι υπάρχει μια μορφή συνδρομής στο blog στην επάνω δεξιά γωνία. Σας προτείνω να εγγραφείτε, θα γνωρίζετε τις ενημερώσεις ιστολογίων.

Ανάγνωση και βιβλίο στην εικαστική τέχνη - το θέμα είναι αρκετά δημοφιλές. Με τα χρόνια, έχει ορθώς και σαφώς αντανακλά τις αλλαγές που συνέβησαν στην κοινωνία. Η ζωή άλλαξε, η επανεξέταση των αξιών συνέβη και ταυτόχρονα η ανθρώπινη στάση απέναντι στο βιβλίο άλλαξε. Με την ενδεικτική σειρά, που αποτελείται από περισσότερα από 100 έργα, φαίνεται να έχουμε αναδημιουργήσει μια αρκετά πλήρη εικόνα, η οποία το όνομα γίνεται στον τίτλο αυτού του άρθρου. Μια εικόνα ενός βιβλίου όπως ο δορυφόρος ενός ατόμου στην τέχνη έχει εμφανιστεί πριν από πολλούς αιώνες. Εδώ μπορείτε να αναφέρετε την εικόνα του Rembrandt Wang Raina "ανάγνωση titus" (OK.1656-1657), που δημιουργήθηκε σε σχεδόν εκατό χρόνια εργασίας Jean-Onore Fragonar "Reading Girl" (OK.1769) κλπ. Η μελέτη αυτής της περιόδου δεν είναι πολύ ενδιαφέρουσα: το βιβλίο εκείνων φορές ήταν αρκετά σπάνιο και είναι διαθέσιμο πολύ λίγα. Αλλά η δυναμική ανάπτυξη της εταιρείας κατά τα τελευταία 100 χρόνια προκάλεσε τόσο ενδιαφέρουσα μεταμόρφωση του ενδιαφέροντος ενός ατόμου στο βιβλίο και διαβάζοντας ότι αποφασίσαμε να δώσουμε προσοχή στη συγκεκριμένη περίοδο. Στα μέσα του 19ου αιώνα στη Ρωσία, του οποίου ο πληθυσμός της μάζας ήταν αναλφάβητος, το βιβλίο ήταν πολλοί σχεδόν αποκλειστικά άνθρωποι από την ανώτατη κοινωνία. Η επιθυμία να μάθει ένα δίπλωμα από τους εκπροσώπους των κατώτερων κτημάτων ήταν πολύ μεγάλος. Στην εικόνα N. Selivanovich, βλέπουμε, προφανώς, ένας αναλφάβητος στρατιώτης, στον οποίο το αγόρι διαβάζει ένα ενδιαφέρον βιβλίο. Στον καμβά V.M.Vasnetsov απεικόνισε έναν πάγκο βιβλίων δρόμου. Τα κινηματογραφημένα γύρω από τους κακούς ντυμένους ανθρώπους της δείχνουν πραγματικό ενδιαφέρον για τα τυπωμένα προϊόντα, αλλά αναγκάζονται να εξετάσουν μόνο εικόνες. Ταυτόχρονα, οι άνθρωποι από το υψηλότερο φως έλαβαν το βιβλίο ως μία από τις υψηλότερες τιμές. I.N. Kramskaya έγραψε ένα πορτρέτο της συζύγου του, τη Σοφία Νικολάβνα (OK.1866) διαβάζοντας στον κήπο στο φόντο του βραδινού ουρανού. Χωρίς ένα βιβλίο, οι φιλόσοφοι δεν μπορούσαν να κάνουν (πορτρέτο των βούρτσες του S.S.Solovyev I.N. Kramsky, 1885), οι επιστήμονες (πορτρέτο του Δ.Ι. Ι. Εργαστηρίου I. Vendeleev Ι.Ε. Pepina, 1885), Συγγραφείς (Πορτρέτο του L.Nolstogo Repin, 1891), Καλλιτέχνες του LN Benua, που δημιουργήθηκε από το LS Bakstom το 1898, συνθέτες (πορτρέτο του Na Rimsky-Korsakov, που γράφτηκε από τον Va Serovov το 1898). Το βιβλίο διαβάζεται στην οικογένεια, τόσο στο σπίτι όσο και στη φύση. Για παράδειγμα, μπορείτε να δώσετε την προαναφερθείσα πορτρέτο ολομέλειας του L.N. Tolstoy, που βρίσκεται με ένα βιβλίο στο σκιερό δάσος. Ο αντίκτυπος του ιμπρεσιονισμού, ο οποίος προήλθε από την Ευρώπη, προκάλεσε καλλιτέχνες στους καλλιτέχνες στην εικόνα της ανάγνωσης σε εξωτερικούς χώρους, γεγονός που καθιστούσε πιο φωτεινή το έγχρωμο μέσο φωτός. Σε ορισμένα από αυτά τα έργα, το έργο της Κ. Κορονοίνας "στο σκάφος" (1888), "Πορτρέτο του Α.Υ.Σιμονόβιτς" Δημιούργησε ένα χρόνο αργότερα V.A. Serov. Έδωσε φόρο τιμής στο βιβλίο στο έργο τους και συμβολιστές. Το πιο εντυπωσιακό παράδειγμα είναι η διάσημη "κυρία με μπλε χρώμα" (1897-1900) Κ.Α. ΟΣΟΣ. Το τέλος του 19ου αιώνα έφερε τις πιο ζωντανές και σημαντικές αλλαγές στο είδος του πορτρέτου, το έδεσε στενά με την αιχμαλωσία. Εάν το μοντέλο θέσει πριν ο καλλιτέχνης που κάθεται σε εγχώριες καρέκλες στο φόντο των ράφια, τώρα η εικόνα έχει μεταφερθεί στη φύση. Συχνά το βιβλίο ήταν απλά ένα χαρακτηριστικό της παραγωγής - το πορτρέτο του M.e. Treyanova a.ya.golovin (1916). Μερικές φορές χρησιμοποιήθηκε σε χιουμοριστικό σχέδιο - "αγαπημένος ποιητής. Ανοιχτό γράμμα »L.S. Baksta (1902). Αλλά ταυτόχρονα, ο M.V. Sester γράφτηκε εντελώς εκπληκτική ζωγραφική "Natasha Nesterov σε έναν πάγκο κήπου" (1914). Το τελευταίο τρίτο του 19ου αιώνα, οι γαλλικοί ιμπρεσιονιστές δημιούργησαν ένα μεγάλο αριθμό υπέροχων έργων στις οποίες το βιβλίο και η ανάγνωση διαδραμάτισαν πολύ σημαντικό ρόλο. Παρά το γεγονός ότι η εκδρομή μας αφιερώνεται κυρίως στη Ρωσία, περνώντας από ένα τόσο φωτεινό φαινόμενο στην παγκόσμια ζωγραφική, η οποία είχε αναμφισβήτητο αντίκτυπο και στην ανάπτυξη της τέχνης στη Ρωσία θα ήταν άδικο. Ένα βιβλίο ως μέρος της οικογενειακής ζωής που περιλαμβάνεται σε μεγάλο αριθμό έργων του P.O.Renuar. Οι χαρακτήρες των έργων του διαβάζουν το βιβλίο για πρωινό ("πρωινό στο Bernevale"), οι φίλες της διαβάζουν ("παιδιά"), οι λάτρεις ("ιδιωτικότητα"), τα μικρά παιδιά ("Jane και Genevieve Keilibott", "παιδιά στο Warrémnev" ). Eduara Mana Ανάγνωση ενός βιβλίου χρησιμοποιείται ως ένας τρόπος να δώσει ένα κορίτσι (ανάγνωση "), είναι δικηγόρος δικηγόρος (" Πορτρέτο του δικηγόρου της Julie de Juju "), ποιητής (" Πορτρέτο του Stephen Mallarme Poet "), διαβάστε στο τρένο σταθμό που περιμένει ένα τρένο ("σιδηρόδρομος"). Η Henri Toulouse-LesReer και ο Gustave Cabott αγάπησε να απεικονίσει την ανάγνωση στον κήπο ("Desire Dio", "Orange Tree", αντίστοιχα). Αλλά πίσω στη Ρωσία. Εδώ, μετά την επανάσταση, το βιβλίο άρχισε να παίζει εντελώς διαφορετικό ρόλο από το νωρίτερο. Φυσικά, για εκείνους που εμπόδισαν την προσκόλληση της ψυχής στις παλιές παραδόσεις, παρέμεινε η ίδια αξία - "Πορτρέτο του Κ. Β. Κούστοδέι" B.M. Kustodieva (1922), "Χειμώνας στη βεράντα" S.S. Meretsky (1922), "Πορτρέτο του ma Kuzmina "n.adlova (1925). Ταυτόχρονα, τέτοιες εικόνες εμφανίστηκαν ως "Rabafak Goes" από τον B.V. Iooganson (1928). Οι νέοι στη μάζα της δικής τους αμφισβήτησαν τη σημασία της πολιτιστικής ιδιοκτησίας που συσσωρεύτηκαν στην επανάσταση. Η χώρα πέρασε από τον αθλητισμό, μια λατρεία ενός υγιούς σώματος. Το πιο δημοφιλές καλλιτεχνικό εκπαιδευτικό ίδρυμα σε αυτά τα χρόνια - ο Vhutemas επικεντρώθηκε κυρίως στην κατάρτιση της αναπτυσσόμενης βιομηχανίας, η αύξηση στην πρώτη θέση των τεχνολόγων και όχι των δημιουργών. Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι τα βιβλία των έργων ζωγραφικής της δεκαετίας του 1920 σχεδόν δεν θα συναντηθούν. Και μόνο στα μέσα της δεκαετίας του 1930 - ο χρόνος μάχης με φορμαλισμό και νίκη Αχρά, το βιβλίο επιστρέφει στη ζωγραφική. Ο V.N. Yakovlev γράφει ένα πορτρέτο του καλλιτέχνη του λαού της ΕΣΣΔ μ.μ. Κλίμαβα (1935), I.I. Grabar - "Πορτρέτο του Κ.Ι. Choukovsky" (1935). Ξεκινώντας από το δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1940, το βιβλίο παίρνει και πάλι τις προηγούμενες θέσεις. Είναι στα χέρια του συγγραφέα L.M. Leonov (καλλιτέχνης V.G.Tsyplakov, 1949), Κ. Stanislavsky (Painter N.P. Yulianov, 1947), Την ίδια αξία, πιέζει το κορίτσι από το Σοβιετικό Κιργιζιστάν (καλλιτέχνης S.A. Chuikov, 1948). Διαβαίνει το καλοκαίρι στον κήπο (καλλιτέχνης S.P. Balzamov, 1953), σε πάγκο στο ποτάμι (καλλιτέχνης Α.i. Laktonov, 1951-1954), η κόρη της του καλλιτέχνη Α.Μ. ΓΕΡΑΣΙΜΟΒ (1951) και η σύζυγος του καλλιτέχνη Ansamomhvalova ( 1957). Ταυτόχρονα, δημιουργείται κάποια επαναληψιμότητα κινήτρων και τεχνικών. Στη δεκαετία του 1960, το βιβλίο είναι ακόμα δημοφιλές. Το κορίτσι ανάγνωσης στη ζωγραφική του Yu.i. Η Pimenova δεν μπορεί να προσελκύσει την προσοχή ενός νεαρού άνδρα. Η εικόνα ονομάζεται "η αρχή της αγάπης". Οι μαθητές διαβάζονται από τα βιβλία ("Άνοιξη. Φοιτητές" G.K.Tetibadze, 1962), διαβάζεται στον ανθισμένο κήπο ("ποιήματα" από τον D.D. Zilinsky, 1973), τον συγγραφέα της Ε. Reader (ζωγραφική B.V. Shcherbakova, 1966), διάσημο πρόγραμμα και δάσκαλος Va Favorsky (ζωγραφική DD Zhilinsky, 1962). Το βιβλίο του σπιτιού, στις διακοπές και τα διαστήματα μεταξύ των εργασιών παραμένει αξία για καλλιτέχνες και δεκαέξι, μεταξύ των οποίων η «μητέρα και ο γιος», το 1970, το "καλοκαίρι", το 1965. το 1980 -1990, το βιβλίο χάνει σταδιακά την πνευματισμένη αξία του. Γυρίζει πίσω στο συνηθισμένο χαρακτηριστικό. Και μόνο το βιβλίο, που δημοσιεύθηκε στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ού αιώνα, συνεχίζει να εμπνέει τους δασκάλους της βούρτσας. Ένα καλό στυλ είναι να απεικονίσετε ένα αρχαίο βιβλίο σε άθλιες ζωές ("λαμπτήρας κηροζίνης και παλιά βιβλία" S.N. Anjaki, το "παλιό βιβλίο" i.m. chevereva). Σχετικά με τα ζυμωμένα χρόνια μοιάζει με ένα βιβλίο σε μια μισθωμένη δερμάτινη δεσμευτική στην εικόνα του i.a.soldatenkov "θείος Petya". Νοσταλγία στα παλιά βιβλία που διαπερνούν ιστορική ακόμα ζωή Ν. Σινανοβάβα (

Σε σχεδόν κάθε σημαντικό έργο τέχνης, υπάρχει ένα μυστήριο, "διπλό κατώτατο σημείο" ή μια μυστική ιστορία που θέλετε να αποκαλύψετε.

Μουσική στους γλουτούς

Jerome Bosch, "Κήπος από ευχαριστίες της Γης", 1500-1510.

Θραύσμα τμήματος του τρίπτυχου

Οι διαμάχες για τις έννοιες και τις κρυμμένες έννοιες του πιο διάσημου έργου του ολλανδικού καλλιτέχνη δεν υποχωρούν από τη στιγμή της εμφάνισής του. Στο σωστό φύλλο απορριμμάτων που ονομάζεται "μουσική κόλαση", οι αμαρτωλοί απεικονίζονται, οι οποίοι βασανίζονται στον υπόκοσμο με τη βοήθεια μουσικών οργάνων. Ένας από αυτούς έχει σημειώσεις στους γλουτούς. Ένας φοιτητής του χριστιανικού πανεπιστημίου Ο Οκλαχόμα Αμέλια Hamrick, ο οποίος σπούδασε την εικόνα, μετατόπισε τη σημείωση του XVI αιώνα με τον σύγχρονο τρόπο και κατέγραψε "ένα τραγούδι από τον κώλο από την κόλαση, η οποία ήταν 500 ετών."

Nude Mona Lisa

Η διάσημη "JOCONDA" υπάρχει σε δύο εκδόσεις: Η γυμνή έκδοση ονομάζεται "Monta Bath", έγραψε μια ελάχιστα γνωστή καλλιτεχνική Σαλάια, ο οποίος ήταν φοιτητής και προσομοιωτής του μεγάλου Leonardo da Vinci. Πολλοί επικριτές τέχνης είναι σίγουροι ότι ήταν αυτός που ήταν ένα μοντέλο για έργα ζωγραφικής από τον Leonardo "John Baptist" και "Bakhus". Υπάρχουν επίσης εκδόσεις ότι η Salaya ντυμένη με ένα γυναικείο φόρεμα χρησίμευσε ως η ίδια η Mona Lisa.

Παλιός ψαράς

Το 1902, ο ουγγρικός καλλιτέχνης Tivadar Kostya Chongwari έγραψε μια φωτογραφία του παλιού ψαρά. Φαίνεται ότι δεν υπάρχει τίποτα ασυνήθιστο στην εικόνα, αλλά ο Tivar έδωσε το υποκείμενο σε αυτό, κατά τη διάρκεια της ζωής του καλλιτέχνη και της μη ανακοινωθέν.

Λίγοι άνθρωποι έγιναν για να εφαρμόσουν τον καθρέφτη στη μέση της εικόνας. Κάθε άτομο μπορεί να είναι σαν τον Θεό (ο δεξιός ώμος του δεξιού χεριού του γέρου) και ο διάβολος (ο αριστερός ώμος του γέρου αντιγράφεται).

Και ήταν το κιτ;

Hendrik van Antonissen "σκηνή στην ακτή".

Φαίνεται το συνηθισμένο τοπίο. Σκάφη, άνθρωποι στην ακτή και έρημη θάλασσα. Και μόνο μια μελέτη ακτίνων Χ έδειξε ότι οι άνθρωποι που συγκεντρώθηκαν στην ακτή δεν είναι ακριβώς έτσι - στο πρωτότυπο θεωρούσαν το σφάγιο της Κίνας, ρίχνονται στην ξηρά.

Ωστόσο, ο καλλιτέχνης αποφάσισε ότι κανείς δεν θα ήθελε να κοιτάξει τη νεκρή φάλαινα και να ξαναγράψει την εικόνα.

Δύο "πρωινό στο γρασίδι"

Eduard Mana, "Πρωινό στο γρασίδι", 1863.

Claude Monet, "Πρωινό στο γρασίδι", 1865.

Οι καλλιτέχνες Eduard Mana και Claude Monet συγχέονται μερικές φορές - τελικά, ήταν και οι δύο γαλλικοί άνθρωποι, έζησαν ταυτόχρονα και εργάστηκαν στο στυλ του ιμπρεσιονισμού. Ακόμα και το όνομα ενός από τους πιο διάσημους πίνακες του Mana "πρωινό στο γρασίδι" Monet δανείστηκε και έγραψε το "πρωινό του στο γρασίδι".

Διπλασιάζει το "Τελευταίο βράδυ"

Leonardo da Vinci, "Τελευταίο δείπνο", 1495-1498.

Όταν ο Leonardo da Vinci έγραψε ένα "μυστικό βράδυ", έδωσε ένα ιδιαίτερο νόημα σε δύο αριθμούς: ο Χριστός και ο Ιούδας. Ψάχνει για προσομοιωτές γι 'αυτούς για πολύ καιρό. Τέλος, κατάφερε να βρει ένα μοντέλο για την εικόνα του Χριστού μεταξύ των νέων τραγουδιστών. Για να πάρετε έναν προσομοιωτή για τον Ιούδα Leonardo δεν ήταν σε θέση για τρία χρόνια. Αλλά μια μέρα συναντήθηκε στο δρόμο σε έναν μεθυσμένο, ο οποίος βρισκόταν σε ένα λύσιμο. Ήταν ένας νεαρός άνδρας που ήταν μια μη πέψη. Ο Λεονάρντο τον κάλεσε στο εστιατόριο, όπου άρχισε αμέσως να γράψει από τον Τζούντι. Όταν ο πότης ήρθε στον εαυτό του, είπε στον καλλιτέχνη ότι μια μέρα τον έριξε ήδη. Ήταν πριν από μερικά χρόνια, όταν τραγούδησε στην εκκλησία χορωδία, ο Leonardo έγραψε από τον Χριστό.

"Νυχτερινό ρολόι" ή "ημέρα";

Rembrandt, "νυχτερινό ρολόι", 1642.

Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες της Rembrandt "ομιλία από την εταιρεία τουφέκι Captain France Bannang Coca και υπολοχαγός Villem van ryuteitbürga" περίπου διακόσια χρόνια έχει ελέγξει σε διαφορετικές αίθουσες και ανακαλύφθηκε από τους ιστορικούς της τέχνης μόνο στο XIX αιώνα. Δεδομένου ότι φαινόταν ότι τα στοιχεία που εκτελούν σε σκούρο φόντο, ονομάστηκε "νυχτερινό ρολόι" και κάτω από αυτόν τον τίτλο εισήλθε στο θησαυροφυλάκιο της παγκόσμιας τέχνης.

Και μόνο κατά τη διάρκεια της αποκατάστασης που δαπανάται το 1947, ανακαλύφθηκε ότι στην αίθουσα η εικόνα κατάφερε να καλυφθεί με ένα στρώμα αιθάλης, στρέβλωση της γεύσης της. Μετά την εκκαθάριση της αρχικής ζωγραφικής, αποδείχθηκε ότι η σκηνή που αντιπροσωπεύει η Rembrandt συμβαίνει στην πραγματικότητα κατά τη διάρκεια της ημέρας. Η θέση της σκιάς από το αριστερό χέρι του καπετάνιου Coca δείχνει ότι ο χρόνος δράσης δεν υπερβαίνει τις 14 ώρες.

Ανεστραμμένο σκάφος

Henri Matisse, "Σκάφος", 1937.

Στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Νέας Υόρκης το 1961 παρουσιάστηκε μια φωτογραφία του Henri Matisse "Boat". Μόνο μετά από 47 ημέρες κάποιος επέστησε την προσοχή στο γεγονός ότι η εικόνα κρέμεται ανάποδα. Στον καμβά απεικονίστηκαν 10 μοβ γραμμές και δύο μπλε πανιά σε λευκό φόντο. Δύο πανιά, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε ακριβώς έτσι, το δεύτερο πανί είναι μια αντανάκλαση του πρώτου νερού.
Για να μην κάνετε λάθος στο πώς θα πρέπει να κρεμάσει η εικόνα, πρέπει να δώσετε προσοχή στις λεπτομέρειες. Ένα μεγαλύτερο πανί πρέπει να είναι η κορυφή της εικόνας και η κορυφή του σχεδίου ιστιοφόρου θα πρέπει να κατευθύνεται προς τη δεξιά άνω γωνία.

Εξαπάτηση σε αυτοπροσωπογραφία

Vincent Van Gogh, "Αυτοπροσωπογραφία με ένα σωλήνα", 1889.

Το γεγονός ότι ο Van Gogh φέρεται να κόβει το αυτί του, πηγαίνει θρύλους. Τώρα το πιο αξιόπιστο είναι η εκδοχή που το αυτί Van Gogh κατεστραμμένο σε μια μικρή συγκρότηση με τη συμμετοχή άλλων καλλιτεχνών - GOGE.

Το αυτοπροσωπογραφία είναι ενδιαφέρον εκείνο που αντικατοπτρίζει την πραγματικότητα στη στρεβλωμένη μορφή: ο καλλιτέχνης απεικονίζεται με ένα δεξιό αυτί που συνδέεται, επειδή χρησιμοποίησε έναν καθρέφτη κατά τη λειτουργία. Στην πραγματικότητα, το αριστερό αυτί υπέφερε.

Αλλοδαποί mishki

Ivan Shishkin, "Πρωί σε ένα πευκοδάσος", 1889.

Η διάσημη ζωγραφική ανήκει όχι μόνο στο βούρτσα του Shishkin. Πολλοί καλλιτέχνες που ήταν φιλικοί μεταξύ τους συχνά κατέληξαν στη "Βοήθεια ενός φίλου", και ο Ιβάν Ιβάνοβιτς, είχε μια ολόκληρη ζωή με τοπία, φοβόταν ότι η επαφή των αρκούδων δεν θα λειτουργούσε μαζί του όπως ήταν απαραίτητο. Ως εκ τούτου, ο Shishkin απευθύνει έκκληση στον γνωστό ζωικό καλλιτέχνη Konstantin Savitsky.

Ο Σαβίτσκυ ζωγράφισε σχεδόν τις καλύτερες αρκούδες στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής, και ο tretyakov διέταξε το επώνυμό της από τον καμβά, επειδή τα πάντα στην εικόνα "από το σχέδιο και τελειώνουν με την εκπλήρωση, όλα μιλούν για τον τρόπο ζωγραφικής, για το δημιουργικό μέθοδος shishkin. "

Αθώος Ιστορία "Γοτθικός"

Grant Wood, "Αμερικανός Γοτθικός", 1930.

Το έργο της επιχορήγησης του ξύλου θεωρείται μία από τις πιο περίεργες και καταθλιπτικές στην ιστορία της αμερικανικής ζωγραφικής. Η ζωγραφική με ζοφερή πατέρα και κόρη γεμίζει με λεπτομέρειες που υποδεικνύουν τη σοβαρότητα, την πρόβλεψη και την οπισθοδρομοποίηση των που απεικονίζονται οι άνθρωποι.
Στην πραγματικότητα, ο καλλιτέχνης δεν σκέφτηκε να απεικονίσει τρόμο: κατά τη διάρκεια ενός ταξιδιού στην Αϊόβα και παρατήρησε ένα μικρό σπίτι στο γοτθικό στυλ και αποφάσισε να απεικονίσει αυτούς τους ανθρώπους που, κατά τη γνώμη του, θα έρθουν ιδανικά ως κάτοικοι. Με τη μορφή χαρακτήρων, οι οποίοι είναι τόσο προσβληθείσες από τους κατοίκους της Αϊόβα, η αδελφή της επιχορήγησης και ο οδοντίατρος του είναι αθανατοποιημένοι.

Εκδίκηση του Σαλβαδόρ Νταλί

Η εικόνα "Εικόνα από το παράθυρο" γράφτηκε το 1925, όταν ο Ντάλι ήταν 21 ετών. Τότε ο καλλιτέχνης δεν έχει εισέλθει ακόμη στο Γκαλά και το μουσείο του ήταν αδελφή Ana Maria. Η σχέση του αδελφού και των αδελφών επιδεινώθηκε όταν έγραψε σε μια από τις εικόνες "μερικές φορές φτύνω στο πορτρέτο της μητέρας μου, και μου δίνει ευχαρίστηση." Η Ana Maria δεν μπορούσε να συγχωρήσει ένα τέτοιο σοκ.

Στο βιβλίο του του 1949, ο Σαλβαδόρ έδωσε στα μάτια της αδελφής της "γράφει για τον αδελφό του χωρίς έπαινο. Το βιβλίο οδήγησε τη Σαλβαδόρ σε λύσσα. Άλλοι δέκα μετά από αυτό, ήταν θυμωμένος με κάθε άλλη περίπτωση. Και έτσι, το 1954 μια εικόνα "η νεαρή παρθένος, που απολαμβάνει την Sodomsky αμαρτία με τη βοήθεια των κέρατων της δικής του αγνότητας." Πόση μιας γυναίκας, τα μπούκλες του, ένα τοπίο έξω από το παράθυρο και οι ζωγραφιές του χρωμάτων αντανακλάται σαφώς με το "σχήμα παραθύρου". Υπάρχει μια εκδοχή που μου δόθηκε μια εκπληκτική αδελφή για το βιβλίο της.

Διπλό Dana

Το Rembrandt βλάπτει τον Wang Rhine, "Dana", 1636 - 1647.

Πολλά μυστικά ενός από τις πιο διάσημες ζωγραφιές του Rembrandt αποκαλύφθηκαν μόνο στη δεκαετία του '60 του εικοστού αιώνα, όταν ο καμβάς φωτίζει τις ακτίνες Χ. Για παράδειγμα, η λήψη έδειξε ότι στην πρώιμη έκδοση, το πρόσωπο της πριγκίπισσας, το οποίο εισήλθε σε μια σχέση αγάπης με τον Δία, ήταν παρόμοιο με το πρόσωπο του Saskiy - ο σύζυγος του ζωγράφου, ο οποίος πέθανε το 1642. Στην τελική έκδοση της εικόνας, άρχισε να μοιάζει με το πρόσωπο των φυτών του Direks - Lovers Rembrandt, με τους οποίους ο καλλιτέχνης έζησε μετά το θάνατο της συζύγου του.

Κίτρινο υπνοδωμάτιο van gogh

Vincent Van Gogh, "Υπνοδωμάτιο στο Arles", 1888 - 1889.

Τον Μάιο του 1888, ο Van Gogh απέκτησε ένα μικρό εργαστήριο στην Arle, στα νότια της Γαλλίας, όπου δραπέτευσε από την κατανόηση των καλλιτεχνών και των κριτικών του Παρισιού. Σε ένα από τα τέσσερα δωμάτια, ο Vincent τοποθετεί το υπνοδωμάτιο. Τον Οκτώβριο, όλα είναι έτοιμα, και αποφασίζει να σχεδιάσει ένα "υπνοδωμάτιο van gogh στο arles". Για τον καλλιτέχνη, ήταν πολύ σημαντικό να γεύση, την άνεση των δωματίων: όλα έπρεπε να έχουν γίνει στις σκέψεις για διακοπές. Ταυτόχρονα, η εικόνα αντέχει σε ανήσυχους κίτρινους τόνους.

Οι ερευνητές της δημιουργικότητας του Van Gogh εξηγούν αυτό από το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης πήρε ένα κορμό - ένα φάρμακο για την επιληψία, η οποία προκαλεί σοβαρές αλλαγές στον ασθενή στην αντίληψη χρωμάτων: όλες οι γύρω πραγματικότητες είναι ζωγραφισμένες σε πράσινους-κίτρινους τόνους.

Χωρίς δόντια

Leonardo da Vinci, "Πορτρέτο της κυρίας Liza del Jocondo", 1503 - 1519.

Η γενικά αποδεκτή γνώμη είναι ότι η Mona Lisa είναι η τελειότητα και ένα χαμόγελο είναι όμορφο με τη μυστηριώδες του. Ωστόσο, ο ιστορικός της αμερικανικής τέχνης (και οδοντίατρος μερικής απασχόλησης) Ο Joseph Borkovsky πιστεύει ότι, κρίνοντας από την έκφραση του προσώπου, η ηρωίδα έχασε πολλά δόντια. Μελετώντας τις διευρυμένες φωτογραφίες του αριστουργήματος, το Borkovski ανακάλυψε επίσης τα σημάδια γύρω από το στόμα της. "Χαμογελάει έτσι λόγω του τι συνέβη σε αυτήν", ο εμπειρογνώμονας πιστεύει. - Η έκφραση του προσώπου της είναι συνήθως για ανθρώπους που έχουν χάσει τα μπροστινά δόντια τους. "

Σημαντικό στο Facingontrol

Pavel Fedotov, "Major's Major", 1848.

Το κοινό, ο οποίος πρώτα είδε την εικόνα του "ρολόι", γέλασε από την ψυχή: ο καλλιτέχνης του Fedotov γεμίζει με ειρωνικές λεπτομέρειες, κατανοητές θεατές εκείνης της εποχής. Για παράδειγμα, ο μεγάλος δεν είναι σαφώς εξοικειωμένος με τους κανόνες της ευγενής εθιμοτυπίας: Εμφανίστηκε χωρίς απολεσθέντα μπουκέτα για τη νύφη και τη μητέρα της. Και η ίδια η νύφη, οι έμποροι γονείς της εκκενώθηκαν στο φόρεμα της βραδινής μπάλας, αν και στην ημέρα της αυλής (όλοι οι λαμπτήρες στο δωμάτιο σβήνουν). Το κορίτσι σαφώς προσπάθησε πρώτα ένα αποχρωματισμένο φόρεμα, μπερδεμένο και προσπαθεί να ξεφύγει στη βλεφαρίδα του.

Γιατί η ελευθερία είναι γυμνή

Ferdinan Victor Eugene Delakrua, "Ελευθερία στα οδοφράγματα", 1830.

Σύμφωνα με τον ιστορικό της τέχνης Etienne Juli, το Delacroix έγραψε το πρόσωπο μιας γυναίκας με τους διάσημους Παρισινούς επαναστάτες - η χάτα του Anna-Charlotte, η οποία πήγε στα οδοφράγματα μετά το θάνατο του αδελφού του από τα χέρια των βασιλικών στρατιωτών και σκότωσε τους Ninter Guardsmen. Ο καλλιτέχνης το απεικονίζει με γυμνά στήθη. Σύμφωνα με τον ίδιο, αυτό είναι ένα σύμβολο ατρόμητης και αφοσίωσης, καθώς και οι εορτασμοί της δημοκρατίας: το στήθος Nagaya δείχνει ότι η ελευθερία, ως ένα απλό καπέλο, δεν είναι κορσέ.

Ακάθαρτος τετράγωνος

Kazimir Malevich, "Black Suprematic Square", 1915.

Στην πραγματικότητα, η "μαύρη πλατεία" δεν είναι καθόλου μαύρη και όχι σε όλη την πλατεία: καμία από τις πλευρές του τετράκλιου δεν είναι παράλληλη με οποιαδήποτε άλλη πλευρά, και όχι μία από τις πλευρές του τετραγωνικού πλαισίου, το οποίο η εικόνα πλαισιώνεται . Και το σκοτεινό χρώμα είναι το αποτέλεσμα της ανάμειξης διαφόρων χρωμάτων, μεταξύ των οποίων δεν ήταν μαύρο. Πιστεύεται ότι δεν ήταν η αμέλεια του συγγραφέα, αλλά μια θεμελιώδη θέση, η επιθυμία να δημιουργηθεί μια δυναμική, κινούμενη μορφή.

Οι ειδικοί της γκαλερί Tretyakov βρήκαν την επιγραφή του συγγραφέα στη διάσημη εικόνα του Malevich. Η επιγραφή δηλώνει: "Μάχη των μαύρων σε ένα σκοτεινό σπήλαιο". Αυτή η φράση στέλνει στο όνομα της εικόνας αστεία του γαλλικού δημοσιογράφου, του συγγραφέα και του καλλιτέχνη Alfons Alla "Μάχη των μαύρων στο σκοτεινό σπήλαιο βαθιάς το βράδυ", το οποίο ήταν απολύτως μαύρο ορθογώνιο.

Μελόδραμα της Αυστριακής Μονής Λίζα

Gustav Klimt, "Πορτρέτο του Adelie Bloch-Bauer", 1907.

Σε ένα από τα πιο σημαντικά κλίματα, συλληφθεί η σύζυγος της αυστριακής ζάχαρης Magnate Fetinad Bloch Bauer. Όλη η Βιέννη συζήτησε το θυελλώδες Ρωμαϊκό Αδελλ και τον διάσημο καλλιτέχνη. Ένας ευάλωτος σύζυγος ήθελε να εκδικηθεί στους εραστές, αλλά επέλεξε έναν πολύ ασυνήθιστο τρόπο: αποφάσισε να παραγγείλει ένα πορτρέτο του πορτρέτου της Αδέλι και τον κάνει να κάνει εκατοντάδες σκίτσα μέχρι να αρχίσει ο καλλιτέχνης να γυρίζει μακριά από αυτήν.

Ο Bloch Bauer ήθελε να διαρκέσει για αρκετά χρόνια και ένας προσομοιωτής θα μπορούσε να δει πώς τα συναισθήματα της κλισής θα μπορούσαν να αναστατώσουν. Έκανε έναν καλλιτέχνη μια γενναιόδωρη πρόταση, από την οποία δεν μπορούσε να αρνηθεί και όλα αναπτύχθηκαν στο σενάριο ενός εξαπατημένου συζύγου: η εργασία ολοκληρώθηκε για 4 χρόνια, οι λάτρεις έχουν ψύξει καιρό ο ένας στον άλλο. Ο Adel Bloch Bauer δεν έμαθε ποτέ ότι ο σύζυγός της γνώριζε τη σχέση της με την Clima.

Εικόνα που επέστρεψε το GOGE στη ζωή

Paul Gajen, "Από πού προέρχονταν; Ποιοι είμαστε; Πού πηγαίνουμε;", 1897-1898.

Ο πιο διάσημος καμβάς του Hogen έχει ένα χαρακτηριστικό: "ανάγνωση" χωρίς να μείνει δεξιά, αλλά στα δεξιά προς τα αριστερά, όπως τα kabbalistic κείμενα που ο καλλιτέχνης ενδιαφέρεται. Είναι κατά τη τάξη ότι η αλληγορία της πνευματικής και φυσικής ζωής ενός ατόμου ξεδιπλώνεται: από την προέλευση της ψυχής (ύπνο στο κάτω μέρος της δεξιάς γωνίας) στην αναπόφευκτη ώρα της ώρας θανάτου (πουλί με μια σαύρα σε νύχια στο νυχτερί κάτω αριστερή γωνία).

Η εικόνα γράφτηκε από το Gogen στην Ταϊτή, όπου ο καλλιτέχνης έτρεξε αρκετές φορές από τον πολιτισμό. Αλλά αυτή τη φορά, η ζωή στο νησί δεν διευκρίνισε: Η συνολική φτώχεια τον οδήγησε στην κατάθλιψη. Έχοντας τελειώσει τον καμβά, το οποίο θα έπρεπε να γίνει η πνευματική του διαθήκη, ο Gauguen πήρε ένα κουτί με το αρσενικό και πήγε στα βουνά για να πεθάνει. Ωστόσο, δεν υπολογίστηκε τη δόση και η αυτοκτονία απέτυχε. Το επόμενο πρωί, η ταλάντευση, δεν γνώριζε την καλύβα και έπεσε κοιμισμένος, και όταν ξύπνησε, ένιωσε τη ξεχασμένη δίψα για τη ζωή. Και το 1898, οι υποθέσεις του ανέβηκε, και στο έργο άρχισε η φωτεινή περίοδος τους.

112 Παροιμίες σε μια εικόνα

Peter Bruegel - Senior, "Ολλανδία Παροιμίες", 1559

Peter Bruegel - Ανώτερος απεικόνισε τη γη, κατοικήθηκε από κυριολεκτικές εικόνες των ολλανδικών παροιμιών αυτών των ημερών. Σε μια γραπτή εικόνα, υπάρχουν περίπου 112 αναγνωρισμένα ιδιώματα. Μερικά από αυτά χρησιμοποιούνται μέχρι σήμερα, όπως: "Πετάξτε ενάντια στο τρέχον", "Καταπολέμηση του κεφαλιού σας για τον τοίχο", "Ένοδοι στα δόντια" και "τα μεγάλα ψάρια τρώνε ένα μικρό".

Άλλες παροιμίες αντικατοπτρίζουν τις ανθρώπινες ανοησίες.

Υποκειμενικότητα της τέχνης

Paul Gogen, "Village Breton κάτω από το χιόνι", 1894

Η ζωγραφική του Gogen "Breton Village στο χιόνι" πωλήθηκε μετά το θάνατο του συγγραφέα σε μόλις επτά φράγκα και, επιπλέον, που ονομάζεται Niagara Falls. Ένας άνδρας ο οποίος πέρασε δημοπρασία τυχαία έκλεισε μια εικόνα των ποδιών του, βλέποντας έναν καταρράκτη σε αυτό.

Κρυμμένη ζωγραφική

Pablo Picasso, Blue Room, 1901

Το 2008, η υπέρυθρη ακτινοβολία έδειξε ότι ένα "μπλε δωμάτιο" ήταν κρυμμένο μια άλλη εικόνα - ένα πορτρέτο ενός άνδρα ντυμένη με ένα κοστούμι με μια πεταλούδα και έβαλε το κεφάλι στο χέρι του. "Μόλις εμφανιστεί ο Πικάσο μια νέα ιδέα, ελήφθη για το βούρτσα και το ενσωμάτωσε. Αλλά δεν είχε την ευκαιρία να αγοράσει έναν νέο καμβά κάθε φορά που επισκέφθηκε μια μούσα ", εξηγεί τον πιθανό λόγο για αυτή την κριτική τέχνης της Patricia Favero.

Απρόσιτη μαροκοκκιά

Zinaida Serebryakova, "Nagaya", 1928

Μόλις η Zinaida Serebryakova έλαβε μια δελεαστική προσφορά - να πάει στο δημιουργικό ταξίδι για να απεικονίσει τις γυμνές μορφές του East Dev. Αλλά αποδείχθηκε ότι σε αυτά τα μέρη για να βρουν τους προσομοιωτές απλά αδύνατο. Ένας μεταφραστής της Zinaida ήρθε στη διάσωση - οδήγησε τις αδελφές της και μια νύφη σε αυτήν. Κανείς πριν από αυτό και μετά από αυτό δεν κατάφερε να καταγράψει τις κλειστές ανατολίτικες γυναίκες γυμνές.

Αυθόρμητη ψευδαίσθηση

Valentin Serov, "Πορτρέτο του Νικολάου Β σε μια πίεση", 1900

Για μεγάλο χρονικό διάστημα, ο Serov δεν μπορούσε να γράψει ένα πορτρέτο του βασιλιά. Όταν ο καλλιτέχνης παραδόθηκε καθόλου, ζήτησε συγγνώμη για τον Νικολάι. Ο Νικολάι ήταν λίγο αναστατωμένος, κάθισε στο τραπέζι, τεντώνοντας τα χέρια του μπροστά του ... και στη συνέχεια τον καλλιτέχνη ζωγραφισμένο - εδώ είναι μια εικόνα! Ένας απλός στρατός σε κονδύλους ενός αξιωματικού με καθαρά και θλιβερά μάτια. Αυτό το πορτρέτο θεωρείται η καλύτερη εικόνα του τελευταίου αυτοκράτορα.

Και πάλι διπλό

© FEDOR Reshetnikov

Η διάσημη ζωγραφική "και πάλι δύο" είναι μόνο το δεύτερο μέρος της καλλιτεχνικής τριλογίας.

Το πρώτο μέρος είναι "έφτασε στις διακοπές". Προφανώς εξασφαλισμένη οικογένεια, χειμερινές διακοπές, χαρούμενος φοιτητής φοιτητής.

Το δεύτερο μέρος είναι "και πάλι deuce". Η φτωχή οικογένεια από τα περίχωρα εργασίας, η μέση του σχολικού έτους, ο Puraden Oballa, άρπαξε και πάλι τα δύο. Στην επάνω αριστερή γωνία, η εικόνα "έφτασε στις διακοπές" ήταν ορατό.

Το τρίτο μέρος είναι "επανεξέταση". Εξοχική κατοικία, καλοκαίρι, όλα τα πόδια, μια κακόβουλη ανισότητα, έχοντας αποτυχημένη ετήσια εξέταση, αναγκάζεται να καθίσει σε τέσσερις τοίχους και εργαλείο. Στην επάνω αριστερή γωνία, μια εικόνα "δύο πάλι" είναι ορατή.

Πώς γεννιούνται τα αριστουργήματα

Joseph Turner, "Βροχή, Ζευγάρια και ταχύτητα", 1844

Το 1842, η κ. Simon ταξίδεψε με το τρένο στην Αγγλία. Ξαφνικά ξεκίνησε ένα ισχυρό ντους. Ο ηλικιωμένος κύριος, ο οποίος καθόταν απέναντι της, σηκώθηκε, άνοιξε το παράθυρο, κολλήσει το κεφάλι του και κοίταξε δέκα λεπτά. Δεν είναι δυνατή η κράτηση της περιέργειας σας, η γυναίκα άνοιξε επίσης το παράθυρο και άρχισε να κοιτάζει μπροστά. Ένα χρόνο αργότερα, βρήκε μια φωτογραφία της "βροχής, των ζευγαριών και της ταχύτητας" στην έκθεση στη Βασιλική Ακαδημία Τεχνών και μπόρεσε να αναγνωρίσει το ίδιο επεισόδιο σε αυτό.

Μάθημα ανατομίας από το Michelangelo

Michelangelo, "Δημιουργία Αδάμ", 1511

Ένα ζευγάρι αμερικανικών εμπειρογνωμόνων στον τομέα της νευροανατομίας πιστεύουν ότι ο Michelangelo άφησε πραγματικά μερικές ανατομικές εικονογραφήσεις σε ένα από τα πιο διάσημα έργα του. Πιστεύουν ότι στο δεξιό μέρος της εικόνας απεικονίζει έναν τεράστιο εγκέφαλο. Είναι εκπληκτικό, αλλά μπορείτε να βρείτε ακόμη και σύνθετα εξαρτήματα, όπως ένα παρεγκεφαλικό, οπτικό νεύρα και αδένες υπόφυσης. Και η κασέτα πράσινη κορδέλα συμπίπτει τέλεια με τη θέση της σπονδυλικής αρτηρίας.

"Τελευταίο δείπνο" van gogh

Vincent Van Gogh, "Night Cafe Terrace", 1888

Ο Explorer Jared Baxter πιστεύει ότι στο καμβά Van Gogh "Night Terrace Cafe" κρυπτογραφείται από την αφοσίωση του "μυστικού βράδυ" Leonardo da Vinci. Στο κέντρο της εικόνας υπάρχει ένας σερβιτόρος με μακριά μαλλιά και σε ένα λευκό χιτώνα, υπενθυμίζοντας τα ρούχα του Χριστού και υπάρχουν ακριβώς 12 επισκέπτες στο καφενείο γύρω από αυτό. Επίσης, ο Baxter εφιστά την προσοχή στο σταυρό, που βρίσκεται ακριβώς πίσω από το πίσω μέρος του σερβιτόρου σε λευκό.

Η μνήμη του Dali

Σαλβαδόρ Νταλί, "Στομαχία μνήμης", 1931

Δεν είναι μυστικό ότι οι σκέψεις που παρακολουθούν τον Νταλί κατά τη δημιουργία των αριστουργημάτων του ήταν πάντα με τη μορφή πολύ ρεαλιστικών εικόνων που ο καλλιτέχνης στη συνέχεια μεταφέρθηκε στον καμβά. Έτσι, σύμφωνα με τον ίδιο τον συγγραφέα, η εικόνα "Constancy of Memory" γράφτηκε ως αποτέλεσμα των ενώσεων που προκύπτουν με τη μορφή ενός λιωμένου τυριού.

Τι κραυγές μαζεύουν

Edward Munk, Creek, 1893.

Ο Munk έλεγε για την εμφάνιση της ιδέας ενός από τα πιο μυστηριώδη έργα ζωγραφικής στην παγκόσμια ζωγραφική: "Περπατήθηκα κατά μήκος του μονοπατιού με δύο φίλους - ο ήλιος κάθισε - ο ουρανός απροσδόκητα έγινε αιματηρός, αίσθηση, Εξαντλημένο και κλίνει για το φράχτη - κοίταξα το αίμα και τη φλόγα Γλώσσες πάνω από ένα μπλε-μαύρο φιόρδ και την πόλη - οι φίλοι μου πήγαν περισσότερο, και βρισκόμουν, τρέμοντας από τον ενθουσιασμό, αισθάνεται μια ατελείωτη κραυγή, διάτρηση. " Αλλά τι είδους ηλιοβασίλεμα θα μπορούσε να τρομάξει τον καλλιτέχνη;

Υπάρχει μια εκδοχή ότι η ιδέα της "Scream" γεννήθηκε στο μύλο το 1883, όταν συνέβησαν αρκετές ισχυρότερες εκρήξεις του ηφαιστείου Krakataau - τόσο ισχυρό που άλλαξαν τη θερμοκρασία της ατμόσφαιρας της γης σε ένα βαθμό. Άφθονη ποσότητα σκόνης και τέφρας που εξαπλώνεται σε όλη την υδρόγειο, έρχεται ακόμη και στη Νορβηγία. Αρκετά βραδιές στη σειρά, τα ηλιοβασιλέματα κοίταξαν σαν, η Αποκάλυψη θα ήταν - ένας από αυτούς ήταν η πηγή της έμπνευσης του καλλιτέχνη.

Συγγραφέας στους ανθρώπους

Αλέξανδρος Ιβάνοφ, "Το φαινόμενο του Χριστού", 1837-1857.

Δεκάδες προσομοιωτές έθεσαν τον Alexander Ivanov για την κύρια εικόνα του. Ένας από αυτούς είναι γνωστός για όχι λιγότερο από τον καλλιτέχνη. Στο βάθος, ανάμεσα στους διασκορπούς και τους ρωμαϊκούς ιππείς, οι οποίοι δεν έχουν ακούσει ακόμα το κήρυγμα των John The Forenners, μπορείτε να δείτε τον χαρακτήρα στο Chiton Korchin. Ο Ιβάναφ έγραψε από τον Νικολάου Γκόγκολ. Ο συγγραφέας κοινοποιήθηκε σφιχτά με τον καλλιτέχνη στην Ιταλία, ιδίως για τα θρησκευτικά θέματα και του έδωσε συμβουλές στη διαδικασία σύνταξης της εικόνας. Ο Γκόγκόλ πίστευε ότι ο Ιβάνοφ "είχε πέθανε από καιρό για ολόκληρο τον κόσμο, εκτός από το έργο του."

Αρθρίτιδα michelangelo

Rafael Santi, Αθήνα Σχολή, 1511.

Δημιουργία της διάσημης τοιχογραφίας "Αθήνα Σχολής", ο Rafael διαιωνίζει τους φίλους και τους γνωστούς του στις εικόνες των αρχαίων ελληνικών φιλοσόφων. Ένας από αυτούς ήταν ο Michelangelo Buonotti "στο ρόλο του" Herclite. Αρκετοί αιώνες τοιχογραφίες κράτησαν τα μυστικά της προσωπικής ζωής του Michelangelo και οι σύγχρονοι ερευνητές έκαναν την υπόθεση ότι το παράξενο θυμωμένο γόνατο του καλλιτέχνη μαρτυρεί την παρουσία των ασθενειών των αρθρώσεων.

Είναι πιθανό να εξετάσει τα χαρακτηριστικά του τρόπου ζωής και τις συνθήκες εργασίας των καλλιτεχνών της Αναγέννησης και του χρόνιου εργάσιμου εργοστασίου Michelangelo.

Mirror Couple Arnolphini

Yang Van Eyk, "Πορτρέτο του Αρσανφίνου Fau", 1434

Στον καθρέφτη πίσω από τους συζύγους του Arnolphin, μπορείτε να δείτε την αντανάκλαση των δύο ακόμα ανθρώπων στο δωμάτιο. Πιθανότατα, αυτοί είναι μάρτυρες που υπάρχουν στη σύναψη της σύμβασης. Ένας από αυτούς είναι ο Van Eyke, όπως αποδεικνύεται από τη λατινική επιγραφή, που τοποθετούνται, αντίθετα με την παράδοση, πάνω από τον καθρέφτη στο κέντρο της σύνθεσης: "Jan Van Eyk ήταν εδώ." Έτσι συνήθως στερεωμένες συμβάσεις.

Ως ελάττωμα μετατράπηκε σε ένα ταλέντο

Η Rembrandt βλάπτει τον Wang Rhine, "αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών", 1669.

Ο ερευνητής Margaret Livingston σπούδασε όλα τα αυτο-πορτραίτα Rembrandt και διαπίστωσε ότι ο καλλιτέχνης υπέφερε ως ένα squint: στις εικόνες, τα μάτια του βλέπουν διαφορετικές κατευθύνσεις, το οποίο δεν παρατηρείται στα πορτρέτα των βούρτσας άλλων ανθρώπων. Η ασθένεια οδήγησε στο γεγονός ότι ο καλλιτέχνης θα μπορούσε να αντιληφθεί καλύτερα την πραγματικότητα σε δύο διαστάσεις από τους ανθρώπους με φυσιολογικό όραμα. Αυτό το φαινόμενο ονομάζεται "στερεοφωνικό" - η αδυναμία να δει τον κόσμο σε 3D. Αλλά επειδή ο ζωγράφος πρέπει να συνεργαστεί με μια δισδιάστατη εικόνα, ήταν αυτή η ανεπάρκεια του Rembrandt που θα μπορούσε να είναι μια από τις εξηγήσεις του φαινομένου του ταλέντου.

Σίγουρα η Αφροδίτη

Sandro Botticelli, "Γέννηση της Αφροδίτης", 1482-1486.

Πριν από την εμφάνιση της "γέννησης της Αφροδίτης", η εικόνα ενός γυμνού γυναικείου σώματος στη ζωγραφική συμβόλη μόνο την ιδέα της αρχικής αμαρτίας. Sandro Botticelli Ο πρώτος από τους ευρωπαίους ζωγράφους δεν βρήκε τίποτα αμαρτωλό σε αυτό. Επιπλέον, οι ιστορικοί τέχνης είναι σίγουροι ότι η παγανιστική θεά της αγάπης συμβολίζει την τοιχογραφία.

Butterist ή Butcher;

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Butterist", 1596.

Για μεγάλο χρονικό διάστημα, η εικόνα εκτέθηκε στο Ερμιτάζ που ονομάζεται "Butcher's". Μόνο στις αρχές του εικοστού αιώνα, οι ιστορικοί της τέχνης συμφώνησαν ότι η καμβά εξακολουθεί να δείχνει τον νεαρό άνδρα (πιθανώς caravaggio έθεσε τον γνωστό καλλιτέχνη του Mario Minni): στις σημειώσεις μπροστά από τον μουσικό, την ηχογράφηση του κόμματος μπάσων Madrigala Jacob Arcaader " Ξέρεις ότι σε αγαπώ ". Μια γυναίκα θα μπορούσε να κάνει μια τέτοια επιλογή - είναι απλά δύσκολο για το λαιμό. Επιπλέον, ένα λαούτο, όπως ένα βιολί στην άκρη της εικόνας, θεωρήθηκε ένα αρσενικό εργαλείο στην εποχή του Caravaggio.