Τους συγγραφείς του ιμπρεσιονισμού. Τις καλύτερες φωτογραφίες των ιμπρεσιονιστών με ονόματα και φωτογραφίες

Ο ιμπρεσιονισμός είναι μια κατεύθυνση στη ζωγραφική, προέρχεται από τη Γαλλία στους αιώνες XIX-XX, η οποία είναι μια καλλιτεχνική προσπάθεια να συλλάβει οποιαδήποτε στιγμή σε όλη τη μεταβλητότητα και την κινητικότητά του. Οι εικόνες των ιμπρεσιονιστών σαν ποιοτικά πλύθηκαν φωτογραφίες, αναβιώνοντας τη συνέχιση της ιστορίας που παρατηρείται στη φαντασία. Σε αυτό το άρθρο θα εξετάσουμε τους 10 πιο διάσημους ιμπρεσιονιστές του κόσμου. Ευτυχώς, οι ταλαντούχοι καλλιτέχνες είναι πολύ περισσότερο από δέκα, είκοσι ή ακόμα και εκατό, οπότε ας επικεντρωθούμε σε αυτά τα ονόματα που πρέπει να γνωρίζετε.

Για να μην προσβάλλουν ούτε τους καλλιτέχνες ή τους θαυμαστές τους, ο κατάλογος δίνεται στη ρωσική αλφαβητική σειρά.

1. Alfred Sisley

Αυτός ο γαλλικός ζωγράφος της αγγλικής προέλευσης θεωρείται το πιο διάσημο τοπίο του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Στη συλλογή του υπάρχουν περισσότερους από 900 έργα ζωγραφικής, εκ των οποίων το πιο διάσημο "αγροτικό δρομάκι", "Frost στο Luveseyne", "γέφυρα στο Argentee", "νωρίς χιόνι στο Luvurezenne", "γκαζόν την άνοιξη" και πολλά άλλα.

2. Van Gogh.

Διάσημος σε ολόκληρο τον κόσμο μια θλιβερή ιστορία για το αυτί του (δίπλα στο δρόμο, κόβει όλο το αυτί, αλλά μόνο ένας λοβός), ο Wang Gon έγινε δημοφιλής μόνο μετά το θάνατό του. Και για τη ζωή ήταν σε θέση να πουλήσει μια μοναδική εικόνα, 4 μήνες πριν από το θάνατο. Λένε ότι ήταν και ένας επιχειρηματίας, και ένας ιερέας, αλλά συχνά έπεσε σε ψυχιατρικά νοσοκομεία λόγω της κατάθλιψης, οπότε όλοι οι αντάρτες της ύπαρξής του είχαν ως αποτέλεσμα τα θρυλικά έργα.

3. Camille Pissarro

Το Pissarro γεννήθηκε στο νησί του Αγίου Θωμά, στην οικογένεια των αστικών Εβραίων και ήταν ένας από τους λίγους ιμπρεσιονιστές, των οποίων οι γονείς ενθάρρυναν το πάθος του και σύντομα αποστέλλονται στο Παρίσι για την κατάρτιση. Πάνω απ 'όλα, ο καλλιτέχνης έπρεπε να δοκιμάσει τη φύση, την απεικονίζει επίσης σε όλα τα χρώματα και αν το λέω πιο ακρίβεια, ο Pissarro είχε ένα ειδικό ταλέντο για να επιλέξει την απαλότητα των λουλουδιών, τη συμβατότητα, μετά την οποία ο αέρας εμφανίστηκε στις εικόνες.

4. Claude Monet

Από την παιδική ηλικία, η Γουινέα αποφάσισε ότι θα γίνει καλλιτέχνης, παρά τις απαγορεύσεις της οικογένειας. Μόνο μετακόμισε στο Παρίσι, ο Claude Monet βυθίστηκε στις γκρίζες εργάσιμες ημέρες της σκληρής ζωής: δύο χρόνια στην υπηρεσία στις ένοπλες δυνάμεις στην Αλγερία, διαφορές με τους πιστωτές λόγω φτώχειας, ασθένειας. Ωστόσο, φαίνεται ότι οι δυσκολίες δεν καταπιέζουν, αλλά αντιθέτως, ενέπνευσε τον καλλιτέχνη για να δημιουργήσει τέτοιους φωτεινούς πίνακες ως "την εντύπωση, την ανατολή του ηλίου", το "κτίριο του Κοινοβουλίου στο Λονδίνο", "γέφυρα στην Ευρώπη", το φθινόπωρο στο Argenthe "," στην ακτή Tuvillie, "και πολλοί άλλοι.

5. Konstantin Korovin

Είναι ωραίο να γνωρίζετε ότι ανάμεσα στους γονείς της γαλλικής, ιμπρεσιονισμού, μπορείτε να τοποθετήσετε περήφανα τον συμπατριώτη μας - Konstantin Korovina. Η παθιασμένη αγάπη για τη φύση τον βοήθησε διαισθητικά μια στατική εικόνα μιας στατικής εικόνας, χάρη στον συνδυασμό κατάλληλων χρωμάτων, το πλάτος των επίχρων, της επιλογής του θέματος. Είναι αδύνατο να περάσετε από τις ζωγραφιές του "Pier στο Gurzuf", "Ψάρια, κρασί και φρούτα", "Φθινόπωρο τοπίο", "φως του φεγγαριού. Χειμώνας και μια σειρά έργων του αφιερωμένα στο Παρίσι.

6. Paul Gogen

Μέχρι 26 χρονών ο Paul Gauguin και δεν σκέφτηκε τη ζωγραφική. Ήταν ένας επιχειρηματίας και είχε μια μεγάλη οικογένεια. Ωστόσο, όταν είδα για πρώτη φορά τις εικόνες του Camille Pissarro, αποφάσισα ότι σίγουρα θα σχεδιάσει. Με την πάροδο του χρόνου, το ύφος του καλλιτέχνη άλλαξε, αλλά οι πιο διάσημοι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες είναι "ο κήπος στο χιόνι", "στο βράχο", "στην παραλία στο Dieppe", "γυμνό", "φοίνικες στη Μαρτινίκα" και οι υπολοιποι.

7. Paul Cesanne

Cezanne, σε αντίθεση με τους περισσότερους από τους συναδέλφους του, έγινε γνωστός για τη ζωή. Κατάφερε να οργανώσει τη δική του έκθεση και να κόψει σημαντικά εισοδήματα από αυτό. Οι άνθρωποι γνώριζαν την παρτίδα στις ζωγραφιές του - καθώς κανείς δεν έμαθε να συνδυάσει το παιχνίδι του φωτός και των σκιωνών, έκανε μια δυνατή έμφαση στις σωστές και ακατάλληλες γεωμετρικές μορφές, η αυστηρότητα του θέματος των έργων του ήταν αρμονία με το ρομαντισμό.

8. Pierre Auguste Renoir

Μέχρι τα 20 χρόνια, η Renoir εργάστηκε ως διακοσμητής των οπαδών από τον μεγαλύτερο αδερφό της και μόνο στη συνέχεια μετακόμισε στο Παρίσι, όπου γνώρισε τον Monet, Basal και Sispel. Αυτή η γνωριμία τον βοήθησε στο μέλλον να γίνει ένας εντυπωσιασμός στο δρόμο και να γίνει διάσημος γι 'αυτήν. Η Renoir είναι γνωστή ως συγγραφέας του συναισθηματικού πορτρέτου, μεταξύ των σημαντικότερων έργων του - "στη βεράντα", "Walk", "Πορτρέτο μιας ηθοποιού Zhanna Samari", "Lodge", "Alfred Sisley και η σύζυγός του" μια κούνια "," πάτωμα "και πολλά άλλα.

9. Edgar Degas

Εάν δεν έχετε ακούσει τίποτα για τους "Blue Dancers", "Ballet Rehearsal", "Σχολή Μπαλέτου" και "Absinthe" - βιαστικά για να μάθετε περισσότερα για το έργο του Edgar Degi. Επιλογή των αρχικών χρωμάτων, μοναδικά θέματα για έργα ζωγραφικής, το αίσθημα της κίνησης της εικόνας - όλα αυτά και πολλά περισσότερα έκαναν ένα degass έναν από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες.

10. Eduard Mana

Μην συγχέετε τη Mane με το Monet - Αυτά είναι δύο διαφορετικοί άνθρωποι που εργάστηκαν ταυτόχρονα και σε μια καλλιτεχνική κατεύθυνση. Η Mana προσέλκυσε πάντα μια εγχώρια σκηνή, ασυνήθιστη εμφάνιση και τύπο, όπως και κατά λάθος "πιάστηκε" στιγμές στη συνέχεια φυλακίστηκαν για αιώνες. Μεταξύ των διάσημων ζωγραφιών Manne: Olympia, "Πρωινό στο γρασίδι", "Bar στο Foli-Berger, Floutist," Nana "και άλλους.

Εάν έχετε τουλάχιστον την παραμικρή ευκαιρία να δείτε τους πίνακες αυτών των πλοιάρχων ζωντανά - θα ερωτευτείτε για πάντα τον εντυπωσιακό!

Μία από τις μεγαλύτερες τάσεις της τέχνης των τελευταίων δεκαετιών του δέκατου ένατου αιώνα και η αρχή του εικοστού είναι ιμπρεσιονισμός, εξαπλωθεί σε όλο τον κόσμο από τη Γαλλία. Οι εκπρόσωποί του ασχολούνταν με την ανάπτυξη τέτοιων μεθόδων και τεχνικών ζωγραφικής, γεγονός που θα επέτρεπε στον πραγματικό κόσμο να είναι περισσότερο και φυσικά αντανακλάται στη δυναμική, να μεταφέρει τις φευγαλέες εντυπώσεις από αυτόν.

Στο ύφος του ιμπρεσιονισμού, πολλοί καλλιτέχνες δημιούργησαν τον καμβά τους, αλλά οι ιδρυτές του κινήματος ήταν ο Claude Monet, Edward Mana, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederick Basil, Camille Pissaro. Είναι αδύνατο να καλέσετε τα καλύτερα έργα τους, καθώς είναι όλα όμορφα, αλλά υπάρχουν τα πιο διάσημα, είναι γι 'αυτούς περαιτέρω και θα συζητηθεί.

Claude Monet: "εντύπωση. Ανατολή του ηλίου"

Ο καμβάς, από το οποίο να ξεκινήσει μια συνομιλία σχετικά με τις καλύτερες εικόνες των ιμπρεσιονιστών. Ο Claude Monet το έγραψε το 1872 από τη φύση στο παλιό λιμάνι της Γαλλικής Gauring. Δύο χρόνια αργότερα, η εικόνα καταδείχτηκε για πρώτη φορά στο κοινό στο πρώην εργαστήριο του γαλλικού καλλιτέχνη και του γελοιογράφου του Nadar. Αυτή η έκθεση έχει γίνει μια μοιραία τέχνη για τον κόσμο. Εντυπωσιασμένος (όχι με την καλύτερη έννοια) από το έργο του Monet, το όνομα της οποίας στην αρχική γλώσσα ακούγεται σαν "εντύπωση, το Soleil Levant", ο δημοσιογράφος Louis Lerua εισήγαγε για πρώτη φορά σε κυκλοφορία ο όρος "ιμπρεσιονισμός" αναφερόμενος σε αυτούς α Νέα κατεύθυνση στη ζωγραφική.

Η εικόνα κλαπεί το 1985 με τα έργα του Ο. Renuara και B. Morizo. Το βρήκε πέντε χρόνια αργότερα. Επί του παρόντος, "εντύπωση. Ο ανερχόμενος ήλιος "ανήκει στο Μουσείο Μαρμετάν Monet στο Παρίσι.

Eduard Monet: Ολυμπία

Η ζωγραφική "Ολυμπία", που δημιουργήθηκε από τον γαλλικό ιμπρεσιονιστικό Edward Mana το 1863, είναι ένα από τα αριστουργήματα της σύγχρονης ζωγραφικής. Πρώτα εισήχθη στο σαλόνι του Παρισιού το 1865. Οι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές και οι πίνακες τους ήταν συχνά στο κέντρο των δυνατών σκανδάλων. Ωστόσο, η Ολυμπία έχει προκαλέσει το μεγαλύτερο από αυτά στην ιστορία της τέχνης.

Στον καμβά βλέπουμε μια γυμνή γυναίκα, πρόσωπο και σώμα που αντιμετωπίζει το κοινό. Ο δεύτερος χαρακτήρας είναι μια μαύρη κοπέλα, στα χέρια των οποίων ένα πολυτελές μπουκέτο τυλιγμένο σε χαρτί. Η πτήση στο κρεβάτι έχει ένα μαύρο γατάκι σε μια χαρακτηριστική στάση με την καμπύλη πλάτη. Σχετικά με την ιστορία της δημιουργίας της ζωγραφικής είναι γνωστή όχι τόσο πολύ, μόνο δύο σκίτσα μας έφτασε. Το μοντέλο που εξυπηρετείται, πιθανότατα, ένας αγαπημένος προσομοιωτής Mana - Quiz Mönar. Πιστεύεται ότι ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε την εικόνα της Margarita Bellands - η ερωμένη του Ναπολέοντα.

Σε αυτή την περίοδο δημιουργικότητας, όταν δημιουργήθηκε η "Ολυμπία", η Mane ήταν παθιασμένη με την ιαπωνική τέχνη και επομένως σκόπιμα αρνήθηκε να μελετήσει τις αποχρώσεις του σκοτεινού και του φωτός. Εξαιτίας αυτού, οι σύγχρονοι του δεν είδαν τον όγκο του σχήματος του σχήματος, μετράει επίπεδη και χονδροειδής. Ο καλλιτέχνης κατηγορείται για την ανθρακωλεία, χυδαιότητα. Ποτέ πριν από αυτή την εικόνα των ιμπρεσιονιστών δεν προκαλεί μια τέτοια αναταραχή και κοροϊδία από το πλήθος. Η διοίκηση αναγκάστηκε να βάλει τους φρουρούς γύρω της. Η DEGAS συνέκρινε τη φήμη της Μάννα, κατάκτηση της Ολυμπίας και το θάρρος με τον οποίο έλαβε κριτική, με την ιστορία της ζωής του Γαρίμπαλντη.

Σχεδόν το ένα τέταρτο του αιώνα μετά την έκρηξη διατηρήθηκε σε ένα απρόσιτο με τα ξένα μάτια του εργαστηρίου. Στη συνέχεια, έβαλε και πάλι στο Παρίσι το 1889. Ήταν σχεδόν αγόρασε, αλλά οι φίλοι του καλλιτέχνη συγκέντρωσαν το απαραίτητο ποσό και αγόρασε την "Ολυμπία" από τον άνθρωπο χήρας και στη συνέχεια πέρασε στο κράτος. Τώρα η εικόνα ανήκει στο Μουσείο Orsay στο Παρίσι.

Auguste Renoir: "Big Swimsters"

Η εικόνα γράφεται από τον γαλλικό καλλιτέχνη το 1884-1887. Λαμβάνοντας υπόψη τις γνωστές ζωγραφιές των ιμπρεσιονιστών στο διάστημα μεταξύ 1863 και της έναρξης του εικοστού αιώνα, "μεγάλα μαγιό" ονομάζονται το μεγαλύτερο ύφασμα με γυμνές γυναίκες. Ο Renoir εργάστηκε πάνω του περισσότερα από τρία χρόνια και πολλά σκίτσα δημιουργήθηκαν κατά τη διάρκεια αυτού του χάσματος, σκίτσα. Δεν υπήρχε πλέον ζωγραφική στο έργο του, το οποίο θα αφιερώσει τόσο πολύ χρόνο.

Στο προσκήνιο, ο θεατής βλέπει τρεις γυμνές γυναίκες, δύο από τις οποίες βρίσκονται στην ακτή και το τρίτο είναι στο νερό. Οι αριθμοί γράφονται πολύ ρεαλιστικές και σαφώς, το οποίο είναι χαρακτηριστικό γνώρισμα του καλλιτέχνη. Οι προσομοιωτές του Renuara ήταν η Alina Sharigo (μελλοντική σύζυγός του) και η Suzanna Valadon, ο οποίος στο μέλλον και ο ίδιος έγινε διάσημος καλλιτέχνης.

Edgar Degas: "Μπλε χορευτές"

Το βούτυρο στον καμβά είναι γραμμένο ότι όλοι οι διάσημοι καλλιτέχνες των ιμπρεσιονιστών γράφονται στο άρθρο. Η παραπάνω φωτογραφία καθιστά δυνατή την κατανόηση της εικόνας "Blue Dancers". Είναι το παστέλ σε ένα φύλλο χαρτιού με μέγεθος 65x65 cm και ανήκει στην καθυστερημένη περίοδο της δημιουργικότητας του καλλιτέχνη (1897). Το επέστησε με ήδη αποδυναμωμένο όραμα, οπότε ο διακοσμητικός οργανισμός είναι υψίστης σημασίας: μια εικόνα γίνεται αντιληπτή ως μεγάλες έγχρωμες κηλίδες, ειδικά αν το θεωρείτε κοντά. Το θέμα των χορευτών ήταν κοντά στην Degas. Επανειλημμένα επαναλήφθηκε στο έργο του. Πολλοί επικριτές πιστεύουν ότι στην αρμονία του χρώματος και οι συνθέσεις των "μπλε χορευτών" μπορούν να θεωρηθούν το καλύτερο έργο του καλλιτέχνη σε αυτό το θέμα. Επί του παρόντος, η εικόνα διατηρείται στο μουσείο τέχνης. Α. S. Πούσκιν στη Μόσχα.

Frederick Basil: "Ροζ φόρεμα"

Ένας από τους ιδρυτές του γαλλικού ιμπρελιισμού Frederick Basil γεννήθηκε στην αστική οικογένεια πλούσιων οινοποιείων. Πίσω στα χρόνια της μελέτης στο Λύκειο, άρχισε να ασχολείται με τη ζωγραφική. Έχοντας μετακινηθεί στο Παρίσι, άρχισε να γνωρίζει με τον Κ. Monet και τον Ο. Renohar. Δυστυχώς, ο καλλιτέχνης πεπρωμένο λήφθηκε από μια μικρή διαδρομή ζωής. Πέθανε στα 28 μπροστά κατά τη διάρκεια του Φραγκο-Πρωσίας Πολέμου. Ωστόσο, αν και λίγοι, ο καμβάς δικαίως περιλαμβάνει τις λίστα "Καλύτερες εικόνες". Ένας από αυτούς είναι ένα "ροζ φόρεμα", γραμμένο το 1864 σε όλα τα σημάδια του καμβά μπορεί να αποδοθεί στον πρώιμο ιμπρεσιονισμό: χρωματιστικές αντιθέσεις, προσοχή στο χρώμα, ηλιακός φωτισμός και μια στάση άμεση, το ίδιο πράγμα που ονομάστηκε "εντύπωση" . Ως μοντέλο, πραγματοποιήθηκε ένας από τους ξάδερφος του καλλιτέχνη Teresa de Horse. Επί του παρόντος, η ζωγραφική ανήκει στο Μουσείο Orsay στο Παρίσι.

Camille Pissaro: "Boulevard Montmartre. Απόγευμα, ηλιόλουστη

Ο Camille Pissero έγινε διάσημος για τα τοπία της, του οποίου χαρακτηριστικό χαρακτηριστικό του οποίου είναι το σχέδιο φωτός και φωτισμένων αντικειμένων. Το έργο του είχε αξιοσημείωτο αντίκτυπο στο είδος του ιμπρεσιονισμού. Ο καλλιτέχνης ανέπτυξε ανεξάρτητα πολλές από τις αρχές που είναι εγγενές σε αυτόν, το χαλαρωτικό της δημιουργικότητας στο μέλλον.

Ο Pissaro αγάπησε να γράψει την ίδια θέση σε διαφορετικές ώρες της ημέρας. Έχει μια ολόκληρη σειρά υφασμάτων με τις λεωφόρες του Παρισιού και τους δρόμους. Το πιο διάσημο από αυτά είναι "Boulevard Montmartre" (1897). Αντικατοπτρίζει όλη τη γοητεία ότι ο καλλιτέχνης βλέπει στη βραστή και ανήσυχη ζωή αυτής της γωνίας του Παρισιού. Λαμβάνοντας υπόψη τη λεωφόρο από τον ίδιο τόπο, αποδεικνύει τον θεατή του σε μια ηλιόλουστη και συννεφιασμένη μέρα, το πρωί, το απόγευμα και αργά το βράδυ. Στην παρακάτω φωτογραφία - η εικόνα "Boulevard Montmartre".

Αυτός ο τρόπος υιοθετήθηκε από πολλούς καλλιτέχνες αργότερα. Αναφέρουμε μόνο τι εικόνες των ιμπρεσιονιστών γράφονται υπό την επιρροή του Pissaro. Αυτή η τάση εντοπίζεται σαφώς στο έργο του Monet (σειρά υφασμάτων "στοίβες").

Alfred Sisley: "Άνοιξη γκαζόν"

"Οι χλοοτάπητες την άνοιξη" είναι ένας από τους τελευταίους πίνακες του Lord Sisaleya Landscape Player, γραμμένο το 1880-1881. Από αυτήν, ο θεατής βλέπει ένα δασικό μονοπάτι κατά μήκος της ακτής του Σηκουάνα με ένα χωριό στην απέναντι ακτή. Στο προσκήνιο, το κορίτσι είναι η κόρη του καλλιτέχνη Jeanne Sisley.

Τα τοπία του καλλιτέχνη μεταφέρουν την πραγματική ατμόσφαιρα της ιστορικής περιοχής της Il de France και διατηρούν τον εαυτό τους την ειδικότητα και τη διαφάνεια των φυσικών φαινομένων που χαρακτηρίζουν συγκεκριμένες εποχές. Ο καλλιτέχνης δεν ήταν ποτέ υποστηρικτής ασυνήθιστων επιδράσεων και τηρήθηκε σε μια απλή σύνθεση και περιορισμένη παλέτα χρωμάτων. Τώρα η εικόνα αποθηκεύεται στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου.

Παρακαλούσαμε τις πιο διάσημες εικόνες των ιμπρεσιονιστών (με τίτλους και περιγραφές). Αυτά είναι αριστουργήματα της παγκόσμιας ζωγραφικής. Το μοναδικό στυλ ζωγραφικής στη Γαλλία αρχικά θεωρήθηκε με μια κοροϊδία και ειρωνεία, οι κριτικοί τόνισαν τις ειλικρινείς καλλιτέχνες καλλιτεχνών με τη γραφή υφάσματα. Τώρα είναι απίθανο να τολμήσει να αμφισβητήσει τη μεγαλοφυία τους. Οι εικόνες των ιμπρεσιονιστών εκτίθενται στα πιο διάσημα μουσεία του κόσμου και είναι η επιθυμητή έκθεση για οποιαδήποτε ιδιωτική συλλογή.

Το στυλ δεν πήγαινε στη μύγα και έχει πολλούς οπαδούς. Ο συμπατριώτης Andrei Koch, ο γάλλος ζωγράφος Laurent Parsely, η αμερικανική Diana Leonard και η Karen Tarlton είναι διάσημοι σύγχρονοι ιμπρεσιονιστές. Οι πίνακές τους γίνονται στις καλύτερες παραδόσεις του είδους, γεμάτες με φωτεινά χρώματα, τολμηρά εγκεφαλικά επεισόδια και ζωή. Στη φωτογραφία παραπάνω - το έργο του Laurent Passelyee "στις ακτίνες του ήλιου".

Ιμπρεσιονισμός (από τα γαλλικά " Εντύπωση"- Η εντύπωση) είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη (λογοτεχνία, ζωγραφική, αρχιτεκτονική), εμφανίστηκε στο τέλος του εικοστού αιώνα του αιώνα στη Γαλλία και γρήγορα κέρδισε ευρέως διαδεδομένη σε άλλα μύδια του κόσμου. Οι οπαδοί μιας νέας κατεύθυνσης που θεωρήθηκαν ότι οι ακαδημαϊκές, παραδοσιακές τεχνικές, για παράδειγμα, στη ζωγραφική ή στην αρχιτεκτονική, δεν μπορούν να μεταφέρουν πλήρως όλη την πληρότητα και τις μικρότερες λεπτομέρειες του περιβάλλοντος κόσμου, να μεταφερθούν στη χρήση εντελώς νέων τεχνικών και τεχνικών κατά κύριο λόγο Ζωγραφική, στη συνέχεια στη λογοτεχνία και τη μουσική. Έδωσαν το πιο ζωντανό και φυσικά να απεικονίζουν όλη την κινητικότητα και τη μεταβλητότητα του πραγματικού κόσμου μέσω της μετάδοσης όχι του φωτογραφικού είδους του, αλλά μέσω του πρίσματος των εντυπώσεων και των συναισθημάτων των συγγραφέων για το τι είδε.

Ο συγγραφέας του όρου "ιμπρεσιονισμικό" είναι ο γάλλος κριτικός και ένας δημοσιογράφος Louis Lerua, ο οποίος υπό την εντύπωση επισκέψεων στην έκθεση του ομίλου των νέων καλλιτεχνών "Salon που βρίσκεται το 1874 στο Παρίσι, τους καλεί στις ιμπρεροσκοπικές τους, ιδιόμορφη "εντυπωσιακή", και αυτή η δήλωση είναι κάπως αποσυναρμολόγηση και ειρωνεία. Η βάση για το όνομα αυτού του όρου χρησίμευσε, όπως επέκρινε την εικόνα της εντύπωσης Claude Monet ". Ανατολή του ηλίου". Και αν και στις πρώτες ζωγραφιές σε αυτή την έκθεση ήταν απότομη κριτική και απόρριψη, αργότερα αυτή η κατεύθυνση αποκτήθηκε ευρύτερη αναγνώριση του κοινού και έγινε δημοφιλής σε όλο τον κόσμο.

Ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική

(Claude Monet "Σκάφη στην παραλία")

Το νέο στυλ, ο τρόπος και η τεχνική της εικόνας εφευρέθηκε από γαλλικούς καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές όχι από το μηδέν, την εμπειρία και τις εξελίξεις των καλλιτεχνών των πιο ταλαντούχων ζωγράφων της Αναγέννησης της Αναγέννησης: Rubens, Velasquez, El Greco, Goya. Από αυτούς, οι ιμπρεσιονιστές έλαβαν τέτοιες μεθόδους με μια πιο φωτεινή και ζωντανή μεταφορά του περιβάλλοντος κόσμου ή εκφραστικές καιρικές συνθήκες ως τη χρήση των ενδιάμεσων τόνων, τη χρήση φωτεινών τεχνικών ή το αντίθετο των θαμπόμες, μεγάλης ή μικρής, διακριτικής απουσίας. Το Adepts της νέας κατεύθυνσης της ζωγραφικής είτε εγκαταλείφθηκε εντελώς τον παραδοσιακό ακαδημαϊκό τρόπο, είτε έσπασε εντελώς τις μεθόδους και τους τρόπους της εικόνας με τον δικό τους τρόπο, κάνοντας τέτοιες καινοτομίες ως εξής:

• Τα αντικείμενα, τα αντικείμενα ή τα αριθμητικά στοιχεία απεικονίστηκαν χωρίς το περίγραμμα, αντικαταστάθηκε από μικρές και αντιθέσεις εγκεφαλικά επεισόδια.
• Η παλέτα δεν χρησιμοποιήθηκε για να αναμίξει τα χρώματα, τα χρώματα συμπληρωματικών και μη απαιτούν συγχωνεύσεις επιλέχθηκαν. Μερικές φορές το χρώμα συμπιέζεται στον καμβά απευθείας από τον μεταλλικό σωλήνα, σχηματίζοντας καθαρό, αφρώδες χρώμα με φαινόμενο κηλίδας.
• Την πρακτική απουσία μαύρου χρώματος.
• Ο καμβάς γράφτηκαν κυρίως σε εξωτερικούς χώρους, από τη φύση, προκειμένου να προδίδουν πιο έντονα και εκφραστικά τα συναισθήματά τους και τις εντυπώσεις τους για το τι είδε.
• Τη χρήση χρωμάτων με υψηλή προσαρμογή.
• Εφαρμόζοντας φρέσκα κηλίδες άμεσα όχι ακόμα μια καυστική επιφάνεια του καμβά.
• Η δημιουργία κύκλων των εικονογραφικών έργων προκειμένου να μελετήσει τις αλλαγές στο φως και τις σκιές ("Στοίβες του Sen" Claude Monet).
• Την έλλειψη εικόνων οξείας κοινωνικής, φιλοσοφικής ή θρησκευτικής προβλημάτων, ιστορικών ή σημαντικών γεγονότων. Τα έργα των ιμπρεσιονιστών γεμίζουν με θετικά συναισθήματα, δεν υπάρχει χώρος ζοφερής και δύσκολο να σκεφτεί, εδώ μόνο ελαφρότητα, χαρά και ομορφιά κάθε στιγμής, ειλικρίνεια των συναισθημάτων και ειλικρίνεια των συναισθημάτων.

(Eduard Mana "ανάγνωση")

Και αν και όχι όλοι οι καλλιτέχνες αυτής της περιοχής τηρούν στην ιδιαίτερη ακρίβεια στην απόδοση όλων των ακριβών χαρακτηριστικών του στυλ ιμπρεσιονισμού (ο Edward Mana τοποθετείται ο ίδιος ως ξεχωριστός καλλιτέχνης και ποτέ δεν συμμετείχε σε κοινές εκθέσεις (ήταν και 8 από το 1874 έως το 1886). Ο Edgar Dega δημιουργήθηκε μόνο στο δικό του εργαστήριο) δεν τους εμπόδιζε να δημιουργήσουν ένα αριστούργημα καλών τεχνών, αποθηκεύονται μέχρι στιγμής στα καλύτερα μουσεία και ιδιωτικές συλλογές σε όλο τον κόσμο.

Ρώσοι καλλιτέχνες ιμπρεσιονιστές

Εντυπωσιασμένοι από τις δημιουργικές ιδέες των γαλλικών ιμπρεσιονιστών, οι Ρώσοι καλλιτέχνες στα τέλη του 19ου και μετά από τον 20ό αιώνα δημιουργούν τα αρχικά αριστουργήματα της Καλής Τέχνης, αργότερα γνωστών με το γενικό όνομα "Ρωσικός ιμπρεσιονισμός".

(V. A. Serov "κορίτσι με ροδάκινα")

Konstantin Korovin ("Πορτραίτο των δουλειών", 1883, Βόρεια Idylli, 1886), Valentin Serov ("Άνοιγμα παράθυρο. Lilac", 1886, "Κορίτσι με ροδάκινα", 1887 g), Cyanji arkhip ("Βόρεια", 1879, "Dnipro Το πρωί "1881), ο Abram Arkupov (" Βόρεια Θάλασσα "," Τοπίο. Eterude με Logberon ")," Ύστερη "ιμπρεσιονιστική Igor Grabar (" Birch Alley ", 1940," Χειμερινό τοπίο ", 1954).

(Borisov Musatov "Φθινόπωρο τραγούδι")

Μέθοδοι και τρόποι του εγγενούς ιμπρεσιονισμού της εικόνας πραγματοποιήθηκαν στη δημιουργικότητα και σε αυτούς τους εξαιρετικούς ρώσους καλλιτέχνες ως Borisov Musatov, Bogdanov Belsky, Nilus. Οι κλασικοί κανόνες της γαλλικής ιμπρεσιονισμών στις ζωγραφιές των ρωσικών καλλιτεχνών έχουν υποστεί κάποιες αλλαγές, ως αποτέλεσμα της οποίας ο τομέας αυτός έχει αποκτήσει μια διακριτική εθνική ιδιαιτερότητα.

Ξένοι ιμπρεσιονιστές

Ένα από τα πρώτα έργα που εκτελείται στο στυλ του ιμπρεσιονισμού, η εικόνα του Eduard Mana "πρωινό στο γρασίδι" θεωρείται, έστειλε στο κοινό το 1860 στο Παρίσι "σαλόνι απορριμμένου", όπου ο καμβάς δεν μπορούσε να αποσυναρμολογηθεί, Ποιος δεν πέρασε την επιλογή του σαλόνι του Παρισιού των Τεχνών. Η εικόνα που γράφτηκε με το στυλ που διακρίνεται ριζικά από τον παραδοσιακό τρόπο της εικόνας προκάλεσε πολλά κρίσιμα σχόλια και συγκεντρώθηκαν γύρω από τους οπαδούς του καλλιτέχνη της νέας καλλιτεχνικής κατεύθυνσης.

(Eduard Mana "στα κολοκύθες του μπαμπά του Latuil")

Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές περιλαμβάνουν τον Edward Mane ("Bar in Foli-Berger", μουσική στο Tuilery "," Πρωινό στο γρασίδι "," Papashi Latuille "," Arzhance "), Claude Monet (" Πεδίο Παπαρούνας της Αργεντάς ", "Περπατήστε στο βράχο στην Purville", "Γυναίκες στον κήπο", "Κυρία με μια ομπρέλα", "Kapuchin Boulevard", μια σειρά έργων "νούφαρα", "εντύπωση. Αύξουσα Sun"), Alfreda Sisaleya ("Αγροτική Alley "," Frost στο Luvezien "," Γέφυρα στο Αργεντέν "," Πρώιμη χιόνι στο Luvurezenne "," Lawn Spring "), Pierre Owyst Renuara (" Rollets "," Ball in Moulin de la Gaette "," Χορός στο Χωριό "," Ομπρέλες "," Χορός στο Buhval "," Κορίτσια για το πιάνο "), Camille Pisarro (" Μονμάρτρη Boulevard τη νύχτα "," συγκομιδή σε EURAS "," REST JACIA "," Κήπος σε Pontoise "," Είσοδος στο Vouisen "), ο Edgar Degi (" Class Class "," Πρόβατα "," Συναυλία στο Cafe "," Opera Orchestra "," Χορευτές σε μπλε χρώμα "," Absinthe Lovers "), Georges Sere (" Κυριακή Ημέρα ", "Kankan", "Λογισμικό") και άλλοι.

(Paul Cesanne "Piero και Harlequin")

Τέσσερις καλλιτέχνες στη δεκαετία του '90 του 19ου αιώνα δημιουργούν μια νέα κατεύθυνση στην τέχνη με βάση τον ιμπρεσιονισμό και καλούνται από τις ταχυδρομικές μετακινήσεις (Paul Gaugugen, Vincent Van Gogh, Paul Cesanne, Henri de Toulouse-Lotrek). Χαρακτηρίζονται από τη μεταφορά μη φευγαλέων αισθήσεων και εντυπώσεις από τον περιβάλλοντα κόσμο, αλλά η γνώση της αληθινής ουσίας των πραγμάτων που κρύβονται κάτω από το εξωτερικό κέλυφος τους. Τα πιο διάσημα έργα τους: τα πεδία Gajen ("άτακτο αστείο", "La Orana Maria", "Καταπολέμηση του Ιακώβ Maria", "Κίτρινο Χριστό"), Cezanna Fields ("Piero και Harlequin", "Big Swimsters", "Κυρία Μπλε "), Vincent Van Gogh (Starry Night", "ηλιοτρόπια", "Ίρις"), Henri de Toulouse-Lotroid ("έσπασε", "τουαλέτα", "μαθαίνοντας να χορέψουν στο Moulin-Rouge").

Ιμπρεσιονισμός στο γλυπτό

(Auguste Roden "Thinker")

Ως ξεχωριστή κατεύθυνση στην αρχιτεκτονική, ο ιμπρεσιονισμός δεν λειτούργησε, είναι δυνατόν να βρεθούν ξεχωριστά χαρακτηριστικά και σημάδια σε ορισμένες γλυπτικές συνθέσεις και μνημεία. Γλυπτική Αυτό το στυλ δίνει δωρεάν πλαστικές μαλακές μορφές, δημιουργούν ένα καταπληκτικό παιχνίδι φωτός στην επιφάνεια των αριθμών και δίνουν κάποια αίσθηση ανεπάρκειας, οι γλυπτικοί χαρακτήρες συχνά απεικονίζονται κατά τη στιγμή της κίνησης. Τα έργα προς αυτή την κατεύθυνση περιλαμβάνουν τα γλυπτά του διάσημου γλυπτικού γλύπτη Auguste Rodin ("Kiss", "Thinker", "Ποιητής και Musa", "Ρωμαίος και Ιουλιέτα", "Αιώνια Άνοιξη"), ο Ιταλός καλλιτέχνης και ο γλύπτης του Medroad Ο Rosso (οι φιγούρες από πηλό και γύψο γεμίζουν για να επιτευχθεί ένα μοναδικό κερί ελαφρού εφέ: "promratrix και μια σύνοδος κορυφής", "χρυσή ηλικία", "μητρότητα", "μητρότητα"), η ρωσική ιδιοφυΐα nugget του Pavel Trometsky (Bronze Bust του Lev Tolstoy, Μνημείο Αλέξανδρος ΙΙΙ στην Αγία Πετρούπολη).

Όλα παίρνουν την προέλευσή τους κάπου στο παρελθόν, συμπεριλαμβανομένης της ζωγραφικής αλλάζει μαζί με τους καιρούς και οι τρέχουσες ροές δεν είναι σαφείς σε όλους. Αλλά όλα τα νέα είναι καλά ξεχασμένα παλιά, και να κατανοήσουν την τρέχουσα ζωγραφική, δεν χρειάζεται να γνωρίζετε την ιστορία της τέχνης από την αρχαιότητα, αρκεί μόνο να θυμάστε τη ζωγραφική των αιώνων XIX και XX.

Το μέσο του 19ου αιώνα είναι η εποχή της αλλαγής όχι μόνο στην ιστορία, αλλά και στην τέχνη. Το μόνο που ήταν πριν: ο κλασικισμός, ο ρομαντισμός και ο πιο περισσότερος ακαδημαϊκός - τα ρεύματα περιορίζονται σε ορισμένα πλαίσια. Στη Γαλλία, η 50-60, η τάση της ζωγραφικής ζήτησε από το επίσημο σαλόνι, αλλά η τυπική τέχνη "σαλόνι" που ταιριάζει σε όλους, εξήγησε τις νέες κατευθύνσεις που εμφανίστηκαν. Σε ζωγραφική εκείνης της εποχής, συνέβη μια επαναστατική έκρηξη, η οποία έσπασε με τις ηλικιακές παραδόσεις και στάθηκε. Και ένας από τους επίκεντρους έγινε Παρίσι, όπου την άνοιξη του 1874, οι νέοι καλλιτέχνες ζωγράφος, μεταξύ των οποίων ήταν ο Monet, ο Pissaro, ο Sisan, η Degas, η Ρεννοί και ο Cesan, διοργάνωσαν τη δική τους έκθεση. Τα έργα που παρουσιάζονται εκεί διέφεραν εντελώς από το σαλόνι. Οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν μια άλλη μέθοδο - τα αντανακλαστικά, οι σκιές και το φως μεταφέρθηκαν σε καθαρά χρώματα, ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια, το σχήμα κάθε θέματος φαινόταν να διαλύεται στο μέσο του φωτός αέρα. Καμία άλλη οδηγίες στη ζωγραφική δεν γνώριζε τέτοιες μεθόδους. Αυτά τα αποτελέσματα βοήθησαν να μεγιστοποιήσουν τις εντυπώσεις τους από τα πράγματα που αλλάζουν για πάντα, τη φύση, τους ανθρώπους. Ένας δημοσιογράφος κάλεσε τον όμιλο "ιμπρεσιονιστές", έτσι ήθελε να δείξει την αδιαφορία του για τους νέους καλλιτέχνες. Αλλά αποδέχονταν αυτόν τον όρο, και τελικά εμπλακεί και εισήλθε στην ενεργό χρήση, έχοντας χάσει ένα αρνητικό νόημα. Έτσι, ο ιμπρεσιονισμός εμφανίστηκε, σε αντίθεση με όλους τους άλλους προορισμούς στη ζωγραφική του 19ου αιώνα.

Αρχικά, η αντίδραση στην καινοτομία ήταν περισσότερο από εχθρική. Κανείς δεν ήθελε να αγοράσει πολύ τολμηρή και νέα ζωγραφική, και φοβόταν, επειδή όλοι οι κριτικοί δεν δέχθηκαν σοβαρά τους ιμπρεσιονιστές, γέλασαν σε αυτά. Πολλοί είπαν ότι οι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές ήθελαν να επιτύχουν γρήγορη δόξα, δεν ήταν ικανοποιημένοι με ένα απότομο κενό με συντηρητικό και ακαδημαϊκό, καθώς και ημιτελή και "παραπλανητικό" τύπο εργασίας. Αλλά οι καλλιτέχνες δεν μπορούσαν να εγκαταλείψουν τις πεποιθήσεις του ακόμη και την πείνα και τη φτώχεια και έδειξαν επιμονή μέχρι να αναγνωρίστηκαν τελικά οι πίνακές τους. Αλλά η αναμονή για αναγνώριση έπρεπε να είναι πάρα πολύ καιρό, ορισμένοι καλλιτέχνες-ιμπρεσιονιστές δεν ήταν πλέον ζωντανοί.

Ως αποτέλεσμα, το σημερινό στο Παρίσι κατά τη δεκαετία του '60 είχε μεγάλη σημασία για την ανάπτυξη της παγκόσμιας τέχνης των αιώνων XIX και XX. Μετά από όλα, οι μελλοντικές κατευθύνσεις στη ζωγραφική απωθήθηκαν με ακρίβεια από τον ιμπρεσιονισμό. Κάθε επόμενο στυλ εμφανίστηκε σε αναζήτηση ενός νέου. Η Postressistrism δημιούργησε τους ίδιους ιμπρεσιονιστές που αποφάσισαν ότι η μέθοδος τους είναι περιορισμένη: ένας βαθύ και πολλαπλασιαστικός συμβολισμός ήταν μια απάντηση στη ζωγραφική, "χαμένο νόημα" και η νεωτερικότητα καλεί ακόμη και ένα νέο. Φυσικά, από το 1874, πολλές αλλαγές συνέβησαν στην τέχνη, αλλά όλες οι σύγχρονες κατευθύνσεις στη ζωγραφική είναι κατά κάποιο τρόπο απωθημένα από τη φευγαλέα εντύπωση του Παρισιού.

Ο ιμπρεσιονισμός είναι μια από τις πιο διάσημες κατευθύνσεις της γαλλικής ζωγραφικής, αν όχι το πιο διάσημο. Και γεννήθηκε στα τέλη της δεκαετίας του '60 και στις αρχές της δεκαετίας του '70 του 19ου αιώνα και επηρέασε σε μεγάλο βαθμό την περαιτέρω ανάπτυξη της τέχνης της εποχής.

Ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική

Το όνομα " ιμπρεσιονισμός"Επινοήθηκε από το γαλλικό καλλιτεχνικό κριτικό όνομα που ονομάζεται Louis Leria μετά την επίσκεψη στην πρώτη έκθεση των ιμπρεσιονιστών το 1874, όπου επέκρινε την εικόνα του Claude Monet" εντύπωση: ο ανερχόμενος ήλιος "(" εντύπωση "στη μετάφραση στους γαλλικούς ήχους όπως" εντύπωση ").

Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, Frederick Βασίλειος - οι κύριοι εκπρόσωποι του ιμπρεσιονισμού.

Ο ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική χαρακτηρίζεται από ταχεία, αυθόρμητα και ελεύθερα εγκεφαλικά επεισόδια. Η κύρια αρχή ήταν μια ρεαλιστική εικόνα ενός περιβάλλοντος φωτός.

Οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να συλλάβουν μια αόριστη στιγμές σε καμβά. Εάν το αντικείμενο εμφανίζεται σε αφύσικο χρώμα, λόγω μιας συγκεκριμένης γωνίας που πέφτει το φως ή τον προβληματισμό, τότε ο καλλιτέχνης έτσι απεικονίζει: για παράδειγμα, αν ο ήλιος ζωγραφίζει την επιφάνεια της λίμνης σε ροζ χρώμα, τότε θα γραφτεί ροζ.

Χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού

Μιλώντας για τα κύρια χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού, είναι απαραίτητο να ονομάσετε τα εξής:

• Άμεση και οπτικά ακριβής εικόνα ενός φευγαλέα.
• Εκτέλεση όλων των υπαίθριων εργασιών - περισσότερο από οποιαδήποτε προπαρασκευαστικά σκίτσα και ολοκλήρωση της εργασίας στο στούντιο.

• χρησιμοποιώντας καθαρό χρώμα σε καμβά, χωρίς προηγούμενη ανάμιξη στην παλέτα.
• Η χρήση φωτεινού χρώματος ψεκασμού, επιχρίσματα διαφορετικού μεγέθους και βαθμού squeaming, που προστίθενται οπτικά σε μία εικόνα, μόνο αν το κοιτάξετε από την απόσταση.

Ρωσικός ιμπρεσιονισμός

Ένα από τα αριστουργήματα της ρωσικής ζωγραφικής θεωρείται πορτρέτο αναφοράς σε αυτό το στυλ - "Κορίτσι με ροδάκινα" της συγγραφής του Alexander Serov, για τον οποίο ο Impressionism, ωστόσο, έχει γίνει μόνο μια περίοδος χόμπι. Konstantin Korovin, Abraha Arkhipov, Philip Maalyavina, ο Igor Grabar και άλλοι καλλιτέχνες βελτιώνονται επίσης για τον ρωσικό ιμπρεσιονισμό.

Αυτή η προσωπικότητα είναι μάλλον υπό όρους, δεδομένου ότι ο ρωσικός και κλασικός γαλλικός ιμπρεσιονισμός έχει τις δικές τους ιδιαιτερότητες. Ο ρωσικός ιμπρεσιονισμός ήταν πιο κοντά στην σημαντικότητα, τα θέματα των έργων, ήταν στο καλλιτεχνικό νόημα, ενώ ο γάλλος ιμπρεσιονισμός, όπως αναφέρθηκε παραπάνω, απλώς προσπάθησε να απεικονίσει στιγμές ζωής, χωρίς περιττή φιλοσοφία.

Στην πραγματικότητα, ο ρωσικός ιμπρεσιονισμός ανέλαβε τη γαλλική μόνο την εξωτερική πλευρά του στυλ, τις τεχνικές της ζωγραφικής του, αλλά ποτέ δεν έμαθε την πολύ γραφική σκέψη που επενδύθηκαν στον ιμπρεσιονισμό.

Ο σύγχρονος εντυπωσιασμός συνεχίζει τις παραδόσεις του κλασσικού γαλλικού ιμπρεσιονισμού. Στη σύγχρονη ζωγραφική του XXI αιώνα, πολλοί καλλιτέχνες λειτουργούν προς αυτή την κατεύθυνση, για παράδειγμα, Laurent Parkarel, Karen Tarlton, Diana Leonard και άλλα.

Τα αριστουργήματα Impressionism

"Βεράντα στην Αγία Διεύθυνση" (1867), Claude Monet

Αυτή η εικόνα μπορεί να ονομαστεί το πρώτο monet αριστούργημα. Είναι ακόμα η πιο δημοφιλής εικόνα του πρώιμου ιμπρεσιονισμού. Και εδώ, υπάρχει ένα αγαπημένο θέμα του καλλιτέχνη - λουλούδια και τη θάλασσα. Λίγοι άνθρωποι απεικονίζονται στον καμβά στη βεράντα σε μια ηλιόλουστη μέρα. Στις καρέκλες, πίσω στο κοινό, απεικονίζονται οι συγγενείς του Monte ίδιου.

Η όλη εικόνα είναι γεμάτη με έντονο ηλιακό φως. Τα σαφή όρια μεταξύ της γης, του ουρανού και της θάλασσας διαιρούνται, οργανώνοντας τη σύνθεση κάθετα με τη βοήθεια δύο σημαδιών, αλλά δεν έχει μια σαφή σύνθεση κέντρο. Τα χρώματα της σημαίας συνδυάζονται με τη γύρω φύση, δίνοντας έμφαση στην ποικιλία και τον κορεσμό των χρωμάτων.

"Μπάλα στο Moulin de la Gaette" (1876), Pierre Auguste Renoir

Αυτή η εικόνα απεικονίζει μια τυπική ημέρα της Κυριακής στο Παρίσι του XIX αιώνα, στο Moulin de la Galette - ένα καφενείο με ένα ανοιχτό πάτωμα χορού, το όνομα του οποίου αντιστοιχεί στο όνομα του μύλου, το οποίο βρίσκεται κοντά και είναι ένα σύμβολο της Μονμάρτρης. Δίπλα σε αυτό το καφενείο βρισκόταν το σπίτι της Renuara. Συχνά επισκέφθηκε τους χοροί της ημέρας της Κυριακής και αγαπούσε να παρακολουθήσει ευτυχισμένα ζευγάρια.

Η Renoir επιδεικνύει πραγματικό ταλέντο και συνδυάζει την τέχνη ενός ομίλου πορτρέτου, νεκρή φύση και ζωγραφική τοπίου σε μια εικόνα. Χρησιμοποιώντας το φως σε αυτή τη σύνθεση και τα ομαλά επιχρίσματα αντιπροσωπεύουν καλύτερα ένα ευρύ στυλ προβολέα ιμπρεσιονισμός. Αυτή η εικόνα έχει γίνει ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες που πωλούνται ποτέ σε δημοπρασίες.

"Μονμάρτρη λεωφόρος τη νύχτα" (1897), Camille Pissarro

Παρά το γεγονός ότι ο Pissarro είναι διάσημος για τους πίνακές του με την εικόνα της αγροτικής ζωής, έγραψε επίσης ένα μεγάλο αριθμό όμορφων αστικών ιστοριών του XIX αιώνα στο Παρίσι. Μου άρεσε να γράψει την πόλη λόγω του παιχνιδιού του φωτός κατά τη διάρκεια της ημέρας και της βραδιάς, λόγω των δρόμων που φωτίζονται ως ηλιακό φως και λαμπτήρες δρόμου.

Το 1897, ενοικιάστηκε αίθουσα στη λεωφόρο της Μονμάρτρης και απεικονίζει σε διαφορετικές ώρες της ημέρας και αυτό το έργο έγινε το μόνο έργο από τη σειρά που συλλαμβάνεται μετά τη νύχτα ήρθε. Ο καμβάς γεμάτος με παχιά μπλε και λαμπερά κίτρινα σημεία αστικών φώτων. Σε όλες τις εικόνες του κύκλου "λεωφόρου", η κύρια ράβδος της σύνθεσης είναι η απόσταση των αντιπροσώπων.

Τώρα η εικόνα βρίσκεται στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου, αλλά κατά τη διάρκεια της ζωής του Pissarro δεν εμφανίστηκε ποτέ οπουδήποτε.

Παρακολουθήστε το βίντεο για το ιστορικό και τις συνθήκες δημιουργικότητας των κύριων εκπροσώπων του ιμπρεσιονισμού εδώ: