Αφαίρεσης: Ορισμός, τύποι και καλλιτέχνες. Αφηρημένη τέχνη! Αφαίρεση στην τέχνη! Αφηρημένη ζωγραφική! Αφαίρεσης! Τα χαρακτηριστικά του αφαίρεσης στη ζωγραφική

Λεπτομέρειες Κατηγορία: Μια ποικιλία από στυλ και οδηγίες στην τέχνη και τα χαρακτηριστικά τους που δημοσιεύονται στις 05/16/2014 13:36 Προβολές: 10491

"Όταν η απότομη γωνία του τριγώνου αφορά τον κύκλο, το αποτέλεσμα δεν είναι λιγότερο σημαντικό από το Michelangelo, όταν το δάχτυλο του Θεού αφορά το δάχτυλο του Αδάμ", δήλωσε ο V. Kandinsky, ο ηγέτης της πρωτοποριακής τέχνης του πρώτου εξαμήνου του αιώνα xx.

- μια μορφή οπτικής δραστηριότητας που δεν προτίθεται να εμφανίσει οπτικά αντιληπτή πραγματικότητα.
Αυτή η κατεύθυνση στην τέχνη ονομάζεται επίσης "ελεύθερη αλλαγή", επειδή Οι εκπρόσωποί του αρνήθηκαν μια εικόνα κατά προσέγγιση στην πραγματικότητα. Μεταφράστηκε από τη λατινική λέξη "αφαίρεσης" σημαίνει "διαγραφή", "απόσπαση της προσοχής".

Β. Kandinsky "Σύνθεση VIII" (1923)
Οι καλλιτέχνες-αφαίρεσης στους καμβά τους δημιούργησαν ορισμένους συνδυασμούς χρωμάτων και γεωμετρικά σχήματα για να προκαλέσουν διάφορες ενώσεις από τον θεατή. Ο αφαίρεσης δεν αποσκοπεί στην αναγνώριση του θέματος.

Ιστορικό αφαίρεσης

Οι ιδρυτές του αφαίρεσης αφηρημένων θεωρούνται ότι ο Kandily Kandinsky, ο Kazimir Malevich, η Natalia Goncharov και ο Mikhail Larione, ο Pete Mondrian. Ο Kandinsky ήταν ο πιο αποφασιστικός και συνεπής από εκείνους που εκείνη την εποχή αντιπροσώπευαν αυτήν την κατεύθυνση.
Οι ερευνητές λένε ότι δεν θεωρούν σωστά το στυλ αφαίρεσης στην τέχνη, επειδή Αυτή είναι μια συγκεκριμένη μορφή οπτικής τέχνης. Είναι χωρισμένο σε διάφορες κατευθύνσεις: γεωμετρική αφαίρεση, αφαίρεση χειρισμού, λυρική αφαίρεση, αναλυτική αφαίρεση, υπερεκτισμός, Aranformel, Nyalism, κλπ. Αλλά στην ουσία, η σοβαρή γενίκευση είναι μια αφαίρεση.

V. Kandinsky "Μόσχα. Κόκκινη πλατεία""
Ήδη από τη μέση του 19ου αιώνα. Ζωγραφική, γραφικά, γλυπτά βασίζονται στο γεγονός ότι δεν είναι προσβάσιμο στην άμεση εικόνα. Η αναζήτηση νέων οπτικών μέσων, οι μέθοδοι πληκτρολόγησης, της αυξημένης έκφρασης, των γενικών συμβόλων, οι συμπιεσμένοι πλαστικοί τύποι αρχίζουν. Από τη μία πλευρά, αυτό αποσκοπεί στη χαρτογράφηση του εσωτερικού κόσμου ενός ατόμου - τα συναισθηματικά ψυχολογικά της κράτη, από την άλλη - για την ενημέρωση του οράματος του αντικειμενικού κόσμου.

Η δημιουργικότητα του Kandinsky περνάει πολλά στάδια, όπως ένα ακαδημαϊκό σχέδιο και ρεαλιστική ζωγραφική τοπίου, και μόνο στη συνέχεια πηγαίνει στον ελεύθερο χώρο του χρώματος και της γραμμής.

Β. Kandinsky "Blue Horseman" (1911)
Η αφηρημένη σύνθεση είναι το τελευταίο, μοριακό, επίπεδο στο οποίο η βαφή παραμένει η ζωγραφική. Η αφηρημένη τέχνη είναι ο πιο προσιτός και ευγενής τρόπος να συλλάβει προσωπική ύπαρξη και ταυτόχρονα είναι μια άμεση πραγματοποίηση της ελευθερίας.

Murnau "Κήπος" (1910)
Η πρώτη αφηρημένη εικόνα γράφτηκε από τον Vasily Kandinsky το 1909 στη Γερμανία και σε ένα χρόνο κυκλοφόρησε το βιβλίο "στην πνευματική στην τέχνη", η οποία αργότερα έγινε η διάσημη. Η βάση αυτού του βιβλίου ήταν η αντανάκλαση του καλλιτέχνη που μπορεί να είναι τυχαία η εξωτερική, και η εσωτερική απαραίτητη, πνευματική, πνευματική ουσία ενός ατόμου μπορεί να εκπληρωθεί στην εικόνα. Αυτή η σφαιρίνη σχετίζεται με τα θεοσοφικά και ανθρωποσοφικά έργα της Έλενας Blavatskaya και του Rudolf Steiner, ο οποίος σπούδασε Kandinsky. Ο καλλιτέχνης περιγράφει το χρώμα, την αλληλεπίδραση των χρωμάτων και την επίδρασή τους στον άνθρωπο. "Η δύναμη ψυχικής βαφής ... προκαλεί πνευματική δόνηση. Για παράδειγμα, ένα κόκκινο μπορεί να προκαλέσει ψυχική δόνηση, παρόμοια με αυτή που προκαλεί τη φωτιά, καθώς το κόκκινο χρώμα είναι ταυτόχρονα το χρώμα της φωτιάς. Το ζεστό κόκκινο χρώμα λειτουργεί ως συναρπαστικός τρόπος. Ένα τέτοιο χρώμα μπορεί να αυξηθεί σε ένα οδυνηρό οδυνηρό πτυχίο, μπορεί επίσης να οφείλεται στην ομοιότητά του με το ρέον αίμα. Το κόκκινο χρώμα σε αυτή την περίπτωση αφυπνίζει τη μνήμη ενός άλλου φυσικού παράγοντα, η οποία, φυσικά, ενεργεί οδυνηρά την ψυχή. "

Β. Kandinsky "Twilight"
"... Το μωβ χρώμα ψύχεται κόκκινο, τόσο σε σωματική όσο και σε ψυχική έννοια. Είναι επομένως ένας χαρακτήρας κάτι επώδυνο, σβήστε, έχει κάτι λυπημένο. Δεν είναι μάταιο, αυτό το χρώμα θεωρείται κατάλληλο για παλιές γυναίκες. Οι Κινέζοι εφαρμόζουν αυτό το χρώμα απευθείας για τις ρόμπες πένθους. Ο ήχος του είναι παρόμοιος με τους ήχους των αγγλικών κέρατων, στροβιλίζεται και στα βάθη τους - οι χαμηλές αποχρώσεις των ξύλινων οργάνων ανέμου (για παράδειγμα, ένας κόλπος) ".

V. Kandinsky "Gray Oval"
"Μαύρο χρώμα εσωτερικά ακούγεται σαν τίποτα χωρίς την ευκαιρία ως νεκρό".
"Είναι σαφές ότι όλα τα παραπάνω αναφέρονται αυτά τα απλά χρώματα είναι μόνο πολύ προσωρινά και στοιχειώδη. Τα ίδια είναι τα συναισθήματα που αναφέρουμε σε σχέση με τα χρώματα - χαρά, θλίψη κλπ. Αυτά τα συναισθήματα είναι επίσης μόνο τα υλικά κράτη της ψυχής. Πολύ πιο λεπτή φύση έχουν χρώματα, καθώς και μουσική. Προκαλούν πολύ πιο λεπτές δονήσεις που δεν είναι επιδεκτικές στη λεκτική σημείωση. "

V.v. Kandinsky (1866-1944)

Ένας εξαιρετικός ρωσικός ζωγράφος, γράφημα και θεωρητικός της καλής τέχνης, ένας από τους ιδρυτές του αφαίρεσης.
Γεννημένος στη Μόσχα στην οικογένεια ενός εμπόρου, έλαβε μια σημαντική μουσική και την τέχνη στην Οδησσό, όταν η οικογένεια μετακόμισε εκεί το 1871. Εξαιρετικά αποφοίτησε από τη Νομική Σχολή, κρατικό πανεπιστήμιο της Μόσχας.
Το 1895 πραγματοποιήθηκε η έκθεση των γαλλικών ιμπρεσιονιστών στη Μόσχα. Ιδιαίτερα χτύπησε την εικόνα του Kandinsky της Claude Monet "στοίβα του SEN" - έτσι στην ηλικία των 30 ετών, αλλάζει εντελώς το επάγγελμα και γίνεται καλλιτέχνης.

Β. Kandinsky "Pösta Life"
Η πρώτη του εικόνα είναι "Pösta Life" (1907). Πρόκειται για μια γενικευμένη εικόνα της ανθρώπινης ύπαρξης, αλλά αυτό είναι ήδη η προοπτική της μελλοντικής του δημιουργικότητας.
Το 1896 μετακόμισε στο Μόναχο, όπου γνωρίζει το έργο των Γερμανών εξπρεσιονιστών. Μετά την έναρξη του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, επιστρέφει στη Μόσχα, αλλά μετά από λίγο φύγει και πάλι στη Γερμανία, και στη συνέχεια στη Γαλλία. Ταξίδεψε πολλά, αλλά επέστρεψε περιοδικά στη Μόσχα και την Οδησσό.
Στο Βερολίνο, ο Vasily Kandinsky δίδαξε ζωγραφική, έγινε ο θεωρητικός της Σχολής Bauhauz (σχεδιασμός τριτοβάθμιας εκπαίδευσης και τέχνης) - ένα εκπαιδευτικό ίδρυμα στη Γερμανία, η οποία υπήρξε από το 1919 έως το 1933. Αυτή τη στιγμή, ο Kandinsky έλαβε παγκόσμια αναγνώριση ως ένας από τους ηγέτες της αφηρημένης τέχνης.
Πέθανε το 1944 στο προάστιο του Παρισιού του Nyui-Sur-Sen.
Ο αφηρημένος ως μια καλλιτεχνική κατεύθυνση στη ζωγραφική δεν ήταν ομοιογενές φαινόμενο - αφηρημένη τέχνη ενωμένη αρκετά ρεύματα: ακτινοβολία, orph, suprematism, κλπ., Που μπορείτε να μάθετε από τα άρθρα μας λεπτομερέστερα. Ξεκινήστε το XX αιώνα. - τον χρόνο της ταχείας ανάπτυξης διαφόρων avant-garde ρέει. Η αφηρημένη τέχνη ήταν πολύ διαφορετική, εδώ περιελάμβανε επίσης κυβερνητικές γιορτές, κονστρουκτιβιστές, ημιτελή κ.λπ. αλλά η γλώσσα αυτής της τέχνης απαιτούσε άλλες μορφές έκφρασης, αλλά δεν υποστηρίχθηκαν από τα στοιχεία της επίσημης τέχνης, εκτός από το περιβάλλον του πολύ Η πρωτοποριακή κίνηση, οι αντιφάσεις ήταν αναπόφευκτες. Η Avant-Garde Art κηρύχθηκε αντι-άνθρωποι, ιδεαλιστική και πρακτικά απαγορευμένη.
Ο αφαίρεσης δεν βρήκε υποστήριξη στη φασιστική Γερμανία, έτσι τα κέντρα αφαίρεσης από τη Γερμανία και την Ιταλία μετακινούνται στην Αμερική. Το 1937 δημιουργήθηκε ένα μουσείο ελεύθερης ζωγραφικής στη Νέα Υόρκη, που ιδρύθηκε από την οικογένεια του Millionaire Guggenheim, το 1939 - το Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης, που δημιουργήθηκε στο Rockefeller.

Μετά τον πόλεμο αφαίρεσης

Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο στην Αμερική, η Σχολή της Νέας Υόρκης ήταν δημοφιλής, των οποίων τα μέλη ήταν οι δημιουργοί αφηρημένου εξπρεσιονισμού D. Pollock, Μ. Rotko, Β. Newmann, Α. Gottlib.

Δ. Pollock "Alchemy"
Κοιτάζοντας την εικόνα αυτού του καλλιτέχνη, καταλαβαίνετε: Η σοβαρή τέχνη δεν αφήνει εύκολη ερμηνεία.

Μ. Rotko "Untitled"
Το 1959, τα έργα τους παρουσιάστηκαν στη Μόσχα στην Εθνική Έκθεση Εθνικής Τέχνης των ΗΠΑ στο Σοκολνίκι. Η αρχή του "απόψυξης" στη Ρωσία (1950) άνοιξε ένα νέο στάδιο στην ανάπτυξη εγχώριου αφαίρεσης. Studio "Νέα πραγματικότητα" άνοιξε, το κέντρο του οποίου ήταν Elya Mikhailovich Belyutin.

Το στούντιο ήταν στο Abramtsev κοντά στη Μόσχα, το καλοκαίρι της Belutina. Υπήρξε μια εγκατάσταση στο συλλογικό έργο στο οποίο ξεκίνησαν οι φουρύτες την αρχή του αιώνα XX. "Νέα πραγματικότητα" Ενωμένοι καλλιτέχνες της Μόσχας που τηρούν διάφορες απόψεις σχετικά με τη μέθοδο της έκπληξης του κτιρίου. Οι καλλιτέχνες L. Gribkov, V. Zubarev, V. Preobrazhenskaya, Α. Safokhin βγήκαν από το στούντιο "νέα πραγματικότητα".

Ε. Belyutin "μητρότητα"
Το νέο στάδιο στην ανάπτυξη της ρωσικής αφαίρεσης αρχίζει στη δεκαετία του 1970. Αυτός είναι ο Malevich, ο υπερεκτισμός και ο κονστρουκτιβισμός, οι παραδόσεις της ρωσικής avant-garde. Οι πίνακες του Malevich προκάλεσαν ενδιαφέρον για γεωμετρική μορφή, γραμμικά σημάδια, πλαστικές δομές. Οι σύγχρονοι συγγραφείς ανακάλυψαν τα έργα των ρωσικών φιλοσόφων και θεολόγων, θεολόγων και μυστικιστών, εντάχθηκαν στις ανεξάντλητες πνευματικές πηγές, οι οποίες πλήρωσαν τη δημιουργικότητα του Μ. Schwartzman, V. Yurlova, Ε. Steinberg.
Τα μέσα της δεκαετίας του '80 είναι η ολοκλήρωση του επόμενου σταδίου ανάπτυξης της αφαίρεσης στη Ρωσία. Τέλος του XX αιώνα Ορίσαμε ένα ειδικό "ρωσικό μονοπάτι" της πολύτιμης τέχνης. Από την άποψη της ανάπτυξης της παγκόσμιας κουλτούρας, αφαίρεσης ως στιλίστας κατεύθυνσης που τελείωσε το 1958. Αλλά μόνο στην μετα-λεσμένη ρωσική κοινωνία, η αφηρημένη τέχνη έγινε ίση με άλλες κατευθύνσεις. Οι καλλιτέχνες έχουν την ευκαιρία να εκφράσουν σε μορφές όχι μόνο κλασικά, αλλά στις μορφές γεωμετρικής αφαίρεσης.

Σύγχρονος αφαίρεσης

Η σύγχρονη γλώσσα αφαίρεσης γίνεται συχνά λευκή. Για τους Μοσχοβίτες Μ. Kastalskaya, Α. Krasulin, Β. Orlova, L. Pelikha Ο χώρος του λευκού (χρώματος κορυφαίας τάσης) γεμίζει με άπειρες δυνατότητες, επιτρέποντας τη χρήση και τις μεταφυσικές ιδέες για τους πνευματικούς και οπτικούς νόμους της αντανάκλασης του φωτός.

Μ. Castal "Sleepy Hollow"
Η έννοια του "χώρου" έχει διαφορετικό νόημα στη σύγχρονη τέχνη. Για παράδειγμα, υπάρχει ένας χώρος σημείου, ένα σύμβολο. Υπάρχει χώρος αρχαίων χειρογράφων, η εικόνα του οποίου έχει γίνει ένα είδος παλιοπερίδας στις συνθέσεις του V. Gerasimenko.

Α. ΚΡΑΣulin "Σκαμπό και αιωνιότητα"

Μερικά ρεύματα στην αφηρημένη τέχνη

Λούισμα

S. Romanovich "Αφαίρεση από το Σταυρό" (1950)
Η κατεύθυνση στη ζωγραφική της ρωσικής πρωτοπορίας στην τέχνη της δεκαετίας του 1910, με βάση την μετατόπιση ελαφρών φασματών και το φως που σχετίζεται με το φως. Μία από τις πρώτες κατευθύνσεις του αφαίρεσης.
Στην καρδιά της δημιουργικότητας των ακτίνων βρίσκεται η ιδέα της "διασταύρωσης των αντανακλάσεων των διαφόρων αντικειμένων", αφού το πρόσωπο που πραγματικά αντιλαμβάνεται το ίδιο το θέμα, αλλά "το άθροισμα των ακτίνων που προέρχονται από την πηγή φωτός που αντανακλάται από το θέμα και στον τομέα του πεδίου μας. " Οι ακτίνες στον καμβά μεταδίδονται χρησιμοποιώντας γραμμές χρώματος.
Ο ιδρυτής και ο θεωρητής του σημερινού ήταν ο καλλιτέχνης Mikhail Larionov. Στη λουχισμό, ο Mikhail Le-Dantei και άλλοι καλλιτέχνες της ομάδας "Oslay Tail" εργάστηκαν.

Η ειδική ανάπτυξη του Raysism ελήφθη στο έργο του S. M. Romanovich, την οποία οι πολύχρωμες ιδέες της ακτινοβολίας αποτελούσαν τη βάση του "χωριστρησιμδίου" του πολύχρωμου στρώματος της εικονικής εικόνας: "Η ζωγραφική είναι παράλογος. Προέρχεται από τα βάθη ενός ατόμου, καθώς μια άνοιξη χτυπά από κάτω από το έδαφος. Το καθήκον είναι η μετασχηματισμός του ορατού κόσμου (αντικείμενο) μέσω της αρμονίας, το οποίο είναι ένα σημάδι της αλήθειας. Εργασία - Για να γράψετε σε αρμονία - ίσως ζει σε ποιον - αυτό είναι το μυστήριο του ανθρώπου. "

Ορτικότητα

Η κατεύθυνση στη γαλλική ζωγραφική της έναρξης του XX αιώνα, που σχηματίζεται από τον R. Delone, F. Kuppe, F. Picabia, M. Dushan. Το όνομα δόθηκε το 1912 από τον γαλλικό Poet Apolliner.

R. Delon "Marso Field: Red Tower" (1911-1923)
Οι καλλιτέχνες του ορφθιού προσπάθησαν να εκφράσουν τη δυναμική της κίνησης και τη μουσικότητα των ρυθμών χρησιμοποιώντας την αλληλεξάρτηση των βασικών χρωμάτων του φάσματος και τη διασύνδεση των καμπυλόγραμμων επιφανειών.
Η επίδραση του Orfizma μπορεί να δει στα έργα του ρωσικού καλλιτέχνη Aristarha Lentulov, καθώς και την Αλεξάνδρα, τον Γιώργο Γιάκουφ και τον Αλέξανδρο Μποζομάζοφ.

Α. Bogomazov "Σύνθεση №2"

Νεοφισμός

Αυτό το στυλ χαρακτηρίζεται από σαφείς ορθογώνιες μορφές στην αρχιτεκτονική ("διεθνές ύφος" του P. Auda) και την αφηρημένη ζωγραφική στη διάταξη μεγάλων ορθογώνιων αεροσκαφών, ζωγραφισμένα στα κύρια χρώματα του φάσματος (P. Mondrian).

"Mondrianan style"

Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Σχολείο (κίνηση) καλλιτεχνών, ζωγραφίζοντας γρήγορα και σε μεγάλες καμβάδες, χρησιμοποιώντας μη γεωομεομετρικά εγκεφαλικά επεισόδια, μεγάλες βούρτσες, μερικές φορές στάζουν με χρώματα καμβά για τη μέγιστη ανίχνευση συναισθημάτων. Ο σκοπός του καλλιτέχνη με μια τέτοια δημιουργική μέθοδο είναι η αυθόρμητη έκφραση του εσωτερικού κόσμου (υποσυνείδητο) σε χαοτικές μορφές που δεν οργανώνονται με λογική σκέψη.
Το κίνημα ήταν ειδικά πεδίο εφαρμογής στη δεκαετία του 1950, όταν ο D. Pollock, ο Μ. Rotko και ο Villem de cuning, στέκεται στο κεφάλι.

Δ. Pollock "κάτω από διαφορετικές μάσκες"
Μία από τις μορφές αφηρημένης εξπρεσιονίας είναι ο Tashism, και οι δύο αυτές ροές συνήθως συμπίπτουν στην ιδεολογία και τη δημιουργική μέθοδο, αλλά η προσωπική σύνθεση των καλλιτεχνών που ονομάζονται οι ίδιοι με τατάστες ή αφηρημένοι εξπρεσιόν συμπίπτουν εντελώς.

Βάζο

Α. Orlov "ουλές στο ντους δεν θεραπεύουν ποτέ"
Είναι κηλίδες ζωγραφικής που δεν αναδημιουργούν τις εικόνες της πραγματικότητας, αλλά εκφράζουν την ασυνείδητη δραστηριότητα του καλλιτέχνη. Τα επιχρίσματα, οι γραμμές και οι λεκέδες στο Tashizm εφαρμόζονται στον καμβά γρήγορες κινήσεις του χεριού χωρίς προκαθορισμένο σχέδιο. Ο ευρωπαϊκός όμιλος "Cobra" και η ιαπωνική ομάδα "Gutai" είναι κοντά στο Tashism.

Α. Orlov "Seasons" P.I. Τσαγόβσκι

Ο αφαίρεσης είναι ένας σχετικά νέος μεταξύ των κατευθύνσεων της τέχνης. Το έτος της καταγωγής του αναγνωρίζεται επίσημα ως το 1910, όταν ο καλλιτέχνης Vasily Kandinsky παρουσίασε το πρώτο πανί στη νέα τεχνική που γράφτηκε από την ακουαρέλα.

Οι εκπρόσωποι του αφαίρεσης αφαίρεσης λαμβάνουν ως βάση για τη δημιουργία των δικών τους αριστουργημάτων απλών και σύνθετων μορφών, γραμμών, αεροπλάνων και παιχνιδιού με χρώμα. Σε πραγματικά αντικείμενα, τι συμβαίνει στο τέλος δεν έχει καμία σχέση. Αυτό είναι ένα έργο που είναι διαθέσιμο μόνο για την υπερσύγχυση μέσω του αισθησιακού κόσμου της προσωπικότητας.

Για δεκαετίες μετά την πρώτη εργασία σε αυτόν τον στυλίστα, ο αφηρημισμός έχει υποστεί διαφορετικές αλλαγές, εισήχθη ενεργά σε άλλες πρωτοποριακές κατευθύνσεις.

(Αφαίρεση από την Carol Hein)

Ως μέρος του αφαίρεσης, ο λαός της τέχνης δημιούργησε πολλές φωτογραφίες, γλυπτά, εγκαταστάσεις. Χρησιμοποιήθηκαν χωριστά στοιχεία και συνέχισαν να εφαρμόζονται, συμπεριλαμβανομένων, στους εσωτερικούς χώρους των σύγχρονων χώρων.

Μέχρι σήμερα, η περίληψη στην τέχνη χωρίζεται σε γεωμετρική και λυρική αφαίρεση. Η γεωμετρική κατεύθυνση αφαίρεσης χαρακτηρίζεται από αυστηρές και σαφείς γραμμές, σταθερές καταστάσεις. Η λυρική αφαίρεση χαρακτηρίζεται από μια ελεύθερη μορφή και μια επίδειξη της δυναμικής, ενός συγκεκριμένου κύριου ή καλλιτέχνη.

Αφαίρεσης στη ζωγραφική

Είναι από τη ζωγραφική και άρχισε την αφαίρεσης ανάπτυξης της. Σε καμβά και χαρτί, αποκαλύφθηκε στον κόσμο παίζοντας χρώμα και γραμμές, αναδημιουργία κάτι που δεν υπήρχαν ανάλογα στο πραγματικό αντικείμενο.

(... και πιο κατανοητή αφαίρεση από το Carol Hein)

Λαμβάνονται υπόψη οι εκπρόσωποι του αφαίρεσης:

• Kandinsky;
• Malevich;
• Mondrian.

Αργότερα είχαν πολλούς οπαδούς, ο καθένας από τους οποίους έκανε καλλιτεχνικό Lept, εφαρμόζοντας νέες τεχνικές χρώματος και νέες αρχές για τη δημιουργία μιας αφηρημένης σύνθεσης.

(Vasily Vasilyevich Kandinsky "Σύνθεση IV")

Ιδρυτές της κατεύθυνσης, δημιουργώντας τα αριστουργήματα τους σε καμβά, βασίστηκαν σε νέες επιστημονικές και φιλοσοφικές θεωρίες. Για παράδειγμα, ο Kandinsky, που δικαιάσισε τις δικές της καλλιτεχνικές δημιουργίες, έφεση για τα θεοσοφικά έργα του Blavatskaya. Ο Mondrian ήταν εκπρόσωπος των νεοπλαστικών και ενεργών χρησιμοποιημένων καθαρών γραμμών και χρωμάτων στα έργα του. Οι πίνακές του αντιγράφηκαν επανειλημμένα από πολλούς εκπροσώπους της σφαίρας ζωγραφικής και τέχνης. Ο Malevich ήταν μια τάρη τήρηση της θεωρίας του υπερεθνικισμού. Η υπεροχή στην τέχνη του κύριου ζωγραφικής δόθηκε στο χρώμα.

(Kazimir Malevich "Σύνθεση γεωμετρικών στοιχείων")

Σε γενικές γραμμές, ο αφαίρεσης στη ζωγραφική ήταν για τους απλούς απλούς ανθρώπους με δύο τρόπους. Κάποιος θεωρούσε τέτοιο αδιέξοδο εργασίας, το δεύτερο - ειλικρινά θαύμαζε τις ιδέες που τέθηκαν οι καλλιτέχνες στις δημιουργίες τους.

Παρά την χαοτική γραμμές, τα σχήματα και τα χρώματα, οι πίνακες και τα έργα τέχνης στο στυλ του αφαίρεσης δημιουργούν ένα μόνο και ενιαία αντιληπτό από τη σύνθεση του κοινού.

Τέχνη οδηγίες αφαίρεσης

Το έργο αφαίρεσης-στυλ είναι δύσκολο να ταξινομηθεί σαφώς, καθώς αυτή η κατεύθυνση έχει πολλούς οπαδούς, καθένα από τα οποία συνέβαλε το όραμά της στην ανάπτυξη. Σε γενικές γραμμές, μπορεί να χωριστεί με τον τύπο της υπεροχής των γραμμών ή του τεχνικού. Μέχρι σήμερα διαθέσιμο:

• Χρώμα αφαίρεσης. Στο πλαίσιο αυτών των έργων, οι καλλιτέχνες παίζουν με λουλούδια και αποχρώσεις, βάζοντας την εστίαση στα έργα με ακρίβεια την αντίληψη της συνείδησης της παρακολούθησης.
• Γεωμετρικός αφηρημισμός. Αυτή η ροή έχει τις δικές του αυστηρές χαρακτηριστικές διαφορές. Αυτές είναι σαφείς γραμμές και μορφές, η ψευδαίσθηση του βάθους και γραμμικών προοπτικών. Εκπρόσωποι αυτής της κατεύθυνσης είναι supremats, νεοπλαστικοί.
• Εκφραστική αφαίρεσης και tashism. Η έμφαση σε αυτούς τους κλάδους δεν γίνεται σε χρώματα, μορφές και γραμμές, αλλά στην τεχνική βαφής, μέσω της οποίας χορηγείται ο ομιλητής, τα συναισθήματα δίνονται και ο ασυνείδητος καλλιτέχνης που εργάζεται χωρίς προκαταρκτικό σχέδιο αντικατοπτρίζει.
• Μινιμαλιστικός αφαίρεσης. Αυτό είναι πιο κοντά στο Avant-Garde. Η ουσία της καταλήγει στην απουσία αναφορών σε οποιεσδήποτε ενώσεις. Γραμμή, μορφές και χρώματα χρησιμοποιούνται συνοπτικά και τουλάχιστον.

Η γέννηση του αφαίρεσης, όπως οι οδηγίες στην τέχνη, έγιναν το αποτέλεσμα των αλλαγών τον πρώτο αιώνα στις αρχές του περασμένου αιώνα που σχετίζεται με νέες πολυάριθμες ανακαλύψεις, οι οποίες άρχισαν να προωθούν την ανθρωπότητα προς τα εμπρός. Όλα τα νέα και ακόμα απαιτούνται την ίδια εξήγηση και έξοδο, συμπεριλαμβανομένης της τέχνης.

Αφαίρεσης - στυλ ή κατεύθυνση στη ζωγραφική. Αφηρημισμός ή Αφηρημένο είδος Υπονοεί την άρνηση της εικόνας των πραγματικών πραγμάτων και των μορφών. Ο αφαίρεσης αποσκοπεί στη μεταφορά ορισμένων συναισθημάτων και ενώσεων στους ανθρώπους. Για τους σκοπούς αυτούς, η ζωγραφική στο αφηρημένο ύφος προσπαθεί να εκφράσει την αρμονία του χρώματος, των σχημάτων, των γραμμών, των λεκέ και ούτω καθεξής. Όλες οι μορφές και οι συνδυασμοί χρωμάτων που βρίσκονται στην περίμετρο της εικόνας έχουν μια ιδέα, την έκφραση και το σημασιολογικό φορτίο τους. Ανεξάρτητα από το πόσο φαινόταν στον θεατή, κοιτάζοντας την εικόνα όπου δεν υπάρχει τίποτα εκτός από τις γραμμές και τα kleaks, τα πάντα στην αφαίρεση είναι δευτερεύουσες στους καθορισμένους κανόνες έκφρασης.

Μέχρι σήμερα, η αφαίρεση είναι τόσο μεγάλη και ποικίλη αυτή η ίδια χωρίζεται σε πολλά είδη, στυλ και είδη. Κάθε καλλιτέχνης ή ομάδα καλλιτεχνών προσπαθεί να δημιουργήσει κάτι, κάτι ιδιαίτερο, το οποίο θα ήταν ο καλύτερος τρόπος να φτάσουμε στα συναισθήματα και τις αισθήσεις του ανθρώπου. Για να επιτευχθεί αυτό χωρίς τη χρήση αναγνωρίσιμων αριθμών και αντικειμένων είναι πολύ δύσκολη. Για το λόγο αυτό, ο καμβάς των αφαίρεσης που προκαλούν πραγματικά ειδικά συναισθήματα και αναγκάζονται να επηρεάσουν την ομορφιά και την εκφραστικότητα της αφηρημένης σύνθεσης, αξίζουν μεγάλο σεβασμό και ο ίδιος ο καλλιτέχνης θεωρείται πραγματική ιδιοφυΐα από τη ζωγραφική.

Πιστεύεται ότι η αφηρημένη ζωγραφική ήρθε και ανέπτυξε έναν μεγάλο ρωσικό καλλιτέχνη. Οι οπαδοί του ήταν επίσης, οι οποίοι όχι μόνο διερεύνησαν τη φιλοσοφία του αφαίρεσης, αλλά επίσης ανέπτυξε μια νέα κατεύθυνση σε αυτό το είδος - τον ακτινισμό. Ακόμη περισσότερο "ενισχύστε" την τεχνική της αφαίρεσης, έχοντας επιτύχει πλήρη ελεύθερη αξιοπιστία, η οποία ονομάστηκε - υπερεκτισμός. Όχι λιγότερο γνωστές απόχρωμες χάλυβες: Pete Mondrian, Mark Rotko, Barnett Newmann, Adolf Gottlib και πολλά άλλα.

Αφηρημένη ζωγραφικήη οποία κυριολεκτικά ανατίναξε τον κόσμο της τέχνης, έγινε σύμβολο της έναρξης της νέας εποχής. Αυτή η εποχή σημαίνει μια πλήρη μετάβαση από το πλαίσιο και τους περιορισμούς στην πλήρη ελευθερία έκφρασης. Ο καλλιτέχνης δεν είναι πλέον συνδεδεμένος, μπορεί να γράψει όχι μόνο τους ανθρώπους, τις σκηνές των νοικοκυριών και των ειδών, αλλά και τις σκέψεις, τα συναισθήματα, τα συναισθήματα και τη χρήση για αυτό τυχόν μορφές έκφρασης. Αφαίρεσης, όπως μια ζωγραφική μιας προσωπικής εμπειρίας, ήταν ακόμα στο υπόγειο. Το ίδιο, όπως και πολλά άλλα είδη ζωγραφικής στην ιστορία, ήταν γελοιοποιημένη και ακόμη και υποβλήθηκε σε καταδίκη και λογοκρισία, καθώς δεν έχει νόημα. Ωστόσο, με την πάροδο του χρόνου, η θέση της αφαίρεσης έχει αλλάξει και τώρα υπάρχει σε ισοτιμία με όλες τις άλλες μορφές τέχνης.

V. Kandinsky - Αρκετοί κύκλοι

V. Kandinsky - Σύνθεση VIII

Villem de Cunning - Σύνθεση

Τον περασμένο αιώνα, η αφηρημένη κατεύθυνση έχει γίνει μια πραγματική ανακάλυψη στην ιστορία της τέχνης, αλλά αρκετά φυσικό - ένα άτομο πάντα ψάχνει για νέες μορφές, ιδιότητες και ιδέες. Αλλά στον αιώνα μας, αυτό το στυλ τέχνης προκαλεί πολλές ερωτήσεις. Τι είναι ο αφηρημισμός; Ας μιλήσουμε για αυτό περαιτέρω.

Αφαίρεσης στη ζωγραφική και την τέχνη

Με στυλ αφηρημισμός Ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί μια οπτική γλώσσα μορφών, περιγράμματος, γραμμών και χρωμάτων για να ερμηνεύσει το θέμα. Αυτό έρχεται σε αντίθεση με τις παραδοσιακές μορφές τέχνης, οι οποίες λαμβάνουν μια πιο λογοτεχνική ερμηνεία του θέματος - μεταδίδει "πραγματικότητα". Ο αφηρημισμός αφήνει όσο το δυνατόν περισσότερο από την κλασική οπτική τέχνη. Αντιπροσωπεύει το θέμα κόσμο καθόλου όπως στην πραγματική ζωή.

Ο αφηρημένος στην τέχνη αμφισβητεί το μυαλό του παρατηρητή, όπως και τα συναισθήματά του - να αξιολογήσει πλήρως το έργο της τέχνης, ο παρατηρητής πρέπει να απαλλαγεί από την ανάγκη να καταλάβουν ότι ο καλλιτέχνης προσπαθεί να πει, και πρέπει να αισθανθεί ο ίδιος η ανταπόκριση. Όλες οι πτυχές της ζωής είναι επιδεκτικές στην ερμηνεία μέσω αφαίρεσης - πίστη, φόβους, πάθους, αντίδραση στη μουσική ή τη φύση, επιστημονικούς και μαθηματικούς υπολογισμούς, και ούτω καθεξής.

Αυτή η κατεύθυνση στην τέχνη προέρχεται από τον 20ό αιώνα, μαζί με τον κυβισμό, τον σουρεαλισμό, τον Dadaism και άλλους, αν και ο ακριβής χρόνος είναι άγνωστος. Οι κύριοι εκπρόσωποι του αφαίρεσης στυλ στη ζωγραφική, είναι συνηθισμένο να εξετάσουμε τέτοιους καλλιτέχνες όπως ο Kandinsky, ο Robert Delone, ο Kazimir Malevich, ο Frantios Kupka και ο Pete Mondrian. Μιλάμε για τη δημιουργικότητά τους και τις σημαντικές ζωγραφιές τους.

Εικόνες από διάσημους καλλιτέχνες: αφαίρεσης

Vasily kandinsky

Ο Kandinsky ήταν ένας από τους πρωτοπόρους της αφηρημένης τέχνης. Ξεκίνησε τις αναζητήσεις του στον ιμπρεσιονισμό και ήδη ήρθε ένας αφηρημισμός στο ύφος. Στο έργο του, εκμεταλλεύτηκε τη σχέση μεταξύ του χρώματος και της μορφής για τη δημιουργία αισθητικής εμπειρίας, η οποία θα καλύπτει τόσο το όραμα όσο και τα συναισθήματα του κοινού. Πιστεύει ότι η πλήρης άντληση δίνει χώρο για μια βαθιά, υπερβατική έκφραση και η αντιγραφή της πραγματικότητας εμποδίζει μόνο αυτή τη διαδικασία.

Η ζωγραφική ήταν βαθιά πνευματική για τον Kandinsky. Προσπάθησε να μεταφέρει το βάθος των ανθρώπινων συναισθημάτων μέσω της καθολικής οπτικής γλώσσας των αφηρημένων μορφών και των χρωμάτων, τα οποία θα υπερέβαιναν φυσικά και πολιτιστικά όρια. Είδε αφηρημισμός Ως ιδανικό οπτικό καθεστώς, το οποίο μπορεί να εκφράσει την "εσωτερική αναγκαιότητα" του καλλιτέχνη και να μεταφέρει τις ανθρώπινες ιδέες και τα συναισθήματα. Θεώρησε τον εαυτό του έναν προφήτη του οποίου η αποστολή είναι να μοιραστεί αυτά τα ιδανικά με τον κόσμο, προς όφελος της κοινωνίας.

"Σύνθεση IV" (1911)

Κρυμμένα σε φωτεινά χρώματα και οι σαφείς μαύρες γραμμές απεικονίζουν αρκετές κουτσές με δόρυ, καθώς και βάρκες, αριθμούς και κάστρο στην κορυφή του λόφου. Όπως και σε πολλές ζωγραφιές αυτής της περιόδου, αντιπροσωπεύει μια αποκαλυπτική μάχη που θα οδηγήσει στον αιώνιο κόσμο.

Προκειμένου να διευκολυνθεί η ανάπτυξη του ελεύθερου ελεύθερου στυλ ζωγραφικής, όπως περιγράφεται στο έργο του "Πνευματικό στην Τέχνη" (1912), ο Kandinsky μειώνει τα αντικείμενα σε εικονογραφικά σύμβολα. Χάρη στην απομάκρυνση των περισσότερων αναφορών στον εξωτερικό κόσμο, ο Kandinsky εξέφρασε το όραμά της με πιο ευπροσάρμοστο τρόπο, μεταφράζοντας την πνευματική ουσία του θέματος μέσω όλων αυτών των μορφών στην οπτική γλώσσα. Πολλοί από αυτούς τους συμβολικούς αριθμούς επαναλήφθηκαν και εξευγενίστηκαν στην μεταγενέστερη δουλειά του, καθιστώντας ακόμη πιο αφηρημένη.

Kazimir malevich

Οι ιδέες του Malevich για τη μορφή και το νόημα στην τέχνη, τον ένα ή τον άλλο τρόπο, οδηγούν σε συγκέντρωση στη θεωρία του αφαίρεσης στυλ. Ο Malevich εργάστηκε με διαφορετικά στυλ στη ζωγραφική, αλλά τα περισσότερα από όλα επικεντρώθηκαν στη μελέτη των καθαρών γεωμετρικών μορφών (τετράγωνα, τρίγωνα, κύκλους) και της στάσης τους απέναντι μεταξύ τους στον οπτικό χώρο.

Χάρη στις επαφές της στη Δύση, η Malevich μπόρεσε να μεταφέρει τις ιδέες του για τη ζωγραφική σε καλλιτέχνες στην Ευρώπη και τις Ηνωμένες Πολιτείες και επομένως επηρεάζουν βαθιά την εξέλιξη της σύγχρονης τέχνης.

"Μαύρη πλατεία" (1915)

Η λατρευτική εικόνα "Black Square" εμφανίστηκε για πρώτη φορά από το Malevich στην έκθεση στο Petrograd το 1915. Αυτό το έργο ενσωματώνει τις θεωρητικές αρχές του υπερεκτιμείου που αναπτύσσονται από το Malevich στο δοκίμιο του "Από τον κυβισμό και το φουτουρισμό στον υπερεκτισμό: νέος ρεαλισμός στη ζωγραφική".

Στον ιστό μπροστά από τον θεατή υπάρχει μια αφηρημένη μορφή με τη μορφή μαύρης πλατείας - είναι το μόνο στοιχείο της σύνθεσης. Παρά το γεγονός ότι η εικόνα φαίνεται απλή, παρουσιάζει τέτοια στοιχεία ως δακτυλικά αποτυπώματα, εγκεφαλικά επεισόδια, ξεφλούδισμα μέσω μαύρων στρώσεων βαφής.

Για το Malevich, η πλατεία αναφέρεται στα συναισθήματα, και το λευκό είναι κενό, τίποτα. Είδε μια μαύρη πλατεία ως μια παρουσία του Θεού, ένα εικονίδιο, σαν να μπορούσε να γίνει ένας νέος ιερός τρόπος για εντυπωσιακή τέχνη. Ακόμη και στην έκθεση, αυτή η εικόνα τοποθετήθηκε στον τόπο όπου το εικονίδιο έχει συνήθως σε ένα ρωσικό σπίτι.

Πιτ Μονδικά

Η Pita Mondrian, η οποία είναι ένας από τους ιδρυτές της ολλανδικής κίνησης "de style", αναγνωρίζουν την καθαρότητα των αφαιρέσεων και της μεθοδικής πρακτικής του. Είναι αρκετά ριζικά απλουστεύσει τα στοιχεία των έργων του για να δείξει αυτό που είδε, όχι άμεσα και εικονικά και να δημιουργήσει μια σαφή και καθολική αισθητική γλώσσα στις καμβά του.

Στις πιο διάσημοι πίνακες της από τη δεκαετία του 1920, ο Mondrian μειώνει τα σχήματα σε γραμμές και ορθογώνια, και η παλέτα είναι στην απλούστερη. Η χρήση ασύμμετρης ισορροπίας έχει γίνει θεμελιώδης στην ανάπτυξη της σύγχρονης τέχνης και τα αφηρημένα έργα της λατρείας διατηρούν την επιρροή τους στο σχεδιασμό και το γνωστό στη λαϊκή κουλτούρα και σήμερα.

"Γκρι δέντρο" (1912)

Το "γκρι δέντρο" είναι ένα παράδειγμα της πρώιμης μετάβασης του Mondrian στο στυλ αφηρημισμός. Το τρισδιάστατο δέντρο μειώνεται στις απλούστερες γραμμές και τα αεροπλάνα, χρησιμοποιώντας απλά γκρι και μαύρες αποχρώσεις.

Αυτή η εικόνα είναι ένα από τα έργα των έργων του Mondrian που δημιουργήθηκαν με μια πιο ρεαλιστική προσέγγιση, όπου, για παράδειγμα, τα δέντρα παρουσιάζονται φυσιοτεχνικά. Ενώ τα μεταγενέστερα έργα έγιναν όλο και πιο αφηρημένα, για παράδειγμα, οι γραμμές δέντρων μειώνονται μέχρις ότου το σχήμα του δέντρου είναι ελάχιστα αισθητό και δευτερογενές σε σχέση με τη συνολική σύνθεση κάθετων και οριζόντιων γραμμών.

Εδώ μπορείτε ακόμα να δείτε το ενδιαφέρον της Mondrian στην εγκατάλειψη μιας δομημένης οργάνωσης γραμμών. Αυτό το βήμα ήταν σημαντικό για την ανάπτυξη μιας καθαρής αφαίρεσης της Mondriana.

Robert delone

Ο Delone ήταν ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες του αφαίρεσης. Η δημιουργικότητά του επηρέασε την ανάπτυξη αυτής της κατεύθυνσης, με βάση την τάση της σύνθεσης, η οποία οφείλεται στην αντίθεση των χρωμάτων. Γρήγορα έπεσε κάτω από νεο-ιμπρεσιονιστικό πολύχρωμο αποτέλεσμα και ακολούθησε στενά το σύστημα χρώματος της εργασίας στο στυλ αφαίρεσης. Θεωρεί το χρώμα και το φως να είναι τα κύρια εργαλεία, με τη βοήθεια του οποίου μπορείτε να επηρεάσετε το αντικείμενο αντικειμένου.

Μέχρι το 1910, η ΔΕΛΟΝ σημείωσε τη δική του συμβολή στον κυβισμό με τη μορφή δύο σειρών έργων ζωγραφικής που απεικονίζει τους καθεδρικούς ναούς και τον Πύργο του Άιφελ, που εντάχθηκαν κυβικά έντυπα, δυναμική κίνησης και φωτεινά χρώματα. Αυτός ο νέος τρόπος χρήσης της χρώματος αρμονίας βοήθησε να διαχωρίσει αυτό το στυλ από τον ορθόδοξο κυβισμό, έχοντας λάβει το όνομα του ορφισμού και επηρέασε αμέσως τους ευρωπαίους καλλιτέχνες. Στο ίδιο στυλ, οι πίνακες συνέχισαν να γράφουν τους πίνακες από τη σύζυγο του Delone, τον καλλιτέχνη Sonya Terk-Delone.

Πύργος του Άιφελ (1911)

Το κύριο έργο του Delone είναι αφιερωμένο στον Πύργο του Άιφελ - το διάσημο σύμβολο της Γαλλίας. Αυτό είναι ένα από τα πιο εντυπωσιακά από μια σειρά από έντεκα πίνακες αφιερωμένα στον Πύργο του Άιφελ μεταξύ 1909 και 1911. Είναι ζωγραφισμένο σε ένα λαμπερό κόκκινο χρώμα που την διακρίνει αμέσως από την γύρω πόλη. Το εντυπωσιακό μέγεθος καμβά ενισχύει επιπλέον το μεγαλείο αυτού του κτιρίου. Ως φάντασμα, οι πύργοι πύργοι πάνω από τα γύρω σπίτια, με μια εικονική έννοια που κουνώντας τα θεμέλια της παλιάς τάξης τους.

Η εικόνα του Delone μεταφέρει αυτό το αίσθημα απεριόριστης αισιοδοξίας, αθωότητας και φρεσκάδας του χρόνου, η οποία δεν έχει ακόμη μάρτυρες των δύο παγκόσμιων πολέμων.

Frantishek kupka

Frantishek Cup - Czechoslovak Καλλιτέχνης με στυλ αφηρημισμόςπου αποφοίτησε από την Ακαδημία Τέχνης της Πράγας. Ως φοιτητής, πρώτα απ 'όλα, ζωγραφισμένα σε πατριωτικά θέματα και έγραψε ιστορικές συνθέσεις. Τα πρώτα έργα του ήταν πιο ακαδημαϊκά, ωστόσο, το στυλ του ανέπτυξε κατά τη διάρκεια των ετών και τελικά μετακόμισε στον αφηρημένο. Γράφτηκε με πολύ ρεαλιστικό τρόπο, ακόμη και τα πρώιμα έργα του, περιείχαν μυστικά σουρεαλιστικά θέματα και σύμβολα που διατηρούσαν και όταν γράφουν αφαιρέσεις.

Το πραξικόπημα πίστευε ότι ο καλλιτέχνης και η δουλειά του συμμετέχουν σε μεγάλες δημιουργικές δραστηριότητες, η φύση των οποίων δεν περιορίζεται ως απόλυτη.

"Αμβέρφα. Fugue σε δύο χρώματα "(1907-1908)

Ξεκινώντας από το 1907-1908, το checkout άρχισε να σχεδιάζει μια σειρά από πορτρέτα ενός κοριτσιού που κρατάει ένα μπολ στο χέρι του, σαν να παίζει ή να χορεύει μαζί του. Στη συνέχεια αναπτύχθηκε όλο και περισσότερες σχηματικές εικόνες, και τελικά έλαβε μια σειρά πλήρως αφηρημένων σχεδίων. Ολοκληρώθηκαν σε μια περιορισμένη παλέτα κόκκινου, μπλε, μαύρου και λευκού χρώματος.

Το 1912, στο σαλόνι του φθινοπώρου, ένα από αυτά τα αφηρημένα έργα εκτέθηκε για πρώτη φορά στο Παρίσι.

Ο αφαίρεσης στυλ δεν χάνει τη δημοτικότητά του και στη ζωγραφική του αιώνα XXI - οι λάτρεις της σύγχρονης τέχνης δεν πειράζουν να διακοσμήσουν το σπίτι τους ως αριστούργημα και να δουλέψουν σε αυτό το στυλ πετούν μακριά από το σφυρί σε όλα τα είδη δημοπρασμένων ποσών.

Μάθετε περισσότερα σχετικά με την αφαίρεση στην τέχνη θα σας βοηθήσει το ακόλουθο βίντεο:

Αφαίρεσης (lat. αφηρημένο. - απομάκρυνση, απόσπαση της προσοχής) ή Μη λευκαστική τέχνη - κατεύθυνση της τέχνης, αρνήθηκε από την εικόνα των μορφών ζωγραφικής και γλυπτικής. Ένας από τους στόχους αφαίρεσης είναι η επίτευξη της "εναρμόνισης", χρησιμοποιώντας την εικόνα ορισμένων συνδυασμών χρωμάτων και γεωμετρικών μορφών, προκαλώντας αίσθηση πληρότητας και ολοκλήρωση της σύνθεσης στο σύγχρονο. Εξαιρετικά στοιχεία: Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharov και Mikhail Larionov, Pete Mondrian.

Ιστορία

Αφηρημισμός (Η τέχνη κάτω από το μηδενικό έντυπο υπογράψει, απεριόριστη τέχνη) είναι μια καλλιτεχνική κατεύθυνση που έχει σχηματιστεί στην τέχνη του πρώτου μισού του 20ού αιώνα, αρνήθηκε πλήρως να αναπαράγει τις μορφές του πραγματικού ορατού κόσμου. Οι ιδρυτές του αφαίρεσης θεωρούνται ότι είναι V. Kandinsky , Π. Mondriana καιΚ. Malevich.

Ο V. Kandinsky δημιούργησε το δικό του είδος αφηρημένης ζωγραφικής, απελευθερώνοντας από όλα τα σημάδια υποκατάστασης των λεκέδων των ιμπρεσιονιστών και "άγρια". Ο Pete Mondrian ήρθε στο Freen του μέσα από τον γεωμετρικό στυλιόχο της φύσης, ξεκίνησε από τον Cezanne και το Kubistami. Οι νεωτεριστικές ροές του 20ού αιώνα, επικεντρώθηκαν στον αφηρημισμό, αναχωρούν εντελώς από τις παραδοσιακές αρχές, αρνούμενος ρεαλισμός, αλλά παραμένουν στο πλαίσιο της τέχνης. Η ιστορία της τέχνης με την έλευση του αφαίρεσης επέζησε την επανάσταση. Αλλά αυτή η επανάσταση δεν προέκυψε τυχαία, αλλά φυσικά, και προβλεπόταν από τον Πλάτωνα! Στην καθυστερημένη δουλειά του, ο Phyleb έγραψε για την ομορφιά των γραμμών, των επιφανειών και των χωρικών μορφών, ανεξάρτητα από όλες τις απομίμηση ορατών θεμάτων, από όλες τις μονάδες. Αυτό το είδος της γεωμετρική ομορφιά, σε αντίθεση με την ομορφιά των φυσικών "λανθασμένων" μορφών, σύμφωνα με τον Πλάτωνα, δεν έχει σχετικό, αλλά άνευ όρων, απόλυτο χαρακτήρα.

20 αιώνα και νεωτερικότητα

Μετά τον 1ο Παγκόσμιο Πόλεμο, 1914-18 οι τάσεις της αφηρημένης τέχνης συχνά εκδηλώθηκαν σε ορισμένα έργα εκπροσώπων του Δαδισσισμού και του σουρεαλισμού. Ταυτόχρονα, προσδιορίστηκε η επιθυμία να βρεθεί η χρήση ανενεργών μορφών στην αρχιτεκτονική, της αποφυλακισμένης τέχνης, το σχεδιασμό (πειράματα μιας ομάδας στυλ »και" Bauhaus ") προσδιορίστηκε. Πολλές αφηρημένες ομάδες τέχνης ("Τέχνη συγκεκριμένης τέχνης", 1930, "Κύκλος και Πλατεία", 1930, "Αφαίρεση και Δημιουργικότητα", 1931), Ενώσεις καλλιτεχνών διαφόρων εθνικοτήτων και τάσεων, προέρχονται από τις αρχές της δεκαετίας του '30., Κύρια στη Γαλλία. Ωστόσο, η αφηρημένη τέχνη δεν έχει λάβει μεγάλη διανομή και από τα μέσα της δεκαετίας του '30. Ομάδες έσπασαν. Στα χρόνια του 2ου Παγκοσμίου Πολέμου, το 1939-45 στις Ηνωμένες Πολιτείες προέκυψε ένα σχολείο του λεγόμενου αφηρημένου εξπρεσιονισμού (ζωγράφους J. Pollock, M. Toby et al.), η οποία αναπτύχθηκε μετά τον πόλεμο σε πολλές χώρες (που ονομάζεται Tashism ή "Τυπική Τέχνη") και διακήρυξε από τον "καθαρό ψυχικό αυτοματισμό" και μια υποκειμενική υποσυνείδευση της δημιουργικότητας, τη λατρεία των απροσδόκητων συνδυασμών χρώματος και υφή.

Στο δεύτερο εξάμηνο της δεκαετίας του '50, η τέχνη της εγκατάστασης, η ποπ τέχνη προέρχεται από τις Ηνωμένες Πολιτείες, κάπως αργότερα διάσημη Andy Warhol με την ατελείωτη αναπαραγωγή των πορτρέτων Marilyn Monroe και κουτιά τροφίμων σκυλιών - αφαίρεσης σκυλιών - αφαίρεσης κουζίνας. Στην εικονογραφική τέχνη της δεκαετίας του '60, η λιγότερο επιθετική, στατική μορφή αφαίρεσης - ο μινιμαλισμός έγινε δημοφιλής. Την ίδια στιγμή Barnet newman, ιδρυτής της αμερικανικής γεωμετρική αφαίρεση, μαζί με Α. Lieberman, Α.και Κ. Noland Που ασχολούνται με επιτυχία με την περαιτέρω ανάπτυξη των ιδεών του ολλανδικού νεοπλαστικού και του ρωσικού υπερεκτιμισμού.

Μια άλλη πορεία της αμερικανικής ζωγραφικής ονομάστηκε "χρωματικός" ή "post-siblish" αφαίρεσης. Εκπρόσωποι σε κάποιο βαθμό που έσπρωξαν από το Φοβισμό και το μετασχηματισμό. Σκληρό στυλ, τόνισε αιχμηρά περιγράμματα Ε. Celly, J. Yungherman, F. Sustla Σταδιακά κατώτερη από τη ζωγραφική μιας στοχαστικής μελαγχολικής αποθήκης. Στη δεκαετία του '70 - 80s, η αμερικανική ζωγραφική επέστρεψε στην εικονικότητα. Επιπλέον, η ευρύτερη διάδοση έλαβε μια τέτοια ακραία εκδήλωση ως φωτορεαλισμός. Οι περισσότεροι ιστορικοί τέχνης συγκλίνουν στο γεγονός ότι η δεκαετία του '70 είναι η στιγμή της αλήθειας για την αμερικανική τέχνη, διότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ελευθερώθηκε τελικά από την ευρωπαϊκή επιρροή και ήταν καθαρά αμερικανική. Ωστόσο, παρά την επιστροφή των παραδοσιακών μορφών και των ειδών, από το πορτρέτο στην ιστορική ζωγραφική, δεν εξαφανίστηκε και αφαιρώντας.

Οι ζωγραφιές, τα έργα της "μειονεκτικής" τέχνης εξακολουθούσαν να δημιουργήθηκαν, καθώς η επιστροφή στον ρεαλισμό στις Ηνωμένες Πολιτείες δεν ξεπέρασε ο αφηρημισμός ως τέτοιος, αλλά η κανονοποίηση της, η απαγόρευση της εικονιστικής τέχνης, η οποία εντοπίστηκε κυρίως με τον κοινωνικό ρεαλισμό μας, και Ως εκ τούτου, δεν θα μπορούσε να θεωρηθεί απολιθωμένο στην κοινωνία "ελεύθερη δημοκρατική", απαγόρευση των "χαμηλών" ειδών, στις κοινωνικές λειτουργίες της τέχνης. Ταυτόχρονα, η στιλητογραφία της αφηρημένης ζωγραφικής απέκτησε κάποια απαλότητα, την οποία δεν πήρε πριν, - εξορθολογισμός των όγκων, θολή περιγράμματα, ο πλούτος των ημίτονων, λεπτές λύσεις χρώματος ( Ε. Murray, St. Hephon, L. Rivers, κ. L. Huese, Α. Ballod).

Όλες αυτές οι τάσεις έθεσαν το ίδρυμα για την ανάπτυξη σύγχρονου αφαίρεσης. Δεν μπορεί να υπάρξει τίποτα παγωμένο στη δημιουργικότητα, αφού θα ήταν ο θάνατος γι 'αυτόν. Αλλά όποια και αν είναι τα μονοπάτια είναι αφαίρεσης, ανεξάρτητα από το πώς μεταμορφώνεται, η ουσία του πάντα παραμένει αμετάβλητη. Είναι αυτός ο αφαίρεσης στην εικαστική τέχνη είναι ο πιο προσιτός και ευγενής τρόπος να συλλάβει προσωπική ύπαρξη, και με τη μορφή, ότι ούτε επαρκής - όπως η φανταχτερή εντύπωση. Ταυτόχρονα, ο αφαίρεσης είναι μια άμεση πραγματοποίηση της ελευθερίας.

Κατευθύνσεις

Στην αφηρημένη, μπορούν να διακριθούν δύο σαφείς κατευθύνσεις: η γεωμετρική αφαίρεση, που βασίζεται κυρίως σε σαφώς καθορισμένες διαμορφώσεις (Malevich, Mondrian) και λυρική αφαίρεση στην οποία οργανώνεται η σύνθεση από τις ελεύθερες μορφές (Kandinsky). Επίσης σε αφαίρεσης υπάρχουν αρκετές άλλες μεγάλες δαπάνες.

Κυβισμός

Η πρωτοποριακή κατεύθυνση στις εικαστικές τέχνες προήλθε στις αρχές του 20ού αιώνα και χαρακτηρίστηκε από τη χρήση των κλιματιζόμενων μορφών του γεωμετρικού σχήματος, την επιθυμία να "συντρίψει" πραγματικά αντικείμενα για τα πρωταρχικά πρωταρχικά.

Περιορισμός (Raysism)

Κατεύθυνση στην αφηρημένη τέχνη της δεκαετίας του 1910, με βάση την αντικατάσταση των φασματών φωτός και το φως. Χαρακτηρίζεται από την ιδέα της εμφάνισης των μορφών από την "διασταύρωση των ανακλώμενων ακτίνων των διαφόρων αντικειμένων", δεδομένου ότι το άτομο δεν είναι το θέμα που αντιλαμβάνεται, αλλά "η ποσότητα των ακτίνων που προέρχονται από την πηγή φωτός που αντανακλάται από το θέμα."

Νεοφισμός

Ονομασία της κατεύθυνσης της αφηρημένης τέχνης, η οποία υπήρξε το 1917-1928. Στην Ολλανδία και τους Ηνωμένους καλλιτέχνες που ομαδοποιήθηκαν γύρω από το περιοδικό "de Stijl" ("στυλ"). Χαρακτηρισμένες σαφείς ορθογώνιες μορφές στην αρχιτεκτονική και αφηρημένη ζωγραφική στη διάταξη μεγάλων ορθογώνιων αεροσκαφών, ζωγραφισμένα στα κύρια χρώματα του φάσματος.

Ορτικότητα

Κατεύθυνση στη γαλλική ζωγραφική της δεκαετίας του 1910. Οι καλλιτέχνες της Ofer προσπάθησαν να εκφράσουν τη δυναμική της κίνησης και της μουσικότητας των ρυθμών χρησιμοποιώντας τα "πρότυπα" της ενδείξεως των βασικών χρωμάτων του φάσματος και τη διασύνδεση των καμπυλόγραμμων επιφανειών.

Υπερεστισμός

Η κατεύθυνση στην Avant-Garde Art, που ιδρύθηκε στη δεκαετία του 1910. Malevich. Εκφράστηκε σε συνδυασμούς πολύχρωμων αεροπλάνων των απλούστεων γεωμετρικών περιγραμμάτων. Ο συνδυασμός πολύχρωμων γεωμετρικών σχημάτων σχηματίζει μια ισορροπημένη ασύμμετρη υπερμετρική συνθέσεις που διεισδύουν από την εσωτερική κίνηση.

Βάζο

Η ροή της δεκαετίας του 1950-60 στη Δυτική Ευρώπη αφαίρεσης, η οποία έλαβε τη μεγαλύτερη διανομή στις Ηνωμένες Πολιτείες. Είναι κηλίδες ζωγραφικής που δεν αναδημιουργούν τις εικόνες της πραγματικότητας, αλλά εκφράζουν την ασυνείδητη δραστηριότητα του καλλιτέχνη. Τα επιχρίσματα, οι γραμμές και οι λεκέδες στο Tashizm εφαρμόζονται στον καμβά γρήγορες κινήσεις του χεριού χωρίς προκαθορισμένο σχέδιο.

Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Η κίνηση των καλλιτεχνών, ζωγραφίζει γρήγορα και σε μεγάλες καμβά, χρησιμοποιώντας μη γεωομεομετρικά εγκεφαλικά επεισόδια, μεγάλες βούρτσες, που μερικές φορές στάζουν με χρώματα σε καμβά, για τον μέγιστο προσδιορισμό των συναισθημάτων. Η εκφραστική μέθοδος ζωγραφικής εδώ έχει συχνά την ίδια αξία με το ίδιο το σχέδιο.

Αστερικιαλισμός στο εσωτερικό

Πρόσφατα, ο αφαίρεσης άρχισε να κινείται με έργα ζωγραφικής από καλλιτέχνες σε ένα άνετο εσωτερικό σπίτι, ανανέωση της. Μινιμαλιστικό ύφος με σαφή έντυπα, μερικές φορές αρκετά ασυνήθιστη, κάνει το δωμάτιο ασυνήθιστο και ενδιαφέρον. Αλλά είναι πολύ απλό να το παρακάνετε με χρώμα. Εξετάστε ένα συνδυασμό πορτοκαλί χρώματος σε έναν τέτοιο στυλίστα του εσωτερικού.

Λευκό καλύτερο αραιώνει κορεσμένο πορτοκάλι και πόσο δροσερό. Το χρώμα του πορτοκαλιού κάνει το δωμάτιο να γίνει θερμότερο, τόσο λίγο? δεν εμποδίζει. Η εστίαση πρέπει να είναι σε έπιπλα ή να το σχεδιάσει, για παράδειγμα, πορτοκαλί κάλυμμα. Σε αυτή την περίπτωση, οι λευκοί τοίχοι θα σηκώσουν τη φωτεινότητα του χρώματος, αλλά θα αφήσουν το δωμάτιο πολύχρωμο. Σε αυτή την περίπτωση, οι πίνακες του ίδιου γάμμα θα χρησιμεύσουν ως μια εξαιρετική προσθήκη - το κύριο πράγμα δεν είναι να το παρακάνετε, διαφορετικά θα υπάρχουν προβλήματα με τον ύπνο.

Ο συνδυασμός πορτοκαλί και μπλε χρώματα επιδοκιμάζεται για οποιοδήποτε δωμάτιο, αν δεν αφορά το νηπιαγωγείο. Εάν επιλέξετε όχι φωτεινές αποχρώσεις, θα εναρμονίσουν με επιτυχία ο ένας τον άλλον, θα προσθέσουν διαθέσεις και δεν θα επηρεάσουν δυσμενώς ακόμη και υπερκινητικά παιδιά.

Το πορτοκαλί συνδυάζεται τέλεια με το πράσινο, δημιουργώντας ένα φαινόμενο δέντρου μανταρίνι και μια απόχρωση σοκολάτας. Καφέ - Χρώμα, το οποίο ποικίλλει από το ζεστό έως το κρύο, τόσο απολύτως ομαλοποιεί τη συνολική θερμοκρασία του δωματίου. Επιπλέον, ένας τέτοιος συνδυασμός χρωμάτων είναι κατάλληλος για την κουζίνα και το σαλόνι, όπου πρέπει να δημιουργήσετε μια ατμόσφαιρα, αλλά μην υπερφορτώνετε το εσωτερικό. Τοποθετώντας τους τοίχους σε λευκά και σοκολάτα, μπορείτε να τοποθετήσετε με ασφάλεια μια πορτοκαλί καρέκλα ή να κρεμάσετε μια φωτεινή εικόνα με ένα πλούσιο μανταρίνι. Ενώ βρίσκεστε σε ένα τέτοιο δωμάτιο, θα έχετε μια υπέροχη διάθεση και η επιθυμία να κάνετε όσο το δυνατόν περισσότερες περιπτώσεις.

Εικόνες από διάσημους καλλιτέχνες αφαίρεσης

Ο Kandinsky ήταν ένας από τους πρωτοπόρους της αφηρημένης τέχνης. Ξεκίνησε τις αναζητήσεις του στον ιμπρεσιονισμό και ήδη ήρθε ένας αφηρημισμός στο ύφος. Στο έργο του, εκμεταλλεύτηκε τη σχέση μεταξύ του χρώματος και της μορφής για τη δημιουργία αισθητικής εμπειρίας, η οποία θα καλύπτει τόσο το όραμα όσο και τα συναισθήματα του κοινού. Πιστεύει ότι η πλήρης άντληση δίνει χώρο για μια βαθιά, υπερβατική έκφραση και η αντιγραφή της πραγματικότητας εμποδίζει μόνο αυτή τη διαδικασία.

Η ζωγραφική ήταν βαθιά πνευματική για τον Kandinsky. Προσπάθησε να μεταφέρει το βάθος των ανθρώπινων συναισθημάτων μέσω της καθολικής οπτικής γλώσσας των αφηρημένων μορφών και των χρωμάτων, τα οποία θα υπερέβαιναν φυσικά και πολιτιστικά όρια. Είδε αφηρημισμός Ως ιδανικό οπτικό καθεστώς, το οποίο μπορεί να εκφράσει την "εσωτερική αναγκαιότητα" του καλλιτέχνη και να μεταφέρει τις ανθρώπινες ιδέες και τα συναισθήματα. Θεώρησε τον εαυτό του έναν προφήτη του οποίου η αποστολή είναι να μοιραστεί αυτά τα ιδανικά με τον κόσμο, προς όφελος της κοινωνίας.

Κρυμμένα σε φωτεινά χρώματα και οι σαφείς μαύρες γραμμές απεικονίζουν αρκετές κουτσές με δόρυ, καθώς και βάρκες, αριθμούς και κάστρο στην κορυφή του λόφου. Όπως και σε πολλές ζωγραφιές αυτής της περιόδου, αντιπροσωπεύει μια αποκαλυπτική μάχη που θα οδηγήσει στον αιώνιο κόσμο.

Προκειμένου να διευκολυνθεί η ανάπτυξη του ελεύθερου ελεύθερου στυλ ζωγραφικής, όπως περιγράφεται στο έργο του "Πνευματικό στην Τέχνη" (1912), ο Kandinsky μειώνει τα αντικείμενα σε εικονογραφικά σύμβολα. Χάρη στην απομάκρυνση των περισσότερων αναφορών στον εξωτερικό κόσμο, ο Kandinsky εξέφρασε το όραμά της με πιο ευπροσάρμοστο τρόπο, μεταφράζοντας την πνευματική ουσία του θέματος μέσω όλων αυτών των μορφών στην οπτική γλώσσα. Πολλοί από αυτούς τους συμβολικούς αριθμούς επαναλήφθηκαν και εξευγενίστηκαν στην μεταγενέστερη δουλειά του, καθιστώντας ακόμη πιο αφηρημένη.

Kazimir malevich

Οι ιδέες του Malevich για τη μορφή και το νόημα στην τέχνη, τον ένα ή τον άλλο τρόπο, οδηγούν σε συγκέντρωση στη θεωρία του αφαίρεσης στυλ. Ο Malevich εργάστηκε με διαφορετικά στυλ στη ζωγραφική, αλλά τα περισσότερα από όλα επικεντρώθηκαν στη μελέτη των καθαρών γεωμετρικών μορφών (τετράγωνα, τρίγωνα, κύκλους) και της στάσης τους απέναντι μεταξύ τους στον οπτικό χώρο. Χάρη στις επαφές της στη Δύση, η Malevich μπόρεσε να μεταφέρει τις ιδέες του για τη ζωγραφική σε καλλιτέχνες στην Ευρώπη και τις Ηνωμένες Πολιτείες και επομένως επηρεάζουν βαθιά την εξέλιξη της σύγχρονης τέχνης.

"Μαύρη πλατεία" (1915)

Η λατρευτική εικόνα "Black Square" εμφανίστηκε για πρώτη φορά από το Malevich στην έκθεση στο Petrograd το 1915. Αυτό το έργο ενσωματώνει τις θεωρητικές αρχές του υπερεκτιμείου που αναπτύσσονται από το Malevich στο δοκίμιο του "Από τον κυβισμό και το φουτουρισμό στον υπερεκτισμό: νέος ρεαλισμός στη ζωγραφική".

Στον ιστό μπροστά από τον θεατή υπάρχει μια αφηρημένη μορφή με τη μορφή μαύρης πλατείας - είναι το μόνο στοιχείο της σύνθεσης. Παρά το γεγονός ότι η εικόνα φαίνεται απλή, παρουσιάζει τέτοια στοιχεία ως δακτυλικά αποτυπώματα, εγκεφαλικά επεισόδια, ξεφλούδισμα μέσω μαύρων στρώσεων βαφής.

Για το Malevich, η πλατεία αναφέρεται στα συναισθήματα, και το λευκό είναι κενό, τίποτα. Είδε μια μαύρη πλατεία ως μια παρουσία του Θεού, ένα εικονίδιο, σαν να μπορούσε να γίνει ένας νέος ιερός τρόπος για εντυπωσιακή τέχνη. Ακόμη και στην έκθεση, αυτή η εικόνα τοποθετήθηκε στον τόπο όπου το εικονίδιο έχει συνήθως σε ένα ρωσικό σπίτι.

Πιτ Μονδικά

Η Pita Mondrian, η οποία είναι ένας από τους ιδρυτές της ολλανδικής κίνησης "de style", αναγνωρίζουν την καθαρότητα των αφαιρέσεων και της μεθοδικής πρακτικής του. Είναι αρκετά ριζικά απλουστεύσει τα στοιχεία των έργων του για να δείξει αυτό που είδε, όχι άμεσα και εικονικά και να δημιουργήσει μια σαφή και καθολική αισθητική γλώσσα στις καμβά του. Στις πιο διάσημοι πίνακες της από τη δεκαετία του 1920, ο Mondrian μειώνει τα σχήματα σε γραμμές και ορθογώνια, και η παλέτα είναι στην απλούστερη. Η χρήση ασύμμετρης ισορροπίας έχει γίνει θεμελιώδης στην ανάπτυξη της σύγχρονης τέχνης και τα αφηρημένα έργα της λατρείας διατηρούν την επιρροή τους στο σχεδιασμό και το γνωστό στη λαϊκή κουλτούρα και σήμερα.

Το "γκρι δέντρο" είναι ένα παράδειγμα της πρώιμης μετάβασης του Mondrian στο στυλ αφηρημισμός. Το τρισδιάστατο δέντρο μειώνεται στις απλούστερες γραμμές και τα αεροπλάνα, χρησιμοποιώντας απλά γκρι και μαύρες αποχρώσεις.

Αυτή η εικόνα είναι ένα από τα έργα των έργων του Mondrian που δημιουργήθηκαν με μια πιο ρεαλιστική προσέγγιση, όπου, για παράδειγμα, τα δέντρα παρουσιάζονται φυσιοτεχνικά. Ενώ τα μεταγενέστερα έργα έγιναν όλο και πιο αφηρημένα, για παράδειγμα, οι γραμμές δέντρων μειώνονται μέχρις ότου το σχήμα του δέντρου είναι ελάχιστα αισθητό και δευτερογενές σε σχέση με τη συνολική σύνθεση κάθετων και οριζόντιων γραμμών. Εδώ μπορείτε ακόμα να δείτε το ενδιαφέρον της Mondrian στην εγκατάλειψη μιας δομημένης οργάνωσης γραμμών. Αυτό το βήμα ήταν σημαντικό για την ανάπτυξη μιας καθαρής αφαίρεσης της Mondriana.

Robert delone

Ο Delone ήταν ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες του αφαίρεσης. Η δημιουργικότητά του επηρέασε την ανάπτυξη αυτής της κατεύθυνσης, με βάση την τάση της σύνθεσης, η οποία οφείλεται στην αντίθεση των χρωμάτων. Γρήγορα έπεσε κάτω από νεο-ιμπρεσιονιστικό πολύχρωμο αποτέλεσμα και ακολούθησε στενά το σύστημα χρώματος της εργασίας στο στυλ αφαίρεσης. Θεωρεί το χρώμα και το φως να είναι τα κύρια εργαλεία, με τη βοήθεια του οποίου μπορείτε να επηρεάσετε το αντικείμενο αντικειμένου.

Μέχρι το 1910, η ΔΕΛΟΝ σημείωσε τη δική του συμβολή στον κυβισμό με τη μορφή δύο σειρών έργων ζωγραφικής που απεικονίζει τους καθεδρικούς ναούς και τον Πύργο του Άιφελ, που εντάχθηκαν κυβικά έντυπα, δυναμική κίνησης και φωτεινά χρώματα. Αυτός ο νέος τρόπος χρήσης της χρώματος αρμονίας βοήθησε να διαχωρίσει αυτό το στυλ από τον ορθόδοξο κυβισμό, έχοντας λάβει το όνομα του ορφισμού και επηρέασε αμέσως τους ευρωπαίους καλλιτέχνες. Στο ίδιο στυλ, οι πίνακες συνέχισαν να γράφουν τους πίνακες από τη σύζυγο του Delone, τον καλλιτέχνη Sonya Terk-Delone.

Το κύριο έργο του Delone είναι αφιερωμένο στον Πύργο του Άιφελ - το διάσημο σύμβολο της Γαλλίας. Αυτό είναι ένα από τα πιο εντυπωσιακά από μια σειρά από έντεκα πίνακες αφιερωμένα στον Πύργο του Άιφελ μεταξύ 1909 και 1911. Είναι ζωγραφισμένο σε ένα λαμπερό κόκκινο χρώμα που την διακρίνει αμέσως από την γύρω πόλη. Το εντυπωσιακό μέγεθος καμβά ενισχύει επιπλέον το μεγαλείο αυτού του κτιρίου. Ως φάντασμα, οι πύργοι πύργοι πάνω από τα γύρω σπίτια, με μια εικονική έννοια που κουνώντας τα θεμέλια της παλιάς τάξης τους. Η εικόνα του Delone μεταφέρει αυτό το αίσθημα απεριόριστης αισιοδοξίας, αθωότητας και φρεσκάδας του χρόνου, η οποία δεν έχει ακόμη μάρτυρες των δύο παγκόσμιων πολέμων.

Frantishek kupka

Frantishek Cup - Czechoslovak Καλλιτέχνης με στυλ αφηρημισμόςπου αποφοίτησε από την Ακαδημία Τέχνης της Πράγας. Ως φοιτητής, πρώτα απ 'όλα, ζωγραφισμένα σε πατριωτικά θέματα και έγραψε ιστορικές συνθέσεις. Τα πρώτα έργα του ήταν πιο ακαδημαϊκά, ωστόσο, το στυλ του ανέπτυξε κατά τη διάρκεια των ετών και τελικά μετακόμισε στον αφηρημένο. Γράφτηκε με πολύ ρεαλιστικό τρόπο, ακόμη και τα πρώιμα έργα του, περιείχαν μυστικά σουρεαλιστικά θέματα και σύμβολα που διατηρούσαν και όταν γράφουν αφαιρέσεις. Το πραξικόπημα πίστευε ότι ο καλλιτέχνης και η δουλειά του συμμετέχουν σε μεγάλες δημιουργικές δραστηριότητες, η φύση των οποίων δεν περιορίζεται ως απόλυτη.

"Αμβέρφα. Fugue σε δύο χρώματα "(1907-1908)

Ξεκινώντας από το 1907-1908, το checkout άρχισε να σχεδιάζει μια σειρά από πορτρέτα ενός κοριτσιού που κρατάει ένα μπολ στο χέρι του, σαν να παίζει ή να χορεύει μαζί του. Στη συνέχεια αναπτύχθηκε όλο και περισσότερες σχηματικές εικόνες, και τελικά έλαβε μια σειρά πλήρως αφηρημένων σχεδίων. Ολοκληρώθηκαν σε μια περιορισμένη παλέτα κόκκινου, μπλε, μαύρου και λευκού χρώματος. Το 1912, στο σαλόνι του φθινοπώρου, ένα από αυτά τα αφηρημένα έργα εκτέθηκε για πρώτη φορά στο Παρίσι.

Σύγχρονα μαλάκια

Από την αρχή του εικοστού αιώνα, οι καλλιτέχνες, όπως ο Pablo Picasso, του Σαλβαδόρ Ντάλι, Casemir Malevich, Vasily Kandinsky - πείραμα με τις μορφές αντικειμένων και την αντίληψή τους, και αμφισβήτησαν επίσης τα υπάρχοντα κανόνα στην τέχνη. Έχουμε ετοιμάσει μια επιλογή από τους γνωστούς σύγχρονους καλλιτέχνες αποβάθμισης που αποφάσισαν να προωθήσουν τα σύνορά τους της γνώσης τους και να δημιουργήσουν τη δική τους πραγματικότητα.

Γερμανός καλλιτέχνης David Scnel (Ο David Schnell) θέλει να περιπλανηθεί γύρω από τους τόπους, στις οποίες η φύση βασίρεσε, και τώρα είναι αυστηρές με τα κτίρια των ανθρώπων - από τις παιδικές χαρές σε εργοστάσια και εργοστάσια. Αναμνήσεις από αυτούς τους περιπάτους και γεννήσουν τα φωτεινά αφηρημένα τοπία του. Δίνοντας τη βούληση στη φαντασία και τη μνήμη του, όχι φωτογραφίες και βίντεο, ο David Schnele δημιουργεί εικόνες που μοιάζουν με εικονική πραγματικότητα υπολογιστή ή εικονογραφήσεις για βιβλία μυθοπλασίας.

Δημιουργώντας τις μεγάλες αφηρημένες ζωγραφιές τους, έναν αμερικανικό καλλιτέχνη Kristin Baker (Kristin Baker) αντλεί έμπνευση από την ιστορία των τεχνών και αγώνων του NASCAR και της Formula 1. Salt δίνει τον όγκο εργασίας του, επικαλύπτοντας διάφορα στρώματα ακρυλικού χρώματος και σιλουέτες με σκωτσέζικο. Στη συνέχεια, η Christine περιβάλλει τακτοποιημένα, η οποία σας επιτρέπει να βλέπετε τα χαμηλότερα στρώματα της βαφής και να κάνει την επιφάνεια των ζωγραφικής του παρόμοιο με ένα πολυστρωματικό πολύχρωμο κολάζ. Στο πρόσφατο στάδιο της εργασίας, αποτρέπει όλες τις παρατυπίες, καθιστώντας τις ζωγραφιές τους σαν αισθήσεις στην ακτινογραφία.

Στα έργα τους, ένας καλλιτέχνης ελληνικής προέλευσης από το Μπρούκλιν της Νέας Υόρκης, Eleanna Anagnes (Eleanna Anagnos) Εξετάζει πτυχές της καθημερινής ζωής, η οποία συχνά ξεφεύγει από την άποψη των ανθρώπων. Κατά τη διάρκεια του "διαλόγου με καμβά", οι συνηθισμένες έννοιες αποκτούν νέες έννοιες και άκρες: ο αρνητικός χώρος γίνεται θετικός και μικρές μορφές αυξάνονται σε μέγεθος. Προσπαθώντας να εισπνεύσω "ζωή στις εικόνες μας", προσπάθησα να ξυπνήσω το ανθρώπινο μυαλό που σταμάτησε να ρωτάει ερωτήσεις και να είναι ανοιχτό σε κάτι νέο.

Γέννηση σε φωτεινές πιτσιλιές και καταλύματα χρωμάτων, Αμερικανός καλλιτέχνης Sara Spitler(Sarah Spitler) επιδιώκει να εμφανίσει στο έργο του, καταστροφή, ανισορροπία και χάος. Προσελκύεται από αυτές τις έννοιες, καθώς δεν είναι επιδεκτικοί για τον έλεγχο από τον άνθρωπο. Ως εκ τούτου, η καταστροφική τους δύναμη καθιστά τα αφηρημένα έργα του Sarah Spitler ισχυρών, ενεργητικών και συναρπαστικών. Εξάλλου. Η προκύπτουσα εικόνα μελάνης, ακρυλικά χρώματα, μολύβια γραφίτη και σμάλτο δίνοντας έμφαση στην αιθερίωση και τη σχετικότητα του τι συμβαίνει γύρω από τον καμβά.

Σχέδιο έμπνευσης από το πεδίο της αρχιτεκτονικής, καλλιτέχνης από το Βανκούβερ, τον Καναδά, Jeff Dapner. (Ο Jeff Depner) δημιουργεί πολυεπίπεδα αφηρημένα μοτίβα που αποτελούνται από γεωμετρικά σχήματα. Στο καλλιτεχνικό "χάος" που δημιουργήθηκε από αυτόν, ο Jeff ψάχνει για αρμονία σε χρώμα, σχήμα και σύνθεση. Κάθε ένα από τα στοιχεία των ζωγραφικών του συνδέεται μεταξύ τους και οδηγεί στο επόμενο: "Η δουλειά μου διερευνά τη σύνθετα δομή [εικόνες] μέσω της σχέσης μεταξύ των χρωμάτων στην επιλεγμένη παλέτα ...". Σύμφωνα με τον καλλιτέχνη, οι πίνακές του είναι "αφηρημένα σημάδια", τα οποία πρέπει να αναβάλουν το κοινό για ένα νέο, ασυνείδητο επίπεδο.