Αφαίρεσης: Ορισμός, τύποι και καλλιτέχνες. Αφηρημένη σύνθεση (αρχές εμφάνισης ανθρώπινων αισθήσεων) Αφηρημένα παραδείγματα ζωγραφικής

10.07.2019

Διαβάστε επίσης

Μύθοι Hilgamesh των αρχαίων καταγγέλλων για το gilgamesh

Ιστορία του μύθου χαρακτήρα της αρχαίας Ελλάδας Dedal και Icar διαβάζει

Οι ήρωες των παλαιών μύθων χαρακτήρων της ελληνικής μυθολογίας

Online Μύθοι βιβλίων ανάγνωσης του βιβλίου της κλασικής αρχαιότητας όγδοο

Τον περασμένο αιώνα, η αφηρημένη κατεύθυνση έχει γίνει μια πραγματική ανακάλυψη στην ιστορία της τέχνης, αλλά αρκετά φυσικό - ένα άτομο πάντα ψάχνει για νέες μορφές, ιδιότητες και ιδέες. Αλλά στον αιώνα μας, αυτό το στυλ τέχνης προκαλεί πολλές ερωτήσεις. Τι είναι ο αφηρημισμός; Ας μιλήσουμε για αυτό περαιτέρω.

Αφαίρεσης στη ζωγραφική και την τέχνη

Με στυλ αφηρημισμός Ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί μια οπτική γλώσσα μορφών, περιγράμματος, γραμμών και χρωμάτων για να ερμηνεύσει το θέμα. Αυτό έρχεται σε αντίθεση με τις παραδοσιακές μορφές τέχνης, οι οποίες λαμβάνουν μια πιο λογοτεχνική ερμηνεία του θέματος - μεταδίδει "πραγματικότητα". Ο αφηρημισμός αφήνει όσο το δυνατόν περισσότερο από την κλασική οπτική τέχνη. Αντιπροσωπεύει το θέμα κόσμο καθόλου όπως στην πραγματική ζωή.

Ο αφηρημένος στην τέχνη αμφισβητεί το μυαλό του παρατηρητή, όπως και τα συναισθήματά του - να αξιολογήσει πλήρως το έργο της τέχνης, ο παρατηρητής πρέπει να απαλλαγεί από την ανάγκη να καταλάβουν ότι ο καλλιτέχνης προσπαθεί να πει, και πρέπει να αισθανθεί ο ίδιος η ανταπόκριση. Όλες οι πτυχές της ζωής είναι επιδεκτικές στην ερμηνεία μέσω αφαίρεσης - πίστη, φόβους, πάθους, αντίδραση στη μουσική ή τη φύση, επιστημονικούς και μαθηματικούς υπολογισμούς, και ούτω καθεξής.

Αυτή η κατεύθυνση στην τέχνη προέρχεται από τον 20ό αιώνα, μαζί με τον κυβισμό, τον σουρεαλισμό, τον Dadaism και άλλους, αν και ο ακριβής χρόνος είναι άγνωστος. Οι κύριοι εκπρόσωποι του αφαίρεσης στυλ στη ζωγραφική, είναι συνηθισμένο να εξετάσουμε τέτοιους καλλιτέχνες όπως ο Kandinsky, ο Robert Delone, ο Kazimir Malevich, ο Frantios Kupka και ο Pete Mondrian. Μιλάμε για τη δημιουργικότητά τους και τις σημαντικές ζωγραφιές τους.

Εικόνες από διάσημους καλλιτέχνες: αφαίρεσης

Vasily kandinsky

Ο Kandinsky ήταν ένας από τους πρωτοπόρους της αφηρημένης τέχνης. Ξεκίνησε τις αναζητήσεις του στον ιμπρεσιονισμό και ήδη ήρθε ένας αφηρημισμός στο ύφος. Στο έργο του, εκμεταλλεύτηκε τη σχέση μεταξύ του χρώματος και της μορφής για τη δημιουργία αισθητικής εμπειρίας, η οποία θα καλύπτει τόσο το όραμα όσο και τα συναισθήματα του κοινού. Πιστεύει ότι η πλήρης άντληση δίνει χώρο για μια βαθιά, υπερβατική έκφραση και η αντιγραφή της πραγματικότητας εμποδίζει μόνο αυτή τη διαδικασία.

Η ζωγραφική ήταν βαθιά πνευματική για τον Kandinsky. Προσπάθησε να μεταφέρει το βάθος των ανθρώπινων συναισθημάτων μέσω της καθολικής οπτικής γλώσσας των αφηρημένων μορφών και των χρωμάτων, τα οποία θα υπερέβαιναν φυσικά και πολιτιστικά όρια. Είδε αφηρημισμός Ως ιδανικό οπτικό καθεστώς, το οποίο μπορεί να εκφράσει την "εσωτερική αναγκαιότητα" του καλλιτέχνη και να μεταφέρει τις ανθρώπινες ιδέες και τα συναισθήματα. Θεώρησε τον εαυτό του έναν προφήτη του οποίου η αποστολή είναι να μοιραστεί αυτά τα ιδανικά με τον κόσμο, προς όφελος της κοινωνίας.

"Σύνθεση IV" (1911)

Κρυμμένα σε φωτεινά χρώματα και οι σαφείς μαύρες γραμμές απεικονίζουν αρκετές κουτσές με δόρυ, καθώς και βάρκες, αριθμούς και κάστρο στην κορυφή του λόφου. Όπως και σε πολλές ζωγραφιές αυτής της περιόδου, αντιπροσωπεύει μια αποκαλυπτική μάχη που θα οδηγήσει στον αιώνιο κόσμο.

Προκειμένου να διευκολυνθεί η ανάπτυξη του ελεύθερου ελεύθερου στυλ ζωγραφικής, όπως περιγράφεται στο έργο του "Πνευματικό στην Τέχνη" (1912), ο Kandinsky μειώνει τα αντικείμενα σε εικονογραφικά σύμβολα. Χάρη στην απομάκρυνση των περισσότερων αναφορών στον εξωτερικό κόσμο, ο Kandinsky εξέφρασε το όραμά της με πιο ευπροσάρμοστο τρόπο, μεταφράζοντας την πνευματική ουσία του θέματος μέσω όλων αυτών των μορφών στην οπτική γλώσσα. Πολλοί από αυτούς τους συμβολικούς αριθμούς επαναλήφθηκαν και εξευγενίστηκαν στην μεταγενέστερη δουλειά του, καθιστώντας ακόμη πιο αφηρημένη.

Kazimir malevich

Χάρη στις επαφές της στη Δύση, η Malevich μπόρεσε να μεταφέρει τις ιδέες του για τη ζωγραφική σε καλλιτέχνες στην Ευρώπη και τις Ηνωμένες Πολιτείες και επομένως επηρεάζουν βαθιά την εξέλιξη της σύγχρονης τέχνης.

"Μαύρη πλατεία" (1915)

Η λατρευτική εικόνα "Black Square" εμφανίστηκε για πρώτη φορά από το Malevich στην έκθεση στο Petrograd το 1915. Αυτό το έργο ενσωματώνει τις θεωρητικές αρχές του υπερεκτιμείου που αναπτύσσονται από το Malevich στο δοκίμιο του "Από τον κυβισμό και το φουτουρισμό στον υπερεκτισμό: νέος ρεαλισμός στη ζωγραφική".

Στον ιστό μπροστά από τον θεατή υπάρχει μια αφηρημένη μορφή με τη μορφή μαύρης πλατείας - είναι το μόνο στοιχείο της σύνθεσης. Παρά το γεγονός ότι η εικόνα φαίνεται απλή, παρουσιάζει τέτοια στοιχεία ως δακτυλικά αποτυπώματα, εγκεφαλικά επεισόδια, ξεφλούδισμα μέσω μαύρων στρώσεων βαφής.

Για το Malevich, η πλατεία αναφέρεται στα συναισθήματα, και το λευκό είναι κενό, τίποτα. Είδε μια μαύρη πλατεία ως μια παρουσία του Θεού, ένα εικονίδιο, σαν να μπορούσε να γίνει ένας νέος ιερός τρόπος για εντυπωσιακή τέχνη. Ακόμη και στην έκθεση, αυτή η εικόνα τοποθετήθηκε στον τόπο όπου το εικονίδιο έχει συνήθως σε ένα ρωσικό σπίτι.

Πιτ Μονδικά

Στις πιο διάσημοι πίνακες της από τη δεκαετία του 1920, ο Mondrian μειώνει τα σχήματα σε γραμμές και ορθογώνια, και η παλέτα είναι στην απλούστερη. Η χρήση ασύμμετρης ισορροπίας έχει γίνει θεμελιώδης στην ανάπτυξη της σύγχρονης τέχνης και τα αφηρημένα έργα της λατρείας διατηρούν την επιρροή τους στο σχεδιασμό και το γνωστό στη λαϊκή κουλτούρα και σήμερα.

"Γκρι δέντρο" (1912)

Το "γκρι δέντρο" είναι ένα παράδειγμα της πρώιμης μετάβασης του Mondrian στο στυλ αφηρημισμός. Το τρισδιάστατο δέντρο μειώνεται στις απλούστερες γραμμές και τα αεροπλάνα, χρησιμοποιώντας απλά γκρι και μαύρες αποχρώσεις.

Εδώ μπορείτε ακόμα να δείτε το ενδιαφέρον της Mondrian στην εγκατάλειψη μιας δομημένης οργάνωσης γραμμών. Αυτό το βήμα ήταν σημαντικό για την ανάπτυξη μιας καθαρής αφαίρεσης της Mondriana.

Robert delone

Ο Delone ήταν ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες του αφαίρεσης. Η δημιουργικότητά του επηρέασε την ανάπτυξη αυτής της κατεύθυνσης, με βάση την τάση της σύνθεσης, η οποία οφείλεται στην αντίθεση των χρωμάτων. Γρήγορα έπεσε κάτω από νεο-ιμπρεσιονιστικό πολύχρωμο αποτέλεσμα και ακολούθησε στενά το σύστημα χρώματος της εργασίας στο στυλ αφαίρεσης. Θεωρεί το χρώμα και το φως να είναι τα κύρια εργαλεία, με τη βοήθεια του οποίου μπορείτε να επηρεάσετε το αντικείμενο αντικειμένου.

Μέχρι το 1910, η ΔΕΛΟΝ σημείωσε τη δική του συμβολή στον κυβισμό με τη μορφή δύο σειρών έργων ζωγραφικής που απεικονίζει τους καθεδρικούς ναούς και τον Πύργο του Άιφελ, που εντάχθηκαν κυβικά έντυπα, δυναμική κίνησης και φωτεινά χρώματα. Αυτός ο νέος τρόπος χρήσης της χρώματος αρμονίας βοήθησε να διαχωρίσει αυτό το στυλ από τον ορθόδοξο κυβισμό, έχοντας λάβει το όνομα του ορφισμού και επηρέασε αμέσως τους ευρωπαίους καλλιτέχνες. Στο ίδιο στυλ, οι πίνακες συνέχισαν να γράφουν τους πίνακες από τη σύζυγο του Delone, τον καλλιτέχνη Sonya Terk-Delone.

Πύργος του Άιφελ (1911)

Το κύριο έργο του Delone είναι αφιερωμένο στον Πύργο του Άιφελ - το διάσημο σύμβολο της Γαλλίας. Αυτό είναι ένα από τα πιο εντυπωσιακά από μια σειρά από έντεκα πίνακες αφιερωμένα στον Πύργο του Άιφελ μεταξύ 1909 και 1911. Είναι ζωγραφισμένο σε ένα λαμπερό κόκκινο χρώμα που την διακρίνει αμέσως από την γύρω πόλη. Το εντυπωσιακό μέγεθος καμβά ενισχύει επιπλέον το μεγαλείο αυτού του κτιρίου. Ως φάντασμα, οι πύργοι πύργοι πάνω από τα γύρω σπίτια, με μια εικονική έννοια που κουνώντας τα θεμέλια της παλιάς τάξης τους.

Η εικόνα του Delone μεταφέρει αυτό το αίσθημα απεριόριστης αισιοδοξίας, αθωότητας και φρεσκάδας του χρόνου, η οποία δεν έχει ακόμη μάρτυρες των δύο παγκόσμιων πολέμων.

Frantishek Kupka

Frantishek Cup - Czechoslovak Καλλιτέχνης με στυλ αφηρημισμόςπου αποφοίτησε από την Ακαδημία Τέχνης της Πράγας. Ως φοιτητής, πρώτα απ 'όλα, ζωγραφισμένα σε πατριωτικά θέματα και έγραψε ιστορικές συνθέσεις. Τα πρώτα έργα του ήταν πιο ακαδημαϊκά, ωστόσο, το στυλ του ανέπτυξε κατά τη διάρκεια των ετών και τελικά μετακόμισε στον αφηρημένο. Γράφτηκε με πολύ ρεαλιστικό τρόπο, ακόμη και τα πρώιμα έργα του, περιείχαν μυστικά σουρεαλιστικά θέματα και σύμβολα που διατηρούσαν και όταν γράφουν αφαιρέσεις.

Το πραξικόπημα πίστευε ότι ο καλλιτέχνης και η δουλειά του συμμετέχουν σε μεγάλες δημιουργικές δραστηριότητες, η φύση των οποίων δεν περιορίζεται ως απόλυτη.

"Αμβέρφα. Fugue σε δύο χρώματα "(1907-1908)

Ξεκινώντας από το 1907-1908, το checkout άρχισε να σχεδιάζει μια σειρά από πορτρέτα ενός κοριτσιού που κρατάει ένα μπολ στο χέρι του, σαν να παίζει ή να χορεύει μαζί του. Στη συνέχεια αναπτύχθηκε όλο και περισσότερες σχηματικές εικόνες, και τελικά έλαβε μια σειρά πλήρως αφηρημένων σχεδίων. Ολοκληρώθηκαν σε μια περιορισμένη παλέτα κόκκινου, μπλε, μαύρου και λευκού χρώματος.

Το 1912, στο σαλόνι του φθινοπώρου, ένα από αυτά τα αφηρημένα έργα εκτέθηκε για πρώτη φορά στο Παρίσι.

Ο αφαίρεσης στυλ δεν χάνει τη δημοτικότητά του και στη ζωγραφική του αιώνα XXI - οι λάτρεις της σύγχρονης τέχνης δεν πειράζουν να διακοσμήσουν το σπίτι τους ως αριστούργημα και να δουλέψουν σε αυτό το στυλ πετούν μακριά από το σφυρί σε όλα τα είδη δημοπρασμένων ποσών.

Μάθετε περισσότερα σχετικά με την αφαίρεση στην τέχνη θα σας βοηθήσει το ακόλουθο βίντεο:

Αφαίρεσης (lat. αφηρημένο. - απομάκρυνση, απόσπαση της προσοχής) ή Μη λευκαστική τέχνη - κατεύθυνση της τέχνης, αρνήθηκε από την εικόνα των μορφών ζωγραφικής και γλυπτικής. Ένας από τους στόχους αφαίρεσης είναι η επίτευξη της "εναρμόνισης", χρησιμοποιώντας την εικόνα ορισμένων συνδυασμών χρωμάτων και γεωμετρικών μορφών, προκαλώντας αίσθηση πληρότητας και ολοκλήρωση της σύνθεσης στο σύγχρονο. Εξαιρετικά στοιχεία: Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharov και Mikhail Larionov, Pete Mondrian.

Ιστορία

Αφηρημισμός (Η τέχνη κάτω από το μηδενικό έντυπο υπογράψει, απεριόριστη τέχνη) είναι μια καλλιτεχνική κατεύθυνση που έχει σχηματιστεί στην τέχνη του πρώτου μισού του 20ού αιώνα, αρνήθηκε πλήρως να αναπαράγει τις μορφές του πραγματικού ορατού κόσμου. Οι ιδρυτές του αφαίρεσης θεωρούνται ότι είναι V. Kandinsky , Π. Mondriana καιΚ. Malevich.

Ο V. Kandinsky δημιούργησε το δικό του είδος αφηρημένης ζωγραφικής, απελευθερώνοντας από όλα τα σημάδια υποκατάστασης των λεκέδων των ιμπρεσιονιστών και "άγρια". Ο Pete Mondrian ήρθε στο Freen του μέσα από τον γεωμετρικό στυλιόχο της φύσης, ξεκίνησε από τον Cezanne και το Kubistami. Οι νεωτεριστικές ροές του 20ού αιώνα, επικεντρώθηκαν στον αφηρημισμό, αναχωρούν εντελώς από τις παραδοσιακές αρχές, αρνούμενος ρεαλισμός, αλλά παραμένουν στο πλαίσιο της τέχνης. Η ιστορία της τέχνης με την έλευση του αφαίρεσης επέζησε την επανάσταση. Αλλά αυτή η επανάσταση δεν προέκυψε τυχαία, αλλά φυσικά, και προβλεπόταν από τον Πλάτωνα! Στην καθυστερημένη δουλειά του, ο Phyleb έγραψε για την ομορφιά των γραμμών, των επιφανειών και των χωρικών μορφών, ανεξάρτητα από όλες τις απομίμηση ορατών θεμάτων, από όλες τις μονάδες. Αυτό το είδος της γεωμετρική ομορφιά, σε αντίθεση με την ομορφιά των φυσικών "λανθασμένων" μορφών, σύμφωνα με τον Πλάτωνα, δεν έχει σχετικό, αλλά άνευ όρων, απόλυτο χαρακτήρα.

20 αιώνα και νεωτερικότητα

Μετά τον 1ο Παγκόσμιο Πόλεμο, 1914-18 οι τάσεις της αφηρημένης τέχνης συχνά εκδηλώθηκαν σε ορισμένα έργα εκπροσώπων του Δαδισσισμού και του σουρεαλισμού. Ταυτόχρονα, προσδιορίστηκε η επιθυμία να βρεθεί η χρήση ανενεργών μορφών στην αρχιτεκτονική, της αποφυλακισμένης τέχνης, το σχεδιασμό (πειράματα μιας ομάδας στυλ »και" Bauhaus ") προσδιορίστηκε. Πολλές αφηρημένες ομάδες τέχνης ("Τέχνη συγκεκριμένης τέχνης", 1930, "Κύκλος και Πλατεία", 1930, "Αφαίρεση και Δημιουργικότητα", 1931), Ενώσεις καλλιτεχνών διαφόρων εθνικοτήτων και τάσεων, προέρχονται από τις αρχές της δεκαετίας του '30., Κύρια στη Γαλλία. Ωστόσο, η αφηρημένη τέχνη δεν έχει λάβει μεγάλη διανομή και από τα μέσα της δεκαετίας του '30. Ομάδες έσπασαν. Στα χρόνια του 2ου Παγκοσμίου Πολέμου, το 1939-45 στις Ηνωμένες Πολιτείες προέκυψε ένα σχολείο του λεγόμενου αφηρημένου εξπρεσιονισμού (ζωγράφους J. Pollock, M. Toby et al.), η οποία αναπτύχθηκε μετά τον πόλεμο σε πολλές χώρες (που ονομάζεται Tashism ή "Τυπική Τέχνη") και διακήρυξε από τον "καθαρό ψυχικό αυτοματισμό" και μια υποκειμενική υποσυνείδευση της δημιουργικότητας, τη λατρεία των απροσδόκητων συνδυασμών χρώματος και υφή.

Στο δεύτερο εξάμηνο της δεκαετίας του '50, η τέχνη της εγκατάστασης, η ποπ τέχνη προέρχεται από τις Ηνωμένες Πολιτείες, κάπως αργότερα διάσημη Andy Warhol με την ατελείωτη αναπαραγωγή των πορτρέτων Marilyn Monroe και κουτιά τροφίμων σκυλιών - αφαίρεσης σκυλιών - αφαίρεσης κουζίνας. Στην εικονογραφική τέχνη της δεκαετίας του '60, η λιγότερο επιθετική, στατική μορφή αφαίρεσης - ο μινιμαλισμός έγινε δημοφιλής. Την ίδια στιγμή Barnet newman, ιδρυτής της αμερικανικής γεωμετρική αφαίρεση, μαζί με Α. Lieberman, Α.και Κ. Noland Που ασχολούνται με επιτυχία με την περαιτέρω ανάπτυξη των ιδεών του ολλανδικού νεοπλαστικού και του ρωσικού υπερεκτιμισμού.

Μια άλλη πορεία της αμερικανικής ζωγραφικής ονομάστηκε "χρωματικός" ή "post-siblish" αφαίρεσης. Εκπρόσωποι σε κάποιο βαθμό που έσπρωξαν από το Φοβισμό και το μετασχηματισμό. Σκληρό στυλ, τόνισε αιχμηρά περιγράμματα Ε. Celly, J. Yungherman, F. Sustla Σταδιακά κατώτερη από τη ζωγραφική μιας στοχαστικής μελαγχολικής αποθήκης. Στη δεκαετία του '70 - 80s, η αμερικανική ζωγραφική επέστρεψε στην εικονικότητα. Επιπλέον, η ευρύτερη διάδοση έλαβε μια τέτοια ακραία εκδήλωση ως φωτορεαλισμός. Οι περισσότεροι ιστορικοί τέχνης συγκλίνουν στο γεγονός ότι η δεκαετία του '70 είναι η στιγμή της αλήθειας για την αμερικανική τέχνη, διότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ελευθερώθηκε τελικά από την ευρωπαϊκή επιρροή και ήταν καθαρά αμερικανική. Ωστόσο, παρά την επιστροφή των παραδοσιακών μορφών και των ειδών, από το πορτρέτο στην ιστορική ζωγραφική, δεν εξαφανίστηκε και αφαιρώντας.

Οι ζωγραφιές, τα έργα της "μειονεκτικής" τέχνης εξακολουθούσαν να δημιουργήθηκαν, καθώς η επιστροφή στον ρεαλισμό στις Ηνωμένες Πολιτείες δεν ξεπέρασε ο αφηρημισμός ως τέτοιος, αλλά η κανονοποίηση της, η απαγόρευση της εικονιστικής τέχνης, η οποία εντοπίστηκε κυρίως με τον κοινωνικό ρεαλισμό μας, και Ως εκ τούτου, δεν θα μπορούσε να θεωρηθεί απολιθωμένο στην κοινωνία "ελεύθερη δημοκρατική", απαγόρευση των "χαμηλών" ειδών, στις κοινωνικές λειτουργίες της τέχνης. Ταυτόχρονα, η στιλητογραφία της αφηρημένης ζωγραφικής απέκτησε κάποια απαλότητα, την οποία δεν πήρε πριν, - εξορθολογισμός των όγκων, θολή περιγράμματα, ο πλούτος των ημίτονων, λεπτές λύσεις χρώματος ( Ε. Murray, St. Hephon, L. Rivers, κ. L. Huese, Α. Ballod).

Όλες αυτές οι τάσεις έθεσαν το ίδρυμα για την ανάπτυξη σύγχρονου αφαίρεσης. Δεν μπορεί να υπάρξει τίποτα παγωμένο στη δημιουργικότητα, αφού θα ήταν ο θάνατος γι 'αυτόν. Αλλά όποια και αν είναι τα μονοπάτια είναι αφαίρεσης, ανεξάρτητα από το πώς μεταμορφώνεται, η ουσία του πάντα παραμένει αμετάβλητη. Είναι αυτός ο αφαίρεσης στην εικαστική τέχνη είναι ο πιο προσιτός και ευγενής τρόπος να συλλάβει προσωπική ύπαρξη, και με τη μορφή, ότι ούτε επαρκής - όπως η φανταχτερή εντύπωση. Ταυτόχρονα, ο αφαίρεσης είναι μια άμεση πραγματοποίηση της ελευθερίας.

Κατευθύνσεις

Στην αφηρημένη, μπορούν να διακριθούν δύο σαφείς κατευθύνσεις: η γεωμετρική αφαίρεση, που βασίζεται κυρίως σε σαφώς καθορισμένες διαμορφώσεις (Malevich, Mondrian) και λυρική αφαίρεση στην οποία οργανώνεται η σύνθεση από τις ελεύθερες μορφές (Kandinsky). Επίσης σε αφαίρεσης υπάρχουν αρκετές άλλες μεγάλες δαπάνες.

Κυβισμός

Η πρωτοποριακή κατεύθυνση στις εικαστικές τέχνες προήλθε στις αρχές του 20ού αιώνα και χαρακτηρίστηκε από τη χρήση των κλιματιζόμενων μορφών του γεωμετρικού σχήματος, την επιθυμία να "συντρίψει" πραγματικά αντικείμενα για τα πρωταρχικά πρωταρχικά.

Περιορισμός (Raysism)

Κατεύθυνση στην αφηρημένη τέχνη της δεκαετίας του 1910, με βάση την αντικατάσταση των φασματών φωτός και το φως. Χαρακτηρίζεται από την ιδέα της εμφάνισης των μορφών από την "διασταύρωση των ανακλώμενων ακτίνων των διαφόρων αντικειμένων", δεδομένου ότι το άτομο δεν είναι το θέμα που αντιλαμβάνεται, αλλά "η ποσότητα των ακτίνων που προέρχονται από την πηγή φωτός που αντανακλάται από το θέμα."

Νεοφισμός

Ονομασία της κατεύθυνσης της αφηρημένης τέχνης, η οποία υπήρξε το 1917-1928. Στην Ολλανδία και τους Ηνωμένους καλλιτέχνες που ομαδοποιήθηκαν γύρω από το περιοδικό "de Stijl" ("στυλ"). Χαρακτηρισμένες σαφείς ορθογώνιες μορφές στην αρχιτεκτονική και αφηρημένη ζωγραφική στη διάταξη μεγάλων ορθογώνιων αεροσκαφών, ζωγραφισμένα στα κύρια χρώματα του φάσματος.

Ορτικότητα

Κατεύθυνση στη γαλλική ζωγραφική της δεκαετίας του 1910. Οι καλλιτέχνες της Ofer προσπάθησαν να εκφράσουν τη δυναμική της κίνησης και της μουσικότητας των ρυθμών χρησιμοποιώντας τα "πρότυπα" της ενδείξεως των βασικών χρωμάτων του φάσματος και τη διασύνδεση των καμπυλόγραμμων επιφανειών.

Υπερεστισμός

Η κατεύθυνση στην Avant-Garde Art, που ιδρύθηκε στη δεκαετία του 1910. Malevich. Εκφράστηκε σε συνδυασμούς πολύχρωμων αεροπλάνων των απλούστεων γεωμετρικών περιγραμμάτων. Ο συνδυασμός πολύχρωμων γεωμετρικών σχημάτων σχηματίζει μια ισορροπημένη ασύμμετρη υπερμετρική συνθέσεις που διεισδύουν από την εσωτερική κίνηση.

Βάζο

Η ροή της δεκαετίας του 1950-60 στη Δυτική Ευρώπη αφαίρεσης, η οποία έλαβε τη μεγαλύτερη διανομή στις Ηνωμένες Πολιτείες. Είναι κηλίδες ζωγραφικής που δεν αναδημιουργούν τις εικόνες της πραγματικότητας, αλλά εκφράζουν την ασυνείδητη δραστηριότητα του καλλιτέχνη. Τα επιχρίσματα, οι γραμμές και οι λεκέδες στο Tashizm εφαρμόζονται στον καμβά γρήγορες κινήσεις του χεριού χωρίς προκαθορισμένο σχέδιο.

Αφηρημένη εξπρεσιονισμός

Η κίνηση των καλλιτεχνών, ζωγραφίζει γρήγορα και σε μεγάλες καμβά, χρησιμοποιώντας μη γεωομεομετρικά εγκεφαλικά επεισόδια, μεγάλες βούρτσες, που μερικές φορές στάζουν με χρώματα σε καμβά, για τον μέγιστο προσδιορισμό των συναισθημάτων. Η εκφραστική μέθοδος ζωγραφικής εδώ έχει συχνά την ίδια αξία με το ίδιο το σχέδιο.

Αστερικιαλισμός στο εσωτερικό

Πρόσφατα, ο αφαίρεσης άρχισε να κινείται με έργα ζωγραφικής από καλλιτέχνες σε ένα άνετο εσωτερικό σπίτι, ανανέωση της. Μινιμαλιστικό ύφος με σαφή έντυπα, μερικές φορές αρκετά ασυνήθιστη, κάνει το δωμάτιο ασυνήθιστο και ενδιαφέρον. Αλλά είναι πολύ απλό να το παρακάνετε με χρώμα. Εξετάστε ένα συνδυασμό πορτοκαλί χρώματος σε έναν τέτοιο στυλίστα του εσωτερικού.

Λευκό καλύτερο αραιώνει κορεσμένο πορτοκάλι και πόσο δροσερό. Το χρώμα του πορτοκαλιού κάνει το δωμάτιο να γίνει θερμότερο, τόσο λίγο? δεν εμποδίζει. Η εστίαση πρέπει να είναι σε έπιπλα ή να το σχεδιάσει, για παράδειγμα, πορτοκαλί κάλυμμα. Σε αυτή την περίπτωση, οι λευκοί τοίχοι θα σηκώσουν τη φωτεινότητα του χρώματος, αλλά θα αφήσουν το δωμάτιο πολύχρωμο. Σε αυτή την περίπτωση, οι πίνακες του ίδιου γάμμα θα χρησιμεύσουν ως μια εξαιρετική προσθήκη - το κύριο πράγμα δεν είναι να το παρακάνετε, διαφορετικά θα υπάρχουν προβλήματα με τον ύπνο.

Ο συνδυασμός πορτοκαλί και μπλε χρώματα επιδοκιμάζεται για οποιοδήποτε δωμάτιο, αν δεν αφορά το νηπιαγωγείο. Εάν επιλέξετε όχι φωτεινές αποχρώσεις, θα εναρμονίσουν με επιτυχία ο ένας τον άλλον, θα προσθέσουν διαθέσεις και δεν θα επηρεάσουν δυσμενώς ακόμη και υπερκινητικά παιδιά.

Το πορτοκαλί συνδυάζεται τέλεια με το πράσινο, δημιουργώντας ένα φαινόμενο δέντρου μανταρίνι και μια απόχρωση σοκολάτας. Καφέ - Χρώμα, το οποίο ποικίλλει από το ζεστό έως το κρύο, τόσο απολύτως ομαλοποιεί τη συνολική θερμοκρασία του δωματίου. Επιπλέον, ένας τέτοιος συνδυασμός χρωμάτων είναι κατάλληλος για την κουζίνα και το σαλόνι, όπου πρέπει να δημιουργήσετε μια ατμόσφαιρα, αλλά μην υπερφορτώνετε το εσωτερικό. Τοποθετώντας τους τοίχους σε λευκά και σοκολάτα, μπορείτε να τοποθετήσετε με ασφάλεια μια πορτοκαλί καρέκλα ή να κρεμάσετε μια φωτεινή εικόνα με ένα πλούσιο μανταρίνι. Ενώ βρίσκεστε σε ένα τέτοιο δωμάτιο, θα έχετε μια υπέροχη διάθεση και η επιθυμία να κάνετε όσο το δυνατόν περισσότερες περιπτώσεις.

Εικόνες από διάσημους καλλιτέχνες αφαίρεσης

Kazimir malevich

Οι ιδέες του Malevich για τη μορφή και το νόημα στην τέχνη, τον ένα ή τον άλλο τρόπο, οδηγούν σε συγκέντρωση στη θεωρία του αφαίρεσης στυλ. Ο Malevich εργάστηκε με διαφορετικά στυλ στη ζωγραφική, αλλά τα περισσότερα από όλα επικεντρώθηκαν στη μελέτη των καθαρών γεωμετρικών μορφών (τετράγωνα, τρίγωνα, κύκλους) και της στάσης τους απέναντι μεταξύ τους στον οπτικό χώρο. Χάρη στις επαφές της στη Δύση, η Malevich μπόρεσε να μεταφέρει τις ιδέες του για τη ζωγραφική σε καλλιτέχνες στην Ευρώπη και τις Ηνωμένες Πολιτείες και επομένως επηρεάζουν βαθιά την εξέλιξη της σύγχρονης τέχνης.

"Μαύρη πλατεία" (1915)

Πιτ Μονδικά

Η Pita Mondrian, η οποία είναι ένας από τους ιδρυτές της ολλανδικής κίνησης "de style", αναγνωρίζουν την καθαρότητα των αφαιρέσεων και της μεθοδικής πρακτικής του. Είναι αρκετά ριζικά απλουστεύσει τα στοιχεία των έργων του για να δείξει αυτό που είδε, όχι άμεσα και εικονικά και να δημιουργήσει μια σαφή και καθολική αισθητική γλώσσα στις καμβά του. Στις πιο διάσημοι πίνακες της από τη δεκαετία του 1920, ο Mondrian μειώνει τα σχήματα σε γραμμές και ορθογώνια, και η παλέτα είναι στην απλούστερη. Η χρήση ασύμμετρης ισορροπίας έχει γίνει θεμελιώδης στην ανάπτυξη της σύγχρονης τέχνης και τα αφηρημένα έργα της λατρείας διατηρούν την επιρροή τους στο σχεδιασμό και το γνωστό στη λαϊκή κουλτούρα και σήμερα.

Αυτή η εικόνα είναι ένα από τα έργα των έργων του Mondrian που δημιουργήθηκαν με μια πιο ρεαλιστική προσέγγιση, όπου, για παράδειγμα, τα δέντρα παρουσιάζονται φυσιοτεχνικά. Ενώ τα μεταγενέστερα έργα έγιναν όλο και πιο αφηρημένα, για παράδειγμα, οι γραμμές δέντρων μειώνονται μέχρις ότου το σχήμα του δέντρου είναι ελάχιστα αισθητό και δευτερογενές σε σχέση με τη συνολική σύνθεση κάθετων και οριζόντιων γραμμών. Εδώ μπορείτε ακόμα να δείτε το ενδιαφέρον της Mondrian στην εγκατάλειψη μιας δομημένης οργάνωσης γραμμών. Αυτό το βήμα ήταν σημαντικό για την ανάπτυξη μιας καθαρής αφαίρεσης της Mondriana.

Robert delone

Frantishek Kupka

"Αμβέρφα. Fugue σε δύο χρώματα "(1907-1908)

Σύγχρονα μαλάκια

Από την αρχή του εικοστού αιώνα, οι καλλιτέχνες, όπως ο Pablo Picasso, του Σαλβαδόρ Ντάλι, Casemir Malevich, Vasily Kandinsky - πείραμα με τις μορφές αντικειμένων και την αντίληψή τους, και αμφισβήτησαν επίσης τα υπάρχοντα κανόνα στην τέχνη. Έχουμε ετοιμάσει μια επιλογή από τους γνωστούς σύγχρονους καλλιτέχνες αποβάθμισης που αποφάσισαν να προωθήσουν τα σύνορά τους της γνώσης τους και να δημιουργήσουν τη δική τους πραγματικότητα.

Γερμανός καλλιτέχνης David Scnel (Ο David Schnell) θέλει να περιπλανηθεί γύρω από τους τόπους, στις οποίες η φύση βασίρεσε, και τώρα είναι αυστηρές με τα κτίρια των ανθρώπων - από τις παιδικές χαρές σε εργοστάσια και εργοστάσια. Αναμνήσεις από αυτούς τους περιπάτους και γεννήσουν τα φωτεινά αφηρημένα τοπία του. Δίνοντας τη βούληση στη φαντασία και τη μνήμη του, όχι φωτογραφίες και βίντεο, ο David Schnele δημιουργεί εικόνες που μοιάζουν με εικονική πραγματικότητα υπολογιστή ή εικονογραφήσεις για βιβλία μυθοπλασίας.

Δημιουργώντας τις μεγάλες αφηρημένες ζωγραφιές τους, έναν αμερικανικό καλλιτέχνη Kristin Baker (Kristin Baker) αντλεί έμπνευση από την ιστορία των τεχνών και αγώνων του NASCAR και της Formula 1. Salt δίνει τον όγκο εργασίας του, επικαλύπτοντας διάφορα στρώματα ακρυλικού χρώματος και σιλουέτες με σκωτσέζικο. Στη συνέχεια, η Christine περιβάλλει τακτοποιημένα, η οποία σας επιτρέπει να βλέπετε τα χαμηλότερα στρώματα της βαφής και να κάνει την επιφάνεια των ζωγραφικής του παρόμοιο με ένα πολυστρωματικό πολύχρωμο κολάζ. Στο πρόσφατο στάδιο της εργασίας, αποτρέπει όλες τις παρατυπίες, καθιστώντας τις ζωγραφιές τους σαν αισθήσεις στην ακτινογραφία.

Στα έργα τους, ένας καλλιτέχνης ελληνικής προέλευσης από το Μπρούκλιν της Νέας Υόρκης, Eleanna Anagnes (Eleanna Anagnos) Εξετάζει πτυχές της καθημερινής ζωής, η οποία συχνά ξεφεύγει από την άποψη των ανθρώπων. Κατά τη διάρκεια του "διαλόγου με καμβά", οι συνηθισμένες έννοιες αποκτούν νέες έννοιες και άκρες: ο αρνητικός χώρος γίνεται θετικός και μικρές μορφές αυξάνονται σε μέγεθος. Προσπαθώντας να εισπνεύσω "ζωή στις εικόνες μας", προσπάθησα να ξυπνήσω το ανθρώπινο μυαλό που σταμάτησε να ρωτάει ερωτήσεις και να είναι ανοιχτό σε κάτι νέο.

Γέννηση σε φωτεινές πιτσιλιές και καταλύματα χρωμάτων, Αμερικανός καλλιτέχνης Sara Spitler(Sarah Spitler) επιδιώκει να εμφανίσει στο έργο του, καταστροφή, ανισορροπία και χάος. Προσελκύεται από αυτές τις έννοιες, καθώς δεν είναι επιδεκτικοί για τον έλεγχο από τον άνθρωπο. Ως εκ τούτου, η καταστροφική τους δύναμη καθιστά τα αφηρημένα έργα του Sarah Spitler ισχυρών, ενεργητικών και συναρπαστικών. Εξάλλου. Η προκύπτουσα εικόνα μελάνης, ακρυλικά χρώματα, μολύβια γραφίτη και σμάλτο δίνοντας έμφαση στην αιθερίωση και τη σχετικότητα του τι συμβαίνει γύρω από τον καμβά.

Σχέδιο έμπνευσης από το πεδίο της αρχιτεκτονικής, καλλιτέχνης από το Βανκούβερ, τον Καναδά, Jeff Dapner. (Ο Jeff Depner) δημιουργεί πολυεπίπεδα αφηρημένα μοτίβα που αποτελούνται από γεωμετρικά σχήματα. Στο καλλιτεχνικό "χάος" που δημιουργήθηκε από αυτόν, ο Jeff ψάχνει για αρμονία σε χρώμα, σχήμα και σύνθεση. Κάθε ένα από τα στοιχεία των ζωγραφικών του συνδέεται μεταξύ τους και οδηγεί στο επόμενο: "Η δουλειά μου διερευνά τη σύνθετα δομή [εικόνες] μέσω της σχέσης μεταξύ των χρωμάτων στην επιλεγμένη παλέτα ...". Σύμφωνα με τον καλλιτέχνη, οι πίνακές του είναι "αφηρημένα σημάδια", τα οποία πρέπει να αναβάλουν το κοινό για ένα νέο, ασυνείδητο επίπεδο.

Μοναδικό μοτίβο, William Morris

Ο "αφηρημισμός", που ονομάζεται επίσης "μη-φυγόχει", "μη φυγόχει", "μη κάτοικος", "γεωμετρική αφαίρεση" ή "συγκεκριμένη τέχνη", είναι ένας μάλλον θολή ομπρέλα όρος για οποιοδήποτε αντικείμενο ζωγραφικής ή γλυπτικής που δεν εμφανίζεται αναγνωρίσιμα αντικείμενα ή σκηνές. Ωστόσο, όπως βλέπουμε, δεν υπάρχει σαφής συναίνεση σε σχέση με τον ορισμό, τους τύπους ή την αισθητική αξία της αφηρημένης τέχνης. Ο Πικάσο σκέφτηκε ότι μια τέτοια έννοια δεν υπάρχει καθόλου, ενώ ορισμένοι ιστορικοί τέχνης πιστεύουν ότι όλη η τέχνη είναι αφηρημένη - γιατί, για παράδειγμα, καμία ζωγραφική δεν μπορεί να βασιστεί σε κάτι μεγάλο από ένα ακαθάριστο βιογραφικό σημείωμα που βλέπει τον καλλιτέχνη. Επιπλέον, υπάρχει μια συρόμενη κλίμακα αφαίρεσης: από ημι-αφηρημένη έως πλήρως αφηρημένη. Επομένως, αν και η θεωρία είναι σχετικά σαφής - αφηρημένη τέχνη αφαιρείται από την πραγματικότητα - το πρακτικό καθήκον του χωρισμένου αφηρημένου από μη αφηρημένα έργα μπορεί να είναι πολύ πιο προβληματική.

Ποια είναι η ιδέα της αφηρημένης τέχνης;

Ας ξεκινήσουμε με ένα πολύ απλό παράδειγμα. Πάρτε κακό (μη κερδοφόρο) σχέδιο κάτι. Εκτέλεση Η εικόνα αφήνει πολλά να είναι επιθυμητά, αλλά αν τα χρώματα του είναι όμορφα, το σχέδιο μπορεί να μας χτυπήσει. Αυτό δείχνει πώς η επίσημη ποιότητα (χρώμα) μπορεί να υπερισχύσει τον εκπρόσωπο (σχέδιο).
Από την άλλη πλευρά, μια φωτορεαλιστική εικόνα, ας πούμε, στο σπίτι μπορεί να επιδείξει εξαιρετικά γραφικά, αλλά το ίδιο το θέμα, το χρωματικό σχήμα και η συνολική σύνθεση μπορεί να είναι απολύτως βαρετή.
Η φιλοσοφική τεκμηρίωση της αποτίμησης των καλλιτεχνικών τυπικών ιδιοτήτων προκύπτει από την έγκριση του Πλάτωνα που: "ευθείες γραμμές και κύκλους ... όχι μόνο όμορφα ... αλλά αιώνια και απολύτως όμορφη."

Σύγκλιση, Jackson Pollock, 1952

Στην ουσία, η αναπηρία του Πλάτωνα σημαίνει ότι οι μη φυσιολογικές εικόνες (κύκλοι, τετράγωνα, τρίγωνα κ.λπ.) έχουν απόλυτη, αμετάβλητη ομορφιά. Έτσι, η ζωγραφική μπορεί να εκτιμηθεί μόνο στη γραμμή και το χρώμα της, δεν χρειάζεται να απεικονίσει το φυσικό αντικείμενο ή τη σκηνή. Γάλλος καλλιτέχνης, λιθογράφος και θεωρητική τέχνη του Maurice Denis (1870-1943) σήμαινε το ίδιο πράγμα που έγραψε: "Να θυμάστε ότι η εικόνα είναι πριν γίνει στρατιωτικό άλογο ή μια γυμνή γυναίκα ... ουσιαστικά μια επίπεδη επιφάνεια που καλύπτεται με το χρώμα που συλλέγεται από το χρώμα σε μια συγκεκριμένη σειρά. "

Frank Stella

Τύποι αφαίρεσης

Έτσι ώστε όλα να είναι απλά, μπορούμε να διαιρέσουμε την αφηρημένη τέχνη για έξι κύριους τύπους:

Καμπυλόγραμμος
Ιδρύοντας το χρώμα ή το φως
Γεωμετρικός
Συναισθηματική ή διαισθητική
Γκολφ
Μινιμαλιστής

Μερικοί από αυτούς τους τύπους είναι λιγότερο αφηρημένοι από τους άλλους, αλλά όλοι συνδέονται με το υποκατάστημα της τέχνης από την πραγματικότητα.

Καμπυλόγραμμος αφαίρεσης

Αγιόκλημα, William Morris, 1876

Αυτός ο τύπος συσχετίζεται έντονα με την κελτική τέχνη, η οποία χρησιμοποιεί έναν αριθμό αφηρημένων μοτίβων, συμπεριλαμβανομένων κόμβων (οκτώ κύριων τύπων), τα δερμάτων και των σπείρων (συμπεριλαμβανομένου του triskel ή triscelion). Αυτά τα κίνητρα δεν εφευρέθηκαν από τους ΚΕΣΤ, πολλοί άλλοι πρώιμοι πολιτισμοί χρησιμοποίησαν αυτά τα κελτικά στολίδια κατά τη διάρκεια των αιώνων. Ωστόσο, είναι σωστό να πούμε ότι οι κελτικοί σχεδιαστές αναπνέουν μια νέα ζωή σε αυτά τα πρότυπα, καθιστώντας τους πιο περίπλοκο και πολύπλοκο. Αργότερα, επέστρεψαν κατά τη διάρκεια του 19ου αιώνα και ειδικά εκδηλώθηκαν σε βιβλιοθήκες, υφάσματα, ταπετσαρία και Sortshots, παρόμοιες με τον William Morris (1834-96) και Arthur Mcsuzurdo (1851-1942). Η καμπυλόγραμμη αφαίρεση χαρακτηρίζεται επίσης από μια τέτοια έννοια ως μια "ατελείωτη εικόνα" - ένα ευρέως διαδεδομένο χαρακτηριστικό της ισλαμικής τέχνης.

Αφαίρεσης βασισμένο σε χρώμα ή φως

Νερό κρίνο, Claude Monet

Αυτός ο τύπος απεικονίζεται στα έργα του Turner και Monet, η οποία χρησιμοποιεί το χρώμα (ή το φως) με τέτοιο τρόπο ώστε να διαχωρίζεται το έργο της τέχνης από την πραγματικότητα, αφού το αντικείμενο διαλύεται στη στροβιλισμό χρωστικής ουσίας. Παραδείγματα μπορούν να χρησιμεύσουν ως νούφαρο του Claude Monet (1840-1926), Talisman (1888, Musee d'Orsay, Παρίσι), Paul Seruzier (1864-1927). Πολλοί από τους εξπρεσιονιστικούς πίνακες του Kandinsky γραμμένο στο χρόνο τους με το Der Baue Reiter είναι πολύ κοντά στην αφαίρεση. Η έγχρωμη αφαίρεση εμφανίστηκε και πάλι στα τέλη της δεκαετίας του 1940 και 50s με τη μορφή έγχρωμης ζωγραφικής που αναπτύχθηκε από τον Mark Rotko (1903-70) και τον Barnett Newman (1905-70). Στη δεκαετία του 1950, στη Γαλλία, εμφανίστηκε μια παράλληλη ποικιλία αφηρημένης ζωγραφικής που σχετίζεται με το χρώμα, γνωστό ως λυρική αφαίρεση.

Talisman, Seru δαπέδου

Γεωμετρική αφαίρεση

Bougie-Wakos στο Broadway, Pete Mondriana, 1942

Αυτός ο τύπος πνευματικής αφηρημένης τέχνης εμφανίστηκε από περίπου το 1908. Μια πρώιμη στοιχειώδη μορφή ήταν ο κυβισμός, ιδιαίτερα ο αναλυτικός κυβισμός, ο οποίος απέρριψε τη γραμμική προοπτική και την ψευδαίσθηση του χωρικού βάθους στη ζωγραφική για να επικεντρωθεί στις δισδιάστατες πτυχές της. Η γεωμετρική αφαίρεση είναι επίσης γνωστή ως ειδική τέχνη και επιχείρηση τέχνης. Όπως αναμένεται, χαρακτηρίζεται από μη φυσιολογικές εικόνες, κατά κανόνα, γεωμετρικά σχήματα, όπως κύκλους, τετράγωνα, τρίγωνα, ορθογώνια κλπ. Κατά μία έννοια, δεν περιέχουν απολύτως καμία αναφορά στον φυσικό κόσμο και όχι Όντας συνδεδεμένος με αυτό, ο γεωμετρικός αφηρημισμός είναι η καθαρότερη μορφή αφαίρεσης. Μπορεί να ειπωθεί ότι η συγκεκριμένη τέχνη για την αφηρημένη τέχνη είναι η ίδια με τη Veganness για τη χορτοφαγία. Η γεωμετρική αφαίρεση αντιπροσωπεύεται από έναν μαύρο κύκλο (1913, το κρατικό ρωσικό μουσείο, Αγία Πετρούπολη), που γράφτηκε από τον Casimir Malevich (1878-1935) (ο ιδρυτής του υπερεκτιμείου). Bogi-Vui στο Broadway (1942, Moma, Νέα Υόρκη) Pete Mondriana (1872-1944) (ιδρυτής νεοπλαστικής). και τη σύνθεση VIII (η αγελάδα) (1918, Moma, Νέα Υόρκη) Teo van lebourg (1883-1931) (ιδρυτής και στοιχειισμός). Άλλα παραδείγματα περιλαμβάνουν την έκκληση θέσεων εργασίας στην πλατεία Josef Albers (1888-1976) και OP-ART που δημιουργήθηκε από τον Viktor Vazareli (1906-1997).

Μαύρος κύκλος, Kazimir Malevich, 1920

Σύνθεση VIII, τούβλο Teo van

Συναισθηματική ή διαισθητική αφηρημένη τέχνη

Αυτός ο τύπος τέχνης καλύπτει ένα συνδυασμό στυλ, το συνολικό θέμα του οποίου είναι μια φυσιολογική τάση. Αυτός ο φυσιολογισμός εκδηλώνεται με τη μορφή μορφών και χρωμάτων που χρησιμοποιούνται. Σε αντίθεση με τη γεωμετρική αφαίρεση, η οποία είναι σχεδόν αντι-φύση, η διαισθητική αφαίρεση απεικονίζει συχνά τη φύση, αλλά λιγότερο αντιπροσωπευτικό. Δύο σημαντικές πηγές για αυτόν τον τύπο αφηρημένης τέχνης είναι: Η βιολογική αφαίρεση (που ονομάζεται επίσης βιομορφική αφαίρεση) και του σουρεαλισμού. Ίσως ο πιο διάσημος καλλιτέχνης που ειδικεύεται σε αυτή τη μορφή τέχνης γεννήθηκε στη Ρωσία Mark Rotko (1938-70). Άλλα παραδείγματα περιλαμβάνουν καμβάδες του Kandinsky, όπως η σύνθεση αριθ. 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) και η σύνθεση VII (1913, Tretyakov γκαλερί). Γυναίκα (1934, ιδιωτική συλλογή) Joan Miro (1893-1983) και αόριστο τμήμα (1942, μια γκαλερί τέχνης Allbright-Knox, Buffalo) Yves Tangi (1900-55).

Αβέβαιο χωριστό, yves tanga

Χειρονομώ (χειρονομία) αφηρημένη τέχνη

Untitled, D. Pollock, 1949

Αυτή είναι η μορφή αφηρημένου εξπρεσιονισμού, όταν η διαδικασία δημιουργίας εικόνων γίνει πιο σημαντική από το συνηθισμένο. Για παράδειγμα, το χρώμα εφαρμόζεται με έναν ασυνήθιστο τρόπο, τα επιχρίσματα είναι συχνά πολύ χαλαρά και γρήγορα. Οι διάσημοι Αμερικανοί εκθέτες της χειρονομίας ζωγραφικής περιλαμβάνουν τον Jackson Pollock (1912-56), ο εφευρέτης της δράσης-ζωγραφικής και η σύζυγός του Lee Krasner (1908-84), η οποία την ενέπνευσε για την εφεύρεση της δικής της τεχνολογίας, της λεγόμενης "ζωγραφικής στάγδην" ? Villem de cuning (1904-97), γνωστό για το έργο της σε μια σειρά μιας γυναίκας. Και Robert Motherwell (1912-56). Στην Ευρώπη, η μορφή αυτή αντιπροσωπεύεται από την ομάδα COBRA, ιδίως το Karel Appel (1921-2006).

Μινιμαλιστική αφηρημένη τέχνη

Σχέδιο κατάρτισης, Ed Reinhardt, 1939

Αυτός ο τύπος αφαίρεσης ήταν ένα είδος πρωτοποριακής τέχνης, στερείται όλων των εξωτερικών αναφορών και ενώσεων. Αυτό είναι που βλέπετε - και τίποτα άλλο. Χρειάζεται συχνά ένα γεωμετρικό σχήμα. Σε αυτή την κατεύθυνση, κυριαρχούν οι γλύπτες, αν και περιλαμβάνουν επίσης μερικούς σπουδαίους καλλιτέχνες, όπως το Ed Reinhardt (1913-67), Frank Stella (1936), των οποίων οι πίνακες μεγάλης κλίμακας και τα χρώματα της μορφής και των χρωμάτων. Sean Scully (1945) Ιρλανδικός Αμερικανός καλλιτέχνης, των οποίων τα ορθογώνια σχήματα φαίνεται να μιμούνται τις μνημειώδεις μορφές προϊστορικών δομών. Και Joe Bare (1929. (1930).

Elsuworth kelly

Frank Stella

Εξ ορισμού, συμφώνησε με την Wikipedia, αφαίρεσης (Lat. αλλάbstractio.n - αφαίρεση, απόσπαση) ή μη υγείαή ΑπρόσεκτοςΚατεύθυνση της τέχνης, αρνήθηκε από μια εικόνα της μορφής ζωγραφικής, γραφικών και γλυπτικής.

Η πτυχή της αισθητικής έννοιας των πρώτων αφαίρεσης ήταν μια άρνηση μιας πραγματικής μορφής, η οποία απαιτεί το ακροατήριο της εξουσίας και της λογικής κατανόησης, υπέρ μιας έκφρασης τουλάχιστον ενός καθαρού συναισθηματικού αποστολής. Δεδομένου ότι το μέγιστο θεωρήθηκε ότι η καλλιτεχνική δημιουργικότητα αντανακλά τα πρότυπα του σύμπαντος, κρυμμένα πίσω από τα εξωτερικά, προφανή φαινόμενα της πραγματικότητας. Αυτά τα πρότυπα, εξαντλημένα από τον καλλιτέχνη, εκφράστηκαν μέσω της αναλογίας αφηρημένων μορφών (έγχρωμες κηλίδες, γραμμές, όγκοι, γεωμετρικά σχήματα).

Σύκο. 1. V. V. Kandinsky. Πρώτη αφηρημένη ακουαρέλα. 1910

Μια ευρέως χρησιμοποιούμενη περίληψη αφηρημένη σύνθεση αναπτύσσεται από το πεδίο της εκπαίδευσης, όπου ορίζει τη διατύπωση της μάθησης. Η λέξη "σύνθεση" δεν χρησιμοποιείται κατά την έννοια της προετοιμασίας, αλλά στην πτυχή της ολοκληρωμένης εργασίας. Αντίθετα, φυσικά, μιλήστε για τη σύνθεση στην αφηρημένη τέχνη. Δεδομένου ότι η τέχνη μιας «προσωπικής εμπειρίας», αφαίρεσης σε διαφορετικές περιόδους ύπαρξης σοκαρισμένος ο θεατής, ήταν μια πρωτοποριακή τέχνη, τότε γελοία, υποβλήθηκε σε καταδίκη και λογοκρισία, ως τέχνη που δεν έχει νόημα και εκφυλισμό. Ωστόσο, τώρα η αφαίρεση υφίσταται ισοτιμία με όλες τις άλλες μορφές τέχνης και, εξάλλου, πρόκειται για τις ειδικές θέσεις των καθηκόντων των εισαγωγικών εξετάσεων κατά την είσοδο σε εκπαιδευτικά ιδρύματα για αρχιτεκτονικές και σχεδιαστικές ειδικότητες. Ως έλεγχος των δημιουργικών δυνατοτήτων του αιτούντος, η δοκιμασία αφαίρεσης είναι πολύ παραγωγική. Προσδιορίζει φωτεινά τη δημιουργική σκέψη, τη σύνθετη γνώση και την ικανότητα να εκφράζουν το θέμα στις περίπλοκες απαγορευτικές συνθήκες για τις αναγνωρίσιμες μορφές του περιβάλλοντος κόσμου. Μετά από όλα, ιστορικά, που εργάζονται με τα πρωτογενή στοιχεία της γλώσσας της τεχνικής (αυτές οι γεωμετρικές μορφές των οποίων μπορούν να ληφθούν από την τεμαχισμό της περίσσειας στην εικονική τέχνη, μπορούν να ληφθούν τα αντικείμενα του οπτικού κόσμου), οι αφαίρεσης άσκησαν έφεση στο σύνθετο Αρχές κοινές. Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι οι ανεπιθύμητοί τους έχουν χρησιμοποιηθεί από τις ανενεργές τους μορφές στη βιομηχανική αισθητική (σχεδιασμό), καλλιτεχνικός σχεδιασμός, αρχιτεκτονική (δραστηριότητα της ομάδας στυλ στις ολλανδικές και σχολικές bauhauses στη Γερμανία. Το έργο του Kandinsky Vagamutemia · Αρχιτεκτονικά και σχεδιαστικά έργα Malevich; "Κινητό" Αλέξανδρος Κόρεντ? Τα σχέδια του Βλαντιμίρ Τάτλιν, το έργο του Nauma Gabo και Antoine Pevzner). Οι δραστηριότητες αφαίρεσης συνέβαλαν στη δημιουργία σύγχρονης αρχιτεκτονικής, διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης, σχεδιασμού.

Προσωπικά, ο συγγραφέας είναι ενδιαφέρον για την αφηρημένη σύνθεση μόνο από το γεγονός ότι στο παράδειγμα των ρυθμισμένων αφηρημένων μορφών είναι ευκολότερο να κατανοήσουμε τους ψυχο-φυσιολογικούς νόμους της αντίληψης της εικόνας του θεατή και να τα βάλουν στο οπλισμό όταν η σκέψη του συγγραφέα είναι μέσα η δουλειά. Εξάλλου, προκειμένου να καταστούν οι ιδέες τους με διαστολείς για τον θεατή, είναι λογικό να επικοινωνούμε για την οπτική γλώσσα που είναι σαφής για τον θεατή και τον καλλιτέχνη, το οποίο έγραψα έναν ιστορικό τέχνης στο Stepanov G.P. (Προβλήματα σύνθεσης της σύνθεσης τέχνης, 1984). Στη γλώσσα των καθολικών ταλαντών της ψυχής R. Arnheim (τέχνη και οπτική αντίληψη. 1974), λαμβάνοντας υπόψη τη φυσιολογία της προβολής και της επεξεργασίας που βλέπει ο εγκέφαλος, ο οποίος συνοψίζεται για καλλιτέχνες στο βιβλίο του Γ.Ι. Panksenov (ζωγραφική. Μορφή, χρώμα, εικόνα, 2007). Αυτό το θέμα περιγράφεται λεπτομερώς από τον συγγραφέα στα άρθρα "" και "", η οποία θα αυξήσει την κατανόηση αυτού του άρθρου. Ακόμη και όταν οι πρώτες ιδέες του θέματος (είδος ή σκηνή, συσχετιστική-σουρεαλιστική, διακοσμητική κ.λπ.) σύνθεση βασίζονται στις συνθέσεις *, όλα τα αντικείμενα σε αυτό σχεδιάζονται με όρους κηλίδες ή μάζες, οι οποίες στη συνέχεια το "αποκοπή" η μέθοδος ρυθμίζεται σε αναγνωρίσιμες μορφές. Η θεωρία της σύνθεσης υπαγορεύει με μοναδικό τρόπο ότι ήταν στις όχασες μάζες ενός μεγάλου και μικρότερου, σκοτεινού και φωτισμού στο στάδιο των πρώτων σιωπηρών σκίτσων, της αλληλεπίδρασης, της αρμονίας, ενός σύνθετου κέντρου, ενός μέσου εκφραστικότητας και διατηρούνται απαλά στο Πρέπει να βρεθεί το τέλος της εργασίας για το έργο.

Σύκο. 2. Σκίτσα ζωγραφικής. α) i.i. Levitan. Πλατφόρμα. Πλησιάζοντας το τρένο. Σκίτσο. 1879. GTG. β) Spiridonov V.M. Σύνθεση πολλαπλών προϊόντων. Σκίτσο του κράτους Chuvash του 1941. Μουσείο. σε)
Kiparisov P. G. Marichi πηγαίνει. Σκίτσα για την εικόνα "όταν λουλούδια πασχαλιά". Κράτος Chuvash. Μουσείο.

Αυτή η προσέγγιση σχετίζεται όλη την υπόσταση της σύνθεσης (είδος, αφηρημένο συνεταιρισμό, διακοσμητικό κ.λπ.). Φυσικά, στην αφαίρεση, μπορούμε να πλησιάσουμε τον θεατή μόνο σε οποιαδήποτε ψυχολογική εμπειρία, τη διάθεση, το συναίσθημα, αλλά δεν είναι πολύ μικρό για ένα κομμάτι εργασίας και μια ουσιαστική φύση. Επομένως, η κατανόηση της σύνθεσης στην αφαίρεση θα επεκτείνει τους ορίζοντες και τους καλλιτέχνες των εικονιστικών κατευθύνσεων στην τέχνη. Από αυτές τις θέσεις προτείνει μια υπόθεση ότι η κατανόηση της ανακοίνωσης της ψυχολογικής επικοινωνίας με την οπτική θα πρέπει να είναι η βασική αρχή της έκφρασης ορισμένων αισθήσεων σε σύνθετες γνώσεις. Αυτό θα επιτρέψει στον καλλιτέχνη να εκφράσει με μεγαλύτερη ακρίβεια την ιδέα του και να δημιουργήσει μια πιο ισχυρή συναισθηματική επίδραση στον θεατή στο έργο τόσο της εικονικής φύσης όσο και του εικονιστικού.

Ωστόσο, εάν όλοι οι υπάλληλοι σχεδίασης κατανοούν τις αρχές της εμφάνισης ορισμένων αισθήσεων, μιας συγκεκριμένης σύνδεσης, της διάθεσης σε μια σύσταση ελεύθερης ελεύθερης ζώνης, με την οποία η κωδικοποιημένη γλώσσα ο συγγραφέας και ο θεατής πρέπει να αποσύρονται μέσω μιας εικόνας;

* Όλη η οπτική τέχνη μπορεί να χωριστεί σε ουσιαστικό και ελεύθερο. Και τα δύο και το άλλο τμήμα μπορούν να εκπροσωπούνται ως ένα σύνολο περιοχών στην τέχνη, για παράδειγμα, στην αφηρημένη τέχνη, δύο μεγάλες κατευθύνσεις είναι η γεωμετρική αφαίρεση, βασισμένη κυρίως σε σαφώς καθορισμένες διαμορφώσεις (Malevich, Mondrian) και λυρική αφαίρεση, στην οποία η σύνθεση οργανώνεται από ελεύθερες μορφές (Kandinsky). Στο πλαίσιο τους, μπορούν να διακριθούν περισσότερες στενές ροές, για παράδειγμα, το Tashism (ζωγραφική από λεκέδες, οι οποίοι εκφράζουν την ασυνείδητη δραστηριότητα του καλλιτέχνη), υπερεκτισμός (συνδυασμοί πολλαπλών αεροπλάνων των απλούστεων γεωμετρικών περιγραμμάτων), νεοπλασματική (ζωγραφική στο Διάταξη μεγάλων ορθογώνιων αεροσκαφών, ζωγραφισμένα στα κύρια χρώματα του φάσματος) και t .. Στο θέμα ζωγραφικής, διάφορες προσεγγίσεις στην εικόνα του πιο ρεαλιστικού σχήματος, των ενεργειών, του χρόνου, ο χώρος είναι η Interserd. Για παράδειγμα, το είδος ρεαλιστικής σύνθεσης, δηλ. Αντικατοπτρίζοντας ένα συγκεκριμένο είδος τέχνης (πορτραίτο, νεκρή φύση, τοπίο, ζωντανιστική, ιστορική, μάχη, νοικοκυριό ή τα παρόμοια.) Σαφώς προσκολλάται στο Aristotle Unity - χρόνο, τόπους, δράσεις. Στην τέχνη, ορισμένοι παράγοντες σε ένα συγκεκριμένο σημείο στον πραγματικό χώρο συνδυάζονται με μία ενέργεια. Ωστόσο, στο θέμα της τέχνης ιστορικά ανέπτυξε τέτοιες περιοχές ως υπερρεαλισμός, κυβισμός, φουντινισμός και άλλα "υποκείμενα" avant-garde ρεύματα, όπου τα αντικείμενα του κόσμου με σημαντικό βαθμό στυλοειδούς (παραμόρφωση, απλούστευση, επιπλοκές κ.λπ.) ή χωρίς αυτό δεν απεικονίζονται από την άποψη του πραγματικού φυσικού κόσμου και σαν στο ρεύμα των συστατικών αντανακλαστικών του συγγραφέα. Με άλλα λόγια, υπάρχουν πραγματικά αντικείμενα, αλλά οι χρόνοι, οι χώροι μπορούν να αναμιχθούν, το χρώμα ερμηνεύεται υπό όρους, και η φόρμα παραμορφώνεται έντονα. "Ήδη μια περίοδος του πρωτοπαθούς γραφή του 19ου αιώνα των αιώνων XIX-XX χαρακτηρίζεται ως στρώμα, η μετάβαση από την κλασική αισθητική του Αριστοτέλη, μιμισθία στη μη κλασική παράδοση του αντιαρονυλενίου." Αλλά, με τα πάντα, οι νόμοι, οι κανόνες, οι αρχές, τα μέσα εκφραστικότητας είναι ενωμένοι για όλες τις εκδηλώσεις και παράγουν αντίκτυπο σε οποιεσδήποτε εκδόσεις της ουσιαστικής ή πρωτοφανής εικόνας.

Σκοπός αυτού του άρθρου είναι μια προσπάθεια να περιγραφούν επαρκείς αρχές για τις οποίες ανιχνεύονται ανθρώπινες αισθήσεις στην αφηρημένη σύνθεση και ταυτόχρονα εξηγούν τη μέθοδο προβληματισμού στην έκφραση στη σύνθεση των αισθήσεων ζωής στο παράδειγμα του προτύπου για μαθησιακές εργασίες Στη σύνθεση και σχηματισμό απτικής, γεύσης, αιθουσαίας κλπ. Αίσθηση. Για το οποίο αναλύουμε τα χαρακτηριστικά της σύνθεσης στην αφηρημένη τέχνη και δίνουν μερικά παραδείγματα με εικονογραφήσεις.

Να εκφράσει τη στατική στη σύνθεση χαρακτηριστικά:

Το βαρύ πυθμένα και το ελαφρύ είναι μια ψυχολογική πρόβλεψη (αναμονή) της ευθυγράμμισης των δυνάμεων σε ένα φύλλο, το οποίο οφείλεται στη φυσική πραγματικότητα της ζωής. Με άλλα λόγια, η συνήθεια να αισθάνεται μια αξιόπιστη υποστήριξη κάτω από τα πόδια, και πάνω από τον ελαφρύ ουρανό του κεφαλιού. Επομένως, το κέντρο σύνθεσης είναι καλύτερο να τοποθετηθεί λίγο χαμηλότερο από το γεωμετρικό κέντρο του φύλλου, προκειμένου να ενισχυθεί ο πυθμένας, να προσελκύσει τη σύνθεση στην σιωπηρή πλατφόρμα. Αξιολογητικά αισθάνθηκε στο κάτω άκρο του φύλλου η περιοχή στήριξης χρειάζεται μεγάλη λόγω του φυσικού νόμου που το μεγάλο επίπεδο δίνει μεγαλύτερη δύναμη τριβής. Σε σχέση με την εμπειρία ζωής της εύρεσης σταθερών κρατών ισορροπίας, είναι απαραίτητο να υπογραμμιστεί κάθετα και οριζόντια ως σύνθετο κλειδί ή κυρίαρχη αρχή της σύνθεσης. Μην βάζετε τίποτα στη γωνία. Ακόμα και τα τρίγωνα στις συνθέσεις που φέρνουν διαγώνια στα μέρη τους θα πρέπει να τοποθετηθούν σε μια ευρεία βάση, τείνουν σε ένα εξίσου κολοκυθισμένο και ορθογώνιο τρίγωνα. Το χρώμα στις αιθουσαίες αισθήσεις κατά τη γνώμη του συγγραφέα δεν επηρεάζει.

Για να εκφράσετε τα ηχεία στη σύνθεση χαρακτηριστικά:

Σε σχέση με το καθιερωμένο Gestal "Arnheim" Gestal της ψυχής που αισθάνεται πάνω από το κεφάλι ενός ελαφρού ανοικτού ουρανού, συχνά όταν βλέπει το οπτικό επίπεδο, τα αντικείμενα που τοποθετούνται στην κορυφή του φύλλου φαίνεται να πετούν ή να πέφτουν. Επομένως, το σύνθετο κέντρο σε δυναμικές συνθέσεις είναι καλύτερο να βάλει λίγο υψηλότερο από το γεωμετρικό κέντρο του φύλλου, ώστε να μετακινηθεί ο προβολέας για τον θεατή όπως ήταν, όπως ήταν, "στον ουρανό". Θα διακινδυνεύσουμε ότι τα σκοτεινά αντικείμενα και τα μεγάλα, τα οποία συνδέονται με τα βάρη φαίνεται να πέφτουν, και το φως και φωτεινό, κατ 'αναλογία με τον Οκτόχο, το χιόνι, το πλοίο, κλπ., Φαίνεται ότι πετούν. Η τετραγωνική υποστήριξη στο κάτω άκρο του φύλλου δεν είναι απολύτως απαραίτητο. Σε αντίθεση με τα στατιστικά στοιχεία, η δομή της δυναμικής σύνθεσης είναι συχνότερα μια διαγώνια. Μπορεί να είναι μια σπείρα, αλλά με μια σπειροειδή εντύπωση της συνεχούς αφαίρεσης και της πτήσης είναι απαραίτητο να "ζωντανός" με ρυθμό και κλίμακα. Παρακαλείστε να σημειώσετε ότι κάτω από τη δυναμική υπονοείται όχι μια χαοτική κίνηση, αλλά ένας φορέας κατευθύνεται, σαν να με μια δεδομένη επιτάχυνση. Με άλλα λόγια, τα αντικείμενα που απεικονίζονται πρέπει να φαίνονται να πετούν (εγκαταλειμμένα με δύναμη) σε συγκεκριμένο σκοπό. Τέτοιες στατικές μορφές καθώς διάφορα ορθογώνια πρέπει να τοποθετούνται στη γωνία, διαγώνια. Το κύριο μέσο εκφραστικότητας - ρυθμού. Με την αλλαγή της απόστασης από ένα αντικείμενο σχεδίασης στο άλλο, ο καλλιτέχνης μπορεί να δημιουργήσει ένα αίσθημα overclocking ή να επιβραδύνει, ανάλογα με το πόσο μακριά πρέπει να πηδήσετε τη θέα από ένα αντικείμενο σε άλλο. Ταυτόχρονα, η επίδραση της υποσχόμενης μείωσης των πτητικών εγκαταστάσεων θα είναι μια καλή βοήθεια. Το χρώμα στις αιθουσαίες αισθήσεις, σύμφωνα με τον συγγραφέα, δεν επηρεάζει.

Σύκο. 3. Παραδείγματα εικόνων στατικής και ηχείων σε μια γεωμετρική αφηρημένη σύνθεση. α) Yuldasheva Ε. β) Lazareva V. C) Lazareva V.

Για να εκφράσει το τεράστιο χαρακτηριστικό σύνθεσης:

Για να εκφράσει τη βαρύτητα σε ένα φύλλο, το σύνθετο κέντρο είναι καλύτερο να τοποθετηθεί ακριβώς κάτω από τη γεωμετρική. Η μορφή είναι τυχερή που επιλέξατε οριζόντια, σαν να "προσγειωθεί". Σε συγκεκριμένες περιπτώσεις, για τη μάζα, η περιοχή στήριξης θα πρέπει να είναι, και όσο περισσότερο, τόσο το καλύτερο (συμπεριλαμβανομένου του συνόλου σοβαρών αντικειμένων) λόγω του γεγονότος ότι η βαριά μάζα είναι ισχυρότερη προσελκύει στο έδαφος. Πρέπει να πιέσετε την εικόνα στο κάτω άκρο του φύλλου. Ωστόσο, μπορούν να βρεθούν διάφορα καλλιτεχνικά καθήκοντα, στην οποία το μαζικό δεν πρέπει να συνδέεται με τη Γη, τότε αξίζει να περιορίζεται στην τελευταία κλίμακα στο φύλλο και το σκοτεινό τόνο. Η έντονη δομή για τη δημιουργία τεράστιων συνθέσεων είναι πιθανώς όχι, αλλά είναι ενδιαφέρον να αυξηθεί η αίσθηση της βαρύτητας, της απαλλαγής και της πίεσης λόγω του γεγονότος ότι μπορείτε να σφίξετε γραφικά ή να πιέσετε το μικρό αντικείμενο με μεγάλο, κατ 'αναλογία με τις ράβδους. Προσπαθήστε να απεικονίσετε αντικείμενα σφιχτά, χωρίς ορατά μεταξύ τους. Για τις αισθήσεις βάρους, μια πολύ μεγαλύτερη τιμή επηρεάζεται από τον τόνο: ελαφρύ ή σκοτεινό, αντί για χρώμα. Έτσι για να προσδιορίσετε την αίσθηση της μαυρότητας για να βοηθήσει πρέπει να έρθει σκοτεινούς τόνους. Αυτό οφείλεται στην εμπειρία ζωής, η οποία συνδέει τους βαριούς τόνους με τη σοβαρότητα που αναμένεται να βιώσει (a priori). Συμπεριλαμβανομένου του εικαστικού σκοτάδι δεσμεύεται με τις σοβαρές συναισθηματικές καταστάσεις του ατόμου. Και έτσι από την πορεία της επιστήμης των λουλουδιών, είναι γνωστό ότι κάθε χρώμα μπορείτε να επιλέξετε την κατάλληλη αντοχή στον τόνο, στη συνέχεια φυσικά για μαζικά σκούρα χρώματα καφέ, μπλε, μοβ, σκούρο πράσινο, σκοτεινά σκούρια και άλλες σκούρες αποχρώσεις των χρωμάτων. Το κύριο μέσο εκφραστικότητας είναι η κλίμακα. Αυτό οφείλεται ξανά με εμπειρία ζωής, η οποία δεσμεύει ανεπιθύμητα ένα τεράστιο μέγεθος με το αναμενόμενο βάρος του αντικειμένου.

Για να δημιουργήσετε ένα αίσθημα ελαφρότητας στη σύνθεση χαρακτηριστική:

Για μια φωτεινή σύνθεση, το κέντρο σύνθεσης είναι καλύτερο να σχεδιάζεται λίγο υψηλότερο από το γεωμετρικό κέντρο του φύλλου για να συσχετιστεί το πιο σημαντικό πράγμα στη σύνθεση με κάτι αυξημένο, εξαιρετικό. Ακόμα και η μορφή είναι πιο πιθανό να επιλέξει κάθετη. Σε συγκεκριμένες περιπτώσεις που σχετίζονται με τη στατική ή σταθερότητα, θα χρειαστούν τα σημεία της στήριξης, αλλά για μεγαλύτερη έκφραση φωτεινών δομών, πρέπει να είναι σημείο (όχι στερεά), οπτικά λεπτές υποστηρίξεις, ανεξάρτητα από την περιοχή υποστήριξης. Ωστόσο, μπορούν να βρεθούν διάφορα καλλιτεχνικά καθήκοντα, δυναμική. Στη συνέχεια, αξίζει να περιοριστεί στην έκφραση ιδεών χρησιμοποιώντας την κλίμακα και τον ελαφρό τόνο. Η έντονη δομή της σύνθεσης για την κατανομή εδώ δεν έχει νόημα, αλλά είναι ενδιαφέρον να ενισχυθεί η αίσθηση της ελαφρότητας από μια αφθονία του "αέρα" μεταξύ αντικειμένων της εικόνας. Ταυτόχρονα, το λεγόμενο "σχέδιο" ή "μέσω του θέματος" θα γίνει μια εξαιρετική καλλιτεχνική τεχνική για έμφαση, δημιουργώντας την εντύπωση της διαφάνειας των απεικονιζόμενων αντικειμένων. Επίσης, απεικονίζουν επίσης αντικείμενα με κοίλο, που διευκολύνουν την ομιλία τους. Για να προσδιορίσετε την αίσθηση της ευκολίας κατ 'αναλογία με τη ζωτικότητα, οι ελαφριές ήχοι είναι κατάλληλες, κατ' αναλογία με τον αφρό, το χιόνι, το πλοίο, κλπ. Και έτσι από την πορεία της επιστήμης των λουλουδιών, είναι γνωστό ότι κάθε χρώμα μπορεί να επιλέξει τον κατάλληλο τόνο, είναι φυσικά φως συνδεδεμένο με φωτεινές αποχρώσεις των χρωμάτων: κίτρινο, ροζ, πορτοκαλί, μπλε, ανοιχτό πράσινο. Το κύριο μέσο εκφραστικότητας είναι η κλίμακα. Αυτό οφείλεται στην εμπειρία ζωής, η οποία συνδέει ενδεδειγμένα ένα μικρό μέγεθος με την προφανώς γνωστή ελαφρότητα του αντικειμένου.

Σύκο. 4. Παραδείγματα της εικόνας του στερεού και του φωτός στη γεωμετρική αφηρημένη σύνθεση. α) Belyaeva E., B) Lazareva V., C) Yuldasheva Ε.

Για να δημιουργήσετε μια αίσθηση σταθερότητας και αστάθειας στη σύνθεση, είναι σημαντικό:

Αυτά τα δύο θέματα είναι άρρηκτα συνδεδεμένα με την ανθρώπινη ιδέα του επιπέδου της γης, του Paul, το βάθρο, υποστηρίζει. Φυσικά, αυτά τα αεροπλάνα δεν πρέπει να αντληθούν, αλλά μπορούν να υπογραμμίσουν και να τονίσουν τη συγκέντρωση των γραμμών. Η βιώσιμη θα διαφέρει από τη στατική μόνο με την αίσθηση ότι ο στατικός βαρύς αιώνας, και η αντίσταση του φαινομένου είναι mumbling. Εάν τα στατικά, όπως καταλαβαίνουμε, είναι δύσκολο να καθιερωθούν, τότε η σταθερή καταρρέει με μια μικρή προσπάθεια. Προκειμένου να παρακολουθήσει την αίσθηση της σταθερότητας στο σχεδιασμό γραφικών, η περιοχή στήριξης (συμπεριλαμβανομένων των συνολικών αντικειμένων) μπορεί να μην είναι μεγάλη, αλλά η συνολική προβολή του σύνθετου κέντρου ολόκληρου του σχεδιασμού στο επίπεδο του υποτιθέμενου "πάτωμα" θα πρέπει να εμπίπτει στην περιοχή υποστήριξης. Αντίθετα, αν η προβολή του κέντρου βαρύτητας υπερβαίνει την περιοχή στήριξης, τότε υπάρχει ένα αίσθημα κατάρρευσης, πτώσης, καταστροφής. Η μορφή συνιστάται να επιλέξετε κάθετη. ΠΡΟΣ ΤΗΝΟ λαμπτήρας είναι πάνω από γεωμετρική.

Σύκο. 5. Παραδείγματα της εικόνας της ανθεκτικής και ασταθούς στην αφηρημένη γεωμετρική σύνθεση. α) Lazareva V., B) Yuldasheva Ε.

Για να εκφράσετε τις αισθήσεις γεύσης του ξινή για τη σύνθεση, είναι σημαντικό:

Κατά την άποψη του συγγραφέα για να εκφράσει τις αισθήσεις γεύσης, το χρώμα παίζει τεράστιο ρόλο. Τα φωτεινά χρώματα του λεμονιού, του ασβέστη, ανανά, γκρέιπφρουτ, κλπ. Συνδέονται με ξινό ζωντανό από τη ζωή. Επομένως, είμαστε κατάλληλοι για όλες τις ψυχρές αποχρώσεις του κίτρινου, του πράσινου, του σμαραγδένιου, του μπλε, του μπλε, μοβ. Φυσικά, τα εισηγμένα χρώματα ενδέχεται να μην είναι αρκετά για την ιδέα του Συγγραφέα-Συνθέτη. Ταυτόχρονα, δεν πρέπει να διαγράψει τη σύνθεσή του με τα εισηγμένα χρώματα. Μόνο ένας κανόνας πρέπει να θυμόμαστε - το 75% των κρύων όξινων χρημάτων και 25% διαφορετικά. Θα πρέπει να γίνει σαφώς κατανοητό, τόσο περισσότερο που βάζετε στη σύνθεση στοιχείων από τις αντίθετες αισθήσεις, οι πιο εξωτερικοί σύνδεσμοι εμφανίζονται, γεγονός που έρχεται σε αντίθεση με τις αρχές ακεραιότητας της σύνθεσης, όταν κάθε στοιχείο θα πρέπει να λειτουργήσει για την έκφραση της γενικής ιδέας του συγγραφέα. Το σχηματισμό στη σύνθεση συμβαίνει και πάλι λόγω εικόνων της πραγματικής ζωής. ΣΕΒυθίστε τα συναισθήματά σας από το φαγητό λεμόνι. Η στοματική κοιλότητα φαίνεται να κόβεται, κύλινδρο, Pinlet, επομένως, τα σχήματα στη σύνθεση πρέπει να χρησιμοποιούνται από το εγκεφαλικό επεισόδιο, τη βελόνα, την απότομη, βούρτσα.

Για την έκφραση των αισθήσεων γεύσης γλυκιάς για τη σύνθεση, είναι σημαντικό:

Συνεργαζόμενοι από τη ζωή με γλυκούς τόνους κίτρινο, πράσινο, ταυτόχρονα πορτοκαλί, κόκκινο, καφέ. Άλλα χρώματα ισχύουν ακριβώς τον ίδιο κανόνα: το 75% του ποσοστού της γλυκιάς γεύσης που σχετίζεται με μια γλυκιά γεύση και 25% άλλα χρώματα. Για να σχηματίσουν τη μορφή αντικειμένων στη σύνθεση, θυμηθείτε τα συναισθήματά σας από το φαγητό γλυκό, μέχρι το κάτω γλυκό. Μαλακές δοκιμασμένες καμπύλες, τύμπανα, τα πάγια φόρμες έρχονται στο μυαλό αμέσως, μπορούν να προκύψουν ενώσεις με μαρμελάδες συμπίεσης, με ρέουσες στρώσεις κρέμας μεταξύ πολλαπλών στρώσεων korzhs. Απλά πρέπει να αρχίσετε να αναλύετε και να μετατρέψετε τις δικές σας αναμνήσεις στην αποσπασματική γραμμή και το χρώμα.

Σύκο. 6. Παραδείγματα εκφράσεων σε μια αφηρημένη λυρική σύνθεση όξινων και γλυκών αισθήσεων α) σε ασπρόμαυρα γραφικά, β) σε χρώμα. Iconnikova Ε.

Πώς να εκφράσετε τη χαρά και τη θλίψη στη σύνθεση

Θλίψη Στο σχήμα - αυτά είναι σκοτεινά, παχιά αχρωματικά ή αγωνιζόμενα για αχρωματική βαφή, κάποια αποσπάθεια ή πλήξη που προφέρονται από μονότονη φόρμες και τις ίδιες αποστάσεις μεταξύ τους, κατακόρυφων ρυθμών, διδακτορικές καμπύλες, τη δημιουργία των επιπτώσεων της "ταλαιπωρίας", τα νεφελώματα με ειδικά τεχνικές, όπως το σημείο. Χαρά - Αυτή είναι μια δυναμική σύνθεση, ασύμμετρη, οι ρυθμοί αλλάζουν συνεχώς, όπως μια κλίμακα. Όλα τα στοιχεία εκτελούν την εργασία τους: οι μέσες μορφές σε σχέση με τη μορφή, κατά κανόνα, φέρουν το βασικό σημασιολογικό φορτίο και δημιουργούν μια βασική ενέργεια, σε μεγάλα στοιχεία της σύνθεσης υπάρχει ένα ακίνητο για να συνδυάσει το μέσο όρο στο σύστημα, στο Coenm Διάσπαρτα στοιχεία, τα μικρά είναι "σταφίδες" κάθε σύνθεσης. Προσεγμένες πλαστικές φράσεις διακοσμούν τη σύνθεση, όπως μια μικρή διακόσμηση στην ντουλάπα. Και πάλι, θυμηθείτε τα χαρακτηριστικά των διακοπών και συμπεριλάβετε γραμμές σημείων παρόμοιες με πυροτεχνήματα, βροχή, κομφετί, κορδέλες, βαμβάκι, αναβοσβήνει κλπ. Τα χρώματα, αντίστοιχα, θα πρέπει να είναι ανοιχτά φωτεινά.

Σύκο. 7. Παραδείγματα της εικόνας στην αφηρημένη σύνθεση α) απτική, β) απτική, γ) ακουστικά και άλλες αισθήσεις. Iconnikova Ε.

Έχουμε κάνει μια τεράστια δουλειά που είναι σχεδόν αδύνατο να γίνει τέλεια σε σχέση με την ατομική αντίληψη. Δεν αφορούσαμε τις πολιτιστικές, θρησκευτικές και κοινωνικές ενώσεις ανθρώπων, μόνο σωματικές και φυσιολογικές - γενικές, ίσως, για ολόκληρο τον πληθυσμό του πλανήτη. Εδώ ήταν πιο σημαντικό να υποβληθεί ακόμη και μια μέθοδος συλλογιστικής, η οποία στο μέλλον μπορεί να εφαρμοστεί σε τέτοια καθήκοντα, πώς να εκφράζουν θερμότητα και κρύο, καμπάνα και κώφωση, επιθετικότητα ή γαλήνη, διέγερση και ηρεμία κλπ. Το άρθρο επηρεάζει το σημαντικό Σημεία σύνθετης γνώσης, από τότε. Στην εκπαίδευση των επαγγελμάτων του αρχιτεκτονικού και καλλιτεχνικού κύκλου των καθηκόντων για την έκφραση των αισθήσεων στην αφαίρεση, υπάρχει ένα γεγονός ότι ο συγγραφέας δεν γνωρίζει το γεγονός της παρουσίας μιας σαφούς θεωρίας υποστήριξης. Ως εκ τούτου, έγινε προσπάθεια να δοθεί μια βάση από τις προσωπικές εξελίξεις του συγγραφέα για ατομική προβληματισμό, να αναζητήσει πνευματικά δικαιώματα των αρχαρίων καλλιτεχνών. Δώστε προσοχή στον αναγνώστη στο γεγονός ότι το άρθρο παρουσιάζει τις βασικές αρχές που σίγουρα κατανοούνται από επαγγελματίες με εμπειρία και αναλυτική σκέψη. Και δεδομένου ότι μία από τις αρχές της σύνθεσης της καινοτομίας (όχι υπό την έννοια ότι η ανάπτυξη οποιουδήποτε συγγραφέα, η οποία προηγουμένως δεν υπήρχε από μόνη της, νέα και με την έννοια ότι θα έπρεπε δραματικά να ξεχωρίζει από μεμονωμένα ευρήματα από τη μονότονη μάζα) , στη συνέχεια, σε αυτή τη βάση, κάθε συγγραφέας πρέπει να αναζητήσει την ατομική του δουλειά. Παραμένει να πούμε ότι η αντίληψη του εκπροσωπούμενου συγγραφέα δεν είναι αλήθεια στην τελευταία περίπτωση, μάθετε από τη δική σας εμπειρία, να αναλύσετε, να συνθέσετε. Ακούστε την εσωτερική φωνή, αρκετά περίεργο, είναι πολύ σημαντικό πόσο σημαντική και αναλύστε αυτή την απάντηση και προσπαθήστε να καταλάβετε πώς να διορθώσετε αυτό που δεν μου αρέσει, ή πώς να μην χαλάσει αυτό που μου αρέσει. Έτσι, οι δεξιώσεις και τα ευρήματα που σχετίζονται με μια θετική ανταπόκριση κατά τη διάρκεια των ετών για να παρακολουθήσουν σε τεράστιες επαγγελματικές αποσκευές, οι οποίες είναι επίσης σαφείς από τα ανεπιτυχείς δείγματα που σχετίζονται με τις αρνητικές προσωπικές εμπειρίες και τα σχόλια των εκπαιδευτικών.

ΟΠΩΣ ΚΑΙ. Chuvashov

Βιβλιογραφία:

1. Kryuchkova V. A. Abstractionism // Μεγάλη ρωσική εγκυκλοπαίδεια / S. L. Kravets. Μόσχα: Μεγάλη ρωσική εγκυκλοπαίδεια, 2005. Τ. 1. Σελ. 42-43. 768 σελ.

2. Sarukhanyan Α. Π. Στην αναλογία των εννοιών του "μοντερνισμού" και του "Avant-Garde" // Avangard στον πολιτισμό του εικοστού αιώνα (1900-1930): θεωρία. Ιστορία. Ποίηση: σε 2 kN. / Ed. Yu. Ν. Girin. - Μ.: Είχα RAS, 2010. - Τ. 1. - Σ. 23.

Μία από τις κύριες κατευθύνσεις στην τέχνη της Avant-Garde. Η κύρια αρχή της αφηρημένης τέχνης είναι να αρνηθεί να μιμηθεί την ορατή πραγματικότητα και να το χειριστεί με στοιχεία στη διαδικασία δημιουργίας ενός έργου. Το αντικείμενο της τέχνης αντί της πραγματικότητας του κόσμου γίνεται η εργαλειοθήκη καλλιτεχνικής δημιουργικότητας - χρώμα, γραμμή, σχήμα. Το οικόπεδο αντικαθίσταται από μια πλαστική ιδέα. Ο ρόλος μιας συσχετισμένης εκκίνησης στην καλλιτεχνική διαδικασία αυξάνει πολλές φορές και η δυνατότητα να εκφράζουν τα συναισθήματα και τις διαθέσεις του δημιουργού σε αφηρημένες, καθαρισμένες εικόνες, οι οποίες μπορούν να επικεντρωθούν την πνευματική έναρξη των φαινομένων και να είναι οι μεταφορείς του (θεωρητικά έργα VV Kadinsky ).

Τα τυχαία στοιχεία της αφαίρεσης μπορούν να αποκαλυφθούν στην παγκόσμια τέχνη καθ 'όλη τη διάρκεια της ανάπτυξής του, ξεκινώντας με κουνώντας τα χρώματα. Αλλά η γέννηση αυτού του στυλ θα πρέπει να επιδιωχθεί στη ζωγραφική των ιμπρεσιονιστών που προσπάθησαν να αποσυνθέσουν το χρώμα σε μεμονωμένα στοιχεία. Ο μορφισμός έχει συνειδητά ανέπτυξε αυτή την τάση, "ανίχνευση" του χρώματος, υπογραμμίζοντας την ανεξαρτησία του και κάνοντας ένα αντικείμενο εικόνας. Ο Franz Mark και ο Henri Matisss (συμπτωματικά τα λόγια του: "Κάθε τέχνη αφηρημένη") πλησίασε την αφαίρεση (συμπτωματική: "Όλα είναι αφηρημένα"), οι γαλλικοί κυβίστας κινούνταν επίσης κατά μήκος αυτής της διαδρομής (ειδικά ο Alber Glez και ο Jean Metsenznaya) και οι Ιταλοί φουτουριστές (Gino Severini Gino). Αλλά κανένας από αυτούς δεν θα ξεπεράσει τα σύνορα της εικονιδιας δεν θα μπορούσε ή δεν επιθυμούσε. "Αναγνωρίζουμε, ωστόσο, ότι κάποια υπενθύμιση των υφιστάμενων μορφών δεν πρέπει να εκδιωχθεί εντελώς, τουλάχιστον προς το παρόν« (aglez, j.metzenge. Σχετικά με τον κυβισμό. SPB., 1913. P.14).

Τα πρώτα αφηρημένα έργα εμφανίστηκαν στο τέλος της δεκαετίας του 1900 - αρχές της δεκαετίας του 1910 στη δημιουργικότητα του Kandinsky κατά τη διάρκεια της εργασίας στο κείμενο "στην πνευματική στην τέχνη", και η "εικόνα με κύκλο" (1911. nmg) θεωρείται η πρώτη περίληψη εικόνα. Μέχρι αυτή τη στιγμή η συλλογιστική του ανήκει: "<...> Μόνο αυτή η μορφή είναι σωστή, η οποία<...> Διατηρεί αντίστοιχα περιεχόμενο. Οποιεσδήποτε πλευρικές σκέψεις και μεταξύ τους συμμορφώνονται με το σχήμα της λεγόμενης "φύσης", δηλ. Η φύση είναι εξωτερική, ασήμαντη και επιβλαβή, καθώς αποσπούν την προσοχή από το μόνο πρόβλημα της μορφής - ενσάρκωση του περιεχομένου. Η φόρμα είναι η υλική έκφραση αφηρημένου περιεχομένου "(περιεχόμενο και έντυπο 1910 // Kandinsky 2001. Τ. 1. P.84).

Σε πρώιμο στάδιο, αφηρημένη τέχνη στο πρόσωπο του Kandinsky ollished χρώμα. Στη μελέτη του χρώματος, πρακτικής και θεωρητικής, ο Kandinsky ανέπτυξε τις διδασκαλίες για το χρώμα του Johann Wolfgang Goethe και έβαλε τα θεμέλια της θεωρίας των χρωμάτων στη ζωγραφική (μεταξύ των ρωσικών καλλιτεχνών, MV Maushin, ο Γ. Klutsis, Ivplutin και άλλοι ασχολήθηκαν το χρώμα του χρώματος.

Στη Ρωσία το 1912-1915 δημιουργήθηκαν αφηρημένα γραφικά συστήματα ακτινοσκόπησης (Μ. Φ. Μαρομόβ, 1912) και υπερεκτισμός (Κ. Malevich, 1915), από πολλές απόψεις που προσδιορίζουν την περαιτέρω εξέλιξη της αφηρημένης τέχνης. Η εκκίνηση με αφηρημένη τέχνη μπορεί να βρεθεί στον Cubaceuturism και έναν αλογόσυλο. Η ανακάλυψη στην άντληση ήταν η εικόνα της Ν.Π.ss. Thrusharova "Eadiness" (1914. GTG), αλλά αυτό το θέμα δεν βρήκε περαιτέρω ανάπτυξη στην τέχνη του καλλιτέχνη. Μια άλλη πεισκούμενη πτυχή της ρωσικής αφαίρεσης είναι ένας χρωματισμός Ο.V. Rosanova (βλ.: Απεριόριστη τέχνη).

Με τους δικούς τους τρόπους για την γραφική αφαίρεση για τα ίδια χρόνια, το Τσέχο Τσεχικό Φράντιο, ο Γάλλος Robert Delone και ο Jacques Viyon, ο Ολλανδός Pete Mondrian, Αμερικανοί Stanton McDonald δεξιά και Morgan Russell. Οι πρώτες αφηρημένες χωρικές δομές ήταν αντιπαράθεση v.e. Tatlin (1914).

Η άρνηση από ισομορφισμό και η έκκληση στην πνευματική αρχή έδωσε στον λόγο να δεσμεύσει την αφηρημένη τέχνη με τη Θεοσοφία, την ανθρωποσοφία και ακόμη και με απόκρυφη. Αλλά οι ίδιοι οι καλλιτέχνες στα πρώτα στάδια της ανάπτυξης της αφηρημένης τέχνης τέτοιων ιδεών δεν εκφράστηκαν.

Μετά τον Παγκόσμιο Πόλεμο, η αφηρημένη ζωγραφική κατακτάνει σταδιακά κυρίαρχες θέσεις στην Ευρώπη και γίνεται μια παγκόσμια καλλιτεχνική ιδεολογία. Πρόκειται για ένα ισχυρό καλλιτεχνικό κίνημα, το οποίο στις προσδοκίες τους υπερβαίνουν τα γραφικά πλαστικά προβλήματα και καταδεικνύει τη δυνατότητα δημιουργίας αισθητικών-φιλοσοφικών συστημάτων και να λύσει κοινωνικά καθήκοντα (για παράδειγμα, με βάση τις αρχές της ανάλυσης "Suprematic City" Malevich). Στη δεκαετία του 1920, με βάση την ιδεολογία του, τα ερευνητικά ιδρύματα προκύπτουν ως bauhauses ή gingingukhuk. Η αφαίρεση μεγάλωσε επίσης κονστρουκτιβισμό.

Η ρωσική έκδοση της αφαίρεσης πήρε το όνομα της ελεύθερης τέχνης.

Πολλές από τις αρχές και οι τεχνικές της αφηρημένης τέχνης, που έγιναν κλασικό στον εικοστό αιώνα, χρησιμοποιούνται ευρέως στο σχεδιασμό, στη θεατρική και διακοσμητική τέχνη, σε κινηματογράφο, τηλεόραση και γραφικά υπολογιστών.

Η έννοια της αφηρημένης τέχνης έχει αλλάξει με την πάροδο του χρόνου. Μέχρι τη δεκαετία του 1910, ο όρος αυτός χρησιμοποιήθηκε σε σχέση με τη ζωγραφική, όπου απενεργοποιήθηκαν οι μορφές γενικευμένες και απλοποιημένες, δηλ. "Περίληψη", σε σύγκριση με μια πιο λεπτομερή ή φυσιολογική εικόνα. Με αυτή την έννοια, ο όρος εφαρμόστηκε κυρίως σε διακοσμητικές τέχνες ή σε σύνθετες συνθέσεις.

Αλλά ήδη με τη δεκαετία του 1910 "αφηρημένα" έργα κλήσης, όπου η μορφή ή η σύνθεση απεικονίζεται υπό γωνία ότι το αρχικό στοιχείο αλλάζει σχεδόν σε μη αναγνωριστικότητα. Τις περισσότερες φορές, ο όρος αυτός υποδηλώνει το ύφος της τέχνης που βασίζεται αποκλειστικά στη διάταξη οπτικών στοιχείων - μορφές, χρώματα, δομές και δεν είναι καθόλου απαραίτητο να έχουν μια εικόνα εκκίνησης στον κόσμο των υλικών.

Η έννοια της έννοιας στην αφηρημένη τέχνη (και στις δύο αξίες του - νωρίς και αργότερα) είναι μια δύσκολη ερώτηση που συζητείται συνεχώς. Οι αφηρημένες φόρμες μπορούν επίσης να σχετίζονται με μη φυσικά φαινόμενα, όπως η αγάπη, η ταχύτητα ή οι νόμοι της φυσικής, που σχετίζονται με ένα παράγωγο της ουσίας ("attiveism"), με ένα φανταστικό ή άλλο τρόπο διαχωρισμού από λεπτομερή, λεπτομερή και ασήμαντα, τυχαίος. Παρά την έλλειψη αντιπροσωπευτικού θέματος, η τεράστια έκφραση μπορεί να συσσωρευτεί σε αφηρημένη εργασία και σημασιολογικά γεμάτα στοιχεία, όπως ο ρυθμός, η πολλαπλασιαστικότητα και ο χρωματικός συμβολικός, υποδεικνύουν τη συμμετοχή σε συγκεκριμένες ιδέες ή γεγονότα εκτός της ίδιας της εικόνας.

Βιβλιογραφία:
M.seuphor. L'art abstrait, ses origins, SES Premiers Maintres. Παρίσι, 1949;
M.Vrion. L'art abstrait. Παρίσι, 1956; D.Vallier. L'art abstrait. Παρίσι, 1967;
R.capon. Παρουσιάζοντας την αφηρημένη ζωγραφική. Λονδίνο, 1973;
C.blok. Geschichte der abstrakten kunst. 1900-1960. Köln, 1975;
M.schapiro. Φύση της αφηρημένης τέχνης (1937) // m.schapiro. Σύγχρονη τέχνη. Επιλεγμένα χαρτιά. Νέα Υόρκη, 1978;
Προς μια νέα τέχνη: Δοκίμια στο παρασκήνιο της αφηρημένης ζωγραφικής 1910-1920. Ed. M.compton. Λονδίνο, 1980;
Το πνευματικό στην τέχνη. Αφηρημένη ζωγραφική 1890-1985. Το Μουσείο Τεχνών του Λος Άντζελες. 1986/1987;
Κείμενο του M.Tuchman; B.altshuler. Το Avant-Garde στην έκθεση. Νέα τέχνη τον 20ό αιώνα. Νέα Υόρκη, 1994;
Αφαίρεση στη Ρωσία. Xx αιώνα. Τ. 1-2. Χρονοδιάγραμμα [Κατάλογος] SPB., 2001,
Bottominess και αφαίρεση. Κάθισμα Άρθρα. Ot. ed. Π. Kovlenko. Μ., 2011.