من دخل عالم الفن جمعية للفنانين. موسوعة المدرسة

تعتبر جمعية الفن ومجلة "عالم الفن" ظاهرتين هامتين في الثقافة الروسية في العصر الفضي ، حيث تعبر بوضوح عن أحد الاتجاهات الجمالية الأساسية في عصرهم. بدأ كومنولث عالم الفن في التبلور في سانت بطرسبرغ في التسعينيات. القرن التاسع عشر. حول مجموعة من الفنانين والكتاب والعاملين في مجال الفن الشباب الذين يسعون جاهدين لتجديد الحياة الثقافية والفنية لروسيا. كان المبادرون الرئيسيون هم A.N Benois ، S. P. Diaghilev ، D.V Filosofov ، K.A Somov ، L. S. Bakst ، لاحقًا M.V Dobuzhinsky وآخرون. أصدقاء لهم نفس الثقافة والذوق المشترك. " في عام 1898 ، تم نشر العدد الأول من مجلة "عالم الفن" ، والتي أعدها فيلوسوفوف بشكل أساسي ، وفي عام 1899 أقيم أول معرض من خمسة معارض للمجلة ، وتم إضفاء الطابع الرسمي على الجمعية نفسها في عام 1900. كانت المجلة موجودة حتى النهاية عام 1904 ، وبعد ثورة 1905 توقف النشاط الرسمي للجمعية. بالإضافة إلى أعضاء الجمعية ، شارك فنانون بارزون من مطلع القرن في المعارض ، الذين شاركوا الخط الروحي والجمالي لـ "عالم الفن". من بينها أسماء K. Korovin ، M. Vrubel ، V. Serov ، N. Roerich ، M. Nesterov ، I. Grabar ، F. Malyavin. كما تمت دعوة الأساتذة الأجانب. كما تم نشر العديد من المفكرين والكتاب الدينيين الروس الذين دافعوا عن "إحياء" الروحانية في روسيا على صفحات المجلة. هؤلاء هم V. Rozanov و D.Merezhkovsky و L. Shestov و N. تركت الأنشطة التعليمية بصمة على الثقافة الروسية وعلم الجمال ، وقد حافظ أعضاء الجمعية على هذه الروح والتفضيلات الجمالية طوال حياتهم تقريبًا. في 1910-1924. استأنف "عالم الفن" نشاطه ، ولكن بالفعل في تركيبة موسعة للغاية وبدون خط جمالي أولي واضح بشكل كافٍ (جمالي في الأساس). العديد من ممثلي الجمعية في العشرينيات. انتقلوا إلى باريس ، لكنهم هناك أيضًا ظلوا ملتزمين بالأذواق الفنية لشبابهم.

وحدت فكرتان رئيسيتان المشاركين في عالم الفن في مجتمع متكامل: 1. الرغبة في إعادة الجودة الرئيسية للفن إلى الفن الروسي الفنية، لتحرير الفن من أي نزعة (اجتماعية ، دينية ، سياسية ، إلخ) وتوجيهه إلى قناة جمالية بحتة. ومن هنا ، فإن شعار l'art pour l'art ، شائع بينهم ، رغم أنه قديم في الثقافة ، ورفض أيديولوجيا وممارسة الأكاديمية والحركة المتنقلة ، واهتمام خاص بالميول الرومانسية والرمزية في الفن ، في اللغة الإنجليزية السابقة Raphaelites ، النابيدات الفرنسية ، في لوحة Puvi de Chavannes ، أساطير Böcklin ، جمالية Jugendstil ، Art Nouveau ، ولكن أيضًا للرواية الخيالية لـ ETA Hoffmann ، لموسيقى R. Wagner ، إلى الباليه كشكل من أشكال الفن الخالص ، إلخ. . ؛ ميل إلى تضمين الثقافة والفن الروسيين في سياق فني أوروبي واسع. 2. على هذا الأساس - إضفاء الطابع الرومانسي ، والشعرية ، وإضفاء الطابع الجمالي على التراث الوطني الروسي ، وخاصة في أواخر القرن الثامن عشر وأوائل القرن التاسع عشر ، والموجهة نحو الثقافة الغربية ، بشكل عام ، والاهتمام بثقافة ما بعد البترين والفن الشعبي المتأخر ، والتي كان أهمها: حصل أعضاء الجمعية على لقب "الحالمون بأثر رجعي" في الأوساط الفنية.

كان الاتجاه الرئيسي لـ "عالم الفن" هو مبدأ الابتكار في الفن القائم على الذوق الجمالي المتطور للغاية. ومن هنا الميول الفنية والجمالية ، والمواقف الإبداعية لعالم الفن. في الواقع ، لقد ابتكروا نسخة روسية صلبة لتلك الحركة التي تم شحذها جماليًا في مطلع القرن ، والتي انجذبت نحو شاعرية الرومانسية الجديدة أو الرمزية ، نحو اللحن الزخرفي والجمالي للخط وفي بلدان مختلفة كان لها أسماء مختلفة ( Art Nouveau، Secession، Jugendstil) ، وفي روسيا كان يطلق عليه النمط "الحديث".

المشاركون في الحركة أنفسهم (Benoit ، Somov ، Dobuzhinsky ، Bakst ، Lanceray ، Ostroumova-Lebedeva ، Bilibin) لم يكونوا فنانين عظماء ، لم يخلقوا روائع فنية أو أعمالًا بارزة ، لكنهم كتبوا عدة صفحات جميلة جدًا تقريبًا جمالية في تاريخ يُظهر الفن الروسي للعالم أن الفن الروسي ليس غريباً عن روح الجمالية الموجهة وطنياً بأفضل معاني هذا المصطلح الذي تم التقليل من شأنه بشكل غير عادل. الخطية المكررة (الرسوم البيانية - لقد جلبوا الرسومات الروسية إلى مستوى شكل فني مستقل) ، والتزيين الدقيق ، والحنين إلى جمال وفخامة العصور الماضية ، وأحيانًا كانت الميول الكلاسيكية الجديدة والعلاقة الحميمة في أعمال الحامل من سمات أسلوب معظم العالم الفنانين. في الوقت نفسه ، انجذب الكثير منهم نحو التوليف المسرحي للفنون - ومن هنا مشاركتهم النشطة في العروض المسرحية ومشاريع دياجليف و "المواسم الروسية" ، وزيادة الاهتمام بالموسيقى والرقص والمسرح الحديث بشكل عام. من الواضح أن معظم عالم الفن كان حذرًا ، وكقاعدة عامة ، كان مرتبطًا بشكل سلبي للغاية بالحركات الطليعية في عصرهم. سعى عالم الفن لإيجاد مساره المبتكر في الفن ، مسارًا بديلًا للفنانين الطليعيين ، مرتبطًا ارتباطًا وثيقًا بأفضل تقاليد الفن في الماضي. اليوم نرى ذلك في القرن العشرين. لم تحظ جهود عالم الفنانين عمليا بأي تطور ، لكنها في الثلث الأول من القرن ساهمت في الحفاظ على مستوى جمالي عال في الثقافات المحلية والأوروبية وتركت ذاكرة جيدة في تاريخ الفن والثقافة الروحية .

جمعية الفن "عالم الفن"

عالم الفن (1898-1924) هو جمعية فنية تشكلت في روسيا في نهاية تسعينيات القرن التاسع عشر. تم نشر مجلة بنفس الاسم ، تم نشرها منذ عام 1898 من قبل أعضاء المجموعة. مؤسسو "عالم الفن" هم فنان سان بطرسبرج أ. ن. بينوا والشخصية المسرحية س. ب. دياجيليف. أعلنت نفسها بصوت عالٍ من خلال تنظيم "معرض الفنانين الروس والفنلنديين" في عام 1898 في متحف المدرسة المركزية للرسم الفني للبارون أ. إل. ستيغليتز. وقعت الفترة الكلاسيكية في حياة الجمعية في عام 1900-1904. - في هذا الوقت كانت الجماعة تتميز بوحدة خاصة من المبادئ الجمالية والأيديولوجية. نظم الفنانون معارض تحت رعاية مجلة عالم الفن. بعد عام 1904 ، توسعت الجمعية وفقدت وحدتها الأيديولوجية. في 1904-1910. كان معظم أعضاء عالم الفن أعضاء في اتحاد الفنانين الروس. بعد الثورة ، اضطر العديد من قادتها إلى الهجرة. لم تعد الجمعية موجودة في الواقع في عام 1924. اعتبر فناني عالم الفن المبدأ الجمالي في الفن أولوية وسعى جاهدًا إلى الحداثة والرمزية ، معارضة أفكار Wanderers. الفن ، في رأيهم ، يجب أن يعبر عن شخصية الفنان.

ضمت الجمعية فنانين:

باكست ، ليف سامويلوفيتش

رويريتش ، نيكولاس كونستانتينوفيتش

دوبوزينسكي ، مستيسلاف فاليريانوفيتش

لانسيراي ، إيفجيني إيفجينيفيتش

ميتروخين ، ديمتري إيزيدوروفيتش

أوستروموفا ليبيديفا ، آنا بتروفنا

تشامبرز ، فلاديمير ياكوفليفيتش

ياكوفليف ، الكسندر يفجينيفيتش

سوموف ، كونستانتين أندريفيتش

Zionglinsky ، يان فرانتسفيتش

بورفيت ، فيلهلم

سنيربيرج ، كونستانتين الكسندروفيتش ، ناقد

"صورة جماعية لأعضاء جمعية" عالم الفن "". 1916-1920 ب. M. Kustodiev.

صورة شخصية - دياجيليف سيرجي بتروفيتش (1872-1925)

ولد سيرجي دياجيليف في 19 مارس (31) 1872 في سيليشي بمقاطعة نوفغورود ، في عائلة نبيل وراثي عسكري بافيل بافلوفيتش دياجيليف. توفيت والدته بعد بضعة أشهر من ولادة سيرجي ، وترعرعت على يد زوجة أبيه إيلينا ، ابنة V.A.Panaev. عندما كان طفلاً ، عاش سيرجي في سانت بطرسبرغ ، ثم في بيرم ، حيث خدم والده. كان شقيق الأب ، إيفان بافلوفيتش دياجليف ، فاعل خير ومؤسس دائرة موسيقية. في بيرم ، في زاوية شارعي Sibirskaya و Pushkin (Bolshaya Yamskaya سابقًا) ، تم الحفاظ على منزل أسلاف Sergei Diaghilev ، حيث توجد الآن صالة للألعاب الرياضية التي سميت باسمه. تم بناء القصر المصمم على الطراز الكلاسيكي الروسي المتأخر في الخمسينيات من القرن التاسع عشر بواسطة مشروع المهندس المعماري R.O. Karvovsky. لمدة ثلاثة عقود ، كان المنزل ينتمي إلى عائلة دياجليف الكبيرة والودية. في المنزل الذي دعا إليه المعاصرون "بيرم أثينا" ، تجمع المثقفون في المدينة أيام الخميس. هنا قاموا بتشغيل الموسيقى والغناء والعروض المنزلية. بعد تخرجه من صالة الألعاب الرياضية في بيرم في عام 1890 ، عاد إلى سانت بطرسبرغ والتحق بكلية الحقوق بالجامعة ، بينما كان يدرس الموسيقى على يد إن. أ. ريمسكي كورساكوف في معهد سانت بطرسبرغ الموسيقي. في عام 1896 تخرج دياجيليف من الجامعة ، ولكن بدلاً من دراسة القانون ، بدأ حياته المهنية كعامل فني. بعد سنوات قليلة من حصوله على شهادته ، أسس ، مع A. Benois ، جمعية عالم الفن ، وقام بتحرير المجلة التي تحمل الاسم نفسه (من 1898 إلى 1904) وكتب بنفسه مقالات عن تاريخ الفن. قام بتنظيم معارض أحدثت صدى واسع: في عام 1897 - معرض للألوان المائية الإنجليزية والألمانية ، لتعريف الجمهور الروسي بعدد من كبار أساتذة هذه البلدان والاتجاهات الحديثة في الفنون البصرية ، ثم معرض للفنانين الاسكندنافيين في القاعات. لجمعية تشجيع الفنون ، معرض للفنانين الروس والفنلنديين في متحف Stieglitz (1898) ، اعتبر عالم الفنانين أنفسهم أول أداء لهم (نجح دياجيليف في جذب ممثلين رئيسيين آخرين للفن الشاب - فروبيل ، سيروف ، ليفيتان ، المعرض التاريخي والفني للصور الروسية في سانت بطرسبرغ (1905) ؛ معرض للفن الروسي في صالون الخريف بباريس بمشاركة أعمال بينوا وجرابار وكوزنتسوف وماليافين وريبين وسيروف ويافلنسكي (1906) وغيرهم.

بينوا الكسندر نيكولايفيتش (1870-1960)

ألكسندر نيكولايفيتش بينوا (21 أبريل (3 مايو) 1870-9 فبراير 1960) - فنان روسي ، مؤرخ فني ، ناقد فني ، مؤسس وكبير الأيديولوجيين لجمعية عالم الفن. من مواليد 21 أبريل (3 مايو) 1870 في سانت بطرسبرغ ، في عائلة المهندس المعماري الروسي نيكولاي ليونتيفيتش بينوا وكاميلا ألبرتوفنا بينوا (ابنة المهندس المعماري إيه كيه كافوس). تخرج من صالة رياضية سان بطرسبرج الثانية المرموقة. درس لبعض الوقت في أكاديمية الفنون ، ودرس أيضًا الفنون البصرية بشكل مستقل وتحت إشراف شقيقه الأكبر ألبرت. في عام 1894 ، بدأ حياته المهنية كمنظر ومؤرخ فني ، وكتب فصلاً عن الفنانين الروس للمجموعة الألمانية تاريخ الرسم في القرن التاسع عشر. في 1896-1898 و 1905-1907 عمل في فرنسا. أصبح أحد منظمي ومنظري جمعية الفن "عالم الفن" ، أسس المجلة التي تحمل الاسم نفسه. في 1916-1918 ، رسم الفنان رسومًا توضيحية لقصيدة ألكسندر بوشكين "الفارس البرونزي". في عام 1918 ، أصبح بينوا رئيسًا لمعرض هيرميتاج للصور ونشر كتالوج جديد. واصل العمل كفنان كتاب ومسرح ، على وجه الخصوص ، عمل على تصميم عروض مكتب تنمية الاتصالات. في عام 1925 شارك في المعرض الدولي للزخرفة المعاصرة والفنون الصناعية في باريس. في عام 1926 ، غادر بينوا الاتحاد السوفياتي دون العودة من رحلة عمل أجنبية. عاش في باريس ، وعمل بشكل أساسي على اسكتشات المناظر المسرحية والأزياء. لعب ألكسندر بينوا دورًا مهمًا في إنتاج شركة الباليه "Ballets Russes" للمخرج S. Diaghilev كفنان ومؤلف - مخرج مسرحي. توفي بينوا في 9 فبراير 1960 في باريس.

صورة لبينوا

بورتريه ذاتي ، 1896

- سلسلة فرساي الثانية (1906) ،بما فيها:

ترتبط أقدم أعمال Benoit الاسترجاعية بعمله في فرساي. سلسلة من اللوحات الصغيرة المصنوعة من الألوان المائية والغواش وتوحدها موضوع مشترك - "آخر مناحي لويس الرابع عشر" ، تعود إلى الأعوام 1897-1898. سلسلة فرساي الثانية من Benois ، التي تم إنشاؤها في 1905-1906 ، هي أكثر شمولاً من The Last Walks of Louis XIV وهي أكثر تنوعًا في المحتوى والتقنية. وهي تتضمن اسكتشات من الطبيعة ، رسمت في حديقة فرساي ، ولوحات من النوع التاريخي بأثر رجعي ، و "تخيلات" أصلية حول موضوعات معمارية ومناظر طبيعية ، وصور لعروض مسرح البلاط في فرساي. تتضمن السلسلة أعمالًا باستخدام الدهانات الزيتية والتدفئة والغواش والألوان المائية والرسومات المتفائلة والبني الداكن. لا يمكن تسمية هذه الأعمال إلا بـ "سلسلة" ، لأنها مرتبطة ببعضها البعض فقط من خلال وحدة معينة من الحالة المزاجية تطورت في الوقت الذي كان بينوا ، على حد قوله ، "مخموراً من فرساي" و "انتقل بالكامل إلى الماضي "، محاولة نسيان الواقع الروسي المأساوي في عام 1905. يسعى الفنان هنا لإطلاع المشاهد على أكبر قدر من المعلومات الواقعية عن العصر ، وأشكال العمارة ، والأزياء ، وإهمال إلى حد ما مهمة الترويح الشعري المجازي للماضي. ومع ذلك ، تتضمن نفس السلسلة الأعمال التي تعد من بين أكثر الأعمال الناجحة لبينوا ، وهي معروفة على نطاق واسع: "موكب تحت قيادة بولس الأول" (1907 ، متحف الدولة الروسي ؛) ، "خروج الإمبراطورة كاثرين الثانية في قصر تسارسكوي سيلو" (1909) ، معرض الدولة للفنون في أرمينيا ، يريفان) ، "شارع بطرسبرغ تحت بيتر الأول" (1910 ، مجموعة خاصة في موسكو) و "بيتر الأول في نزهة في الحديقة الصيفية" (1910 ، متحف الدولة الروسي). في هذه الأعمال ، يمكن للمرء أن يلاحظ بعض التغيير في مبدأ التفكير التاريخي للفنان. أخيرًا ، ليست آثار الفن القديم ، ولا الأشياء والأزياء ، ولكن الأشخاص الذين يقعون في مركز اهتماماته. تعيد المشاهد التاريخية واليومية متعددة الأشكال التي رسمها Benoit مظهر الحياة الماضية ، كما لو كانت من خلال عيون معاصر.

- "ممشى الملك" (معرض تريتياكوف)

48 × 62

ورق على قماش ، ألوان مائية ، جواش ، طلاء برونزي ، طلاء فضي ، قلم رصاص ، قلم رصاص ، فرشاة.

معرض الدولة تريتياكوف. موسكو.

في The Walk of the King ، ينقل Alexandre Benois المشاهد إلى حديقة فرساي الرائعة في زمن لويس الرابع عشر. وصف المؤلف مناحي الملك ، ولم يتجاهل أي شيء: لا مناظر للحديقة مع هندسة معمارية للحديقة (مكتوبة من الطبيعة) ، ولا العروض المسرحية ، التي كانت عصرية للغاية في العصور القديمة ، ولا المشاهد اليومية المرسومة بعد دراسة متأنية للمواد التاريخية. يعتبر King's Walk قطعة فعالة للغاية. يلتقي المشاهد مع لويس الرابع عشر ، وهو يتجول من خلال من بنات أفكاره. في فصل الخريف في فرساي: الأشجار والشجيرات أسقطت أوراقها ، وأغصانها العارية تحدق وحيدة في السماء الرمادية. الماء هادئ. يبدو أنه لا شيء يمكن أن يزعج البركة الهادئة ، حيث تنعكس في المرآة كل من المجموعة النحتية للنافورة والموكب الاحتفالي للملك والوفد المرافق له. على خلفية منظر خريفي ، يصور الفنان موكبًا رسميًا للملك مع حاشيته. نمذجة الطائرة للأجسام السائرة كما لو أنها تحولها إلى أشباح من حقبة ماضية. من الصعب أن تجد لويس الرابع عشر نفسه بين حاشية المحكمة. ملك الشمس ليس مهما للفنان. يهتم بينوا أكثر بجو العصر ، وأنفاس حديقة فرساي في أوقات صاحبها المتوج. تم تضمين هذا العمل في الدورة الثانية من اللوحات ، لإحياء مشاهد من حياة فرساي في عصر "ملك الشمس". يعتبر Benois's Versailles نوعًا من أناقة المناظر الطبيعية ، وهو عالم جميل يتم تقديمه لعيون شخص عصري في شكل مشهد مقفر مع مشهد متهالك لأداء تم لعبه منذ فترة طويلة. كان هذا العالم في السابق رائعًا ومليئًا بالأصوات والألوان ، ويبدو الآن شبحيًا قليلاً ، مظللًا بصمت المقبرة. ليس من قبيل الصدفة أن يصور بينوا حديقة فرساي في "ممشى الملك" في الخريف وفي ساعة شفق المساء الساطع ، عندما تتحول "الهندسة المعمارية" الخالية من الأوراق لحديقة فرنسية عادية على خلفية سماء مشرقة إلى انظر من خلال مبنى سريع الزوال. الملك العجوز ، يتحدث مع السيدة المنتظرة ، برفقة رجال البلاط الذين يسيرون في فترات زمنية محددة بدقة خلفهم وأمامهم ، مثل شخصيات ساعة متعرجة قديمة ، إلى رنين خفيف من مينوت منسي ، ينزلق على طول حافة الخزان. تم الكشف عن الشخصية المسرحية لهذا الخيال الاستعادي بمهارة من قبل الفنان نفسه: فهو يحرك شخصيات كيوبيدز المرحة التي تسكن النافورة ، وهي تصور بشكل هزلي جمهورًا صاخبًا يجلس بحرية عند أسفل المسرح ويحدق في عرض الدمى الذي يلعبه الناس .

- "حمام المركيز"

1906 غ.

المناظر الطبيعية التاريخية الروسية الخلابة

51x47.5

كرتون ، غواش

تصور لوحة "حمام الماركيز" زاوية منعزلة من حديقة فرساي مخبأة بين المساحات الخضراء الكثيفة. تخترق أشعة الشمس هذا المأوى المظلل ، لتضيء سطح الماء ومظلة الاستحمام. متناظرة تقريبًا في التكوين ، مبنية وفقًا للمنظور الأمامي ، تعطي الصورة انطباعًا بجمال لا تشوبه شائبة للنمط واللون. تم عمل أحجام الأشكال الهندسية الواضحة بعناية (أفقية الضوء - الأرض ، المنحدرات إلى الماء ، والرأسي - الجدران المضيئة للبيسكيت ، أعمدة شرفة المراقبة). جناح رخامي أبيض أنيق تضيئه الشمس ، والذي نراه في فجوة الأشجار ، مُصوَّر في الجزء العلوي من الصورة ، مباشرة فوق رأس المظلة. تكسر الأقنعة الزخرفية ، التي تتدفق منها تيارات الماء الخفيفة في الحمام ، الخط الأفقي للجدار الأبيض للمسبح. وحتى الملابس الخفيفة للمظلة التي تم إلقاؤها على المقعد (تتزامن تقريبًا مع نقطة التلاشي للخطوط التي تدخل الأعماق) هي عنصر تركيبي ضروري في هذا الرسم المدروس بعناية. المركز التركيبي ، بالطبع ، ليس مقعدًا به ملابس ، على الرغم من أنه يقع في المركز الهندسي ، ولكنه مجمع "رباعي الزوايا" مع محور عمودي مركزي ، حيث تبدو شرفة المراقبة المضاءة بالشمس فوق رأس المظلة جوهرة مثل التاج. يكمل رأس المظلة بشكل عضوي هذا النمط المتماثل المعقد للأفقية والعمودية والأقطار. في حديقة مدروسة ومخططة بدقة ، حتى سكانها لا يكملون كمالها إلا بوجودهم. إنها مجرد عنصر من عناصر التكوين ، تؤكد جمالها وروعتها.

غالبًا ما يتم توبيخ أتباع Miriskussians بسبب عدم وجود "رسم" في لوحاتهم. يمكننا أن نقول ردًا على ذلك أن "حمام المركيز" هو احتفال باللون الأخضر بمجموعة متنوعة من ظلاله. الفنان ببساطة معجب بجمال وشغب المساحات الخضراء الطازجة. مقدمة الصورة مكتوبة بطريقة عامة. ينير الضوء الخافت الساطع عبر أوراق الشجر المنحدرات إلى مياه الاستحمام ، والمياه الداكنة المطلية باللون الأزرق الرمادي والأزرق والأخضر الغامق. تم وضع الخطة طويلة المدى بمزيد من التفصيل: تم رسم أوراق الشجر بعناية وببراعة ، من ورقة إلى ورقة ، وتموج أوراق الشجر على البسكويت يتكون من أصغر النقاط ، والسكتات الدماغية الملونة. في الظل ، نرى كلاً من اللون الأخضر البارد الصامت والمشرق من ظلال مختلفة. أوراق الشجر الفاخرة المضاءة بنور الشمس في الوسط مطلية بضربات خضراء صغيرة باردة مزرقة ودافئة. يبدو الأمر كما لو أن الفنان يغسل المساحات الخضراء بأشعة الضوء ، مستكشفاً طبيعة اللون الأخضر. ظلال زرقاء عميقة ، أرض رمادية أرجوانية ، فستان أرجواني بنمط أزرق ، وشاح أصفر ، قبعة ذات أزهار زرقاء حول الشريط ، نقاط بيضاء من الزهور على منحدر أخضر وقطرات حمراء على تسريحة ماركيز ، على الأسود رأس امرأة يمنع العمل من أن يصبح أحادي اللون أخضر "حمام الماركيز" - منظر طبيعي تاريخي.

- الرسوم التوضيحية للقصيدة التي كتبها أ. بوشكين "الفارس البرونزي" (1904-1922) ،بما فيها:

في العقود الأولى من القرن العشرين ، تم عمل رسومات ألكسندر نيكولايفيتش بينوا (1870-1960) لـ "الفارس البرونزي" - أفضل ما تم إنشاؤه في تاريخ رسم بوشكين بأكمله. بدأ بينوا العمل على The Bronze Horseman في عام 1903. على مدار العشرين عامًا التالية ، ابتكر سلسلة من الرسومات وأغطية الرأس والنهايات ، بالإضافة إلى عدد كبير من الخيارات والرسومات. تم إنشاء الطبعة الأولى من هذه الرسوم التوضيحية ، التي تم إعدادها لطبعة الجيب ، في عام 1903 في روما وسانت بطرسبرغ. نشرها دياجليف بصيغة مختلفة في العدد الأول من مجلة "عالم الفن" عام 1904. تألفت الدورة الأولى من الرسوم التوضيحية من 32 رسماً بالحبر والألوان المائية. في عام 1905 ، أعاد A.N. Benois ، أثناء وجوده في فرساي ، صياغة ستة من رسوماته التوضيحية السابقة وأكمل واجهة الكتاب لـ The Bronze Horseman. في الرسومات الجديدة لـ The Bronze Horseman ، أصبح موضوع مطاردة الفارس لرجل صغير هو الموضوع الرئيسي: الفارس الأسود على الهارب ليس تحفة فالكون بقدر ما هو تجسيد للقوة القاسية والقوة. وسانت بطرسبرغ ليست هي المدينة التي تنتصر بكمالها الفني ونطاق أفكار البناء ، ولكنها مدينة قاتمة - مجموعة من المنازل القاتمة ، وأروقة التسوق ، والأسوار. القلق والقلق الذي ساد الفنانة خلال هذه الفترة يتحول هنا إلى صرخة حقيقية حول مصير الإنسان في روسيا. في 1916 ، 1921-1922 ، تم تنقيح الدورة للمرة الثالثة واستكمالها برسومات جديدة.

- "تشيس سين" (صورة أمامية)

رسم تخطيطي للواجهة الأمامية لقصيدة ألكسندر بوشكين "الفارس البرونزي" ، 1905

رسومات الكتاب

23.7 × 17.6

ألوان مائية على ورق

متحف عموم روسيا في A.S. بوشكين ، سانت بطرسبرغ

في عام 1905 ، أعاد بينوا ، أثناء وجوده في فرساي ، صياغة ستة من رسوماته التوضيحية السابقة وأكمل واجهة صدر الكتاب (الصفحة الأولى عبارة عن صفحة بها صورة تشكل انتشارًا مع الصفحة الأولى من ورقة العنوان ، وهذه الصورة نفسها). فارس برونزي "... في الرسومات الجديدة لـ The Bronze Horseman ، أصبح موضوع مطاردة الفارس لرجل صغير هو الموضوع الرئيسي: الفارس الأسود على الهارب ليس تحفة فالكون بقدر ما هو تجسيد للقوة القاسية والقوة. وسانت بطرسبرغ ليست المدينة التي تغلب بكمالها الفني ونطاق أفكار البناء ، ولكنها مدينة قاتمة - مجموعة من المنازل القاتمة ، وأروقة التسوق ، والأسوار. القلق والقلق الذي ساد الفنانة خلال هذه الفترة يتحول هنا إلى صرخة حقيقية حول مصير الإنسان في روسيا. على اليسار في المقدمة يوجد شخصية الجري يفغيني ، على اليمين - المتسابق الذي يمتطي صهوة حصان يتفوق عليه. في الخلفية منظر المدينة. القمر مرئي من خلف الغيوم على اليمين. يسقط ظل ضخم من شخصية الفارس على الرصيف. أثناء عملها على "الفارس البرونزي" ، حددت أعلى صعود لعمل بينوا في هذه السنوات.

سوموف كونستانتين أندريفيتش (1869-1939)

كونستانتين أندريفيتش سوموف (30 نوفمبر 1869 ، سانت بطرسبرغ - 6 مايو 1939 ، باريس) - رسام وفنان رسومي روسي ، سيد البورتريه والمناظر الطبيعية ، رسام ، أحد مؤسسي مجتمع "عالم الفن" والمجلة بنفس الاسم. ولد كونستانتين سوموف في عائلة أندريه إيفانوفيتش سوموف ، شخصية متحف شهيرة ، أمين متحف الأرميتاج. بينما كان لا يزال في صالة الألعاب الرياضية ، التقى سوموف مع A. Benois ، و V. Nouvel ، و D. Filosofov ، الذي شارك معه لاحقًا في إنشاء مجتمع World of Art. قام سوموف بدور نشط في تصميم مجلة "عالم الفن" ، وكذلك المجلة الدورية "كنوز الفن في روسيا" (1901-1907) ، التي حررها أ. بوشكين (1899) ، قصص "ذا نوز" و "نيفسكي بروسبكت" لن. Svirel of the Slav "، V. Ivanov" Cor Ardens "، صفحة العنوان لكتاب A. Blok" Theatre "وآخرون. أقيم أول معرض شخصي للوحات والرسومات والرسومات (162 عملاً) في سانت بطرسبرغ في عام 1903 ؛ تم عرض 95 عملاً في هامبورغ وبرلين في نفس العام. إلى جانب رسم المناظر الطبيعية والصور الشخصية والرسومات ، عمل سوموف في مجال البلاستيك الصغير ، حيث ابتكر تركيبات خزفية رائعة "كونت نولين" (1899) ، "عشاق" (1905) ، إلخ. أكاديمية الفنون. في عام 1918 ، نشرت دار نشر Golike و Vilborg (سانت بطرسبرغ) النسخة الأكثر شهرة وكاملة مع الرسوم التوضيحية المثيرة من قبل Somov: The Book of the Marquise ، حيث ابتكر الفنان ليس فقط جميع عناصر تصميم الكتاب ، ولكن أيضًا نصوص مختارة بالفرنسية. في عام 1918 أصبح أستاذا في ورش عمل بتروغراد التعليمية للفنون الحرة. عملت في مدرسة E. N. Zvantseva. في عام 1919 ، أقيم معرضه الشخصي بمناسبة اليوبيل في غاليري تريتياكوف. في عام 1923 ، غادر سوموف روسيا إلى أمريكا كممثل مفوض لـ "المعرض الروسي" ؛ في يناير 1924 ، في معرض في نيويورك ، قدم سوموف 38 عملاً. لم يعد إلى روسيا. من عام 1925 عاش في فرنسا. توفي فجأة في 6 مايو 1939 في باريس.

صورة سوموف

بورتريه ذاتي ، 1895

بورتريه ذاتي ، 1898

46 × 32.6

ألوان مائية ، قلم رصاص ، باستيل ، ورق على كرتون

صورة شخصية ، 1909

45.5 × 31

ألوان مائية ، غواش ، ورق

معرض الدولة تريتياكوف ، موسكو

- "سيدة باللون الأزرق. صورة للفنان إليزافيتا مارتينوفا "(1897-1900 ، معرض الدولة تريتياكوف)

كان الفنان منذ فترة طويلة صديقًا لإليزافيتا ميخائيلوفنا مارتينوفا ، ودرس معها في أكاديمية الفنون. في عام 1897 بدأ K. Somov العمل على صورة E.M. Martynova ، مع خطة مفصلة. كان أمامه نموذج مثير للاهتمام للغاية ، وكان قلقًا بشأن فكرة رسم بورتريه يمكنه من خلالها التقاط صورة شاعرية عميقة. امرأة شابة ترتدي فستانًا خصبًا ومنخفضًا قويًا ، مع جزء من الشعر في يدها المنخفضة ، تُصوَّر واقفة أمام جدار أخضر من شجيرة متضخمة. تأكل. تأخذ الفنانة مارتينوفا إلى عالم الماضي ، وتلبسها ثوبًا قديمًا ، وتضع النموذج على خلفية حديقة زخرفية تقليدية. سماء المساء مع السحب الوردية الفاتحة ، وأشجار الحديقة القديمة ، والسطح المظلم للخزان - كل هذا رائع في اللون ، ولكن ، مثل "عالم الفن" الحقيقي ، يصمم K. Somov المناظر الطبيعية. بالنظر إلى هذه المرأة الوحيدة المتلهفة ، لا ينظر إليها المشاهد على أنها شخص من عالم آخر ، في الماضي والبعيد. هذه امرأة من أواخر القرن التاسع عشر. كل شيء عنها مميز: هشاشة مؤلمة ، وشعور بالحزن ، وحزن في عينيها الكبيرتين ، وخط كثيف من شفاه مضغوطة بشكل حزين. على خلفية السماء تتنفس بإثارة ، فإن الشخصية الهشة لـ E.M. مارتينوفا مليئة بالنعمة والأنوثة الخاصة ، على الرغم من رقبتها الرقيقة وأكتافها الرفيعة المنحدرة والحزن والألم الخفي. في هذه الأثناء ، في حياة إي. عرف الجميع مارتينوفا على أنها شابة مرحة ومرحة. تأكل. كانت مارتينوفا تحلم بمستقبل عظيم ، وتريد أن تدرك نفسها في الفن الحقيقي وتحتقر صخب الحياة اليومية. وقد حدث أنها توفيت في سن الثلاثين بسبب مرض السل الرئوي ، ولم يكن لديها الوقت لتحقيق أي شيء من خطتها. على الرغم من روعة الصورة ، إلا أن هناك ملاحظة روحية خفية فيها. وتجعل المشاهد يشعر بمزاج البطلة ، ليشعر لها بالتعاطف الذي كان الفنان نفسه مليئًا به. ظهرت "سيدة ذات الرداء الأزرق" في معرض "عالم الفنون" عام 1900 (بسبب رحيل الفنانة إلى باريس ومرض العارضة ، تم رسم هذه الصورة لمدة ثلاث سنوات) تحت عنوان "بورتريه" ، وبعد ذلك بثلاث سنوات كانت حصل عليها معرض تريتياكوف.

- "المساء" (1902 ، معرض الدولة تريتياكوف)

142.3 × 205.3

قماش ، زيت

معرض الدولة تريتياكوف ، موسكو

وصف الشاعر فاليري بريوسوف سوموف بأنه "مؤلف القصص القصيرة الرائعة". بعد كل شيء ، روايات سوموف مسرحية من خلال وعبر. يبدو أن "واقع سوم" مكتمل من الناحية الأسلوبية في لوحة "المساء" (1902). كل شيء هنا يتوافق مع واحد إيقاع متناغم واحتفالي: تكرارات الأروقة ، تناوب طائرات البسكويت التي تنحسر في المسافة ، حركات بطيئة ، كما لو كانت طقسية ، للسيدات. حتى الطبيعة هنا هي فن عمل ، يحمل سمات الأسلوب ، مستوحى من القرن الثامن عشر قرن. ولكن قبل كل شيء هو عالم "سوموف" ، عالم ساحر وساكن بشكل غريب من السماء الذهبية والمنحوتات المذهبة ، حيث الإنسان والطبيعة والفن في وحدة متناغمة. العنب يتلألأ ، ضوء الشمس ، يشق طريقه من خلال الأوراق ، يلقي ردود الفعل على ملابس الناس ووجوههم ، تلطيف ألوان الملابس الزمردية والقرمزية الرنانة إلخ. إنه لمن دواعي سروري إلقاء نظرة على التفاصيل الدقيقة للمراحيض والخواتم والأشرطة والأحذية ذات الكعب الأحمر. لا يوجد أثر حقيقي في لوحة "المساء". يحمل عالم سوموفسكي معه الزوال السريع للمشهد ، لذا يبدو أن الحجم الكبير للقماش كان عرضيًا. هذه صورة مصغرة مكبرة. غرفة سوموف ، الموهبة الحميمة تنجذب دائمًا نحو المنمنمة. نظر المعاصرون إلى "المساء" على أنه نقيض للواقع: "العصر الذي يبدو لنا ساذجًا ، مع عضلات ضعيفة ، بدون قاطرات بخارية - بطيئة الحركة ، زاحفة (بالمقارنة مع عصرنا) - وكيف يمكنها الاستيلاء على الطبيعة وإغواءها الطبيعة تكاد تجعلها امتداداً لزيها "... غالبًا ما تحتوي استعادات سوموف على مسحة خيالية خيالية ، والأوهام دائمًا ما يكون لها مسحة استرجاعية.

- "The Harlequin and the Lady" (1912 ، معرض تريتياكوف)

1912 1921

62.2 × 47.5

معرض الدولة تريتياكوف ، موسكو

يكتسب المفهوم الفني لسوموف اكتمالًا خاصًا هنا. يشبه البناء الكامل للصورة بصراحة المرحلة المسرحية. الشخصيتان الرئيسيتان موجودتان في المقدمة ، في وسط الصورة ، في مواجهة المشاهد ، مثل ممثلي الكوميديا ​​Marivaux ، الذين يقومون بإجراء حوار. الأشكال الموجودة في الخلف تشبه الشخصيات الثانوية. الأشجار ، المضاءة بالضوء الخاطئ للألعاب النارية ، مثل الأضواء المسرحية ، والمسبح ، الذي يظهر جزء منه في المقدمة ، يجعل المرء يفكر في حفرة الأوركسترا. حتى وجهة نظر الشخصيات من الأسفل إلى الأعلى تبدو وكأنها وجهة نظر المتفرج من قاعة المسرح. يعجب الفنان بهذه الحفلة التنكرية الملونة ، حيث يعانق هارلكين منحني في لباسه من بقع حمراء وصفراء وزرقاء بخجل سيدة في روبرون ، التي خلعت قناعها ، حيث تتوهج الورود الحمراء بشكل مشرق ، وتنتشر الألعاب النارية الاحتفالية في السماء. . بالنسبة لسوموف ، هذا العالم الخادع من الأشباح مع وجودهم العابر هو أكثر حيوية من الواقع نفسه.

سلسلة من الصور الرسومية ، بما في ذلك. -

- "صورة لأ. بلوك" (1907 ، معرض تريتياكوف)

"صورة الكسندر الكسندروفيتش بلوك" ، 1907

38 × 30

أقلام رصاص وأقلام ملونة ، ألوان مائية على ورق

معرض الدولة تريتياكوف ، موسكو

في عام 1907 ، ابتكر سوموف صورًا لـ L. A. Blok. يمكن للمرء أن يرى فيها آثارًا لأقرب دراسة للرسم بالقلم الرصاص الفرنسي (باستخدام التفاؤل) في أواخر القرن السادس عشر وخاصة القرن السابع عشر ، على الرغم من أن صور سوموف ليست بأي حال من الأحوال تقليدًا مباشرًا. تحولت تقاليد الرسم بالقلم الرصاص الفرنسي من قبل سوموف بشكل لا يمكن التعرف عليه. شخصية الصورة مختلفة تمامًا. في صور بلوك ولانسر (كلاهما في معرض الدولة تريتياكوف) ، يسعى سوموف إلى أقصى درجات الإيجاز. الآن في صورة بلوك هناك صورة الكتف. يتم تجاهل جميع التفاصيل غير ذات الصلة. يحدد سوموف بشكل مقتصد الخطوط العريضة للصورة الظلية للكتفين فقط وتلك التفاصيل الخاصة بالزي التي تعتبر جزءًا لا يتجزأ من صورة الصورة المصورة - الياقات المنسدلة التي كان يرتديها بلوك دائمًا. على النقيض من التصوير المقتضب للشكل والزي ، تم تصميم وجه الصورة بعناية ، وأدخل الفنان بعض اللمسات اللونية في عرضها ، والتي تبدو معبرة بشكل خاص في صورة بلوك. ينقل الفنان بأقلام الرصاص الملونة مظهر "الشتاء" البارد لعيني بلوك الرمادي والأزرق ، والوردي في شفتيه نصف المفتوحة ، مع التبييض - ثنية عمودية تقطع جبينه الأملس. وجه بلوك ، المحاط بغطاء من الشعر المجعد الكثيف ، يشبه القناع المتجمد. صدمت الصورة المعاصرين من خلال تشابهها. كما أشار العديد منهم إلى "ثبات خصائص الشمع" المتأصلة في بلوك. لقد رفع سوموف ، في صورته ، موت السمات هذا إلى مستوى مطلق وبالتالي حرم صورة بلوك من تلك التنوع ، الثروة الروحية ، التي شكلت جوهر شخصيته. اعترف بلوك نفسه أنه على الرغم من إعجابه بالصورة ، إلا أنه "مثقل" بها.

باكست ليف سامويلوفيتش (Leib-Chaim Izrailevich Rosenberg ، 1866-1924)

لدخول أكاديمية الفنون كمتطوع ، كان على L. S. Bakst التغلب على مقاومة والده ، وهو رجل أعمال صغير. درس لمدة أربع سنوات (1883-1887) ، لكنه أصيب بخيبة أمل من التدريب الأكاديمي وترك المؤسسة التعليمية. بدأ الرسم بمفرده ، ودرس تقنية الألوان المائية ، وكسب لقمة العيش من خلال رسم كتب ومجلات الأطفال. في عام 1889 ، عرض الفنان أعماله لأول مرة ، بتبني اسم مستعار - اللقب المختصر لجدته لأمه (باكستر). 1893-99 أمضى في باريس ، وغالبًا ما كان يزور بطرسبورغ ، وعمل بجد في البحث عن أسلوبه الخاص. بعد أن أصبح باكست قريبًا من A.N Benois و K. A. Somov و S. P. Diaghilev ، أصبح أحد المبادرين لإنشاء جمعية "عالم الفن" (1898). اشتهر باكست بأعماله الجرافيكية لمجلة "عالم الفن". واصل دراسة فن الحامل - قام بصور رسومية ممتازة لـ I.I. Levitan و FA Malalavin (1899) و A. Bely (1905) و 3.N Gippius (1906) وصور مرسومة لـ V.V. Rozanov (1901) و SPDyagilev مع مربية (1906). أثارت رسوماته "عشاء" (1902) ، التي أصبحت نوعًا من بيان أسلوب الفن الحديث في الفن الروسي ، جدلاً شرسًا بين النقاد. في وقت لاحق ، تركت رسوماته "الرعب القديم" (1906-08) انطباعًا قويًا لدى الجمهور ، والتي تجسد الفكرة الرمزية لحتمية القدر. بحلول نهاية القرن العشرين. اقتصر على العمل في المسرح ، واستثنى من حين لآخر الصور الرسومية لأشخاص مقربين منه ، ودخل التاريخ على وجه التحديد كفنان مسرحي بارز في عصر الفن الحديث. ظهر لأول مرة في عام 1902 ، بعد أن صمم التمثيل الإيمائي "قلب المركيز". ثم تم عرض باليه "جنية الدمى" (1903) ، والذي كان ناجحًا بشكل رئيسي بسبب المناظر الطبيعية فيه. قام بتصميم العديد من العروض ، وصنع أزياء منفصلة للفنانين ، ولا سيما للفنانين A. Pavlova في "Swan" الشهير لـ M.M. Fokin (1907). لكن الموهبة الحقيقية لباكست تكشفت في عروض الباليه في "المواسم الروسية" ، ثم "الباليه الروسي لـ S. P. Diaghilev". "كليوباترا" (1909) ، "شهرزاد" و "كرنفال" (1910) ، "رؤية الوردة" و "النرجس" (1911) ، "الإله الأزرق" ، "دافنيس وكلوي" و "بعد ظهر الفون" (1912) ، أذهلت الألعاب (1913) الجمهور الغربي المتعثر بالخيال الزخرفي وثراء اللون وقوة اللون ، وكانت تقنيات التصميم التي طورها باكست تمثل بداية حقبة جديدة في سينوغرافيا الباليه. صدى اسم Bakst ، الفنان الرائد في المواسم الروسية ، إلى جانب أسماء أفضل الفنانين أداءً ومصممي الرقصات المشهورين. تلقى أوامر مثيرة للاهتمام من المسارح الأخرى أيضًا. عاش باكست كل هذه السنوات في أوروبا ، ولم يعد إلى وطنه إلا من حين لآخر. واصل التعاون مع فرقة دياجليف ، لكن التناقضات نمت تدريجياً بينه وبين S.P. دياجليف ، وفي عام 1918 ترك باكست الفرقة. لقد عمل بلا كلل ، لكنه لم يعد قادرًا على إنشاء أي شيء جديد بشكل أساسي. تجاوز الموت من الوذمة الرئوية باكست في وقت شهرته ، على الرغم من أنها بدأت تتلاشى ، لكنها لا تزال رائعة.

صورة للفنان

الصورة الذاتية ، 1893

34 × 21

زيت على ورق مقوى

متحف الدولة الروسية ، سانت بطرسبرغ ، روسيا

- "إليسيوم" (1906 ، معرض الدولة تريتياكوف)

لوحة زخرفية ، 1906.

158 × 40

ألوان مائية ، غواش ، ورق على كرتون

معرض الدولة تريتياكوف ، موسكو

- "رعب قديم (قديم)" (1908 ، جمهورية مقدونيا)

250 × 270 زيت على قماش

متحف الدولة الروسية ، سانت بطرسبرغ

"الرعب القديم" هي لوحة ليون باكست تصور موت حضارة قديمة (ربما أتلانتس) في كارثة طبيعية. في النظرة الوثنية للعالم ، "الرعب القديم" هو رعب الحياة في العالم تحت حكم المصير المظلم واللاإنساني ، رعب عجز الشخص المستعبد له والخاضع بشكل ميؤوس منه (فاتوم) ؛ وكذلك رعب الفوضى كهاوية العدم ، والانغماس فيها كارثي. تحت الرعب القديم فهم رعب القدر. لقد أراد أن يُظهر أنه ليس كل شيء بشري فحسب ، بل أيضًا كل شيء يعبد من قبل الإله كان ينظر إليه من قبل القدماء على أنه نسبي وعابر. لوحة قماشية كبيرة ذات تنسيق مربع تقريبًا تشغلها بانوراما لمنظر طبيعي مرسومة من وجهة نظر عالية. يضيء المشهد وميض من البرق. يشغل البحر الهائج المساحة الرئيسية للوحة القماشية ، التي تدمر السفن وتضرب جدران القلاع. يوجد في المقدمة تمثال لتمثال قديم في زخرفة ترجع إلى الأجيال. إن التباين في الوجه المبتسم الهادئ للتمثال مدهش بشكل خاص بالمقارنة مع شغب العناصر التي تقف خلفها. ينقل الفنان المشاهد إلى نوع من الارتفاع غير المرئي ، والذي من خلاله يكون هذا المنظور البانورامي هو الوحيد الممكن ، والذي يتكشف في مكان ما في الأعماق تحت أقدامنا. الأقرب إلى المشاهد هو التل الذي يحمل التمثال الضخم لأفروديت القبرصي العتيق ؛ لكن التلة والقدم وساقي الصنم خارج اللوحة: كما لو كانت متحررة من مصير الأرض ، تظهر الإلهة ، بالقرب منا ، في ظلمة البحر العميق. التمثال الأنثوي المصور هو نوع من اللحاء القديم الذي يبتسم بابتسامة قديمة غامضة ويحمل في يديها طائرًا أزرق (أو حمامة - رمز أفروديت). تقليديا ، من المعتاد استدعاء التمثال الذي رسمه باكست - أفروديت ، على الرغم من أنه لم يتم تحديد الإلهة التي تصورها النباح. كان النموذج الأولي للتمثال عبارة عن تمثال تم العثور عليه أثناء عمليات التنقيب في الأكروبوليس. وقفت زوجة باكست على يدها المفقودة. منظر الجزيرة الذي يتكشف خلف ظهر الإلهة هو منظر من الأكروبوليس الأثيني. عند سفح الجبال في الجزء الأيمن من الصورة في المقدمة توجد المباني ، وفقًا لبروزان - بوابة الأسد الميسينية وبقايا القصر في تيرينز. يعود تاريخ هذه المباني إلى الفترة المبكرة من التاريخ اليوناني الكريتاني الميسيني. على اليسار مجموعة من الناس يركضون في رعب بين المباني النموذجية لليونان الكلاسيكية - على الأرجح ، هذا هو الأكروبوليس ببروبيلا والتماثيل الضخمة. ما وراء الأكروبوليس هو وادي مضاء بالبرق مغطى بالزيتون الفضي.

زخرفة الباليه ، بما في ذلك. -

"رسم تخطيطي لزي كليوباترا لإيدا روبنشتاين لباليه" كليوباترا "على موسيقى إيه إس أرينسكي"

1909

28 × 21

قلم رصاص ، ألوان مائية

"شهرزاد" (1910 ، موسيقى ريمسكي كورساكوف)

"رسم تخطيطي لمشهد الباليه" شهرزاد "لموسيقى ن. أ. ريمسكي كورساكوف" ، 1910

110 × 130

قماش ، زيت

مجموعة نيكيتا ونينا لوبانوف روستوفسكي ، لندن

"تصميم أزياء سلطانة الزرقاء لباليه" شهرزاد "

1910

29.5 × 23

ألوان مائية ، قلم رصاص

مجموعة نيكيتا ونينا لوبانوف روستوفسكي ، لندن

دوبوزينسكي مستيسلاف فاليريانوفيتش (1875-1957)

كان MV Dobuzhinsky نجل ضابط مدفعية. بعد السنة الأولى لكلية الحقوق في جامعة سانت بطرسبرغ ، حاول دوبوزينسكي الالتحاق بأكاديمية سانت بطرسبرغ للفنون ، ولكن لم يتم قبوله ودرس في استوديوهات خاصة حتى عام 1899. وعاد إلى سانت بطرسبرغ في عام 1901 ، وأصبح قريبًا من جمعية عالم الفن وأصبحت واحدة من أبرز ممثليها. ظهر Dobuzhinsky لأول مرة في الرسومات - الرسومات في المجلات والكتب ، والمناظر الطبيعية للمدينة ، حيث كان قادرًا على نقل تصوره عن سانت بطرسبرغ كمدينة بشكل مثير للإعجاب. أصبح موضوع المدينة على الفور أحد الموضوعات الرئيسية في عمله. شارك Dobuzhinsky في رسومات الحامل والرسم ، وقام بالتدريس بنجاح - في مختلف المؤسسات التعليمية. سرعان ما دعاه مسرح موسكو للفنون لعرض مسرحية إيفان تورجينيف "شهر في البلد" (1909). أرسى النجاح الكبير للمشهد الذي قدمه الأساس لتعاون وثيق بين الفنان والمسرح الشهير. كان ذروة هذا التعاون هو مشهد مسرحية "نيكولاي ستافروجين" (1913) المبنية على رواية "الشياطين" التي كتبها إف إم دوستويفسكي. جعلت التعبيرية الحادة والاقتضاب النادر هذا العمل المبتكر ظاهرة توقعت الاكتشافات المستقبلية للسينوغرافيا الروسية. أجبر تصور سليم للأحداث التي تتكشف في روسيا ما بعد الثورة دوبوزينسكي في عام 1925 على قبول الجنسية الليتوانية والانتقال إلى كاوناس. في عام 1939 ، غادر دوبوزينسكي إلى الولايات المتحدة للعمل مع الممثل والمخرج ميخائيل تشيخوف في مسرحية "الشياطين" ، ولكن بسبب اندلاع الحرب العالمية الثانية لم يعد أبدًا إلى ليتوانيا. تبين أن السنوات الأخيرة من حياته كانت الأصعب بالنسبة له - لم يستطع ولم يرغب في التكيف مع أسلوب الحياة الأمريكي الذي كان غريبًا عليه وعلى أعراف سوق الفن الأمريكي. غالبًا ما واجه صعوبات مالية ، وعاش بمفرده ، ولم يتواصل إلا مع دائرة ضيقة من المهاجرين الروس ، وحاول استغلال كل فرصة للخروج إلى أوروبا لفترة من الوقت على الأقل.

صورة للفنان

تصوير شخصي. 1901

55 × 42

قماش ، زيت

متحف الدولة الروسية

العمل ، الذي تم تنفيذه في مدرسة Sandor Holloshi في ميونيخ ، وفقًا للمهمة التصويرية ، قريب من التراكيب الرمزية لـ Eugene Career ، الذي أحب أن ينغمس في شخصياته في بيئة كثيفة ونشطة عاطفياً. يبدو أن الضباب الغامض المحيط بالنموذج ، الضوء "الملون" المهتز على الوجه والشكل ، يعزز التعبير النشط والغامض للعيون المظللة. هذا يعطي صورة الشاب المستقل داخليا والبارد ملامح نوع من الشيطانية.

- "مقاطعة ثلاثينيات القرن التاسع عشر" (1907-1909 ، متحف الدولة الروسي)

60 × 83.5

كرتون ، قلم رصاص ، ألوان مائية ، تبييض

متحف الدولة الروسية ، سانت بطرسبرغ

يأسر فيلم "مقاطعة الثلاثينيات" نظرة فنان تأثر بتدفق الحياة اليومية في بلدة روسية منذ أكثر من نصف قرن. "انتزاع" الصورة مع وضع العمود المتعمد تقريبًا في وسط التكوين يساهم في تصور ما يحدث كإطار فيلم يتم مشاهدته بالصدفة. إن غياب الشخصية الرئيسية وانعدام الحبكة في الصورة هو نوع من لعبة الفنان مع التوقعات العبثية للمشاهد. منازل مائلة وقباب الكنائس القديمة ورجل شرطة ينام عند مركزه - هذا هو منظر الساحة الرئيسية للمدينة. صخب السيدات ، الذي يبدو أنه يسارعن إلى صانع القبعات من أجل ملابس جديدة ، هو رسم كاريكاتوري تقريبًا من قبل Dobuzhinsky. العمل مشبع بمزاج لطف الفنان غير المؤذي. اللون المشرق للعمل يجعله يبدو وكأنه بطاقة بريدية مشهورة جدًا في مطلع القرن. يعود تاريخ لوحة "المقاطعة الروسية في ثلاثينيات القرن التاسع عشر" (ألوان مائية ، وقلم رسم بياني ، ومتحف الدولة الروسي) إلى عام 1907. يصور ميدانًا هادئًا في بلدة ريفية حيث مراكز التسوق تغفو ، متكئًا على قطعته ، وحارس ، وخنزير بني يفرك بعمود إنارة ، وعدد قليل من المارة ، وبركة لا مفر منها في المنتصف. ذكريات غوغول لا يرقى إليها الشك. لكن لوحة Dobuzhinsky خالية من أي سخرية ، فرسومات الفنان الأنيقة ترقى بكل شيء يلمسه. تحت قلم رصاص وفرشاة Dobuzhinsky ، يظهر جمال نسب طراز Empire Gostiny Dvor ، البدلة الأنيقة في الثلاثينيات مع قبعة "سلة" على سيدة تسوق تعبر المربع ، تظهر الصورة الظلية النحيلة لبرج الجرس في المقدمة. ينتصر أسلوب Dobuzhinsky الخفي على انتصاره التالي.

- "منزل في سانت بطرسبرغ" (1905 ، معرض الدولة تريتياكوف)

37 × 49

باستيل ، غواش ، ورق على كرتون

معرض الدولة تريتياكوف ، موسكو

- "رجل بنظارات" (صورة للكاتب كونستانتين سونيربيرج ، 1905-1906 ، معرض الدولة تريتياكوف)

صورة للناقد الفني والشاعر كونستانتين سونيربيرج

1905

63.3 × 99.6

فحم ، ألوان مائية ، ورق على كرتون

معرض الدولة تريتياكوف ، موسكو

لم يكن Dobuzhinsky رسامًا بورتريه ، فقد ابتكر واحدة من أكثر رموز الصور رحابة ، والتي تجسد جيلًا كاملاً من المثقفين الحضريين. تصور لوحة "الرجل ذو النظارات" (1905-1906) الشاعر والناقد الفني KA Sunnerberg ، وهو يتصرف تحت اسم مستعار كونست. ايربيرج. الرجل مغلق بإحكام في قشرة صلبة لباس محترم ، عيناه ، اللتان تم حجبهما عن العالم بنظارات ، تكاد تكون غير مرئية. الشكل كله ، كما لو كان محرومًا من البعد الثالث ، منتشر ومضغوط في مساحة ضيقة بشكل لا يصدق. رجل ، كما كان ، مكشوفًا ، موضوعًا بين لوحين - عينة من الحيوانات الغريبة لمدينة رائعة - سانت بطرسبرغ ، مرئية خارج النافذة ، تكشف عن وجه آخر للمشاهد - مزيج متعدد الطوابق ، متعدد - التعمير بالأنابيب والأفنية الخلفية للمقاطعات.

لانسيراي يفجيني إيفجينيفيتش (1875-1946)

فنان روسي وسوفيتي. تخرج من أول صالة للألعاب الرياضية في سانت بطرسبرغ. من 1892 درس في مدرسة الرسم التابعة لجمعية تشجيع الفنون ، سانت بطرسبرغ ، حيث حضر دروس Ya. F. Tsionglinsky ، NS Samokish ، EK Lipgart. من 1895 إلى 1898 ، سافر لانسيراي على نطاق واسع في جميع أنحاء أوروبا وحسن مهاراته في أكاديميات إف كالاروسي و ر. جوليان الفرنسية. منذ عام 1899 - عضو في جمعية عالم الفن. في عام 1905 غادر إلى الشرق الأقصى. في 1907-1908 أصبح أحد مؤسسي "المسرح القديم" - وهي ظاهرة قصيرة المدى ولكنها مثيرة للاهتمام وملحوظة في الحياة الثقافية لروسيا في بداية القرن. واصل لانسيراي العمل مع المسرح في 1913-1914. 1912-1915 - المدير الفني لمصنع الخزف وورش نقش الزجاج في سانت بطرسبرغ وإيكاترينبرج. 1914-1915 - فنان حرب - مراسل على الجبهة القوقازية خلال الحرب العالمية الأولى. قضى 1917-1919 في داغستان. في عام 1919 ، تعاون كفنان في مكتب المعلومات والتحريض في جيش المتطوعين A. I. Denikin (OSVAG). في عام 1920 انتقل إلى روستوف أون دون ، ثم إلى ناخيتشيفان أون دون وتيفليس. منذ عام 1920 - ذهب رسام في متحف الإثنوغرافيا في رحلات استكشافية إثنوغرافية مع المعهد الأثري القوقازي. منذ عام 1922 - أستاذ في أكاديمية الفنون في جورجيا ، معهد موسكو المعماري. في عام 1927 تم إرساله إلى باريس لمدة ستة أشهر من أكاديمية الفنون في جورجيا. في عام 1934 انتقل بشكل دائم من تفليس إلى موسكو. من عام 1934 إلى عام 1938 عمل استاذا في أكاديمية عموم روسيا للفنون في لينينغراد. لها. توفي لانسيراي في 13 سبتمبر 1946.

صورة للفنان

- "الإمبراطورة إليزابيث بتروفنا في تسارسكو سيلو" (1905 ، معرض الدولة تريتياكوف)

43.5 × 62

جواش ورق على كرتون

معرض الدولة تريتياكوف ، موسكو

يفجيني يفجينييفيتش لانسير فنان متعدد الاستخدامات. مؤلف اللوحات الجدارية واللوحات الضخمة التي تزين محطات مترو موسكو ، ومحطة سكة حديد كازانسكي ، وفندق "موسكو" ، والمناظر الطبيعية ، واللوحات حول موضوع من التاريخ الروسي للقرن الثامن عشر ، كان في نفس الوقت رسامًا رائعًا لـ الأعمال الكلاسيكية للأدب الروسي ("دوبروفسكي" و "شوت" إيه إس. بوشكين ، "حاجي مراد" ل.ن.تولستوي) ، مؤلف الرسوم الكاريكاتورية السياسية الحادة في المجلات الساخرة عام 1905 ، فنان مسرحي وزخرفي. تعد اللوحة المستنسخة هنا واحدة من أكثر أعمال الحامل أهمية وإثارة للاهتمام وتشهد على فهم الرسم التاريخي في فن أوائل القرن العشرين. لذلك ، يتم الكشف عن أجواء العصر هنا من خلال صور الفن المتجسد في الهندسة المعمارية ومجموعات المنتزهات والأزياء وتسريحات الشعر للناس ، من خلال المناظر الطبيعية التي تظهر حياة البلاط والطقوس. أصبح موضوع المواكب الملكية مفضلاً بشكل خاص. تصور لانسيراي الخروج الرسمي لساحة إليزابيث بتروفنا في منزلها الريفي. كما لو كان على خشبة المسرح ، يتم موكب أمام الجمهور. إمبراطورة قوية ، ترتدي ملابس منسوجة ذات جمال مذهل ، تسبح بطريقة ملكية ومهيبة. ويتبع ذلك السيدات والسادة الذين يرتدون ملابس منتفخة وشعر مستعار ناعم. يكشف الفنان في وجوههم ووضعياتهم وإيماءاتهم عن شخصيات وأنواع مختلفة. نرى الآن رجال حاشية خجولين بشكل مهين ، والآن متعجرفين ودائمين. في عرض إليزابيث وبلاطها ، لا يسع المرء إلا أن يلاحظ سخرية الفنانة وحتى بعض بشع. يتناقض لانسيراي مع الأشخاص الذين صورهم مع التقشف النبيل للتمثال الرخامي الأبيض والعظمة الحقيقية المتجسدة في الهندسة المعمارية الرائعة لقصر راستريللي وجمال الحديقة العادية.

أوستروموفا ليبيديفا آنا بتروفنا (1871-1955)

كانت A.P. Ostroumova-Lebedeva ابنة المسؤول البارز PI Ostroumov. بينما كانت لا تزال طالبة في المدرسة الثانوية ، بدأت في الالتحاق بالمدرسة الابتدائية في CUTR. ثم درست في المدرسة نفسها ، حيث تم نقلها بعيدًا عن طريق تقنية النقش ، وفي أكاديمية الفنون ، حيث درست الرسم في استوديو IE Repin. في 1898-99. عملت في باريس ، وتحسنت في الرسم (مع J. Whistler) والنقش. تحولت عام 1900 إلى نقطة تحول في حياتها ، حيث ظهرت الفنانة لأول مرة بنقوشها في معرض "عالم الفن" (الذي ربطت به لاحقًا أعمالها ارتباطًا وثيقًا) ، ثم حصلت على الجائزة الثانية للنقوش في OPKh وتخرج من اكاديمية الفنون بلقب فنان قدم 14 نقشا ... لعبت Ostroumova-Lebedeva الدور الرئيسي في إحياء نقش الحامل على خشب الحامل في روسيا كنوع مستقل من الفن - بعد وجود طويل كتقنية استنساخ ؛ من الرائع بشكل خاص مساهمة الفنان في إحياء النقش الملون. التقنيات الأصلية لتعميم الشكل واللون ، التي وضعتها ، أتقنتها واستخدمتها العديد من الفنانين الآخرين. كان الموضوع الرئيسي لنقوشها هو بطرسبورغ ، التي كرست صورتها لعدة عقود من العمل الدؤوب. مطبوعاتها الملونة والأبيض والأسود - كلاهما حامل ، مجمعة في دورات ("بطرسبورغ" ، 1908-10 ؛ "بافلوفسك" ، 1922-1923 ، إلخ) ، وتم تنفيذها لكتب في. يا كورباتوف "بطرسبورغ" ( 1912) و NP Antsiferov's "روح بطرسبورغ" (1920) - لا تزال غير مسبوقة في دقة الإحساس بجمال المدينة المهيب ونقله وفي الإيجاز النادر للوسائل التعبيرية. تم إعادة إنتاجها عدة مرات ولكن لأسباب مختلفة ، فقد أصبحت كتبًا مدرسية منذ فترة طويلة وتحظى بشعبية كبيرة. بطريقتها الخاصة ، كانت الأعمال التي ابتكرها الفنان بناءً على انطباعات الرحلات المتكررة - سواء في الخارج (إيطاليا ، فرنسا ، إسبانيا ، هولندا) وعبر البلاد (باكو ، القرم) مثيرة للاهتمام ومميزة. تم تنفيذ بعضها بالنقش ، والبعض الآخر بالألوان المائية. لم تستطع الرسامة الموهوبة والمدربة جيدًا استخدام الدهانات الزيتية ، لأن رائحتها تسببت في نوبات الربو. لكنها أتقنت تمامًا الأسلوب الصعب والمتقلب للرسم بالألوان المائية وشاركت فيه طوال حياتها ، حيث ابتكرت مناظر طبيعية وصورًا ممتازة ("صورة للفنان الرابع إرشوف" ، 1923 ؛ "بورتريه أندريه بيلي" ، 1924 ؛ "صورة شخصية" الفنانة ES Kruglikova "، 1925 ، إلخ.). أمضت حرب Ostroumova-Lebedeva في لينينغراد المحاصرة ، ولم تتخلى عن عملها المحبوب واستكملت العمل على المجلد الثالث من مذكرات سيرتها الذاتية. سادت السنوات الأخيرة من حياة الفنانة العمى الوشيك ، لكنها استمرت في العمل لأطول فترة ممكنة.

سلسلة من المطبوعات والرسومات "مناظر لسانت بطرسبرغ وضواحيها"، بما في ذلك. -

طوال حياتها الإبداعية الناضجة ، كانت رسومات A.P. Ostroumova-Lebedeva يهيمن عليها بشكل كامل موضوع القديس إلى القلعة في الليل ". في المجموع ، وفقًا لحساباتها الخاصة ، أنشأت 85 عملاً مخصصًا للمدينة العظيمة. تتشكل صورة بطرسبورغ لأوستروموفا ليبيديفا منذ ما يقرب من نصف قرن. ومع ذلك ، وجد الفنان معالمه الرئيسية في أكثر السنوات بهجة وهدوءًا - خلال العقد الأول من القرن العشرين. عندها نشأت في أعمالها مزيج من القصائد الغنائية الحادة والمنسقة وحتى القاسية مع الاستقرار القوي والنصب التذكاري والمنظور الهندسي الذي تم التحقق منه وقساوة الحرية العاطفية ،

- "نيفا عبر أعمدة الصرف" (1908)

مثل أقدام العمالقة ، تقف أعمدة ركن البورصة على Spit of Vasilyevsky Island ، ومن منظور الضفة الأخرى لنهر Neva ، وجناح الأميرالية والقطع المكافئ الرائع لمبنى الأركان العامة في ساحة القصر. في المسافة البعيدة. ليس أقل ما يلفت الانتباه هو منظور المساحات الخضراء المظلمة والقوية للحديقة ، التي أصبحت حافة الفضاء المعماري ، متقاربة في المسافة إلى قصر Elagin الذي بالكاد يمكن تمييزه. جزء من صرور الحديقة الصيفية ، الذي ينحدر إلى الثوب الجرانيتى لنهر مويكا ، الذي يدخل نهر نيفا ، تبين أنه رائع بشكل لا يمكن تصوره. هنا كل سطر ليس عرضيًا ، سواء في الغرفة أو في نفس الوقت ، هنا عبقرية المهندس المعماري جنبًا إلى جنب مع الرؤية المصقولة للفنان المهتم بالجمال. فوق قناة كريوكوف المظلمة ، تحترق سماء غروب الشمس ، وترتفع من الماء صورة ظلية المشهورة برحائها الرائع لبرج الجرس في كاتدرائية القديس نيكولاس البحرية.

The World of Art هي منظمة ظهرت في عام 1898 وجمعت بين أساتذة الثقافة الفنية العليا ، النخبة الفنية لروسيا في تلك السنوات. بدأ "عالم الفن" مع الأمسيات في منزل A. Benois المخصص للفن والأدب والموسيقى. الناس الذين اجتمعوا هناك اتحدوا بالحب للجمال والثقة بأنه لا يمكن العثور عليها إلا في الفن ، لأن الواقع قبيح. بعد أن نشأ ، بالإضافة إلى رد الفعل على الموضوعات الصغيرة للتجوال "الراحل" ، سرعان ما تحول "عالم الفن" إلى إحدى الظواهر الرئيسية للثقافة الفنية الروسية. شارك جميع الفنانين المشهورين تقريبًا في هذه الرابطة - Benoit و Somov و Bakst و Lancere و Golovin و Dobuzhinsky و Vrubel و Serov و Korovin و Levitan و Nesterov و Ryabushkin و Roerich و Kustodiev و Petrov-Vodkin و Malyavin وحتى Larionov و Goncharova. كانت شخصية دياجيليف ، الراعي والمنظم للمعارض ، ذات أهمية كبيرة لتشكيل هذه الجمعية ، ولاحقًا - مدير جولات الباليه والأوبرا الروسية في الخارج (المواسم الروسية ، التي قدمت أوروبا لأعمال شاليابين ، بافلوفا ، فوكين ، Nizhinsky ، إلخ). في المرحلة الأولى من وجود "عالم الفن" رتب دياجليف معرضًا للألوان المائية الإنجليزية والألمانية في سانت بطرسبرغ في عام 1897 ومعرضًا للفنانين الروس والفنلنديين في عام 1898. ومن عام 1899 إلى عام 1904 قام بتحرير مجلة تحت نفس الاسم ، ويتألف من قسمين: الفني والأدبي (كان آخرهما خطة دينية فلسفية ، حيث تعاون كل من د. أفسح الاتجاه الفلسفي في مجلة World of Art المجال لنظرية الجماليات ، وأصبحت المجلة في هذا الجزء منبر الرموز التي يرأسها A. Bely و V. Bryusov). كان للمجلة لمحة عن التقويم الأدبي والفني. تم تزويده برسوم توضيحية وفيرة ، وكان في نفس الوقت أحد الأمثلة الأولى لفن تصميم الكتب - مجال نشاط فني كان فيه "عالم الفن" مبتكرين حقيقيين. تم التفكير بعناية في رسم الخط وتكوين الصفحة وشاشة البداية والنهايات على شكل نقوش صغيرة.

صاغت المقالات الافتتاحية للأعداد الأولى من المجلة بوضوح الأحكام الرئيسية لـ "عالم الفن" حول استقلالية الفن ، وأن مشاكل الثقافة الحديثة هي حصريًا مشاكل الشكل الفني وأن المهمة الرئيسية للفن هي تثقيف الأذواق الجمالية للمجتمع الروسي ، في المقام الأول من خلال التعرف على الأعمال الفنية العالمية. يجب أن نشيد بهم: بفضل "عالم الفن" ، تم تقدير الفن الإنجليزي والألماني حقًا بطريقة جديدة ، والأهم من ذلك ، أصبحت لوحة القرن الثامن عشر الروسية وهندسة العمارة الكلاسيكية في سانت بطرسبرغ اكتشافًا للكثير. حارب "Miriskusniki" من أجل "النقد كفن" ، معلناً أن المثل الأعلى ليس لناقد عالم فن ، بل ناقد - فنان يتمتع بثقافة مهنية عالية وسعة الاطلاع. نوع هذا الناقد جسده أحد مؤسسي "عالم الفن" A.N. بينوا.

احتلت الدعاية لإنجازات أحدث الفنون الروسية وخاصة الفن الأوروبي الغربي أحد الأماكن الرئيسية في أنشطة المجلة. بالتوازي مع ذلك ، يقدم "عالم الفن" ممارسة المعارض المشتركة للفنانين الروس وأوروبا الغربية. شارك في المعرض الأول "عالم الفن" ، بالإضافة إلى الروس ، فنانين من فرنسا وإنجلترا وألمانيا وإيطاليا وبلجيكا والنرويج وفنلندا ، إلخ. لكن الصدع بين هاتين المدرستين - سانت بطرسبرغ وموسكو - تم تحديده تقريبًا منذ اليوم الأول. في مارس 1903 ، اختتم المعرض الخامس الأخير "عالم الفن" ، في ديسمبر 1904 صدر العدد الأخير من مجلة "عالم الفن". انتقل معظم الفنانين إلى اتحاد الفنانين الروس ، الذي نظمه اتحاد الفنانين والكتاب الروس - ومجلة Novy Put التي افتتحتها مجموعة Merezhkovsky ، واتحدت موسكو Symbolists حول مجلة Vesy ، ونظم الموسيقيون أمسيات الموسيقى المعاصرة ، Diaghilev ذهب بالكامل إلى الباليه والمسرح. كان آخر أعماله المهمة في الفنون البصرية معرضًا تاريخيًا فخمًا للرسم الروسي من رسم الأيقونات إلى العصر الحديث في صالون الخريف في باريس عام 1906 ، ثم عُرض في برلين والبندقية (1906) - 1907). في قسم الرسم المعاصر ، احتل "عالم الفن" المكانة الرئيسية. كان هذا أول عمل للاعتراف الأوروبي كله بـ "عالم الفن" ، بالإضافة إلى اكتشاف الرسم الروسي في القرن الثامن عشر - أوائل القرن العشرين. بشكل عام للنقد الغربي وانتصار حقيقي للفن الروسي.

في عام 1910 ، جرت محاولة لبث الحياة في "عالم الفن" مرة أخرى. في هذا الوقت ، تم ترسيم الحدود بين الرسامين. ينفصل بينوا وأنصاره عن "اتحاد الفنانين الروس" ، مع سكان موسكو ، ويتركون هذه المنظمة ، لكنهم يدركون أن الجمعية الثانوية المسماة "عالم الفن" لا علاقة لها بالأولى. يصرح بينوا بحزن أن "ليس المصالحة تحت راية الجمال أصبحت الآن شعارًا في كل مجالات الحياة ، بل صراعًا شرسًا". جاء المجد إلى "عالم الفن" ، لكن "عالم الفنون" ، في الواقع ، لم يعد موجودًا ، على الرغم من أن الجمعية كانت موجودة رسميًا حتى أوائل العشرينات - مع الافتقار التام للنزاهة ، والتسامح غير المحدود والمرونة في المواقف ، التوفيق بين الفنانين من Rylov إلى Tatlin ، من Grabar إلى Chagall. كيف لا نتذكر الانطباعيين هنا؟ الكومنولث ، الذي ولد في ورشة عمل Gleir ، في Salon of the Outcast ، على طاولات مقهى Herbois والذي كان من المفترض أن يكون له تأثير كبير على كل اللوحات الأوروبية ، تفكك أيضًا على عتبة الاعتراف به. الجيل الثاني من "عالم الفن" أقل انشغالاً بمشاكل الرسم على الحامل ، وتكمن اهتماماتهم في الجرافيك ، وخاصة الكتب ، والفنون المسرحية والزخرفية ، في كلا المجالين قاموا بإصلاح فني حقيقي. في الجيل الثاني من "عالم الفن" كان هناك أيضًا عدد كبير من الأفراد (Kustodiev و Sudeikin و Serebryakova و Chekhonin و Grigoriev وما إلى ذلك) ، ولكن لم يكن هناك مبتكرون على الإطلاق ، لأنه منذ العشر سنوات أصبح "عالم الفن" طغت عليها موجة من epigonism. لذلك ، عند وصف "عالم الفن" ، سنتحدث بشكل أساسي عن المرحلة الأولى من وجود هذه الجمعية وجوهرها - بينوا ، سوموف ، باكست.

من خلال الجدال مع فن الصالون الأكاديمي ، من ناحية ، ومع الراحل واندررز ، من ناحية أخرى ، تعلن World of Art رفض النزعة الاجتماعية المباشرة كشيء يُزعم أنه يقيد حرية الفرد الإبداعي في التعبير عن الذات في الفن وينتهك الحقوق. من الشكل الفني. في وقت لاحق ، في عام 1906 ، أعلن الفنان الرائد وأيديولوجي المجموعة أ. بينوا عن شعار الفردانية ، الذي خرج به "عالم الفن" في البداية ، "بدعة فنية". إن الفردية التي أعلنها "عالم الفن" في بداية عروضه لم تكن أكثر من دفاع عن حقوق حرية اللعب الإبداعي. لم تكن "Miriskusniki" راضية عن التخصص أحادي الجانب المتأصل في الفنون الجميلة في النصف الثاني من القرن التاسع عشر في مجال واحد فقط من الرسم على الحامل ، وداخله - في أنواع معينة وفي موضوعات معينة (موضعية) " مع ميل ". كل ما يحبه الفنان ويعبده في الماضي والحاضر له الحق في أن يتجسد في الفن بغض النظر عن بغض اليوم - كان هذا هو البرنامج الإبداعي لعالم الفن. لكن كان لهذا البرنامج الواسع على ما يبدو قيودًا كبيرة. نظرًا لأن الإعجاب بالجمال ، كما يعتقد "عالم الفن" ، هو وحده الذي يولد حماسًا إبداعيًا حقيقيًا ، والواقع المباشر ، كما اعتقدوا ، غريب عن الجمال ، المصدر النقي الوحيد للجمال ، وبالتالي ، فإن الإلهام هو الفن نفسه ، باعتباره مجال الجمال بامتياز. وهكذا ، يصبح الفن نوعًا من المنشور الذي من خلاله يرى "عالم الفن" الماضي والحاضر والمستقبل. تهمهم الحياة فقط بقدر ما عبرت عن نفسها بالفعل في الفن. لذلك ، في عملهم ، يعملون كمترجمين للجمال الكامل الجاهز بالفعل. ومن هنا جاء الاهتمام الأساسي لعالم الفن بفنانين بالماضي ، ولا سيما فترات هيمنة أسلوب واحد ، مما يجعل من الممكن تمييز العنصر الرئيسي والمسيطر والمعبِّر عن روح العصر ، "خط الجمال" "- المخططات الهندسية للكلاسيكية ، التجعيد غريب الأطوار للروكوكو ، الأشكال الفاتنة و chiaroscuro من الباروك ، إلخ.

كان ألكسندر نيكولايفيتش بينوا (1870-1960) هو المعلم الرائد والمشرع الجمالي في "عالم الفن". كانت موهبة هذا الفنان رائعة لتنوعها غير العادي ، وكان حجم المعرفة المهنية ومستوى الثقافة العامة لا مثيل لهما في الدائرة المتعلمة تعليماً عالياً لشخصيات عالم الفن. الرسام ورسام الحامل الجرافيكي ، المصور ومصمم الكتب ، سيد المشهد المسرحي ، المخرج ، مؤلف باليه ليبريتوس ، كان بينوا في نفس الوقت مؤرخًا بارزًا للفن الروسي وأوروبا الغربية ، ومنظرًا ودعاية حريصًا ، وناقدًا ماهرًا ، ورائدًا شخصية متحف ، متذوق لا مثيل له في المسرح والموسيقى وتصميم الرقصات ... ومع ذلك ، فإن مجرد تعداد مجالات الثقافة ، الذي درسه ألكسندر بينوا بعمق ، لا يزال لا يعطي فكرة صحيحة عن الصورة الروحية للفنان. بشكل ملحوظ ، لم يكن هناك شيء متحذلق بشأن سعة الاطلاع المذهلة. يجب أن يطلق على السمة الرئيسية لشخصيته حب الفن الشامل ؛ تعدد استخدامات المعرفة كان بمثابة تعبير عن هذا الحب فقط. في جميع أنشطته ، في العلوم والنقد الفني ، في كل حركة لفكره ، ظل بينوا دائمًا فنانًا. رأى المعاصرون فيه تجسيدًا حيًا لروح الفن.

ولكن كانت هناك خصوصية أخرى في مظهر بينوا ، لوحظت بحدة في مذكرات أندريه بيلي ، الذي شعر في الفنان ، أولاً وقبل كل شيء ، بأنه "دبلوماسي من الجهة المسؤولة في عالم الفن ، يدير قضية ثقافية عظيمة ويضحي بالكثير من الناس". من أجل الكل. أ. كان بينوا السياسي الرئيسي فيها. كان دياجيليف مديرًا ، ورجل أعمال ، ومديرًا ؛ أعطى بينوا ، إذا جاز التعبير ، النص المرحلي ... ". وحدت سياسة بينوا الفنية حوله جميع شخصيات "عالم الفن". لم يكن مجرد منظّر ، بل كان أيضًا مصدر إلهام لتكتيكات عالم الفن ، مبتكر برامجها الجمالية المتغيرة. يرجع التناقض وعدم الاتساق في المواقف الأيديولوجية للمجلة إلى حد كبير إلى التناقض وعدم الاتساق في وجهات النظر الجمالية لبينوا في تلك المرحلة. ومع ذلك ، فإن هذا التناقض الشديد ، الذي يعكس تناقضات العصر ، يمنح الفنان اهتمامًا تاريخيًا خاصًا.

بالإضافة إلى ذلك ، كان بينوا يمتلك موهبة تربوية رائعة وشارك بسخاء ثروته الروحية ليس فقط مع الأصدقاء ، ولكن أيضًا مع "كل من أراد الاستماع إليه. إن هذا الظرف هو الذي يحدد قوة تأثير Benois على الدائرة الكاملة للفنانين في عالم الفن ، الذين ، وفقًا للملاحظة الصحيحة لـ A.P. أوستروموفا ليبيديفا ، مرت "معه ، بشكل غير محسوس لأنفسهم ، مدرسة ذوق فني وثقافة ومعرفة".

بالولادة والتنشئة ، ينتمي بينوا إلى المثقفين الفنيين في بطرسبورغ. لأجيال ، كان الفن مهنة وراثية في عائلته. بينوا ، جد الأم ك. كان كافوس ملحنًا وقائدًا للقيادة الموسيقية ، وكان جده مهندسًا معماريًا بنى الكثير في سانت بطرسبرغ وموسكو ؛ كان والد الفنان أيضًا مهندسًا معماريًا كبيرًا ، وكان شقيقه الأكبر معروفًا كرسام ألوان مائية. تطور وعي الشاب بينوا في جو من الاهتمامات الفنية والفنية.

في وقت لاحق ، استذكر الفنان طفولته ، وأكد بإصرار بشكل خاص على تيارين روحيين ، فئتين من التجارب التي أثرت بقوة في تشكيل آرائه ، وبمعنى ما ، حددت اتجاه جميع أنشطته المستقبلية. أول وأقوى هذه الأشياء يرتبط بالتجربة المسرحية. منذ سنواته الأولى وطوال حياته ، عاش بينوا شعورًا بالكاد يمكن وصفه بخلاف عبادة المسرح. ربط بينوا دائمًا مفهوم "الفن" بمفهوم "المسرحية" ؛ لقد رأى في فن المسرح الفرصة الوحيدة لخلق في الظروف الحديثة توليفة إبداعية للرسم والعمارة والموسيقى والبلاستيك والشعر ، لإدراك ذلك الاندماج العضوي للفنون ، والذي بدا له الهدف الأسمى للثقافة الفنية .

نشأت الفئة الثانية من تجارب المراهقين ، التي تركت بصمة لا تمحى على مناظر بينوا الجمالية ، من انطباعات المساكن الريفية وضواحي سانت بطرسبرغ - بافلوفسك ، كوشليف-بيزبورودكو داشا على الضفة اليمنى لنهر نيفا ، وقبل كل شيء ، من بيترهوف ومعالمها الفنية العديدة. يتذكر الفنان لاحقًا: "هذه ... انطباعات بيترهوف ... ربما أدت إلى ظهور كل ما لدي من عبادة أخرى لبيترهوف ، تسارسكو سيلو ، فرساي". تعود انطباعات وتجارب الإسكندر بينوا المبكرة إلى أصول إعادة التقييم الجريئة لفن القرن الثامن عشر ، والتي ، كما ذكرنا سابقًا ، أحد أعظم إنجازات "عالم الفن".

تشكلت أذواق وآراء يونغ بينوا الفنية معارضة لعائلته ، التي التزمت بآراء "أكاديمية" محافظة. كان قرار أن يصبح فنانًا قد حان في وقت مبكر جدًا ؛ ولكن بعد إقامة قصيرة في أكاديمية الفنون ، والتي جلبت خيبة أمل فقط ، اختار بينوا أن يحصل على شهادة في القانون من جامعة سانت بطرسبرغ ، ويخضع لتدريب فني احترافي بمفرده ، وفقًا لبرنامجه الخاص.

في وقت لاحق ، وصفت الانتقادات العدائية بينوا مرارًا وتكرارًا بأنه متهور. لم يكن هذا عادلاً: الدراسة اليومية العنيدة ، والتدريب المستمر في الرسم من الحياة ، وممارسة الخيال في العمل على التراكيب ، جنبًا إلى جنب مع دراسة متعمقة لتاريخ الفن ، أعطت الفنان مهارة واثقة ، لا تقل عن مهارة أقرانه الذين درسوا في الأكاديمية. وبنفس الإصرار ، استعد بينوا لأنشطة مؤرخ فني ، درس الإرميتاج ، ودرس الأدب الخاص ، وسافر إلى المدن والمتاحف التاريخية في ألمانيا وإيطاليا وفرنسا.

تعتبر لوحة ألكسندر بينوا "ممشى الملك" (1906 ، معرض الدولة تريتياكوف) واحدة من ألمع وأشهر الأمثلة على الرسم في "عالم الفن". هذا العمل هو جزء من دورة من اللوحات التي تحيي مشاهد من حياة فرساي في عصر "ملك الشمس". دورة 1905-1906 بدورها هي استمرار لمجموعة فرساي السابقة من 1897-1898 ، بعنوان "آخر ممرات لويس الرابع عشر" ، بدأت في باريس تحت انطباع مذكرات دوق دي سان سيمون. دمجت المناظر الطبيعية لبينوا في فرساي إعادة البناء التاريخي للقرن السابع عشر ، الانطباعات الحديثة للفنان ، تصوره للكلاسيكية الفرنسية ، النقش الفرنسي. ومن هنا جاءت التركيبة الواضحة ، والمكانية الواضحة ، والعظمة والبرودة الشديدة للإيقاعات ، والتناقض بين عظمة الآثار الفنية وصغر حجم الشخصيات البشرية ، والتي لا تعدو أن تكون من بين الموظفين - السلسلة الأولى بعنوان "آخر مناحي لويس الرابع عشر" ".

فرساي من Benoit هو نوع من المناظر الطبيعية المرثية ، عالم جميل يظهر لعيون شخص حديث في شكل مشهد مقفر مع مشهد متهالك لأداء طويل المدى. كان هذا العالم في السابق رائعًا ومليئًا بالأصوات والألوان ، ويبدو الآن شبحيًا قليلاً ، مظللًا بصمت المقبرة. ليس من قبيل المصادفة أنه في The King's Walk ، يصور Benoit حديقة فرساي في الخريف وفي ساعة ضوء الشفق المسائي ، عندما تتحول "الهندسة المعمارية" الخالية من الأوراق لحديقة فرنسية عادية على خلفية سماء فاتحة إلى منظر شفاف. ، ترتيب سريع الزوال. تأثير هذه الصورة مشابه لذلك إذا رأينا مشهدًا كبيرًا حقيقيًا على مسافة حادة من شرفة الطبقة الأخيرة ، وبعد ذلك ، بالنظر إلى هذا العالم الذي تم تقليصه إلى حجم الدمية من خلال المناظير ، فسنجمع هذين الانطباعين في مشهد واحد. وبالتالي ، فإن البعد البعيد يقترب وينبض بالحياة ، ويبقى بعيدًا ، بحجم مسرح الألعاب. كما هو الحال في القصص الخيالية الرومانسية ، في الساعة المحددة ، يتم تنفيذ عمل معين على هذه المرحلة: يتحدث الملك في الوسط مع خادمة الشرف ، برفقة رجال البلاط الذين يسيرون على فترات محددة بدقة خلفهم وأمامهم. كلهم ، مثل تماثيل ساعة متعرجة قديمة ، ينزلقون على طول حافة الخزان على أصوات ضوئية لمينوت منسي. تم الكشف عن الشخصية المسرحية لهذا الخيال الاستعادي بمهارة من قبل الفنان نفسه: إنه يعيد إحياء شخصيات كيوبيدز المرحة التي تسكن النافورة - يصورون أنفسهم بشكل هزلي على أنهم جمهور صاخب ، يجلسون بحرية في أسفل المسرح ويحدقون في عرض الدمى يلعبها الناس.

كان الدافع وراء الخروج الرسمي ، والرحلات ، والمشي ، كسمة مميزة للطقوس اليومية للأزمنة الماضية ، أحد "شعوب العالم" المحبوبين. نلتقي أيضًا مع اختلاف غريب لهذا الدافع في "Peter I" بواسطة V.A. سيروف ، وفي اللوحة التي رسمها جي. لانسيراي "الإمبراطورة إليزابيث بتروفنا في تسارسكو سيلو" (1905 ، GGT). على عكس بينوا مع جمالياته للهندسة العقلانية للكلاسيكية ، فإن لانسيراي ينجذب أكثر إلى المشاعر الحسية للباروك الروسي ، المادية النحتية للأشكال. إن تصوير إليزابيث الفاتنة ورجال حاشيتها الوردية الخدين ، مرتدين أبهة وقحة ، يخلو من مسحة الغموض المسرحي التي تميز ممشى الملك بينوا.

تحول بينوا إلى ملك لعبة شبه رائع ليس سوى لويس الرابع عشر ، الذي تميز عهده بروعة وروعة لا يصدقان ، وكان عصر ذروة الدولة الفرنسية. يحتوي هذا التقليل المتعمد لعظمة الماضي على نوع من البرامج الفلسفية - كل شيء جاد وعظيم بدوره مقدر له أن يصبح كوميديا ​​ومهزلة. لكن سخرية "عالم الفنانين" لا تعني فقط الشك العدمي. الغرض من هذه المفارقة ليس على الإطلاق تشويه سمعة الماضي ، ولكن العكس تمامًا - إعادة تأهيل الماضي في مواجهة احتمال وجود موقف عدمي تجاهه من خلال إظهار فني على أن خريف الثقافات الماضية جميل في حد ذاته. الطريق ، مثل الربيع والصيف. ولكن ، بالتالي ، فإن السحر الكئيب الخاص ، الذي ميز ظاهرة الجمال بين "الحرفيين" ، تم شراؤه على حساب حرمان هذا الجمال من ارتباطه بتلك الفترات التي ظهر فيها في امتلاء القوة الحيوية والعظمة. تصنيفات العظماء والسامية والجميلة غريبة عن جماليات "عالم الفن". جميلة ، رشيقة ، رشيقة هي أقرب إليها. في تعبيرهم النهائي ، تم الجمع بين هاتين اللحظتين - السخرية الرصينة ، التي تحد من الشك العاري ، والجمالية ، التي تحد من التمجيد الحساس - في عمل أساتذة المجموعة الأكثر تعقيدًا - K.A. سوموفا.

يعتبر نشاط Benois ، الناقد الفني ومؤرخ الفن ، الذي قام مع Grabar بتحديث أساليب وتقنيات وموضوعات تاريخ الفن الروسي ، وهو مرحلة كاملة في تاريخ علم تاريخ الفن (انظر "تاريخ الرسم في القرن التاسع عشر") بقلم ر.موتر - مجلد "الرسم الروسي" ، 1901-1902 ؛ "المدرسة الروسية للرسم" ، نُشر عام 1904 ؛ "تسارسكو سيلو في عهد الإمبراطورة إليزابيث بتروفنا" ، 1910 ؛ مقالات في مجلات "عالم الفن" و "السنوات القديمة" ، "الكنوز الفنية لروسيا" وغيرها).

وفقًا للاعتراف بالإجماع من أقرب زملائه ، بالإضافة إلى دليل النقد اللاحق ، كان سوموف شخصية محورية بين فناني "عالم الفن" في الفترة الأولى من تاريخ هذه الجمعية. رأى ممثلو دائرة عالم الفن أنه سيد عظيم. "اسم سوموف معروف لكل شخص متعلم ليس فقط في روسيا ، ولكن في جميع أنحاء العالم. هذه قيمة عالمية ... لقد تجاوز منذ فترة طويلة حدود المدارس والعهود وحتى روسيا ودخل ساحة العبقرية العالمية "، كتب الشاعر م. كوزمين عنه. وهذا أبعد ما يكون عن المراجعة المعزولة ولا حتى الأكثر حماسة. إذا كان ينبغي تسمية دياجيليف بالمنظم والقائد ، وكان ينبغي تسمية بينوا بالزعيم الأيديولوجي والمنظر الرئيسي للحركة الفنية الجديدة ، فإن سوموف في البداية كان ينتمي إلى دور الفنان الرائد. يفسر إعجاب معاصريه بحقيقة أنه في أعمال سوموف ولدت وتشكلت المبادئ التصويرية الأساسية ، والتي أصبحت فيما بعد مرشدة لمجموعة عالم الفن بأكملها.

سيرة هذا المعلم نموذجية للغاية لدائرة عالم الفن. كان كونستانتين أندريفيتش سوموف (1869-1939) نجل أمين متحف الأرميتاج ، وهو شخصية فنية شهيرة وجامع مقتنيات. يحيط به جو الفن منذ الطفولة. نشأ اهتمام سوموف بالرسم والمسرح والأدب والموسيقى في وقت مبكر جدًا وعاش طوال حياته. بعد مغادرة الصالة الرياضية (1888) ، حيث بدأت صداقته مع ألكسندر بينوا وفيلوسوفوف ، التحق سوموف الشاب بأكاديمية الفنون ، وعلى عكس جميع مؤسسي عالم الفن الآخرين ، أمضى ما يقرب من ثماني سنوات هناك (1889-1897) . قام بعدد من الرحلات إلى الخارج - إلى إيطاليا وفرنسا وألمانيا (1890 ، 1894 ، 1897-1898 ، 1899 ، 1905).

على عكس معظم رفاقه في عالم الفن ، لم يدرّس سوموف أبدًا ، ولم يكتب مقالات مطلقًا ، ولم يحاول أبدًا لعب أي دور في الدوائر العامة. كانت حياة الفنان مغلقة ومعزولة ، بين عدد قليل من الأصدقاء - الفنانين ، المكرسين فقط للعمل والقراءة والموسيقى وجمع التحف.

سمتان مميزتان تميزان شخصية سوموف الفنية. يتم تحديد واحد منهم من خلال نضجه الإبداعي المبكر نسبيًا. كان سوموف حرفيًا ماهرًا وفنانًا أصليًا تمامًا عندما بدأ زملاؤه باكست وبينوا للتو في البحث عن مسار مستقل في الفن. لكن هذه الميزة سرعان ما تحولت إلى عيب. حتى أكثر المعاصرين حساسية شعروا بشيء مؤلم في النضج المبكر لسوموف. السمة الثانية لسوموف تمت ملاحظتها بيقظة من قبل صديقه ومعجبه س. يارميش: “... سوموف بطبيعته واقعي قوي ، شبيه بفيرمير فان ديلفت أو الرسام بيتر دي روسي. من ناحية ، ينجذب إلى الحياة وينجذب إليها ... ومن ناحية أخرى ، فإن التناقض بين الحياة العامة وحياة الفنان يصرف انتباهه عن الحاضر ... لا يكاد يوجد فنان آخر موهوب بقدرة الملاحظة الأكثر حدة وتغلغلًا ، مثل سوموف لدينا ، الذي سيكرس مساحة كبيرة في عملي للمهام الزخرفية البحتة والماضي ". يمكن للمرء أن يفترض أن أعمال سوموف هي الأكثر أهمية ، فكلما بقيت أقرب إلى الطبيعة الحية التي يتم رؤيتها بشكل ملموس ، وكلما قل الانقسام والعزلة عن الحياة الواقعية ، التي يتحدث عنها الناقد ، يشعر بها فيها. ومع ذلك ، فهي ليست كذلك. إن ازدواجية وعي الفنان ، التي تميز عصره ، تصبح مصدرًا لأفكار إبداعية حادة ومبتكرة.

واحدة من أشهر صور سوموف هي “Lady in Blue. صورة إليزافيتا ميخائيلوفنا مارتينوفا "(1897-1900 ، معرض الدولة تريتياكوف) ، هو عمل برنامج للفنان. مرتدية ثوبًا قديمًا ، تستحضر ذكرى تاتيانا بوشكين "بفكر حزين في عينيها ، مع كتاب فرنسي في يديها" ، بطلة لوحة سوموف ، مع تعبير عن التعب والشوق وعدم القدرة على القتال في الحياة ، كل هذا ينم عن اختلافها مع نموذجها الشعري ، مما يجبر عقليًا على الشعور بعمق الهاوية التي تفصل الماضي عن الحاضر. إنه في هذا العمل من Somov ، حيث تتشابك اللعبة المصطنعة بشكل غريب مع اللعبة الأصلية - بجدية ، حيث يبدو الشخص الحي في حيرة من أمره ، مستفسرًا ، عاجزًا ومهجورًا وسط الحدائق المزيفة ، مع صراحة مؤكدة يتم التعبير عن الخلفية المتشائمة للدنيوية "التخلي عن الماضي" واستحالة أن يجد الإنسان المعاصر هناك الخلاص من نفسه ، من أحزانه الحقيقية وليس الشبحية.

بالقرب من "السيدة ذات الرداء الأزرق" توجد لوحة بورتريه "صدى الزمن الماضي" (1903 ، ورق على ورق مقوى ، وألوان مائية ، وألوان مائية ، ومعرض ستيت تريتياكوف) ، حيث ابتكر سوموف وصفًا شعريًا للجمال الأنثوي الهش والفقر. النموذج المنحط ، رافضًا نقل العلامات اليومية لعصرنا. يرتدي العارضات أزياء قديمة ، ويعطي مظهرهن ملامح المعاناة السرية والحزن والأحلام ، والانكسار المؤلم.

ابتكر سوموف ، رسام بورتريه لامع ، في النصف الثاني من القرن العشرين ، مجموعة من الصور بالقلم الرصاص والألوان المائية ، والتي تقدم لنا بيئة فنية وفنية ، معروفة جيدًا للفنان ودرسها بعمق ، النخبة الفكرية في عصره - V . Ivanov ، Blok ، Kuzmin ، Sollogub ، Lancere ، Dobuzhinsky ، إلخ. في صوره ، يستخدم تقنية عامة واحدة: على خلفية بيضاء - في مجال معين خالد - يرسم وجهًا ، لا يتحقق التشابه فيه من خلال التجنس ، ولكن من خلال التعميمات الجريئة والاختيار الدقيق للتفاصيل المميزة. هذا الغياب لعلامات الزمن يخلق انطباعًا بالوحدة الساكنة والصلابة والبرودة والوحدة المأساوية تقريبًا.

أعمال سوموف اللاحقة هي احتفالات رعوية وشهامة ("قبلة ضاحكة" ، 1908 ، متحف الدولة الروسي ؛ "مسيرة المركيز" ، 1909 ، متحف الدولة الروسي) ، "لسان كولومبين" (1913-1915) ، مليئة بالمفارقة الكاوية والروحية الفراغ ، وحتى اليأس. مشاهد حب من القرن الثامن عشر - أوائل القرن التاسع عشر. دائما مع لمسة من الإثارة الجنسية. كان هذا الأخير واضحًا بشكل خاص في تماثيله الخزفية المخصصة للسعي الشبحي وراء المتعة.

لعبة الحب - المواعدة ، الملاحظات ، التقبيل في الأزقة ، شرفات المراقبة ، تعريشات الحدائق العادية أو في الخزانات المكسوة بالبلاط - هي هواية شائعة لأبطال سوموف ، الذين يظهرون في الباروكات البودرة ، وتسريحات الشعر العالية ، والقمصان المطرزة والفساتين مع الكرينولين. لكن ليس هناك بهجة حقيقية في فرح لوحات سوموف. يفرح الناس ليس بسبب ملء الحياة ، ولكن لأنهم لا يعرفون شيئًا آخر ، سامًا وجادًا وصارمًا. هذا ليس عالمًا مرحًا ، ولكنه عالم محكوم عليه بالمرح ، لعطلة أبدية مرهقة تحول الناس إلى دمى ، والسعي الشبحي لمتع الحياة.

قبل أي شخص آخر في عالم الفن ، تحول سوموف إلى موضوعات الماضي ، لتفسير القرن الثامن عشر. ("رسالة" ، 1896 ؛ "السرية" ، 1897) ، كونها سلف المناظر الطبيعية في فرساي بينوا. إنه أول من خلق عالمًا غير واقعي ، منسوجًا من دوافع الملكية النبيلة وثقافة البلاط وأحاسيسه الفنية الذاتية البحتة ، التي تتخللها السخرية. كانت تاريخية "عالم الفنانين" هروبًا من الواقع. ليس الماضي ، ولكن الدراما والتوق إلى عدم قابليته للنقض - ​​هذا هو دافعهم الرئيسي. ليست متعة حقيقية ، ولكن اللعب مع القبلات في الأزقة - هذا هو سوموف.

إن موضوع العالم الاصطناعي ، الحياة الزائفة ، التي لا يوجد فيها شيء مهم ومهم ، هو الموضوع الرائد في عمل سوموف. كشرط مسبق له هو تقييم الفنان المتشائم للغاية لأخلاق المجتمع البرجوازي-الأرستقراطي الحديث ، على الرغم من أن سوموف كان أكثر الدعاة حيوية لأذواق المتعة في هذه الدائرة. مهزلة سوموفسكي هي الجانب الخطأ من الموقف المأساوي ، والذي نادرا ما يتجلى في اختيار الموضوعات المأساوية بشكل خاص.

تضمن تقنيات رسم سوموف العزلة المتسقة للعالم الذي يصوره عن العالم البسيط غير الفني. رجل سوموف محاط بسياج من الطبيعة الطبيعية بواسطة دعامات الحدائق الاصطناعية ، والجدران المنجدة بالدمقس ، والشاشات الحريرية ، والأرائك الناعمة. ليس من قبيل المصادفة أن Somov مستعد أيضًا بشكل خاص لاستخدام دوافع الإضاءة الاصطناعية (سلسلة من "الألعاب النارية" في أوائل عام 1910). يجد وميض غير متوقع من أضواء الألعاب النارية أشخاصًا في وضعيات زاويّة محفوفة بالمخاطر ، وعبثية بشكل عشوائي ، يخططون لاستيعاب رمزي للحياة في مسرح عرائس.

عمل سوموف كثيرًا كفنان غرافيكي ، فقد صمم دراسة كتبها S. Diaghilev عن Levitsky ، وعمل A. Benois عن Tsarskoe Selo. لقد رفع الكتاب ككائن واحد بوحدته الإيقاعية والأسلوبية إلى مستوى غير عادي. كتب الناقد الفني أ.أ. سيدوروف.

دور M.V. Dobuzhinsky في تاريخ "عالم الفن" في أهميته ليس أقل من دور كبار أساتذة هذه المجموعة ، على الرغم من أنه لم يكن ينتمي إلى عدد مؤسسيها ولم يكن عضوًا في دائرة الشباب في منظمة العفو الدولية. بينوا. فقط في عام 1902 ، ظهرت رسومات Dobuzhinsky على صفحات مجلة "World of Art" ، وفي عام 1903 فقط بدأ في المشاركة في المعارض التي تحمل نفس الاسم. ولكن ، ربما ، لم يقترب أي من الفنانين الذين انضموا إلى المجموعة المذكورة في الفترة الأولى من نشاطها ، مثل Dobuzhinsky من فهم أفكار ومبادئ الحركة الإبداعية الجديدة ، ولم يساهم أي منهم بهذه المساهمة الهامة والأصيلة في تطوير الأسلوب الفني لـ "عالم الفن".

كان مستيسلاف فاليريانوفيتش دوبوزينسكي (1875-1957) رجلاً حاصل على تعليم جامعي واهتمامات ثقافية واسعة. أصبح مدمنًا على الرسم عندما كان طفلاً وبدأ مبكرًا في التحضير لعمل فنان. إلى جانب الفنون البصرية ، انجذب إلى الأدب والتاريخ. كان يقرأ كثيرا ويوضح ما قرأه. استمدت الانطباعات الفنية المبكرة التي ظلت عالقة في ذاكرته إلى الأبد من كتب الأطفال مع الرسوم التوضيحية لبيرثال وج. دور و دبليو بوش.

لطالما كانت الرسومات أسهل على Dobuzhinsky من الرسم. في سنوات دراسته ، درس بتوجيه من المتجول G.Dmitriev-Kavkazsky ، الذي ، مع ذلك ، لم يكن له أي تأثير عليه. "لحسن الحظ" ، كما قال الفنان ، لم يلتحق بأكاديمية الفنون ولم يختبر تأثيرها على الإطلاق. بعد تخرجه من الجامعة ، ذهب لدراسة الفن في ميونيخ ودرس لمدة ثلاث سنوات (1899-1901) في ورش عمل A. Ashbe و S.Holloshi ، حيث عمل I.Grabar و D.Kardovsky وبعض الفنانين الروس الآخرين . هنا اكتمل تعليم Dobuzhinsky الفني وتشكلت أذواقه الجمالية: لقد قدر مانيه وديغا عالياً ، ووقع في حب Pre-Raphaelites إلى الأبد ، لكن رسامي المناظر الطبيعية الألمان في أواخر القرن التاسع عشر وفناني Simplicissimus كان لهم التأثير الأقوى عليه . التحضير والتكوين الإبداعي لشاب Dobuzhinsky قاده بشكل عضوي إلى الاتصال بـ "عالم الفن". عند عودته إلى سانت بطرسبرغ ، التقى دوبوزينسكي بدعم نشط من Grabar و Benois ، اللذين قدرا موهبته بشكل كبير. في الرسومات المبكرة لدوبوزينسكي (1902-1905) ، تتشابك ذكريات مدرسة ميونيخ مع التأثير الواضح تمامًا لكبار أساتذة عالم الفن ، وخاصة سوموف وبينوا.

تبرز Dobuzhinsky بين فناني "عالم الفن" بمجموعة موضوعية من الأعمال المخصصة للمدينة الحديثة. ولكن كما هو الحال في سوموف وبينوا ، يتم التعبير عن "روح الماضي" من خلال الكتابة اليدوية للعصر ، والتي تتجسد في الهندسة المعمارية والأثاث والأزياء والزخرفة ، لذلك في دوبوزينسكي ، لا تعبر الحضارة الحضرية الحديثة عن نفسها في أفعال وأفعال الناس ، ولكن من خلال ظهور المباني الحضرية الحديثة ، في صفوف كثيفة تغلق الأفق ، تسد السماء ، تتقاطع مع مداخن المصانع ، مذهلة مع صفوف لا حصر لها من النوافذ. يصور Dobuzhinsky المدينة الحديثة على أنها مملكة رتابة ومعيار يمحو ويمتص الفردانية البشرية.

تمامًا كما هو الحال بالنسبة لسوموف ، فإن فيلم "The Lady in Blue" هو لصورة Dobuzhinsky "The Man with Glasses. صورة لكونستانتين الكسندروفيتش سونيربيرج "(1905-1906 ، معرض الدولة تريتياكوف). على خلفية نافذة ، خلفها ، على مسافة ما أمام أرض قاحلة مهجورة ، يتراكم مبنى المدينة ، ويصور من الخلف ، الجانب غير القابل للتمثيل ، حيث ترتفع مداخن المصانع والجدران النارية للمباني السكنية الكبيرة فوق القديم. منازل ، يلوح في الأفق شكل رجل نحيف يرتدي سترة ويتدلى على كتفيه المنحنيين. تعطي العدسات المتلألئة لنظاراته ، المطابقة لمحاور تجويف العين ، الانطباع بوجود تجاويف فارغة للعين. في النمذجة بالأبيض والأسود للرأس ، يتم الكشف عن بناء جمجمة عارية - يظهر شبح الموت المخيف في الخطوط العريضة لوجه الإنسان. في الواجهة المتأثرة ، العمودية البارزة للشكل ، ثبات الموقف ، يشبه الشخص عارضة أزياء ، إنسان آلي هامد - لذلك ، فيما يتعلق بالعصر الحديث ، غيّر دوبوزينسكي موضوع "عرض الدمى" الذي تم لعبه في الماضي من قبل سوموف وبينوا على مسرح الماضي. هناك شيء "شيطاني" ومثير للشفقة في نفس الوقت في رجل Dobuzhinsky الشبحي. إنه مخلوق رهيب وفي نفس الوقت ضحية المدينة الحديثة.

عمل Dobuzhinsky أيضًا بشكل مكثف في الرسم التوضيحي ، حيث يمكن اعتبار أكثر ما يميزه هو دورة رسوماته بالحبر لـ Dostoevsky's White Nights (1922). عمل Dobuzhinsky أيضًا في المسرح ، المصمم لـ Nemirovich-Danchenko "Nikolai Stavrogin" (عرض مسرحي Dostoevsky "Demons") ، مسرحيات Turgenev "A Month in the Country" و "Freeloader".

إن تطور الخيال الهادف إلى إعادة توحيد اللغة وتفسيرها ، والكتابة اليدوية للثقافات الأجنبية ، بشكل عام "اللغة الأجنبية" بالمعنى الواسع ، وجدت أكثر تطبيقاتها العضوية الطبيعية في المنطقة التي لا تكون فيها هذه الخاصية مرغوبة فحسب ، بل ضرورية - في مجال التوضيح الكتابي. كان جميع فناني عالم الفن تقريبًا رسامين ممتازين. أكبر وأبرز الدورات التوضيحية الفنية للعصر ، عندما كان اتجاه "Miriskusnicheskoe" في هذه المنطقة هو المسيطر ، هي الرسوم التوضيحية لـ A. Benois إلى The Bronze Horseman (1903-1905) و E. Lancer إلى حاجي مراد (1912- 1915).

تطرق إيفجيني إيفجينيفيتش لانسيراي (1875-1946) في عمله إلى جميع المشكلات الرئيسية لرسومات الكتاب في بداية القرن العشرين. (انظر الرسوم التوضيحية الخاصة بكتاب "أساطير قلاع بريتاني القديمة" ، ليرمونتوف ، غلاف "نيفسكي بروسبكت" بوزيريانوف ، إلخ.) ، ابتكر لانسيري عددًا من الألوان المائية والطباعة الحجرية في سانت بطرسبرغ ("جسر كالينكين" "،" سوق نيكولسكي "، وما إلى ذلك). تحتل الهندسة المعمارية مكانًا كبيرًا في مؤلفاته التاريخية ("الإمبراطورة إليزافيتا بتروفنا في تسارسكو سيلو" ، 1905 ، معرض الدولة تريتياكوف). يمكننا القول أنه تم إنشاء نوع جديد من الصور التاريخية في أعمال سيروف ، بينوا ، لانسيراي - إنها خالية من المؤامرة ، لكنها في نفس الوقت تعيد إنشاء مظهر العصر تمامًا ، وتستحضر العديد من الأعمال التاريخية والأدبية والجمالية ذات الصلة. أحد أفضل إبداعات Lanceray - 70 رسماً ولوناً مائياً للقصة من تأليف L.N. "حاجي مراد" لتولستوي (1912-1915) ، والذي اعتبره بنوا "أغنية مستقلة ، تشارك بشكل مثالي في موسيقى تولستوي القوية".

الرسام بينوا هو صفحة كاملة في تاريخ الكتاب. على عكس سوموف ، ينشئ بينوا توضيحًا سرديًا. مستوى الصفحة ليس غاية في حد ذاته بالنسبة له. كانت الرسوم التوضيحية لـ "ملكة البستوني" على الأرجح أعمالاً مستقلة كاملة ، وليس "فن كتاب" ، وفقًا لـ أ. أ. سيدوروف كم "الفن في الكتاب". كانت إحدى روائع الرسوم التوضيحية للكتاب هي التصميم الجرافيكي للفارس البرونزي (1903 ، 1905 ، 1916 ، 1921-1922 ، بالحبر والألوان المائية التي تحاكي نقش الخشب الملون).

بطرسبورغ - المدينة "الجميلة والرهيبة" - بطل الرواية في الرسوم التوضيحية لبينوا. في أسلوب هذه الرسوم التوضيحية ، نموذجي لـ "عالم الفن" بشكل عام ، ولكن في هذه الحالة "نظام مناشير" معقد نوعًا ما ، حيث تنكسر الصور والصور لقصة بوشكين بطرسبورغ ، تجعل نفسها محسوسة - هنا تذكير بالمناظر الطبيعية للمغني الأول في "شمال البندقية" في الرسم - ف. أليكسيف (في الرسوم التوضيحية المصاحبة للمقدمة الغريبة للقصة) ، والسحر الشعري للديكورات الداخلية لمدرسة البندقية في المشاهد الداخلية ، والرسومات في الثلث الأول من القرن التاسع عشر ، وليس فقط في بطرسبورغ في بوشكين ، ولكن أيضًا في بطرسبورغ دوستويفسكي ، على سبيل المثال ، في المشهد الشهير للمطاردة الليلية. الموضوع الرئيسي لقصة بوشكين في سانت بطرسبرغ - الصراع بين الشخص العادي وسلطة الدولة المتجسد في صورة الفارس البرونزي ، الذي يتصرف من أجل الفرد في شكل مصير مشؤوم - وجد تعبيره الفني النبيل في مقدمة الكتاب ، في عام 1905. في هذا الرسم المائي ، تمكن Benoit من تحقيق بساطة ووضوح مذهلين في التعبير عن فكرة معقدة ، أي الجودة التي تشبه بساطة بوشكين الرائعة. لكن ظل "الشيطانية" القاتمة في مظهر الفارس البرونزي ، وكذلك استيعاب يوجين المضطهد في صورة "دودة غير مهمة" جاهزة للاختلاط بالغبار ، لا يشير فقط إلى وجود "منشور" آخر هذه سمة مميزة تمامًا لـ "عالم الفنانين" - خيال هوفمان ، ولكنها تعني أيضًا تحولًا من موضوعية بوشكين إلى شعور فردي في الطبيعة بالرعب من عدم تعاطف الضرورة التاريخية - شعور لم يكن لدى بوشكين.

كانت الزخرفة المسرحية ، التي تشبه فن الرسم التوضيحي للكتب كما أنها مرتبطة أيضًا بتفسير تصميم شخص آخر ، مجالًا آخر حيث كان "عالم الفن" متجهًا لإجراء إصلاح فني كبير. كان يتألف من إعادة التفكير في الدور القديم للفنان المسرحي. الآن لم يعد فنانًا مصممًا للعمل ومخترعًا لحاويات المسرح المريحة ، ولكنه مترجم للموسيقى والدراما ، ومبدع لأداء مساوٍ للمخرج والممثلين. وهكذا ، في أثناء تأليف موسيقى الباليه "Petrushka" لـ I. Stravinsky ، كشف A. Benois أمامه صورًا مرئية للأداء المستقبلي.

مشهد "بتروشكا" ، على حد تعبير الفنانة ، "باليه الشارع" ، أحيا روح احتفالات المعرض والمقصورة.

يعود ازدهار أنشطة "عالم الفن" في مجال الفن المسرحي والزخرفي إلى عام 1910 وهو مرتبط بتنظيم S.P. Diaghilev (الفكرة تنتمي إلى A. Benois) "المواسم الروسية" في باريس ، والتي تضمنت سلسلة كاملة من الحفلات الموسيقية السيمفونية وعروض الأوبرا والباليه. في عروض "المواسم الروسية" استمع الجمهور الأوروبي لأول مرة إلى F. Chaliapin ، شاهد A. Pavlova ، تعرف على تصميم الرقصات M. هنا كانت موهبة L. باكست ، فنان ينتمي إلى الجوهر الرئيسي لعالم الفن.

إلى جانب بينوا وسوموف ، يعد ليف سامويلوفيتش باكست (1866-1924) أحد الشخصيات المركزية في تاريخ عالم الفن. كان عضوا في دائرة الشباب التي ولدت فيها الميول الإيديولوجية والإبداعية لهذا الاتجاه. كان من بين المؤسسين والعاملين الأكثر نشاطا في المجلة التي كانت تنفذ برنامج جمالي جديد. قام مع دياجليف "بتصدير" الفن الروسي إلى أوروبا الغربية وحقق الاعتراف به ؛ تعود الشهرة العالمية للوحة المسرحية والزخرفية الروسية "عالم الفن" بشكل أساسي إلى باكست.

في غضون ذلك ، في نظام تطوير أفكار ومبادئ "عالم الفن" ، يتمتع باكست بمكانة منفصلة ومستقلة تمامًا. بينما كان يدعم بنشاط تكتيكات التوحيد والمشاركة ، بشكل عام ، مواقفه الجمالية الأساسية ، اتبع باكست ، في نفس الوقت ، مسارًا مستقلًا تمامًا. لوحته ليست مثل لوحة سوموف وبينوا ، لانسيراي ودوبوزينسكي. إنه يأتي من تقاليد أخرى ، ويعتمد على تجربة عقلية وحياتية مختلفة ، ويتحول إلى مواضيع وصور أخرى.

كان مسار الفنان أكثر تعقيدًا وتعرجًا من التطور السلس والمتسق الذي يميز أعمال العديد من أصدقائه وشركائه. هناك ظلال من التناقض في مهام ورمي باكست. يتم رسم خط تطورها بخط متعرج حاد. جاء باكست إلى "عالم الفن" وكأنه "من اليمين" ؛ جلب معه مهارات المدرسة الأكاديمية القديمة وتقديس تقاليد القرن التاسع عشر. لكن لم يمر وقت طويل ، وأصبح باكست أكثر "يساري" بين المشاركين في "عالم الفن" ؛ لقد اقترب بنشاط أكثر من غيره من رسم الفن الحديث في أوروبا الغربية واستوعب تقنياته بشكل عضوي. وجد المشاهدون الغربيون أنه من الأسهل تمييز باكست على أنه "لهم" أكثر من أي فنان آخر في "عالم الفن".

كان باكست أكبر بثلاث سنوات من سوموف وبنوا أكبر منه بأربع سنوات ودياجيليف أكبر منه بست سنوات. كان للفرق العمري ، في حد ذاته غير ذي أهمية ، أهمية معينة في الوقت الذي كانت فيه شخصيات "عالم الفن" من الشباب. من بين الشباب الهواة الذين تجمعوا حول بينوا وشكلوا دائرته. كان باكست الفنان الوحيد الذي لديه بعض الخبرة المهنية. لمدة أربع سنوات (1883-1887) درس في أكاديمية الفنون ، وكان يصنع أحيانًا صورًا حسب الطلب وعمل كرسام في ما يسمى بـ "المجلات الرقيقة". يحتوي المتحف الروسي على العديد من الرسومات التخطيطية للمناظر الطبيعية والصورة التي رسمها باكست ، والتي تم رسمها في النصف الأول من تسعينيات القرن التاسع عشر. إنها ليست ذات جودة فنية عالية ، لكنها محترفة تمامًا. لقد أظهروا بالفعل الذوق الزخرفي المميز لباكست ؛ لكن وفقًا لمبادئهم ، فإنهم لا يتجاوزون حدود الرسم الأكاديمي المتأخر.

ومع ذلك ، سرعان ما اتخذ عمل باكست طابعًا مختلفًا. في المعارض الأولى لعالم الفن ، عمل باكست في المقام الأول كرسام بورتريه. يكفي إلقاء نظرة فاحصة على سلسلة الصور التي ابتكرها في مطلع القرنين التاسع عشر والعشرين لفهم المفاهيم التي نشأت منها لوحة باكست في بداية حياته المهنية وفي أي اتجاه تطورت في المستقبل.

من أشهر أعمال الفنان صورة ألكسندر بينوا (1898 ، متحف الدولة الروسي). في هذا العمل المبكر المليء بالباستيل ، والذي لا يزال غير مثالي وغير مألوف للميول الوهمية ، يمكن للمرء أن يميز مجموعة كاملة من الأفكار الإبداعية التي حددت بعد ذلك مهمة ومعنى الرسم البورتريه لباكست. الطبيعة مأخوذة هنا في تيار حالاتها الحية ، في كل تنوع صفاتها الملموسة والملحوظة بدقة. الدور الرئيسي هو الرغبة في الكشف عن الشخصية ، للكشف عن الخصائص النفسية الفردية للشخص الذي يتم تصويره. يعود هذا الاتجاه مباشرة إلى المبادئ الإبداعية للرسم الواقعي الروسي. كما هو الحال مع رسامي البورتريه في النصف الثاني من القرن التاسع عشر ، تتمثل مهمة الفنان هنا في التقاط لحظة من الواقع المتدفق ، جزء معين من الحياة الواقعية. من هنا تأتي فكرة الحبكة - لتصوير Benoit كما لو كان على حين غرة ، دون أي تفكير في التظاهر ؛ ومن هنا جاءت البنية التركيبية للصورة ، مع التأكيد على السهولة ، كما كانت ، عشوائية الوضع والتعبير عن النموذج ؛ من هنا ، أخيرًا ، يأتي الاهتمام بالخصائص اليومية ، في إدخال العناصر الداخلية والحياة الساكنة في الصورة.

يستند عمل آخر للفنان لاحقًا إلى حد ما على مبادئ مماثلة - صورة للكاتب ف. روزانوف (باستيل ، 1901 ، معرض الدولة تريتياكوف). ومع ذلك ، هنا يمكن للمرء أن يرى بالفعل الاتجاه التوجيهي في تطوير لوحة بورتريه باكست ، وهي محاولة لتحرير نفسه من تقاليد الواقعية النفسية في القرن التاسع عشر.

في صورة روزانوف ، يتجلى أيضًا السعي وراء الخصائص النفسية واليومية ، وفي تفسير الشكل ، من السهل ملاحظة ميزات الوهم. ومع ذلك ، بالمقارنة مع صورة بينوا ، تظهر هنا على الفور صفات جديدة أخرى. يتم التأكيد بشكل متعمد على شكل الصورة ، الضيق والممدود ، من خلال الخطوط الرأسية للباب ورفوف الكتب. على خلفية بيضاء ، تشغل مساحة اللوحة بالكامل تقريبًا ، تم تحديد صورة ظلية داكنة للصورة ، محاطة بخط كفاف صلب. يتم إزاحة الشكل من المحور المركزي للصورة ولم يعد يندمج مع الداخل ، ولكنه يعارضه بشدة. يختفي ظل العلاقة الحميمة المميزة لصورة بينوا.

رفض باكست فهم الصورة على أنها لحظة تدفق للواقع مثبت على القماش ، وبدأ باكست - في وقت واحد تقريبًا مع سوموف - في بناء عمله على أسس مختلفة. يسود التفكير في Bakst على الملاحظة المباشرة ، ويسود التعميم على عناصر التحليل.

لم يعد محتوى خاصية الصورة الشخصية طبيعة في تيار حالاتها الحية ، بل فكرة معينة ومثالية بشكل خاص عن الشخص الذي يتم تصويره. لا يتخلى باكست عن مهمة الكشف عن العالم الداخلي لهذا الشخص بعينه في تفرده الفردي ، ولكنه في الوقت نفسه يسعى إلى زيادة حدة مظهر السمات النموذجية المصوَّرة التي يتميز بها الأشخاص في "عالم الفن" الرائع ، كما يدرك صورة "البطل الإيجابي" لعصره وبيئته الأيديولوجية القريبة. اكتسبت هذه الميزات شكلاً متميزًا وكاملًا تمامًا في صورة S.P. دياجليف مع مربية (1906 ، متحف الدولة الروسية). متنوعًا في نفس موضوع الشكل البشري في الداخل ، يعيد الفنان ، كما كان ، ترتيب اللهجات ، ويعيد تفسير الأساليب السابقة بطريقة جديدة ، ويضعها في نظام متماسك ومتسق ويخضعها للصورة المقصودة. لم يعد هناك أي أثر للوهم والتكامل الطبيعي للصور السابقة. تستند الإيقاعات التركيبية إلى عدم تناسق حاد. كتل الرسم لا توازن بعضها البعض: النصف الأيمن من الصورة يبدو محملاً بشكل زائد ، واليسار شبه فارغ. بهذه التقنية ، يخلق الفنان جوًا من التوتر الخاص في الصورة ، وهو أمر ضروري لتوصيف الصورة. يتم إعطاء وضع دياجليف فرضًا احتفاليًا. يصبح الجزء الداخلي ، جنبًا إلى جنب مع صورة امرأة عجوز جالسة ، مربية ، تعليقًا يكمل توصيف الصورة.

سيكون من الخطأ التأكيد على أن صورة دياجليف في هذه اللوحة هي خارج النفسية. على العكس من ذلك ، يضع باكست في الصورة مجموعة كاملة من التعريفات النفسية الحادة والملائمة ، لكنه هناك يحد منها عن عمد: لدينا صورة لشخص متظاهر. لحظة الوقوف هي أهم جزء في المفهوم ، حيث لا يوجد حتى تلميح من العلاقة الحميمة اليومية ؛ يتم التأكيد على الوضع من خلال البنية الكاملة للصورة: الخطوط العريضة لصورة ظلية Diaghilev ، وتعبيراته ، والبناء المكاني للتكوين ، وجميع تفاصيل الموقف.

لا توجد دوافع للقرن الثامن عشر في رسومات باكست. وموضوعات مانور. إنه ينجذب إلى العصور القديمة ، ونحو اليوناني القديم ، مفسرًا بشكل رمزي. لاقت لوحاته "Terroantiquus" (تمبرا ، 1908 ، متحف الدولة الروسي) نجاحًا خاصًا بين الرموز. سماء عاصفة رهيبة ، يضيء البرق هاوية البحر والمدينة القديمة - وفوق هذه الكارثة العالمية بأكملها ، يهيمن تمثال قديم للإلهة بابتسامة غامضة مجمدة.

في وقت لاحق ، ذهب باكست بالكامل إلى العمل المسرحي والزخرفي ، وأدى مشهده وأزياءه لباليه مشروع دياجيليف ، ببراعة غير عادية ، ببراعة وفنية ، إلى شهرة عالمية. تم تصميمه للعروض مع آنا بافلوفا ، باليه فوكين.

الغريب ، الشرقي الحار ، من ناحية ، فن بحر إيجة واليوناني القديم ، من ناحية أخرى - هذان موضوعان وطبقتان أسلوبيتان كانتا موضوع هوايات باكست الفنية وشكلتا أسلوبه الفردي.

يصمم بشكل أساسي عروض الباليه ، ومن بين روائعه مجموعات وأزياء "شهرزاد" لموسيقى ن. ريمسكي كورساكوف (1910) ، "The Firebird" بقلم آي إف. Stravinsky (1910) ، "Daphnis and Chloe" بواسطة M. Ravel (1912) وإخراج V.F. Nijinsky إلى موسيقى K. Debussy لباليه "بعد الظهر من Faun" (1912). في مزيج متناقض من المبادئ المتعارضة: التألق الصاخب العفوي ، القابض الحسي للون والنعمة الكسولة لخط الرسم المتدفق ضعيف الإرادة ، والذي يحتفظ بالاتصال بزخرفة الحداثة المبكرة ، هي أصالة أسلوب باكست الفردي. عند أداء الرسومات التخطيطية للأزياء ، ينقل الفنان الشخصية ، ومزاج الصورة الملون ، والرسم البلاستيكي للدور ، والجمع بين عمومية الكفاف وبقعة اللون مع اللمسات الأخيرة الدقيقة للمجوهرات - المجوهرات ، والأنماط على الأقمشة ، إلخ. هذا هو السبب في أن رسوماته يمكن أن تسمى على الأقل مسودات ، لكنها أعمال فنية كاملة في حد ذاتها.

أ. Golovin - أحد أكبر فناني المسرح في الربع الأول من القرن العشرين ، I. Ya. بيليبين ، أ. أوستروموفا ليبيديف وآخرون.

يحتل نيكولاس رويريتش (1874-1947) مكانة خاصة في "عالم الفن". خبير في فلسفة الشرق و إثنوغرافيا الشرق ، عالم آثار ، تلقى رويريتش تعليمًا ممتازًا ، أولاً في المنزل ، ثم في كلية الحقوق والتاريخ وعلم فقه اللغة ، ثم في أكاديمية الفنون ، في ورشة عمل Kuindzhi ، وفي باريس في استوديو F. Cormon. اكتسب في وقت مبكر سلطة عالم. كان مرتبطًا بـ "عالم الفن" بنفس حب الاسترجاع ، ليس فقط في القرنين السابع عشر والثامن عشر ، ولكن العصور القديمة الوثنية السلافية والاسكندنافية وروسيا القديمة ، والميول الأسلوبية ، والزخرفة المسرحية ("الرسول" ، 1897 ، الدولة تريتياكوف غاليري ؛ "الحكماء يتقاربون" ، 1898 ، متحف الدولة الروسي ؛ "Sinister" ، 1901 ، متحف الدولة الروسي). ارتبط روريش ارتباطًا وثيقًا بفلسفة وجماليات الرمزية الروسية ، لكن فنه لم يتناسب مع إطار الاتجاهات الحالية ، لأنه وفقًا لوجهة نظر الفنان للعالم ونظرة العالم ، فقد خاطب ، كما كان ، البشرية جمعاء مع نداء اتحاد ودي لجميع الشعوب. ومن هنا يأتي الطابع الضخم الخاص والطابع الملحمي للوحاته. بعد عام 1905 ، نما مزاج التصوف الوجودي في عمل روريش. تفسح الموضوعات التاريخية المجال للأساطير الدينية ("معركة السماوية" ، 1912 ، متحف الدولة الروسي). كان للأيقونة الروسية تأثير كبير على Roerich: تم عرض لوحته الزخرفية Cut at Kerzhenets (1911) أثناء أداء جزء من أوبرا Rimsky-Korsakov The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia بالروسية الباريسية مواسم.

نظرًا لتطور المواقف الجمالية الأولية ، فإن الانقسام داخل مكتب تحرير المجلة ، توقف فرع مجموعة موسكو للفنانين "عالم الفن" بحلول عام 1905 عن أنشطة العرض والنشر. في عام 1910 ، تم تجديد "عالم الفن" ، لكنه يعمل حصريًا كمنظمة عرض ، ولم يتم تثبيته ، كما كان من قبل ، بوحدة المهام الإبداعية والتوجه الأسلوبي ، مما يوحد الفنانين من مختلف الاتجاهات.

ومع ذلك ، كان هناك عدد من فناني عالم الفن من "الموجة الثانية" ، حيث تم تطوير المبادئ الفنية لكبار أساتذة "عالم الفن" بشكل أكبر. وكان من بينهم ب. كوستودييف.

ولد بوريس ميخائيلوفيتش كوستودييف (1878-1927) في أستراخان ، في عائلة مدرس. درس الرسم والتصوير على يد الفنان ب. فلاسوف في أستراخان (1893-1896) وفي المدرسة العليا للفنون في أكاديمية الفنون في سانت بطرسبرغ (1896-1503) ، منذ عام 1898 - في ورشة البروفيسور إ. ريبين. في 1902-1903 شارك ريبين في عمل مشترك على لوحة "الاجتماع الرسمي لمجلس الدولة. كطالب في أكاديمية الفنون ، سافر في إجازة عبر القوقاز وشبه جزيرة القرم ، ثم قضى الصيف سنويًا (منذ عام 1900) في مقاطعة كوستروما ؛ في عام 1903 قام برحلة على طول نهر الفولغا مع د. ستليتس كيم إلى نوفغورود.

في عام 1903 ، حصل Kustodiev على لقب الفنان والحق في السفر إلى الخارج من أجل لوحة "Bazaar in the Village" (التي كانت موجودة حتى عام 1941 في متحف Novgorod التاريخي والفني). في نهاية العام نفسه ، كمتقاعد من الأكاديمية ، غادر إلى باريس ، حيث عمل لفترة قصيرة في ورشة R.Menard وفي نفس الوقت تعرف على الفن المعاصر ، وزار المتاحف والمعارض. في أبريل 1904 غادر باريس متوجهاً إلى إسبانيا لدراسة الأساتذة القدامى. في بداية الصيف عاد إلى روسيا. في عام 1909 حصل على لقب أكاديمي.

قام Kustodiev بعد ذلك بعدة رحلات إلى الخارج: في عام 1907 ، مع د. Stelletsky ، - إلى إيطاليا ؛ في عام 1909 - إلى النمسا وإيطاليا وفرنسا وألمانيا ؛ في عامي 1911 و 1912 - إلى سويسرا ؛ في عام 1913 - جنوب فرنسا وإيطاليا. أمضى صيف عام 1917 في فنلندا.

رسام النوع ورسام بورتريه في الرسم ، ورسام الحامل والرسام في الرسومات ، وديكور المسرح ، عمل كوستودييف أيضًا كنحات. قام بعمل عدد من التماثيل النصفية والتراكيب. في عام 1904 ، أصبح كوستودييف عضوًا في جمعية الفنانين الجديدة ؛ وهو عضو في عالم الفن منذ عام 1911.

الهدف من أسلوب Kustodiev الرائع في روح الألعاب المرسومة والمطبوعات الشعبية هو روسيا الأبوية ، عادات البوزاد والتجار ، والتي يستعير الفنان منها رمزًا جماليًا خاصًا - طعم لكل شيء ملون ، مفرط الألوان ، زخرفي معقد. ومن هنا جاءت "المعارض" ، و "Maslenitsa" ، و "Balagany" المشرقة ، ومن هنا نقلت لوحاته من الحياة البرجوازية والتجارية بسخرية لاذعة ، ولكن ليس من دون الإعجاب بهذه الجمال ذات الخدود الحمراء ، والنصف نائمة في السماور ومع الصحون في أصابعهم الممتلئة ("التاجر" ، 1915 ، المتحف الروسي الحكومي ؛ "زوجة التاجر في الشاي" ، 1918 ، متحف الدولة الروسي).

"الجمال" (1915 ، معرض الدولة تريتياكوف) هو مثال ممتاز على أسلوب كوستودييف بروح "جماليات الكمية" ، التي يتم التعبير عنها من خلال التأثير القطعي لهذه الكمية - الجسم ، الزغب ، الساتان ، الزخارف. الجمال الوردي اللؤلؤي في مملكة الألحفة والوسائد وأسرّة الريش والماهوجني هو إلهة ، معبود للحياة التجارية. يجعل الفنان المرء يشعر بمسافة السخرية "الدنيوية" النموذجية فيما يتعلق بقيم هذه الحياة ، ويتشابك بذكاء مع البهجة مع ابتسامة لطيفة.

كان عالم الفن حركة جمالية كبرى في مطلع القرن حيث بالغت في تقدير الثقافة الفنية الحديثة بأكملها ، ووافقت على الأذواق والمشاكل الجديدة ، وعادت إلى الفن - على أعلى مستوى احترافي - الأشكال المفقودة لرسومات الكتب والرسم المسرحي والزخرفي ، والتي ، من خلال جهودهم ، نالت كل التقدير الأوروبي. -ني ، الذي ابتكر نقدًا فنيًا جديدًا ، روج للفن الروسي في الخارج ، في الواقع ، حتى أنه فتح بعض مراحله ، مثل القرن الثامن عشر الروسي. ابتكر "Miriskusniki" نوعًا جديدًا من الرسم التاريخي ، والصور الشخصية ، والمناظر الطبيعية بسمات أسلوبية خاصة بها (اتجاهات أسلوبية مميزة ، وهيمنة تقنيات الرسم على الرسم ، والفهم الزخرفي البحت للون ، وما إلى ذلك). هذا يحدد أهميتها للفن الروسي.

تنعكس نقاط ضعف "عالم الفن" بشكل أساسي في تنوع البرنامج وعدم اتساقه ، مع إعلان مثال "الآن بوكلين ، الآن مانيه" ؛ في وجهات النظر المثالية للفن ، المتأثرين باللامبالاة بالمهام المدنية للفن ، في اللاسياسة البرامجية ، في فقدان الأهمية الاجتماعية للصورة. حميمية "عالم الفن" ، سمات التحديد الأصلي حددت الفترة التاريخية القصيرة من حياته في عصر الإنذارات الهائلة للثورة البروليتارية الوشيكة. لم تكن هذه سوى الخطوات الأولى على طريق المساعي الإبداعية ، وسرعان ما تجاوز الشباب "عالم الفن".

عالم الفن هو جمعية إبداعية للفنانين كانت موجودة منذ أواخر تسعينيات القرن التاسع عشر. حتى عام 1924 (بشكل متقطع). ضم المركز الرئيسي للجمعية A.N Benois ، و L. S. Bakst ، و K. A. Somov ، و M. V. Dobuzhinsky ، و E. E. Lansere ، و I. Ya. Bilibin. إنضم K. A. Korovin ، A. Ya. Golovin ، B. M. Kustodiev ، N.K Roerich ، S. Yu. Sudeikin ، B.I Anisfeld وآخرون إلى عالم الفن.

كان برنامج World of Art مثيرًا للجدل. عارض "عالم الفن" أنشطته أمام المتجولين وأكاديمية الفنون ، وكان من أنصار "الفن الخالص". في الوقت نفسه ، لم يقطع فناني الجمعية عن الواقعية ، فقد استجاب الكثير منهم لثورة 1905 ، وفي عقد 1910. عارض "عالم الفن" الانحطاط والشكليات. في أعمال فناني عالم الفن ، كان هناك اتجاه استعادي قوي ، وفتن بثقافة القرنين السابع عشر والثامن عشر.

أعظم نقاط القوة في عالم الفن هي رسومات الكتاب والمشهد المسرحي. دفاعا عن مضمون ونزاهة حل العرض ، الدور الفعال للفنان فيه ، واصل "عالم الفن" إصلاح الفن المسرحي والزخرفي ، الذي بدأه مصممي أوبرا س. آي. مامونتوف.

تتميز أعمال الديكور الخاصة بفنانين عالم الفن بالثقافة العالية ، وإثراء المسرح بإنجازات الرسم الحديث ، وتكامل الحلول الفنية ، والذوق الدقيق ، وعمق تفسير الأعمال المسرحية ، بما في ذلك أعمال الباليه.

لعب فناني "عالم الفن" دورًا كبيرًا في تصميم العروض

أعلنت جمعية Art Association "World of Art" عن نفسها بإصدار المجلة التي تحمل الاسم نفسه في مطلع القرنين التاسع عشر والعشرين. كان نشر العدد الأول من مجلة "عالم الفن" في سانت بطرسبرغ في نهاية عام 1898 نتيجة عشر سنوات من التواصل بين مجموعة من الرسامين وفناني الجرافيك برئاسة ألكسندر نيكولايفيتش بينوا (1870-1960).

تم التعبير عن الفكرة الرئيسية للتوحيد في مقال "أسئلة صعبة. تراجعنا الوهمي ". تم إعلان أن الهدف الرئيسي للإبداع الفني هو الجمال والجمال في الفهم الشخصي لكل سيد. أعطى هذا الموقف من المهام الفنية للفنان الحرية المطلقة في اختيار الموضوعات والصور ووسائل التعبير ، والتي كانت جديدة تمامًا وغير عادية بالنسبة لروسيا.

افتتح عالم الفن للجمهور الروسي العديد من الظواهر المثيرة للاهتمام وغير المعروفة سابقًا للثقافة الغربية ، ولا سيما الرسم الفنلندي والاسكندنافي ، والفنانين الإنجليز قبل رافائيليتي والفنان الجرافيكي أوبري بيردسلي. كان التعاون مع الكتاب الرمزيين ذا أهمية كبيرة للسادة المتحدين حول بينوا ودياجيليف. في العدد الثاني عشر من المجلة عام 1902 ، نشر الشاعر أندريه بيلي مقالاً بعنوان "أشكال الفن" ، ومنذ ذلك الحين ظهر أكبر الشعراء الرمزيين على صفحاتها بانتظام. ومع ذلك ، فإن فناني عالم الفن لم يقتصروا على الرمزية. لقد سعوا ليس فقط من أجل الوحدة الأسلوبية ، ولكن أيضًا من أجل تكوين شخصية إبداعية فريدة وحرة.

بصفته رابطة أدبية وفنية متكاملة ، لم يدم "عالم الفن" طويلاً. أدت الخلافات بين الفنانين والكتاب في عام 1904 إلى إغلاق المجلة. لم يعد بإمكان استئناف أنشطة الجماعة في عام 1910 استعادة دورها السابق. لكن في تاريخ الثقافة الروسية ، ترك هذا الارتباط أثرًا عميقًا. كان هو الذي حول انتباه المعلمين من أسئلة المحتوى إلى مشاكل الشكل واللغة التصويرية.

السمة المميزة لفنانين عالم الفن كانت تنوعهم. كانوا يشتغلون بالرسم وتصميم العروض المسرحية والفنون والحرف اليدوية. ومع ذلك ، تلعب الرسومات دورًا مهمًا في إرثها.

أفضل أعمال Benoit Graphic ؛ من المثير للاهتمام بشكل خاص الرسوم التوضيحية لقصيدة ألكسندر بوشكين "الفارس البرونزي" (1903-1922). أصبحت بطرسبورغ "البطل" الرئيسي للدورة بأكملها: شوارعها وقنواتها وروائعها المعمارية تظهر الآن في شدة البرودة للخطوط الرفيعة ، الآن في التباين الدراماتيكي للبقع المضيئة والمظلمة. في ذروة المأساة ، عندما هرب يوجين من العملاق الهائل ، كان النصب التذكاري لبيتر يركض خلفه ، يرسم السيد المدينة بألوان داكنة قاتمة.

عمل بينوا قريب من الفكرة الرومانسية لمقاومة البطل الذي يعاني وحيدًا والعالم ، غير مبال به وبالتالي قتله.

تصميم العروض المسرحية هو ألمع صفحة في أعمال ليف سامويلوفيتش باكست (الاسم الحقيقي روزنبرغ ، 1866-1924). ترتبط أعماله الأكثر إثارة للاهتمام بإنتاج الأوبرا والباليه في المواسم الروسية في باريس في 1907-1914. - نوع من مهرجان الفن الروسي ، من تنظيم دياجليف. رسم باكست اسكتشات للمناظر الطبيعية والأزياء لأوبرا "سالومي" من تأليف آر شتراوس ، وجناح "شهرزاد" لن.أ. من اللافت للنظر بشكل خاص رسومات الأزياء التي أصبحت أعمالًا رسومية مستقلة. قام الفنان بتصميم الزي ، مع التركيز على نظام حركات الراقص ، من خلال الخطوط والألوان ، حاول الكشف عن نمط الرقص وطبيعة الموسيقى. في رسوماته ، كانت حدة رؤية الصورة ، والفهم العميق لطبيعة حركات الباليه والنعمة المذهلة مدهشة.

كان أحد الموضوعات الرئيسية للعديد من أساتذة عالم الفن هو النداء إلى الماضي ، والتوق إلى العالم المثالي المفقود. كان العصر المفضل هو القرن الثامن عشر ، وقبل كل شيء عصر الروكوكو. لم يحاول الفنانون إحياء عملهم هذه المرة فحسب - لقد لفتوا انتباه الجمهور إلى الفن الأصيل للقرن الثامن عشر ، في الواقع ، أعادوا اكتشاف أعمال الرسامين الفرنسيين أنطوان واتو وأونوريه Fragonard ومواطنيهم - فيودور روكوتوف وديمتري ليفيتسكي .

ترتبط أعمال بينوا بصور "العصر الشجاع" ، حيث تُعرض قصور وحدائق فرساي على أنها عالم جميل ومتناغم ، لكن الناس تخلى عنهم. فضل Evgeny Evgenievich Lanceray (1875-1946) تصوير صور الحياة الروسية في القرن الثامن عشر.

تجلت زخارف الروكوكو بتعبير خاص في أعمال كونستانتين أندريفيتش سوموف (1869-1939). انضم في وقت مبكر إلى تاريخ الفن (الأب

كان الفنان القيم على مجموعات هيرميتاج). بعد تخرجه من أكاديمية الفنون ، أصبح المعلم الشاب خبيرًا ممتازًا في الرسم القديم. قلدت سوموف أسلوبها ببراعة في لوحاته. يمكن تسمية النوع الرئيسي لعمله بالتنوعات حول موضوع "المشهد الباهت". في الواقع ، على لوحات الفنان ، يبدو أن شخصيات واتو تعود إلى الحياة مرة أخرى - سيدات يرتدين الفساتين المورقة والشعر المستعار ، وممثلات الأقنعة الكوميدية. إنهم يغازلون ويغازلون ويغنون الغناء في أزقة الحديقة ، محاطين بالوهج المداعب لضوء غروب الشمس.

ومع ذلك ، فإن جميع وسائل لوحة سوموف تهدف إلى إظهار "المشهد الشجاع" كرؤية رائعة تومض للحظة وتختفي على الفور. من بعده ، لم يبق سوى ذكرى مؤلمة. ليس من قبيل الصدفة أن تظهر صورة الموت في خضم مسرحية شجاعة خفيفة ، كما في الرسم المائي "Harlequin and Death" (1907). من الواضح أن التكوين ينقسم إلى طائرتين. في المسافة ، "مجموعة الطوابع" التقليدية لـ Rococo: السماء المرصعة بالنجوم ، الأزواج في الحب ، إلخ. وفي المقدمة أيضًا هناك شخصيات تقليدية للأقنعة: Harlequin في بدلة ملونة و Death - هيكل عظمي في عباءة سوداء. تم تحديد الأشكال الظلية لكلا الشكلين بخطوط حادة ومكسورة. في لوحة ساطعة ، في بعض السعي المتعمد لقالب ما ، يشعر المرء بشيء كئيب. يتضح أن النعمة المكررة ورعب الموت وجهان لعملة واحدة ، ويبدو أن الرسام يحاول التعامل مع كليهما بنفس السهولة.

تمكن سوموف من التعبير عن إعجابه بالحنين بالماضي بطريقة خفية بشكل خاص من خلال الصور الأنثوية. العمل الشهير "السيدة ذات الرداء الأزرق" (1897-1900) هو صورة شخصية معاصرة للفنان الرئيسي إي مارتينوفا. كانت ترتدي أزياء قديمة وتم تصويرها على خلفية حديقة ذات مناظر طبيعية شاعرية. طريقة الرسم تقلد ببراعة أسلوب بيدرمير. لكن المراضة الواضحة لظهور البطلة (ماتت مارتينوفا سرعان ما ماتت من مرض السل) تثير شعورًا بالكآبة الحادة ، والنعومة المثالية للمناظر الطبيعية تبدو غير واقعية ، موجودة فقط في خيال الفنان.

ركز مستيسلاف فاليريانوفيتش دوبوزينسكي (1875-1957) اهتمامه بشكل رئيسي على المشهد الحضري. إن مدينة بطرسبورغ ، على عكس بطرسبورغ بينوا ، خالية من الهالة الرومانسية. يختار الفنان أكثر المناظر "الرمادية" غير الجذابة ، ويظهر المدينة كآلية ضخمة تقتل روح الإنسان.

يعتمد تكوين لوحة "رجل ذو نظارة" ("صورة لـ K. A. Sunnerberg" ، 1905-1906) على معارضة البطل والمدينة ، والتي يمكن رؤيتها من خلال نافذة واسعة. للوهلة الأولى ، يبدو أن صفًا متنوعًا من المنازل وشخصية رجل بوجه مغمور في الظل معزولان عن بعضهما البعض. لكن هناك علاقة داخلية عميقة بين هاتين الطائرتين. يقف البليد "الميكانيكي" لمنازل المدينة وراء سطوع الألوان. البطل منفصل ، منغمس في نفسه ، لا يوجد في وجهه سوى التعب والفراغ.