XII yüzyıldan. Sanatta, antithex, Orta Çağların estetiğinin karakteristik özelliği, sakral müziğin - "Yeni Şarkı", yani Pagan müziğidir. Aynı zamanda, hem Batı hem de Doğu Hristiyan geleneğinde enstrümantal müzik, şarkı söylemekten daha az layık olgusu sızdı.

"Maastricht sınıfı", Maastricht Rite. XIV yüzyılın ilk çeyreği. Hollanda, Liege. İngiliz kütüphanesi. Stowe MS 17, F.160r / Minyatür'in Minyatürünün Detayı, 14. yüzyılın 1. çeyreğinde, 2. yüzyılın 1. çeyreğinde, MS 17, F.160r.

Müzik tatillerden ayrılmaz. Aktörler izlemek, ortaçağ toplumundaki tatillerle ilişkilendirilir - profesyonel eğlence ve şovmenler. Ülke çapında aşkı kazanmış olan bu zanaat insanları, yazılı anıtlarda farklı çağrıldı. Geleneksel antik Roma isimleri tarafından kullanılan kilise yazarları: MIME / MIMUS, Pantomimizm / Pantomimus, Gistrius / Histrio. Genel olarak kabul edilen Latince Yokulator / Joculator - Joker, Komik, Balagen. Zevklerin temsilcileri dansçılar / tuzlayıcı denir; Jesters / Balatro, Scurra; Müzisyenler / Musicus. Doğum tarafından ayırt edilen müzisyenler: Citharista, Cymbalista, vb .. Özel dağıtım Fransız adını "Juggler" / Jongleur; İspanya'da, "hugar" / junglar kelimesine karşılık geldi; Almanya'da - "Spielman" / Spielmann, Rusya'da - "Skomorok". Bütün bu isimler pratik olarak eşanlamlılardır.

Ortaçağ müzisyenleri ve müzikleri hakkında - kısaca ve parçalanır.

2.

Maastricht Karakter, BL Stowe MS 17, F.269V

Çizimler - XIV yüzyılın ilk çeyreğinin Hollanda elemanından - İngiliz kütüphanesinin "Maastricht karakteri". Marjinal sınırların görüntüleri, müzik aletlerinin cihazını ve yaşamdaki müziğin yeri hakkında karar vermenize olanak sağlar.

XIII yüzyıldan itibaren başıboş müzisyenler kaleler ve şehirlerde daha aktif olarak çabalıyorlar. Din adamları şövalyeleri ve temsilcileri ile birlikte, Mahkeme Minesters taçlı müşterilerini çevreler. Müzisyenler ve şarkıcılar, şövalye kalıntılarının sakinlerinin sakinlerinin, cavaliers ve bayanlara aşık uyduların sakinlerinin vazgeçilmez katılımcılarıdır.

3.

f.192v.

Borular ve trombonlar gök gürültüsü gibi gök gürültüsü,
Ve flüt ve gümüş zil swirls,
Arp'ın sesi ve kemanların sesi şarkı söylemeye eşlik etti,
Ve birçok yeni elbiseler, Zeal için aldı.

["Kudruna", XIII yüzyılın Alman destansı şiiri.]

4.

f.61V.

Teorik ve pratik müzik, mükemmel şövalye öğrenme programına dahil edildi, asil bir sofistike eğlenceyle onurlandırıldı. Özellikle nazik akorları ve melodik arp ile şarkıcı viyola sevdi. Vokal solo, viyola üzerindeki oyunun eşlik ettiği ve harp sadece sürüşler profesyonel sanatçılar değil, aynı zamanda asil şairler ve şarkıcılar:

"Tristrah çok yetenekli bir öğrenciydi ve kısa süre sonra yedi ana sanat ve birçok dilde çalıştı. Sonra yedi müzik türünü okudu ve eşit olmayan ünlü bir müzisyen olarak ünlendi. "

["Saga Tristrama ve Isonda", 1226]

5.


f.173v.

Efsanelerin tüm edebi fiksasyonlarında Tristan ve Isolde - vasıflı biçerdöverler:

O söylediğinde - o oynadı
Sonra onu değiştirdi ...
Ve eğer bir tanesi - başka
Harp elini vurdu.
Ve özlem dolu şarkı söylemek,
Ve elden dizgelerin sesleri
Havada birleştikçe ve orada
Cennete bir araya gelmek.

[Gottfried Strasbourg. Tristan. XIII yüzyılın ilk çeyreği.]

6.


f.134r

Provence Troubadurov'un "biyografileri" nden, bazılarının araçlar üzerinde doğaçlama ve sonra "violar" olarak adlandırıldığı bilinmektedir.

7.


f.46r

Friedrich II Staufen'in (1194-1250) "Alman Ulusunun Kutsal Roma İmparatorluğu'nun İmparatoru, farklı araçlar oynadı ve şarkı söylemekte eğitildi"

8.

f.103R.

Arp'ta, kadınlar ve diğer araçlar, kadınlar tarafından bir kural, hokkabazlar, zaman zaman - soylu ailelerden ve hatta en yüksek kişiden gelen kızlar tarafından oynandı.

Öyleyse, Fransız mahkemesi XII. Yüzyıl. Kraliçe-bilzer olduğunu hissettim: "Kraliçe tatlı bir şekilde şarkı söylüyor, şarkı aracı ile birleştirildi. İyi şarkılar, güzel eller, ses nazik, sessiz sesler "

9.


f.169v.

Müzik aletleri çeşitli ve kademeli olarak iyileştirildi. Bir ailenin ilgili araçları çok fazla çeşittir. Sıkı birleşme yoktu: formları ve boyutları büyük ölçüde üreticinin arzusuna bağlı. Yazılı kaynaklarda, aynı araçlar genellikle çeşitli isimler aşınmış veya aksine, aynı isimler altında çeşitli türler gizleniyordu.

Metinli müzik aletlerinin görüntüleri bağlı değildir - bu konuda uzman değilim.

10.


f.178v.

String enstrümanları grubu yay, lute ve arp ailesine bölünmüştür. Bükülmüş ekmek kırıntılarından, beygir gücü veya ipek ipliklerinden yapılan dizeler. XIII yüzyıldan. Bakır, çelikten ve hatta gümüşten giderek daha fazla yapıldılar.

Tüm yarı tonlarda kayma sesinin avantajına sahip olan String-Sıkılmış Araçlar, seslere eşlik etmek için en iyisini sağlıyor.

XIII yüzyılın Paris müziği John de GRORHAIO / Groameio, Viola'yı dizeler arasında ilk etapta koydu: "Tüm müzikal formlar sıkıca bulaşıyor", dans dahil,

11.

f.172r

"Wilhelm von veden" (1290) "Wilhelm von veden" (1290), Alman şairi'nde Resim Mahkemesi Festivali, Vie'yi vurguladı:

Eğilerek duyduğum her şeyden,
Vila sadece tozu övdü;
Hepsini dinlemek faydalıdır.
Kalp yaralandığından beri,
O zaman bu un iyileştirilecek
Sesin hassas tatlılığından.

Müzik Ansiklopedisi [M.: Sovyet Ansiklopedisi, Sovyet Besteci. Ed. Yu. V. Keldysh. 1973-1982] Vila'nın ortaçağ dize araçlarının genel isimlerinden biri olduğunu bildirir. Ve Ulrich Von Eshenbach'ın ne demek olduğunu - bilmiyorum.

12.

f.219v. Resme tıklayın - araç daha büyük

14.

f.216v.

Ortaçağın halkı manzaralarında, enstrümantal müzik verminden, kutupsal niteliklere sahipti ve doğrudan zıt duygulara neden oldu.

"Boş yağlılık, diğerleri - saf ölen sevinç ve sık sık kutsal gözyaşları üzerinde yatıyor" [Petrarch].

15.

f.211v.

Doğmamış ve kısıtlanmış müziğin, ahlaki yumuşatmanın, ruhları ilahi uyum için tanıttığına inanılıyor, inanç sırlarının anlaşılmasını kolaylaştırdı.

16.


f.236v.

Aksine, heyecan verici orgiastik melodiler, insan ırkının yolsuzluğuna hizmet eder, Mesih emirlerinin ihlal edilmesine ve final kınamasına yol açar. Kalbindeki unutulmuş müzik sayesinde, birçok victure nüfuz eder.

17.


f.144v.

Kilise hiyerarşileri, Plato ve Boeation'ın öğretilerini izledi, "gökyüzünün uyumunu" ve görev, müstehcen müziğin ideal, yükseltti.

18.


f.58R

Maastricht karakteri de dahil olmak üzere Gotik yazıların alanlarını toplayan canavar müzisyenler -, eskiden müzisyenler, dansçılar, şarkıcılar, hayvan eğitmenleri, anlatıcı vb. Boşluklar "Şeytanın Hizmetkarları" tarafından ilan edildi.

19.


f.116r

Grotesque yaratıklar gerçek ya da saçma araçlar oynar. Hibritlerin korkutucu ve komik bir şekilde korkutucu ve komik olan muayene dünyasının irrasyonel dünyası. "Gerçeküstü" kötülük, sayısız Lichni'yi alarak, sahte müzikle taşıyor ve kandırıyor.

20.


f.208V.

XI yüzyılın başında. Noter kalça, ardından Aristoteles ve Boeziem, bir kişinin üç niteliğine işaret etti: Yaratık, nasıl güleceğini bilen makul, ölümcül. Noter, erkek ve kahkaha yeteneğini kabul etti ve kahkahalara neden oldu.

21.


f.241r

İzleyicilerin ve dinleyicilerin tatil günlerinde, diğerleri arasında, müzikal eksantrikler, parolanmış ve böylece "ciddi" sayıları gölgelendirmiştir.

Gülenin ellerinde, her zamanki ilişkinin geri döndüğü "dünyadaki dünyanın dışına" ikiye katlanır, çünkü araçlar mousize etmek için en uygun değil, en iyi şekilde "ses" yapmaya başlar.

22.


f.92V. Bir horoz oynayan bir müzisyenin kıyafetlerinden, bir ejderha gövdesi dışında görünüyor

Sıradışı roldeki maddelerin kullanımı, bir buffon komedyen komedyeninin tekniklerinden biridir.

23.


f.145v.

Fantastik Muzitsia, bölge festivallerinin kürlülüğüne, normal yüzün nesneler arasında silindiği, her şey kararsız, göreceli hale geldi.

24.

f.105V.

XII-XIII yüzyıllarındaki entelektüellerin görüşlerinde. Bedensiz kutsal ruhu arasında belirli bir uyum vardı ve neşelendiriyor. Sakin, Aydınlanmış "Manevi Eğlence", Sürekli "Mesih'in Jog" komutunu, Assisi'nin Francis'in takipçilerinin karakteristiğidir. Francis, sürekli üzüntünün Rab, ama şeytanın olmadığına inanıyordu. Eski şiirde, neşe en yüksek mahkeme erdemlerinden biridir. Kültüsü, Troubadur'un yaşam onaylayan dünya görüşü tarafından üretilir. "Birçok tork kültüründe ve ciddi tonlarda, farklı görünüyorlar: Gülme tonlarının reflekslerine düşüyorlar, istisnalarını ve benzersizliğini kaybediyorlar, bir konşaktı ile tamamlanırlar."

25.

f.124v.

Kahkahaları ve şakaları yasallaştırmanın ihtiyacı onlara karşı mücadeleyi dışlamadı. İnanç markalı hokkabazın yükseltileri "şeytan topluluğunun üyeleri" olarak. Aynı zamanda, Jugyery - üzgün bir zanaat olmasına rağmen, ancak herkesin yaşadığı için, hem de nezaket için bağlılıkla tutarlı olacaklarını kabul ettiler.

26.

f.220r

"Müzik, ruhun ve vücudun tutkusu üzerinde büyük bir güç ve etkiye sahiptir; Buna göre, bekarlar veya müzikal perdeler ayırt edilir. Ne de olsa, bazıları dürüst, tertemiz, mütevazi ve dindarlığın boyutlarını teşvik ettikleri içindir. "

[Nikolay cevheri. Niteliklerin yapılandırılmasına dikkat edin. XIV yüzyılı.]

27.


f.249v.

"Tympana, Lute, Harp ve Kifara
Sıcaklar ve çiftler yürüdü
Günahkar dansta.
Ben hiç gece
Gıda ve havalandırma sabaha kadar.
Yani Kerisili bir domuz şeklinde memon
Ve tapınaklarda, Şeytan atlıyordu. "

[Çanak. Canterbury Hikayeleri]

28.


f.245v.

"Gıdıklayan işitme ve aldatma zihin, UVO-bize iyi niyetle" [John Zlatoust],, şeytanın ustaca yaratılması, günahkar bir hacimin dejenerasyonu olarak kabul edildi. Ayrışan etkileri ile, sert kısıtlamalar ve yasaklar ile savaşmak gerekir. Cehennem unsurlarının kendinden kaotik müziği - dünyanın bir parçası "İçeriden çıktı", "idolskoe ibadet".

29.


f.209R

KUZMA PETROV-VODKIN (1878-1939), bu görüşlerin hayatta kalabileceği (1878-1939), Saratov eyaletinin küçük kasabasını, Katedral Arşivi Khlynovsk'ını hatırlıyor.

"Biz, mezun olduk, özellikle müzik alanına bir gezi yaptı: - ama onların ayaklarının altında oynayacak, - ve silerek ... ve şarkılar Nach-nete şarkı söyleseydi, - yani Besky'nin kuyruklarının boğazı ve tırmanmak ve tırmanmak. "

30.


f.129r

Ve başka bir direğe. Yüksek idealin heyecan verici bir müziğinden, Kutsal Ruh'un heyecan verici müziğinden neler olup bittiğinde, Kürelerin müziği, yaratıcının yarattığı evrenin ortaya çıkarılması, dolayısıyla, Gregorian Koromunun sekiz tonu ve rıza gösterdiği bir görüntünün düzenlenmesi olarak bahsedildi. Hıristiyan Kilisesi. Tanrı'nın konforlu selamlarının birliğine tanıklık eden çeşitli seslerin makul ve orantılı bir kombinasyonu. İnce Contansın tutarlılığı, elementlerin, mevsimlerin vb. İyi koordine ilişkilerini sembolize eder.

Doğru melodi, ruhu geciktirir ve iyileştirir, bu "yüceltilmiş bir yaşam tarzı için çağrı, erdemden ayrılmış olanlara, oksik olmayan, inme olmamasına izin vermeyen, intolerable" [Gregory Nissky, IV. Yüzyıl.]

Dipnotlar / Edebiyat:
Kudrun / Ed. Ödül. R. V. Frenkel. M., 1983. S. 12.
Tristan ve Isolde / Ed efsanesi. Ödül. A. D. MIKHAILOV. M., 1976. P. 223; C.197, 217.
Nibelungha / Per şarkısı. Yu. B. Korneeva. L., 1972. S. 212. "Tatlı Nawers" Minesters bahçelerde ve kale çizer.
Batı Avrupa Orta Çağ ve Rönesans / Sost'un müzikal estetiği. Metinler V. P. Shestakov. M., 1966. P. 242
Struve B. A. Bir viyola ve keman oluşturma süreci. M., 1959, s. 48.
CÜLKEP. Mönche, Bürger, Minnesänger. Leipzig, 1975. S. 131
Darkevich V. P. İnsanların Orta Çağ Kültürü: IX-XVI Yüzyıllar Sanatında laik tatil hayatı. - m.: Bilim, 1988. S. 217; 218; 223.
Rönesans / Sost'un estetiği. V. P. Shestakov. M., 1981. T. 1. S. 28.
Gurevich A. YA. Ortaçağ halk kültürünün sorunları. S. 281.
Bakhtin M. Sözel yaratıcılığın estetiği. M., 1979. S. 339.
Petrov-Vodkin K. S. Khlyovsk. Euklide alanı. Samarkand. L., 1970. S. 41.
Averintsev S. S. Runnevizante edebiyatının şiirleri. M., 1977. P. 24, 25.

Metin kaynakları:
Darkevich Vladislav Petrovich. Ortaçağın laik festival ömrü IX-XVI yüzyıllarıdır. Baskı ikinci, desteklenmiş; M.: Yayıncı "Indrik", 2006.
Darkevich Vladislav Petrovich. Halk Kültürü Orta Çağ: IX-XVI Yüzyıllar Sanatında laik şenlikli yaşam. - m.: Bilim, 1988.
V.P. Darkevich. Gotik Mumcripts Minyatürlerinde Parodi Müzisyenleri // "Orta Çağların Sanat Dili", M., "Bilim", 1982.
Boethations. Müzik (pasajlar) // "Batı Avrupa Orta Çağlarının Müzikal Estetiği ve Rönesans" M.: "Müzik", 1966
+ metnin içindeki bağlantılar

Diğer girişler Maastricht karakterinden resimlerle:

P.S. Marjinaller - tarlalardaki çizimler. Bazı çizimler muhtemelen minyatürü sayfanın bir bölümüne çağırmak daha doğru olacaktır.

Müzik Sanatı Orta Çağ. Şekil anlamsal dolgu. Kişilik.

Ortaçağ - uzun, insanlığın gelişiminin binden fazlaını kapsayan.

"Kasvetli Ortaçağ" döneminin figüratif ve duygusal ortamına dönüşürsek, sıklıkla çağrıldıkları için, yoğun bir manevi yaşam, yaratıcı ecstasy ve gerçeği arayışı ile doldurulduğunu göreceğiz. Hristiyan Kilisesi, zihinler ve kalpler üzerinde güçlü bir etkisi oldu. Kutsal Kutsal Yazıların konuları, hikayeleri ve görüntüleri, Mesih'in geleceği ve korkunç mahkemenin gününe kadar dünyanın yaratılmasından ortaya çıkan hikayenin nasıl olduğunu anladı. Dünyevi yaşam, karanlık ve ışık kuvvetlerinin sürekli mücadelesi olarak algılandı ve bir erkeğin ruhu bu mücadelenin askıya alınmasıydı. Dünyanın sonunun restorasyonu, ortaçağ halkının kürülürlüğü ile nüfuz eder, bu sürenin sanatını dramatik tonlara boyar. Bu şartlar altında, müzik kültürü iki güçlü oluşum geliştirmiştir. Bir yandan, ortaçağ döneminde geçen profesyonel kilise müziği, büyük bir gelişme şekli; Öte yandan, "resmi" kilisenin temsilcileri ve amatör olarak mevcut olan laik müziğin temsilcileri tarafından zulüm olan halk müzikal yaratıcılığı, neredeyse tüm ortaçağ döneminde. Bu iki yönün düşmanlığına rağmen, karşılıklı etki yaptılar ve bu dönemin sonunda laik ve kilise müziğinin interpenetrasyonunun sonuçları özellikle somutlaşmıştır. Duygusal-anlamsal içeriğin yanından, ortaçağ müziği için en karakteristik, hem laik hem de kilise türlerinde - mükemmel, manevi ve didaktik prensibin baskınlığıdır.

Hristiyan Kilisesi'nin müziğinin duygusal ve anlamsal içeriği, Ölüm Sonrası için dünyasal malların reddedilmesi, ölümden sonra ödevin vaaz edilmesi için dünyevi malların reddedilmesine yönelikti. Müzik, "saf" ifadesiyle ilişkilendirilmiş olan müzik, ideal için herhangi bir isteğin malzeme formu olan "bedensel" olan "saf" ifadesiyle ilişkilidir. Müziğin, kiliselerin akustiği ile yoğunlaştırılarak, ses seviyesini yansıtan yüksek tonozlarıyla ve ilahi varlığın etkisini yaratır. Özellikle mimarili müziği parlak bir şekilde birleştirmek, Gotik tarzın ortaya çıkmasıyla ortaya çıkıyor. Bu süre zarfında yaratılan çoklu sesli müzik, aspirated kabarık, oyların serbest silinmesi, Gotik tapınağın mimari çizgilerini tekrarlayan, uzayın sonsuzluğunun bir hissi yarattı. Müzikal Gotik'in en canlı örnekleri, Notre Dame Katedrali - Magister Leonin ve Magister Peroth'larının bestecilerini yarattı.

Müzik Sanatı Orta Çağ. Türler. Müzik dilinin özellikleri.

Bu dönemde laik türlerin oluşumu, başıboş müzisyenlerin çalışmasıyla hazırlandı - hokkabazlık, Minstrelles ve CasuslarBir kişide şarkıcılar, aktörler, sirk ve araçsalcılardı. Hepsinde hokkabazlık, atıklar ve minikler de katıldı vagant ve Goliada - Talihsiz öğrenciler ve "sanatsal" orta okuryazarlık ve belirli bir durum hakkına sahip kaçan rahipler. İnsanlar şarkıları sadece gelişmekte olan ulusal dillerde (Fransızca, Almanca, İngilizce ve diğerleri), aynı zamanda Latince'de de geliyordu. Dolandırıcı öğrenciler ve Scholas (vagatantlar), latin kızgınlığında, laik feodalistlere ve Katolik Kilisesi'ne yönelik suçlayıcı şarkılarına özel bir netlik ekleyen Latin kızgınlığında büyük bir beceriye sahipti. Yavaş yavaş, başıboş sanatçılar, şehirlere yerleşmeye başladı.

Aynı dönemde, tuhaf bir "akıllı" bir ara katman, kimin ortamı (Truce dönemlerinde), sanatta ilgi gösteren şövalyelerde bulunur. Kaleler şövalye kültürünün merkezlerine dönüşür. Şövalye davranışının kurallarının kemeri "Courti" (zarif, kibar) davranış gerektirir. 12. yüzyılda feodal görülen mahkemelerle Provence, sanat doğdu troubadurov, yeni Sivo şövalye kültürünün karakteristik ifadesini temsil eden, dünyevi sevgi kültünü ilan eden, doğanın, dünyevi sevincinin tadını çıkarıyor. Görüntüler çemberinde, Trubadurov'un müzikal ve şiirsel sanatı, ağırlıklı olarak sevgi şarkı sözleri veya askeri, resmi şarkılarla ilişkili oldukça az sayıda tür, Vassal'ın Suyerana'ya tutumunu yansıtıyordu. Genellikle, Trubadurov'un aşk sözleri Feodal Bakanlığı şeklinde seçildi: Şarkıcı, genellikle senoryasının karısı olan Bayan Vassali ile kendini tanıdı. Onun saygınlığını, güzelliğini ve asaletini kovaladı, hakimiyetini yüceltti ve olumsuz bir hedefte "dilimlenmiş". Tabii ki, bu, zamanın mahkeme tornası tarafından dikte edilmiş bir sürü şarttı. Bununla birlikte, şövalye bakanlığının koşullu formlarının arkasında, şiirsel ve müzikal görüntülerde gerçek bir his, parlak ve etkileyici bir şekilde atıldı. Trubadurov Sanatı, zamanları için büyük ölçüde gelişti. Sanatçının kişisel deneyimlerine dikkat, sevgi dolu ve acı çeken bir kişiliğin iç dünyasına vurgu, pipelistlerin ortaçağ ideolojisinin varlık eğilimlerine açıkça karşılar olduğunu göstermektedir. Troubadour, gerçek dünyevi aşkı yücelti. "Tüm faydaların kaynağını ve kökenini" görür.

Troubadur şiirinin etkisi altında, yaratıcılık yükseklerBu daha demokratikti (sürücülerin çoğu vatandaşlardan) burada aynı konular burada geliştirildi ve sanatsal şarkılar geliştirildi. Almanya'da bir yüzyıl sonra (13. yüzyıl) kuruldu minnezingerAhlaki ve düzenleyici içeriğin şarkılarının, pipelistlerin ve borularınkinden daha sık geliştirildiği, aşk motifleri genellikle dini resimlerden edinildi, Bakire Mary'nin kültüyle ilişkilendirildi. Duygusal sistem şarkıları daha fazla ciddiyet, oluklar tarafından ayırt edildi. Minnesinger, çoğunlukla, yarışmalarını tatmin ettikleri avlular olarak görev yaptı. Tungsten von Eshenbach, Walter Background der Foelweid, Tangayizer - ünlü efsanenin kahramanı bilinen isimleri. Bu efsaneye dayanan Wagner Opera'da, merkezi resim, evrensel öfke için kahramanın dünyevi duygularını ve zevklerini yüceltiadığı şarkıcıların rekabet sahnesidir. Libretto "Tangayizer" Wagner Wagner tarafından yazılmıştır - dönemin dünya görüşüne, ahlaki idealleri, hayalet sevgiyi ve günahkar tutkularıyla sürekli dramatik mücadelede dikkat çekici bir penetrasyon örneği.

Kilise türleri

Grigoryen korosu. Erken Hıristiyan Kilisesi'ndeki kilise melodileri ve Latin metinleri için birçok seçenek vardı. Tek bir kült ritüel ve karşılık gelen liturjik müziğin oluşturulması için bir ihtiyaç vardı. Bu işlem 6 ve 7VV ile tamamlandı. Papa Gregory I. Kilise Tunes, Canonize, Canonize, Kilise yılı içerisinde dağıtılan, Resmi Kemer - Antifoneary olarak gerçekleşti. İçinde bulunan koro melodileri, Katolik Kilisesi'nin aydınlanma şarkısının temeli haline geldi ve Gregoryen Koromunun adını aldı. Tek saçlı bir koro veya erkek ses topluluğu tarafından yapıldı. Mizahın gelişimi yavaş ve başlangıç \u200b\u200bhoparlörüne göre değişmeye dayanır. Melodinin serbest ritmi, kelimelerin ritmine tabidir. Metinler - Latince, sesin kendisi dünyadaki tümden uzatma yarattı. Melodik hareketi pürüzsüz küçük atlar görünürse derhal zıt yönde hareketi telafi ederler. Gregorian tezahürlerin melodileri üç gruba ayrılır: Metnin her bir sektörünün, pitin bir sesine karşılık geldiği bir reçete, pezlisin bir sesine, bazı hecelerin ve yıldönümünün izin verildiğinde, heceler karmaşık melodik desenlerde tutulduğunda, En sık "aleluia" ("Tanrı Övgü"). Diğer sanat tiplerinde olduğu gibi büyük önem taşıyan, mekansal bir sembolizm vardır (bu durumda "üst" ve "alt"). Bu saçlı şarkının bütün stili, içinde "ikinci bir plan" yokluğu, "ses perspektifi", ortaçağ resimdeki bir uçak görüntüsünün ilkesine benzer.
Marş . Gym gelişen 6 V. Daha fazla duygusal derleti tarafından ayırt edilen ilahiler, dünyadaki sanatın ruhunu taşıdı. Folk'a yakın bir şarkı deposunun melodilerine dayanıyorlardı. V yüzyılın sonunda, kiliseden kovuldukları, ancak yüzyıllar boyunca ekstra çalışmış müzik olarak bulundukları. Onların kilise kaynağına geri dönüş (9b.), Dünyaca inananların duygularına bir tür imtiyazdı. Choralov'un aksine, ilahiler şiirsel metinlere dayanır ve özel olarak oluşturulmuş (ve kutsal kitaplardan ödünç alınmaz). Bu, tünelerin net yapısını, ayrıca metnin her bir kelimesine bağlı olmayan, melodilerin daha fazla özgürlüğünü belirledi.
Mesa.. Ritüel kitle yüzyıllar boyunca katlandı. Ana özelliklerdeki parçalarının sırası 9V ile belirlendi., MESA'nın son görünümü yalnızca XI. Yüzyılda edinildi. Dayanıklı, müziğini oluşturma süreciydi. En eski liturjik şarkı türü - Mezmur; Doğrudan liturjik eylemle ilişkili, hizmet boyunca geliyordu ve rahipler ve kilise şarkıcıları tarafından yapıldı. Hymns'in zenginleştirilmiş müzik tarzı kütlesinin tanıtılması. Vurgulanan Haymaker, ritüellerin belli anlarında geliyordu, inananların kolektif duygularını ifade ediyor. İlk başta cemaatlerini kendileri, sonra, profesyonel bir kilise korosu olarak gördüler. Hymns'in duygusal etkisi o kadar güçlüydü ki, Mezmuryomu'nun müziğinin müziğinde yer alarak kademeli olarak başlamaya başladılar. Hymns formundaydı, kütlenin beş ana kısmı (ordinarium denilen) şekillendi.
I. "Kyrie Eleison"("Lord, Pomemui") - affetme ve affetmek için molver;
II. "Gloria"("Şan") - yaratıcının minnettarının martısı;
III. "CREDO"("İnanıyorum") - Liturgy'nin orta kısmı, Hristiyan Creed'in ana dogmalarını ortaya koydu;
İv. "Sanctus" ("Kutsal") - "Benedictus" merkezi bölümünü çerçeveleyen "Osanna" nın konuksever ünlemleri ile değiştirilen üç yıllık tekrarlanan ciddi parlak ünlemler ("gelen" kutsanmış olanı ");
V. "Agnus dei" ("Tanrı'nın Kuzu") - Mesih'in fedakarlığına sadık, birçoğu affedildi; Son kısım kelimelerle tamamlanır: "Dona Nobis Pacem" ("Bize Dünyayı Ver").
Sessiz Türler

Vokal müzik
Ortaçağ müzikal ve şiirsel sanat çoğunlukla amatör idi. Yeterli evrensellik kabul etti: Aynı adam hem bir besteci, bir şair ve bir şarkıcı ve bir enstrümantalistti, çünkü şarkı genellikle lute veya viola eşlik ettiğinden beri. Şiirin şiirsel metinleri, özellikle şövalye sanatının örnekleri, büyük ilgi çekicidir. Müziğe gelince, Grigorian çantalarının, başıboş müzisyenlerin müziğinin ve Doğu halklarının müziğinin etkisini yaşadı. Genellikle sanatçılar tarafından ve bazen Troubadur şarkılarının müziğinin yazarları, şövalyelerle izlenen hokkabazdı, şarkı söyleme ve hizmetçilerin ve asistanların işlevlerini yerine getiriyor. Bu işbirliği sayesinde sınırlar, insanlar ve şövalye müzikal yaratıcılığı arasında silinediler.
Dans müziği Enstrümantal müziğin öneminin kendisini kendini gösterdiği alan, özellikle güçlü bir şekilde müzik dansıydı. XI yüzyılın sonundan bu yana, yalnızca enstrümanlar üzerinde yürütüldüğü için tasarlanan bir dizi müzikal ve dans türü ortaya çıkıyor. Hasat tatili yok, düğün yok ya da diğer aile kutlama maliyeti. Sık sık, bazı ülkelerde, bir boru, davul, çağrı, plakalardan oluşan orkestranın altında, bazı ülkelerde dans eden veya boynuzun altında olan danslar.
Branş Fransız halk dansı. Ortaçağlarda şehirler ve köylerde en popüler olanlardı. Görünüşünden kısa bir süre sonra, aristokrasinin dikkatini ve bir balo salonu dansı haline geldi. Basit hareketler sayesinde, Branley her şeyi dans edebilir. Katılımcıları el ele tutuşarak, hatta kırılabilecek kapalı bir daire oluşturur, zikzak hareketlerine dönüşür. Birçok kepçe türü vardı: basit, çift, komik, at, branle prachk, meşalelerle branle, vb. Beran hareketlerine dayanarak, Gavot, Paspie ve Burre, Branle'den kademeli olarak ortaya çıktı.
Stella Dans, Manastırı Meryem Heykeline ibadet etmek için manastıra gelen hacılar yaptı. Güneşin aydınlatmasıyla dağın tepesinde durdu ve ortaya çıkan ışık ondan akar. Dolayısıyla dansın adı (Stella - Lat. Star). İnsanlar, Tanrı'nın annesinin ihtişamı ve saflığı ile şok olan tek bir dürtüde dans eden insanlar.
Karol 12V'de popülerdi. Karol - Açık Çember. Karol Dancing Sang'ın yürütülmesi sırasında el ele tutuşarak. Dansın önünde yürüdü. Koro tüm katılımcıları gerçekleştirdi. Dansın ritmi pürüzsüz ve yavaş, daha sonra azaldı ve çalışmaya geçti.
Dans eden ölüm Avrupa Kültüründeki Geç Orta Çağ döneminde ölüm teması oldukça popüler hale geldi. Baga salgını, çok sayıda hayat taşıyan, ölüme karşı tutumu etkiledi. Daha önce, dünyevi acı çekmeden, sonra XIII yüzyılda teslim edildiyse. Korku ile algılandı. Ölüm, şarkı sözlerinde tartışılan korkutucu görüntüler şeklinde çizimlerde ve gravürlerde tasvir edildi. Dans bir daire içinde yapılır. Dans, bilinmeyen kuvvetleri onları gerektiriyor gibi hareket etmeye başlar. Yavaş yavaş, ölümün ölümünün oynadığı müziğe hakim olurlar, sonunda dans etmeye ve düşmeye başlarlar.
Basan borçlu Mesire dans eden yürüyüşler. Ciddi bir karakter giydiler ve teknik olarak karmaşık değildi. Şarkıcı üzerinde en iyi kıyafetleriyle toplanan, kendilerini ve kostümünü gösteriyormuş gibi, sahibinden önce geçti - bu dansın anlamıydı. Dans etme işlemleri, mahkeme hayatına sıkıca girilir, onlarsız festival yoktu.
Estampi. (Ethabidi) enstrümantal müzik eşliğinde eşleştirilmiş danslar. Bazen "etambi" üç ile tamamlandı: bir adam iki kadını yönetti. Müzik büyük bir rol oynadı. Birkaç parçadan oluşuyordu ve hareketlerin doğasına ve her bölümdeki saatlerin sayısına neden oldu.

Trubadras:

Giraut Ricier 1254-1292

Guiraut Riquier - Genellikle "son boru" olarak adlandırılan Provence şairi. Üretici ve yetenekli ustası (melodilerinin 48'i korunmuş), ancak manevi temaya yabancı değil ve sesli harfini önemli ölçüde karmaşık değil, şarkıdan çıkar. Uzun yıllardır Barselona'daki mahkemedeydi. Çapraz bir kampanyaya katıldı. İlgi alanları da sanatla ilgili konumudur. Alphonse Wise, King Kastilya ve Leon sanatlarının ünlü patronuyla yazışmaları. İçinde, "hokkabazın aşağılayıcı unvanı", genellikle bilgili Troubadras ile karıştırıldığından şikayet etti. "Şiirleri oluşturabilecek ve öğretici ve incredit eserleri yaratabilecek yüksek şiir ve müzik sanatının temsilcileri için utanılmaz ve zararlı". " Cevabın kibreti altında, Kral Ricier, sistematizasyonunu önerdi: 1) "Şiirsel Sanat Doktorları" - The Troubadurov'un en iyisi, "topluma giden yolu kapsayan", "örnek ayetler ve canson, zarif roman ve didaktik eserler) yazarları "Konuşulan dilde; 2) Onlara şarkı ve müzik oluşturan Trubadras, dans melodileri, baladlar, alba ve nezaketler yaratır; 3) Noble'yı tatmak için hüzünlüler: Farklı araçlar oynuyorlar, hikaye ve masalları anlatıyorlar, başkalarının şiirleri ve kansonları var; 4) Buffonlar (Jesters) "Sokaklarda ve karelerdeki düşük sanatı gösterir ve değersiz davranır." Eğitimli maymunları, köpekleri ve keçileri çıkarırlar, kuklaları gösterir, kuşların peny'sini taklit ederler. Buffon, fortune öncesi araçlarda veya fahişe başlamadan önce küçük handofflar için oynuyor ... avludan mahkemeye seyahat etmek, utançsız, her türlü aşağılanmayı sabırla transfer eder ve hoş ve asil sınıfları küçümser.

Rikiera, birçok Troubadurov, şövalye erdemlerinin sorusunu bozdu. En yüksek avantajı düşündü. "Hiçbir şekilde söylemiyorum, cesaret ve zihin hakkında kötüyüm, ama cömertlik hepsi aşıyor."

Acı ve sıkıntı duyguları, Haçlı yüzyılın sonuna kadar keskin bir şekilde geliştirilir, ne zaman Haçsızların çöküşü, düşünmemesi imkansız olduğu imkansız olduğu imkansız olan bir inescanik gerçekliğe dönüştüğünde. "Sonun bitmesi zamanı geldi!" - Bu ayetlerde (zaten 1292'sine sahipler), haçlı işletmelerin hayal kırıklığı ile hayal kırıklığını ifade etti. Giraut Ricier:
"Bize bir saat geldi - harabeyi mahvetmek - kutsal toprakları terk etmek için!" Şiir "benim için benim için zamanın zamanı" (1292) son Troubadur şarkısı olarak kabul edilir.

Besteciler, müzisyenler

Guillaume de Masho tamam. 1300 - 1377.

Machaut bir Fransız şairi, bir müzisyen ve bestecidir. Çek Kral Mahkemesi'nde görev yaptı, 1337 yaşında, Reatary Katedrali'nin kanononuydu. Geç Ortaçağın en önde gelen müzisyenlerinden biri olan Fransızlar Nova'nın en büyük figürü. Çok başlı bir besteci olarak bilinir: Motosikletlerine, Ballad, Viros, Le, Rondo, Kanonlar ve diğer şarkılar (şarkı dansı) formlarına ulaştı. Müziği, sofistike ifadelerle, rafine duygusallıkla ayırt edilir. Buna ek olarak, Masha, yazarın kütlesinin tarihini (kral Charles V'nin 1364 g) 'nın koronasyonu için. ünlü besteciler. Sanatında, olduğu gibi, bir tarafı, bir tarafı olan, pipelistlerin müzikal ve şiirsel kültüründen, uzun süredir devam eden, diğer tarafta, bir tarafta, 12-13 yüzyıl polifiliği.

Leonin (xii yüzyılın ortalarında)

Leonin, Notre-bayan okuluna ait bir peroth ile birlikte olağanüstü bir bestecidir. Hikaye bize, yıllık kilise şarkı çemberi için tasarlanan "Büyük Organlar Kitabı" nın bu ünlü yaratıcısının adını sürdürdü. Leonin Organum, koro şarkılarını iki sesli şarkı söyleyen solistlerle birleşti. İki sesli organları, bu kadar kapsamlı bir gelişme, sesin uyumlu bir "tutarlılığı" ile ayırt edildi, bu, önceden düşünülme ve kaydetmeden imkansız olan, Leonin Sanatında, bir şarkıcı-doğaçlamacı değildi, bir besteciydi. Leonin'in ana inovasyonu, esas olarak hareketli üst ses tarafından net bir ritim oluşturmasına izin verilen ritmik bir rekordur. En iyi oyların doğası melodik cömertlik ile ayırt edildi.

Peroten.

Perotin, Perotinus - 13 yüzyılın 12'sinin 12 - 1.000'in sonuna kadar Fransızca besteci. Modern anlaşmalarda, "MASTER PEROTH BÜYÜK" (kastedilen, kesinlikle bilinmemektedir, çünkü bu ismin atfedilebileceği birkaç müzisyen vardı). Peroths, selefi Leonin'in çalışmalarında kurulan çok sesli bir şarkı cinsini geliştirdi, aynı zamanda Parisçe ya da Notre Dame, okula aittir. Peroth, melatik organumun yüksek örnekleri yarattı. Sadece 2 oy (Leonin olarak) değil, aynı zamanda 3, 4 gözlü makalelerde ve görünüşte karmaşık ve zenginleştirilmiş multifucy ritmik ve dokulu yazdı. 4 vototional organının mevcut polifin (taklit, Canon, vb.) Henüz itaat etmedi. Perothsum'un çalışmalarında Katolik Kilisesi'nin çoklu sesli çantaların geleneği vardı.

Zokene de tamam. 1440-1524

Franco Flaman Besteci. Genç yaş kilisesinden şarkı söyleyen. İtalya'nın çeşitli şehirlerinde (Roma'daki 1486-99 Şapkalı Şapeli) ve Fransa'da (Cambone, Paris) görev yaptı. Louis XII'ün bir mahkemesi oldu; Sadece kült müziği değil, aynı zamanda secik şarkıları, Fransız Chanson'u beklediği bir lisans olarak kabul etti. Yaşamın son yılları, Konde-sur-Esco'daki katedralin Abbotudur. Zoskien çiy - Batı Avrupa sanatının daha sonraki gelişimi üzerinde çok yönlü bir etkisi olan Rönesans'ın en büyük bestecilerinden biri. HOLLANDA OKULU'nun başarısını yaratıcı olarak özetleyen, yeni sanatsal, görevlerle yüksek polifonik tekniği altüst eden manevi ve laik türlerin (kütle, motteler, Mezmurlar, Frorottols) yenilikçi yazılarını yarattı. Tür kaynakları ile ilişkili eserlerinin melodisi daha zengindir ve daha önceki Hollanda ustalarından çok uzaktır. "Temizleme" polifonik tarzı Zoshen çiy, karşıpunktik komplikasyondan uzak, koro yazımı tarihinde bir dönüm noktasıydı.

Vokal türleri

Tüm dönem için, genel olarak, vokal türlerinin açık baskınlığı ve belirli vokal polifonlar. Sıkı tarzı polifoni, orijinal burs, virtüöz tekniği, virtüözün tekniği, aydınlık ve yeni ev dağılım sanatına bitişiktir. Enstrümantal müzik bazı bağımsızlık kazanır, ancak vokal formlarına ve yerel kaynaklardan (dans, şarkı) yalnızca biraz daha sonra üstesinden gelinecektir. Büyük müzikal türler sözlü metinle ilişkili kalır. Rönesansın özü Hümanizm, FOTTOL ve VILALL tarzında koro şarkılarının kompozisyonuna yansıydı.
Dans türleri

Hanehalkı dansının canlanmasının döneminde büyük önem kazanıyor. İtalya, Fransa, İngiltere, İspanya'da birçok yeni dans formu var. Toplumun çeşitli tabakaları, danslarına sahiptir, yürütülmelerini sağlar, toplar, akşamlar, festivaller sırasında davranış kuralları. Rönesansın dans edilmesi, geç orta çağın parlayasız branlılarından daha karmaşıktır. Dans (Duet) dansları, karmaşık hareketler ve rakamlar üzerine inşa edilen danslar dans ve lineer boynuzlu bileşimle dans etmek için geliyor.
Volta - İtalyan kökenli çift dansı. Adı, İtalyanca Word voltare'den geliyor, bu da "döndür" anlamına geliyor. Boyut üç tonlu, geçici olarak hızlı tempo. Dansın ana çizimi, Cavalier'in derhal ve keskin bir şekilde havadaki bayanı çevirmesidir. Bu yükseliş genellikle çok yüksek yapılır. Keskinliğe ve bazı hareketlerin safsızlığına rağmen, cavalier'den büyük bir kuvvet ve dextercy gerektirir, yükselişin net ve güzelce yapılmalıdır.
Gallarda - İtalyan kökenli eski dans, İtalya, İngiltere, Fransa, İspanya, Almanya. Erken Gallurgard'ın temposu orta derecede hızlı, üç tonolün boyutu. Galjard, genellikle aynı zamanda tematik olarak ilişkili olduğu adamdan sonra yapıldı. Gallard 16 V. Üst havada bir melodi ile melodi harmonik bir dokuda sürdürülür. Gallar Melodileri, Fransız toplumunun geniş katmanlarında popülerdi. Yürütme sırasında Serenad Orleans öğrencileri, lutes ve gitarlarda shard melodileri oynuyorlar. Çanlar gibi, Galharda bir tür dans diyalogunun karakterini giydi. Kavaler, salonun etrafını bayanla taşındı. Bir adam solo yaptığında, bayan yerinde kaldı. Erkek solo çeşitli karmaşık hareketlerden oluşuyordu. Ondan sonra, yine bayana yaklaştı ve dansa devam etti.
Pavana - 16-17 yüzyılların içine alın. PACE orta derecede yavaş, 4/4 veya 2/4 boyutu. Farklı kaynaklarda kökenli bir fikir birliği yoktur (İtalya, İspanya, Fransa). En popüler sürüm, güzel bir şekilde kızarmış bir kuyruğu ile tavus kuşu işaretinin hareketlerini imitracts olan bir İspanyol dansıdır. Babdança'ya yakındı. Çeşitli tören yürüyüşleri, Pavana'nın müziğine gerçekleşti: Şehirdeki yetkililerin girişleri, kilisedeki görünür gelinler. Fransa ve İtalya'da, Pavan bir mahkeme dansı olarak onaylandı. Pavana'nın ciddi karakteri, Mahkeme toplumunun Grace'e ve onun tarzının ve hareketlerinin lütfuna parlamasına izin verdi. İnsanlar ve burjuvazi bu dans yapmadı. Menü gibi Pavana, kesinlikle rütbelerdeydi. Kralın ve krallığın dansı başladı, sonra DoFin, kayda değer bir bayanla, daha sonra prenseler vb. İle tanıtıldı. Cavalers kılıçta ve pelery içinde bir peruk ile gerçekleştirildi. Bayanlar, zeminden kaldırmadan, hareketler sırasında ustaca sahip olmak için gerekli olan ağır uzun TPS ile ön elbiselerdeydi. Siperin hareketi, hamleleri güzelleştirdi, pawan bir pompa ve ciddiyetten verdi. Yaklaşık bayanların kraliçesi için döngüyü taşıdı. Dansın başlamasından önce, salonu atlamak kabul edildi. Dansın sonunda, Yay ve Tersinler ile çifti yine salonun etrafında dolaştı. Fakat bir şapka koymadan önce, Cavalier'in sağ elini, Lady'nin omzuna, sola (şapka) - beline sokması ve onu yanağından öpmesi gerekiyordu. Dans sırasında, bayan indirildi; Sadece zaman zaman onun kavaloruna baktı. En uzun Pavan, İngiltere'de çok popüler olduğu için korunmuştur.
Alemanda - 4 dolarlık bir boyutta Alman kökenli yavaş dansı. Büyük "düşük", Nepral Dans'a aittir. Sanatçılar birbirleriyle çiftler oldu. Buhar sayısı sınırlı değildir. Kavaler bir bayan kollarıyla tuttu. Sütun salonun etrafında hareket ediyordu ve sonuna ulaştığında, katılımcıların yeri açtı (ellerini ayırma) ve dansa ters yönde devam etti.
KURANTA - İtalyan kökenli mahkeme dansı. Karabin basit ve karmaşıktı. İlk olarak, esas olarak ileride yapılan basit, pürüzlü adımlardan oluşuyordu. Kompleks çanları pandomimik bir karakterdi: Üç Cavaliers, dansa katılmak için üç bayana davet edildi. Bayanlar salonun diğer köşesine atandı ve dans etmeleri istendi. Bayanlar reddetti. Reddetme, gitti, ancak daha sonra tekrar geri döndü ve dizlerinin üstüne geri döndü. Sadece pandomimen sahnesinden sonra dansa başladı. İtalyan ve Fransız türlerinin çanları farklıdır. İtalyan karantaş - bir melodi harmonik dokusundaki basit bir ritimle 3/4 veya 3/8 canlandı. Fransızca - ciddi dans ("Görgü dansı"), pürüzsüz baskın alayı. Boyut 3/2, orta hız, oldukça gelişmiş polifonik doku.
Sarabanda - Popüler dans 16 - 17 yüzyıllar. Kastagnets ile İspanyol kadın dansından oldu. Başlangıçta şarkı eşliğinde. Ünlü Balketmaster ve Öğretmen Karlo Blaziler, çalışmalarından birinde Sarabanda'nın kısa bir açıklamasını verir: "Bu dansta, herkes kayıtsız olmadığı bir bayan seçer. Müzik bir sinyal verir ve iki sevgili dansı yapar, soylu, ölçülen Bununla birlikte, bu dansın önemi, zevkle etkileşime girmez ve alçakgönüllülük, ona daha da zarafet verir; Herkesin görüşleri, çeşitli rakamlar gerçekleştiren dansın izleyeceği, tüm sevginin tüm aşamalarını hareketleriyle ifade ediyor. " Başlangıçta, Sarabanda'nın temposu orta derecede hızlı, daha sonra (17. yüzyıldan), karakteristik bir ritmik desenli yavaş bir Fransız Saraband vardı: ...... Vatanında Sarabanda, Müstehcen Danslar kategorisine girdi ve 1630'da. Kastilya Konseyi tarafından yasaklandı.
Zhiga - İngilizce kökenli dans, en hızlı, üç tel, üçlüliğe dönüşüyor. Başlangıçta, albüm bir çift dansıydı, denizciler arasında çizgi roman bir şekilde çok hızlı bir şekilde yayıldı. Daha sonra antik dans süitinin son kısmı olarak enstrümantal müzikte.

Vokal türleri

En belirgin Barok özellikleri, müziğin diğer sanatlarla iç içe geçtiği türlerde tezahür edildi. Bunlar, her şeyden önce, Opera, Oratoria ve bu tür manevi müzik türleri, Passonese ve Cantata gibi. Kelime ile birlikte müzik ve operanın - kostümler ve süslemeler ile, yani resim, uygulamalı sanat ve mimarlık unsurları olan, karmaşık ve çeşitli olayların yaşadığı karmaşık manevi dünyayı ifade etmeye çağrıldılar. . Kahramanların, tanrıların, gerçek ve saldırgan eylemlerin mahallesi, her türlü sihir, barok tadı için doğaldı, değişkenliğin en yüksek ifadesi, dinamizm, dönüşüm, mucizeler dış, tamamen dekoratif unsurlar değildi, ancak sanatsalın vazgeçilmez bir parçası vardı sistem.

Opera.

Opera Türü, İtalya'daki en büyük popülariteyi aldı. Şaşırtıcı, benzersiz bir fenomen olan çok sayıda opera tiyatrosu açıldı. Sayısız, ağır kadife pansiyonlar tarafından örtülmüş, bir bariyer paranteliyle çitle çevrili (o zamanın durduğu ve oturmadığı yerde), 3-opera mevsiminde şehirdeki tüm nüfus sırasında topladılar. Lodges, tüm sezon boyunca Patrician Soyadlarıyla satın alındı, basit bir insan parter'de kalabalık, bazen ücretsiz viskordu - ama herkes sürekli bir festivalin atmosferinde rahat hissetti. "Firavun" oynamak için büfeler, kanepeler, yalnız masalar vardı; Her biri, yiyeceklerin hazırlandığı özel binalara bağlı. Seyirci bir ziyaret olarak komşu lodlara gitti; Arkadaşlık, aşk meraklıları burada başladı, en son haberler alışverişinde bulunuldu, büyük para, vb. İçin bir kart oyunu değiştirildi ve sahnede, izleyicinin zihnini ve duygularını etkilemek için tasarlanan lüks, özgün bir gösteri konuşlandırıldı. görme ve duruşma. Antika kahramanlarının cesareti ve vasal, mitolojik karakterlerin muhteşem maceraları, opera tiyatrosunun neredeyse bir mücadelesi için elde edilen müzikal ve dekoratif tasarımın tüm görkemelerinde dinleyicilere hayran kalmadan önce ortaya çıktı.

Hümanistlerin, şairlerin ve bestecilerin çemberindeki ("Camerata"), Floransa'daki 16. yüzyılın sonucuna varmak, Opera yakında İtalya'nın önde gelen müzik türü olur. Mantu ve Venedik'te çalışan K. Monteverdi'nin oynadığı operanın gelişmesinde özellikle önemli bir rol. En ünlü sahne çalışmalarının ikisi, "Orpheus" ve "Poppai'nin Coronation", müzikal dramaturjinin çarpıcı mükemmelliği ile işaretlenmiştir. Venedik'te Monteverdi'nin hayatında, F. Kawalli ve M. şerefine yönelik yeni bir Opera Okulu vardı. San Cassiano'nun ilk kamu tiyatrosu Venedik'teki 1637'deki açıklıkla, bir bilet alan herkesin operasına ulaşmak için bir fırsat vardı. Yavaş yavaş, muhteşem, dışarıdan muhteşem momentlerin anlamı, opera türünün açık geciktirenlerinden ilham alan, basitlik ve doğallığın antik ideallerin zararına artar. Büyük gelişme, sahneye çıkan kahramanların en fantastik maceralarına, gemi enkazlarına, hava yoluyla uçuşlar, vb. İzleyiciyi, gizemli zindanlarda ve sihirli bahçelerde, muhteşem saraylara ve denizcilik genişlemesine aktardı.

Aynı zamanda, müzik operasında, yalnız vokal başlangıcında, kendisine geri kalan ifade elemanlarının sunduğu için artan bir vurgu yapıldı; Bu gelecekte kaçınılmaz olarak, kendiliğinden yeterli vokal ertestikliğin coşkusuna ve dramatik etkilerdeki bir düşüşe yol açtı ve bu da genellikle şarkıcıların olağanüstü ses verilerinin gösterilmesinin bir nedeni haline geldi. Özel olarak, sanatçıların ve erkeklerin ve kadın partilerinin yaptığı solts olarak gerçekleştirilen şarkıcılar. Onların yürütülmesi, erkeklerin seslerinin gücünü ve parıltısını kadınların kolaylığı ve hareketliliği ile birleştirdi. Cesur-kahramanca depo partilerinde yüksek oy kullanımı geleneksel ve doğal olarak algılanmadı; Sadece papal Roma'da değil, kadınların Opera'da gerçekleştirilecekleri, aynı zamanda İtalya'nın diğer şehirlerinde de yasaklandığı yaygındır.

17. yüzyılın ikinci yarısından İtalyan müzik tiyatrosu tarihindeki öncü rol, Napolitan Opera'ya ilerler. Napolitan besteciler tarafından geliştirilen ilkeler, Opera Drampttures'in ilkeleridir ve Napolitan Operası, İtalyan Opera Seria'nın ülke çapında türüyle tanımlanmaktadır. Napolitan Opera Okulu'nun gelişiminde büyük bir rol konservatuvar tarafından oynandı, yetim için özel müzikal eğitim kurumlarına barınaklardan büyüdü. Havada, suda, suda, gürültülü kalabalık yerlerde ve yankının olduğu gibi, şarkıcıyı kontrol ettiği görülen şarkıcılarla sınıflara özel önem verdiler. Parlak virtüöz vokalistlerin uzun şeridi - Konservatuarın evcil hayvanları - İtalyan müziğinin şöhretini ve "Mükemmel şarkı" şöhretini tüm dünyaya (Bel Canto). Napolitan operası için, konservatuvarda sürekli bir profesyonel personel rezervi oluşturmuştur, yaratıcı güncellemesinin anahtarıdır. Barok dönemin sayısız İtalyan opera bestecisi arasında, en olağanüstü fenomen Claudio Monteverdi idi. Daha sonraki çalışmalarında, Opera Oynatmanın temel ilkeleri ve 17. yüzyılın İtalyan bestecilerinin çoğunu takip etmesi gereken çeşitli Opera Solo şarkı biçimleri.

Genry Pörswell, ulusal İngiliz operasının gerçek ve tek yaratıcısıydı. Tek Opera - Didona ve Eney de dahil olmak üzere çok sayıda tiyatro işi sürdü. "Didona ve Eney" - Konuşulan ekler ve diyaloglar olmayan neredeyse İngilizce operası, içinde baştan sona dramatik bir eylemin müziğe girdiği. Pereselella'nın diğer tüm müzikal ve tiyatroları yapımları konuşma diyalogları içerir (zamanımızda bu tür işler "müzikal" olarak adlandırılır).

"Opera - onun keyifli konumu, bir dönüşüm ülkesidir; göz açıp kapayıncaya kadar insanlar tanrılar olurlar ve tanrılar insanlar olur. Ülkelerde seyahat etmenin bir yolu yoktur, çünkü ülke önünde seyahat etmenin bir yolu yoktur. . Korkunç bir çölde sıkıldınız mı? Anında ses ıslık, bahçelerinde size tolere ettiniz; diğerinin cehennemden tanrıların konulduğu için yol açar: başka bir başkası - ve sen Fay köyündesin, Opera perileri büyülendi Masallarımızın yüzleri olarak, ama sanatları daha doğal ... "(dufrena).

"Opera - Performans, gözlerin ve kulakların zihinten daha tatmin olduğu, ne kadar görkemli, ne kadar görkemli, müziğin hayatta kalması, şehir yok edildiğinde, şehir yok edildiğinde, arias şarkı ve çevresinde mezar dansı. ; Plütonun ve Güneş Saraylarının yanı sıra tanrılar, şeytanlar, sihirbazlar, görevler, büyücülük, saraylar göz açıp kapayıncaya kadar yapılır ve yok edilir. Bu tuhaflıklar acı çeker ve hatta hayran olun, Opera - Ülke Fay " (Voltaire, 1712).

Oratorio

Manevi, çağdaşlar da dahil olmak üzere oker, genellikle kostüm ve manzara olmayan bir opera olarak algılandı. Bununla birlikte, kült orantılı ve passionalar, tapınağın kendisinin ve rahiplerin versiyonları ve sahne ve uygun olan tapınaklarda geliyordu.

Oratoria ve öncelikle manevi bir türdü. Oratoria'nın kendisi (O. Oratorio), Latelatinsky Oratorium - "Mellery" ve Latin-Wow'dan geliyor - "Diyorum ki, dua et." Oratoryon, Opera ve Canta gibi aynı zamanda doğdu, ancak tapınakta. Selefi, liturjik drama oldu. Bu kilise eyleminin gelişimi iki yöne geçti. Bir yandan, giderek daha fazla kazanılan bir yaygındır, yavaş yavaş komik bir gösterime dönüştü. Öte yandan, en gelişmiş ve dramatik arsa ile bile, her zaman, her zaman Tanrı ile dua iletişiminin ciddiyetini koruma arzusu, en gelişmiş ve dramatik komplo ile bile performansın statik olmasına itti. Bu, nihayetinde, bir oratorio'nun bağımsız, birinci tamamen tapınağını ve ardından bir konser türü olarak ortaya çıkmasına neden oldu.

Antikalık Müzik Kültürü, Orta Çağlar, Rönesans

Antik olma

Eski Yunanistan'ın müzikal kültürü, Avrupa'nın müzikal kültürünün gelişmesinde ilk tarihsel aşamayı oluşturur. Aynı zamanda, eski dünyanın kültürünün en yüksek ifadesidir ve Orta Doğu - Mısır, Suriye, Filistin'in daha eski kültürleriyle şüphesiz ilişkileri keşfeder. Bu tür tüm tarihi bağlantılarda, eski Yunanistan'ın müzikal kültürü, diğer ülkeler tarafından geçen yolları tekrarlamaz: Kısmen Avrupa Orta Çağ'ları ve sonra - A'ya ait olan tartışmasız başarılarıyla kendi kendine özgü bir görünüme sahip. daha fazla canlanma dönemi.

Diğer sanat türlerinden farklı olarak, antik dünyanın müziği hikayede herhangi bir eşdeğer yaratıcı miras bırakmadı. Sekiz yüzyıldaki engin tarihi tuzakta - M.Ö. tarafından 111 yüzyıl E. - O zamanın notasyonunda korunmuş olan antik Yunan müziğinin sadece on bir örnek örneği dağılmıştır. Doğru, bu, Avrupa'daki melodileri bize ulaşan ilk kişidir.

Eski Yunanistan kültürünün en önemli mülkü, neredeyse çağdaşları algıladıkları ve buna göre, anlayamayacağımız, diğer sanatlarla eşlik eden birliğin varlığıdır - erken adımlarda veya sentezde Onlarla - Heyday döneminde. Şiirin ayrılmaz bir bağlantısında (buradan - şarkı sözleri), müzik, müzik ve dansın vazgeçilmez bir katılımcısı olarak müzik, müzik ve dans - eski Yunan sanatsal yaşamın karakteristik olayları. Örneğin, Plato, enstrümantal müziğe, dans ve şarkı söylemekten bağımsız olarak, yürüme yürüyüşü ve hayvan çığlıkları görüntüsü için sadece ambulans için uygun olduğunu savunuyor.

"Flüt ve Kifare'de ayrı bir oyun uygulaması, yüksek derecede tatsız ve sadece sihirbazın layık bir şey içeriyor." Yunan trajedi, yüksek ve sofistike sanatın kökenleri, mitolojiye, büyülü eylemlerden, insanların inançlarından kaynaklanmaktadır. Büyük müzisyenler hakkındaki eski Yunan mitlerinin kökenleri - Orfee, 0Limpe, Marci, en eski zamanlar arasındadır.

Yunanistan'da erken müzik kültürü hakkında önemli bilgiler bize HOMEROVSKY EPOS'u, müzikal performansla ilişkilidir: "Iliad", Odyssey.

U11-VI yüzyıllarında EPIC işlerinin solo yürütülmesi ile birlikte, özel koro türleri de bilinmektedir. Danstan (Gorfhanham) plastik hareketlerle birlikte Girit adasındaki şarkılar; VII yüzyıldan kalan koro türleri Sparta'da yaygın olarak yetiştirildi. Spartalıların müziğe büyük bir devlet, eğitim önemi verdiği bilinmektedir. Müzik sanatı ile eğitim mesleki doğalarına önem vermiyordu, ancak gençliğin genel eğitimi sistemine girdi. Bu nedenle, Yunan düşünürleri tarafından haklı olan Ethos teorisi büyüdü.

Aslında lirik tema ve görüntüleri aday gösteren eski Yunanistan'ın müzikal ve şiirsel sanatında yeni bir yön, İonian Archite (VII. Yüzyıl) ve en büyük "Lezbiyen Altey Okulu ve Safo" temsilcilerinin isimleri ile bunalmıştır. I ve VI yüzyıllar). Aslında lirik başlangıcın güçlendirilmesiyle ve melodilerin çalışmalarında rolünün "şarkı sözleri" kelimesinin kendisinin kökenini Lyra'dan yönlendirdiğini düşünebilirsiniz.

VI. Yüzyılın lirik şiiri, çeşitli tür çeşitleri ile temsil edilmektedir: Elejyonlar, ilahiler, düğün şarkıları.

Trajedinin klasik yaşı MÖ V Yiyeyiydi. EH: Eschila'nın en büyük trajikliğinin yaratıcılığı (yaklaşık 525-456), SOFOKLA (yaklaşık 496-, Euripid (yaklaşık 480-406). Yunan sanatsal kültürünün en yüksek gelişmesinin, bir yüzyılın ve bir Poliklet, bu tür klasik mimari anıtlar, Atina'daki parfenon olarak, tüm antik dünyanın sanatında en iyi yüzyıl. Trajediler, kamu festivalleri olarak kabul edildi ve köle sahip olduğu bir toplumun sınırları dahilinde, nispeten geniş bir demokratik doğa: Tiyatro, bunun için devlet yardımı bile aldığı tüm vatandaşlara katıldı. Koro - Ortak bir ahlak ekspresan - trajik sahnedeki insanları temsil etti ve isminden bahsetti.

Oyun yazarı hem şair hem de müzisyendi; Her şeyi kendisi yaptı. Örneğin Eschil, onun oyunlarının performansına katıldı. Daha sonra şair işlevi, müzisyen, yönetmenin aktörü giderek daha fazla bölündü. Aktörler de şarkıcılardı. Koromun şarkı plastik hareketlerle bağlantılı.

Hellenistik dönemde, sanat vatandaşların sanatsal faaliyetlerinden doğmaz: Tamamen profesyoneldir.

Eski Yunanistan'da müzik sanatı hakkında yazılmış olan her şey ve birçok korunmuş malzeme ile ilgili birçok korunmuş malzeme tarafından değerlendirilebilecek olan her şey, melodi hakkındaki fikirlere dayanıyordu (şiirsel bir kelimenin avantajı ile). Bu, yalnızca özel teorik çalışmaların içeriğinden değil, aynı zamanda en büyük Yunan düşünürlerinin daha genel etik ve estetik ifadelerinden de açıktır. Böylece, bir satilline prensibi tamamen eski Yunan müzik sanatının tamamen özelliğidir.

Plato, gelişmiş ve derinlemesine Aristoteles tarafından uzatılan Ethos'un sözde doktrini, müzik sanatları hakkındaki antik kararlardan en büyük ilgidir. Politika ve müzik konusundaki bir kombinasyon antika geleneği, Atina Domon adına, Sokrates öğretmeni ve Pericla'nın bir arkadaşıyla bağlanır. O'ndan, Plato, "devlet" ve "yasalar" kitaplarında geliştirilen iyi vatandaşların eğitimi konusundaki müziğin müziğinin etkisi hakkındaki fikrini aldı. Platon, ideal durumunu ilk olarak (diğer sanatların yanı sıra), eğitimdeki müziğin genç erkeklerden gelen müziğin genç erkeklerden rolü, yani ideal bir vatandaş. Aynı zamanda, Platon, bir yandan, müziğin jimnastikin etkisiyle ("güzel televizyon") etkisini birbirine bağlar ve diğer yandan, melodi ve ritimin en çok ruh tarafından heyecanlandığını iddia eder ve insanları teşvik eder. Ona müzikal sanat veren güzellerin örneklerini taklit etmek.

"Şarkıda mükemmel olanı görüntülemek, Plato bunu, kelimelerle, lada ve ritimde yargılamanın gerekli olduğunu bulur. Zamanının sunumlarına göre, düz ve rahatlatıcı bir doğaya sahip olan tüm ucubeleri işaretleyecektir, Ve sadece Dorian ve Frigian benzersiz genç adamın askeri eğitiminin yüksek hedeflerini çağırır. Benzer şekilde, filozof, yalnızca Kifaru ve Lira'nın, diğerlerinin etik niteliklerini inkar eden müzikal araçlar arasında tanır. Böylece, ahlakın taşıyıcısı, bakış açısından, Platon'un, bir sanat eseri değil, görüntüleri değil, sistem bile değil. Etkileyici araçlar, ancak yalnızca cihazın sadece yolu veya tınarı, ardından belirli bir etik kalite.

Aristoteles, müziğin randevusunu çok daha geniş, birine, ancak birkaç hedefe ve avantajlara sahip olması gerektiğini savunarak, eğitim uğruna, 2) arıtma uğruna, 3) entelektüel eğlence uğruna, 3), Yani, yatıştırıcı ve gerginlikten dinlenmenin uğruna ... buradan, açıktır - Aristoteles'e devam ediyor, - bunların tümünü kullanabilmeniz durumunda, ancak aynı şekilde uygulanmamalıdır "0 Müziğin ruhun üzerindeki etkisi, böyle bir şekilde yargılıyor:

"Ritim ve melodi, öfke ve uyuşukluk, cesaret ve sıcaklıkların eşleşmesinin gerçek geçerliliğine ve diğer tüm mülklerin yanı sıra diğer ahlaki niteliklere yaklaşan yaklaşanlara yaklaşır. Bu deneyimden açık: Kulak ritmi ve melodi ile algıladığımızda, değişir ve zihinsel ruh hali. Gerçeği taklit edenleri algıladığınızda, kederli veya neşeli ruh halini test etme alışkanlığı, aynı duyguları ve [Letyani] True "ile bir çarpışmaya başlamaya başladığımız gerçeğine yol açar. Ve nihayet Aristoteles. Aşağıdaki sonuca geliyor: "..." Müzik, ruhun etik tarafında tanınmış bir etki sağlayabilir; Müzik bu tür özelliklere sahip olduğunda, açıkçası, Itezh yetiştirme ürünlerinin sayısına dahil edilmelidir. "

Filozof ve matematikçi pisagorazın arkasında (M.Ö. VI. Yüzyıl) Uzun süredir, müzik hakkında yazan Yunan düşünürlerinin birincisinin anlamı düzeltildi. Öğretilerin, dize bölünmesi ile elde edilen şematik ilişkilerin saf olanı temelinde, müzikal aralıklarla (oylanma ve uyumsuzluklar) üzerine ilk gelişmeye atfedilir. Genel olarak, PisagorEan'ın sayıları ve oranları - Eski Doğu Kültürlerinin Örneği (tüm Mısır'ın çoğu) - - kendilerinden, özellikle de müziğin sihri ve iyileştirici özelliklerini elde eden sihirli anlamlar verdi. Son olarak, soyut-spekülatif yapılarla, Pisagorlar, "kürelerin uyumları" olarak adlandırdığına, cennetsel armatürlerin, birbirlerinin belirli sayısal ("harmonik") oranlarında, sürüş ve üretim yaparken geleceğine inanan şeye gelmiştir. "Heavenly Harmony".

Ethos'un öğretilerine gelince, gelecekteki neoplatonistlerde, özellikle Baraj (III. Yüzyıl), Yunanistan'da doğal olan sivil Pathos'u mahrum eden, dini ve mistik bir ruhla onu yeniden düşünür. Buradan, düz dişler zaten orta yaşların estetik manzarasına çizilir. Bir köle sahibi binasının ayrışmasının dönemindeki antik kültürün düşüşü, önceki yüzyılların Roma'nın estetiğine ve müzikal uygulamalarına karşı çıkan birçok şekilde Hristiyan sanatının başarılı bir şekilde geliştirilmesine katkıda bulunmaktadır. Antika mirası ile iki dönem dönüşünde daha sonraki zamanın estetik düşüncesinin gelişimi arasındaki bazı bağlantıları inkar etmek imkansızdır.

Müzik Kültürü Orta Çağ

Batı Avrupa'nın müzikal kültürünün geliştirilmesinde, orta yaşların uzun ve geniş bir tarihi bir şeridi, ortak bir kronolojik çerçeveye sahip büyük bir dönem olarak bile tek bir dönem olarak göz önünde bulundurulması zordur. Birincisi, Orta Çağ'ın orijinal çizgisi - 476'da Batı Roma İmparatorluğu'nun yıkılmasından sonra - VI. Yüzyılın işaretlenmesi gelenekseldir. Öte yandan, müzik sanatının tek bölgesi, hangi anıtların sol bölgesi XII yüzyıla kadar, sadece Hristiyan Kilisesi'nin müziğidir. Tüm tuhaf alakalı fenomen seti, II. Yüzyıldan başlayarak uzun tarihi eğitim temelinde geliştirmiştir ve Batı Avrupa'nın dışına çıkan uzak kökenleri Doğu'ya, Suriye, İskenderiye'den Filistin'e dahildir. Ortaçağın Kilisesi Müzik Kültürüne ek olarak, bir şekilde ya da bir başkası, "Kilise'nin babaları" olan ve müziğin hakkında yazan gelecekteki teorisyenlerde, eski Yunanistan ve Antik Roma'nın mirasını geçmedi ve büyük ölçüde karşı çıktı. Hıristiyan Kilisesi'nin Pagan Sanatsal Antika Dünyasına Sanatı.

En önemli ikinci çizgi, Orta Çağ'dan canlanmaya geçişin imzalanması, Batı Avrupa'da aynı anda değil: İtalya'da - XV yüzyılda, Fransa'da - XVI'de; Diğer ülkelerde, ortaçağ ve rönesans eğilimlerinin mücadelesi farklı zamanlarda gerçekleşir. Rönesansın çağına, hepsi orta yaşların çeşitli mirasına yaklaşıyorlar, büyük bir tarihsel deneyimden kendi sonuçlarını belirledi. Xi-Xii yüzyıllarında meydana gelen ve yeni sosyo-tarihi süreçler (şehirlerin büyümesi, Haçlılar, yeni sosyal katmanların büyümesi, yeni sosyal katmanların büyümesi) nedeniyle orta yaşların sanatsal kültürünün gelişmesinde büyük ölçüde önemli bir kırıkdı. ilk güçlü laik kültür odakları vb.).

Bununla birlikte, kronolojik yüzlerin tüm göreliliği ya da hareketliliği ile, geçmişe karşı kaçınılmaz genetik bağlantılarla, Batı Avrupa'nın orta yaşlarının müzikal kültürü için, sadece bunun için özgülük ve düşünülemez olan anlamlı fenomenler ve süreçler için Diğer koşullarda karakterize edilir. Bu, öncelikle Batı Avrupa'daki hareket ve varoluş, tarihsel gelişimin farklı aşamalarında, stillerin ve çeşitli siyasi binaların farklı aşamalarında yer alan birçok kabile ve halk ve, tüm bunlarla, Katolik Kilisesi'nin bütününün birleşmesine kadar sürdürülen arzusu Türbülanslı, uzun moda dünya sadece genel ideolojik doktrin değil, aynı zamanda müzik kültürünün genel prensipleridir. Bu, ikinci olarak, Orta Çağlar boyunca müzik kültürünün kaçınılmaz dualitesidir: Kilise Sanatı, Avrupalıların her yerinde halk müziğinin çeşitliliği ile kanonlarına itiraz edilemez. I-XIII yüzyıllarında, yeni laik müzikal ve şiirsel yaratıcılık formları zaten ortaya çıktı ve kilise müziği dönüştürüldü. Ancak bu yeni süreçler gelişmiş feodalizm koşullarında meydana geldi.

İyi bilinen, ortaçağ kültürünün, ortaçağ eğitimi, ortaçağ sanatının özel karakteri, Hristiyan Kilisesi'nin bağımlılığı ile büyük ölçüde belirlenir.

Hristiyan Kilisesi'nin müziği, Roma İmparatorluğu'nun yüksek gücünün tarihi koşullarında orijinal formlarında belirgindi. Öbür dünyasında, dünyada mükemmel olan her şey için en yüksek ödülün yanı sıra, insanlığın günahlarının geri ödeme fikrinin yanı sıra, Mesih'in haç üzerindeki eczacının kurbanı kitleleri büyüledi.

Gregorianskopooy Koralının, baskın Hıristiyan kilisesinin ritüel şarkı olarak tarihsel hazırlanması uzun ve çok yönlü idi.

IV yüzyılın sonunda, bildiğiniz gibi, tarihi kaderleri daha sonra farklı olan Roma İmparatorluğu'nun Batı'da (Roma) ve Doğu (Bizans) ayrılmasıyla gerçekleşti. Böylece, Batı ve Doğu Kilisesi, Hristiyan dini o zamandan beri devlet oldu.

Roma İmparatorluğu'nun bölünmesiyle ve nihai oluşum sürecinde olan Kilise Sanatı yolunun iki merkezinin oluşumu ile, büyük ölçüde Batı ve Doğu'da da aynı zamanda hizalanmıştır.

Roma, Hristiyan Kilisesi'nin kendi yolunda her şeyi işledi ve bu temelde canyonize sanat - Grigoryen korosu.

Sonuç olarak, kilise yılı içinde dağıtılan kilise melodileri, Kilise yılı içinde dağıtılan, (en azından inisiyatifinde) başa çıkmıştır. Resmi Kemer - - Antifoneary. Gelen chorodies içinde bir isim aldı grigorian Chorala Ve Katolik Kilisesi'nin dayanıklılık şarkılarının temelini oluşturdu. Gregoryen formalarının kemeri çok büyük ..

Xi-Xii yüzyıllarından ve daha sonra Rönesans döneminde Gregorian şarkısının kemeri, dini melodilerin en çeşitli gelişmeleri aldığı çoklu sesli denemelerin oluşturulması için ilk temel olarak görev yaptı.

Avrupa'daki Roma Kilisesi'nin Roma Kuzey ve Batı'yı genişlettiği Gregorian Koradan ne kadar fazla genişledi.

Müzik rekorunun reformu, XI. Yüzyılın ikinci çeyreğinde bir İtalyan müzisyeni, teorisyen ve öğretmen Guido D "arezzo tarafından yapıldı.

Guido'nun reformu, başlangıç \u200b\u200bdüşüncesinin sadeliği ve organikluğunda güçlüydü: dört satır harcadı ve asla onlara ya da aralarında, onları tüm yüksek irtifa anlamlarına verdi. GUIDO'nun ARZZO'dan bir başka yeniliği, esasen onun icadı, bir altı parça sesin seçimi oldu (Re-Mi-Fa-Sol-LA).

XI yüzyılın sonundan, XII'sinde ve özellikle müzikal hayattaki XIII yüzyıllarında ve bir dizi Batı Avrupa ülkesinin müzikal çalışmalarında, önce daha az farkedilir, daha sonra daha belirgin bir şekilde - yeni bir hareketin belirtileri . Müzik kültürünün ilk ortaçağ biçimlerinden, sanatsal lezzetlerin gelişimi ve yaratıcı düşüncenin gelişmesi, müzikal yaratıcılığın diğer prensiplerine, diğer, daha ilerici olmayan vücut türlerine gider.

XII -XIII yüzyıllarında, tarihi önkoşullar yavaş yavaş sadece yeni yaratıcı akımların eklenmesi için değil, aynı zamanda Batı Avrupa'da tanınmış dağılımları için de gerçekleşti. Böylece, XII - XIII yüzyıllarında Fransız topraklarında var olan ortaçağ romanı ya da hikaye sadece Fransızca fenomen kalmadı. Tristan ve Isolde Hakkında Roman ve Okasen ve Nicette hakkındaki hikaye, "parsifal" ve "fakir Heinrich" hakkındaki hikaye edebiyat tarihine girdi. Fransa'daki klasik örnekler tarafından sunulan mimaride yeni, Gotik tarzı (Paris'teki Katedrallar, Chartres, Reims), Almanca ve Çek şehirlerinde, İngiltere'de vb.

XII Century'dan provence olan laik müzikal ve şiirsel liyakarlığın ilk gelişmesi, ardından Kuzey Fransa'yı yakaladı, İspanya'da cevap verdi, daha sonra Alman Minnezang'da bir ifade buldu. Bu eğilimlerin her birinin tüm kimliğiyle ve geniş ölçeğinde dönemin yeni bir kalıp özelliği gösterdiler. Aynı şekilde, profesyonel formlarındaki bir polifonun kökeni ve gelişimi - müzikal evrimin neredeyse en önemli tarafı - Fransız yaratıcı okulun katılımıyla ve birden fazla müzisyenin Notre katedralinin katıldığı bir müzisyenle gerçekleşti. Dame, ne kadar büyük olursa olsun.

Ne yazık ki, ortaçağ müziğinin yollarını belirli ölçüde belirli bir şekilde değerlendiriyoruz. Kaynak hali olarak, örneğin, British Adaları'ndaki kaynakları ile kıtadaki formları arasındaki polifoni gelişmesinde, özellikle de erken aşamalarda, belirli bağlantıları izlemek imkansızdır.

Zamanlı ortaçağ şehirleri önemli kültür merkezleri haline geldi. Avrupa'da üniversiteler (Bologna, Paris) kuruldu. Kentsel inşaat genişletildi, zengin katedraller kuruldu ve içlerinde, muhteşem, en iyi koro şarkıcıların katılımıyla ibadet ettiler (özel okullarda - büyük kiliselerle hazırlanıyorlardı). Burs (ve müzikal burs, özellikle de orta yaşların karakteristik özelliği), artık sadece manastırlara odaklanmadı. Yeni formlar, yeni kilise müziğinin tarzı şüphesiz ortaçağ şehrinin kültürüyle bağlantılı. Kısmen keşiş müzisyenlerinin bilim adamlarının önceki faaliyetleri (Aramzo'dan Saint-Amanda'dan Hokbald ve Guido gibi) tarafından hazırlanmışlarsa, erken polifoni örnekleri Fransa'nın manastır okullarından, özellikle Chartra ve Limoges manastırlarından geçerse, - Aynı şekilde, tamamen yeni polifoni biçimlerinin gelişimi, Paris XII - XIII yüzyıllarında başlar.

Diğer, ayrıca, ilk başta faaliyetlere, ilgi alanları çemberi ve Avrupa Şövreti'nin kendine özgü ideolojisi olan bir ortaçağ müzik kültürünün çok önemli bir rezervuarı tutturulmuştur. Doğu'ya geçiş, uzak mesafeler, savaşlar, şehir kuşatması, şehir kuşatması, diğer insanların topraklarını fethediyor, doğudaki çeşitli insanlarla temasa geçme, - Bütün bunlar yeni dünya görünen şövalye Haçlılarına işaretini getirdi. Şövalyenin bir kısmı olumlu barışçıl koşullarda var olabildiğinde, şövalye şerefinin (elbette, sosyal olarak sınırlı) daha önceki bir fikri, Mahkeme İdealiyle Mükemmel Bayanlar ve Şövalye'nin hizmetinin kültüyle bağlandı. Aşk ve ilgili davranış normları. Ardından, Trubadurov'un müzikal ve şiirsel sanatı, ilk gelişmesini sağlayan Avrupa'da yazılı olarak kaydedilen laik vokal sözlerinin ilk örneğini verdi.

Orta Çağların diğer müzik kültürü katmanları, insanların yaşamıyla eşlenmeye devam etti, başıboş müzisyenlerin faaliyetleriyle, çevreselliklerinde ve yaşam tarzındaki gelecek değişikliklerle birlikte.

Stay halk müzisyenleri ile ilgili bilgiler Orta Çağlar, XIV yüzyıla IX'ten daha bol ve tanımlanıyor. Bu hokkabazlar, minstrels, atiers - farklı zamanlarda ve farklı parçalarda çağrıldıkları gibi - uzun süredir, zamanlarının laik müzikal kültürünün tek temsilcileri vardı ve böylece önemli bir tarihi rolü gerçekleştirdi. . Müzikal uygulamalarına dayanan büyük ölçülerde, şarkı gelenekleri XII - XIII yüzyıllarındaki laik şarkı sözlerinin erken biçimleri idi. Bunlar, bu dolaşan müzisyenler, müzik aletleri ile ayrılmadı, kilise ya da katılımlarını reddetti ya da büyük zorluklarla aldı. Çeşitli pencerelere ek olarak (borular, boynuzlar, swirls, pan flütları, bagpipler), zamanla, müzikal ömrü arp (eskilerden), CLORT (CELTİK ARAÇ), BROOK ARAÇLARI ÇEŞİTLERİ, gelecekteki keman ataları - Rebab, Vila, Fidel (belki doğudan).

Tüm olasılıklarda, bu ortaçağ aktörleri, müzisyenler, dansçılar, akrobatlar (genellikle bir kişide) Jonglers veya benzeri isimler olarak adlandırılan, kültürel ve tarihi geleneklerinde uzak zamanlar için ayrılır. Onlar kabul edilebilir - bir dizi nesiller aracılığıyla - Thororians ve Mimes olarak adlandırılan torunları, antik Roma aktörlerinin senkronik sanatının mirası, ortaçağ Avrupa üzerinde çalışan uzun zamandır dolaşıyordu. Kelt (Barda) ve Alman Epic'in en eski altı dereceli temsilcileri de bir şekilde, onlarla sadakati koruyamadıklarını, yine de onlar için onlar için onlar için öğrenildiği için geleneklerini jugglilere aktarabildi. . Her durumda, IX yüzyıla, eski tarihçilerle ilgili bahsedilenler ve Mimes zaten hokkabazlarla ilgili mesajlarla değiştirildiğinde, bu ikincisi, bunlar için ve epik bir sanatçı olarak bilinir. Yerden yere dönerek, hokkabazlar, avludaki kutlamalarda (belirli tarihlere akın ettikleri), köylerde, köylerde, hatta kiliseye izin verdi. Şiirlerde, romanlarda ve ortalamanın şarkılarında, juggler'in şenlikli eğlenceye katılımında, açık havada her türlü gözlük cihazında. Tapınaklar veya mezarlıklardaki büyük tatillerde uygun olan bu fikirler sadece Latince yapıldığı sürece, manastır okulları ve genç din adamları öğrencileri performanslara katılabilir. Ancak XIII yüzyılda, Latince yerel halk dilleri ile değiştirildi - ve daha sonra manevi fikirlerdeki komik rollerin ve bölümlerin yerine getirilmesine yönelik müzisyenleri başıboş dolanıyor, bir şekilde aktör sayısına girmeyi başardı ve ardından başarı'larını şakalarıyla fethetti. seyircilerde ve dinleyicilerde. Bu yüzden örneğin, Strasbourg, Rouen, Reims, Cambre'nin katedrallerinde idi. Tatillerde sunulan "hikayeler" arasında, Noel ve Paskalya, "ağlayan Mary", "Ağlayan Mary", "Makul ve makul olmayan cihazlar hakkında tarih", vb. Hakkında. Neredeyse her yerde, onların lehine. Ziyaretçiler, kötü kuvvetlerin veya maceranın ve hizmetçilerin kopyalanmalarının katılımıyla ilgili diğer komik bölümleri ekledi. Burada ve Geleneksel Jungning ile hokkabazın müzikal yetenekleri için açık alan.

Özel bir rolde, minstrellerin çoğu, her yerde kartuşlar-şövalyelerine eşlik eden, yeni sanat formlarına doğru iletişim kurarak, kartuşlar-şövalyelerine eşlik eden TrouBadras ile işbirliği yapmaya başladıkları zaman karşıt oldular.

Sonuç olarak, zamanla önemli dönüşümler yaşayan "başıboş insanların", hokkabazlık, hıçkıranlar, minstrels, kesiminde, kompozisyonunda birleşmiş olmamıştır. Ayrıca, yeni bir kuvvetlerin gelgiti vardı - yetkili, ancak toplumda istikrarlı bir pozisyon kaybetti, yani esasen küçük bir din adamı, garip bir scholyarov, kaçak keşişlerden kaybedenler. Fransa'daki Xi - XII yüzyıllarında başıboş aktörlerin ve müzisyenlerin saflarında (ve daha sonra diğer ülkelerde), vagatantların ve Goliadov'un isimlerini aldılar. Onlarla Jongs katmanlarıyla, yeni yaşam fikirleri ve alışkanlıkları, okuryazarlık, bazen ünlü olmayan bile geldiler.

XIII yüzyılın sonundan itibaren, çeşitli Avrupa merkezlerinde atış sendikaları, çeşitli Avrupa merkezlerinde oluşur - haklarını korumak, toplumdaki yeri belirlemek, mesleki geleneklerin korunması ve öğrencilerinin devredilmesi. 1288'de Viyana'da TU, "St. Kardeşleriyle) kuruldu. Nicholas ", Birleşik Müzisyenler, 1321'de St. Kardeşleriyle Julien "Paris'te yerel minesterlerin bir atölyesi organizasyonu oldu. Daha sonra, kraliyet mensters, İngiltere'de kurulan lonca. Çalıştaya yapılan bu geçiş temel olarak ortaçağ hokkabazlık tarihini bitirecektir. Ancak başıboş müzisyenler, kardeşliklerini, guild'lerini, dükkanlarını hayal etmekten uzaklar. Dolaşmaları, XIV, XV, XVI yüzyıllarında, büyük bir bölgeyi kapsayan ve uzak bölgeler arasındaki yeni müzikal ve hane halkı bağlantılarının bir sonucu olarak yarattı.

Trubadras, Trubet, Minnezinger

XII Yüzyılın Provence'in ortaya çıkışında kökenli olan Trubadurov Sanatı, esasen sadece özel bir yaratıcı hareketin başlangıcıydı, zamanının özelliği ve neredeyse tamamen yeni, laik sanatsal yaratıcılıkların gelişimi ile ilgilidir. Daha sonra laik sanatsal kültürün erken gelişimi için çok tercih edilenler: Geçmişte nispeten daha küçük harabe ve felaket, halkların yeniden yerleştirilmesi sırasında eski el sanatları gelenekleri ve uzun süre kalan ticaret bağları korunmuş. Bu tür tarihsel koşullarda şövalye kültürü gelişti.

Provence Şövalyelikteki sanatsal inisiyatif aracılığıyla ortaya çıkan erken laik sanatın gelişmesinin tuhaf bir süreci, büyük ölçüde melodik nüfus şarkıları kaynakları ile desteklenmektedir ve konusu anlamında gelişen, sırasıyla gelişen daha geniş bir vatandaş yelpazesinde dağıtılmaktadır. figüratif içerik.

Troubadurov sanatı, XI yüzyılın sonundan itibaren iki yüzyılın sınırları dahilinde gelişmektedir. XII yüzyılın ikinci yarısında, Boruların İsimleri Fransa'nın kuzeyindeki şampanyada şampanyada, Arras'ta bilinmektedir. XIII yüzyılda, boruların çalışması daha yoğun hale gelirken, Provence Troubadur sanatı tarihini tamamlar.

Biraz ölçüde trompetler, yaratıcı Troubadurov geleneği tarafından devralındı, ancak aynı zamanda eserleri şövalye ile açıkça bağlıydı, ancak zamanlarının şehir kültürüyle birlikte. Ancak, Troubadur ortamında çeşitli halk çevrelerinin temsilcileri vardı. Öyleyse, ilk Troubadras, Guillaume VII, COUNT Poitiers, Duke Akvitan (1071 - 1127) - ve Gasonya-Zavallı Markabryun.

Provencal Troubadours, bildiğiniz gibi, genellikle onlarla dolaşan hokkabazlarla işbirliği yaptılar, şarkılarını yaptı ya da şarkılarına eşlik etti, sanki aynı zamanda hizmetçilerin ve asistanların sorumluluklarını birbirine bağlıyormuş gibi. Trubadur, bir kartuş, müzikal çalışmanın yazarı ve Jonggler - sanatçı olarak gerçekleştirildi.

Trubadurov'un müzikal ve şiirsel sanatında, şarkı şiirinin birkaç karakteristik tür çeşidi seçildi: Alba (şafak şarkısı), Pasturel, Sirvent, Haçlıların şarkıları, diyalog şarkıları, ağlama, dans şarkıları. Bu liste sıkı bir sınıflandırma değildir. Aşk şarkı sözleri albach ve pastöryalılarda ve dans şarkılarında somutlaştırılmıştır.

Sirvent - atama çok net değil. Her durumda, lirik bir şarkı değil. Şövalye, Savaşçı, Cesur Troundour'un yüzünden, bazı çağdaşlar veya etkinliklerde, çeşitliliği hedefleyen hiciv, suçlayıcı olabilir. Daha sonra, Ballad ve Rondo türleri ortaya çıkar.

Özel araştırma malzemesi temelinde değerlendirilebileceği gibi, sonuçta, sonuçta geçmişin geleneklerinden veya diğer modern müzikal ve şiirsel yaratıcılık biçimlerinden izole edilmez.

Trubadurov Sanatı, ilk Batı Avrupa müzik ve şiirsel şarkı sözleri arasında, müzikal ve hanehalkı geleneği ile XIII'de müzikal yaratıcılığın son derece profesyonel yönleri arasında önemli bir bağlantı bağlantısı olarak görev yaptı. Xiv yüzyıllar. Bu sanatın geç temsilcileri, müzikal profesyonelleşme için zaten yeni müzik becerilerinin temellerine hakim oldu.

Takov Adam de la al (1237-1238 - 1287), son sürücülerden biri olan, yerel bir arras, Fransız şairi, Composer, XIII yüzyılın ikinci yarısının oyun yazarı. 1271'den bu yana, 1282'de Sicilya Kralı, Napoli'de KARL ANZHUY, KARL ANZHUY, KARL ANZHUY'a gitti. Napoli'deki KARL Anzhuy'a gitti. Napoli'de kaldığı "Robin ve Marion hakkında oyun" şair bestecisinin çalışmalarını yarattı ve önemli ve önemli.

Bu tür işler, Fransız müziği komedi HU111'in doğumunun tarihidir. ve operetta x1x in.

TRUBADUR Sanat Örnekleri, XII-XIII yüzyıllarında Almanya'ya düşüyor, kendilerine ilgi duyuyor; Şarkı sözleri Almanca'ya çevrilir, hatta melodiler bazen yeni kelimeler yeteneğine sahiptir. Yerel şövalye kültürünün sanatsal bir enkarnasyonu olarak XII yüzyılın ikinci yarısından (XV'nin en başında) (XV'nin başlangıcına kadar), Fransız Troubadur'un müzikal ve şiirsel sanatına - özellikle erken Minnesing ajanlarında bu ilgiyi ortaya koyuyor.

Minnesingers sanatı, neredeyse bir yüzyılda, bir süre sonra, bir miktar farklı tarihi ortamda, ilk başta olmadığı ülkede, yeni, tamamen laik bir dünya görüşünün eklenmesi için bu kadar güçlü temeller vardı.

Minnezang'ın en büyük temsilcileri Walter von der Fogelweed, Poet, Parsifhala Wolfram Von Eschenbach'ın yazarıdır. Böylece, Wagner "Tangeizer" e dayalı efsane tarihsel gerçeklere dayanmaktadır.

Bununla birlikte, avlulardaki servis ve konuşmalar, Alman Minnesyers'ın faaliyetleriyle önemli ölçüde sınırlı olmamıştır: en göze çarpanların uzak dolaşımlarda yaşamın önemli bir bölümünü gerçekleştirdi.

Böylece, Minnezang Sanatı bu kadar belirlenemez değildir: çeşitli eğilimler içinde birleştirilir ve bir bütün olarak melodik taraf şiirden daha ilericidir. Minnnesinger'ten gelen şarkıların tür çeşitliliği, Provence Borular tarafından ekili olanlara benzer bir şekildedir: Haçlıların şarkıları, çeşitli türlerin lisanslı şarkıları, dans formaları.

Geç Orta Çağların manevi müziği gelişimine devam ediyor. Çok sesli bir müzikal ifadenin geniş bir gelişimi aldı.

İlk olarak Kilise Sanatı için karakteristik olan çoklu sesli bir yazmanın geliştirilmesi, yeni müzikal türlerin manevi ve laik içerik olarak eklenmesine neden oldu. Polifonun en yaygın genomu olur müziksiz çok sesli ilahi.

Çok büyük bir geleceği olan Motot, XIII. Yüzyılda çok yoğun bir şekilde gelişti. Yanlış, Notre Dame Okulu'nun yaratıcı aktivitesiyle bağlantılı olarak ortaya çıktığında ve ilk olarak liturjik bir randevuya sahip olduğunda hala bir önceki yüzyıla kadar.

XIII Century Mote, küçük veya orta büyüklükteki çok sesli (daha sık üç sesli) çalışmasıdır. Mott'un tür özelliği, bitmiş melodik desen (laik şarkılardan, laik şarkılardan), çeşitli karakterlerin diğer seslerinin katmanlı ve hatta bazen de çeşitli kökenlerindeki ilk desteğiydi. Farklı melodilerinin farklı metinlerle kombinasyonunu ortaya çıkardı.

Cihazlar (Villai, Psalterium, Organ) bazı moteller tarafından gerçekleştirilebilir. Son olarak, XIII yüzyılda, Rondel, Rota, RU (tekerlek) adlarını alan yerli polifonun tuhaf şekli popülerlik kazanmıştır. Bu bilinen ve ortaçağ spiels olan komik bir canondur.

XIII yüzyılın sonunda, Fransa'nın müzik sanatı, Batı Avrupa'da büyük ölçüde tonu belirledi. Pipelistlerin ve dönerlerin müzikal ve şiirsel kültürünün yanı sıra polifoni gelişiminde önemli aşamaların yanı sıra, diğer ülkelerin müzik sanatını kısmen etkiledi. XIII yüzyılın müziği tarihinde (yaklaşık 1230'larda), "AGS antiqua" ("eski sanat") ("eski sanat") değerlendirildi.

Fransa'da Nova. Guyom masha

1320'de, Paris'te "AGS Nova" adlı Philip de Viterse yaratıldı. Bu kelimeler - "yeni sanat" - kapsanan ortaya çıktı: XIV yüzyılın Fransız müziği tarafından kabul edilen "AGS Nova's ERA'yı" tanımıydı. "Yeni Sanat" ifadeleri, "Yeni Okul", "Yeni Şarkıcılar", Philip De Vitrat zamanlarında sadece teorik işlerde değil, genellikle karşılandı. Teorik, yeni akımları desteklediği ya da ağladıkları, Papa'nın onları kınadılar mı olduğunu, "Beni gelişmiş çok kiriş formlarının ortaya çıkmasından önce değildi, müzikal sanatın geliştirilmesinde yeni oldu.

Fransa'daki AGS Nova'nın en büyük temsilcisi guillaume de Masho oldu-Corbed şair ve yaratıcı mirası da edebiyat tarihinde incelenen zamanının besteci.

XIV yüzyılda ne kadar karmaşık olursa olsun, çoklu sesli formların daha da gelişmesi, müzikçılardan ve borulardan gelen müzikal ve şiirsel sanat hattının daha da gelişmesi, Fransız Ars Nova'nın atmosferinde tamamen kaybolmadı. Philippe de Vitrat öncelikle bir bilim adamı müzisyeni olsaydı ve Guillaume de Masho oldu fransız şairlerinin annesiAynı, ikisi de şair-müzisyenler, yani, bu anlamda, olduğu gibi, XIII yüzyılın borularının gelenekleri devam etti. Sonunda, bu kadar uzun süredir, 1313-1314 civarında müzik oluşturmaya başlayan Philippe de vitratın yaratıcı aktivitesini ve hatta MASHA'nın (1320-1330'tan itibaren) - yaratıcının son yıllarından itibaren aktivitelerini ayırır. Adam de la al'in hayatı (zihin, 1286 veya 1287).

Guillaume DS Masha'nın tarihi rolü çok daha önemlidir. Onsuz, Fransa'da hiçbir ARS NOVA olmayacaktı. Bu onun müzikal ve şiirsel yaratıcılığı, bol, orijinal, çok taraflı ve bu dönemin en önemli özellikleri üzerine odaklanmıştır. Sanatında, olduğu gibi, bir yandan, bir yandan, pipelistlerin müzikal ve şiirsel kültüründen, uzun süredir devam eden şarkısında, diğeri ve X11111'in mandalındaki Fransız okullarından gelen hatlar yüzyıllar.

Pasho'nun hayat yolu hakkında 1323'e kadar, ne yazık ki, hiçbir şey bilinmiyor. Sadece Pasha'da 1300 civarında doğduğu bilinmektedir. Çok eğitimli bir şair ve bir besteci olarak işinin gerçek bir ustası oldu. Kuşkusuz güçsüzlük ile, elbette, elbette, ilk buluşmanın, Masha'nın biyografisi gerçeğinin bağlı olduğu ilk buluşma için tam bir hazırlık elde etmelidir - 1322 - 1323, hizmetinin avlusunda başladığında King. Katip, sonra kraliyet sekreteri). Yirmi yıldan fazla olan Masha, Kral Bohemia'nın avlusunda, daha sonra Prag'da, daha sonra kampanyalarına, seyahatlerine, festivallerine, avcılığa, vb. Yava Lüksemburg'a sürekli katlanarak, büyük merkezleri ziyaret etme şansı vardı. Polonya'da Almanya. Tüm olasılıklarda, tüm bunlar Guillaume de Masho'ya birçok izlenim verdi ve hayat deneyimini tamamen zenginleştirdi. 1346'da Kral Bohemya'nın ölümünden sonra, John Good ve Karl V'nin Fransız krallarının hizmetindeydi ve ayrıca Reims'te Notre Dame katedralinde bir Canonikat aldı. Bu şair olarak şöhretine katkıda bulundu. Masha ömrü boyunca çok takdir edildi ve 1377'de ölümden sonra Lush Epitaph'teki çağdaşlarca yüceltildi. Masha, Fransız şiiri üzerinde önemli bir etkiye sahipti, onlar tarafından geliştirilen şiirsel şarkı sözlerinin karakterize ettiği bir okul yarattı.

MASHA'nın müzikal ve şiirsel yaratıcılığının, türlerin çok taraflı gelişimi ile, Fransız şairleri üzerindeki en güçlü etkisi olan, müzisyenin yüksek ustası olan pozisyonun bağımsızlığının ölçeği, müzisyenin yüksek ustası - Bütün bunlar onu ilk bu kadar büyük bir kişi yapar. müzik sanatının tarihi.

Masha'nın yaratıcı mirası geniş ve çeşitlidir. Motion, Ballad, Rondo, Kanonlar vb. Oluşturdular.

Masha'dan sonra, adı şairler ve müzisyenler tarafından oldukça onurlandırıldığında ve etkisi bir şekilde başkaları gibi hissettirdi, Fransız besteciler arasında gerçekten büyük bir halefi yoktu. Bir polifonist deneyimine çok şey öğrendiler, tekniğini ustalaştı, aynı türleri o gibi aynı türleri geliştirmeye devam etti, ama biraz ezilmiş, deneyimler, sanatları.

RÖNESANS

Rönesans dönemindeki Batı Avrupa'nın kültürü ve sanatı için Incredit değeri, tarihçiler tarafından uzun zamandır gerçekleşmiştir ve iyi bilinmektedir. Rönesans'ın müziği, XV yüzyılın Floransa'daki Francesco Landini'nin görkemli isimleri, XV yüzyıldaki Guillaume Dufai ve Johannes Okhemema, Joskene Dere, XVI yüzyılın başında temsil ediliyor. Rönesans - Palestrina, Orlando Lasso'nun sonunda katı bir tarzın pleiadrian klasikleri.

İtalya'da, yeni çağın başlangıcı XIV yüzyılda müzikal sanat için geldi. Hollanda Okulu ortaya çıktı ve XV'ye ilk köşelere ulaştı, ardından gelişimi başlatıldı ve bir şekilde ya da başka birinin etkisi diğer ulusal okulların ustalarını da ele geçirdi. Canlanma belirtileri, önceki yüzyıllarda yaratıcı başarıları büyük ve tartışılmaz olmasına rağmen, XVI yüzyılda Fransa'da kendilerini açıkça ortaya koymaktadır. XVI yüzyılda, Almanya, İngiltere ve Rönesans yörüngesine ait diğer bazı ülkelerdeki sanatın yükselişi.

Dolayısıyla, Batı Avrupa ülkelerinin müzikal sanatında, canlanmanın açık özellikleri, XIV XVI yüzyıllarında, bazı düzensizliğe rağmen. Sanatsal Rönesans Kültürü, özellikle müzikal kültür, hiç şüphesiz geç orta çağların en iyi yaratıcı başarılarından uzaklaştı. Rönesansın tarihi karmaşıklığı, feodal inme, hala Avrupa'nın hemen hemen her yerinde kaldığı ve ciddi değişimler toplumun gelişiminde gerçekleştiği gerçeğinde, çok yönlü yeni dönemin saldırılarını hazırladı. Bu, sosyal ve tanıtım alanında, siyasi yaşamda, çağdaşların ufkunu genişletmede - coğrafi, bilimsel, kilisenin ruhsal diktatörlüğünün üstesinden gelmek, hümanizmin yükselişinde, önemli bir bilincin büyümesi kişi. Özel bir parlaklığa sahip olan yeni dünyadaki yeni dünyanın belirtileri, sanatsal çalışmalarda, "zihinlerin devrimi" nin "zihinlerin devrimi" nin rönesansına neden olduğu, çeşitli sanatların çeviri hareketinde kendilerini geliştirdi.

Hiç şüphe yok ki, "canlandıran" anlayışında insancılığın, zamanının sanatında büyük taze kuvvetler döküldüğü, yeni konular arayışında ilham alan sanatçılar, resimlerin ve eserlerinin içeriğini büyük ölçüde belirledi. Müzik sanatı için, hümanizm ilk önce bir erkek anlamında derinleşen, onları yeni bir estetik değerle tanıyan anlamına gelir. Bu, müzik özgüllüğünün en güçlü özelliklerinin tanımlanmasına ve uygulanmasına katkıda bulundu.

Genel olarak, genel olarak, vokal türlerinin açık baskınlığı, özellikle vokal polyphony. Yalnızca çok yavaş, yavaş yavaş enstrümantal müzik, bazı bağımsızlık, vokal formların doğrudan bağımlılığı (dans, şarkı) sadece biraz daha sonra üstesinden gelinecektir. Büyük müzikal türler sözlü metinle ilişkili kalır.

XVI yüzyılın sonuna kadar XIV'den seyahat eden müzik sanatının büyük yolu, hiçbir şekilde basit ve basit, yanı sıra tüm manevi canlanma kültürü sadece ve sadece yükselen düz çizgide gelişmedi. Müzik sanatında, bitişik alanlarda olduğu gibi, "Gotik çizgisi" ve onların, sürdürülebilir ve zincirleri, Orta Çağların mirası vardı.

Batı Avrupa ülkelerinin müzik sanatının müzik sanatının, Batı Avrupa ülkelerinin müzik sanatını, Manifold İtalyan, Hollanda, Fransızca, Almanca, İspanyolca, İngilizce ve diğer yaratıcı okullara ve aynı zamanda açıkça belirgin genel eğilimlerle aynı zamanda yaklaştı. Sıkı bir tarzın klasiği, çoktan yaratılmıştı, polifonun bir tür "uyumlaştırılması" ve bir homofon yazımına hareket arttı, sanatçının yaratıcı bireyselliğinin rolünü, yaşam müziğinin değeri ve üzerindeki etkisi Yüksek düzeyde, mecazi olarak zenginleştirilmiş ve bireyselleştirilmiş laik müzikal türlerin profesyonel sanatı (özellikle İtalyan Madrigal), genç enstrümantal müzik, bağımsızlık eşiğine yaklaştı. Bütün bu XVII yüzyılları doğrudan XVI'den algılanıyor - Rönesansın mirası olarak.

İtalya'da Ars Nova. Francesco Landini

XIV Century (Kreteno) İtalyan müziği sanatı genel olarak, yeni bir gecede, sadece yeni bir tarzda olduğu gibi, tazeliğin muhteşem izlenimini üretiyor. İtalya'daki Ars Nova'nın müziği, tamamen İtalyan doğasında sadece çekici ve güçlü ve aynı zamanda Fransız sanatından farklılıkları. İtalya'daki Ars Nova - ZARYA Renaissance, önemli öngörü. Ars Nova'nın İtalyan temsilcilerinin yaratıcı faaliyetlerinin merkezi, Floransa'nın birincil tarafından etkilenmesi ve hümanist yönün yeni edebiyatı için ve - görsel sanatlar için büyük ölçüde - büyük ölçüde etkilenmesi tesadüfen değildi.

ARS NOVA'NIN DÖNEMİ XIV yüzyılını yaklaşık 20'den 80'lerden 80'lere kapsıyor ve PSURE orijinaliyle işaretlendi | İtalya'da laik müzikal yaratıcılığın gelişmesi. İtalyan Ars Nova için, spelial üzerindeki laik denemelerin tartışılmaz baskınlığı karakteristiktir. Çoğu durumda, bunlar müzikal şarkı sözleri veya bir tür tür oyundur.

Hareketin merkezinde, Gelişmiş çağdaşlar hakkında en güçlü izlenim bırakan Francesco Landini'nin figürü olan Fransa'nın Figürü.

Landini, Fyzole, Floransa yakınında, ressam ailesinde doğdu. Psrenin'den sonra çocuklukta, Oseplen sonsuza dek. Villan'a göre, erken müzik yapmaya başladı (ilk şarkı ve sonra dizeleri ve organ oyna). Müzikal gelişimi harika bir hızla gitti ve başkalarını şaşırttı. Birçok aletin tasarımını aştı, iyileştirmeler yaptı ve yeni örnekleri icat etti. Yıllar boyunca Francesco Landini tüm modern İtalyan müzisyenlerini aştı.

Özellikle oyununu organda yüceltti,: Petrarch varlığında, 1364'te Venedik'te defne ile taçlandı. Modern araştırmacılar, erken çalışmalarını 1365-1370 arasında yer almaktadır. 1380'lerde, bir besteci olarak Landini'nin zaferi, tüm İtalyan çağdaşlarının başarılarını ele geçirdi. Landini, Floransa'da öldü ve San Lorenzo Kilisesi'ne gömdü; Onun mezar taşı ocağında tarihi işaretlendi: 2 Eylül 1397

Günümüzde, 154 Landini bileşimi bilinmektedir. Ballads aralarında hakim.

Landini'nin yaratıcılığı, esasen Ars Nova İtalya dönemini tamamlar. Kuşkusuz Landini'nin sanat ve kalite özelliğinin, bir il, ilkel, saf bir hedonistik olarak değerlendirilmesine izin vermemesine hiç şüphe yoktur.

Son yirmi yılda, X1U yüzyılda İtalya'nın müzik sanatında, ilk olarak ARS NOVA'nın konumunun bütünlüğünü ihlal eden değişiklikler var ve sonra döneminin sonuna yol açıyor. HU yüzyıl sanatı yeni tarihi döneme aittir.

1000 yıldan fazla, orta yaşların müzikal sanatını geliştirdi. Musikal düşüncenin evriminin stresli ve tartışmalı bir aşamasıdır - Monomentten (ONE-S) en karmaşık polyphony ile. Ortaçağın döneminde birçok Avrupa müzik aleti geliştirilmiştir, hem kilisenin hem de laik müziğin türleri oluştu, ünlü müzik okulları kuruldu: Hollanda, Fransızca, Almanca, İtalyanca, İspanyolca vb.

Ortaçağlarda müzik geliştirmesinde iki ana talade vardı: manevi müzik ve laik, eğlenceli. Aynı zamanda, laik müzik dine inanılıyordu, "şeytani navalasyon" olarak kabul edildi.

Müzik, din araçlarından biriydi, "altaştırılmış", kilisenin hedeflerine hizmet ettiği ve aynı bilimlerden birinin hizmet ettiği anlamına gelir. Müzik matematik, retorik, mantık, geometri, astronomi ve gramer ile birlikte kondu. Kilise, sayısal müzikal estetiğe odaklanan şarkıcı ve besteci okulları geliştirdi (o dönemin bilim adamları için, müzik ses maddesindeki sayının bir çıkıntısıydı). Bu, geç Hellenizm'in, Pythagora ve Plato'nun fikirlerinin etkisiydi. Bu yaklaşımla, müziğin bağımsız bir değeri yoktu, daha yüksek, ilahi müziğin iddiasıydı.

Böylece, müzik 3 türe ayrıldı:

• Dünya Müziği müzik alanları, gezegenlerdir. Ortaçağın müzikal ve sayısal estetiğine göre, güneş sisteminin her gezegeninin ses, tonu ve gezegenlerin hareketi cennetsel müzik yarattı. Gezegenlere ek olarak, mevsim tonu ile donatıldı.
• İnsan Müziği - Her organ, vücudun bir parçası olan bir kişinin ruhu, uyumlu ünsüzlükte olan sesleriyle donatılmıştır.
• Enstrümantal müzik - oyun araçları, zarf için müzik, düşük hiyerarşi türü.

Manevi müzik vokal, koro ve laik - enstrümantal vokaliydi. Enstrümantal müzik ışık, anlamsız olarak kabul edildi ve bu dönemin müzikal teorisyenleri ciddiye almadı. Her ne kadar minstrel zanaat, büyük performans becerilerinin müzisyenlerini gerektirse de.

Orta Çağ'dan geçen geçiş dönemi, Avrupa'daki yeni zamanın çağına neredeyse iki buçuk yüzyıl sürdü. Bu süre zarfında, birçok yaşam alanında önemli değişiklikler meydana geldi; Fırtınalı gelişen Fen Bilgisi ve Sanat. Canlanma dönemi birçok bileşen parçasına ve gelişim aşamasına ayrılır. Çeşitli batıl inançlar da bununla ilişkilidir, o kadar kesin olarak, bugün bile onları çürütmek için önemli çabalar var.

• Birincisi ve muhtemelen, ana yanılgı, (Rönesans'ın ideologlarının çoğu gibi), canlanmanın canlanılması, barbarca "orta yaşların" uzun bir süre sonra gelen kültürün ve medeniyetin dirilişini, kültürün ve medeniyetin dirilişini düşünmektir. , kasvetli zaman, kültürün geliştirilmesinde boşluk dönemi. Bu önyargı, orta çağların tam cehaletine ve bununla canlanma arasındaki yakın bağlantıya dayanmaktadır; Örnek olarak, çok farklı iki farklı alan var - şiir ve ekonomik yaşam olacaktır. Dante, XIII yüzyılda yaşadı, yani. Orta Çağların Doruğunda, Petarka - XIV'de. Ekonomik hayata gelince, otantik Rönesansı, XIII yüzyılına, ticaret ve bankacılığın hızlı gelişmesinin zamanı geldi. Eski yazarları canlandırmak zorunda olduğumuz söylenir, ancak bu da batıl inançtır. Bu süre zarfında sadece iki eski Yunan yazılımı keşfedildiği bilinmektedir, gerisi zaten batıdakiydi (çoğunlukla Fransa'da), çünkü şahsen ve doğaya olan ilgiyle ilişkili antika dönüşü, Batı Avrupa, XII ve XIII'de hayatta kaldı. yüzyıllar.
• İkinci batıl inanç, yani, yani canlanmanın iki bileşeninin, yani insanlık ve yeni doğal bilim olarak karıştırılması ile ilişkilidir. Hümanizm, herhangi bir mantığa, her türlü nedeni, "mekanik" emek, bir yazar, yükseltici, politikacı olarak tasarlanan "mekanik" işçiyi, "mekanik" işçiyi gören herhangi bir doğal bilim için düşmancadır. Rotterdam ve Celile'nin erasmasını aynı anda birleştiren rönesans figürü, efsanevi ve inançtır, dünyanın görüntüsünün canlanmasının çağında doğanın doğasında - bir batıl inançtan başka bir şey yoktur.
• Üçüncü önyargı, Rönesans Çağının felsefesini "Harika" olarak kabul etmeden önce, bundan önceki solastik olana kıyasla.

Aslında, Nicholas Kuzansky (Rönesansın Ruhu'ndan uzak) ve Celile (Rönesans'ta yaşayan, Rönesans filozofları, Kristcher'ın adil onayına göre, ne iyi, ne de kötü değildi, Filozoflar değildi. herşey. Birçoğu olağanüstü yazarlar, bilim adamları, antik metinlerin uzmanları, alaycı ve akut zeka, edebi beceri ile ünlüydü. Fakat felsefe ile neredeyse hiç ilişkisi yoktu. Böylece, orta çağların düşünürlerine - temiz su batılmasının düşünürlüğüne karşı çıkın.

• • Başka bir yanlış anlama, fırtınalı bir devrimin canlanmasını, geçmişle tam bir boşluk olduğunu düşünmektir. Nitekim, bu süre zarfında derin değişiklikler vardır, ancak hepsi geçmişle organik olarak birbirleriyle bağlantılıdır ve her durumda, kökenleri orta çağlarda bulunabilir. Bu değişiklikler geçmişte, bu kadar derin kökleri, Rönesans dönemindeki en büyük profesyonellerden birinin "Sonbahar Orta Çağları" nın bu dönemini adlandırmanın her nedenine sahipti.

Son olarak, batıl inanç, Rönesans döneminde yaşayan insanların, en azından çoğu, Protestanlarının, Monistler, ateistlerin veya rasyonalistlerin ruhunda. Aslında, tanınmış rönesans temsilcilerinin ve felsefe alanında, Leonardo ve Ficino'dan Galilean ve Kampenyon'a kadar felsefe alanında ezici çoğunluğu, Katolik, frekans destekçileri ve savunucular34 Katolik inancıydı. Öyleyse, yaşamın 40. yılında Martilyo Ficino, Hıristiyan inancını aldı ve yeni zamanın Katolik özür dilemesi yarattı.

Müzik Teorisyeni Orta Çağ Guido Aretinsky (15. yüzyılın sonu), aşağıdaki müzik tanımını verir:

"Müzik, ses seslerinin hareketidir."

Bu tanımda, Ortaçağ müzikalisti, bu dönemin tüm Avrupa müzik kültürünün müziğine karşı tutumu ifade etti.

Kilise ve laik müziğin müzik türleri.

Ortaçağın manevi müziğinin kaynağı manastır ortamıydı. Chants, kilise ortamında işitme ve dağıtım için şarkı söylüyorlardı. Büyük bir manifoldun ortaya çıkması göz önüne alındığında, Katolik Kilisesi, Hıristiyan doktrinin birliğini yansıtan çantaları can bırakmaya ve düzenlemeye karar verdi.

Böylece koro, kilise müzikal geleneğinin kişileştirilmesi oldu. Özel olarak belirli tatiller için, ibadet ettiği diğer türlere dayanmaktadır.

Orta Çağların Manevi Müziği, aşağıdaki türlerle temsil edilir: · Koral, Grigoryen korosu - Latince, açıkça düzenlenmiş olan tek saçlı dini ilahi, bir koro, bazı bölümler tarafından yapıldı - solist

• • • Kütle, Katolik Kilisenin ana ibadası, 5 sürdürülebilir parçadan (Ordarden) - I. Kyrie Eleison (Lord, Pomemui), II. Gloria (Glory), III. Credo (inan), iv. Sanctus (Kutsal), V. Agnus dei (Tanrı'nın Kuzu).
    • Liturji, Liturjik Drama - Paskalya veya Noel ibadeti, Gregorian Choralas'ın canyonize olmayan iz melodileri ile değiştiği, litürleri koro, karakter partisi (Mary, Evangelist) - solistler tarafından yapıldı, bazen bir çeşit kostümler ortaya çıktı.
    • Gizem - detaylı bir sahne eylemi, kostümleri ile korurucu bir drama
    • Rondel (Rondo, RU), yazarın melodisine (kanonize edilmiş cholation'ın aksine), dönüşlere katılan solistler (Erken Canon Form) tarafından yapılan doğaçlama biçiminde yapılan (kanonize cholation'ın aksine) çok sesli bir olgunluk türüdür.
    • Proprium - tür kütlesinin bir parçası, kilise takvimine bağlı olarak değişen (kütle - ordaryumun sabit kısmından farklı olarak)
    • Antifone - iki koro grubu tarafından alternatif partilere dayanan koro kilisesi müziğinin en eski türü

Kilise Müziği örnekleri:

1) Kyrie Eleyson

2) VICTITAA PASHALI

Orta Çağların laik müziği, çoğunlukla başıboş müzisyenlerin müziği ve özgürlük, kişiselleştirilmiş ve duygusallık ile ayırt edildi. Ayrıca, laik müzik, feodal kağıdı, şövalye kültürünün bir parçasıydı. Kod, zarif görgü, cömertlik, cömertlik, güzel bir bayan olarak hizmet edecek görevlerin şövalyesini öngördüğünden, bu partiler, Troubadur ve Minnnesinger'in şarkılarına yansımalarını bulamadılar.

Seküler, hokkabazlık, trompener veya borular, minektif (Fransa'da), Minnesinger, Spielmen (Alman ülkelerinde), Chrogress (İspanya'da), kırıntılar (Rusya'da) yaptılar. Bu sanatçılar sadece şarkı söyleyebilmek, oynamak ve dans etmek, aynı zamanda sirk performanslarını, püf noktaları, tiyatro sahnelerini de gösterebilmeli ve halkı eğlendirmek için başka bir şekilde olmalıydı.
Müziğin bilimlerden biriydi ve üniversitelerde öğretildiği için eğitim alan feodal ve asil insanlar bilgi ve sanatlarını uygulayabilir.
Böylece, müzik Mahkeme ortamında geliştirildi. Hıristiyan bencilliğinin aksine, şövalye müziği şehvetli sevgiye ve mükemmel bir bayanın idealini zorladı. Kulübelerin arasında, müzisyenler bilinen - Guyom - VII, Sayısı Poitiers, Duke Aquitania, Jean Briensky - Kudüs Kralı, Pierre Moklar - Brittany Dükü, Tibo Şampanya - King Navarre.

Orta Çağların Ana Özellikleri ve Özellikleri:

• • • folklor'a dayanır, Latince yapılmaz, ancak ana diller aralarına göre,
    • stay sanatçıların izlemesi kullanılmaz, müzik oral bir gelenektir (daha sonra mahkeme ortamında, müzikal bir yazı gelişiyor)
    • ana konu, dünyevi hayatının bütün manifoldundaki bir kişinin imgesi, idealize duyarlı aşk
    • tek yönlü - şiirlerde bireysel duyguları ve şarkı formunda ifade etmenin bir yolu olarak
    • vokal ve enstrümantal uygulama, araçların rolü çok yüksek değil, enstrümantal çoğunlukla giriş, ara ve kodlardı.
    • melodi, aynı zamanda, "Kilise müziğinin etkisi, ritim çeşitleri (ritmik modlar)," Kilise müziğinin etkisi, ritim çeşitleri (ritmik modlar) sadece 6'dır ve bunların her birinin kesinlikle şekillendirilmiş bir içeriğe sahipti.

Trubadras ve Minnesyers, Trubadras ve Minnesingers, Trumpet Knight Music, Orijinal Türlerini yarattı:

• • • "Weavky" ve "Mayıs" şarkıları
    • Rondo - Yinelenen Refrene Dayalı Form
    • Ballad - Textzy Song
    • Virael - Starofronzuz Üçlü Stricken Stanza (üçüncü hat kısaldı), aynı kafiyeli ve koro ile
    • Kahraman Epos ("Roland Şarkısı", "Nibelunga Şarkısı")
    • Haçlı Şarkıları (Filistin Şarkıları)
    • Kanzona (Minnnesinger'da - Alba) - aşk, lirik şarkı

X - XI yüzyıllarında kent kültürünün gelişimi sayesinde. Laik sanat daha aktif hale geldi. Müzisyenlerin giderek daha fazla yerleşim tarzı seçtiklerini, nüfuslu bütün şehir blokları.

İlginç bir şekilde, XII - XIII yüzyıllarıyla başıboş müzisyenler. Manevi temaya geri dönün. Latince'den yerel dillere geçiş ve bu sanatçıların muazzam popüları, Strasbourg, Rouen, Reims'in katedrallerinde manevi fikirlere katılmalarına izin verdi. Kambur. Zamanla, dolaşan müzisyenlerin bazıları, asalet kalıntılarında ve Fransa, İngiltere, Sicilya ve diğer ülkelerin avlularında performanslar düzenleme hakkını aldı.

XII - XIII yüzyıllarca, kaçan rahipler, dolaşan okullar, başıboş müzisyenler arasında ve din adamlarının alt katmanları - vagant ve Goliada'da görünmektedir.

ORTED müzisyenler Ortaçağ şehirlerinde tüm müzikal dükkanlar - "St. Julien'in Kardeşliği" (Paris, 1321), "St. Nicholas'ın Kardeşliği" (Viyana, 1288). Bu derneklerin amaçları, müzisyenlerin haklarının korunması, profesyonel geleneklerin korunması ve devri.

XIII - XVI yüzyıllarında. Ars Nova Epoch'ta zaten daha önce gelişen yeni türler oluşturulur:

• • • Motoğraflar (Franz'dan. - "Kelime") - Aynı anda, bazen farklı dillerde bile farklı metinlerin aynı anda hoşgörülen oyların melodik hemşiresi tarafından ayırt edilen çok sesli bir tür, hem laik içerik hem de manevi olabilir.
    • Madrigal (Ital'den. - "Ana dilde şarkı", yani İtalyanca) - Lirik, Pastoral Şarkıları,
    • Kachche (Ital'ten. - "Avcılık") - Avcılık konusundaki vokal bir oyun.

Troubadur ve profesyonel bestecilerin laik müziği.

Ek Bilgiler:

Bilgi çağımızda, yüksek teknolojilerin yüzyılı, genellikle geri dönüşlü manevi değerleri unuturuz. Bu değerlerden biri klasik müziktir - atalarımızın ruhsal mirası. Klasik müzik nedir, neden modern bir insan tarafından gereklidir? Neden bu kadar çok sıkıcı olduğuna inanıyor? Bu zor soruları bulmaya çalışalım. Klasik müziğin sözde uzun zaman önce yazılmış olduğu görüşünü duyabiliyorsunuz. Bu, bu kavram, insan medeniyetinin varlığından bu yana müzik dünyasında yaratılan en iyisini ima ettiği içindir. XVIII Century'da yaratılan Sonata Beethoven ve Romance Sviridova, 40 yıl önce eklendi, - Bütün bunlar bir klasik! Asıl şey, bu müziğin zaman sınavını geçmesidir. Ve Beethoven döneminde ve şimdi sanattan temel bir müzik ürünü üreten kelepçeler var. Bu ürün çok hızlı bir şekilde şımarık ve her gün orijinal sanat daha güzel ve daha güzel hale geliyor.

Notların görünümü

Yazma, insanlığın büyük icadı, önümüzdeki nesiller için düşünceleri, fikirleri ve izlenimleri biriktirip iletmenize izin verdi. Başka bir icat, daha az harika, müzik kaydı yok, seslerin torunlara, müziğe aktarılmasına izin verildi. Avrupa müziğinde müziğe, özel işaretler kullanıldı - NEMA.

Modern tank kayıt sisteminin mucidi, Guido Aretinsky'nin (Guido D'Isset) (990-1050) Benedictine Monk'dır. Arezzo, Floransa'dan uzak olmayan Toskana'nın küçük bir kasabasıdır. Yerel manastırda Gvido Brother, kilise tezahüratlarının yürütülmesini söylemektedir. Kolay ve uzun değildi. Tüm bilgi ve beceriler doğrudan iletişimde sözlü olarak iletildi. Öğretmenin rehberliğinde ve sesinden tekreter, her marşı ve Katolik kütlesinin her ilgisini sürekli öğrendi. Bu nedenle, tam bir "kurs" yaklaşık 10 yıl sürdü.

GUIDO ATETTINSKY, notların seslerini işaretlemeye başladı (Latince Nota Nota - bir işaret). Notlar, gölgeli kareler, dört paralel hattan oluşan bir teneke birine yerleştirildi. Şimdi bu hatlar beşidir ve notlar daireler tarafından tasvir edilir, ancak Guido tarafından tanıtılan ilke değişmeden kaldı. Daha yüksek notlar daha yüksek bir çizgide gösterilir. Notlar Yedi, bir oktav oluştururlar.

Octave Gwido'nun yedi notunun her biri adı verdi: UT, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si. Bunlar, St.'nin ilahisi ilk heceleridir. John. Bu marşın her satırı, öncekinin üstündeki tonda gelir.

Bir sonraki oktavın notları aynı denir, ancak daha yüksek veya daha düşük bir sesle gelir. Bir oktavdan başka bir ses frekansına geçerken, aynı nota ile gösterilen, bu iki kez artar veya azalır. Örneğin, müzik aletleri ilk oktav notunu oluşturur. Bu not 440 Hz frekansına karşılık gelir. Bir sonraki, ikinci, oktav 880 Hz frekansına karşılık gelecektir.

Önce hariç tüm notların isimleri, bir sesli sesin üzerine sonlandırır, şarkı söylemesi uygundur. SLOG UT - KAPALI ve kaybolan imkansızdır. Bu nedenle, Octave, UT'nin birinci çenesinin adı, on altıncı yüzyılda DO (büyük olasılıkla Latince Dominus - RAB'ten) yerini aldı. Octave'nin son notu, SI, Hymn, Sancate Ioannes'ın son çizgisinin iki kelimesinin azaltılmasıdır. İngilizce-dil ülkelerinde, "SI" adı, "Ti" ile değiştirildi, ayrıca bir bildirim kaydında kullanılan C harfi ile karıştırılmaması için.

Invenus Notes, Guido, bu tür bir alfabenin şarkıcılarını öğretti ve ayrıca onlara notları söylemelerini öğretti. Yani, modern müzik okullarında Solfeggio denir. Şimdi tüm Mesa notlarını yazmak yeterli ve şarkıcılar istenen melodiyi zaten acele edebilirdi. Her şarkının her birine şahsen öğretme ihtiyacı yoktu. Guido sadece işlemi kontrol etmek için vardı. Eğitim zamanı Pevichi beş kez azaldı. On yıl yerine - iki yıl.

Guido'nun doğduğu evde Ricassolley caddesindeki arezzo'da bir anıt plak. Üzerinde kare notları tasvir etti.

Arezzo'dan Monk Guido'nun, işaretlerin yardımıyla müzik yazılı olarak ortaya çıkan ilk kişi olmadığını söylemeliyim. Ondan önce, Batı Avrupa'da, zaten bir nöney nayir sistemi vardı (Yunanca "Pnömo" - solunumdan), Pezalmıların metninde yapıştırılmış rozetler, şarkının tonundaki artışı veya azalmayı belirlemek için. Rusya'da, aynı amaç için kendi "kancalarını" veya "afişlerini" kullandılar.

MOT'un dört satırında bulunan Guido Aretinsky'nin kare notları, en kolay ve en uygun müzik kayıt sistemi olduğu ortaya çıktı. Onun sayesinde, dünyaya yayılmış bir dokunuş derecesi. Müzik, kilisenin sınırlarını terk etti ve Vladyk ve Asil Saraylarında ve sonra tiyatrolarda, konser salonlarında ve şehir karelerinde kaldı, genel miras haline geldi.

Bir yol nedir.

Lada, müzik teorisindeki merkezi terimlerden biridir. Nasıl yapıldıklarını anlamak ve kullanımlarının yetenekli kullanımı, müzisyenin önünde sınırsız fırsatlar açılır. Ve genellikle belirli bir kompozisyonda ilginç bir geçişin nasıl oluşturulduğunu açıklar, imkansızdır - bir kişi bir yol ne olduğunu anlamıyorsa. Ancak bir SPAG var: "Yolu" terimi, müzisyenlerin kendileri kullandılar, çoğu zaman aynı değildir. Neden? Ve genel olarak böyle olanı nedir? Karışıklık, farklı dönemde bu kelime nedeniyle ortaya çıktı çok farklı bir anlam yatırıldı.

Algımızın nasıl ortaya çıktığını ve klasik müziğe nasıl bağlandığını anlamadık. ("Modern müzik" kavramı, klasik ilkelerden ayrılıştır). Klasikçilik döneminin dünyanın insan algısında büyük bir tarihi katmandır. Ortaçağlardan sonra, insanlar antika sanatını keşfeder ve onları büyülemektedir. Klasikçiliğin herhangi bir ürünü, katı kanonlara inşa edilmiştir, böylece evrenin kendisinin hafifliğini ve mantığını bulur. Klasikçilik yapısal bir düzen yarattı - en yüksek ve alt, ana ve ikincil, merkezi ve alt, ana ve alt kısımların net bir hiyerarşisi. Bu nedenle, örneğin, Viyana klasikleri ve romantik müzikle başlayarak, sistemde "büyük küçük" düşünüyoruz. Bu nedir ve algımızı nasıl etkiler?

Major ve küçük ton perdelerdir. Tonal delikanlı, tonlar arasında belirli bir ilişki sistemidir. Bu ne anlama geliyor? Ton nedir? Hadi bulmaya çalışalım. Diyelim ki önünüzde piyano olduğunuzu varsayalım: Klavyeye bakın: MI-FA-Sol-LA-SI, 7 beyaz tuşlarına ve aralarında aralarında sadece 5 siyah, sadece 12. arasındaki mesafedir. Her biri arasındaki mesafe Onlar yarı tondur. Komşu siyah ve beyaz arasında - her zaman yarı ton. Bitişik beyaz arasında - tonu (Mi-Fa'lara istisnalar var ve Si-up yarı tondur).

Herhangi bir ton seti ve yarı ton bir kaynaktır. Klasikçilik döneminde, tüm tonik tonlarının katı subordinasyonuyla inşa etmeye başladı. Böyle bir büyük veya madencilik yoludur. Tüm ton müziği (tüm klasik), ana ve alt ünsüzler arasındaki ilişkiye dayanmaktadır. Söylentiler için, "Neşeli" ya da "üzgün" nin yapıldıkları için majör ve küçükleri sezgisel olarak ayırt ediyoruz. Bir değişken yolu, ana ve küçük özelliklerin aynı anda bir işte olduğu zamandır. Ancak bunların ilkesi yaygındır - ton.

Ancak, bu ilke mümkün değil. Klasikçilik döneminden önce, herkes nihayet bir tonalite sisteminde sipariş edildiğinde, müzikal düşünme farklıydı. İyonya, Dorian, Frigian, Lidy, Mixolidian, Eoli, Lokuri ... Bu, Yunanlıların oktav lada. Ve Grigorian müziğinin kilise perdeleri vardı. Bütün bunlar MODAL LADA. Antika, orta yaşlarda, Modalna Doğu Müzik Geleneği'nde (Hint paçavraları veya Arapça MacM'ler) müzikten oluştiler. Avrupa'nın müziğinde, canlanma dönemi de hüküm sürdü.

Her zamanki ton görünümümüzün temel farkı nedir? Tondaki ucubelerde, ana ünsüzlük ve akorların işlevlerini kesinlikle ayırt eder ve modal müzikte çok daha fazla bulanık. Modal Lada için, ses sesinin kendisi önemlidir - hem müzik getirebileceği anlamlar hem de boyalar. Bu nedenle, söylentilerde kolayca söylentiyemiz, Hint müziğini Ortaçağ Koromları'ndan ayırt eder - belirli özelliklere ve müzikal vuruşlara göre.

20. yüzyıla kadar, besteciler ton müziğindeki tüm ses seçeneklerini denemiş gibi görünüyor. "Sıkıldım, iblis!", "Dediler ve yeni renkleri eski - modal ciroya döndü ve hareket ettirdiler. Yani yeni bir yöntem vardı. Modern müzikte, yeni perdeler ortaya çıktı - örneğin, Blues. Dahası, özel bir türde - modal caz vardı. Miles Davis, örneğin, modal müzik olarak adlandırılan "normal bir gamadan sapma, her notun odaklanmadığı yedi nota." Ve "bu yöne giderken, sonsuzluğa gidiyorsun" dedi. Battern gün, ton ve modal ilkelerin birbirlerini hiç dışlamadığıdır. Bir oyunda, işaretleri karıştırılabilir. Değişiklik, her zamanki ana / küçük üzerine bindirilen başka bir katman gibidir. Ve çeşitli modal günlüklerin kullanılması müziğin rengini değiştirir: Örneğin, Frigian Lada'nın dönüşleri ızgara, çünkü ses halıları esas olarak azaltılmış adımlar oluşturur. Bu sebzeleri tanımak, müzik yazarsanız ilginç ses elde edebilirsiniz.

Renk, ruh hali, karakter - Bunlar, duyduğumuz, ancak genellikle bunu anlamadıkları LADA belirtileridir. Genellikle, modal dönüşler şarkılara yapılır - çünkü sıradışıdırlar. Klasik müziğe getirilen söylenti, bu kalkışı günlük yaşamdan çeker. Bütün bunlar ve müzik dilini anladığınızda çok daha fazla açılır.

Müzik orta Çağ Çapları - Geliştirme süresimüzik kültürüBir kapma süresi aralığı varV XIV yüzyıla reklamına. .
Avrupa'daki Orta Çağ Çağında Yeni bir tür müzikal kültürü var -feodal profesyonel sanat, amatör bilgisi vefolklor. Kiliseden beri Manevi yaşamın tüm alanlarında, profesyonel müzik sanatının temeli, müzisyenlerin faaliyetleridir.tapınaklar ve manastırlar . Secular profesyonel sanat, ilk olarak, avluda epik efsaneler yaratan ve uygulayan şarkıcılar, Warriors, vb. (bards, Scaldy ve benzeri.). Zamanla, amatör ve yarı profesyonel müzik kalıpları gelişmektedir.Şövalyeler: Fransa'da - Almanya - Minnnesinger (Adam de La, XIII. Yüzyıl) - Minnnesinger Tungsten von Eschenbach, Walter Background der Fogelweed, XII - XIII Yüzyıl ), kentsel olarakzanaatkarlar. Feodal kalelerde ve şehirlerde her tür doğum çocuğu yetiştirilir,Şarkıların türleri ve formları (epik, "şafak", rondo, le, velel, baladlar, chancest, topraklar vb.).).
YENİ YENİ DAHİLmüzik Enstrümanları, gelenler de dahil olmak üzereDoğu (viola, lute vb.), topluluklar ortaya çıkar (kararsız kompozisyonlar). Folklor, köylü ortamında çiçek açar. "İnsanların profesyonelleri" de çalışıyor:sporcular , Sentetik sanatçı giyen (hepsinde, Mimes, Minstrels, Spiens, Scrolls ). Müzik, özellikle uygulanan ve manevi ve pratik fonksiyonları yinelemektedir. Yaratıcılık birliktesiyle gerçekleştirirverim (genellikle bir kişi içinde).
Ve müzik içeriğinde ve formunda hakimkoleksiyon ; Bireysel bir başlangıç, bundan ayakta durmadan genele tabidir (müzisyen ustası en iyi temsilcisidirtopluluklar ). Hepsi hüküm süren katıgeleneksel ve Kanonizm . Konsolidasyon, Koruma ve Dağıtımgelenekler ve standartlar.
Yavaş yavaş, yavaşça olsa da, müziğin içeriği zenginleştirildi, onutürler, Formlar , Etkileyici araçlar. İÇİNDEVI ile Batı Avrupa - VII Yüzyıllar . Kesinlikle düzenlenmiş bir sistem var.tek saçlı (monodic ) Temelli kilise müziğidiatonik Ladinler ( grigori şarkı), birleştiren okunmamış (Mezmury) ve şarkı (ilahiler) ). 1. ve 2. binyılın başında doğarpolifon . Yeni oluşturulmuşvokal (koro) ) ve vokal enstrümantal (koro veorgan) Türler: Organlar, Mott, Kontuct, sonra Mesia. XII yüzyılda Fransa'da İlk kuruldubesteci (Creative) Okulu Parisli Annenin Katedrali. (Leonin, Peroths). Rönesansın sırasındaki (Fransa ve İtalya'daki ARS NOVA tarzı, XIV. Yüzyılda) profesyonel müzik Tek camlı desteklenirpolifon Müzik tamamen pratik fonksiyonlardan kurtulmaya başlar (kilise bakımıayin ), değeri arttırırlaik Şarkılar dahil Türler (Gille de Masho).

Canlanma.

XV-XVII yüzyıllar döneminde müzik.
Ortaçağlarda, müzik kilisenin ayrıcalıydı, bu yüzden müzikal çalışmaların çoğu kutsaldı, Hristiyanlığın başlangıcından gelen dinin bir parçası olan kilise tezahüratlarına (Gregorian Koral) dayanıyorlardı. XVII yüzyılın başında, Papa Gregory I'in doğrudan katılımı ile kült girişleri nihayet canyonize edildi. Gregorian Horal, profesyonel şarkıcılar tarafından yapıldı. Kilise müziğinin gelişiminden sonra, Grigorian Koral, polifonik dini işlerin tematik olarak tematik olarak kalmıştır (Mess, MoteTov, vb.).

Ortaçağ, ERA keşifleri, yenilikçilikler ve araştırmaların müzisyenleri için olan Rönesans'ı takip etti.
Çoğunlukla müzik dindar olmasına rağmen, ancak toplumdaki kilise kontrolünün zayıflaması, yeteneklerinin tezahüründe büyük bir özgürlüğe sahip besteciler ve sanatçıları açtı.
Baskı makinesinin icadı ile, bundan sonra notları yazdırmak ve dağıtmak mümkündü ve klasik müzik dediklerimize başlıyor.
Bu süre zarfında, yeni müzik aletleri ortaya çıktı. Oyunun sevenlerin müzik severlerinin en popüler araçları kolay ve basit, özel beceriler gerektirmeden.
Şu anda viola ortaya çıktı - kemanın selefi. Bayanlar (griff boyunca ahşap şeritler) sayesinde, oynaması kolaydı ve sesi sessiz, yumuşak ve küçük salonlarda iyi geliyordu.
Pirinç araçları da popülerdi - flüt, flüt ve boynuz blok. En karmaşık müzik, yeni oluşturulan küme, ağaçlar (İngilizce harpsichin, küçük boyutlu) ve organ için yazılmıştır. Aynı zamanda, müzisyenler müziği kolaylaştırmayı kolaylaştırmayı unutmadılar, bu da yüksek performans becerileri gerektirmeyen. Aynı zamanda, müzik mektubunda değişiklikler vardı: İtalyan Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Metal Lisers, ağır ahşap baskılı blokları değiştirdi. Yayınlanan müzikal işler hızlı bir şekilde satın aldı, gittikçe daha fazla insan müziğe katılmaya başladı.
Canlanma döneminin sonu, müzik tarihindeki en önemli olayla işaretlendi - operanın doğuşu. Floransa'da, Jovani de Bardi'nin (1534 - 1612) grafiğinin lideri olan bir grup hümanist, müzisyen, şairler toplandı. Grubun "kamera" olarak adlandırıldı, ana üyeleri Julio Kachchini, Pietro Strozzi, Vincenzo Celile (Baba Astronoma Galileo Galilean), Giloramo Mei, Emilio de Kavalii ve Ottavio Rhinucchini.
Grubun ilk belgelenmiş montajı 1573 yılında gerçekleşti ve en aktif iş "Floransalı camerata "1577-1582 idi. Müziğin" şımarık "olduğunu ve eski Yunanistan'ın biçimine ve tarzına geri döndüğüne inanıyorlardı, müzik sanatının geliştirilebileceğine ve buna göre toplumun da geliştirileceğine inanıyorlardı. Kamera mevcut müziği eleştirdi Polyphony'nin bağırsakların zararına aşırı kullanımı için. İşin şiirsel bileşeninin metni ve kaybı, monodic tarzındaki metnin enstrümantal müzik eşlik ettiği yeni bir müzikal stil yaratmayı önerdi. Deneyleri Yeni bir vokal-müzik formunun oluşturulmasına neden oldu - daha sonra operanın gelişimi ile doğrudan doğrudan ilişkili olan Emilio de Cavalieri'nin kullandığı bir cleattee.
İlk resmen tanındıopera Modern standartlara karşılık gelen "Daphne" Opera (Daphne) ilk olarak 1598 yılında "Daphne" yazarlar tarafından sunuldu. Jacopo İskelesi ve Jacopo Corsi, Libretto Ottavio Rhinucchini. Bu opera korunmadı. İlk hayatta kalan opera aynı yazarların "Eurydick" (1600 )'dadır - Jacopo per. Ve Ottavio Rhinucchini. Bu yaratıcı birlik, çoğu kaybedilen birçok eser yarattı.

Erken Barok Müziği (1600-1654)

Barok ve Rönesans dönemi arasındaki geçişin koşullu noktası, recitive stilinin ve İtalyan operasının tutarlı gelişimi olan İtalyan besteci Claudio Monteverdi (1567-1643) 'nin oluşturulması olarak kabul edilebilir. Opera performanslarının Roma'daki ve özellikle Venedik'teki başlangıcı, ülkedeki yeni bir tarzın tanınması ve dağıtılması anlamına geliyordu. Bütün bunlar, tüm sanatları yakalayan ve özellikle mimarlık ve yazma resimlerinde parlak bir şekilde tezahür ettiren daha kapsamlı bir sürecin sadece bir parçasıydı.
Rönesans bestecileri, bu parçaların karşılaştırılmasına dikkat etmeden, müzikal işin her bir kısmının detaylandırılmasına dikkat etti. Ayrı olarak, her kısım mükemmel ses çıkarabilir, ancak ilavenin uyumlu sonucu, durumun durumunda durumdadır. Figürlü bir basın görünümü, müzikal düşüncelerde önemli bir değişiklik göstermiştir - yani, "bir bütün için parçaların eklenmesi" olan, melodik parçalar (polifoni) kadar önemli olan uyumun kendileri tarafından önemlidir. Daha fazla ve daha fazla polifoni ve uyum, uyumlu müziğin bileşimi hakkındaki bir fikrin iki tarafına benziyordu: Yazarken, uyumlu sekanslar, uyumsuzluk yaratırken aynı dikkat gösterdi. Armonik Düşünme, önceki dönemlerin bazı bestecilerinde, örneğin Karlo Jesualdo, ancak Barok döneminde, genel olarak kabul edildi.
Çalışmaların, modaliteyi tonaliteden açıkça ayırmanın imkansız olduğu yerlerde, karışık bir büyük ya da karışık bir küçük gibi işaretlendi (daha sonra bu kavramlar için "Monsal Major" ve "Monsal Minor" terimlerini sırasıyla tanıttı) . Tablodan, daha önce Barok döneminde tonal uyumun, önceki dönemlerin uyumunu neredeyse nasıl birleştirdiğini görülebilir.
İtalya yeni bir tarzın merkezi olur. Papalık, Reformasyonla mücadeleyle yakalanmasına rağmen, ancak yine de Habsburgların askeri kampanyaları tarafından doldurulan büyük para kaynaklarına sahip olsa da, Kültürel etkiyi genişleterek Katolik inancının yayılması olasılığını arıyordu. Mimarlık, görsel sanatlar ve müzik, katoliklik, mimarlık, görsel sanatlar ve müzik, assetik protestanlık ile tartıştı. Zengin İtalyan Cumhuriyetleri ve Müdürlükleri, güzel sanatlar alanında da aktif bir rekabet yapmıştır. Müzik sanatının önemli merkezlerinden biri, eskiden laik ve kilise humarası altında Venedik'tiydi.
Pozisyonu katolikliğin tarafındayken, protestanlığın artan ideolojik, kültürel ve kamu etkisinin karşısındaki erken barok döneminin önemli bir figürü Giovanni Gabrieli idi. Çalışmaları "Yüksek Rebirth" tarzına aittir (Rönesansın Heyday). Bununla birlikte, araçlar alanındaki yeniliklerinden bazıları (kendi kendine özgü görevler için belirli bir araç atamak), yeni bir tarzın görünümünü etkileyen bestecilerden biri olduğunu açıkça göstermektedir.
Kilise tarafından manevi müzik çalışmalarına uygulanan şartlardan biri, vokallerle yapılan çalışmalardaki metinlerin seçici olmasıydı. Cargo'yu polifonikten müzikal tekniklere, kelimelerin öne geçtiği müzikal tekniklere talep etti. Vokaller, eşlik için karşılaştırıldığında daha karmaşık hale geldi. Öyleyse homofenin gelişimi var.
Monteverd claudio (1567-1643), İtalyan besteci. Hiçbir şey onu, dramatik çatışmalarında ve dış dünyayla çatışmaların içsel, zihinsel huzuru barışının maruz kalması olarak değil. Monteverdi, trajedi planının çatışma dramasının gerçek birincisidir. İnsan duşlu bir kasırga şarkıcısı. Kalıcı bir şekilde müziğin doğal ifadesine aranıyor. "Konuşma insan - uyumun kadını, onun hizmetçisi değil."
"Orpheus" (1607) -Operanın müziği, trajik kahramanın iç dünyasının açıklanmasına odaklanır. Partisi alışılmadık derecede çoklu, çeşitli duygusal ve etkileyici akımları ve tür hatlarını birleştiriyor. Hevesli olarak, yerli ormanlarına ve kıyılarında görünür ya da Halk Deposu'nun gidilemez şarkılarında Euridik kaybını yas tutar.

Müzik Müzik Barok (1654-1707)

Avrupa'daki en üst düzeyde merkezileşme süresi genellikle mutlakiyetçilik olarak adlandırılır. Kesintisizlik, Apogee'yu Fransız King Louis XIV ile ulaştı. Avrupa'nın tamamı için Louis Louis rol modeliydi. Mahkemede yapılan müzik dahil. Müzik aletlerinin (özellikle klavyeyle ilgiliydi) artan mevcudiyeti, oda müziğinin gelişimine itici etti.
Olgun Barok, yeni bir tarzın erken yaygın yayılmasından ve özellikle operadaki müzik formlarının güçlendirilmiş bir ayrılmasından farklıdır. Literatürde olduğu gibi, müzikal çalışmaların baskısını yapabilme yeteneği, izleyicinin bir uzantısına yol açtı; Müzik kültürü merkezleri arasındaki değişimi sağlamlaştırdı.
Yard Louis Xiv'in mahkeme bestecilerinin olağanüstü bir temsilcisi Giovanni Battista Lulley (1632-1687).Zaten 21 yaşında, "Enstrümantal Müzik Bestecı Bestecı" un unvanını aldı. En başından beri yaratıcı işler tiyatro ile sıkıca bağlıydı. Mahkeme odası müziğinin organizasyonunun ardından ve "Airs de Cour" yazısı, bale müziği yazmaya başladı. Louis XIV kendisi, nezaketsiz soyluların favori eğlencesi olan baletler halinde dans etti. Lully mükemmel bir dansçıydı. Kral ile birlikte dans, üretime katılabildi. Moliere ile işbirliğiyle, müzik yazdığı oyunlar hakkında bilinir. Ancak lully eserlerindeki asıl şey hala operayı yazıyordu. Şaşırtıcı bir şekilde, lully tam bir Fransız operası türü yarattı; Fransa'da sözde lirik trajedi (Fr. Traudie Lyrique) ve Opera Binası'ndaki çalışmalarının ilk yıllarında şüphesiz yaratıcı olgunluğa ulaştı. Otobüs sık sık orkestra bölümünün görkemli sesi ile basit alıcılar ve arias arasındaki kontrastı kullanılır. Uçurumun müzikal dili çok karmaşık değildir, ancak elbette, uyumun netliği, ritmik enerji, form üyeliğinin netliği, dokudun saflığı, homofon düşüncesinin ilkelerinin zaferini konuşuyor. Geniş ölçüde, başarı da orkestraya müzisyenleri seçme kabiliyeti ve onlarla çalışması ile başarı da kolaylaştırıldı (kendisi de prova yaptılar). Çalışmalarının ayrılmaz bir unsuru, uyum ve bir çözüm aletine dikkat edildi.
İngiltere'de olgun barok, Henry Peressella'nın parlak dahisi ile işaretlendi (1659-1695). Gençleri, 36 yaşında, çok sayıda eseri yazıyor ve ömrü boyunca yaygın olarak tanındı. Purcell, Corelli'nin ve diğer İtalyan barok bestecilerinin eserini aşındı. Bununla birlikte, müşterileri ve müşterileri, tanıdığı İtalyan ve Fransız laik ve kiliselerinden başka bir çeşitliliğin insanıydı, bu yüzden Pörslla'nın yazıları İtalyan okulundan çok farklı. Purcell çok çeşitli türlerde çalıştı; Basit dini ilahilerden, büyük bir formattaki vokal makalelerinden sahneli müziklere kadar müziğe. Kataloğu 800'den fazla eser var. Purcell, etki modernite için geçerli olan klavye müziğinin ilk bestecilerinden biri oldu.
Yukarıdaki bestecilerin aksine Dietrich buxthehud (1637-1707) mahkeme besteci değildi. Buxtehude, bir organist tarafından, önce Helsingborg'da (1657-1658), daha sonra Elsinor'da (1660-1668) ve ardından, 1668'den başlayarak, St. Lübeck'te Mary. Eserlerinin yayınlanmasına, ancak onların yürütülmeleri ve asaletin himayesinde, kilise metinleri ve kendi organ çalışmalarının yürütülmesi için bir müzik makalesini tercih etti. Ne yazık ki, bu bestecinin tüm çalışmaları korunmuştur. Fırça istasyonunun müziği büyük ölçüde fikir, zenginlik ve fantezi özgürlüğü, acıklı, dramatizm, birkaç oratoryon tonlama eğilimi. Yaratıcılığı, bu tür bestecileri I. S. Bach ve Temen'i güçlü bir etkiye sahipti.

Müzik Geç Barok (1707-1760)

Olgun ve geç barok arasındaki tam çizgi bir tartışma konusudur; 1680 ile 1720 arasında bir yerde yatıyor. Belirlenmesinin önemli ölçüde karmaşıklığında, farklı stil ülkelerinde anlaşılmaz bir şekilde değiştirildi; Diğerinde bir yerdeki kural tarafından zaten kabul edilen yenilikler taze bulgulardı.
Önceki dönemde açık olan formlar vade ve büyük değişkenliğe ulaştı; Konser, Süit, Sonata, Confrato Grosso, Oratoria, Opera ve Ballet artık ulusal özellikler belirgin değildi. Evrensel olarak kurulmuş genel olarak kabul edilen eser planları: Tekrarlayan bir iki grafik (AABB), basit bir üç parçalı (ABC) ve Rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Venedik'te doğan İtalyan besteci. 1703 yılında San Katolik rahipini kabul etti. Bunlar içinde, hala enstrümantal türler (Barok Sonata ve Barok Konser), Vivaldi'yi geliştirirken ve en önemli katkılarını yaptı. Vivaldi 500'den fazla konserden oluşur. Ayrıca, ünlü "mevsimler" gibi bazı çalışmalarına program isimleri de verdi.
Domenico Scarlatti (1685-1757) Zamanın önde gelen klavye bestecilerinden ve sanatçılarından biriydi. Ama belki de en ünlü mahkeme besteci oldu Georg Friedrich Handel (1685-1759).Almanya'da doğdu, İtalya'da üç yıl çalıştı, ancak 1711'de Londra'da, bağımsız bir opera bestecisinin parlak ve ticari olarak başarılı bir kariyerine başladı, soylular için emirler gerçekleştirdi. Yorulmaz bir enerjiye sahip olan Handel, diğer bestecilerin malzemesini geri dönüştürdü ve sürekli kendi makalelerini elden çıkardı. Örneğin, ünlü konuşmacılar tarafından "Mesih" tarafından yeniden işlenmiş olarak bilinir, şu anda "otantik" olarak adlandırılabilecek bir sürüm olmadığı kadar.
Ölümden sonra, önde gelen Avrupa bestecisi olarak kabul edildi ve Klasikçilik döneminin müzisyenleri tarafından incelendi. Handel, müziğinde, zengin doğaçlama gelenekleri ve karşı noktaya karıştı. Müzikal Mücevherat Sanatı, eserlerinde çok yüksek bir gelişme seviyesine ulaştı. Diğer bestecilerin müziğini incelemek için tüm Avrupa'da seyahat etti ve bu nedenle diğer stillerin bestecileri arasında çok geniş bir date yelpazesi vardı.
Johann Sebastian Bach 21 Mart 1685'te Eisenah şehrinde, Almanya'da doğdu. Hayatı için, opera hariç, çeşitli türlerde 1000'den fazla eser oluşturdu. Ancak ömrü boyunca anlamlı bir başarı elde etmedi. Birçok kez hareket halindeyken, Bach birinin diğeri için çok yüksek olmadığını değiştirdi: Weimar'da Weimar Duke Johanna Ernst'te bir Mahkeme Müzisyasıydı, sonra St. Kilisesi'nde bekçi oldu. Arnstadt'teki Bonifacea, birkaç yıl sonra St. Kilisesi'nde bir organistin konumunu aldı. Muliausen'deki Mussea, yalnızca bir yıl çalıştığı, daha sonra Mahkeme Organisti ve Konser Organizatörü'nün yerini aldığı Weimar'a döndü. Bu pozisyonda dokuz yıl boyunca ertelendi. 1717'de Leopold, Duke Anhalt-Kotensky, BAHA'yı Kapelmeister'in konumuna getirdi ve Bach Koten'de yaşamaya ve çalışmaya başladı. 1723'te BACH, 1750'deki ölümüne kadar kaldığı Leipzig'e taşındı. Son yıllarda, Bach'ın ölümünden sonra, bestecinin ölümünden sonra şöhreti azalmaya başladı: Tarzı gelişen klasikliğe kıyasla eski moda olarak kabul edildi. Onu daha çok tanıyordu ve Sanatçı, öğretmen ve Bahhov Junior'un babası, her şeyden önce, Charles Philip Emmanuel, müziği ünlü olan Charles Philip Emmanuel olarak hatırladı.
Mendelson tarafından "Matthew Tutkularının" sadece icra, I. S. Baha'nın ölümünden 79 yıl sonra, çalışmalarına olan ilgiyi diriltiriyor. Şimdi I. S. Bach en popüler bestecilerden biridir.
Klasiklik
Klasikçilik - XVII'ün sanatında stil ve yön - XVIX yüzyıllar.
Bunun nedeni Latin Classicus - örnek. Klasiklik, insan doğasının uyumlu olduğu gerçeğinde, varlık zekasında mahkumiyete dayanıyordu. Klasiklerin ideali, en yüksek mükemmellik şekli olarak kabul edilen antika sanatında görüldü.
On sekizinci yüzyılda, sosyal bilincin yeni bir gelişimi aşaması başlıyor - Aydınlanma dönemi. Eski kamu düzeni imha edildi; İnsanlık onuruna, özgürlüğe ve mutluluğa saygı duyulan fikirler, çok önemlidir; Kişilik bağımsızlık ve olgunluk kazanır, zihnini ve eleştirel düşünmeyi kullanır. Doğallığa ve sadeliğe dayanan yeni bir yaşam tarzı, Barok dönemin ve ciddiyetinin ideallerini değiştirmeye gelir. Jean-Jacques Rousseau'nun idealistik manzarasının zamanı, doğaya geri dönüş, doğal erdem ve özgürlüğe geri dönüyor. Doğanın yanı sıra, antik çağdığı idealdir, çünkü tüm insan özlemlerini somutlaştırmayı başaran insanlara antik dönemde olduğuna inanılıyor. Antika sanat, klasik adını alır, örnek, en doğru, mükemmel, uyumlu ve barok dönemin sanatının aksine, basit ve anlaşılır olarak kabul edilir. Dikkatin merkezi, diğer önemli yönleriyle birlikte, bir eğitim, sosyal bir yapıda basit bir insanın konumu, insan mülkü olarak deha.

Akıl sanatında hüküm sürüyor. Sanatın randevusunu, halkını ve sivil rolünü vurgulamak isteyen Fransız felsefi enlighterener Denis Didro şöyle yazdı: "Her heykel veya resim çalışmaları herhangi bir hayatın tümünü ifade etmeli, öğretmelidir."

Aynı zamanda tiyatro, yaşamın bir ders kitabıydı ve hayatının kendisidi. Ek olarak, tiyatroda, eylem oldukça emredildi, ölçülür; Acts ve sahnelere, sırayla, ayrı karakterlerin ayrı kopyalarını parçalara ayrılmıştır, bu kadar pahalı 18. yüzyıl, her şeyin yerinde olduğu ve mantıksal yasalara maruz kaldığı bu kadar pahalı bir sanat eseri yaratır.
Klasikçiliğin müziği son derece tiyatrodur, tiyatronun sanatı tarafından kopyalanmış gibi görünüyor, onu imites.
Klasik Sonatalar ve Senfoni'nin büyük bölümleri üzerindeki ayrılması - her birinde, her birinin, eylemler ve sahnelerdeki performansın bölünmesi gibi bir çok müzik "olay" var.
Klasik yüzyılın müziğinde, arsa genellikle dinleyicilerin önünde konuşlandırılan bir tür eylemin yanı sıra, izleyicilerin önünde konuşlandırılan aktörün eylemi anlamına gelir.
Dinleyici, yalnızca hayal gücünü içerecek ve klasik bir komedi veya trajedinin karakterlerinin "müzikal kıyafetlerini" bulmaya devam ediyor.
Tiyatronun sanatı, 18. yüzyılda gerçekleştirilen müziğin performansındaki büyük değişimi açıklamaya yardımcı olur. Daha önce, müziğin geldiği ana yer tapınaktı: Aşağıda, aşağıda, müziğin aşağı bakmasına ve düşüncelerini Tanrı'ya adadığı gibi büyük bir alanda bir adam vardı. Şimdi, 18. yüzyılda, asil mülkün Baln Hall'da veya şehir meydanında aristokrat salonda müzik sesleri. Aydınlanmanın eğitiminin dinleyicisi "Size" müziğiyle dönüyor gibi görünüyor ve tapınakta çaldığında ona ilham verdiği daha fazla zevkli değil.
Organın güçlü, ciddi bir sesi yoktur, koronun rolü zaten azalmıştır. Klasik tarzın müziği kolayca geliyor, içinde "daha az ağırlığın" olduğu sanki kargodan, geçmişin çok katmanlı müziğinden çok daha az ses var. Organın sesi ve koro, senfoni orkestrasının sesini değiştirdi; Yükseltilmiş Arias, ışık, ritmik ve dans ile müziğe yol açtı.
İnsan zihniyeti olasılığına ve 18. yüzyılın bilgisinin gücü sayesinde zihnin ortasını veya bir eğitim çağını aramaya başladı.
Klasiklik gelişen, on sekizinci yüzyılın 80'lerinde gerçekleşir. 1781'de Y. Gaidn, aralarında dize quartet'in olduğu birkaç yenilikçi çalışma yaratır. 33; Opera V.A. galası Mozart "Serya'nın Abdasyonu"; Drama F. Schiller "Soyguncular" ve "Temizlik Baltacağı" I. Kant yayınlandı.

Klasik dönemin en parlak temsilcileri, Viyana klasik okulun bestecileridir. Josef Gaidn, Wolfgang Amadeus Mozart ve Ludwig Van Beethoven. Sanatları, besteci ekipmanlarının, insancılığın, özellikle de V. A. Mozart'ın müziğinde somut olduğunu, mükemmel güzellik araçlarını yansıtır.

Viyana klasik bir okulunun konsepti, L. Beethoven'ın ölümünden kısa bir süre sonra ortaya çıktı. Klasik sanat, duygular ve sebepler, şekil ve içerik arasındaki ince bir denge ile ayırt edilir. Canlanma müziği, dönemlerinin ruhunu ve nefesini yansıtıyordu; Barok döneminde, bir kişinin müzikteki sergileme konusu; Klasikçilik döneminin müziği, duygular ve duygular, özenli ve bütünsel insan zihni yaşayan bir kişinin eylemlerini ve eylemlerini çekti.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Genellikle tüm zamanların en büyük yaratıcısını dikkate alan Almanca besteci.
Yaratıcılığı klasik ve romantizm olarak adlandırılır.
Mozart'ın öncekinden farklı olarak, Beethoven zorluktan oluşur. El Kitabı Kitapları Beethoven ne kadar kademeli olarak, bir görkemli kompozisyonun artımlı kroki ile çıktığını gösteriyor, inşaat ve nadir görülen güzelliğin ikna edici mantığı ile işaretlenmiştir. Ana bethovensky büyüklüğünün ana kaynağının, eşsiz bir şekilde monolitik bir tamsayı içine kontrast unsurları organize etme kabiliyetinin mantığıdır. Beethoven, şekil bölümleri arasındaki geleneksel kokuraları siler, simetriyi önler, döngünün kısımlarını birleştirir, ilk önce ilginç bir şey içermeyen ilk bakışta, tematik ve ritmik motiflerden genişletilmiş yapı geliştirir. Başka bir deyişle, Beethoven, zihnin gücünün, kendi iradesinin müzikal bir alanı yaratır. Müzik Sanatı 19 V için belirleyici olan bu sanat yönlerini tahmin etti ve yarattı.

Romantizm.
koşullu olarak 1800-1910 yıl kapsar
Besteciler-Romantizm, insanın iç dünyasının derinliğini ve zenginliğini ifade etmek için müzikal araçların yardımıyla denedi. Müzik daha kabartmalı, bireyleşir. Baladlar dahil, şarkı türlerinin gelişimi elde edilir.
Müzikte romantizmin ana temsilcileri: içindeAvusturya - Franz Schubert ; Almanyada - Ernest Theodore Hoffman, Karl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelson, Robert Schuman, Ludwig Spur; içinde
vb.................