Grafik portre ressamları. JAG sanat galerisindeki grafikler

"Grafik boyama"

Grafik, ana görsel araçlar olarak çizgileri, konturları, noktaları ve noktaları kullanan bir güzel sanat türüdür.
Grafik resimleri. Renk grafiklerde de kullanılabilir, ancak resimden farklı olarak burada destekleyici bir rol oynar.

Grafik resimleri. Grafik çizerken, genellikle birden fazla renk kullanmazlar (ana siyah hariç), nadir durumlarda - iki). Grafik sanatında kontur çizgisine ek olarak, beyaz (ve diğer durumlarda renkli, siyah veya daha az sıklıkla dokulu) kağıt yüzeyi ile kontrast oluşturan bir vuruş ve bir nokta yaygın olarak kullanılır - grafik çalışmalarının ana temeli. Aynı araçların bir kombinasyonu ton nüansları yaratabilir. Grafiklerin en yaygın ayırt edici özelliği, rolü büyük ölçüde kağıdın arka planı tarafından oynanan tasvir edilen nesnenin uzayla özel ilişkisidir (Sovyet grafik ustası VA Favorsky'nin sözleriyle, “beyaz havanın havası”. çarşaf").

Grafik resimleri. En eski ve geleneksel grafik sanatı türü, kökenleri ilkel kaya oymalarında ve görüntünün temelinin çizgi ve siluet olduğu eski vazo resminde görülebilen çizimdir. Çizim görevlerinin resimle pek çok ortak yanı vardır ve aralarındaki sınırlar hareketli ve büyük ölçüde koşulludur: suluboya, guaj, pastel ve tempera hem uygun grafik çalışmaları hem de stil ve karakterde resimler oluşturmak için kullanılabilir.

Grafik resimleri. Grafik sanatı, çizim sanatına dayalı, ancak kendi görsel araçlarına ve ifade olanaklarına sahip olan hem çizimin kendisini hem de basılı sanat eserlerini (gravür, litografi vb.) içerir.
Grafik resimleri. Grafiklerde, tamamlanmış kompozisyonlarla birlikte, doğadan eskizler, resim, heykel, mimari eserler için eskizler (İtalya'da Michelangelo, L. Bernini, Fransa'da O. Rodin, Hollanda'da Rembrandt, Rusya'da VI Bazhenov'un çizimleri) bağımsız sanatsal var. değer.. Gerçek dünyanın uzamsal bir yanılsamasını yaratmada, resim gibi bir dolu olasılıktan yoksun olan grafikler, büyük özgürlük ve esnekliğe sahip grafikler, uzamsallık ve düzlük derecesini değiştirir; grafik çalışmalar için, hacimsel-mekansal yapının eksiksizliği, en ince doku öğelerini geliştirmede ve bir nesnenin yapısını ortaya çıkarmada titizlik karakteristik olabilir.

Grafik sanatının mirası çeşitlidir. Albrecht Dürer (1471-1528), Francisco Goya (1746-1828), Gustave Dore (1832-1883), Japon sanatçılar Kitagawa Utamaro (1753-1806), Hiroshige Ando (1797) gibi dünyaca ünlü ustaların eserleriyle dikkat çekiyor. -1858) ve çalışmaları 19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında Avrupa sanatı üzerinde önemli bir etkisi olan oymacı ve ressam Hokusai Katsushika (1760-1849).

Çağdaş grafik ustalarından en ünlüsü, fraktalları ilk tasvir edenlerden biri olan ve 76 eseri hakkında yorum yaptığı “Grafiek en Tekeningen” kitabının yayınlanmasından sonra ünlenen Hollandalı sanatçı Maurice Escher'dir. en iyi işler.
Böylece grafik sanatının ve modern grafiğin tarihsel köklerine baktık.
Grafik resimleri güzel sanatların bağımsız bir bölümü olabilir.
Resim grafikleri, güzel sanatların yanı sıra bu tür güzel sanatlara da temel ve gelişme sağlamıştır.

Grafik resimleri. Grafik çizimi. Bu tam bir sanat. Grafiklerin uzun ve zengin bir geçmişi vardır. Grafik sanatı eski bir sanat biçimidir. Grafik resimler bizim modernliğimizdir. Grafik resimlere saygı duyulur ve sevilir.

Birçok insan grafiklerle ilgileniyor. Grafikleri toplayın. Grafik grafikler ilginç ve büyüleyici.
Modern dekoratif sanat da grafikler ve grafik görüntüler olmadan hayal edilemez. Eskizler, eskizler, çizimler sanatçının ilginç ve özgün bir şekilde düşünmesini sağlar. Grafik ve çizim resimleri, herhangi bir profesyonel ustanın yaratıcılığının temelidir.
Grafik, çizim, grafik görüntü, grafik çizimi çeşitli malzemeler bazında yapılabilir. Kağıt üzerinde grafikler. Ahşap grafikler. Metal grafikler. Kumaş üzerine grafikler. Cam üzerinde grafikler. Kum grafikleri.

Yetenekli bir grafik görüntü, izleyiciyi yağlı veya sulu boyaya boyanmış çok renkli resimlerden daha kötü bir şekilde yakalar ve büyüler.
Grafik resimleri. Grafikler tek başına harika. Grafikler ilginç. Grafikler heyecan verici. Michelangelo gibi ustaların grafik çizimleri, çizim sanatının, grafik sanatının paha biçilmez eserleri olarak kabul edilir.

Grafik resimleri. Modern grafikler.
Modern grafiklerin ustaları vardır. Birçoğu grafik çizim konusunda uzmanlaşmıştır ve tüm yaşamları boyunca grafik yapmaktadır.
Modern grafiklerin hem hayranları hem de bilenleri vardır. Grafik çizimler birçok amatör ve koleksiyoncu tarafından kolayca edinilir. Grafik çalışmaları da çok pahalı olabilir. Grafik resimler sanatta ucuz ve dışlanmış değildir. Grafik resimler, görsel sanatlarda kendi güzel dünyalarıdır.

Grafik resimleri. Modern grafikler. Galerimiz çok çeşitli grafik çalışmaları sunar. Her zevke uygun grafik çalışmaları var. Grafik çalışmalarımızı yakından inceleyin. Grafikler, modern sanatın sihirli bir perisidir, ancak grafikler başlı başına güzeldir. İyi bir grafik çizim veya grafik kompozisyon, harika havası ile herhangi bir iç mekanı dekore edebilir. Grafikler harika!
Grafikler sadece sanatçıları fethetmedi. Grafik resimleri, modern şiirin ustaları için bir ilham perisi oldu.
Bir ayetin grafikleri, düzyazının aksine şiirsel bir metni kaydetmenin özel bir yoludur.

“Marmelat bulaşmış, kuyruk ve yelede onu öpmeye başladı.
ve Eliseevsky bakkalının vitrininde ve Macintosh bilgisayarında
Ve kasıtlı olarak onun yerine bir veya diğer (lanita) disketi değiştirdi.
Onu her Kohinoor kaleminde öpmeyi unutmadan."

Modern şiirde, "Grafik Resimler" kökünden gelen birçok terim vardır. Örneğin: özel ayet grafikleri, özel ayet grafikleri, özel ayet grafikleri.
Grafikler. Grafikler tüm yaşamımıza nüfuz eder ve nüfuz eder. Grafikleri severler. Grafiklere hayran kalın. Grafiklere düşkündürler. Bazı insanlar grafiklerden muzdariptir.
En popüler ve iyi bilinen grafik türü çizimdir. Herhangi bir sanatçı grafik ve grafik çalışmalarıyla başlar.
Grafikler. Kağıt. Kalem. Başka ne gerekli. Tabii ki yaratıcılık. Kesinlikle ilham.

"Bir kalem alıyorum," T "harfli grafit,
Duyguları çizmeye başlıyorum.
Ve beyaz bir kağıda titreyen bir el ile
Sanat yasalarını çiğnemek."

Grafik resimleri. Grafikler tüm yaşamımıza nüfuz eder ve nüfuz eder. Grafikleri severler. Grafiklere hayran kalın. Grafiklere düşkündürler. Birçok insan grafiklerden muzdariptir.

“Kağıdı deliklere bir nokta ile yırtıyorum
Ve vuruşlar yağmur gibi yağmaz.
Ölümle ruhtan içilen iksir
Dişlerinin altında bir gıcırdama ile geri gelir.

"Sert grafikler! Parçalamak için - kağıt!
Parmaklarım şimdiden uyuşmaya başladı.
Onun terkedilmesine inanmayan melez,
Aniden ölme yeteneğine sahip melankoliden.

Grafik resimleri. Resimler grafikler hayatımızı süslüyor. Grafikleri severler. Grafiklere hayran kalın. Grafiklere düşkündürler. Birçok insan grafiklerden muzdariptir.

"Acı, suçluluk, pişmanlık, kırgınlık, umutsuzluk,
Umut, öfke, günah, özlem...
Ve özgürlüğün verilmişliğini kabul etmeyen aşk,
Tapınakta dönen affetmezlik ... "

Grafikler. Resimler grafikler hayatımızı süslüyor. Grafikleri severler. Grafiklere hayran kalın. Grafiklere düşkündürler. Programdaki birçok kişi mutluluklarını görüyor.

"Ne oldu? Henüz işi bitirmedin.
Duyguların eklektizminden bir leke olduğu ortaya çıktı.
Bu iç içe geçmiş satırları yakardım,
Phoenix'i ateşten canlandırdıktan sonra ... "

Grafikler. Modern grafikler.
Modern grafiklerin ustaları vardır. Birçok sanatçı grafik çizim konusunda uzmanlaşmıştır ve tüm yaşamları boyunca grafikle uğraşmaktadır.
Modern grafiklerin hayranları ve uzmanları var. Grafik çizimler birçok amatör ve koleksiyoncu tarafından kolayca edinilir. Grafik çalışmaları da çok pahalı olabilir. Grafik resimler sanatta ucuz ve dışlanmış değildir. Grafik sanatı, güzel sanatlarda kendi güzel dünyasıdır!

Grafik resimler! Modern grafikler! Galerimiz, sanatçıların çok çeşitli grafik çalışmalarını sunar. Her zevke uygun grafik çalışmaları var. Grafik çalışmalarımızı yakından inceleyin. Grafik resimleri, modern sanatın sihirli bir perisidir, ancak grafikler başlı başına güzeldir. İyi bir grafik çizim veya grafik kompozisyon, harika aurasıyla herhangi bir iç mekanı dekore edebilir!
Grafik resimler! Grafikler harika!

Uzun zamandır Rus sanatının yörüngesindeki sanatçıların kağıt üzerindeki en pahalı eserlerini derecelendirmeyi planlıyoruz. Bizim için en iyi sebep, Rus grafiklerinin yeni rekoruydu - 2 Haziran'da Kazimir Malevich'in çizimi için 2.098 milyon pound

Derecelendirmelerimizi yayınlarken olası soruları önlemek için etrafımıza her türlü maddeyi koymayı seviyoruz. Yani, ilk prensip: sadece orijinal grafikler. İkincisi: Site veritabanına göre, Rus sanatının yörüngesine dahil olan sanatçıların eserleri için açık müzayede sonuçlarını kullanıyoruz (belki galeri satışları daha yüksek fiyatlara sahipti). Üçüncüsü, Arshile Gorky'nin Housatonic'i için ilk etapta 3,7 milyon dolar koymak kesinlikle cezbedici olurdu. Bildiğiniz gibi, kendisi bir Rus sanatçı olarak kabul edilmek için mümkün olan her şekilde denedi, aldatmacalardan uzak durmadan, Maxim Gorky'nin onuruna bir takma ad aldı, vb. 2009'da Gorka'nın çalışmaları Rus Müzesi ve Tretyakov Galerisi tarafından "Rus İmparatorluğu'ndan Amerikan Sanatçıları" sergisinde gösterildi, onu AI açık artırma sonuçları veritabanına dahil ettik, ancak onunla Rus grafiklerinin derecelendirmesine başlamak haksızlık resmi nedenlerle. Dördüncüsü: bir sayfa - bir sonuç. Bu derecelendirmede sadece bir sayfadan oluşan işleri seçtik; resmi bir yaklaşım bizi her biri tek bir partide satılan üç öğeyi daha hesaba katmaya zorlayacaktır: Konstantin Somov'un "Markiz Kitabı" için 122 orijinal mürekkep çizimi, "Karamazov Kardeşler" için 58 çizim ve guaş içeren iki klasör " FM Dostoyevski tarafından Boris Grigoriev tarafından ve Yakov Peremen'in koleksiyonunun bir parçası. Beşinci: bir yazar - bir eser. Resmi olarak ilk 10'u fiyat olarak alırsak (Gorka ve prefabrik partilerin sonuçları hariç), Kandinsky'den beş, Chagall'dan üç ve Malevich ve Serebryakova'dan birer sayfa olacaktır. Sıkıcı. Altıncısı: 2001'den günümüze kadar olan dönemi analiz ediyoruz. Yedinci: Fiyat notu dolar olarak derlendi, diğer para birimlerindeki sonuçlar işlem günündeki döviz kuru üzerinden dolara çevrildi. Sekizinci: tüm sonuçlar satıcının komisyonu dikkate alınarak verilir.

Kazimir Malevich'in 1911 tarihli kayıp "Köylü Cenazesi" tablosunun hazırlık taslağı olan "Köylü Başı" çizimi, beklendiği gibi 2 Haziran 2014'te Londra'da düzenlenen Rus Sotheby's müzayedesinin en yüksek lotu oldu. Malevich'in eserleri sanat piyasasında son derece nadirdir, "Bir Köylü Başı", "Suprematist Kompozisyon"un 2008'de Sotheby's'de 60 milyon dolara satılmasından bu yana müzayedeye çıkan ilk eserdir ve sanatçının son önemli eserlerinden biridir. özel koleksiyonlarda. Bu eskiz, sanatçının 1927'de Berlin'de sergilediği 70 eserden biriydi ve daha sonra Rusya'da onları kaçınılmaz olarak bekleyecek olan yasak ve suni unutulmuşluktan kurtarmak için Almanya'ya gitti. Sotheby's müzayedesinde, eser Rus avangardının güçlü bir Alman özel koleksiyonundan geldi. Bu koleksiyonun neredeyse tamamı fazla tahminle satıldı, ancak Malevich'in çizimi rekabet dışıydı. Onun için tahminden üç kat daha fazla verdiler - 2.098 milyon lira. Bu, bir Rus sanatçının açık ara en pahalı grafik çalışması.

Wassily Kandinsky'nin en pahalı grafik çalışmaları listesinde, değeri bir milyon dolardan fazla olan 18 kadar orijinal çizim var. Soyut mesajlarındaki suluboyaları, resimlerden hiçbir şekilde aşağı değildir. Kandinsky'nin grafik çalışmasından - 1910'daki "İlk Soyut Suluboya" - modern soyut sanat tarihini saymanın geleneksel olduğunu hatırlayın. Efsaneye göre, bir gün Kandinsky, Münih'teki atölyesinin yarı-karanlığında oturmuş, figüratif çalışmasına bakarken, üzerinde renk lekeleri ve şekillerden başka hiçbir şey ayırt edememiş. Sonra nesnelliği terk etmesi ve "ruhun hareketlerini" renk aracılığıyla yakalamaya çalışması gerektiğini fark etti. Sonuç, dış dünyayla hiçbir bağlantısı olmayan bir çalışma oldu - "İlk Soyut Suluboya" (Paris, Centre Georges Pompidou).

Kandinsky'nin tuvalleri piyasada nadir bulunur ve çok pahalıdır, ancak grafikler herhangi bir koleksiyona mükemmel şekilde uyacak ve buna layık görünecek. Dolaşım grafikleri birkaç bin dolara satın alınabilir. Ancak, örneğin ünlü bir tablonun taslağı olan orijinal bir çizim için, birçok kez daha fazla ödemeniz gerekecek. Bugüne kadarki en pahalı suluboya, 1922'den "İsimsiz", 2008 sanat patlaması sırasında 2,9 milyon dolara satıldı.

Marc Chagall, zamanı için alışılmadık derecede üretken bir sanatçıydı. Bugün Damien Hirst ve Jeff Koons'a bir asistan ordusu yardım ediyor ve Mark Zakharovich tek başına 97 yıllık ömrü boyunca binlerce orijinal grafik eser yarattı, sirkülasyon eserlerinden bahsetmeye bile gerek yok. Chagall müzayede sonuçları veri tabanımız kağıt üzerinde 2.000'den fazla orijinal çalışmayı içermektedir. Bu sanatçının fiyatı sürekli artıyor ve eserlerini satın almak için yatırım beklentileri açıktır - asıl mesele, eserin gerçekliğinin Chagall Komitesi tarafından onaylanmasıdır. Aksi takdirde, eser neredeyse yanabilir (Chagall Komitesi, yakın zamanda Paris'e inceleme için bir tablo gönderen ve sahte olduğu ortaya çıkan sahibini tehdit ediyor). Bu nedenle seçim yalnızca koşulsuz orijinal grafikler lehine yapılmalıdır. Fiyatı 2.16 milyon dolara ulaşabilir - Mayıs 2013'te "Atlılar" (karton, guaj, pastel, renkli kalemler üzerine kağıt) çizimi için ödedikleri miktar budur.

Pastel "Yatan Çıplak", Zinaida Serebryakova'nın sadece en pahalı grafik çalışması değil, aynı zamanda genel olarak en pahalı çalışmasıdır. Çıplak kadın bedeni teması, sanatçının çalışmasındaki ana temalardan biriydi. Serebryakova'nın nüleri, Rus yaratıcılık döneminde banyo yapanların ve Rus güzellerinin banyodaki görüntülerinden, Paris döneminde Avrupa sanatının ruhunda daha çok yalancı nülere doğru evrildi. Serebryakova'nın güzel, şehvetli, idealize edilmiş çıplaklarına bakıldığında, sanatçının kaderinin ne kadar trajik olduğunu hayal etmek zor - kocası tifüsten öldü ve onu dört çocuğu kucağında bıraktı; El ele yaşamak zorunda kaldım ve sonunda çocukları Rusya'da bırakarak (daha sonra sonsuza dek ortaya çıktığı gibi) Paris'e göç ettim (daha sonra sadece ikisini Fransa'ya taşımayı başardılar, diğer ikisinden ayrılmak zorunda kaldılar) 30 yıldan fazla).

Zinaida Serebryakova, eserlerinde mükemmel, sonsuz, klasik güzelliği işlemiştir. Pastel, bazı yönlerden, sanatçının kendisinden ve çocuklarından neredeyse her zaman bir şeyler olduğu kadın görüntülerinin hafifliğini ve havadarlığını daha da iyi aktarır (kızı Katya en sevdiği modellerden biriydi).

Haziran 2008'deki sanat patlaması sırasında oldukça büyük bir pastel "Reclining Nude" 1,07 milyon pound (2,11 milyon dolar) karşılığında satın alındı. O zamandan beri başka hiçbir çalışma bu rekoru kırmayı başaramadı. İlginç bir şekilde, Zinaida Serebryakova'nın ilk 10 müzayede satışında sadece çıplaklar ve üç eser sadece pastel.

27 Kasım 2012'deki Londra Sotheby's müzayedesinde, Rus sanatçıların resim ve grafiklerine ayrılmış, en üstteki parti bir resim değil, kağıt üzerinde bir kalem çizimiydi - Yuri Annenkov'un "Vsevolod Meyerhold'un Portresi". Sekiz katılımcı, salonda ve telefonlarda çalışmak için tartıştı. Sonuç olarak, 30-50 bin lira olarak tahmin edilen çizim, yeni sahibine tahminden onlarca kat daha pahalıya mal oldu. Bir gecede 1,05 milyon sterlin (1,68 milyon dolar) sonucu, "Vsevolod Meyerhold'un Portresi"ni yazarın en pahalı grafikleri yaptı ve Annenkov'un genel olarak eseri için en yüksek müzayede fiyatları listesinde üçüncü oldu.

Portreye ilgi neden bu kadar güçlüydü? Annenkov, dönemin en iyi figürlerinin - şairlerin, yazarların, yönetmenlerin - resimlerini bırakan parlak bir portre ressamıdır. Buna ek olarak, grafiklerde çok yetenekliydi: tarzı, klasik çizim tekniklerini kübizm, fütürizm, dışavurumculuğun avangard unsurlarıyla birleştirdi. Bir tiyatro ve film sanatçısı, kitap illüstratörü olarak başarılı oldu. Elbette, portredeki modelin kişiliği - ünlü yönetmen Vsevolod Meyerhold - halkın dikkatini çekti. Ve hepsinden önemlisi, bu çizim, Amerika Birleşik Devletleri'ne göç eden ve filmlerde müzik çalışmaları için dört kez Oscar kazanan ünlü bir Amerikalı besteci olan Kremenchug'un yerlisi olan besteci Boris Tyomkin'in koleksiyonundan geliyor.

World of Art derneğinin ana sanatçılarından biri olan Lev (Leon) Bakst, elbette ticari olarak en başarılı grafik sanatçıları listemizde olmalıydı. Onun rafine tiyatro eserleri - dönemin en iyi dansçıları için kostüm tasarımları, prodüksiyonlar için sahneler - bugün bize Diaghilev'in Rus Mevsimleri'nin ne kadar lüks bir gösteri olduğu hakkında bir fikir veriyor.

Bakst'ın en pahalı grafik çalışması olan Sarı Sultan, Diaghilev'in balesinin Amerika Birleşik Devletleri'nde ilk kez turneye çıktığı yıl yaratıldı. O zamana kadar, Bakst zaten tanınmış bir sanatçıydı, tiyatro eserinin tanınabilir tarzı bir marka haline geldi, etkisi moda, iç tasarım ve mücevherlerde aşikar. Tiyatro skeçlerinden ortaya çıkan şehvetli çıplak "Sarı Sultana", 28 Mayıs 2012'de Christie'nin müzayedesinde iki telefon arasında kıyasıya bir mücadeleye neden oldu. Sonuç olarak 937.250 lira rakamına ulaştılar ( 1 467 810 dolar) hesaba katılmasına rağmen komisyonun tahmini 350-450 bin lira oldu.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov'un eserlerinde unutulmaya yüz tutmuş asil yuvalar, sisli emlak parkları ve sokaklarda yürüyen zarif genç hanımlar dünyası ortaya çıkıyor. Bazıları onun tarzını "resimde bir ağıt" olarak adlandırıyor, hayal gücü, sessiz melankoli, geçmiş bir dönem için üzüntü ile karakterize ediliyor. Borisov-Musatov için asil mülkler günümüzün dünyasıydı, ancak bu dünyaya yansımalarında başka dünyaya ait bir şey var, bu parklar, verandalar ve göletler sanatçının hayalini kurmuş gibi görünüyor. Yakında bu dünyanın olmayacağına ve kendisinin olmayacağına dair bir önseziye sahip gibiydi (sanatçı 35 yaşında ciddi bir hastalık iddia etti).

Yağlı boya Victor Borisov-Musatov pastel ve sulu boyaları tercih etti, ona gerekli fırça darbesi ve pus hafifliğini verdiler. 2006'da Rus Sotheby'nin pastellerinin "Son Gün" müzayedesinde ortaya çıkması bir olaydı, çünkü Borisov-Musatov'un ana eserleri müzelerde ve her zaman sadece bir düzine eser açık müzayedede yer aldı. Pastel "Son Gün", Rus şef ve besteci Eduard Napravnik'in oğlu V. Napravnik'in koleksiyonundan geliyor. Bu pastel, şimdi Çuvaş Sanat Müzesi'nde saklanan Zinaida Serebryakova'nın "Maria Georgievna Napravnik'in Portresi" nde tasvir edilmiştir. "Borisov-Musatov" (1916) monografisinde N. N. Wrangel, sanatçının eserleri listesinde "Son Gün" den bahseder. Bu nedenle, kuşkusuz gerçek olan şey, beklendiği gibi, sanatçı için 702,400 pound veya 1,314.760 dolarlık rekor bir fiyata ulaştı.

Alexander Deineka parlak bir grafik sanatçısıydı; kariyerinin ilk aşamalarında grafik, her şeyden önce propaganda potansiyeli ile onu resimden daha fazla cezbetti. Sanatçı kitap ve dergi illüstratörü olarak çok çalıştı, afişler yarattı. Daha sonra, bu "dergi ve poster çalışması" onu yordu, resimde, anıtsal sanatta giderek daha fazla çalışmaya başladı, ancak bir ressam olarak edinilen becerilerin çok yararlı olduğu ortaya çıktı - örneğin, resimler için hazırlık eskizleri oluştururken. "Başına kurdele bağlayan kız" - "Bather" (1951, Devlet Tretyakov Galerisi koleksiyonu) resmi için bir eskiz. Deineka'nın bugüne kadarki bu en pahalı çalışması, sanatçının 1920'lerin ve 30'ların avangard arayışlarından gelen tarzının zaten güçlü bir şekilde sosyal gerçekçiliğe doğru evrildiği, yaratıcılığın geç dönemine aittir. Ancak Deineka, sosyalist gerçekçilikte de samimiydi. Sağlıklı bir insan vücudunun gücü ve güzelliği, Deineka'nın çalışmalarında en sevilen konulardan biridir. "Kurdele bağlayan kız", bizi, işte ve sporda mutluluk bulan Yunan tanrıçalarına - Sovyet Venüslerine benzeyen çıplaklarına atıfta bulunur. Bu, Deineka ders kitabının bir çizimidir ve bu nedenle Sovkom müzayedesinde rekor 27.500.000 rubleye (1.012.450 $) satılması şaşırtıcı değildir.

Boris Dmitrievich Grigoriev 1919'da Rusya'dan göç etti. Yurtdışında en ünlü Rus sanatçılardan biri oldu, ancak aynı zamanda uzun yıllar evde unutuldu ve SSCB'deki ilk sergileri sadece 1980'lerin sonunda gerçekleşti. Ancak bugün Rus sanat piyasasında en çok aranan ve en çok saygı duyulan yazarlardan biridir, hem resimli hem de grafiksel çalışmaları yüzbinlerce ve milyonlarca dolara satılmaktadır. Sanatçı son derece çalışkandı, her konuyu, her düzeni yapabileceğine inanıyordu.

Muhtemelen en ünlüsü, "Rasey" ve "Rusya'nın Yüzleri" döngüleridir - ruha çok yakın ve yalnızca ilkinin göçten önce ve ikincisi zaten Paris'te yaratılmış olması bakımından farklılık gösteriyor. Bu döngülerde, bize Rus köylülüğünün bir tür ("yüzler") galerisi sunulur - yaşlı erkekler, kadınlar, çocuklar izleyiciye somurtkan bir şekilde bakarlar, gözleri çekerler ve aynı zamanda onu iterler. Grigoriev hiçbir şekilde çizdiklerini idealleştirmeye veya süslemeye meyilli değildi, aksine bazen görüntüleri grotesk hale getiriyor. Kağıt üzerinde guaj ve sulu boya ile yapılan “yüzlerden” biri, Boris Grigoriev'in en pahalı grafik çalışması oldu: Kasım 2009'da Sotheby's'de bunun için 986.500 dolar ödediler.

Ve son olarak, Rus grafiklerinin en pahalı eserleri listemizdeki onuncu yazar Konstantin Somov. Hermitage koleksiyonlarının küratörünün oğlu ve bir müzisyen, sanat sevgisi ve güzel olan her şey çocukluktan aşılandı, Repin ile Sanat Akademisi'nde okuduktan sonra, Somov kısa süre sonra kültü teşvik eden Sanat Dünyası toplumunda buldu. güzellik ona yakın. Özellikle bu dekoratiflik ve "güzellik" özlemi, diğer World of Art sanatçılarının (Lanser, Benois) eserlerinde ilginin gözlemlendiği, cesur dönemin görüntülerine dayanan sayısız çiziminde kendini gösterdi. Gizli tarihlerdeki "Somov" tenteler ve cesur şövalyeler, laik resepsiyon sahneleri ve palyaçolu ve peruklu bayanlar maskeli balolar bizi barok ve rokoko estetiğine yönlendiriyor.

Somov'un sanat piyasasındaki eserlerinin fiyatları, 2006'dan bu yana olağanüstü ve her zaman anlaşılmaz bir hızla artmaya başladı, bazı resimleri tahmini 5 hatta 13 kat aştı. Onun resmi milyonlarca sterline gidiyor. Grafiklere gelince, burada Somov'un şimdiye kadarki en iyi sonucu 620.727 dolar - bu, "yiğit" serisi "Masquerade" nin çizimlerinden sadece biri.

22 Nisan 2010'da New York'taki Sotheby's'de 349 numaralı tek partide 86 eser - resim ve çizim - neredeyse iki düzine yazar satıldı. Bu satış, bu arada, eserleri bu partiye dahil olan sanatçıların müzayede istatistiklerini karıştırıyor. Evet, koleksiyon kendi içinde çok değerli, uzun, karmaşık ve trajik bir geçmişi var ve bir yandan koleksiyonun aynı ellere düşmesi güzel. Ancak öte yandan, bir gün sahibi bireysel eserleri satmaya karar verirse, çoğu yazar için fiyat düzeyi yoktur. Koleksiyonun satışından önceki sağır edici "topçu hazırlığı" ndan sonra görünebilir, ancak hayır ve yeniden satarken büyük bir eksi ile sonuçlanacak.

) etkileyici süpürme çalışmalarında sisin şeffaflığını, yelkenin hafifliğini, geminin dalgalar üzerinde yumuşak sallanmasını korumayı başardı.

Resimleri derinlikleri, hacimleri, doygunlukları ile hayranlık uyandırıyor ve doku öyle ki gözlerinizi onlardan almak imkansız.

Sıcak sadelik Valentina Gubareva

Minsk'ten ilkel sanatçı Valentin Gubarevşöhret peşinde koşmamak ve sadece sevdiği işi yapmak. Çalışmaları yurtdışında delicesine popüler, ancak yurttaşlarına neredeyse yabancı. 90'ların ortalarında, Fransızlar günlük eskizlerine aşık oldu ve sanatçı ile 16 yıllık bir sözleşme imzaladı. Görünüşe göre, sadece bizim için anlaşılabilir olması gereken resimler, "gelişmemiş sosyalizmin mütevazı cazibesinin" taşıyıcıları, Avrupa halkı tarafından beğenildi ve İsviçre, Almanya, Büyük Britanya ve diğer ülkelerde sergiler başladı.

Sergei Marshennikov'dan şehvetli gerçekçilik

Sergei Marshennikov 41 yaşında. Petersburg'da yaşıyor ve klasik Rus gerçekçi portre okulunun en iyi geleneklerini yaratıyor. Resimlerinin kadın kahramanları, yarı çıplak kadınlarında hassas ve savunmasızdır. En ünlü tabloların çoğu, sanatçının ilham perisi ve karısı Natalia'yı tasvir ediyor.

Philip Barlow'un Miyop Dünyası

Yüksek çözünürlüklü görüntülerin modern çağda ve hiperrealizmin yükselişinde, Philip Barlow'un çalışmaları hemen dikkat çekiyor. Ancak, yazarın tuvallerindeki bulanık silüetlere ve parlak noktalara bakmaya kendini zorlamak için izleyicinin belli bir çabası gerekir. Muhtemelen, miyopiden muzdarip insanlar dünyayı gözlüksüz ve kontakt lenssiz böyle görüyor.

Laurent Parcelier'den Güneşli Tavşanlar

Laurent Parcelier'in resmi, içinde ne hüzün ne de umutsuzluğun olmadığı inanılmaz bir dünya. İçinde kasvetli ve yağmurlu resimler bulamazsınız. Sanatçının belirgin karakteristik vuruşlarla uyguladığı tuvallerinde çok fazla ışık, hava ve parlak renkler var. Bu, resimlerin binlerce güneş ışınından dokunduğu hissini yaratır.

Jeremy Mann'ın Eserlerinde Kentsel Dinamikler

Amerikalı sanatçı Jeremy Mann tarafından ahşap paneller üzerine yağlı boya, modern bir metropolün dinamik portrelerini çiziyor. "Soyut formlar, çizgiler, aydınlık ve karanlık noktaların kontrastı - her şey, bir kişinin şehrin kalabalığı ve kargaşası içinde yaşadığı hissi uyandıran, aynı zamanda sessiz güzelliği seyrederken bulduğu sakinliği ifade edebilen bir resim yaratır" diyor. sanatçı.

Neil Simon'ın Hayali Dünyası

İngiliz sanatçı Neil Simone'un (Neil Simone) resimlerinde her şey ilk bakışta göründüğü gibi değildir. Simon, “Benim için çevremdeki dünya bir dizi kırılgan ve sürekli değişen şekiller, gölgeler ve sınırlar” diyor. Ve resimlerinde her şey gerçekten yanıltıcı ve birbirine bağlı. Sınırlar ortadan kalkıyor ve hikayeler birbirinin içine akıyor.

Joseph Lorasso'nun aşk dramı

İtalyan asıllı çağdaş Amerikalı sanatçı Joseph Lorusso, sıradan insanların gündelik hayatında gördüğü sahneleri tuvale aktarıyor. Sarılmalar ve öpücükler, tutkulu dürtüler, hassasiyet ve arzu anları duygusal resimlerini doldurur.

Dmitry Levin'in köy hayatı

Dmitry Levin, kendisini Rus gerçekçi okulunun yetenekli bir temsilcisi olarak kuran Rus manzarasının tanınmış bir ustasıdır. Sanatının en önemli kaynağı, şefkatle ve tutkuyla sevdiği ve kendini bir parçası hissettiği doğaya olan bağlılığıdır.

Parlak Doğu Valery Blokhin

Doğu'da her şey farklıdır: farklı renkler, farklı hava, farklı yaşam değerleri ve gerçeklik kurgudan daha muhteşem - çağdaş sanatçı Valery Blokhin böyle düşünüyor. Valery resimde en çok rengi sever. Çalışmaları her zaman bir deneydir: çoğu sanatçı gibi bir figürden değil, bir renk noktasından gelir. Blokhin'in kendine özgü bir tekniği var: Önce tuvale soyut noktalar koyuyor ve ardından gerçeği bitiriyor.

Grafik sanatı çeşitlidir. Siyasi afiş ve gazete ve dergi çizimi, kitap illüstrasyonu ve karikatür, endüstriyel uygulamalı grafikler ve film reklamcılığını içerir. Büyük bir kısmı şövale grafikleridir - özel bir pratik amaç dışında bağımsız olarak yürütülen çizimler ve gravürler. Sanatçının eserlerini özel bir makinede yarattığı şövale resmine benzetilerek adlandırılır - bir şövale; "grafik" kelimesi Yunanca grafodan (grafo) gelir - yazarım, çizerim. Tabii ki, şövale grafikleri tamamen amaçsız değildir. Bir fırça, kurşun kalem veya oymacının keskisini alan sanatçının her zaman belirli bir hedefi vardır. Düşüncelerini ve duygularını, yaşam anlayışını insanlara iletmeye, içinde layık olanı onaylamaya ve olumsuzları cezalandırmaya, dünyanın sadece kendisinin gördüğü şaşırtıcı, gizli güzelliğini göstermeye çalışır. Ancak aynı zamanda, bir şövale çizimi veya gravürü yazarı, poster ve karikatür ustası olarak çalışmalarıyla her zaman ajitasyon veya suçlayıcı bir amaç peşinde koşmaz, afiş ve endüstriyel sanatçılar olarak reklam veya faydacı görevler gerçekleştirmez. grafikler, onun görüntüleri, nihayet, illüstratörlerin eserlerinde olduğu gibi edebi kahramanlar ve durumlarla bağlantılı değildir.

Aynı şekilde, şövale resim ve heykel ustaları, duvar ressamları ve dekoratörlerin aksine, herhangi bir sanatsal toplulukla - bir bina, bir oda, bir meydan, bir park vb. - ilişkili olmayan bağımsız eserler yaratırlar.

Şövale grafikleri, şövale boyama ile çok ortak noktaya sahiptir. Her ne kadar önde gelen sanatsal araçları farklı olsa da, her iki sanat türü de doğayı, insanları ve maddi dünyanın tüm zenginliğini tasvir etmek için büyük ve birçok yönden benzer olanaklara sahiptir. Her zaman sanatın odak noktası olan insan yaşamının çeşitli yönleri, portre, manzara, günlük veya savaş kompozisyonu, natürmort, vb. Çeşitli türlerin eklenmesini önerdi. Bu türler hem Sovyet resminde hem de Sovyet grafiklerinde var. . İnsan ruhunun dünyası, çok sayıda şövale boyama, heykel ve grafik çalışmasında belirli bir derinlikle gösterilir. Bu psikoloji için, izleyiciyle bir kişi hakkında çok yönlü ve harika bir sohbet için özellikle şövale sanatını takdir ediyoruz.

Resim ile çok ortak yanı olan şövale grafikleri, aynı zamanda, uygulama yöntemine göre - esas olarak kağıt üzerinde, çizim ve gravür teknikleri açısından diğer tüm grafik türlerine yakındır. Tüm grafik sanatlar ailesi gibi, şeylerin karşılaştırmalı uygulama hızı ve bunların çoğaltılması için iyi fırsatlar ile ayırt edilir. Bu sayede grafiklerin öncelikle güncel bir sanat olması, kamusal hayatın olaylarına hızlı tepki vermesi, modernitenin ritminde yaşayan bir sanat olması için büyük verilere sahip olmasıdır. Aşağıda göreceğimiz gibi, grafiklerde bulunan bu olanaklar, ustaları tarafından bir kereden fazla mükemmel bir şekilde kullanıldı. İkincisi, bir grafik levha genellikle bir resim veya heykelden daha hızlı yürütüldüğünden (bir grafik sanatçısından daha az manevi güç, yetenek ve beceri gerekmese de), doğa ile özel bir doğrudan iletişim, canlı bir sabitlenme olasılığı vardır. o. Buna grafik çalışmaları yapma tekniğinin çok çeşitli olduğunu eklersek, bu sanat formunun ideolojik ve estetik zenginliği ortaya çıkar.

Grafik çalışmalarının dikkatli izleyicisini birçok ilginç şey bekliyor. Hemen değil, yavaş yavaş, her grafik tekniğinin özgünlüğü ve güzelliği ona ortaya çıkıyor - bir grafit kalem çiziminin gümüşi berraklığı ve bir İtalyan kaleminin kadifemsi siyahlığı, kalem çizimlerinin mürekkep veya mürekkebin hassas akıcılığı, yumuşaklığın hassasiyeti. pastel ve sanguine. Kömür, sos, siyah suluboya veya mürekkeple çizim için mevcut olan zengin gri-siyah tonları yelpazesini, renkli suluboyanın şeffaf hafifliğini ve guajın daha ağır, maddi dilini yavaş yavaş takdir etmeyi öğreniyoruz. Ahşap baskıların çeşitli ve esnek diline, genelleştirilmiş ve özlü linocut biçimlerine, ışık ve gölgenin ifadesine ve dağlamadaki renk derinliğine, özgür, renk tonlarında zengin, modellemenin yumuşaklığına, litografik çizime hayran kalıyoruz. kalem.

Genellikle sanatçılar, çalışmalarında örneğin karakalem, tebeşir ve bir tür kurşun kalem veya suluboya ve pastel, suluboya ve guaj vb.

Hem litografi hem de gravür tekniklerinde, izleyici, sanatçının çalışmasının nihai sonucunu - bir baskı veya baskı, aksi takdirde - bir gravür görür. Bu tür birçok baskı bir tahtadan veya taştan elde edilebilir ve hepsi aynı derecede orijinal sanat eserleridir. Baskıların bu özelliği - tüm sanatsal değerleri korurken oldukça büyük tirajları - bizim için özellikle değerlidir.

Sovyet halkının giderek daha fazla çevresi artık sanata katılıyor. Baskıda, gerçek büyük sanatın sunduğu düşüncelerin ve estetik deneyimlerin doluluğunu bulurlar ve aynı zamanda baskı, yalnızca ara sıra gördüğümüz benzersiz uzak bir müze değil, güzelliğin evimize, günlük yaşama girdiği bir şeydir.

Sovyet şövale grafikleri, henüz yazılmamış tarihi, harika sanatsal aramalar ve başarıların harika sayfalarını içeren sanatımızın geniş bir alanıdır. Hem Rus sanatında hem de diğer birçok ulusal sanat okulunda kendi parlak geleneklerine sahiptir. Geçmişin hemen hemen tüm büyük ressamları aynı zamanda büyük çizim ve suluboya ustalarıydı. Alexander Ivanov ve K. Bryullov'un suluboyaları, Repin'in sayısız çizimleri ve suluboyaları, V. Serov ve Vrubel'in grafikleri, sonsuz cazibeyle dolu sanatımızın başyapıtlarıdır. Demokratik bir sanat olarak, sanatçıların imgelerini ve düşüncelerini halka taşıyan litografi, 19. yüzyılın başlarında Rusya'da ortaya çıktı. Kiprensky, Orlovsky, Venetsianov, daha sonra Perov, Shishkin, Vl. Makovsky, Levitan ve diğer sanatçılar. 19. yüzyılın kırklarında, Shchedrovsky "İşte Bizimkiler" albümünde izleyici ticaretini, zanaatkarları, halk türlerini gösterir. Bu, Rus sanatında renkli litografi yaratmanın ilk deneyimiydi. Geçen yüzyılın önde gelen sanatçıları, gravür sanatını, insanlara görece daha fazla erişilebilirliği için, yarattıklarını insanların izleyicilerinin izleyicilerine yaklaştırdığı için takdir ediyor. Ukraynalı şiirin klasiği ve gravürde çalışan sanatçı T. G. Shevchenko, 1857'de şöyle yazdı: “Tüm güzel sanatlar arasında, şimdi en çok gravürü seviyorum. Sebepsiz değil. toplum". Shishkin de gravür meraklısıydı. I. E. Repin defalarca çeşitli gravür tekniklerine döndü. Tüm türler - yerli, tarihi sahneler, portre ve manzara - geçen yüzyılın litografi, gravür ve çiziminde gelişir.

20. yüzyılın başlarının grafiklerinde, tüm sanatlarda olduğu gibi, bazen zıt eğilimlerin karmaşık bir iç içe geçmesi vardır. 1905 devriminin olayları dergi grafiklerini özel bir güçle yakalar, ancak aynı zamanda şövale eşyalarında da yanıtlar bulurlar - S. Ivanov'un gravürleri, V. Serov'un pastellerinde, çarlığın işçilere karşı misillemelerine şok bir tanık. Bu eserlerde, Kasatkin'in madencilerin, çalışan kadınların, öğrencilerin görüntülerinde, S. Korovin'in askerleri tasvir eden çizimlerinde, Sergei Ivanov'un yoksul göçmenlere adadığı çarşaflarda, işçiye ilgi var. ileri Rus sanatının karakteristiği ve zor ve çoğu zaman trajik kaderi için sempati. Ancak bu on yılların grafiklerinde toplumsal gerçekliğin karmaşıklıklarından ve çelişkilerinden uzaklaşma eğilimi de var. Bu akım kimi durumlarda sanatçıların yapıtlarına bir tür edilgen bir seyirlik dayatır, kimi zaman da sanatçıları yapıtlarında uzak ve geniş bir izleyici kitlesine yabancı saray salonlarına ve parklara yönlendirir. Devrim öncesi grafiklerde neredeyse önde gelen tür manzaradır. A. Ostroumova-Lebedeva, V. Falileev, K. Yuon, I. Nivinsky, I. Pavlov, E. Lansere ve diğerleri gibi büyük ustaları istihdam etmektedir. Çok yönlü doğanın güzelliğini, çeşitli hallerini, peyzajla olan ilişkisinde mimarlığın şiirini incelikle görüyorlar. Dünyanın güzelliğine olan bu hayranlık, bizi bugüne kadar heyecanlandıran eserlerinin ana ebedi içeriğidir. Ancak bazen sayfalarında bir tefekkür ipucu hissedilir.

Devrim öncesi gravür, dergi ve kitap illüstrasyonunda, diğer sanat türlerinden daha fazla, World of Art topluluğunun etkisi, belki de üyelerinin çoğu yüksek profesyonel düzeyde grafik sanatçılar olduğu için hissedildi. Bu sanatçılardan Ostroumova-Lebedeva ve Lansere bu toplulukta yer aldı. Ancak eserlerinin tüm en iyi yönleri, yaşamdan uzak "saf sanatı" savunan "Sanat Dünyası" teorisyenlerinin estetik tutumlarına aykırı olarak oluşturulmuştur. "Sanat Dünyası" A. Benois, K. Somov ve diğerlerinin ana figürlerinin resimleri, sulu boyaları ve çizimleri, geçmiş dönemlerin saray yaşamının cesur ve cansız dünyasını yeniden canlandırdı, sofistike ve öğrenilmiş bir tarih oyunuydu. Böylece, devrim öncesi grafiklerde, sosyal çelişkilerin tüm dramalarıyla doymuş eserler yaratılır, bir oda lirik manzaraları kütlesi ortaya çıkar ve aynı zamanda retrospektivizm gelişir, yani moderniteden bir ayrılma, sanat dünyasının estetizmi .

Devrimden sonraki ilk yıllarda, şövale grafiklerinin görünümü çok az değişti. Bu zorlu yıllar, militan yüksek sesli poster sanatının, hareketli anıtsal heykelin ve yeni toplu tatil dekorasyon sanatının zamanıydı. Bu tür sanatların hızlı gelişiminin arka planına karşı, şövale grafikleri ilk başta özellikle geleneksel görünüyor. Temel olarak, aynı ustalar devrim öncesi yıllarda olduğu gibi burada da çalışırlar ve zaten büyük ölçüde belirlenmiş olan çalışmaları, yeni gerçekliğin etkileriyle bağlantılı olarak hemen ve hızlı bir şekilde karmaşık değişikliklere uğramaz. Manzara ve portre, şövale grafiklerinin önde gelen türleri haline geldi. Sanatçılar, şehirlerin antik köşelerini, dikkat çekici mimari anıtları, doğanın sonsuz güzelliğini sosyal fırtınalara maruz kalmadan sevgiyle tasvir ediyor. Eserlerinde bir sürü büyüleyici işçilik, dünyanın güzelliğine karşı sakin bir hayranlık var. Ama geçmişe dönük geriye dönük bir manzaranın bu kapalı küçük dünyası, ülkede yaşanan olaylardan görünmez bir duvarla korunuyor gibi görünüyor.

Çok azının yaratıldığı ev tipi eserler, aynı sessiz ve mütevazı hayatı, herhangi bir sosyal kargaşadan etkilenmeyen, basit ev işlerini tasvir ediyor.

Bu yılların grafiklerine gravürler ve taş baskılar hakimdir; çizim ve sulu boya yaygın değildir. Manzaralar ve portreler genellikle gravür albümlerinde yayınlanır ve bunlar birkaç uzman için küçük tirajlı ve pahalı baskılardır.

Yakınlık portre çalışmalarını ayırt eder. Portre ressamlarının modelleri genellikle sanatçılar, yazarlar, sanatçılar, yani yazara ruhsal olarak yakın olan oldukça dar bir insan çemberidir. İç dünyaları incelikli ve dikkatli bir şekilde ortaya çıkar, ancak henüz Sovyet sanatının daha sonra erişebileceği büyük genellemeler düzeyinde değil.

Ve sadece N. A. Andreev tarafından yapılan portrelerde, özellikle V. I. Lenin'in görüntülerinde, grafikteki portre türü hemen yeni nitelikler kazanır, gücü ve sosyal sesi genelleştirir. Bu çizimler haklı olarak Sovyet sanatının en iyi başarıları arasında yer alıyor, bugün hala bizi memnun ediyor ve hayatımıza katılıyor. Ancak yaratıldıkları yıllarda, bu sayfalar, olduğu gibi, parlak bir istisnaydı, yalnızca kuralı doğruladı - yani, çoğu portre çalışmasının genel oda karakteri. Andreev'in çizimlerinden, sanki zamanlarının ötesindeymiş gibi, Sovyet şövale grafikleriyle tanışmaya başlayacağız.

NA Andreev (1873 - 1932) için - ünlü bir heykeltıraş, Moskova anıtlarının Gogol, Ostrovsky, Özgürlük Anıtı'nın yazarı, çizim sadece çalışmanın gerekli bir hazırlık aşaması değil, aynı zamanda bağımsız bir yaratıcılık alanıydı. . 1920'lerin başında çok sayıda grafik portre yaptı - Dzerzhinsky, Lunacharsky, Gorky, Stanislavsky, Sanat Tiyatrosu sanatçıları ve diğerleri.

Karakterinin tüm bütünlüğünde bir adam - portre ressamı Andreev'i ilgilendiren şey buydu. Sayfalarında, modelin iç dünyası açıkça, güvenle, ayrıntılı olarak, ancak yarı tonlar ve nüans zenginliği olmadan özetlenmiştir. Andreev'in portrelerini tanıdıkça, üzerlerinde tasvir edilen insanlar hakkında çok doğru, doğrulanmış bilgilerin toplamını alıyoruz. Kesinlikle, bu bilginin netliği Andreev'in çalışmasının bir tür pathosudur ve portre yapma şekli de ona itaat eder.

Bu tarzın çoğu, sanatçının forma ilişkin heykelsi vizyonundan gelir. Bu, çizimin vurgulanan plastisitesi, etkileyici bir siluet çizgisi için zorunlu arama, aynı zamanda rengin sertliği, hava duygusunun olmamasıdır. Ancak buradaki ana şey, Andreev'in heykel yeteneğini veren pozitifti - modeli bir bütün olarak görme yeteneği, başın ana hatlarındaki ana şey, görünümün özgüllüğünü görme, rastgele çizgilerden ve dönüşlerden arındırılmış. Silüetin bu bütünlüğü, yüzün, özellikle de gözlerin en detaylı gelişimi ile birleşince, sanatçının eşsiz tavrını oluşturuyor. Andreev'in elinde sanguine, pastel, renkli kalemler ve ayrıca ana ciltlerin ana hatlarıyla çizildiği kömür veya bir İtalyan kalemi tarafından iyi bir şekilde servis edildi.

Aynı şekilde, Andreev, Sovyet iktidarı yıllarında Andreev'in hayatının ana eseri olan büyük bir eskiz, çizim, eskiz ve heykel döngüsü olan ünlü Leniniana'nın bir parçası olan VI Lenin'in birkaç portresini yaptı. . Andreev'in Lenin portreleri bizim için sadece yetenekli bir sanatçının eseri değil, aynı zamanda Lenin'i kongrelerde, kongrelerde ve Kremlin'deki ofisinde defalarca gözlemleyen bir görgü tanığının değerli ifşasıdır. Bu çalışma sürecinde Andreev tarafından birçok üstünkörü çizim yapıldı, ancak tamamlanmış sadece üç resimli portre var; sanatçı, görünen olası yürütme hızıyla görevlerinin karmaşıklığını ve özelliklerini mükemmel bir şekilde anladı.

Bu portrelerden birinde, Lenin'in gözlerinin hafifçe kısılması, zar zor algılanan bir gülümseme, görüntüye hayat vererek insan sıcaklığıyla dolu bir görüntü yarattı. Aynı zamanda, portrede lider imajının sosyal önemi duygusu yaşar ve bu nedenle bu sayfa, o yılların grafik portre sanatı için içerik açısından çok yenidir (resim 1).

Lenin'in teması - daha büyük bir güç ve ifadeye sahip kitlelerin lideri, Andreev tarafından V. I. Lenin'in genellikle 1920'lerin başına tarihlenen profil portresinde geliştirildi. Bu ilham verici görüntünün dürtü ve enerjisi, yüce kahramanlığı kalpleri kazanır. Aynı zamanda, burada V. I. Lenin'in tarihsel rolünün anlaşılması o kadar olgun ki, Andreev'in bu eseri 1920'lerin başındaki sanat kapsamının çok ötesinde görünüyor. Bu yılların sanatının tüm zenginlikleri ve başarılarıyla birlikte, Lenin'in eylemlerinin ölçeği, Lenin'in düşüncesinin kapsamı, imajının böyle bir tarihsel anlayışı hakkında böyle bir anlam bulamayacağız. Ve "Leniniana" araştırmacısı L. Trifonova'nın son varsayımı, yalnızca 1930'larda tanınan portrenin 1920'lerin başında değil, daha sonra yaratıldığına dair makul görünüyor. Laconic dil ve iç içerik, bu sayfaya gerçek bir anıtsallık kazandırıyor. Bu portrenin artık sadece birçok reprodüksiyondan değil, geniş bir izleyici kitlesine aşina olması boşuna değil: mozaikten yapılmış, tatilleri süslerken H:t panellerine boyanmış. Büyük bir boyuta büyütülen çizim, özlü ifadesinde hiçbir şey kaybetmez,

G. S. Vereisky (1886 doğumlu), Sovyet grafiklerinin oluşumunun ilk yıllarından itibaren portre alanında da çalıştı. Bir kişinin toplumsal önemini değerlendirme anı daha sonra eşyalarında önemli bir yer tutacaktır, ancak sanatçının buna giden yolu ve özellikle ilk çalışmalarının doğası Andreev'inkinden farklıydı. GS Vereisky sanatta ilk becerilerini Kharkov'daki özel bir stüdyoda aldı, üniversitede okudu, öğrenci devrimci çevresine ve 1905'in devrimci olaylarına, bununla bağlantılı olarak bir hapishaneye ve ardından birkaç yıl süren göçe katıldı - bunlar sanatçının biyografisinden bazı anlar. 1918'den birkaç yıl boyunca Vereisky, Hermitage'ın gravür bölümünde çalıştı. Oraya dünya sanat tarihinden önemli bilgilere sahip olarak geldi, Hermitage'deki uzun çalışması onu bu konuda daha da zenginleştirdi. Bir kitap değil, dünya sanatının başyapıtlarına dair canlı bir bilgi, sanatçının yaratıcı imajına damgasını vurdu; arkasında titizlik olan büyük kültür, asalet, sadelik, sayısız eserini ayırt eder. Vereisky litografik portrelerle başladı ve şimdi onu mükemmel bir ressam ve gravür ustası olarak tanımamıza rağmen, en çok litografi alanında yaptı.

Çalışmasının en başından itibaren Vereisky, doğaya sadakat, gözlem ile karakterize edildi. Bu nedenle, belki de bu sanatçının sanattaki uzun yolu ilk bakışta pürüzsüz ve sakin görünüyor. Aslında, sürekli aramalar, becerilerin geliştirilmesi,

Bereisky'nin ilk albümü "Russian Artists" 1922'de yayınlandı. Burada, kurucularından ikinci kuşağına kadar "World of Art" topluluğunun tam temsil edilmiş bir sanatçı grubunu görüyoruz. Vereisky, modellerini mükemmel ve doğru bir şekilde biliyor, manevi ruh halini, sanatçıların her birinin karakterini - Benois'in kasvetli ciddiyetini ve rahatsız edici yalnızlığını, Somov'un neşesiz konsantrasyonu, dikenli ifadesi, Mitrokhin'in iç yaşamının yoğunluğu, vb. Bunlardan. levhaların yanı sıra Andreev'in portrelerinden Burada tasvir edilen insanlar hakkında çok şey öğrenebiliriz, ancak Vereisky'nin portrelerinde insanları, tabiri caizse, uzaktan değerlendirmenin bir anı yoktur, karakterizasyon bir odada verilir. , samimi-lirik düzlem ve faaliyetlerinin sosyal önemi sorusu henüz gündeme gelmedi. 1927 - 1928'in sonraki albümlerinde Vereisky, modelin doğal ve rahat pozunu zaten daha doğru buluyor, daha güvenli ve özgürce çiziyor. Sanatçıların başarılı portreleri Golovin, Zamirailr, mimar Shchuko, eleştirmen Yaremich, Notgaft. Vereisky, tasvir ettiği insanlarda içsel olan iç kültürü, zihnin canlılığını, büyük eğitimin cazibesini iyi aktarabildi.

1930'larda Vereisky, pilot portreleri üzerinde çok çalıştı, cesaretlerine ve cesaretlerine hayran kaldı ve açıklamalarında bu nitelikleri vurgulamaya çalıştı. Ve Büyük Vatanseverlik Savaşı'nın başlangıcında, Fisanovich, Meshchersky, Osipov ve diğerlerinin savaşlarında cesur katılımcıların portrelerini yarattığında, sanatçının eserlerle başlayan cesur Sovyet askerleri hakkındaki hikayesinin devamı gibi görünüyorlardı. 1930'lardan kalma.

Ancak bu dönemde ve sonrasında Vereisky'nin ana başarısı kültürel figürlerin portreleriydi. Savaş yıllarında sanatçı, portrelerinin temasının yaratıcılık, bir sanat insanından değerli ve devredilemez, şiddetli bir zorluk anında bile yaratıcı içgörü ile çalışabilme yeteneği olduğunu özellikle net bir şekilde hissetti. Bu sayfalarda, Vereisky'nin büyük teknik becerisi ilk kez derin bir duygusal heyecanla aydınlatılmış gibiydi ve her zaman doğru ve doğru portreleri canlı bir duygusallık kazandı. Hermitage müdürü, oryantalist I. A. Orbeli ve şair N. Tikhonov, Leningrad kuşatması günlerinde onun tarafından çizildi; zorlukları bu insanların görünümüne damgasını vurdu, ancak çalıştıkları koşullara ve yaratıcı derinliklerine rağmen somut ve net bir şekilde aktarılıyor. Aynı ilham arama şiiri, sanatçı E. E. Lansere, şef E. A. Mravinsky, ressam T. N. Yablonskaya'nın (resim 2) portrelerinde de var. Burada bir kez daha çeşitli mesleklerin kültürel şahsiyetleri sunulmaktadır, ancak iç dünyalarının nasıl değiştiği, sanata olan tutkulu bağlılıkları yeni bir anlamla aydınlanmıştır. Vereisky'nin eserlerinin eski yakınlığı ortadan kalkar ve sanatın toplumsal rolü sorusu 1940-1950 portrelerinde tüm gücüyle ortaya çıkar. Psikolojik yazılarının yöntemleri farklı olmadı, sadece daha doğru hale geldi, ancak özelliklerinin olağan vicdani doğruluğundan, tasvir ettiği insanların büyük iç yakınlığının ana hatlarından, ana şeydeki yakınlıktan - onu anlamada. çalışmalarının anlamı, sanki kendi başlarına belirtilmiş gibi.

G. S. Vereisky adını söyleyerek, sanatı birçok yönden dahili olarak G. S. Vereisky'ye yakın olan bir sanatçı olan M. S. Rodionov'un (1885 - 1956) eserlerini hemen hatırlıyoruz. Ve ana çalışma alanları - portre ve manzara (Vereisky'nin de çok yaptığı) ve tarzın katı güzelliği ve doğa çalışmasındaki düşüncelilik bu sanatçılar için ortaktı. MS Rodionov tarafından 1944 - 1946'da, ayrıca litografi tekniğinde, bir dizi bilim adamı ve sanatçı portresi - Abrikosov, Baranov, Vesnin ve diğerleri - grafiklerimizde aynı ciddi çizgiyi, dış gösterişten yoksun, güçlü iç G. S. Vereisky'nin eserlerinin de ana hatlarıyla çizdiği portre sanatının doğruluğu.

Vereisky ve Rodionov'un çalışmaları bizi devrim sonrası ilk yıllardan çok uzaklara götürdü. Onlara geri dönersek, bize zaten aşina olduğumuz portre çalışmaları çemberini B. M. Kustodiev'in (1878 - 1927) eserleriyle tamamlamalıyız. Büyük bir ressam olan Kustodiev, grafiklerde çok çalıştı. F. I. Chaliapin'in 1921'de suluboya ve kurşun kalemle yaptığı ilginç bir portresi. Bu portrenin ilk versiyonunda, gündelik hayatın mührü, Chaliapin'in yüzündeki içsel ışığı söndürüyorsa, sanatçı daha da karmaşık ve aynı zamanda inandırıcı bir görüntü yaratır; onda yetenek, genişlik, zarafet ve bazı gizli düşünceler sezilir (resim 3).

1920'lerin grafiklerinde ikinci yaygın tür manzaraydı. En büyük ustalarından biri A.P. Ostroumova-Lebedeva (1871 - 1955) idi. Sanata olan erken uyanmış ilgisi, onu mükemmel bir öğretmen ve reprodüksiyon tonlu gravür ustası olan oymacı V. V. Mate'nin rehberliğinde çalıştığı Stieglitz Teknik Çizim Okulu'na götürdü. Ostroumova'nın yaratıcı profili hemen belirlenmedi. Sanat Akademisine taşındıktan sonra orada çeşitli öğretmenlerle çalıştı ve daha sonra I. E. Repin'in öğrencisi olarak kabul edildi. Bu, sanatçının diğer tüm faaliyetlerine damgasını vuran bir olaydı. Ostroumova daha sonra "Sanatımızın kalbinde, derinliklerde, Repinsky'nin neşeli, taze ve ebediyen yaşayan gerçekçiliği herkesin temel taşıdır" diye yazdı. Yavaş yavaş, sanatçının gravür ve özellikle renkli ahşap baskılara olan ilgisi giderek daha kararlı hale geliyor. Paris gezisi sırasında çeşitli koleksiyonlarda bu sanatın güzel örneklerini inceledi. Rusya'daki tüm gravür teknikleri arasında, 20. yüzyılın başlarında, en az bağımsız sanatsal değere sahipti ve esas olarak resimleri yeniden üretmenin bir yolu olarak var oldu. Renkli gravürler tamamen unutuldu. Bu nedenle, Ostroumova-Lebedeva, Flaman sanatçı Rubens "Perseus ve Andromeda"nın resminden renkli bir gravür de dahil olmak üzere bir dizi gravürünü yarışma için Akademi'ye sunduğunda, jüri başlangıçta bu sayfayı suluboya zannederek reddetti. .

Ostroumova-Lebedeva, uzun yaratıcı hayatı boyunca gravür ve sulu boyaya olan bağlılığını sürdürdü. Bunlardan ilki hakkında, sanatçının kendisi sevgi ve şiirle yazıyor:

"Bu sanatta sunumun inanılmaz kısalığını ve kısalığını, özlülüğünü ve bundan dolayı aşırı keskinliğini ve etkileyiciliğini takdir ediyorum. Ahşap oymacılığındaki çizgilerinin acımasız kesinliğini ve netliğini takdir ediyorum ... Tekniğin kendisi izin vermiyor değişiklikler için ve bu nedenle ahşap oymacılığında şüphe ve tereddütlere yer yok ...

Ve aletin sert ahşap üzerinde çalışması ne kadar güzel! Tahta o kadar cilalı ki kadife gibi görünüyor ve bu parlak altın yüzeyde keskin bir keski hızla ilerliyor ve sanatçının tüm işi onu iradesinin sınırları içinde tutmak!

Sürekli yoğun dikkat ile ilişkili zor ve yavaş çalışmadan sonra - hata yapmayın - bir rulo ile boyayı yuvarladığınız ve tahtada bıraktığınız tüm çizgiler siyah boya ile parlamaya başladığı ve aniden bir çizim göründüğü harika bir an gemide.

16. ve 17. yüzyıllarda gravürün böylesine parlak bir şekilde çiçek açmasından sonra, bu sanatın solmaya, bir hizmet, bir zanaat haline gelmesine her zaman pişman oldum! Ve her zaman ona özgürlük vermeyi hayal ettim!"

Devrim öncesi yıllarda bile, Ostroumova birçok harika eser yarattı - St. Petersburg ve çevresinin manzaraları, İtalya, İspanya, Fransa'da seyahatler sırasında boyanmış manzaralar,

Hollanda. Değişmez doğruluk ve doğaya bağlılık, onlarda zaten büyük bir genelleme armağanı ile birleştirilmiştir. Sanatçı St. Petersburg, özellikle nüfuz edici ve şiirsel bir şekilde çizer. Şehir, görkemli, uyum ve güzellikle dolu yapraklarında yükselir. Kompozisyonun ahengi, çizgisel netlik, renk saflığı eserlerini diğerlerinden ayırıyor.

Sanatçının anılarına göre, yaratıcı bir enerji dalgasına ve neşeli bir yükselişe neden olan devrimden sonra, Ostroumova hala en çok mimari peyzaj türünde çalışıyor. Çarşaflarında, daha önce olduğu gibi, şehir aktif bir kalabalığın kaynadığı yoğun sokaklar değil, her şeyden önce güzel mimarinin alanı, kalıcı güzelliği.

Aynı zamanda, şehrin görünümünde sanatçıya yeni özellikler ortaya çıkar ve resimlerinin ölçülü duygusallığının yerini bazen daha fırtınalı, aceleci bir duygu alır. Tek bir peyzaj türü çerçevesinde, Ostroumova çok çeşitli ve her zaman içsel olarak ayrılmaz şeyler yaratır. Örneğin, 1918'deki "Petrograd. Field of Mars" suluboyasını hatırlayın. Yüksek gökyüzündeki bulutların hızlı hareketi, karenin genişliği ve Suvorov anıtının ince, ileriye dönük figürü ile bu sayfa gizli gerilim ve acılarla doludur. Sanatçının buradaki tavrı cesur, neşeli, onun tarafından duyulan yaşamın ritimleri açık, bir marş gibi ve bir marş gibi müzikal. Ostroumova, hafif vuruşlarla, formda genelleştirilmiş, ayrıntıları akıllıca bir ölçüyle kullanarak boyar. Bu sayfanın oldukça basit bir şekilde çizildiği anlaşılıyor, ancak basitliğinin arkasında beceri ve harika sanatsal zevk var. Bu şeyin mütevazı ve güzel paletinin asaletinde de kendini gösterir.

Gravür "Smolny", Ostroumova'nın fırtınalı duygusallığı için olağandışı bir şekilde nüfuz ediyor. Devrimin nefesi, adeta bu manzara üzerinde esiyor ve sakin klasik biçimlerin inşası, 1917 Ekim'inde olduğu gibi, yeniden yaşıyor gibi görünüyor. Siyah ve beyazın çarpışması, bu renklerin her birinin gücünü ikiye katlıyor gibi görünüyor. Smolny'nin girişini belirleyen Propylaea'nın sütunları tehditkar bir şekilde siyaha döner, dünya parlak beyazlıkla parlar, darbeler hızlı hareketle girdap şeklinde derinlerde binaya giden yolu çizer, bir ağaç sert bir rüzgar altında bükülür ve eğik. düşen çizgiler Smolny üzerinde gökyüzünü hafifçe çevreliyor. Dürtü, hareket, romantik heyecan dolu bir görüntü yaratılır. Üstelik, bu siyah gravür ne kadar güzel ve pitoresk, tamamen dekoratif değerleri ne kadar büyük.

Pavlovsk'u tasvir eden küçük gravürlerin döngüsü de dekoratiflik ile ayırt edilir. Dekoratiflik, sanatçı tarafından bir grup ağacın ana hatlarında, bir heykelin veya bir kafesin silüetinde görüldü, hayatta gözlemlendi ve bu nedenle inandırıcı oldu.

Ostroumova-Lebedeva'nın büyük becerisinin klasik bir örneği, "Hoarfrost'taki Yaz Bahçesi" (1929; resim 4) manzarasıdır.

Bu işleme baktığınızda ıssız bir bahçenin dinginliği içinizi dolduruyor; olduğu gibi, kendinizi sokakta buluyorsunuz - sayfanın kompozisyonu yazar tarafından bu şekilde dağıtılıyor. Derin kardaki ayak izlerinin dikişi ve karla kaplı siyah ızgaranın ritmi, tabakanın derinliklerine hareketi özetliyor ve orada bir köprünün hafif siluetiyle hafifçe yuvarlanıyor. Hareket ve uzak insan figürleri tüm sayfayı canlandırıyor, ancak karlı cazibesini bozmuyor. Bu gravürün özel çekiciliği, inanılmaz bir huzur, sessizlik ve çok yakın bir yerde akan büyük bir şehrin yaşamı duygusuyla birleşiminde doğar. Kışın şiiri, puslu renkleri, kırılgan pembe kırağıyla ağaç tepelerinde esen soğuk hava, sanatçı tarafından burada güzel bir şekilde aktarılıyor.

Büyük Vatanseverlik Savaşı sırasında, yetmiş yaşın üzerinde olan Ostroumova-Lebedeva, Leningrad'dan ayrılmadı. Ablukanın inanılmaz zorluklarını tüm sakinlerle paylaştı ve elinden gelenin en iyisini yapmak için çalışmayı bırakmadı. Bu yıllarla ilgili anılarının sayfaları, yalnızca zorlukların ve ruhsal kaygıların bir tarihi değil, aynı zamanda sonsuz bir yaratıcı yanmanın, yorulmak bilmeyen bir çalışma arzusunun kanıtıdır. Ostroumova-Lebedeva'nın gravürdeki başarıları ve özellikle sanatsal renkli gravürlerin yeniden canlandırılması, büyük bir ustanın günümüze sarsılmaz bir katkısı olarak kalır. Sanat.

V. D. Falileev'in (1879 - 1948) eserleri, tutum ve üslup açısından birçok yönden Ostroumova-Lebedeva'nın eserlerine yakındır. Aynı zamanda siyah ve renkli gravürlerin ustasıydı ve çalışmalarının yeni teknik olasılıklarını, özellikle de rengi sürekli olarak araştırmak için gravür ve linocut'a yöneldi. Falileev'in hem kendi ülkesini hem de yabancıları betimleyen manzaraları, bizi Ostroumova-Lebedeva'nın eserleri gibi aynı duygu doluluğu, doğanın olağan motiflerinde güzelliği görme yeteneği ile çekiyor, ancak uyum ve klasik çizgi saflığı daha az. gravürlerinde yaygın olan çizim tarzı daha özgür ve bir şekilde daha huzursuz, renklendirme daha sıcak ve daha pitoresk. Aynı zamanda, izlenimlerini genelleştirme, minimum araçlarla geniş bir sanatsal imaj yaratma yeteneği, Falileev'i Ostroumova-Lebedeva ile ilişkilendirir. Bu anlamda, örneğin, Falileev "İtalya" nın renkli linocut albümü, sanatçının bir veya başka bir şehre yalnızca bir sayfa ayırdığı, son derece özlü kompozisyonlarda, bazen sanki bir binanın sadece bir parçasını tasvir ettiği, karakteristiktir. en karakteristik olanı İtalyan şehirlerinin görünümünde yoğunlaştırır.

Sanatçı ayrıca fırtınalı doğayla da ilgileniyor, denizin değişken görünümünü, fırtınalı bir deniz dalgasının ana hatlarını inceleyerek, değiştirdiği birkaç sayfada bir dizi "Yağmur" gravürü yaratıyor. Fırtına ve yağmur motifli manzaralarda, bazı araştırmacılar devrimci bir fırtınaya bir tür grafik tepki görüyorlar, ancak böyle bir yakınlaşma hala çok basit görünüyor. Ve Falileev ile arsaları ve sosyal olaylar arasında benzer bir ilişki kurmaya cesaret edemeyiz. Ama yapıtlarının bütününde, iç yapılarının özel yoğunluğunda, gerçekten de toplumsal dünyanın karmaşıklığına dair bir his var ve bu, örneğin The Troops'un linocut'ındakinden çok onun peyzaj sayfalarında daha belirgin. çünkü Falileev öncelikle bir manzara ressamıydı.

I. N. Pavlov (1872 - 1951) ayrıca grafiklerde manzara türünün bir temsilcisiydi. Moskova'nın şahsında, Ostroumova-Lebedeva'nın şahsında Leningrad gibi kendini adamış ve şarkı söylemekten asla bıkmayan bir şair vardı. Pavlov, Ostroumova ile neredeyse aynı yaştaydı, ancak sanattaki yolu daha zor yaşam koşullarında başladı. Bir hapishane sağlık görevlisinin oğlu, daha sonra Moskova'daki Kurtarıcı İsa Katedrali'nde bekçi olarak, erkenden "insanlara gitmek" zorunda kaldı ve bir gravür atölyesine çırak olarak kaydoldu. V. Makovsky'nin resimlerinden reprodüksiyon gravürleri, ona başarı getiren ilk eserlerdi. Daha sonra Pavlov, Stieglitz Teknik Çizim Okulu'nda ve Mate atölyesinde ve ayrıca Sanat Teşvik Derneği okulunda okudu, ancak çalışma ihtiyacı nedeniyle uzun sürmedi. Tabloları yeniden üretirken, sanatçı büyük bir beceri kazanır ve gravürleri o yılların popüler dergilerinde yayınlanır ve okuyucuları Repin'den V. Makovsky'ye kadar büyük ressamların eserleriyle tanıştırır. Ancak fotomekanik, bu yeniden üretim biçiminin yerini alır. Pavlov'un eserlerinde, çalışmalarının ana teması ortaya çıkıyor - Moskova'nın eski köşeleri ve taşra şehirleri, Rusya'nın geçmişe doğru kaybolan manzarası.

Orijinal gravürlerin yaratılmasına geçiş sanatçı için kolay olmadı, ancak konusuna olan titizliği ve sevgisi çok şey yaptı. 1914'ten beri, I. N. Pavlov'un manzara gravür albümleri görünmeye başladı. Manzaralarının merkezinde, Moskova yakınlarındaki doğadan, Volga ve Oka boyunca yapılan gezilerden izlenimler vardı. Oda tabiat algısı, onda bir tür mahremiyet arayışı bu ilk eserleri ayırt eder. "Köşe seçimi için uğraştım ve gravürlerimi gerçek ruh hali manzaraları olarak görmeyi bekliyordum. Büyük ölçekte, panoramik görüntüde, elde etmeye çalıştığım yakınlık ve kompozisyon netliği bana tamamen yok olabilirmiş gibi geldi." sanatçı daha sonra hatırladı. Geniş bir Moskova manzarası serisine başlayan Pavlov, burada da öncelikle antik çağı yakalayan oda lirik motifleri arıyor. "En nadide eski binaları, avluları, çıkmaz sokakları, yüz yıllık ahşap evleri, eski mimarinin kiliselerini aradım; antik çağın birçok seçkin anıtını göz ardı etmedim... şehrin alınan parçasının tipikliğini vurgulayın" - anılarında okuduk.

Yıldan yıla, I. N. Pavlov'un çok sayıda albümünü oluşturan Moskova gravürleri birikti. Moskova'da nispeten kısa bir sürede çok şey değişti, I. N. Pavlov'un devasa modern şehirde boyadığı sessiz köşeler tanınmaz hale geldi. Ve bize sessiz sokakların mütevazı rahatlığını, küçük evlerin samimiyetini koruyan sanatçıya minnettarız (resim 5). Ve diğer Rus şehirlerinde - Kostroma, Uglich, Ryazan, Torzhok - Pavlov antik mimariden etkileniyor. Etkileyiciliğini ve özgünlüğünü çok iyi hissetti. Ancak genel olarak Pavlov'un eserleri, örneğin Ostroumova-Lebedeva veya Falileev manzaralarından kıyaslanamayacak kadar daha az sanatsal ve plastik güzelliktedir. Çalışmalarının belgesel doğruluğu genellikle fotoğrafa dönüşüyor.

5. I. N. Pavlov. "Eski Moskova" albümünden bir sayfa. Varvarka'da. 1924

Pavlov'un modern manzara döngüsü 1920 - 1930'da, Devrimci Rusya Sanatçılar Derneği'ne katıldıktan sonra, birçok sanat ustası gibi, ülkenin sanayi merkezlerine yaratıcı iş gezilerine çıktığında yenilendi. Karanlık bir gemi sürüsü ve kıyıda Halk Su Taşımacılığı Komiserliği'nin büyük bir binasının ışıkları ile renkli linocut "Astrakhan", yelkenli teknelerin keskin siyah siluetleri ve hafif titreyen su ile "Volga'da" manzara, "Bakü" , "Balakhna" ve bu yıllarda yapılan diğer bazı sayfalar sanatçının en iyi eserleri arasında yer aldı. 1949'da 78 yaşındaki usta tarafından yaratılan "Zvenigorod. Etekler" sayfası, neşeli ve parlak bir ruh hali ile fethediyor.

1940'ların sonlarında ve 1950'lerin başlarında Pavlov'un çalışmalarının eleştirmenler tarafından uygunsuz şekilde övülmesi, eserlerinin eksikliklerini gizledi ve paradoksal bir şekilde, onların gerçek değerlerini tespit etmeyi zorlaştırdı. Çalışmalarının tamamen inkar edilmesi bugün nadir değildir. Ancak sanatçının harika çalışmasını ve kariyerinin başında birçok Sovyet grafiği ustasıyla cömertçe paylaştığı zengin deneyimini takdir ediyoruz.

Pavlov'un - V. D. Falileev ile birlikte - değeri, Sovyet sanatçılarının günlük yaşamına linocut'ın tanıtılması ve suluboya - aquatypes ile yeni bir baskı baskı yönteminin icadıdır.

I. N. Pavlov'un öğrencilerinden renkli gravür ustası ve manzara ressamı M. V. Matorin, bir sanatçı ve öğretmen olarak verimli bir şekilde çalışıyor.

Mimari manzaraya, antik anıtlara yaptığı itirazda, IN Pavlov 1920'lerde yalnız değildi. Vl. IV. Aynı I. N. Pavlov'un gravür teknikleriyle ilgilenmeyi başardığı Levitan'ın bir öğrencisi olan Sokolov, 1917 - 1925'te eski Moskova, Rostov Sergiev Posad'a adanmış birkaç albüm çıkardı. Bütün bunlar eski manzaranın güzel örnekleridir. 1920'lerde Yuon ve Kustodiev'in taş baskı albümlerinde Sergiev Posad, Rus manzaraları, el değmemiş eski taşra yaşamının resimleri de görülebilir. St. Petersburg'un klasik binaları, manzara albümü 1923'te yayınlanan, "Petersburg. Harabeler ve Canlanma" olarak adlandırılsa da temelde yalnızca harabelerin hüzünlü resimlerini içeren PA Schillingovsky'nin gravürlerinin takip edilen satırlarında duruyor - yıkım Petrograd'a askeri yıkım neden oldu. Ermenistan'da bir kez, Schilling'in veto-yüzü yine sadece antik çağın özelliklerini görüyor ve 1927'de bir "Eski Erivan" gravür albümü yayınlıyor. Bu nedenle, ilk on yılın grafiklerindeki antik manzara, bireysel ustaların tesadüfi bir hobisi değil, bütün bir fenomendir.

Sadece 1927'ye kadar ona olan ilgi kurudu ve aynı antik mimarinin büyük bir fanatiği olan aynı Schillingovsky, ertesi yıl 1928'de, çalışmasında meydana gelen karakteristik bir değişikliği not ediyormuş gibi "Yeni Ermenistan" albümünü yarattı. program.

Yeni, elbette, eskinin bağırsaklarında büyür ve modern manzaraya adanmış eserler, tabiri caizse, derinliklerinde, bize zaten tanıdık gelen şeyler arasında grafiklerde ortaya çıktı. Yazarları, yaratıcılıklarını mimarinin ve doğanın sonsuz güzelliklerini düşünmeye daha dün adayan sanatçılardı. Örneğin, Sovyet gravürünün en büyük ustası II Nivinsky (1881-1933), 1925'te yayınlanan "Kırım" albümünde, sanatsal ve kolay bir şekilde, bir tefekkür dokunuşuyla olsa da, güzellerin günlük şenliğini aktarıyor. güney doğası. Ekim ayının 10. yıldönümünde, Halk Komiserleri Konseyi'nin emriyle Nivinsky, Gürcistan'daki bir elektrik santralini betimleyen birkaç büyük gravür "Zages" yaratıyor, sadece manzaralarına yeni bir arsa getirmekle kalmıyor, aynı zamanda aktif olarak yeni arayışlar da arıyor. Bunun için ifade biçimleri.

Başarılı olan, dikkatli çizimi ve endüstriyel peyzajda doğal olarak baskın olan V. I. Lenin anıtı ile "Zagas'taki V. I. Lenin Anıtı" - heykeltıraş I. D. Shadr'ın yaratılışıdır (resim 6). Bu anıtın güzelliği, görkemli bir şekilde göz alıcı silueti, burada manzara görüntüsünün ana bileşeni haline geliyor. Artık doğa, sanatçı tarafından yalnızca hayranlık uyandıran bir tefekkür nesnesi olarak değil, aynı zamanda büyük bir insan faaliyeti alanı olarak da tasavvur edilmektedir. Hayata karşı aktif bir tutumun notaları ilk kez grafik manzarada belirgin bir şekilde duyuldu.

1920'lerin ikinci yarısında sanatçı I. A. Sokolov'un (d. 1890) çalışmasında yeni motifler ortaya çıkıyor. Çalışmasının en başından itibaren, bir öğrenci ve V. D. Falileev'in büyük bir hayranı olan I. A. Sokolov, gravürde emek sahnelerini tasvir ediyor. İlk başta, bu, bir kadının evdeki zor ve zahmetli ev işi, el işi işi - sıcaklık ve sevgiyle gösterilen sıkışık ve sınırlı bir dünya. İşi üzerine eğilen bir kunduracı, bir çamaşırcı, bir akşam sıkışık, gösterişsiz bir odada torunlarıyla birlikte bir büyükanne, karmaşık bir desene sahip hafif bir kumaşın arka planına karşı bir dantel üreticisinin ince bir silueti, açıkça onunla bağlantılı - bunlar ilk eserler. Sokolov (resim 7).

Doğaları gereği, I. Pavlov, Vl.'nin eserlerine çok yakındırlar. Bize büyük şehirlerin gayri resmi köşelerini, el değmemiş antik dönemlerini gösteren Sokolov ve diğer sanatçılar. I. A. Sokolov'un biyografisini yazan M. Z. Kholodovskaya, “Öyle görünüyor ki, I. A. Sokolov'un gravürlerinde yansıyan hayat, I. N. Pavlov'un tasvir ettiği bu küçük evlerin duvarlarının arkasından ilerliyordu” diye yazıyor.

Açıkçası, emeğin resimleri her zaman sanatçıya yakın olduğu için, temasının dar kapsamını genişleten ve yeni endüstriyel emeğin dünyasını - büyük bir metalurji fabrikasında çalışmak - tasvir etmeye başlayan ilk kişi oydu. 1925'e gelindiğinde, Moskova bitkisi "Çekiç ve Orak" ı gösteren ilk sayfaları aittir. Bu zamana kadar, sanatçı zaten renkli çok panolu linocut tekniğine hakim olmuştu ve atölye türleri, güçlü çelik kafeslerin iç içe geçmesi, göz kamaştırıcı kırmızı-sıcak metal ile sahnelerin karmaşık aydınlatması onun tarafından doğru ve eksiksiz bir şekilde yeniden üretildi. Daha sonra, zaten olgun bir usta olan Sokolov, yine tanıdık bir fabrikaya gelir ve 1949'da kendisine adanmış bir dizi gravür yaratır. Bu sefer portre sayfalarını seriye dahil ediyor; çelik işçisi F. I. Sveshnikov'u betimleyen bunlardan biri, sanatçı için özellikle başarılıydı. Eritme işlemini dikkatle izleyen Sveshnikov kılığında, büyük bir yaşam ve iş tecrübesine sahip bir kişinin alçakgönüllülüğünü, sadeliğini, çekiciliğini aktarmayı başardı. Ama Sokolov'un ilk "fabrika" sayfaları bile bizim için önemini koruyor; yazarın kendisi ve diğer sanatçılar tarafından bilinmeyen bir yolda ilk adımların vicdani doğruluğunu içerirler.

I. Sokolov, hayatı boyunca peyzaj alanında da çok çalıştı. 1920'ler ve 1930'lardaki manzaraları geniş çapta tanındı; erken ilkbaharın soğuk tazeliği ve sonbaharın ateşli kıyafetleri her zaman net, kesin bir desen, net, saf renklerle içlerine işlenir. Renk linocut tekniğini geliştiren, zengin bir renk gamının serbest transferini sağlayan sanatçı, çok sayıda tahta kullanır ve bazen tahtaya her zamanki gibi bir değil, birkaç renk alır. Örneğin, sıcak pitoresk renklerle büyüleyen ünlü gravürü "Kuzminki, Sonbahar", dokuz renkte yedi panoda yapıldı.

Savaşın olayları, sanatçı tarafından "1942'de Moskova" ve "Düşmanın Yok Ettiği Şey" adlı büyük dizide yansıtıldı. Bunlardan ilkinde, Moskova sokaklarında öne çıkan tanklar, arkaya sürülen sürüler, avlulardaki sebze bahçeleri vb. Kompozisyon bir bütün olarak. İkinci - manzara - dizide, belgesel görevi kasıtlı olarak ön plana çıkarılır, ancak üzüntü de bu sayfaları renklendirerek, Leningrad banliyölerinin güzel topluluklarının acı verici yıkımını tasvir eder. Aynı belgesel görevi, sanatçının, V. I. Lenin ve A. M. Gorky'nin yaşamı ve eserleriyle ilişkili unutulmaz yerleri özenle ve titizlikle yeniden ürettiği savaş sonrası yılları dizisinde de karşı karşıyadır.

Nivinsky veya Sokolov'un sayfaları gibi yeni yaşamla ilgili ilk eserler çok sayıda değildi. Ancak sayıları giderek artıyor. İlk beş yıllık plan yıllarında ressam ve grafik sanatçılarının en önemli yeni binalara, sanayi devlerine ve ilk kollektif çiftliklere iş gezileri düzenlendi. Sanatçılar, onlar için bu yeni görevler konusunda hevesliydi. Ve bu geziler sonucunda yaratılan eserler arasında hala sanatsal değeri yüksek birkaç şey olsa da, bu eserle ülkenin büyük yaşamının nefesi olan grafiklere yeni bir taze akım geliyor.

Bu çalışmanın karmaşıklığı, hem sanatçılar tarafından sosyalist inşanın gündelik yaşamına ilişkin yetersiz bilgiden hem de o yıllara özgü sanat biçimine ilişkin birçok konunun tartışılabilirliğinden oluşuyordu. Çok sayıda sanat grubu genellikle karşıt teorik platformlarla ortaya çıktı ve o sırada ortaya çıkan anlaşmazlıklarda, şövale sanatının var olma hakkı bazen sorgulandı. Unutulmamalıdır ki bu yıllar sanat eğitimi alanında çelişkili arayışlar dönemi olmuştur. Çoğu zaman, üniversitelerde sanatçıların yanlış eğitimi, onları profesyonel becerilerin güçlü temellerinden mahrum etti ve genç grafik sanatçısı çok daha sonra telafi etmek zorunda kaldı. Doğru, eski neslin bir dizi mükemmel ustasının eserleri ve gençlere, genellikle üniversitenin resmi duvarlarının dışında verdikleri tavsiyeler onun için çok öğreticiydi. Örneğin, sanatçıların verimli bir gerçekçi çizim ve kompozisyon okulundan geçtiği Kardovsky stüdyosu gibi stüdyolar da vardı. Yine de sanatçıların çalışma koşulları zordu. Ancak 1930'ların başlarında sanatsal gruplaşmaların ortadan kaldırılması ve tüm sağlıklı yaratıcı güçlerin tek bir gerçekçi platformda birleştirilmesiyle geliştiler.

Modern konulara grafik çizerken, sanatçılar için birkaç ana çalışma alanı hızla gelişti. Bunlardan biri, I. Sokolov'un gravürlerinde gördüğümüz gibi, görülen, özellikle endüstriyel, çalışma koşullarının doğru, biraz açıklayıcı, neredeyse belgesel bir yeniden üretimiydi. Bu tür eserlerde, yazarların izleyiciye yeni binalar ve fabrikalar hakkında mümkün olduğunca doğru ve eksiksiz bir şekilde bilgi vermeleri için çok sayıda içten ve dürüst arzusu vardı. Sanatçıların kendilerini genellikle bir sayfayla sınırlamamaları boşuna değildir, ancak bir dizi seride bir fabrika, inşaat vb.

İkinci yön, lirik bir hisle ısınan, özlü, eskizin canlılığını koruyan, aynı zamanda suskunluğu, 1920'lerin sonlarında ve 1930'ların başlarında NN Kupreyanov (1894 - 1933), Kardovsky, Petrov-Vodkin, Ostroumova-Lebedeva, Kupreyanov gibi farklı sanatçıların öğrencisi, sanatta sürekli arayışlarla dolu kısa ama zor bir yoldan geçti. İlginç bir şekilde sadece şövale grafiklerinde değil, kitap illüstrasyonunda da çalıştı. İlk Kupreyanov'dan biri, eşyalarını devrime adadı ve vurgulanmış açısallıklarında veya çizgilerin hızlı hareketinde biraz kasıtlı olan "Zırhlı araba" (1918) ve "Kruvazör" Aurora "(1923) gravürleri, gerçek bir manevi parçacık taşıyordu. uplift, Ekim olaylarına canlı bir yanıt.Kısa süre sonra gravürlerden ayrılan Kupreyanov, mürekkep ve suluboya çizimlerinde ağırlıklı olarak serbest, ışık dolu ve gizemli ışık ve gölge geçişleri tarzında çalışıyor. sanat aynı zamanda uçsuz bucaksız bir ülkenin uçsuz bucaksız topraklarına da erken girer. "Demiryolu Rayları" (1927) dizisinde, hızlı fırçası, trenlerin gümbür gümbür hareketiyle tabaka sayfa doldurur ve onun acele ritminde ülke ticaretinin yankısı duyulabilir. hayat. 1931'de yaratılmaya başlanan "Baltık" ve sanatçının oraya yaptığı gezilerin bir sonucu olarak ortaya çıkan "Hazar Denizi Balıkçılık" döngüleri - aynı hafiflik dışa dikkatsiz oh kabataslak çizim tarzı. Arkasında, kısacık ifadeyi ve özelliğin geniş içeriğini birleştiren modernite görüntüleri için tamamlanmış aramadan çok uzak hissedilebilir.

Erken bir ölüm, sanatçının çalışmalarını arada kesintiye uğrattı.

Grafik sanatçılarının çağdaş konulardaki çalışmalarında üçüncü yön, olay örgüsünün romantik olarak iyimser bir şekilde işlenmesine yönelik erken bir eğilimle ortaya çıktı. Endüstriyel motifleri görkemli, bazen de büyüleyici bir gösteriye dönüştürüyor. Görünüşe göre bu tür eserler doğaya en yaratıcı, duygusal yaklaşıma sahip. Ve gerçekten de, aralarında önemli ve çok güzel icraatlar nadir değildir. Ancak romantik coşkuları çoğu zaman biraz soyut ve öznel bir karaktere sahiptir, diğer eserlerin tanımlayıcı doğruluğu gibi, yalnızca sanatçının temayla ilk temasının sonucudur. Sebepsiz değil, genel inşaat görüşleri, fabrika atölyeleri vb. tarafından taşınan, tüm erken endüstriyel eserlerin yazarları, hala insanlara çok mütevazı bir yer veriyor. Romantik bir planın çalışmalarına bir örnek, N. I. Dormidontov'un "Dneprostroy" (1931; ill. 8) sayfası olabilir. Dormidontov (1898 doğumlu) aynı zamanda grafikte modern temanın ilk sanatçılarından biridir. 1920'lerin ortalarından itibaren, çalışmaya adanmış çalışma sayfaları ortaya çıktı - ilk başta katı bir şekilde doğru ve kuru, sonra daha özgür ve kompozisyonda bulundu. "Dneprostroy" çiziminde sanatçı, yapının devasa ölçeğinden, çok sayıda ampulün keskin ışığıyla aydınlatılan gece çalışmasının büyüleyici resminden etkilenir. Çiziminde iş, hayal gücüne çarpan, gizemli, görkemli ve biraz fantastik bir gösteriye dönüşüyor.

Benzer bir emek yorumu, Al Kravchenko'nun (1889 - 1940), yine Dneproges'in (1931) inşasına adanmış bir dizi gravürde görülebilir. Sanatçı tarafından zaten yaratıcılığın olgun zamanında yaratıldı ve onun muhteşem yeteneği onda açıkça ortaya çıktı,

Bu döngünün gravürlerinde barajın devasa yapıları yığılmış, yükseliyor, etraflarında turna okları yakından yükseliyor, yüksek gökyüzü bulutlarla dönüyor ve güneş göz kamaştırıcı ışınlarını gönderiyor. Siyah ve beyaz renklerin karşıtlıkları, parlak, huzursuz bir gravür yelpazesine yol açar. Kravchenko yakınlarındaki inşaat gösterisi görkemli ve etkileyici. Ve zor koşullar altında yeni bir sanayi devi yaratan insanlara, yalnızca ritmik olarak tekrar eden özdeş siluet figür grupları olarak, soyut hareket taşıyıcıları olarak verilir. Bununla birlikte, o zamanlar birçok sanatçı, öncelikle şantiyenin, atölyenin vb. Genel panoramik ifadesinden etkilendi. Ve Kravchenko'nun gravürlerinde, sadece en yetenekli şekilde ifade ediliyor.

Yaratıcılık Kravchenko, grafiklerimizin tarihinde genellikle parlak ve orijinal bir sayfa oluşturur. Bir gravür, gravür ve çizim ustası, şövale eşyalarındaki keskin sosyal renklendirme temalarına çok duyarlı, bir bilim kurgu yazarı ve illüstrasyonlarda bir sihirbaz olan Kravchenko, yurtiçinde ve yurtdışında hızla geniş bir popülerlik kazandı. Köylü bir aileden gelen Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu'nda eğitim gördü. Öğretmenleri ünlü Rus ressamlar S. Ivanov, V. Serov, K. Korovin, A. Arkhipov idi. Kravchenko kariyerine ressam olarak başladı, ancak Sovyet iktidarı yıllarında yöneldiği çizim ve gravür alanındaki çalışmaları özellikle ilginç. Hindistan, Fransa, İtalya, Amerika ve Sovyetler Birliği'ne yaptığı sayısız gezi Kravchenko'nun sanat eğitimini tamamladı ve ufkunu genişletti. Kravchenko çok çalıştı. Fantastik ve grotesk, duyguların titreyen büyüsü ve saplantı enerjisini birleştirerek kitap resimlerinde tuhaf bir görüntüler dünyası yarattı. Peyzaj alanında sürekli çalıştı, çeşitli sayfaları Moskova bölgesinin ve Avrupa'nın ünlü şehirlerinin uyumunu, güzelliğini ve mütevazı doğasını yakalar. Kamuya açık konulara yanıt veren hikaye dizileri yaratan ilk grafik sanatçılarından biridir. Aynı yıl, 1924'te yapılan V. I. Lenin'in cenazesine adanan gravürler döngüsü, hüzünlü bir görgü tanığıydı ve şimdi tarihi bir çalışmanın önemini kazandı. Sanatçı daha sonra 1933'te katı ve ciddi bir gravür "Mozole" gerçekleştirerek bir kez daha Leninist temaya geri döndü. Ayrıca Paris'teki Uluslararası Sergideki Sovyet pavyonu için "Geçmişte ve günümüzde bir kadının hayatı" gravürlerinden oluşan bir döngü yaptı. Zıt resimlerde sanatçı, Çarlık ve Sovyet Rusya'da bir kadın-annenin kaderini yeniden üretti; burada konuşması duygusal ve canlı olan bir hikaye anlatıcısı olarak rol aldı, ancak görüntülerinde büyük bir içsel ve plastik ifade yoktu. "Dneprostroy" serisinden sonra Kravchenko endüstriyel temayı bırakmadı ve 1938'de yaratıcı bir gezinin materyallerine dayanarak Azovstal fabrikasına adanmış çizimler ve gravürler yarattı.

Çeliğin dökülmesini betimleyen gravürde (resim 9), sanatçı hala devasa teknik yapıların gücünden, emeğin resminin görkeminden etkileniyor. Karmaşık bir sahneyi özgürce oluşturur, onu ışık akışları ve kıvılcımlarla etkili bir şekilde aydınlatır. Ek olarak, burada gerçek bir emek ritmi ve onunla birlikte, Dneproetroy'un biraz soyut pathos'u yerine, olan her şeyin uygunluğu ortaya çıkıyor. Muhteşem eğlenceye ek olarak, sayfa da harika içerik kazanıyor.

Bu anıtsal gravür, Kravchenko tarafından All-Union Sergisi "Sosyalizm Endüstrisi" için yapıldı. Sovyet sanatındaki bu sergi, sanatçıların günümüze kitlesel çekiciliği ile ilişkilidir. Bunun için çalışmalar 1936'dan başlayarak birkaç yıl boyunca oluşturuldu. Bu çalışmaya başlamadan kısa bir süre önce, en büyük fabrikalardan birinden 1.500 davulcu Pravda'nın sayfalarına sanatçılara hitaben şunları yazdı:

"Sizden harika resimler bekliyoruz. Sadece basit fotoğraflar olmasın istiyoruz. Onlara tutku katsın istiyoruz. Bizi ve çocuklarımızı heyecanlandırmasını istiyoruz. Bizlere mücadele ve susuzluk sevincini aşılasınlar istiyoruz. yeni zaferler için. Ülkemizin insanlarına - inşaatımızdaki kahramanları ve sıradan katılımcıları - göstermenizi istiyoruz."

Bu ateşli sözler sadece sanatımızın görevlerini iyi formüle etmekle kalmadı, aynı zamanda insanların sanata olan tutkulu sevgisinin atmosferini, sanatçılara eserlerinde yardımcı olan bir işçinin büyük ilgisini yansıtıyordu. Sergo Ordzhonikidze'nin girişimiyle düzenlenen ve 18. Parti Kongresi günlerinde açılan sergi, geniş ölçüde Sovyet Ülkesinin yaşamını kapsıyordu. Burada yaklaşık 340'ı grafik bölümünde (hiciv hariç) olmak üzere 1000'den fazla eser sergilendi. Bu levhaların çok azı büyük maharetli eserlerdi, pek azı günümüze kadar gelebilmiştir. Ama onların getirdikleri, sanatçıların hayattayken -yeni binaların iskelelerinde, fabrikanın atölyelerinde- gördükleri yeni temalar, grafik sanatı için büyük bir kazanımdı. Solikamsk potas madenlerinde dneprostroy ve çalışma, bir metro inşaatı ve Kuzey Kutbu'nun gelişimi, taygada altın madenciliği ve bir madencinin emeği - bu konuların dünyanın kısır döngüsünden ne kadar farklı olduğu. şövale grafikleri daha önce sınırlıydı, antik çağa ne kadar az bağlılık, temel retrospektivizm! Burada hâlâ çok sayıda endüstriyel manzara vardı. Ama bunların yanında emek sahneleri de çıkıyor; fabrikada, tarlada, laboratuvarda, madende çalışan bir insan ilk kez grafik işlerin kahramanı olur. Sanatçılar hala iç dünyasını iyi tanımıyorlar, ilk başta sadece kendilerini iyi hissediyorlar ve işyerindeki kendine güvenen alışkanlığını, profesyonel hareketlerin plastisitesini aktarabiliyorlar. Bu nedenle çizimlerdeki emek hareketi, yüzdeki ifadeden daha inandırıcıdır ve bazı iyi işler, karakterlerin dış kabalıkları tarafından bozulur.

Örneğin sanatçı A. Samokhvalov (d. 1894), bir dizi suluboyada "Metrostroy Kızları" nın canlılığını ve iyimserliğini iyi gösterdi, ancak aynı zamanda kabalıklarını da vurguladı. Böyle bir vurgu, deyim yerindeyse, Samokhvalov'un kadın kahramanları hakkındaki bilgimize bir sınır koyar ve eserini, her ne kadar tonunda, atmosferinde, hayatta doğru görülen özellikler olsa da, yoksullaştırır. İşçi adamı, S. M. Shor (d. 1897) "Donbass'ın Eski ve Yeni Nitelikleri" (1936; ill. 10) serisinden "Keçi Kız" tarafından suluboyada daha düşünceli bir şekilde karakterize edilir. Burada zeki ve enerjik bir kadın imajı yaratılır, manevi deposu, ahlaki gücü hassas bir şekilde tahmin edilir. S. Shor'un, çoğunlukla gravür tekniğinde gerçekleştirdiği bir grafik portre ustası haline gelmesi boşuna değildir.

Savaş öncesi yıllarda, I. A. Lukomsky (1906 doğumlu) tarafından işçilere adanmış sayfalar ortaya çıktı. "İşçi" (1941; ill. 11) adlı sepya çiziminde vurgu, bireysel-karakteristikten tipik olana aktarılır, altı çizili, yakın çekim gibi. İçsel özgürlük, kişinin işinden duyduğu gurur işçinin yüzünde okunabilir.

1930'larda, grafik için önemli bir olay, parti tarihi için bir illüstrasyon sergisinin hazırlanmasıydı. Birçok sanatçının ilgisini tarihi konulara yöneltti, devletimizin kat ettiği yolu yeniden düşünmelerini sağladı. Tarihsel-devrimci tema, hayatına 1920'lerin başında grafiklerde başladı. Bununla birlikte, o zamanlar bunlar yalnızca ayrı eserlerdi, çoğunlukla gravürlerdi ve genellikle soyut dekoratiflik ve şematizm hala gravür tekniğinin ayrılmaz bir parçası olarak düşünülürdü. Daha sonra, 1927'de, bu eserlerin tam tersi olarak, Ukraynalı sanatçı V.I. V. I. Kasiyan (1896 doğumlu) - Prag Güzel Sanatlar Akademisi'nde eğitim görmüş Batı Ukrayna vatandaşı - bir ruh arayan bir sanatçı, parlak bir mizaç. Listesi parlak, duygusal, ancak bu yılların programında hala yalnız kalıyor.

Yukarıda bahsedilen sergi için yaratılan eserlerin çoğu, açıklayıcı bir karakterden ziyade bir şövale kazandı. 1941'de savaştan önce açılan sergiye "Sovyet Grafiklerinin Yeni Eserleri Sergisi" adı verildi ve bir dizi iyi eser içeriyordu. Birçoğu kitap grafiklerinin ustalarına aitti. İllüstratörler, o zamanlar sanatlarının yeni ve çarpıcı başarıları olan görüntülerin psikolojik doğasını ve tarihsel durumun doğruluğunu şövale çizimi alanına getirdiler. Kukryniksy - "Barikatlarda", "Udd adasında Chkalov", "Politik liderler", Kibrik - "Khalturin ve Obnorsky", Shmarinov "Bauman'ın cenazesi" ve diğerleri sanatçı kolektifinin sayfaları bunlardı.

1920'lerde ve 1930'larda grafik sanatçılarının tarihi konulara olan ilgilerinin edebiyatla ilgili başka bir yönü daha vardı.

Puşkin ve Lermontov'un ilham verici görüntüleri, uzun yıllar sanatçıların yaratıcı ilgisini çekti. N. P. Ulyanov (1875 - 1949), Puşkin serisine çok çalıştı. Eski neslin en büyük Sovyet ressamlarından biri, V. A. Serov'un yakın bir öğrencisi olan Ulyanov, bir tiyatro sanatçısı olduğu kadar tarihi resim ve portre ustasıydı.

Ulyanov'un çizimleri, büyük şairin hayatının çeşitli dönemlerini anlatıyor - lise günlerinden son trajik aylara; değişen derecelerde tamamlandılar - bazıları daha büyük, diğerleri yoğun ve bitmemiş aramaların sayfaları gibi eskizlere benziyor, ancak hepsinde sanatçı için asıl şey Puşkin'in ruhunun ateşli hayatı. En iyilerinden biri, "Puşkin ve karısı bir mahkeme balosunda aynanın önünde" resmiyle bağlantılı olarak yapılan bir çizimdir. Puşkin'in gururlu, güzel görüntüsü burada Serov'un ilham veren çiziminin özlü çizgilerinde ortaya çıkıyor.

Puşkin'in teması, grafiklerde başka bir yorum alıyor - unutulmaz yerlerin manzarasında. Sanatçı L. S. Khizhinsky (1896 doğumlu) bu türde sahne alıyor. Puşkin ve Lermontov'un yerlerini betimleyen, büyük bir ustalıkla yaptığı mücevher gravürlerinde, belgesel doğruluğu ve duygusal şiirsel başlangıcın zor bir kombinasyonunu başarır. Bu kombinasyon olmadan, her zaman ince alt metinler, bireysel çağrışımlar üzerine inşa edilen anıtsal peyzajın başarısı imkansızdır.

1930'larda, grafiklerin gelişimindeki yeni anlar çok güçlü bir şekilde hissedilir. Gördüğümüz gibi - sergi etkinliğiyle desteklenen! - büyük bir ölçek kazanan sanatçıların çalışmalarında sadece yeni yönlerden değil, aynı zamanda geleneksel portre ve manzara türlerinin yeni içeriğinde ve Birlik cumhuriyetlerinin sanatçılarının önemli eserlerinin görünümü. Böylece, yukarıda bahsedilen V. I. Kasiyan, bu yıllarda Shevchenko'ya adanmış ciddi düşüncelerle dolu gravürler yaratıyor. Sanatçı ayrıca, büyük kobzar üzerine daha sonraki çalışmasına, halkın mücadelesinin bölümlerinin arka planında kırılmamış öfkeli Shevchenko'yu tasvir ederek çok fazla manevi ateş koydu (resim 12).

Bu yılların en önemli eserleri arasında Ermeni usta M. Abegyan'ın manzara ve portreleri, Ukraynalı G. Pustovite tarafından Moldova'ya ithaf edilen taş baskılar, Gürcü sanatçı D. Kutateladze'nin S. Ordzhonikidze ve S. M. Kirov'u betimleyen anıtsal bir gravürü yer alıyor. Bu dönemde, ünlü Azerbaycanlı ressam A. Azimzade - bir karikatürist, ressam ve afiş sanatçısı - şövale grafikleri alanında en ilginç şeyleri yarattı. Geçmişin resimleri, bir dekoratif çizim dokunuşuyla, ayrıntılı bir şekilde orijinal bir şekilde sayfalarında yeniden üretilir. 1930'ların portre ve manzarasında yeni olan nedir? Bu türlerin eski samimiyeti ortadan kalkar ve ustaları hayata daha cesurca çıkar, yeni insanlar tanır, peyzaj çalışmalarının coğrafi kapsamını genişletir. İkincisi, yalnızca endüstrinin ustaları için değil, aynı zamanda sıradan manzara için de geçerlidir. Daha önce sadece Kafkas halklarının doğasını ve yaşamını yorulmadan inceleyen EE Lansere ve Ermenistan'ı resmeden Schillingovsky, manzaradaki yerleşik Moskova-Leningrad geleneğinden ayrıldıysa, şimdi bütün bir ustalar galaksisi eserlerini onun dışında yaratıyor. dar sınırlar. Sanatçılar, merkezi Rusya, Kuzey, Kırım, Kafkaslar ve Orta Asya'nın doğasını tasvir ediyor. Manzara, suluboya tekniğinin parlak bir uygulama alanı haline gelir. Grafik sanatçıları L. Bruni, A. Ostroumova-Lebedeva, ressamlar S. Gerasimov, A. Deineka, P. Konchalovsky, suluboya manzarasının gerçek çiçeklenmesine tanıklık ediyor. Yazarın dünya görüşünün etkinliği bu eserlerin yeni bir özelliğidir. Belki de, özellikle bu yıllarda yurtdışına giden sanatçıların manzaralarında özellikle net olarak görülebilir.

Örneğin, A. A. Deineka'nın (resim 13) Paris ve Roma manzaralarında, yabancı gerçekliğin karşıtlıklarına dair keskin bir görüş vardır. Sanatçı, devrim öncesi yabancı grafik serilerinde birden çok kez olduğu gibi, görkemli mimarinin ve heykellerin sakin çekiciliğine teslim olamaz; Bu güzel arka plana karşı gözü hem işsiz bir adam figürünü hem de kilisenin bakanlarının meşum, kendine güvenen figürlerini fark eder. Deineka'nın sayfaları gibi eserlerin çemberinde, Sovyet grafiklerinin özelliği olan gazetecilik tutkusu ve siyasi uzlaşmazlık doğar.

Bu nitelikler, Leningrader Yu. N. Petrov'un (1904 - 1944) "İspanyol Serisi" çizimlerinde de büyük bir güçle kendini gösterdi. Petrov'un serisi, o yıllarda hem karikatür ustaları hem de siyasi afiş sanatçıları tarafından aktif olarak yürütülen faşizme karşı mücadeleye şövale grafiklerinin bir katkısıydı. Bir ressam ve illüstratör olan Yu Petrov'un sanatı, büyük bir kültürün ve derin duyguların sanatıydı. Petrov, İspanya'da faşizme karşı verilen mücadelenin bir katılımcısıydı, bu ülkeyi, insanlarını, geçmişin büyük yazarlarını ve sanatçılarını tanıyor ve seviyordu ve bu sevgi ve saygı, çizimlerine yansıdı. İspanya, dağlık manzaraları, bombalarla yıkılan evleri, ölçülü, gururlu ve ateşli insanları - Halk Ordusunun askerleri, evlerini kaybetmiş kadınlar ve çocuklar, özlü, biraz hüzünlü ve cesur kompozisyonlarda yakalanıyor. Petrov'un serisinin bazı sayfaları eskiz gibi görünüyor, ancak yumuşak modelleme ile yumuşak çizim, formların ve peyzaj planlarının esnekliğini o kadar doğru bir şekilde ortaya koyuyor ki, o kadar titrek bir yaşam onları dolduruyor ki, her bir sayfanın büyük düşünceliliği somut hale geliyor. Bu seri hala programımızda en deneyimli ve samimi şeylerden biri olmaya devam ediyor. Yazarı daha sonra Büyük Vatanseverlik Savaşı sırasında askeri bir görevde öldü ve çok şey vaat eden sanatının zirvesine ulaşmak için zamanı yoktu.

1941'de başlayan Büyük Vatanseverlik Savaşı, her tür sanatın doğasını ve gelişim hızını önemli ölçüde değiştirdi. Ayrıca şövale grafiklerinde büyük değişikliklere neden oldu. Grafiklerin verimliliği, tekniklerinin karşılaştırmalı basitliği şimdi özellikle değerli nitelikler haline geldi. Ulusal yargılama saatinde söz sahibi olma ihtiyacı, önümüzdeki günün acısına ve kahramanlığına hızla cevap verme ihtiyacı, birçok sanatçıyı çizime, suluboya ve bazen de gravür yapmaya yöneltti. Şövale grafiklerinde artık tanınmış ustalarıyla birlikte bazı ressamlar ve çok başarılı bir şekilde çizerler çalışmaya başladı.

Savaşın ilk yılından itibaren posterler ve karikatürlerle birlikte şövale grafikleri en aktif sanat biçimlerinden biri haline geldi ve izleyicilerin kalbini derinden heyecanlandırdı. Çizim ve gravür ustaları, öfke ve ilhamdan doğan pek çok güzel şey yarattı. Bu eserler dizisinde, özel bir plastik beceri ile ayırt edilen ayrı zirveler vardır. Ancak genel askeri grafik seviyesi yüksektir. Sanatçılar çizimlerini hem Kızıl Ordu saflarında hem de kuşatılmış Leningrad'da, ağır bir geri çekilme dalgasının geçtiği şehirlerde, arkada, her şeyin cephenin görevlerine tabi olduğu arkada ve ülkemizin dışında yarattılar. faşizme karşı savaşın son döneminde. Grafikler, Anavatanımızın tarihindeki bu önemli dönemde, savaşın farklı yönlerini, yaşamın farklı yönlerini gösterdi - yorgun bir hemşirenin anlık düşüncesinden büyük bir savaşın panoramasına kadar. Aynı zamanda, sanatçıların figüratif düşünce deposu olan yeteneklerdeki farklılık da açıkça etkilenmiştir. Birinin eserlerinde, savaş, hayatta kalan ormanın beklenmedik güzelliğiyle, genellikle tatsız ve bazen göze çok hoş gelen uzun askeri yollar olarak görünür. Bir başkasının sayfalarında, aceleyle ama doğru bir şekilde çizilen bir dizi basit ordu hayatı sahnesinden geçiyor. Üçüncünün çizimlerinde, ölümle birden fazla kez karşılaşan bir savaşçı veya partizanın gözlerinin özel bir ifadesindedir. Savaş yıllarında çok canlı bir şekilde tezahür eden Sovyet halkının cesareti ve vatanseverliği, bu farklı eserlerde sanatçılar tarafından söylendi. Grafik eserler, tüm sanat dallarında en iyi şeyleri belirleyen savaşla keskinleşen Sovyet yaşamımızın güzelliğinin o özel duygusuyla doludur.

Grafiklerin karakteristik bir özelliği, çok sayıda eskizin ortaya çıkmasıydı. Sanatçılar bazen onları en zor savaş durumunda gerçekleştirdiler, insanlara savaşı daha doğru ve daha eksiksiz anlatmaya, gelecekteki kompozisyonlar için malzeme toplamaya çalıştılar. Moskova grafik sanatçısı P. Ya. Kirpichev, Sovyetler Birliği Kahramanı S. Borzenko'nun "Frontline Diary" adlı çizim albümünün önsözünde şöyle yazıyor: "Birbiri ardına, savaşın taze izlerine çizilen resimler geçiyor, geçiyor sanatçının olaylar sırasında onları gördüğü gibi... Hiçbir tehlike ve zorluk onu durdurmadı.Mayın tarlaları arasından seçilen nesnelere doğru yol aldı ve sabahtan akşama kadar orada çalıştı, anı kaçırmaktan korkarak, yangınlardan korkarak dışarı çıkar ve kupa ekipleri enkaz halindeki silahları ve tankları alıp götürürdü." Sanatçının ön cephedeki bu tasviri çok karakteristiktir, çünkü tıpkı Kirpichev gibi savaş sırasında pek çok şövale grafik sanatçısı çalışmıştır. Eskizler, sanatımızın tamamıyla yayımlanmak bir yana, en değerli kaynağını oluşturmaktadır. Yazarları N. A. Avvakums, O. G. Vereisky, M. G. Deregus, U. M. Dzhaparidze, N. N. Zhukov, P. Ya. EK Okas, U. Tansykbaev, SS Uranova ve diğerleri, zor bir askeri günlük yaşam öyküsü, bir adam hakkında bir şiir yarattı. savaş, vatanını faşizme karşı savunmak.

Eskizleri ayırt eden akıcılığa rağmen, zaten her sanatçının yeteneğinin özelliklerini gösteriyorlar - ve sadece çizim ustası değil, aynı zamanda ona en çok dokunan belirli bir fenomen yelpazesi.

Böylece, örneğin, AV Kokorin (1908 doğumlu), aniden gördüğü pitoresk bir sahnenin yanından asla geçmeyecek, grafik günlüğüne hem bir tabancaya asılan eyeri hem de altından çıkmış kırık bir kamyonu üç üzerine çizecek. Onu tamir eden askerlerin botlarının yanında ve tarlada bir dikiş makinesinde sakince bir şeyler diken bir konvoy savaşçısı ve büyük bir sırt çantası olan bir rahip figürü bir Sovyet askeriyle konuşuyor. İnsanların görünüşünün genel karakteristiği Kokorin tarafından doğru bir şekilde yakalanır ve basit sahnelerinin arkasında her zaman hafif bir gülümseme, kahramanlarınız için sevgi hissedersiniz. Kokorin'in bir mimari peyzaj ustası olarak deneyimi, kentin görünümünü, mimarisinin ana hatlarını ve sokak yaşamını - sanatçının post-artında geliştirilen nitelikleri - bu eskizlerde biriktirdi. savaş Hint çizimleri.

Sıcaklık ve lirizm, D. K. Mochalsky'nin eskizlerini ve çizimlerini ayırt eder. Bunun için en uygun olmayan durumda bile, savaşın son aşamasında doğrudan Berlin'e giden cephe yollarının koşuşturmacasında veya zaten Berlin'de - birliklerimizin yeni aldığı faşizmin kalesi - Almanya'nın sıcaklığı. hayat, neşeli ışını, nazik bir görünümde, kesinlikle bebek arabası olan bir kadına sabitlenmiş bir savaşçı görünümünde Mochalsky kız trafik kontrolörlerinin çarşaflarında yanıp sönecektir.

N. N. Zhukov (1908 doğumlu), askeri eskizlerde bir insanda çok şey görebilen fizyognomist bir sanatçı olarak ortaya çıkıyor. Bir kişinin iç dünyasına olan sürekli ilgi, çizimlerinin en görünüşte üstünkörü bile anlamlı hale getirir. Peyzajlarında manzaralar, asker çizimleri, tür sahneleri değişiyor. Zhukov'un herhangi bir dış gösterişten yoksun karakalem tarzı, sanki bu sanatçının doğayla meşguliyetini, ona yaklaşımının düşünceliliğini yansıtıyor. Zhukov'un eserleri, savaştan önce bile, K. Marx'ın biyografisi için bir dizi çizimi tamamlayarak ün kazandı. Daha sonra, Zhukov bu sorumlu konudaki çalışmalarını bırakmadı. "V.I. Lenin" adlı bir dizi çizimin yaratılmasına çok fazla yatırım yaptı. En başarılı sayfaları, bir tür portre çalışması şeklinde, diğerlerinin zincirinde kısa bir anı sabitleyen hafif bir eskiz şeklinde çözülür. Ancak, askeri eskizlerin oluşturulması sırasında, sanatçının gözlemi ve hızlı bir eskizdeki becerisi güçlendirildi, bu da daha sonra onun için yararlı oldu - hem izleyiciler arasında popüler olan çocuklara adanmış geniş bir çizim serisinde hem de portrelerde. Her şeyden önce, savaş zamanı deneyimi, Zhukov tarafından savaştan kısa bir süre sonra yaratılan B. Polevoy'un "Gerçek Bir Adamın Hikayesi" çizimlerine yansıdı.

Askeri çalışma deneyiminin diğer sanatçıların açıklayıcı çalışmalarında rol oynadığı söylenmelidir. Bu deneyim, O. G. Vereisky'nin A. Tvardovsky tarafından "Vasily Terkin" için çizimler oluşturmasına yardımcı oldu, uzun süre daha sonra "Sivastopol Masalları" L. N. Tolstoy'un illüstratörü olan A. V. Kokorin'i askeri temaya getirdi. A. P. Livanov'un savaştan kısa bir süre sonra yarattığı "Partizanlar" dizisinden D. A. Furmanov'un "Chapaev" ini resmetme yolu da mantıklıydı.

Savaş yıllarının grafiklerinin bir başka karakteristik özelliği, sanatçıların bir dizi, yani tek bir kavram ve yürütme biçimi ile birleştirilen bir dizi levha biçimine hitap etmesiydi. Serinin daha önce sanatçılar tarafından yapıldığını görebiliyorduk, ancak savaş yıllarında grafikte önde gelen fenomen haline geldiler. Bir dizi, ancak izleyici her sayfasında yeni bir şey öğrendiğinde, sanatçı izlenimlerini yönlendirdiğinde, sayfaları belirli bir şekilde değiştirdiğinde, yani diziye net bir kompozisyon verdiğinde iyidir. Ayrı bir sanat eserini incelerken her zaman “kompozisyon” kavramıyla karşılaşırız. Ancak gerçekte, aralarında çeşitli bağlantıların olduğu sayfalarının değişiminin dahili bir düzenliliği olarak bütün bir grafik serisinin bir bileşimi de vardır. Sanatçı, serinin kompozisyonunu net bir şekilde inşa ederek, onda büyük bir ifadenin yeni bir yolunu bulur. Dizinin yazarı esasen çok heceli, çok yönlü, her sayfası kulağa eksiksiz ve güçlü gelmesi gereken ve aynı zamanda tek bir nefesle yaratılmış bütünün ayrılmaz bir parçası olması gereken bir eser ortaya koyuyor. Tabii ki, bu görev kolay değil. Ve çoğu zaman, sanatçının bir dizi dediği sayfaların toplamı, özünde bir dizi değildir.

Serinin bileşimi farklıdır. Böylece, levhaların zıt bir yan yana dizilişi üzerine veya tam tersine, eşit, aynı ses üzerine bir dizi oluşturulabilir. Başka bir durumda, yazar, duygusal gerilimini kademeli olarak artırarak, bir veya daha fazla sayfada bir tür eylem ve duygu doruk noktası yaratarak ve bir sonla kapatarak seri hikayesine başlayabilir.

Örneğin, 1946'da şair N.S. Tikhonov'un metniyle yayınlanan A.F. Pakhomov "Abluka ve kurtuluş günlerinde Leningrad" tarafından geniş bir litografi döngüsü bu şekilde düzenlendi. Bu döngü, N. A. Nekrasov ve I. S. Turgenev'in eserlerine yaptığı illüstrasyonlarla tanınan, çocuk kitapları ustası A. F. Pakhomov'un (1900 doğumlu) şövale grafiklerindeki ilk büyük performansıydı. Pakhomov'un taşbaskıları görgü tanığıdır ve büyük bir insan dayanışması ve cesaretinin ışığıyla gördüğümüzün gerçeğiyle bize dokunur.

Seri, "Halkın Milislerini Görmek" sayfasıyla açılıyor, Bizi hemen bir endişe atmosferine, rahatsız edici mutlu bir hayatın karmaşasına götürüyor. Ayrıca olaylar hızla gelişir, şehrin hayatı değişir, bombardıman ve bombalama şehrin ayrılmaz bir parçası haline gelir. Leningraders sokaklara sığınaklar inşa ediyor, çatılarda alarm sırasında görev başında, yaralıları yıkılan evlerden kurtarıyor. Bütün bunlar, bir hikaye gibi ayrıntılı, ancak iç gerilimle dolu, hızlı bir şekilde birbirinin yerine geçen litografilerde gösterilir. Onlarda zaman sıkıştırılmış ve doymuş, insanlar bir dakika kaybetmeden hareket ediyor, düşmanla cesurca savaşıyor.

Albümün bir sonraki sayfası - "On the Neva for Water" (resim 14) bizi bu bölümlerin hızlı ritminden çıkarıyor. Burada zaman yavaş akıyor - bu, Leningrad ablukasının soğuk ve aç günlerinin ağır basamağı. Dayanılmaz derecede ağır bir kovaya sahip bir kız, merdivenlerden yavaşça yukarı çıkıyor. Bu kahraman Pakhomov, yalnızca dizinin değil, tüm askeri grafiklerin en güçlü görüntülerinden biridir. İzleyicinin bakışı her şeyden önce kızın yüzünde durur - litografinin kompozisyonu bu şekilde oluşturulur, bu yüzün olağanüstü ifadesi böyle dikte eder. Sanatçı yüz ifadelerini ayrıntılı olarak geliştirdi - derin yorgunluğu ifade eden koyu gözler daha ince bir yüzde özellikle büyük görünüyor, çatık kaşlar keskin bir hareketle bir araya geliyor, yarı açık bir ağzın kansız dudakları o kadar solgun ki neredeyse göze çarpmıyorlar. Yüzünde ve sanatçı, hatlarıyla konturu hafifçe çiziyor. Görünüşe göre bu kızın imajı, yorgunluğun ve ıstırabın somutlaşmışı olacak. Fakat onda en dikkat çekici olan şey, fiziksel yorgunluk ve bitkinliğin bu özelliklerinin ruhsal sertlikle birleşimidir.

Pakhomov'un kahramanının kararlılığı, itaatsizliği, manevi yaşamının birçok yönünün, içsel niteliklerinin en karmaşık birleşimidir ve aynı zamanda bu, diğerlerine üstün gelen ana kalitesidir. Burada, Pakhomov'un alışılmış sadeliği ve görüntünün ustaca netliği ile birlikte, çok yönlülüğü ve derinliği doğar. Pakhomov her zaman özellikle çocuk resimlerine yakındır. Ve bu litografide, bir kızın bir su ısıtıcısından nasıl su döktüğünü göstererek çok şey anlatmayı başardı; onun için bu tamamen içine düştüğü bir mesele - hem bir gereklilik hem de bir oyun. Bu kombinasyonda sızlayan bir acı var, içinde gündelik hayatın ortasında keskin trajedi notalarıyla gerçek bir abluka hayatı var. Nehrin karlı genişliği, dondurucu şeffaf kış havası litografilerde iyi aktarılır. Bu sayfanın yanı sıra bir sonraki çizim "Hastaneye" - en güçlü, duygu dolu. Sanki dizinin doruk noktasını oluşturuyorlar. Ayrıca, sanatçının hikayesi daha sakin bir şekilde yürütülür ve olayların hızına göre sayfaları daha parlak ve daha neşeli hale gelir: "Krovelolitsy", "Yılbaşı Gecesi" ve diğerleri. Seri, mantıklı bir şekilde, 27 Ocak 1944'te, şehrin ablukasının Sovyet Ordusu tarafından atılmasının onuruna, insanları çok derinden ve sevinçle heyecanlandıran, bir dizi anı ve umut uyandıran bir havai fişek resmiyle sona eriyor. Havai fişeklerin altında, insanlar farklı şekillerde sevinirler: hem gürültülü bir şekilde, bu anın parlak zaferine sonuna kadar teslim olur, hem de düşünceli, hafifçe hatıralara taşınır ve derinden, tüm kalpleriyle, çocuklarının güvenliğini hisseder. Heyecan ve neşe onları birleştirir ve yaprağın yakın kompozisyonu, bu sağlamlığı kendi gözleriyle görünür kılar.

Askeri Leningrad, diğer sanatçıların birçok eserine adanmıştır. Onlardan S. B. Yudovin (1892 - 1954) tarafından bir dizi linocut adını verelim. Pakhomov'un serilerinde litografi tekniğinin, sanatçının tasarladığı her resmi ayrıntılı olarak sunmasına, ayrıntılara inmesine, doğrusal inceliklerini kış manzarasının eriyen genişliklerinin pitoreskliği ile birleştirmesine nasıl izin verdiğini gördük. Yudovin'in serisi linocut'ta yapılır. Yudovin, duyguların şiddetlenmesi ile karakterize edilir, trajik notlar sayfalarında yetkili bir şekilde ses çıkarır. Ve sayfalarının tüm figüratif yapısı ve performans tarzı, olup bitenlerin trajedisinin bu duygusuna tabidir. Gravürlerinde ağır siyah renk ve karın soğuk parıltısı hüküm sürüyor. Şehrin dondurucu sessizliğinde insanlar zorlukla yürüyor, yükün ağırlığı altında, abluka dertlerinin yükü altında çömeliyor. Genellikle yukarıdan görünüyormuş gibi görünen figürleri karlı sokaklarda keskin bir şekilde göze çarpıyor. Köşeli bir desen, acımasız bir ışık, karanlığın içinden siennalar koparan; trajedinin çerçevesi haline gelen hayat - bunlar Yudovin'in gravürleri. İyimserlik eksikliği nedeniyle sanatçıyı sert doğruluklarından dolayı suçlamak boşuna. Yudovin'in yeteneğinin doğası, Leningraders'ın düşmanla mücadelesinin trajik yönlerini özel bir hassasiyetle ifade etmesine izin verdi.

Ancak, bir bütün olarak grafikler, Sovyet halkının başına gelen denemeleri tasvir ederken bile, dünyanın daha parlak bir görünümü ile karakterize edildi. Bunu zaten Pakhomov'un dizisinde görebiliyorduk ve D. A. Shmarinov'un bir dizi çizimiyle tanışarak bunun yeni bir teyidini bulacağız "Unutmayacağız, affetmeyeceğiz!" Shmarinov (d. 1907), 1930'larda Sovyet kitap illüstrasyonlarını büyük bir başarı haline getiren bu sanatçılardan biridir. Kiev'de Prakhov'un ve Moskova'da Kardovsky'nin sanat stüdyolarında iyi bir mesleki eğitim aldı. Bir psikoloğun yeteneği ve harika bir iç kültür, kitap çalışmalarını ayırt eder. Savaş yıllarında Shmarinov posterler ve şövale çizimleri yaptı. Dizi "Unutmayacağız, affetmeyeceğiz!" 1942'de kendisi tarafından kısa sürede idam edildi, ancak fikri savaşın ilk yılının tamamı boyunca oluşturuldu.

Sanatçının hikayesi baştan yavaş yavaş başlamaz - bizi hemen "İcra" çiziminin yüksek trajedisi ile şok eder. Savaşın denemelerinin ve sıkıntılarının resimleri birbiri ardına geliyor, ancak serinin ilk sayfasından ortaya çıkan Sovyet halkının cesaretinin parlak teması en acı sayfalarında bile kazanıyor. Bu döngünün en iyi çizimlerinden biri "İade" sayfasıdır (resim 15). Hayattaki binlerce Sovyet kolektif çiftçisi, sanatçı tarafından tasvir edilen kadının bulunduğu konuma aşinaydı. Shmarinov onu, harap olmuş, yıkılmış yerli evin görüntüsünün ilk kez gözlerini açtığı ve onu bir tür kederli ve öfkeli yansıma sersemliği içinde durmaya zorladığı anda boyadı. Derin ajitasyonu neredeyse hiçbir şeyde dışa vurulmaz. Bu, kendine bir duygu patlamasına, umutsuzluk anlarına izin vermeyen güçlü bir kişinin kısıtlamasıdır. Ve manzara burada izleyiciye ne kadar çok şey anlatıyor! Havanın şeffaf saflığı, güneşin yansımalarının parlaklığı ve çözülen toprak üzerinde kayan gölgeler - bu güzel erken ilkbahar resmi, sahnenin karmaşık alt metnine neşe getiriyor. Sayfa lirik bir hikaye gibi görünmeye başlar ve bu, Shmarinov'un yeteneğinin çok özelliğidir. Kömür ve siyah sulu boya ile yapılan Shmarinov'un çizimleri, çalışma sürecinde birçok aşamadan geçiyor. Ancak, sanki sanatçı tarafından yeni serilmiş gibi, vuruşların titrek canlılığını koruyarak, kuru dış bütünlükten mutlu bir şekilde kaçınırlar.

Serinin sadece son iki sayfasında - "Dönüş" ve "Toplantı" - Nazilerin görüntüsü yok ve neşe hala çok uzak olmasına rağmen, atmosfer daha hafif oluyor, kahramanlar daha kolay nefes alıyor. Olayları sanatçı tarafından özetlenen savaşın ilk yılının zorlu hayatı, ona dizinin kompozisyonunu önerdi - sayfalarının çoğunun amansız trajik gerilimi ve son çizimlerin parlak notları.

Savaş yıllarında, en eski Sovyet sanatçılarından biri olan ve büyük bir ahşap oyma ustası olan V. A. Favorsky (1886 doğumlu) da şövale grafiklerine yöneldi. Kariyeri boyunca en çok kitap illüstrasyonu dikkatini çekti. Ve şimdi Sovyet ve yabancı izleyiciler, her şeyden önce, "Igor'un Kampanyasının Hikayesi" için gravürlerinin uyumlu destansı dünyasına, "Boris Godunov" için resimlerin trajedisi ve derinliği, çok heceli, felsefi genellemelerle dolu ve bazen sert , bazen hayatın büyüleyici tonları, Puşkin'in "Küçük Trajediler" için bir dizi gravür. Ancak 1920'lerin sonunda, Favorsky ayrıca F. M. Dostoyevski'nin güzel bir portresini yarattı - elbette yazarın kitaplarıyla yakından ilişkili olmasına rağmen, tamamen bağımsız. Bu rahatsız edici yaprakta ışık ve gölge karşı karşıya; acılı düşüncelerin bir kasırgası tarafından boğulmuş bir adamın imajını titreyerek, güçlü bir şekilde şekillendirdi. Burada olağanüstü yoğunlukta bir ruhsal yaşamla karşılaşıyoruz, çelişkiler ve mücadelelerle dolu iç dünyayı tahmin ediyoruz. Serbest vuruş çeşitliliğinde, rengin akıllıca kullanımında büyük beceri hissedilir.

1940'larda Favorsky, "Minin ve Pozharsky", "Kutuzov" sayfalarını yarattı. Sanatçı, Anavatanımızın tarihinin şanlı sayfalarına yaptığı yaratıcı çağrıda yalnız değildi; savaş yıllarında doğal olarak ressamların ve grafik sanatçıların özel ilgisini çektiler. Aynı anda icra edilen Semerkant serisinde ritmik olarak ince linocutlar, gündelik hayatın gidişatı telaşsız bir zarafet ve vecizeyle tasvir ediliyor. Tüm sayfalarında önemli bir rol oynayan beyaz arka plan, silüetlerin zarafetini, basit ama düşünceli kompozisyonların müzikalliğini vurguluyor.

Sanatçı ve daha sonra bir kereden fazla şövale grafiklerine atıfta bulunur ("Uçan Kuşlar" sayfası, 1959; bkz. ön sayfa, vb.), ancak kitap illüstrasyonu onu ölçülemez ölçüde daha fazla meşgul eder.

Savaş zamanı grafiklerinde önemli bir yer L. V. Soyfertis'in (1911 doğumlu) eserlerine aittir. Soyfertis daha önce hiciv dergi grafikleri alanında çalıştı ve şimdi sık sık Krokodil dergisinin sayfalarında yer alıyor. Savaş yıllarında Sivastopol, Novorossiysk, Odessa'daki savaşlara katıldı. Soyfertis savaşta pek çok zor şeyi görme şansına sahipti, ölüm bir kereden fazla yanındaydı, ancak parlak ve hafif yeteneği bu öfkeli savaş sahnelerinden, trajedi ve ölümden değil, hayatın gülümsemesinden çıktı. bombardıman altında bile kendisi kalır. Tuhaf bir keskinlik, eğlence, onun tarafından tasvir edilen pozisyonları ayırt eder. Kuşatılmış Sivastopol'da bir denizci aceleyle cepheye koşar ve çocuklar - birlikte hızlanmak için - özenle ayakkabılarını parlatıyorlar. "Bir kez" bu sayfanın adıdır. Güneşli gökyüzünde şehir üzerinde bir hava savaşı var, kadınlar izliyor ve yaşlı kadın sakince bir şeyler dikiyor, kapıda bir sandalyede oturuyor. Gazete penceresindeki denizciler en son haberleri okuyorlar, yakın bir grupta duruyorlar, süngü tüfekleriyle kıllanıyorlar (resim 16), bomba hunisinde bir denizci ve bir fotoğrafçı var - parti belgesi için bir resim gerekiyor . Bütün bunlara açıkçası günlük bölümler denilebilir, ancak bu bir taş atımı ön cepheden kurulmuş bir hayat ve ilk bakışta en iddiasız, hatta komik, buradaki sahneler büyük bir cesaret nefesiyle yelpazeleniyor ve kahramanlık. Soyfertis'in çizimleri gerçek zarafetle ayırt edilir. Ve Favorsky'nin "Semerkant Serisi"nde linocutların kovalanan çizgileri ve silüetleri zarifse, Soyfertis'in zarif ve güzel ışığı, kontur çiziminin dikkatsiz çizgileri gibi kırılgan ve canlı, nefes alan, hafif renkli şeffaf suluboya dolgusu.

Soyfertis, 1950'lerin çizimlerinde, kısacık bir gülümseme ve insanlara büyük sempati besleyen bir sanatçı olmaya devam ediyor. "Metro" dizisi - Moskova yeraltı saraylarının koşuşturmacasında fark edilen bir dizi tür sahnesi ve çocuklara adanmış çizimler ve gravürler, hala bir kişiye zorlu bir ilgiyle aydınlatılan şaşırtıcı bir şekilde dikkatli bir şekilde görülüyor. Kimi zaman dokunaklı ve komik, kimi zaman alaycı ve hatta biraz grotesk, karşılaştırmalarda keskinlik kazanan bu sayfalar, bize her zaman hayatın bazı yeni özelliklerini, günlük hayatın olağan akışında yeni bir şey ortaya koyuyor.

Savaş yıllarında biriken büyük malzeme, sanatçıların arşivlerine kolayca sığmadı. Birçoğu savaşın bitiminden sonra askeri konularda çalışmaya devam etti. Özellikle ilk barışçıl yılların sergilerinde savaşla ilgili birçok çizim ve gravür gösterildi. Aynı zamanda, grafik çalışmaları, bir taslak ve bir eskizden bir şövale yaprağına ve bütün bir grafik serisine giden yol boyunca, bilgilerini ve görsel izlenimlerini genelleştirme yolunda doğal olarak ilerledi. Böylece, askeri eskizlerinin malzemelerine dayanan birkaç dizi litografi, 1946 - 1950'de sanatçı V.V. Bogatkin (1922 doğumlu) tarafından yapıldı. Savaş yıllarında Bogatkin yaratıcı çalışmalarına yeni başlıyordu. Çok resim yaptı; Tisza kıyısında (1945) genç bir askeri betimleyen çizimlerinden biri önemli bir ün kazandı. Ancak çalışmasının ana alanı manzaraydı. Kuşatılmış Leningrad'ın ıssız sokaklarının sessizliği, faşizmin çöküş günlerinde karanlık Moskova, Berlin, sokaklarında kırık ekipman dağları, Brandenburg Kapısı'ndaki Sovyet tankları Bogatkin tarafından litografilerinde yakalanır. Yıllar geçtikçe, savaşın sıcak takibinde yaratılan bu sayfalarda yer alan gördüklerimizin doğruluğu bizim tarafımızdan giderek daha fazla takdir edilmektedir.

1940'ların sonlarında ve 1950'lerin başlarında, şövale grafiklerinin gelişiminin resmi karmaşıktı ve birçok yönden çelişkiliydi. Sanatçılar, hayatımızın bazı çok önemli yönlerini fark etmeyi ve aktarmayı ve hepsinden önemlisi, savaştan geçen bir adamı, işe dönüşünün sevincini, yaratma için tutkulu bir susuzluğu göstermeyi başardılar. Bu, özellikle kolektif çiftlik emeğine ayrılmış bazı çalışmalarda belirgindi; Anavatanımızın barışçıl alanlarının güzelliği, onlarda yeni edinilmiş, fethedilmiş bir mülk olarak hissedildi. Aynı zamanda, Sovyet halkını ve çalışmalarını betimleyen çizimlerin akışında, illüstrasyonun özellikleri, düşünce ve duyguların yoksulluğu açıkça yansıtıldı. Düzyazı belgesel, bu eserlerdeki birçok sanatçının hayatımızın şiirsel bir genellemesi düzeyine yükselmesini engelledi. Tarihsel ve devrimci temalar üzerine birçok çizim ve gravür ortaya çıktı, sanatçılar güçlerini ve yeteneklerini yarattıklarına verdi, ancak kişilik kültünün etkisi özellikle onlar üzerinde zordu. Sanatçıların büyük ideolojik zenginlikte eserler yaratmalarını engelledi, bazı eserlerde tarihin yaratıcısı olarak insanların rolünün yanlış bir şekilde ele alınmasına yol açtı.

Bu yılların grafikleri teknik anlamda tek taraflı olarak gelişti. Pek çok grafik tekniği neredeyse hiç kullanılmadı, mürekkeple çizim, karakalem ve siyah sulu boya galip geldi. Sadece manzara alanında gerçek suluboya resim ve bazı gravür türleri oldukça yaygındı. Ancak çeşitli teknikler, manzarada genellikle şeylerin içsel pasifliği ile bir arada var oldu.

Öte yandan, bu yıllarda büyük sanatsal değere sahip eserler de yaratıldı. Böylece, bu dönemde, şimdi Sovyet grafiklerinin önde gelen ustalarından biri olan B. I. Prorokov'un özgün ve güçlü yeteneği oluştu. Prorokov'un çalışması, savaş yıllarıyla, sanatçının o sırada gördükleri ve yaşadıklarıyla hayati bir şekilde bağlantılıdır. Ancak Prorokov, tüm bu yıllar boyunca kalbinin savaşa olan hatırasıyla geri dönmekle kalmadı, sanatıyla dünya hakkında en gerekli kelimeleri söylemeyi başardı.

B. I. Prorokov, 1911'de İvanovo-Voznesensk'te doğdu. Çizim konusundaki yeteneği lisede kendini gösterdi. Komsomolskaya Pravda gazetesinin yarışmasına gönderilen okul çizimleri birincilik ödülüne layık görüldü. Bu, yazara Yüksek Sanat ve Teknik Enstitüsü'ne (Vkutein) bir bilet alma hakkı verdi. Ancak, orada okumak Prorokov'a çok az şey verdi ve iki yıldan az sürdü. Prorokov için yalnızca litografi dersi veren en büyük siyasi grafik ustası D. S. Moor'un tavsiyesi çok değerliydi. Özel bir eğitim almamış olan Prorokov, Komsomolskaya Pravda'da ve daha sonra Krokodil dergisinde işyerinde iyi bir politik ve sanatsal okuldan geçti. Gazeteden verilen görevlerde, bir gazeteci olarak ülke çapında çok seyahat etti, herhangi bir görevi hızlı bir şekilde tamamlamak için gelecekte kullanmak üzere çok sayıda eskiz yapmayı öğrendi. Prorokov'un savaş öncesi çalışmalarının çoğu yerel ve uluslararası konularda karikatürlerdir. Yine kendisi tarafından yürütülen ayrı afişler ve özellikle faşizmin hayvani anti-hümanist doğasını açığa çıkaran bir sayfa, gelecekteki çalışmalarının gazetecilik yoğunluğunu, tutkusunu ve keskinliğini şimdiden haber veriyordu.

Savaşın ilk aylarından itibaren Prorokov, düşman kuşatmasına kahramanca dayanan Hanko Yarımadası garnizonunun gazetesinde çalıştı.

“Bazen bir sanat insanının başarısı hakkında bir askerin veya komutanın başarısı hakkında olduğu kadar yüksek sesle konuşmaktan, bir yazar veya sanatçı savaşta öldürülen komutanın yerini alıp yükseklerin savunmasına öncülük edene kadar utanırız” diye yazdı. “Ganguttsy” Vl. Rudny hikayesinde bunu anlatan savunmaya katılan Hanko - Ve Gangut denizcilerinin sağlam bir mücadelesini hayal edemiyorum * ( * Gangut yarımadasına Hanko, I. Peter zamanında denilmiştir.) kırk birinci yılda, kehanet kahkahası ve hiciv olmadan, günlük resimli feuilletonları, gravürleri, portreleri olmadan, linolyum üzerindeki klişeler için çinko eksikliği nedeniyle oyulmuş, savaşın yıktığı evlerde zeminden yırtılmış. "Sanatçı Hanko'yu terk etti. denizcilerin son müfrezeleriyle. Kronstadt ve Leningrad abluka altında, Novorossiysk yakınlarındaki Malaya Zemlya, Berlin ve Port Arthur - bunlar onun askeri yolunun kilometre taşları. Ve her yerde, en zor koşullarda bile ve en ön planda sanatçı çok resim yaptı.

Prorokov'un savaş sonrası ilk dizisi "In Kuomintang China", onun tarafından Japon militaristlerinin yenilgisinden hemen sonra Uzak Doğu'da gördükleri temelinde yaratıldı. Hacmi küçük olan kitap, hala sömürge baskısını yaşayan ve ulusal kurtuluşları için savaşan Çin halkının yaşamının bazı özelliklerini özetliyor. Ancak yazarın hayata karşı tutumunun tutkusu burada zaten tam olarak yansıtılıyor. Sanatçı sempatiyle, nefret ve alay ile basit, mütevazı ve cesur bir genç adam olan Çinli bir partizan çizer - insanlık dışı çekçek yarışları düzenleyen zarif Amerikalılar; Bize öyle geliyor ki, hem bir mitingdeki çılgın bir hatipin çılgınlığını hem de bir arabanın kavurucu güneşin altında çömelmiş bir çekçek'in ağır yorgunluğunu paylaşıyor. Prorokov'un sonraki eserlerinde yazarının sesini, her zaman sıcak öfkesini veya sevgisini hissedeceğiz ve bu nedenle eserleri bizi özel bir güçle ele geçirecek.

Sonraki çizim döngülerinde "İşte, Amerika!" ve "Barış için!" yayıncı Prorokov'un sesi güçlendi. Çarşaflarındaki yaşam, emperyalizmin politik teşhirinin öfkeli gücünü kazanıyor. "Saldırganların Aşağıya Tankları" çiziminde, heyecan verici acıklı bir görüntüdeki sanatçı, işçilerin barış iradesini, dayanışmalarının gücünü gösteriyor. Bir öfke dalgası zincirsiz güçler, suya bir tank boşaltan yekpare bir grup insanı topladı. Yaprak, kompozisyonda özlüdür, mücadele pathosuyla doludur; büyük bir artışa kolayca direniyor ve ülkemizin dışındaki barış destekçileri bir kereden fazla gösterilerde afiş olarak taşıdı. Seri "İşte, Amerika!" Prorokov tarafından Amerika hakkında bir broşür ve deneme kitabı için bir örnek olarak yapıldı. Ama esasen bir şövale döngüsüne dönüştü - sayfalarının içeriği çok bağımsız, anlaşılır ve metinsiz. Aynı şekilde, Prorokov'un daha sonra "Amerika'da Mayakovski" kitabı için yaptığı illüstrasyonlar şövale özellikleri kazandı. Prorokov'un eserlerinde Mayakovski'ye yapılan itiraz son derece mantıklıydı. Sanatçı, Mayakovski'nin şiirlerinin tutkulu baskısına ve onların karakteristik öfke ve alaycılık değişimlerine, cesur alegorik imgelere ve fenomenlerin zorunlu politik değerlendirmesine çok yakındır.

Prorokov, savaştan sonra yaptığı tüm çalışmalarında, barış için savaşır, emperyalizmi, sömürge politikasının insanlık dışılığını, militarist tasarımlarını ortaya çıkarır. Ancak sanatçının dünya için en güçlü konuşması, ölen savaşların ardından ilk kez kalpten ayrılmayan askeri vizyonlara dokunduğu "Bir daha olmamalı!" dizisiydi.

Dizisinde iki zıt ruh hali vurgulanıyor: birinde - "Hiroşima" - mahkum bir yüz, hala atom patlamasının cehenneminden bize bakıyor, diğerinde - genç bir anne, elinde bir silahla koruyor. yeryüzünde parlak bir yaşamı savunan bir çocuk. Bu iki sayfa arasında, tıpkı bir çerçeve gibi, savaşın bir dizi resmi var. Onlarda insanlar faşizmin getirdiği ölümle mücadele ediyor; ve ölüm saatinde düşmanı hor görürler, tıpkı genç bir kadının gözlerinde Babi Yar'ın kanlı bir görümünü taşıyan cellatları hor görmesi gibi (resim 17). Büyük gerilimi dağıtan hiçbir ayrıntı yok, her sayfa en yüksek anında alınan bir duygu, henüz sona ermemiş bir acı. Burada zorunlu sanatsal teknikler olarak keskin bir siluet ve yakın çekim seçilmiştir. Sadece büyük cesareti ve insanlara ateşli inancı olan bir sanatçı, bize geçmiş savaş hakkındaki acımasız gerçeği bu kadar şaşırtıcı bir güçle tekrarlayabilirdi. Acı, öfke ve ıstırap dolu sayfaları kayıtsız kimseyi bırakmaz. Çek komünist J. Fuchik'in vasiyeti "İnsanlar, uyanık olun!" bir Sovyet sanatçısı tarafından bu seride bizim için yankılanıyor.

V. I. Lenin'e adanan eserler arasında, kitap illüstrasyonunun en büyük ustası E. A. Kibrik'in (1906 doğumlu) çizimleri öne çıkıyor. Serinin ayrı sayfalarında, Lenin'in devrim yılındaki faaliyetleriyle ilgili materyalleri dikkatle inceleyen sanatçı, yalnızca dış benzerliğin ilk gerçeğine hakim olmakla kalmadı, aynı zamanda içsel karakterizasyonun derinliklerine doğru ilerledi.

"Yeraltındaki V. I. Lenin" (resim 18) sayfası, Petrograd'da yaşayan Lenin'in Geçici Hükümetin tazılarından saklanmak zorunda kaldığı 1917 Temmuz günlerini yeniden üretiyor. Sanatçının kendisi bu çizimin planını nasıl hayal etti? Ona göre burada, o günlerde partiyi proletarya diktatörlüğü mücadelesinde silahlandıran makalelerle her gün ortaya çıkan teorisyen, bilim adamı, düşünürü Lenin'e göstermek istedi; betimlenmesi gereken belirli bir anı sanatçı şöyle tanımladı: “... Lenin, doğası gereği, odanın her gün getirdiği ve en önemlilerini yakalamak zorunda olduğu devasa malzemeyi düşünerek odanın etrafında yürüdü. şey, partiyi Pravda'da başka bir makaleyle hedeflemek için gerekli olan şey.Bu ana şeyi bulduktan sonra, dünyadaki her şeyi hemen unutarak hızla masaya oturdu, işe daldı. Karakteristik olarak, Kibrik hareket halinde bir görüntü hayal eder ve diğerlerinin zincirinde tek bir an çizerek bir öncekini de hesaba katar. Küçük bir tek kişilik odanın sessizliği, büyük emeğin gerilimiyle doludur. Sanatçı, yüzünün yoğun ifadesi, hızlı yazan bir insan duruşu ile Levin'in işiyle olan meşguliyetini ve meşguliyetini aktarabilmiştir.

"Razliv'deki V. I. Lenin" resmi ruh halinde farklıdır: bir ajitasyona, kısıtlanmış bir dürtüye sahiptir. Lenin'in düşüncelerinin akışı çevreden uzaktır ve göl kenarındaki manzaranın genişliği de sanki sayfanın kapsamını genişletir. Yukarıda adı geçen kitapta Kibrik, bu kompozisyonlar üzerindeki çalışma sürecini detaylandırıyor ve çizimlerine aşina olan herkes bu sayfaları okumakla ilgilenecek,

1950'lerin ortalarında, modern zamanlarımızla ilgili güzel şeyler grafiklerde ortaya çıkıyor. Ressam, grafik sanatçısı ve tiyatro dekoratörü olan sanatçı Yu. I. Pimenov, geniş serisi "Moskova Bölgesi" ile bize parlak yaşam sevinciyle dolu koca bir dünya açtı. Pimenov, günlük yaşamın güzelliğini görme yeteneği olan nadir bir şiirsel günlük yaşam armağanına sahiptir. Sıradanlıkta fark edilen güzellik, her zaman özellikle yakın yollarını izleyicinin kalbine bulur. Banliyölerde sıcak bir günün ısıtılmış havası ve bir tahta kaldırımdaki bir kız figürü, yeni evlerin inşaat alanındaki ateşli işçiler ve Moskova'nın eteklerinde bir meydanda yağmurun parlaklığı - bunlar Pimenov'un çizimlerinin ve suluboyalarının basit çizimleridir. . "Bir tür ressamı için, bana öyle geliyor ki," diye yazmıştı, "en değerli buluntular, her gün sıradan, hayal edilmemiş, gerçek vakalarda, ülkenin büyük gerçeğinin ortaya çıktığı, görülen gerçek yaşam parçalarıdır." Zamanımızın aceleci çalışma ritmi, özel, enerjik ve iş gibi güzelliği sanatçının eserlerinde yaşıyor (bkz. kapağa). Belki de Pimenov'un görüntülerinin ve özellikle de sürekli kahramanlarının ana cazibesi - bir şantiyede çalışan, daireleri yenileyen, dikiş diken, ev işleri, aktivitede, aktivitede yatmaktadır. Suluboyalarının hafif, açık rengi, en sıradan görünen sahnelere ve şeylere bile şenlik verir. Sanatçı ayrıca siyah suluboya ve karakalem tekniğine büyük bir tablo güzelliği getiriyor. Ağaçlardan suya düşen gölgelerin derinliğini, erken ilkbaharın şeffaf soğuğu, istasyon platformunda yağmurun tazeliğini ve orman yolunun reçineli rahatlığını siyahın geçişleriyle aktarabiliyor. . Pimenov çok ayrılmaz bir sanatçıdır. Dünyaya bakış açısı, en sevdiği konuların çemberi, 1940'ların - 1950'lerin bir dizi resminde aynı kalır - tür sahneleri, natürmortlar, bu kadar basit ve şiirsel bir çağdaş hakkında ve grafiklerinde ve Düzyazıda bile - Moskova bölgesi hakkında, ateşli bir coşkuyla, hızlı, zarif ve kolay bir şekilde, gerçekten güzel, çok renkli görünümünde tamamen sanatsal bir yaşam vizyonuyla yazılmış bir kitapta.

Her gün doğan hareketli, yeni ve neşeli yaşam, daha sonraki dizisi "Yeni Mahalleler" de Pimenov'u yakalamak için acele ediyor.

1950'lerde bir kereden fazla yurtdışına seyahat eden Pimenov, bu gezilerin izlenimlerine veya doğrudan seyahatleri sırasında bir dizi küçük tuval ve eskiz yarattı. Burada da bakışı öncelikle güzelliğe âşık bir insanın bakışı olarak kalır; gazetecilik ona özgü değildir. Ancak bazı yabancı eserlerinin hüzünlü sözleri, istemeden de olsa, hayatımızın sıradan günlerine ve meselelerine ayrılmış sayfalarının tiz mutluluğuyla bir tezat gibi geliyor.

Pimenov'un yabancı eserleri programımızda yalnız değildi. 1950'ler ve sonrasında, ülkemizin uluslararası kültürel ilişkileri genişlediğinde ve birçok sanatçı dünyanın çeşitli ülkelerine seyahat ettiğinde, bu gezilerin izlenimlerinden yola çıkarak bir dizi dizi ortaya çıktı. Genellikle sokak hayatı sahneleri, manzaralar, bireysel portre sayfaları içeriyorlardı. Sanatçılar, doğanın pitoresk köşelerini, ünlü mimari ve heykel anıtlarını, yaşamın özelliklerini, gezilerde karşılaşılan insanları göstererek gördüklerini anlattılar. Zorla akıcılık, bu eserlerin çoğunu karakterize etti. Ancak seyahatlerin bir sonucu olarak, röportajın, taslaklığın yerini gerçek sanatsal genellemenin aldığı tamamlanmış diziler de oluşturuldu. Bu tür döngülerle tanışmaktan, izleyici yalnızca canlı turist izlenimleri zincirini değil, aynı zamanda belirli bir ülke ve estetik zevk hakkında yeni bilgiler de aldı.

Bunlardan biri 1957'de oluşturulan N. A. Ponomarev (d. 1918) "Kuzey Vietnam" dizisiydi. Sanatçının gördüğü bu ülkenin görüntüsü çekicilik ile doludur: gri-mavi bir yüksek gökyüzü, geniş sakin sular, pirinç tarlaları ve ufukta bir leylak zinciri zinciri, açıkça görülebilir veya inci gibi bir sis içinde erimektedir. . Günlük hayatın sakin, biraz dalgın şiiri bu sayfalarda yaşıyor. İnsanlar derin bir sempatiyle tasvir ediliyor - Vietnam'ın mütevazı çalışkan insanları - balıkçılar, madenciler, pazara giden kadınlar (resim 19), körfezden geçmeyi bekliyorlar. Hassas ve ince renklendirme, çizimlere anlamlılık kazandırır. Vietnam dizisi birçok yönden yazarı için bir dönüm noktasıydı. Sanatçı kariyerine Donbass'taki madencilere (1949-1950) adanmış karakalem ve siyah guaj çizimleriyle başladı. Çok fazla vicdanlılığa ve çalışmaya ve daha az yaratıcı ilhama sahiptiler. Vietnam'ı çizen sanatçı, çalışmasında sadece yeni şiirsel notlar değil, aynı zamanda guaj ve pastel karışık tekniğinin uyumunu ve dekoratifliğini görebilen bir renkçinin yeteneğini de keşfetti.

Yabancı izlenimlere dayanan dizilerden O. G. Vereisky'nin (d. 1915) eserleri de ilgi çekiciydi. Artık Sovyet yazarlarının kitaplarının önde gelen bir illüstratörü ve şövale grafik sanatçısı olan O. Vereisky, ilk sanat bilgisini babası G. S. Vereisky'ye borçludur. Ayrıca Leningrad Sanat Akademisi'nde okudu. Eşit özgürlükle, O. Vereisky, hem siyah sulu boya veya mürekkeple yapılan bir tonlu çizimin yumuşak pitoreskliğinde hem de kalemle net, kesin bir çizim tekniğinin parlak kontrastlarında ustalaşır. Son zamanlarda bazı gravür teknikleri ile ilgilenmeye başlayan sanatçı, Mısır, Suriye ve Lübnan gezileri sonucunda yaptığı bazı çizimlerini baskılarda tekrarladı. Bunların en iyilerinden biri "Yolda dinlenin. Suriye" (resim 20) adlı bir kağıttır. Renkli ve özlü kompozisyonda güzel, ancak asıl çekiciliği bir kadın imajında. Yüzün rafine güzelliği ve hafif hüznü, jestin ölçülü hassasiyeti ve kadının doğal zarafeti, sanatçı tarafından gerçek estetik zevkle yeniden üretilir. O. Vereisky'nin "Amerikan Dizisi"nin sayfaları da kesin gözlemlerle doludur ve o, Amerikan yaşamının yalnızca törensel yanını değil, aynı zamanda gölgeli, gündelik özelliklerini de görmüştür.

Bu ülke hakkındaki bilgimiz, aynı zamanda, keskin, biraz alaycı bir üslupla bir sanatçı olan V. Goryaev'in, Crocodile dergisine sürekli olarak katkıda bulunan illüstratör Mark Twain'in çizgisel eskizlerinde zarif kalem çizimleriyle de dolduruluyor.

Savaş sonrası grafikler, Birlik cumhuriyetlerinin sanatçılarının büyük başarıları ile karakterize edilir. Grafik sanatçılarından oluşan en güçlü ekipler artık Ukrayna, Estonya, Litvanya ve Letonya'da kuruldu. Bu cumhuriyetlerde hem çizim hem de suluboya kendi büyük sanatçılarına sahiptir ve baskıresim sanatı burada ve sonra, 1940'ların sonlarında ve 1950'lerin başlarında RSFSR'de düşüşteyken geliştirildi.

Ukraynalı şövale grafiklerine bir örnek olarak, M. Deregus'un "Ukrayna Halk Düşünceleri ve Şarkıları" serisinden alıntı yapılabilir. Çeşitli ruh halleri ve temalardan oluşan sayfalar da dahil olmak üzere geniş bir şekilde tasarlanan bu döngü, Ukrayna grafiklerinin olgunluğunu karakterize ediyor, ancak Deregus'un kendisinin - bir manzara ressamı ve mükemmel bir illüstratör - çalışmasında biraz farklı olmasına rağmen. "Marus Boguslavka'nın Düşüncesi" sayfasının hüznü ve umudu ve yalnızlığın trajedisi, "Azak'ın Üç Kardeşinin Düşüncesi" sayfasındaki insanlara aldatılmış inanç, kompozisyondaki günümüzün cesur şiiriyle değiştirildi " Partizanların Düşüncesi", Kovpak'ın merkezi imajıyla. Gravürlerini çelik işçilerine adayan genç Ukraynalı sanatçılar V. Panfilov ve tarihi ve devrimci temalar üzerine levhalar yaratan I. Selivanov, baskı resimde başarılı bir şekilde çalışıyorlar. Ukrayna grafikleri için tipik bir tür, genellikle gravür tekniklerinde yürütülen endüstriyel bir manzaradır. Ustaları V. Mironenko, A. Pashchenko, N. Rodzin ve diğerleri.

Baltık cumhuriyetlerinde manzara grafikleri çok çeşitlidir. Büyük bir çekiciliğe sahip, duygusal, güçlü bir oda lirik manzara akışı var. Yaratıcıları Estonyalı sanatçılar, gravür ustaları R. Kaljo, A. Keerend, L. Ennosaar, suluboya sanatçısı K. Burman (genç), Letonya - A. Junker, Litvanya - N. Kuzminskis ve diğerleri. Eserlerinde lirik yansımalar ve ruhu zenginleştiren doğa ile yakın iletişim vardır ve her seferinde kendi doğal alanlarının güzelliği, pitoresk antik Tallinn vb. yeni bir şekilde anlaşılır.

En eski Estonyalı ressam G. Reindorf'un çalışmasında, manzara görüntüleri daha felsefi bir renk kazanıyor. Savaş öncesi eserlerinin neredeyse tamamı Büyük Vatanseverlik Savaşı sırasında telef olduğu için, bu sanatçının uzun yaratıcı yolunu tam olarak hayal etmek artık bizim için zor. Ancak faaliyetinin savaş sonrası dönemi de verimli geçti. Reindorf, 1889'da St. Petersburg'da doğdu. Stieglitz Teknik Resim Okulu'ndan başarıyla mezun olduktan sonra yurtdışında bir iş gezisine çıkma hakkını aldı ve Fransa'ya gitti. Yabancı emeklilerin kısa dönemi Birinci Dünya Savaşı ile kesintiye uğradı. Memleketine dönen Reindorf, uygulamalı ve peyzaj grafikleri alanında çalışmakta ve öğretim faaliyetlerinde bulunmaktadır. 1940'lar - 1950'lerdeki ana yaratıcı ilgi alanları, manzara ve bir dereceye kadar kitap illüstrasyonu tarafından emildi. Bu yıllarda çalışmalarını ağırlıklı olarak çizimler şeklinde gerçekleştirir; daha önce sanatçı, etkileyici gravür sayfaları da yarattı. Görüntünün nesnel doğruluğu arzusu bazen Reindorf'un sayfalarının duygusal zenginliğine zarar verir, ancak en iyi eserlerinde bu iki ilke birleştirilir. Bu konudaki en karakteristik özellik, "Ağustos'un Sıcak Günlerinde" (1955) sayfalarıdır. Bir tür uyum, bu kırsal alanda yaşayan her şeyi birleştirir ve grafit kalemle virtüözik çizim tekniği, yapraklara ton zenginliği ve özel bir filigran uygulaması verir.

Baltık ülkelerinin grafiklerinde, fırtınalı, huzursuz insan duygularının pathosuyla doygun bir romantik manzara çizgisi de var. Letonyalı sanatçılar P. Upitis, O. Abelite'nin gravürlerinde, M. Ozoliņš'in ayrı sayfalarında, doğa görüntüleri, iç gerilimle dolu akut duygusallıkla renklendirilir.

Riga'da ikamet eden E. Anderson'ın gravürlerinde manzara, emeğin görkemli eyleminin ortaya çıktığı ortam haline geliyor.

Birçok Baltık sanatçısı hem manzara ressamı hem de tematik eserlerin yazarı olarak hareket eder ve bu onların eserlerini yalnızca zenginleştirir. Estonyalı sanatçı E. K. Okas'ın (d. 1915) çok yönlü çalışmasında, örneğin, manzara sayfaları, portreler ve tematik şeyler bulunabilir. Okas, Tallinn'de işçi sınıfı bir ailede doğdu ve orada okudu - önce Devlet Sanat ve Endüstri Okulu'nda, ardından Devlet Yüksek Sanat Okulu'nda. Büyük Vatanseverlik Savaşı sırasında cephe sanatçısı olarak çalıştı. Okas hem ressam hem de kitap illüstrasyonunun ustasıdır. Ama kitap sayfaları için yarattığı imgeler bazen on yıllar, yüzyıllarca bizden ayrılsa da, şövale eserlerinin kahramanları her zaman moderniteyi yaşar, onun hiç de dingin olmayan atmosferini solumaktadır. Modern dünyanın keskin sosyal çelişkileriyle karmaşıklığı duygusu, örneğin, Okas'ın temel olarak çeşitli gravür tekniklerinde gerçekleştirdiği Hollanda ve İtalyan dizi seyahat skeçlerinin sayfalarını dolduruyor. Keskin görüşlü ve kesinlikle doğru sözlü olan bu gravürler kulağa gerçek gazetecilik gibi geliyor. Litvanyalı sanatçı V. Yurkunas (d. 1910) kitap ve şövale grafiklerinde de çalışmaktadır. 1935'te Kaunas Sanat Okulu'ndan mezun oldu ve sürekli öğretmenlik faaliyetleriyle uğraşıyor. Gravürlerinde, insanlar özellikle kendi doğal doğalarıyla, anavatanlarıyla yakından bağlantılı görünüyor. Maironis'in şiirinin (1960; ill. 21), kendisi tarafından çoğaltılan kahramanları bunlardır, birçok izleyicinin sempatisini kazanan küçük kollektif çiftçi işte böyledir - güzel topraklarda yürüyen gençliğin görüntüsü, sanatsızca basit ve kışkırtıcı, göz kamaştırıcı. benzersiz bir duygu bütünlüğü ("Ben sütçü olacağım", 1960). V. Yurkunas'ın çarşaflarda linocut tekniği hem özlü hem de esnektir, doğal olarak parlak, iyimser imajlarını yaratmaya hizmet eder.

Portre alanındaki Baltık trafiği coşkuyla çalışıyor ve RSFSR sanatçılarının eserleri arasında, GS Vereisky'nin her zaman başarılı, ancak zaten nadir performanslarına ek olarak, yalnızca M. Feigin'in keskin karakteristik gravür portrelerine sahipsek. , Baltık'ta bir dizi portre ressamının ince ve çeşitli becerilerinden memnun olacağız.

Estonyalı sanatçı E. Einmann (1913 doğumlu) bu türde çok şey başardı. Devlet Tatbiki Sanatlar Okulu'nda ve Tallinn'deki Yüksek Sanat Okulu'nda eğitim gördü.Yaratıcı yolu Büyük Vatanseverlik Savaşı sırasında başladı. Şimdi, uzun bir dizi çalışmasında, yeteneğinin özellikleri açıkça görülüyor. Sanatçının modellerinin iç dünyasına karşı düşünceli ve dikkatli tutumu. Bir kişiye saygı, işinin karakteristik bir özelliğidir. Sanatçı ister yaşlı bir balıkçı, isterse genç bir meslek okulu öğrencisi, bir hemşire veya bir oyuncu çizsin, her zaman kendini gösterir. Aynı zamanda, yazarın doğrudan deneyimi, modelin değerlendirilmesi bir yerde kalır, asıl mesele onun hakkında kısıtlı ve nesnel bir hikayedir. Einmann'ın portreleri, dış etkilere yabancı, grafik tarzın inceliğiyle büyülüyor. Bu incelik, grafit veya İtalyan kurşun kalemle ve suluboya ve litografi ile yürütülen sayfalarını ayırt eder.

Duygusal ve lirik, özellikle kadınları ve çocukları tasvir etmede başarılı olan Estonyalı sanatçı A. Bach-Liimand'ın portre çalışmasıdır. Linocut'ta çalışan Litvanyalı sanatçı A. Makunaite'nin portreleri ve otoportresi ciddi düşüncelerle dolu. Letonyalı genç ressam F. Pauluk'un yaptığı karakalem portreler etkileyici.

Ukrayna ve Baltık Devletleri'ndeki grafikler uzun bir geleneğe sahiptir ve bu nedenle başarısı büyük ölçüde doğaldır. Ancak, örneğin grafik sanatının oldukça genç olduğu Kırgızistan veya Kazakistan gibi cumhuriyetlerde bile, şimdiden gözle görülür ilerleme kaydetti.

Kırgızistan'ın önde gelen grafik ustası, Frunze şehrinde uzun yıllar çalışan Moskova Basım Enstitüsü'nün bir öğrencisi olan L. Ilyina'dır (1915 doğumlu). Anıtsallık, büyük formlar, özlülük, linolutlarının karakteristik özellikleridir. Son yıllarda, Ilyina, kitap resminden biraz uzaklaşarak, birçok şövale çalışması ve özellikle "Yerli Ülke" (1957) manzara gravür serisi ve cumhuriyetinin kadınına adanmış çok sayıda renkli linocut serisi gerçekleştiriyor. Yeninin hayatımızı farklı kılan özellikleri belki de özellikle Kırgız sanatçının gösterdiği kadın kaderlerinde göze çarpmaktadır. Çalışmak artık kadınları bükmüyor, sadece duruşa heybet ve anlam katıyor. Özgür, kısıtlanmamış bir tutum, hem pancar yetiştiricisini (1956) hem de uzaktaki Tien Shan delegelerini, konuşmacıyı dikkatle dinleyerek (1960) ayırt eder. L. Ilyina'nın Linocut'ları plastiktir, hacim canlı, kaba bir vuruş, büyük renk lekeleri ile serbestçe kalıplanır. Aynı zamanda, yaprağın siluet dekoratif etkisi her zaman korunur (resim 22).

Azerbaycan'da Hazar'daki açık deniz petrol sahalarını betimleyen sanatçı M. Rahman-zade (d. 1916) renkli litografi alanında ilginç çalışmalar yapmaktadır. Benzer görünen ve aynı zamanda her seferinde endüstriyel manzarada yeni bir şey ortaya çıkaran çeşitli motifleri serisine nasıl katacağını biliyor. 1957 çalışmasından alınan üstgeçit levha, kompozisyonun inceliği, parlak sarı su ve siyah ajur yapılarının ses getiren kombinasyonu ile diğerleri arasında öne çıkıyor. Bunlar cumhuriyetçi oymacıların ve ressamların başarılarından bazılarıdır.

Günümüzün grafikleri, savaş sonrası ilk on yılın grafiklerinden çok farklı. Yeni olan, öncekinden farklı olarak ortaya çıktı mı? Daha önceki modernite, yalnızca bireysel şeylerde gerçek bir şiirsel genelleme ile yakalanmışsa, şimdi canlı özellikleri birçok grafik eserde dağılmıştır. Sanatçıların günümüze kitlesel dönüşü sonuçlarını verir. Modernlik, dışsal olmayan, derin özelliklerinde özümseniyor; sanatçılar adeta ülkemizin yeni bir yüzünü, Sovyet adamını keşfediyor. Birçok yönden, son yılların grafiklerinin resimle ortak bir yanı var. Bu sanatların sanatçıları zamanın sert ve aceleci yüzünü görürler, eserlerine özel bir tavır etkinliği hakimdir. Ve yeni, denenmemiş sanat biçimlerine duyulan özlemin de onlar için ortak olduğu ortaya çıkıyor. Grafiklerde, tüm bunlar öncelikle baskı yapımına atıfta bulunur. Yükselişi 1950'lerin ortalarında başladı ve şimdi gerçek altın çağından bahsedebiliriz. Bu altın gün, öncelikle yeni genç güçlerin şövale gravürüne akını ile ilişkilidir. Ancak zaten deneyimli sanatçılar da buna katkıda bulundu. A. Vedernikov'un manzaralarında, örneğin, tasvirinin birçok geleneğiyle yüklü olan Leningrad, aniden, ilk kez görüldüğü gibi, saf renklerle parıldayan yeni bir görünümde ortaya çıkıyor. Vedernikov'un renkli litografi tekniği, renkli bir karakalem veya ayrıntılı bir suluboya resmi taklit etmez. Sanatçı, genelleştirilmiş formlar, birkaç saf tonun cesur kombinasyonları ile çalışır. Renkli litografide dekoratiflik arayışı, günümüzün birçok karakteristik baskısından biridir.

Baskıresimin başarıları arasında, FD Konstantinov'un kırsal emekle ilgili gravürlerini ve özellikle "Toplu Çiftlikte Bahar" (1957; ill. 23) adlı peyzaj tablosunu ve Ermeni sanatçı MM Abeghyan'ın manzaralarını da sayabiliriz - " Zanga'nın Kayalık Kıyısı", "Bjni dağlarında" (1959) ve eski ve orta kuşak sanatçıların diğer birçok eseri.

Ancak modern baskı resmi diğerlerinden ayıran yeni, özellikle gençlerin işlerinde açıkça hissediliyor. I. Golitsyn, A. Ushin, G. Zakharov, Ya. Manukhin, I. Sıfırlamalar, L. Tukachev, K. Nazarov, V. Popkov, D. Nodia, I. Nekrasov, V. Volkov - bütün bir genç insan galaksisi kim baskıda parlak bir performans sergiledi. A. Ushin'in Leningrad Sanat ve Pedagoji Okulu mezunu (resim 24) “Suite on Wires”da (1927 doğumlu) sıradan banliyö manzaralarını görüyoruz. Çarşaflarında hiçbir olay olmuyor, sadece elektrikli trenler sessizce ilerliyor ve aynı zamanda burada çok şey oluyor - çelik kafesler telleri desteklemek için yükseliyor, tren penceresinden gelen ışık demetleri kalın gece karanlığını yırtıyor, beyaz şimşek yağmur onu geçer ve bulutlar siyah gökyüzünde göz kamaştırıcı bir yığın halinde yığılır - hayat devam ediyor, benzersiz, canlı, en aktif, gergin durumunda çok keskin bir şekilde hissediliyor. Gençlerin birçok eserini farklı kılan, sürekli dinamikleri içinde bu keskin, aktif yaşam algısıdır. Eserlerini birleştirir. Ancak buna ek olarak, gençler işlerinde çok bireyseldir. Bu sanatçıların her birinin sanatta zaten kendi yüzü, yaşam hakkında kendi görüşü, gravür dilinden kendi anlayışı var.

Büyük siyah-beyaz vuruşların ve noktaların vurgulanmış ritmiyle G. Zakharov'un geniş manzaraları ve lirik sahneleri kulağa benzersiz geliyor. I. Golitsyn'in düşünceli, biraz ironik manzara romanları, her evin büyük bir şehrin hayatı hakkında bütün bir hikaye olduğu ve bir cadde kavşağının bizim için bir anda ve biraz karamsar bir vizyonda insanın günlük yaşamının bir parşömenini ortaya çıkardığı ayrıntılıdır. Golitsyn'in esnek gümüş oyma tekniği büyük ölçüde Favorsky'nin etkisi altında şekillendi. Gravürlerin inceliği, ton zenginliği, sanki daha büyük, daha cesur bir linocut tekniğinin sanatçısı olan Golitsyn'in ufkunu genişletmiş gibi Favorsky'ye tabidir (resim 25),

Biraz sert, anlamlı ve en sıradan tezahürlerinde hayat akar 24. A. A. U Shin. Yağmur. Leningrad'dan V. Volkov tarafından gravürlerde büyük bir şehrin 1960'ı. Önemsiz şeylerin koşuşturmacasından uzak, çarşafları gerçekliği anıtsallaştırıyor, sanki gündelik hayatın akışındaki cesur ve görkemli ritmini açığa çıkarıyormuş gibi. Ve insanlar sanatçı tarafından bir şekilde gösterilir, ancak önemli bir yönü - bunlar sert, özlü emek insanlarıdır.

Gürcü sanatçı D. Nodia, endüstriyel manzara ve emek sahnelerini dinamiklerde aktif olarak görüyor. Gençliğin şeffaf dünyası, ruhun çocuksu berraklığı ile ruhsal hareketlerin yetişkin inceliğinin harika bir birleşimi, Y. Manukhin tarafından popüler Grass of Grass'ın kırılgan görüntüsünde ortaya çıkar.

Aynı sanatçı, barış mücadelesine adanmış bir gravürde, Hiroşima'nın öfkesini ve acısını somutlaştıran görüntünün özel bir ifadesini elde ediyor. Aynı zamanda Manukhin, şövale yaprağının poster sanatına yakınlığından çok şey öğrendi (resim 26).

V. Popkov (resim 27), son yıllarda ilginç bir şekilde ressam olarak da rol almış olan bir dizi gravür ve guaşta nakliye işçilerinin çalışmaları hakkında ayrıntılı olarak konuşuyor. Tüm bu çalışmalarda genç sanatçılar bize modernitemizin farklı yönlerini, kendi tarzlarında ve çok taze olarak gösteriyorlar.

Tabii ki, artık sadece baskı resimdeki herkes başarılı değil. Küçük günlük yazılar, tasvirler de var. Bunlara genellikle işe adanmış serilerde ve endüstriyel ortamda sıkıcı protokollerde rastlıyoruz. Ayrıca, tüm anlamı dış süslemeleriyle tükenen şeyler de vardır. Öte yandan, son yıllarda baskıresimde yeni olan şey, burada böylesine güçlü bir genç müfrezesi görünmese de, çizimde doğdu. Bu konuda gösterge, V. E. Tsigal'in (1916 doğumlu) yaratıcı yoludur. Savaştan sonraki ilk yıllarda, Sovyet halkının yaşamının ve çalışmalarının otantik, çoğu zaman lirik ve sıcak bir şekilde, ancak yine de büyük sanatsal keşifler olmadan gösterildiği bir dizi mürekkep ve sulu boya çizimiyle başladı. Tsigal, aşırı aktivitesi, sanatıyla çok geniş bir yaşam fenomeni yelpazesini kaplama arzusu tarafından kısmen engellendi. Tsigal hızlı bir şekilde çalıştı, neredeyse tüm büyük sergilerde çok sayıda yaprağı çıktı. Ancak gerçek yaratıcı konsantrasyon, yalnızca Dağıstan'ın dağ köylerinde köylülerin yaşamını gezmeye ve incelemeye başladığında, nispeten uzun bir süre bu konuyla ilgilenmeye başladığında geldi; bu, elbette, oldukça minnettardı. sanatçı. Tsigal için ileriye doğru büyük bir adım olan "Dağıstan" (1959 - 1961) dizisi bu şekilde ortaya çıktı. Bu döngüde ayrıca, yaylalıların yaşamının sanatçıya ifşa ettiği yeniliğin tükenmez çekiciliği ve dostça bir bakışla fark edilen bazı çok gizli, günlük özellikler ve insan ile doğa arasında tuhaf bir uyum hissi vardır. . Sayfaları Dağıstan'da ortak olan motiflerin ince bir yan yana gelmesi üzerine inşa edilmiştir, ancak aniden bize hem yaşam tarzının özelliklerini hem de insanların, ebedi ve aynı zamanda ustaca modern olan ilişkilerini ortaya koymaktadır (resim 28).

Şövale grafiklerinin günümüzdeki yükselişinde, suluboya karmaşık / ince sanatı yerini buldu. Suluboyada, emin bir göz ve hızlı, hassas bir el özellikle gereklidir. İçinde düzeltmeler neredeyse imkansızdır ve fırçanın boya ve su ile hareketi aldatıcı bir şekilde kolaydır ve sanatçıdan sıkı disiplin gerektirir. Ancak suluboyaların renk olasılıkları zengindir ve kağıdın şeffaf bir boya tabakası altındaki yarı saydamlığı, ona benzersiz bir hafiflik ve zarafet verir. "Suluboya, gizlice grafik olmak isteyen bir resimdir. Suluboya, kibarca ve zarif bir şekilde resme dönüşen, başarılarını kağıt üzerinde değil, esnek ve sabit olmayan yüzeyinin tuhaf bir şekilde ortaya çıkması üzerine inşa eden grafiklerdir" diye yazmıştı en büyük uzmanlarından biri. Sovyet grafikleri AA Sidorov. Şimdi bile 1930'larda olduğu gibi ülkemizde de suluboya ustaları manzara ressamları. S. Boym, N. Volkov, G. Khrapak, S. Semenov, V. Alfeevsky, D. Genin, A. Mogilevsky ve diğer pek çok kişinin eserleri, modern bir şehrin yaşamını, renklerinin zenginliği içinde doğayı gösteriyor. onun harika çeşitliliği. Ve giderek daha az sıklıkla pasif betimleme, sığınağı manzarada bulur.

Bunlar modern Sovyet grafiklerinin özelliklerinden bazılarıdır. Ancak, resmi o kadar karmaşık ve zengin ki, elbette ayrı bir açıklamayı hak ediyor. Amacımız sadece en ünlü şövale grafik ustalarının çalışmalarını ve tarihinin bireysel anlarını tanımaktı.

Çizimleri yukarıda tartışılan sanatçı Yu. I. Pimenov şunları yazdı: “Sanatçının yolu, yaşamla büyülenmenin yolu ve hayal kırıklıkları ve başarısızlıklarla dolu ifadesinin yoludur. Ama her samimi şeyde bir tane var. , arzulanan bir mikro parçacık, sonra bir yankı, bir yerde bu duygunun bir dalgası alınır ve gelişir. Bu "arzu tanesi" uğruna, sanatçı için kesinlikle gerekli olan karşılıklı bir duygu dalgası uğruna, tüm zor ve neşeli çalışmaları yapılır.

Aşağıda, sıradan bir arduvaz kalemle çizme yetenekleri nedeniyle tüm dünyada ünlü sanatçılar sunulacak. Her birinin kendi tarzı, kişiliği ve yaratıcılık için favori konuları vardır. Buna ek olarak, her yazarın adı, karakalem çizimlerini ve her birinin biyografisini daha ayrıntılı ve ayrıntılı olarak inceleyebileceğiniz sanatçının kişisel çevrimiçi galerisine bir bağlantıdır.
Resimlere baktığınızda, her resimde bazı ilginç özellikler fark edeceksiniz. Bazıları yumuşak çizgiler, yumuşak ışık-gölge geçişleri ve aerodinamik şekillerle ayırt edilir. Diğerleri ise, çalışmalarında dramatik bir etki yaratan sert çizgiler ve net vuruşlar kullanır.
Daha önce, web sitemizde bazı ustaların resimlerini zaten yayınladık. İşte aynı derecede çekici kalem çizimlerini görebileceğiniz makalelerin bir listesi.

• Mattias Adolfsson'un inanılmaz illüstrasyonlarından oluşan albüm;

JD Hillberry

Doğal yetenekler ve çalışmalarına dikkat çekmek için güçlü bir istek, JD Hillberry'de çocukken ortaya çıktı. Arzu ve yetenek, ustayı dünyanın en iyi karakalem sanatçılarından biri yaptı. Halen Wyoming'de okurken, çizimlerinde foto-gerçekçi bir etki elde etmek için karakalem ve grafiti karıştırarak kendi tekniğini geliştirmeye başladı. JD, izleyicinin dikkatini chiaroscuro ve doku oyununa çekmek için monokromatik ışık kullanır. Kariyeri boyunca gerçekçiliğin ve anlatımın ötesine geçmeye çalıştı. 1989'da Colorado'ya taşındıktan sonra Hillberry, sahte çizimlerle deneyler yapmaya başladı. Geleneksel olarak, bu tür işler yağlarda yapılır, ancak arsanın gerçekçiliğini bir kalem yardımıyla başarıyla aktardı. Bu tür görüntülere bakan izleyici, aslında tüm bu unsurlar çizilmiş olmasına rağmen, nesnenin bir çerçeve içinde veya bir pencerede olduğunu düşünerek aldatılır. Colorado, Westminster'deki stüdyosunda çalışan JD Hillberry, çizimleriyle halkın algısını genişletmeye devam ediyor.

Brian Duey

Brian, ilham verici sanat eserleri yaratmak için kalemle güzel bir şekilde etkileşime giren en şaşırtıcı karakalem sanatçılarından biridir. İşi ve kendisi hakkında şunları söylüyor:
"Adım Brian Duey. Michigan, Grand Rapids'de doğup büyüdüm. Sanatla ilk tanıştığım Granville adlı küçük bir köyde devlet okuluna gittim. Hobimin ciddiyetini hiç düşünmedim ama keşfettim. 20 yaşında kalem çizmeye karşı güçlü bir çekicilik.Evimde tek başıma oturuyordum ve can sıkıntısından bir kalem alıp çizmeye karar verdim.Bir anda çizime aşık oldum ve sürekli yapmak istedim. Her çizimde daha da iyiye gittim.Çalıştıkça kendi tekniğimi ve özgün püf noktaları geliştirdim.Gerçekçi çizimler yapmaya ve kendi kavramsal fikirlerimi eklemeye çalışıyorum.Bana neyin ilham verdiği ve çizmeyi nereden öğrendiğim sıklıkla sorulur. Kendi kendimi yetiştirdiğimi açıkça söyleyebilirim.
Kitaplarda, tebrik kartlarında, CD kapaklarında ve çeşitli dergilerde illüstrasyonlarım yayınlandı. 2005'ten beri ticari işler yapıyorum ve bu süre zarfında dünyanın her yerinden müşteriler kazandım. Siparişlerimin çoğu Amerika Birleşik Devletleri, İngiltere ve Kanada'dan geliyor, ancak İrlanda'daki müşterilerle de çalışıyorum. Resimlerim Amerika Birleşik Devletleri'ndeki galerilerde gösterildi. 2007'de Hollywood, California'daki bir sanat galerisinde yer alan Britney Spears'ın bir portresini çizmem istendi. Bu olay MTV tarafından ele alındı ​​ve dünyaca ünlü oldum. Orada durup çalışmaya devam etmeyeceğim. Yeni fikirlerim ve planlarım var. Geleceğe yönelik hedeflerimden biri de eğitici bir çizim kitabı yayınlamak.

T. S. Abe

Abe'nin pek çok eserini bulamasak da yaptığı çizimler bunun üst düzey bir usta olduğunu gösteriyor. Mükemmel kalem becerilerine sahip olan sanatçı, karmaşık fikirleri kendi yöntemlerini kullanarak ustaca resmediyor. Abe'nin resimleri uyumlu ve dengeli, karmaşık ve aynı zamanda anlaşılması kolay. Zamanımızın en yetenekli karakalem sanatçılarından biridir.

Sezar Del Valle

Sanatçı, eserlerinde kurşun kalemle özel bir benzersiz çizim tekniği kullanıyor. Sezar'ın illüstrasyonları sadece yeteneğini göstermekle kalmaz, aynı zamanda yazarın çevreye yönelik ince algısını da yansıtır.

Henrik

Henrik'in çalışmaları Deviant Sanat Galerisi'nde sergilenmektedir. Çizimleri kalem sanatının ilginç bir örneğidir. Usta, orijinal görüntüleri ve sıra dışı fikirleri iletmek için mucizevi bir şekilde siyah ve beyaz tonları kullanır.