Sanat için resim analizi planı. Kompozit boyama analizi

Sanat için resim analizi planı. Kompozit boyama analizi
08.03.2020

Sınıf derslerinde resimsel çalışmanın analizi. İş deneyiminden

Gaponenko Natalia Vladimirovna, PMM Öğretmenlerinin Başkanı ve MHC Novoylinsky Bölgesi, Güzel Sanatlar Öğretmen Mbnu "Gymnasium No. 59", g. Novokuznetsk

"Sanat kapakları ve aynı zamanda insan hayatını kutlar. Ancak sanat eserlerini kolaylaştırmak için kolaydır. Bunu öğrenmek gerekir - uzun, tüm hayatımı öğrenmek gerekir ... Her zaman, sanat eserlerini anlamak için, yaratıcılık koşullarını, yaratıcılığın hedeflerini, sanatçının ve dönemin kişiliğini bilmeniz gerekir. Seyirci, dinleyici, okuyucu bilgi, bilgi ile donatılmalıdır ... ve özellikle detayların anlamını vurgulamak istiyor. Bazen bir önemsememek, ana şeye girmemizi sağlar. Birinin ya da başka bir şeyin ne yazdığını veya boyanmış olduğunu bilmek ne kadar önemlidir! "

D.S. Likhachev

Sanat, bir kişinin kişiliğinin oluşumu için önemli faktörlerden biridir, bir kişinin çevre dünyasının fenomenine olan tutumunun oluşumunun temelini oluşturur, bu nedenle sanatın algı becerilerinin gelişimi, sanatsal eğitimin temel görevlerinden biri haline gelir.

"Güzel Sanatlar" konusunu inceleme hedeflerinden biri, sanatçının bu görüntüyü karakterize etmek için kullandığı ifadesini ayıran, sanatçının, sanat eserindeki asıl şeyi anlama yeteneği olan bir sanatsal görüntünün gelişmesidir. Görsel sanat eserlerinin algılanması ile kişinin ahlaki ve estetik niteliklerinin gelişmesinin önemli bir görevi vardır.
Öğrenme algısının metodolojisini ve resimlerin analizini düşünmeye çalışalım.

Öğrenme algısı ve tabloların analiz yöntemleri

Okul çocuklarını boyama ile tanımakta kullanılan yöntemler sözlü, görsel ve pratiklere ayrılmıştır.

Sözel yöntemler.

1. Sorular:

a) Resmin içeriğini anlamak;

b) ruh halini tanımlamak;

c) Etkileyici araçları tanımlamak.

Genel olarak, sorular çocuğu resme akran etmeye teşvik eder, ayrıntılarını görür, ancak sanatsal çalışmanın bütünsel hissini kaybetmez.

2. Konuşma:

a) Dersin içine giriş olarak;

b) Resimdeki sohbet;

c) Son konuşma.

Genel olarak, konuşma yöntemi, çocuğun bir sohbette konuşma örneklerini alabilmesini sağlamak, düşüncelerini ifade etmeleri için öğrencilerin becerisini geliştirmeyi amaçlamaktadır.

3. Öğretmenin hikayesi.

Görsel:

Geziler (sanal gezi);

Ünlü sanatçıların resimli reprodüksiyonları, albümlerini görüntüleme;

Karşılaştırma (ruh halinin resmi, etkileyici araçlar).

Pratik:

Resimdeki yazılı çalışmaların yürütülmesi;

Raporların hazırlanması, özetler;

Görsel sanatın derslerinde, sanat eserleri ile farklı çalışma yöntemlerini birleştirmek, bu veya öğrencilerin hazırlığı dikkate alınarak bu yöntemi vurgu yapmanız önerilir.

Resim ile çalışma

A. Lublinskaya, çocuğun resminin algısının öğretilmesi gerektiğine inanıyor, kademeli olarak neyin gösterildiğini anlamaya yol açtı. Bu, bireysel eşyaların tanınmasını gerektirir (insanlar, hayvanlar); Genel resim planında her figürün konumunun duruşlarını ve pozisyonlarını vurgulayın; Ana karakterler arasında bağlantı kurma; Ayrıntıların seçimi: aydınlatma, arka plan, insan ifadeleri.

S. L. Rubinstein, resim algısını inceleyen T. Ovsepyan, içeriğindeki çocukların cevaplarının doğasının bir dizi faktöre bağlı olduğuna inanıyor. Her şeyden önce, boyamanın içeriğinden, çocukların deneyiminden, çizimlerini göz önünde bulundurarak, çocukların yakınlığı ve kullanılabilirliği.

Resimle çalışmak birkaç yönerge içerir:

1) Görsel mektubun temellerini keşfetmek.

Derslerde, öğrenciler güzel sanatlar, türlerin türlerini, sanatın ifadesi ile tanışırlar. Öğrencilerin sanatın terminolojisini kullanma becerileri verilir: Gölge, Yarım, Kontrast, Refleks vb. Kelime hazinesi sayesinde, sanat tarihçileri çalışmaları tanıtıldı, kompozisyonun yasaları inceleniyor.

2) Yaşam hakkındaki tanınması, sanatçının çalışması.

Öğrencilerin aktif olarak algılaması için hazırlanması, çoğu zaman konuşma sürecinde gerçekleştirilir. Konuşma içeriği genellikle sanatçı, resmin geçmişi hakkında bilgidir. Sanatçının ömrünü izleyen, inançlarının oluşumunu etkileyen bu bölümlerde durmanız önerilir, işine yön verdi.

Sanatçının Çeşitli Yaşamı ve Çalışması Hakkında Bilgi : Öğretmen hikayesi, bilimsel film, bazen raporlarla yapılan performanslar öğrencilerle emanet edilir.

3) Ek bilgi kullanma.

Resmin algısı, çekiciliğe katkıda bulunur. konusu, resmin içeriğine yakın olan edebiyat eserleri. Edebi eserlerin kullanımı, efsane çizelgesiyle tanışma tanıdıklarının çocukları tarafından daha derin bir algı ve anlayış için zemin hazırlar.

Arsa boyama oyunlarını anlamak için büyük önem tarihsel durum Ülkede, belirli bir zaman bölümünde, sanatın stilistik özellikleri.

4) Resmi Görüntüleme.

Resmi göz önünde bulundurma yeteneği, algı, gözlemin geliştirilmesi için gerekli koşullardan biridir. Resmi görüntüleme sürecinde, bir kişi her şeyden önce görür. onunla ünsüz, düşünceleri ve duyguları. Resmi göz önünde bulunduran öğrenci, onunla endişelendiklerine dikkat çekiyor, onun için yeni, beklenmedik. Bu noktada, öğrencilerin resme tutumu belirlenir, sanatsal görüntünün bireysel anlayışı oluşur.

5) Pitoresk tuvalin analizi.

Resmin analizinin amacı, orijinal algıyı derinleştirmektir, öğrencilerin sanatın figüratif dilini anlamalarına yardımcı olur.

İlk aşamalarda, çalışmanın analizi, konuşma veya öğretmenin hikayesi sırasında gerçekleştirilir, yavaş yavaş öğrenciler bağımsız bir analiz yaparlar. Konuşma, çocukların daha ince, görülmesi, hissetmeyi, hissetmeyi, hissetmeyi ve kavrayabilmesine yardımcı olur.

Resimsel çalışmanın analiz yöntemleri

    YÖNTEMLER A. MELIK-PASHAYEVA. (Kaynak: Journal "Okuldaki Sanat" No. 6 1993 G.A. Melik-Perezeev "Festival Günü" veya "Korkunç Tatil" (Yazarın Planını Anlama Sorununa)

Resim için sorular:

1. Bu resme nasıl ararsınız?

2. Bir resim sever misiniz?

3. Bana bu resimden bahsedin, böylece onu tanımayan kişinin bunun hakkında bir fikir edinebilir.

4. Hangi duyguları, ruh hali size bu resme neden olur mu?

7. Cevabınızdaki bir şeyi ilk soruya eklemek veya değiştirmek ister misiniz?

8. İkinci soruya cevabına gidin. Tahmininiz önceki ya da değişti mi? Neden resmini değerlendiriyorsun?

2 . Yapıt analiz için örnek sorular

Duygusal Seviye:

Hangi izlenim işi yapar?

Yazarı hangi ruh hali?

İzleyici hangi duyumları yapabilir?

İşin karakteri nedir?

Ölçeğinin, format, yatay, dikey veya çapraz parçaların çalışmalarının duygusal bir izlenimine nasıl yardımcı olur, resimdeki belirli renklerin kullanımı?

Konu:

Resimde (veya kim) gösterilmiştir?

Gördüğün şeyden gelen ana şeyi vurgulayın.

Sana neden ana şey gibi göründüğünü açıklamaya çalış.

Sanatçının ana şeyi vurguladığı nedir?

İşlerde (konu kompozisyonu) nasıl düşünülür?

Ana hatlar (doğrusal kompozisyon) nasıl yapıldı?

Sahne Seviyesi:

Resimlerin arsasını tekrar almayı deneyin ..

Kahramanı, resimli çalışmanın kahramanı olanı, bilmeye gelecek mi?

Sembolik Seviye:

İşte bir şeyin sembolize ettiği nesne var mı?

Sembolik karakterin çalışmanın ve ana unsurlarının bileşimi olup olmadığı: yatay, dikey, çapraz, daire, oval, renk, küp, kubbe, kemer, kemer, duvar, kule, spire, jest, poz, giysi, ritim, timbre vb.?

İşin adı nedir? Arsa ve sembolizmiyle nasıl ilişkilidir?

Sizce insanlara işin yazarını vermek istediniz?

Resimsel çalışmanın analizini planlayın. Deneme - duygu.

1.Vutor, başlık resmi
2. Sanat tarzı / yön (gerçekçilik, izlenimcilik, vb.)
3. Stankovaya (boyama) veya anıtsal (fresk, mozaik), malzeme (makine boyama için): yağlı boya, guaj, vb.
4. Yapıt türü (portre, natürmort, tarihi, ev, marina, mitolojik, manzara vb.)
5. Kütüphane arsası (tasvir edilmiş). Tarih.
6. Etkileyici önlemler (renk, kontrast, kompozisyon, görsel merkez)

7. İzlenim (Duygular, Duygular) - resimlerin arsasındaki "dalış" alımı.

8. Resmin grafiğinin ana fikri. "Söylemek istedi" yazarı neden bir resim yazdı.
9. Resmin adı.

Pitoresk işlerin algılanması ve analizi üzerindeki çocukların örnekleri.

Yazma, örneğin I. E. Repin'in anavatanına karşı hissidir. Geçmiş savaşın kahramanı "


I. E. Repin, vatanına bir resim yazdı. Geçmiş savaşın kahramanı "Muhtemelen savaş sonrası zamanda, birinci Dünya Savaşı'ndan sonra daha kesin olarak.
Resmin yazıldığı sanatsal yön, gerçekçilik. Stank boyama, iş için sanatçının yağlı boyaları kullandı. Tür portre.
Repin filmi, çok şey yapan genç bir adam gösteriyor. Eve sevdiklerine ve akrabalarına eve dönüyor, yüzünde ciddi, biraz üzücü bir ifade görülebilir. Gözler üzücü üzüntü dolu. Silahların ve ona düşen herkesi hatırlayan, sonsuz görünen alanın etrafında dolaşıyor. Birçoğunun sevdiği, daha fazla olmadığı farkındalığa gidiyor. Ve sadece kargalar, hayaletler gibi, size ölü arkadaşları hatırlatıyor.

Expressive aracı olarak Repin, sessiz tonların soğuk renklerini seçtiğinden, resimdeki çok sayıda gölgeyi nesnelerin ve mekan hacimlerini iletmektedir. Kompozisyon statiktir, kişinin kendisi kompozisyonun görsel bir merkezidir, bize yönlendirilen bakışının izleyicinin görüşünü çeker.

Resme baktığımda, mevcut hayatın daha önce olandan farklı olduğu konusunda üzüntü ve farkındalık var. Vücudun üzerinde bir don hissini hissediyorum, rüzgarsız sarkık havalar hissi.

Yazarın savaşı geçen insanların ne olduğunu göstermek istediğine inanıyorum. Hayır, elbette, tanınmaz bir zamanda değişmemiştir: Vücut, oranlar aynı kaldı, şanslı olanlar, dış enjeksiyonları yok. Fakat yüzlerde, eski bir duygu, sakin bir gülümseme olmayacak. Savaşın korkuları, bu oldukça genç adamın hayatta kaldığı, sonsuza dek ruhunda basıldı.

"Yalnız asker" veya "yol evi" resmini arayacağım ... ama nereye gidiyor? Onu kim bekliyor?

Çıktı: Böylece, sanatsal çalışmanın algısı, yeteneği içeren karmaşık bir zihinsel süreçtir. tasvir edilenleri anlamayı öğrenin, hızlı bir şekilde profesyonel sanatsal terimler kullanarak düşüncem olduğunu ifade eder. Ancak bu sadece bilişsel bir eylemdir. Sanatsal algı için bir önkoşul duygusal boyama algılanan, ona karşı tutum ifadesi. Deneme - Duygu, sadece güzel hissetmekle kalmayıp aynı zamanda değerlendirme yeteneğine tanıklık eden çocukların kararlarını görmenizi sağlar.

Görüntüleme: 20 779

Güzel sanat eserlerini analiz etme ilkeleri

Güzel sanat eserlerini analiz etmek ve tanımlamak için temel ilkeler

Bilmeniz gerekenlerin yaklaşık hacmi

  • – "Sanatın açıklaması ve analizi" disiplinin çalışmasına giriş.

Disiplinin temel kavramları: sanat, sanatsal görüntü; Sanatın morfolojisi; türler, sanat türü; Plastik geçici, sentetik sanatlar; tektonik ve görsel; tarz, "dili" sanatın; Göstergebilim, Hermeneutik, Sanatsal Metin; resmi yöntem, stilistik analiz, ikonografi, ikonoloji; Attribut, etkileyici; Estetik tahmini, inceleme, sanat tarihçesindeki nicel yöntemler.

  • - Estetik Sanat Teorisi: Sanatsal Görüntü - Evrensel bir sanat ve sanatsal düşünce şekli; sanat eserinin yapısı; Sanatta uzay ve zaman; Sanat türlerinin tarihsel dinamikleri; Tarihsel ve kültürel süreçte sanatın sentezi.
  • - Sanatın Morfolojisi: Sanat Türlerinin Sınıflandırılması; Bir sanat morfolojisi kategorisi olarak tür.
  • - Plastik sanatların türü olarak özel özellikleri: mimarlık, heykel, grafikler, boyama.
  • - Yapıtın açıklaması ve analizi bağlamında göstergebilim ve Hermenevics: Sanat Dilleri, Sanatın Dilleri, Sanat Çalışmasına Bir İşaret Yaklaşımı, Metin olarak sanat eseri, metnin hermeneutik anlayışı.
  • - Sanatsal metin analizinin metodolojik temelleri: resmi-stilistik, ikonografik, ikonoloji.

Herhangi bir bilim gibi, sanatın teorisinin kendi yöntemleri vardır. Ana: ikonografik yöntem, sıvı yöntemi veya resmi-stilistik bir analiz yöntemi, ikonolojik yöntem, hermeneutik yöntemi.

İkonografik yöntemin kurucuları, Rus bilimcisi N.P. Kondakov ve Frenchman E. Mal. Her iki bilim adamı da Orta Çağ Sanatında (Kondakov - Bizans, Batı Orta Çağ'ı çalıştı). Bu yöntemin kalbinde, arsanın incelenmesi, "görüntünün tarihi" yatmaktadır. İşlerin anlamı ve içeriği, gösterilenleri inceleyerek anlaşılabilir. Eski Rus simgesini sadece görünüşün ve görüntülerin geliştirilmesinin tarihi tarafından araştırdığını anlayabilirsiniz.

Sorun gösterilmez, ancak ünlü Alman bilimcisi G. Velflin olarak gösterildi. Sanatın tarihinde, Velflin, sanat anlayışı, resmi yapısının incelemesine indirgendiği bir "formalist" olarak girdi. Bir sanatsal çalışmanın çalışmasına "objektif bir gerçek" olarak çalışmaya yaklaşan resmi-stilistik bir analiz yapmayı önermiştir. Öncelikle ondan anlaşılmalıdır.

Sanatın çalışmalarını analiz etmenin ikonolojik yöntemi, Amerikan tarihçisi ve E. Panofsky'nin teorik sanatı geliştirmiştir (1892-1968). Bu yöntemin temeli, işin anlamını açıklamak için "kültürel" yaklaşımdır. Görüntüyü kavramak, bilimciye göre, sadece ikonografik ve resmi-stilistik yöntemleri kullanmak, bunların sentezi oluşturması, aynı zamanda bir kişinin manevi yaşamının temel eğilimlerine aşina olmak gerekir. Dönem ve kişilik, felsefe, din, sosyal durum - "zaman sembolleri" olarak adlandırılan şeylerin dünya görüşü. Burada, sanat tarihçileri kültür alanında muazzam bilgi gerektirir. Bu o kadar fazla değil, bir sanat eserinde bir sanat eserinde, bir dönemin bir tam olarak sentezlendiği için, sezgiyi sentezleme gereksiniminin ne kadarını analiz etme yeteneği değildir. Böylece, Panofsky, bazı Fransız gravürlerinin, Titian'ın eserlerinin vs., vb. Tüm avantajlar ve eksi ile ilgili tüm bu üç yöntemin anlamını açıkça ortaya çıkardı. Klasik sanatı anlamak için kullanılabilir.

XX yüzyılın sanatını anlamak zordur. Ve özellikle XX yüzyılın ikinci yarısının ikinci yarısında, bir priori'nin anlayışımız için tasarlanmadığı postmodernizmin sanatı: Bu anlamın anlamı ve işi anlamıyor. Postmodernizm sanatının temeli, izleyicinin bir iş yaratma sürecinin belirli bir ortak yazarı olarak hareket ettiği toplam oyun prensibidir. Hermeneutics yorumlama yoluyla bir anlayıştır. Fakat ayrıca I. Kant, herhangi bir yorumun açık olmayanların bir açıklaması olduğunu ve şiddetli eylemin buna dayandığını söyledi. Evet öyle. Çağdaş sanatı anlamak için, bu "oyun olmadan oyuna" katılmaya zorluyoruz ve modern sanat teorisyenleri, görüldüğü görülen paralel görüntüler yaratır.

Böylece, bu dört sanatı anlamanın bu dört yöntemi göz önüne alındığında, her bir bilim insanının, bu şekilde ilgilenen her bir bilim adamının, bu süre zarfının her zaman işin anlamının ve içeriğinin açıklanmasına yaklaşımını bulmaya çalıştığı belirtilmelidir. Ve bu, sanat teorisinin ana özelliğidir.

  • - Sanatın facrafik çalışması. Yapıtın Ateşlenmesi: Atış ve etkileyici, nitelik teorisi ve oluşumunun tarihi, esprelendirme ve nitelik çalışmaları yöntemleri.

Protokusun hikayesi aydınlıktır ve yerli sanat tarihi bilim adamları tarafından ayrıntılı olarak açıklanmaktadır. V.n. Lazarev (1897-1976) ("Kome Taahhüdünün Tarihi"), B.R. Vipper (1888-1967) ("Atıf Sorununa"). XIX yüzyılın ortasında. Bir sanatın yeni bir "yapısı" türü, bunun amacı, yani atıfta bulunur. İşin, zamanın, yaratılış yerinin ve telif hakkının yapılmasını sağlamak. Connoisseur olağanüstü hafıza ve bilgiye, kusursuz tadı vardır. Birçok müze koleksiyonu gördü ve bir kural olarak, işin kendine özgü bir yöntemine sahip. Protokutalın gelişmesindeki önde gelen rol, yöntem olarak İtalyanca aittir. Giovanni Morellley (1816-1891), ilk defa, bir parça resim oluşturma, "sanatsal dilin dilbilgisi" oluşturma, (ve özüner yönteminin temelini oluşturması "gerektiğini ortaya çıkarmaya çalıştı. Morelli, İtalyan sanatı tarihinde en değerli keşifleri yaptı. Morelli'nin takipçisi Bernard Bernson (1865-1959), bu, tek orijinal yargılamanın kaynağının işin kendisi olduğunu savundu. Bernson uzun ve parlak bir hayat yaşadı. V.n. Comer Komitesi'nin tarihi hakkında yayınlanan Lazarev, bilim insanının tüm yaratıcı yolunu hevesle açıkladı. Ricility'nin tarihinde daha az ilginç değil Alman bilimcisi Max Friedlander (1867-1958). Fritlegner'ın öznitelik yönteminin temeli, sanat sanatından alınan ilk izlenimini kabul etti. Sadece bundan sonra en ufak parçanın önemli olabileceği bilimsel analizlere devam edebilirsiniz. Herhangi bir araştırmanın ilk izlenimi onaylamasını ve ekleyebilmesine izin verdi, aksine, onu reddetti. Ama asla yerini almaz. Friedland'deki uzmanı, sanatsal alarm ve sezgiye sahip olmalı, hangi "dalgalanmalara rağmen bir pusulanın bir oku olarak, yolunu gösteriyor." Yurtiçi sanatsal olarak, birçok bilim insanı ve müze işçisi atı çalışmalarına katıldı, bağlılıklar olarak kabul edildi. B.R. VIPPER, üç ana atfedite vakasını ayırt etti: Intitional'deki ana yol - araştırmacı, çalışmanın yazarını belirlemek için farklı tekniklerden yaklaştığında. Vipper yönteminin belirleyici kriteri, resmin doku ve duygusal ritmidir. Faturanın altında boya, smearın karakteri vb. Anlamına gelir. Duygusal ritim, resimdeki veya başka bir görsel sanat şeklindeki duygusal ve manevi ifadelerin dinamikleridir. Sanatsal kalitenin doğru anlaşılması ve değerlendirilmesinin özünü anlama ve doku anlayabilme yeteneği. Böylece, Connoisseurs, Müze çalışanları tarafından yapılan çok sayıda özellik ve keşifler, sanat tarihine tartışılmaz bir katkı yaptı: keşifleri olmadan, eserin gerçek yazarlarını tanıyacağız, orijinal için sahte. Bu uzmanlardan her zaman birkaçı vardı, sanat dünyasında onları tanıyorlardı ve faaliyetleri çok takdir edildi. XX yüzyıldaki bir uzman uzmanının rolü, özellikle güzel sanat eserleri için muazzam talebe bağlı olarak sanat pazarının fakes ile doldurulduğunda özellikle arttı. Müze yok, kollektör dikkatli incelemeden bir iş almayacak. İlk uzmanlar bilgi ve öznel algı temelinde sonuçlarını ortaya koyuyorsa, modern uzman, teknik ve teknolojik analizlerin objektif verilerine dayanır, yani: X ışınlarının resminin iletilmesi, boyanın kimyasal bileşimini belirleme, Tuval, ahşap, toprak. Böylece hataları önlemek için yönetir. Böylece, müzelerin keşfi ve uzmanların faaliyetleri, sanat tarihinin bağımsız bir insani bilim olarak oluşması için büyük önem taşıyordu.

  • - Yapıtın duygusal ve estetik değerlendirmesi. Tür formları, sanat tarihi araştırma yöntemleri.

İlkel Analiz Algoritması:

Boyama analiz için algoritma

  1. Resmin başlığının anlamı.
  2. Tür üyeliği.
  3. Resimlerin arsalarının özellikleri. Resim yazma nedenleri. Soruya bir cevap ara: fikrinin yazarının izleyiciye mi oldu?
  4. Resmin bileşiminin özellikleri.
  5. Sanatsal görüntünün sabit varlıkları: Renk, çizim, doku, ışık, yazma şekli.
  6. Bu sanat eserleri duygularınız ve ruh halinizde hangi izlenim oldu?
  7. Bu sanat eseri nerede?

Mimarlık işlerini analiz etmek için algoritma

  1. Mimari yapıların yaratılmasının tarihi ve yazarının tarihi hakkında bilinir?
  2. Bu ürünün ait olmayı kültürel ve tarihi döneme, sanatsal stil, yöne belirtin.
  3. Bu çalışmada hangi düzenlemeyi formül Vitruvia: Güç, Fayda, Güzellik?
  4. Tektonik sistemlerde mimari bir imaj (simetri, ritim, oran, siyah ve renk modelleme, ölçek) oluşturmak için sanatsal araçlar ve teknikler belirleyin (Tavan kirişi, silikon kemerli, uyandırır).
  5. Mimarlığın türüne ait olduğunu belirtin: Toplu Yapılar (Halk: Konut, Endüstriyel); manzara (bahçe-park veya küçük formlar); şehir Planlama.
  6. Mimari yapının dış ve iç görünümleri arasındaki bağlantıyı, bina arasındaki bağlantı ve rahatlama, manzaranın karakteri arasındaki bağlantıyı belirtin.
  7. Mimari görünümünün tasarımında diğer sanatlar nasıl kullanılır?
  8. Hangi izlenim size hangi izlenim bıraktı?
  9. Hangi dernekler sanatsal bir görüntü ve neden?
  10. Mimari yapı nerede?

Heykel işlerini analiz etmek için algoritma

  1. İş yaratmanın tarihi.
  2. Yazar hakkında. Bu iş onun işinde ne yer?
  3. Sanat çağına bağlı.
  4. İşin adının anlamı.
  5. Heykel türlerine aittir (anıtsal, anıt, çelik).
  6. Malzeme ve işleme makinelerinin kullanımı.
  7. Heykel boyutları (eğer bilmeniz önemliyse).
  8. Form ve boyut kaidesi.
  9. Bu heykel nerede?
  10. Bu senin üzerinde hangi izlenim oldu?
  11. Hangi dernekler sanatsal bir görüntü ve neden?

Devamını oku:

Yapıt analiz için örnek sorular

Duygusal Seviye:

  • Hangi izlenim işi yapar?
  • Yazarı hangi ruh hali?
  • İzleyici hangi duyumları yapabilir?
  • İşin karakteri nedir?
  • Ölçeğinin, format, yatay, dikey veya çapraz konumların, belirli mimari formların kullanılması, resimdeki belirli renklerin kullanımı ve mimari anıttaki ışığın dağılımı nasıl kullanılmasının duygusal bir izlenimine nasıl yardımcı olunur?

Konu:

  • Resimde (veya kim) gösterilmiştir?
  • Görüntüleyiciyi ne görür, cephenin önünde durur? İç mekanlarda mı?
  • Heykelde kim görüyorsunuz?
  • Gördüğün şeyden gelen ana şeyi vurgulayın.
  • Sana neden ana şey gibi göründüğünü açıklamaya çalış.
  • Sanatçı (mimar, besteci) ana şeyi vurguladı?
  • İşlerde (konu kompozisyonu) nasıl düşünülür?
  • Ana hatlar (doğrusal kompozisyon) nasıl yapıldı?
  • Mimari yapı hacimleri ve boşlukları nasıl karşılaştırır (mimari kompozisyon)?
  • Sahne Seviyesi:
  • Resimlerin arsasını tekrar almayı deneyin.
  • Bu mimari yapıda hangi olayların daha sık olabileceğini bildirmeye çalışın.
  • Pahalı ise bu heykel (ya da söyleyebilir)?

Sembolik Seviye:

  • İşte bir şeyin sembolize ettiği nesne var mı?
  • Sembolik karakterin çalışmanın ve ana unsurlarının bileşimi olup olmadığı: yatay, dikey, çapraz, daire, oval, renk, küp, kubbe, kemer, kemer, duvar, kule, spire, jest, poz, giysi, ritim, timbre vb.?
  • İşin adı nedir? Arsa ve sembolizmiyle nasıl ilişkilidir?
  • Sizce insanlara işin yazarını vermek istediniz?

Resimsel iş için analiz planı

  1. 1. Yazar, işin, zamanın ve yaratılış yerinin adı, planın geçmişi ve düzenlemesi. Model'i seçin.
  2. 2. Stil, yön.
  3. 3. Vidid Boyama: Çelik, anıtsal (fresk, tempera, mozaik).
  4. 4. Malzemenin seçimi (makine boyama için): yağlıböceği, suluboya, guaş, pastel. Bu malzemenin sanatçı için kullanılmasının niteliği.
  5. 5. Boyama (portre, manzara, natürmort, tarihi resim, panorama, diorama, ikonografi, marina, mitolojik tür, ev türü). Sanatçının eserleri için türün karakterliği.
  6. 6. Canlı arsa. Sembolik içerik (varsa).
  7. 7. Çalışmanın canlı özellikleri:
  • renk;
  • parlamak;
  • Ses;
  • pürüzsüzlük;
  • lezzet;
  • sanatsal alan (sanatçı tarafından dönüştürülen alan);
  • hat.

9. İşi görüntülerken elde edilen izlenim.

Özellikler:

  • Kompozit diyagramı ve işlevi
    • boyut
    • format (dikey ve yatay olarak uzatılmış, kare, oval, yuvarlak, görüntü ve format oranı)
    • geometrik Şemalar
    • ana Kompozit Hatlar
    • denge, görüntünün parçalarının birbirleriyle ve bütünüyle oranı,
    • dizi Görüntüleme
  • Uzay ve işlevleri.
    • Perspektif, toplama noktaları
    • düzlük ve derinlik
    • mekansal planlar
    • seyirci ile iş arasındaki mesafe, izleyicinin resim alanındaki veya dışında yeri
    • bakış açısı ve açıların varlığı, ufuk çizgisi
  • Işık, hacim ve rolleri.
    • hacim ve uçak
    • çizgi, siluet
    • işık kaynakları, günün saati, aydınlatma efektleri
    • işığın ve gölgenin duygusal etkileri
  • Renk, renk ve işlevleri
    • ton veya yerel lezzetin baskınlığı
    • sıcak veya soğuk renk
    • doğrusallık veya boyama
    • ana renk lekeleri, ilişkileri ve kompozisyondaki rolleri
    • ton, valera
    • refleksler
    • rengin duygusal etkileri
  • Yüzey dokusu (smear).
    • smear'ın karakteri (açık doku, pürüzsüz doku)
    • mazkov'un odağı
    • boyut smear
    • aziz

Mimari anıtların tanımı ve analizi

Konu 1. Sanat Dil Mimarisi.

Bir sanat türü olarak mimari. "Sanat Mimarisi" kavramı. Mimarlıkta sanatsal görüntü. Sanatsal Mimarlık Dili: Bir çizgi, uçak, mekan, kütle, ritim (aritmi), simetri (asimetri) olarak sanatsal ifadelerin bu tür ajanları kavramı. Mimaride kanonik ve sembolik unsurlar. Bina planı kavramı, dış, iç. Mimaride stil.

Konu 2. Ana mimari yapı türleri

Kentsel Planlama Sanatı Anıtları: Tarihi Şehirler, Parçaları, Eski Planlamanın Arazileri; Mimari kompleksler, topluluklar. Konut mimarisinin anıtları (iyilik, asil, köylü, karlı evler vb.) Sivil toplum mimarisinin anıtları: Tiyatrolar, kütüphaneler, hastaneler, eğitim binaları, idari binalar, istasyonlar vb. Anıtlar giydirin: tapınaklar, şapeller, manastırlar. Savunma Mimarisi: Ostrot, Kuleleri, Serfs, vb. Endüstriyel mimari anıtlar: fabrika kompleksleri, gövde, dövme, vb.

Bahçe ve park memurları, bahçecilik ve peyzajlı sanat: Bahçeler ve parklar.

Konu 3. Mimari Anıtın Tanımı ve Analizi

Bina planı, yapı malzemesi, harici hacim bileşimi. Sokak ve avlu cephe, kapı ve pencere açıklıkları, balkonlar, dış ve iç dekorasyon dekorasyonu. Mimari anıtın tarz ve sanatsal avantajları, şehir, köyün, bölgenin tarihi ve mimari mirasındaki yeri.

Mimari Anıtın Monografi Analiz Yöntemleri

1. Yapıcı ve tektonik sistemlerin analizi içerir:

a) Yapıcı temelinin anıtının vaat eden veya ortogonal çıkıntılarında grafik tespiti (örneğin, kemer ve kubbelerin ana hatlarının, "iç yapının cephesinde" tezahürü ", bir tür," kombinasyonu " Bir kesimli cephe, iç kısmın yapısını netleştirmek için kesilmiş yüzeylerin kuluçkası vb.)

b) Yapısal elemanların ve karşılık gelen tektonik mimari formların yakınlık derecesini ve birbirine bağlılığının (örneğin, Kiralayan Kemerler, Kemerler ve Tanımın Kesimlerinde Seçimi, Bump, Kokoshnikov, Üç- Bıçak kemerleri vb.)

c) Anıtın belirli tektonik şemalarının hazırlanması (örneğin, gotik katedralin tonozlu kaplamasının diyagramı, aksi takdirde, eksenezme bir tapınağın iç boşluğunun "atıldı", vb.);

2. Oranların ve oranların analizi, bir kural olarak, ortogonal projeksiyonlarda, iki noktadan oluşur:

a) Anıtın ana boyutsal parametreleri arasındaki çoklu ilişkiler arayışı (örneğin, 2: 3, 4: 5, vb.), bu orantılılığın ertelenmesi için inşaat sırasında kullanılabileceği gerçeğini göz önünde bulundurularak doğada gerekli değerler. Aynı zamanda, boyutsal değerler (modüller), anıtın tarihsel uzunlukların (ayak, fideler vb.) Karşılaştırılması için tekrar tekrar bulunur;

b) Basit geometrik figürlerin (kare, çift kare, eşkenar üçgen vb.) Elemanlarının doğal ilişkileri temelinde temel formların ve anıtın üyelerinin büyüklüğünün büyüklüğünün veya daha az kalıcı bir geometrik bağlantısını arar. türevleri. Tanımlanan orantılı oranlar, anıtın tektonik formlarının oluşturulması mantığı ve bireysel parçalarının yapımının belirgin sırasını çelişmemelidir. Bir analiz, orijinal geometrik şeklin boyutlarının (örneğin, bir kare) modül ve tarihsel uzunluk uzunluklarına sahip boyutlarının bağlanmasıyla sona erebilir.

Eğitim egzersizi çok fazla oranı tanımlamak için çaba göstermemelidir, ayrılan oranların ve oranların kalitesine, yani, ana tektonik hacimlerin boyutsal ilişkileri ile bağlantıları üzerindeki kalite önemine dikkat etmek çok daha önemlidir. Anıtın süreç yapısında hacimler ve kullanım olasılığı.

3. Metro-ritmik desenlerin analizi hem ortogonal çizimlerde hem de anıtın (çizimler, fotoğraflar, slaytlar vb.) Gelecek şekilde yapılabilir. Yöntemin özü, hem dikey hem de yatay olarak formun metrik ve ritmik satırları anıtının herhangi bir görüntüsünün herhangi bir görüntüsündeki grafik alt çizgisine (hat, ton, kuluçka veya renk) düşürülür. Bu şekilde izole edilmiş metrik satırlar (örneğin, koloniler, pencere açıklıkları, saçaklar vb.) Ve ritmik çubuklar (örneğin, azalan bağlar, değişen kemer vb.) "Statik" veya "dinamik" mimari kompozisyonu tanımlamanıza izin verir. Bu anıt. Aynı zamanda, ritmik formların üyelerindeki değişikliklerin kalıplarının depolanması, oranların analizi ile temas halindedir. Çalışmanın bir sonucu olarak, bu mimari anıtın metro-ritmik satırlarının yapımının özelliklerini yansıtan geleneksel şemalar hazırlanır.

4. Grafik rekonstrüksiyon, anıtın kaybolan görünümünü tarihsel varlığının herhangi bir aşamasında yeniden oluşturmanıza olanak sağlar. Yeniden yapılanma, bir ortogonal çizim (plan, cephe) olarak, uygun bir dövme olduğunda veya doğanın veya fotoğraftan (slayttan) çizimde yapılan umut verici bir görüntü şeklinde gerçekleştirilir. Yeniden yapılanma için bir kaynak olarak, anıtın vintage görüntülerini, çeşitli tarihsel açıklamaların yanı sıra aynı dönemin benzer anıtlarındaki malzemeleri kullanın.

Eğitim amaçlı bir öğrenci, yalnızca genel olarak, yalnızca genel olarak, anıtın ilk veya değiştiği görüntüsünün karakterini, yalnızca bir eskiz yeniden yapılanma yapması önerilmektedir.

Bazı durumlarda, bir öğrenci, çeşitli araştırmacılar tarafından yapılan aynı anıtın yeniden yapılandırılması için seçenekleri itiraf edebilir. Ancak, bu seçeneklerin makul bir değerlendirme vermek ve en büyük oranlarını tahsis etmek gerekir. Öğrenci, benzer anıtların veya parçalarının görüntüsünü grafiksel olarak haklı çıkarmalıdır.

Özel rekonstrüksiyon türü, ilk ve ardından anıtın kayıp rengini yeniden oluşturmaktır - ortogonal cepheler bazında veya tarihi bir şehir planlama ortamının olası dahil edilmesiyle vaat eden görüntüler temelinde gerçekleştirilir.

Grafik rekonstrüksiyonunda bir görevi yürütürken, bir çizim ve fotomontaj yöntemi yaygın olarak kullanabilirsiniz.

5. Bina mimari resimleri - Anıt anıt anıtlarının kabul edilmesi, Volumetrik bir kompozisyona sahip gelişmiş bir volumetrik kompozisyona sahip, Volumetric Kompozisyonu, Atina'da EREHECHTEION veya Moskova'daki Pokrovsky Katedrali gibi. Böyle bir anıtın atarken, görüntüleyici, bazı hacimlerin kapanmasından dolayı, mimari resimler denilen diğer vaat eden görüntülere akan bir kişiyi algılar.

Öğrencinin görevi, yüksek kaliteli mimari resim gruplarını tahsis etmek, bu resim gruplarının algı bölgesini belirlemek ve her bir karakteristiğin her bir grubunu, umut verici bir resim veya fotoğraf (slayt) şeklinde göstermektir.

Yüksek kaliteli farklı resimlerin sayısı genellikle beşte birini geçmez.

6. Ölçeğin analizi ve ölçek analizi, mimari hacmin elemanlarının büyük ölçekli rolünü ve karakteristik detayların anıtının ortogonal veya umut verici görüntüleri üzerindeki grafik tahsisini tanımlamaktan ibarettir - "Ölçek Göstergeleri", Balustrades gibi "Ölçek Göstergeleri" vb. Özellikle bir evrensel bir araç olarak siparişin rolüne özel dikkat gösterilmelidir. Mimari ölçek.

Mimari anıtların karşılaştırmalı analiz yöntemleri

1. İki anıtın hacim bileşiminin bir karşılaştırması, genel bir ölçekte verilen planları, cepheleri veya kesikleri karşılaştırarak gerçekleştirilir. Planların, cephelerin ve kesimlerin uygulamaları veya hizalaması çok etkilidir; Bazen, iki anıtın projeksiyonlarını birleştirirken, bunları herhangi bir genel boyuta, örneğin aynı yüksekliğe veya genişliğe getirmek için faydalıdır (bu durumda, anıtların oranları da karşılaştırılır).

Anıtların umut verici görüntülerini doğanın veya fotoğraflardan gelen çizimler biçiminde karşılaştırmak için de karşılaştırmak mümkündür. Bu durumda, çizimler veya anlık görüntüler, benzer açılarda ve anıtların hacminin ve mekansal bileşiminin karakteristik özelliklerinin ortaya çıktığı noktalardan elde edilmelidir. Nispi boyutlarına göre, anıtların görüntülerine yaklaşık olarak doğada boyutlarının oranları ile karşılık gelmesi gerekir.

Tüm karşılaştırmalı karşılaştırmalar vakaları için, anıtlardaki fark genellikle benzerlik anlarından daha net davranır. Bu nedenle, kompozit tekniklerin kimliğinin, hacimlerin birleşiminde, üyelerin niteliğine benzer bir analoji, açıklıkların konumu vb. Gari olarak vurgulamak gerekir.

Heykel Anıtlarının Tanımı ve Analizi

Sanat Dili Heykel

Heykel işlerini analiz ederken, heykelin kendi parametrelerini bir sanat türü olarak dikkate almak gerekir. Heykel, gerçek üç boyutlu hacmin çevreleyen üç boyutlu boşlukla etkileşime girdiği bir sanat türüdür. Heykelin analizindeki ana şey hacim, alan ve nasıl etkileşime girdikleridir. Malzemeler heykel. Heykel türleri. Heykel türleri.

Heykel çalışmalarının tanımı ve analizi.

Örnek Plan:

1. Bu heykelin büyüklüğü nedir? Heykel anıtsal, cam, minyatürdir. Boyut, boşlukla nasıl etkileşime girdiğini etkiler.

2. Analiz edilen ürün hangi alanda (tapınakta, karada, evde vb.)? Hangi bakış açısı hesaplandı (uzaktan, aşağıdan, yakın)? Bir mimari veya heykel topluluğunun bir parçası mı yoksa bağımsız bir iş mi?

3. Dikkate alınan çalışmanın üç boyutlu alanı (mimarlıkla ilişkili yuvarlak heykel ve heykel; mimari ve heykel şekli, brülör; kabartma; kısma kabartma; pitoresk rahatlama; karşı yardım)

4. Hangi materyalde yapılır? Bu malzemenin özellikleri nelerdir? Dökümü analiz etseniz bile, orijinali hangi malzemeden yapıldığını hatırlamak önemlidir. Orijinal salonlarına gidin, ilgilendiğiniz materyalde heykelin nasıl yapıldığını görün. Heykelin hangi özellikleri malzemesi tarafından belirlenir (bu malzeme bu iş için neden seçildi?)?

5. Heykel, sabit bir bakış açısıyla hesaplanır veya tamamen dairesel bir çevre ile açıklanır mı? Bu heykelten kaç tane etkileyici siluetleri? Bu siluetler nelerdir (kapalı, kompakt, geometrik olarak doğru veya pitoresk, açık)? Silhouettes birbirleriyle nasıl ilişkilidir?

6. Bu heykel veya heykel grupta oranlar (parçaların ve bir bütün oranları) nelerdir? İnsan figürünün oranları nelerdir?

7. Heykelin çizimi (büyük kompozit bloklar arasındaki ilişkilerin geliştirilmesi ve komplikasyonu, yerli üyelerin ritmi ve yüzey geliştirmenin niteliği)? Eğer rahatlama hakkında konuşursak - görünüm açısını değiştirirken tamsayı nasıldır? Rölyef derinliği nasıl değişir ve mekansal planlar nasıl inşa edilir, kaç tanesi?

8. Heykel yüzeyinin dokusu nedir? Farklı kısımlarda üniforma mı yoksa farklı mı? Pürüzsüz veya "eskiz", dokunma araçlarının görünür izleridir, sıçrayanlar, koşulludur. Bu doku, malzemenin özellikleriyle nasıl ilişkilidir? Doku, siluet algısını ve heykel formunun hacmini nasıl etkiler?

9. Rengin heykelinde rolü nedir? Hacim ve renk etkileşimi nasıl etkileşime girer, birbirlerini nasıl etkiliyorlar?

10. Bu heykel hangi türdür? O ne amaçla?

11. Motifin yorumlanması (Canon tarafından dikte edilen, mimari ortamında heykelle işgal edilen yer tarafından belirlenen doğal, koşullu,).

12. Diğer sanat türlerinin çalışmalarında hissediyor musunuz: mimarlık, resim?

Boyamanın tanımı ve analizi

Sanat dili boyama

Resim kavramı. Sanatsal ifadelerin araçları: sanatsal alan, kompozisyon, lezzet, ritim, renkli smear karakter. Boyama malzemeleri ve teknikleri: petrol, tempera, guaj, suluboya, karma cihazlar, vb. Stankovaya ve anıtsal boyama. Anıtsal boyama çeşitleri: fresk, mozaik, vitray ve diğerleri. Resim türleri: portre, manzara, ev türü, natürmort, hayvancılık, tarihi, vb.

Boyama İşleri Açıklaması

İşin temel parametrelerinin belirlenmesi: yazar, oluşturma tarihi, resmin boyutu, resmin formatı: dikdörtgenin (muhtemelen yuvarlak bir sonuçla), kare, daire (TDado), oval. Teknik (sıcaklık, yağ, suluboya vb.) Ve hangi bazda (ahşap, tuval vb.) Bir resim ve DR.

Resim eserlerinin analizi

Örnek Analiz Planı:

  1. Resimde bir arsa var mı? Gösterilen nedir? Gösterilen karakterler, eşyalar hangi ortamda?
  2. Görüntü analizine göre, tür hakkında sonuçlandırabilirsiniz. Hangi tür: portre, peyzaj, natürmort, çıplak, ev, mitolojik, dini, tarihi, hayvancı, - resme aittir?
  3. Sanatçı - görsel ne tür bir görevdir? Etkileyici? Görüntünün Sözleşme veya Natüralizm derecesi nedir? İdealleşme veya etkileyici bozulma şartları var mı? Kural olarak, boyama bileşiminin bileşimi türü ile ilişkilidir.
  4. Hangi bileşenleri kompozisyonu oluşturur? Resim ve arka plan / alanın bir nesnesinin resmin deseninin oranı nedir?
  5. Resim düzlemine ne kadar yakın görüntünün nesneleri yerleştirilir?
  6. Bir görüş açısı, bir sanatçıyı seçti - yukarıdan, alttan, gösterilen nesnelerle yıkanın mı?
  7. İzleyicinin konumu nasıl belirlenir - resimde gösterilen resimle etkileşimde bulunur veya askıya alınmış bir tefekkürin rolü verilir mi?
  8. Dengeli, statik veya dinamik kompozisyonu aramak mümkün müdür? Bir hamle varsa, nasıl yönlendirilir?
  9. Resim alanı nasıl inşa edilir (düz, belli belirsiz, mekansal bir tabaka sessiz, derin bir alan oluşturulur)? Mekansal derinliğin yanılsaması ile elde edilenler (gösterilen rakamların boyutundaki fark, nesnelerin veya mimari hacminin gösterisini, renk derecelendirmelerini kullanarak)? Kompozisyon, çizim vasıtasıyla geliştirilmiştir.
  10. Resim doğrusal başlangıçta ne kadar telaffuz edilir?
  11. Bireysel eşyalar hariç, konturları vurguladı veya scratzen? Bu etki ne demektir?
  12. Nesnelerin hacmi ne ölçüde ifade edilir? Hacim yanılsaması tarafından hangi teknikler oluşturulur?
  13. Işık resimde hangi rolü oynuyor? Nedir (pürüzsüz, nötr; kontrast, iterek hacim; mistik). Işığın kaynağı / yönü okunur mu?
  14. Tasvir edilen rakamların siluetleri okundu mu? Onlara ne kadar etkileyici kendi içinde değerlidir?
  15. Ne kadar ayrıntılıdır (veya karşı genelleştirilmiş) görüntü?
  16. Gösterilen yüzeylerin (deri, kumaş, metal vb.) Dokuların çeşitliliğidir. Boyama.
  17. Lezzenin rengini hangi rolü oynar (çizim ve hacmi uyarın veya bunun tersi de çizimi ast koyar ve kompozisyonu kendisi oluşturur).
  18. Renk sadece bir resim hacmi mi yoksa büyük bir şey mi? Optik olarak güvenilir mi yoksa etkileyici mi?
  19. Resimde yerel renkler veya ton tadı egemendir?
  20. Renkli lekelerin sınırları ayırt edilebilir mi? Hacimlerin ve nesnelerin sınırları ile eşleşiyorlar mı?
  21. Sanatçı, büyük renk kütleleri veya küçük lekelerle ilgilidir.
  22. Sıcak ve soğuk renkler nasıl yazılır, sanatçı ek renklerin birleşimini kullanıyor mu? Neden bunu yapıyor? En aydınlatılmış ve gizli yerler nasıl iletilir?
  23. Parlama, refleksler var mı? Gölgeler (sağır veya şeffaf, renkli, renkler) nasıl?
  24. Herhangi bir rengin kullanımında veya tonların birleşiminde ritmik tekrarları vurgulamak mümkün mü, herhangi bir rengin gelişimini izlemek mümkün müdür? Baskın bir renk / renk kombinasyonu var mı?
  25. Pitoresk bir yüzeyin dokusu nedir - pürüzsüz veya pasto eski mi? Bireysel vuruşlar ayırt edilebilir mi? Eğer öyleyse, küçük veya uzun, sıvı, kalın veya neredeyse kuru boya uygulamaları nelerdir?

Grafik işlerinin tanımı ve analizi

Sanat Dil Grafiği

Bir tür görsel sanat olarak grafikler. Sanatsal etkileyici grafiklerin sabit araçları: çizgi, çubuk, leke, vb. Şekil Doğrusal ve siyah ve beyaz. Gravür, gravür türleri: gravür, litograf, linograf, dağlama, monotipi, aquatinte, vb. Stanka grafikleri. Kitap grafikleri. Sanat Poster, Posterler. Uygulamalı grafikler.

Grafiklerin Eserlerinin Açıklaması

İşin Temel Parametrelerinin Belirlenmesi: Yazar, Oluşturma Tarihi, Sayfa Boyutu, Biçimlendirme, Teknik.

Grafik İşletmelerinin Analizi

Örnek Analiz Planı:

  1. Mekansal durumun genel tanımı, gösterilen alanın özellikleri. Uzay, hangi plan odaklı aksanların içinde olduğu, kapalı veya açıktır. Hakim (bu konu için çoğu esastır), bina derinliği ve kullanımları anlamına gelir. Örneğin: doğrusal veya hava perspektifinin niteliği (kullanılırsa). Tasvir edilmiş alanın özellikleri. Boşluğun bütünlüğü / parçalanması. Planlar hakkında karar, dikkatin tahsisi (belirli planların tahsis edilmesi veya algı homojenliği). Bakış açısı. İzleyicinin ve gösterilen alanın etkileşimi (bu madde, derinlik alanının görüntüsü olmasa bile gereklidir).
  2. Yer, oranı, uçağın ve uzaydaki elemanların ara bağlantısı.

Mümkünse, bileşimin türünün belirlenmesi. Daha fazla arıtma: tam olarak bu tür bir kompozisyon türü bu grafik çalışmasında somutlaştırılmıştır, kullanımının nüansları nelerdir. Format özellikleri (oran boyutu). Format ve kompozisyonun oranı: görüntü ve sınırları. Sayfa içinde kütle dağılımı. Kapsamlı aksan ve yeri; diğer elementlerle oranı; Baskın yönler: dinamikler ve statik. Kompozisyonun ana elemanlarının bir mekansal yapı ile etkileşimi, aksanların hizalanması.

  1. Grafik teknolojisinin analizi.
  2. Analizin sonucu, form oluşumu ilkelerini, etkileyici nitelikleri ve etkilerini belirlemektir. İşin resmi ve etkileyici niteliklerine dayanarak, anlamını (içerik, fikir) yanıtı. Yorumuna git. Aynı zamanda, arsayı dikkate almak gerekir (hikaye bu işte yorumlanırken?), Karakterlerin özelliklerinin özgüllüğü (arsa resim ve portre - pozlar, jestler, yüz ifadeleri), Sembolizm (varsa), vb., ancak aynı zamanda - görüntü ve bu nedenle resmin etkisi. İşin belirlenmiş bireysel özelliklerini, türlerin ve türün, daha geniş bir sanatsal bağlamla (sanatın bir bütün olarak işi: dönemi, okul vb. ). Bundan, işin değeri ve değeri ile ilgili sonucu, sanat tarihindeki yeri izleyebilir.

Dekoratif ve Uygulamalı ve Halk Sanat Eserlerinin Açıklaması ve Analizi

Dekoratif ve Uygulamalı ve Halk Sanatı Türleri

Ahşap, metal, vb. Boyama nakış. Halılar. Takı sanatı Ahşap oymacılığı, kemik. Seramik. Sanat lambaları ve diğerleri.

Dekoratif ve Uygulamalı Anıtların Açıklaması ve Halk Sanatı

Dekoratif ve uygulamalı sanat türü. Malzeme. İşleme özellikleri. Boyutlar. Amaç. Renk karakteristik, doku. Kullanımlı ve sanatsal - konunun estetik fonksiyonlarının oranı.

Dekoratif ve Uygulamalı Anıtların Analizi ve Halk Sanatı

Örnek Analiz Planı

  1. Bu konu ne için tasarlanmıştır?
  2. Ne tür boyutlarda?
  3. Konunun manzarası nasıl? Figüratif ve süs süslemelerinin bölgeleri nerede? Görüntülerin konunun formuyla yerleştirilmesi nasıl?
  4. Ne tür süsler kullanılır? Konunun hangi kısımları bulundukları?
  5. Figüratif görüntüler nerede? Süs daha fazla alan alıyorlar mı yoksa süs kayıtlarından sadece biri mi?
  6. Figüratif görüntülerle kayıt nasıl? Serbest kompozisyon alımları olduğunu veya adres prensibini (aynı pozlardaki şekiller, minimum hareket, birbirini tekrarlayın) söylemek mümkün müdür?
  7. Rakamlar nasıl gösterilir? Hareketli, donmuş, stilize mi?
  8. Rakamların detayları nasıl? Daha doğal ya da süs görünüyorlar mı? Figürleri iletmek için hangi teknikler kullanılır?
  9. Mümkünse, konunun içinde bakın. Orada görüntü ve süsler var mı? Onları yukarıdaki şemanın üzerinde tanımlayın.
  10. Süsler ve rakamlar binada ana ve isteğe bağlı renkler nelerdir? Kilin kendisinin tonu nedir? Görüntünün karakterini nasıl etkiliyor - daha fazla süs ya da aksine, daha doğal mı?

Şarkı sözleri:

Çalışmanın analizi, birçok bilgi ve beceri gerektiren karmaşık bir zeka çalışmasıdır.

Birçok yaklaşım, teknik, analiz yöntemi vardır, ancak hepsi birkaç karmaşık eylemde uyuyorlar:

  1. 1) Çalışmanın kendisinin dokusunda sonuçlanan kod çözme,
  2. 2) Anlayışını derinlemesine ve zenginleştirmeye yardımcı olan bir sanat eseri yaratma sürecinin ve koşullarının analitik çalışması,
  3. 3) Bireysel ve toplu algıdaki işin sanatsal görüntüsünün tarihsel dinamiklerini incelemek.

İlk durumda, taleplerin çalışmasıyla çalışma devam ediyor - "Metin"; İkincisinde, bağlamdaki metni göz önünde bulunduruyoruz, üçüncüde harici darbelerin etkisinin sanatsal izlerini tespit ediyoruz - algısının çeşitli çağlarda nasıl değiştiğine bağlı olarak, sanatsal görüntüdeki değişiklikleri inceliyoruz.

Orijinali sayesinde her sanat eseri, mantığını, analiz tekniklerini belirler.

Bununla birlikte, sanat eseriyle yapılan pratik analitik çalışmanın birkaç genel prensibi dikkatinizi çekmek ve birkaç ipucu vermek istiyor.

"Eureka!" (Analiz Entrika). İlk ve en önemli şey: Sanatın işi, sanatsal görüntünün anlamının derinliklerine hangi yolların neye nüfuz edilebileceğini göstermektedir. Aniden soruyu ortaya çıkan bilincini yakalayan bir tür "kanca" var. Çalışanların veya öğrencilerle birlikte olup olmadığını, içsel monologlara bir cevap arayın - genellikle içgörüe yol açar (Eureka!). Bu nedenle, bu tür konuşmalar - onları bir grupla yönlendirmeyi öğrenmelisiniz - sezgisel olarak adlandırılır. Müzede veya mimari ortamda analitik çalışma genellikle bu tür sorunlarla başlamaktır - "Metin" olarak atılan bilgileri "çözme".

Bir soru sorun, cevabı bulmaktan çok daha zor.

- Neden Alexander Ivanova'nın "çıplak çocuk" bu kadar trajik bir yüz var?

"Mesih'in kıyafetlerini giymiş," Phenomena "resminde" Phenomenen "boyamasında rahat olan genç bir adamın nedeni?

- Neden Kyot Kyot K.S. Petrova-Vodkina "Anne" 1915'te?

- Neden pd Fedotov, "Major'un Dokunması" resminin ikinci versiyonunda, lastra'yı kaldırır - o kadar uzun zamandır aradığı öğe?

- Neden S.i'nin heykel büstünde. Maelson Schubin Mermer bir yağ parlatıcısına parlatılır, çoğu durumda "Cilt" portrelerinde kişiler mat görünüyor mu?

Bu tür sorular hatırlanabilir, hepsi - her insanda doğal olan eşsiz, kişisel bir vizyonun kanıtı. Kasıtlı olarak burada cevap vermiyorum - onları kendin bulmaya çalış.

Sanat eseriyle analitik çalışmalarda, sadece onu taze bir gözle görme yeteneğine, doğrudan, yazılımı ve soyutlama yeteneğini, formun ve içeriğin ve içeriğin algı ve diğer unsurlarını susturma yeteneğini yakalamanıza yardımcı olacaktır. .

Plastik sanatlar hakkında konuşursak, kompozit, şemalar, analitik eskizler, renk "düzenleri", mekansal yapı analizi, "Çalma" aksesuarları vb. Tüm bunlar ve diğer araçlar çalıştırılır. Ancak bir şey hatırlanmalı: Herhangi bir analitik alım, her şeyden önce, formun unsurlarına müdahale etmenin bir yolu, anlama. Ölçü, koyun, diyagramları çizin, ancak bu şemaların kendilerinin uğruna ve anlamlarının anlayışının adına, çünkü gerçek sanatsal görüntüde "boşluk" yok - ve malzemenin kendisi ve boyutu yoktur. ve faturaya kadar olan format, yani konu sanatların yüzeyi anlamdan yapılmıştır. Başka bir deyişle, sanat dilinden bahsediyoruz.

Benzersizliğine rağmen, benzersizliğine rağmen, sanat eserleri tipolojiye uygundur, bunlar doğal olarak, her şeyden önce sanat sanatına göre gruplandırılabilirler.

Tipoloji sorunu, sanat ve estetik teorisi sırasında sizin için eğitim almanın konusu olacaktır ve eğitimin başlangıcında, özellikle analizde önemli bir rol oynayan yönlerine dikkat etmek istiyoruz. sanatın yorumlanması. Ek olarak, temel kavramların anlamını belirleme fırsatı buluyoruz (yukarıda belirtilen bu çalışmanın önemi).

Yani, sanat eseri türlerden birine ait olabilirbunlara ayrılmıştır: tek bakım (monostrüktürel), sentetik ve teknik.

  • Tek çizgi - boyama, grafik, heykel, mimari, edebiyat, müzik, dekoratif ve uygulamalı sanat.
  • Sentetik - tiyatro ve muhteşem sanatlar.
  • Teknik - Filmler, Televizyon, Bilgisayar Grafikleri.

Tek sanatlar bölünmüş, açık:

  • mekansal (mimari, boyama, grafikler, dekoratif ve uygulamalı sanat)
  • geçici (edebiyat, müzik),

resim, resim, grafik, heykel) ve saçma (mimari, dekoratif ve uygulamalı, edebiyat, müzik).

Sanatın sınıflandırılmasında çeşitli bakış açıları olduğundan ve tüm bu tanımlar mutlak olmadığından, ancak doğada görür ve ilk önce duralım - sanatta yer ve zaman probleminde çok kısa, çünkü bu kadar basit değil. İlk bakışta görünebilir ve işi analiz ederken çok önemlidir.

Her şeyden önce, sanatların mekansal ve geçici olarak ayrılmasının çok şartlı olduğunu ve işin varlığının özelliklerine dayandığını not ediyoruz: mekansal sanatların malzeme taşıyıcıları gerçekten konu, uzayda bir yer işgal ediyor ve zaman içinde Onlar sadece yaşlanma ve yok edildi. Ancak, müzikal ve edebi eserlerin malzeme taşıyıcıları da uzayda bir yer (nink, plakalar, kasetler, nihayet, sanatçılar ve araçları; el yazmaları, kitaplar, dergiler). Sanatsal görüntülerden bahsedersek, belirli bir manevi alanı "işgal ediyorlar ve tüm sanatlarda zaman içinde gelişirler.

Bu nedenle, bu kategorilerin varlığını sınıflandırma olarak görmeye çalışacağız, bunlar hakkında analitik bakış açısından, bizim için - bu durumda - daha önemli.

Yukarıda, bir malzeme ve ideal bir fenomen olarak herhangi bir sanat ürününün uzay ve zamanda var olduğu ve malzeme bazında esas olarak boşlukla birbirine bağlandığını belirttik.

Ancak, sanat eseri uzay ve diğer yönleriyle kabul eder. Doğal alan ve bir kişinin tecrübesi, sanatsal görüntü üzerinde, örneğin resim ve grafiklerde, çeşitli mekansal konstrüksiyon sistemlerinde, mimaride mekansal görevleri çözme özelliklerini belirleyen, mimarlıkta uzayın özelliklerini belirleyen, sanatsal görüntü üzerinde büyük bir etkiye sahiptir. Tüm sanatlarda, "şeylerin yeri", "insan alanı", "SOCYUR ALANI", doğal - dünyevi ve kozmik alan ve nihayet, en yüksek manevi gerçekliğin alanı mutlak, Tanrı'dır.

Dünyanın vizyonu değişiyor, arkasında - sanatsal bir düşünce sistemi; Eski sistemden yeni olan bu hareket, mekansal kavramdaki değişikliklerle işaretlenmiştir. Böylece, ilgi merkezinin en yüksek ruhsal gerçeklikten - Tanrı'nın, XVII yüzyıldaki Dağ Dünyası, XVII Yüzyılın Rus Sanatı'ndaki Dağ Dünyası, sanatçının ufkunu daralmış gibi ve ters perspektifin sonsuzluğu gibi sınırlı düz çizgi ile değiştirildi.

Ayrıca hareketli ve çok yönlü zaman.

Bu, materyal taşıyıcısının gerçek zamanlıdır, notlar sarardığında, filmler göç edildiğinde, kirli tahtalar Blackboard ve sanatsal görüntünün zamanı, sonsuz gelişmekte olan, neredeyse ölümsüzdür. Bu ve zaman, sanatsal görüntünün içinde mevcut olan, tasvir edilen şeyin ve insanın yaşadığı zaman, toplum, insanlığın bir bütün olarak olduğu zamandır. Bu, bir iş, tarihi bir dönemi ve bir yaşam süresini yaratma zamanıdır, sonunda yazarın yaşı, bu süre, bu zamanın uzunluğu ve "duraklat" sırasında "duraklatılır" - tasvir edilen bölümler. Son olarak, bu algı için hazırlık zamanıdır, işle temas halinde olan algılar, algılanan bir sanatsal görüntünün deneyimini ve anlayışı.

Her sanatın her birinde, uzay ve zaman farklı şekillerde gösterilir ve bununla ilgili olarak, her biri, içinde doğal olan sanatsal görüntüyle özel bir sanat türüne adanmış olan sonraki bölümlerde görüntülenir.

Hiçbir tesadüfen değil, "görüntülenmeyeceğim" ve "tasvir edilemeyeceğim", çünkü bu kavramları ürememiz gerekiyor.

Görüntüleme - gerçekliğin fenomenine eşdeğer olanı bulmak demektir, sanatsal görüntü kumandasında, görsel - görülebilen, sözlü - sözlü veya ses - görsel - görsel - görsel - sözlü - sözlü veya ses - bir şeyin sesli bir analogu oluşturmasıdır. Sanatlar yukarıda belirtildiği gibi, görsel ve yoğun, çünkü müzikte, örneğin, trenin gürültüsünü ya da bir horoz ağlamasını (ve bütün kuş avlusunun) ve edebiyatta tasvir etmemesi imkansızdır. Neredeyse herhangi bir görünür veya sesli nesneyi tanımlayın. Ve müzikte ve literatürde mümkündür: ilk durumda, ikinci durumda, ikinci bir açıklama ile ses direnci ile uğraşıyoruz. Dahası, boyama, heykeller, müzik, müziğin işleriyle derinden hayatta kalan yetenekli bir yazar, tanımının, görsel veya müzikal sanat eserinin tam teşekküllü ve son derece sanatsal sözlü (sözlü) analogu olacağını bu tür kelimeleri bulabilir.

Mimari işler (parçalarından bahsetmiyorlar: Mısır tapınaklarının lotus sütunları, kabuklar, atlalar, rahatlama ve diğer dekoratif heykel elementleri), resim olabilir: yani, 1930'larda Sovyetler Birliği'nde, o araba veya diğer eşyalar şeklinde evler inşa etmek için moda. Leningrad'da, bir orak ve çekiç şeklinde bir okul inşa edildi, ancak sadece bir kuşun göz görünümünden görmek mümkün olsa da. Ve yoğun - dekoratif ve uygulamalı sanatta kuşlar, balıklar, insan figürleri vb. Şeklinde çeşitli gemiler!

Aksine, görsel sanatın çalışmaları genellikle "hiçbir şeyi tasvir etmeyin" gibi soyut resim ve heykel gibi.

Böylece bu sınıflandırma özelliği görecelidir. Ve yine de var: görsel olarak, yani, dünyanın fenomeninin imajına dayanan ve aktif olmayan, sözlü ve müzikal olan algılanan "Güzel Sanatlar" nın vizyonu.

Sanat her zaman şartlıdır ve (neyin olmaması gerektiğinden bahsetmemelidir), bu ya da yaşam ömrünün olgusunun tamamen benzerliği yaratamaz. Sanatçı mevcut gerçeği iki katına çıkarmaz, dünyanın sanatsal ve figüratif modelleri yaratır, bunları basitleştirir ve dönüştürür. Boyama bile, sanatın en kabul edilmesi, dünyadaki çoklu yatanların tuval üzerindeki tüm zenginliklerini yakalayabilecek ve transfer edebilecek gibi görünecek, ırkı taklit etmenin son derece sınırlı bir yolu var.

KS'yi çok seviyorum. Petrova-Vodkina. Sergilerinden birinde, "Bizim Lady - kötü kalplerin oyalanması" - saf kırmızı, mavi ve altın ışıltısı - pencerenin yanındaki duvardaki Rus müzesi salonuna yerleştirildi.

Uzun yıllar boyunca resim katta gizlendi ve şimdi, salonda olduğunda, oturup ona bakmak mümkün oldu, sonsuzluk gibi görünüyordu. Cosmatik olarak derin, delici bir şekilde temiz ışığı gök derinliklerinin parlak ışığı Parlatıcı, Scarlet Maphorus ile birlikte şekillendirme, bayanın güzel Meek Yüzleri ...

Uzun zaman geçirdim, sokak stemnelinde, kış akşamı pencerede gitti - ve benim için ne şoku, mütevazı kış St. Petersburg alacakaranlıkta penceredeki sessiz bir parıltı oldu - Petrova'daki mavinin yanına baktılar. Vodkina Boyama, mavi bir kağıt eşleştirme kutusunun yanında parlayan bir safir gibi. Bu, bir şansınız olmadığı zaman bilmediğinde, ama görmeyi gerçekten sınırlı bir şekilde sınırlandırdığını gördün, eğer yargıladığınızda, Safi Viewer'ın favori izleyicisinin en sevdiği kriterlerine dayanır. Orijinal görüntü. Ve yaşamın olaylarını mümkün olduğunca çoğaltmak için tüm gücüyle değil, son derece takdirde değil.

Sanatsal görüntü, basit bir yaşam tekrarı değil ve onun olasılıkları - sözlü veya görsel - hiç önemli kalitede değil. Sanat, dünyaya ustalaşmanın yollarından biridir: onun bilgisi, değerlendirmesi, insan tarafından dönüşümü. Ve sanatsal bir görüntüde her zaman - farklı sanatta ve farklı sanatsal sistemlerde ve farklı sanatsal sistemlerde - fenomen (bir kişinin duyguları tarafından algılanan şey) ve özü (fenomenin özü, onun tamamen temel özellikler), sanatı yansıtmak için.

Her sanatsal düşünme sistemi, varlık bilgisi yöntemini oluşturur - yaratıcı yöntem. Okulda, bu somut bir Avrupa yaratıcı yöntemlerle Barok, Klasikizm, Siktiriş, Sosyalist Gerçekçilik, Gerçekçilik, Sembolizm, Modernizm, Sosyalist Gerçekçilik, Sürrealizm, vb. İle tanıştınız. Tabii ki, her yöntemin anlayış adına yaratıldığını unutmayın. , kişinin ve dünyanın bir bütün olarak ve bireysel nitelikleri olarak değerlendirilmesi, dönüşümü. Bir kişi hakkında ne kadar tutarlı bir şekilde "gidiyor" bilgisini hatırlayın: Barok Çalışmalar ve Fırtınalı, Unbridled Adam Duygularının dünyasını sergiliyor; Klasikizm, tümü dengeli zihin ölçmedir; Duygusallık, insani gizlilik ve yüce, ancak tamamen kişisel duyguları onaylar; Romantizm, kişinin "iyi ya da kötü bir partide", dünyanın "ölümcül anlarındaki" tezahürleri; Gerçekçilik, bir kişinin oluşumu ve ömrü için sosyal vakıfları gösterir; Sembolizm, insan ruhunun gizemli derinliklerine tekrar koşuyor ve gerçeküstücülük, bilinçaltılığın derinliklerine nüfuz etmeye çalışıyor, böylece adlandırılmış yaratıcı sistemlerin her biri tek bir nesnede yenilenen görüntünün kendi konusuna sahip. kişi. Ve kendi işlevleri: İdeal, çalışma, maruz kalma vb. Onayı.

Buna uygun olarak, bir nesneyi dönüştürme yöntemi, mevcut içeriğini tanımlamaya olanak tanıyan: Bu, nesnenin idealleştirilmesidir - dönüşüm, "kusurlu gerçeğin kusursuz gerçekliğinin sanatsal bir şekilde özgürleşmesi", idealinin benzerliği (kısa filozofik) Ansiklopedi. M., 1994) Bu tür yöntemlerde, idealin kendisinin farklı şekillerde anlaşıldığı gerçeğine dayanan barok, klasikizm, romantizm; Bu, tipifasyon, gerçekçilik karakteristiği ve dünyanın sanatsal gelişmesinin farklı aşamalarında insanlığı kullanan sembolizasyondur.

Sanatın gelişmesinin geçmişine çok yüksek bir genelleme seviyesine bakıldığında, dünyanın sanatsal ve figüratif modellemesinin iki kutuplaması arasında geliştiği söylenebilir: son derece yaratma arzusundan, illüzyona, Limit genelleme için makul üreme. Bu iki yöntem, beynin iki yarım küresinin çalışmasıyla ilişkilendirilebilir: sol analitik, bu konudaki fenomeni, bilgisi adına ve sağ elini, genelleştirici, hayal gücü, bütünsel görüntüler yaratma (mutlaka sanatsal değil) ) aynı amaçla.

Dünyada, yarımkürelerden birinin gelişiminde gözle görülür bir avantaja sahip insanların hakim olduğu bölgeler var. Tabii ki, elbette, "Doğu", "Doğu Adamı" kavramlarının "doğudan" kavramlarının rahatlatıcı - immudi (figüratif) düşünce ile ilişkili olduğunu söylemek çok şartlıdır. "Batı", " Batı adam "yaprak saçlı, analitik, bilimsel.

Ve burada görünür bir paradoks ile karşı karşıyayız.

Geri Çağırma: Sol yarımkürede, soyut mantıksal, sözlü, analitik düşünceyi denetler; Sağ - Beton, figüratif, sözel olmayan, genelleme.

İlk bakışta, daha spesifik olarak bunu belirlemek kolaydır: Belirli bir kişinin görünümünü ve karakterini ileten bir portre, yani, ışığa dayanan fenerde küçük bir adam, bir kişinin bir üzüm kümeinin son derece genelleştirilmiş bir belirlenmesidir. , Hollandaca bir natürmort ya da bir doğu süslemesinde sonsuz bir asma ya da koşullu setlerden oluşan sonsuz bir asma, yaprakların ve kapakların süslemesinin unsurlarının seviyesine getirildi.

Cevap açıktır: Mimetik görüntüler bir portre, natürmort, özel, süs genellemeleri daha soyutlanmıştır. İlk durumda, "bu kişinin" konseptleri ihtiyaç duyulur, "Bu grup", ikincisi yeterli - "adam", "grup".

Portrenin ve natürmort olduğunu, sanatsal görüntüler olduğunu, aynı zamanda daha analitik - "sol yarım yarısı" olduğundan, süsleme unsurlarından daha fazla analitik olarak anlamak biraz daha zordur. Aslında, portreyi tanımlamak için kaç kelimenin tanımlanması gerektiğini hayal edin - bu görüntünün sözlü "çeviri", yeterince uzun ve az ya da çok sıkıcı olacaktır, süslemedeki asma, aşırı durumlarda, üç kelimeyle belirlenir: tırmanma asmanın süsleme. Ancak, doğadan çok fazla çizim yaparken, süsleme yazarı bu görüntüyü bir kereden fazla tekrar etti, sembol içeren sembolün seviyesinin bir değil, birçok değer olmasını sağlayan bir limit genelleme arayarak.

Batı - analitik (mimetik, taklit) ve oryantal genelleştirilmiş (süs) hakkında görsel bir görüntü oluşturmanın yollarını daha fazla bilgi edinmek istiyorsanız, L.A. Lelekova "Eski Rusya ve Doğu Sanatı" (M., 1978). İki sanatsal düşüncenin iki sisteminin düzeltilmesi, yazar iki ifade sırasına karşı çıkıyor.

İlk Sokrates'e aittir: "Resim, gördüklerimizin bir görüntüsüdür."

İkinci - Buda: "Sanatçı, renkte görülemeyen bir resim oluşturmak için boyalar hazırladı."

Eski bir efsanede, iki yetenekli ressamın rekabeti hakkında - zeewaxis ve parracia - bunlardan birinin üzüm şubesini nasıl yazdığını ve kuşların üzerinde gösterilen meyveleri kıpırdatmak için bu resme nasıl uçtuğunu söyler - bu kadar büyük illüzyonuydu. dolum ömrü. İkincisi, adının gözünü aldattı, tuval üzerindeki perdeyi canlandırdı, bu da resmin sözde böyle bir sanatla kapsandığı, yakında geri almasını istedi. Bir yanılsamayı oluşturmak - görünür taklit etmek - rakiplerin her biri için daha yüksek bir hedefti.

Tamamen farklı bir amaç, Buda: Boyalarla yazılan görünür bir görüntü sadece adamın ruhunda doğmuş bir görüntünün bir taşıyıcısıdır. Buddha, Hıristiyan filozof John Damaskin'den sona eriyor: "Her görüntü gizlice bir vahiy ve test."

Aslında, ikonostasın sütunlarını süsleyen asma, yaşam ve doğurganlığın bir sembolü, bir cennet bahçesi (Vertograd Mesih), sonsuzluğun bir sembolüdür.

Bu nasıl l.a. Başka bir süsleme konusundaki celetler: Doğudan çok yaygın olan alternatif fetüsün ve çiçeklerin araya gelmesi, "nedensel koşulluluk ve varlığın sonsuzluğunun, yaratılışın temaları ve yaşamanın sonsuzluğunun kavramlarını, Geçmişin ve geleceğin ilişkisi, karşıtların çarpışması "(Ibid. S. 39).

Ancak hem nispeten az sayıda belirgin "seviye" grupları arasında - bilim adamları ve "hak" arasında - sanatçılar, geçiş türlerinin sayısında en büyük geçiş türü var ve doğal olarak - kendisine eşit, kendinden betona eşit ve nefret edilmeyen, yanıltıcı Görünürlük görüntüsü (fenomen) ve çok fazla anlamı içeren süsleme, karışık bir türün görüntüleri tarafından işgal edilen geniş bir alandır, - onlar hakkında yukarıda söyledik.

Belki de aralarındaki en ahlaksız olanı - sanatçı, görülebilirlerin sembolizasyonuna, sanatçı, görülebilirliğin sembolize edilmesine çaba gösterdiğinde görüntü gerçekçidir. Yani, al. İvanov, Plenäer'in yasalarını açarak ve iç özellikleri ve kişisel nitelikleri ortaya çıkma yöntemini geliştirmek, yarattıklarını derin bir sembolik anlamda doldurdu.

20. yüzyılın sanatçılarının-abstractları, resimlerini yaymak, "İkinci", tuvaldeki yanıltıcı gerçekliği terk ederek, insan süper farklılığının alanına dönüştüğünde, derinliklerinde imajı yakalamaya çalıştı, İnsan ruhu veya aksine, tasarladım.

Bu nedenle, analizde, işin sanatsal görüntüsünün, görüntünün konusu, imajın konusu, bir nesneyi dönüştürmenin yöntemi ve araçlarının ne olduğunu düşündüren entrikayı takip etmeniz gerekecektir. . Ve bir daha önemli bir soru önünüzde ortaya çıkıyor: temel kompozisyon ve iletişim nedir - sanatsal görüntünün yapısı.

İşin sanatsal görüntüsü bütünlüktür ve herhangi bir bütünlük olarak, unsurlardan oluşan bir sistem olarak tanımlanan herhangi bir bütünlük sunulabilir (her biri de sırayla, aynı zamanda bir sistem olarak tasarlanıp sistem olarak temsil edilebilir) ve kendileri arasındaki bağlantılar. Yapı ve yeterli sayıda unsur, bir sanatsal görüntünün işleyişinin bütünlük olarak işleyişinin gerekli parçaların varlığının ve sadık montajlarının varlığının nasıl olduğuna benzerdir - iletişim, yapı, bir hareket ve alarmın zamanında zil sesi sağlar.

Sanatsal bir görüntünün unsurları olarak ne etiketlenebilir? Kafiye, uyum, renk, hacim vb.? Bunlar form unsurlarıdır. Konu görüntü, nesne, öz, fenomen? Bunlar içeriğin unsurlarıdır. Mantıksal olarak savunarak, işin sanatsal görüntüsünün unsurlarının da görüntüler olduğunu açıklamalıdır: Petroglif'teki en basit ikonik görüntüden petrogliflerdeki tüm aralıktaki bir kişi; Bütünlüğü genellikle medeniyet veya "ikinci doğa" olarak adlandırılan insan yapımı şeylerin sayısız manifoldunda ilgili dünya; sosyal bağlar, ailenizle başlayan ve evrensel ile bitmiş; Tüm tezahürlerinde ve formlarındaki manif olmayanların doğası: Hayvanlar, cansız dünyayı canlandırın - orta, planet ve kozmik; Son olarak, tüm sanatsal sistemlerde bulunan ve farklı dönemlerin farkına varan en yüksek manevi düzen farklı denir: en yüksek zihin, mutlak, tanrı.

Adlandırılmış görüntülerin her biri farklı şekillerde gerçekleştirilir ve denetimli, genel bir karaktere sahiptir.

Sanat eser içinde birleşik somutluk, böyle bir görüntü daha karmaşık bir bütün (örneğin, doğanın görüntüleri, Turgenev'in Romalılarında ve Roman-Korsakov operasyonlarında ve Repin-Korsakov operasyonlarında ve Repin-Korsakov operasyonlarında önemli bir yer işgal etmesi için bileşen olarak dahil edilebilir. . Görüntülerden biri merkezi bir yer alabilir, dinlenmeyi alt konutlar (bu, güzel sanatların monostralıkik türleri portre, peyzaj, vb.) Ve aynı zamanda bir ustanın işindeki seriden geniş bir sanatsal işlerin rezervuarını oluşturabilir ( Örneğin, Petriada in. ve SEROV) Ben Sovyet Sanatında Leninian gibi dev oluşumlara.

Bu nedenle, işi analiz etme sürecinde figüratif elemanları seçebilir ve aralarında bağlantılar kurabilirsiniz. Genellikle, bu tür işler, yazarın fikrini daha derinden bulmaya yardımcı olur ve kendinize duyguların işleriyle iletişim kurmada bir rapor verir, sanatsal görüntüyü anlamak ve yorumlamak daha iyidir.

Adanmış bu küçük bölümü toplama yapıtın "Metnin Yeterli Bütünlüğü" olarak Analizi, En önemli şeyi not edin:

  1. 1) Bir analiz, sanat eseri ile iş sisteminde yer alan operasyonlardan biridir. Analitik çalışma sürecinde cevap vermeniz gereken en önemli konulardan biri şunlardır: Sanatçının, sanatçının bir sanatsal ile iletişim kurduğunuz ve gerçekleştirdiğiniz izlenimleri tam olarak nasıl kazanabileceği anlamına gelir. yol mu?
  2. 2) Bölüm için genel bir işlem olarak analiz (Sentezin emsalsiz elemanları olmasına rağmen) kendi içinde bir sonuç değildir, ancak bir sanatsal görüntünün anlamsal çekirdeğine daha derin bir nüfuz etme yöntemi;
  3. 3) Her sanat eserinin benzersiz, benzersiz, bu nedenle metodik olarak doğrudur - ve öğretmen için "ilgi çekici analiz" bulmak çok önemlidir - özellikle toplu iş, zincir veya daha doğrusu, bir sistemi gerektiren kilit bir soru Analizin bütünsel bir resminde hangi soruları, cevapları ve daraltılması;
  4. 4) Herhangi bir sanat eseri, gerçek yüzleri, parçaları, yönlerini yansıtan dünyanın sanatsal ve figüratif bir modelidir.
    Dünya ve ana unsurları: insan, toplum, medeniyet, doğa, tanrı. Bu yönler, parçalar, önemli bir şekilde oluşturmanın yönleri - bir yandan, zaten nesnel gerçeklik, çünkü bu sadece bir parçası olduğundan ve diğer taraftan başlangıçta daha zengindir, çünkü başlangıçta daha zengindir. Yazarın tutumunu, zenginleştirilmiş ve yaratıcı süreçleri, dünyayla ilgili bilginin bir nesne formunda artması, sanat eserinde ve sonunda yaratıcılık sürecinde güncellenmektedir. Analitik çalışmalarda, soruları cevaplamanız gerekir: Bu işteki görüntünün nesnesi nedir? Görüntünün konusu nedir? Yenilikler, işin sanatsal imajını özümseyerek dünyayı öğreniriz?
  5. 5) Her sanatsal çalışma, bir görüntünün bir görüntüsünü dönüştürmek için bir yöntemin, sanatsal bir imajın oluşumu, belirli bir sanat dili oluşturulduğu bir yöntem olduğuna göre sanat türlerinden birine aittir.
  6. 6) Bir bütün olarak sanat ve malzeme dünyasının bir fenomeni olarak ayrı bir iş uzayda ve zamanda var. Her dönem, her estetik sistem, bu gerçekleri ve hedeflerini anlamalarına göre, sanatsal zaman ve mekan kavramını geliştirir. Bu nedenle, uzayın düzenlemesinin özelliklerinin ve işte zamanın özelliklerinin analizi gerekli bir analitik işlemdir;
  7. 7) Dünyanın sanatsal ve figüratif modeli görsel (görsel) veya aktif olmayan (duyulabilir, sözlü veya görsel-yapısal) olabilir. Yaşamın taklidi (bir yanılsama yaratma arzusuna kadar - "aldatıcı") veya aksine, görüntünün tam "dağılımı", yanı sıra tüm orta formlar da kendi içinde bulunmuyor, her zaman anlamlıdır, Analizde açılan hedef ayarının bir düzenlemesi olarak hizmet eder. Aynı zamanda, fenomen arasındaki ilişki ve özü, anlama ve bunun sonucunda sanatın ana işlevlerinden biridir. Bu nedenle, analiz sürecinde, fenomenin sanatsal görüntünün (nesne nesnesi) ne olduğunu, nesnenin özellikleri, kalitesi, sanatçının (görüntünün konusu), hangi yöntemin nasıl olduğunu anlamaları gereklidir. Konunun dönüşümü ve yapı nedir - elementsel bileşim ve yapı - sanatsal bir görüntünün bir sonucu olarak ortaya çıktı. Bu soruları cevaplamak, sanat eserinin, sanat eserinin, sanatsal görüntünün kumaşından saydam olduğu gerçeğinde oldukça iyi anlamak mümkündür.

Analiz ve sanat eseri ile çalışma konusundaki konuşmayı tamamlamadan önce size iki konsey vermenize izin verin.

İlk önce analizin anlamı ile ilgilidir. Ne olursa olsun, size yakın ya da dahili olarak uzaylıysanız, bu veya bu sanat eseri, analiz - yorumlama yazarı anlamanıza yardımcı olacak ve işle ilgili bir konuşmada değerlendirmenizi haklı çıkarır. "Gibi - sevmiyorum" ile ilişkilerde, diğer ifadelerle daha iyi değiştirin:

"Anlıyorum ve kabul ediyorum" ya da "Anlıyorum, ama kabul etmiyorum!" Ve aynı zamanda her zaman fikrinizi haklı çıkarmaya hazır olun.

İkinci Kurul, çağdaş sanat sergisinde çalışmanız ya da sanatçıyı ziyaret etmek zorunda kalırsanız, sizin için özellikle yararlıdır - atölyesinde.

Herhangi bir normal kişi için, yazarın varlığı bir algılama faktörüdür, bu nedenle çağdaş sanat sergisinde, her zaman yazarın yakın durmuş olduğu gibi çalışırlar, oldukça gerçek bir fırsattır.

Fakat asıl şey: bir kez ve sonsuza dek, "doğru" ve "yanlış" sanat, "iyi" ve "kötü" olduğu fikrinden taburcu etmek. Sanatın çalışmaları değerlendirilecektir: Sonuçta, yaratıcısı bir usta olabilir ve bir Chowl-Dilent amatör, süper uyarlamalı bir konjunjör, speculator olabilir.

Ancak serginin salonunda, bir savcı olarak hareket etmek için acele etmemelisiniz, işin neden böyle tahrişin beklenen neşesi yerine neden olduğunuzu anlamaya çalışmak daha iyidir: bu konuda, kesinlikle uyumsuz bir şekilde hissettiğinizde Görüntü, genel yıkıcı gücü, ondan giden olumsuz enerji, ya da kişiliğinin özellikleri nedeniyle, mecazi olarak ifade eden titreşimlerle "rezonansa" girmediniz, Sanatsal görüntü.

Hepimizin sanatını farklı şekillerde algıladığımızda - ve elemanlarında ve genel olarak - Tamamen beklenmedik bir şekilde TV ekranının yakınında hissettim. ... Kolomenskoye'u seviyorum - Kazan Tanrı'nın Kazan Annesi Kilisesi ile, Moskova-Nehri'nin incecikleri, Mesih'in Yükseliş Kilisesi'ndeki Hızla yükseldi, John Katedrali'nin Yaldızlı Makinaları, Dyakov'daki Forerunner Rhossom'un dağları, ağaçların çiçekleri, vintage sütunlar ve kalın yeşil çimlerde değerli taşlar. Uzun yıllardır, sanat tarihinin bir üyesi, öğrencilere XVI-XVII yüzyıllarının bu harika kreasyonlarını anlatıyorum. Ancak televizyonda "Traveler Club" ndaki küçük bir arsa benim için açıklandı. Derler - Master, Sofya'nın simgesinin doğal ve mimari biçimlerinde yer alan metrik ve mimari topluluğun, Tanrı'nın bilgeliği olduğunu gösterdi ve kanıtladı. Asla, rasyonel bilinci olan bir kişi, bu mucize görmeyi başaramazdı. Fakat şimdi, elbette, orijinal kaynağa referansla, öğrencilere başkaları arasında ve bu yorumu sunacağım.

Edebiyat:

Völllin

Yantson Kh.v., Yantson E.F. Sanat Tarihinin Temelleri - Bul. Bulundu. Yatmak. Ve hombrich de.

Temas halinde

Bilgi tabanında iyi çalışmanızı göndermeniz basittir. Aşağıdaki formu kullanın

Öğrenciler, lisansüstü öğrenciler, bilgi tabanını çalışmalarında kullanan genç bilim adamları ve çalışmaları size minnettar olacak.

tarafından gönderildi http://www.allbest.ru/

Mimari iş evinin analizi Pashkov

"Sanatçının görevi, materyali yok etmek için formun yardımıyla", - f. Schiller, B.R. kitaptan VIPPER "Sanatın tarihsel çalışmasına giriş." Ve aslında, mimarlığın en önemli görevi, malzemeyi reenkarn etmek, onu değiştirmek ve sanatsal hedeflerine boyun eğdirmektir. Ve bunun sonucunda, bir hacim ve mekanın etkileyici bir kombinasyonuna dayanan tek bir kompozisyon oluşturun. Mimarlar ayrıca, üç tarafı binanın uyumlu bir bileşiminde bağlantı kurmaya çağrılır: bir elinde - kolaylık ve faydalar (fonksiyonel görev); Öte yandan, güç ve verimlilik (ekonomik görevin yapıcı ve uygulanabilirliği); Üçüncüsü ile - formların güzelliği (estetik görev). Sonunda, bileşimin amacı - formun ve içeriğin birliğinin sağlanması. Ve elde etmek o kadar kolay değil. Moskova'nın en belirgin evlerinden birini düşünün. Hangi mülkiyet, mimari tekniklerin bu binanın yüksek değerlendirmesini belirlemiştir?

pashkov Mimarlık Evi

Pashkov House 1784-1786 yılında inşa edilmiştir. XVIII yüzyılın ikinci yarısında. Vasilya Bazhenovo, zengin toprak sahibi Pashkov tarafından görevlendirildi. Asil basitliğin ve klasikliğin kısıtlaması, barok sulu cömertliği ile koştu. Bu zamanın tanınmış bir ustası Vasily Bazhenov - Barok ve Klasikçilik ilkelerini burada organik olarak birleştiren bir Moskova Klasikliği tarzı yaratmayı başardı. Bu, bu stillerin favori yöntemleri ile onaylanır. Örneğin, yosun sokağına bakan uzun bir cephe, tekdüzelik, tutarlılık ve doğru sırayı vurgulayan klasik bir tarzda yapılır. Kompozisyonu açıkça simetrik olarak merkezi binanın eksenine göre ortaya çıkıyor. İki katlı iki katlı galeri, iki katlı özdeş fililer tarafından tamamlanan sağa ve sola ayrılır. Pashkov'un evinde, iki ana cephesinde - biri karayoluna bakar ve bir sarayı, ciddi bir karakter, diğeri avluya yönelik ve daha rahat, bir mülke sahiptir. Silindirik Belvedere yükselir (Bazhenov, Yunan tanrıçası minervaların bir heykeli ile tepesinde, bir kubbeye sahip eşleştirilmiş sütunlarla çevrili bir rotunda ile çevrelenmiştir), iki dipi ile birlikte açık bir ACTE üçgeni oluşturdu. Bunlar, Latince'de tam anlamıyla "örnek" anlamına gelen klasiklik stilinin teknikleridir. Barok tonları, mimari dekorun tasarımında açıkça görülebilir, özellikle de merkezi binanın merkezinin garantisi, bir yandan, katı klasik, diğer yandan, detaylarını (korkuluklar, heykeller üzerindeki vazolar) , Dekorun sıva detayları) sıradan klasik kanonlara kıyasla daha fazla özgürlük ve özgünlük ile.

Ev, günümüze orijinal haliyle korunamadı, tekrar tekrar yeniden inşa edildi. Özellikle, 1812'de ev ateş tarafından tahrip edildi. Mimarlar, başlangıçta yaratıldığı gibi, XVIII yüzyılın görüntülerinde evi restore etmeye çalıştı.

Binanın mimari tipolojisinin görünümü

Pashkov'un evi bir saray türüdür, belirli bir görüntüyü (tip) vurgulayan tipte bir tür. Bu durumda, Bazhenov, Rus kentsel cüppe manorunun türünü geliştirir ve PASHKOV'un evini, bir Rotunda-Belvedere ile tepesinde üç katlı bir ana binadan oluşan bir mimari kompleks olarak inşa ediyor ve tek katlı galerilere bağlı iki katlı bir fiber.

İlk başta, binaya bakarken, evin küçük olduğu görülüyor. Ancak, bir düz galeride sokak boyunca gergin olduğu ve ana binaya bitişik olanlar sayesinde olduğu gibi görünüyor. Onlar, kenarları boyunca, ortak bir mimari kompozisyon. Central bir bina, geçiş galerileri ve fluekellerden oluşan bu tür üç parçalı bir kompozisyon, bir heves değil - o zaman hayat tarafından haklı çıkarılır. Ana ev, konut odalarını ve sahibinin ön salonlarını barındırdı. Outumes'te bir mutfak vardı, bir hizmetçi yaşadı ve misafirler kaldı. Galerilerin geçişleri, dışarı çıkmadan evin dışına çıkmasına izin verdi, bu da özellikle yağmurlu havalarda ya da kışın önemlidir.

Uzayda yer

Evin kompozisyonunun mimari alanı düzenlenmiştir. Konumu açıkça düşünülmüş. Ve sadece şehir topluluğunda değil, aynı zamanda kompozisyonun içinde de. Binanın etkileyici görünümü yapımının yerini nedeniyledir. Pashkov House, kaldırma hattını sürdürüyormuş gibi, iki inen caddenin açık köşesinde, yüksek bir VACANKAN tepesinde duruyor.

Evin kent mimari topluluğu panoramik olarak tanımlanabilir. Sitenin yüce konumu ve tüm taraflardan öngörülebilirliği, yapının bileşiminin hacminin ve yüksek irtifa doğasının en iyi şekilde tanımlanmasına, organik olarak Kremlin'in çevreninin topluluğuna girmiştir.

Binanın kütlesi görsel algıda, genel mimari formun malzeme miktarının görsel değerlendirmesine bağlıdır. Buradaki kitle oldukça ücretsiz bir yer ile parçalanmıştır. Şeritli Piramit Saluvası Pashkov'un evini, yan tarafların altı çizili, orta kolorusunun tepesine olan arzusu yanı sıra Rotunde-Belveder - tüm bunlar için rahatlamasının yanı sıra, eski Rusya'nın halk mimarisinin geleneklerine geri dönüyor. Bazenov binasının kütlesindeki sözde organik büyüme, burada yüksek bir ifade gücüne ulaşır.

İnşaat türü

Tasarım - tüy ışın. Bina açık bir düzen ve organize tektonik ölçek ile ayırt edilir.

Mimari dekor

Genel olarak, evin mimari dekoru aranabilir - plastik. Ama daha ayrıntılı olarak durması gerektiği çok zengin.

a) Ark prensibi. Dekora

Pashkov'un evindeki mimari dekorun konumu, ekleme prensibi, böyle bir prensip, Saray mimarisinin sadece özelliğidir. Siparişler ve mimari dekorun unsurları, ince satırları değiştirir ve takip eder.

Zemin katın galerisi, olduğu gibi, ana binayı fuegles ile dengeler ve hedefin yasasını takiben, cephenin tüm uzunluğuna kadar uzanır.

Mimari dekorun konumu - binanın bileşimini belirler.

b) Kompozisyon

Pashkov'un evinin ciddi ve zengin kompozisyonu, Kompozit Beceri Bazhenova'nın harika bir örneği ve şehir topluluğunun bir parçası olarak ayrı bir binaya geniş bir binaya yaklaşımının harika bir örneğidir.

Tüm mimari kompleks, ana evi, salgın, ön aksesuarı, bahçeyi ve çeşitli servis binalarını içerdiği için kompozisyonun derin mekansal görünümü olarak tanımlanabilir. Girişin derinliklerine trafiği gerektiren şey. Ancak Pashkov'un evini ayrı ayrı göz önünde bulundurursanız, o zaman derinlik büyüklüğü üzerindeki boyların uzunluğu ve baskınlığı - evin kompozisyonunun açıkça ön taraf olduğunu söyler. İnşaat esas olarak cephe uçaklarında çözülür, işte asıl ve estetik mimari yük. Dahası, simetri egemenliğinin karşısında. İki katlı flueller olduğu gibi, binayı ana cephenin merkezi eksenine göre dengeleyin. Kremlin'den cephenin geçit töreninde olmadığı ve parkta ve arka taraftaki park ve arka taraftaki park ve tam bir geçit töreni gibi kapsamlı bir avlu olduğu bir versiyon var.

c) emri sistemi

Evde donanım sistemleri çok zengindir, tasarımını bildiği varsayılmaktadır. Yatay koştu zemin katının aksine, merkezi cephe binasının iki ana katı vardır. Korint kompozit siparişi, hem zemini hem de binanın ölçeğini görsel olarak arttıran bir porsiyon porta üzerinde kullanılır. Aynı sipariş, hacıları merkez gövdenin duvarlarında süslüyor.

Dört sütun portikasyonunun kenarlarında, temel sütunlarda belirlenen heykellerdir. Keçelelerin sütunlarında ve pilasterlerinde dört taraflı diyagonal kapitalilerle karmaşık bir iyon siparişi kullanılmıştır. Sanatsal özerkliği ve fibelerin cephesinin bileşimindeki rolünü vurgularlar.

Korkunç, merkezi gövdenin çatısının çerçevelenmesi, friz ve saçaktan Rotunda'ya geçişi yumuşatan, merkezi hacmi sonlandıran, sütunlara yemyeşil bir vazo taşır. Fatura iyonik sırasını kullanır (daha sonra aynı Corinthian için bir yedek olarak geri yüklenir). Böylece, mimarlar, daha kolay bir şekilde daha ağır bir siparişin oluşturulmasıyla evi kaybetmiş gibi görünmektedir. Ancak Rotunda Belvedere genellikle böyle statik bir form değildir ve binanın genel izlenimini kolaylaştırarak tüm kompozisyonun yukarı akışının aspirasyonunu vurgulamaktadır.

Diğer sanat türlerinde olduğu gibi, ritim mimaride çok önemli bir rol oynar. Mimarlık hakkında özenle ritmik bir boşluğun sanatı hakkında konuşmanızı sağlayan önceliğidir. Bu yüzden genellikle "donmuş müzik" mimarisi olarak adlandırılır. Sonuçta, müzikal sanatta ritim de ana kompozisyon ajanıdır.

Evin PASHKOV'in ritminin unsurları, hem sütunlu hem de çarşı ve zemin katının paslanması ve friz ve çok sayıda ritmik olarak tekrarlanan dekor elemanının paslanmasına neden olabilir.

Bununla birlikte, herhangi bir sanat eserinin ritmi basit bir alternatif değildir. Bu, birçok ritmik satırın kaynaştığı belli bir birliktir. Yani burada ve burada koloninin üçe kadar gruplandırıldığı koloninin ritmik dalgalanması, Portico sütunlarının boyutunda ve sayısındaki, dikey kolonun parçalarının (sadece sırayla farkın), tuhaf ritmlerinin doğru şekilde doğrulanmış ritminde tamamen aynıdır. Friz, Dinamik Englis, Pilastik Tasarımı - Bütün bunlar dikkatlice düşünülmüş ve mimar ile tek bir uyum içinde birleştirilir.

Bazhenov'un mimari ritminin yardımıyla, hem uzayda hem de zamanda izleyicinin algısını çizdi. Ritim çok önemlidir. Nitekim yapı ile ilgili olarak, izleyici hareketsiz kalabilir ve algısındaki ana rol mekansal ritimler tarafından oynanır. Ancak, izleyici yakında binayı atlamaya başladığından veya özellikle girin, zamanında ritmi yaşar. Böylece mimari topluluk algısı, formun sürekli olarak konuşlandırıldığı, fragman başına parçalandığı, müzikal veya edebi bir iş algısının karakterini hatırlatır. Ayrıca, bugün mimarlık, insan varlığının alanını inşa etme sanatı olarak belirlemek için gelenekseldir. Ve mimar, alanın kendisini inşa etmek, izleyicinin algısına ritmik olarak darbeli hale getirir

Binanın temel varış yeri

Binanın temel varış noktası idaridir. Başlangıçta uyumun yanılsaması ve monarşinin rasyonelliği olarak, aydınlanmış mutlakiyetçiliğin politikacıları, kamu randevularının yapımına dönüşür.

Bugün Pashkov'un evi, I. Lenin'in adını verilen Rus devlet kütüphanesinin binalarından biridir. Devlet tarafından korunur ve Moskova'nın en güzel binalarından biri olmaya devam ediyor. Ne yazık ki, son zamanlarda, neredeyse rahat ziyaretçilerin gözünden kapalı, sadece Mokhovaya Caddesi'nden hayran kalabiliriz.

Sonuç

Formospring fantezisinin bakış açısına göre, mimarlığın diğer sanat alanları üzerindeki üstünlüğü açıktır. Bu fenomen nedir? Ve mimari formların ayni doğrudan analojileri olmadığı gerçeğinde, çoğaltılmaz ve başkasının dilini taklit etmemektedir, ancak kendi konuşmasını sağlar. Böylece, bir kez daha mimarlığın, uzayda somutlaştırılmış bir sanatın belirli bir sentez olduğunu söyleyebiliriz. Monumenttalite, dekoratif, uygulamalı sanat, çok tuhaf ve heykel ve resim ve isim - mimarlık.

Allbest.ru'da yayınlandı.

Benzer belgeler

    Mimarlık kavramının belirlenmesi. Barkhin B.G.'de mimari tasarım yöntemlerinin değerlendirilmesi. Yapısal problemi, şablonları ve ayrıca tasarımın temel yöntemini inceleme yöntemini incelemek. Bir binanın ve proje uygulamasının bir görüntüsünü oluşturma.

    Özet, eklendi 10/19/2015

    4-5 kişilik bir aile kalmak için tasarlanmış iki katlı bireysel konut binasının mimari ve yapıcı bir çözümünün geliştirilmesi. Binanın hacim planlama çözümü. Düşük katlı bir konut binasının duvarları. Örtüşen elemanların malzemesi.

    dersin işi, eklendi 11/20/2013

    Bir okul binasının mimari bir projesini geliştirme sorunu. Pedagojik eğitim sisteminin etkisi, kuruluşun organizasyonu ve yöntemleri binanın hacim planlama çözümünde mobil bir eğitim sürecinin yöntemleri. Önceki inşaat deneyiminin analizi.

    bilimsel çalışma, 04.06.2012

    Ailenin ihtiyaç ve istekleri doğrultusunda "Akıllı Ev" nin mimari tasarımının temel görevleri. Bir binayı mevcut bir gelişmeye, yönüne yerleştirmek. Bir konut binasının planlanması, yapıcı ve mimari ve şekilli çözümü.

    uygulama Raporu, 19.05.2015 eklendi

    Moskova'daki Kızıl Meydan Topluluğunun oluşumunun tarihi. Mimari topluluğun genel özellikleri. Kültürel bağlam ve mimari topluluğun özellikleri. Topluluğun bileşimsel ve yarıotik bileşeninin birbirine bağımlılık derecesinin konsolide bir analizi.

    ÖZET, 02.06.2011 eklendi

    Binanın destekleyici yapılarının ve mühendislik ekipmanlarının gerçek teknik durumunun belirlenmesi. Konut ve toplumsal hizmetlerin düzenlenmesi ve federal yürütme organlarının faaliyetlerini düzenleyen düzenleyici ve yasal eylemlerin incelenmesi. Bina aşınmasının hesaplanması.

    dersin işi, eklendi 06.12.2012

    Binanın ana unsurlarının inşaat ve yapısal çözümlerinin geliştirilmesi. Binanın hacminin ve planlama çözümünün özellikleri. Binanın bitişik bölge ve mühendislik desteğinin iyileştirilmesinin hesaplanması. Bir konut binası inşa etmenin maliyetinin belirlenmesi.

    tez, Eklendi 07/18/2014

    Dokuz katlı bir konut binasının bir projesi. Haberleşme ile ilgili olarak tasarlanmış binanın yerinin özellikleri. Bir konut binasının imalatı. Açık ve iç dekorasyon ve mimari ve kompozit çözelti.

    kurs çalışması, 12/17/2011

    Baltazar Neumanan'ın zanaatındaki ilk adımlar. Nimanan mimarlık faaliyetleri. En ünlü eserleri. Binanın iç mekanı ile pitoresk ve heykel dekorasyon kombinasyonunun organik. Anavatan Hac Kilisesi.

    Özet, eklenen 22.08.2012

    Bir konut oluşturma projesinin mimari, örgütsel ve teknolojik ve ekonomik kararlarının gelişimi. Binanın dış ve iç dekorasyonu, mühendislik ekipmanı. Teknoloji ve iş organizasyonu. Şantiyede atık bertarafı.

Pitoresk çalışmayı analiz ederek değerli sorular
Ploting algısından soyutlamak için, resmin dünyaya bir pencere olmadığını ve mekan yanılsamasının pitoresk araçlarla yaratılabileceği düzlemin oluşturulduğunu unutmayın. Bu nedenle, önce çalışmanın temel parametrelerini analiz eder:

1) Resmin boyutu nedir (anıtsal, makine, minyatür mi?

2) Resim formatı nedir: bir dikdörtgen yatay veya dikey gerilmiş (muhtemelen yuvarlak bir uç ile), bir kare, bir daire (Tido), oval mi?

3) Hangi teknikte (sıcaklık, yağ, suluboya vb.) Ve hangi temelde (ahşap, tuval vb.) Resim nedir?

4) En çok hangi mesafeden algılanıyor?

I. Görüntü analizi.

4. Resimde bir arsa var mı? Gösterilen nedir? Gösterilen karakterler, eşyalar hangi ortamda?

5. Görüntü analizine göre, tür hakkında sonuçlandırabilirsiniz. Hangi tür: portre, peyzaj, natürmort, çıplak, ev, mitolojik, dini, tarihi, hayvancı, - resme aittir?

6. Düşündüğünüz gibi, sanatçının ne görevi çözülür - iyi? Etkileyici? Görüntünün Sözleşme veya Natüralizm derecesi nedir? İdealleşme veya etkileyici bozulma şartları var mı? Kural olarak, boyama bileşiminin bileşimi türü ile ilişkilidir.

7) Kompozisyonu hangi bileşenleri oluşturur? Resim ve arka plan / alanın bir nesnesinin resmin deseninin oranı nedir?

8) Resim düzlemine ne kadar yakın görüntünün nesneleridir?

9) Bir bakış açısı, bir sanatçı seçti - yukarıdan, aşağıdan, aşağıdan gelen nesnelerle kısa bir süre sonra mı?

10) İzleyicinin konumu nasıl belirlenir - resimde gösterilen resimle etkileşime girer mi yoksa askıya alınmış bir tefekkürin rolü verilir mi?
11) Kompozisyonu dengeli, statik veya dinamik olarak aramak mümkün mü? Bir hamle varsa, nasıl yönlendirilir?

12) Resim alanı nasıl inşa edilir (düz, belli belirsiz, mekansal katman sessiz, derin bir alan oluşturulur)? Mekansal derinliğin yanılsaması ile elde edilenler (gösterilen rakamların boyutundaki fark, nesnelerin veya mimari hacminin gösterisini, renk derecelendirmelerini kullanarak)? Kompozisyon, çizim vasıtasıyla geliştirilmiştir.

13) Linear tablosunda ifade edildiği kadarıyla?

14) Bireysel eşyalar hariç, altı çizili veya scratzen konturları? Bu etki ne demektir?

15) Nesnelerin hacmi ne ölçüde ifade edilir? Hacim yanılsaması tarafından hangi teknikler oluşturulur?

16) Işık resimde hangi rolü oynar? Nedir (pürüzsüz, nötr; kontrast, iterek hacim; mistik). Işığın kaynağı / yönü okunur mu?

17) tasvir edilen rakamların siluetleri okunur mu? Onlara ne kadar etkileyici kendi içinde değerlidir?

18) Ne kadar ayrıntılıdır (veya genelleştirilmiş) görüntü?

19) Gösterilen yüzeylerin (deri, kumaş, metal vb.) Dokuların çeşitliliğidir. Boyama.

20) Lezzetin rengini hangi rolün (rakamın ve hacme altına alınması veya bunun tersi de, çizimini bastırır ve kompozisyonu kendisini kurar).

21) Renk sadece bir resim hacmi mi yoksa büyük bir şey mi? Optik olarak güvenilir mi yoksa etkileyici mi?

22) Yerel renkler resimde veya ton lezzetinde hakim mi?

23) Renkli lekelerin sınırları ayırt edilebilir mi? Hacimlerin ve nesnelerin sınırları ile eşleşiyorlar mı?

24) Sanatçı, büyük renk kütlelerinde veya küçük lekelerle işlenir mi?

25) Sıcak ve soğuk renkler nasıl yazılır, sanatçı ek renklerin birleşimini kullanır mı? Neden bunu yapıyor? En aydınlatılmış ve gizli yerler nasıl iletilir?

26) Parlama, refleksler var mı? Gölgeler (sağır veya şeffaf, renkli, renkler) nasıl?

27) Ritmik nedenlerin herhangi bir rengin kullanımında veya gölgelerin birleşiminde kullanılmasında vurgulamak mümkün mü, herhangi bir rengin gelişimini izlemek mümkün müdür? Baskın bir renk / renk kombinasyonu var mı?

28) Pitoresk bir yüzeyin dokusu nedir - pürüzsüz veya pasto yaşında? Bireysel vuruşlar ayırt edilebilir mi? Eğer öyleyse, küçük veya uzun, sıvı, kalın veya neredeyse kuru boya uygulamaları nelerdir?

06.08.2013

Rusya Federasyonu Ulaştırma Bakanlığı

Federal Devlet Bütçe Eğitim
Daha yüksek işe alım kurulması
"Rusça Ulaştırma Üniversitesi"
Ruth (miit)
Rus açık taşıma akademisi

"Araçlar" Fakültesi

Bölüm "Felsefe, Sosyoloji ve Tarih"

Pratik iş

disiplin ile

"Kültüreloloji"

İşi yaptım

1. kursun öğrencisi

zsa-192 grupları

Nikin A.A.

CIFR 1710-C / SDS-0674

Moskova 2017-2018 g

Pratik ders numarası 1

Görev: Şehrinizin mimarisinin çalışmasıyla anlamlı bir analiz verin (Köy, İlçe)

Demiryolu İşçilerinin Anıtı, 2006 Sculptor I. Dikunov

Lisky Voronezh bölgesinin şehrinden geldim. Benim şehrim en büyük demiryolu düğümü. 1871'den başlayarak, şehrin tarihi, demiryolunun gelişimi ile iç içe geçmiştir. Kentimizde, her altıncı ikamet, demiryolu mesleği ile yakından bağlantılıdır, bu nedenle, South-Doğu Demiryolunun 140. yıldönümünün onuruna anıtın kurulumunun kurulum yeri hakkında ortaya çıktığında, seçimin kentimize düştü. Demiryolu işçilerinin anıtının açılması 2006 yılında

Bu, karısı Elsa Pak ve Sonons Maxim ve Alexei ile ortak yazarlıkta ünlü Voronej heykeltıraş Ivan Dikunov tarafından yapılan şehirdeki birkaç telif hakkından biridir. Sovyetler Birliği ve Rusya kahramanlarının kahramanlarının büstlerinin yazarları, şehrimizdeki şehir parkını kızdıran masal karakterlerinin yanı sıra peri masalı karakterleri.

Dikunov Ivan Pavlovich - Rusya Federasyonu'nun onurlu sanatçısı, Honored Sanat İşçisi, 1990 Devlet Ödülü'nün ödüllendirildi. Petrovskaya Bilim ve Sanat Akademisi'nin Aktif Üyesi Profesör.

Ivan Pavlovich, 1941 yılında Voronezh bölgesinin Petrovka Pavlovsky İlçesi köyünde doğdu. Çocukluğu, zorlu savaş sonrası yıllardır muhasebeleştirdi. Zorluklara rağmen, yaratıcılık için zaman buldu, çizmeyi severdi ve daha da fazla heykel. Zaten o zaman onun yeteneği görünürdü. Ivan Dikunov, sonra adlandırılan Leningrad Sanat Okulu'ndan mezun oldu. Serov 1964'te, ardından Resim, Heykel ve Mimarlık Enstitüsü. Yani 1970 yılında Repin. 1985'te Voronezh'ye geldi ve 20 yıl öğrettiği Voronejh Eyalet Mimari ve İnşaat Enstitüsü'nde çalışmaya gitti. 1988'den 1995'e kadar, Voronej Sanat Okulu'nun Dikunov Pedagogue.

Meslektaşlardaki Milletler Topluluğu'ndaki Voronej ve Lipetsk bölgelerinin şehirlerinde, Ivan Pavlovich, mimari ortamın oluşumunun benzersiz görüntüleri olan ve anıtsal heykel ve mimarinin bir kombinasyonu olan bir dizi önemli anıt yarattı. Projelerin yazarı ve Yaratıcı Grupların Başkanı, olağanüstü bir Rus kişiliği olan Voronej Anıtları - M.E. Pyatnitsky (1987), A.S. Pushkin (1999), A.P. Platonov (1999) ve diğerleri. Ivan Pavlovich, bölgesel, bölgelere, Cumhuriyetçi, All-sendika, tüm Rusya ve yabancı sergilere sürekli katılır.

Dikunov, demiryolu işçilerinin anıtındaki çalışmaların üç yıl boyunca gerçekleştiğini ve ana düşüncesinin hareket halindeki demiryolu fikrini göstermek olduğunu söyledi. Liski şehrinin girişinde bir anıt var ve şehirimizin bir kartvizitidir.

Demiryolu işçilerinin anıtı, bizi karmaşık bir kompozisyon, derin anlam ve sembolizm etkileyen bir anıttır. İlk planda, anıt, demiryolu işçilerinin farklı yönlerinde sütundan ayrılmanın bir görüntüsü oldu. Ancak daha sonra, heykeltraşlar her iki rakamın da platform boyunca bir yönde yürüdüğü kompozisyona geldi. Bu, aspirasyon ve demiryolu işçileri nesillerinin ayrılmaz iletişiminin birliği olarak soruldu.

Taş ve metal kullanılan bir anıt oluşturmak için. Bunun, özenli bir değerlendirme ile, demiryolunun kaplı, katı imajında \u200b\u200bkatlanarak birçok sembolik detay vardır. Merkezde, bileşim, farklı ışınların arka planındaki çalışma araçlarının görüntüleriyle süslenmiş bir kare kaide üzerinde zarif bir formun yüksek bir sütundur. Demiryolu ve yazıtın amblemini taçlandırdı "" Liski ". Rakamlar 3,5 metre yüksekliğinde iki nesil demiryolu işçisidir - fener ve uzun bir çekiçli bir yol, 19. yüzyılın bir görüntüsü ve elinde bir portföy ile şekillendirilmiş bir takım elbiseli modern bir sürücü. Platformun etrafındaki trenin etrafında görünüyorlar.

Giyim ve envanterin detayları Özel Bakım ile seçildi: Kepçe şekli, müze resimlerinde ve sergilerdeki incelikleri yeniden yarattı. Liskinsky Demiryolu Sitesinin işçileri tarafından sunulan türden heykeltraşlar. Slabın kenarında yazıyı geçer: "" Demiryolu işçilerine savaşçılara-kahramanlara adanmıştır - 140 yıl Yev Demiryolu

Şehrimde, zor, sorumlu mesleği anıtta ölümsüzleşen işçi insanları için bir gurur duyuyorum. Ve farklı nesillerin iki figürü, gelişimindeki demiryolunun ilerlemesini ilerlettiğini, her yıl iyileştirdiğini göstermektedir.

Pratik Görev Numarası 2

Görev: Şehrinizdeki sanatçı resminin anlamlı bir analizini (Köy, İlçe) verin.

Ülkemim ünlü Rus sanatçısı Kramskaya Ivan Nikolaevich'iydi (27 Mayıs, 1837. - 24 Mart 1887). Ostrogozhsk şehrinde doğdu.

1863'te St. Petersburg Sanat Akademisi'nde (1863-1868) okudu. Resim için küçük bir altın madalya verildi "Musa uçurumdan su sızıyor." Kramskaya, sanat sanatçılarını organize eden mezunların Sanatları Akademisi'nden erişim ile sona eren "on Dördüncü Bunta" ın başlatıcısıydı. Ayrıca, 1870'de "Mobil Sanat Sergileri Birliği" nin yaratıcılardan biri. Rus demokratları-devrimcilerin fikirlerinden etkilenen Kramskaya, sanatçının kamu rolü, gerçekçiliğin temel ilkeleri, sanatın ahlaki özü ve ulusal ilişkisi hakkındaki görüşlerini savundu. 1869'da, sanatçıların kamu tanıtımının bir çizim okulunda öğretti. 1869'da Kramskaya, akademisyen unvanını aldı.

19. yüzyılın 1970-80 yılı, en ünlü eserlerden birinin yazıldığı dönemde Ivan Nikolayevich içindi, bu "hollowman", "Mina Moiseeva", "köprülü" ve diğerleri ". Artan bir şekilde sanatçıyı çalışmalarında portre ve ev konularında ("yabancı", "Rezazynaya Mount").

Kramsky'nin birçok tuvali, bir Rus resminin klasik olarak tanınır, o bir portre, tarihi ve tür sahneleri oldu.

I. Kramsky'nin yaratıcı biyografisinde çok özel bir yer kaplayan "Çölde Mesih'teki" Mesih'in "İsa" nın analizini yaşamak istiyorum.

Çölde Mesih.

Tuval, yağ.

180 x 210 cm.

Kramsky'nin üç yılının ana fikri, kendisine şiddetle meşgul olan, gönüllü olarak tüm kişisel mutluluğu, en iyisini, en çok, en çok, en çok, sanatçının fikrini ifade etmek için bulabileceği yüksek doğaları olanların hayatının trajedi. İsa Mesih'di.

Kramskaya, on yıl boyunca tuvalini düşündü. 1860'lı yılların başlarında, hala Sanat Akademisi'nde olmak, 1867'de ilk taslağını yapar. - Resmin yerine getirmeyen resmin ilk versiyonu. İlk resim seçeneği dikey bir tuval formatıydı ve sanatçı tuval üzerinde yatay bir resim yazmaya ve daha büyük bir adamın taşlarında oturmaya karar verdi. Yatay format, sessizliğinde ve gecesinde yalnız bir adam olduğu gibi, sonsuz kayalık çölün panoramasını sunmayı mümkün kıldı. Sadece sabahın altındaki yorgun ve taş üzerinde tükenmişti, halen onun önünde hiçbir şey görmedi. Ağrılı ve derin deneyimler ayak izleri, yorgun, bir ön yüz, ruhun ciddiyeti, o omuzlarında yatıyormuş ve kafasını eğdi.

Resimlerin arsası, yeni Ahit'te, vaftizinden sonra emekli olduğu ve bu yazı sırasında meydana gelen şeytanın cazibesi ile birlikte, çölde kırk gün Jesus Mesih'in kırk günündeki açıklandığı ile ilişkilidir. Sanatçıya göre, her insanın hayatında kaçınılmaz ahlaki seçeneklerin çarpıcı durumunu yakalamak istedi.

Resimde, aynı gri kayalık çölde tepede bulunan Gri bir taş üzerinde oturan Mesih'i tasvir etti. Kramskaya, sabahın erken saatlerinde tasvir etmek için soğuk renkleri kullanıyor - şafak sadece başladı. Ufuk hattı oldukça düşük geçer ve resmi yaklaşık olarak yarıya bölünür. Alt kısımda soğuk bir kayalık çöl var ve üst kısımda - presestroöz gökyüzü, ışığın sembolü, umut ve gelecekteki dönüşüm. Sonuç olarak, kırmızı hiton ve koyu-mavi pelerinle giyinen Mesih'in figürü, resmin resmine hakimdir, ancak çevredeki sert manzara ile uyum içinde yaşar. Soğuk taşlar arasında, sadece kederli düşünceli ve yorgunlukla değil, aynı zamanda "Calvary'ye giden kayalık bir yolda ilk adımı almaya istekliliği" de gösteren yalnız bir figürde.

Mesih'in elleri (parça boyama)

Giysilerin imajındaki kısıtlama, sanatçının yüzüne ana değeri ve Mesih'in ellerine, imajın psikolojik ikna edici ve insanlık yaratan ellerine vermesini sağlar. Sıkıca sıkıştırılmış el fırçaları pratik olarak tuvalin merkezindedir. Mesih'in yüzü ile birlikte, izleyicinin dikkatini çeken, bileşimin anlamsal ve duygusal bir merkezidir. Horizon hattının düzeyinde bulunan birleştiğinde eller, "sarsıcı bir gönüllü gerginlikte, bir kale taşı gibi, tüm dünya gökyüzü ve yeryüzüdür - birlikte birbirine bağlanmış gibi görünüyor." Mesih'in kıvrımları, keskin taşlar boyunca uzun yürüyüşten kurtulmuş. Ama bu arada, Mesih'in yüzü inanılmaz iradesini ifade ediyor.

Bu işte hiçbir eylem yoktur, ancak ruhun ömrü gözle görülür şekilde gösterilir. Resimdeki Mesih, daha çok bir insan gibidir, acı çekenler, Tanrı'yla şüphelerden, t bu açık ve yakın bir izleyici imajını yapar. Bu kişi hayatta bazı önemli bir adım atıyor ve ona inanan insanların kaderi çözümüne bağlı olarak, bu sorumluluğun yükünü kahramanın karşısında görüyoruz.

Bu resme bakıldığında, günaha bir insanın hayatının bir parçası olduğunun farkındasın. Genellikle insanlar seçimin önünde durur: dürüst olmak gerekirse, haklı olarak ya da aksine, yasadışı bir şey yapmak, azalan bir şey yapmak. Kesinlikle hepsi bu testten geçer. Bu resim bana ne kadar büyük cazibe olursa olsun, onunla savaşmak için güç bulmak gerekir.

Bugün, bu resim Moskova'daki Tretyakov Galerisi'nde yer almaktadır.

Bibliyografya:

1. (Elektronik Kaynak) Demiryolu işçilerinin yapraklarında anıtı. - Erişim modu: https: // Yandex.ru / Search /? Metin \u003d Yapraklarda demiryolu işçilerinin anıtı (23.11.2017 işleme tarihi)

2. (Elektronik Kaynak): Dikunov Ivan Pavlovich Sculptor Vrnsh.ru\u003e? Page_id \u003d 1186 (Kullanım tarihi 23.11.2017)

3. Üstün insanların ömrü. 70 ünlü sanatçı. Kader ve yaratıcılık. A. Ladvinskaya Donetsk - 2006. 448 pp.

4. 100 harika resimler. Moskova. Yayınevi "Veche" - 2003, 510 pp.