Müzik dili perde temposu tempo konuşmacı tınısı. Müzikte ifade araçları (melodi, mod, ritim, tempo, dinamikler, tını vb.)

Melodi, kompozisyonun ruhudur, parçanın ruh halini anlamanıza ve hüzün veya eğlence duygularını iletmenize izin verir, melodi spazmodik, pürüzsüz veya ani olabilir. Her şey yazarın onu nasıl gördüğüne bağlıdır. Adımlamak

Tempo, üç hızda ifade edilen yürütme hızını belirler: yavaş, hızlı ve orta. Tanımlamaları için bize İtalyan dilinden gelen terimler kullanılır. Yani, yavaş - adagio, hızlı - presto ve allegro ve orta - andante için. Ayrıca, tempo tempolu, sakin vb. olabilir.

Müzikal ifade aracı olarak ritim ve ölçü, müziğin ruh halini ve hareketini belirler. Ritim farklı, sakin, tek tip, ani, senkoplu, net vb. olabilir. Tıpkı hayatta bizi çevreleyen ritimler gibi. Müziğin nasıl çalınacağını belirleyen müzisyenler için boyut gereklidir. Çeyrek şeklinde kesirler halinde yazılırlar.

Müzikteki perde, yönünü belirler. Eğer küçükse, o zaman üzgün, üzgün veya dalgın-hayalli, belki nostaljik. Major, neşeli, neşeli, berrak müziğe karşılık gelir. Perde, küçük değişiklikler olduğunda da değişken olabilir

Tını müziği renklendirir, bu nedenle müzik çınlama, karanlık, ışık vb. olarak karakterize edilebilir. Her müzik aletinin kendi tınısı ve belirli bir kişinin sesi vardır.

Müziğin kaydı düşük, orta ve yüksek olarak alt bölümlere ayrılmıştır, ancak bu, melodiyi çalan müzisyenler veya eseri analiz eden uzmanlar için doğrudan önemlidir.Tonlama, vurgu ve duraklama gibi araçlar, bestecinin ne olduğunu açıkça anlamanızı sağlar. söylemek istiyor.

MÜZİKAL İFADE ARAÇLARININ ÖZELLİKLERİ,

MÜZİK ESERLERİNİN SANATSAL GÖRÜNTÜSÜNÜN YARATILIŞINDAKİ ROLÜ.

Müzik, gerçekliğin müzikal bir görüntüdeki sanatsal yansımasının özel bir biçimidir. Müziğin insan konuşmalarından kaynaklandığına dair bir hipotez var. Müzikal görüntü, müzikal ifade araçları kullanılarak oluşturulur:

TEMP - müzik performansının hızı.

TEMBR - sesin rengi. Tını belirlerken, çağrışımsal anlam sözcükleri hakimdir (şeffaf, camsı, sulu, kadife müzik).

INTONATION - müzikte ana anlamsal çekirdeği taşır, bu nedenle en önemlisidir. Geniş anlamda tonlama, tüm müzik parçasının baştan sona açılması, bir müzik parçasının entonasyonudur. Bir saniyenin tonlaması, bir müzik parçasının yönünü belirler.

RİTİM - uzunlukları farklı olan bir dizi ses.

LAD - seslerin duygusal renklendirilmesi, perdedeki seslerin bir kombinasyonu (majör, minör)

KAYITLAR - yüksek, orta, düşük.

TÜR - onu doğuran tarihsel gerçeklik, insanların yaşamı ve yaşam biçimi (şarkı, dans, yürüyüş - "3 balina" - Koblevsky) ile ilişkili bir tür sanatsal yaratım.

Müzik, çocuğun duygusal doğasına yakındır. Müziğin etkisi altında sanatsal algısı gelişir, deneyimler zenginleşir.

Müzik, estetik ve ruhsal hazzın en büyük kaynağıdır. Bir kişiye hayatı boyunca eşlik eder, duygusal bir tepki, duygu, eylem arzusu uyandırır. Bir kişiye ilham verebilir, ateşleyebilir, ona bir canlılık ve enerji ruhu aşılayabilir, ancak aynı zamanda melankoli, keder veya sessiz üzüntü durumuna da yol açabilir.

Müziğin duygular üzerindeki muazzam etkisi ve bir çocuğun içeriğini anlama ve hissetme arzusu göz önüne alındığında, kendisine yakın ve erişilebilir gerçekliği sanatsal olarak özel olarak yansıtan müzik eserlerini kullanmak özellikle önemlidir. Müzikal görüntülerin ortaya çıkmasının kaynaklarından birinin, doğanın ve insan konuşmasının gerçek sesleri olduğu bilinmektedir - çevredeki dünyada insan kulağı tarafından algılanan her şey.

Sesli iletişim sürecinde gelişen müzik, başlangıçta konuşma ve danstan ayrılmazdı. Emek hareketlerinin ritmine uyum sağladı, onları kolaylaştırdı, insanları tek bir özlemle birleştirdi. Bir ressam doğanın biçimlerini ve renklerini taklit ettiği gibi, müzisyen de sesi - tonlamayı, tınıyı, ses modülasyonlarını taklit eder. Ancak müziğin özü, yansıma ve resimsel anlarla ilgili değildir. Müzikal görüntü dolaysız, somut bir görünümden yoksundur, ancak doğası gereği dinamiktir ve genel olarak ses aracılığıyla yaşamın temel süreçlerini ifade eder. "İnsan konuşmasının tonlamasına dayanan, özel türdeki seslerle ifade edilen, duyguyla renklenen bir duygu ve fikir - bu, müzikal bir görüntünün doğasıdır." (Boreev Y.B.)

Müzik, insanların duygu ve düşüncelerini etkileyerek, çevreleyen gerçekliğin duygusal idrakine katkıda bulunur ve onu dönüştürmeye ve değiştirmeye yardımcı olur. Müzik, duygusal dilinin yardımıyla duyguları, düşünmeyi etkiler, kişinin dünya görüşünü etkiler, yönlendirir ve değiştirir.

Müzikal bir görüntü oluşturmanın temel yollarından biri, ritmik olarak düzenlenmiş, eşlik eden seslerle desteklenen dinamikler, tını vb. ile zenginleştirilmiş bir melodidir.

Müzikal görüntüler, bir müzikal ifade aracı kompleksi kullanılarak oluşturulur ve gerçek dünyanın görüntülerinin duygusal bir yansımasıdır.

Müziğin özelliği, duygusal gücü, çevredeki yaşamın etkisi altında ortaya çıkan insan duygularının zengin dünyasını gösterme yeteneğinde yatmaktadır. "Müzik, insan deneyimlerinin ifşa edilmesi yoluyla, onları doğuran hayatı yansıtır." (Vanslov V.V.)

Bir müzik bestesinin etkisinin doğası, içeriğinin ne kadar somutlaştığına bağlıdır. Bu açıdan sözlü metinli müzik, programlı ve programsız tamamen enstrümantal müzik olarak ayrılır (programlanmış müzik, içeriğini ortaya çıkaran sözlü bir programla donatılmıştır).

Programlanmamış müzik yalnızca duygusal içeriği ifade eder. Ama bu içerik orada olmalı. Müzik sanatının özel bilişsel olanaklarını belirler.

Müzik yeni somut gerçek bilgiler vermez, ancak var olanları derinleştirerek onları duygusal olarak doyurabilir.

3.Konsept

Beyit (fr. Beyit) - metnin bir kıtasını ve bir melodiyi (melodi) içeren bir şarkının bir parçası.

Şiir, şiirsel metnin yeni dizeleriyle şarkı boyunca tekrarlanırken, melodi değişmeden kalabilir veya biraz değişebilir. Sonuç olarak, şarkı türünün çoğu müzik eserinin yapısının temelini oluşturan sözde beyit formu oluşur.

1) Şarkı söylemenin başlangıcı; Şarkı söyleme.

2) Bir koro şarkısının veya her bir mısrasının bir solist tarafından icra edilmesinin başlangıcı.

3) Dinleyicilerin dikkatini çekmek için gerekli olan, genellikle ana içeriği ile ilişkili olmayan destanın başlangıcı; başlangıç.

ayetin sonunda gerçekleştirilen ayet şarkısının koro şarkısında - solo solodan sonra koroda. Metni her mısrada güncellenen baş şarkının aksine, P. genellikle aynı metne söylenir. P. için melodinin sadeliği, ritmik netlik ile karakterizedir. Genellikle P.'nin metni genel bir fikrin, sloganın, çekiciliğin (özellikle devrimci ve popüler şarkılarda) ifadesidir. Çoğu durumda, P. her seferinde iki kez gerçekleştirilir, bu da ona özel bir ağırlık verir. "Koro - koro" oranı enstrümantal müziğe taşınır, - ikinci kısmı da sıklıkla tekrarlanan iki parçalı bir form görünür, Rondo veya ronda benzeri form (bkz. Müzikal form).

4 numara. Yazılı olmayan ve yazılı müzik kültürü kavramı. Bir fenomen olarak halk müziği sanatının özellikleri, belirli bir müzik kültürü katmanı olarak özellikleri: sözlülük, değişkenlik ve değişkenlik, tipik melodilerin varlığı, senkretiklik vb.

Bir fenomen olarak folklorun özü ve özgüllüğü, müzik dilinin özellikleri Modern dünya küreselleşme koşullarında kültürün ulusal kimliğini korumanın temeli olarak ulusal kimliğin oluşumu sorunu, kuşkusuz, henüz anlamanın ilk aşamasında yakından ilgiyi hak ediyor. bir kişi tarafından kültür - okul öncesi çocukluk döneminde. Hem folklor (halk bilgeliği) hem de yazarın sanat eserleri, bir okul öncesi çocuğun duygularını ve bilincini etkilemenin vazgeçilmez araçlarıdır, bu nedenle, müzik ve estetik eğitimi de dahil olmak üzere herhangi bir eğitim alanı, ulusal kültür örneklerinin kullanımını içerir ve öncelikle en önemlisi, müzikal folklor. Müzikal folklor, insanların şarkı, dans, enstrümantal yaratıcılığının birleşimidir. Folklor, besteci müziğinden daha eski bir müzik kültürü katmanıdır. Bu, yazılı olandan önemli ölçüde farklı olan yazılı olmayan bir müzik kültürüdür. Folklorun, dikkate alınması okul öncesi çocukların müzikal gelişiminde etkili bir şekilde kullanılmasını mümkün kılan bir takım özellikleri vardır. 1. Folklor geleneği, sözlü konuşma, kişiden kişiye, nesilden nesile aktarım ile karakterizedir. Folklor eserlerinde sözlülükle bağlantılı olarak, özlü bir müzik biçimi olan melodik dönüşlerin ve metinlerin sık sık tekrarları kullanılır (bir kişinin hafızasının sınırlı olanaklarına güvenerek). Bu özellikler müzikal folkloru okul öncesi çocuklar için erişilebilir kılar. 2. Folklorda sözlü anlatımın bir sonucu olarak değişkenlik, değişkenlik gibi özellikler gelişmiştir. Varyasyon, aynı örneğin uzayda (farklı bölgelerde) ve zamanda birçok benzer varyantının varlığını ifade eder. Değişkenlik - örneğin yürütülmesi sırasında değiştirilmesi (icracının yeteneklerine bağlı olarak). Folklorun bu özellikleri, eserlerini okul öncesi çocukların müzikal ve yaratıcı yeteneklerinin gelişimi için paha biçilmez bir materyal olarak kullanmayı mümkün kılmaktadır. Okul öncesi çocuklara öğretilen bir folklor örneği, bir çocuğun folklorun doğasıyla çelişmeden doğaçlama yapabileceği, kendi versiyonlarını yaratabileceği bir modeldir. 3. Folklorda sözlü anlatımın bir sonucu olarak, bir folklor örneğinden diğerine aktarılan tipik melodiler, ritimler, metinler genellikle türün işaretleridir (ninnilerde üçüncü mod, şarkı sözlerinde söylenen beşinci hece). , metin "Shchodry vechar, iyi akşamlar "," Kalyada "," Aha, vyasna! " ve benzeri.). Bir dizi geleneksel ezgiyle tanışan okul öncesi çocuklar, ulusal müzikal (ve sözlü) dilin "kelime dağarcığı"nı ve "gramerini" öğrenirler. Bu süreçte çocuğun müzikal tonlama kelime hazinesi zenginleşir ve folklor (sık tekrarlar sonucunda) onun için tanınır hale gelir ve yakın bir fenomen haline gelir. 4. Folklor (özellikle ilk katman) senkretiklik ile karakterize edilir - tüm unsurlarının (şarkı söyleme, hareket, enstrüman kullanımı, oyun oynama) kaynaşması. Çocuğun dünya algısı da senkretiktir, bir okul öncesi çocuğun müzikal aktivite türleri birbiriyle yakından ilişkilidir. Böylece folklor repertuarı, okul öncesi çocuğun yaş yeteneklerine ve ihtiyaçlarına karşılık gelir.

4 konsept

Enstrümantal müzik, insan sesinin katılımı olmadan enstrümanlar üzerinde gerçekleştirilen müziktir. Solo, topluluk ve orkestral enstrümantal müziği ayırt eder. Klasik müzik, caz, elektronik müzik, new age, post-rock vb. alanlarda yaygındır.

ben çeyrek

Müzikal konuşmanın unsurları.

Temanın doğası. Konunun geliştirilmesi.

Ders 1 ... Müzikal konuşmanın unsurları.

Müzik bizi her yerde çevreler. Müzik dünyasında yaşadığımızı söyleyebiliriz. Bugün eğlence, müziğin öncü rolü haline geldi: onunla dans ediyoruz, rahatlıyoruz, müzikal arka plan yaygınlaştı, hatta çoğu zaman bilinçsiz hale geldi. Ancak eski çağlardan kalma müziğin hayatımızda çok daha önemli bir anlamı var. İnsanı eğitir, iç dünyasını yüceltir. Müzik yardımcı olur: bir çocuğu sallayın, toplu bir eylem veya genel bir çalışma düzenleyin. Müzik iyileştirir. Müzik, farklı milletlerden insanlar arasındaki iletişimi geliştirir.

Müzik(Yunanca "esin perisi"nden) - gerçekliği yansıtan ve organize seslerin yardımıyla (perde, süre, hacim ve tını bakımından) bir kişiyi etkileyen sanat.

Müzik biraz konuşmaya benzer. Ayrıca onu etkilemek için dinleyiciye hitap eder. Müzikte, konuşmada olduğu gibi, bir kişinin içsel durumu, tonlama, kayıt, tempo, tını, değişim dinamikleri ve ilişkileri ile ifade edilir. Melodi, eşlik, gam, tını, kayıt, dinamikler, tempo, vuruşlar, ritim ve ölçüye denir.müzikal konuşmanın unsurları .

Melodi (Yunancadan. "şarkı, melodi") -tek sesli bir sesle ifade edilen müzikal düşünce ... Melodi, müzik sanatında en önemli rolü oynar. melodi olurvokal ve enstrümantal ... İki tür melodi vardır:kantilena (İtalyanca "şarkı söyleme") - melodik, pürüzsüz veezberci (Lat. "okuma") - doğal konuşmaya yaklaşma arzusu. Ayrıca, melodiler ayırt edilirgeniş aralık ve dar aralık (bir sesin veya enstrümanın ses düzeyi, en düşük ve en yüksek ses arasındaki aralıktır). Melodinin yönü, melodinin ifade gücü için büyük önem taşımaktadır.yukarı hareket melodi genellikle artan gerilimle ilişkilendirilir veaşağı - gevşeme ile (nefes alma kalıplarının etkisi ve ses tellerinin çalışmasının özellikleri). Ancak bazen, özel bir etki elde etmek için besteciler, örneğin kaygıyı, gerginliği artırmak için aşağı doğru bir hareket kullanır ve bunun tersi de geçerlidir. Daha sık melodi hareket ederdalgalı : geniş yukarı vuruşlar, yumuşak bir aşağı doğru aşamalı hareketi doldurur, vb.

eşlik (Fransızca'dan) - melodi eşliğinde ... Melodi ve eşlik ayrımı, homofonik-harmonik özelliğin karakteristiğidir.doku (Lat. "işleme, yapı" - müzikal sunumdan), monofonik, kordal veya polifoniğin aksine. Eşlik, melodi için armonik bir destek görevi görür (uyum Yunancadan. "Uyum, orantı" - akorlar ve dizileri). İki tür eşlik sunumu vardır:kordal ve figürlü .

Delikanlı (Yunancadan. "rıza, uyum, düzen") -perdedeki müzikal seslerin tutarlılığı. Klasik müzikte genellikle iki ana mod kullanılır -ana ve küçük .

tını - (Fransızca "boyama" dan) -ses renklendirme. Enstrümanların sesleri, özel düzenlemeleri nedeniyle benzersiz bir sese sahiptir. Korodaki sesler de tını bakımından farklılık gösterir (aşağıdan yukarıya):bas - tenor - alto - soprano.

Kayıt ol (lat. "liste, liste")- bir dizi farklı müzik aleti uzanıyor. Ayırmak: kısa boylu , ortalama ve yüksek kayıtlar.

dinamikler(Yunanca "gücü" den) - ses seviyesi. Dinamikleri ifade etmek için İtalyanca terimler kullanılır.

Adımlamak(lat. "zaman" dan itibaren) - bir müzik parçasını seslendirme hızı. Fark oranları hızlı , ılıman ve yavaş. Tempoyu belirtmek için İtalyanca terimler kullanılır.

ambar (ondan. "çizgi, çizgi") -ifade öğesi, yürütme biçimi. İtalyanca terimlerle de anılır.

Metre (Yunanca "ölçüden") -güçlü ve zayıf vuruşların bile değişimi. Ölçü ve ritim, müzik ile şiir ve beden hareketi arasında çok uzun süredir devam eden bir ilişkiye işaret eder.

Ritim(Yunanca "akış" dan) - uzun ve kısa seslerin değişimi. Farklı sürelerdeki müzikal seslerin birleşimi ritmik bir kalıp oluşturur. Eserin tamamında veya bir kısmında kullanılan ritmik örüntüye ne ad verilir?ritim formülü ... Bazı danslar ritim formülüyle tanınabilir, örneğin mazurka -

Görevler:

içindeki tabloyu kullanmaEk 1 Dinamik tonları bir deftere bulun ve not defterine yazın: çok sessizden çok sesliye.

içindeki tabloyu kullanmaEk 2 bir not defterine makul oranları bulun ve yazın.

Ayetleri okuyun, kelimelerdeki vurguyu vurgulayın, hangi iki vuruşta ve hangi üç vuruşta belirleyin. Bu ayet boyutlarına ne ad verilir? Örneklerinizi bulun.

B. Zahoder

Büyükbaba Roch

Büyükbaba Roch

ekilmiş bezelye

Araziyi sürdü -

ağır ağır içini çekti

Ben temizlediğimde -

Terleri sildi.

Harmanlandığında -

Parmağa aldım.

Ama yediğinde,

Dil yuttu -

Daha önce çok lezzetliydi!

G. Sapgir

Kaç tane bacak?

Masha bir kedi çizdi.

Mişa ona şunları söyledi:

Bak,

Kedinin birkaç bacağı var

- Sadece üç.

Hadi üzerini boyayayım.

Bir, iki, üç

Dört beş!

Ders 2

Müzikal görüntü. Müzikal tema.

Görüntü oluşturmada müzikal konuşma unsurlarının rolü.

Müzik dinlerken melodiyi, ritmi, kaydı, tınıyı vb. ayırmaya çalışmıyoruz, bütünü algılıyoruz. Bizden önce benzersiz birmüzikal görüntü bestecinin bize iletmek istediği. Bütün zorluk, müziğin dilini, edebiyatın dilini veya belirli resim görüntülerini anladığımız aynı doğrudan anlamda anlamanın imkansız olduğu gerçeğinde yatmaktadır. Müzik duyguları, ruh hallerini, hisleri iletir.

alarak sıfatlar (Yunancadan. "uygulama") - konunun izlenimlerini ileten tanımlar, bir müzik parçası hakkındaki izlenimlerimizi tanımlayabiliriz.

Bir müzik parçasının bir veya birkaç resmi olabilir. Müzikal temalarda vücut bulurlar.Müzik teması (Yunancadan. "temel nedir")- işin ana fikri, daha fazla gelişme için malzeme. Konunun doğası gereği yakın, tamamlayıcı veyaaksine, uzak, zıt -zıt ... Müzikal temaların benzer veya farklı sesi, bestecinin her biri için seçtiği müzikal konuşma öğelerine bağlıdır.

Dan yararlanmak Ek 3 , Ana ve Yan temalar için sıfatlar seçeceğizA.P. Borodin'in "Kahramanca" senfonisi ... Temalar zıt. Ana'nın doğasını sıfatlarla tanımlayabiliriz: önemli, cesur, kararlı, ısrarcı, savaşçı, ağır (en az 5 kelime seçmek gerekir). Ve Side temasının karakteri sevecen, yumuşak, arkadaş canlısı, hafif, sakindir. Seçilen sıfatlar daha sonra tekrar tekrar dinleyerek konuları bulmamıza yardımcı olacaktır.

Ana ve Yan temaları oluşturan müzikal konuşma öğelerini karşılaştırırsak, bunların da farklılık gösterdiğini görürüz. Böylece, müzikal temaların zıt karakteri, müzikal konuşmanın çeşitli unsurları tarafından yaratılır. Ve tersine, doğada benzer konularda, kesinlikle müzikal konuşmanın ortak unsurlarını bulacağız.

Görevler:

1. Tabloyu kullanmaEk 4, A.P.'nin yaşam ve ölüm tarihlerini bulun.

Borodin. Onunla aynı anda hangi besteciler yaşadı?

Kendi müzik parçanızı bestelemeye çalışın. Müzik temasının adını, doğasını ve oluştuğu müzikal konuşmanın unsurlarını bulun ve yazın.

Uvertürdeki Ana ve Yan Temaların doğasını M. I. Glinka'nın Ruslan ve Lyudmila operasıyla karşılaştırın. Ortak özellikler var mı? Müzikal konuşmanın unsurları benzer midir?

ders 3

Müzikal görüntü.

Program müziği.

Bazen daha doğru anlaşılmak isteyen besteci, müziğin sadece ruh halini değil, aynı zamanda hareket görüntülerini ve ayrıca çeşitli sesleri taklit etme yeteneğini de kullanır, örneğin: kuşların sesi, atların tepinmesi, dalgaların zıplaması. Ve iç bakışımızın önünde, müzikal seslerle "boyanmış" bütün resimler açılır: görüntü-portre, görüntü-sahne, görüntü-manzara, görüntü-ruh hali. Ve izlenimlerimizi netleştirmek, onları yönlendirmek için besteci esere bir başlık verir, hatta duyduklarımızdan anlamamız gerekenleri kelimelerle anlatır. Bu tür müzik denirprogramlı .

Müzikal görüntüR. Wagner tarafından "Valkyrielerin Uçuşu" her dinleyici için kullanılabilir - kovalama, savaş ve düşme. Bu, yalnızca müzikal konuşma unsurları tarafından aktarılan şeydir. Savaş, müziğe bir marşla benzerlik verir: net noktalı bir ritim, sinyallerin tonlamalarıyla bir melodi, bir üçlünün sesleri boyunca hareket. Pirinç enstrümanların tınıları askeri bir bandoyu andırıyor. Dinamik değişiklikler, uzaktan yaklaşan, hızla geçip giden kahramanları hayal etmenizi sağlar. Ayrıca Wagner'in ses kalitesini kullanıyor: bir sıçrama, bir ıslık, havayı kesen bir ok, darbelerin gök gürültüsü, bir düşüş. Böylece, genel fikir oldukça açıktır. Ve bu senfonik kesintinin (operadaki eylemden önce gelen müzikal bir parça) ses çıkardığı "Valkyrie" operasının (tetralojinin "Nibelungen'in Yüzüğü"nün 2 kısmı) konusu hakkında bilgi, içeriğini daha da somutlaştırmamıza izin veriyor: babasının vasiyetini çiğneyen savaşçı tanrıça, kanatlı atının üzerinde onun gazabından kaçmaya çalışıyor.

R. Wagner'in "Flight of the Valkyries" şarkısını dinledikten sonra sunduğumuz resmi yeniden oluşturacağımız kısa bir yazı yazacağız. Canlı müzikal görüntülerin canlı bir tanımlamaya ihtiyacı olduğunu unutmayalım.

Görevler:

1. Tabloyu kullanmaEk 4, R'nin yaşam ve ölüm tarihlerini bulun.

Wagner. Onunla aynı anda hangi besteciler yaşadı?

Alman atasözü ne anlama gelir: "Gerçek bir müzisyen gözleriyle duyar ve kulaklarıyla görür"?

R. Wagner'in "Valkyries'in Uçuşu"nda kullandığı müzikal konuşmanın unsurlarını yazın.

eserler (muhtemelen uzmanlık repertuarından).

4. Ders

Müzik temasının gelişimi.

Sıra.

Temanın bir müzik parçasında lider konumda olduğunu öğrendik. Ve sadece akılda kalıcı bir melodi veya canlı bir görüntü sayesinde değil, aynı zamandagelişim ( değişiklik). Her müzik teması, sunumu boyunca tamamen veya kısmen değişir. Konunun gelişimi aşağıdakilere yol açar:doruk (lat. "üstten")- bir müzik parçasının veya bir bölümünün en yoğun anı ... Müzikal bir tema geliştirmenin birkaç yöntemi vardır: tekrarlama, sıralama, varyasyon geliştirme, taklit.

En basit geliştirme tekniğitekrarlama ... Genellikle aynı melodinin farklı kelimelerle tekrarlandığı şarkılarda bulunur. Tekrarlama esas alınır vesıra (Lat. "Takip ediyorum") - konunun farklı yüksekliklerde, aynı aralıkta, tam veya yaklaşık olarak tekrarlanması gerçeğiyle karmaşıklaşan bir geliştirme yöntemi.

Senfonik süitin bir parçasını dinleyelimN. A. Rimsky-Korsakov "Şeherazade" (1888) ... Bu müzik programatiktir. "1000 ve Bir Gece Masalları" adlı Arap masallarını herkes bilir. Ancak Rimsky-Korsakov ayrıca senfonik süitten önce bir programla geliyor: “Kadınların sinsiliğine ve sadakatsizliğine ikna olan Sultan Shakhriar, ilk düğün gecesinden sonra eşlerin her birini idam etme sözü verdi; ama Sultan Şehrazat onu 1001 gece masallarla meşgul ederek hayatını kurtardı, öyle ki Şehriyar merakla infazını sürekli erteledi ve sonunda niyetinden tamamen vazgeçti. Şehrazat ona birçok mucize anlattı, şairlerin şiirlerini ve şarkıların sözlerini aktardı, bir peri masalı bir peri masalına, bir hikayeyi bir hikayeye ördü.

Parçayı iki önemli müzikal tema açar: Şehriyar'ın Teması ve Şehrazat Teması - bunlar zıttır. Her biri için epitet seçelim. Scheherazade Temasını sorunsuz bir şekilde dağıtmak bizi bir sonraki temaya getiriyor - "Deniz". Şehriyar Teması'ndan - nereden "büyüdüğünü" kolayca öğrenebiliriz. Deniz teması ilk başta çok geniş, telaşsız, sallanan geliyor. Yavaş yavaş, konunun doğası değişiyor, dalgalar denizde yükseliyor gibi görünüyor, daha yüksek ve daha yüksek ve şimdi gerçek bir fırtına patlak veriyor. Bu etki bir dizi yardımıyla elde edilir - Deniz Teması her seferinde daha yüksek ses çıkarır, bu sayede gerginlik artacaktır.

Görevler:

1. Tabloyu kullanmaEk 4, N.A.'nın yaşam ve ölüm tarihlerini bulun.

Rimsky-Korsakov. Onunla aynı anda hangi besteciler yaşadı?

2. Uzmanlığın eserlerindeki sırayı bulun.

3. Deniz Konusu hakkında kısa bir kompozisyon yazın. Bunları metinde yansıtın

onun başına gelen değişiklikler.

5. Ders

Müzik temasının gelişimi.

Varyasyon geliştirme.

Varyasyon geliştirme - bu aynı zamanda konunun ilk sunumundan farklı olarak bir tekrardır, ancak değiştirilmiştir. Temayı oluşturan müzikal konuşmanın tüm unsurları değişikliğe uğrayabilir. Varyasyon geliştirme, bir müzik temasını değiştirmenin en eski yollarından biri ve halk müziğinde ana olanıdır. Halk ezgileri kullanılarak yazılan eserlerde bestecilerin temayı geliştirmek için tam olarak bu yolu seçmeleri şaşırtıcı değildir.

Fragmanı dinleyelimM. I. Glinka'nın senfonik fantezisi "Kamarinskaya" (1848) ... Burada iki Rus halk teması duyuluyor. Birincisi düğün şarkısı "Dağlar, yüksek dağlar yüzünden", ikincisi ise "Kamarinskaya" dans şarkısı. Varyasyon gelişimi, Glinka'nın halk ezgilerini icra etmenin özelliklerine yaklaşmasına yardımcı olur. Örneğin, genellikle Rus halk şarkıları, temel melodiyi değiştiren seslerin yavaş yavaş eklendiği monofonik bir solo ile başlar. Böylece "Kamarinskaya" nın ilk teması ilk önce tek bir sesle sunulur. Ardından, tüm orkestra girene kadar çeşitli enstrümanların yeni tınıları eklenir. Dans teması da ilk kez monofonik geliyor. Gelişimi, dansçıların bizi giderek daha fazla "diz" ile şaşırtmaya çalıştığı cesur bir halk dansına benziyor. Hatta bir an gelir ki besteci melodiyi tamamen kaldırır ve sadece eşlik bırakır. Ama dans teması şimdiden hafızamıza kazınmış durumda ve bize öyle geliyor ki, ses çıkarmaya devam ediyor. Hepsinden en şaşırtıcı olanı, temalar arasındaki geçişlerdir - tamamen farklı, başlangıçta temalar geliştirmeden sonra oldukça doğal bir şekilde birbirleriyle birleşir.

İÇİNDE son (4 kısım) Senfoni 4, P.I.Tchaikovsky (1877). İÇİNDE besteci ayrıca bir Rus halk şarkısı kullanır. O kadar ünlü ki hatırlatılmasına gerek yok. Tanıdık tabii. Besteci, gelişimi için varyasyonel geliştirme yöntemini de kullanır.

Varyasyon geliştirme, müzikal bir temayı farklı yönlerden yeni bir şekilde, daha eksiksiz bir şekilde ortaya çıkarmaya yardımcı olur ve bu, sesi büyük ölçüde zenginleştirir.

Görevler:

içindeki tabloyu kullanmaEk 4, M.I.Glinka'nın yaşam ve ölüm tarihlerini bulun. Onunla aynı anda hangi besteciler yaşadı?

MI Glinka'nın "Kamarinskaya" nın ilk temasında müzikal konuşmanın hangi unsurlarının değiştiğini hatırlayın ve yazın. İkincisi nelerdir?

PI Çaykovski'nin eserlerinin 5 başlığını hatırlayın ve yazın.

6. Ders

Rus halk müziği.

Takvim şarkıları.

Halk ezgileri ve gelişimlerinin özellikleri hakkında konuşmaya başladık. Ve şimdi bu özel sanat üzerinde daha ayrıntılı duralım. İnsanların vokal ve enstrümantal yaratıcılığına m denir.müzikal folklor (İngilizce "halk bilgeliği" nden). Halk şarkı yazarları bilinmiyor, ağızdan ağıza geçiyorlar ve her sanatçı kendine ait bir şeyler ekliyor. Bu kolektif yaratıcılık sayesinde şarkılar çeşitli çeşitlerde gelir. Ek olarak, tekrarlanan işleme melodiyi parlatır ve içinde yalnızca en parlak melodik dönüşleri ve tonlamaları bırakır. Halk şarkısı, insanların hayatı, çalışmaları, hayatı, dünya görüşü ile ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır. Maxim Gorky, Rus halk şarkısını Rus tarihi ile karşılaştırdı.

Eski bir adamın hayatı, doğrudan doğa güçlerinin tezahürüne bağlıydı. Atalarımızın sadece bu gizemli güçleri tanrılaştırmakla kalmamış, aynı zamanda özelliklerini, kalıplarını da fark etmiş olmaları şaşırtıcı değildir. Bütün bunlar törenlerde ifade edildi ve törenlere şarkılar ve danslar eşlik etti. Yıllık bir tatil döngüsü vardı: Noel, Noel, Maslenitsa, Saksağan (Larks), Paskalya, Egoriev Günü, Trinity, Ivan Kupala. Hepsinin, gündönümü ve gündönümü günlerine adanmış daha eski - pagan tatilleriyle aynı zamana denk gelmesi ilginçtir. En eski şarkı çemberi bu şekilde oluştu -takvim .

Yıl ilkbaharda başladı, o zamandıçiller ... İnsanların tüm eylemleri bir an önce ısınmaya yönelikti. Çocuklar hamurda pişmiş tarlakuşlarıyla koşuşturuyor, onları tarlaya dağıtıyor ya da uçuyormuş gibi görünmeleri için direklerde sallıyordu. Şafakta kadınlar ve kızlar tepelere ya da çatılara tırmanıp baharı çağırdılar. Bu şarkıların ezgileri, ısrarla tekrarlanan ünlem tonlamalarından oluşur. Dar bir aralık ve değişken mod, çillerin özellikleridir. Ayrıca, her kıta özel bir haykırışla sona erer - "boğmaca".

Carols (Lat. "her ayın ilk günü") - kış tören tatillerine zamanlanmış halk övgü şarkıları: Noel, Yeni Yıl, Epifani. Şarkılar, genellikle kötü ruhları korkutmak için giyinen gençler tarafından söylenirdi. Kutuplarda, güneşin bir sembolü olan kurdeleli bir daire taşıdılar. Her şarkının zorunlu bir kısmı vardır - bir ihtişam - bir tebrik. İyi dilekler için, sahiplerinin carolers'ı sunması gerekiyordu.

Noel'de (Noel'den Epifani'ye kadar olan zaman), genç merak etti. Falcılığa genellikle özel şarkılar eşlik ederdi -insanların altında ... Beyitler-bilmecelerden oluşuyorlardı: yakın bir düğün, zenginlik, refah, hastalık, hatta ölüm hakkında. Orada bulunanların küpeleri ve yüzükleri bir tabak veya su kabının üzerine katlanmıştır. Şarkı sırasında, seçilen kız küçük şeyleri tek tek çıkardı - yüzüğün veya küpenin sahibi ve tahmin amaçlandı.

yuvarlak dans aslen bahar şarkılarının çeşitlerinden biriydi. Daha sonra yıl boyunca ses çıkarmaya başladılar. Yuvarlak danslar (karavodlar, karagodlar, daireler) daireseldi ve dairesel değildi - şarkı oyunları (tanklar veya yürüyüşler). Şarkı oyunlarında dansçılar işçi hareketlerini taklit ediyor ya da komik sahneler canlandırıyorlardı. Yuvarlak dans şarkıları lirik, akıcı, telaşsız veya hızlı, komik olabilir.

Görevler:

Eski Slavların inançlarına göre, Bahar kuşların kanatlarında uçtu. En saygı duyulan kuş tarla kuşuydu. Bilin bakalım neden böyle bir isim var?

Şarkıcılar neden ayı, keçi, şeytan gibi giyindi? Bunun gibi bir kostüm çizin.

kehaneti biliyor musun? Yetişkinlere sorun ve bir şeyi açıklayın.

7. Ders

Rus halk müziği.

Aile ve ev. Destanlar. Lirik şarkılar. Chastushki.

Başka bir geniş şarkı çemberi -aile ve ev ... Hemen hemen tüm durumlar için Rus halk şarkıları vardı: Rodinnye, Krestbinskie, Ninniler, Düğün, Ağlama.

Ninni şarkı çocuğu uyuşturmaya hizmet ediyor. Çok basit, hatta monoton bir melodi sakin geliyor, ölçülü, kelimeler ve melodik dönüşler sıklıkla tekrarlanıyor - çocuk eğlendirilmemeli, uyutulmalıdır.

Eski bir Rus düğünü, geleneksel komedi ve dramatik sahnelerden, oyunlardan oluşuyordu ve tüm eyleme çeşitli sahneler eşlik ediyordu.düğünşarkılar. "Rollerin" doğru bir şekilde çizildiği ve bilindiği bu "performans", bazen birkaç gün sürdü ve tüm sakinleri katılımcılarına çekti. Adam her şeyden sorumluydu - ayinin tüm inceliklerini mükemmel bir şekilde bilen bir çöpçatan veya arkadaş. Gelin evinde düğün şenlikleri başladı: çöpçatanlık, gelin şovu, bekarlığa veda partisi, gelin fidyesi, gelinin ailesine vedası. Sonra herkes düğün için kiliseye gitti. Ve düğünün ikinci kısmı damadın evinde gerçekleşti. Burada masalar kuruldu ve şarkılar sürekli çalındı: şanlı, içki, komik, dans.

Halk müziğinde özel bir yeri vardır.ağlamak şarkı - keder, keder ifadesi ile ilişkili melodik olarak tonlanmış şiirsel doğaçlama. Cenazelerde, üzücü haberlerde, yabancı bir tarafa veya askerlere uğurlarken ve hatta düğünlerde - gelinin evine vedasında - ağlayarak şarkı söylediler. Bu şarkıların melodisi çok basittir, dar bir aralıkta inen düşük saniyelik tonlamalardan oluşur. Hat bazen iç çekme, bağırma veya ağlama ile kesiliyor. Her Rus kadını ağlayabilmeliydi ama bunu özel bir beceriyle yapan yas tutanlar vardı.

Rusya'nın yazılı olmayan tarihidestanlar (antik çağ, eski moda) - uzak tarihsel geçmiş hakkında efsanevi şiirsel anlatılar. Destanların kahramanları, insanların en iyi özelliklerini taşıyan, Rus topraklarının savunucuları olan kahramanlardır. Destanlar, guslinin ölçülü refakatine ilahi eşliğinde bir etki yapmıştır. İlk etapta metin vardı ve melodi ona yalnızca anlamlılık kattı. Destanların hikaye anlatıcılarına Boyan deniyordu. Hafızalarında çok sayıda hikaye tutan profesyonel müzisyenlerdi.

İnsanlar destan ile destan arasında ayrım yapmadılar.tarihi şarkı , hem birini hem de diğerini antik çağı çağırıyor. Ancak farklılıklar da çok önemliydi. Tarihi şarkılarda Rus tarihinin olayları daha doğru bir şekilde anlatıldı. Tatar-Moğol boyunduruğuna doğrudan katılımcılar tarafından bir araya getirildiler, Kazan'ın Korkunç İvan tarafından ele geçirilmesi, Polonya müdahalesiXVIIyüzyılda, Ermak ve Pugachev'in ayaklanmaları, Napolyon istilası vb. Müzikal olarak tarihi şarkılar destanlardan çok daha karmaşıktır. Net bir yapıya sahip parlak, akılda kalıcı melodiler metnin içeriğini vurgular.

Kalan lirik şarkılar insanın iç dünyasına, deneyimlerine, duygularına yöneldi. Onlara kalıcı denir çünkü heceler yaygın olarak söylenir - "bir mil öteden bir şarkı". Lirik şarkılar oldukça karmaşık melodilere, serbest ritime, değişken ölçüye ve armoniye sahiptir. Daha sonra - lirik çizilmiş şarkıların en parlak günü düşüyorXviiiYüzyıl. Bir de kendi evlerinden, acı kaderden, ayrılıktan, kadınların payından, zorla çalıştırmadan ve tabii ki aşktan bahsediyorlar. Doğaçlama (doğaçlama - Latince "beklenmedik, ani" den) ile karakterize edilirler, bu nedenle farklı bölgelerde aynı şarkı farklı şekillerde söylenir.

en son XIX yüzyıl ortaya çıktı pislikler ("sık" "hızlı" dan) - genellikle bir akordeon veya balalayka eşliğinde yapılan komik şarkılar, beyitler, dört satır. "Koro", "pribaski", "kısa eşler", "taratorki", "pribyaski" - Rusya'nın farklı bölgelerindeki ditties isimleri bu şarkıların özünü çok doğru bir şekilde aktarıyor. Lirik ditties "acı çekmek" olarak adlandırıldı. Rus halkı hala modern yaşamın olaylarına ısırma, komik şiir ile cevap vererek ditties oluşturuyor.

Görevler:

1. Hangi epik kahramanları biliyorsun? İsimlerini yazın.

   Sizin (veya ailenizin) bildiği tarihi şarkıların isimlerini hatırlayın ve yazın. Rus tarihinde hangi olayları anlatıyorlar?

   Ditties'i biliyor musun? Bildiğiniz kelimeleri yazın veya kendi ditty'nizi oluşturun. Bunu söyle.

8. Ders

Rus klasik müziğinde halk şarkısı.

Rus bestecilerin eserleri, halk şarkılarıyla ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır. MI Glinka şunları söyledi: “Müzik bizim tarafımızdan yaratılmamıştır, insanlar yaratılmıştır: biz sadece kaydediyoruz vedüzenlemek "(Ondan." Sıraya koymak için, "- bir müzik parçasının transkripsiyon işlemi) düzenleyin. SonundanXviiiYüzyıllar boyunca profesyonel müzisyenler, eserlerinde orijinal şarkıları kullanarak veya seslerini taklit ederek halk ezgilerine dikkat etmeye başladılar. Aynı zamanda, Rus halk şarkılarının ilk koleksiyonları ortaya çıktı. Ancak Rus halk sanatı özel ilgi gördü.XIXyüzyılda, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, P. I. Tchaikovsky, "Mighty Handful" bestecileri - M. A. Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky ve C. A. Cui. Türkü ezgilerini kaydettiler, işlediler ve incelediler. M. A. Balakirev, N. A. Rimsky-Korskakov, P. I. Tchaikovsky ve N. A. Lyadov tarafından düzenlenen Rus halk şarkılarının en ünlü koleksiyonları.

MA Balakirev - Rus besteci, müzikal ve halk figürü, müzisyenler derneğinin organizatörü "Mighty Handful" - 1860'ta Volga boyunca bir geziden sonra "ses ve piyano için düzenlenmiş 40 Rus halk şarkısı" koleksiyonunu yayınladı.

Özellikle sık sık çalışmalarında halk hikayelerine, imgelere ve melodilere yöneldi.N. A. Rimsky-Korsakov ... onun içinde opera "Sadko" (1896) Novgorod guslar hakkındaki Rus destanının arsa üzerine yazılan besteci, sanatın büyük gücünü yansıtıyor - hem geçmiş hem de şimdiki bestecilerin dikkatini çeken bir fikir (en azından eski Yunan şarkıcı Orpheus'un efsanesini hatırlayın) ). Sadko, şarkılarıyla zorlu Deniz Çarı'nı fethetti, kızı Volkhov'un sevgisini kazandı, yerli Novgorod'a zenginlik ve şan getirdi. Operanın melodileri ve alıntıları Rus halk şarkılarının ezgilerine çok yakındır, örneğin Sadko'nun ikinci resimdeki aryası "Oh, sen bir kara meşe ağacısın!" kalıcı bir lirik şarkının çok ince ve kesin bir stilizasyonudur. Lirik ve büyülü başlangıçlar Deniz Prensesi'nin ninnisinde birleşiyor - Volkhovs "Kıyı boyunca bir rüya yürüdü". Burada Rimsky-Korsakov da gerçek halk melodileri kullanıyor - "Cennet, Göksel Yükseklik" korosu destansı "Budimerovich Nightingale" nin melodisine yazılmıştır. Besteci burada sadece melodiyi değil, aynı zamanda halk sözlerini de korumuştur.

İÇİNDE opera "Görünmez Kitezh Şehri ve Kız Fevronia Efsanesi" (1907) Rimsky-Korsakov bir halk efsanesine atıfta bulunur. Tatar-Moğol istilası sırasında bileXIIIYüzyılda, bu şaşırtıcı derecede hafif efsane, Trans-Volga şehri Kitezh'in düşmanlardan mucizevi kurtuluşu hakkında insanlar arasında doğdu. Tatarlar, aşılmaz ormanlarda gizlenmiş Kitezh şehrine çıktıklarında, onlara sadece Svetloyar Gölü'nün boş kıyısı göründü. Ama suları şehrin duvarlarını, kiliselerin kubbelerini, kuleyi ve kulübeyi yansıtıyordu. Bunu gören düşmanlar dehşete kapılarak kaçtılar. "Kerzhenets Savaşı" senfonik ara bölümü, müzik yoluyla Kitezh savunucuları ile Tatarlar arasındaki eşitsiz savaşı anlatıyor. İki zıt temayı - Rus ve düşman - karşılaştıran besteci, bir savaş görüntüsü yaratır. Tatar işgalcilerin temasında, Rimsky-Korsakov (değiştirilmiş bir biçimde) "Tatar Hakkında Dolu" adlı tarihi şarkının melodisini kullandı.

Görev:

Bestecilerin Rus halk ezgilerini kullandığı derste dinlediğiniz parçaları hatırlayın.

Müzisyenler hakkındaki peri masallarının, hikayelerin, romanların veya şiirlerin adlarını hatırlayın ve yazın.

Rimsky-Korsakov'un Senfonik Intermission "Kerzhenets'te Savaş"ı dinledikten sonra kısa bir makale yazın.

Müzik dilinin ana unsurları

“Teori, armoni, çok seslilik vb. kelimelerden korkmayın. Onlara arkadaşça davran, sana gülümseyecekler."
(R. Schumann)

Müziğin ifade araçları zengin ve çeşitlidir. Çizim ve boyamada bir sanatçı, ahşap veya mermerde bir heykeltıraş ve sözcüklerde bir yazar ve şair çevredeki yaşamın resimlerini yeniden yaratıyorsa, besteciler bunu müzik aletlerinin yardımıyla yaparlar. Müzikal olmayan seslerin aksine (gürültü, gıcırdama, hışırtı). Müzikal seslerin kesin bir perdesi ve belirli bir süresi vardır. Ayrıca farklı renklere, yüksek veya sessiz sese sahip olabilirler ve hızlı veya yavaş gerçekleştirilebilirler. Melodi, ritim, mod ve armoni, kayıt ve tını, dinamikler ve tempo, müzik sanatının ifade araçlarıdır.

Melodi

Müzik dünyası Bach, Mozart, Grieg, Chopin, Çaykovski'nin güzel melodileriyle dolu...

Zaten bir sürü müzik parçası biliyorsun. Hafızanızda kalırlar. Onları hatırlamaya çalışırsanız, muhtemelen bir melodi mırıldanacaksınız. Alexander Puşkin, "küçük trajedi" "Mozart ve Salieri" de müzikal hafıza çalışmalarını dikkat çekici bir şekilde takip etti. Mozart, Salieri'ye şöyle haykırır:

Evet! Beaumarchais senin arkadaşındı;
Tarar'ı onun için besteledin,
Şanlı şey. Tek bir güdü var...
Mutlu olduğumda tekrarlayıp duruyorum...
La la la la...

Tarar, İtalyan besteci Antonio Salieri'nin Pierre Beaumarchais'in bir librettosuna yazdığı bir operadır.

Her şeyden önce, Mozart bir motifi - melodinin etkileyici bir parçacığını - hatırlıyor. Sebep, tüm melodi fikrini, karakterini uyandırabilir. melodi nedir? Melodi- tek bir sesle ifade edilen gelişmiş ve eksiksiz bir müzikal düşünce.

"Melodi" kelimesi iki kelimeden gelir - melos - şarkı ve kaside - şarkı. Genel olarak, bir melodi, sen ve benim söyleyebileceğimiz bir şeydir. Tamamını ezberlemesek de bazı motiflerini, sözlerini mırıldanıyoruz. Nitekim müzikal konuşmada da sözlü konuşmada olduğu gibi hem cümleler hem de deyimler vardır.

Birkaç ses bir motif oluşturur - melodinin küçük bir parçası. Birkaç motif bir cümleyi oluşturur ve ifadeler cümleleri oluşturur. Melodi, müzikal ifadenin ana aracıdır. Her parçanın temelidir, bir müzik parçasının ruhudur.

Bir melodinin hayatı, bir çiçeğin hayatı gibidir. Bir tomurcuktan bir çiçek doğar, açar ve sonunda solar. Bir çiçeğin ömrü kısadır ama bir melodinin ömrü daha da kısadır. Kısa sürede motiften çıkmayı, “çiçeklenmeyi” ve tamamlamayı başarır. Her melodinin bir “çiçeklenme noktası”, gelişiminin en yüksek noktası, duyguların en yüksek yoğunluğu vardır. Buna doruk denir. Melodi bir kadansla biter - sabit bir devir.

Bir çiçekle karşılaştırmaya devam edersek, o zaman çiçeklerin günün farklı saatlerinde çiçek açtığını hatırlamalıyız. Kimisi fincanlarını güneşin ilk ışıklarına doğru açar, kimisi sıcak bir öğleden sonra "uyanır", kimisi de kokularını gecenin serinliğine vermek için akşam karanlığını bekler.

Melodiler de farklı zamanlarda “çiçek açar”. Bazıları hemen tepeden başlar - doruk. Diğerlerinde, doruk melodinin ortasında veya sonuna yakındır. Bunun canlı bir örneği, E. Krylatov'un "The Adventures of Electronics" filminden "Winged Swing" (Y. Entin'in sözleri) şarkısıdır. Yavaş yavaş gelişen melodisi, en yüksek notanın sesli tekrarlarıyla vurgulanan bir doruğa ulaşır.

Melodinin yapısının konuşmanın yapısına benzer olduğunu görmek kolaydır. Cümleler kelimelerden, cümlelerden oluştuğu için, melodide küçük ifade parçacıkları - motifler - cümlelerde birleştirilir. Müzikal bir cümle, kural olarak, iki veya üç motiften oluşur. Süresi, icracının şarkı söyleyen veya bir nefesli çalgı çalan nefesinin süresi ile belirlenir. (Yaylı ve klavyeli çalgılar ile müzik çalarken, nefes almanın cümlenin değerine etkisi hissedilmez, ancak dikkate alınır.)

Genellikle bir nefeste (ekshalasyon) bir cümle yapılır. Ortak bir gelişim çizgisiyle birbirine bağlanan birkaç kelime öbeği cümleleri oluşturur ve cümleler de ayrılmaz bir melodi oluşturur.

Doruk noktası (Latince culminis - üstten) genellikle 8 barlık dönemin 5-6 barlarında veya 16 barlık dönemin 12-13 barlarında (yani dönemin üçüncü çeyreğinde) bulunur ve bu davalar sözde "altın oran" noktasına düşüyor ... "Altın Bölüm"ün anlamı, katı oranların, orantıların ve parçaların ve bütünün uyumlu dengesinin güzelliğindedir. İnsan vücudunun yapısında, mimaride ve resimde bir "altın oran" vardır. "Altın bölüm" ilkesi, 15. - 16. yüzyılın başlarındaki büyük İtalyan bilim adamı ve sanatçısı Leonardo da Vinci tarafından uygulandı, ancak oranlar doktrini antik Yunanistan'da başarıyla geliştirildi ve uygulamaya konuldu.

Halk müziği yaratıcılığı, harika melodilerin tükenmez bir hazinesidir. Dünya halklarının en iyi şarkıları, güzelliği ve etkileyiciliği ile ayırt edilir. Onlar farklı. Bazen öyle görünüyor ki, ilahinin sonu yok ve olmayacak. Bir ses diğerine dönüşür, şarkı sürekli bir akış halinde akar. Böyle bir melodi hakkında diyorlar: "büyük nefesin melodisi." Ayrıca cantilena denir. Besteciler P. Tchaikovsky, S. Rachmaninov ve diğerleri, bu tür melodiler yaratma yetenekleriyle ayırt edildi.

Bolşoy Çocuk Korosu tarafından seslendirilen Rus halk şarkısı "Bülbül"ü dinleyin. Geniş bir melodi telaşsız, melodik bir şekilde akar.

Ve tam tersi oluyor. Melodide uzun süre uzatılmış sesler yoktur, basit bir sohbete daha yakındır, içinde insan konuşmasının dönüşleri hissedilir. Benzer ezgileri destanlarda bulabiliriz. Halkın bylinaların bir etkisi olduğunu söylemesi boşuna değildir ve bylinas'ı icra edenlere hikaye anlatıcısı denir. Böyle melodiler denir ezberci.

"Resitatif" kelimesi, yüksek sesle okuma, ezberden okuma anlamına gelen Latince recitare'den gelir. Resitatif - yarı kabartmak, yarı komplo.

Özellikle besteciler, karakterlerin müzikal karakterizasyonunun araçlarından biri olarak hizmet ettiği operada resitatife yönelirler. Örneğin, Susanin'in resitatifinin telaşsız ve görkemli melodisinde, opera kahramanı M. Glinka'nın cesur görüntüsü yükselir.

Enstrümantal eserlerde, melodiler bazen vokal olanlardan, yani şarkı söylemeye yönelik olanlardan önemli ölçüde farklıdır. Müzik aletleri için oldukça geniş bir yelpazeye ve büyük sıçramalara sahip melodiler oluşturabilirsiniz. Polonyalı büyük besteci F. Chopin'in piyano eserlerinde enstrümental melodilerin dikkat çekici görüntüleri bulunabilir. E bemol majördeki gecesinde, geniş melodik melodik kalıbın karmaşıklığı ile birleştirilir.

Klasik müziğin tükenmez melodik zenginliği. F. Schubert'in şarkıları ve S. Rachmaninoff'un romantikleri, F. Chopin'in piyano parçaları ve G. Verdi'nin operaları, W. Mozart, M. Glinka ve P. Tchaikovsky'nin eserleri ve daha birçok besteci, parlak eserleri sayesinde dinleyiciler arasında popüler oldu. etkileyici melodiler

uyum

Bu, ana ifade araçlarından biridir. Müziğe renk verir ve bazen anlamsal ve duygusal yükün çoğunu kendi üzerinde taşır. Euphonious akorlar, uyum, güzellik, dolgunluk izlenimi bırakan bir uyum yaratır. Ve bazen melodiden daha büyük bir rol oynar. F. Chopin'in ünlü Prelüd No. 20'sini dinleyin. İçinde pratikte ayrıntılı bir melodi yok. Uyum genel ruh halini yaratır.

Melodi ile birlikte akor dizisi denir uyum.

Uyum sayesinde melodinin ifadesi artar, seste daha parlak ve daha zengin hale gelir. Akorlar, akorlar ve bunların dizilimi, melodi ile yakından etkileşime giren armoniyi oluşturur.

Chopin'in A majör Polonaise'inde kuyruklu piyanonun güçlü "orkestra" sesi, ciddi bir kahraman karakterin melodisine eşlik eden polifonik akorlar sayesinde elde edilir.

Müzikte kulağa hafif ve zarif gelen birçok parça var. Örneğin, dans etmek. Burada eş zamanlı sesli akorlar çok ağır ve garip algılanır. Bu nedenle, ölçülerin güçlü bir vuruşunda dansların eşliğinde, akorun (bas) alt sesi ayrı ayrı duyulur ve ardından diğer sesleri aynı anda çalınır. Bu tür bir armoni sunumu, müziğe sesin hafifliğini ve zarafetini veren F. Schubert'in A bemol majör Vals'inde kullanılır.

Melodik bir lirik karakterin eserlerinde, yumuşak, "tel" bir uyum sesi elde etmek için, akorlar genellikle seslerle ayrıştırılmış olarak kullanılır. L. Beethoven'ın Ayışığı Sonatı'nda, eşlikin böyle bir tınısı, hüzünlü bir melodinin telaşsız hareketiyle birleştiğinde, müziğe pürüzsüzlük verir ve yüce bir asil ruh hali yaratır.

Akor kombinasyonlarının olasılıkları, ünsüzler sonsuz çeşitliliktedir. Beklenmedik ve ani değişiklikleri, olağandışı ve gizemli bir şey izlenimi yaratır. Dolayısıyla besteciler muhteşem müzikler yazarken armoni müzik dilinin en önemli unsurlarından biri haline gelir. Örneğin, N. Rimsky-Korsakov'un "Sadko" operasında kuğuların kırmızı kızlara sihirli dönüşümünün mucizesi, "sihirli" akorların renkli bir değişiminin yardımıyla gerçekleşir.

Uyumun hakim olduğu, oyunun karakterini, havasını belirleyen müzikler vardır. J. Bach'ın İyi Temperli Clavier'in ilk cildinden Do majör girişini dinleyin.

Ayrışmış akorların telaşsız ve pürüzsüz değişiminde, gerilimlerin ve düşüşlerin değişmesinde, ciddi doruğa doğru istikrarlı harekette ve müteakip tamamlamada, eksiksiz ve uyumlu bir çalışma oluşur. Yüce bir barış havası ile doludur. Harmonik renklerin sihirli oyunundan büyülenen bu girişte melodi olmadığını fark etmiyoruz. Uyum, oyunun ruh halini tam olarak ifade eder.

Ritim

Ritim, müzikal seslerin zaman içindeki düzenleyicisidir. Ritim seslerin sürelerinin birbirine oranı anlamına gelir... Kalbin çalışması olmadan insanın yaşayamayacağı gibi, müzik de ritim olmadan var olamaz. Marşlarda, danslarda, hızlı oyunlarda ritim düzenler, hareketi düzenler, işin doğası buna bağlıdır.

Bir müzik parçası melodi ve armoni olmadan etkileyici olabilir mi? Cevap, "Mısır Geceleri" oyununun müziğinden S. Prokofiev'in orijinal oyunu "Panik" tarafından verilir. Eylem, efsanevi Mısır kraliçesi Kleopatra'nın sarayında gerçekleşir.

...Gece. Saray düşmanlarla çevrilidir - Romalıların birlikleri. Saray sakinleri esaret veya ölümle tehdit ediliyor. Korkudan perişan insanlar, sarayın uzak odalarından dışarı koşarlar. Kalabalığın içinde çıkışa koşarlar. Ve sonra son adımlar donuyor ...

Bu bölümü betimleyen besteci, etkileyici ritmin muazzam gücünü kullanır. Müziğin özelliği, sadece vurmalı çalgılarla icra edilmesi gerçeğinde yatmaktadır: trampet ve büyük davullar, timpani, tom-tomlar. Her enstrüman parçasının kendi ritim kalıbı vardır. Doruk noktasında, muazzam güç ve gerilime sahip ritmik bir enerji pıhtısı oluşur.

Yavaş yavaş, gerilim dağılır: tomtam susar, sonra timpani, trampet, büyük davul da kaybolur ... Böylece, Prokofiev, yetersiz müzik araçlarını kullanarak, ritmin ana rolü oynadığı parlak bir parça yarattı.

Ritmin ifade edici rolü, özellikle Fransız besteci M. Ravel "Bolero"nun ünlü orkestra eserinde canlı bir şekilde kendini gösterir. İspanyol dansının değişmez ritmik formülü, tüm parça boyunca burada sürdürülür (12 varyasyon şeklinde yazılmıştır). "Demir ritim", melodiyi bir tutuşta tutuyor gibi görünüyor ve ölçülü tutkulu İspanyol dansının gelişimindeki muazzam gerilimi yavaş yavaş artırıyor. Bolero'nun ritmik "formülü" davulcu solosu tarafından gerçekleştirilir.

Bunu müzikte hatırla uyum farklı yükseklikteki seslerin tutarlılığı anlamına gelir... Bu sesler ana ses etrafında birleşir - tonikler... Avrupa müziğinde en yaygın modlar şunlardır: ana ve küçük... Çaldığınız ve kitabımızda tartışılan eserlerin çoğu da bu iki modda yazılmıştır. Müziğin karakterinin teraziye bağımlılığı güçlü müdür? G. Sviridov'un "İlkbahar ve Sonbahar" adlı oyununu dinleyelim.

Besteci, aynı manzarayı yılın farklı zamanlarında seslerle boyadı. İlk bölümde, hafif şeffaf akorlar ve kırılgan bir melodik çizgi, bir bahar manzarasını yeniden yaratıyor. Müzik dinlerken ağaçları kaplayan yeşilin narin renklerini, çiçek açan bahçelerin hafif aromalarını, kuşların tiz seslerini hayal ederiz. Parça büyük bir ölçekte, yükseltilmiş, hafif geliyor.

Ama şimdi ruh hali değişti, hız yavaşladı. Tanıdık manzaranın renkleri soldu. Yağmurun gri ağının arasından çıplak ağaçların siyah siluetlerini görüyor gibisin. Sanki müzikten gün ışığı kaybolmuştu. Büyük ölçeğin bahar renkleri soldu, yerini minör aldı. Melodide, ahenksizlik-tritonların tonlamaları keskin bir şekilde işaretlendi. Yavaş tempo, hüzünlü minör akorların dışavurumunu artırdı.

Oyunun ikinci bölümünü dinlerken, ilk bölümün sadece bir versiyonu olduğunu rahatlıkla fark edebiliriz. Ancak mod değişikliği, karakter ve ruh hali açısından ilkinin tam tersi olan yeni bir parçanın çalındığı izlenimini yaratır.

Adımlamak

Elbette bu kelimenin hareket hızı anlamına geldiğini çok iyi biliyorsunuz. Doğru, bu terim hız kelimesinden değil, zaman (Latince tempus) kelimesinden gelir. Oyunun hem karakteri hem de ruh hali tempoya bağlıdır. Ninni hızlı bir şekilde yapılamaz ve dörtnal yavaş bir hızda yapılamaz.

Temel müzikal tempoları hatırlayalım. Onları İtalyanca olarak belirlemek gelenekseldir.

Largo - çok yavaş ve geniş.
Adagio (adagio) - yavaşça, sakince.
Andante(andante) - sakin bir adım hızında.
Allegro (Allegro) - hızlı.
Presto - çok hızlı.

Bu tempoların genellikle varyasyonları vardır:

Moderato (moderato) - orta, ölçülü.
Allegretto (allegretto) - oldukça canlı.
Vivace (canlılık) - canlı.

Büyük W. Mozart'ın ünlü D minör Fantezi'nin ana temasının bir parçasını dinleyin. Eşliğin yumuşak titreşimli dokusunun bu hassas, kırılgan melodiyle nasıl başarılı bir şekilde eşleştirildiğini duyun.

Ve bir sonraki örnek aynı zamanda Türk Marşı veya Türk Rondo'su olarak da bilinen piyano sonatının en popüler finali olan W. Mozart'ın müziğinden. Kışkırtıcı müzik, tamamen farklı. Burada W. Mozart üzgün hissetmiyor, rüya görmüyor, bulaşıcı bir şekilde eğleniyor.

Eskiden müzikte tempo yaklaşık olarak ruh haline göre belirlenirdi. Ancak bazen besteciler tempoyu çok kesin olarak tanımlamak istediler. 19. yüzyılın başında, Alman tamirci I. Melzel bunun için özel olarak metronomu icat etti. Gerekli hız metronom tarafından kolayca bulunur.

dinamikler

Performansın dinamikleri, yani sesin gücü daha az önemli değildir. Muhtemelen fark etmişsinizdir ki, performans sırasında müzisyenler ya yüksek sesle ya da alçak sesle çalıyorlar. Müzisyen çok istediği için bu olmuyor. Böylece besteci, niyetini ortaya çıkarmanın hangi dinamik tonların yardımıyla mümkün olduğunu düşündü ve belirtti.

İki ana dinamik renk tonu vardır ve bunları çok iyi bilirsiniz: forte - yüksek sesle ve piyano - sessiz. Notlarda İtalyan harfleriyle yazılmıştır: F ve P.

Bazen bu gölgeler yoğunlaşır. Örneğin, çok yüksek - FF (fortissimo) veya çok sessiz - PP (pianissimo). Çoğu zaman, bir parçanın seyri sırasında sesin gücü birden fazla kez değişir. P. Çaykovski'nin "Baba Yaga" oyununu hatırlayalım. Müzik zar zor duyulabilir bir şekilde başlar, ardından sesi yükselir, çok yüksek bir seviyeye ulaşır ve yavaş yavaş tekrar azalır. Sanki uzaktan Baba Yaga ile bir stupa belirdi, yanımızdan geçip gitti ve uzaklarda kayboldu.

Dinamik tonların bir bestecinin canlı bir müzikal görüntü oluşturmasına nasıl yardımcı olabileceği aşağıda açıklanmıştır.

tını

Aynı melodi piyanoda, kemanda, flütte ve gitarda çalınabilir. Ve şarkı söyleyebilirsin. Ve tüm bu enstrümanlarda aynı tuşta, aynı tempoda, aynı nüans ve vuruşlarla çalsanız bile, ses yine de farklı olacaktır. Ne ile? Sesin rengi, tınısı. Bu kelime, çan anlamına gelen Fransızca tınıdan ve ayrıca bir işaret, yani ayırt edici bir işaretten gelir.

tını- her sese ve enstrümana özgü sesin özel bir renklendirmesi. Bu renklendirme ile farklı sesleri ve enstrümanları birbirinden ayırıyoruz.

Im tarafından seslendirilen bir Rus halk şarkısını dinleyin. Pyatnitsky "Bir çoprabalığıyla yürüyorum."

Şarkı söyleme seslerinin çeşitliliği, özellikle bestecinin her karakter için karakterinin en uygun tınısını seçtiği operada fark edilir. N. Rimsky-Korsakov'un "Çar Saltan'ın Hikayesi" operasında, Kuğu Prenses'in kısmı soprano için yazılmıştır ve Babarikha'nın çöpçatanı mezzo-soprano içindir. Tsarevich Guidon rolünün sanatçısı bir tenor ve Çar Saltan bir bas.

Kayıt ol

Piyano klavyesinin her yerinde dolaşın. En düşük seslerin en yüksek seslerden nasıl farklı olduğunu duyun.

Enstrümanla yeni tanışmaya başladığınızda, muhtemelen aşağıda “ayı bir ininde yatıyor” ve yukarıda “kuşlar şarkı söylüyor” söylendi. Ama ortadaki tuşlar kulağa en melodik geliyor. En çok müzikte kullanılırlar. Ve onlara ulaşmak daha uygun olduğu için değil, müzikal ifade açısından diğerlerinden daha zengin oldukları için. Ancak, örneğin, bir fırtınayı tasvir etmeniz gerekiyorsa, o zaman basta gök gürültüsü ve “kuş” kaydında parıldayan şimşek zikzakları olmadan nasıl yapabiliriz?

Piyano tuşu sırası nedir? Bir dizi ses. Ve daha kısaysa - ölçek. Bu, kaydın ölçeğin bir parçası olduğu anlamına gelir. Bu doğrudur, ancak bize kayıtların kendileri hakkında - doğası, özellikleri hakkında hiçbir şey söylemez.

Burada, örneğin, orta kayıttır. İçinde şarkı söyleyip konuştuğumuz. Kulağımız en iyi "konuşan" dalgaya ayarlıdır. Ayrıca siz bilseniz de bilmeseniz de müziği sadece kulaklarımızla değil ses tellerimizle de dinliyoruz. Bir melodiyi dinlediğimizde, beğensek de beğenmesek de akorlarımız onu sessizce söyler. Bu nedenle, bir şarkıcı bağlarla hastalandığında, sadece kendisinin şarkı söylemesine değil, aynı zamanda diğer şarkıcıları da dinlemesine izin verilir.

Buradan şu sonuç çıkıyor: Daha iyi ve daha temiz şarkı söyleyen, müziği daha iyi duyan ve ondan daha çok zevk alan kişi. Zaten tanıdığınız R. Schumann'ın "Genç Müzisyenler İçin Kurallar" adlı kitabında şunları yazması tesadüf değil: "Koroda özenle şarkı söyleyin."

Orta kayıt bize en tanıdık olanıdır. Ve bu kayıtta yazılan müziği dinlediğimizde, kaydın kendisine değil, diğer ayrıntılara dikkat ediyoruz: melodi, armoni ve diğer etkileyici ayrıntılar.

Ve alt ve üst kayıtlar, özel kayıt ifadeleriyle keskin bir şekilde ayırt edilir. Küçük harf bir büyüteç gibi görünüyor. Müzikal imgeleri daha büyük, daha önemli, daha anlamlı kılar. Korkutabilir. Ve "Şşş, bu bir sır" deyin.

E. Grieg'in "Dağ Kralının Mağarasında" adlı oyunu gizemli ve alışılmadık bir şekilde başlar. Ve işte N. Rimsky-Korsakov'un senfonik süiti "Scheherazade"den müthiş kral Shahriar'ın ürkütücü teması.

Aksine, üst kayıt, içindeki sesi "azaltıyor" gibi görünüyor. P. Çaykovski'nin Çocuk Albümünde Tahta Askerler Yürüyüşü var. İçindeki her şey gerçek bir askeri yürüyüşe benziyor, ama küçük, "oyuncak".

Artık şunu söyleyebiliriz Kayıt ol- bu, belirli bir ses rengine sahip ölçeğin bir parçasıdır. Üç kayıt vardır: üst, orta ve alt.

Aynı deftere yazılan örnekleri dinledik. Ama çok fazla böyle bir müzik yok. Besteciler genellikle tüm kayıtları bir kerede kullanır. Örneğin, Nocturne piyano parçasındaki E. Grieg gibi. Nokturne gece demektir. Norveç'te, E. Grieg'in anavatanında, yaz geceleri St. Petersburg'dakiyle aynıdır. E. Grieg'in Nocturne müziği renkli ve pitoresk. Kayıt renkleri bu ses resminde önemli bir rol oynamaktadır.

Sunum

Dahil:
1. Sunum - 30 slayt, ppsx;
2. Müzik sesleri:
Bach. Do minör Prelüd (İspanyol klavsen) Beethoven. Sonat "Ay Işığı", I. Kısım - Adagio sostenuto (parça), mp3;
Glinka. Susanin'in "Life for the Tsar" operasından resitatif "Feel the Truth", mp3;
Grieg. "Peer Gynt" süitinden "Dağ Kralının Mağarasında" (fragment), mp3;
Grieg. "Lyric Suite"ten Nocturne (fragman), mp3;
Mozart. Rondo Türk tarzında (fragment), mp3;
Mozart. Fantasia Re minör (fragman), mp3;
Prokofyev. "Panik", "Mısır Geceleri" oyununun müziğinden, mp3;
Ravel. "Bolero" (parça), mp3;
Rimsky-Korsakov. "Sadko" operasından "kuğuların kızıl bakirelere dönüşmesinin mucizesi", mp3;
Rimsky-Korsakov. "Şehrazat" senfonik süitinden Shahriar'ın teması, mp3;
Sviridov. "İlkbahar ve Sonbahar", mp3;
Çaykovski. "Çocuk Albümü"nden "Baba-Yaga", mp3;
Çaykovski. "Çocuk Albümü"nden "Tahta Askerlerin Marşı", mp3;
Chopin. E bemol majörde Nocturne, Op. 9 No. 2 (parça), mp3;
Chopin. Polonez A majör, op. 40 No. 1 (parça), mp3;
Chopin. Do minör Prelüd, op. 28 No.20, mp3;
Schubert. Vals A düz majör, mp3;
"Bir çoprabalığıyla yürüyorum", mp3;
"Bülbül" (İspanyolca), mp3;
3. Eşlik eden makale - ders özeti, docx.

Müzik, seslerin ve sessizliğin zamanla karıştırılması sonucu oluşan duygusal atmosferi, onu yazan kişinin incelikli duygularını iletir.

Bazı bilim adamlarının çalışmalarına göre müzik, kişinin hem psikolojik hem de fiziksel durumunu etkileme özelliğine sahiptir. Doğal olarak, böyle bir müzik parçasının, yaratıcısı tarafından bilerek ya da bilmeden ortaya konan kendi karakteri vardır.

Müziğin doğasının tempo ve sesle belirlenmesi.

Rus müzisyen ve eğitim psikoloğu V.I.Petrushin'in eserlerinden, eserdeki müzikal karakterin aşağıdaki temelleri ayırt edilebilir:

1. ses ve yavaş tempo, üzüntü duygusunu aktarıyor. Böyle bir müzik parçası, kendi içinde geri dönülmez parlak geçmiş hakkında pişmanlık taşıyan, hüzünlü, keder ve umutsuzluk iletici olarak nitelendirilebilir.
2. sondaj ve yavaş bir tempo, bir sakinlik, memnuniyet durumu getirir. Bu durumda bir müzik parçasının karakteri dinginlik, tefekkür ve duruş içerir.
3. Küçük sesler ve hızlı tempo, öfke duygularını çağrıştırır. Müziğin doğası tutkulu, heyecanlı, yoğun dramatik olarak tanımlanabilir.
4. Büyük renklendirme ve hızlı tempo, hiç şüphesiz, iyimser ve yaşamı onaylayan, neşeli ve coşkulu bir karakterin işaret ettiği neşe duygularını taşır.

Müzikte dinamikler, tınılar ve armoni araçları gibi ifade unsurlarının herhangi bir duygunun yansıması için çok önemli olduğu vurgulanmalıdır; bir eserde müzikal karakter aktarımının parlaklığı büyük ölçüde onlara bağlıdır. Bir deney yapar ve aynı melodiyi majör veya minör sesle, hızlı veya yavaş bir tempoda çalarsanız, melodi tamamen farklı bir duygu iletecek ve buna bağlı olarak müzik parçasının genel karakteri değişecektir.

Bir müzik parçasının karakterinin ve dinleyicinin mizacının oranı.

Klasik bestecilerin yapıtlarını modern ustaların yapıtlarıyla karşılaştırırsak, müzikal renklendirmenin gelişiminde belirli bir eğilimin izini sürebiliriz. Gittikçe daha karmaşık ve çok yönlü hale geliyor, ancak duygusal arka plan, karakter önemli ölçüde değişmiyor. Sonuç olarak, bir müzik parçasının karakteri zamanla değişmeyen bir sabittir. 2-3 yüzyıl önce yazılan eserler, çağdaşlar arasında popülerlik döneminde olduğu gibi dinleyici üzerinde aynı etkiye sahiptir.

Bir kişinin sadece ruh haline göre değil, bilinçsizce mizacını da dikkate alarak müzik dinlemek için seçtiği ortaya çıktı.

1. Melankolik - yavaş küçük müzik, duygu - üzüntü.
2. Choleric - küçük, hızlı müzik - duygu - öfke.
3. Flegmatik - yavaş ana müzik - duygu - sakinlik.
4. Sanguine - büyük, hızlı müzik - duygu - neşe.

Kesinlikle tüm müzik parçalarının kendi karakterleri ve mizaçları vardır. Başlangıçta yazar tarafından, yaratılış sırasındaki hisler ve duygular tarafından yönlendirildiler. Ancak dinleyici, yazarın iletmek istediğini her zaman tam olarak deşifre edemez, çünkü algı özneldir, dinleyicinin kişisel mizacına göre duygu ve duygularının prizmasından geçer.

Müzikte ritim nedir, ritmi inceler ve ustalaşırız

Ritim, bir müzik parçasının icrasında temel bir unsurdur. Bu durumda ritmin melodiden bağımsızlığından bahsedebiliriz. Böylece her insan, kalp atışından, perde bileşeni olmayan vurmalı çalgılarla bitene kadar, çevresinde binlerce ayrı varoluş örneğini gözlemleyebildi. Ritim olmadan neredeyse hiçbir melodi olamaz.

Profesyonellik derecesi ne olursa olsun, her müzisyen ritmin temellerini hesaba katmalı, belirli terminolojiyi bilmeli ve ayrıca önerilen ritimde bir parça veya müzik parçasını yeniden üretebilmelidir. Bu sayfa, uygulama için gerekli olan temel kavramları ve terminolojiyi açıklamaktadır.

Ritim, süre ve duraklama

bakalım ne var ritim... Bir müzik terimi, zaman uzayında müziğin açık bir organizasyonudur. Bir dizi süre ve duraklamadan bir yapı oluşur. Tablo, süreleri ve bunların tanımlarını gösterir.

Süre adı	atama yaz		Hesap sayısıbir süre için
	çıta üzerinde	personel dışında
Tüm			1 ve 2 ve 3 ve 4 ve
Yarım			1 ve 2 ve
Çeyrek			1 ve
Sekizinci		veya
on altıncı		veya	sekizinci yarı

Sürelerin birbirine oranını gösteren özel bir tablo bulunmaktadır.

gibi bir kavramla uğraşmaya değer. Duraklat müzikal bir ritimde. Duraklama, müzikte sessizlikle dolu bir zaman dilimidir. Aşağıdaki duraklama boyutları vardır:

1. Tam bir duraklama. Süre bir tam notaya eşittir. Asanın üçüncü satırının üzerinde siyah dolgulu bir dikdörtgen ile gösterilir.
2. Yarım duraklama. Yarım notaya eşit. Asanın üçüncü satırında bulunan siyah bir dikdörtgen ile gösterilir.
3. Çeyrek duraklama, çeyreğe eşittir. Neredeyse tüm personel için mecazi olarak belirlenmiştir.
4. Sekizinci duraklama, süre olarak sekizinci duraklamaya benzer. Tanım olarak, büyük "h" harfine benzer.
5. On altıncı dinlenme, karşılık gelen notaya eşittir. Mektupta önceki süreye benzer, fark kuyruğun iki katına çıkmasıdır.

Bazı müzisyenlerin duraklamaları duraklar olarak algıladıkları ve bunun sonucunda genel ritmik anahattan saptıkları belirtilmelidir. Bir duraklama, bir parçada büyük rol oynayan bir sessizliğin işaretidir. Süresini uzatan bir önceki nota pahasına duraklamalar yemek kesinlikle önerilmez. Aksi takdirde, müzikal düşünce kaybolur. Bir orkestra, topluluk veya grupta çalarken bu prensibi dikkate almak özellikle önemlidir. Sonuçta, duraklamalar dikkate alınmazsa, sesler üst üste binerek kakofoni yaratacaktır.

Temel terminoloji

Profesyonel müzikte ritim, ölçü, ölçü, tempo ve zaman imzası gibi kavramlar olmadan olmaz.

• Metre bir müzik parçasındaki aksanların tek tip bir değişimidir.
• incelik Nota veya dinlenme olarak hesaplanan metrenin bir ölçü birimidir. Dört çeyrekte, çubuktaki ilk nota güçlü vuruş, ikincisi zayıf, üçüncüsü nispeten güçlü ve dördüncüsü zayıf. Çubuklar kendi aralarında bir çizgi ile bölünmüştür. Eser çift hat ile kapatılmıştır.

• Boyut- personelin başında duran, üst üste yerleştirilmiş iki sayı. Üstteki şekil, bir ölçüdeki sürelerin sayısını, alttaki rakam ise geçerli olan süreyi gösterir. Tanım, anahtar ve anahtar işaretlerinden sonra bulunur. Göstergenin işin başında yalnızca bir kez çoğaltılması dikkat çekicidir, aşağıdaki satırlarda boyutu tekrar belirtmeniz gerekmez. İstisna, yeni bir değişikliktir.

Resim 4/4 boyutunu gösterir (dört çeyrek)

Çeyreklerin belirtilmesi, ölçümde yalnızca süre verilerinin kullanılacağı anlamına gelmez. Farklı uzunluklarda süreler kullanılabilir, ancak bunların toplamı boyutu geçmemelidir. Doğru ve yanlış örneklere bakalım.

Boyutların basit, karmaşık, karışık ve değişken olduğunu düşünmeye değer.

İlk basit grup, ağırlıklı olarak, güçlü vuruşa yalnızca bir vurgu yapılan iki veya üç vuruşlu boyutu içerir. En yaygın boyutlar iki çeyrek, iki buçuk, iki sekizinci, üç çeyrek, üç sekizinci ve üç buçuktur.

Karmaşık boyutlar, iki basit boyut birleştiğinde ortaya çıkar, genellikle güçlü vuruşun ana vurgusuna göreli bir ek vurguya sahiptirler. Bu grup şunları içerir: dört çeyrek, altı sekizli, on iki sekizli, altı çeyrek, vb.

Karışık özel bir kategori oluşturur. Birkaç basit eşit olmayan boyutun birbirine bağlanmasından oluşurlar. Grup, beş çeyrek, beş sekizde, yedi çeyrek ve yedi sekizde gibi birimleri içerir.

Değişken ölçüm, öncelikle halk müziği için, öncelikle Rus türküleri için tipiktir. Çarpıcı bir örnek "Vanya oturdu" şarkısıdır.

Popüler dört çeyrek boyut, büyük harf C olarak gösterilir, bu nedenle bu atamadan korkmamalısınız.

• Adımlamak Bir müzik aletinin çalınma hızını belirleyen müzikal bir özelliktir. Genellikle tempo, eserin başında, kadronun üzerinde yer alır ve İtalyanca olarak yazılır. Yavaş, orta ve hızlı tempo olmak üzere üç grup vardır. Ayarlanan değere bağlı olarak parçanın sesi farklı olabilir. Genellikle tempo, metronom adı verilen özel bir cihazda ayarlanır. Değer ne kadar yüksek olursa, hız o kadar hızlı olur.

Ek işaretler

Ritim oluşumunda aktif rol alan bazı notasyon işaretleri vardır. Aynı perde seviyesindeki iki nota sıralanırsa, bu, ilk sesin toplam süre boyunca geçerli olması gerektiği anlamına gelir. Bu genellikle karmaşık boyutlarda gruplandırmayı sürdürmek için gereklidir.

Örneğin, dörtte dörtlük bir beden alalım. Karmaşıktır ve ilk vuruşta güçlü bir vurguya ve üçüncü vuruşta nispeten güçlü bir vurguya sahiptir. Bu nedenle, ölçünün birinci ve üçüncü vuruşları hakkında notlar bulunmalıdır. Çeyrek, yarım ve çeyrek ritmini kaydetmek için temel gruplama kurallarına uymalısınız.

Yani bir notadan sonra bir nokta varsa, bu onun sesini tam olarak yarı yarıya artırır. Örneğin, noktalı bir çeyrek, sekizde bir çeyrek sese eşittir.

Genellikle noktalı süre noktalı ritmin yanında yer alır. Terim, noktalı bir süre ve mantıksal tamamlamadan oluşan ritmik bir figürü ifade eder. Bu nedenle en yaygın seçenekler, noktalı çeyrek ve sekizinci, noktalı sekizinci ve on altıncıdır. Müzikal bir örnek düşünelim.

Resimden de görebileceğiniz gibi, noktalı ritim esas olarak bir ölçünün güçlü veya nispeten güçlü vuruşlarında kullanılır.

Ek işaretlerden bir diğeri çağrılabilir fermata.

Bu müzikal işaret, bir icracının fermata ile işaretlenmiş bir notayı sınırsız bir süre boyunca sürdürebileceğini gösterir.